Titel	Granblue Fantasy: Relink – Endless Ragnarok
	9. Juli 2026
	Cygames
	9. Juli 2026
	Cygames
	9. Juli 2026
	Cygames
System	PlayStation 5, PlayStation 4, Nintendo Switch 2, PCs
Getestet für	PC
Versionsnummer	1.000.000
Entwickler	Cygames
Genres	Action-RPG
Texte
Vertonung

Vor knapp 2,5 Jahren erschien mit Granblue Fantasy: Relink ein lang ersehnter Titel. Er überzeugte mit einer gut inszenierten (aber eher oberflächlichen) Story, toller Grafik und massig Content nach dem Durchspielen der Geschichte. In unserem Review schnitt das Spiel äußerst gut ab.

Nach der Veröffentlichung gab es noch weitere Missionen, neue DLC-Charaktere und generell neue Inhalte für das Spiel. Mit dem Endless-Ragnarok-DLC gibt es sechs neue Charaktere und zahlreiche Quests und Boss-Kämpfe sowie einen neuen Modus.

Wir haben uns die neuen Inhalte mal ganz kurz angeschaut (40 Stunden) und uns einen kleinen Eindruck verschafft (ich habe kaum geschlafen). Wenn ihr ein allgemeines Bild vom Grundspiel haben wollt, schaut euch gern unser oben verlinktes Review an!

Der neue Konflux-Modus

Mit diesem leichten Roguelike-Modus bringt Cygames einen neuen Modus in Granblue Fantasy: Relink, welcher euch vor allem eines erleichtern soll: das Sammeln von Materialien für Waffen. Mehrere Schwierigkeitsgrade, welche in mehrere Stages unterteilt sind, warten auf euch.

In diesen Leveln gibt es unterschiedliche Arten von Herausforderungen. Normale Gegner-Mengen, mehrere Wellen, ein Boss-Kampf oder ihr müsst einen gigantischen Fisch besiegen. Aber auch „Reichtums“-Räume gibt es, in welchen ihr Schätze oder Unterstützung für euren Run erhalten könnt.

In Rätsel-Räumen könnt ihr Kämpfe umgehen. Dafür müsst ihr dann wie bei einem Hütchen-Spiel den richtigen Mann herausfinden, habt ein „Finde den Unterschied in dem Gebiet“-Minispiel (welches sehr schwer wird) oder jagt ein Schleim-Monster. All das, um dann die Unterstützungs-Buffs zu bekommen. Diese gelten nur für den aktuellen Run und erhöhen eure Stärke, ermöglichen es Gegner zu vergiften, verstärken eure Burst-Angriffe oder vieles mehr. Ist ein Run vorbei, könnt ihr einen von mehreren Schätzen auswählen.

Diese Schätze bieten euch vor allem Materialien zum Schmieden oder Verbessern von Waffen. Dadurch wird vor allem im Base-Game das Aufleveln von Waffen deutlich einfacher gemacht und beschleunigt. Ich hatte einen Reddit-Post gesehen, in welchem die Person damals knapp 500 Stunden brauchte, um im Base-Game alle Endgame-Waffen zu schmieden. Dies sollte mit dem Konflux-Modus nun sehr, sehr viel schneller gehen. In kurzer Zeit hatte ich bereits für drei Figuren komplett aufgelevelte Terminus-Waffen und hätte noch mehr machen können, wenn ich gewollt hätte.

Alte Waffen, neu aufgelegt

Doch was vor dem DLC eine tolle Endgame-Waffe war, wird nun schnell zum schwachen Stock. Um den DLC zu betreten, müssen zahlreiche Missionen des ehemalig höchsten Schwierigkeitsgrads bewältigt werden. Die neuen Missionen setzen noch einmal ordentlich einen drauf und ballern euch die Effekte um die Ohren. Damit ihr nun weiter damit klarkommen könnt, gibt es die Möglichkeit, alte Waffen nun weiter zu verstärken. Da wird aus einer Waffe mit 2000 ATK dann schnell mal eine Waffe mit über 16.000 ATK-Stärke, auf noch nicht einmal höchster Stufe. Die neue Transzendenz-Funktion bringt neues Leben in alte Waffen und erhöht eure Zahlen ganz ordentlich.

Außerdem erhalten die Waffen austauschbare Merkmale. Ihr wollt anstatt erhöhtem kritischen Trefferschaden lieber mehr Schaden während Overdrive machen? Ist möglich, tauscht die Merkmale der Waffe einfach aus! Es gibt auch zahlreiche neue Siegel-Arten, die neue Möglichkeiten aufstellen und eure Charaktere noch stärker werden lassen. Und das braucht ihr auch: Die neuen Quests haben es in sich.

Die Aufgaben der Chaos-Schwierigkeitsstufe bringen euch zahlreiche bekannte Gesichter. Viele Monster, die ihr aus dem Base-Game kennt, haben ein etwas angepasstes Aussehen und vor allem neue Fähigkeiten. Ein Flammdil kann sich dann plötzlich in einen Meteorit-ähnlichen Stein verwandeln und volle Kanne auf die Arena knallen. Wer also denkt, man kenne ja alle Monster bereits auswendig, wird sich dann ordentlich umschauen.

Endlich Astralbestien zu Hilfe rufen!

Komplett neu ist im Kampf nun die Möglichkeit, eine Beschwörung durchzuführen. Dafür könnt ihr zahlreiche Beschwörungssteine erhalten, welche nicht nur im Kampf genutzt werden können, sondern euch auch zusätzliche Boni geben. Verstärkt eure Himmlischen Kräfte oder gebt euch mehr Lebenspunkte. Im Kampf selbst füllt sich dann eine Leiste auf, welche euch das Beschwören der Monster ermöglicht.

Manche tauchen auf und machen einen kurzen Effekt, andere greifen flott an – und die richtig fetten Klopper lassen sich von euch für kurze Zeit steuern. Ich habe zum Beispiel eine richtig starke Variante der Astralbestie Volkan Bolla als Drop erhalten. Nach Beschwörung hat der Gute dann einfach mal knapp 40 % der Lebenspunkte eines Bosses weggeknallt, was in diesen Missionen wirklich sehr viel ist.

Die Beschwörungen fügen sich wirklich gut in den Spielfluss ein, aber es ist schade, dass man sie erst ab der Endless-Ragnarok-Story bekommt. Ich verstehe, man wollte die Balance im Grundspiel nicht zerstören – dennoch schade, dass man diese Funktion nicht vorher in schwächerer Form bekommt. Abseits von den Beschwörungen an sich erhöht sich auch der Schaden eines Full Burst.

Habt ihr einen davon im Kampf genutzt, werden die nächsten dann zum Primal Burst. Der große Kombinations-Knall aller Charaktere bleibt gleich, aber danach gibt es einen Angriff einer von verschiedenen Astralbestien. Leider sind die Animationen hier vorgerendert und somit deutlich langsamer animiert. Das fällt halt auf, wenn man in 120 FPS spielt und dann plötzlich mit deutlich weniger FPS eine Animation läuft.

Auch alte Charaktere werden verbessert

Ist einer eurer Kämpfer auf Level 100, dann war das Leveln bisher vorbei. Das bleibt auch so. Allerdings könnt ihr nun eure Meisterschaftspunkte dafür verwenden, die Meisterfähigkeiten freizuschalten. Dies verbessert eure Charaktere noch einmal drastisch und macht damit auch Charaktere stärker, welche vielleicht gegen manch andere ein wenig alt aussehen.

Dabei könnt ihr zwischen unterschiedlichen Stilen wählen, je nachdem, wie ihr am liebsten mit dem jeweiligen Charakter spielt. Bei Zeta könnt ihr zum Beispiel die Konter-Fähigkeiten verbessern oder den endlosen Angriffs-Loop verbessern und erleichtern. Cagliostro kann zu einem besseren Support werden oder ihre eigenen Angriffe verstärken.

Je weiter ihr die Meisterfähigkeiten verstärkt, desto höher und besser werden die Werte der Charaktere. Ihr erhaltet mit den Level-ups dann Stil-Punkte, welche ihr zum Ausrüsten gewünschter Verbesserungen nutzen könnt. Ihr könnt diese jederzeit neu verteilen, falls ihr den Spielstil doch anders haben wollt. Die Meisterfähigkeiten sind eine tolle Möglichkeit, um eure liebsten Charaktere stärker zu machen und mehr zu individualisieren als bisher.

Eine Handvoll neue Charaktere (wenn ihr sechs Finger an einer Hand habt)

Mit dem Endless-Ragnarok-DLC erhaltet ihr Zugriff auf sechs neue Figuren. Diese könnt ihr jederzeit mit den Crewkarten eher erhalten – ihr könnt die neuen Charaktere aber auch einfach beim Spielen des DLC erhalten. So könnt ihr aber das Base-Game bereits mit ihnen absolvieren, bis auf Maglielle und Gallanza. Die beiden können erst nach dem Absolvieren der Story freigeschaltet werden. Und genau das habe ich gemacht und dutzende Stunden als Maglielle Schwerter durch die Gegend geworfen.

Da die Charaktere einen großen Teil des DLC ausmachen, möchte ich kurz auf alle eingehen!

Maglielle:

Die Harvin kennt man bereits aus der Hauptgeschichte von Granblue Fantasy: Relink und es ist eigentlich schon komisch, dass sie nun erst spielbar wird. Sie spezialisiert sich auf den Fernkampf, in welchem sie in einer endlosen Kombo ihre Schwerter auf den Feind wirft. Dabei kann sie mit dem Knopf für starke Angriffe verschiedene Kombo-Finisher durchführen.

Eine Leiste füllt sich neben ihr auf, welche den Einsatz des Schwertschleiers ermöglicht. Nutzt ihr diesen, gibt es ein kleines Fadenkreuz und eine riesige Schlange an Schwertern stürzt auf den Feind ein. Dabei wird noch ein weiterer Finisher aufgeladen, welcher dann auf den Gegner herabprasselt. Ihre Fähigkeiten können sich auf Schaden konzentrieren, aber auch auf Support. So kann sie Charaktere heilen und Unantastbar verleihen, was sämtlichen Schaden negiert. Ich habe sie aber meistens als puren Damage Dealer gespielt – ob das gut war oder nicht, sei dahingestellt.

Gallanza:

Bei diesem riesigen Draphen könnte man meinen, er sei ein langsamer, aber kraftvoller Tank-Charakter. Und das stimmt auch, größtenteils! Seine Angriffe sind aber gar nicht so langsam, haben aber ordentlich Wumms und eine gute Reichweite, dank seiner langen Waffe. Angriffe füllen seine persönliche Leiste auf.

Ist sie gefüllt, wechselt Gallanza in seinen Zermalmen-Modus. Dabei verliert er seine Rüstung, wird deutlich schneller und springt auf die Feinde. Sein komplettes Fähigkeiten-Arsenal ist auf ordentlichen Schaden ausgelegt. Wer also gern ordentlich harte Treffer austeilen möchte und trotzdem mobil sein will, sollte sich Gallanza genauer anschauen.

Beatrix:

Im Beta-Test durften wir bereits Beatrix anschauen. Sie hat eine spezielle Mechanik, welche auf ihrer Waffe basiert. Die Embrasque-Leiste füllt sich mit Angriffen und kann auf Knopfdruck zwischen drei Modi wechseln. Im Zwölf-Uhr-Modus erhöhen sich ihre Angriffe, sie erhält aber konstant selbst Schaden. Auf Vier Uhr heilt sich Beatrix regelmäßig und Acht Uhr erhöht ihre Abwehr.

Ist die Embrasque-Leiste voll, wechselt sie in den Kausalitätsfresser-Modus und alle Modi werden stärker, so wie Beatrix selbst. Ihr kompletter Spielstil wirkt auf den ersten Blick komplex und ehrlich gesagt ist er das auch beim Ausprobieren. Aber nach kurzer Zeit gewöhnt man sich daran, weiß, wann man wechseln sollte, und kann in den richtigen Momenten den richtigen Modus wählen.

Eustace:

Mit diesem Erune könnt ihr aus der Entfernung ordentlich Schaden ausrichten. Sein Magazin ist mit mehreren Kugeln geladen, die auf eure Feinde gefeuert werden. Normalerweise macht die letzte Kugel etwas mehr Schaden – aber mit seinen Fähigkeiten könnt ihr alle Kugeln verstärken oder ihr ladet sie per Knopfdruck auf. Seine Fähigkeiten ermöglichen auch Konter und schnelles Ausweichen. Wer Fernkampf mag, so wie ich, der wird in Eustace einen soliden Kämpfer finden.

Fraux:

Die schelmische Katze ist ein absolutes Kombo-Monster! Sie hat zwei verschiedene Modi, welche unterschiedliche Kombos ermöglichen. Und wenn ihr sie korrekt aneinanderreiht, hat man das Gefühl, dass die Kombos gar nicht mehr aufhören! Sind ihre beiden Leisten aufgefüllt, ermöglicht das sogar das Einsetzen von Fähigkeiten völlig unabhängig des Aufladungs-Status. Ihre Fähigkeiten und Angriffe erinnern ein wenig an Bayonetta, denn auch sie beschwört Arme für den Angriff aus Portalen. Ein sehr schneller und starker Charakter, außerdem ist sie unfassbar cute.

Fediel:

Diese nette Drachendame ist ein Mid-Range-Charakter, mit der ich erst nicht so richtig warm geworden bin. Aber mit ihren Fähigkeiten kann sie das Team verstärken, sich selbst einen Schild geben, Feinde versteinern und einen riesigen Energie-Ball auf die Gegner werfen. Nach einigen Runden habe ich mich dann auch in ihren Spielstil verliebt und echt viel Freude am Kämpfen mit Fediel. Außerdem hilft es, dass sie nett anzusehen ist.

Im Großen und Ganzen muss man sagen, dass sich alle neuen Charaktere perfekt einfügen und tolle neue Spielarten sowie Abwechslung bringen. Doch bisher hatte Granblue Fantasy: Relink generell einen guten Job dabei gemacht, unterschiedliche Spielstile einzubringen.

Allgemeine Updates zum Spiel

Neu mit dem Endless-Ragnarok-Update ist Crossplay zwischen den Plattformen. Dies hilft euch dabei, andere Spielende für Quests zu finden. Dafür benötigt ihr aber nicht den DLC – dieses Update gilt für alle! Auch neu ist die Möglichkeit, den vierten Platz im Team mit einem geliehenen Charakter zu füllen. Leiht euch einen Kämpfer eines anderen Spielenden aus oder nutzt einen der vom Spiel vorgegebenen Charaktere. Und ehrlich: MACHT DAS! Dies hilft euch massiv beim Vorankommen mit den Quests, denn dann müsst ihr erst einmal nur drei Charaktere ausbauen!

Es gibt noch andere Verbesserungen im Spiel. Beim Matchmaking müsst ihr nun nicht mehr herumstehen und seht den Status der anderen Spieler. Im Spiel selbst gibt es auch noch Verbesserungen: Ihr könnt den Himmlische-Kraft-Modus im Kampf jederzeit wechseln und müsst dafür nicht mehr in das Menü gehen. So habt ihr eine bessere Kontrolle über die NPCs. Außerdem könnt ihr schneller aus dem Kritischen Modus heraus, indem ihr einen Knopf gedrückt haltet! Es gibt noch zahlreiche kleine Verbesserungen, welche das Spielerlebnis verbessern und beschleunigen. Man hat sich hier wirklich Gedanken gemacht.

Ein toller DLC für ein tolles Spiel

Bildmaterial: Granblue Fantasy: Relink, Cygames

Der Beitrag Im Test! Granblue Fantasy: Relink – Endless Ragnarok wird euch dutzende Stunden fesseln erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Beast of Reincarnation
	4. August 2026
	Fictions
	4. August 2026
	Fictions
	4. August 2026
	Fictions
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Game Freak
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Dass Entwickler durchaus auch andere, gewagtere Wege bestreiten können, ist jetzt nicht unbedingt eine Seltenheit. Im Falle des japanischen Entwicklers „Game Freak“ jedoch schon ein kleines Novum in Sachen Gaming-Vielfalt.

Denn der japanische Entwickler mit Sitz in Chiyoda, Tokio, war zuvor vor allem für die zuletzt erschienenen Pokémon-Titel bekannt und möchte uns nun mit Beast of Reincarnation in gänzlich neue Gefilde entführen.

Das spezielle Setting mit exotischen und durchaus interessant gestalteten monsterähnlichen Kreaturen bleibt uns jedoch erhalten und so mag manch einer wohl direkt an ein erwachseneres Pokémon denken. Beast of Reincarnation ist jedoch weit mehr als das und vor allem eine ganze Ecke düsterer und melancholischer.

Erstmals offiziell angekündigt wurde der Titel erst im Jahre 2025 während eines Xbox Games Showcase. Erst zu diesem Zeitpunkt erfuhr man den eigentlichen Titel des Spiels, denn bis zu diesem Showcase war Beast of Reincarnation lediglich als „Project Bloom“ bekannt. Beast of Reincarnation ist außerdem der erste Titel, den Game Freak für PS5 und Xbox Series veröffentlicht, da man vorher lediglich für Nintendo entwickelte.

Beast of Reincarnation erscheint nach vielen Jahren der Warterei nun endlich am 4. August für PS5, Xbox Series und PCs und wird auf der Microsoft-Plattform sogar als Day-1-Titel im Xbox Game Pass vertreten sein. Ob uns das vielversprechende Monster-Abenteuer aus Fernost begeistern kann und ob sich ein Kauf lohnt, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Test.

Das Japan der fernen Zukunft wird von einer pflanzlichen Plage heimgesucht

Die tragische Geschichte von Beast of Reincarnation spielt im Jahre 4026. Wir übernehmen die Rolle von Emma, einer sogenannten „Versieglerin“, und ihrem treuen Begleiter, dem Wolfshund „Kuu“. Die Beziehung zwischen den beiden Abenteurern kann wohl am ehesten als „Synergie“ bezeichnet werden, denn Emma und Kuu verbindet mehr als nur der Drang nach Gerechtigkeit.

Emma ist mit der sogenannten „Plage“ geboren. Eine Art pflanzliches Virus, welches den Körper nach und nach einnimmt und beherrscht. Emma macht sich diese Gabe allerdings zu Nutze und kann mit Hilfe der Plage sogar Pflanzen kontrollieren und diese geschickt im Kampf oder zur Überwindung diverser Hindernisse nutzen. Aufgrund dieser Gabe wird Emma aber natürlich auch gemieden und als eine Art Außenseiterin angesehen.

Die Aufgabe eines Versieglers besteht außerdem darin, finstere und bedrohliche Kreaturen zu jagen und zu erlegen und deren Plage in sich aufzunehmen. Folglich kann die Plage dann keinen weiteren Schaden mehr anrichten und wird von den Versieglern sozusagen beherbergt. Hier kommt unser Begleiter Kuu wieder ins Spiel, denn auch Kuu ist eine Kreatur, welche die Plage in sich trägt. Genau dieser Umstand ist es jedoch auch, der die Beziehung zwischen Emma und Kuu so besonders macht. Die beiden teilen ein tragisches Schicksal.

Eines Tages erhalten Emma und Kuu die Aufgabe, in den Westen des Landes zu reisen, um das sogenannte „Beast of Reincarnation“ zu erlegen und die Plage ein für allemal in den Griff zu bekommen. Denn diese finstere Kreatur gilt als der Ursprung der Plage. Ein spannendes und gefährliches Abenteuer steht den beiden also nun bevor und am Ende geht es um nichts Geringeres als die Zukunft Japans.

Halboffene Spielwelt mit viel zum Entdecken und dystopischem Japan-Flair

Die Spielwelt von Beast of Reincarnation ist keine Open World im eigentlichen Sinne. Vielmehr sind die Areale zwar frei begehbar, untereinander aber dennoch in unterschiedliche Level beziehungsweise Kapitel unterteilt. Im Klartext heißt das, am Ende eines jeden Areals wartet ein Bosskampf, der das jeweilige Level beziehungsweise Kapitel abschließt. Danach wechseln wir in das nächste Kapitel und den neuen Abschnitt. In den Arealen selbst können wir uns also frei bewegen, haben aber dennoch stets einen roten Faden, der uns durch die Story leitet.

Mein einziger Kritikpunkt an dieser Art von Leveldesign ist die Tatsache, dass wenn man frühzeitig bestimmte Schlüsselorte im jeweiligen Areal besucht, noch keine Interaktion stattfinden kann, da die eine oder andere vorhergehende Aufgabe noch nicht erledigt wurde. So geht man den Weg quasi wieder zurück, erledigt die ursprüngliche Aufgabe und kommt dann an den bereits besuchten Ort zurück und kann die Story dann fortführen. Mir ist natürlich bewusst, dass die Levelstrukturen irgendeinen logischen Aufbau haben müssen, dennoch geht für mich damit auch ein Teil der Immersion verloren.

Nichtsdestotrotz bietet Beast of Reincarnation eine interessante Spielwelt, in der es auch immer wieder das ein oder andere Geheimnis zu finden gibt und die auch wirklich zum Erkunden einlädt. Spieler, die Lust auf eine melancholisch angehauchte, dystopische Spielwelt im Japan-Setting haben, sind hier also goldrichtig. Auch optisch verändern sich die Areale natürlich im weiteren Spielverlauf und so hat man auch nach mehreren Spielstunden nicht das Gefühl, stets das gleiche Areal mit leicht unterschiedlichem Aufbau zu spielen.

Skills lernen und verstehen ist enorm wichtig

Ein weiterer wichtiger Punkt ist außerdem die Tatsache, dass man sich wirklich gut mit dem Skillbaum und dessen Möglichkeiten beschäftigen sollte. Der Skillbaum, der sich nach und nach erweitert und neue Möglichkeiten bietet, ist enorm wichtig, da wir so wichtige Angriffe und Attribute erlernen können, die uns vor allem die hektischen Bosskämpfe deutlich erleichtern. Neben Emma hat auch Kuu einen eigenen Skillbaum mit eigenen Möglichkeiten.

Speziell in höheren Schwierigkeitsgraden werden die Bosskämpfe wirklich richtig anspruchsvoll und so möchte man natürlich auf keinerlei Hilfe verzichten, um die gigantischen Kreaturen effektiv erlegen zu können. Die Skillpunkte, die man im Skillbaum einsetzt, verdient man sich nach den Bosskämpfen und auch beim Levelaufstieg selbst. Beim Levelaufstieg kann man außerdem Punkte für Gesundheit, Stärke und die Fähigkeit, die Pflanzen-Energie effektiv zu nutzen, vergeben.

Im weiteren Spielverlauf findet man außerdem immer wieder neue Waffen und Rüstungsteile, die unterschiedliche Attribute aufweisen wie beispielsweise Giftschaden und dergleichen. Bei den unterschiedlichen Schwertern beispielsweise sieht man noch einen optischen Unterschied. Bei den Rüstungen jedoch handelt es sich um reine Punkte-Upgrades, die sich optisch nicht an der Spielfigur bemerkbar machen. Diese Rüstungen haben jedoch unterschiedlich viele Slots für diverse Upgrades.

Technisch ist da noch viel Luft nach oben

Das größte Manko an Beast of Reincarnation ist definitiv die durchwachsene Technik, mit der das Spiel quasi pausenlos zu kämpfen hat. Der Titel wurde auf Basis der Unreal Engine 5 entwickelt und sieht alles in allem auch wirklich schön aus. Speziell die Spielwelt selbst kann optisch durchaus überzeugen. Die zu häufig einbrechende Performance ist es allerdings, die den technischen Eindruck dann doch enorm trübt.

Wo die Charaktermodelle und die Umgebungen noch wirklich recht ansehnlich daherkommen, wird das Ganze einfach viel zu häufig durch ständig abfallende FPS zunichte gemacht. Egal ob man sich gerade außerhalb eines Kampfes in der Spielwelt herumtreibt oder sich gerade in einem hitzigen Kampf mit einem oder mehreren Feinden befindet, die FPS sind leider oft instabil und so fühlen sich vor allem die Kämpfe häufig chaotischer an, als sie eigentlich sein müssten. Gerade die Bosskämpfe gegen die gigantischen Kreaturen fallen so noch chaotischer und unübersichtlicher aus. Hier wäre definitiv mehr drin gewesen. Aber vielleicht kann der Entwickler Game Freak hier mit einem Day-1-Update noch etwas in Sachen Performance richten. In Arealen in denen wenig los ist und die Flora und Fauna auch eher mager ausfällt, kann das Spiel die 60 FPS natürlich meist schon halten.

Immer wieder sind mir außerdem, gerade in den Innenräumen, falsch beleuchtete Areale aufgefallen. Hier wusste die Engine manchmal nicht so recht, welche Lichtquelle jetzt gerade eigentlich wohin gehört. Bei einem Titel dieser Budgetklasse sollte so etwas wirklich nicht passieren. Trotz der eigentlich relativ schön anzusehenden Optik wird Beast of Reincarnation also immer wieder durch technische Unzulänglichkeiten gebremst und das ist sehr schade, da der Titel vor allem technisch so viel runder hätte sein können.

Gespielt habe ich Beast of Reincarnation auf einer Standard-PS5. Hier bietet der Titel außerdem die Möglichkeit, in einen Qualitäts-Modus mit 30 Frames und etwas höherer Auflösung oder einen Performance-Modus mit 60 FPS zu schalten.

Durchschnittlicher Soundtrack trifft auf durchaus ordentliche Effekte

Der Soundtrack von Beast of Reincarnation kann am ehesten als guter Durchschnitt bezeichnet werden. Mit fernöstlichen Klängen werden wir abseits der Kämpfe beschallt und speziell während der hektischen Bosskämpfe bekommen wir dann orchestralen Stress-Sound, ganz im Stile eines FromSoftware-Titels, auf die Ohren geballert. So steigt das Stress-Level deutlich an und die Kämpfe werden mental noch anstrengender. Aber irgendwie ist das ja auch so gewollt.

Die Soundeffekte hingegen wirken wirklich durchdacht und sauber umgesetzt. Hier gibt es eigentlich nichts zu bemängeln und tontechnisch macht der Titel einen wirklich ordentlichen Eindruck. Auch die Synchronisation ist durchaus gelungen. Ich habe den Titel mit japanischer Synchronisation gespielt und kann diese Einstellung auch empfehlen. Wie auch bei anderen Titeln mit Fernost-Setting trägt das einfach nochmal zusätzlich zur Atmosphäre bei.

Ein spannendes Abenteuer, welches von durchwachsener Technik ausgebremst wird

Bildmaterial: Beast of Reincarnation, Fictions, Game Freak

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Titel	Digimon Story: Time Stranger
	10. Juli 2026
	Bandai Namco
	10. Juli 2026
	Bandai Namco
	10. Juli 2026
	Bandai Namco
System	Nintendo Switch, Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Media.Vision
Genres	[J]RPG
Texte
Vertonung

Im vergangenen Oktober machten Bandai Namco und Media.Vision Digimon-Fans eine Freude und veröffentlichten Digimon Story: Time Stranger. Doch bis dato fehlten eine bzw. zwei Versionen. Während das Spiel ursprünglich für PlayStation 5, Xbox Series und PCs erschien, folgten kürzlich die Versionen für Nintendo Switch und Switch 2.

Wie gut sich die digitalen Monster auf der Hybrid-Konsole unter anderem unterwegs spielen lassen, wollten wir uns natürlich ansehen. Zumal ich mir persönlich diese Version besonders gewünscht hatte.

Zu Beginn jedoch ein kleiner Hinweis: In diesem Test werde ich nicht zu sehr auf die Handlung, das Gameplay und weitere Details eingehen. Diese Aspekte wurden bereits in dem Test für PlayStation 5 ausführlich behandelt und in den meisten Fällen hat sich an meinem Urteil sowie den Spielinhalten nichts geändert. Durch ein kostenloses Update, welches für alle Plattformen verfügbar ist, steigt dennoch der Komfort im Spiel.

Eine Welt vor dem Abgrund

Mit Digimon Story: Time Stranger erwartet euch ein Spiel, welches nicht nur Fans erfreut, sondern auch die Einstiegshürde für Neulinge niedrig hält. Dieses Mal steht kein Cyber-Detektiv, sondern ein Agent bzw. eine Agentin des geheimen Anomaliesonderermittlungsbüros „ADAMAS“ im Mittelpunkt. Die Organisation untersucht rätselhafte Phänomene.

Schnell erhärtet sich der Verdacht, dass sogenannte Phasenelektronen-Lebensformen – besser bekannt als Digimon – mit diesen mysteriösen Ereignissen in Verbindung stehen. Nach einer Explosion wird die Hauptfigur acht Jahre in die Vergangenheit geschleudert und in eine Geschichte um digitale Wesen, die Welt Iliad, Titanen und einen drohenden Krieg hineingezogen.

Erzählerisch bewegt sich das Spiel zunächst auf bekanntem (J)RPG-Terrain. Die Anfangsphase wird erklärungsreich erzählt und wiederholt einzelne Informationen etwas zu häufig. Hat die Handlung diese Hürde jedoch genommen, entwickelt sie spürbar mehr Zugkraft: Die Inszenierung wird emotionaler und stellenweise düsterer. Sie profitiert vor allem von den gelungenen Zwischensequenzen.

Besonders überzeugend ist das zentrale Motiv der Handlung, das sich um die Bindung zwischen Mensch und Digimon dreht. Dies wird etwa in der Beziehung zwischen Inori und Aegiomon spürbar. Ein kleiner Wermutstropfen ist allerdings, dass der Hauptcharakter nicht vertont ist. Dadurch verlieren einzelne dramatische Momente manchmal an Wirkung. Generell wirken wenige Stellen im Spiel seltsam, wenn diese – im Gegensatz zum restlichen Spiel und den meisten Dialogen – nicht vertont sind. Da stellt sich schon die Frage, ob diese Stellen vergessen wurden beim Vertonen.

Eine verbesserte Digifarm

Time Stranger setzt spielerisch auf ein rundenbasiertes Kampfsystem mit Digimon-Typen, Elementen und einer Zugleiste. Der Einstieg gelingt unkompliziert, doch gerade Bosskämpfe verlangen ein größeres taktisches Gespür: Schwächen, Resistenzen und Phasenwechsel müssen aufmerksam berücksichtigt werden. Komfortfunktionen wie der automatische Regenerationsmodus, das flexible Wechseln der Digimon zwischen Team und Box sowie frei anpassbare Fähigkeiten sorgen für ein angenehm flüssiges Spielgefühl.

Auch in der neuen Version bleibt das Sammeln, Trainieren und Digitieren von mehr als 450 Digimon das zentrale Spielelement. Aus den Daten besiegter Gegner entstehen eigene Partner, die im Team, in der Box oder auf der Digifarm eingesetzt werden können.

Letztere wurde mit dem bereits erwähnten kostenlosen Update komfortabel erweitert. Spielerinnen und Spieler können die Bedingungen für die Digitation nun direkt in der Farm in einem Menüfenster einsehen. Zwar muss man sich ein wenig bis zu diesem Fenster durchklicken. Generell wird dadurch die Verwaltung der Digimon innerhalb der Farm jedoch deutlich einfacher und übersichtlicher.

Dies war eines der Features, die von Fans bemängelt wurden, und es ist schön zu sehen, dass die EntwicklerInnen darauf gehört haben. So lassen sich die unterschiedlichen Werte, die trainiert werden müssen, direkt in der Farm einsehen.

Ein weiterer Wunsch der Fans war die Einführung des Digimon-Maskottchens Terriermon-Assistent, welches nun seinen Weg ins Spiel gefunden hat. Mithilfe der Reit-Funktion im Spiel kann Terriermon-Assistent sogar auf der Schulter des Agenten oder der Agentin Platz nehmen. Das Einzige, was dabei stören könnte, ist, dass die Spielfigur dann nicht mehr laufen kann und man sich nur im Schritttempo fortbewegen kann.

Verbesserte Präsentation

Wie die vorherigen Versionen kann sich auch die „Switch 2“-Version sehen lassen. In puncto Präsentation überzeugen erneut vor allem die Digimon selbst. Ihre 3D-Modelle, Animationen und individuellen Bewegungen sind sehr detailreich und tragen spürbar zur Lebendigkeit der Städte und Gebiete bei. Optisch unterscheidet sich die „Switch 2“-Version meiner Meinung nach kaum von der getesteten PS5-Version.

Neben den neuen Spielversionen erhalten Spielende nun die Wahl zwischen einem Qualitäts- und einem Leistungsmodus. Während der Qualitätsmodus eine Auflösung von 4K mit HDR und bis zu 30 FPS ermöglicht, priorisiert der Leistungsmodus die Bildrate und erreicht bis zu 60 FPS. Beide Modi liefen im Testzeitraum gut und ohne Komplikationen.

Zusätzlich steht ein neuer Fotomodus bei der Erkundung zur Verfügung, der sich ganz einfach per Schultertaste aktivieren lässt. Dadurch lassen sich Situationen und Umgebungen, die zwar nicht das Niveau aktueller Genregrößen erreichen, aber dennoch durch einen stimmigen Stil überzeugen, ideal fotografieren. So können beispielsweise die sichtbaren Gegner bei der Felderkundung oder die eigene Figur beim Digi-Ritt durch die Landschaft fotografiert und somit für immer festgehalten werden.

Das perfekte Spiel für unterwegs und die Couch

Bildmaterial: Digimon Story: Time Stranger, Bandai Namco, Media.Vision

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Aber die Mischung aus Indies, frischen Marken, Portierungen und nachträglich physischen Veröffentlichungen ist im August ganz besonders. Und so ist unsere Liste in diesem Monat, der jährlich auch mal gerne ein Sommerloch darstellt, diesmal länger als in manch anderem Monat.

Los geht’s schon in zwei Tagen mit Beast of Reincarnation von Game Freak. Ja – das sind die Pokémon-Macher. Spannend wirds sicherlich. Square Enix bringt Final Fantasy XIV auf die Switch 2 und mit Kynseed und ReStory gibt’s gleich zum Monatsanfang zwei spannende Indies.

In unserer Liste haben wir in diesem Monat übrigens mal etwas Neues probiert und Digital-only-Spiele mit einer kleinen Catch-Phrase beschrieben und einen Link zu weiterführenden Informationen gesetzt. Gefällt euch diese Neuerung? Sagt es uns gerne in den Kommentaren.

Lies of P: Complete Edition für Switch 2 läutet wenig später die Liste der spannenden Portierungen ein, der sich später auch Oblivion Remastered, Elden Ring: Tarnished Edition oder Devil May Cry 5: Devil Hunter anschließen.

Fans physischer Medien freuen sich unter anderem auf nachträgliche Handelsversionen von Scott Pilgrim EX, Moonlight Peaks oder Wanderstop. Cozy-Game-Fans sind gespannt auf Starsand Island oder Lou’s Lagoon. Die Liste ist lang – welches sind eure Must Haves in diesem Monat?

Unsere Auswahl:

Mit Affiliate-Links. Danke für eure Unterstützung.

• Beast of Reincarnation (Multi): 4. August (bei Amazon bestellen)
• Final Fantasy XIV (Switch 2): 4. August (nur Download)
• Kynseed (Konsolen): 4. August (Spiel ehemaliger Fable-Macher)
• Pokémon Pokopia – Blubbmeeria (Switch 2): 5. August (erster DLC)
• ReStory (PC): 6. August (repariert die Technik eurer Kindheit)
• Lies of P (Switch 2): 6. August (und im Oktober auch physisch)
• MARVEL Tokon: Fighting Souls (PS5, PC): 6. August (bei Amazon bestellen)
• Oblivion Remastered (Switch 2): 11. August (bei Amazon bestellen)
• Agent 64 (PC) 11. August (in Tradition von GoldenEye 007)
• Wild Blue Skies (Multi): 13. August (Star-Fox-Alternative von Star-Fox-Devs)
• Duskfade (Multi): 13. August (3D-Plattformer zur goldenen PS2-Ära)
• Scott Pilgrim EX (Switch, PS5): 14. August (bei Amazon bestellen)
• REKA (Early-Access): 18. August (Baba Jaga von Rhianna Pratchett)
• Starsand Island (Multi): 18. August (Farming-Life-Sim im Ghibli-Paradies)
• Nioh 3: Höllenaufstand (Multi): 19. August (DLC führt in die Keian-Ära)
• Puppergeist (Multi): 20. August (Rhythmus meets Visual Novel)
• Steins;Gate Re:Boot (Xbox, PC): 20. August (später für Switch und PlayStation)
• Mortal Shell II (Multi): 20. August (bei Amazon bestellen)
• OVER REQUIEMZ (Switch): 20. August (bei Amazon bestellen)
• Star Wars Zero Company (Multi): 27. August (bei Amazon bestellen)
• Brigandine Abyss (Multi): 27. August (bei Amazon bestellen)
• Metal Gear Solid Collection Vol. 2 (Multi): 27. August (bei Amazon bestellen)
• Resonance: A Plague Tale Legacy (Multi): 27. August (bei Amazon bestellen)
• Lou’s Lagoon (Multi): 27. August (Cozy-Game aus Hamburg)
• Elden Ring – Tarnished Edition (Switch 2): 28. August (bei Amazon bestellen)
• Devil May Cry 5 – Devil Hunter Edition (SW2): 28. August (bei Amazon bestellen)
• Super Bomberman Collection (Multi): 28. August (bei Amazon bestellen)
• Captain Tsubasa II (Multi): 28. August (bei Amazon bestellen)
• Moonlight Peaks (Switch 2): 28. August (bei Amazon bestellen)
• Wanderstop (PS5, Switch 2): 28. August (bei Amazon bestellen)

Bildmaterial: Beast of Reincarnation, Fictions, Game Freak

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Titel	Halo: Campaign Evolved
	28. Juli 2026
	Xbox Game Studios
	28. Juli 2026
	Xbox Game Studios
	28. Juli 2026
	Xbox Game Studios
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Halo Studios
Genres	Ego-Shooter
Texte
Vertonung

Um die Halo-Reihe wurde es speziell in den letzten Jahren sehr still. „Halo Infinite“, der letzte große Ableger der traditionsreichen Shooter-Reihe aus dem Hause Microsoft, ist bereits im Jahre 2021 erschienen. Anschließend hielt man sich bei Microsoft, zum Ärger vieler Fans, ziemlich bedeckt, was die Zukunft der Reihe rund um den grünen Supersoldaten Master Chief anbelangt.

Erst im Oktober des Jahres 2024, als der bisherige Entwickler „343 Industries“ bekanntgab, dass man fortan unter dem neuen Namen „Halo Studios“ weiterhin an zukünftigen Titeln der Reihe arbeiten möchte, wurden Spekulationen rund um neue Halo-Titel lauter. Als ein Remake des ersten Teils, welcher ursprünglich im Jahre 2001 für die erste Xbox erschienen war, immer konkreter wurde, waren die Fans natürlich völlig aus dem Häuschen und hofften auf ein großes Comeback des Master Chiefs.

Am 28. Juli ist es nun endlich so weit und das vollwertige Remake des ersten Teils, welches auf Basis der leistungsstarken Unreal Engine 5 entwickelt wurde, erscheint für Xbox Series und PCs.

Das wohl mit Abstand größte Highlight ist jedoch die Tatsache, dass das Remake nun sogar zum allerersten Mal auf einer Sony-Konsole erscheint. Denn nun dürfen wir Halo: Campaign Evolved, wie das Remake nun heißt, sogar auf PlayStation 5 genießen. Ein Meilenstein in Sachen Halo-Geschichte und ein großer Schritt für Microsoft.

Ob das vielversprechende Remake auch heute noch so viel Spaß macht wie damals im Jahre 2001, erläutern wir euch natürlich wie immer in unserem ausführlichen Test.

Ein erbitterter Konflikt gerät völlig aus den Fugen

Die Geschichte von Halo: Campaign Evolved spielt in einer fernen Zukunft, in welcher die Menschheit bereits die Technologie für Lichtsprünge erforscht hat. Auch zuvor weit entfernte Ziele in der Galaxis sind nun binnen weniger Sekunden zu erreichen. Dies ermöglicht es der menschlichen Rasse, auch andere Planeten zu bereisen und zu kolonisieren.

Als die „Covenant“, eine den Menschen feindlich gesinnte Alienrasse, einen heiligen Krieg gegen die Menschheit ausruft, setzen die Menschen die sogenannten „Spartans“, eine in jeder Hinsicht überlegene Kampfeinheit von Supersoldaten, gegen die Covenant ein, um letztendlich überhaupt eine Chance gegen die schier übermächtigen Gegner zu haben.

Im Jahre 2552 greifen die Covenant schließlich den Planeten „Reach“ an, ein zentraler militärischer Stützpunkt der Menschen. Durch diesen fatalen Angriff wurde die Kolonie der Menschheit fast vollständig ausgelöscht. Das Sternenschiff, die „Pillar of Autumn“, konnte jedoch im letzten Moment fliehen und mit ihm der letzte Hoffnungsschimmer der Menschheit – der letzte verbliebene Spartan. Dieser trägt den Namen „Master Chief Petty Officer John-117“ und ist quasi unser Hauptcharakter und der wichtigste Charakter im gesamten Halo-Universum. Von hier aus beginnt die tragische Geschichte rund um einen erbitterten Kampf zwischen zwei Rassen und den letzten Hoffnungsschimmer der gesamten Menschheit, den Master Chief.

Wegweisender Shooter, der dem Genre viele Türen und Tore öffnete

Halo: Campaign Evolved ist die logische Weiterentwicklung von Halo: Combat Evolved, dem Original aus dem Jahre 2001. Halo: Combat Evolved öffnete schon damals viele Türen und Tore und machte das Shooter-Genre speziell auf Konsolen überhaupt erst so richtig salonfähig.

Viele Features wie beispielsweise Autoaiming wurden durch den Microsoft-Shooter überhaupt erst so richtig im Genre etabliert und zeitgleich auch quasi schon fast perfektioniert. Also ein großer Titel für das Shooter-Genre, sowohl was technische Features als auch die optische und atmosphärische Präsentation im Allgemeinen betrifft.

Das grundlegende Gameplay von Halo: Campaign Evolved ist dabei jedoch eigentlich recht simpel gehalten. In, zumindest für einen Shooter, relativ großen Arealen kämpfen wir uns von Areal zu Areal, stets auf der Suche nach dem nächsten markierten Missionspunkt. Auf unserem Weg dorthin dürfen wir uns auch hinter das Steuer von allerlei Fahrzeugen klemmen.

Neben dem „Warthog“, einem gepanzerten Geländefahrzeug, können wir auch diverse Raumgleiter kapern und steuern. Erstmals kombinierte Halo die Genrezüge eines Shooters mit typischen Open-World-Elementen, wie beispielsweise der Übernahme von Fahrzeugen. Dass dies einwandfrei funktionierte und auch äußerst gut von der Spielerschaft aufgenommen wurde, zeigt der enorme Erfolg, den die Halo-Reihe bis heute vorweisen kann.

Auf der Höhe der Zeit

Auch in Sachen Vielfalt, was die Locations anbelangt, braucht sich Halo: Campaign Evolved nicht vor der neuzeitigen Genrekonkurrenz verstecken. Alles in allem wirkt der Titel also auch heute noch sehr gut spielbar und bis auf die etwas angestaubte Levelstruktur, die heutzutage eben anders gemacht wird als damals, kann man Halo: Campaign Evolved nur wenig Negatives vorwerfen.

Im Kern ist und bleibt Halo: Campaign Evolved ein Shooter, wie man es von einem Vertreter dieses Genres auch erwarten würde. Es wird viel geballert, viele Granaten geworfen und speziell dem Hauptaugenmerk der Halo-Reihe, dem Nahkampf, wird ordentlich gefrönt. Der Nahkampf war und ist ein fester Bestandteil der Kampfmechanik eines jeden Halo-Titels und schon fast unverzichtbar, um den Covenant in hitzigen Situationen den letzten Rest zu geben. Einfach befriedigend und erfüllend.

Grafisch nun in die Moderne transportiert – ein Augenschmaus

Speziell die aufgebohrte Optik liegt bei einem Remake dieser Art und Klasse natürlich absolut im Fokus. Halo: Campaign Evolved setzt daher auf die Unreal Engine 5. Diese ermöglicht es den Entwicklern, unglaublich detaillierte Landschaften mit schier endloser Weitsicht auf den Bildschirm zu zaubern. Dennoch bleibt das hektische Kampfgeschehen stets flüssig und sieht dabei auch noch verdammt gut aus. So muss sich ein Remake anfühlen und aussehen.

Die schönen Landschaften werden zudem von tollen Licht- und Partikeleffekten abgerundet. Das Gesamtbild stimmt hier einfach absolut und durch die neue Optik hat man schon fast das Gefühl, man würde einen Shooter der Neuzeit spielen.

Im Performance-Modus hält Halo: Campaign Evolved außerdem stets die flüssigen 60 Frames. Einbrüche habe ich während der Testsession auf einer Standard-PS5-Konsole nie feststellen können. Der Qualitäts-Modus mit verbesserten Raytracing-Effekten senkt die Frames auf magere 30 ab. Auch PS5-Pro-Nutzer müssen im Qualitäts-Modus mit niedrigeren Frames leben, erhalten dafür im Gegenzug aber noch bessere Raytracing-Effekte.

Gänsehaut-Soundtrack gepaart mit tollen Effekten und stabiler Synchronisation

Neben dem klassischen und absolut kultigen Halo-Soundtrack, den wohl jeder Gamer kennen wird, gibt es auch schmetternde Soundeffekte und eine absolut ordentliche Synchronisation auf die Ohren. Speziell während der brachialen und stets hämmernden Feuergefechte dreht der Sound so richtig auf und man fühlt sich schon fast, als würde man gerade selbst auf dem intergalaktischen Schlachtfeld stehen und um die Zukunft der gesamten Menschheit kämpfen.

Allen voran die Waffensounds wurden wirklich toll überarbeitet. Die ohnehin schon wuchtigen Schießeisen haben nun nochmal eine ganze Ecke mehr Power. Zumindest akustisch. Ein Fest für die Sinne, könnte man sagen, und auch für Hardcore-Halo-Fans eine erneute Runde wert.

Online-Multiplayer leider nur in abgespeckter Form enthalten

Der für mich mit Abstand größte Negativpunkt ist das Fehlen eines konkreten Online-Mehrspielermodus. Den hatte das Original aus dem Jahre 2001 zwar auch nicht, aber im Jahre 2026 könnte man so etwas von einem Remake dieser Art schon erwarten.

Lediglich ein Online-Koop-Modus, der wahlweise auch auf der heimischen Couch spielbar ist, ist vorhanden. Hier hat man dann quasi die Möglichkeit, die Kampagne mit einem Freund oder Bekannten zu erleben. Besser als nichts, möchte man meinen, aber dennoch weit hinter den eigentlichen Möglichkeiten. Da der Mehrspielermodus für jeden Halo-Teil quasi essenziell ist, muss dieser Umstand auf jeden Fall deutlich erwähnt werden.

Der Master Chief ist zurück und lässt es ordentlich krachen

Bildmaterial: Halo: Campaign Evolved, Xbox Game Studios, Halo Studios

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Titel	Assassin’s Creed Black Flag Resynced
	9. Juli 2026
	Ubisoft
	9. Juli 2026
	Ubisoft
	9. Juli 2026
	Ubisoft
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Ubisoft
Genres	Open-World-Abenteuer
Texte
Vertonung

Der wohl mit Abstand beliebteste Ableger der weltweit gefeierten und enorm erfolgreichen Assassin’s-Creed-Reihe aus dem Hause Ubisoft dürfte zweifelsohne das spektakuläre Piraten-Abenteuer „Assassin’s Creed IV: Black Flag“ aus dem Jahre 2013 sein.

Ursprünglich erschien das actiongeladene Abenteuer mit dem wunderschönen Karibik-Setting für PlayStation 3/4, Xbox 360/One, Nintendo Wii U und Windows. Da Black Flag ein Schwellentitel war, also ein Titel, der sozusagen zwischen den Konsolen-Generationen erschien, entschied man sich bei Ubisoft dafür, den Titel auch auf den zum damaligen Zeitpunkt frisch erschienenen Next-Gen-Konsolen PlayStation 4 und Xbox One zu veröffentlichen. Für diese Konsolen erschien der Titel natürlich in technisch aufgebohrter Form und war somit schlussendlich eine ganze Ecke ansehnlicher als die Last-Gen-Versionen der PS3 und Xbox 360.

Viele Fans äußerten über die Jahre immer wieder den Wunsch nach einem Remake ihres Lieblingsablegers der Reihe. Nach vielen Jahren der Warterei war es nun endlich so weit und das gefeierte Piraten-Abenteuer erschien am 9. Juli als vollwertiges Remake für PlayStation 5, Xbox Series und PCs. Dieses vollständig überarbeitete Remake trägt den Titel Assassin’s Creed Black Flag Resynced. Man wollte bei Ubisoft wohl sicherstellen, dass sich das Remake auch namenstechnisch klar vom Original abgrenzt, um Verwechslungen zu vermeiden.

Ob sich das von vielen Fans der Reihe so herbeigesehnte Remake auch heutzutage noch gut spielt und ob das Piraten-Abenteuer auch heute noch den gewissen Charme hat, den es damals im Jahre 2013 versprühen konnte, erfahrt ihr in unserem ausführlichen Review.

Das goldene Zeitalter der Piraterie und der Traum von einem besseren Leben

Die Geschichte von Assassin’s Creed Black Flag Resynced beginnt im Jahre 1715 zur Zeit des „goldenen Zeitalters der Piraterie“. Wir übernehmen die Rolle des Edward Kenway, einem britischen Piraten, der auf der Suche nach einer besseren Zukunft ist und daher auch bereit ist, jede noch so kleine Chance zu nutzen, um dieses Ziel zu erreichen.

Als Edward nach einer Auseinandersetzung mit einem Assassinen an dessen Uniform gelangt, verspricht er sich dadurch neue Möglichkeiten und vielleicht eine Chance auf eine rosigere Zukunft in dieser erbarmungslosen Welt. Unter den Besitztümern des Assassinen findet Edward unter anderem auch ein seltsames Kristallgefäß sowie einen Brief des spanischen Gouverneurs Laureano Torres, der in Havanna eine hohe Belohnung verspricht. Edward nutzt diese Chance natürlich und nimmt die Identität des getöteten Assassinen an, um sich diese vielversprechende Belohnung abzuholen. Als Edward dann auch noch dem Händler „Stede Bonnet“ aus der Klemme hilft und dieser unseren Helden mit seinem Schiff zum Dank nach Havanna bringt, beginnt das Abenteuer rund um glorreiche Piraterie, Reichtum und die weite See, die geradezu nach Abenteuern ruft. Ein waschechtes Piraten-Abenteuer der Oberklasse, könnte man sagen.

Leinen los, ihr Landratten!

Assassin’s Creed Black Flag Resynced ist im Kern ein klassisches Assassin’s-Creed-Abenteuer, wie es im Buche steht. So hat man neben den spannenden und actiongeladenen Hauptquests auch allerlei nebenbei zu tun. Neben unzähligen Nebenquests können wir uns also auch mit einer wahren Flut an weiteren Nebenaktivitäten beschäftigen. Neben äußerst vielen Synchronisations-Türmen, die typisch für die Reihe sind, warten auch andere Aktivitäten wie beispielsweise diverse Minispiele darauf, von uns entdeckt zu werden. Die Spielwelt von Black Flag fühlt sich also durchaus lebendig und voll an und geizt nicht mit Aktivitäten, die euch regelmäßig von der eigentlichen Hauptstory ablenken und auf andere Pfade führen.

Speziell beim Design der Hauptquests spürt man dann allerdings einfach doch die Jahre, die der Titel mittlerweile auf dem Buckel hat. Wenn man die großen Quests mit denen eines Assassin’s Creed Shadows vergleicht, spürt man deutlich, wie weit sich Gaming, speziell im Open-World-Genre, in diesen Jahren weiterentwickelt hat. Die Quests wirken bei Shadows beispielsweise einfach umfangreicher und somit noch immersiver.

Man kann Ubisoft sicher viel vorwerfen, aber der Entwickler und Publisher verstand es schon immer, eine immersive Open-World zu erschaffen, die sich wirklich realistisch und glaubwürdig anfühlt und das kann man keinesfalls von jedem Entwicklerstudio behaupten. Hier muss man nach dem, zumindest für meinen Geschmack, phänomenalen Assassin’s Creed Shadows erneut ein großes Lob in Sachen immersive Spielwelt aussprechen. Durch die nun in die Moderne transportierte Technik von Black Flag wirkt die Welt jetzt noch realistischer und glaubwürdiger, als es bereits zuvor der Fall war.

Spannende Seeschlachten lockern das serientypische Stealth-Gameplay auf

Ein großes Highlight ist neben dem bereits aus vergangenen Ablegern typischen Assassin’s-Creed-Gameplay, das vor allem auf Stealth-Mechaniken setzt, auf jeden Fall die Schifffahrt, die in diesem Ableger eine noch größere Rolle einnimmt, als es noch bei Assassin’s Creed III der Fall war. Schließlich fühlt man sich doch erst wie ein richtiger Pirat, wenn man endlich hinter dem Steuerrad eines riesigen Schiffes Platz nehmen darf.

Während der spektakulären Seeschlachten haben wir sogar die Möglichkeit, die gegnerischen Schiffe zu entern und zu übernehmen. Natürlich können wir auch deren Fracht an uns reißen und das neu eroberte Schiff unserer Piratenflotte hinzufügen. Speziell während größerer Stürme sind die Seeschlachten in Sachen Atmosphäre kaum zu überbieten. Das ist Action auf Hollywood-Niveau und daher halte ich Black Flag bis zum heutigen Tag für ungeschlagen in Sachen Piraten-Setting.

Fantastische Optik mit modernisierter Engine lässt die Karibik erstrahlen

Das Remake von Black Flag basiert auf Ubisofts hauseigener „Anvil Engine“. Diese kam in ihrer Ursprungsform bereits beim ersten Assassin’s-Creed-Ableger aus dem Jahre 2007 zum Einsatz. Die aktuell genutzte Engine trägt den Namen „Anvil Pipeline“ und wurde zuvor für Assassin’s Creed Shadows verwendet und das sieht man dem Remake von Black Flag auch an. Im positiven Sinne, versteht sich.

Diese in die moderne transportierte Engine vermag es gekonnt, spektakuläre Landschaften darzustellen, denen es keinesfalls an Details mangelt. Neben einer unglaublichen Weitsicht glänzt die Engine außerdem mit fantastischen Lichteffekten und knackigen Texturen. Die Animationen fallen wie auch bei Shadows wirklich fantastisch aus. Auch wenn der Japan-Ableger vielleicht hier und da noch eine Ecke ausgereifter und vor allem in Sachen Animationen noch eine Ecke geschmeidiger war, zumindest für meinen Geschmack.

Auch in hitzigen Situationen kommt die neue Variante der Anvil Engine absolut nicht ins Stocken und so dürfen wir zu jeder Zeit flüssige 60 Frames im Performance-Modus genießen. Liebhaber höherer Auflösungen dürfen wahlweise in den Qualitäts-Modus schalten. Hier muss man sich dann allerdings wieder mit 30 Frames begnügen. Auch auf der PS5 Pro läuft der Titel im Qualitäts-Modus lediglich mit 30 Frames. Auf Sonys Flagschiff-Konsole verbessert sich im Endeffekt also lediglich der Raytracing-Effekt etwas, die niedrigen Frames bleiben uns jedoch leider erhalten. Kein wirklicher Zugewinn in Sachen Performance.

Durchweg eingängiger Soundtrack mit tollen Effekten und fantastischer Synchronisation

In Sachen Soundtrack und Effekte gibt es ebenfalls absolut nichts zu bemängeln. Der eingängige Soundtrack passt perfekt zum Karibik-Setting und rundet das Flair gekonnt ab. Abgerundet wird das Ganze zudem von den knackigen Soundeffekten, die gerade während der bereits erwähnten Seeschlachten erst so richtig aufdrehen und das Spielgeschehen in eine absolut spektakuläre Schlacht auf Hollywood-Level verwandeln. Wirklich beeindruckend und ein Fest für die Sinne.

Aber auch die Synchronisation kann sich sehen beziehungsweise hören lassen. Die englischen Sprecher leisten einen fantastischen Job, aber auch die deutschen Gegenparts liefern ordentliche Arbeit ab und ausnahmsweise hatte ich sogar Freude mit der deutschen Synchronisation. Denn eigentlich bin ich ja absoluter O-Ton-Verfechter, der Videospiele meist nur im Originalton genießt.

Ein immer noch beeindruckendes Piraten-Abenteuer nun in die Moderne transportiert

Bildmaterial: Assassin’s Creed Black Flag Resynced, Ubisoft

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Titel	Splatoon Raiders
	23. Juli 2026
	Nintendo
	23. Juli 2026
	Nintendo
	23. Juli 2026
	Nintendo
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Nintendo
Genres	Action, Shooter
Texte
Vertonung	–

Als Splatoon 2015 auf der Wii U erschien, ahnte wohl kaum jemand, dass sich Nintendo damit eine seiner erfolgreichsten neuen Marken der vergangenen Jahre aufbauen würde. Vor allem in Japan entwickelte sich die Reihe schnell zu einem riesigen Erfolg, doch auch im Westen gewann sie mit jedem Ableger mehr Fans hinzu. Entsprechend folgten 2017 und 2022 mit Splatoon 2 und Splatoon 3 zwei Nachfolger für die Nintendo Switch. Eines hatten allerdings alle Teile gemeinsam: Der Multiplayer stand stets klar im Mittelpunkt.

Zwar besaß jeder Serienteil auch einen Story-Modus, dieser war jedoch meist nach wenigen Stunden abgeschlossen. Das war allerdings nie wirklich ein Problem. Im Gegenteil: Viele SpielerInnen freuten sich sogar auf diese kurzweiligen Einzelspieler-Kampagnen. Kleine Rätsel, abwechslungsreiche Level, das spielerische Heranführen an die wichtigsten Mechaniken, spektakuläre Bosskämpfe und natürlich die gewohnt mitreißende Musik machten den Reiz aus.

Nintendo wusste offenbar selbst, wie beliebt dieser Teil der Reihe war. Nicht umsonst spendierte man Splatoon 2: Octo Expansion und Splatoon 3: Side Order jeweils umfangreiche Einzelspieler-Erweiterungen – insbesondere die Octo Expansion zählt für viele Fans bis heute zu den besten DLCs, die Nintendo je veröffentlicht hat.

Mehr als nur ein Tutorial?

Mit Splatoon Raiders wagen die Inklinge und Oktolinge nun ihren ersten großen Auftritt auf Nintendos neuer Hardware – und erstmals scheint sich ein Ableger vollständig dem Einzelspieler zu verschreiben. Auf dem Papier klingt das nach genau dem Spiel, das sich viele Fans der Kampagnen seit Jahren gewünscht haben.

Ob Nintendo den besonderen Charme der bisherigen Story-Modi tatsächlich auf ein vollwertiges Abenteuer übertragen kann und ob der Geist vergangener Splatoon-Einzelspieler-Abenteuer auch diesmal wieder eingefangen wird, klären wir in diesem Test.

Schatzsuche im Salmoniden-Revier

Gemeinsam mit dem Surimi Syndicate – bestehend aus Mako, Muri und Mantaro – macht sich unsere Spielfigur als Mechaniker beziehungsweise Mechanikerin auf die Jagd nach wertvollen Schätzen. Das Ziel sind die geheimnisvollen Spiralit-Inseln, doch schon kurz nach der Ankunft nimmt das Abenteuer eine unerwartete Wendung. Das Team stürzt ab und strandet auf einer zunächst idyllisch wirkenden Inselgruppe.

Ganz so verlassen, wie sie auf den ersten Blick erscheinen, sind die Inseln allerdings nicht. Die Region wird von den Salmoniden bewohnt, die wenig Interesse daran haben, Fremde ungestört ihre Schätze bergen zu lassen. Fans der Reihe dürften die unterschiedlichen Kreaturen sofort wiedererkennen, schließlich spielten sie bereits im kooperativen Salmon Run aus Splatoon 2 und 3 eine zentrale Rolle.

Mehr Lore statt großer Dramatik

Unser Ziel ist es, möglichst viele Schätze zu bergen und gleichzeitig einen Weg zurück in die Zivilisation zu finden. Die eigentliche Handlung bleibt dabei allerdings eher Nebensache. Im Verlauf der Reise erfährt man zwar mehr über die drei Mitglieder des Surimi Syndicates und stößt auf eine geheimnisvolle Bedrohung, die sich im Auge des Sturms über den Spiralit-Inseln zusammenbraut, echte Überraschungen bleiben jedoch aus.

Eine tiefgründige Geschichte sollte hier ohnehin niemand erwarten. Stattdessen erzählt Raiders seine Hintergrundgeschichte überwiegend über versteckte Hinweise in der Spielwelt selbst, die immer wieder interessante Details liefern und stellenweise Verbindungen zu den vorherigen Spielen herstellen. Wer sich aufmerksam umschaut, entdeckt hierbei einige spannende Lore-Häppchen – der eigentliche Grund, warum man Raiders spielt, ist die Geschichte am Ende aber trotzdem nicht.

Bewährte Stärken mit überraschend viel Tiefe

Spielerisch läuft Splatoon Raiders zur Höchstform auf. Das bewährte Gunplay und die einzigartige Fortbewegung der Reihe kehren in Bestform zurück. Mit zahlreichen Waffen und Waffentypen sowie dem fließenden Wechsel zwischen „menschlicher“ Gestalt und Tintenfischform fühlen sich Veteranen sofort zuhause. Durch die eigene Tinte zu schwimmen, blitzschnell Positionen zu wechseln und Gegner einzufärben funktioniert auch auf Nintendos neuer Hardware gewohnt hervorragend.

Eigentlich bin ich kein großer Fan von Bewegungssteuerung, das war bei Splatoon aber schon immer anders. Auch in Raiders war es für mich das Mittel der Wahl und hat sehr gut funktioniert.

Neu hinzu kommen die sogenannten Gimmicks – eine Art Sekundärwaffe, die an drei unterschiedliche Tank-Typen gebunden ist: Tempo, Kraft und Technik. Je nach Wahl stehen völlig unterschiedliche Fähigkeiten zur Verfügung. Ob stationärer Geschützturm, schneller Dash, mächtige Schockwelle oder schützende Farbblasen – die Möglichkeiten unterscheiden sich deutlich und eröffnen zahlreiche Spielstile. Über zusätzliche Gimmick-Mods lassen sich diese Fähigkeiten weiter anpassen, wodurch überraschend viele Build-Kombinationen entstehen.

Ein Gameplay-Loop mit Suchtpotenzial

Auf den Missionen ist man außerdem nie allein unterwegs. Stets begleitet euch ein frei wählbares Mitglied des Surimi Syndicates, das euch im Kampf unterstützt und außerhalb der Gefechte besondere Fähigkeiten beisteuert. So ermöglichen die Begleiter beispielsweise besonders hohe Sprünge oder helfen dabei, Gegner unter Druck zu setzen. Dadurch fühlen sich die Ausflüge angenehm dynamisch an und lockern das Gameplay zusätzlich auf.

Einen großen Anteil am Spielspaß hat außerdem die motivierende Progression. Waffen, Gimmicks, Tanks und sogar die eigenen Charakterwerte lassen sich nach und nach verbessern. Jeder Durchlauf bringt neue Materialien und Erfahrungspunkte, sodass man selbst nach einer Niederlage das Gefühl hat, dauerhaft stärker zu werden. Genau dieser Gameplay-Loop entwickelt einen enormen Sog. Kaum ist ein Run beendet, möchte man direkt den nächsten starten, um weitere Upgrades freizuschalten oder eine neue Kombination auszuprobieren.

Wer bereits viele Stunden im Salmon Run verbracht hat, wird sich in Raiders sofort heimisch fühlen. Das gilt allerdings sowohl für die Stärken als auch für die Schwächen. Die Kämpfe können mitunter ausgesprochen hektisch und unübersichtlich werden, wenn sich Gegner aus allen Richtungen auf einen stürzen. Mich persönlich störte das kaum, da die Balance insgesamt gelungen wirkt und die Gefechte dauerhaft ein angenehmes Maß an Spannung erzeugen, ohne unfair zu werden.

Inselhopping mit gewohntem Splatoon-Charme

Auf eine offene Spielwelt verzichtet Splatoon Raiders. Stattdessen wählt man von einer Oberwelt aus verschiedene Missionen an und springt von Insel zu Insel, stets auf der Suche nach neuen Schätzen. Neben klassischen Erkundungsmissionen warten auch Rätselräume, die sich jeweils um ein bestimmtes Gimmick drehen und mit überraschend kreativen Ideen aufwarten.

In den Tiefenruinen stehen dagegen mehrere Gegnerwellen unter Zeitdruck auf dem Programm, ehe am Ende stets ein Bosskampf wartet. Gerade diese Abschnitte können den Schwierigkeitsgrad ordentlich anziehen. Zusätzlich verstecken sich in einigen Leveln Sammelobjekte, mit denen weitere Herausforderungen freigeschaltet werden. Wer also gerne jeden Winkel absucht, kommt ebenfalls auf seine Kosten.

Technisch ein Volltreffer

Technisch hinterlässt das Spiel einen sehr guten Eindruck. Während des gesamten Tests lief Splatoon Raiders auf der Nintendo Switch 2 mit konstanten 60 Bildern pro Sekunde. Selbst in besonders chaotischen Gefechten mit zahlreichen Gegnern und Farbeffekten bleibt das Geschehen angenehm flüssig – ein großer Pluspunkt für das schnelle Gameplay. Zwar gehört Raiders nicht zu den detailreichsten Spielen auf der Konsole, den unverwechselbaren Splatoon-Look fängt Nintendo aber erneut hervorragend ein. Bugs, Abstürze oder andere technische Probleme sind mir während der gesamten Testphase nicht begegnet.

Auch musikalisch bleibt sich die Reihe treu. Der Soundtrack reicht von experimentellen Klängen bis hin zu treibenden Rock- und Elektro-Stücken, die die Gefechte perfekt untermalen. Fans der Serie wissen zudem, dass Splatoon seine größten musikalischen Highlights traditionell für das Finale aufspart – und auch Raiders bildet hier keine Ausnahme. Gerade die letzten Spielstunden werden von einem spektakulären Soundtrack begleitet, der den ohnehin gelungenen Abschluss noch einmal deutlich aufwertet.

Kompakter Umfang, gelungener Koop

Insgesamt stehen drei Schwierigkeitsgrade zur Auswahl, zwischen denen jederzeit gewechselt werden kann. Auf der normalen Stufe, die den Namen Raider trägt, bleibt das Abenteuer über weite Strecken angenehm ausbalanciert und gut machbar. Erst kurz vor dem Finale fällt ein kleiner Balancing-Ausreißer auf: Die Gegner werden plötzlich deutlich stärker, sodass ein paar zusätzliche Runden zum Sammeln von Materialien und Erfahrungspunkten fast schon notwendig sind. Kein großes Problem, aber ein kleiner Makel auf einer ansonsten sehr sauberen Paintball-Weste.

Mit rund zehn Stunden Spielzeit fällt die Kampagne vergleichsweise kompakt aus. Wer wirklich jede Mission, alle Sammelobjekte und optionalen Herausforderungen mitnimmt, dürfte nach etwa zwölf bis vierzehn Stunden alles gesehen haben. Vermutlich auch deshalb verlangt Nintendo zumindest digital nicht den vollen Kaufpreis. Wer ein riesiges Adventure erwartet, wird hier also nicht fündig – Fans kurzweiliger Action-Abenteuer hingegen schon.

Obwohl Splatoon Raiders klar als Einzelspieler-Erlebnis konzipiert wurde, lassen sich fast alle Missionen auch gemeinsam mit bis zu drei weiteren SpielerInnen absolvieren. Die Gegner passen sich dabei automatisch an die Gruppengröße an. Zusätzlich kann jederzeit Hilfe angefordert oder anderen SpielerInnen unter die Arme gegriffen werden, falls eine Mission einmal zu knifflig wird.

Mehr davon, bitte!

Bildmaterial: Splatoon Raiders, Nintendo

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Der Publisher Gravity hat seine Pläne für eine weitreichende Expansion, ein radikal überarbeitetes Vertriebsmodell und handfeste Details zum kommenden globalen Meilenstein Ragnarok Zero: Global enthüllt. Nach dem Event haben wir alle Fakten, den finalen Veröffentlichungstermin und die vollständige Content-Roadmap direkt vom Event zusammengefasst.

Gravity auf Expansionskurs: Fokus auf Europa

Das Ragnarok-Franchise begeistert seit nunmehr 24 Jahren Fans rund um den Globus. Die Marke gehört zu den langlebigsten Urgesteinen der MMORPG-Geschichte, denn sie wurde über 250 Millionen Mal in 122 Regionen heruntergeladen. Nun läutet Gravity eine neue Ära ein.

Das erklärte Ziel ist es, eine der weltweit führenden Entertainment-Gruppen zu werden, die gestützt auf mittlerweile zehn spezialisierte Konzerngesellschaften agiert. So wird die Tochtergesellschaft Gravity Game Unite jetzt auch die Betreuung des europäischen Marktes übernehmen. In der Geschichte des Franchising gibt es eine Premiere: Die europäische Region wird von Gravity direkt und ohne externen Publisher gemanagt. So soll eine bestmögliche Servicequalität garantiert werden.

Fokus auf den westlichen Markt: Abo-Modell statt Gacha

Die Abkehr von klassischen Gacha-Mechaniken für den europäischen Server von Ragnarok Zero: Global zählte zu den zentralen Ankündigungen der Player Conference. Stattdessen plant Gravity ein transparentes Abonnement-Modell, das gezielt auf die Bedürfnisse westlicher Spieler zugeschnitten sein soll, um für mehr Chancengleichheit zu sorgen.

Die Entwickler des Spiels gaben zwar zu, dass die Wahrnehmung von „pay-to-win“ letztlich subjektiv sei, versicherten jedoch, dass im Shop keine spielentscheidenden Vorteile oder direkten Level-ups zum Verkauf stehen werden. Es sind lediglich Komfortfunktionen vorgesehen.

Ob dieses Versprechen in der Praxis langfristig gehalten werden kann und wie schmal der Grat zwischen reinen Komfortfunktionen und spürbaren spielerischen Vorteilen am Ende tatsächlich ausfällt, bleibt abzuwarten, wobei die Einordnung hier eine entscheidende Rolle spielt.

Die Erfahrung mit ähnlichen MMO-Launches zeigt, dass die finale Ausgestaltung des Ingame-Shops oft erst nach der Veröffentlichung kritisch von der Community bewertet werden kann. Der Einblick in den Shop der offenen Beta hat jedenfalls gezeigt, dass zumindest Items verfügbar sind, die Drop-Chancen und erhaltene Erfahrungspunkte erhöhen.

Designed from „Zero“: Gameplay, Komfort & User-Generated Content

Ragnarok Zero: Global wurde buchstäblich von null auf neu konzipiert. Die Entwickler analysierten die Kernidentität des klassischen Ragnarok Online intensiv, um beliebte Tugenden beizubehalten und gleichzeitig moderne Standards einzuführen. Zum offiziellen Launch am 18. August startet das Spiel mit den sechs klassischen Grundberufen sowie exklusivem Story-Content in einer brandneuen Episode.

Ein wesentliches Kern-Feature ist das stark modernisierte und flexibel platzierbare User Interface. Spieler können frischen Wind über den stylischen Valkyrie-Skin genießen oder auf Wunsch nahtlos auf das vertraute Classic UI umschalten. Um den teils monotonen Grind für simple Aufgaben zu minimieren, wird ein Auto-Hunting-System definiert, über das Items und Skills automatisch genutzt werden können.

Die Entwickler betonten jedoch ausdrücklich, dass dieses System rein für einfache Routine-Tasks gedacht und für das anspruchsvolle Endgame völlig ungeeignet ist. Die Community erwartet im Rahmen der MVP Raids zudem dedizierte PvE- und PvP-Zonen, Bosskämpfe mit angepassten MVP-Rates sowie abwechslungsreiche monatliche Challenges.

Ein echtes Highlight für die Community ist das User-Generated-Content-System RO Factory. Zum ersten Mal können Spieler eigenen Ingame-Content entwerfen und teilen. Das Feature startet zum Launch komplett kostenlos und bietet anpassbare Footstep FX. Der weitere Ausbau sowie spätere Monetarisierungsmodelle der RO Factory befinden sich aktuell noch in der Evaluierung.

Die vollständige Roadmap: Der Update-Fahrplan für das erste Jahr

Für die kommenden Monate liegt der Plan für die Inhalte vor. Für Veteranen ist Folgendes besonders wichtig: Im gesamten Zyklus wird es nur Second Jobs geben, aber kein Rebirth-System.

Lokalisierung, Kreativ-Wettbewerbe & Multimedia-Zukunft

Kulturelle Identität ist für Gravity von großer Bedeutung. Unter dem Motto „Music & Events“ werden berühmte Musikstücke des Spiels mit landestypischen Instrumenten neu eingespielt. So erhält Deutschland eine eigene, traditionell angereicherte Version des legendären Morroc Themes.

Passend dazu wird es mit Nordfeld eine komplett eigene Ingame-Karte geben, die in Architektur und Atmosphäre direkt von Deutschland inspiriert ist. Frankreich erhält eine folkloristische Version von „Christmas in the 13th Month“.

Um die Bindung zur Community zu festigen, wurden diverse Contests gestartet, die unterschiedliche Zielgruppen ansprechen. Beim Music Challenge Event können Fans Soundtracks covern und neu interpretieren. Beim Fan Art Contest geht es darum, Pixel-Art, Comics und Emotes zu erstellen, die möglicherweise sogar auf offiziellem Merchandise verewigt werden.

Zudem werden über das Programm First Hero Creator Content Creator direkt eingebunden, um als Bindeglied hochwertige Guides und Highlight-Videos für die Community zu produzieren.

Langfristig soll Ragnarok zu einem gewaltigen Multimedia-Franchise ausgebaut werden: Sechs neue Games wurden für die kommenden Jahre bestätigt und die Produktion einer eigenen TV-Serie, eines Stage-Musicals und einer Webserie angedeutet. Weiterhin soll vor allem das Merchandise mit den ikonischen Charakteren weiter ausgebaut werden.

Der schwierige Spagat zwischen Nostalgie und Moderne

Bildmaterial: Ragnarok Zero: Global, Gravity Game Unite

Der Beitrag Mit Ragnarok Zero: Global wagt Gravity einen ambitionierten Neustart „from Zero“ erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Saros
	30. April 2026
	Sony Interactive Entertainment
	30. April 2026
	Sony Interactive Entertainment
	30. April 2026
	Sony Interactive Entertainment
System	PlayStation 5
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Housemarque
Genres	Roguelite-Shooter
Texte
Vertonung

Vor einiger Zeit erschien Housemarques neuer Vorzeigetitel Saros in unseren Gefilden. Es hat lange gedauert, sehr lange. Das Spiel hat kein gutes Haar an mir gelassen. Es hat mich zu Boden geworfen und angespuckt, aber ich wollte mehr. Gefleht habe ich weiterzukommen. Tränen wurden vergossen.

Wie sich Housemarques Wahnsinn, entlehnt von den Kurzgeschichten von Robert William Chambers, in mir ausgebreitet hat und welchen Einfluss das auf die Wertung haben wird, erfahrt ihr bei uns. Behaltet die Nerven, lehnt euch zurück, ignoriert für einen Moment die Stimmen, die ihn glorifizieren, und hört mir zu. Hört mir zu, es mag das Letzte sein.

Wie vom Erdboden verschluckt

Carcosa, ein Planet, der von der Soltari Corporation ausgesucht wurde, um ihn zu besiedeln, vordergründig aber um die reichen Lucenit-Vorkommen abzubauen. Drei Expeditionen wurden nach Carcosa geschickt. Forscher, Kolonisten, militärisches Personal. Viele Seelen, die dem Fortschrittsgeist folgen.

Nun sind sie alle verstummt. Kein Wort erreicht mehr die Ohren, die sie einst in die Finsternis schickten. Was ist geschehen, was ist zu tun? Soltari hat entschieden, euch und eine Handvoll Leute auf eine Rettungsmission zu schicken.

Nur: Was sollt ihr retten? Die Siedler, wenn es denn noch welche seit dem Funkabbruch gibt, oder doch eher Soltaris Finanzen, die es auf Carcosa einzusammeln gilt? Unermessliche Reichtümer, doch zu welchem Preis …

In der Person des Vollstreckers Arjun macht ihr euch auf den Weg, auch um euren eigenen Zielen nachzugehen, jemanden zu finden, den ihr verloren zu glauben scheint. Immer tiefer und tiefer dringt ihr durch die Ruinen von Carcosa. Bemerkt seit geraumer Zeit Veränderungen, an euch, den anderen. Etwas ist hier, etwas beobachtet, spricht zu euch. Ein leises Flüstern, eine Frage, welche immer eindringlicher euren Geist zu betören versucht.

Auch eure Crewmitglieder verändern sich. Werden stiller, verhalten sich seltsam. Ihr Blick in weite Ferne gerichtet, an einen Ort, der nicht da zu sein scheint. Murmelnd und betend. Auch ihr fragt euch mit der Zeit: Was ist Realität, was ist Fiktion? Dieser Planet, er kehrt das Innerste nach außen, tiefste Begierden, die in den Wahn führen und euch Wahrheiten vorführen, die ihr längst vergessen hattet. Die Sonne ist ewig, könnt ihr ihr trotzen oder vergeht ihr in ihrem strahlenden Antlitz?

Wundersame Rätsel

Die Geschichte von Saros ist kryptisch und zugleich faszinierend. Zu Beginn werdet ihr einfach ins Spiel geworfen. Ihr erlebt einen tragischen Disput und man erzählt euch, dass ihr mehrere Tage lang fort gewesen seid. Wie ihr zurückgekommen seid, könnt ihr nicht erklären, nicht ihnen, nicht euch. Ein Mysterium, das sich euch erst langsam und nur in Teilen offenbart.

Die Welt, die Charaktere, sie erzählen verworrene Fragmente einer Geschichte, deren Wahrheit sich euch nur langsam öffnet. Scan-Daten von Gegnern, Logs verschiedenster Art und natürlich Gespräche mit einer sich langsam dem Wahn hingebenden Crew füllen Teil um Teil des Puzzles, das ihr lösen müsst. Um diese Geheimnisse zu lüften, müsst ihr auf eure Fähigkeiten ver- und eurem Geist misstrauen.

Wuchtige Kugelhölle

Saros, wie schon einst Returnal, ist ein Rogue-Shooter, der auf eure Talente als Schütze und eure Reflexe setzt, denn Gegnerhorden werden euch mit massig Projektilen zusetzen, mehr als noch in Returnal. Springen, ausweichen und im richtigen Moment euren Energieschild einsetzen sind eure überlebenswichtigen Grundfertigkeiten und dazu ballern, ballern, ballern, was das Zeug hält. Denn ihr werdet nicht selten aus allen Richtungen angegriffen.

Doch fangen wir in aller Ruhe an. Bevor ihr euch ins Getümmel stürzt und die einzelnen Welten von Carcosa erforscht, startet ihr zunächst in einem Außenposten. Hier besprecht ihr euch mit den einzelnen Crewmitgliedern und legt fest, wie es weitergeht, und kümmert euch um eure Ausrüstung. Am Anfang habt ihr allerdings nicht wirklich die Wahl oder etwas zum Ausrüsten und so steht euch nur die erste Welt zur Verfügung.

Carcosa besteht zu großen Teilen aus Schlauchleveln bepackt mit kleineren bis mittleren Kampfarealen, welche sich auch in der Vertikalen ausdehnen. In diesen bewegt ihr euch gerade am Anfang nur laufend und springend. Immer wieder begegnet ihr dabei den Lebensformen des Planeten, garstigen Biomonstern oder Cyborgs, die sich aus dem Nichts vor, aber besonders gern hinter euch materialisieren.

Jedes dieser Monster hat eigene Angriffsparadigmen, die es von euch zu lernen gilt. So gibt es statische Gegner, die euch aus ihrer Position heraus mit Energiekugeln beschießen. Agile Kreaturen, die von einer Ecke zur nächsten springen, um euch dann aus einem nicht einsehbaren Winkel heraus anzuspringen. Die Vielfalt an Gegnern ist riesig und nicht selten explodiert vor euch ein Feuerwerk aus Energiekugeln, die euch nur wenig Spielraum zum Überleben lassen. Gerade die Zusammensetzung verschiedener Kreaturen endet meist tödlich. Über die Biome hinweg können sich Gegner auch weiterentwickeln und neue Angriffe gegen euch einsetzen.

Für den Gewinn nur das Beste

Natürlich seid ihr nicht wehrlos. Eure Firma Soltari stattet euch mit den besten Waffen des Unternehmens aus, welche die Forschung der menschlichen Rasse hergibt. Wuchtige Schrotflinten, Handfeuerwaffen mit Abprallgeschossen, Sturmgewehre mit intelligenter Munition und, und, und … Jede dieser Waffen gibt es zusätzlich in verschiedenen Ausführungen mit eigenen Feuermodi.

Das Gunplay bleibt also das gesamte Spiel über interessant und vor allem wuchtig. Da ihr die Waffen an Schreinen immer neu gewürfelt bekommt, müsst ihr euch entscheiden, ob ihr bei eurer jetzigen Waffe bleibt oder eine Waffe wählt, die eventuell ein höheres Level hat, mit der ihr aber nicht so gut umgehen könnt.

Neben den verschiedenen Waffen ist auch euer Anzug eine mächtige Waffe. Sowohl im Angriff als auch in der Verteidigung absorbiert ihr Energiekugeln und ladet dabei das Sekundärfeuer eurer Waffen auf. Der Schild erhöht neben euren Reflexen die Wahrscheinlichkeit, dass ihr überleben werdet und vielleicht das Ende des Spieles erlebt. Neben Waffen findet ihr auch Upgrades, die euch verschiedene Boni verleihen. Wie zum Beispiel mehr Lucenit oder mehr Schaden, solange ihr volle HP habt. Man lässt euch also nicht völlig wehrlos, wenn ihr allerdings glaubt, dass es nicht schwerer geht, dann weit gefehlt.

Die Welt in gelb

Das Spiel wird vor allem nochmal eine ganze Ecke aggressiver, wenn die Sonnenfinsternis von euch beschworen wird, und das Spiel zwingt euch von Zeit zu Zeit in diese Parallelwelt zu wechseln. Die Welt wird in gelb getaucht, die Gegner werden unberechenbarer, bekommen neue Energiekugeln, mit denen sie eure Lebenskraft reduzieren können, und wirken generell gefährlicher. Dabei hängt euer Leben an einem seidenen Faden. Sterbt ihr, geht der Zyklus von vorne los und ihr müsst euch wieder durch das Areal kämpfen.

Die Areale haben im Gegensatz zu Returnal Checkpoints. Diese gibt es immer zu Beginn eines neuen Areals. Ihr könnt euch also entscheiden, ob ihr vom Checkpoint aus startet oder lieber wieder ganz von vorne, die Areale sind miteinander verbunden. Letzteres bringt euch mehr Lucenit, Waffen mit höherem Level und vielleicht auch bessere passive Ausrüstung.

Der Tod ist erst der Anfang

Sterbt ihr jedoch, ist hier nicht alles gleich verloren, ihr könnt einiges an Fortschritt in den nächsten Durchgang mitnehmen. Saros bringt dieses Mal einen recht großen Skilltree mit. Dieser bietet euch viele Verbesserungen, die ihr für Lucenit eintauschen könnt. Beispielsweise, dass ihr direkt mit Waffen startet, die ein höheres Ausgangslevel haben oder eure Heilung effektiver gestalten, auch ein zweites Leben ist möglich. Der Skilltree ist in mehrere Abschnitte unterteilt, ein noch nicht erledigter Boss ist eine interne Sperre, die sich erst mit eurem Sieg auflöst.

Um das Ganze noch etwas schwerer zu machen, gibt es in den verschiedenen Biomen rund um Carcosa noch deutlich finsterere Orte. Hierbei handelt es sich um kleinere Kampfareale mit äußerst harten Gegnern, aber auch seltenen Belohnungen, die eure Statuswerte permanent erhöhen.

Habt ihr trotzdem irgendwo ein Level erreicht, wo ihr an den Gegnern mal um mal scheitert, liefert euch Saros auch hier eine Lösung. Eine Hilfe in Form von Modifikatoren. Diese können euch das Spielen deutlich erleichtern. Je mehr ihr allerdings davon nutzt, desto mehr müsst ihr das Ganze mit Strafmodifikatoren ausgleichen. Sprich: weniger Schaden durch die Gegner, dafür aber weniger Lucenit-Drops. Ist euch das Spiel dann immer noch zu schwer, kann man diese Regulation über das Optionsmenü deaktivieren. Das hat auch keine Auswirkungen auf eventuelle Trophys, es macht das Spielen nur angenehmer.

In den Staub

Dennoch werdet ihr, gerade wenn ihr neu in diesem Genre seid, relativ oft sterben. Die Kämpfe in Saros bleiben das ganze Spiel über wuchtig, spannend, nicht selten auch äußerst frustrierend. Wenn man ein Areal allerdings geschafft hat, fühlt man sich so mächtig, dass man gleich weitermachen möchte.

Nur um sich dann gleich wieder ganz klein im Adrenalinrausch zu befinden. Das Gameplay von Saros ist anspruchsvoll, nervenaufreibend und macht unglaublich süchtig. Vom simplen Sprung bis hin zu Kontermechaniken müssen die Fähigkeiten in Fleisch und Blut übergehen, wenn ihr das Geheimnis von Carcosa erfahren möchtet.

Zerklüftete Gebirge und uralte Ruinen

Die Welt in Saros ist alles andere als ein Paradies und wirkt dennoch prachtvoll. Eine unwirtliche Gegend bestehend aus Sümpfen, tiefen Schluchten und alten, erhabenen Ruinen. Über euch thront stets die Sonnenfinsternis und ermahnt euch, dass ihr nichts seid in einer Welt aus Fels und Gewalt. Saros wirkt in all seiner Detailverliebtheit einfach beängstigend schön. Saros gibt ein Gefühl der Verlorenheit mit seinen Ruinen einer Zivilisation, die es scheinbar schon seit Jahrhunderten nicht mehr zu geben scheint.

Die Welt erdrückt euch durch die gefühlt monolithischen Bauten und die hohen Gebirge. Schon das erste Level mit verschlungenen Bergpfaden, in denen seltsam mit Gewalt gepresste, hochtechnologische Konstrukte irgendwie fehl am Platz wirken. Umschlungen von wunderschönen alten Ruinen, die einst einen erhabenen Anblick geliefert haben müssen.

Diese Kombination aus nicht zusammenpassenden Elementen wirkt bizarr und trotzdem harmonisch. Maschinen und Überreste dieser längst vergangenen Zivilisation jagen euch mit all ihrer Präsenz, während vogelähnliche Schwärme die weite Welt Carcosas durchströmen. Tod und Leben, Schönheit und Verfall, all das spiegelt sich in der Welt von Saros wider. Gepaart mit einem unwirklichen Gefühl, das euch sagt, dass ihr nicht und doch willkommen seid.

Die Sonne ist ewig

Dieses Gefühl der Bedrängnis verstärkt sich, sobald sich die Welt verschiebt und ihr die volle Pracht der Sonne erlebt. Eine Welt getaucht in Flammen und Wahnsinn. Tentakel, die sich über den Boden erstrecken und unwirklich im goldgelben Glanz der Welt erstrahlen. Im gleichen Glanz erstrahlen auch die Lebewesen. Gefährlich und erhaben trachten sie in bizarren Formen nach eurem Leben.

Housemarque hat ein groteskes Bild der Faszination und des Grauens erschaffen, ohne dabei gruselig zu sein. Der Wahnsinn dringt mit der Zeit aus jeder Ecke und ihr lasst euch einfach mit dem Strom dahingleiten. Der Entwickler beherrscht es wunderbar, eine zerbrochene Welt visuell umzusetzen. Dabei läuft das Spiel butterweich, selbst auf einer Standard-PS5. Framedrops in einem Spiel, das auf Geschwindigkeit und Geschicklichkeit setzt, wären fatal, tauchen über das gesamte Spiel aber auch nicht auf.

Der Wahnsinn hat eine Melodie

Dazu gesellt sich eine Soundkulisse, die euch das Blut in den Adern gefrieren lässt. Wuchtig metallisch und doch nachgiebig. Dann wieder schneidend und durchdringend kreieren die einzelnen Stücke ein eindringliches, pulsierendes Erlebnis. Sie hinterlassen einen spürbaren Eindruck, was um euch herum und mit den Charakteren passiert. Leise lässt euch das Spiel der Gefahr gewahr werden, nur um dann in einem lauten Crescendo über euch herzufallen.

Auch die verschiedenen Figuren tragen mit ihren Dialogen zur verzweifelten Situation bei. Einer Situation, in der nicht alles nach Plan läuft, aber immer noch irgendwo so etwas wie Hoffnung besteht. Die in etwas umkehrt, das monströs wirkt. Housemarque hat insgesamt mit einer bizarren Geschichte, grenzwertigen Welten, einem unwirklichen Soundtrack und hervorragenden Sprechern ein Gesamtkunstwerk geschaffen, das seinen Vorgänger noch übertrifft.

Unterm Strich

Bildmaterial: Saros, Sony Interactive Entertainment, Housemarque

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Titel	Honkai: Nexus Anima
	TBA
	Cognosphere
	TBA
	Cognosphere
	TBA
	Cognosphere
System	PC, Android, iOS
Getestet für	PC
Entwickler	miHoYo
Genres	Abenteuer, Strategie
Texte
Vertonung

Liebens- und verachtenswerte Charaktere bieten einen starken Einstieg

Wie bereits Petit Planet vor wenigen Wochen startet Honkai: Nexus Anima extrem stark – in mehreren tollen Zwischensequenzen wird euch mit dem etwas überreizten Klischee des Helden mit Gedächtnisverlust erklärt, wie diese wundersame Welt funktioniert – und warum die Nexus Anima und zum Teil auch die Menschen spezielle Fähigkeiten haben.

Leider nutzen auch eure Gegenspieler diese besonderen Fähigkeiten und machen uns so das Leben schwer. Bereits nach wenigen Stunden Spielzeit empfinden wir die Antagonisten als wirklich unangenehm und verachtenswert – und das nicht nur, weil sie es auf unser Leben abgesehen haben.

Nur dank unerwarteter Entwicklungen können wir in letzter Sekunde aus den lebensgefährlichen Situationen entkommen. Die Antagonisten sind überzeugend geschrieben und charakterliche Unsympathen, die wesentlich glaubwürdiger sind und strategischer vorgehen als die teilweise trotteligen Antagonisten in den Konkurrenzspielen.

In Honkai: Nexus Anima ist es wirklich unangenehm, eine durchaus intelligente Yandere-Charakterin an den Fersen zu haben, die nun voller Hass ist und sich für einen vergangenen Herzensbruch – an welchen wir uns nicht erinnern – an uns rächen möchte. Um es direkt zu sagen: Einen Anime mit dieser Story würden wir uns auch ansehen.

Beta wirkt bereits wie aus einem Guss

Das Gameplay entspricht den Erwartungen. Honkai: Nexus Anima ist ein relativ simples Abenteuer im Stile der bisherigen HoYoverse-Titel, das an einigen Stellen aufpoliert wurde. Positiv fällt besonders das übersichtliche Menü auf, das deutlich weniger überladen wirkt als das vergangener Spiele des Entwicklers.

Die Monstersammel-Mechanik mit der entsprechenden Enzyklopädie dahinter ist durchaus nett, aber geht keine unbekannten Wege. Die Materialschlacht beim „Binden“ der Nexus Anima im späteren Spielverlauf ist vorhersehbar grindlastig, wenn man „sie alle schnappen“ und aufleveln will, um bestmögliche Teams zusammenzustellen.

Kampfsystem überzeugt nach kurzer Eingewöhnung

Das Autobattle-Kampfsystem, das wir als einen echten Wackelkandidaten des Spiels sahen, überzeugt nach einer kurzen Eingewöhnungsphase. Die 9-vs.-9-Kämpfe laufen größtenteils automatisch ab, können jedoch durch Spezialfähigkeiten der menschlichen BegleiterInnen beeinflusst werden.

Bei herausfordernden Kämpfen ist es wichtig, seine Nexus Anima strategisch geschickt auf dem Spielfeld zu platzieren und die Spezialfähigkeiten im passenden Moment zu aktivieren. Manche Monster sind vor allem im 1-vs.-1 stark, während andere ihr volles Potenzial erst entfalten, wenn sie von mehreren Gegnern umzingelt sind. Wiederum andere greifen besser aus der Distanz an.

Dazu gibt es die bekannten Vor- und Nachteile bei den Typen. All das zeigt schon in den ersten Spielstunden, dass uns im späteren Spielverlauf taktische Kämpfe erwarten, die durch mehrere unterschiedliche Faktoren beeinflussbar sind. Jedoch ist auch klar: Die Kämpfe sind eher indirekt kontrollierbar und die Strategie zu Beginn des Kampfes entscheidet, denn während des Kampfes gibt es nur wenig Einflussmöglichkeiten.

Übrigens haben bei weitem nicht alle Nexus Anima Entwicklungsstufen – in der Beta sind nur eine geringe Anzahl an Monstern überhaupt abseits der Level, also auch „physisch“ veränderbar. In der Regel sind das die seltenen 5-Sterne-Monster, für die man zudem noch besondere Voraussetzungen vor der Entwicklung erfüllen muss – etwa einen bestimmten Story- oder Nebenmissionen-Fortschritt.

Die Entwicklungen selbst sind aktuell noch etwas schwach präsentiert – da geht sicher noch mehr bis zur Vollversion. Wer allerdings gerne Monster jagt, kann täglich ein Nexus Anima mit Farbabweichungen (hier „Chroma“ genannt) einfangen. Allerdings auch hier – es kann in eine grindlastige Materialschlacht ausarten, sie alle haben zu wollen.

Technisch auf der Höhe der Zeit

Technisch überzeugt Honkai: Nexus Anima in vielen Punkten. HoYoverse kann die Stärken der bisherigen Titel eins zu eins ins neue Spiel übernehmen. Die Technik borgt man sich zum Teil sehr offensichtlich von Zenless Zone Zero, auch einfache Raytracing-Effekte wie RTGI, RT-Reflexionen und RT-Schatten sind mit am Start und lassen die Grafik auf PCs der unteren Mittelklasse überzeugend wirken – auch wenn diese inzwischen leider auch schon um die 1000 Euro kosten.

Stilistisch und im Charakterdesign orientiert man sich dagegen an Honkai: Star Rail. Das Monsterdesign ist kreativ, aber zum Teil gewöhnungsbedürftig. Die Animationen sind passend und halten besonders bei den Idle-Animationen gelegentlich Überraschungen bereit.

Dazu kommt ein orchestraler Soundtrack und eine bis auf den Hauptcharakter vertonte, mitreißende Hauptstory mit mehreren Zwischensequenzen. Ebenfalls positiv: Bis auf den Start des Spiels gibt es keine nennenswerten Ladezeiten und das, obwohl die offene Spielwelt vergleichsweise groß und detailreich ist.

Mit ein wenig Mut könnte man die wenigen, sehr kurzen Ladebildschirme am PC auch ganz entfernen, durch kurze Übergangseffekte ersetzen und so den nahtlosen Eindruck der Spielwelt verstärken. Der Titel wirkt technisch ungewöhnlich stark für eine Beta. Ein wirklicher Mangel ist nur der bisher fehlende Controllersupport.

Ein möglicher Top-Titel im Bereich der Monstersammler

Bildmaterial: Honkai: Nexus Anima, miHoYo, Hoyoverse

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Titel	Denshattack!
	15. Juli 2026
	Fireshine Games, Boltray Games
	15. Juli 2026
	Fireshine Games, Boltray Games
	15. Juli 2026
	Fireshine Games, Boltray Games
System	PS5, Xbox Series, Switch 2, Steam
Getestet für	PC (Steam)
Entwickler	Undercoders
Genres	Action, Abenteuer
Texte
Vertonung

Denshattack! ist so bunt und verrückt, dass das Spiel sogar während einer Nintendo Direct auffällt. Ein Zug, der quer durch Japan rast, gegen Gundam-style Transformer-Züge kämpft, dabei Riesenräder als Behelfsgleise nimmt und zwischendurch bessere Trickjumps hinlegt, als es Tony Hawk zu seinen besten Zeiten gekonnt hätte, fällt einfach sofort ins Auge.

Kein Wunder war das „Rail-Action-Adventure“ sofort bekannt wie ein bunter Zug mit Katzenohren und war für uns das Signal, den Test mit Maximalgeschwindigkeit durchzuführen. Um die unvermeidliche Frage direkt vorab zu beantworten: Ja, der Zug hat eine Bremse. Er setzt sie aber nur selten ein.

Clear the tracks, I’m a train!

Die Story ist schnell erzählt: Nach einer Klimakatastrophe leben die Reichen in luftreinigenden Kuppelstädten; außerhalb herrscht Verfall und Gesetzlosigkeit. In dieser Welt ist Hauptcharakter Emi eine Lieferantin – bei einer Ramen-Lieferung (was auch sonst?!) erfährt sie von Denshattack – einer Gruppe von Gesetzlosen, die auf stillgelegten Gleisen ihre Konflikte austrägt und so die Hoheit über Gebiete Japans erlangt. Denn die eigentlichen Gleise werden von der mächtigen Miraido‑Corporation kontrolliert, sodass Personen und Waren schnell an ihr Ziel kommen.

Also wird der eigene Zug aufgemotzt, mit Graffiti gestylt und die Gebiete von Kyūshū bis Hokkaidō bereist. Währenddessen gibt es Auseinandersetzungen mit den jeweiligen Gangs, um die Gleise in Zukunft nutzen zu dürfen.

Auf der Reise freundet ihr euch mit vielen Leuten an, macht Denshattack-Fans zu Guides, ehemalige Diplomatensöhne zu Freunden und verbündet euch mit anderen Gangs, um am Ende gewappnet zu sein für die Liberalisierung des Gleisverkehrs – und vielleicht sogar noch viel mehr. Denn wer die Gleise nicht frei macht, wird einfach weggerammt.

Grinden über die Rainbow Rail

Das Spielprinzip ist so einfach wie fesselnd: Mit einem ordentlichen Grundstock an Fähigkeiten startet ihr den Zug – springen, bremsen, hupen, driften, Trickjumps, grinden, stampfen – und das alles am besten als lange Kombo.

Am Anfang ist das etwas überfordernd, besonders wenn man die frühen 2000er mit Jet Set Radio und Tony Hawk’s Pro Skater nicht miterlebt hat. Doch nach ein bis zwei Stunden geht es durch ständige Wiederholungen langsam in Fleisch und Blut über.

Durch die rasante Raserei durch das stilisierte Japan verliert man auch schon mal die Übersicht. Zum Glück helfen hier Anzeigen im Stile von Quick-Time-Events, die nötigen Eingaben nicht zu verpassen. Manche Strecken übertreiben es damit ein wenig – es fühlt sich dann fast so an, als ob man mehrere Minuten hintereinander Quick-Time-Events aneinanderreiht, unterbrochen von verrückten Grafiken, Animationen und wilden Grinds. Wer sich bei den Kombos geschickt anstellt, schaltet eine zusätzliche Gleisspur in Regenbogenfarben frei.

Treffen sich ein Zug, eine Unterwasser-Bahn, eine Monorail, eine Hängehochbahn und ein Vakuumzug in der Halfpipe zum Grinden …

Denshattack! ist wie ein nicht enden wollender Fiebertraum. Die Riesenräder als Behelfsgleise wurden bereits erwähnt, aber ein echter Denshattack-Zug lässt sich auch von Seen nicht aufhalten und kann auch wunderbar auf Schienen in der Luft fahren.

Im Notfall hängt er sich eben in eine Schiene in der Luft und schwingt sich von Seite zu Seite, um Hindernissen auszuweichen. Wenn das nicht reicht, muss eine Hauswand für einen Wallride herhalten, von der man geschickt auf das nächste Gleis springt. Wenn in Großstädten die Glaskuppel im Weg ist, wird diese in bester Actionfilm-Manier durchbrochen, nur um die lokalen Züge von der Schiene zu rammen und den Anwohnern spektakuläre Tricks zu präsentieren – gerne auch während einer Kabuki-Theatervorstellung.

Gelegentlich ist es auch nötig, den Zug gezielt zum Entgleisen zu bringen – etwa, wenn ein Gang-Vorsteher seinen Zug mit hunderten Flammenwerfern aufgemotzt hat und im Tunnel aus eurem Zug eine Ersatzteilsammlung machen möchte.

Spielerisch zwischen Jet Set Radio, 3D-Sonic und Mobile-Games

Die Zwischenbosse werden in reinster Sonic-Manier präsentiert. Wegrennen vor großen Hindernissen, gefühlt endloses Rail-Grinden, wechseln zwischen den Spuren, Weichen aktivieren, Trickjumps durchführen und vieles mehr ist nötig, um die Zwischenbosse zu beseitigen.

Oft geht es auch in Richtung des Mobile-Spiels Sonic Dash: Mehrere Spuren, viele Hindernisse und der Boss wirft Objekte nach euch, die ihr durch gut getimte Tricks auf ihn zurückschlagen müsst. Mit der Zeit wird es jedoch etwas repetitiv – die verrückte Story und die hübsch gestaltete Umgebung trösten jedoch darüber hinweg, dass die klassische Arcade-Action nicht in jedem einzelnen Level begeistern kann.

Dazu kommt, dass manche Spielabschnitte – insbesondere diejenigen mit vielen Quick-Time-Events – etwas hektisch werden und daher die entsprechenden 10–30 Sekunden häufiger wiederholt werden müssen.

Weniger reden, mehr Denshattack!

Manches an Denshattack! ist fast schon schmerzhaft Retro. Nicht nur die Highscorejagd und die versteckten Sammelelemente im Level erinnern an die alten Zeiten. Auch die Oberwelt mit ihren einzelnen Leveln wird dargestellt, wie wir sie seit langer Zeit aus den 2D-Mario-Spielen kennen.

Die Hauptstory-Abschnitte werden in kleinen, im Anime-Stil gehaltenen Sequenzen gehalten, die Nebenabschnitte dagegen im Visual-Novel-Stil mit den für die späten 90er typischen, kurzen Sprachsamples und Geräuschen.

Anderes ist voll auf der Höhe der Zeit: Die vertonten Sequenzen haben bekannte Synchronsprecher, dazu wird man zum Start Kollaborationen mit bekannten VTubern wie Ironmouse starten, die Besonderheiten im Spiel freischalten. Die Musik passt sehr gut zu den actiongeladenen Rennen und motiviert für die nächste Runde.

Was für ein wilder Ritt!

Bildmaterial: Denshattack!, Fireshine Games, Boltray Games, Undercoders

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Mit Mitte 30 gehöre ich zu denjenigen, die noch fertig entwickelte Spiele auf Modulen und Discs miterlebt haben. Jedoch war ich von Anfang an offen für neue Entwicklungen in der Gaming-Branche. Game Dev Story im Google Play Store, die Orange Box auf Steam, kreative Indies via Humblebundle, Gratisspiele im Epic und Amazon Store, aktualisierte Nintendo-Klassiker in der Virtual Console, kreative Top-Spiele per WiiWare und nicht zuletzt obskure F2P-Online-Spiele aus China und Korea wie Silkroad Online und PangYa – mit rein digitalen Spielen hatte ich in den letzten 20 Jahren sehr viel Spaß.

Dennoch sehe ich das Aus der Discs auf der PlayStation auch als tendenziell progressiv eingestellter Mensch kritisch. Nicht, weil ich dem runden Polycarbonat in rechteckiger Plastikummantelung nachtrauere – mit gutem Merchandise kann ich als Erinnerung an tolle Spielmomente deutlich mehr anfangen, wie meine Kreditkarte bestätigen kann. Vielmehr ist das Problem, dass den KundInnen eine Option genommen wird, die für sie viele Vorteile hat – ohne, dass Sony einen vergleichbaren digitalen Ausgleich schafft.

Kundenfreundliche Digital-Stores sind besser als Discs

Steam, GOG und zum Teil auch der Google Play Store zeigen, wie digitale Stores auszusehen haben. Wenn ein digitaler Vertrieb gut umgesetzt wird, ist ein digitaler Spiele-Shop ein Gewinn für SpielerInnen und Publisher.

Steam hält als größte digitale Spieleplattform auf dem PC eine gute Balance zwischen Kundenfreundlichkeit und Publisher-Freundlichkeit – auch wenn mehrere Publisher das anders sehen. Bemängelt werden unter anderem die angeblich hohen Gebühren und zu hohe Transparenz durch API-Abfragen, die durch Dienste wie SteamDB ausführlich genutzt werden.

Besonders Steam bietet aber viele kundenfreundliche Features. Angefangen vom ausführlichen Bewertungssystem über ausführliche Produktbeschreibungen mit sehr vielen wichtigen Informationen auf einen Blick. Viele davon sind nützlich, da sie KundInnen negativ betreffen können, wie DRM, Drittaccounts und KI-Nutzung in den Spielen. Dazu kommen das universelle Rückgaberecht, kostenlose Online-Dienste und Cloud‑Saves, ein überwiegend guter Kundensupport und natürlich eine große Auswahl zu fairen Preisen, besonders in den bekannten Steam Sales.

Bereits Gekauftes gratis verbessern und erweitern

Dazu kommen viele neue Entwicklungen, von denen auch alte Spiele profitieren. Mit Proton laufen Steam-Spiele problemlos auf Linux- und MacOS-Geräten, aber auch in mobilen Android-Geräten und bekannten Cloud-Diensten können die Steam-Dienste angebunden werden. Dazu testet man derzeit bei Valve eine KI-Funktion, die vorhersagen soll, wie performant das Spiel auf dem eigenen PC laufen wird. Nicht umsonst ist Steam die derzeit wahrscheinlich beliebteste Plattform für Indie-Entwickler und kleine Publisher – und gleichzeitig der Favorit der meisten PC-SpielerInnen.

Google Play geht in eine eigene Richtung. Der Preis-Leistungs-Sieger der digitalen Spiele-Stores ist bekannt für seine sehr niedrigen Einstiegshürden für kleine Entwickler und Publisher. Durch die gute Kuratierung geht kaum ein herausragendes Spiel in der Masse der digitalen Spiele unter.

Als Bonus gibt es auch hier gute Bewertungsfunktionen und gratis Cloud-Speicher. Mit Google Play Spiele für Windows öffnet sich der Store dazu auch für Windows-Laptops, um nahtlos auf möglichst vielen mobilen Geräten spielen zu können – und nicht nur auf Google-Phones und Tablets.

GOG ist dagegen führend bei der digitalen Archivierung von Spielen. Die Spiele ohne Kopierschutz werden oft noch gepatcht, modernisiert und angepasst – damit man die 20 Jahre alten Discs nicht selbst patchen, in ini-Dateien editieren, zweifelhafte Fan-Patches integrieren oder eine DosBox konfigurieren muss.

Das PSN muss kundenfreundlicher werden

Davon bietet der PlayStation Store bisher nur wenig. Das PSN kann vor allem von Steam noch viel lernen – nicht nur bei den Sales und den allgemein niedrigeren Preisen auf dem PC, da im offenen Ökosystem echte Konkurrenz statt zentral gesteuerter, dynamischer Preisgestaltung herrscht, auf die der freie Markt kaum einen Einfluss hat.

Allgemein wirkt der Store sehr eingeschränkt. Steam bietet deutlich tiefere Community‑Funktionen wie Foren, Guides, Kuratoren, Workshops und Reviews, die den SpielerInnen wirklich weiterhelfen.

Steam erlaubt gerade kleineren Studios vergleichsweise einfachen Zugang zu Millionen KundInnen, und hilft den ihnen, mit guter Kuratierung, regelmäßigen Aktionen und KI-gestützten Tools wie dem persönlichen Spielekalender auch weniger bekannte Spiele sichtbar zu machen.

Im Sony-Store sind vor allem die Kosten für Kunden und Publisher hoch – kein Wunder, dass viele kleinere und Indie-Studios ihre Spiele mehrere Jahre auf Steam bekannt machen, bevor man überhaupt eine Version für die PlayStation-Konsolen berücksichtigt.

Auch auf Kundenseite ist Sony in vielen Punkten deutlich schlechter, teurer und eingeschränkter. Cloud-Speicherstände und Online-Multiplayer gibt es nur gegen Münzeinwurf, idealerweise im Abo. Ein allgemeines Rückgaberecht für digitale Spiele gibt es nicht, selbst bei technisch stark mangelhaften Spielen ist eine Rückgabe jedes Mal eine Einzelfallentscheidung.

Sony mangelt es an Transparenz

Bei Spielen gibt Sony selbst nur die nötigste Auskunft – was oft ein Vorteil für den Publisher, aber ein Nachteil für die KundInnen ist. Ein vergeigter Patch geht oft in der Masse der Bewertungen unter und KI-Nutzung in den Spielen wird gar nicht erst angegeben – klar, denn Sony selbst nutzt KI-Tools in den eigenen Spielen.

Die Abwärtskompatibilität ist oft grob – wirkliche Verbesserungen kann man häufig nicht erwarten. Aber auch Patches für die Pro-Konsolen sind mangelhaft und werden nicht transparent dargestellt. „Für PS5 Pro verbessert“ kann beispielsweise alles bedeuten – von schlechterer Bildqualität und Framerate bis hin zu umfassenden Überarbeitungen, gelungener PSSR-Integration und genialen Raytracing-Effekten.

Transparenz und Kundenfreundlichkeit sind keine Lava, die man nicht berühren sollte. Sony sollte hier dringend nachbessern, wenn sie im Zuge ihrer Umstellung auf Digital-Only nicht noch mehr langjährige Fans verärgern wollen.

Bildmaterial: Sony Interactive Entertainment

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Titel	Echoes of Aincrad: Sword Art Online
	09. Juli 2026
	Bandai Namco Entertainment
	10. Juli 2026
	Bandai Namco Entertainment
	10. Juli 2026
	Bandai Namco Entertainment
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC/Steam
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Game Studio, Inc.
Genres	Action-JRPG, Anime
Texte
Vertonung

Es gibt nur wenige Anime- und Light-Novel-Reihen, die das Medium so nachhaltig geprägt haben wie Sword Art Online. Angefangen bei den ursprünglichen Web Novels, später den erfolgreichen Light Novels, über zahlreiche Anime-Staffeln und Filme bis hin zu einer ganzen Flut an Videospielen. Und das durchaus mit Erfolg: Bis März 2026 konnten sich die verschiedenen Konsolenspiele zusammen bereits über zehn Millionen Mal verkaufen.

Mit Echoes of Aincrad: Sword Art Online wagt Game Studio gemeinsam mit Bandai Namco Entertainment nun den nächsten Anlauf. Schon bei der ersten Vorstellung wurde deutlich, dass diesmal vieles anders laufen soll. Weg vom Koop- und Live-Service-Ansatz des Vorgängers Sword Art Online: Fractured Daydream, zurück an den Ort, an dem alles begann: Aincrad.

Statt Multiplayer steht diesmal wieder eine reine Einzelspieler-Erfahrung im Mittelpunkt. Auch erzählerisch schlägt das Spiel neue Wege ein. Statt sofort auf bekannte Gesichter zu setzen, rückt zunächst die eigene Spielfigur ins Zentrum.

Während des Tests entstand bei mir immer mehr der Eindruck, dass die Entwickler bewusst einen Neustart wagen und gleichzeitig neue Spielerinnen und Spieler abholen möchten. Ein Ansatz, der auf dem Papier durchaus vielversprechend klingt.

Das kommt der Reihe durchaus zugute. Die bisherigen Spiele galten selten als wirkliche Kritikerlieblinge und selbst innerhalb der Fangemeinde gingen die Meinungen häufig auseinander. Zu viel Grind, zu viel Kirito im Mittelpunkt und natürlich der obligatorische Harem, der ihn auf Schritt und Tritt begleitet. Gerade Letzteres geht Echoes of Aincrad erfreulicherweise deutlich anders an. Das fühlt sich angenehm frisch an. Warum am Ende aber trotzdem nicht alles Gold ist, was glänzt, erfahrt ihr in diesem Test.

Kirito? Nie gehört.

Es geht zurück an den Anfang – allerdings aus einer völlig neuen Perspektive. Statt erneut in die Rolle von Kirito zu schlüpfen, erstellen wir unsere eigene Spielfigur und gehören zu den Beta-TesterInnen des neuen VRMMORPGs Sword Art Online. Eigentlich als Solo-SpielerIn unterwegs, kämpfen wir uns durch die ersten Ebenen der schwebenden Festung Aincrad.

Ganz allein sind wir dabei allerdings nicht. Mit Saayu, Wyzeman und dem stoischen, aber herzensguten Iori begleiten uns weitere Beta-TesterInnen auf unserer Reise. Auch bekannte Gesichter wie Argo stoßen schon früh zur Gruppe. Genau diesen Einstieg konnten Fans übrigens bereits in der Demo erleben.

Willkommen in Aincrad

Mit dem offiziellen Start des Spiels nehmen die Ereignisse dann ihren bekannten Lauf. Plötzlich sind sämtliche SpielerInnen in Sword Art Online gefangen. Aus einem harmlosen Spiel wird tödlicher Ernst: Wer in Aincrad stirbt, stirbt auch in der Realität. Fans der Reihe wissen natürlich längst, worauf das hinausläuft – dennoch funktioniert dieser Moment auch hier erstaunlich gut.

Als ehemalige Beta-TesterInnen genießen wir gegenüber vielen anderen einen kleinen Wissensvorsprung. Wir kennen einige Mechaniken, wissen, was uns erwartet, und besitzen dadurch Vorteile. Genau das macht uns allerdings nicht unbedingt beliebt. Schnell geraten wir ins Visier anderer SpielerInnen, die uns Misstrauen entgegenbringen und uns für ihre aussichtslose Lage mitverantwortlich machen.

Wenn SAO seine stärksten Geschichten erzählt

Von hier an entwickelt sich die Handlung langsam zu einem größeren Ganzen. Das Ziel ist klar: Ebene für Ebene erklimmen, das Spiel abschließen und Aincrad endlich entkommen. Bis die Geschichte allerdings wirklich Fahrt aufnimmt, braucht sie etwas Geduld. Nach dem Beta-Test vergeht vergleichsweise viel Zeit, bevor größere Wendungen folgen oder weitere bekannte Figuren aus der Vorlage ihren Auftritt bekommen.

Ihre stärksten Momente hat die Handlung ohnehin an ganz anderer Stelle. Besonders eindrucksvoll sind die vielen kleinen menschlichen Schicksale innerhalb dieser aussichtslosen Situation. Immer wieder erleben wir mit, wie Menschen an der neuen Realität zerbrechen, die Hoffnung verlieren oder verzweifelt versuchen weiterzumachen.

Gerade weil jeder Fehler tödliche Konsequenzen haben kann, entwickeln viele dieser Geschichten eine überraschend emotionale Wucht. Hier zeigt Echoes of Aincrad seine stärkste Seite. Schade nur, dass einige Abschnitte die Handlung unnötig strecken. Das Tempo leidet darunter gelegentlich, insgesamt bleibt die Geschichte aber spannend genug, um bis zum Ende bei der Stange zu halten.

Endlich die Hauptrolle

Kirito, Asuna und Co. bleiben zunächst erstaunlich weit im Hintergrund – schließlich geht es diesmal um uns selbst. Mit der Gefangenschaft in Sword Art Online sind alle SpielerInnen gezwungen, ihre wahre Gestalt aus der realen Welt anzunehmen. So auch wir.

Den generischen Beta-Tester-Avatar lassen wir hinter uns und erstellen in einem Charaktereditor unseren eigenen Helden oder unsere eigene Heldin. Der fällt zwar recht rudimentär aus und hätte durchaus mehr Möglichkeiten vertragen können, trotzdem ist es eine willkommene Abwechslung, endlich einmal die Hauptrolle selbst übernehmen zu dürfen.

Ein Held ohne Stimme

Leider bestätigt sich dabei auch eine meiner größten Befürchtungen. Unser eigener Charakter besitzt ungefähr so viel Charisma wie ein Ziegelstein – und ähnlich viel hat er auch zu sagen. Die wenigen Entscheidungsmöglichkeiten beschränken sich meist auf Optionen wie „nicken“ oder „verwirrt schauen“. Kein Witz.

Andere Spiele mit selbstgebastelten ProtagonistInnen haben das deutlich eleganter gelöst. Monster Hunter Stories 3 schaffte es zum Beispiel zuletzt, seiner Hauptfigur eine richtige Persönlichkeit zu verleihen. Dagegen wirkt unser eigener Avatar hier stellenweise eher wie einer der NPCs, die wir unterwegs treffen, statt wie die eigentliche Hauptfigur der Geschichte.

Viel Routine, wenig Überraschung

Auch die Nebenaufgaben hinterlassen einen eher gemischten Eindruck. Die meisten davon sind klassische Fetch-Quests, wie sie im Lehrbuch stehen. Anfangs dachte ich noch, das Ganze wäre vielleicht als augenzwinkernder Kommentar auf typische MMORPG-Aufgaben gedacht – schließlich passt das zum Setting. Doch leider steckt dahinter keine Meta-Ebene. Stattdessen erledigen wir und unsere BegleiterInnen bereitwillig eine erstaunlich repetitive Aufgabe nach der nächsten. Das ist schade und verschenkt einiges an Potenzial.

Eine angenehme Ausnahme bilden die Charakter-Quests. Diese erzählen kleinere Geschichten rund um die Figuren, bieten gelungenen Fan-Service und belohnen langjährige Fans mit zahlreichen bekannten Gesichtern aus dem SAO-Kosmos. Neben Argo begegnen wir unter anderem auch Agil, Diavel, Lisbeth und Silica. Gerade für Fans der Reihe sind diese Begegnungen ein echtes Highlight.

Die Stadt als Dreh- und Angelpunkt

Unsere Reise beginnt in der Stadt der Anfänge, die gleichzeitig als zentrale Basis dient. Hier finden wir Truhe, Schmied und Händler, bereiten uns auf die nächsten Missionen vor und verbessern unsere Ausrüstung. Etwas seltsam ist allerdings, dass sich Ausrüstung ausschließlich hier wechseln lässt. Positiv fällt dagegen das Transmog-System auf. Kleidung kann unabhängig von ihren Werten frei angepasst und sogar eingefärbt werden – ein kleines, aber sehr willkommenes Detail.

Auch das Aufleveln orientiert sich an bekannten Genre-Größen. Ähnlich wie in Elden Ring verteilen wir unsere Attributspunkte selbst, wodurch Waffen entsprechend ihrer Skalierung stärker werden. Das sorgt für genügend Freiheiten beim eigenen Build, auch wenn das System insgesamt eher klassisch ausfällt.

The Running (Wo)man

Quests starten wir über ein Terminal in der Stadt und werden anschließend in einen fest definierten Quest-Bereich teleportiert. Eine frei zusammenhängende Welt gibt es dadurch also nicht. Selbst Nebenaufgaben müssen separat ausgewählt und unabhängig von der Hauptgeschichte abgeschlossen werden. Das ist schade und kratzt spürbar an der Immersion einer eigentlich zusammenhängenden Welt.

Innerhalb dieser Gebiete erwarten uns dafür durchaus weitläufige Landschaften. Allerdings müssen wir sämtliche der sehr langen Strecken zu Fuß zurücklegen. Immerhin warten unterwegs Schatztruhen mit Ausrüstung, Materialien oder gelegentlich auch Bauplänen für neue Waffen und Rüstungen.

Eine Welt mit vielen Grenzen

Daneben finden sich kleinere Points of Interest, die etwas Hintergrundwissen zur Welt liefern. Was allerdings auffällt: Andere SpielerInnen oder In-Game-NPCs sucht man nahezu vergeblich. Gerade für ein MMORPG-Setting fühlt sich Aincrad dadurch stellenweise erstaunlich leer an.

Auch die Fortbewegung selbst sorgt nicht immer für Freude. Weder klettern noch schwimmen sind möglich und schon kleinere Höhenunterschiede führen dazu, dass der Bildschirm schwarz wird und wir an sicherer Stelle wieder auftauchen. Gerade beim Erkunden wirkt das unnötig einschränkend und holt einen regelmäßig aus der Atmosphäre heraus.

„Oh look, it’s a boar!“

Während unserer Reise verbringen wir naturgemäß einen Großteil der Zeit im Kampf. Leider zeigt sich hier auch schnell eines der größten Probleme des Spiels: die Gegner-Vielfalt. Gefühlt habe ich auf meinem Abenteuer mindestens 50.000 Ebern den Garaus gemacht. Natürlich ist das leicht überspitzt formuliert, doch mehr Abwechslung hätte dem Spiel definitiv gutgetan.

Ähnlich sieht es bei den Bosskämpfen aus. Viele bekannte Gegner tauchen lediglich als größere Varianten normaler Monster wieder auf und wir kämpfen wieder und wieder gegen die gleichen Bosse.

Gemeinsam in die Schlacht

Zur Auswahl stehen insgesamt sechs verschiedene Waffengattungen – vom Einhandschwert über den Rapier bis hin zum Kriegshammer. Für ein Spiel dieser Größe hätte ich mir allerdings noch etwas mehr Vielfalt gewünscht. Die Auswahl konzentriert sich fast ausschließlich auf Nahkampfwaffen, was zwar gut zum Setting passt – wir befinden uns schließlich in SAO und nicht in GGO –, dennoch wäre etwas mehr Abwechslung willkommen gewesen.

Gemeinsam mit mindestens einem von über zehn möglichen BegleiterInnen stellen wir uns den Monstern entgegen. Standard- und Spezialangriffe, Kombos sowie verschiedene Skills sorgen grundsätzlich für flotte Gefechte, während die KI unsere MitstreiterInnen über das Switch-System steuert. Das klappt allerdings mal besser und mal schlechter.

Spaß machen die Kämpfe dennoch, auch wenn die teilweise schwammige Steuerung und die oft unübersichtlichen Schlachten den Spielfluss etwas beeinträchtigen. Wie in Soulslikes sollte man außerdem stets die Ausdauer im Auge behalten – wer sie komplett aufbraucht, wird schnell bestraft.

Die bislang schönste Reise nach Aincrad

Optisch dürfte Echoes of Aincrad ohne Zweifel das bislang schönste Spiel des gesamten Franchise sein. Getestet wurde auf der PlayStation 5 Pro, wo das Spiel mit durchgängig flüssigen 60 FPS überzeugte. Beleuchtung, Weitsicht und die Größe der Spielwelt bewegen sich auf einem hohen Niveau und machen Aincrad zu einem echten Hingucker.

Besonders die Animationen während der Kämpfe wissen zu gefallen. Und ja – das ikonische Zerspringen besiegter Gegner in unzählige Pixel ist auch nach vielen Stunden noch erstaunlich befriedigend.

Ganz ohne technische Probleme lief die Testversion allerdings nicht. Während meiner Spielzeit kam es zu zwei Freezes und einem vollständigen Absturz. Da es sich um eine Version vor der Veröffentlichung handelte, bleibt zu hoffen, dass diese Probleme bis zum Verkaufsstart noch per Update behoben werden.

Gelungene Atmosphäre mit kleinen Schwächen

Auch musikalisch hinterlässt das Spiel einen positiven Eindruck. Der Soundtrack untermalt das Abenteuer stimmungsvoll und trägt viel dazu bei, die Atmosphäre von Aincrad einzufangen. Die Stücke passen hervorragend zur Spielwelt und wecken die Lust auf die Erkundung der nächsten Ebene. Wirkliche Ohrwürmer sollte man allerdings nicht erwarten – dafür bleiben die Kompositionen etwas zu unauffällig.

Bei der Sprachausgabe kann zwischen einer englischen und einer japanischen Synchronisation gewählt werden. Fans dürfen sich freuen, dass bekannte Stimmen wie Bryce Papenbrook und Yoshitsugu Matsuoka als Kirito erneut mit von der Partie sind. Insgesamt bewegt sich die Vertonung jedoch eher auf solidem Niveau. Vor allem die vielen wiederkehrenden Voice-Lines fallen schnell auf. Gerade in längeren Kämpfen oder während der Erkundung hört man dieselben Sprüche so häufig, dass sie mit der Zeit etwas ermüdend wirken.

Weniger Ebenen, trotzdem jede Menge Inhalt

Wer die Vorlage kennt, weiß: Aincrad besteht eigentlich aus 100 riesigen Ebenen, von denen viele fast schon die Größe einer eigenen kleinen Welt erreichen. So weit geht Echoes of Aincrad allerdings nicht. Bereits im Vorfeld machten die Entwickler deutlich, dass sich das Abenteuer hauptsächlich auf die ersten beiden Ebenen konzentriert – und genau so ist es auch.

Am Umfang ändert das allerdings erstaunlich wenig. Allein für die Hauptgeschichte sollte man mindestens 50 Stunden einplanen. Wer zusätzlich sämtliche Nebenaufgaben erledigt und optionale Inhalte mitnimmt, kann problemlos 70 bis 80 Stunden in Aincrad verbringen.

Groß beworben wurde außerdem der sogenannte Death-Game-Modus. Hier gilt: Ein einziger Tod und der komplette Spielstand ist verloren – ganz wie im Anime. Diese Variante richtet sich klar an besonders hartgesottene SpielerInnen. Freigeschaltet wird sie nach dem ersten Durchspielen oder direkt zu Beginn, sofern man die Ultimate Edition besitzt. Davon abgesehen stehen mehrere klassische Schwierigkeitsgrade zur Auswahl, sodass für nahezu jeden Geschmack etwas dabei sein dürfte.

Echoes of Aincrad ist eine reine Einzelspieler-Erfahrung. Koop- oder Online-Funktionen sucht man ebenso vergeblich wie Live-Service-Elemente, die den Vorgänger Sword Art Online: Fractured Daydream noch geprägt haben. Wer sich einfach auf ein klassisches SAO-Abenteuer konzentrieren möchte, dürfte genau das zu schätzen wissen.

Gelungener Neuanfang mit Luft nach oben

Bildmaterial: Echoes of Aincrad: Sword Art Online, Bandai Namco, Game Studio

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Nach eigener Aussage „aus der Liebe zu RPGs geboren“ erregte die junge Spieleschmiede vor allem dadurch Aufmerksamkeit, dass sie sich aus diversen ehemaligen Entwicklern und Entwicklerinnen zusammensetzt, die an Genre-Schwergewichten wie The Witcher 3 und Cyberpunk 2077 mitwirkten. Spätestens nach den ersten handfesten Spieleindrücken schien für viele Hexer-Fans sonnenklar: Das ist doch The Witcher mit Vampiren!

Mittlerweile haben wir satte vier Stunden in „Dawnwalker“ reinspielen dürfen und ja, auch wenn das Kreuz sicher schwer wiegt: Die Vergleiche mit dem Genre-Primus sind gerechtfertigt. Mit einem erfrischenden Spielkonzept und vielen anregenden Ideen muss sich „Dawnwalker“ aber nicht im Schatten des beliebten Hexers verstecken. Im Gegenteil.

Der König ist tot, lang lebe der König

Unsere Hands-on-Session beginnt mit dem atmosphärischen Auftakt des Spiels. Die Pest beutelt das Land und Volk von Vale Sangora. Vampirfürst Brencis und sein Hof machen sich diese verzweifelte Lage zunutze, um den König zu stürzen und ein eigenes finsteres Regime zu installieren. Der neue Machthaber befreit sein Volk vom schwarzen Tod, Steuern und anderen weltlichen Nöten. Im Gegenzug haben „seine Lämmer“ lediglich ein paar Tropfen Blut im Rahmen regelmäßiger „Gottesdienste“ zu spenden. 

Als wir zum Einstieg in die Rolle von Coen schlüpfen, steht eine solche Blutmesse für den Abend an. Bis dahin bleiben aber noch einige Stunden, die es produktiv zu füllen gilt. Die Mutter bedarf etwa einer Arznei, während sich die Geschwister Hilfe beim Fischen wünschen. Auch außerhalb der eigenen vier Wände buhlen die Nachbarn um unsere Aufmerksamkeit: Ein Grabräuber will gefasst werden; ein Bauer beklagt den Diebstahl seines Viehs; ein Raufbold provoziert eine Keilerei.

Das ist nur ein kleiner Auszug der vielseitigen Interaktionsmöglichkeiten, die sich bereits in den ersten Minuten des Spiels auftun. Und mit diesen präsentiert „Dawnwalker“ auch gleich seine größte Besonderheit: Alles erleben, können wir nicht. Während uns vergleichbare Titel die Freiheit geben, jeder Beschäftigung nachzugehen, ehe wir die Hauptgeschichte vorantreiben, spielt Zeit in „Dawnwalker“ eine elementare Rolle. 

Abenteuer mit Terminkalender

Keine Sorge: Eine gnadenlos im Nacken tickende Uhr müsst Ihr deshalb nicht befürchten. Vielmehr etabliert „Dawnwalker“ einen Umgang mit Zeit als Ressource. Will heißen: Wann immer wir uns zu einer wesentlichen Unternehmung entschließen, schreitet die Zeitanzeige am oberen, rechten Bildschirmrand um eine im Vorfeld festgelegte Anzahl an Segmenten voran. Wir wissen genau, wie wieviel Zeit mit unser geplanten Aktion verstreichen wird und haben so immerzu volle Kontrolle über unseren Tagesablauf. Stellt Euch das System wie eine ausgeprägtere Variante des Zeitmanagements in Persona vor.

Daraus resultiert, dass wir uns quasi ab Minute 1 in der Situation wiederfinden, Prioritäten setzen zu müssen. Vielleicht helfen wir den Geschwistern beim Angeln, schlagen allerdings die Bitte ab, eine Pause zum Fangen spielen einzuschlagen. Vielleicht lassen wir uns mit dem Apothekengang für die Mutter hingegen Zeit, weil die charmante Kräuterdame eine spontane Lateinstunde in Aussicht stellt. Immer wieder konfrontiert uns der Titel mit großen und kleinen Optionen, die Einfluss auf unser Abenteuer nehmen und deren Konsequenzen mal mehr, mal weniger durchsichtig sind. 

Für manch einen RPG-Fan, der am liebsten jeden Stein umdreht und jedem Hilfesuchenden unter die Arme greift, ehe er mit der Hauptquest voranschreitet, mag das wie ein spielgewordener Albtraum klingen. Und ja, dieses sehr eigene Spieldesign wird sicher nicht jedem munden. Wir sind allerdings begeistert von der Art und Weise, wie organisch „Dawnwalker“ dieses fundamentale Designelement umsetzt und haben schnell das Gefühl, unser eigenes Abenteuer zu erleben. 

Anregendes Kampfsystem

Aber was bedeutet Abenteuer überhaupt? Habt ihr bereits ausgiebig Zeit an der Seite von Promi-Hexer Geralt verbracht, dürftet ihr euch auch in Coens Haut im Handumdrehen wohl fühlen. Sei es in Hinblick auf die grundlegenden Spielmechaniken, die Steuerung oder auch Menüs und User Interface – der Hintergrund der Chef-Entwickler liegt immerzu offensichtlich auf der Hand.

Eine der größten spielerischen Eigenheiten liefert allerdings das Kampfsystem. In einer Art Hybrid zwischen den „Arkham“-Spielen und Kingdom Come Deliverance setzen wir uns regelmäßig in Schwertkämpfen gegen Feinde zur Wehr. Dabei steht es uns offen, einfache Angriffe und Verteidigungsmanöver zu nutzen. Sinnvoller ist es aber, dass wir uns an die Haltungen unserer Gegner anpassen.

Im Vorhinein eines Angriffes deuten diese nämlich die Richtung an, aus der sie zuschlagen wollen. Reagieren wir mit einem entsprechend ausgerichteten Block, schonen wir nicht nur unsere Ausdauer, sondern bekommen gleichzeitig die Chance zu verheerenden Paraden, die unsere Gegner kurzzeitig schutzlos zurücklassen. Auf die gleiche Weise können wir unsere Angriffe per Richtungseingabe beeinflussen, um die Verteidigung von Feinden zu umgehen. 

Das bedarf zweifellos etwas Eingewöhnungszeit. Schon bald fühlen wir uns aber wohl und nehmen es zeitgleich (und reichlich blutig) mit mehreren Schergen zur selben Zeit auf. Lediglich die Kamera spielt uns dabei immer wieder mal ein Streich. Droht uns die feindliche Überzahl doch mal zu übermannen, machen wir von nützlichen Tricks Gebrauch. Wir setzen etwa zum Rundumschlag an oder werfen Gegnern Dreck in die Augen. 

Als Vampir hat man es nicht leicht

Nach einem produktiven Tag bricht die Nacht an und es kommt, wie es kommen muss: Die Blutmesse endet im dramatischen Chaos. Wir sparen uns an dieser Stelle die Details und verraten nur so viel, dass „Dawnwalker“ in Sachen Präsentation durchaus die Muskeln zu spielen lassen weiß. Der verhängnisvolle Gottesdienst endet jedenfalls mit unserer Verwandlung in den titelgebenden Dawnwalker. Fortan profitieren wir bei Nacht von den Fähigkeiten eines Vampirs, während wir die Sonnenstunden des Tages weiterhin in menschlicher Form genießen – Comic-Star Blade lässt grüßen. 

Die Vampir-Komponente markiert das zweite große Alleinstellungsmerkmal neben dem Zeitmanagement und durchsetzt auf ganz ähnliche Weise sämtliche Aspekte der Spielerfahrung. Bei der Erkundung der Welt laufen wir nun mühelos an Wänden und Decken entlang, während wir in Nebelgestalt über Abgründe hinweg schnellen. Unsere übernatürlichen Kräfte kommen allerdings mit einem Haken: Als Vampir müssen wir immerzu unsere Lebensanzeige und damit unseren Hunger im Auge behalten. Der wird im Verlauf immer größer; fällt unsere Lebensleiste unter einen bestimmten Wert, verlieren wir gegebenenfalls sogar die Kontrolle über Coen. 

So kommt es dann auch. Als wir einen Freund ansprechen, verfliegen zuvor verfügbare Dialogoptionen plötzlich. Stattdessen sind wir gezwungen, zuzubeißen, um unseren Durst zu stillen. Eine heikle Situation, die wir hätten verhindern können, wenn wir zuvor bei wilden Tieren oder Feinden zugebissen hätten.

Stichwort „Feinde“: Auch im Kampf profitieren wir von unseren neu erlangten Kräften. Wir schlagen mit unseren Klauen zu, setzen zu raschen Ausweichschritten an und nutzen spezifische Vampirfähigkeiten – darunter eben das Aussaugen von Schergen. Im weiteren Spielverlauf wächst das Repertoire an Fähigkeiten; vorausgesetzt, wir investieren nicht nur die entsprechenden Fähigkeitenpunkte, sondern ebenso Zeit. 

30 Tage, 30 Nächte

Der mehrstündige Prolog endet mit der Entführung von Coens Familie durch Chef-Vampir Brencis. Ab diesem Zeitpunkt öffnet sich die Welt für unser eigentliches Abenteuer, dessen Ziel klar formuliert ist: Wir haben 30 Tage und Nächte Zeit, um unsere Familie aus den Fängen von Brencis zu befreien. Nach Aussage des Entwicklerteams sei das quasi von Tag 1 an möglich, wenngleich überbordend schwer. Stattdessen gilt es die gegebene Zeit sinnvoll zu nutzen, um möglichst gestärkt an die Tür des Vampirfürsten zu klopfen. 

Die Möglichkeiten, die sich mit dem Öffnen der Welt auftun, scheinen dem ersten Eindruck nach unheimlich vielfältig. Wir können etwa beträchtlich Zeit in den Ausbau von Coens Fähigkeiten investieren. Genauso sinnvoll kann es aber sein, Gefährten für unsere Sache zu gewinnen und die Infrastruktur des fiesen Regimes zu destabilisieren. Das bisschen Zeit, das uns noch im Rahmen der Hands-on-Session bleibt, nutzen wir, um Brencis-Anhänger Ambrus das Leben schwer zu machen – wir infiltrieren etwa diverse Lager, um seine Blutvorräte zu zerstören. Die ersten Erfolge unserer Bemühungen werden bald ersichtlich, als unser Ruf als Vampirschreck steigt. 

Für ein handfestes Urteil darüber, wie gut die Zeitmanagement-Komponente mit der offenen Welt harmoniert, reichen diese ersten Abenteuerchen kaum aus. Sehr wohl aber zeichnet sich bereits das Potenzial der grundlegenden Spielidee ab. Nach Aussage des Teams sollen wir rund 80 Prozent der Inhalte im Rahmen eines Spieldurchgangs erleben können. Dabei soll selbst die Rettung unserer Familie keine Pflicht sein. Das Spiel gehe nach den 30 Tagen weiter und wir sollen so unsere ganz individuelle Geschichte schreiben. Und darauf haben wir tatsächlich schon jetzt mächtig Lust.

Potenzial zum Genre-Juwel

Bildmaterial: The Blood of Dawnwalker, Bandai Namco, Rebel Wolves

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Besonders der handgezeichnete Look wirkt trotz der vollständig in 3D gehaltenen Modelle erstaunlich gut getroffen. Auch die in 12-24 FPS gerenderten Charaktere ließen echtes Retro-Röhrenferhseher-Feeling aufkommen.

Doch ein Trailer kann nicht alles zeigen – uns interessierte daher nicht nur das Gameplay, sondern auch das gesamte Spiel, von der grafischen Qualität, den Zwischensequenzen, der Vertonung und dem Spielgefühl. In den knapp 50 Minuten, die wir mit dem Spiel verbringen konnten, steigerte sich die Begeisterung stetig.

Herausragender Artstyle beeindruckt

Kepler Interactive veröffentlicht bevorzugt Spiele mit großartigem Artystle, Clair Obscur: Expedition 33 ist ein herausragendes Beispiel. In diesem Bereich liefert auch Orbitals ab: Wir waren erstaunt, mit wie viel Liebe zum Detail der 80er-Anime-Stil konsequent durchgezogen wird.

Nicht nur die Charaktere und Umgebungen könnten direkt aus einem Retro-Anime aus der besten Zeit der Röhrenfernseher entsprungen sein, auch die Animationen, Videos und sogar Teile des Menüs sind überzeugend und lassen phasenweise vergessen, dass man tatsächlich ein Videospiel spielt.

Das ist kein Zufall, dahinter steckt harte Arbeit: Studio Massket, bekannt für seine Animationsarbeit bei BNA, Yuru Camp, Needy Girl Overdose und einzelnen „One Piece“-Folgen unterstütze die Entwickler bei Shapefarm – und konnte angeblich selbst noch einiges lernen, denn der Animationsstil mit klassischen Animation Cels der 80er ist heute kaum noch üblich.

Auch in anderen Punkten ist Orbitals top: Das Spiel ist vollständig Deutsch vertont und engagiert dafür bekannte deutsche Synchronsprecher. Zu denen zählen Vincent Fallow (Clive Rosfield in Final Fantasy XVI) sowie Tim Knauer (Dick Grayson in Gotham Knights) oder Kai Hendrik Möller, Anja Topf und Franciska Friede.

Wirklich herausragend wurde das Spiel aber mit der japanischen Sprachausgabe, die das Anime-Gefühl perfekt einfängt. Dazu kommen noch ein toller Opening-Song und liebevoll animierte Zwischensequenzen.

Technisch überzeugte das Spiel ebenfalls, zeitgemäße Grafikeffekte verbanden sich perfekt mit dem verwaschenen, auf Retro getrimmten Look. Dazu wird das Spiel auch vollständig auf einer „Switch 2“-Cartridge erscheinen, wie man uns versicherte.

Lustiges Koop-Spiel mit interessanten Kombinationsrätseln

Spielerisch gibt es wenig zu bemängeln: Das Gameplay war geradlinig und die Missionsziele jederzeit klar, die Puzzles teilweise herausfordernd und kreativ, aber trotzdem nach kurzem Überlegen einfach zu verstehen.

Tricky sind die wechselnden Waffen, die gemeinsam in Kombination neue Effekte hervorrufen können und so manchmal einen Moment innehalten lassen für die Lösung des Rätsels. Die Laser-Waffe sorgt in Kombination mit dem Greifhaken nicht nur dafür, dass manche Tiere dem Licht folgen wie eine Katze einem Laserpointer, sondern kann auch Stahl zum Schmelzen bringen – das dann wiederum mit dem Greifhaken gebogen werden kann, um den Weg freizumachen.

Phasenweise erinnerten uns die Koop-Rätsel an Portal 2 – im besten Sinne! Auch das ist kein Zufall: Der Game Director arbeitete bereits an It Takes Two und Split Fiction.

Allgemein waren wir angetan vom Detailreichtum des Spiels: Orbitals strotzt vor kleinen Details und Interaktionen, die es lebendig wirken lassen: Tee trinken, Eimer umkicken, Haustiere streicheln oder wahlweise ärgern, Minigames spielen und vieles mehr machen die etwas lineare Umgebung interaktiv und interessant. Das Raumschiff wird im Verlauf des Spiels auch lebendiger, immer wieder finden wir neue Freunde auf den Reisen, die uns für den Rest des Spiels begleiten.

Schade: Orbitals ist rein auf Koop ausgelegt ist und besitzt keinen Singleplayer-Modus. Immerhin wird es dank GameShare möglich sein, mit einer Cartridge zwei Geräte zu nutzen, auch über das Internet – und mit einer einfachen Nintendo Switch als empfangendes Gerät.

Ein Anime zum Anfassen

Bildmaterial: Orbitals, Kepler Interactive, Shapefarm

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