Titel	Neverness to Everness
	29. April 2026
	Perfect World Games
	29. April 2026
	Perfect World Games
	29. April 2026
	Perfect World Games
System	PS5, PC, Mobile
Getestet für	PC
Entwickler	Hotta Studio
Genres	Action-RPG
Texte
Vertonung

Neverness to Everness ist ab sofort für alle spielbar, auch für Fans mit chronisch leichtem Geldbeutel. Nach der tollen Beta blickten wir gespannt der Vollversion entgegen. Nicht nur Teile unserer Community konnten wir mit der Begeisterung für dieses überaus ambitionierte Free-to-play-Gacha-Game der Hotta Studios und Perfect World Games anstecken, sondern sogar mehrere tausend Fans im deutschsprachigen Raum, welche unseren Anspielbericht per Internetsuche fanden. Dazu kommen über 35 Millionen Vorregistrierungen weltweit durch eine massive Social-Media-Marketingkampagne zum Spiel, die wir in dieser Form noch selten erlebt haben.

Kann Neverness to Everness am Ende die Erwartungen der Fans erfüllen, oder geht es wie bei Nanally im Spiel nach einem ambitionierten Sprint an der Fassade der Hochhäuser schnell auf den Boden der Tatsachen zurück? Um eines vorwegzunehmen: Das Gameplay und die Story sind sehr gut. Doch es gibt auch mehrere Probleme, die sich bereits in der Beta abzeichneten.

Das vielleicht ambitionierteste F2P-Gacha-Spiel bisher

Das Gameplay von NTE ist vielfältig, die unzähligen Möglichkeiten in der Großstadt Hethereau fast schon überwältigend. Beginnend mit einer großen Schlacht, in der eine riesige Anomalie außer Kontrolle geraten ist und die imaginäre chinesische Großstadt „Hethereau“ zu übernehmen droht, seid ihr als Anomalie-JägerIn eines Antiquitätenladens dafür verantwortlich, auftauchende Anomalien zu bewerten und bei Bedarf auch zu bekämpfen.

Diese sind in NTE omnipräsent – an allen Orten entstehen sie, kreieren Monster im „Gravity Rush“-Stil, verursachen Raum-Zeit-Verschiebungen und verleihen Menschen, Tieren und Objekten übernatürliche Kräfte. Die von der Realität abgetrennten Orte erinnern häufig an die Dungeons der Persona-Reihe, sind jedoch im Gegensatz zu diesen nicht zufallsgeneriert. Wer mehr über die ersten Stunden der Story wissen möchte, dem sei unser Anspielbericht der Beta nahegelegt.

Die Präsentation der Story und Großstadt überzeugt

Die Story-Sequenzen werden aufwändig und beeindruckend präsentiert, oft garniert mit handgezeichneten 2D-Overlays oder gar komplett handgezeichneten Szenen. Auch bei der Musik wurde nicht gespart: Die orchestrale Musikuntermalung ist während der Hauptstory top und unterstützt die mysteriöse Atmosphäre des Spiels sehr gut. Kameraarbeit und Inszenierung wurden zum Start noch mal verbessert, auch an den Effekten wurde noch mal geschraubt. Dadurch wirkt die Großstadt inklusive angrenzender Regionen noch mal etwas runder und überzeugender.

Neverness to Everness ist im aktuellen Zustand ein Spiel, das es durchaus mit Vollpreis-Produktionen aufnehmen kann. Zu viel sollte man jedoch auch nicht erwarten – ein echter „GTA“-Konkurrent zum Nulltarif ist NTE nicht. Dennoch macht das vielleicht ambitionierteste F2P-Gacha-Spiel bisher sehr viel Spaß und bietet sehr viel Freiheit und Möglichkeiten abseits des roten Story-Fadens, vom Betreiben einer Café-Kette über den Kauf mehrerer Penthouse-Wohnungen bis hin zu Stadt-Lieferungen und Rennen mit sportlichen Motorrädern und Fahrzeugen. Dazu gibt es mehrere Minispiele, von Angeln über Mahjongg, Bandproben, bis hin zu Gacha-Sammlungen, Greifarm-Automaten und Multiplayer-Tetris in der Arcade.

Viele kleine Probleme im Detail

Bei der ungeheuren Masse an Spielinhalt bleibt es nicht aus, dass manche Bereiche nicht ganz optimal wirken. Vereinzelte Animationen sind ziemlich steif, was besonders in den Zwischensequenzen auffällt. Bei wichtigen Szenen wurde allerdings ordentlich an den Animationen gefeilt.

In den actionreichen Kämpfen könnte die Kamera gerne noch etwas flexibler und dynamischer sein, ebenso wirkt das Fahrgefühl mehrerer Fahrzeuge noch nicht wirklich gut. Viele amüsante Momente brachte die noch etwas unausgereifte Kollisionserkennung.

Unser Favorit war die ohne Fremdeinwirkung einknickende Straßenlampe auf der anderen Straßenseite, als wir einen Metallzaun überfuhren – offenbar eine schwer erklärbare Kettenreaktion der Physik-Engine des Spiels, denn die Straßenlampe war ebenfalls von Metallabsperrungen umgeben. Dazu kommt das bisher etwas vernachlässigte Autoradio, das nach mehreren Stunden Spielzeit etwas repetitiv wirkt. Doch das meiste davon ist zu verschmerzen, da der Kern des Spiels überzeugt.

Kritik aus China am Pacing

Die lobenswerte, spannende und mysteriöse Story bekommt nach wenigen Stunden einen leichten Dämpfer. Das Story-Pacing wird in der bereits spielbaren China-Version des Spiels kritisiert und das nicht zu Unrecht. Die Hauptquest des Anomalie-Otters Tageydo wirkt nach einer spannenden Anfangsphase fehl am Platz.

In dieser Mission müsst ihr eurem kleinen Freund beim Dating helfen. Ohne zu viel spoilern zu wollen wirkt die Story etwas konstruiert, führt euch aber währenddessen durch zentrale Bereiche von Hethereau und zeigt auf, dass auch kleine Anomalien in der Masse zum Problem werden können. Sowohl vor als auch nach dieser Questline geht es in den aufwändig und kreativ gestalteten Dungeons spannend und mysteriös zu – nur dieser Teil wirkt wie eine zu groß geratene Nebenquest, die sich in die Hauptquests verirrt hat.

Monetarisierung ins Gameplay eingebaut – Grind ist vorprogrammiert

Wie bei vielen F2P-Spielen ist die Monetarisierung ins Gameplay eingebaut. In den Kernpunkten orientiert man sich an anderen Genrevertretern, das Charakter-Gacha ist sogar auffällig fair und auch die Haupt-Storyline ist lange ohne Grind oder zusätzliche Ausgaben spielbar.

Jedoch ist das bereits im Anspielbericht angesprochene, süchtig machende multiple Level-System der verschiedensten Bereiche des Spiels ein Faktor, der wie befürchtet zum Problem wird. Die verschiedenen Level messen nicht nur die Progression in verschiedensten Bereichen des Spiels, sondern limitieren sie zum Teil auch. Solltet ihr also außerhalb der Hauptquests mehrere Bereiche der Stadt ausbauen wollen, stellt euch auf eine mühsame Progression ein – oder zahlt Echtgeld.

Nicht nur Echtgeld ist ein Thema in NTE, auch die virtuelle Ingame-Währung ist zum Teil nur schwer zu verdienen. Das liegt an den limitierten Energie-Ressourcen, die ihr für Ingame-Jobs nutzen könnt. Kurz: Um euch eine teure Penthouse-Wohnung im Stadtzentrums-Wolkenkratzer mit moderner Einrichtung inklusive sportlichem Flitzer leisten zu können, ist wochen-, wenn nicht sogar monatelanger Grind angesagt.

Es gibt im Spiel jedoch die Möglichkeit, mit illegalen Aktivitäten schnell reich zu werden. Denn wo Reichtum angehäuft ist, gibt es auch einen Tresor, der geknackt werden will. Die Community sammelt hierzu bereits die besten Optionen, die jedoch riskant werden können und euch im schlechtesten Fall ein oranges Jäckchen und eine kleine Gitterzelle einbringen. Auf der anderen Seite muss das auch nicht unbedingt negativ sein: Für Unterhaltung bis in den Herbst hinein ist damit gesorgt.

Spielperformance in den unteren Qualitätsstufen gut

Etwas zu viel versprochen haben die Hotta Studios und Perfect World bei den High-End-Grafikoptionen. Das volle Feature-Set von DLSS 4.5 inklusive Raytracing und Multi Frame Generation und die vielen Einstellungsmöglichkeiten der Unreal Engine 5 sind vorhanden. Doch die Performance bei den High-End-Optionen enttäuscht und führt zu wiederholten Framerate-Einbrüchen.

Ein exklusives PC-Problem ist die Shader-Kompilierung – schon die ersten Minuten von Neverness to Everness sind durchsetzt von kleinen Rucklern. Ebenso PC-exklusiv dürfte die schwache Implementierung von Raytracing und HDR sein, die vor allem bei der Beleuchtung deutlich sichtbare Probleme hervorrufen. Das Pop-in von Objekten ist etwas zu deutlich sichtbar und störend.

In niedrigen und mittleren Grafiksettings ist die Performance jedoch überraschend gut für ein derart ambitioniertes Spiel. Erste Berichte aus China stellen fest, dass das Spiel auch unter den ohnehin schon geringen Mindestanforderungen noch akzeptabel läuft – zum Beispiel auf Grafikkarten mit nur 4 GB VRAM oder diversen integrierten Grafikeinheiten.

Kurz zusammengefasst: Alles über mittleren Grafikeinstellungen benötigt noch Optimierung bei der Performance, darunter läuft das Spiel jedoch hervorragend. Auf den Smartphones, insbesondere dem iPhone, wird die Performance auf Social Media durchweg gelobt.

Beschäftigt über Monate, hat aber auch mit Problemen zu kämpfen

Bildmaterial: Neverness to Everness, Perfect World Games, Hotta Studio

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Aber auch Square Enix sorgte Anfang des Jahres bereits für hochgezogene Augenbrauen: Der Startschuss für die groß angelegte Remake-Trilogie von Final Fantasy VII ist auch auf Switch 2 bestens aufgehoben. In unserem Test kassierte der Titel entsprechend dickes Lob – „ein Meilenstein, jetzt auch für unterwegs“, so unser Fazit. 

Weite Welt statt enge Straßen – problematisch?

Wer A sagt, muss auch B sagen. Folgerichtig dürfen sich Switch-2-Besitzer auch auf die baldige Fortsetzung von Clouds Abenteuer freuen – am 3. Juni findet nach „Remake“ auch „Rebirth“ seinen Weg auf die Hybridkonsole. Wir haben schon vorab ein wenig reinspielen dürfen und sind guter Dinge, dass die Fortsetzung an die technische Finesse des Erstlings anknüpfen kann.

Das ist keine Selbstverständlichkeit. Immerhin tauscht „Rebirth“ die streng abgesteckten Gassen von Midgar gegen die Weiten der Welt aus, die ihr in bester Open-World-Manier bereist. Klingt nach dem besten Rezept, um die junge Nintendo-Konsole in die Knie zu zwingen. In unserer Anspielrunde waren wir aber begeistert, wie rund unsere Erkundungen von Kalm und seinem Umland liefen. 

Sicher, die grafische Pracht der Konkurrenz-Plattformen dürft ihr nicht erwarten. Die Switch-2-Fassung kommt mit einer deutlich weicheren Auflösung daher, schraubt den Detailgrad hier und da merklich herunter und bietet lediglich 30 anstelle von 60 Bildern pro Sekunde.

Letztere blieben im Rahmen der Anspielrunde aber erfreulich stabil, größere Einbrüche konnten wir keine feststellen. Ebenso angetan waren wir von der komplexen Nutzung des Rumble-Features der Joy-Con 2. Wichtig: Das Hands-on war lediglich im Handheld-Modus möglich. Gut möglich, dass „Rebirth“ im TV-Modus nochmal positiv an der Auflösung und weiteren Aspekten schraubt. 

Spielerisch bleibt alles beim Alten – wie schon die Switch-2-Ausgabe von „Remake“ ergänzt „Rebirth“ aber praktische Game-Boost-Funktionen. Diese machen kleinteilige Anpassungen der Spielerfahrung möglich: Ihr wollt keinen Schaden nehmen? Kein Problem. Jeder Hieb verursacht maximalen Schaden? Auch kein Ding. Der Geldbeutel ist leer? Mit einem Knopfdruck wieder aufgefüllt. Die Funktionen sind kein Muss, gerade für Story-Liebhaber und Nachwuchs-Fans ohne große Spielerfahrung aber eine begrüßenswerte Ergänzung.

Eine vollumfängliche Einschätzung der Switch-2-Technik dürft ihr mit unserem Test der Vollversion erwarten. Lange gedulden müsst ihr euch nicht. Final Fantasy VII Rebirth erscheint am 3. Juni 2026 für Nintendo Switch 2.

Bildmaterial: Final Fantasy VII Rebirth, Square Enix

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Titel	Starfield
	7. April 2026
	Bethesda Softworks
	7. April 2026
	Bethesda Softworks
	7. April 2026
	Bethesda Softworks
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Bethesda Game Studios
Genres	Action-Rollenspiel
Texte
Vertonung

Das Sci-Fi-Action-RPG Starfield aus dem Hause Bethesda galt in den letzten Jahren als einer der Hype-Titel schlechthin. Das gigantisch anmutende Rollenspiel versprach uns in bisher nie dagewesene Spielwelten zu entführen und uns mit einer schier endlos anmutenden Spielwelt förmlich zu erschlagen. Quasi ein No Man’s Sky mit ausgefeilterer Story und einem ernsteren Setting.

Ursprünglich erschien der Titel am 6. September 2023 für Xbox Series und PCs. Ursprünglich sollte der Titel auch Xbox- und PC-exklusiv bleiben, doch nach dem rasanten Kurswechsel in Sachen Exklusivität, den Microsoft in den letzten Jahren gefahren hat, entschied man sich beim US-Konzern dafür, Starfield doch auch PlayStation-Spielern zugänglich zu machen. In erster Linie war dies wohl vor allem eine finanzielle Entscheidung, die dazu geführt hat, dass Starfield nun mit etwas Verspätung doch noch auf Sonys aktueller Konsole erscheint.

Wir haben uns diese neu erschienene PS5-Version ausgiebig angeschaut und verraten euch natürlich auch, ob sich ein Kauf des Sci-Fi-Abenteuers lohnt und ob Starfield auf den üblichen Bethesda-Stärken aufbauen kann oder ob sich die Entwickler mit diesem massiven Action-Rollenspiel vielleicht doch etwas übernommen haben.

Starfield ist seit dem 7. April für PlayStation 5 erhältlich. Für Xbox- und PC-Spieler ist der Titel, wie bereits erwähnt, natürlich schon seit 2023 erhältlich.

Seichte Story trifft auf seichte Quests

Die Geschichte von Starfield handelt von einem mysteriösen Artefakt, welches von der Organisation „Constellation“ zu Forschungszwecken gesucht wird. Verstreut in der gesamten Galaxis befinden sich diese Artefakte, die es zu finden gilt, um letztendlich dem großen Geheimnis dahinter auf die Spur zu kommen.

Unser selbsterstellter Charakter macht sich nun auf die Suche nach besagten Artefakten und gerät dabei immer wieder zwischen die Fronten verschiedener verfeindeter Fraktionen. Neben dem „Freestar Collective“ möchten auch die „United Colonies“ die Vorherrschaft über die Galaxis innehaben und zu allem Übel gibt es natürlich auch Space-Piraten, die uns das digitale Leben zur Hölle machen möchten. Auch kleinere Fraktionen mischen hier mit und der ohnehin schon recht instabile Frieden, der seit dem Ende der Kolonialkriege herrscht, steht stets auf der Kippe und die Galaxis somit am Rande eines erneuten Krieges.

Diese verschiedenen Fraktionen dienen gleichzeitig als Questgeber und so können wir unterschiedliche Missionen für die unterschiedlichsten Fraktionen absolvieren. Je nachdem auf welche Seite wir uns stellen, haben die Missionen auch unterschiedliche Ausgänge. Das klingt im ersten Moment zwar vielseitig und abwechslungsreich, im Endeffekt hat der Ausgang der Quests allerdings doch recht wenig Einfluss auf die Hauptquest – die Suche nach den Artefakten. Das ist schade und hier wäre definitiv mehr Tiefgang in Sachen Quests und Storyverlauf möglich gewesen. Speziell von Bethesda ist man eigentlich deutlich höherwertige Storykost gewohnt.

Typisches Bethesda-Rollenspiel mit vielen Ecken und Kanten

Eine der größten Stärken von Starfield kann gleichzeitig auch als die größte Schwäche bezeichnet werden – die schier unendliche Weite und Größe dieses Sci-Fi-Abenteuers. Von Sekunde eins an hat man das Gefühl in einer schier endlosen Spielwelt unterwegs zu sein. Die Freiheit jederzeit von Planet A nach Planet B zu reisen oder eben eine komplett andere Route einzuschlagen, fühlt sich in den ersten Spielstunden wirklich fantastisch an. Im weiteren Spielverlauf merkt man jedoch, wie leer und belanglos die Spielwelt und die Planeten im Vergleich zu den Story-relevanten Orten ausgefallen sind.

Die Planeten und Orte, die man während der Hauptquests bereist, fallen meist wirklich ordentlich und spannend gestaltet aus. Hier spürt man deutlich, auf welche Locations viel Wert gelegt wurde und auf welche nicht. Irgendwo muss man bei einem Spiel dieser Größe allerdings auch Abstriche machen, denn so eine gigantische Spielwelt lässt sich schließlich nur schwer mit ausreichend Inhalt füllen ohne am Ende befremdlich zu wirken. Zu viel Content wäre negativ auffallend gewesen und zu wenig schließlich auch. Eine schmale Gratwanderung bei einem Titel dieser Größe.

Fallout in Space

Gameplaytechnisch fühlt sich Starfield an wie ein Fallout im Weltraum. Die Menüs funktionieren ähnlich, das Gunplay fühlt sich fast eins zu eins an wie bei einem Fallout-Ableger und auch die schier endlose Item-Flut an mal mehr und mal weniger wichtigen Gegenständen ist hier vorhanden. Bethesda-Fans fühlen sich also sofort heimisch und sollten bestens mit dem System zurechtkommen. Bethesda-Neulinge oder unerfahrene Spieler könnten sich von der schier endlosen Anzahl an Menüs aber schon etwas überfordert fühlen.

Auch das vielversprechende Schiffebau-Feature, für das Starfield vor Release so gelobt wurde, ist nach wie vor vorhanden und es macht auch nach wie vor wirklich viel Spaß sein eigenes Raumschiff zu erstellen und anzupassen. Die unterschiedlichen Bauteile müssen im Spielverlauf allerdings nach und nach freigeschaltet werden um wirklich Freiheit bei der Erstellung der Schiffe zu haben. Denn neben unterschiedlicher Bewaffnung lässt sich auch so ziemlich alles andere an den Schiffen modifizieren. Am Ende eines jeden Umbaus gibt es dann eine Art Machbarkeits-Diagramm, welches uns verdeutlicht, ob das Schiff in diesem Zustand überhaupt flugfähig ist oder nicht. Ein wirklich cooles Feature.

Man absolviert so nun also Quest für Quest und kann sich, speziell wenn man auf Nebenquests Lust hat, auch auf etwas schrägere Missionen freuen. Der typische Bethesda-Charme und -Humor ist also auch bei Starfield vorhanden, nur eben nicht auf Fallout-Niveau. Natürlich gibt es auch die aus anderen Bethesda-Titeln bekannten Arbeitsstationen, an welchen man die Waffen und Rüstungen aufwerten und modifizieren kann, und auch Chemie-Stationen dürfen nicht fehlen. Hier kann man beispielsweise diverse Items wie Heilgegenstände oder diverse Booster herstellen.

Levelsystem auf Bethesda-Art

Das Levelsystem, welches Bethesda hier verbaut hat, ist etwas abgeschwächt im Vergleich zur Fallout-Reihe ausgefallen. Wir vergeben bei Starfield also keine Punkte für Charisma, Stärke, Ausdauer und andere Attribute, sondern verteilen das neu erhaltene Level quasi direkt auf die diversen Perks. Am ehesten vergleichbar ist das System von Starfield mit dem Perk-System aus Fallout 4.

In Sachen Levelsystem kann man Starfield auf jeden Fall als etwas vereinfachter beschreiben im Vergleich zur Fallout-Reihe. Im Endeffekt funktioniert das System aber ganz gut. Letztendlich hat das Levelsystem ohnehin nur recht wenig Auswirkung auf das Gameplay selbst.

Das Free-Lanes-Update beschert uns neue immersive Flugmechanik

Dank des ebenfalls in der PS5-Version enthaltenen „Free Lanes“-Updates haben wir nun die Möglichkeit, anders als es ursprünglich noch vorgesehen war, den Weltraum frei zu bereisen. Denn die Weltraumkarte wurde nun in zwei Ebenen aufgeteilt. Eine Detail-Ebene, in der wir Planeten direkt anfliegen können und uns in dessen näherer Umlaufbahn befinden, und eine weiter entfernte Ebene, in welcher wir den Raum frei erkunden können und nahtlos von einem Planeten zum anderen reisen können.

Um die technische Limitierung in Sachen Weltraum zu umgehen, hat man sich bei Bethesda dann also für ein zweilagiges Kartensystem für den Weltraum entschieden. Anfangs etwas gewöhnungsbedürftig ergibt es allerdings schon nach kurzer Zeit Sinn und man kann sich mit dieser Mechanik durchaus anfreunden. Das Free-Lanes-Update gibt es gratis zum Kauf der PS5-Version dazu.

Der DLC „Shattered Space“ ist ebenfalls enthalten

Wie es sich für ein ordentliches Gesamtpaket gehört, ist auch der ursprünglich am 30. September 2024 erschienene Story-DLC „Shattered Space“ in der PS5-Version enthalten. Diesen kann man allerdings nur spielen, wenn man sich für die „Premium-Edition“ von Starfield entscheidet. Andernfalls muss der DLC separat im PlayStation Store zum Preis von 19,99 Euro erworben werden.

Grafisch immer noch toll anzusehen und sauber umgesetzt

Die PS5-Portierung von Starfield ist technisch auf jeden Fall sehr ordentlich ausgefallen. Der Titel wurde seit dem Release im Jahre 2023 ohnehin ständig gepatcht und verbessert. Mittlerweile läuft Starfield aber wirklich sehr rund und auch optisch macht das Sci-Fi-Abenteuer wirklich was her. Speziell beim Gang über die Planetenoberflächen weiß die Optik wirklich zu begeistern.

Die Texturen und Modelle wirken fast schon Bethesda-typisch sehr ordentlich, aber nicht völlig bahnbrechend. Aufgrund der massiven Größe des Titels wäre mehr aber wahrscheinlich auch nicht drin gewesen ohne die Framerate völlig zu versauen.

Starfield lief während unserer Testphase die meiste Zeit mit butterweichen 60 Frames. Ausnahmen stellen hier jedoch Szenen mit vielen Gegnern oder sehr belebte Außenbereiche, wie beispielsweise in der Hauptstadt „New Atlantis“, dar. Man hat außerdem die Wahl zwischen einem Performance-Modus mit 60 FPS oder einem Qualitätsmodus mit 30 oder variablen Frames. Jeder Spieler kann so das für sich beste Spielerlebnis austarieren. Auch VSync kann auf Wunsch abgeschaltet werden. So könnte man theoretisch noch ein oder zwei Frames rausholen, aber natürlich dann auf Kosten der Bildqualität.

Auch tontechnisch hochwertige Kost

Tontechnisch macht Starfield ebenfalls eine ordentliche Figur. Die Melodien und Klangteppiche fallen durchweg ordentlich und stimmig aus und auch die Synchronsprecher leisten einen durchweg ordentlichen Job, an dem es wenig zu mäkeln gibt.

Speziell die Soundeffekte der Waffen können sich hören lassen und wie auch schon bei der Fallout-Reihe fallen diese auch bei Starfield durchschlagend und wirklich wuchtig aus. Das A und O für einen Titel, der so sehr auf Shooter-Mechaniken setzt, wie es bei Starfield der Fall ist.

Ein actiongeladener Space-Ausflug mit schier unendlichen Weiten

Bildmaterial: Starfield, Bethesda

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Wir haben uns deshalb entschlossen, das große Interview in eine fünfteilige Interview-Serie aufzuspalten, deren einzelne Teile wir über die Woche hinweg freigeben. Das Skript auf Deutsch und Englisch werden wir ebenso zeitnah verlinken.

„Der europäische Markt ist eine sehr komplexe und herausfordernde Region“

Für ein chinesisches Unternehmen wie Hoyoverse ist der europäische Markt eine Herausforderung. Jedoch sei für sie der europäische Markt „schon immer sehr wichtig gewesen“. Gleichzeitig gibt man aber auch zu, er sei „auch eine sehr komplexe und herausfordernde Region“.

Grund dafür ist der im – Gegensatz zu China – sehr vielfältige, mehrsprachige Markt. „Zwischen den verschiedenen Ländern gibt es große Unterschiede in Bezug auf Sprache, kulturelle Gepflogenheiten, Community-Ökosysteme sowie politische Richtlinien und Gesetze.“

„Müssen Geduld und Verständnis aufbringen“

Das ist nachvollziehbar, denn während China aktuell schätzungsweise 1,41 Milliarden Einwohner, aber nur eine Amtssprache (Mandarin) hat, hat die Europäische Union nur ca. 450 Millionen Einwohner, dafür aber 24 Amtssprachen. Die eben erwähnten kulturellen Unterschiede sowie politischen Richtlinien und Gesetze, wie zum Beispiel unterschiedliche Jugendschutzgesetze, sind hier nicht inbegriffen.

„Deshalb müssen wir beim Eintritt in diesen Markt und bei dessen kontinuierlicher Erschließung mehr Geduld und Verständnis aufbringen und können nicht alle Regionen mit ein und derselben Methode behandeln“, sagt Hoyoverse im Interview. Es gäbe dabei nicht die eine zentrale Herausforderung, sondern eher viele unterschiedliche Stellschrauben. „Was die größte Herausforderung angeht, glauben wir, dass diese nicht auf einen einzelnen Faktor zurückzuführen ist. Vielmehr geht es darum, wie wir lokale Unterschiede respektieren.“

Kommunikation ist herausfordernd

Wichtig sei es für Hoyoverse, „den Spielern dennoch ein einheitliches, stabiles und herzliches Erlebnis bieten zu können“. Das gilt nicht nur für die Spiele selbst, sondern auch für das Marketing der Spiele, zum Beispiel auf Social Media – und auch einiges mehr, was man auf den ersten Blick nicht sieht. Als Beispiele nennen sie „sowohl die Inhaltsverbreitung und die Kommunikation innerhalb der Community als auch die Aktionsumsetzung, den Benutzersupport und unseren kontinuierlichen Einsatz im Bereich Compliance“.

Dass Honkai: Star Rail in Deutschland so erfolgreich ist, liegt aber nicht nur an diesen Bemühungen, sondern auch an den Fans selbst. „Gerade deshalb ist die Unterstützung, die uns die europäischen Spieler entgegenbringen, für uns besonders wertvoll. Wir werden weiterhin aufmerksam auf die Stimmen der Spieler aus der gesamten europäischen Region hören und unsere Arbeit stetig optimieren.“

Bildmaterial: Honkai: Star Rail, miHoYo

Der Beitrag „Komplexe Region“ – Die Honkai-Macher von Hoyoverse über die Herausforderungen in Europa erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Neben Yoshi’s Crafted World blieben nämlich auch die Vorgänger wie Yoshi’s Story, Yoshi’s Cookie, Yoshi’s Island und Yoshi’s Woolly World bei ihren englischen Titeln. Während Kirby also den Power-Malpinsel schwingt, das magische Garn spinnt und das vergessene Land erkundet, blieb Yoshi stets der Englishman. Spannend, oder?

Das hatte den Autor tatsächlich beschäftigt und deshalb wollte ich euch diese Erkenntnis nicht vorenthalten. Doch nun zum eigentlichen Anlass dieses Textes. Ich konnte Yoshi and the Mysterious Book nämlich anspielen und möchte euch nachfolgend meine Eindrücke schildern!

Enzo besucht die Yoshi-Insel

Zunächst zum geschichtlichen Rahmen – und da verrate ich keine Geheimnisse, diese Details sind bereits bekannt. Ein Buch fällt vom Himmel auf die Yoshi-Insel und es hat nicht nur einen Namen, sondern kann auch sprechen. Die Yoshis sind neugierig und lernen Enzo (richtiger Schenkelklopfer) kennen, dessen Buchseiten dummerweise verblasst sind. Gemeinsam sollen sie wieder mit Leben gefüllt werden.

Denn sie wurden einst bevölkert von lebhaften Einträgen zu allerlei kuriosen Kreaturen – und die Yoshis wollen mehr wissen. Wir tauchen also in diese Seiten ein und lernen diese Lebewesen nach und nach kennen. Faustregel zu Beginn: ein Lebewesen, eine Fähigkeit, ein Level.

Kreaturen und ihre Habitate

Ganz klassisch geht’s los: Yoshi kann springen, stampfen, flattern, ausufernd seine Zunge zum Einsatz bringen und andere Kreaturen huckepack nehmen – oder sich selbst huckepack nehmen lassen. So springen wir durch die Level, deren Aufbau anfangs oft erfrischend wenig linear ist. Das weckt den Erkundungsdrang.

Nun gilt es, mehr über die Kreaturen herauszufinden. Wie schmecken sie, wie verhalten sie sich, wie reagieren sie auf bestimmte Dinge? Enzo hält alle Erkenntnisse fest und am Ende des Levels gibt es für jede Entdeckung ein Sternchen. Die werden im weiteren Verlauf für den Spielfortschritt notwendig. Dazu gibt’s einen Eintrag ins private Lore-Kompendium: So viel wie in diesem Spiel konnten wir wahrscheinlich noch nie über Shy Guy erfahren.

Die Kreaturen prägen jeweils das spielerische Bild der Habitate – so heißen die Level. Ein Blümchen lässt andere Blumen im Habitat erblühen. Ein komisches, Frosch-ähnliches Wesen spuckt beständig Blubberblasen, mit denen wir das Level in der Vertikalen erkunden. Pusteblumen legen sich wie Schnee über andere Wesen und Gegenstände. Das Interagieren mit den Kreaturen öffnet dabei oft neue Pfade und Möglichkeiten.

Ein anderes Tierchen versteckt sich in einer Wassermelone. Schlucken wir es, schlucken wir auch dessen Kerne, die wir anschließend in einer wahren Salve wieder ausspucken können. Dass sich im Level entsprechende Anwendungsmöglichkeiten finden, dürfte klar sein.

Die Wesen in der ersten Welt waren hier schon ziemlich abwechslungsreich und wirkten mit ihren Eigenheiten mal mehr, mal weniger intensiv in ihre Habitate hinein. Dass ein Nintendo-Spiel sein Pulver schon in der ersten Welt verschießt, ist nicht zu erwarten. Insofern bin ich schon sehr gespannt, welche Überraschungen die weiteren Welten hier zu bieten haben.

Es deutet sich allerdings auch an: Der Fokus auf die Kreaturen, ihre Fähigkeiten und deren Entdeckung geht zu Lasten des Leveldesigns, auf dem erkennbar weniger das Augenmerk lag. Sprungpassagen, die sich wie von Zauberhand in die Level einfügen oder ein Wunderblumen-Moment dürft ihr nicht erwarten. Aber es ist eben auch kein Super Mario, sondern ein Yoshi-Spiel.

Nach einem weiteren kurzen Testlauf in einer später im Spiel angesiedelten Welt wird deutlich, dass der Schwierigkeitsgrad zwar leicht zunimmt und die Abschlussbedingungen für einzelne Level etwas mehr abverlangen, aber es erwartungsgemäß insgesamt leicht bleibt.

Stressfrei ist das neue Yoshi-Abenteuer jederzeit. Dazu trägt auch bei, dass Yoshi im Prinzip nichts passieren kann – und das ist auch voll in Ordnung und passt ins Spiel. Schließlich wollen wir uns auf die Erkundung und Experimente konzentrieren, nicht auf Lebenspunkte.

Typisch fürs Genre: Nach dem ersten Durchlauf hat man selten alles entdeckt, das gilt sowohl für die buchstäblichen Entdeckungen an und um die Wesen, als auch für die sammelbaren Blumen. Spannend: In der ersten Welt ergab es sich, dass sich ein bereits erkundeter Eintrag auf Enzos Seiten nachträglich änderte. Das dürfte sicherlich der Wiederspielbarkeit einzelner Level zuträglich sein und erleichtert die Entscheidung, ein bereits gespieltes Level erneut zu betreten.

Ein erfrischend neuer Spin für die Yoshi-Serie

Bildmaterial: Yoshi and the Mysterious Book, Nintendo

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Titel	Yunyun Syndrome!? Rhythm Psychosis
	24. April 2026
	Alliance Arts, WSS playground
	24. April 2026
	Alliance Arts, WSS playground
	24. April 2026
	Alliance Arts, WSS playground
System	PC
Getestet für	PC
Entwickler	Alliance Arts, WHO YOU
Genres	Rhythmus, Abenteuer
Texte
Vertonung

Rhythmusspiele sind seit Jahrzehnten nicht mehr aus der japanischen Popkultur wegzudenken und haben aus der Arcade nach und nach die ganze Welt erobert. Jedoch zogen sich nach der Rhythmus-Spielflut der 2000er die großen Publisher aus dem Genre weitestgehend zurück.

Dennoch haben sie uns bereits in der Vergangenheit Musikstücke nähergebracht, die wir so nie entdeckt hätten. Neben den K-Pop-Beats in Djmax und Pump it Up, den J-Pop-Songs der Bemani-Reihe oder klassischen Rock-Songs der 80er in Guitar Hero bringt uns jetzt das Indie-Spiel Yunyun Syndrome!? Rhythm Psychosis das Denpa-Genre näher.

Denpa wird allgemein beschrieben als Unterkategorie von J-Pop mit simplen, niedlichen Lovesongs, während Fans es eher als „so süß, dass es Karies gibt – und wenn du es nicht behandelst, wandert es in den Kopf und macht Brainrot“ beschreiben würden.

Shitposts für die Welt, Internet-Fame für Qtie

Die Protagonistin von Yunyun Syndrome, Qtie, ist diesem „Brainrot“ bereits verfallen und verbreitet liebliches Dokidoki und Ekstase mit ihren Denpa-Shitposts. Wenn ihr im Rhythmusspiel in die Tasten haut, tut sie es auch – je besser ihr seid, desto besser ist Qtie. Oder Yunyun. Oder beide. Existiert Yunyun eigentlich wirklich? Auch egal, oder?

Hauptsache das Internet bekommt hochwertigen Garbo und wir bekommen ganz viel Dokidoki, Yunyun-Liebe, Charisma und Fame. Vereint ihr im späteren Spielverlauf Yunyun und Qtie, gibt es 15 Minuten Power-Denpa. Je nach Art, was ihr levelt und welche Shitposts und Verschwörungstheorien dadurch bekannt werden, führt das Spiel zu unterschiedlichen Enden. Wusstet ihr schon, dass Kängurus nur australische Hunde auf Steroiden sind? Das steht im Internet!

Mit jedem abgesetzten Shitpost, aka gespielten Song, gibt es Shitpost-Karten, mit denen ihr die unterschiedlichen Werte erhöhen und die Art des Shitposts bestimmen könnt. Ziel ist es, die Werte auf 100 Prozent zu bekommen, um die besten Shitposts der Welt abzusetzen und so berühmt zu werden. Aber dabei gibt es mehrere Hindernisse: Andere Shitposter, eure eigene Psychose und nicht zuletzt eure Mutter, die euch befiehlt das total vermüllte Neet-Zimmer aufzuräumen – und euch damit das Dokidoki ruiniert.

4-Panel-Rhythmusspiel bringt euch in den Flow

Das Rhythmusspiel, das mit seiner quietschigen japanischen Denpa-Musik die Story befeuert, macht Spaß, hat aber kleinere Schwächen. Das Positive zuerst: Das 4-Panel-Spiel im Stile von Dance Dance Revolution, Stepmania und In the Groove versetzt Fans glatt um 20 Jahre zurück in eine Zeit, als Röhrenfernseher noch die Norm waren.

Sowohl für Einsteiger als auch für Profis hat Yunyun Syndrome hochwertige „Step-Charts“. Dazu bietet es alle nötigen Einstellungen und Anpassungsmöglichkeiten für ein gutes Spielgefühl. Die Songs sind allgemein sehr flüssig zu spielen und „Stream“-lastig, das heißt in der Regel angenehm im Beat und locker aus dem Handgelenk zu tippen, während sich die Muster in unterschiedlichen Geschwindigkeiten und Formen wiederholen, um sie gut zu lernen.

Die Entwickler nehmen das mit dem „in die Tasten hauen“ recht ernst, denn es ist üblich, dass auch mal drei oder vier Tasten gleichzeitig gedrückt werden müssen. Eine Ultra-Budget-Tastatur für 20 Euro kann das schon mal überfordern – ihr solltet daher gegebenenfalls testen, ob eure Tastatur einen entsprechenden „n-key-rollover“ unterstützt.

Die 30 Songs sind alle aus dem gleichen quietschigen, hoch-gepitchten Denpa-Genre, was für mehrere ähnlich klingende Songs sorgt. Auch sind 30 Songs heutzutage eine eher niedrige Anzahl für ein Rhythmusspiel – für den fairen Preis von ca. 17 Euro aber ein Punkt, den wir nur anmerken statt ankreiden möchten.

Wer mehr möchte: Kurz vor Testende haben die Entwickler weitere kostenpflichtige DLC-Pakete hinzugefügt. Die Songs sind hierzulande eher unbekannt – außer ihr gehört zu den Weebs, die schon unter Brainrot litten, bevor es cool war. Marisa Stole the Precious Thing, Internet Yamero und True My Heart dürften dem ein oder anderen hier trotzdem bekannt sein. Eins, zwei, guten Morgen!

Kleinere Abzüge beim Rhythmusspiel-Part

Über ein paar Probleme sind wir im Test auch gestolpert. Zum Beispiel gab es bei uns – trotz 120-Hz-Modus – einen extrem hohen „Visual Input Lag“ von etwa 210 ms. Das zweite ist das Spielfeld selbst. Bei Rhythmusspielen hat es durchaus einen Grund, warum die herabfallenden Noten den gesamten mittleren Bereich einnehmen.

Bei Yunyun Syndrome!? Rhythm Psychosis ist aber der untere Teil des Bildschirms durch die live entstehenden Shitposts von Qtie blockiert, wodurch sehr hohe Fallgeschwindigkeiten etwas schwerer zu lesen sind als üblich. Das kompensiert das Spiel zwar durch ein recht großzügiges Timing, trotzdem zeigt es klar, dass das Rhythmusspiel eher Mittel zum Zweck ist.

Ein kleinerer Kritikpunkt: Das Spiel bietet keinen Noteskin an, der mit Farben unterschiedliche Rhythmen und Takte kodiert und diese so optisch deutlich hervorhebt und unterscheidet. Ein weiterer Hinweis: Die deutsche Übersetzung wirkt trotz mehrerer Patches bis kurz vor Testende unvollständig und zum Teil schlicht falsch. Wir raten daher dringend, die englischen Texte zu nutzen.

Ein rhythmischer Fiebertraum

Bildmaterial: Yunyun Syndrome!? Rhythm Psychosis, Alliance Arts, WSS playground, WHO YOU

Der Beitrag Im Test! Yunyun Syndrome!? Rhythm Psychosis gibt euch süße Denpa-Beats und Brainrot erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	OPUS: Prism Peak
	16. April 2026
	Shueisha Games
	16. April 2026
	Shueisha Games
	16. April 2026
	Shueisha Games
System	PC, Switch, Switch 2
Getestet für	PC
Entwickler	Sigono
Genres	Adventure
Texte
Vertonung

Etwas unverhofft tauchte im „Persönlichen Kalender“ in Steam (Experiment 16 der Steam Labs) ein Spiel auf, dessen Namen geheimnisvoll genug war, um im Gedächtnis zu bleiben. OPUS: Prism Peak versprach, ein spirituell angehauchtes Spiel im Anime-Cel-Shading-Look zu werden, dessen Gameplay an das altbekannte Life is Strange erinnert.

Als uns Sigono und Shueisha Games einen Test anboten, da das Spiel zu unserer Seite passen würde, waren wir daher sofort an Bord. Wenige Stunden im Spiel war bereits klar: Wir haben es hier mit einem Top-Titel zu tun. Aber erst mal der Reihe nach!

Gescheiterte Träume und Verlust – und die Suche nach einem Sinn

Im Spiel übernehmen wir die Rolle des 40-jährigen ehemaligen Fotojournalisten Eugene, der auf dem Weg war, sich sein perfektes Leben aufzubauen. Nach dem Aufwachsen in einer etwas eigensinnigen Familie mit starken Charakteren fand er sein Glück in der Fotografie und seiner selbst gegründeten Familie – in seinem Fotocafé servierte er nicht nur Getränke, sondern Lebensgeschichten, Gemeinschaft und Zusammenhalt.

Doch all das ging nach und nach aufgrund unglücklicher Umstände in die Brüche. Als gescheiterte Existenz entschließt er sich, nach längerer Abwesenheit in seine Heimat zurückzukehren – einen Anlass dazu gibt es auch, denn sein Großvater ist gestorben.

Zu allem Überfluss baut er auf dem Weg zur Beerdigung einen Unfall, der ihn in eine dunkle Parallelwelt bringt. In dieser Welt vermischt sich die reale Ebene mit einer mystischen, spirituellen Welt, in der Geister existieren. Hier muss er sich wohl oder übel mit seinen Erinnerungen, Verlusten und der Frage auseinandersetzen, ob er seine eigenen gescheiterten Träume loslassen kann – und wie es ab sofort weitergeht, so ganz ohne großes Lebensziel.

Der Weg ist das Ziel – aber laufen wir auf etwas zu, oder von etwas weg?

In der Parallelwelt leben viele Geister – meist Tiere mit einer starken Bindung an eine Realität, in der der sogenannte „Seher“ ein guter Freund war. Auch der Seher war ein sehr guter Fotograf, seine Bilder konnten verblasste Geister wieder erwecken, ihnen einen besonderen Namen geben und ihnen ihren Lebenswillen zurückgeben. Eines Tages verschwand der Seher hoch oben auf einem Berg, was die Geister wieder verblassen ließ. Sie sind nun auf sich alleine gestellt in einer Welt, in der die mysteriösen Schatten sie jederzeit auslöschen können.

In dieser düsteren, desillusionierten Welt trifft Eugene auf ein vorlautes Mädchen am Ende des Tunnels, in dem er sein Auto schrottreif gefahren hat. Auch sie ist bereits am Verblassen und fürchtet sich vor den Schatten, die wie ein Fluch alles zu verschlingen drohen. Eugene ist zwar emotional orientierungslos, aber kein Unmensch.

So nimmt er dieses Mädchen an die Hand und leitet es hinaus aus dem Tunnel, rein in den Wald. Nach wenigen Stunden fangen beide an, sich einander zu öffnen. Das Mädchen hat sich verirrt – ihre Heimat ist der Berg in der Ferne. Also begeben wir uns zusammen auf eine emotionale Reise, denn ein anderes, wichtiges Ziel haben wir aktuell sowieso nicht.

Alles Fremde wirkt vertraut, alles Vertraute fremd

Auf dem Weg begegnen wir vielen Tieren, die fremd, aber doch gleichzeitig vertraut wirken. Ein freundlicher Hirschgeist bringt uns im Wald unsere alte Kamera wieder, die wir erst vor wenigen Tagen verkauft hatten. Ein Kumpel im „echten Leben“ faltete uns dafür noch wenige Stunden vorher zusammen – was uns denn einfallen würde, die Kamera zu verkaufen, an der so viele Erinnerungen und Lebensträume hingen.

Vielleicht wollten wir sie aber gerade deswegen loswerden. Nun ist sie wieder da – halb kaputt wie unser Leben, aber mit besonderen Fähigkeiten in der Geisterwelt. Diese besonderen Fähigkeiten sind hilfreich bei der Erkundung und dem Festhalten besonderer Momente, aber auch nützlich für die Geister. Die Fotos dienen als Leitfaden in unserem Notizbuch, in dem wir die Reise festhalten und uns so immer wieder etwas mehr an die wirklich wichtigen Dinge erinnern.

Allzu tief möchten wir an dieser Stelle aber nicht in die Story eintauchen. Jede Begegnung mit einem verblassenden Tier ist mysteriös, aber auch gleichzeitig bedeutungsvoll. Der Eber ist im Streit mit seinem Freund auseinandergegangen, würde ihm aber am liebsten sagen, wie leid ihm alles tut und sich mit ihm versöhnen – eine Situation, in die sich Eugene nur zu gut hineinversetzen kann.

Am Bahnhof wartet eine Hundedame seit langer Zeit auf jemanden – hat Eugene etwa bei der Erfüllung seines Lebenstraums jemanden vernachlässigt, der ihn sehr vermisst? So geht es Stück für Stück weiter auf der Reise – selbst das Mädchen, das wir in ihre Heimat begleiten, hat einen Namen, mit dem wir schmerzhafte Erinnerungen verbinden. Und der Berg, auf dem der Seher verschwunden ist – ist das etwa … nein, das kann nicht sein.

Erinnerungen an die besten Anime-Filme werden wach

Die Anlehnungen an viele Meisterwerke der japanischen Anime-Kunst sind ab diesem Punkt nicht mehr zu leugnen. Der Grafikstil erinnert an die legendären Filme des Studio Ghibli, die Erzählung spiritueller Geschichten durch sprechende Tiere in einer Welt mit einem alles verschlingenden Schatten an das Meisterwerk Prinzessin Mononoke.

Aber auch die Anlehnungen an moderne Werke von Shinkai Makoto sind deutlich sichtbar. Wer die Filme im japanischen Originalton gesehen hat, dem können wir die japanische Sprachausgabe des Spiels mit deutschen Untertiteln ans Herz legen.

OPUS: Prism Peak lehnt sich zwar stark an viele Kunstwerke an, behält aber dabei eine eigene Identität, die sowohl als Videospiel, als Kunstwerk als auch als spirituelle Reise in multimedialer Form funktioniert.

Spiritualität hilft auf der Suche nach dem Sinn – Albträume aber auch

Eine magische Feuerschale gilt als Erdungspunkt auf der Reise. Sie gibt Hinweise auf die Ziele, gibt Tipps und gegen ein entsprechendes Opfer – meist Fotos – auch wichtige Items. Gleichzeitig gibt sie auch Zugriff auf die Totems der Tiere, die ihr getroffen habt. Hier könnt ihr Fotos zu wichtigen Momenten im Leben der Tiere einlösen und bekommt dadurch mehr Klarheit in der Story.

Eine wichtige Rolle spielen die Schnappschüsse eurer Retro-Kamera aber auch in euren nächtlichen Albträumen, die euch über die gesamte Spielzeit hinweg verfolgen. Hier setzen sich die Erfahrungen der vergangenen Tage neu zusammen, während die kürzlich geschossenen Fotos bei der Einordnung helfen. Sie schalten wichtige Storysequenzen frei, die Hintergrundinformationen in kurzen Videosequenzen enthalten. Ein zweiter Spieldurchgang ist zwingend notwendig, um den gesamten Umfang der Story zu erleben – und damit auch ihr gesamtes Gewicht.

Technik: Ausreichend Plus

Die Technik gerät bei einem narrativen Meisterwerk wie OPUS: Prism Peak schnell in den Hintergrund. Wie bereits erwähnt, ist der Grafikstil im Cel-Shading-Look gehalten, mit etwas realistischeren, stark stilisierten Umgebungen. Er erinnert so an die Filme von Studio Ghibli und bricht nicht die Immersion. Der Sound ist zurückhaltend, aber stets passend. Er gibt der Reise eine gute Untermalung und die nötige Ernsthaftigkeit, ohne besonders aufzufallen.

Die Charaktere sind sympathisch und komplett in mehreren Sprachen vertont – wir haben uns für die japanische Sprachausgabe entschieden, aber auch eine englische Sprachausgabe steht zur Auswahl. Die Grafik selbst ist zweckmäßig – nichts, was nicht auch auf einer zwölf Jahre alten PlayStation 4 möglich wäre. Wer in der Vergangenheit Life is Strange oder Spiele von Telltale Games gespielt hat, weiß aber auch, dass das völlig ausreichend ist.

Ein Abenteuer wie ein Ghibli-Film

Bildmaterial: OPUS: Prism Peak, Shueisha Games, Sigono

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Titel	Tomodachi Life: Wo Träume wahr werden
	16. April 2026
	Nintendo
	16. April 2026
	Nintendo
	16. April 2026
	Nintendo
System	Switch
Getestet für	Switch 2
Entwickler	Nintendo
Genres	Simulation, Lifestyle
Texte
Vertonung	–

Nintendos Veröffentlichungsstrategie muss man manchmal wirklich erst einmal verstehen. Nicht einmal zwei Monate nach dem Überraschungserfolg von Pokémon Pokopia steht schon das nächste Spiel vor der Tür, das auf den ersten Blick in eine ähnliche Kerbe schlägt. Zumindest wirkt es so – bei genauerem Hinsehen zeigen sich dann aber doch deutliche Unterschiede.

Rund 13 Jahre ist es inzwischen her, dass Tomodachi Life auf dem Nintendo 3DS erschien und dort ein beachtlicher Erfolg wurde. Entsprechend groß ist die Vorfreude: Viele Fans warten seit Jahren auf eine Fortsetzung. Ganz so einfach ist die Sache aber nicht, denn streng genommen handelt es sich hier gar nicht um den zweiten Teil der Reihe. Bereits 2009 erschien mit Tomodachi Collection ein erster Ableger – allerdings ausschließlich in Japan und damit nie offiziell im Westen.

Wir hatten nun die Möglichkeit, das neue Spiel bereits ausführlich vorab zu testen. Erste Eindrücke haben wir schon in unserer Preview geschildert, jetzt können wir uns jedoch ein deutlich klareres Gesamtbild machen.

Miis feiern ihr Comeback

Wisst ihr eigentlich noch, was Miis sind? Auf der Switch fast schon in Vergessenheit geraten, feiern sie hier ihr großes Comeback. Bevor es losgeht, erstellen wir unseren ersten eigenen Bewohner bzw. Bewohnerin – und genau hier zeigt sich schon eine der großen Stärken des Spiels.

Der bekannte Mii-Maker dient erneut als Werkzeug, wurde aber um neue Funktionen und Anpassungsmöglichkeiten erweitert. Der Kreativität sind damit kaum noch Grenzen gesetzt: Ob man sich selbst, Freunde, Familie, Promis oder komplett fiktive Figuren erschaffen möchte – alles ist möglich.

Eine Einschränkung gibt es allerdings: Das Importieren von Mii-Designs aus externen Quellen ist nicht mehr möglich, was gerade für weniger kreative bzw. talentierte SpielerInnen schade sein dürfte. Lokal lassen sich Designs weiterhin übertragen.

Mit der neuen „Schminke“-Funktion sind dafür deutlich detailliertere Miis möglich – vorausgesetzt, man bringt das nötige künstlerische Talent mit. Glücklicherweise existieren bereits erste Websites, die als Inspirationsquelle dienen und sogar konkrete Einstellungen für bestimmte Designs zeigen.

Nintendo nimmt Neulinge zudem stärker an die Hand: Über ein Fragen-System lässt sich automatisch ein Mii generieren, das anschließend noch angepasst werden kann. Auch bei den Beziehungen gibt es Fortschritte. Gleichgeschlechtliche Partnerschaften sind nun möglich und die Partnerpräferenzen lassen sich individuell festlegen – inklusive Optionen wie „Nicht-binär“. Ein Schritt, der besonders im Vergleich zum 3DS-Vorgänger positiv auffällt, der damals genau dafür Kritik einstecken musste.

Inselleben, Alltag und Wachstum

Mit zunehmender Anzahl an Bewohnern wächst auch die Insel. Bis zu 70 Miis können gleichzeitig einziehen und schalten nach und nach neue Einrichtungen frei – vom Supermarkt über Boutiquen bis hin zu Möbel- und Einrichtungsläden. Auch die bebaubare Fläche erweitert sich stetig, wodurch immer mehr Möglichkeiten entstehen, die eigene Insel zu gestalten.

Gestaltung ist ein gutes Stichwort. Über das „Inseldesignzentrum“ lässt sich eure Insel nach Belieben umdekorieren. Ob Wege, Straßenlaternen, Getränkeautomaten oder eine Wagenladung verschiedener Deko-Elemente in zig Farben. Hier sollte für jeden was dabei sein. Ein großer Pluspunkt im Vergleich zu Tomodachi Life auf dem 3DS damals.

Neuigkeiten werden regelmäßig über die MNN-Nachrichtensender präsentiert, begleitet von der typischen Tomodachi-Sprachausgabe, die inzwischen fast schon Kultstatus erreicht hat. Sie klingt nach wie vor etwas gewöhnungsbedürftig, versprüht aber gleichzeitig ihren ganz eigenen Charme. Auch hier gibt es viele Anpassungsmöglichkeiten für die Stimmen.

Eine klassische Story sucht man hier allerdings vergebens. Stattdessen geht es darum, das Inselleben zu beobachten und aktiv mitzugestalten. Wir kümmern uns um die kleinen und großen Probleme unserer Miis, sorgen für Nahrung, Kleidung, Einrichtung oder knüpfen Beziehungen zwischen ihnen. All das läuft dabei in Echtzeit ab. Langfristige Events, die reale Zeit benötigen, sind mir aber nicht untergekommen.

Zwischen Wahnsinn, Wohlfühlfaktor und … Fischen?

Die wahren Highlights sind jedoch die oft völlig absurden Situationen, in die unsere Miis geraten. Genau dieser Mix aus Weirdness und trockenem Humor fängt den Charme der Vorgänger perfekt ein. Manche Szenen sind so skurril, dass man einfach nur schmunzeln kann – oder sich ernsthaft fragt, was man da gerade erlebt hat. Das Spiel nimmt sich selbst nie zu ernst und liefert regelmäßig herrlich schräge Momente, die einen auch mal laut auflachen lassen.

Trotz all dieser Stärken bleibt eine entscheidende Frage: Trägt das Konzept auch langfristig? Schon während der Preview kam dieser Gedanke auf. Die Antwort darauf muss letztlich jeder für sich selbst finden. Einige werden problemlos hunderte Stunden investieren, andere verlieren vielleicht schneller das Interesse. Wichtig ist vor allem, zu wissen, worauf man sich hier einlässt.

Längere Gaming-Sessions haben sich bei mir auch nicht eingeschlichen. Vielmehr vergleiche ich die Erfahrung gerne mit einem Aquarium. Ich schaue jeden Tag kurz vorbei, um zu sehen, wie es allen so ergeht. Im Zweifel füttere ich oder helfe bei Problemen aus. Gegebenenfalls muss ich das Aquarium mal sauber machen oder erweitern, manchmal kommt auch ein neuer „Fisch“ hinzu. Das war zumindest meine Spielweise. Jeder bzw. jede wird hier wohl anders an die Sache herangehen.

Miis so „lebendig“ wie nie

Tomodachi Life erscheint auf der Nintendo Switch – eine dedizierte Version für die Nintendo Switch 2 gibt es nicht. Die Fassungen sind weitgehend identisch, getestet wurde jedoch auf der neuen Hardware. Laut Nintendo profitieren wir hier von kleineren Verbesserungen wie leicht schnelleren Ladezeiten und einer etwas höheren Auflösung im Docked- sowie Handheld-Modus. Den speziellen Handheld-Boost-Modus unterstützt das Spiel allerdings nicht.

Optisch präsentiert sich der Titel solide. Kein Grafikfeuerwerk, aber natürlich ein deutlicher Sprung im Vergleich zum 3DS-Vorgänger. Besonders die neuen Animationen wissen zu gefallen: Die Miis wirken plastischer und lebendiger als je zuvor. Technisch läuft das Ganze stabil, allerdings ist die Bildrate auf 30 FPS begrenzt – gerade auf der Switch 2 hätte man sich hier etwas mehr gewünscht. Bei einem so statischen Spiel wie diesem ist das aber auch nicht so wild.

Beim Sound bleibt sich die Reihe treu. Die Musik plätschert entspannt vor sich hin, wirkt locker und leicht. Einige Tracks bleiben durchaus im Ohr und tragen gut zur typischen Tomodachi-Atmosphäre bei.

Für Diskussionen sorgte bereits vorher der Umgang mit geteilten Inhalten. Screenshots lassen sich weiterhin direkt auf der Konsole speichern und auch teilen – sofern man sich an Nintendos Richtlinien hält. Das direkte Übertragen der Bilder auf ein Smart-Device ist jedoch nicht mehr möglich.

Angesichts der vielen kreativen Möglichkeiten im Spiel will Nintendo hier offenbar stärker kontrollieren, was mit den Inhalten passiert. Da über kleine Umwege früher oder später ohnehin jeder Inhalt in den sozialen Medien landen kann, kann auch die Sinnhaftigkeit dieser Maßnahme bezweifelt werden.

Tomodachi Life: Wo Träume wahr werden ist dabei klar als Einzelspieler-Erfahrung ausgelegt. Einen klassischen Online-Multiplayer, bei dem man die Inseln anderer Spieler in Echtzeit besucht – ähnlich wie etwa bei Animal Crossing – sucht man vergeblich.

Schräge Insel, zeitloser Charme

Bildmaterial: Tomodachi Life: Wo Träume wahr werden, Nintendo

Der Beitrag Im Test! Das neue Tomodachi Life lässt Träume tatsächlich wahr werden, zumindest für Fans erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Pragmata
	17. April 2026
	Capcom
	17. April 2026
	Capcom
	17. April 2026
	Capcom
System	PlayStation 5, Xbox Series, Switch 2, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Capcom
Genres	Third-Person-Action-Adventure
Texte
Vertonung

Neue IPs haben es heutzutage immer schwerer Fuß zu fassen in einem schier endlosen Meer aus altbekannten und etablierten Marken oder Indie-Titeln, die ohnehin in einer eigenen Kategorie zuhause sind und oft mit einem gänzlich anderen Auge betrachtet werden. Speziell im Triple-A-Bereich, in dem die Budgets mittlerweile extrem hoch angesetzt werden, sind immer weniger Publisher bereit, viel Geld in ein noch unbekanntes Franchise oder eine neue Marke zu investieren.

Umso erfreulicher ist es daher, dass sich doch immer wieder große Publisher und Entwickler wie Capcom an neue Marken herantrauen und obendrein auch bereit sind, ein ordentliches Budget für die Entwicklung ebenjener Titel springen zu lassen.

Eine dieser gänzlich neuen IPs des japanischen Publishers und Entwicklers Capcom ist das Sci-Fi-Abenteuer Pragmata. Pragmata mag auf den ersten Blick zwar aussehen wie ein typischer Third-Person-Shooter, wie es sie schon zur Genüge gibt, dennoch versteckt sich hinter der scheinbar altbekannten Fassade ein spannendes Hacking-Abenteuer, welches mit einem einfachen, aber doch irgendwie genialen Gameplay-Kniff frischen Wind in das angestaubte Genre bringt.

Pragmata erscheint am 17. April für PS5, Xbox Series, Switch 2 und PCs. Ob sich das Warten auf den vielversprechenden Titel gelohnt hat, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Review.

Eine von der Außenwelt abgeschnittene Forschungsstation und ein neuartiges Material

Die Geschichte von Pragmata spielt in einer gar nicht mal so weit entfernten Zukunft. Die Menschheit hat einen gänzlich neuen Rohstoff entdeckt, das sogenannte „Lunum“. Mit Hilfe von Lunum konnte nach einiger Forschungsarbeit das neuartige Material „Lunafilment“ erschaffen werden.

Eine Art Material, welches dazu benutzt wird, mit teils gigantischen „Druckanlagen“ verschiedenste Gegenstände, Gebäude oder auch andere Dinge zu erschaffen. Einzig eine Vorlage dessen, was man kreieren möchte, ist notwendig, um der Druckanlage vorzuschreiben, was sie zu bauen hat. Wie bei einem 3D-Drucker der aktuellen Zeit, könnte man sagen.

Eines Tages ging der Kontakt zwischen der Erde und dieser Forschungsstation, die sich auf dem Mond befindet, jedoch verloren. Ein Team aus Spezialisten wurde umgehend entsandt um sich diesem Problem anzunehmen und dem merkwürdigen Kontaktabbruch auf den Grund zu gehen.

Kurz nach dem Eintreffen dieses Teams gab es jedoch ein Mondbeben. Also eine Erschütterung des Mondes. Hugh Williams, unser Hauptcharakter, wurde durch ebendieses Mondbeben von seinem Team getrennt. Im bewusstlosen Zustand wird Hugh jedoch von einem kleinen Mädchen, einem mysteriösen Androiden, gerettet und wiederhergestellt. Sie ist ein Pragmata, ein Geschöpf, welches mit Hilfe von Lunafilment erschaffen wurde und eine künstliche Intelligenz besitzt. Speziell die sehr emotional präsentierte Beziehung zwischen Hugh und dem Mädchen wurde wirklich toll umgesetzt.

Von hier aus nimmt die spannende Geschichte rund um die Erkundung dieser gigantischen Mondbasis nun ihren Lauf. Seite an Seite mit dem äußerst menschlich anmutenden Androiden muss Hugh die seltsamen Vorkommnisse auf der Basis nun also ohne die Hilfe seines Teams untersuchen.

Third-Person-Action mit dem besonderen Etwas lockert das Genre auf

Pragmata ist im Kern ein Third-Person-Shooter, wie man ihn erwarten würde. Actiongeladene Kämpfe wechseln sich mit ruhigeren Erkundungsphasen ab. Die Story wird mit Hilfe vieler Cutscenes, aber auch anhand vieler in der Welt verstreuter Schriftstücke wie E-Mails und andere Dokumente erzählt. So weit, so gewöhnlich, könnte man sagen.

Dann kommt jedoch die größte Besonderheit von Pragmata zum Tragen. Das ausgefeilte Hacking-System, das die Kämpfe auflockert und ihnen einen völlig neuen Touch verleiht. Greift man die unzähligen Gegner beispielsweise einfach auf normalem Wege an, nehmen diese kaum Schaden. Man muss die Schutzmechaniken der mechanischen Gegner per Hacking-Tool erst umgehen und verschafft sich somit ein kurzes Zeitfenster, in welchem die Gegner deutlich verwundbarer sind.

Gerade am Anfang des Abenteuers empfindet man das Hacken noch als recht einfach umsetzbar. Interessant und fordernd wird das Ganze aber im weiteren Spielverlauf, wenn man sich mehrerer Gegner gleichzeitig erwehren muss und diese ganz nebenbei ja auch immer erst noch hacken muss. Multitasking wird bei Pragmata also großgeschrieben und man muss während der teils wirklich hektischen Situationen stets einen kühlen Kopf bewahren um Herr über die jeweilige Situation zu bleiben. Die Hacking-Mechanik ist also definitiv das große und herausstechende Feature von Pragmata.

Anders als man im ersten Moment vielleicht denken möchte, erwartet uns mit Pragmata also alles andere als ein typischer 08/15-Third-Person-Shooter. Das Zusammenspiel aus Atmosphäre, den toll geschriebenen Dialogen zwischen Hugh und dem Androiden-Mädchen und der neu eingeführten Hacking-Mechanik runden das Gesamtpaket gekonnt ab und machen Pragmata zu einem wirklich tollen Titel, den man auf jeden Fall gespielt haben sollte.

Auch optisch ein außerirdischer Leckerbissen der Oberklasse

Speziell die optische Präsentation von Pragmata kann sich wirklich sehen lassen. Wunderbar kühl und steril fühlt sich die Mondbasis in den ersten Spielminuten an. Im weiteren Spielverlauf verändern sich die Locations natürlich auch etwas, was zusätzliche optische Abwechslung mit sich bringt und den äußerst sterilen Look etwas auflockert.

Neben den tollen Texturen und Modellen sind es speziell die fantastischen Lichteffekte, die dem Abenteuer nicht selten die optische Krone aufsetzen und das grafische Erlebnis abrunden. Vor allem die Animationen der Charaktere konnten mich vollstens überzeugen, denn diese fühlen sich fast schon butterweich und geschmeidig an.

Pragmata lief während unserer Testsession im Performance-Modus auf PlayStation 5 außerdem stets mit flüssigen 60 Frames über den Bildschirm und auch mit lästigen Vsync-Störungen mussten wir uns zu keiner Sekunde beschäftigen. Auf Wunsch kann Pragmata auch in einem Qualitätsmodus mit höherer Auflösung gespielt werden. Hier muss man sich dann allerdings mit 30 Frames begnügen.

Ein wirklich rundes grafisches Erlebnis, welches einmal mehr beweist, dass sich technische Optimierung eben doch auszahlt. Nicht selten erscheinen Spiele heutzutage ja vor allem technisch in unsauberem Zustand und erst nach vielen Updates werden die Titel dann überhaupt erst richtig spielbar. Das ist bei Pragmata jedoch keinesfalls der Fall und sollte auf jeden Fall löblich erwähnt werden.

Durchschlagende Soundeffekte und eine fantastische Synchronisation verwöhnen die Ohren

Auch tontechnisch feuert Pragmata aus allen Rohren. Neben den eher ruhigen und atmosphärischen Klangteppichen dreht der Sound vor allem in den hitzigen und fordernden Kämpfen auf und verleiht der jeweiligen Situation somit noch mehr Durchschlagskraft. Die fantastisch umgesetzten Soundeffekte wirken zudem wuchtig und stets passend und untermauern das Actiongeladene zusätzlich gekonnt.

Auch die gesprochenen Dialoge sind absolut hochwertig umgesetzt und speziell die englischen und japanischen Sprecher geben wirklich alles um dieses Sci-Fi-Abenteuer so authentisch wie möglich wirken zu lassen. Wirklich vorbildlich und absolut auf Triple-A-Niveau.

Auch die deutschen Sprecher wirken durchaus kompetent, kommen meiner Meinung nach aber keineswegs an die englischen oder japanischen Sprecher heran. Ich bin aber im Allgemeinen überhaupt kein Fan deutscher Synchronisierungen.

Spannendes Space-Abenteuer mit besonderem Gameplay-Kniff und toller Atmosphäre

Bildmaterial: Pragmata, Capcom

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Titel	Mega Man Star Force Legacy Collection
	27. März 2026
	Capcom
	27. März 2026
	Capcom
	27. März 2026
	Capcom
System	PlayStation 4/5, Xbox Series, Xbox One, Nintendo Switch, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Capcom
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Die Mega-Man-Reihe erfreut sich auch nach fast 40 Jahren immer noch großer Beliebtheit. Nicht weiter verwunderlich ist es daher, dass natürlich auch der Publisher und Entwickler Capcom weitere Projekte mit dem blauen Bomber plant. Mit Mega Man: Dual Override befindet sich beispielsweise sogar ein gänzlich neues Mega-Man-Abenteuer in der Capcom-Pipeline, welches 2027 erscheinen soll.

Ein weiteres dieser neuen Projekte ist unter anderem auch die Mega Man Star Force Legacy Collection, welche ganze sieben Titel der Star-Force-Reihe enthält. Die Star-Force-Reihe, die speziell für Nintendo DS entwickelt wurde, nutzt vor allem die Vorteile eines zweiten Bildschirms der Handheld-Konsole aus und schafft somit ein für die Mega-Man-Reihe bisher nie dagewesenes Gameplay-Gefühl.

Jedoch handelt es sich dabei auch um ein sehr spezielles Feature, welches folglich für diese brandneue Collection entsprechend umgesetzt und an die Moderne angepasst werden musste. Durchaus eine große Herausforderung für die japanischen Entwickler aus dem Hause Capcom.

Die Star-Force-Reihe erfreute sich speziell in Japan großer Beliebtheit und nun kommen endlich auch jüngere Spieler-Generationen und Spieler, die damals vielleicht keine Berührungspunkte mit dieser Spin-off-Reihe des Mega-Man-Franchise hatten, in den Genuss dieser Titel.

Mega Man Star Force Legacy Collection erschien am 27. März für PlayStation 4 & 5, Xbox Series S/X, Xbox One, Switch und PCs. Ob sich die an die Moderne angepasste Sammlung der Nintendo-DS-Titel bewährt, erfahrt ihr natürlich wie immer in unserem ausführlichen Test.

Stolze sieben Star-Force-Titel sind enthalten

Die Mega Man Star Force Legacy Collection beinhaltet ganze sieben Titel der Spin-off-Reihe. Neben den Titeln Pegasus, Leo, Dragon, Zerker x Ninja, Zerker x Saurian, Black Ace und Red Joker kommt die Star Force Legacy Collection auch mit zusätzlichen Features wie beispielsweise einer Galerie und einem Soundtrack-Archiv daher. Das Gesamtpaket für alle Fans der Reihe, könnte man also sagen, und die definitive Ausführung der Star-Force-Reihe.

Die enthaltenen Star-Force-Titel sind im Endeffekt Remastered-Versionen der Originale. Hier und da mussten jedoch vor allem technische Anpassungen gemacht werden. Zum einen in Sachen Auflösung und Tonqualität und zum anderen in Sachen zweites Display. Da bei einer modernen Konsole schließlich nur ein Monitor genutzt wird, musste sich Capcom eine Lösung für das Zwei-Display-Feature der Originale einfallen lassen.

Dieses zweite Display wird nun im Kleinformat neben unserem eigentlichen Haupt-Display abgebildet und kann auf Knopfdruck jederzeit vergrößert werden. Das ursprünglich für zwei Displays ausgelegte Feature wird nun also gleichzeitig zusammen auf einem Monitor dargestellt. Eine optimale Lösung in jeglicher Hinsicht und im Endeffekt auch die einzige Möglichkeit dieses Feature so originalgetreu wie möglich einzubinden, ohne die Titel gameplaytechnisch verändern zu müssen.

In allen Star-Force-Titeln übernehmen wir die Rolle des jungen Helden Geo Stelar, welcher sich immer mehr von seinem Alltag und Mitmenschen distanziert. Eine Art Schutzreaktion, die auf das Verschwinden seines Vaters in den Weiten des Weltraums zurückzuführen ist. Eines Tages verschmilzt Geo jedoch mit dem Alien Omega-Xis, woraufhin Geo zu Mega Man wird. Nun muss er sein Schicksal selbst in die Hand nehmen und die Welt vor den bedrohlichen EM-Wellen schützen. Unser Held wächst also über sich hinaus und muss sich in vielen spannenden Abenteuern behaupten.

Taktisch orientierte Kämpfe weichen vom serientypischen Gameplay ab

Anders als bei allen anderen Ablegern und Spin-offs der Mega-Man-Reihe verlaufen die Kämpfe bei den Star-Force-Titeln deutlich Taktik-orientierter und etwas weniger hektisch. Wir bekämpfen unsere Widersacher dieses Mal nicht direkt, sondern greifen diese auf einer Art Spielfeld mit drei Rastern an.

Mit zusätzlichen Power-Chips, welche über das Zusatz-Display ausgewählt werden, haben wir die Möglichkeit die Kämpfe zu beeinflussen. Diese Power-Chips funktionieren quasi wie kleine Power-ups, die uns beispielsweise einen Angriffs-Bonus verleihen oder einen bestimmten Spezialangriff ausführen lassen.

Unterm Strich bekommt man es bei den Star-Force-Titeln also mit einem wirklich ungewöhnlichen Kampfsystem zu tun. Auf den ersten Blick sieht das Ganze natürlich eher unspektakulär aus, unterm Strich erwartet uns aber ein recht ausgefeiltes Kampfsystem, welches dank des Einsatzes der vielen unterschiedlichen Chips durchaus Tiefe vorweisen kann. Am Ende des Tages ist dies aber natürlich wieder Geschmackssache.

Optisch liebevoll präsentiert, aber natürlich nicht mehr zeitgemäß

Aus grafischer und allgemein technischer Sicht darf man sich bei der Star Force Legacy Collection aber natürlich nichts vormachen. Wir haben es hier natürlich immer noch mit alten Nintendo-DS-Titeln zu tun, die schon zum Release nicht unbedingt optische Highlights waren. Dementsprechend sehen die Titel auf heutigen, deutlich größeren Monitoren auch nicht unbedingt ansprechender aus. Dennoch können die Titel mit vielen liebevollen Details begeistern und die Optik hat auch heutzutage durchaus noch ihren Charme. Hier muss man aber auf jeden Fall aufgeschlossen für technisch angestaubte Retro-Titel sein.

Die enthaltenen Spiele liefen aber allesamt äußerst rund und ohne technische Mängel über den Bildschirm, technisch liefert die Star Force Legacy Collection also ein durchaus ordentliches Gesamtbild ab.

Tontechnisches Retro-Feeling ohne Patzer

Auch soundtechnisch kann die Collection überzeugen und die überarbeiteten Klangteppiche und Melodien klingen auch für heutige Verhältnisse noch sehr passabel. Wie auch schon bei der Optik muss man auch beim Sound immer im Hinterkopf behalten, dass man es hier eben mit alten DS-Titeln zu tun hat.

Dafür ist die technische Seite aber voll zufriedenstellend und eben genau das, was man von einer technisch an die Moderne angepassten Collection erwarten würde.

Mehrspielermodus für noch taktischere Duelle enthalten

Eine große Überraschung ist hingegen der enthaltene Mehrspielermodus. In diesem haben wir die Möglichkeit, wahlweise in Ranked oder Unranked Matches zu spielen und unser Können mit anderen Spielern aus der ganzen Welt zu messen. Der einzige Kritikpunkt an diesem Mehrspielermodus ist die Tatsache, dass die Entwickler von Capcom leider keinen Crossplay-Modus verbaut haben. PlayStation-Spieler bleiben also ebenso wie Xbox-, Switch- und PC-Spieler jeweils unter sich.

Auf lange Sicht könnte dies durchaus der Spielerbasis schaden und – speziell wenn der große Launch-Run vorbei ist – für schwache Spielerzahlen im Multiplayermodus sorgen. Die Spielersuche würde dann also bedeutend länger dauern.

Die beliebte Spin-off-Reihe nun endlich in einer Collection vereint

Bildmaterial: Mega Man Star Force Legacy Collection, Capcom

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Titel	Screamer
	26. März 2026
	Plaion
	26. März 2026
	Plaion
	26. März 2026
	Plaion
System	PS5, Xbox Series, PC
Getestet für	PC-Steam
Entwickler	Milestone, Polygon Pictures
Genres	Arcade-Racer
Texte
Vertonung

Große Rennspielmarken gibt es nur noch wenige. Viele erinnern sich an die goldenen Zeiten der frühen 2000er mit Arcade-lastigen Rennspielen wie Need for Speed Underground, Burnout und Blur, aber auch nischigeren Titeln wie Auto Modellista oder Initial D Special Stage. Entwickler Milestone und Publisher Plaion knüpfen mit Screamer an diese alten Zeiten an.

Dem ein oder anderen älteren Semester werden die Namen vielleicht bekannt vorkommen, und richtig – hier ist tatsächlich das ursprüngliche Team hinter der Bleifuss-Reihe (international damals schon Screamer genannt) am Werk.

Mit den ursprünglichen Bleifuss-Titeln hat das aktuelle Screamer aber wenig gemein. Man könnte sogar von einem Reboot der Reihe sprechen – und ehrlich gesagt hoffen wir auf eine Verlängerung der Reihe, denn Screamer (2026) macht viel richtig, leidet aber an seiner schwankenden Qualität.

Karriere-Modus im Visual-Novel-Stil mit Anime-Sequenzen

Herzstück des Spiels ist der Turniermodus mit einem von „Screamern“ aus aller Welt ausgetragenen Turnier, in dem es um das enorme Preisgeld von 100 Milliarden Dollar und die Geheimnisse einer mysteriösen Maschine mit dem Namen „Echo“ geht. Sie kann nicht nur die Zeit zurückdrehen, sobald ein Wagen explodiert – wenn dabei Menschen sterben, kann sie sogar Tote wiederauferstehen lassen.

Jedes der fünf Teams hat ganz eigene Gründe am Rennen teilzunehmen, welche ihr im Laufe der 70 Episoden umfassenden Story kennenlernt – während der etwa zehn Stunden werden die Rivalitäten immer stärker und die Kämpfe immer erbitterter.

Die Story selbst ist dabei sehr interessant, aber manchmal etwas zu ausführlich. Insbesondere die „Zwischenepisoden“ im Visual-Novel-Stil ziehen sich manchmal ganz schön in die Länge. Dagegen wirken die Hauptsequenzen im Anime-Stil hochwertig. Schade, dass man es hier verpasst hat, eine gewisse Konsistenz herzustellen. Eine kürzere, knackiger präsentierte Story in einem stilistisch passenderen Manga-Panel-Style hätte zum Beispiel deutlich besser gepasst. Weniger wäre hier mehr gewesen.

Etwas eigenwillig ist auch das ständige Hin- und Herspringen zwischen den verschiedenen Teams. Selten sitzt man zwei Rennen in Folge im gleichen Wagen, ständig wird gewechselt. Es ist nicht nur schwer, der Story zu folgen – auch das Eingewöhnen auf ein Fahrzeug fällt schwer. Die Fahrzeuge heben sich allerdings hauptsächlich optisch ab, spielerisch wirken sie alle recht ähnlich und unterscheiden sich bevorzugt in der Höchstgeschwindigkeit und den Spezialattacken.

Die Vollvertonung der Story weiß zu gefallen: Die TeilnehmerInnen sprechen in unterschiedlichsten Sprachen, von Deutsch über Spanisch bis Holländisch und Japanisch. Das bringt den internationalen Charakter der hochgetunten Wagen mit 350 km/h Spitzengeschwindigkeit sehr gut in die Wohnzimmer – auch wenn Holländisch für uns Deutsche manchmal einfach unfreiwillig lustig klingt. Oder wie man im Spiel sagen würde: „Waarom zou iemand respect voor jou hebben?“

Ansonsten bietet Screamer das, was man von einem Arcade-Racer erwartet: Mehrere Spielmodi wie Einzelrennen, Teamrennen, Zeitrennen sowie Punkteherausforderungen, Overdrive-Herausforderungen und Kontrollpunkte-Rennen sind vorhanden – auch im lokalen Splitscreen und als „Mixtape“ im Online-Modus. Tuning ist leider nur optisch vorhanden, das jedoch sehr umfangreich. Ein Schadensmodell ist quasi nicht vorhanden – ab und zu fliegt ein Heckflügel ab, was nur optische Auswirkungen hat.

Drifte um dein Leben

Die Rennen auf den über 30 Strecken machen nach wenigen Stunden Eingewöhnungsphase richtig Spaß. Die Lernkurve ist dabei aber ziemlich steil. Nicht nur ist das Driftverhalten der Boliden äußerst gewöhnungsbedürftig und erinnert mit seinen ständigen Heckausbrüchen und etwas verzögertem Einlenken stark an Wipeout. Auch die KI-Gegner sind teilweise wirklich unerbittlich. Schon auf mittlerer Schwierigkeitsstufe („ausgeglichen“) braucht man für manche Teamrennen sowohl viel Glück als auch Können, was zu mehrfachen Wiederholungen eines Events führt. Da hilft nur ein Zurückschrauben auf den einfachen Schwierigkeitsgrad.

Trotzdem: Hat man das Driftgefühl erst einmal verinnerlicht, gerät man schnell in einen sehr befriedigenden Flow, welchen man sonst nur von Future-Racern kennt. Das gezielte Antippen der Bremse vor und während eines Drifts, während man die tonnenschwere Karosse nur wenige Zentimeter von der Bande entfernt um die schwierige Kurvenpassage schwingt, sorgt für ein Gefühl, das nur wenige Rennspiele so perfekt hinbekommen wie Screamer.

Auf der ein oder anderen Strecke wird es jedoch zu viel des Guten, denn auf den Serpentinen des „Nebelhügels“ oder „Falkenpfads“ gibt es kaum Verschnaufpausen zwischen den anspruchsvollen Drifts. Alle fünf Sekunden erneut anbremsen, um im zweiten Gang die nächste Kurve zu nehmen, artet schon fast in Arbeit aus und ist ermüdend.

Doch Driften ist nicht die einzige Spielmechanik, die perfektioniert werden möchte. Auch die Boosts, oder besser gesagt das passende „aus der Kurve boosten“, entscheidet oft über Sieg und Niederlage in den erbitterten Straßenrennen. Dazu kommen die tödlichen Explosionsangriffe des „Echos“ à la Burnout und Blur, die gar nicht so einfach zu timen und auszurichten sind. Mit etwas Geschick lassen sich diese mit einem wenige Sekunden anhaltenden Schild abblocken.

Stilistisch Weltklasse, Sound sehr gut

Technisch weiß Screamer (2026) auf ganzer Linie zu überzeugen, besonders in epischen Einstellungen auf dem PC. Die Grafik ist sehr gut und bringt das Geschwindigkeitsgefühl überzeugend rüber. Wirklich herausragend ist das Spiel jedoch an anderer Stelle: Die Städte im Cyberpunk-Stil sind hervorragend getroffen, der Stil ist ähnlich überzeugend und zeitlos wie damals bei Need for Speed Underground. Die umfangreichen Einstellungsmöglichkeiten der PC-Version lassen auch kaum Wünsche offen.

Die Entwickler wissen offenbar genau, wie gut ihnen der in Neonfarben leuchtende Stil ihrer Städte gelungen ist und liefern einen Weltklasse-HDR-Effekt mit, der zudem noch auf den eigenen Fernseher angepasst werden kann. Ohne Übertreibung: Wer einen leuchtstarken HDR-TV oder gar einen OLED-TV besitzt, muss Screamer (2026) erlebt haben. Der HDR-Effekt ist nahezu ebenbürtig mit den besten in dieser Disziplin, etwa Tetris Effect und Ori and the Will of the Wisps.

Auch der Sound ist sehr gut gelungen. Er ist nicht so kultig wie ein F-Zero GX, Wipeout oder der ein oder andere „Need for Speed“-Teil, trotzdem überzeugt der Metal- und Electronic-lastige Soundtrack. Die Motorengeräusche sind kernig, die Soundeffekte sind ebenso passend.

Ein Wechselbad der Gefühle

Bildmaterial: Screamer, Plaion, Milestone

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Titel	Death Stranding 2: On the Beach
	19. März 2026
	PlayStation Publishing LLC
	19. März 2026
	PlayStation Publishing LLC
	19. März 2026
	PlayStation Publishing LLC
System	PlayStation 5, PC
Getestet für	PC (Steam)
Entwickler	Kojima Productions, Nixxes
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Ich muss gestehen, dass Death Stranding nicht mein Spiel war. Womöglich hatte ich nach dem wirklich starken und durchdachten Gameplay des letzten Metal Gear Solid unter der Führung von Hideo Kojima einfach etwas anderes erwartet. Die meditative Reise über menschliche Verbindung hatte durchaus ihre Höhen, aber auch viel zu lange Talfahrten.

Meine Erwartungen für das Sequel waren also nicht sehr hoch. Da dieser Teil nun, wie nicht anders zu erwarten war, ebenfalls auf der beliebtesten Plattform der Welt erscheint, gibt es keinen besseren Zeitpunkt für mich, herauszufinden, ob Kojima seine Formel konsequent weiterentwickelt hat. Und natürlich, ob das Team von Kojima Productions das nötige Know-how besitzt, um dem Spiel eine ordentliche Optimierung auf PCs zu spendieren. Dank des Review-Musters von PlayStation gibt es nun die Antworten darauf.

Not so dead

Ähnlich wie der Vorgänger beginnt auch Death Stranding 2 mit einer Wanderung, untermalt von Kojimas persönlicher Spotify-Playlist. Das ist ein effektiver Anfang, um sowohl Ton als auch Stil der Geschichte und des Gameplays einzuführen.

Doch lange hält die Idylle nicht an. Nachdem der erste Teil genutzt wurde, um die Beziehung zwischen Sam Porter Bridges und seinem BB Lou aufzubauen und zu vertiefen, wird eben diese Verbindung zu Beginn zerrissen. Das ist einer der emotionalen Höhepunkte, von dem sich Spieler und Sam erholen müssen. Und ähnlich wie in der echten Welt geht das nicht ohne Verdrängung, Depression und den Sturz in die Arbeit.

Zusammen mit alten und neuen Freunden (von Kojima) zieht es Sam nach Mexiko und Australien. Dort muss er wieder wichtige Knotenpunkte mit dem chiralen Netzwerk verbinden. Dabei werden ihm jedoch mehrmals Steine in den Weg gelegt. Wer ist der Geldgeber dieser Mission? Wieso kann man sich von Mexiko nach Australien teleportieren? Was ist das Nirvana?

Erneut ist das Thema Verbindungen. Aber dieses Mal geht es mehr darum, welche Konsequenzen diese haben und wie sie einem mehr schaden als helfen können.

Evolution

Es handelt sich also tatsächlich um eine konsequente Entwicklung der Erzählung aus dem ersten Teil. Thematisch bleibt der Kern erhalten, aber die Sichtweise ändert sich. Sehr clever. Das führt trotz des üblichen Kojima-Nonsens zu einer runderen Geschichte mit besserem Pacing und am Ende zu einem epischen Finale, das alleine die Reise schon wert ist.

Getragen wird diese emotionale Reise von den starken Performances der Schauspieler. Allen voran Troy Baker, der als Higgs absolut jedem die Show stiehlt und mit seinem puren Charisma alle seine Szenen dominiert. Jedes Mal, wenn dieser Charakter auf dem Bildschirm erscheint, wird jede langgezogene Talfahrt sofort vergessen. Was für eine starke Performance. Auch dafür allein lohnt sich das Spiel. Obwohl die anderen Charaktere hier teils weit abfallen, sind sie dennoch interessanter als beim Vorgänger, obwohl Cliff Unger sehnlichst vermisst wird.

Leider versteht der gute Kojima-san weiterhin nicht, wie sich normale Menschen unterhalten. Anstatt normale Konversationen zu führen, ergießt sich praktisch nur schwallartige Exposition aus dem Mund der Charaktere. Je besser die Technik und somit die Optik wird, desto negativer fällt das auf. Auch die typischen Logik-Lücken sind natürlich mit von der Partie. Hier wird Logik gegen Coolness eingetauscht, aber anderes hätte man vom Schöpfer von Metal Gear Solid nicht erwartet.

Wer sich also durch die Exposition und das mal wieder sehr passive Gameplay kämpfen kann, wird dafür mit einer interessanten und verrückten Geschichte belohnt, die eine sinnvolle Entwicklung zum Original darstellt.

Alphabet

Warum bin ich länger als nötig auf der Geschichte herumgeritten? Weil sich zum Vorgänger in Sachen Gameplay nicht allzu viel getan hat. Den Großteil der Zeit wird man weiterhin damit verbringen, von A nach B zu kommen und dabei sein Gepäck zu managen.

Wer diesem System beim Vorgänger gar nichts abgewinnen konnte, der wird hier nicht glücklich werden. Diejenigen, die sich zumindest etwas mehr Abwechslung erhofft hatten, werden jedoch belohnt. Es gibt mehr und dynamischere Auseinandersetzungen mit den verschiedensten Feinden sowie abwechslungsreichere Methoden der Fortbewegung und vielfältigere Nebenmissionen. Hier also auch mehr Entwicklung statt Revolution.

Selbiges gilt für die Optik, die beim ersten Teil schon begeistern konnte. Was Kojima Productions mit der Decima-Engine aus dem Hause Guerrilla Games auf den Bildschirm zaubert, ist wahrlich brachial. Sowohl Charaktere als auch Umgebungen kommen immer näher an die Realität heran und das sorgt für wesentlich mehr Emotionen und Gänsehaut während der Zwischensequenzen und des Gameplays. Selten war eine triste Einöde so schön wie bei Death Stranding 2. Und jetzt, auf dem PC, wird noch einmal eine Schippe draufgelegt.

Ultra

Mit den gängigsten Methoden der Frame-Generation ist ein unglaublich flüssiges Spielerlebnis bei einer Auflösung von 4K möglich. Zudem gibt es Super-Ultrawide-Support. Diese technischen Details richten sich natürlich an Spieler mit einem entsprechenden Setup von starkem Rechner und gigantischem Bildschirm. Teuer, aber mehr Immersion geht nicht. Besonders mit einem entsprechenden Monitor wird klar, dass so schöne Umgebungen vielleicht noch nie auf den Bildschirm gezaubert wurden. Dabei hilft auch die Tatsache, dass man auch auf PCs nicht auf die vielen Funktionen des DualSense verzichten muss. Immersion pur.

Und halleluja: Die zweifelsohne talentierten Entwickler von Kojima Productions und Nixxes haben ein extra Preset für tragbare PCs wie Steam Deck programmiert. Was sagt uns das? Hier hat sich jemand extra die Mühe gemacht, für schwache PCs eine ordentliche Performance zu garantieren. Diesen Schritt gehen nicht mehr so viele Entwickler, vor allem nicht, wenn sie aus dem fernen Osten kommen. Viel mehr kann man von einem „einfachen“ PC-Port nicht erwarten.

Doch leider sind nicht alle tragbaren PCs gleich. Das Steam Deck muss zum Beispiel selbst bei der passenden Einstellung viel zu hart mit dem Spiel kämpfen und ohne Frame-Generation kratzt es allenfalls an den 30 FPS. So kann ich das Sequel leider nicht auf Valves Handheld empfehlen. Death Stranding 2 lebt von seiner Optik und das kann der kleine Rechner eben nicht leisten.

Entwicklung statt Revolution

Bildmaterial: Death Stranding 2: On the Beach, Sony Interactive Entertainment, Kojima Productions

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Den heutigen Kinostart vom Super Mario Galaxy Film flankiert Nintendo morgen mit der Veröffentlichung zwei neuer amiibo-Figuren (und einem Haufen anderem Merchandise und Aktionen) – wenige Tage später steht die erste große PS5-Veröffentlichung an. Dank Xbox: Starfield.

Bevor Nintendo Mitte April den monatlichen Exklusivtitel mit dem neuen Tomodachi Life droppt, wechselt das bisher Konsolen-exklusiv für Switch 2 veröffentlichte Hades II die Seiten und erscheint für PS5 und Xbox. Ein Multiplattform-Highlight ist dann Pragmata von Capcom.

Fans des Haptischen dürfen sich unter anderem über eine nachträgliche Handelsversion des DCP-nominierten Tiny Bookshop freuen. Auch Shuten Order erscheint hier physisch auf einer echten Cartridge nachträglich für Switch 2. Indies und AA-Games wie Darwin’s Paradox, Outbound und Aphelion runden das Feld ab.

Zum Monatsende gibt es dann nochmal zwei echte Schwergewichte. Die Gacha- und Free-to-play-Szene fiebert dem „Anime-GTA“ Neverness to Everness entgegen und PlayStation-Fans dürfen sich mit Saros mal wieder über ein Exklusivspiel freuen, von denen es in Zukunft wieder mehr geben soll, glaubt man Medienberichten.

Unsere Auswahl im April:

• Fishbowl (PS5, PC): 2. April (Nur Download)
• amiibo Mario & Luma: 2. April (bei Amazon bestellen*)
• amiibo Rosalina & Luma: 2. April (bei Amazon bestellen*)
• Darwin’s Paradox (Multi): 2. April (nur Download)
• Starfield (PS5): 7. April (bei Amazon bestellen*)
• Sigma Star Saga DX (SW, PS5, PC): 7. April (bei Limited Run)
• Pokémon Champions (SW): 8. April (nur Download)
• Town of Zoz (PC): 9. April (nur Download)
• Tiny Bookshop (SW, PS5): 10. April (bei Amazon bestellen*)
• Hades II (Xbox, PS5): 14. April (nur Download)
• Tomodachi Life (SW): 16. April (bei Amazon bestellen*)
• MOUSE: P.I. Fore Hire (Multi): 16. April (bei Amazon bestellen*)
• Pragmata (Multi): 17. April (bei Amazon bestellen*)
• Masters of Albion (PC): 22. April (nur Download)
• Yunyun Syndrome!? Rhythm Psychosis (PC): 23. April (nur Download)
• Outbound (Multi): 23. April (bei Amazon bestellen*)
• Kingdom’s Return (Multi): 23. April (nur Download)
• Shuten Order (SW2): 23. April (bei Amazon bestellen*)
• Nine Sols (SW, PS5): 24. April (bei Amazon bestellen*)
• Aphelion (Xbox, PS5, PC): 28. April (bei Amazon bestellen*)
• Will: Follow the Light (Xbox, PS5, PC): 28. April (nur Download)
• Ys Memoire (SW): 28. April (bei Amazon bestellen*)
• NTE (PS5, PC, Mobile) 29. April (nur Download)
• inKONBINI (Multi): 30. April (nur Download)
• Saros (PS5): 30. April (bei Amazon bestellen*)

Bildmaterial: Tomodachi Life: Wo Träume wahr werden, Nintendo

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Titel	Darwin’s Paradox
	02. April 2026
	Konami
	02. April 2026
	Konami
	02. April 2026
	Konami
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC, Nintendo Switch 2
Getestet für	PC (Steam)
Entwickler	ZDT Studio
Genres	Puzzle-Plattformer
Texte
Vertonung

Die letzte State of Play im Februar dieses Jahres war schon beeindruckend. Mehrere neue Ankündigungen und das ausgerechnet von Konami. Nicht viele haben mit so einem Comeback gerechnet. Inmitten von Metal Gear Solid und neuen JRPGs hat auch ein kleiner Oktopus seine Trailer-Premiere gefeiert.

Darwin’s Paradox ist das erste Spiel von ZDT Studio. Einem Pariser Studio, das von ehemaligen Branchenveteranen gegründet wurde. Eine Aussage, die aus offensichtlichen Gründen für Aufsehen sorgt. Nun konnten wir den Puzzle-Plattformer genauer unter die Lupe nehmen und entscheiden, ob Oktopoden sich als Helden eignen.

Ebbe

Nicht viele Puzzle-Plattformer glänzen mit ihrer tiefen Erzählung und genau hier reiht sich Darwin’s Paradox eindeutig ein. Die Geschichte ist zeitgleich simpel und abstrakt, da der Held eben ein Oktopus ist und nicht ordentlich kommunizieren kann. Kurz gesagt: Aliens wollen die Erde mittels grünem Gehirnwäsche-Schleim erobern und entführen dabei den Partner unseres achtarmigen Protagonisten. Um diesen zu befreien, muss der kleine Oktopus tief in das Herz der humoristischen Invasion eintauchen und dabei alle möglichen terrestrischen und extraterrestrischen Hindernisse umgehen.

Dank der tollen Animationen der humorvollen Invasion und der Dialog-freien Erzählung trifft der ein oder andere Lacher mitten ins Schwarze, aber die Geschichte an sich wird von den vielen geskripteten Sequenzen in den Hintergrund gerückt. Von einer Verpackungsfabrik über düstere Labore bis hin zu einem Karatezentrum zum Training der außerirdischen Roboter – hier wird die wahre Geschichte erzählt.

Leider dauert das Ganze dabei keine fünf Stunden. Der ominöse Soundtrack passt zwar gut, ist aber generisch und absolut unmemorabel. So bleibt hier nur die Optik als einzige große Stärke. Das gilt sowohl für das Art-Design, das teilweise an große Studio-Produktionen erinnert, als auch für die grafische Qualität an sich, die das mal mehr und mal weniger maritime Thema mittels Unreal Engine 5 schön umsetzt.

Oktopussy

Spielerisch überzeugt das Oktopus-Abenteuer nur teilweise. Auf einer strengen 2D-Ebene kann der Oktopus zwar an jeder Oberfläche haften, was viele Möglichkeiten eröffnet, aber die kleinen Areale nutzen dieses Potenzial nicht voll aus.

Hinzu kommt eine Tarnfunktion, die auf Knopfdruck angewandt werden kann, sowie die Möglichkeit, Tinte zu verspritzen, um sich darin zu verstecken. Das passt zum Stealth-Kern des Gameplays, ist für das kurze Spiel jedoch zu wenig und nur in bestimmten Situationen einsetzbar.

Weder die Rätsel noch die Stealth-Einlagen sind besonders komplex und am Ende ist es eher die unpräzise und teils träge Steuerung, die für die meisten Neustarts und Frustrationen verantwortlich ist. Letzteres kommt dabei für ein Spiel dieser Länge viel zu häufig vor. Trial-and-Error gehört bei Plattformern zwar dazu, hilft aber hier nicht.

Lieber das Steak

Die klassischen Bosskämpfe, sofern man sie so nennen kann, sind nur kleine Fluchteinlagen, die man in so vielen anderen Puzzle-Plattformern schon viel besser gesehen hat. Generell fasst das Darwin’s Paradox ganz gut zusammen. Praktisch jedes Element hat man im übersättigten Genre schon mal genauso oder besser gesehen. Ob Limbo, Ori oder eine der vielen anderen Genre-Koryphäen, Darwin’s Paradox kommt an diese nicht einmal annähernd heran. Sehr schade.

Trotz der überschaubaren Dauer bietet das Spiel kaum Wiederspielwert. Es gibt nur 20 lustige Werbungen/Zeitungs-Ausschnitte zu finden, die sonst nichts Intrinsisches bieten und an offensichtlichen Orten versteckt sind. Ansonsten bleibt es, was Erkundung angeht, eher mau.

Technisch gibt es nicht viel zu bemängeln. Selbst ein schwacher PC wird mit dem Spiel keine Probleme haben, aber eben auf niedrigen/mittleren Grafikeinstellungen und nur in 30 FPS. Für die beste Optik und stabile 60 FPS braucht es schon einen sehr starken Rechner, was wohl kaum für die Optimierung dieses kleinen Plattformers spricht. Dennoch bin ich immer froh darüber, wenn ein neues Spiel auch auf dem Steam Deck stabil läuft, auch wenn es optisch deutliche Einbußen gibt.

Weniger saugstark

Der Beitrag Im Test! Darwin’s Paradox hat es schwer in einem vor Koryphäen strotzenden Genre erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Super Mario Bros. Wonder – Nintendo Switch 2 Edition + Gemeinsam im Bellabel-Park
	26. März 2026
	Nintendo
	26. März 2026
	Nintendo
	26. März 2026
	Nintendo
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Nintendo
Genres	Jump ’n’ Run
Texte
Vertonung

Als Nintendo im Oktober 2023 das erste brandneue 2D-Abenteuer des hauseigenen Super-Klempners nach rund zehn Jahren veröffentlicht, hagelt es Bestnoten von der Presse. Auch wir empfinden Super Mario Bros. Wonder seinerzeit als „Spielspaß- und Ideen-Feuerwerk“ – und verleihen den goldenen Herausragend-Award.

Gute zweieinhalb Jahre später wird die großartige Hüpferei nun mit einer Frischzellenkur für Switch 2 bedacht. Die schraubt nicht nur an der ohnehin gelungenen Technik, sondern ergänzt das Abenteuer um neue Inhalte. Der Ausflug in den Bellabel-Park lässt sich allerdings etwas kosten: Für das Upgrade bittet Nintendo Besitzer des Hauptspiels mit durchaus ansehnlichen 19,99 Euro zur Kasse. Wer mit Switch 2 erstmals in „Wonder“ einsteigt, darf gar stolze 79,99 Euro locker machen. Lohnt sich das?

Über jeden Zweifel erhaben

Am Grundspiel hat sich mit der Switch-2-Fassung nichts verändert. „Wonder“ bleibt auch zweieinhalb Jahre nach seiner ursprünglichen Veröffentlichung spielerisch über jeden Zweifel erhaben. Markiert die Neuauflage euren Erstkontakt mit dem Spiel, sei euch ein Blick in unseren ausführlichen Test des Originals ans Herz gelegt. Trotzdem wollen wir im Folgenden einen kurzen Überblick darüber geben, was euch in „Wonder“ erwartet.

Für ihr jüngstes Abenteuer verschlägt es Mario, Luigi und Co. nicht wie gewohnt auf die mittlerweile abgetrampelten Pfade des Pilzkönigreichs. Stattdessen folgt die bunte Truppe einer Einladung von Prinz Florian ins benachbarte Blumenkönigreich. Es kommt, wie es kommen muss: Serienschurke Bowser crasht die Party und reißt sich das Schloss des Prinzen unter den Nagel.

Wir begeben uns also auf eine Reise durch das farbenfrohe Königreich, um der lästigen Chefkröte einmal mehr das Handwerk zu legen. Dazu arbeiten wir uns wie gewohnt durch verspielte, wenngleich selten fordernde Jump-’n’-Run-Level, die gerade dank der neuen „Wunderblumen“ herrlich kreativ ausfallen.

Einmal einverleibt, verzaubern diese unsere Umgebung auf … wundersame Weise. Mal verselbstständigt sich die Level-Architektur, mal beeinflussen wir sie auf eigene Faust. Mal spielen uns Kamera und Beleuchtung einen Streich, mal schlüpfen wir in ungeahnte Rollen. Bis zum Ende präsentiert sich „Wonder“ als charmant-kreative Spielspaß-Quelle, die nie Gefahr läuft, zu versiegen.

Und vor diesem Hintergrund lässt sich auch schon ein Zwischenfazit ziehen: Solltet ihr „Wonder“ bis dato noch nicht gespielt haben und bringt ihr eine Vorliebe für den heldenhaften Klempner oder durchdachte Plattformer im Allgemeinen mit, sei euch der Kauf der Switch-2-Fassung wärmstens ans Herz gelegt. 

Großer Spaß für Multiplayer-Fans

Aber wie steht es um die Rückkehrer unter euch? Klar, es spricht nichts dagegen, Marios blumiges Abenteuer einfach ein zweites Mal zu erleben. Im TV-Modus profitiert die Neuauflage von einer messerscharfen 4K-Auflösung; eine bombenfeste Bildrate und verkürzte Ladezeiten runden die technische Präsentation vorbildlich ab.

Allerdings machte „Wonder“ schon auf der Switch eine tolle Figur. Für das Hauptspiel allein lohnt sich der erneute Griff in den Geldbeutel kaum – da tuts auch das Original. Rechtfertigt der Bellabel-Park mit seinen neuen Inhalten also den Upgrade-Kauf? Die diplomatische Antwort: Es kommt ganz darauf an. Und zwar darauf, wie ihr zum Thema „Multiplayer“ steht.

Die Attraktionenwelt des Bellabel-Parks steht ganz im Zeichen des gemeinsamen Spaßes. Wir toben uns lokal und online mit mindestens zwei (und bis zu zwölf) Spielern in zahlreichen Disziplinen aus – insgesamt winken über 15 Minispiele. So sammeln wir etwa wild um die Wette Münzen, verharren aber auf der Stelle, sobald König Buh-Huh erwacht.

Erwischt er uns in der Bewegung, reißt er nämlich unsere erkämpften Taler an sich. Im Rahmen der Phanto-Fangjagd verschmelzen wir, so gut es geht, mit der Umgebung, um uns möglichst lang vor unseren Kontrahenten zu verstecken. Und in der Rolle des Nimmersatts Yoshi futtern wir unter Zeitdruck so viel, wie in unsere Bäuche passt.

Auch für Leute, die lieber mit- statt gegeneinander spielen, hält die Attraktionenwelt viele Minispiele bereit. Beim Bob-omb-Bibbersprint ist der Name Programm: Ein Spieler ebnet in Echtzeit den wackligen Pfad, den der Partner beschreitet – nur mit guter Abstimmung schafft man es ins Ziel. In den Rollen von Kapitän Toad und Piepmatz Picki teilen sich Spieler derweil die Steuerung – einer läuft, der andere hüpft. Die Minispiele sind allesamt kurzweilig und charmant präsentiert und bieten eine tolle Grundlage für spaßige Spielabende mit Familie oder Freunden.

Kurzer Spaß für Solo-Hüpfer

Aber was ist mit den Solo-Hüpfern unter euch? Die werden auch bedient, wenngleich weniger prominent als Mehrspieler-Enthusiasten. Auf der Zeltwiese vor dem Bellabel-Park versuchen wir uns etwa an den spielerischen Herausforderungen des Toad-Trupps und steigen so munter im Quasi-Pfadfinder-Rang auf. Darüber hinaus werden unsere Mühen mit Bellabel-Wasser belohnt, mit dem wir das Grün der Umgebung wieder zum Strahlen bringen. Alternativ investieren wir in Dekorationen und Blumensamen, um die Zeltwiese nach unseren Wünschen zu verschönern. Das ist alles zweifellos süß umgesetzt und bereitet durchaus Spaß, geht in Sachen Komplexität aber kaum über einen netten Zeitvertreib hinaus.

Spannender gestaltet sich da schon die Rückkehr der Koopalinge. Die garstige Geschwisterbande hat die Bellabel-Blumen an sich gerissen – wir greifen dem Toad-Trupp bei ihrer Wiederbeschaffung unter die Arme. Die Koopalinge verschanzen sich jeweils in den verschiedenen Regionen des Blumenkönigreichs und wollen auf der Karte ausfindig gemacht werden, ehe sie uns im Zuge eines Duell-Levels konfrontieren.

Mit ihrer abermals kreativen Präsentation sind diese Keilereien ein gelungener, aber auch äußerst kurzer Spaß. Steigt ihr nachträglich in euren alten Spielstand ein, sind die sieben Kröten in unter einer Stunde erledigt. Ist es hingegen euer erstes Mal mit „Wonder“, lockern die Duelle das Abenteuer in regelmäßigen Abständen gelungen auf.

Weitere willkommene Neuerungen: „Wonder“ war zwar bereits im Original nicht besonders fordernd, der neue Hilfe-Modus garantiert nun aber, dass auch die Kleinsten in eurem Kreis gemeinsam mit euch abenteuern können. Der neue Modus bewahrt Nachwuchs-Spieler vor sämtlichem Schaden; auch Abgründe beherbergen nicht länger die Gefahr eines „Game Over“. Mit Rosalina gesellt sich zudem ein weiterer Charakter zur Heldenriege. Mit dabei ist folgerichtig auch Luna, die von Videospiel-Neulingen per Maus-Steuerung navigiert wird, um mühelos Gegner zu besiegen und Münzen zu sammeln.

Für alle Neulinge und manch einen Rückkehrer

Bildmaterial: Super Mario Bros. Wonder – Nintendo Switch 2 Edition + Gemeinsam im Bellabel-Park, Nintendo

Der Beitrag Im Test! Der neue Bellabel-Park von Super Mario Bros. Wonder ist ein zweischneidiges Schwert erschien zuerst auf JPGAMES.DE.