Titel	LEGO Batman: Das Vermächtnis des Dunklen Ritters
	22. Mai 2026
	Warner Bros. Games
	22. Mai 2026
	Warner Bros. Games
	22. Mai 2026
	Warner Bros. Games
System	PS5, Xbox Series, PC
Getestet für	PS5
Entwickler	TT Games Studios
Genres	Open-Word, Action-Adventure
Texte
Vertonung

Der Dunkle Ritter kehrt zurück. Nach Batman: Arkham Knight von Rocksteady Studios aus dem Jahr 2015 bekommen wir tatsächlich elf Jahre später wieder ein großes Open-World-Abenteuer rund um den Dunklen Ritter spendiert. Die Arkham-Reihe gilt zwar längst als abgeschlossen, doch nun übernehmen TT Games gemeinsam mit Warner Bros. Games das Steuer – natürlich im typischen LEGO-Gewand.

Ganz neu ist die Kombination aus LEGO und Batman allerdings nicht. Mit LEGO Batman, LEGO Batman 2: DC Super Heroes und zuletzt LEGO Batman 3: Beyond Gotham existieren bereits drei Ableger rund um die ikonischen Klemmbausteine und den DC-Helden. Doch LEGO Batman: Das Vermächtnis des Dunklen Ritters wirkt diesmal deutlich größer gedacht.

Neben LEGO Star Wars: Die Skywalker Saga dürfte dieses neue Abenteuer problemlos als eines der ambitioniertesten – wenn nicht sogar das ambitionierteste – LEGO-Spiel überhaupt durchgehen. Ein riesiges Gotham, ein neues Kampfsystem, unzählige Figuren aus dem Batman-Universum und entsprechend hohe Erwartungen setzen die Messlatte gewaltig nach oben.

LEGO-Spiele gelten schließlich traditionell als eher leichte Kost und klar auf jüngere SpielerInnen zugeschnitten. Warum das hier aber nur bedingt zutrifft und weshalb ich mich den bisherigen Stimmen anschließen muss, die das Spiel als das beste LEGO-Spiel überhaupt – und gleichzeitig als eines der besten Spiele des Jahres – bezeichnen, klären wir in diesem Test.

Eine Liebeserklärung an Batman

Die Batman-Lore ist inzwischen gigantisch. Filme, Comics, Serien, Anime, Manga und natürlich Videospiele haben dem Dunklen Ritter über Jahrzehnte hinweg immer neue Interpretationen und Origin-Stories spendiert. LEGO Batman: Das Vermächtnis des Dunklen Ritters bedient sich dabei großzügig an den ikonischsten Momenten der jüngeren Batman-Geschichte.

Vor allem die „The Dark Knight“-Trilogie von Christopher Nolan mit Christian Bale als Batman dient spürbar als große Blaupause für Struktur und Atmosphäre. Doch auch Einflüsse aus „The Batman“ von Matt Reeves, dem Batman von Tim Burton, der legendären „Batman: The Animated Series“ und sogar der kultigen 60er-Serie mit Adam West werden ständig aufgegriffen und zitiert.

Zwischen Gotham und Gesellschaft der Schatten

Wie könnte es anders sein: Wir begleiten Bruce Wayne auf seinem Weg der Rache nach dem Mord an seinen Eltern. Bekanntes Terrain also. Bruce begegnet Ra’s al Ghul, tritt der Gesellschaft der Schatten bei und verfolgt weiter sein großes Ziel, Gotham aus den Händen der Kriminellen zu befreien. Die Geschichte fühlt sich dadurch fast wie ein „Best-of“ der Batman-Historie an.

Natürlich dürfen dabei auch die ikonischen Weggefährten nicht fehlen: Alfred Pennyworth, Jim Gordon, Catwoman und Robin stehen ebenso im Rampenlicht wie eine ganze Riege legendärer Gegenspieler – vom Penguin über den Riddler bis hin natürlich zum Joker, der Batman über all die Jahre erst zu dem gemacht hat, was er heute ist.

Zwischen Nostalgie und LEGO-Humor

Wenn man dem Spiel etwas vorwerfen möchte, dann vielleicht, dass sich TT Games extrem an die Vergangenheit klammert. Eine wirklich neue oder originelle Batman-Geschichte sucht man hier vergeblich. Dafür erlaubt sich das Spiel an anderer Stelle viele Freiheiten – vor allem dank des allgegenwärtigen LEGO-Humors. Der beschränkt sich glücklicherweise nicht nur auf Slapstick, sondern feuert ständig flotte Sprüche, Running Gags und Referenzen ab, die gerade ältere Batman-Fans sofort erkennen dürften. Denn jeder weiß schließlich: Es ist immer gut, das Anti-Hai-Spray griffbereit zu haben.

Man merkt dem Spiel in jeder Sekunde an, dass hier Menschen am Werk waren, die vermutlich seit Jahren in Batman-Bettwäsche schlafen. Videos mit sämtlichen Referenzen und Easter Eggs würden wahrscheinlich mehrere Tage Laufzeit erreichen. Genau dieser Umstand hat mir als Batman-Fan permanent ein Grinsen ins Gesicht gezaubert – dem Joker würde das vermutlich gefallen. Wer kein Problem damit hat, dass hier eher bestehende Batman-Geschichten gefeiert statt neu erfunden werden, dürfte mit dem Abenteuer extrem viel Spaß haben. Wer hingegen nach einer komplett neuen Interpretation sucht, wird hier eher enttäuscht sein.

„Ich bin Batman“

Oder zumindest fühlt es sich genau so an. Wer auch nur eine Stunde Batman: Arkham Knight gespielt hat, wird sich in LEGO Batman: Das Vermächtnis des Dunklen Ritters sofort zuhause fühlen. Gotham dient erneut als riesiger Spielplatz, der komplett frei erkundet werden darf. Wir schwingen uns mit dem Greifhaken durch die Häuserschluchten, gleiten mit dem Umhang durch das verregnete Gotham und jagen von Dach zu Dach. Die Parallelen zu Rocksteadys letztem Open-World-Batman sind dabei absolut unverkennbar.

Free-Flow trifft Klemmbaustein

Auch beim Kampfsystem hat sich TT Games ganz offensichtlich inspirieren lassen. Das berühmte Free-Flow-Kampfsystem kehrt erstmals im LEGO-Gewand zurück – und das war auch dringend nötig. Frühere LEGO-Spiele boten kämpferisch meist eher rudimentäre Kost. Jetzt kombinieren wir Angriffe, kontern Gegner und prügeln uns durch ganze Gegnerhorden. Natürlich dürfen dabei Batmans Gadgets wie Batarang oder Batclaw nicht fehlen.

Zusätzlich können wir jederzeit zwischen Batman und mindestens einem unterstützenden Mitstreiter wechseln. Das neue Kampfsystem ist für die LEGO-Reihe ein gewaltiger Schritt nach vorne, auch wenn es letztlich eher als „Free-Flow-Lite“ bezeichnet werden muss. Die volle Tiefe der Arkham-Spiele erreicht es nicht, dennoch fühlt sich das Ganze deutlich dynamischer und moderner an als alles, was die Reihe bisher geliefert hat.

Gotham als riesiger Spielplatz

Abseits der Kämpfe wartet ein gigantisches Gotham darauf, erkundet zu werden. Überall verstecken sich Sammelobjekte, kleine Nebenaufgaben und natürlich auch die berüchtigten Riddler-Trophäen. Allein bei diesem Namen dürfte es vielen Arkham-Fans bereits kalt den Rücken herunterlaufen.

Batman selbst kann zwar weder besonders hoch springen noch klettern, was manche Passagen etwas fummelig gestaltet, insgesamt spielt sich das Abenteuer aber hervorragend. Und natürlich steht auch wieder ein ganzes Arsenal ikonischer Fahrzeuge bereit. Vom modernen Batmobil aus The Batman über das legendäre Batmobil von 1989 bis hin zum Tumbler aus der „The Dark Knight“-Trilogie ist praktisch alles vertreten, was das Fanherz begehrt.

Die Bathöhle als Rückzugsort

Am Umfang mangelt es dem Spiel definitiv nicht. Wer möchte, kann problemlos dutzende Stunden in Gotham verbringen. Die größeren Story-Missionen finden meist in speziell gestalteten Bereichen statt, die mit viel Liebe zum Detail umgesetzt wurden. Dort kämpfen wir, lösen Rätsel und nutzen die individuellen Fähigkeiten der verschiedenen Charaktere – ganz so, wie man es aus klassischen LEGO-Spielen kennt.

Zwischen den Missionen dient die Bathöhle als zentrale Anlaufstelle. Hier verbessern wir unsere Ausrüstung, bestaunen unsere schicken Fahrzeuge oder werfen einen Blick auf die beeindruckende Sammlung an Batman-Anzügen. Und ja – allein damit könnte man vermutlich schon Stunden verbringen.

Das wohl schönste LEGO-Spiel bisher

Mit LEGO Batman: Das Vermächtnis des Dunklen Ritters hat TT Games meiner Meinung nach das bislang schönste LEGO-Spiel überhaupt auf die Beine gestellt. Getestet wurde auf der PlayStation 5, wo ein Performance- und ein Fidelity-Modus zur Auswahl stehen. Besonders im Performance-Modus überzeugt das Spiel mit konstanten 60 FPS und sieht dabei trotzdem hervorragend aus.

Vor allem die Beleuchtung, die Regeneffekte auf Batmans Cape und die allgemeine Atmosphäre fangen Gotham meisterhaft ein. Überraschend gut funktioniert dabei die Kombination aus semi-realistischer Spielwelt und klassischer LEGO-Optik. Die kleinen Plastikfiguren wirken keineswegs fehl am Platz – im Gegenteil. Gerade die Close-ups der Charaktere können sich sehen lassen. Mit sichtbaren Angussnähten und kleinen Unebenheiten sehen die Figuren tatsächlich so aus, als hätte man sie gerade frisch aus einer LEGO-Packung gekippt. Genau diese Details verleihen dem Ganzen noch mehr Charme und Plastizität.

Eine musikalische Reise durch Batmans Geschichte

Auch musikalisch fährt das Spiel schwere Geschütze auf. Statt komplett neuer Kompositionen greift man großzügig auf die ikonischen Batman-Soundtracks der vergangenen Jahrzehnte zurück – und genau das funktioniert hervorragend. Schon das berühmte Intro der Batman: The Animated Series löst sofort Nostalgie aus und dürfte vielen Fans direkt ein Grinsen ins Gesicht zaubern. Hier wird die DC-Lizenz voll ausgespielt und mit zahlreichen legendären Musikstücken zelebriert.

Leicht zugänglich, aber nie belanglos

Das neue LEGO Batman ist zu großen Teilen komplett auf Deutsch vertont. Die Qualität schwankt dabei allerdings etwas – besonders bei kleineren Nebenrollen merkt man Unterschiede. Die wichtigen Charaktere wie Batman selbst sind dagegen gelungen besetzt. Zwar erreicht der Sprecher nicht ganz die ikonische Präsenz von David Nathan, der vielen vor allem als deutsche Stimme von Christian Bale und Johnny Depp bekannt sein dürfte, dennoch macht er insgesamt einen guten Job. Natürlich stehen zusätzlich auch weitere Sprachoptionen zur Verfügung.

LEGO-Spiele wurden in der Vergangenheit häufig für ihren sehr niedrigen und repetitiven Schwierigkeitsgrad kritisiert – und auch das neue Batman-Abenteuer bleibt insgesamt eher leicht zugänglich. Immerhin gibt es diesmal drei auswählbare Schwierigkeitsgrade. Selbst der höchste davon stellt erfahrene SpielerInnen zwar kaum vor ernsthafte Probleme, die Option ist aber dennoch willkommen. Sehr positiv fallen außerdem die umfangreichen Barrierefreiheits-Einstellungen auf, die heutzutage bei Produktionen dieser Größenordnung eigentlich selbstverständlich sein sollten.

Natürlich darf auch der klassische lokale Koop-Modus nicht fehlen. Im Couch-Koop könnt ihr gemeinsam mit Freunden durch die dunklen Straßen Gothams ziehen, Verbrecher verprügeln und euch gemeinsam durch die Story kämpfen – genau so, wie man es von LEGO-Spielen erwartet.

Das Spiel erscheint am 22. Mai 2026 für PlayStation 5, Xbox Series X and Series S sowie PCs via Steam und Epic Games Store. Eine Version für die Nintendo Switch 2 soll noch im Laufe des Jahres kommen.

Gotham aus Klemmbausteinen war nie besser

Bildmaterial: LEGO Batman: Das Vermächtnis des Dunklen Ritters, Warner Bros, TT Games

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Titel	Yoshi and the Mysterious Book
	21. Mai 2026
	Nintendo
	21. Mai 2026
	Nintendo of America
	21. Mai 2026
	Nintendo
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Good-Feel
Genres	Platformer
Texte
Vertonung	–

Good-Feel ist bekannt dafür, eher seichte Wohlfühl-Unterhaltung zu liefern – zuletzt etwa mit dem von vielen kritisch beäugten Princess Peach: Showtime!. Jetzt rückt aber wieder Yoshi ins Rampenlicht. Ganze sieben Jahre nach Yoshi’s Crafted World geht es in Yoshi and the Mysterious Book auf Entdeckungstour durch ein farbenfrohes Bilderbuch-Abenteuer. Gleichzeitig markiert das Spiel Yoshis ersten Soloauftritt auf der Nintendo Switch 2.

Im Vorfeld gab es allerdings einige Sorgen. Zu leicht, zu anspruchslos, kein Vollpreis-Titel – diese Kritikpunkte schwirrten schon früh durchs Netz. Offenbar sah auch Nintendo selbst das ähnlich und senkte den Preis der physischen wie digitalen Version jeweils um zehn Euro.

Warum man das neue Yoshi-Abenteuer trotzdem keineswegs unterschätzen sollte, wie viel Charme und Spaß in dem Bilderbuch stecken und vor allem für wen sich das Ganze lohnt, klären wir in diesem Test.

Eine Bilderbuch-Geschichte

Eine gute Bilderbuch-Geschichte lebt eigentlich auch von einer spannenden Handlung … oder? Nun ja, genau das war bei der Yoshi-Reihe noch nie wirklich der Fokus – und auch das neue Abenteuer macht da keine Ausnahme.

Eines Tages landet die sprechende Enzyklopädie Enzo – ja, der Name ist durchaus Programm – auf der beschaulichen Yoshi-Insel. Gemeinsam mit den Yoshis machen wir uns daran, die verblassten Seiten des Buches wieder mit Leben zu füllen. Einst enthielten sie allerlei Informationen über die unterschiedlichsten Kreaturen dieser Welt, nun sind sie leer und müssen nach und nach erneut gefüllt werden. Natürlich dürfen auch bekannte Gesichter nicht fehlen: Bowser Jr. mischt wieder fleißig mit, unterstützt von Kamek.

Die Story bleibt letztlich aber klar Nebensache und dient eher als lockerer Aufhänger für das eigentliche Abenteuer. Das ist allerdings auch vollkommen okay, denn die Prioritäten liegen hier ganz woanders. Und seien wir ehrlich: Eine besonders tiefgründige oder emotionale Handlung hätte hier vermutlich ohnehin niemand erwartet.

Entdecken statt Durchrennen

Ganz klar im Mittelpunkt von Yoshi and the Mysterious Book steht das Erkunden und Entdecken – genau hier spielt das neue Abenteuer seine größten Stärken aus. Um die verblassten Seiten von Enzo wieder zu füllen, werden wir direkt in die Buchseiten hineingesogen und erkunden dort die Lebensräume unterschiedlichster Kreaturen.

Vor jedem Ausflug dürfen wir uns erst einmal einen beliebig farbigen Yoshi aussuchen. Stil muss schließlich auch im Bilderbuch-Abenteuer sein. Spielerisch steuert sich Yoshi dabei genauso, wie Fans ihn kennen und lieben: mit ikonischem Flattersprung, der typischen Fähigkeit Gegner zu verschlucken und allerlei Objekte auf dem Rücken zu transportieren.

Für nahezu jede Interaktion mit einer Kreatur erhalten wir kleine „Fleißsternchen“, die wiederum neue Seiten in Enzos Buch füllen. Manchmal reicht es schon aus, ein Wesen einfach zu verschlucken, nur um herauszufinden, wie es wohl schmeckt. Andere Aufgaben werden deutlich komplexer und motivieren dazu, mit möglichst vielen Elementen innerhalb der Level zu experimentieren. Und genau das ist der entscheidende Punkt: Das Spiel zwingt einen selten wirklich zu etwas, sondern ermutigt vielmehr zum Ausprobieren.

Die gesammelten Sterne schalten nach und nach neue Kapitel frei, wobei die benötigte Mindestanzahl angenehm fair ausfällt. Zusätzlich warten auch wieder die bekannten Grinseblumen in den Leveln, die diesmal besonders im späteren Spielverlauf wichtig werden können. Wer gründlich sucht, spart sich später einiges an Aufwand. Mit den sogenannten Glyphen existiert zudem eine weitere Währung, mit der zusätzliche Hinweise zu den Kreaturen freigeschaltet werden können.

Jede Seite birgt ein neues Geheimnis

Jede Kreatur besitzt ihre eigene große Hauptaufgabe. Ist diese abgeschlossen, können wir das Level verlassen oder weiter erkunden. Anschließend wird alles fein säuberlich in Enzos Enzyklopädie eingetragen – inklusive der Möglichkeit, den Kreaturen eigene Namen zu geben oder einen Vorschlag von Enzo anzunehmen. Dabei treffen wir sowohl auf komplett neue Wesen als auch auf bekannte Gesichter aus der Mario- und Yoshi-Historie.

Besonders spannend: Viele dieser Kreaturen erweitern Yoshis Fähigkeiten. Mal erzeugen wir Seifenblasen, um höhere Plattformen zu erreichen, mal rasen wir blitzschnell durchs Wasser oder schleudern einen Bumerang durch die Gegend. Teilweise verändert sich dadurch sogar die Steuerung grundlegend, was gelegentlich etwas fummelig werden kann. Insgesamt steuert sich Yoshi aber gewohnt hervorragend.

Die einzelnen Level bleiben zwar recht übersichtlich und das grundlegende Leveldesign eher simpel, dafür steckt das Spiel voller kreativer Ideen. Gerade in der zweiten Hälfte überraschen die Fähigkeiten und Einsatzmöglichkeiten der Kreaturen immer wieder aufs Neue. Man fragt sich regelmäßig: „Wie sind sie denn jetzt wieder auf diese Idee gekommen?“ Genau diese kreative Verspieltheit trägt das Abenteuer bis zum Schluss.

Kein Grafikbrett, aber voller Charme

Die Präsentation von Yoshi and the Mysterious Book ist genau das, was man von einem Yoshi-Abenteuer erwarten würde: bunt, verspielt und voller Bilderbuch-Charme. Wir bewegen uns förmlich durch die einzelnen Seiten des magischen Buches, was dem gesamten Abenteuer eine sehr eigene Atmosphäre verleiht.

Ein echtes Grafikbrett sollte man allerdings nicht erwarten. Optisch wirkt das Spiel zwar stimmig, hätte aber meiner Meinung nach auch problemlos noch auf der ersten Nintendo Switch laufen können. Technisch gibt es dagegen wenig zu meckern: Flüssige 60 FPS sorgen für ein angenehm rundes Spielgefühl, größere Bugs oder technische Probleme sind mir während der Testzeit nicht begegnet.

Die Reihe war schon immer für ihre eingängigen Melodien bekannt. Dieses Mal fällt das Ohrwurm-Potenzial allerdings etwas geringer aus. Die Musik bleibt zwar verspielt und teilweise angenehm experimentell, wirklich dauerhaft im Gedächtnis bleiben die Stücke jedoch eher selten.

Eine vertane Multiplayer-Chance

Wie bereits erwähnt, liegt der Fokus komplett auf dem Erkunden – und genau das zieht das Spiel konsequent durch. Leben gibt es keine, verletzt werden kann Yoshi ebenfalls nicht. Wir sind also praktisch unverwundbar und können uns voll und ganz auf das Entdecken konzentrieren. Das mag man als anspruchslos empfinden, für die Art von Spiel, die Yoshi and the Mysterious Book sein möchte, passt das aber erstaunlich gut.

Im ersten Durchgang ist es nahezu unmöglich, sämtliche Geheimnisse eines Levels oder alle Details der jeweiligen Kreaturen aufzudecken. Über die vielen Kapitel hinweg wartet reichlich Inhalt auf neugierige Spielerinnen und Spieler, die wirklich alles entdecken möchten.

Vor allem jüngere SpielerInnen dürften hier besonders viel Spaß haben. Für diese Zielgruppe bietet das Abenteuer viele Stunden entspannte Unterhaltung. Gleichzeitig schließt das erfahrenere Spieler keineswegs aus – man sollte nur wissen, worauf man sich einlässt. Für ein paar gemütliche Runden auf der Couch, vielleicht sogar gemeinsam mit den eigenen Kindern, eignet sich das Spiel eigentlich perfekt. Umso enttäuschender ist es, dass ein Multiplayer-Modus komplett fehlt. Weder zwei Yoshis gleichzeitig noch ein klassischer Rückenreiten-Koop sind vorhanden. Gerade hier wurde leider einiges an Potenzial verschenkt.

Unterstützt werden außerdem verschiedene amiibo-Figuren, darunter Yoshi-, Bowser-Jr.- und Schnuffel-amiibo. Darüber lassen sich zusätzliche Hinweise freischalten, falls man etwas Unterstützung möchte.

Mehr Couch als Competition

Bildmaterial: Yoshi and the Mysterious Book, Nintendo

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Schreine, actiongeladene Kämpfe, eine Top-Down-Perspektive, klassische Dungeons und Rätsel, eine Feenbegleiterin … „mit Liebesgrüßen aus Hyrule“, so lautet eine Zwischenüberschrift in unserer Preview, die uns kürzlich noch tiefer in die Abenteuer von Elliot einsteigen ließ.

Parallel dazu hatten wir die Gelegenheit, den Entwicklern einige Fragen zu stellen. Was sagen sie also zu den Vergleichen mit berühmten Titeln des Genres? Nimmt man diese Herausforderung gerne an, oder hält man solche Vergleiche für unangebracht?

Producer Naofumi Matsushita verweist darauf, dass das angestrebte Gameplay-Gefühl vor allem von der Mana-Reihe inspiriert sei, hier insbesondere vom Game-Boy-Klassiker Final Fantasy Adventure. „Gleichzeitig denke ich, dass es den Spielern freisteht, ihre Eindrücke zu teilen, auch wenn sie sagen, dass das Spiel sie an andere Titel erinnert“, so Matsushita.

Und weiter: „Aus unserer Sicht betrachten wir diese Kommentare weder als positiv noch als negativ. Wir sind einfach dankbar, jedes Feedback mit einer offenen und neutralen Einstellung entgegenzunehmen. Vor allem hoffen wir, dass so viele Menschen wie möglich das Spiel selbst ausprobieren, und wir freuen uns auf eine Vielzahl unterschiedlicher Eindrücke.“

Das vollständige Spiel erscheint schließlich am 18. Juni für PS5, Xbox Series, Nintendo Switch 2 und PCs. Physische Versionen gibt es für PS5* und Xbox, während die Switch 2 leider nur mit einer Game Key Card bedient wird. Werdet ihr es spielen?

English script:

Shrines, action-packed battles, a top-down perspective, classic dungeons and puzzles, a fairy companion… You certainly didn’t aim for it intentionally, but there are comparisons to famous titles in the genre. Do you welcome this challenge, or do you find such comparisons misplaced?

Naofumi Matsushita: As I mentioned earlier, the gameplay feel we were aiming for was inspired by the Mana series, particularly the Game Boy version of FINAL FANTASY ADVENTURE so I hope players will be able to experience the unique kind of enjoyment that has grown out of that foundation. At the same time, I think players are free to share whatever impressions they have, including saying that the game reminds them of other titles. From our perspective, we don’t view those comments as either positive or negative. We’re simply grateful to receive all feedback with an open and neutral mindset. Above all, we hope as many people as possible will try the game for themselves, and we look forward to hearing a wide variety of impressions.

Bildmaterial: The Adventures of Elliot: The Millennium Tales, Square Enix, Claytech Works

Der Beitrag Im Interview! Das sagen die Macher von The Adventures of Elliot zu den Zelda-Vergleichen erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Der Haken: So richtig daran erfreuen konnten sich hauptsächlich Rollenspiel-Fans. Vom gelungenen Strategie-Ausflug Triangle Strategy mal abgesehen, blieb der HD-2D-Stil RPG-Marken wie Octopath Traveler, Live A Live und zuletzt den diversen Dragon-Quest-Remakes vorbehalten. Wie schade!

Fand offenbar auch Square Enix und enthüllte im letzten Sommer überraschend The Adventures of Elliot: The Millennium Tales. Das Action-Adventure kehrt dem RPG-Genre (teilweise) den Rücken und erinnert stattdessen vielmehr an die 2D-Abenteuer von Link, Quintet-Meilensteine wie Terranigma und Illusion of Time oder auch diverse „Mana“-Spiele.

Das dürftet ihr aber bereits selbst festgestellt haben. Immerhin wurde die Ankündigung des Titels von einer (Switch-2-exklusiven) Demo begleitet. Nun sind wir der Einladung von Square Enix gefolgt, um zwei weitere Stunden an der Seite von Abenteurer Elliot und seiner magischen Begleitung Faie zu verbringen. So viel vorweg: The Adventures of Elliot legt vielleicht nicht die Genre-Messlatte höher, dürfte aber gerade Fans von Action-Adventures der 90er Jahre überaus glücklich stimmen.

Mit Liebesgrüßen aus Hyrule

Mit der Geschichte von „Elliot“ befassen wir uns in dieser Anspielrunde allenfalls am Rande. Stattdessen wirft man uns gleich ins Geschehen – ein Dungeon will erkundet werden. Der wartet mit genretypischen Herausforderungen auf: Wir vermöbeln Schergen mit einem üppigen Satz an Kriegswerkzeugen und lösen Umgebungsrätsel, um die Innereien des Verlieses zu erschließen.

Genre-Fans wissen gleich, was zu tun ist, wenn nicht nur ein wirrer Lichtstrahl, sondern ebenso bewegliche Spiegel den Raum schmücken. Ein bisschen an Letzteren geschoben und gerüttelt, lotsen wir den Strahl an sein Ziel und legen so neue Pfade frei. Je tiefer wir vordringen, desto verzwickter werden die Kopfnüsse. Wirklich ins Rauchen kommen die grauen Zellen dabei aber nie. Ob die Rätsel im weiteren Spielverlauf komplexer werden? Das bleibt abzuwarten.

Wir fühlen uns jedenfalls einmal mehr wohlig an eingangs genannte Titel erinnert. Auch dann, als wir den Boden mit kriegerhaften Gockeln, gepanzerten Krabben und wilden Schnecken aufwischen. Verließen wir uns in der Demo noch auf die klassische Schwert-Schild-Kombo, eine praktische Kettensichel, Bogen und Bomben, stehen uns diesmal auch die restlichen Waffentypen zur Verfügung.

Wir wehren uns also mit Lanze, Hammer oder auch dem Bumerang und achten darauf, dass die Siegesserie schön in die Höhe klettert. Dabei helfen auch Anpassungen an der Spielbalance: Man versichert uns etwa, dass an der Laufgeschwindigkeit des Protagonisten geschraubt wurde. Auch diverse Quality-of-Life-Maßnahmen seien seit dem Fan-Feedback zur Demo erfolgt. Die Menüs bleiben weiterhin etwas fummelig, arg daran gestört haben wir uns aber kaum.

Besonders komplex fallen die Keilereien übrigens nicht aus. Wir weichen den immergleichen Angriffen unserer ulkigen Schergen aus und langen selbst ohne großes Spektakel zu. Wer hier auf raffinierte Kombo-Eingaben und zeitige Paraden hofft, ist an der falschen Adresse. Auch hier liefern die 2D-Abenteuer von Nintendos zipfelmützigem Helden den passenderen Vergleich.

Eine Welt, viele Zeiten

Im Bosskampf gegen ein fieses Blechdosen-Duo bedarf es dann aber doch konzentrierter Eingaben. Greift der eine Roboter zum Schwert, macht uns sein stählerner Partner das Leben aus der Ferne schwer, indem er uns mit Pfeilen bearbeitet. Wir nutzen die kurzen Zeitfenster, um zuzuschlagen und schmettern vor allem dann die Angriffstasten, als unsere Feinde ins Taumeln geraten. Verheerenden Angriffen entgehen wir mittels praktischem Sprint-Zauber unserer feenhaften Begleitung. Unser Sieg wird mit ordentlich Ressourcen und einem Ausweg ins Freie belohnt.

Ein Blick ins Menü enthüllt hier eine (vermutlich vorerst) überschaubare Oberkarte, aber auch zahlreiche bereits aufgedeckte Punkte, mit denen im Vorhinein vermutlich manch kleines Abenteuer einherging. Von Schreinen, die Partnerin Faie (und damit uns) mit neuen Fähigkeiten belohnen, über Dörfer, in denen wir uns mit neuer Ausrüstung eindecken, bis zu optionalen Grotten, die mit Schätzen locken – „Elliot“ verspricht diverse Möglichkeiten zum Zeitvertreib abseits der Hauptgeschichte.

Darüber hinaus winkt das titelgebende Element der Zeitreisen. In der Vollversion werdet ihr diverse Epochen bereisen, von denen in der Preview-Fassung zwei bereitstanden. Zwischen der „Zeit der Obhut“ und jener des „Wiederaufbaus“ konnten wir auf Anhieb nur marginale Unterschiede feststellen. Allerdings waren wir im Rahmen der limitierten Zeit auch auf das große Ganze und weniger auf Details fokussiert. Sicherlich dürften mit den „Millennium Tales“ so manche spielerische wie erzählerische Kniffe einhergehen.

Viel zu entdecken

Ohne klar abgestecktes Ziel nutzen wir unsere Zeit in Philabieldia, um möglichst viel zu sehen. Wir kämpfen uns gleichermaßen durch staubige Wüsten und frostige Berggipfel, wandern durch sumpfige Moore und über blumige Wiesen. Der HD-2D-Look ist sicher nicht jedermanns Sache, wir sind aber einmal mehr überaus angetan von der hübschen Optik.

Bei unseren Erkundungen haben wir immer wieder die Möglichkeit mit der Umgebung zu interagieren. Wir donnern übergroße Nägel mit einem satten Hammerschlag in den Boden, um den Weg freizumachen. Vielleicht legen wir aber auch verborgene Höhlen frei, indem wir brüchige Wände aufsprengen. Hier winkt dann noch ein kleines Rätsel, dort eine schüchterne Geschicklichkeitseinlage. Und wenn wir im nahegelegenen Dorf Rast machen, greifen wir auch gleich noch manch Hilfesuchendem mit seinen Problemchen unter die Arme.

Wir bleiben noch ein bisschen länger im Dorf, feilen an unserer Ausrüstung und schleifen an den vielseitigen Maginit-Klunkern. Die üppige Auswahl an Edelsteinen verleiht uns die unterschiedlichsten Status-Boni und Fähigkeiten und bietet so viel Raum für Individualisierung und Optimierung. Gefallen uns Steine nicht, verarbeiten wir sie zu Ressourcen, die in die Produktion von neuem Maginit fließen. Hier lässt „Elliot“ dann also doch noch etwas RPG-Romantik aufkommen.

Wie ein vergessenes Genre-Juwel der SNES-Ära

Bildmaterial: The Adventures of Elliot: The Millennium Tales, Square Enix, Claytech Works

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Titel	Forza Horizon 6
	19. Mai 2026 (Early Access 15. Mai)
	Xbox Game Studios
	19. Mai 2026 (Early Access 15. Mai)
	Xbox Game Studios
	19. Mai 2026 (Early Access 15. Mai)
	Xbox Game Studios
System	Xbox Series X/S, PC, Cloud
Getestet für	PC, Geforce Now
Entwickler	Playground Games
Genres	Rennspiel
Texte
Vertonung

Seit über einem Jahrzehnt begeistert die Festival-Rennspiel-Serie Forza Horizon Fans weltweit und erhält mit jedem neuen Eintrag Top-Wertungen. Nachdem es zu Beginn der aktuellen Konsolengeneration in Forza Horizon 5 quer durch Mexiko gegangen war, wurden wir hellhörig, als es hieß, Forza Horizon 6 solle Japan als „Horizon Festival“-Austragungsort haben. Ob ein ambitioniertes Rennspiel den Flair des vielfältigen Landes wirklich ausreichend einfangen kann?

Einen kleinen Dämpfer der Vorfreude gab es vorab, denn Microsoft kündigte an, die Landkarte im Spiel stark an die Anforderungen anzupassen – das heißt, die Karte wurde geschrumpft und nur die wichtigsten Orte verbleiben im Spiel. Am Ende ist diese Entscheidung vielleicht sogar eine Stärke des Titels.

Forza Horizon 6 orientiert sich zwar stark an Tokio und beinhaltet auch alle wichtigen Stadtteile und Wahrzeichen, diese wurden aber bewusst angepasst und dichter zusammengeführt – so befindet sich der Tokio Tower direkt in der Nähe des Shibuya Scramble und ist von dort in weniger als 30 Sekunden erreichbar, was im echten Stadtbild so natürlich nicht möglich wäre.

Außerdem ist man auf diese Weise in wenigen Minuten bereits in den Bergen, um an den vielzähligen Drift-Events teilnehmen zu können. Die Fahrzeuge verfügen übrigens über einen Autopiloten, womit ihr euch zu den nächsten Events fahren lassen und die virtuelle Landschaft genießen könnt. Von den Außenbezirken die Skyline von Tokio und im Hintergrund die weltbekannten Gebirge Japans zu sehen, ist zu jeder Jahreszeit und bei jedem Wetter ein Hingucker.

Japanische Autokultur im Vordergrund

Wie Deutschland hat auch Japan eine starke Autokultur, welche in Forza Horizon 6 zum Ausdruck kommt. Über hundert Fahrzeuge bekannter Marken wie Toyota, Honda, Nissan, Mitsubishi, Mazda, Subaru und Suzuki sind im Spiel vorhanden – insgesamt sind es über 550 Fahrzeuge. Leider fehlen bislang die dazugehörigen Motorradmarken – vielleicht eine Möglichkeit für zukünftigen DLC.

Ein echtes Highlight ist nicht nur die detailgetreu nachgebaute Innenstadt, sondern auch die authentischen Gameplay-Elemente wie die Drift-Herausforderungen, die regelmäßigen Autotreffen an legendären Orten wie dem Daikoku-Parkplatz in Tokio sowie das Aftermarket-Car-System, das die ausgeprägte japanische Tuning-Szene mit echten japanischen Tuning-Marken zeigt. Nicht nur auf dem Berg Haruna und an der bekannten Bandai Azuma Skyline gibt es Drift-Events  – etwas, das Fans der „Initial D“-Serie bereits länger bekannt ist.

Das Spiel würdigt insbesondere die Vielfalt japanischer Fahrzeugtypen: von einzigartigen Kei-Cars wie dem Autozam AZ-1 und dem Honda Beat über JDM-Ikonen wie Nissan Skyline GT-R, Toyota Supra MK4 und Mazda RX-5 bis hin zu den Japan-spezifischen Antriebstechnologien.

Japanische Kultur über Fahrzeuge transportiert

Ein weiteres Highlight ist das Livery-System, mit dem SpielerInnen aus aller Welt ihre Fahrzeuge mit eigenen Motiven lackieren können. Das neue Japan-Thema brachte Fans bereits auf einige kreative Kreationen im farbenfrohen japanischen Stil, auch einige Elemente der japanischen Popkultur wie Hatsune Mikus Goodsmile Racing Team oder Hololive durch dessen kürzliche Kollaboration mit Asphalt Legends Unite sind immer wieder zu sehen.

Aber auch die japanische Servicekultur wird mit dem Lieferwagen „RakuRaku Express“ abgebildet. In den zeitkritischen Liefermissionen holt ihr die Lieferung in einer Seitengasse bei einem Restaurant ab und driftet präzise durch die engen Gassen der Großstadt. Ein stilvolles Versenken des Lieferwagens in der Tokio Bay während der Sushilieferung ist übrigens nicht erwünscht. Gomen nasai!

Electric City, Electric Music

In Forza Horizon 6 ist Gacha City Radio ein eigenständiger Radiosender, der perfekt in das japanische Spielsetting integriert ist und die Atmosphäre des Stadtviertels Akihabara und dessen Anime- und Gaming-Kultur einfängt. Der auf japanisch moderierte Radiosender spielt J-pop, J-rock, City Pop sowie Anime- und Future-Core-Tracks.

Populäre Songs sind Bling-Bang-Bang-Born von Creepy Nuts (Mashle-Opening) und New Genesis von UTA aus dem One-Piece-Film – unsere Favoriten sind jedoch IDOL von YOASOBI (Oshi no Ko – Opening), Miku ft. Hatsune Miku von Anamanaguchi, Snail’s House (Kawaii Future Bass) mit dem Track „CatJammer“ und natürlich die Stücke von Babymetal.

Tagestouren führen durch das vielfältige Land

Ein weiteres Highlight abseits der Rennen sind die gemütlichen Tagestouren und Entdeckungstouren, die euch ohne Stress und mit einem geführten Guide die Hintergründe der besuchten Orte und auch der verwendeten Fahrzeuge erzählen.

Jede der im Spiel enthaltenen Regionen, von der pulsierenden Metropole Tokio über die Küste mit weiten Stränden bis zu den Highlands mit kurvigen Bergpässen, wird so detailliert beleuchtet, oft mit kulturellen Hintergrundinformationen zu den Gebäuden und den genutzten Fahrzeugen. Jede Region besitzt ein eigenes Wahrzeichen und Maskottchen. Als Teil der Story führen sie euch auch an abgelegenere Orte und bringen euch das Phänomen der verlassenen Häuser auf dem Land, die sogenannten Akiya, näher.

Spielerisch gab es eher vorsichtige Erweiterungen und Verbesserungen, was allerdings nichts Negatives ist. Der Drohnenmodus ist präsenter und hilft beim Auffinden der versteckten Scheunen. Dazu kommt die häufig besser ausgearbeitete Landkarte mit den viel befahrenen und zum Teil engen Straßen der Großstadt Tokio als Highlight, ein verbessertes Progressionssystem, eine stärkere Atmosphäre durch verbesserte Präsentation und Raytracing-Beleuchtung im Spiel, die auch das wechselnde Wetter und die wechselnden Jahreszeiten überzeugender darstellt.

Auch am Sound wurde nochmals ordentlich Hand angelegt, zum Teil sind die Fahrzeuge rein durch ihre überzeugenden Motorengeräusche unterscheidbar. In Kombination führt das alles dazu, dass man gerne zurück ins Spiel kommt, um „nur noch eine Runde“ zu fahren – wir wissen alle, wie das ausgeht.

Ein gelungener Roadtrip in Japan

Bildmaterial: Forza Horizon 6, Xbox Game Studios, Playground Games, Turn 10 Studios

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Titel	Directive 8020
	12. Mai 2026
	Supermassive Games
	12. Mai 2026
	Supermassive Games
	12. Mai 2026
	Bandai Namco
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Supermassive Games
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Videospiele, die ihren Fokus in erster Linie auf eine ausschweifende und extrem atmosphärische Erzählung der Story legen und andere Aspekte, wie beispielsweise ein komplexes Kampfsystem, außen vor lassen, liegen immer noch schwer im Trend.

Nicht erst seit Heavy Rain weiß man, dass eine gut erzählte Story so manche Actioneinlage ersetzen und vielleicht sogar toppen kann, speziell in emotionaler Hinsicht. So gab es neben weiteren Titeln aus dem Hause Quantic Dream, den Entwicklern hinter Heavy Rain, auch andere Publisher und Entwickler, die sich an diesem neu entdeckten Genre versuchen wollten.

Mit der „Dark Pictures“-Reihe schuf der britische Entwickler Supermassive Games gleich eine ganze Reihe solcher Titel und bewies somit erneut, dass eine gut geschriebene Story eben doch so manches Actionfeuerwerk ersetzen kann. Mit „Man of Medan“ startete die Reise des britischen Entwicklers.

In den folgenden Jahren folgten mit „Little Hope“, „House of Ashes“ und „The Devil in Me“ gleich mehrere Nachfolger und somit auch Ableger der „Dark Pictures“-Reihe. Mit „Switchback VR“ wagte man sich im Jahre 2023 sogar in Virtual-Reality-Gefilde auf PlayStation VR2.

Der neueste Streich des Entwicklers Supermassive Games hört auf den mysteriösen Titel „Directive 8020“ und ist ein Sci-Fi-Abenteuer, bei welchem der Hauptfokus erneut auf einer spannend erzählten Story liegt. Ob dem britischen Entwickler dieser Sci-Fi-Ausflug gelang und ob Directive 8020 an die Qualitäten früherer Dark-Pictures-Ableger anknüpfen kann, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Test.

Im Weltraum hört dich niemand schreien

Das Raumschiff „Cassiopeia“ wird auf eine Aufklärungsmission geschickt um Informationen und Daten über den Planeten „Tau Ceti f“ zu sammeln. Dieser vielversprechende Planet, der die letzte Hoffnung der Menschheit zu sein scheint, wird ungefähr zwölf Lichtjahre von der Erde entfernt vermutet. Aufgrund einer tragischen Katastrophe ist die Erde dem Untergang geweiht und folglich sucht die Menschheit nun nach einem neuen, bewohnbaren Planeten, welcher der Erde in Art und Lebensbedingungen ähnelt.

Nach einem tragischen Vorfall kommt es allerdings zu einem technischen Defekt des Schiffes und die fünfköpfige Besatzung der Cassiopeia sieht sich nun mit einer völlig neuen Art der Bedrohung konfrontiert. Eine spannende und durchaus unheimliche Geschichte entfaltet sich und wir müssen stets wachsam sein und immer wieder weitreichende Entscheidungen treffen, welche die Geschichte und auch das Schicksal der Crew maßgeblich beeinflussen könnten.

Spannend erzählte Story trifft auf leichte Gameplayeinlagen

Der Fokus von Directive 8020 liegt, wie auch schon bei anderen Ablegern der Dark-Pictures-Reihe, ganz klar auf der spannend erzählten Story. Mit seinen, oft extrem unheimlichen, Survival-Horror-Vibes weiß auch der neueste Teil der Reihe zu begeistern und schafft es gekonnt den Spieler innerhalb kürzester Zeit in seinen Bann zu ziehen.

Wir übernehmen im Verlauf des Spiels die Kontrolle über jeden der fünf Charaktere der Crew und steuern diese, wie man es von der Reihe gewohnt ist, aus der Third-Person-Perspektive. Die Gameplayeinlagen fallen, auch hier wieder typisch für die Reihe, eher simpler aus, da der Fokus ganz klar auf der Erzählung der Story liegt. Actionreiche Szenen werden oft per Quick-Time-Event gesteuert.

Hier verlangt das Spiel also eine schnelle Reaktion von uns, da wir innerhalb eines bestimmten Zeitfensters eine oder mehrere angedeutete Tasten zur richtigen Zeit drücken müssen. Schafft man dies nicht, bedeutet das oft den Tod des Charakters. Dieser ist fortan aus dem Spiel geschieden und die Geschichte läuft ohne diesen Charakter weiter. Je nach Spielstil und ob man während dieser entscheidenden Szenen erfolgreich oder nicht erfolgreich ist, ändert sich dann natürlich auch der Ablauf der Geschichte und somit natürlich auch das Ende.

Erstmals in der Geschichte der Dark-Pictures-Reihe haben wir nun jedoch auch die Möglichkeit, das Spielgeschehen zurückzuspulen, um bereits begangene Fehler zu korrigieren und die Geschichte in eine positivere Richtung zu lenken. Dieses Feature lässt sich zu Beginn des Abenteuers jedoch auch komplett deaktivieren, somit bleiben Entscheidungen und Fehler, die während eines Spieldurchgangs gemacht werden, dauerhaft bestehen. Eine zusätzliche Herausforderung vor allem für Kenner der Reihe. Speziell Serien-Neulingen kommt dieses neue Feature natürlich sehr gelegen.

Neu sind nun auch diverse Stealth-Passagen. Hier müssen wir uns gezielt bewegen und uns vor allem leise verhalten, damit die jeweilige Situation nicht eskaliert und unser Charakter die drohende Gefahr wohlbehalten übersteht. Ein nettes neues Feature, welches der Reihe etwas frischen Wind verleiht und das mittlerweile doch recht altbekannte Gameplay etwas auflockert.

Speziell in Sachen Spannung und Nervenkitzel sind es gerade diese Stealth-Passagen, die den Puls zum Ansteigen bringen. Mit der absolut beklemmenden Atmosphäre eines Little Hope kann Directive 8020 zwar nicht ganz mithalten, dennoch weiß der Titel durchaus mit spannenden und beklemmenden Situationen zu begeistern. Das Sci-Fi-Abenteuer konnte uns somit nicht nur ein Mal das Fürchten lehren.

Innovativer Mehrspielermodus wieder mit an Bord

Auch der aus den Vorgängern der Reihe bekannte Mehrspielermodus „Filmabend“ ist hier wieder mit an Bord. In diesem Modus können bis zu fünf Spieler im Koop-Modus oder erstmals in der Reihe auch online miteinander spielen.

Gerade in diesem Genre ist ein Multiplayer-Modus doch recht unüblich, daher ist es umso erfreulicher und löblicher, dass sich die Entwickler von Supermassive Games für die Implementierung eines solchen entschieden haben. Wegweisend für das Genre, könnte man sagen.

Optisch ansprechend, aber leider nicht atemberaubend

Aus grafischer Sicht wirkt Directive 8020 zwar durchaus ordentlich, aber leider nicht bahnbrechend umgesetzt. Gerade die Charaktermodelle und deren Gesichter wirken durchaus hochwertig. Speziell die Mimik der Charaktere ist hier positiv hervorzuheben, da diese auch extrem wichtig für die Atmosphäre eines solchen Titels ist.

Leider fehlt es dem Ganzen jedoch etwas an grafischem Bombast. Gerade im Sci-Fi-Sektor hat man schon deutlich schönere und eindrucksvollere Spielwelten gesehen. Hier wäre also definitiv mehr drin gewesen. Speziell die Texturen des Schiffes wirken oft etwas trist. Dafür ist die absolut stimmige Beleuchtung der Areale oft ein Augenschmaus. Hier wurde wirklich alles für eine beklemmende Lichtstimmung getan.

Der Titel lief außerdem stets mit absolut flüssigen 60 Frames über den Bildschirm und auch sonst stießen wir während unserer Testsession auf keinerlei technische Probleme. Handwerklich also durchaus gut und sauber gemacht lässt sich an den optischen Qualitäten des Titels nur recht wenig ankreiden.

Ordentliche Soundeffekte und eine gute Synchronisation runden das Bild ab

Neben den absolut sauber und gut umgesetzten Soundeffekten und stimmigen Klangteppichen ist es vor allem die Synchronisation, die dem Titel die nötige Atmosphäre verleiht. Diese Synchronisation fällt bei Directive 8020 meist gut bis ziemlich ordentlich aus. Hin und wieder gibt es auch mal kleinere Ausreißer nach unten.

Alles in allem erwartet uns hier aber ein durchaus stimmiges Abenteuer, welches mit etwas mehr Aufwand vielleicht noch einen Tick besser hätte werden können. Speziell in Sachen Synchronisation wäre hier noch deutlich Luft nach oben gewesen. Das ist aber wie so oft vielleicht auch einfach eine Sache des Budgets.

Spannendes und unheimliches Sci-Fi-Abenteuer mit Entscheidungsfreiheit

Bildmaterial: Directive 8020, Bandai Namco, Supermassive Games

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„Wir sehen sie als eine Möglichkeit, eine gemeinsame Sprache mit unseren Spielerinnen und Spielern zu entwickeln – inspiriert von urbaner Kultur, unseren Wurzeln in ACG (Anime, Comics und Games) und unserer eigenen Nostalgie als Gamer“, so die Macher.

Also sehen wir uns doch mal im Detail an, welche Überraschungen man für uns versteckt hat. Wir versuchen, die Spoilergefahr so gering wie möglich zu halten und bebildern daher nur Orte in frühen Szenen aus dem Spiel. Spätere beschreiben wir nur kurz. Trotzdem – ihr seid hiermit gewarnt!

Bekannte Orte aus Anime neu interpretiert

Besonders viele Anlehnungen gibt es im Bereich der Orts-basierten Easter Eggs. Eins der auffällig-unauffälligsten ist eine Treppe mit rotem Geländer – ziemlich eindeutig eine Anlehnung an eine ikonische Szene aus Makoto Shinkais Anime-Film „Your Name“. Diese wiederum sind von einem echten Ort in Tokyo inspiriert, man findet die Treppe in der Nähe des Suga-Schreins in Tokyo.

Apropos Tageydo-Hauptmission: Schon wenige Minuten vorher gibt es eine Referenz, die vielen von euch aufgefallen sein dürfte. Nach einem Kampf mit Nanally gibt sie sich theatralisch geschlagen und nutzt Tomatensaft als Kunstblut, das sie über das Gesicht schmiert – ob die Zeichner von Naruto sich das so vorgestellt haben, als sie die unvergessene Szene zwischen Sasuke und Itachi erstellt haben?

Nicht nur bei den Umgebungen, Treppen und Zwischensequenzen gibt es Easter Eggs, auch bei manchen Häusern sollte man genauer hinsehen. Das Entdecken von Nobitas Haus aus Doraemon und Shin-chans Haus überlassen wir aber euch. An anderer Stelle ist sogar die Zeitmaschine aus Steins;Gate in ein Gebäude gekracht.

Etwas gruseliger wird es bei der Referenz an den Horror-Mystery-Thriller Exit 8. Wer die Referenz erkennt, hat bereits Respekt vor den Anomalien, bevor er die weiß gekachelte Unterführung betritt. Allgemein ist es von Vorteil, Unterführungen und Treppen genauer anzusehen. Denn es könnte sein, dass vielleicht im späteren Spielverlauf Referenzen an Zenless Zone Zero oder Bocchi the Rock versteckt sind.

In einer Nebenmission, die sich um Wettrennen dreht, findet ihr auch einen Tofu Shop, der verdächtig nach dem Tofu Shop aus Initial D aussieht. Und das Auto nebendran wurde auch auffällig getunt. Im späteren Verlauf der Mission könnt ihr es sogar fahren und die Frage beantworten: Do you like… my Car?

Visuelle Referenzen

Schon bevor ihr das Spiel überhaupt startet, seht ihr die Referenz an Kat aus Gravity Rush. Nanallys Anomalie ähnelt der des PlayStation-Vita-Titels stark und auch manche Anomalien sehen so aus, als ob sie sehr gut in den ungewöhnlichen Handheld-Titel aus dem Jahre 2012 passen könnten.

Im späteren Verlauf der Hauptmission und auf dem Weg zum zweiten „Dungeon“ des Spiels müsst ihr gegen mehrere hochmütige Gegner kämpfen. Da helfen nur ein Wortgefecht, eine Erhöhung oder die Flucht – Items sind nicht erlaubt. Bei zu vielen Widerworten könnt ihr während des Wortgefechts aber auch Einspruch einlegen – ganz im „Ace Attorney“-Stil.

Im Endgame des Spiels gibt es zudem noch Referenzen an Neon Genesis Evangelion, Slenderman, Akira und Girls Band Cry. Eine ungewöhnliche Referenz ist nur aufgrund der nicht idealen Physik-Engine und Kollisionsabfrage zu sehen. Ein Glitch kann mit der Foto-Drohne im Spiel getriggert werden. Die beängstigende Szene zeigt eine schwarze Figur in einer weißen Leere vor einem Tor – wie in Fullmetal Alchemist. Es tut mir leid, Edward!

Namen und Missionsbenennungen

Eine auffällige Missionsbenennung ist Re:Zero – Starting Life as a Fisher – die Anlehnung an Re: Zero – Starting Life in Another World ist mehr als auffällig. Besonders bei den Benennungen der Achievements gibt es viele Easter Eggs. Oraoraoraoraora! Muda Muda Muda! Aber auch die Consecutive Normal Punches aus One Punch Man sind als Achievement vorhanden, ebenso die Normal Summon! und Special Summon! aus Yu-Gi-Oh!

Digimon-Fans können auch ein Gebäude sehen, das auffällig an die Fuji TV Station angelehnt ist. Auffälligere Orte und Sehenswürdigkeiten sind Referenzen an die Golden Gate Bridge und das Tokyo Disneyland.

Wer denkt, er hätte das Spiel schon durch und alle Easter Eggs gefunden, kann sich in den Quellen genauer ansehen, ob es wirklich so ist. Wir haben in unserer Anspielzeit nämlich einige übersehen, wie beispielsweise die an Dōtonbori, Akihabara, Shibuya Crossing und Kabuchiko angelehnten Orte in Neverness to Everness.

via Game8, eigenes Interview, Bildmaterial: Neverness to Everness, Perfect World Games, Hotta Studio

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Zwei Paradebeispiele dafür sind die Remake-Trilogie von Final Fantasy VII und Wuthering Waves. Beide treiben die Engine mit Eigenentwicklungen ans Limit – aber beide haben sich damit in eine unangenehme Abhängigkeit von veralteter Technologie manövriert. Auch in modernerer Form gibt es das bereits, denn für The Witcher 4 entwickelt CD Projekt RED eigene Erweiterungen für die Unreal Engine 5 und treibt somit die aktuellen Konsolen ans Limit.

Der ein oder andere Technik-Kenner nennt solche Entwicklungen sogar „an der Grenze zur Perversion“. In einem Interview mit Automaton spricht Masahiko Nakamura, Leiter von Indie-us Games und technischer Künstler mit viel Unreal-Engine-Erfahrung, über seine Eindrücke der Nutzung in Wuthering Waves. Nicht nur uns fallen auffällig viele Parallelen auf zu den Aussagen von Naoki Hamaguchi, Director von Final Fantasy VII Rebirth.

Hohe Skalierbarkeit dank starker Anpassungen

Nakamura macht dabei keinen Hehl daraus, dass er die Nutzung der Unreal Engine 4 in Wuthering Waves hoch beeindruckend findet – er sieht es als Vorreiter unter Anime-Style-Spielen in dieser Engine. Besonders interessant ist für ihn die hohe Skalierbarkeit, da das Spiel sowohl mobil als auch auf PC sehr gut aussieht und trotz der älteren Engine hochkarätige moderne Grafiktechniken nutzt. Etwas, das ähnlich bei den Final Fantasy VII Remakes vorkommt, welche von Steam Deck und der Switch 2 bis zur PS5 Pro wunderbar skalieren.

Moderne Techniken zurückportiert

Ebenso sind in beiden Titeln die Charaktere detailliert und die Ausdrucksvielfalt über dem, was man normalerweise aus anderen Titeln mit der etwas älteren Engine gewohnt ist. Auch die Beleuchtung ist speziell angepasst.

In Wuthering Waves entschied man sich dazu, die moderne Beleuchtungstechnik Lumen zu portieren, während man sich bei Square Enix für einen anderen Weg entschied. Man entwickelte gleich sein eigenes modernes Beleuchtungssystem mit dem Namen Enlighten. Beide Spiele sehen daher nicht „alt“ aus, da sie neue Techniken in die Unreal Engine implementieren, die so nicht möglich sein sollten. Nakamura spricht hier passenderweise von „UE5-Level“-Grafik, obwohl die Unreal Engine 4 im Hintergrund läuft.

Ein Wechsel zu modernerer Engine riskant

Dadurch manövrieren sich aber sowohl die Remakes zu Final Fantasy VII als auch Wuthering Waves in eine Sackgasse. Sie bieten zwar mit viel Aufwand einzelne moderne Beleuchtungsfeatures und moderne Shader, was jedoch zu Herausforderungen in der Engine und potenziellen Performance-Problemen führt, die nur mit manueller Nacharbeit gelöst werden können.

Beide Entwicklungen wurden zu einer Zeit gestartet, als die Unreal Engine 4 noch aktuell war und die Unreal Engine 5 in den Kinderschuhen steckte. Eine Portierung auf die moderne und inzwischen auch auf schwächeren Geräten performante Unreal Engine 5 ginge laut Nakamura nur stufenweise. Man müsste quasi das Spiel zuerst auf die neueste Version der Unreal Engine 4 bringen, dann zur Unreal Engine 5 portieren und von dort aus mühsame Anpassungen bis hoch zur aktuellen Version 5.7 starten. Seiner Einschätzung nach würde das etwa ein Jahr dauern.

Daher sei insbesondere Wuthering Waves quasi gefangen in der Unreal Engine 4, da man für die aufwändige Portierung der eigenen Tools in die Unreal Engine 5 quasi neu anfangen müsste – für ein Live-Service-Spiel sei dies fast nicht machbar und würde die Stabilität gefährden.

Ein möglicher Ausweg

Etwas gemäßigter äußert sich der Director von Final Fantasy VII Rebirth: Die neue Engine biete vor allem zwei große Vorteile: die Raytracing-Beleuchtung via Lumen und das Geometrie-System Nanite. Doch die Vorteile seien nicht groß genug, um weitere Verzögerungen im Projektplan zu riskieren, so Naoki Hamaguchi.

Die Flexibilität der Unreal Engine wird in diesen Titeln zur Gefahr, denn die Studios manövrieren sich in Abhängigkeiten, die sie selbst nicht unter Kontrolle haben. Die Unreal Engine 4 bekommt kaum noch Anpassungen für moderne Hardware, während die selbst geschriebenen Anpassungen intern gewartet und modernisiert werden müssen – mit Rücksicht auf eine Engine, die man nicht selbst geschrieben hat und deren Interna man nicht vollständig versteht.

Einen möglichen Ausweg zeigt CD Projekt RED: Man arbeitet eng mit Epic Games zusammen, um die vielen Anpassungen möglichst in den Hauptzweig der Unreal Engine zu bringen. So entsteht einerseits ein tieferes Verständnis und gegenseitige Unterstützung, andererseits profitieren nicht nur diese beiden Unternehmen davon, sondern am Ende eine Vielzahl von Spielen.

Bildmaterial: Final Fantasy VII Rebirth, Square Enix

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Titel	Life is Strange: Reunion
	27. März 2026
	Square Enix
	26. März 2026
	Square Enix
	26. März 2026
	Square Enix
System	PS5, Xbox Series, PC
Getestet für	PS5
Entwickler	Deck Nine Games
Genres	Adventure
Texte
Vertonung

Vor kurzem erschien Life is Strange: Reunion und es wurde gehofft, dass man die Serie nach dem etwas schwachen Vorgänger wieder auf Spur bringt. Bei Life is Strange: Double Exposure gab es damals ja einiges an Kritik hinsichtlich der Charaktere, Technik und der Geschichte. Unser Review war da noch recht positiv gehalten, ihr könnt es hier nochmals nachlesen.

Nun stellt man sich natürlich einige Fragen: Ist das nun das große Finale von Max Caulfield? Können alle Fragen beantwortet werden? Wie passt Chloe in diese Geschichte wieder rein und macht das überhaupt noch Sinn? Schafft es der Entwickler einen runden Abschluss zu liefern? Ist es ein Abschluss?

Ein Leben als Manager

Das Leben als Manager einer Band, es ist nicht einfach. Heute Abend ist der Gig und die Gruppe ist noch nicht da. Der Veranstalter wird langsam nervös, er sollte lieber nervös wegen des Zustandes seiner Bar sein. Ein echtes Rattenloch. Doch Chloe schafft es ihn zu besänftigen.

Doch bevor ihr eure Gedanken sammeln könnt, passiert es wieder. Die Zeit um euch herum beginnt sich zu verlangsamen. Um euch wird es nebulös. Ehe ihr euch verseht, verliert ihr euer Gleichgewicht und stürzt rücklings durch die Realität. Ihr befindet euch wieder an demselben freakigen Ort wie schon die Male zuvor.

Eine schneebedeckte Landschaft, die ihr nicht kennt. Einzelne Objekte aus ihrer gewohnten Umgebung und ihrem Zweck entrissen, umringen euch wie in einer Traumwelt. Das ist es doch, ein Traum? Anders könnt ihr es euch nicht erklären. Mit jedem Traum wird es verrückter und plötzlich seid ihr wieder in der verranzten Spelunke. Aus einem Impuls der Unsicherheit beschließt ihr Max aufzusuchen. Vielleicht um Antworten zu finden, oder Halt in einer sich plötzlich auf euch herabstürzenden Realität.

Ein aufstrebender Stern

Max Caulfield, Star-Fotografin, Dozentin an der Caledon-Universität, hatte wiederum ein berauschendes Wochenende in New York. Mit Ausstellungen, Interviews und dem ganzen Drumherum eben. Nun freut sie sich auf die Rückkehr zu ihren Freunden wie Moses und ihren Studenten. Doch was so umwerfend begann, entwickelt sich in einen Albtraum sondergleichen.

Eine neue Katastrophe stürzt über euch herein und wieder springt ihr in der Zeit zurück um die Katastrophe abzuwenden, doch wird es auch dieses Mal einen Preis geben, den Max bereit ist zu zahlen? Kann sie die Fehler der Vergangenheit so kitten, dass es ein Happy End geben wird oder fällt alles vor ihren Augen zusammen und verbrennt zu Asche?

Das große Finale?

Wer weiß das schon, aber man bemüht sich sowohl Neulinge als auch Fans der Reihe mitzunehmen. Bevor es losgeht, könnt ihr euch für die wesentlichen Ausgänge der vorherigen Teile entscheiden. Welche dann Auswirkungen auf die Art und Weise der Geschichte haben.

Auch eine Zusammenfassung der Geschehnisse seit Arcadia Bay bis hin zu Reunion zeigt euch nochmal die wesentlichen Ereignisse der Geschichte. Alles um euch sattelfest zu machen, man scheint sich also irgendwo bewusst gewesen zu sein, dass die bisherige Struktur der Geschichte etwas konfus war.

Auch die Fortsetzung der Geschichte rund um Max, Chloe und Safi, deren Kräfte und Konsequenzen wirkt etwas durchdachter als noch in Reunion. Für Freunde von Double Exposure gibt es auch einige witzige Referenzen im neuesten Ableger. Reunion erzählt wieder eine sehr emotionale Geschichte mit warmen, herzlichen Momenten, aber auch viel Drama. Die Geschichte ist mehr als solide, wenn sie auch an manchen Punkten etwas aufgesetzt in der Charakterentwicklung einiger weniger Figuren wirkt.

Hätte ich doch nur anders gehandelt …

Wie auch schon in den vorherigen Teilen ist Reunion ein storygetriebener Titel gespickt mit Dialogoptionen, die sich auf die Geschichte auswirken können. Mehrere Handlungsstellen haben Auswirkungen auf das Ende. Gefühlt ist der Fokus wieder etwas stärker auf die Wichtigkeit eurer Entscheidungen gesetzt, was in Double Exposure von vielen kritisiert wurde. In Reunion wechselt ihr zwischen Max und ihrer besten Freundin Chloe, ihr interagiert mit Personen, spult mit Max‘ Fähigkeiten die Zeit zurück und löst dabei Rätsel. Keine schweren Rätsel, aber glaubwürdige.

Es ist schade, dass man Safi hier nicht als spielbaren Charakter mit eingearbeitet hat. Man merkt, dass der Fokus des Spiels auf Chloe und Max liegt. Es wäre vermutlich aber noch spannender geworden, wenn man auch Safis Fähigkeiten zur Gestaltwandlung hätte einsetzen können. Da kann man leider nur von verschenktem Potenzial reden. Sie ist zwar immer noch ein wichtiger Charakter, aber der Fokus liegt eben auf Max und Chloe. So bewegt ihr euch mit den beiden durch eine wundervolle Szenerie, gespickt mit interaktivem Drama und Herzlichkeit.

Warme Bilder mit hervorragender Soundkulisse

Was Life is Strange: Reunion auf jeden Fall kann, ist starke Bilder zu liefern. Die besonderen Momente erscheinen durch die Grundstimmung, die Szenen und Kameraeinstellungen immer besonders. Diese Momente gibt es nicht am laufenden Band, weswegen diese auch nach dem Spielen in Erinnerung bleiben. Die Charaktere und die Umgebungen sind schön modelliert und durch passende Lichteffekte in Szene gesetzt. Schon die erste Szene mit Max gibt euch dieses warme Gefühl eines perfekten Sonnenuntergangs.

Trotzdem gibt es auch bei Reunion von Zeit zu Zeit unschöne Clippingfehler, gerade mit Haaren, die in den Gesichtern verschwinden, oder seltsame Ausleuchtungen, die Max‘ und Chloes Haare neon schillern lassen. Trotz alledem schaffen die Entwickler mit diesem Ableger wieder ein einzigartiges Ambiente, was nicht zuletzt auch wieder dem stimmungsvollen Soundtrack geschuldet ist. Eine Stärke der gesamten Reihe. Schade fand ich nur, dass NPCs wieder zu der stillen Sorte gehören. NPC-Gespräche im Freien zu hören war in Double Exposure eigentlich ein nettes Feature, was die Szenerie gefühlt lebendiger gemacht hat. Über die deutsche Synchronisation kann man nicht meckern, man muss sie hingegen wieder einmal loben. Hier wurde sehr gute Arbeit geleistet.

Unterm Strich

Bildmaterial: Life is Strange: Reunion, Square Enix, Deck Nine Games

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Viele Anfragen wurden deshalb bereits an Perfect World Entertainment gestellt und auch auf Social Media findet man die Frage immer wieder – bisher ohne eindeutige Antwort. Wir hatten die Gelegenheit, zum Start von Neverness to Everness ein Interview mit den Entwicklern zu führen. Und wir haben eine Antwort bekommen!

Denn insbesondere im Hinblick auf DLSS 5, das NTE als eines der ersten Spiele im Anime-Stil unterstützen wird, wäre eine Veröffentlichung auf GeForce Now sehr sinnvoll – eine GeForce RTX 5090, welche dafür voraussichtlich nötig sein wird, kostet aktuell mindestens 3.400 Euro.

Antwort des Hotta Studio

Please find the English script below the video. „Die Integration von DLSS 5 ermöglicht es uns, ein flüssiges, leistungsstarkes Spielerlebnis zu bieten, ohne Kompromisse bei den komplexen visuellen Darstellungen von Hethereau einzugehen. Unser Team arbeitet intensiv daran, die Einbindung so fein abzustimmen, dass sich die Leistungssteigerung nahtlos in unsere künstlerische Ausrichtung einfügt.

Um NTE möglichst vielen Spielern zugänglich zu machen, bringen wir das Spiel zudem in naher Zukunft auf GeForce Now. Diese Cloud-Gaming-Integration stellt sicher, dass selbst auf Geräten mit geringerer Leistung die beeindruckende, Raytracing-basierte Beleuchtung der Stadt und die maximale Grafikqualität reibungslos erlebt werden können„, so das Hotta Studio in unserem Interview.

Nvidia GeForce Path Tracing Trailer zu NTE

Original-Skript auf Englisch

Question:

Neverness to Everness uses DLSS 4.5 will be one of the first anime‑style games to use DLSS 5. What do you hope this technology will bring in terms of performance and image quality, and how do you make sure the AI‑enhanced visuals stay true to the game’s art style? Will there be a way to experience the game at the highest detail level and ray tracing in a more affordable way, for example through GeForce Now Cloud Gaming?

Answer:

The inclusion of DLSS 5 allows us to deliver a smooth, high-performance experience without compromising on the complex visuals of Hethereau. Our team is dedicated to fine-tuning the integration so that the boosted performance feels native to our art direction. To make NTE accessible to as many people as possible, we are also bringing the game to GeForce Now in the near future. This cloud-gaming integration ensures that even on lower-spec devices, players can experience the city’s stunning ray-traced lighting and peak graphics seamlessly.

Bildmaterial: Neverness to Everness, Perfect World Games, Hotta Studio

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Jetzt gibt es von HoYoverse in seinem neuen Cozy-Game Petit Planet gleich einen ganzen Planeten, den ich nach meinen eigenen Wünschen gestalten kann. Auch meine tierischen Nachbarn sind alle erstaunlich freundlich und erschaffen eine seltene Wohlfühlatmosphäre in der actionreichen und kampflastigen Gaming-Szene. Was will man mehr?

Dabei bin ich zugegebenermaßen etwas voreingenommen in den Test gegangen. Noch ein Cozy-Game? Davon gibt es doch bereits genug. Wie will man denn Heartopia und Animal Crossing noch toppen? Und: Kann HoYoverse nach den erfolgreichen Gacha-Action-RPGs der Sprung zu einem Free-to-play-Cozy-Game überhaupt gelingen? Petit Planet hat es dennoch geschafft, mich bereits in wenigen Stunden trotz aller Zweifel abzuholen.

Das Spiel setzt dabei auf Stärken, die man von HoYoverse kennt. Nach wenigen Minuten im Spiel entsteht eine gewisse Magie mit seinen liebevollen Zwischensequenzen, der stimmigen und beruhigenden Farbpalette und Musik, überzeugender Charakter-Vertonung und niedlichen Charakteren, die man am liebsten knuddeln würde.

Noch ist bei weitem nicht alles perfekt im „Stardrift Test“, auf dem diese Preview basiert. Insbesondere technisch gab es auf dem PC noch einige grobe Fehler – der schmerzhafteste war der kaputte Controller-Support, also WASD-te ich mich inklusive Touchpad durch die verschiedensten Bereiche des Spiels.

„Das kenne ich doch irgendwoher …“

Die grundsätzliche Ausrichtung von Petit Planet ist durchaus interessant und zeigt ihre Stärken vor allem dort, wo Nintendos Cozy-Game seine Schwächen hat. Ein direkter Vergleich mit dem wahrscheinlich größten Genrevertreter ist nicht ideal, aber HoYoverse drängt ihn förmlich auf.

Viele Kern-Gameplay-Mechaniken überschneiden sich deutlich: Die Ressourcen-Suche in der Umgebung wirkt vertraut, ebenso der Ausbau von Häusern, Läden und dem Museum. Hinzu kommen bekannte Elemente wie Crafting, das Umgestalten der Welt, das Einrichten des eigenen Zuhauses sowie das Zubereiten von Speisen und Getränken zur Steigerung der Ausdauer.

Auch die von freundlichen, leicht verpeilten Tieren bewohnte Umgebung weckt klare Assoziationen. Die größten Unterschiede? Es gibt keine Dinosaurierknochen und bei Nintendo war es eine Insel statt eines Planeten. Aber war die Umgebung nicht auch irgendwo „rund“?

Erst einmal Tee trinken

Petit Planet startet seine Reise in die neue Umgebung dabei deutlich anders und entspannter. Nachdem wir in einer Zwischensequenz in einem fliegenden Auto durch das Planetenmeer zum neuen Zuhause geflogen werden, nimmt mich ein Begrüßungskomitee unter Leitung des hibbeligen Häschens Elsasani und des äußerst gemütlichen Hundes Mobai in Empfang.

Und dann? Erst mal nicht viel. Kein Zelt aufstellen, kein Holz sammeln, kein Tanuki, der einen Kredit abbezahlt haben möchte, sondern einfach nur einen Baum schütteln und aus den heruntergefallenen Früchten einen frischen Früchtetee für alle Planetenbewohner zubereiten.

Diese Einfachheit zieht sich wie ein roter Faden durch das gesamte Gameplay. Im Fokus steht vor allem das Miteinander und die Harmonie, sowohl auf dem eigenen Planeten als auch in den späteren Online-Gemeinschaftsbereichen des Spiels. Hauptziel ist es, den magischen Baum „Luca Arbor“ zu nähren und so auf dem Planeten immer mehr Möglichkeiten freizuschalten.

Am Anfang ist seine Kraft begrenzt und ihr könnt nur einen kleinen Teil des Planeten erkunden. Durch Gefälligkeitsdienste und den Ausbau des Planeten bekommt ihr von euren Nachbarn die Essenz „Luca“, mit der der Luca Arbor gedüngt wird. Auf diese Weise werden größere Bereiche zugänglich, Insekten und Fische besiedeln den Planeten, die Erde wird fruchtbar und bald darauf ziehen auch neue Einwohner zu, die zum Teil etwas ängstlich sind, aber mit der Zeit zutraulicher werden.

Fokus auf gemeinsame Gemütlichkeit und Zusammenhalt

Dabei hilft stark, dass wichtige Sequenzen im Spiel vertont sind, also die Tiere auch wirklich sprechen. So wachsen sie einem mit der Zeit richtig ans Herz und man möchte eine gute Beziehung zu ihnen aufbauen. Während ich in Animal Crossing beschäftigt bin, Obstplantagen für das eigene Konto anzulegen, mache ich in Petit Planet lieber einen Früchtetee und schenke ihn den anderen Bewohnern. Das Luca ist schließlich wichtiger als ein paar Münzen, die ich im neu gebauten Laden gegen eine Leggings oder ein Dinokostüm eintauschen kann.

Auch bei der Einrichtung der Nachbarhäuser helfe ich aus, indem ich die Möbelstücke einfach crafte. Natürlich darf auch die Einrichtung der eigenen vier Wände nicht fehlen. Am besten ist es, wenn man die Wohnung mit vielen ähnlichen Möbelstücken einer Kollektion einrichtet, denn so gibt es eine gute Stil-Bewertung.

Cozy mit einem Hauch von Red Dot Fatigue

Natürlich kommen mit einem wachsenden Planeten auch zunehmende Anforderungen, und hier wird es schnell mal etwas unübersichtlicher. Denn während andere Spiele den Bildschirm frei halten, sodass der Kopf abschalten und sich auf eine Hauptaufgabe konzentrieren kann, macht HoYoverse das, was es seit vielen Jahren erfolgreich perfektioniert hat: Micro-Rewards, die mit roten Punkten an den Rändern des Bildschirms angedeutet werden.

Auch aktive Haupt- und Nebenquests werden ständig auf dem Hauptbildschirm angezeigt, sodass man dazu tendiert, eher den Aufgaben und Belohnungen nachzujagen, statt es gemütlich angehen zu lassen, abzuschalten und vielleicht sogar kreativ zu werden.

Der Ansatz passt zwar in die heutige schnelle Zeit, in der alles ständig verfügbar ist, aber die gemütliche Spielausrichtung wird dadurch etwas verwässert. Unklar ist bislang auch die Monetarisierung. Das „Free to play“-Modell wurde bestätigt und es liegt nahe, dass das Spiel mit kosmetischen Items finanziert wird. Erste Events finden bereits statt, daher sind auch die typischen Zeit-limitierten Elemente absehbar. Gacha-Elemente sind noch nicht implementiert, jedoch ist es möglich, dass diese in der Vollversion enthalten sein werden.

HoYo does what Nintendon’t

Der Fokus auf mobile und free-to-play muss aber nicht unbedingt negativ zu sehen sein. Dadurch, dass HoYoverse trotz seiner Größe noch ein vergleichsweise junges Unternehmen mit einer tendenziell jüngeren Zielgruppe ist, traut man sich auch Dinge, die sich manche „Dinosaurier“ der Branche nicht zutrauen.

So freute es mich zu sehen, dass Petit Planet neben dem abgeschotteten eigenen Planeten, an dem hier und da mal andere Nachbarplaneten vorbeifliegen und zum gegenseitigen Besuch einladen, auch einen Online-Gemeinschaftsbereich hat.

In diesem gibt es zahlreiche Tätigkeiten und Minispiele, von einem gemütlichen Abstecher in eine Bar bis zur gemeinsamen Geschichtsrate-Runde, Wortspielen am Lagerfeuer, einem gemeinsamen Rhythmus-Minispiel oder dem Versuch, um ein gewöhnliches Objekt eine kreative Geschichte zu erzählen, um so einen möglichst hohen Verkaufspreis zu erzielen. „Also, diese Tomate wurde auf magischem Boden großgezogen, nach einem geheimen, seit Generationen geheim gehaltenen Plan, der sie zu etwas ganz Besonderem macht …“

Ungewohnt ist auch eine relativ freie Chatfunktion, die Nintendo sich aus Jugendschutzgründen nicht zutraut. Aber auch erste KI-Funktionen sind in Petit Planet vorhanden, von einem KI-Chatbot, der euch passende Antworten aus der integrierten Spielhilfe zusammensucht, bis hin zu einzelnen Charakteren, die tatsächlich per KI auf eure Eingaben reagieren. Dabei gab es erst vor kurzem einen KI-Panda, der auf Social Media viral ging – aus den falschen Gründen. Hoffentlich bekommt HoYoverse seine KI ausreichend begrenzt, sodass nichts Ähnliches in Petit Planet passiert.

Ein neuer Genre-Star in der Umlaufbahn?

Bildmaterial: Petit Planet, Hoyoverse

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Das ist eine Frage, die viele von euch in den letzten Wochen bewegte – insbesondere im Zusammenspiel mit Nvidias DLSS 5. Also nutzten wir die Gelegenheit und fragten einen der größten chinesischen Spielehersteller. Was denkt ihr über DLSS 5?

„Wir stehen der Erforschung stets offen gegenüber“

Wie in der aktuellen Beta von Petit Planet zu sehen ist, experimentiert man bei Hoyoverse bereits mit KI in den Spielen. In diesem Spiel gibt es beispielsweise einen Chatbot, der Antworten aus der komplexen Anleitung und integrierten Spielhilfen zieht sowie einen limitierten Chatbot in NPCs.

Immer wieder hört man, dass KI bei vielen chinesischen Spieleherstellern im Entwicklungsprozess eingesetzt wird. Wenig verwunderlich ist daher die Antwort: „KI ist klar ein großer technologischer Trend, deshalb stehen wir der Erforschung dieses Bereichs stets offen gegenüber!“

Jedoch steht – wie bereits im Technik-Artikel am Montag erwähnt – die künstlerische Ausrichtung im Vordergrund. „Für uns ist jedoch noch wichtiger, ob die Technologie der Qualität des Spiels und dem Spielerlebnis wirklich zugutekommt. KI kann als Unterstützung dienen, um Effizienz zu erhöhen und mehr Möglichkeiten zu schaffen, aber das Welt-Setting, die Ästhetik, die Figurendarstellung und der emotionale Ausdruck müssen letztendlich weiterhin von den kreativen Designern geleitet werden.“

DLSS 5: Wertvoll, da die Performance gesteigert wird

Zu DLSS 5 gab es von eurer Seite negatives Feedback. Euch hat die erste Vorstellung der Technik nicht überzeugt. Die Anpassung der Beleuchtung und des Color Gradings in Echtzeit sowie die mögliche artistische Veränderung der Spiele saht ihr negativ.

Hoyoverse betont jedoch die positiven Seiten der Technologie, ohne auf Details einzugehen. „Bei Technologien wie DLSS 5 sehen wir eine für das Spielerlebnis sehr wertvolle Richtung der KI: die Performance steigern und gleichzeitig die visuelle Qualität gewährleisten.“

Damit wird vor allem auf die klassischen Funktionen von DLSS abgezielt, welche erst vor wenigen Wochen mit DLSS 4.5 ein Update bekommen haben – namentlich DLSS Multi Frame Generation, das Upscaling mit DLSS Super Resolution und die hochwertige Kantenglättungstechnologie DLAA, die zunehmend das mit grafischen Nachteilen verbundene Temporale Anti-Aliasing (TAA) ablöst.

Ob man DLSS 5.0 in künftigen Projekten wie Honkai: Nexus Anima und Varsapura einsetzen wird, ist noch nicht entschieden: „Wir werden solchen Technologien weiterhin folgen und je nach Kompatibilität mit konkreten Projekten sowie dem Spielerlebnis entscheiden, ob und wie wir sie einsetzen.“

Wie seht ihr das – seht ihr auch eher die positiven Seiten der KI-Technologie wie die mögliche Performance- und Effizienzsteigerung, oder seht ihr den Einsatz von KI in Videospielen eher kritisch?

Bildmaterial: Honkai: Star Rail, miHoYo

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Nintendo-Fans speisen gut und abwechslungsreich: Neben Yoshi and the Mysterious Book steht vor allem auch die „Switch 2“-Portierung von Indiana Jones und der Große Kreis in den Startlöchern. Xbox-Fans freuen sich auf Forza Horizon 6, während Sony-Fans noch in den ersten Tagen nach der Veröffentlichung von Saros stecken.

Eine ganze Reihe interessanter Indies und AA-Projekte warten ebenfalls: Mixtape vom BAFTA-gekrönten Studio Beethoven & Dinosaur und Annapurna beispielsweise. Oder Will: Follow the Light, Nitro Gen Omega und Outbound.

Nicht fehlen dürfen die obligatorischen „Switch 2“-Portierungen wie Tales of Arise und nachträgliche Handelsversionen wie zu BALL x PIT. Der ein oder andere dürfte auch der Veröffentlichung von 007 First Light entgegenfiebern. Welches sind eure Must-Haves im Mai?

Die Neuerscheinungen im Mai:

• Constance (Xbox, PS5, Switch): 1. Mai (Nur Download)
• SoulQuest (PC): 1. Mai (Nur Download)
• Alabaster Dawn (PC): 7. Mai (Nur Download)
• Mixtape (Multi): 7. Mai (Nur Download)
• Will: Follow the Light (PC, PS5, Xbox): 7. Mai (Nur Download)
• Nitro Gen Omega (PS5, Xbox, Switch) 12. Mai (Nur Download)
• Clockwork Ambrosia (PC): 12. Mai (Nur Download)
• Indiana Jones und der Große Kreis (Switch 2): 12. Mai (bei Amazon bestellen*)
• Directive 8020 (PS5, Xbox, PC): 12. Mai (bei Amazon bestellen*)
• Outbound (Multi): 14. Mai (bei Amazon bestellen*)
• Kingdom Come: Deliverance (PS5, Xbox): 15. Mai (bei Amazon bestellen*)
• Darksiders Warmastered Edition (PS5, Xbox): 19. Mai (bei Amazon bestellen*)
• Forza Horizon 6 (Xbox, PC): 19. Mai (bei Amazon bestellen*)
• Coffee Talk: Tokyo (Multi): 21. Mai (Nur Download)
• Zero Parades: For Dead Spies (PC): 21. Mai (Nur Download)
• Starbites (Multi): 21. Mai (bei Amazon bestellen*)
• Yoshi and the Mysterious Book (Switch 2): 21. Mai (bei Amazon bestellen*)
• Tales of Arise (Switch 2): 22. Mai (bei Amazon bestellen*)
• Bubsy 4D (Multi): 22. Mai (bei Amazon bestellen*)
• LumenTale: Memories of Trey (PC, Switch): 26. Mai (Nur Download)
• 007 First Light (PS5, Xbox, PC): 27. Mai (bei Amazon bestellen*)
• Story of Seasons: Grand Bazaar (PS5, Xbox): 28. Mai (bei Amazon bestellen*)
• Kioku: Last Summer (PC): 28. Mai (Nur Download)
• BALL x PIT (PS5, Switch): 29. Mai (bei Amazon bestellen*)
• System Shock 2 Remastered (PS5, Switch): 29. Mai (bei Amazon bestellen*)

Bildmaterial: Mixtape, Annapurna Interactive, Beethoven & Dinosaur

Der Beitrag Die Neuerscheinungen im Mai mit Yoshi, Indiana Jones, Forza und diesen weiteren Games erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Neverness to Everness
	29. April 2026
	Perfect World Games
	29. April 2026
	Perfect World Games
	29. April 2026
	Perfect World Games
System	PS5, PC, Mobile
Getestet für	PC
Entwickler	Hotta Studio
Genres	Action-RPG
Texte
Vertonung

Neverness to Everness ist ab sofort für alle spielbar, auch für Fans mit chronisch leichtem Geldbeutel. Nach der tollen Beta blickten wir gespannt der Vollversion entgegen. Nicht nur Teile unserer Community konnten wir mit der Begeisterung für dieses überaus ambitionierte Free-to-play-Gacha-Game der Hotta Studios und Perfect World Games anstecken, sondern sogar mehrere tausend Fans im deutschsprachigen Raum, welche unseren Anspielbericht per Internetsuche fanden. Dazu kommen über 35 Millionen Vorregistrierungen weltweit durch eine massive Social-Media-Marketingkampagne zum Spiel, die wir in dieser Form noch selten erlebt haben.

Kann Neverness to Everness am Ende die Erwartungen der Fans erfüllen, oder geht es wie bei Nanally im Spiel nach einem ambitionierten Sprint an der Fassade der Hochhäuser schnell auf den Boden der Tatsachen zurück? Um eines vorwegzunehmen: Das Gameplay und die Story sind sehr gut. Doch es gibt auch mehrere Probleme, die sich bereits in der Beta abzeichneten.

Das vielleicht ambitionierteste F2P-Gacha-Spiel bisher

Das Gameplay von NTE ist vielfältig, die unzähligen Möglichkeiten in der Großstadt Hethereau fast schon überwältigend. Beginnend mit einer großen Schlacht, in der eine riesige Anomalie außer Kontrolle geraten ist und die imaginäre chinesische Großstadt „Hethereau“ zu übernehmen droht, seid ihr als Anomalie-JägerIn eines Antiquitätenladens dafür verantwortlich, auftauchende Anomalien zu bewerten und bei Bedarf auch zu bekämpfen.

Diese sind in NTE omnipräsent – an allen Orten entstehen sie, kreieren Monster im „Gravity Rush“-Stil, verursachen Raum-Zeit-Verschiebungen und verleihen Menschen, Tieren und Objekten übernatürliche Kräfte. Die von der Realität abgetrennten Orte erinnern häufig an die Dungeons der Persona-Reihe, sind jedoch im Gegensatz zu diesen nicht zufallsgeneriert. Wer mehr über die ersten Stunden der Story wissen möchte, dem sei unser Anspielbericht der Beta nahegelegt.

Die Präsentation der Story und Großstadt überzeugt

Die Story-Sequenzen werden aufwändig und beeindruckend präsentiert, oft garniert mit handgezeichneten 2D-Overlays oder gar komplett handgezeichneten Szenen. Auch bei der Musik wurde nicht gespart: Die orchestrale Musikuntermalung ist während der Hauptstory top und unterstützt die mysteriöse Atmosphäre des Spiels sehr gut. Kameraarbeit und Inszenierung wurden zum Start noch mal verbessert, auch an den Effekten wurde noch mal geschraubt. Dadurch wirkt die Großstadt inklusive angrenzender Regionen noch mal etwas runder und überzeugender.

Neverness to Everness ist im aktuellen Zustand ein Spiel, das es durchaus mit Vollpreis-Produktionen aufnehmen kann. Zu viel sollte man jedoch auch nicht erwarten – ein echter „GTA“-Konkurrent zum Nulltarif ist NTE nicht. Dennoch macht das vielleicht ambitionierteste F2P-Gacha-Spiel bisher sehr viel Spaß und bietet sehr viel Freiheit und Möglichkeiten abseits des roten Story-Fadens, vom Betreiben einer Café-Kette über den Kauf mehrerer Penthouse-Wohnungen bis hin zu Stadt-Lieferungen und Rennen mit sportlichen Motorrädern und Fahrzeugen. Dazu gibt es mehrere Minispiele, von Angeln über Mahjongg, Bandproben, bis hin zu Gacha-Sammlungen, Greifarm-Automaten und Multiplayer-Tetris in der Arcade.

Viele kleine Probleme im Detail

Bei der ungeheuren Masse an Spielinhalt bleibt es nicht aus, dass manche Bereiche nicht ganz optimal wirken. Vereinzelte Animationen sind ziemlich steif, was besonders in den Zwischensequenzen auffällt. Bei wichtigen Szenen wurde allerdings ordentlich an den Animationen gefeilt.

In den actionreichen Kämpfen könnte die Kamera gerne noch etwas flexibler und dynamischer sein, ebenso wirkt das Fahrgefühl mehrerer Fahrzeuge noch nicht wirklich gut. Viele amüsante Momente brachte die noch etwas unausgereifte Kollisionserkennung.

Unser Favorit war die ohne Fremdeinwirkung einknickende Straßenlampe auf der anderen Straßenseite, als wir einen Metallzaun überfuhren – offenbar eine schwer erklärbare Kettenreaktion der Physik-Engine des Spiels, denn die Straßenlampe war ebenfalls von Metallabsperrungen umgeben. Dazu kommt das bisher etwas vernachlässigte Autoradio, das nach mehreren Stunden Spielzeit etwas repetitiv wirkt. Doch das meiste davon ist zu verschmerzen, da der Kern des Spiels überzeugt.

Kritik aus China am Pacing

Die lobenswerte, spannende und mysteriöse Story bekommt nach wenigen Stunden einen leichten Dämpfer. Das Story-Pacing wird in der bereits spielbaren China-Version des Spiels kritisiert und das nicht zu Unrecht. Die Hauptquest des Anomalie-Otters Tageydo wirkt nach einer spannenden Anfangsphase fehl am Platz.

In dieser Mission müsst ihr eurem kleinen Freund beim Dating helfen. Ohne zu viel spoilern zu wollen wirkt die Story etwas konstruiert, führt euch aber währenddessen durch zentrale Bereiche von Hethereau und zeigt auf, dass auch kleine Anomalien in der Masse zum Problem werden können. Sowohl vor als auch nach dieser Questline geht es in den aufwändig und kreativ gestalteten Dungeons spannend und mysteriös zu – nur dieser Teil wirkt wie eine zu groß geratene Nebenquest, die sich in die Hauptquests verirrt hat.

Monetarisierung ins Gameplay eingebaut – Grind ist vorprogrammiert

Wie bei vielen F2P-Spielen ist die Monetarisierung ins Gameplay eingebaut. In den Kernpunkten orientiert man sich an anderen Genrevertretern, das Charakter-Gacha ist sogar auffällig fair und auch die Haupt-Storyline ist lange ohne Grind oder zusätzliche Ausgaben spielbar.

Jedoch ist das bereits im Anspielbericht angesprochene, süchtig machende multiple Level-System der verschiedensten Bereiche des Spiels ein Faktor, der wie befürchtet zum Problem wird. Die verschiedenen Level messen nicht nur die Progression in verschiedensten Bereichen des Spiels, sondern limitieren sie zum Teil auch. Solltet ihr also außerhalb der Hauptquests mehrere Bereiche der Stadt ausbauen wollen, stellt euch auf eine mühsame Progression ein – oder zahlt Echtgeld.

Nicht nur Echtgeld ist ein Thema in NTE, auch die virtuelle Ingame-Währung ist zum Teil nur schwer zu verdienen. Das liegt an den limitierten Energie-Ressourcen, die ihr für Ingame-Jobs nutzen könnt. Kurz: Um euch eine teure Penthouse-Wohnung im Stadtzentrums-Wolkenkratzer mit moderner Einrichtung inklusive sportlichem Flitzer leisten zu können, ist wochen-, wenn nicht sogar monatelanger Grind angesagt.

Es gibt im Spiel jedoch die Möglichkeit, mit illegalen Aktivitäten schnell reich zu werden. Denn wo Reichtum angehäuft ist, gibt es auch einen Tresor, der geknackt werden will. Die Community sammelt hierzu bereits die besten Optionen, die jedoch riskant werden können und euch im schlechtesten Fall ein oranges Jäckchen und eine kleine Gitterzelle einbringen. Auf der anderen Seite muss das auch nicht unbedingt negativ sein: Für Unterhaltung bis in den Herbst hinein ist damit gesorgt.

Spielperformance in den unteren Qualitätsstufen gut

Etwas zu viel versprochen haben die Hotta Studios und Perfect World bei den High-End-Grafikoptionen. Das volle Feature-Set von DLSS 4.5 inklusive Raytracing und Multi Frame Generation und die vielen Einstellungsmöglichkeiten der Unreal Engine 5 sind vorhanden. Doch die Performance bei den High-End-Optionen enttäuscht und führt zu wiederholten Framerate-Einbrüchen.

Ein exklusives PC-Problem ist die Shader-Kompilierung – schon die ersten Minuten von Neverness to Everness sind durchsetzt von kleinen Rucklern. Ebenso PC-exklusiv dürfte die schwache Implementierung von Raytracing und HDR sein, die vor allem bei der Beleuchtung deutlich sichtbare Probleme hervorrufen. Das Pop-in von Objekten ist etwas zu deutlich sichtbar und störend.

In niedrigen und mittleren Grafiksettings ist die Performance jedoch überraschend gut für ein derart ambitioniertes Spiel. Erste Berichte aus China stellen fest, dass das Spiel auch unter den ohnehin schon geringen Mindestanforderungen noch akzeptabel läuft – zum Beispiel auf Grafikkarten mit nur 4 GB VRAM oder diversen integrierten Grafikeinheiten.

Kurz zusammengefasst: Alles über mittleren Grafikeinstellungen benötigt noch Optimierung bei der Performance, darunter läuft das Spiel jedoch hervorragend. Auf den Smartphones, insbesondere dem iPhone, wird die Performance auf Social Media durchweg gelobt.

Beschäftigt über Monate, hat aber auch mit Problemen zu kämpfen

Bildmaterial: Neverness to Everness, Perfect World Games, Hotta Studio

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Aber auch Square Enix sorgte Anfang des Jahres bereits für hochgezogene Augenbrauen: Der Startschuss für die groß angelegte Remake-Trilogie von Final Fantasy VII ist auch auf Switch 2 bestens aufgehoben. In unserem Test kassierte der Titel entsprechend dickes Lob – „ein Meilenstein, jetzt auch für unterwegs“, so unser Fazit. 

Weite Welt statt enge Straßen – problematisch?

Wer A sagt, muss auch B sagen. Folgerichtig dürfen sich Switch-2-Besitzer auch auf die baldige Fortsetzung von Clouds Abenteuer freuen – am 3. Juni findet nach „Remake“ auch „Rebirth“ seinen Weg auf die Hybridkonsole. Wir haben schon vorab ein wenig reinspielen dürfen und sind guter Dinge, dass die Fortsetzung an die technische Finesse des Erstlings anknüpfen kann.

Das ist keine Selbstverständlichkeit. Immerhin tauscht „Rebirth“ die streng abgesteckten Gassen von Midgar gegen die Weiten der Welt aus, die ihr in bester Open-World-Manier bereist. Klingt nach dem besten Rezept, um die junge Nintendo-Konsole in die Knie zu zwingen. In unserer Anspielrunde waren wir aber begeistert, wie rund unsere Erkundungen von Kalm und seinem Umland liefen. 

Sicher, die grafische Pracht der Konkurrenz-Plattformen dürft ihr nicht erwarten. Die Switch-2-Fassung kommt mit einer deutlich weicheren Auflösung daher, schraubt den Detailgrad hier und da merklich herunter und bietet lediglich 30 anstelle von 60 Bildern pro Sekunde.

Letztere blieben im Rahmen der Anspielrunde aber erfreulich stabil, größere Einbrüche konnten wir keine feststellen. Ebenso angetan waren wir von der komplexen Nutzung des Rumble-Features der Joy-Con 2. Wichtig: Das Hands-on war lediglich im Handheld-Modus möglich. Gut möglich, dass „Rebirth“ im TV-Modus nochmal positiv an der Auflösung und weiteren Aspekten schraubt. 

Spielerisch bleibt alles beim Alten – wie schon die Switch-2-Ausgabe von „Remake“ ergänzt „Rebirth“ aber praktische Game-Boost-Funktionen. Diese machen kleinteilige Anpassungen der Spielerfahrung möglich: Ihr wollt keinen Schaden nehmen? Kein Problem. Jeder Hieb verursacht maximalen Schaden? Auch kein Ding. Der Geldbeutel ist leer? Mit einem Knopfdruck wieder aufgefüllt. Die Funktionen sind kein Muss, gerade für Story-Liebhaber und Nachwuchs-Fans ohne große Spielerfahrung aber eine begrüßenswerte Ergänzung.

Eine vollumfängliche Einschätzung der Switch-2-Technik dürft ihr mit unserem Test der Vollversion erwarten. Lange gedulden müsst ihr euch nicht. Final Fantasy VII Rebirth erscheint am 3. Juni 2026 für Nintendo Switch 2.

Bildmaterial: Final Fantasy VII Rebirth, Square Enix

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