Titel	Honkai: Nexus Anima
	TBA
	Cognosphere
	TBA
	Cognosphere
	TBA
	Cognosphere
System	PC, Android, iOS
Getestet für	PC
Entwickler	miHoYo
Genres	Abenteuer, Strategie
Texte
Vertonung

Liebens- und verachtenswerte Charaktere bieten einen starken Einstieg

Wie bereits Petit Planet vor wenigen Wochen startet Honkai: Nexus Anima extrem stark – in mehreren tollen Zwischensequenzen wird euch mit dem etwas überreizten Klischee des Helden mit Gedächtnisverlust erklärt, wie diese wundersame Welt funktioniert – und warum die Nexus Anima und zum Teil auch die Menschen spezielle Fähigkeiten haben.

Leider nutzen auch eure Gegenspieler diese besonderen Fähigkeiten und machen uns so das Leben schwer. Bereits nach wenigen Stunden Spielzeit empfinden wir die Antagonisten als wirklich unangenehm und verachtenswert – und das nicht nur, weil sie es auf unser Leben abgesehen haben.

Nur dank unerwarteter Entwicklungen können wir in letzter Sekunde aus den lebensgefährlichen Situationen entkommen. Die Antagonisten sind überzeugend geschrieben und charakterliche Unsympathen, die wesentlich glaubwürdiger sind und strategischer vorgehen als die teilweise trotteligen Antagonisten in den Konkurrenzspielen.

In Honkai: Nexus Anima ist es wirklich unangenehm, eine durchaus intelligente Yandere-Charakterin an den Fersen zu haben, die nun voller Hass ist und sich für einen vergangenen Herzensbruch – an welchen wir uns nicht erinnern – an uns rächen möchte. Um es direkt zu sagen: Einen Anime mit dieser Story würden wir uns auch ansehen.

Beta wirkt bereits wie aus einem Guss

Das Gameplay entspricht den Erwartungen. Honkai: Nexus Anima ist ein relativ simples Abenteuer im Stile der bisherigen HoYoverse-Titel, das an einigen Stellen aufpoliert wurde. Positiv fällt besonders das übersichtliche Menü auf, das deutlich weniger überladen wirkt als das vergangener Spiele des Entwicklers.

Die Monstersammel-Mechanik mit der entsprechenden Enzyklopädie dahinter ist durchaus nett, aber geht keine unbekannten Wege. Die Materialschlacht beim „Binden“ der Nexus Anima im späteren Spielverlauf ist vorhersehbar grindlastig, wenn man „sie alle schnappen“ und aufleveln will, um bestmögliche Teams zusammenzustellen.

Kampfsystem überzeugt nach kurzer Eingewöhnung

Das Autobattle-Kampfsystem, das wir als einen echten Wackelkandidaten des Spiels sahen, überzeugt nach einer kurzen Eingewöhnungsphase. Die 9-vs.-9-Kämpfe laufen größtenteils automatisch ab, können jedoch durch Spezialfähigkeiten der menschlichen BegleiterInnen beeinflusst werden.

Bei herausfordernden Kämpfen ist es wichtig, seine Nexus Anima strategisch geschickt auf dem Spielfeld zu platzieren und die Spezialfähigkeiten im passenden Moment zu aktivieren. Manche Monster sind vor allem im 1-vs.-1 stark, während andere ihr volles Potenzial erst entfalten, wenn sie von mehreren Gegnern umzingelt sind. Wiederum andere greifen besser aus der Distanz an.

Dazu gibt es die bekannten Vor- und Nachteile bei den Typen. All das zeigt schon in den ersten Spielstunden, dass uns im späteren Spielverlauf taktische Kämpfe erwarten, die durch mehrere unterschiedliche Faktoren beeinflussbar sind. Jedoch ist auch klar: Die Kämpfe sind eher indirekt kontrollierbar und die Strategie zu Beginn des Kampfes entscheidet, denn während des Kampfes gibt es nur wenig Einflussmöglichkeiten.

Übrigens haben bei weitem nicht alle Nexus Anima Entwicklungsstufen – in der Beta sind nur eine geringe Anzahl an Monstern überhaupt abseits der Level, also auch „physisch“ veränderbar. In der Regel sind das die seltenen 5-Sterne-Monster, für die man zudem noch besondere Voraussetzungen vor der Entwicklung erfüllen muss – etwa einen bestimmten Story- oder Nebenmissionen-Fortschritt.

Die Entwicklungen selbst sind aktuell noch etwas schwach präsentiert – da geht sicher noch mehr bis zur Vollversion. Wer allerdings gerne Monster jagt, kann täglich ein Nexus Anima mit Farbabweichungen (hier „Chroma“ genannt) einfangen. Allerdings auch hier – es kann in eine grindlastige Materialschlacht ausarten, sie alle haben zu wollen.

Technisch auf der Höhe der Zeit

Technisch überzeugt Honkai: Nexus Anima in vielen Punkten. HoYoverse kann die Stärken der bisherigen Titel eins zu eins ins neue Spiel übernehmen. Die Technik borgt man sich zum Teil sehr offensichtlich von Zenless Zone Zero, auch einfache Raytracing-Effekte wie RTGI, RT-Reflexionen und RT-Schatten sind mit am Start und lassen die Grafik auf PCs der unteren Mittelklasse überzeugend wirken – auch wenn diese inzwischen leider auch schon um die 1000 Euro kosten.

Stilistisch und im Charakterdesign orientiert man sich dagegen an Honkai: Star Rail. Das Monsterdesign ist kreativ, aber zum Teil gewöhnungsbedürftig. Die Animationen sind passend und halten besonders bei den Idle-Animationen gelegentlich Überraschungen bereit.

Dazu kommt ein orchestraler Soundtrack und eine bis auf den Hauptcharakter vertonte, mitreißende Hauptstory mit mehreren Zwischensequenzen. Ebenfalls positiv: Bis auf den Start des Spiels gibt es keine nennenswerten Ladezeiten und das, obwohl die offene Spielwelt vergleichsweise groß und detailreich ist.

Mit ein wenig Mut könnte man die wenigen, sehr kurzen Ladebildschirme am PC auch ganz entfernen, durch kurze Übergangseffekte ersetzen und so den nahtlosen Eindruck der Spielwelt verstärken. Der Titel wirkt technisch ungewöhnlich stark für eine Beta. Ein wirklicher Mangel ist nur der bisher fehlende Controllersupport.

Ein möglicher Top-Titel im Bereich der Monstersammler

Bildmaterial: Honkai: Nexus Anima, miHoYo, Hoyoverse

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Titel	Denshattack!
	15. Juli 2026
	Fireshine Games, Boltray Games
	15. Juli 2026
	Fireshine Games, Boltray Games
	15. Juli 2026
	Fireshine Games, Boltray Games
System	PS5, Xbox Series, Switch 2, Steam
Getestet für	PC (Steam)
Entwickler	Undercoders
Genres	Action, Abenteuer
Texte
Vertonung

Denshattack! ist so bunt und verrückt, dass das Spiel sogar während einer Nintendo Direct auffällt. Ein Zug, der quer durch Japan rast, gegen Gundam-style Transformer-Züge kämpft, dabei Riesenräder als Behelfsgleise nimmt und zwischendurch bessere Trickjumps hinlegt, als es Tony Hawk zu seinen besten Zeiten gekonnt hätte, fällt einfach sofort ins Auge.

Kein Wunder war das „Rail-Action-Adventure“ sofort bekannt wie ein bunter Zug mit Katzenohren und war für uns das Signal, den Test mit Maximalgeschwindigkeit durchzuführen. Um die unvermeidliche Frage direkt vorab zu beantworten: Ja, der Zug hat eine Bremse. Er setzt sie aber nur selten ein.

Clear the tracks, I’m a train!

Die Story ist schnell erzählt: Nach einer Klimakatastrophe leben die Reichen in luftreinigenden Kuppelstädten; außerhalb herrscht Verfall und Gesetzlosigkeit. In dieser Welt ist Hauptcharakter Emi eine Lieferantin – bei einer Ramen-Lieferung (was auch sonst?!) erfährt sie von Denshattack – einer Gruppe von Gesetzlosen, die auf stillgelegten Gleisen ihre Konflikte austrägt und so die Hoheit über Gebiete Japans erlangt. Denn die eigentlichen Gleise werden von der mächtigen Miraido‑Corporation kontrolliert, sodass Personen und Waren schnell an ihr Ziel kommen.

Also wird der eigene Zug aufgemotzt, mit Graffiti gestylt und die Gebiete von Kyūshū bis Hokkaidō bereist. Währenddessen gibt es Auseinandersetzungen mit den jeweiligen Gangs, um die Gleise in Zukunft nutzen zu dürfen.

Auf der Reise freundet ihr euch mit vielen Leuten an, macht Denshattack-Fans zu Guides, ehemalige Diplomatensöhne zu Freunden und verbündet euch mit anderen Gangs, um am Ende gewappnet zu sein für die Liberalisierung des Gleisverkehrs – und vielleicht sogar noch viel mehr. Denn wer die Gleise nicht frei macht, wird einfach weggerammt.

Grinden über die Rainbow Rail

Das Spielprinzip ist so einfach wie fesselnd: Mit einem ordentlichen Grundstock an Fähigkeiten startet ihr den Zug – springen, bremsen, hupen, driften, Trickjumps, grinden, stampfen – und das alles am besten als lange Kombo.

Am Anfang ist das etwas überfordernd, besonders wenn man die frühen 2000er mit Jet Set Radio und Tony Hawk’s Pro Skater nicht miterlebt hat. Doch nach ein bis zwei Stunden geht es durch ständige Wiederholungen langsam in Fleisch und Blut über.

Durch die rasante Raserei durch das stilisierte Japan verliert man auch schon mal die Übersicht. Zum Glück helfen hier Anzeigen im Stile von Quick-Time-Events, die nötigen Eingaben nicht zu verpassen. Manche Strecken übertreiben es damit ein wenig – es fühlt sich dann fast so an, als ob man mehrere Minuten hintereinander Quick-Time-Events aneinanderreiht, unterbrochen von verrückten Grafiken, Animationen und wilden Grinds. Wer sich bei den Kombos geschickt anstellt, schaltet eine zusätzliche Gleisspur in Regenbogenfarben frei.

Treffen sich ein Zug, eine Unterwasser-Bahn, eine Monorail, eine Hängehochbahn und ein Vakuumzug in der Halfpipe zum Grinden …

Denshattack! ist wie ein nicht enden wollender Fiebertraum. Die Riesenräder als Behelfsgleise wurden bereits erwähnt, aber ein echter Denshattack-Zug lässt sich auch von Seen nicht aufhalten und kann auch wunderbar auf Schienen in der Luft fahren.

Im Notfall hängt er sich eben in eine Schiene in der Luft und schwingt sich von Seite zu Seite, um Hindernissen auszuweichen. Wenn das nicht reicht, muss eine Hauswand für einen Wallride herhalten, von der man geschickt auf das nächste Gleis springt. Wenn in Großstädten die Glaskuppel im Weg ist, wird diese in bester Actionfilm-Manier durchbrochen, nur um die lokalen Züge von der Schiene zu rammen und den Anwohnern spektakuläre Tricks zu präsentieren – gerne auch während einer Kabuki-Theatervorstellung.

Gelegentlich ist es auch nötig, den Zug gezielt zum Entgleisen zu bringen – etwa, wenn ein Gang-Vorsteher seinen Zug mit hunderten Flammenwerfern aufgemotzt hat und im Tunnel aus eurem Zug eine Ersatzteilsammlung machen möchte.

Spielerisch zwischen Jet Set Radio, 3D-Sonic und Mobile-Games

Die Zwischenbosse werden in reinster Sonic-Manier präsentiert. Wegrennen vor großen Hindernissen, gefühlt endloses Rail-Grinden, wechseln zwischen den Spuren, Weichen aktivieren, Trickjumps durchführen und vieles mehr ist nötig, um die Zwischenbosse zu beseitigen.

Oft geht es auch in Richtung des Mobile-Spiels Sonic Dash: Mehrere Spuren, viele Hindernisse und der Boss wirft Objekte nach euch, die ihr durch gut getimte Tricks auf ihn zurückschlagen müsst. Mit der Zeit wird es jedoch etwas repetitiv – die verrückte Story und die hübsch gestaltete Umgebung trösten jedoch darüber hinweg, dass die klassische Arcade-Action nicht in jedem einzelnen Level begeistern kann.

Dazu kommt, dass manche Spielabschnitte – insbesondere diejenigen mit vielen Quick-Time-Events – etwas hektisch werden und daher die entsprechenden 10–30 Sekunden häufiger wiederholt werden müssen.

Weniger reden, mehr Denshattack!

Manches an Denshattack! ist fast schon schmerzhaft Retro. Nicht nur die Highscorejagd und die versteckten Sammelelemente im Level erinnern an die alten Zeiten. Auch die Oberwelt mit ihren einzelnen Leveln wird dargestellt, wie wir sie seit langer Zeit aus den 2D-Mario-Spielen kennen.

Die Hauptstory-Abschnitte werden in kleinen, im Anime-Stil gehaltenen Sequenzen gehalten, die Nebenabschnitte dagegen im Visual-Novel-Stil mit den für die späten 90er typischen, kurzen Sprachsamples und Geräuschen.

Anderes ist voll auf der Höhe der Zeit: Die vertonten Sequenzen haben bekannte Synchronsprecher, dazu wird man zum Start Kollaborationen mit bekannten VTubern wie Ironmouse starten, die Besonderheiten im Spiel freischalten. Die Musik passt sehr gut zu den actiongeladenen Rennen und motiviert für die nächste Runde.

Was für ein wilder Ritt!

Bildmaterial: Denshattack!, Fireshine Games, Boltray Games, Undercoders

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Mit Mitte 30 gehöre ich zu denjenigen, die noch fertig entwickelte Spiele auf Modulen und Discs miterlebt haben. Jedoch war ich von Anfang an offen für neue Entwicklungen in der Gaming-Branche. Game Dev Story im Google Play Store, die Orange Box auf Steam, kreative Indies via Humblebundle, Gratisspiele im Epic und Amazon Store, aktualisierte Nintendo-Klassiker in der Virtual Console, kreative Top-Spiele per WiiWare und nicht zuletzt obskure F2P-Online-Spiele aus China und Korea wie Silkroad Online und PangYa – mit rein digitalen Spielen hatte ich in den letzten 20 Jahren sehr viel Spaß.

Dennoch sehe ich das Aus der Discs auf der PlayStation auch als tendenziell progressiv eingestellter Mensch kritisch. Nicht, weil ich dem runden Polycarbonat in rechteckiger Plastikummantelung nachtrauere – mit gutem Merchandise kann ich als Erinnerung an tolle Spielmomente deutlich mehr anfangen, wie meine Kreditkarte bestätigen kann. Vielmehr ist das Problem, dass den KundInnen eine Option genommen wird, die für sie viele Vorteile hat – ohne, dass Sony einen vergleichbaren digitalen Ausgleich schafft.

Kundenfreundliche Digital-Stores sind besser als Discs

Steam, GOG und zum Teil auch der Google Play Store zeigen, wie digitale Stores auszusehen haben. Wenn ein digitaler Vertrieb gut umgesetzt wird, ist ein digitaler Spiele-Shop ein Gewinn für SpielerInnen und Publisher.

Steam hält als größte digitale Spieleplattform auf dem PC eine gute Balance zwischen Kundenfreundlichkeit und Publisher-Freundlichkeit – auch wenn mehrere Publisher das anders sehen. Bemängelt werden unter anderem die angeblich hohen Gebühren und zu hohe Transparenz durch API-Abfragen, die durch Dienste wie SteamDB ausführlich genutzt werden.

Besonders Steam bietet aber viele kundenfreundliche Features. Angefangen vom ausführlichen Bewertungssystem über ausführliche Produktbeschreibungen mit sehr vielen wichtigen Informationen auf einen Blick. Viele davon sind nützlich, da sie KundInnen negativ betreffen können, wie DRM, Drittaccounts und KI-Nutzung in den Spielen. Dazu kommen das universelle Rückgaberecht, kostenlose Online-Dienste und Cloud‑Saves, ein überwiegend guter Kundensupport und natürlich eine große Auswahl zu fairen Preisen, besonders in den bekannten Steam Sales.

Bereits Gekauftes gratis verbessern und erweitern

Dazu kommen viele neue Entwicklungen, von denen auch alte Spiele profitieren. Mit Proton laufen Steam-Spiele problemlos auf Linux- und MacOS-Geräten, aber auch in mobilen Android-Geräten und bekannten Cloud-Diensten können die Steam-Dienste angebunden werden. Dazu testet man derzeit bei Valve eine KI-Funktion, die vorhersagen soll, wie performant das Spiel auf dem eigenen PC laufen wird. Nicht umsonst ist Steam die derzeit wahrscheinlich beliebteste Plattform für Indie-Entwickler und kleine Publisher – und gleichzeitig der Favorit der meisten PC-SpielerInnen.

Google Play geht in eine eigene Richtung. Der Preis-Leistungs-Sieger der digitalen Spiele-Stores ist bekannt für seine sehr niedrigen Einstiegshürden für kleine Entwickler und Publisher. Durch die gute Kuratierung geht kaum ein herausragendes Spiel in der Masse der digitalen Spiele unter.

Als Bonus gibt es auch hier gute Bewertungsfunktionen und gratis Cloud-Speicher. Mit Google Play Spiele für Windows öffnet sich der Store dazu auch für Windows-Laptops, um nahtlos auf möglichst vielen mobilen Geräten spielen zu können – und nicht nur auf Google-Phones und Tablets.

GOG ist dagegen führend bei der digitalen Archivierung von Spielen. Die Spiele ohne Kopierschutz werden oft noch gepatcht, modernisiert und angepasst – damit man die 20 Jahre alten Discs nicht selbst patchen, in ini-Dateien editieren, zweifelhafte Fan-Patches integrieren oder eine DosBox konfigurieren muss.

Das PSN muss kundenfreundlicher werden

Davon bietet der PlayStation Store bisher nur wenig. Das PSN kann vor allem von Steam noch viel lernen – nicht nur bei den Sales und den allgemein niedrigeren Preisen auf dem PC, da im offenen Ökosystem echte Konkurrenz statt zentral gesteuerter, dynamischer Preisgestaltung herrscht, auf die der freie Markt kaum einen Einfluss hat.

Allgemein wirkt der Store sehr eingeschränkt. Steam bietet deutlich tiefere Community‑Funktionen wie Foren, Guides, Kuratoren, Workshops und Reviews, die den SpielerInnen wirklich weiterhelfen.

Steam erlaubt gerade kleineren Studios vergleichsweise einfachen Zugang zu Millionen KundInnen, und hilft den ihnen, mit guter Kuratierung, regelmäßigen Aktionen und KI-gestützten Tools wie dem persönlichen Spielekalender auch weniger bekannte Spiele sichtbar zu machen.

Im Sony-Store sind vor allem die Kosten für Kunden und Publisher hoch – kein Wunder, dass viele kleinere und Indie-Studios ihre Spiele mehrere Jahre auf Steam bekannt machen, bevor man überhaupt eine Version für die PlayStation-Konsolen berücksichtigt.

Auch auf Kundenseite ist Sony in vielen Punkten deutlich schlechter, teurer und eingeschränkter. Cloud-Speicherstände und Online-Multiplayer gibt es nur gegen Münzeinwurf, idealerweise im Abo. Ein allgemeines Rückgaberecht für digitale Spiele gibt es nicht, selbst bei technisch stark mangelhaften Spielen ist eine Rückgabe jedes Mal eine Einzelfallentscheidung.

Sony mangelt es an Transparenz

Bei Spielen gibt Sony selbst nur die nötigste Auskunft – was oft ein Vorteil für den Publisher, aber ein Nachteil für die KundInnen ist. Ein vergeigter Patch geht oft in der Masse der Bewertungen unter und KI-Nutzung in den Spielen wird gar nicht erst angegeben – klar, denn Sony selbst nutzt KI-Tools in den eigenen Spielen.

Die Abwärtskompatibilität ist oft grob – wirkliche Verbesserungen kann man häufig nicht erwarten. Aber auch Patches für die Pro-Konsolen sind mangelhaft und werden nicht transparent dargestellt. „Für PS5 Pro verbessert“ kann beispielsweise alles bedeuten – von schlechterer Bildqualität und Framerate bis hin zu umfassenden Überarbeitungen, gelungener PSSR-Integration und genialen Raytracing-Effekten.

Transparenz und Kundenfreundlichkeit sind keine Lava, die man nicht berühren sollte. Sony sollte hier dringend nachbessern, wenn sie im Zuge ihrer Umstellung auf Digital-Only nicht noch mehr langjährige Fans verärgern wollen.

Bildmaterial: Sony Interactive Entertainment

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Titel	Echoes of Aincrad: Sword Art Online
	09. Juli 2026
	Bandai Namco Entertainment
	10. Juli 2026
	Bandai Namco Entertainment
	10. Juli 2026
	Bandai Namco Entertainment
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC/Steam
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Game Studio, Inc.
Genres	Action-JRPG, Anime
Texte
Vertonung

Es gibt nur wenige Anime- und Light-Novel-Reihen, die das Medium so nachhaltig geprägt haben wie Sword Art Online. Angefangen bei den ursprünglichen Web Novels, später den erfolgreichen Light Novels, über zahlreiche Anime-Staffeln und Filme bis hin zu einer ganzen Flut an Videospielen. Und das durchaus mit Erfolg: Bis März 2026 konnten sich die verschiedenen Konsolenspiele zusammen bereits über zehn Millionen Mal verkaufen.

Mit Echoes of Aincrad: Sword Art Online wagt Game Studio gemeinsam mit Bandai Namco Entertainment nun den nächsten Anlauf. Schon bei der ersten Vorstellung wurde deutlich, dass diesmal vieles anders laufen soll. Weg vom Koop- und Live-Service-Ansatz des Vorgängers Sword Art Online: Fractured Daydream, zurück an den Ort, an dem alles begann: Aincrad.

Statt Multiplayer steht diesmal wieder eine reine Einzelspieler-Erfahrung im Mittelpunkt. Auch erzählerisch schlägt das Spiel neue Wege ein. Statt sofort auf bekannte Gesichter zu setzen, rückt zunächst die eigene Spielfigur ins Zentrum.

Während des Tests entstand bei mir immer mehr der Eindruck, dass die Entwickler bewusst einen Neustart wagen und gleichzeitig neue Spielerinnen und Spieler abholen möchten. Ein Ansatz, der auf dem Papier durchaus vielversprechend klingt.

Das kommt der Reihe durchaus zugute. Die bisherigen Spiele galten selten als wirkliche Kritikerlieblinge und selbst innerhalb der Fangemeinde gingen die Meinungen häufig auseinander. Zu viel Grind, zu viel Kirito im Mittelpunkt und natürlich der obligatorische Harem, der ihn auf Schritt und Tritt begleitet. Gerade Letzteres geht Echoes of Aincrad erfreulicherweise deutlich anders an. Das fühlt sich angenehm frisch an. Warum am Ende aber trotzdem nicht alles Gold ist, was glänzt, erfahrt ihr in diesem Test.

Kirito? Nie gehört.

Es geht zurück an den Anfang – allerdings aus einer völlig neuen Perspektive. Statt erneut in die Rolle von Kirito zu schlüpfen, erstellen wir unsere eigene Spielfigur und gehören zu den Beta-TesterInnen des neuen VRMMORPGs Sword Art Online. Eigentlich als Solo-SpielerIn unterwegs, kämpfen wir uns durch die ersten Ebenen der schwebenden Festung Aincrad.

Ganz allein sind wir dabei allerdings nicht. Mit Saayu, Wyzeman und dem stoischen, aber herzensguten Iori begleiten uns weitere Beta-TesterInnen auf unserer Reise. Auch bekannte Gesichter wie Argo stoßen schon früh zur Gruppe. Genau diesen Einstieg konnten Fans übrigens bereits in der Demo erleben.

Willkommen in Aincrad

Mit dem offiziellen Start des Spiels nehmen die Ereignisse dann ihren bekannten Lauf. Plötzlich sind sämtliche SpielerInnen in Sword Art Online gefangen. Aus einem harmlosen Spiel wird tödlicher Ernst: Wer in Aincrad stirbt, stirbt auch in der Realität. Fans der Reihe wissen natürlich längst, worauf das hinausläuft – dennoch funktioniert dieser Moment auch hier erstaunlich gut.

Als ehemalige Beta-TesterInnen genießen wir gegenüber vielen anderen einen kleinen Wissensvorsprung. Wir kennen einige Mechaniken, wissen, was uns erwartet, und besitzen dadurch Vorteile. Genau das macht uns allerdings nicht unbedingt beliebt. Schnell geraten wir ins Visier anderer SpielerInnen, die uns Misstrauen entgegenbringen und uns für ihre aussichtslose Lage mitverantwortlich machen.

Wenn SAO seine stärksten Geschichten erzählt

Von hier an entwickelt sich die Handlung langsam zu einem größeren Ganzen. Das Ziel ist klar: Ebene für Ebene erklimmen, das Spiel abschließen und Aincrad endlich entkommen. Bis die Geschichte allerdings wirklich Fahrt aufnimmt, braucht sie etwas Geduld. Nach dem Beta-Test vergeht vergleichsweise viel Zeit, bevor größere Wendungen folgen oder weitere bekannte Figuren aus der Vorlage ihren Auftritt bekommen.

Ihre stärksten Momente hat die Handlung ohnehin an ganz anderer Stelle. Besonders eindrucksvoll sind die vielen kleinen menschlichen Schicksale innerhalb dieser aussichtslosen Situation. Immer wieder erleben wir mit, wie Menschen an der neuen Realität zerbrechen, die Hoffnung verlieren oder verzweifelt versuchen weiterzumachen.

Gerade weil jeder Fehler tödliche Konsequenzen haben kann, entwickeln viele dieser Geschichten eine überraschend emotionale Wucht. Hier zeigt Echoes of Aincrad seine stärkste Seite. Schade nur, dass einige Abschnitte die Handlung unnötig strecken. Das Tempo leidet darunter gelegentlich, insgesamt bleibt die Geschichte aber spannend genug, um bis zum Ende bei der Stange zu halten.

Endlich die Hauptrolle

Kirito, Asuna und Co. bleiben zunächst erstaunlich weit im Hintergrund – schließlich geht es diesmal um uns selbst. Mit der Gefangenschaft in Sword Art Online sind alle SpielerInnen gezwungen, ihre wahre Gestalt aus der realen Welt anzunehmen. So auch wir.

Den generischen Beta-Tester-Avatar lassen wir hinter uns und erstellen in einem Charaktereditor unseren eigenen Helden oder unsere eigene Heldin. Der fällt zwar recht rudimentär aus und hätte durchaus mehr Möglichkeiten vertragen können, trotzdem ist es eine willkommene Abwechslung, endlich einmal die Hauptrolle selbst übernehmen zu dürfen.

Ein Held ohne Stimme

Leider bestätigt sich dabei auch eine meiner größten Befürchtungen. Unser eigener Charakter besitzt ungefähr so viel Charisma wie ein Ziegelstein – und ähnlich viel hat er auch zu sagen. Die wenigen Entscheidungsmöglichkeiten beschränken sich meist auf Optionen wie „nicken“ oder „verwirrt schauen“. Kein Witz.

Andere Spiele mit selbstgebastelten ProtagonistInnen haben das deutlich eleganter gelöst. Monster Hunter Stories 3 schaffte es zum Beispiel zuletzt, seiner Hauptfigur eine richtige Persönlichkeit zu verleihen. Dagegen wirkt unser eigener Avatar hier stellenweise eher wie einer der NPCs, die wir unterwegs treffen, statt wie die eigentliche Hauptfigur der Geschichte.

Viel Routine, wenig Überraschung

Auch die Nebenaufgaben hinterlassen einen eher gemischten Eindruck. Die meisten davon sind klassische Fetch-Quests, wie sie im Lehrbuch stehen. Anfangs dachte ich noch, das Ganze wäre vielleicht als augenzwinkernder Kommentar auf typische MMORPG-Aufgaben gedacht – schließlich passt das zum Setting. Doch leider steckt dahinter keine Meta-Ebene. Stattdessen erledigen wir und unsere BegleiterInnen bereitwillig eine erstaunlich repetitive Aufgabe nach der nächsten. Das ist schade und verschenkt einiges an Potenzial.

Eine angenehme Ausnahme bilden die Charakter-Quests. Diese erzählen kleinere Geschichten rund um die Figuren, bieten gelungenen Fan-Service und belohnen langjährige Fans mit zahlreichen bekannten Gesichtern aus dem SAO-Kosmos. Neben Argo begegnen wir unter anderem auch Agil, Diavel, Lisbeth und Silica. Gerade für Fans der Reihe sind diese Begegnungen ein echtes Highlight.

Die Stadt als Dreh- und Angelpunkt

Unsere Reise beginnt in der Stadt der Anfänge, die gleichzeitig als zentrale Basis dient. Hier finden wir Truhe, Schmied und Händler, bereiten uns auf die nächsten Missionen vor und verbessern unsere Ausrüstung. Etwas seltsam ist allerdings, dass sich Ausrüstung ausschließlich hier wechseln lässt. Positiv fällt dagegen das Transmog-System auf. Kleidung kann unabhängig von ihren Werten frei angepasst und sogar eingefärbt werden – ein kleines, aber sehr willkommenes Detail.

Auch das Aufleveln orientiert sich an bekannten Genre-Größen. Ähnlich wie in Elden Ring verteilen wir unsere Attributspunkte selbst, wodurch Waffen entsprechend ihrer Skalierung stärker werden. Das sorgt für genügend Freiheiten beim eigenen Build, auch wenn das System insgesamt eher klassisch ausfällt.

The Running (Wo)man

Quests starten wir über ein Terminal in der Stadt und werden anschließend in einen fest definierten Quest-Bereich teleportiert. Eine frei zusammenhängende Welt gibt es dadurch also nicht. Selbst Nebenaufgaben müssen separat ausgewählt und unabhängig von der Hauptgeschichte abgeschlossen werden. Das ist schade und kratzt spürbar an der Immersion einer eigentlich zusammenhängenden Welt.

Innerhalb dieser Gebiete erwarten uns dafür durchaus weitläufige Landschaften. Allerdings müssen wir sämtliche der sehr langen Strecken zu Fuß zurücklegen. Immerhin warten unterwegs Schatztruhen mit Ausrüstung, Materialien oder gelegentlich auch Bauplänen für neue Waffen und Rüstungen.

Eine Welt mit vielen Grenzen

Daneben finden sich kleinere Points of Interest, die etwas Hintergrundwissen zur Welt liefern. Was allerdings auffällt: Andere SpielerInnen oder In-Game-NPCs sucht man nahezu vergeblich. Gerade für ein MMORPG-Setting fühlt sich Aincrad dadurch stellenweise erstaunlich leer an.

Auch die Fortbewegung selbst sorgt nicht immer für Freude. Weder klettern noch schwimmen sind möglich und schon kleinere Höhenunterschiede führen dazu, dass der Bildschirm schwarz wird und wir an sicherer Stelle wieder auftauchen. Gerade beim Erkunden wirkt das unnötig einschränkend und holt einen regelmäßig aus der Atmosphäre heraus.

„Oh look, it’s a boar!“

Während unserer Reise verbringen wir naturgemäß einen Großteil der Zeit im Kampf. Leider zeigt sich hier auch schnell eines der größten Probleme des Spiels: die Gegner-Vielfalt. Gefühlt habe ich auf meinem Abenteuer mindestens 50.000 Ebern den Garaus gemacht. Natürlich ist das leicht überspitzt formuliert, doch mehr Abwechslung hätte dem Spiel definitiv gutgetan.

Ähnlich sieht es bei den Bosskämpfen aus. Viele bekannte Gegner tauchen lediglich als größere Varianten normaler Monster wieder auf und wir kämpfen wieder und wieder gegen die gleichen Bosse.

Gemeinsam in die Schlacht

Zur Auswahl stehen insgesamt sechs verschiedene Waffengattungen – vom Einhandschwert über den Rapier bis hin zum Kriegshammer. Für ein Spiel dieser Größe hätte ich mir allerdings noch etwas mehr Vielfalt gewünscht. Die Auswahl konzentriert sich fast ausschließlich auf Nahkampfwaffen, was zwar gut zum Setting passt – wir befinden uns schließlich in SAO und nicht in GGO –, dennoch wäre etwas mehr Abwechslung willkommen gewesen.

Gemeinsam mit mindestens einem von über zehn möglichen BegleiterInnen stellen wir uns den Monstern entgegen. Standard- und Spezialangriffe, Kombos sowie verschiedene Skills sorgen grundsätzlich für flotte Gefechte, während die KI unsere MitstreiterInnen über das Switch-System steuert. Das klappt allerdings mal besser und mal schlechter.

Spaß machen die Kämpfe dennoch, auch wenn die teilweise schwammige Steuerung und die oft unübersichtlichen Schlachten den Spielfluss etwas beeinträchtigen. Wie in Soulslikes sollte man außerdem stets die Ausdauer im Auge behalten – wer sie komplett aufbraucht, wird schnell bestraft.

Die bislang schönste Reise nach Aincrad

Optisch dürfte Echoes of Aincrad ohne Zweifel das bislang schönste Spiel des gesamten Franchise sein. Getestet wurde auf der PlayStation 5 Pro, wo das Spiel mit durchgängig flüssigen 60 FPS überzeugte. Beleuchtung, Weitsicht und die Größe der Spielwelt bewegen sich auf einem hohen Niveau und machen Aincrad zu einem echten Hingucker.

Besonders die Animationen während der Kämpfe wissen zu gefallen. Und ja – das ikonische Zerspringen besiegter Gegner in unzählige Pixel ist auch nach vielen Stunden noch erstaunlich befriedigend.

Ganz ohne technische Probleme lief die Testversion allerdings nicht. Während meiner Spielzeit kam es zu zwei Freezes und einem vollständigen Absturz. Da es sich um eine Version vor der Veröffentlichung handelte, bleibt zu hoffen, dass diese Probleme bis zum Verkaufsstart noch per Update behoben werden.

Gelungene Atmosphäre mit kleinen Schwächen

Auch musikalisch hinterlässt das Spiel einen positiven Eindruck. Der Soundtrack untermalt das Abenteuer stimmungsvoll und trägt viel dazu bei, die Atmosphäre von Aincrad einzufangen. Die Stücke passen hervorragend zur Spielwelt und wecken die Lust auf die Erkundung der nächsten Ebene. Wirkliche Ohrwürmer sollte man allerdings nicht erwarten – dafür bleiben die Kompositionen etwas zu unauffällig.

Bei der Sprachausgabe kann zwischen einer englischen und einer japanischen Synchronisation gewählt werden. Fans dürfen sich freuen, dass bekannte Stimmen wie Bryce Papenbrook und Yoshitsugu Matsuoka als Kirito erneut mit von der Partie sind. Insgesamt bewegt sich die Vertonung jedoch eher auf solidem Niveau. Vor allem die vielen wiederkehrenden Voice-Lines fallen schnell auf. Gerade in längeren Kämpfen oder während der Erkundung hört man dieselben Sprüche so häufig, dass sie mit der Zeit etwas ermüdend wirken.

Weniger Ebenen, trotzdem jede Menge Inhalt

Wer die Vorlage kennt, weiß: Aincrad besteht eigentlich aus 100 riesigen Ebenen, von denen viele fast schon die Größe einer eigenen kleinen Welt erreichen. So weit geht Echoes of Aincrad allerdings nicht. Bereits im Vorfeld machten die Entwickler deutlich, dass sich das Abenteuer hauptsächlich auf die ersten beiden Ebenen konzentriert – und genau so ist es auch.

Am Umfang ändert das allerdings erstaunlich wenig. Allein für die Hauptgeschichte sollte man mindestens 50 Stunden einplanen. Wer zusätzlich sämtliche Nebenaufgaben erledigt und optionale Inhalte mitnimmt, kann problemlos 70 bis 80 Stunden in Aincrad verbringen.

Groß beworben wurde außerdem der sogenannte Death-Game-Modus. Hier gilt: Ein einziger Tod und der komplette Spielstand ist verloren – ganz wie im Anime. Diese Variante richtet sich klar an besonders hartgesottene SpielerInnen. Freigeschaltet wird sie nach dem ersten Durchspielen oder direkt zu Beginn, sofern man die Ultimate Edition besitzt. Davon abgesehen stehen mehrere klassische Schwierigkeitsgrade zur Auswahl, sodass für nahezu jeden Geschmack etwas dabei sein dürfte.

Echoes of Aincrad ist eine reine Einzelspieler-Erfahrung. Koop- oder Online-Funktionen sucht man ebenso vergeblich wie Live-Service-Elemente, die den Vorgänger Sword Art Online: Fractured Daydream noch geprägt haben. Wer sich einfach auf ein klassisches SAO-Abenteuer konzentrieren möchte, dürfte genau das zu schätzen wissen.

Gelungener Neuanfang mit Luft nach oben

Bildmaterial: Echoes of Aincrad: Sword Art Online, Bandai Namco, Game Studio

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Nach eigener Aussage „aus der Liebe zu RPGs geboren“ erregte die junge Spieleschmiede vor allem dadurch Aufmerksamkeit, dass sie sich aus diversen ehemaligen Entwicklern und Entwicklerinnen zusammensetzt, die an Genre-Schwergewichten wie The Witcher 3 und Cyberpunk 2077 mitwirkten. Spätestens nach den ersten handfesten Spieleindrücken schien für viele Hexer-Fans sonnenklar: Das ist doch The Witcher mit Vampiren!

Mittlerweile haben wir satte vier Stunden in „Dawnwalker“ reinspielen dürfen und ja, auch wenn das Kreuz sicher schwer wiegt: Die Vergleiche mit dem Genre-Primus sind gerechtfertigt. Mit einem erfrischenden Spielkonzept und vielen anregenden Ideen muss sich „Dawnwalker“ aber nicht im Schatten des beliebten Hexers verstecken. Im Gegenteil.

Der König ist tot, lang lebe der König

Unsere Hands-on-Session beginnt mit dem atmosphärischen Auftakt des Spiels. Die Pest beutelt das Land und Volk von Vale Sangora. Vampirfürst Brencis und sein Hof machen sich diese verzweifelte Lage zunutze, um den König zu stürzen und ein eigenes finsteres Regime zu installieren. Der neue Machthaber befreit sein Volk vom schwarzen Tod, Steuern und anderen weltlichen Nöten. Im Gegenzug haben „seine Lämmer“ lediglich ein paar Tropfen Blut im Rahmen regelmäßiger „Gottesdienste“ zu spenden. 

Als wir zum Einstieg in die Rolle von Coen schlüpfen, steht eine solche Blutmesse für den Abend an. Bis dahin bleiben aber noch einige Stunden, die es produktiv zu füllen gilt. Die Mutter bedarf etwa einer Arznei, während sich die Geschwister Hilfe beim Fischen wünschen. Auch außerhalb der eigenen vier Wände buhlen die Nachbarn um unsere Aufmerksamkeit: Ein Grabräuber will gefasst werden; ein Bauer beklagt den Diebstahl seines Viehs; ein Raufbold provoziert eine Keilerei.

Das ist nur ein kleiner Auszug der vielseitigen Interaktionsmöglichkeiten, die sich bereits in den ersten Minuten des Spiels auftun. Und mit diesen präsentiert „Dawnwalker“ auch gleich seine größte Besonderheit: Alles erleben, können wir nicht. Während uns vergleichbare Titel die Freiheit geben, jeder Beschäftigung nachzugehen, ehe wir die Hauptgeschichte vorantreiben, spielt Zeit in „Dawnwalker“ eine elementare Rolle. 

Abenteuer mit Terminkalender

Keine Sorge: Eine gnadenlos im Nacken tickende Uhr müsst Ihr deshalb nicht befürchten. Vielmehr etabliert „Dawnwalker“ einen Umgang mit Zeit als Ressource. Will heißen: Wann immer wir uns zu einer wesentlichen Unternehmung entschließen, schreitet die Zeitanzeige am oberen, rechten Bildschirmrand um eine im Vorfeld festgelegte Anzahl an Segmenten voran. Wir wissen genau, wie wieviel Zeit mit unser geplanten Aktion verstreichen wird und haben so immerzu volle Kontrolle über unseren Tagesablauf. Stellt Euch das System wie eine ausgeprägtere Variante des Zeitmanagements in Persona vor.

Daraus resultiert, dass wir uns quasi ab Minute 1 in der Situation wiederfinden, Prioritäten setzen zu müssen. Vielleicht helfen wir den Geschwistern beim Angeln, schlagen allerdings die Bitte ab, eine Pause zum Fangen spielen einzuschlagen. Vielleicht lassen wir uns mit dem Apothekengang für die Mutter hingegen Zeit, weil die charmante Kräuterdame eine spontane Lateinstunde in Aussicht stellt. Immer wieder konfrontiert uns der Titel mit großen und kleinen Optionen, die Einfluss auf unser Abenteuer nehmen und deren Konsequenzen mal mehr, mal weniger durchsichtig sind. 

Für manch einen RPG-Fan, der am liebsten jeden Stein umdreht und jedem Hilfesuchenden unter die Arme greift, ehe er mit der Hauptquest voranschreitet, mag das wie ein spielgewordener Albtraum klingen. Und ja, dieses sehr eigene Spieldesign wird sicher nicht jedem munden. Wir sind allerdings begeistert von der Art und Weise, wie organisch „Dawnwalker“ dieses fundamentale Designelement umsetzt und haben schnell das Gefühl, unser eigenes Abenteuer zu erleben. 

Anregendes Kampfsystem

Aber was bedeutet Abenteuer überhaupt? Habt ihr bereits ausgiebig Zeit an der Seite von Promi-Hexer Geralt verbracht, dürftet ihr euch auch in Coens Haut im Handumdrehen wohl fühlen. Sei es in Hinblick auf die grundlegenden Spielmechaniken, die Steuerung oder auch Menüs und User Interface – der Hintergrund der Chef-Entwickler liegt immerzu offensichtlich auf der Hand.

Eine der größten spielerischen Eigenheiten liefert allerdings das Kampfsystem. In einer Art Hybrid zwischen den „Arkham“-Spielen und Kingdom Come Deliverance setzen wir uns regelmäßig in Schwertkämpfen gegen Feinde zur Wehr. Dabei steht es uns offen, einfache Angriffe und Verteidigungsmanöver zu nutzen. Sinnvoller ist es aber, dass wir uns an die Haltungen unserer Gegner anpassen.

Im Vorhinein eines Angriffes deuten diese nämlich die Richtung an, aus der sie zuschlagen wollen. Reagieren wir mit einem entsprechend ausgerichteten Block, schonen wir nicht nur unsere Ausdauer, sondern bekommen gleichzeitig die Chance zu verheerenden Paraden, die unsere Gegner kurzzeitig schutzlos zurücklassen. Auf die gleiche Weise können wir unsere Angriffe per Richtungseingabe beeinflussen, um die Verteidigung von Feinden zu umgehen. 

Das bedarf zweifellos etwas Eingewöhnungszeit. Schon bald fühlen wir uns aber wohl und nehmen es zeitgleich (und reichlich blutig) mit mehreren Schergen zur selben Zeit auf. Lediglich die Kamera spielt uns dabei immer wieder mal ein Streich. Droht uns die feindliche Überzahl doch mal zu übermannen, machen wir von nützlichen Tricks Gebrauch. Wir setzen etwa zum Rundumschlag an oder werfen Gegnern Dreck in die Augen. 

Als Vampir hat man es nicht leicht

Nach einem produktiven Tag bricht die Nacht an und es kommt, wie es kommen muss: Die Blutmesse endet im dramatischen Chaos. Wir sparen uns an dieser Stelle die Details und verraten nur so viel, dass „Dawnwalker“ in Sachen Präsentation durchaus die Muskeln zu spielen lassen weiß. Der verhängnisvolle Gottesdienst endet jedenfalls mit unserer Verwandlung in den titelgebenden Dawnwalker. Fortan profitieren wir bei Nacht von den Fähigkeiten eines Vampirs, während wir die Sonnenstunden des Tages weiterhin in menschlicher Form genießen – Comic-Star Blade lässt grüßen. 

Die Vampir-Komponente markiert das zweite große Alleinstellungsmerkmal neben dem Zeitmanagement und durchsetzt auf ganz ähnliche Weise sämtliche Aspekte der Spielerfahrung. Bei der Erkundung der Welt laufen wir nun mühelos an Wänden und Decken entlang, während wir in Nebelgestalt über Abgründe hinweg schnellen. Unsere übernatürlichen Kräfte kommen allerdings mit einem Haken: Als Vampir müssen wir immerzu unsere Lebensanzeige und damit unseren Hunger im Auge behalten. Der wird im Verlauf immer größer; fällt unsere Lebensleiste unter einen bestimmten Wert, verlieren wir gegebenenfalls sogar die Kontrolle über Coen. 

So kommt es dann auch. Als wir einen Freund ansprechen, verfliegen zuvor verfügbare Dialogoptionen plötzlich. Stattdessen sind wir gezwungen, zuzubeißen, um unseren Durst zu stillen. Eine heikle Situation, die wir hätten verhindern können, wenn wir zuvor bei wilden Tieren oder Feinden zugebissen hätten.

Stichwort „Feinde“: Auch im Kampf profitieren wir von unseren neu erlangten Kräften. Wir schlagen mit unseren Klauen zu, setzen zu raschen Ausweichschritten an und nutzen spezifische Vampirfähigkeiten – darunter eben das Aussaugen von Schergen. Im weiteren Spielverlauf wächst das Repertoire an Fähigkeiten; vorausgesetzt, wir investieren nicht nur die entsprechenden Fähigkeitenpunkte, sondern ebenso Zeit. 

30 Tage, 30 Nächte

Der mehrstündige Prolog endet mit der Entführung von Coens Familie durch Chef-Vampir Brencis. Ab diesem Zeitpunkt öffnet sich die Welt für unser eigentliches Abenteuer, dessen Ziel klar formuliert ist: Wir haben 30 Tage und Nächte Zeit, um unsere Familie aus den Fängen von Brencis zu befreien. Nach Aussage des Entwicklerteams sei das quasi von Tag 1 an möglich, wenngleich überbordend schwer. Stattdessen gilt es die gegebene Zeit sinnvoll zu nutzen, um möglichst gestärkt an die Tür des Vampirfürsten zu klopfen. 

Die Möglichkeiten, die sich mit dem Öffnen der Welt auftun, scheinen dem ersten Eindruck nach unheimlich vielfältig. Wir können etwa beträchtlich Zeit in den Ausbau von Coens Fähigkeiten investieren. Genauso sinnvoll kann es aber sein, Gefährten für unsere Sache zu gewinnen und die Infrastruktur des fiesen Regimes zu destabilisieren. Das bisschen Zeit, das uns noch im Rahmen der Hands-on-Session bleibt, nutzen wir, um Brencis-Anhänger Ambrus das Leben schwer zu machen – wir infiltrieren etwa diverse Lager, um seine Blutvorräte zu zerstören. Die ersten Erfolge unserer Bemühungen werden bald ersichtlich, als unser Ruf als Vampirschreck steigt. 

Für ein handfestes Urteil darüber, wie gut die Zeitmanagement-Komponente mit der offenen Welt harmoniert, reichen diese ersten Abenteuerchen kaum aus. Sehr wohl aber zeichnet sich bereits das Potenzial der grundlegenden Spielidee ab. Nach Aussage des Teams sollen wir rund 80 Prozent der Inhalte im Rahmen eines Spieldurchgangs erleben können. Dabei soll selbst die Rettung unserer Familie keine Pflicht sein. Das Spiel gehe nach den 30 Tagen weiter und wir sollen so unsere ganz individuelle Geschichte schreiben. Und darauf haben wir tatsächlich schon jetzt mächtig Lust.

Potenzial zum Genre-Juwel

Bildmaterial: The Blood of Dawnwalker, Bandai Namco, Rebel Wolves

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Besonders der handgezeichnete Look wirkt trotz der vollständig in 3D gehaltenen Modelle erstaunlich gut getroffen. Auch die in 12-24 FPS gerenderten Charaktere ließen echtes Retro-Röhrenferhseher-Feeling aufkommen.

Doch ein Trailer kann nicht alles zeigen – uns interessierte daher nicht nur das Gameplay, sondern auch das gesamte Spiel, von der grafischen Qualität, den Zwischensequenzen, der Vertonung und dem Spielgefühl. In den knapp 50 Minuten, die wir mit dem Spiel verbringen konnten, steigerte sich die Begeisterung stetig.

Herausragender Artstyle beeindruckt

Kepler Interactive veröffentlicht bevorzugt Spiele mit großartigem Artystle, Clair Obscur: Expedition 33 ist ein herausragendes Beispiel. In diesem Bereich liefert auch Orbitals ab: Wir waren erstaunt, mit wie viel Liebe zum Detail der 80er-Anime-Stil konsequent durchgezogen wird.

Nicht nur die Charaktere und Umgebungen könnten direkt aus einem Retro-Anime aus der besten Zeit der Röhrenfernseher entsprungen sein, auch die Animationen, Videos und sogar Teile des Menüs sind überzeugend und lassen phasenweise vergessen, dass man tatsächlich ein Videospiel spielt.

Das ist kein Zufall, dahinter steckt harte Arbeit: Studio Massket, bekannt für seine Animationsarbeit bei BNA, Yuru Camp, Needy Girl Overdose und einzelnen „One Piece“-Folgen unterstütze die Entwickler bei Shapefarm – und konnte angeblich selbst noch einiges lernen, denn der Animationsstil mit klassischen Animation Cels der 80er ist heute kaum noch üblich.

Auch in anderen Punkten ist Orbitals top: Das Spiel ist vollständig Deutsch vertont und engagiert dafür bekannte deutsche Synchronsprecher. Zu denen zählen Vincent Fallow (Clive Rosfield in Final Fantasy XVI) sowie Tim Knauer (Dick Grayson in Gotham Knights) oder Kai Hendrik Möller, Anja Topf und Franciska Friede.

Wirklich herausragend wurde das Spiel aber mit der japanischen Sprachausgabe, die das Anime-Gefühl perfekt einfängt. Dazu kommen noch ein toller Opening-Song und liebevoll animierte Zwischensequenzen.

Technisch überzeugte das Spiel ebenfalls, zeitgemäße Grafikeffekte verbanden sich perfekt mit dem verwaschenen, auf Retro getrimmten Look. Dazu wird das Spiel auch vollständig auf einer „Switch 2“-Cartridge erscheinen, wie man uns versicherte.

Lustiges Koop-Spiel mit interessanten Kombinationsrätseln

Spielerisch gibt es wenig zu bemängeln: Das Gameplay war geradlinig und die Missionsziele jederzeit klar, die Puzzles teilweise herausfordernd und kreativ, aber trotzdem nach kurzem Überlegen einfach zu verstehen.

Tricky sind die wechselnden Waffen, die gemeinsam in Kombination neue Effekte hervorrufen können und so manchmal einen Moment innehalten lassen für die Lösung des Rätsels. Die Laser-Waffe sorgt in Kombination mit dem Greifhaken nicht nur dafür, dass manche Tiere dem Licht folgen wie eine Katze einem Laserpointer, sondern kann auch Stahl zum Schmelzen bringen – das dann wiederum mit dem Greifhaken gebogen werden kann, um den Weg freizumachen.

Phasenweise erinnerten uns die Koop-Rätsel an Portal 2 – im besten Sinne! Auch das ist kein Zufall: Der Game Director arbeitete bereits an It Takes Two und Split Fiction.

Allgemein waren wir angetan vom Detailreichtum des Spiels: Orbitals strotzt vor kleinen Details und Interaktionen, die es lebendig wirken lassen: Tee trinken, Eimer umkicken, Haustiere streicheln oder wahlweise ärgern, Minigames spielen und vieles mehr machen die etwas lineare Umgebung interaktiv und interessant. Das Raumschiff wird im Verlauf des Spiels auch lebendiger, immer wieder finden wir neue Freunde auf den Reisen, die uns für den Rest des Spiels begleiten.

Schade: Orbitals ist rein auf Koop ausgelegt ist und besitzt keinen Singleplayer-Modus. Immerhin wird es dank GameShare möglich sein, mit einer Cartridge zwei Geräte zu nutzen, auch über das Internet – und mit einer einfachen Nintendo Switch als empfangendes Gerät.

Ein Anime zum Anfassen

Bildmaterial: Orbitals, Kepler Interactive, Shapefarm

Der Beitrag Angespielt! Orbitals ist eine Liebeserklärung an Anime – und macht dazu richtig Laune erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Weiter geht es in den nächsten Tagen mit Assassin’s Creed Black Flag Resynced und der „Endless Ragnarok“-Erweiterung zu Granblue Fantasy Relink, bevor Palworld nach langer Early-Access-Phase selbige endlich verlässt.

Bandai Namco serviert mit Echoes of Aincrad ein neues Abenteuer im Universum von Sword Art Online und mit Disgaea Mayhem gibt es ein neues Disgaea, das eigentlich gar keins ist.

Splatoon Raiders ist das monatliche Highlight für Besitzende einer Switch 2. Nintendo begleitet den Launch mit neuen amiibo-Figuren und einer neuen Option für die Joy-Con 2. Welches sind eure Must-Haves in diesem Monat?

Unsere Auswahl:

• Rhythm Paradise Groove (Switch): 2. Juli (bei Amazon bestellen)
• Moonlight Peaks (Switch, PC): 7. Juli (Nur Download, später physisch)
• Assassin’s Creed Black Flag Resynced (Multi): 9. Juli (bei Amazon bestellen)
• Granblue Fantasy Relink – Endless Ragnarok (Multi): 9. Juli (bei Amazon bestellen)
• Palworld – verlässt Early Access (PC): 10. Juli (Nur Download)
• Digimon Story: Time Stranger (Switch 2): 10. Juli (bei Amazon bestellen)
• Echoes of Aincrad: SAO (Multi): 10. Juli (bei Amazon bestellen)
• Denshattack (Multi): 15. Juli (Nur Download)
• The Mermaid Mask (Multi): 16. Juli (Nur Download)
• Hell Maiden (Early Access): 16. Juli (Nur Download)
• Puppergeist (Multi): 16. Juli (Nur Download)
• Moss: The Forgotten Relic (Multi): 16. Juli (Nur Download)
• Disgaea Mayhem (Multi): 23. Juli (bei Amazon bestellen)
• Splatoon Raiders (Switch 2): 23. Juli (bei Amazon bestellen)
• Joy-con 2 (blau/hellgelb): 23. Juli (bei Amazon bestellen)
• amiibo Mako/Mantaro/Muri (Merch): 23. Juli (bei Amazon bestellen)
• Halo: Campaign Evolved (PS5, Xbox): 28. Juli (bei Amazon bestellen)
• Shadow Gambit: The Cursed Crew (Multi): 29. Juli (bei Amazon bestellen)
• Xenoblade Chronicles (Switch 2): 30. Juli (bei Amazon bestellen)
• Kusan: City of Wolves (Multi): 30. Juli (bei Amazon bestellen)
• Corsair Cove (PC): 31. Juli (Nur Download)

Bildmaterial: Echoes of Aincrad: Sword Art Online, Bandai Namco, Game Studio

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Nun folgt allerdings der nächste Paukenschlag – diesmal direkt von Sony. Im PlayStation Blog kündigt das Unternehmen an, dass ab Januar 2028 keine neuen PlayStation-Spiele mehr auf Disc erscheinen werden. Stattdessen werden neue Veröffentlichungen ausschließlich digital über den PlayStation Store oder als digitale Versionen im Handel angeboten.

Diese Entscheidung wirkt sich auf sämtliche Neuveröffentlichungen aus, nicht nur auf Spiele von den PlayStation Studios. Der Grund ist, dass schlicht sämtliche PlayStation-Discs von Sony produziert werden, wie auch GamesWirtschaft berichtet.

Offen bleibt, welche Auswirkungen dieser Schritt auf die PlayStation 6 haben wird. Doch dass Sony allein aus Gründen einer möglichen Abwärtskompatibilität noch ein Laufwerk verbaut, scheint höchst unwahrscheinlich. Ein optionaler Laufwerkzusatz ist denkbar, aber mit dem heutigen Tag ebenso wenig wahrscheinlich.

Sony: „A natural direction“

Sony begründet die Entscheidung mit dem veränderten Kaufverhalten der SpielerInnen: „Da sich die Vorlieben der Verbraucher und die Unterhaltungsbranche insgesamt zunehmend von physischen Datenträgern hin zu digitalen Formaten verlagern, wird die Produktion physischer Spiel-Datenträger für alle neuen Spiele, die auf PlayStation-Konsolen erscheinen, ab Januar 2028 eingestellt.“

Bereits veröffentlichte Spiele sowie Titel, die vor Januar 2028 noch auf Disc erscheinen, sind von dieser Änderung nicht betroffen.

Weiter heißt es: „Dies ist ein logischer Schritt für Sony Interactive Entertainment, um sich an die Verbrauchertrends anzupassen, da die allgemeine Vorliebe für digitale Medien deutlich stärker zunimmt als die für physische Datenträger.“

Sony sieht den Schritt also als logische Konsequenz der steigenden Nachfrage nach digitalen Spielen. Gleichzeitig betont das Unternehmen, dass SpielerInnen ihre Titel weiterhin sowohl über den PlayStation Store als auch bei klassischen Händlern erwerben können – allerdings künftig ausschließlich als digitale Produkte.

Ein weiterer Wendepunkt für den Spielemarkt

Mit der Entscheidung setzt Sony ein deutliches Zeichen für die Zukunft des PlayStation-Ökosystems. Erst vor wenigen Tagen hatte die Ankündigung rund um GTA 6 gezeigt, wie kontrovers das Thema „Code in der Box“ weiterhin diskutiert wird. Nun geht PlayStation noch einen Schritt weiter und verabschiedet sich vollständig von Discs für neue Spiele.

Erst vor einigen Tagen hat Sony Hunderte Filme von den Konten der Nutzer entfernt, obwohl diese dafür bezahlt hatten, nachdem die Lizenzen ausgelaufen waren. Eine Entschädigung oder Rückzahlung ist nicht geplant. Die neue Situation schürt natürlich die Angst, dass Ähnliches aus verschiedenen Gründen auch für die digitale Spielebibliothek gelten könnte. Das lässt sich zum aktuellen Zeitpunkt noch nicht absehen.

Sollte dieser Plan umgesetzt werden, endet Anfang 2028 eine Ära, die PlayStation seit der ersten Konsole begleitet hat.

via PlayStation Blog, Bildmaterial: Sony PlayStation

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Mit Splatoon Raiders geht Nintendo nun aber einen Schritt weiter. Statt den Einzelspieler nur als Ergänzung mitzudenken, steht er diesmal klar im Mittelpunkt. Der neue Titel verschreibt sich fast vollständig dem Solo-Ansatz. Warum dabei aber auch Fans des Multiplayer-Modus aufmerksam werden sollten, zeigt sich schon nach den ersten Stunden.

Passend dazu hat Nintendo heute auch die bereits angekündigte Splatoon Raiders Direct ausgestrahlt und damit noch einmal ausführlicher gezeigt, wohin die Reise diesmal geht. Wir hatten allerdings schon vorab die Gelegenheit, das Spiel selbst anzuspielen und uns einen ersten Eindruck zu verschaffen.

Wie sich Raiders als vollwertiges Singleplayer-Abenteuer schlägt und warum darin vielleicht trotzdem mehr klassisches Splatoon steckt, als man zunächst denken könnte, verraten wir euch in unserer Vorschau.

Mit dem Surimi Syndicate auf Schatzsuche

In Splatoon Raiders sind wir gemeinsam mit dem Surimi Syndicate unterwegs, das viele natürlich bereits aus Splatoon 3 kennen dürften. Lange verläuft diese Reise allerdings nicht nach Plan, denn schon bald strandet unsere Gruppe auf den sogenannten Spiralit-Inseln. So unbewohnt und idyllisch, wie man vielleicht zunächst denken könnte, sind diese allerdings nicht. Stattdessen treiben sich hier ausgerechnet die Salmoniden herum, die uns ziemlich schnell an den Kragen wollen.

Der Grund für unseren Ausflug ist nämlich eine Schatzsuche. Auf den Inseln gilt es, möglichst viele wertvolle Fundstücke einzusammeln und im Grunde alles mitzunehmen, was nicht bei drei auf dem Baum ist. Ganz so entspannt, wie das zunächst klingt, wird es durch die ständige Gegenwehr der Gegner aber natürlich nicht.

Salmon Run lässt grüßen

Wer bei den Salmoniden sofort an Salmon Run denken muss, liegt natürlich richtig. Die Gegner kennen wir bereits aus dem Koop-Modus der vorherigen Teile – und auch spielerisch fühlt sich Splatoon Raiders stellenweise fast wie eine Weiterentwicklung genau dieses Konzepts an.

In den Missionen kämpfen wir uns durch mehrere Gegnerwellen, die Levels sind dabei meist eher schlauchartig aufgebaut und setzen den Fokus klar auf Gefechte und Beutezüge. Gleichzeitig suchen wir in den überschaubaren Abschnitten nach Schätzen und weiteren Belohnungen. Gerade in diesen Momenten erinnert Raiders also durchaus an eine Singleplayer-Variante von Salmon Run, nur eben mit etwas mehr Struktur und zusätzlichen Systemen.

Viele Waffen, viele Gimmicks, viel Experimentierfreude

Ganz allein sind wir auf den Spiralit-Inseln aber nicht unterwegs. Unterstützt werden wir von einem freundlichen Roboter, der von einem Mitglied des Surimi Syndicate gesteuert wird. Im Kampf greifen wir selbst auf viele bekannte Waffen aus der Reihe zurück, darunter etwa Kleckser, Blaster oder Farbrolle – also ganz klassisch Splatoon.

Spannender wird es bei den zusätzlichen Gimmicks, die wir ausrüsten können und die teilweise ein wenig an die Sekundärwaffen der Vorgänger erinnern. So konnten wir etwa einen kleinen Geschützturm platzieren, der kontinuierlich Farbe verschießt, oder eine Art kreiselnden Angriff losschicken, der fast schon an ein Beyblade erinnert und sich auf Gegner stürzt.

Generell scheint Nintendo hier großen Wert auf Vielfalt und Experimentierfreude zu legen. Laut den EntwicklerInnen soll es über 100 Waffenkombinationen geben, dazu kommen zahlreiche Gimmicks mit unterschiedlichen Effekten. Diese benötigen wiederum verschiedene Farbtanks, was im Spielablauf durchaus wichtig wird.

Manche Herausforderungen setzen sogar voraus, dass man die unterschiedlichen Tankarten gezielt einsetzt. Einfach nur eine Lieblingswaffe ausrüsten und sich durch sämtliche Gegnerhorden klecksen, funktioniert also eher nicht. Stattdessen will Splatoon Raiders, dass man sich mit seinem Arsenal wirklich auseinandersetzt.

Fokus auf Kampf statt Erkundung

Die einzelnen Missionen wählen wir über eine Oberwelt aus, bevor es in das jeweilige Level geht. In der Anspielsession wirkten diese Abschnitte noch nicht besonders weitläufig oder verwinkelt. Zwar gibt es hier und da Sammelgegenstände, wirklich gut versteckt waren diese bislang aber nicht.

Der Fokus liegt damit zumindest nach unserem ersten Eindruck klar stärker auf den Kämpfen als auf ausgiebiger Erkundung. Das muss nichts Schlechtes sein, zumal das Spiel genau dort auch seine größten Stärken ausspielt. Wer allerdings auf ein großes Abenteuer mit vielen Geheimnissen und verwinkelten Gebieten hofft, sollte seine Erwartungen vielleicht etwas anpassen.

Überraschend fordernd

Auffällig war in unserer Anspielsession auch der Schwierigkeitsgrad. Die Level, die wir ausprobieren durften, hatten es teilweise durchaus in sich. Sobald mehrere Wellen von Salmoniden gleichzeitig auf uns zustürmen, kann es schnell hektisch und stressig werden – ganz ähnlich wie eben auch im Salmon Run-Modus.

Gerade dadurch entsteht aber auch eine angenehme Spannung. Man ist ständig in Bewegung, muss die Übersicht behalten, seine Waffen sinnvoll einsetzen und gleichzeitig darauf achten, von den Gegnern nicht überrannt zu werden. Splatoon Raiders wirkt dadurch deutlich actionreicher, als man bei einem reinen Singleplayer-Ableger vielleicht zunächst erwarten würde.

Auch im Koop spielbar

Komplett allein muss man sich diesen Herausforderungen übrigens nicht stellen. Jedes Level lässt sich auch im Koop mit bis zu drei weiteren SpielerInnen bestreiten. Auch das konnten wir ausprobieren – und gerade hier entfaltet das Spiel noch einmal einen etwas anderen Reiz.

Vor allem in den sogenannten Dungeons, die wie kleine Challenge-Räume aufgebaut sind und mit Zeitlimit sowie begrenzten Leben arbeiten, kann es im Team richtig spannend werden. Diese Abschnitte wirkten in unserer Session durchaus fordernd und haben im Koop noch einmal deutlich mehr Spaß gemacht. Entsprechend dürfte Splatoon Raiders nicht nur für reine Solo-Fans interessant sein, sondern auch für alle, die Splatoon eigentlich wegen des gemeinsamen Spielens mögen.

Die große Frage nach der Langzeitmotivation

Am Ende bleibt aber natürlich noch die wichtigste Frage: Trägt der Gameplay-Loop auch über längere Zeit? Grundsätzlich gibt es durchaus Fortschrittssysteme, die motivieren sollen. Wir werden nach und nach stärker, verbessern unsere Ausrüstung und schalten neue Möglichkeiten frei. Das sorgt durchaus für einen angenehmen Flow und macht kurzfristig auch Spaß.

Ob Splatoon Raiders dieses Konzept aber wirklich über viele Stunden hinweg spannend halten kann, lässt sich nach der Anspielsession noch nicht endgültig sagen. Viel wird davon abhängen, wie abwechslungsreich die späteren Missionen, Gegnertypen und Herausforderungen ausfallen. Wer mit Salmon Run und den Story-Modi der bisherigen Teile ohnehin schon viel anfangen konnte, dürfte hier aber sehr wahrscheinlich auf seine Kosten kommen. Wer mit genau diesen Elementen bislang eher wenig anfangen konnte, wird vermutlich auch Raiders nicht plötzlich lieben.

Splatoon kann auch ohne Multiplayer

Bildmaterial: Splatoon Raiders, Nintendo

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Doch anstatt an diesen Hardware-Limits zu scheitern, nutzten mehrere Studios die Restriktionen als kreativen Katalysator. In einer Ära, in der jedes Kilobyte kostbar war, entstanden Spiele, die technische Hürden nicht nur umschifften, sondern sie in zeitlose Spielmechaniken verwandelten.

Von bis zur Unkenntlichkeit gefilterten und verzerrten Texturen bis hin zur mathematischen Eleganz dynamischer Wellenbewegungen – die Spiele des Nintendo 64 bewiesen, dass Innovation manchmal erst unter Druck entsteht.

Spiele mit Legendenstatus

Super Mario 64 war dabei der Vorzeigetitel des Nintendo 64. Es war eines der ersten großen 3D-Jump-’n’-Runs und zeigte eindrucksvoll, was das Nintendo 64 leisten konnte. Besonders die freie Bewegung in dreidimensionalen Welten wusste zu beeindrucken, die präzise Steuerung mit dem Analogstick und die für die damalige Zeit innovative, steuerbare Kamera.

Statt linearer Level sammelte man Power-Sterne in offenen Arealen, die über die Hub-Welt – das Schloss von Prinzessin Peach – erreichbar waren. Die Comic-hafte Grafik nutzte vor allem Farbverläufe und Schattierungen statt vieler Details, um die technischen Limitierungen zu umgehen.

The Legend of Zelda: Ocarina of Time ist für viele das beste Action-Adventure auf dem Nintendo 64 und setzte jahrelang Maßstäbe für 3D-Spiele. Highlights waren die atmosphärischen Dungeons und die Kämpfe in 3D. Beeindruckend war auch die für damalige Verhältnisse riesige 3D-Adventure-Welt, die sich dank kaum wahrnehmbarer Ladezeiten fast grenzenlos anfühlte.

Die Möglichkeit des Grafikchips, viele Polygone zu zeichnen, wurde also voll ausgenutzt. Die Schwächen in der Kameraführung umschiffte man mit dem Z-Targeting-System, das Kämpfe und Kamera in 3D deutlich zugänglicher machte.

Dazu kam eine atmosphärische Spielwelt, die in Zwischensequenzen mit In-Game-Grafik erzählerisch aufgewertet wurde. Die technischen Schwächen verschleierte man, indem man etwa Texturen stark filterte und verzerrte, sodass sie weniger auffielen und wie natürliche Farbverläufe aussahen.

Zudem entschied sich Nintendo, das Spiel in der PAL-Region auf 17 fps zu limitieren, um die Hardware zu entlasten – heutzutage undenkbar, damals reichte es jedoch zum vielleicht besten Spiel, das bis dahin erschienen war.

Hardware am Limit: 4-Spieler-Modi und niedrige FPS

Mario Kart 64 hatte durch seine recht hohe Geschwindigkeit und den unvergessenen 4-Spieler-Modus im Rennen und den Battle-Arenen im Splitscreen ein selbstgemachtes Problem. Viele detaillierte Objekte hätten die Konsole in die Knie gezwungen. Das Spiel wurde ein Musterbeispiel dafür, wie man 2D-Objekte in 3D-Spiele einarbeiten konnte, ohne dass es allzu negativ auffiel.

Apropos hohe Geschwindigkeit: F-Zero X reizte zwar kaum die Grafikhardware aus, aber die CPU lief bei den dauerhaft stabilen 60 Bildern pro Sekunde mit bis zu 30 Fahrzeugen heiß. Gerüchte besagen, dass ​man das Spiel so sehr optimiert habe, dass man zum Schluss Probleme hatte, die Musik ohne Performanceverlust einzufügen.

Ein spielerisch interessantes Konzept zeigte dagegen der kreative Plattform-Prügler Super Smash Bros. Anfänglich hielten viele Branchenkenner den Titel für eine reine Fan-Spielerei. Doch der Mix aus Nintendos bekanntesten Maskottchen – von Mario über Link bis Pikachu – und einem rasanten, aber dennoch zugänglichen Kampfsystem entpuppte sich als genialer Wurf.

Heute gehören die Nachfolger nicht nur zu den größten eSports-Titeln von Nintendo, sondern gleichzeitig auch zu den großen Partytiteln vor dem heimischen Fernseher. Auf dem Nintendo 64 war das Spiel technisch noch sehr grob – besonders bei mehreren CPU-Gegnern war an präzise Treffer kaum noch zu denken, da die Framerate stark nachgab.

Neben Nintendo sorgte auch Rare für unvergessene Spiele. GoldenEye 007, Banjo-Kazooie, Donkey Kong 64, Perfect Dark und Conker’s Bad Fur Day waren nicht nur spielerisch top, sondern nutzten die Hardware bis ans Limit aus. In vielen Spielen von Rare sorgte die Verschleierung der Limitationen und der niedrigen Framerate sogar für Game-Breaking-Glitches in der Kollisionsabfrage, die sich die Speedrun-Community zu Nutze machte.

Besondere N64-Spielerfahrungen

Wave Race nutzte dagegen die starke Hardware für eine damals überzeugende Wellenphysik-Simulation, während die Grafikeinheit vor allem mit damals seltenen, aber hübsch anzusehenden Transparenzeffekten, Reflexionen und seinerzeit aufwändigen Belichtungseffekten glänzen konnte.

Pokémon Stadium brachte den weltweiten Pokémon-Boom auf das Nintendo 64 und verwandelte die bekannten Game-Boy-Kämpfe durch das Transfer Pak in aufwändige 3D-Duelle. Für viele SpielerInnen war es ein besonderer Moment, ihre Pokémon erstmals groß auf dem Fernseher zu sehen – animiert, vertont und in spektakulären Arenen mit einem fast schon legendären Kommentator inszeniert.

Der Titel lebte weniger von einer klassischen Handlung als von Turnieren, Minispielen und der Verbindung zu den Game-Boy-Editionen. Herausragend war die extrem aufwändige Textur- und Audiokompression vom damals noch in Köln ansässigen Studio Factor 5, die zu Ergebnissen führten, welche man der Konsole nicht zugetraut hatte.

Hardware-Addons für innovative Spiele

Das Rumble Pak machte Force Feedback am N64 populär, besonders nachdem Lylat Wars 64 (Star Fox 64) es prominent einführte. Der Rail-Shooter im Weltall konnte durch die limitierte und kontrollierte Spielumgebung grafisch sehr gut optimiert werden.

In Japan war das Feature so beliebt, dass zudem sogenannte Shindou Editions erschienen – überarbeitete Versionen älterer Spiele mit nachträglicher Vibrationsunterstützung. Bekannte Beispiele sind Super Mario 64: Shindou Pak Taiou Version und Wave Race 64: Shindou Edition, die dem Spielgefühl durch spürbare Rückmeldungen bei Sprüngen, Kollisionen oder Wasserbewegungen mehr Realismus verleihen.

Das Voice Recognition System war eines der ungewöhnlichsten N64-Zubehörteile und wurde nur von sehr wenigen Spielen genutzt. Am bekanntesten ist Hey You, Pikachu!, bei dem die SpielerInnen Pikachu per Mikrofon einfache Sprachbefehle gaben. Auch Densha de Go! 64 nutzte in Japan Sprachfunktionen.

Qualität statt Quantität

Das Nintendo 64 hatte in der Retrospektive zwar einen eklatanten Spielemangel, aber dennoch keinen Mangel an hochqualitativen Spielen. Insbesondere Nintendo und Rare, aber auch Factor 5 in Zusammenarbeit mit LucasArts wussten, wie man die Hardware zu nutzen hatte für bestmögliche Ergebnisse.

Insgesamt hatte das N64 51 Millionen-Seller bei einer Hardwarebasis von 32 Millionen verkauften Einheiten – ein Zeichen dafür, dass viele N64-Besitzer sich die gleichen Spiele kauften und man sich auf dem Nintendo 64 mit Qualität statt Quantität behaupten musste.

Bildmaterial: Nintendo, Rare

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Doch die Entwicklung der Hardware gestaltete sich schwierig und Nintendo musste immer wieder Rückschläge in Kauf nehmen, während Sony als neues Unternehmen im Gaming-Bereich zum Konkurrenten heranwuchs, der später auch als Gewinner aus der Konsolengeneration gehen sollte.

3D aus einer Position der Stärke

Nintendo war Anfang der 90er das alles bestimmende Unternehmen im Gaming-Bereich. Auf das erfolgreiche Nintendo Entertainment System, das nicht nur durch das „Seal of Quality“ den Grundstein für eine erfolgreiche Konsole legte, folgte das sehr erfolgreiche Super Nintendo Entertainment System, das nahezu perfekte und zeitlose 2D-Pixel-Art-Spiele auf den Röhrenfernseher brachte.

Bereits Mitte der 90er war jedoch das Zeitalter der 2D-Spiele gezählt. Auf den Heimcomputern drängte softwarebasiertes 3D-Rendering auf den Markt, 3D-Beschleunigerkarten waren in aller Munde und 1995 erschien mit Toy Story der erste vollständig animierte Animationsfilm in voller Länge in den Kinos.

Nintendo wollte klotzen und die bestmögliche 3D-Hardware nutzen, um sich in einem schnell verändernden Markt gut zu positionieren. Deshalb suchte man sich mit Silicon Graphics (SGI) einen bereits im Film-Bereich für seine aufwändigen 3D-Effekte bekannten Partner, der das alles und noch viel mehr auf den heimischen Fernsehern möglich machen sollte.

In den Grafiksprung gestolpert

Am 23. Juni 1996 wurde das Nintendo 64 nach mehreren Verschiebungen in Japan veröffentlicht, am 1. März 1997 folgte die Veröffentlichung in Europa. Die Konsole feierte in dieser Woche also ihren 30. Geburtstag. Besonders die 1st-Party-Titel von Nintendo sorgten für Staunen. In Super Mario 64 war nicht nur der rote Klempner super, auch die stufenlose Steuerung mit dem 3D-Stick war wegweisend und die Grafik war herausragend. In Wave Race 64 mit den aufwändigen Transparenzeffekten, Reflektionen und seinerzeit aufwändigen Belichtungseffekten sogar höchst beeindruckend.

Die anfängliche Euphorie ließ hoffen, dass Nintendo weiterhin Marktführer bleibt. Doch die durchaus beeindruckende, auf 3D optimierte Hardware des Nintendo 64 hatte einige eklatante Schwächen, die insbesondere Drittentwicklern das Leben unglaublich schwer machten. Das führte zu einigen durchwachsenen Titeln in der Startzeit des Nintendo 64 sowie einem mangelhaften Spiele-Nachschub – und das zu einer Zeit, in der die PlayStation an Fahrt gewann.

Cartridge + 64DD vs. CD-ROM

Sehr kontrovers aufgenommen wurde Nintendos Entscheidung, bei Steckmodulen statt CD-ROMs zu bleiben. „Project Reality“ sollte keine CD-ROMs unterstützen, stattdessen setzte man auf Cartridges und nach der Launchphase auch auf die Discs des 64DD.

Nintendo begründete diese Entscheidung damit, dass die Daten von den CDs nicht schnell genug geladen werden könnten. Außerdem sei ein CD-Laufwerk teuer und fehleranfällig.​ Doch diesen Schritt fanden manche Publisher weniger gut, da die Module in der Produktion deutlich teurer waren und weniger Speicherplatz boten.

Nintendo versuchte zu beschwichtigen, dass Module mit 8 Megabyte Speicherkapazität nur der Anfang seien, später sollten auch Module mit 32 Megabyte Speicher erscheinen. Zudem bot das 64DD Platz für Zip-Drive-ähnliche Laufwerke, die selbst nochmal 64 Megabyte Speicherplatz boten. Doch auch mit den Hardware-Addons blieb Speicher in allen Formen die große Schwäche des Nintendo 64. Das 64DD sollte sich zudem weiter verzögern und am Ende nur in Japan erscheinen. Die ursprüngliche Vision des N64 konnte also nie vollständig umgesetzt werden.

Speicherknappheit an allen Enden

Wiederholte Kritikpunkte waren der mit 4MB sehr klein ausfallende Grafikspeicher, der mit einem Expansion Pak auf 8MB erweitert werden konnte. Nötig war das, da sich der Grafikchip von SGI (Reality Display Processor) als sehr kostenintensiv erwies. Nintendo setzte daher oft auf einen texturarmen, comichaften 3D-Stil, der viel mit Schattierungen und Farbverläufen arbeitete.

Aber auch der „Rambus“, kurz RDRAM genannt, machte Probleme. Durch die gesamte Architektur des Nintendo 64 war er zwar extrem schnell, aber wurde durch die hohen Latenzen zum Flaschenhals für Spiele, die regelmäßig große Teile der Texturen austauschen mussten.

Bei Spielen mit einem realistischen Stil führten die Limitationen dazu, dass aufwändige Texturen nicht im Speicher gehalten werden konnten – viele Entwicklerteams behalfen sich, indem sie eine künstliche Nebelwand im Spiel erzeugten, was dem N64 in Deutschland auch den Spitznamen „Nebelwerfer 64“ brachte.

Das N64 im Kontext der PlayStation

Das Nintendo 64 muss natürlich auch im Kontext der PlayStation verstanden werden. Sony setzte nach einem geplatzten Deal für das SNES-CD-Laufwerk voll auf das CD-Format und investierte 200 Millionen Dollar in die Entwicklung einer neuen Konsole.

Teil der Marketingkampagne war eine klare Abgrenzung gegenüber Nintendo. Man wolle mit der PlayStation ein Gerät fürs Wohnzimmer statt fürs Kinderzimmer entwickeln, das auch Audio-CDs und Videosequenzen abspielen kann. Dazu sollten die Spiele dank der 3D-Möglichkeiten der PlayStation realistischer aussehen und sich von den bunten Nintendo-Spielen abheben.

Nintendo stolperte währenddessen von einem Marketing-Fettnäpfchen ins nächste: Die Spiele sahen zu Beginn überwiegend comicartig und bunt aus, was Sony in die Hände spielte. Dazu verärgerte man durch die hohen Einstiegshürden und Entwicklungskosten 3rd-Party-Publisher, die zur PlayStation wechselten.

Auch die Verzögerung des N64 selbst und die noch größeren Verzögerungen des 64DD, das zur Änderung oder Einstellung mehrerer Spiele führte, ließ kein Vertrauen gegenüber dem damaligen Marktführer aufkommen.

Klare Darstellung vs. Immersion

Sonys Timing und das All-In für die CD als Speichermedium erwies sich als die richtige Strategie zur richtigen Zeit, auch wenn die Hardware der PlayStation nicht ideal war für aufwändige 3D-Spiele. Jedoch war die PlayStation ein klassischer Fall von „gut genug“ – viele konnten über die oft wabernden, blockigen Objekte mit ungefilterten und verzerrten Texturen hinwegsehen.

Stattdessen war für PlayStation-Fans die filmische Inszenierung oft wichtiger als fehlerfreie 3D-Darstellung: Wenn aufwändig vertonte Audio- und Videosequenzen liefen und Charaktere in aufwändig vorgerenderten Szenen platziert wurden, entstand eine neuartige, filmische Atmosphäre, die immersiv wirkte. Spiele wie Resident Evil, Parasite Eve, Metal Gear Solid und Final Fantasy VII (Bilder oben) konnten trotz schwächerer Technik einen bleibenden Eindruck hinterlassen, den man bisher so von Videospielen nicht gewohnt war.

Nintendo konnte seine klare technische Überlegenheit mit dem Nintendo 64 deshalb nicht so deutlich zeigen, wie man es sich wünschte: Die Unterschiede in der Grafik waren für den Endkunden oft nicht deutlich genug.

Ein System der Gegensätze

Das Nintendo 64 bleibt ein faszinierendes Phänomen: Eine Konsole, die technologisch innovativ war, aber von schlechten Geschäftsentscheidungen wie Cartridges und künstlichen Hardware-Bottlenecks sowie aufwändiger Entwicklung belastet war. Doch gleichzeitig produzierte sie einige der besten Spiele aller Zeiten und prägte den Beginn der 3D-Spiele entscheidend, zum Teil über Jahrzehnte.

Die langfristigen Lektionen aus dem N64 zog Nintendo mit dem GameCube. Hier waren nicht mehr die Leistung unter der Haube wichtig, sondern wie man diese Leistung möglichst oft und effektiv auf den Bildschirm bringt. Trotz günstiger und leistungsfähiger Hardware konnte man sich deshalb oft positiv von der technisch aufwändigen und teureren PlayStation 2 absetzen.

Das Nintendo 64 bleibt deshalb ein faszinierendes Stück Videospielgeschichte – eine mit zahlreichen Mängeln behaftete Hardware, die nur selten zeigen konnte, wozu sie fähig war. Beeindruckend waren jedoch die fähigen, unbeirrbaren Entwickler, die den innovativen Geist der Konsole perfekt in Spielform umsetzen. Die Kreativität, die durch die Limitationen und die Neuartigkeit der Hardware nötig war, führte zu Spielen mit zeitloser Qualität, die von vielen auch 30 Jahre später noch gespielt werden.

Bildmaterial: Nintendo, Acclaim, Square Enix

Der Beitrag 30 Jahre Nintendo 64: 3D-Revolution und Fettnäpfchen – die Konsole der Gegensätze erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Star Fox
	25. Juni 2026
	Nintendo Co., Ltd
	25. Juni 2026
	Nintendo of America
	25. Juni 2026
	Nintendo of Europe
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Velan Studios
Genres	Shooter
Texte
Vertonung

Vor 29 Jahren erschien Star Fox 64 für den Nintendo 64, in Europa als Lylat Wars bekannt. Dieses Spiel war bereits quasi ein Reimagining von Star Fox auf dem SNES, welches in Europa als Starwing bekannt war. Auf dem Nintendo 3DS erschien mit Star Fox 64 3D ein Port des Klassikers. Und nun erhalten wir exklusiv für Nintendo Switch 2 ein komplettes Remake des N64-Klassikers! Ob sich das lohnt, haben wir uns für euch einmal angeschaut.

Hilfe, Star Fox!

Die Geschichte des Remakes von Star Fox ist die gleiche wie im Original. Dr. Andross und der Rest des Lylat-Sternensystems befinden sich seit vielen Jahren im Krieg. Der Versuch von James McCloud, den verbannten Wissenschaftler zur Rechenschaft zu ziehen, endete in einem regelrechten Desaster. Sein Sohn, Fox McCloud, hat dann die Truppe seines Vaters übernommen. Diese gibt dem Spiel ihren Namen: Star Fox.

General Pepper, der Befehlshaber der Armee von Corneria, bittet nun Star Fox um Hilfe. Der Krieg soll endlich beendet werden und Star Fox soll sich als unabhängige Streitkraft um die Streitkräfte von Andross und anschließend auch um den Bösewicht selbst kümmern.

Im originalen Spiel gab es recht kurze Gespräche, welche die Story erzählten, in Form von Funksprüchen. Im Remake von Star Fox gibt es nun komplett animierte Zwischensequenzen. Diese zeigen wunderbar die Dynamik des Teams und bauen die Story des Spieles ein wenig aus. Dabei hilft auch der Holoviewer: Eine Option im Hauptmenü, in welcher ihr euch mehr Infos zu Schauplätzen, Charakteren und anderen Sachen anschauen könnt.

Die Zwischensequenzen sind sehr detailliert gestaltet und als Fan der Reihe seit Kindheitstagen hat es mir viel Freude bereitet, diese Helden aus meiner Kindheit in so hübschen Sequenzen zu sehen. Leider gibt es auch ein Aber, welches hoffentlich mit einem Update adressiert wird.

Die Zwischensequenzen spielen immer ab, auch wenn ihr das Spiel zum zwanzigsten Mal durchspielen wollt, um auf Highscorejagd zu gehen. Auch im Herausforderungs-Modus, wo man ja einfach nur die Challenges absolvieren möchte, kommen sie vor. Ihr könnt sie natürlich überspringen, dennoch fände ich es schöner, wenn die Stage einfach direkt losgehen würde, wenn ich das möchte. Star Fox ist im Grunde ein sehr Arcade-lastiges Spiel, weshalb die Zwischensequenzen einen dann doch auch aus dem Flow herausziehen könnten.

Ganz viel Pew Pew Pew!

In Star Fox übernehmt ihr die Kontrolle von Fox McCloud, welcher meist in seinem Arwing sitzt. Hierbei handelt es sich um ein sehr wendiges Raumfahrzeug. Dieses ist voll mit hochwertiger Technologie, sodass ein talentierter Pilot damit auch große Raumschiffe angreifen und gewinnen kann.

Euer Fahrzeug bewegt sich in den 16 Level alleine nach vorn. Ihr könnt auf Knopfdruck bremsen oder beschleunigen. Ganz berühmt ist die Barrel Roll – ein Flugmanöver, in welchem sich der Arwing schnell um die eigene Trommel dreht. Dies wird im Spiel genutzt, um gegnerische Geschosse abzuwehren. Außerdem könnt ihr einen Looping fliegen, um Gegenstände einzusammeln oder Feinde abzuschütteln.

In manchen Stages oder Boss-Kämpfen seid ihr frei in einem Gebiet. Dann könnt ihr sogar eine Wende fliegen. Dies und der Looping wurden auf das Steuerkreuz gelegt, um es einfach zu machen. Veteranen können aber auch die Tasten-Kombination aus dem Original einstellen.

Während ihr durch die Level fliegt, werden euch zahlreiche verschiedene Gegner entgegengeworfen. Diese bekämpft ihr mit dem Laser des Arwing. Der Laser lässt sich durch Aufsammeln von Power-ups verstärken. Doch Vorsicht! Wird euch ein oder beide Flügel zerstört, verliert ihr auch das Power-up.

Haltet ihr den Schuss-Knopf gedrückt, lädt sich ein Power-Schuss auf. Dieser kommt mit einer Lock-on-Funktion auf den nächsten Gegner, über den ihr das Fadenkreuz führt. Schießt nun den aufgeladenen Schuss los und ihr könnt somit direkt mehrere Feinde auf einmal besiegen. Dies bringt zusätzliche Punkte – und wir alle LIEBEN Extra-Punkte!

Viele Explosionen im All

Doch der Laser ist nicht die einzige Waffe im Repertoire von Star Fox. Ihr habt eine begrenzte Anzahl an B-Bomben. Diese könnt ihr in den Leveln finden und bei Gelegenheit auf eure Feinde abfeuern. Nutzt sie um eine große Menge an Feinden zu zerstören für mehr Punkte oder um einen Boss-Gegner schneller zu besiegen.

Die großen Boss-Feinde erwarten euch meist am Ende einer Stage. Jeder davon hat seine eigenen Angriffsmanöver und eigene Art, wie er besiegt werden muss. Am Anfang ist es noch recht einfach; schießt die Beine des Roboters weg und ballert ihm ordentlich was in den Rücken. Doch manch anderer Boss-Gegner benötigt mehr Finesse von euch. Die Boss-Kämpfe sind auch heute noch meine Highlights, da sie nicht nur pures Geballer benötigen für den Sieg.

Auf dem Weg zu den Bossen stellen sich euch Raumschiffe, ganze Flotten, merkwürdige Schmetterling-Roboter, Kampfjets oder sogar Meteoriten in den Weg. Für jeden Abschuss erhaltet ihr einen Punkt, manche Feinde geben mehr. Jede Stage vergibt eine Medaille, wenn ihr eine bestimmte Anzahl an Punkten habt. Ist eure Truppe jedoch nicht komplett, weil einer von den drei Gefährten von Star Fox abgeschossen wurde, bekommt ihr keine Medaille.

Es müssen schon alle Mitglieder des Teams anwesend sein! Achtet also auf deren Hilferufe und reagiert schnell. Sonst fällt derjenige für den Rest der Mission und die nächste Stage aus. Habt ihr in allen Leveln die Medaille erhalten, schaltet ihr einen höheren Schwierigkeitsgrad frei. Im einfachen Modus kommen eure Kameraden nach einem Abschuss im nächsten Level direkt zurück.

Es geht nicht nur geradeaus!

Das Besondere an Star Fox war und ist auch weiterhin die Möglichkeit, unterschiedliche Pfade durch das Lylat-System zu nehmen. Direkt schon im ersten Level gibt es zwei Ausgänge. Wie ihr den zweiten Boss findet, verrate ich euch nicht. Aber ich rate euch, auf Falcos Herausforderung einzugehen. Generell ist es durch die Gespräche der Kameraden ein wenig einfacher, die Konditionen für den alternativen Weg zu finden.

Um alle Pfade zu befliegen und alle Planeten zu sehen, benötigt ihr mehrere Spieldurchläufe. Und da sitzt dann auch der Kern von Star Fox: Spielt die Kampagne immer wieder durch, geht auf Highscorejagd und habt einfach Spaß. Das bedeutet aber auch: Die Kampagne ist nicht sehr lang. An einem Nachmittag bis Abend habe ich schon alle Planeten gesehen und mehrere Durchläufe gemacht, auch wenn ich nicht alle Kombinationen und Pfade bestritten habe. Wer also auf eine lange Kampagne in Star Fox hofft, welche emotional mitnimmt, der wird enttäuscht.

Die Kampagne, sowie den Herausforderungs-Modus, könnt ihr im Koop lokal oder über GameShare zusammen spielen. Dabei übernimmt eine Person die Rolle des Piloten und die andere dann das Geballer. Das ist eine spaßige Art und Weise, den Multiplayer einzubauen – meins ist es jedoch nicht so. Außerdem kann der Maus-Modus des Switch-2-Joy-Con verwendet werden. Das fand ich persönlich ganz grausig, aber vielleicht findet da jemand seinen Spaß mit. Für mich ein eher unnötiges Gimmick.

Nehmt ihr die Herausforderung an?

Habt ihr die Kampagne beendet, dann könnt ihr in den Herausforderungs-Modus und ich möchte mal ganz stark behaupten, dass Fans hier eine ganze Menge Spaß haben werden. Die Challenges beginnen auf Corneria recht einfach, schießt alle Ski-Bots ab oder zerstört alle Teile des Bosses.

Ihr müsst nicht alle Aufgaben in einem Run machen und habt ihr sie absolviert, schaltet ihr für die Stage die Experten-Herausforderungen frei. Dort haben mir schon bei der ersten Stage ganz schön die Ohren geschlackert. Den Boss in zehn Sekunden besiegen oder verhindern, dass Gebäude umfallen. Viel Spaß, liebe Experten! Ich bin dann da mal raus!

Das heißt: In allen 16 Leveln habt ihr zwölf Herausforderungen, die ihr meistern könnt. Wie bereits erwähnt, wäre es deswegen schön, wenn man die Intro-Cutscenes einfach ausschalten könnte. Seid ihr mit dem Herausforderungs-Modus fertig oder habt erstmal keine Lust, könnt ihr euch in den Schlacht-Modus stürzen! In diesem könnt ihr entweder mit anderen Spielenden gegen eine feindliche Gruppe antreten oder, so wie ich für den Test, gegen Bots spielen.

Im Schlacht-Modus gibt es drei Level. Auf Corneria gibt es ein bisschen King-of-the-Hill-Gameplay. Sprich: Ihr müsst für eine gewisse Zeit alleine in einem Gebiet sein, um Punkte zu erhalten. Betritt ein Gegner das Gebiet, hält die Progress-Leiste an und ihr müsst den Feind ausschalten. Generell solltet ihr das machen, denn es gibt dafür natürlich Punkte – und wer am Ende des Matches die meisten davon hat, gewinnt.

Spannende Dogfights?

Ihr könnt hier sogar, anders als in der Kampagne, einen Piloten aussuchen. Spielt Fox, Falco, Slippy oder Peppy von Star Fox oder schlüpft in die Rolle der Bösewichte von Star Wolf; Pigma, Leon, Andrew und der namensgebende Wolf. Ihr könnt noch verschiedene Einstellungen vornehmen wie Spielzeit, ob die Events wie der King-of-the-Hill-Modus überhaupt vorkommen, das Tempo der Flugzeuge und vieles mehr. Wenn hier mehrere Freunde das Spiel haben und man so gegeneinander oder miteinander Flugzeuge wegfetzt, ist das sicherlich ein spaßiges Erlebnis.

Auf der zweiten Stage, Fichina, kämpft ihr mit dem gegnerischen Team um Meteoriten und deren Energie. Ballert die Steine aus dem All ab und sammelt deren Energie auf! Wer als Erstes die Leiste füllt, erhält Punkte. Mein liebster Modus war aber im Sektor Y. Dort tauchen während der Kämpfe Piraten auf, welche Fracht klauen. Diese müsst ihr euch schnappen und in euer Mutterschiff bringen. Als Star Fox rettet ihr die Fracht natürlich, während Star Wolf diese stehlen möchte. Im Großen und Ganzen wird man sicherlich, wenn man Bock darauf hat, im Schlacht-Modus noch einiges an Zeit verbringen können.

In allen Modi könnt ihr Symbole und Hintergründe für euren Schlacht-Banner freischalten und diesen gestalten. Ein … sehr interessantes Gimmick ist außerdem die Möglichkeit, Avatare für eure Kamera im GameShare freizuschalten. Ihr wolltet schon immer das Gesicht von Fox McCloud tragen? Das geht nun! Die Kamera erfasst eure Kopf-, Augen- und Mundbewegungen und stellt diese mit dem jeweiligen Avatar dar. Dafür, dass es nur eine Spielerei für GameShare ist, gibt es echt viele Avatare!

Ein grafisches Update, das für Kontroverse sorgt

Star Fox auf Nintendo Switch 2 ist ein richtig hübsches Spiel. Am TV sieht es knallig aus, die Explosionen sind top, es läuft butterweich und flüssig. Besonders Solar hat mich mit seinen tollen Lava-Effekten überzeugt. Im Handheld-Modus ist das Spiel dann nochmal eine Ecke beeindruckender. Wie schön so ein Spiel mobil aussehen kann!

Dank der Leveldauer ist das Spiel auch perfekt für die ein oder andere Runde unterwegs. Vor allem die Planeten, auf denen Dogfights stattfinden, die früher total karg und langweilig waren, sind nun richtig hübsch und detailliert. Es ist beeindruckend, was das vergleichsweise unbekannte und kleine Velan Studios da mit einer eigenen Engine auf die Beine gestellt hat.

Doch die Kontroverse um die Designs der Charaktere hat online für einiges an Gesprächsstoff gesorgt. Diese haben einen etwas „realistischeren“ Stil und orientieren sich ein wenig an den Stoffpuppen, welche zu SNES-Zeiten auf dem Cover und in Werbebeiträgen waren. Die Charaktere sind wirklich sehr toll animiert, sind detailreich und Slippy sieht einfach, wie der Name es sagt, slippery aus! Ich persönlich bin ein riesiger Fan der Designs, aber es ist wohl wirklich Geschmackssache.

Der Soundtrack von Star Fox ist wie immer richtig gut. Die Level beinhalten natürlich oft das bekannte Star-Fox-Main-Theme und bringen dann ihre eigenen, tollen Melodien mit sich. Die deutsche Sprachausgabe ist äußerst gut gelungen und die Art und Weise, wie so mancher Gag herübergebracht wurde, hat mich wirklich schmunzeln lassen.

Ein gelungenes Remake!

Bildmaterial: Star Fox, Nintendo

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Titel	The Adventures of Elliot: The Millennium Tales
	18. Juni 2026
	Square Enix
	18. Juni 2026
	Square Enix
	18. Juni 2026
	Square Enix
System	PlayStation 5, Xbox Series, Switch 2, PC/Steam
Getestet für	Playstation 5
Entwickler	Claytechworks Co. Ltd. & SQUARE ENIX Team Asano
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Seit der ersten Enthüllung auf der Nintendo Direct: Partner Showcase im Juli 2025, gab es von uns bereits zahlreiche Berichte über das neue Action-RPG The Adventures of Elliot: The Millennium Tales von Square Enix. Wir warfen, unter anderem, bereits einen Blick in eine Vorschau-Version, des Weiteren haben wir ein Interview veröffentlicht, wo Producer Naofumi Matsushita einige Einblicke in die Entwicklung gewährte.

Nun hatten wir auch die Ehre und durften die Vollversion des fertigen Spiels für euch testen und ich möchte euch natürlich sehr gerne meine Erfahrungen und Eindrücke zum neuen Action-RPG mitteilen. An dieser Stelle möchte ich erwähnen, dass wir eine Vorab-Vollversion vor der Veröffentlichung des Spiels getestet haben. Getestet wurde die Version für PlayStation 5.

„The Legend of Elliot: A Link to the Past“

So könnte der Titel auch lauten, aber Moment, da war ja was. Legen wir den Humor etwas beiseite. Die Geschichte von unserem Abenteurer Elliot beginnt in der Welt von Philabieldia, im Königreich Huther, im Zeitalter der Obhut, welches die aktuelle Gegenwart und den Ursprung unserer Helden-Geschichte darstellt.

Es ist bekannt, dass die Geschichte in vier Zeitaltern spielt. Das Zeitalter der Obhut, das Zeitalter des Wiederaufbaus, das Zeitalter der Magie und das Zeitalter des Anbeginns. Zu viel möchte ich aber diesbezüglich gar nicht verraten. Kurzgefasst beschreiben diese Zeitalter die Entstehung der Zivilisation, den Höhepunkt der technologischen bzw. magischen Kultur bis hin zu deren Fall und Wiederaufbau über mehrere tausend Jahre hinweg. Ein zentraler Faktor stellen die feindlich gesinnten Biestlinge dar. Je nach Zeitalter ist deren Bekämpfung und Erforschung mal mehr und mal weniger erfolgreich.

Mehrschichtige Story abseits der bekannten Klischees

Spulen wir wieder etwas zurück: In der Gegenwart (Zeitalter der Obhut) wird Elliot zum König von Huther berufen. Im Norden wurden neue Ruinen entdeckt, die es zu erkunden gilt. Und wer eignet sich besser hierfür als unser abenteuerlustiger Protagonist Elliot, der bereits Erfahrungen im Erkunden der Welt außerhalb der sicheren Stadtmauern von Huther hat? Das sehen allerdings nicht alle so.

Nachdem bekannt wurde, dass es sich bei der Ruine vermutlich um ein Zeitportal einer alten Zivilisation handelt, wittert der Minister des Königs die Chance auf eigene Initiative loszuziehen, um seine persönlichen Pläne zu verfolgen. Hier beginnt unsere erste Verfolgungsjagd durch die Zeit. Story-technisch handelt es sich hier nur um einen Teil des Prologs aus der Demo. An dieser Stelle möchte ich aber auch gar nicht mehr verraten als nötig.

Der Prolog ist tatsächlich nur der Anfang einer mehrstufigen Geschichte, die tief mit den unterschiedlichen Zeitaltern verwoben ist. Die Geschichte erfindet das Rad zwar nicht neu, aber geht dennoch über das klassische „Held rettet Prinzessin“-Klischee hinaus. Freut euch auf spannende Plot-Twists, die ihr vermutlich bis kurz vor dem Ende nicht kommen sehen werdet.

Das Ende hat mich durchaus berührt. Es gibt insgesamt drei Enden, die ihr freischalten könnt. Diese könnt ihr theoretisch auch alle nacheinander erspielen, es wird jeweils ein Savegame erstellt, sodass ihr diese chronologisch abarbeiten könnt. Ob ihr euch die ersten beiden Enden ansehen möchtet, ist euch überlassen, aber ich kann euch nur ans Herz legen, das „wahre Ende“ zu erspielen. Denn nur hier werden wirklich alle offenen Fragen und Hintergründe aufgeklärt und der Weg dorthin ist inhaltlich ein echtes Highlight des Spiels.

Eine Welt, die zum Erkunden einlädt

In der Welt von Philabieldia gibt es viel zu entdecken. Mit dem Fortschreiten der Handlung schaltet ihr immer mehr Areale auf der Weltkarte frei. Im ersten Moment wirkt diese überschaubar, aber bedenkt, dass es vier Zeitalter gibt, die ihr in eurem Abenteuer bereisen werdet. In jedem Zeitalter trefft ihr auf besondere Charaktere, die eine wichtige Rolle in der Geschichte spielen oder gespielt haben. Neben der grob detaillierten Weltkarte gibt es innerhalb von Dungeons auch eine ziemlich detaillierte Karte, die ihr zoomen könnt.

Während eurer Reise entdeckt ihr eine Vielzahl von Dungeons, einige sind Story-relevant, einige völlig optional. So könnt ihr auch außerhalb der Hauptgeschichte auf Entdeckungsreise gehen, für manche Dungeons benötigt ihr aber bestimmte Fähigkeiten, um diese vollständig zu erkunden. Dazu später mehr. Des Weiteren sei gesagt: Je nach Zeitalter trefft ihr auf verschiedene Iterationen eines Dungeons. So kommt es häufiger vor, dass ihr nur eine Truhe findet und in einem anderen Zeitalter viel tiefer in den Dungeon eindringen könnt und euch einem Boss-Kampf stellen müsst.

In den größeren Dungeons müsst ihr zuvor blaue und rote Türen passieren, um den Boss zu erreichen. Die entsprechenden Schlüssel findet ihr in Truhen innerhalb des Dungeons. Oft gibts kleinere Rätsel zu lösen, welche aber nicht allzu fordernd sind. Die meisten wichtigen Gegenstände und Truhen werden euch im späteren Verlauf auf der Weltkarte angezeigt, sodass ihr diese auch gezielt einsammeln könnt. Auf der Weltkarte und in den Dungeons gibt es regelmäßig Speicherpunkte, die ihr für die Schnellreise und zum Heilen nutzen könnt.

Actionreiches Kampfsystem

Auf der Weltkarte sowie in den Dungeons müsst ihr euch den unterschiedlichsten Arten von Biestlingen entgegenstellen. Um gegen diese gerüstet zu sein, steht euch ein breit gefächertes Repertoire an Waffen zur Verfügung, mit denen ihr euren Gegnern ordentlich zusetzt. Zunächst starten wir mit einer klassischen Schwert-und-Schild-Kombo. Später gesellen sich noch Bogen, Bumerang, Bomben, Speer, Hammer und eine Kettensichel hinzu. Ihr könnt immer zwei Waffen gleichzeitig ausrüsten, plus Schild. Die Anzahl an Pfeilen und Bomben ist zunächst etwas beschränkt, lässt sich aber im Laufe des Abenteuers erweitern.

Wenn ihr Gegner besiegt ohne Schaden zu nehmen, startet eine Serie. Umso mehr Gegner ihr besiegt, desto höher steigt eure Serie. Dadurch verdient ihr Tul, das ist die Währung im Spiel, sowie Maginit-Splitter, dazu später mehr. Umso höher eure Serie, desto mehr Beute könnt ihr erlangen. Bei der Vielfalt an Waffen sollte eigentlich für jeden Spielstil etwas dabei sein. Zudem kann Elliot mit dem Schild blocken und bei richtigem Timing Angriffe auch parieren.

Spannende Boss-Kämpfe

Selbstverständlich gibt es auch zahlreiche Boss-Gegner, denen ihr euch stellen werdet. Hier würde ich zwischen kleineren Zwischenbossen, die meist keine besondere Strategie erfordern, außer vielleicht ausweichen, blocken und springen, und größeren Boss-Gegnern unterscheiden. Größere Bosse haben meist einen speziell designten Boss-Raum und erfordern schon mal eine bestimmte Strategie, zum Beispiel das Setzen von oder Zurückwerfen von Bomben, Angriff auf einen bestimmten Körperteil, gezieltes Parieren und mehr.

Es gibt insgesamt vier Schwierigkeitsgrade, von leicht bis extrem. Ich habe das Spiel auf „Normal“ gespielt. Die meisten Gegner stellten keine Probleme für mich dar, wer aber noch eine größere Herausforderung sucht, kann sich an die höheren Schwierigkeitsgrade wagen.

Mit genügend Tul in der Tasche könnt ihr euch sofort wiederbeleben, wodurch gerade Boss-Kämpfe bedeutend einfacher werden. Aber Achtung, auf höheren Schwierigkeitsgraden steigen die Kosten. Als eine etwas ungewöhnliche Design-Entscheidung empfand ich, dass auf „Leicht“ jeder Speicherpunkt euch automatisch heilt, ansonsten nur deutlich seltener, und Waren beim Händler in der Stadt günstiger sind. Da man den Schwierigkeitsgrad aber jederzeit wechseln kann, an einem Speicherpunkt, könnte man kurzfristig umstellen, um sich zu heilen oder wenn man günstig einkaufen möchte.

Faie, eure magische Begleiterin

Ab einem gewissen Punkt in der Handlung gesellt sich die Fee Faie an Elliots Seite. Die kleine Fee sorgt nicht nur für Unterhaltung, sondern steht euch auch als verlässliche Partnerin zur Seite. Sie hat ihre Erinnerungen verloren und weiß nur noch, dass sie mit Elliot das Königreich vor einer Bedrohung retten soll. Zudem ist nur Elliot in der Lage sie zu sehen und mit ihr zu interagieren. Ihr könnt sie zudem mit dem rechten Analog-Stick frei steuern.

Faie kann euch gegen Bezahlung wiederbeleben und besitzt zudem magische Fähigkeiten, die ihr sowohl im Kampf als auch in der Umgebung einsetzen könnt. Unter anderem sind das zum Beispiel Fähigkeiten zum Sprinten, Teleportieren oder Anzünden von Fackeln. Ihr schaltet diese nach und nach frei. Diese Fähigkeiten verbrauchen magische Energie, die sich aber mit der Zeit wieder auflädt.

An bestimmten Stellen im Spiel benötigt ihr entweder spezielle Waffen, wie Bomben oder Hammer, oder eine bestimmte Fähigkeit, um diverse Wege freizuschalten oder um an Schätze zu gelangen. Wenn ihr also mal nicht weiterkommt, meist weist Faie auch darauf hin, dann solltet ihr zu einem späteren Zeitpunkt wiederkommen, wenn die entsprechende Fähigkeit erlernt wurde.

Wie bereits bekannt gegeben wurde, kann Faie auch im lokalen Koop von einem zweiten Spieler gesteuert werden. Wobei der Hauptfokus aber auf Elliot liegt, Faie ist lediglich eine Unterstützung, das kann aber in stressigen Situationen oder beim Lösen von Rätseln sicherlich eine Erleichterung sein.

Charakterentwicklung und Maginite

Elliots Lebenspunkte werden in Tropfen-Form am oberen linken Rand des Bildschirms dargestellt, diese könnt ihr durch das Lösen kleinerer Rätsel an diversen Schreinen auf der Weltkarte und in Dungeons erweitern. Hierzu sammelt ihr vier Teile ein, um einen weiteren Lebenspunkt zu erhalten. Sicherlich eine bekannte Mechanik aus anderen Genre-Vertretern. Das Inventar ist überschaubar, neben wichtigen Gegenständen kann sich Elliot mit Items heilen, Angriff und Verteidigung kurzzeitig verbessern oder Faies Magie etwas auffüllen. Für die Tränke werden leere Phiolen benötigt, deren Anzahl sich auch erweitern lässt.

Elliot kann mit einer Vielzahl an Accessoires ausgerüstet werden, die indirekte oder direkte Auswirkungen haben. Am Anfang steht euch nur ein Slot zur Verfügung, dieser kann auf bis zu drei ausgeweitet werden, sodass ihr drei Accessoires gleichzeitig ausrüsten könnt. Die Boni sind sehr unterschiedlich; ein Mantel, mit dem ihr nach dem Sprung etwas gleiten könnt, was in diversen Leveln und Passagen eine deutliche Erleichterung bietet, passive Boni wie mehr Tul/Maginit-Splitter oder dass ihr bei einem Treffer eure Kampf-Serie nicht gleich verliert.

Mit Maginiten lassen sich eure Waffen verstärken oder mit verschedenen Effekten ausstatten, wie zum Beispiel Zusatzschaden durch die Elemente, Feuer, Eis oder Blitz, mehr Schaden unter bestimmten Bedingungen, erhöhte Reichweite von Angriffen und vieles mehr. Hier kann man sich wirklich austoben und seinen ganz individuellen „Build“ erstellen.

Am Anfang könnt ihr nur wenige Maginite ausrüsten. Gegen Tul könnt ihr die Kapazitäten erweitern, um mehrere mächtige Effekte gleichzeitig auszurüsten. Um Maginite herzustellen, nutzt ihr Maginit-Splitter. Wenn ihr eine gewisse Anzahl an Maginiten hergestellt habt, steigt euer Synthese-Level und ihr könnt höherwertige Maginite erstellen, deren Boni stärker sind. Hin und wieder lassen sich Maginite auch in Truhen finden.

Sidequests und Minispiele

In The Adventures of Elliot könnt ihr euch neben der Hauptgeschichte zahlreichen Nebenaufgaben, Sammel-Items und optionalen Herausforderungen sowie Mini-Games widmen. Im Menü gibt es einen eigenen Punkt für Aufträge, dort seht ihr auch, ab wann diese bei welchem NPC in welchem Zeitalter verfügbar sind. Diese Aufträge belohnen euch nicht nur mit Tul, Accessoires oder Erweiterungen, sondern erzählen auch ihre ganz eigene Geschichte. Diese Sidequests bestehen meist aus Kämpfen oder ein NPC bittet euch etwas zu beschaffen. Diese erstrecken sich manchmal auch über die unterschiedlichen Zeitalter hinweg, was dem Ganzen noch eine ganz besondere Note verleiht.

Katzenfreunde kommen voll auf ihre Kosten, eine Nebenaufgabe besteht darin, Katzen, die über die ganze Welt verteilt sind, einzusammeln und in das Dorf zu bringen. Ein kleiner Fun-Fact ist, dass diese auch visuell im Dorf dargestellt werden und ihr mit diesen interagieren könnt. Zudem warten Belohnungen, je mehr ihr findet. Eventuell haben diese aber noch eine ganz besondere Bedeutung im Spiel, aber das müsst ihr schon selbst herausfinden. In der ganzen Welt findet ihr immer wieder an funkelnden Stellen Manuskripte, die euch die Lore der Welt etwas näherbringen.

Mit dem Erhalt einer Fähigkeit von Faie könnt ihr im Fähigkeiten-Menü eine Art Minispiel absolvieren, wo die entsprechende Fähigkeit eingesetzt wird, um eine bestimmte Punktzahl zu erreichen. Dies ist allerdings völlig optional und belohnt euch nur mit Musikstücken aus dem Spiel, die ihr euch anhören könnt. Im Tempel der Prüfungen warten knackige Herausforderungen, wo ihr euch Gegner-Wellen stellen müsst. Dies ist der einzige Weg, um eure Accessoire-Slots zu erhöhen. Mit Fortschreiten der Geschichte schaltet ihr hier weitere Herausforderungen frei. Vor allem die letzte hat es in sich.

Nostalgischer HD-2D-Look und unauffälliger Soundtrack

Dem kann ich schon fast nichts mehr hinzufügen. Wer sich noch nicht an dem HD-2D-Look sattgesehen hat, bekommt eine nostalgische, aber im modernen Gewand gestaltete Pixel-Look-Welt zu Gesicht. Wichtige Charaktere haben zudem ein eigenes Charakter-Porträt neben der Text-Box spendiert bekommen, das sogar lippensynchron animiert ist, was nochmal einen gewissen Teil zur Atmosphäre beiträgt. Die englischen und japanischen Sprecher leisten hervorragende Arbeit. Der Soundtrack – versteht mich nicht falsch, aber hin und wieder habe ich vergessen, dass er existiert – ist für mich persönlich kein Highlight. Lediglich das Boss-Theme hatte für mich einen kleinen Wiedererkennungswert, alles andere fügte sich eher neutral im Hintergrund ein. Am Ende ist dies vielleicht aber auch einfach Geschmackssache.

Ein einzigartiges Erlebnis

Bildmaterial: The Adventures of Elliot: The Millennium Tales, Square Enix, Claytechworks

Der Beitrag Im Test! The Adventures of Elliot ist ein einzigartiges Erlebnis für Nostalgiker und RPG-Fans erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Tales of Arise: Beyond the Dawn Edition
	22. Mai 2026
	Bandai Namco
	22. Mai 2026
	Bandai Namco
	22. Mai 2026
	Bandai Namco
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Bandai Namco
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Es ist knapp fünf Jahre her, dass Tales of Arise für zahlreiche Plattformen erschienen ist. Im Jahr 2023 erschien dann recht überraschend mit Beyond the Dawn eine Erweiterung für das JRPG, welche die Ereignisse nach dem Ende des Titels zeigt.

Nun hat Bandai Namco das Spiel in der Tales of Arise: Beyond the Dawn Edition auf Nintendo Switch 2 veröffentlicht. Diese beinhaltet die namensgebende Erweiterung direkt. Doch kann der Port überzeugen?

Die Frau mit Dornen und der Mann mit der eisernen Maske

Die Story beginnt mit dem Charakter Eisenmaske – ein Name, den der Hauptcharakter hat, weil er halt eben eine solche Maske trägt. Warum, weiß niemand, auch er selbst nicht. Seine Erinnerungen sind weg! Er lebt als Sklave unter den Renäern, welche von einem anderen Planeten stammen und die Bevölkerung namens Dahnäer unterworfen haben. Zumindest ist dies der Eindruck, den unser Hauptcharakter anfangs hat.

Natürlich überschlagen sich zeitnah die Ereignisse und er trifft auf Shionne. Was danach folgt, ist ein größtenteils tolles Abenteuer, mit interessanten Konflikten und tollen Charakteren. Leider verfällt Tales of Arise dem üblichen Tales-of-Fluch und verliert im letzten Drittel einiges an Fahrt. Der letzte Dungeon zieht sich mehr als ein Kaugummi an eurem Schuh. Dennoch ist es ein großartiges Abenteuer, welches nicht nur Fans der Reihe packen wird.

Beyond the Dawn ist eine tolle Erweiterung der Story, auch wenn sich dort gameplaytechnisch nicht viel ändert und der Fokus stark auf der Geschichte liegt. Interessant ist, dass ihr in der Erweiterung direkt alle Kostüme und Accessoires aus dem Basegame freigeschaltet habt. Wie auf anderen Plattformen könnt ihr diese unabhängig vom Hauptspiel starten. Es ist aber natürlich empfohlen das Basegame vorher zu spielen.

Je weiter ihr dort seid, desto mehr Boni gibt es dann in der zusätzlichen Geschichte. Apropos DLC: Oft gibt es in dieser Art von erweiterten Ports alle bisher erschienenen zusätzlich kaufbaren Inhalte. Dies ist bei der Tales of Arise: Beyond the Dawn Edition nicht der Fall.

Sprich: Badeklamotten und andere zusätzliche Outfits müsst ihr kaufen. Ebenfalls den erschienenen Sword-Art-Online-Crossover-DLC. Natürlich kann man von einem Port nicht direkt erwarten, alle Inhalte direkt zu beinhalten – aber es wäre ein netter Bonus gewesen.

In den Kämpfen selbst befinden sich bis zu vier Charaktere auf dem Feld, zwei weitere in der Reserve. Ihr könnt jede der spielbaren Figuren steuern und sie spielen sich auch allesamt auf ihre Art und Weise ein wenig anders. Während der Hauptcharakter ordentlich reinhaut, macht er sich selbst konstant Schaden. Dadurch muss man ordentliches HP-Management betreiben.

Rinwell hingegen kann Zauber abfeuern und diese sogar kombinieren, um noch größere Magie zu wirken. Währenddessen ballert Shionne mit ihrem Gewehr auf die Feinde, wirft Granaten und heilt das Team als Support-Charakter. Schade, dass in Tales of Arise kein Multiplayer mehr vorhanden ist. Dies war immer ein spaßiger Aspekt der Reihe.

Da der Titel sich im Inhalt nicht zum Original unterscheidet und wir hier eher auf den Port an sich schauen wollen, empfehlen wir einen Blick auf den originalen Test zu Tales of Arise und unser Review zur „Beyond the Dawn“-Erweiterung zu werfen.

Ein technisch solider Port

Auf Nintendo Switch 2 sieht Tales of Arise wirklich klasse aus. Dies ist sicher auch dem beeindruckenden Anime-Stil zu verdanken, in dem gerade in der Umgebung durch das Shading einiges kaschiert werden kann. Die Charaktere sind auch auf Nintendos aktuellem Handheld sehr detailliert und die Effekte in den Kämpfen sind weiterhin bildschirmfüllend und knallig.

Im TV-Modus sieht der Titel gut aus – wenn er auch hinter einer PS5-Fassung steht. Als jemand, der viel im Handheld-Modus zockt, war aber natürlich die mobile Variante für mich besonders interessant. Hier sieht das Spiel absolut großartig aus und auf dem Bildschirm der Nintendo Switch 2 kommen die Anime-Farben richtig gut rüber.

Einziges Manko: Nach etwas mehr als einer Stunde Spielzeit ist der Akku der Konsole einfach leer. Ob man nun dafür das Spiel kritisieren sollte oder vielleicht doch eher die Akku-Leistung der Konsole, bleibt da natürlich dahingestellt. Wenn ihr also plant, den Titel auf einer Reise zu zocken, dann hofft auf eine Steckdose in der Nähe.

Was mich persönlich am meisten verwirrt hat, ist der Wechsel zwischen 30 und 60 Bildern pro Sekunde in Tales of Arise: Beyond the Dawn Edition. Das normale Gameplay auf der Oberwelt ist in 30 FPS, ebenso die Kämpfe. Allerdings könnt ihr in Zwischensequenzen angenehme 60 FPS genießen. Einen Performance- oder Qualitäts-Modus gibt es nicht. Gerade Ersteres hätte ich mir dann gegen ein wenig schlechtere Texturen durchaus vorstellen können.

Ein ständiger FPS-Wechsel?

Ein Spiel in flüssigen 30 Bildern pro Sekunde stört mich nicht, man gewöhnt sich dran, auch wenn man viel mit 60 FPS spielt. Ein Spiel in konstanten 60 FPS ist natürlich toll! Doch dieser komische Mix aus beidem ist so gar nichts für mich. Durch die Zwischensequenzen, welche besser aussehen als das Gameplay durch flüssigeres Bild, wirkt das eigentliche Gameplay dann weniger hübsch. Irgendwie wirkt das Spiel dann langsamer – was es ja auch durch die weniger Bilder ist.

Auch bin ich persönlich davon enttäuscht, dass nicht einmal die Kämpfe in 60 Bildern pro Sekunde funktionieren. Wäre das hier möglich, dann hätte ich über die 30 FPS in der Oberwelt eher hinwegsehen können. Denn durch die teils riesigen Gebiete verstehe ich dann eher, wenn es weniger Bilder pro Sekunde rendern kann. Hinzu kommt, dass mir in den Kämpfen das Gefühl kam, wir hätten da manchmal nicht einmal stabile 30 FPS. Aber zu 100 % kann ich es nicht sagen, da es nur wenige Momente gab, wo es mir so vorkam, als würde die Bildrate einbrechen.

Ein tolles Spiel, nun auch unterwegs spielbar

Bildmaterial: Tales of Arise, Bandai Namco

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A-E-I-O-U!

Im Zuge unserer Hands-on-Session spielten wir im Handheld-Modus einer Switch-2-Konsole. Die fünf Solo-Minispiele, auf die wir dabei Zugriff hatten, ließen ab Minute 1 keinen Zweifel aufkommen, dass uns hier ein klassisches „Rhythm Paradise“-Spiel erwartet.

Im amüsanten „Tomodachi“-Quack bekommen wir zum Einstieg die Basics jedes Minispiels erklärt und dürfen uns wahlweise auch warmgrooven, ehe es „ernst wird“. Die Mechaniken sind flott verinnerlicht, auch der neue Ableger rückt nicht von seiner „Simpel, aber anspruchsvoll“-Formel ab.

Im Minispiel „Ringe-Reihe“ folgen wir dem Rhythmus unserer quirligen Kameraden, um im richtigen Moment durch Ringe zu springen. Regelmäßige amüsante Ausrufe der fünf Vokale helfen dabei, im Takt zu bleiben. Im Verlauf variiert das Tempo, sodass wir uns immer wieder auf einen neuen Takt einlassen müssen. Hier greift definitiv eher der „Simpel“- statt „Anspruchsvoll“-Part des Serien-Grundsatzes.

So auch bei der „Schirmchen-Show“, die einem ähnlichen Prinzip folgt, zumindest aber etwas am Anspruch schraubt. Hier wollen tänzerische Regenschirme im Takt und der richtigen Abfolge geöffnet oder geschlossen werden.

Merklich anspruchsvoller wird es da schon im Minispiel „Scheibenfangen“. Hier schlüpfen wir in die Rolle eines Hundes, um im richtigen Moment die heransausenden Frisbees des Frauchens zu schnappen. Fällt es eingangs noch leicht, im Rhythmus zuzuschnappen, wirft uns das Spiel im Verlauf immer frecher Stöcke in die Speichen. Die Kamera rückt etwa vom Geschehen ab, sodass wir uns zeitweise nur noch auf unser Gehör verlassen können. Gerade diese kniffligen Situationen, in denen höchste Konzentration (oder eben Taktgefühl) gefragt ist, bereiten viel Spaß. So auch der wilde Remix-Modus, der Sequenzen aus allen Minispielen nach Zufallsprinzip aneinanderreiht.

Rhythmusspiel trifft RPG

So richtig catcht uns dann aber der Modus „Beatspell“. Als sympathischer Hybrid zwischen Rhythmusspiel und RPG aufgezogen, präsentiert sich der neue Modus deutlich komplexer als die kurzweiligen Minispiele. Hier gilt es, sich Level für Level Feinden in quasi-rundenbasierten Kämpfen zu stellen.

Ein Marker wandert im Uhrzeigersinn den Aktionstasten entlang; durch zeitige Eingabemuster wirken wir Zauber wie Feuerbälle, um Feinden zu schaden. Was simpel beginnt, wird mit jedem Level anspruchsvoller. Wir erlernen neue Zauber mit neuen Tastenfolgen (etwa Heilung), um auf die aktuelle Spielsituation zu reagieren. Dadurch gilt es immer wieder in Echtzeit den Rhythmus anzupassen. Zwischen den Levels werten wir unsere Zauber auf, um für die nächsten Herausforderungen gewappnet zu sein. Insgesamt blieben die ersten zwei verfügbaren Levels noch weitgehend simpel; der Modus sprüht aber vor spaßigem Potenzial.

Für eine abschließende Partie im Mehrspieler-Modus wechselten wir dann noch in den TV-Modus. In „Ninja Garde“ schließen wir uns zu viert zusammen, um den Shogun vor Attentätern zu schützen. Dazu gilt es anfliegende Pfeile im richtigen Moment vom Himmel zu schneiden. Regelmäßige Anpassungen des Taktes brachten uns dabei immer wieder amüsiert ins Straucheln. Im Minispiel „Pünktlich Naschen“ ist der Name ebenfalls Programm: Es gilt einen Countdown herunterzuzählen und erst möglichst genau zum Startschuss nach den leckeren Desserts zu greifen – wer dem goldenen Zeitpunkt am nächsten kommt, gewinnt. Einen Innovationspreis gibt es dafür sicher nicht, Spaß hatten wir in der Gruppe trotzdem jede Menge.

Ein paar abschließende Worte zur Technik: Rein visuell präsentiert sich der Titel mit seinem „Wario Ware“-Look gewohnt rudimentär. Auf akustischer Ebene erfreuen aber regelmäßige musikalische Einschübe, zu denen auch manch bekannte Künstler beitragen.

Rhythmischer Schabernack mit Potenzial

Bildmaterial: Rhythm Paradise Groove, Nintendo

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