Anfänglich waren die Songs sehr elektro- und beatlastig, mit der Zeit wurde der Sound jedoch so vielfältig wie die Charaktere des Spiels, auf die wir uns in diesem Artikel auch konzentrieren. Die Veröffentlichung des Minialbums für Zhao – „Tiny Giant“ hat uns aber doch überrascht.

In einem Spiel, das bisher überwiegend mit elektronischen Sounds begeistern konnte, nun plötzlich K-Pop in hoher Produktionsqualität zu hören, verleitete unsere Autoren Christian (gettingbetter) und Ludwig (Soldier 11) zu diesem Artikel. Legen wir ohne Umschweife los – oder wie man als ZZZ-Fan sagt: 3, 2, 1, Fire!

Burnice, Burnice, Go, Go!

Song: Hoyo-Mix – Burning Desires
Genre: EDM, Pop

Die Charaktervorstellung der etwas verrückten, aber loyalen Barkeeperin Burnice mit feurigem Gemüt ging viral. Nicht nur griff das Musikvideo unzählige TikTok-Trends und Memes auf, auch der Song selbst war ein EDM-Banger, der absolutes Ohrwurm-Potenzial hat. Ihre mitreißende Persönlichkeit verlockt Kunden der Bar dazu, Dinge zu tun, die sie normalerweise zurückhalten – sei es einfach mal, sich von ihren Problemen loszureißen, sich Hals über Kopf in ihre Wünsche und Träume zu stürzen oder einfach mal sinnlos ihr Geld auszugeben, um sich besser zu fühlen.

Burnice lebt währenddessen ihren Traum – als Millionärin nach einem Lotteriegewinn feiert sie das Leben und ist häufiger betrunken auf Partys zu finden. Sie verbreitet Optimismus und hilft in ihrer Freizeit auch gerne Leuten. Für Negativität ist bei ihr kein Platz: Bei Idioten reißt ihr Geduldsfaden sehr schnell. Burnice ist ein Charakter voller Widersprüche: Ein Mix aus Party-Spaß, Verführung und pyromanen Warnungen.

Zwischen „Moe“ und innerer Dunkelheit: Ellen

Song: Issey – MoeChakkaFire, HoyoFair
Genre: „new J-Pop”

Ellen ist eine der tiefgründigeren Charaktere in Zenless Zone Zero: Die eiskalte Hai-Thiren besteht als Mitglied der als Maids „verkleideten“ Victoria Housekeeping Co, die spezielle Arten von „Haushaltsreinigungen“ anbietet. Sie ist aufgrund des für sie nicht idealen Umfelds stets schläfrig, energiesparend und gemütlich unterwegs – auch im Kampfstil und der kurzen, direkten Kommunikation.

MoeChakkaFire beschreibt ihre innere Zerrissenheit über ihre Rolle als „Moe-Maid”, in der sie ihre Höflichkeit durch Maskieren und Lügen vortäuscht, während sie ihr „verspieltes Chaos” als Schülerin nicht ausleben kann. Die Bridge deutet eine endlose Welt mit traurigen Kindern an, die am liebsten schlafen würden. Eine Andeutung an die japanische Kultur, in der viel Wert auf die Anpassung an die Gesellschaft gelegt wird, oft auf Kosten der psychischen Gesundheit.

MoeChakkaFire gilt als einer der beliebtesten Songs und wurde von einem Fan des Spiels kreiert. Die Idee kam ihm während eines Besuchs bei Starbucks, als er sich beim Trinken des Kaffees äußerlich kalt und innerlich warm fühlte. Hoyoverse nahm den Song aufgrund seiner Beliebtheit bald in ihr HoyoFair-Programm auf und vertonte ihn mit der Originalstimme von Ellen, wodurch er weiter an Beliebtheit gewann – unser Autor Christian fand den Song beispielsweise auf einer beliebten MaiMai-Arcade-Maschine von SEGA, wo er als einer der beliebtesten Songs im Attract Mode lief. Aber auch andere Rhythmusspiele nahmen den Song bereits in die Songliste auf, etwa Chunithm und Taiko no Tatsujin.

Mehr als nur Show: Astra Yaos musikalische Selbstsuche

Song: HoyoMix – Original Me / Wonderland Reverie
Genre: Synthwave-Pop, J-Pop

Astra Yao ist ein Pop-Star in der Welt von Zenless Zone Zero. Doch genau dieser Status zehrt an ihr – Wenn im Zenless Zone Zero-Universum jemand für Musik, Star-Appeal und innere Zerrissenheit steht, dann ohne Diskussion Astra Yao. In New Eridu ist sie eine lebende Ikone, doch ihr Privatleben ist sehr eingeschränkt. Zwei Songs zeigen besonders eindrucksvoll, wie viel mehr hinter der schillernden Fassade steckt.

„Original Me“ ist Astras lauteste Selbstreflexion und einer der erfolgreichsten Songs in ZZZ. Der introspektive Synth-Sound trifft einen Nerv: Stars, Neonlichter, künstliches Leben – und mittendrin eine Künstlerin, die nicht mehr missverstanden werden will. Die Lyrics kreisen um Themen wie Identität, Entscheidungsfreiheit und den Mut, Fehler sichtbar zu machen. Zeilen wie „Life has no rehearsal“ oder „The real me stands before your eyes“ machen klar: Hier geht es nicht um Perfektion, sondern um Authentizität. Diese ist auch ihre größte Stärke – während ihrer Ultimate-Attacke läuft nicht umsonst dieser Song im Hintergrund.

Ganz anders, aber mindestens genauso stark zeigt sich Astra in „Wonderland Reverie“. Der Song ist ruhiger, verträumter und fast schon intim. Er wirkt wie ein Ventil für jemanden, der trotz Ruhm einfach nur frei sein möchte – ohne Kameras, ohne Erwartungen, ohne Personenschützerin im Nacken (zumindest für ein paar Minuten). Das Musikvideo erzählt genau diese Geschichte: Astras fast märchenhafte Reise, geleitet einzig von Melodie und Rhythmus. Sie tanzt, wandert, verliert sich – und entkommt kurz dem wachsamen Blick ihrer Personenschützerin.
Die Lyrics sind voller sanfter Bilder: Meeresbrisen, Nachtlichter, fliegende Träume und Musik als Transportmittel. Immer wieder taucht das Motiv auf, sich selbst ein Versprechen zu geben und Schritt für Schritt eine eigene Traumwelt zu erschaffen. Ihre ganz eigene Wunderland-Träumerei.

Ein energiegeladenes Kaninchen auf der Suche nach Akzeptanz

Song: Hoyo-Mix – Tiny Giant
Genre: K-Pop

Klein, aber Oho: Das Kaninchen – Thiren Zhao zeigt mit energiegeladenem K-Pop, dass mehr hinter den flauschigen Ohren und kurzen Beinen steckt, als man auf den ersten Blick annimmt. Der Song betont ihr Selbstvertrauen trotz ihrer geringen Größe, die im Spiel aber häufig als „perfekte Größe“ beschrieben wird. Zhao fokussiert sich lieber auf die positiven Dinge im Leben und hat wenig Zeit für Negativität: Sie setzt Trends und bricht im Notfall auch Regeln – oder wie der Songtext sagt: „Busy making the whole world my own“. Sie hat gelernt, mutig ihren Weg zu gehen und ihre „Besonderheit“ zu akzeptieren und der Welt zu zeigen, was sie kann. Nur bleibt die Frage: Mag man sie wirklich so, wie sie ist? Also: „Like me, whatchu like in me?“

Einsamkeit, Traurigkeit und Hoffnung – Damidami

Song: Hoyo-Mix – Damidami
Genre: Keltischer Folk-Pop

„DAMIDAMI“ ist einer der neueren Songs und erschien am 16. Oktober 2025 als Charaktervorstellung der Ziegen-Thiren Lucia. ​Der Keltische Folk-Pop-Song erzählt von Einsamkeit und der Jagd nach einem weißen Lamm, das sich versteckt. Es steht symbolisch für die Selbstfindung und der Suche nach Zugehörigkeit. Durch Abenteuer-Vibes, einen leitenden Fluss und dem Wunsch nach Freiheit endet es hoffnungsvoll: Lucia findet auf ihrer Reise eine weitere reisende Nomadin auf der Suche, mit der sie gemeinsam die weitere Reise bestreitet.​

„Essen nährt Körper und Geist“ – Wenn Kultivierung durch den Magen geht

Song: HoyoMix – Self-Cultivation Through Food
Genre: Chinesischer Folk-Pop, J-Pop

Die Version 2.0 begann mit der Tiger-Thiren Ju Fufu: stolz auf ihre Herkunft, kompromisslos reinlich (nach ihren eigenen Maßstäben) und mit einem Ego, das locker drei Reisschüsseln füllt. Ihr Song, der auf dem traditionellen chinesischen Volkstanz „Yingge Dance” basiert, verkörpert diesen Charakter perfekt – vom herrlich selbstbewussten Ton bis hin zum Thumbnail, das unmissverständlich den Mut eines Tigers zeigt.

Die Lyrics sind im Kern eine Parabel: Trainieren bei Hitze, schlemmen im Schnee – Körper und Geist wachsen nur im Gleichgewicht. Essen ist hier keine Belohnung, sondern Unterricht. Eine Mahlzeit, eine Lektion.

Besonders schön ist der Kontrast zwischen heroischen Kampfansagen („taste my fists and feet!“) und fast schon mütterlichen Küchentipps wie „Rush the dish? You’ve only got yourself to blame!“. Zeilen wie „Life serves sweet and bitter bites” „You’ve got to take it all in stride“ „The rest of my responsibilities as senior can wait till tomorrow“ zeigen aber auch: Wer hetzt und sich unter Druck setzt, verbrennt nicht nur das Essen, sondern auch sich selbst. Außerdem ist es okay, wenn gelegentlich der Genuss über das Pflichtbewusstsein siegt.

Das Musikvideo ist zudem ein einziges Referenz-Buffet – von klassischen Hongkong-Filmen über Martial-Arts-Legenden bis hin zu Kult-Komödien. Ob tigerisierte Kung-Fu-Klassiker, überzeichnete Trainingsmontagen oder kulinarische Ehrfurchtsmomente.

Außen Bikergang-Anführerin, innen „pinKing”

Song: HoyoMix – pinKing
Genre: Bubblegum Pop

Die Sons of Calydon sind eine Biker-Gruppe, bestehend aus Mitgliedern, die überwiegend aus der Stadt verstoßen wurden – und Caesar King ist ihre strenge, aber faire Anführerin. Umso erstaunlicher ist es, dass ihr Musikvideo mit viel Pink und im Bubblegum-Pop-Sound produziert wurde. Eigentlich möchte sie keine strenge Anführerin sein, vielmehr sucht sie nach ihrem Traumprinzen, der sie entführt und dem sie ihre weiche, weibliche Seite zeigen kann. Ihr romantischer Traum, „Written in a sugary and dreamy love story” „Makes me wanna sing a love song“ – ein Kontrast aus Stärke und pinkfarbener Sehnsucht.

​Bei der Community scheint der Song jedenfalls etwas ausgelöst zu haben: Unzählige Male wurde er auf Social Media diskutiert, außerdem gibt es sehr viele Karaoke- Coverversionen des Songs.

Bildmaterial: Zenless Zone Zero, miHoYo

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Sony versuchte mit dem China Hero Programm, sich ein nachhaltiges Netzwerk aufzubauen, Nintendo brachte seine starken Marken in Stellung – wegen Corona wurde beispielsweise Ring Fit Adventure zu einem von Nintendos meistverkauften Spielen in China. Microsoft versuchte dagegen, mit Exklusivdeals zu arbeiten.

2019 sollen laut Medienberichten Verhandlungen zwischen MiHoYo und Microsoft stattgefunden haben, am Ende bekam aber Sony den Zuschlag für eine konsolenexklusive Version des neuesten MiHoYo-Spiels, das sich später als riesiger Erfolg herausstellte.

Zelda-Ähnlichkeit brachte eine enorme Aufmerksamkeit

MiHoYo war damals mit 200 Mitarbeitenden ein recht kleines und junges Unternehmen, das für sein Mobile-Action-RPG Honkai Impact 3rd auf den Smartphones bekannt war. Doch der Trailer zu ihrem neuen Open-World-RPG mit dem Namen „Genshin Impact“ sorgte weltweit für Aufmerksamkeit, vor allem wegen seiner stilistisch auffälligen Anlehnung an Zelda: Breath of the Wild. Auch der erste Trailer kokettierte bewusst mit der Ähnlichkeit.

Der gescheiterte Microsoft-Deal sorgte dafür, dass sich MiHoYo auf das Smartphone als Plattform Nummer 1 konzentrierte. Ein Erfolgsrezept, wie sich zeigte. Der „Genshin Impact“-Trailer erhielt mehr Aufrufe als der „E3 2019“-Trailer von Gears 5, einem der großen Xbox-Titel des Jahres. Das Mobile-Gacha-Game wurde zu einem der meistdiskutierten Titel der ChinaJoy 2019, der größten Gaming-Messe in Asien.

Corona-Pandemie war ein Booster für Mobile-Gaming

Das Jahr 2021 sollte in die Videospielgeschichte eingehen: Genshin Impact wurde zu einem globalen Hit, mit Milliardenumsätzen ging das Unternehmen durch die Corona-Pandemie. Während MiHoYo von 200 auf über 1.500 und 2023 sogar auf über 4000 Mitarbeitende wuchs, hatten viele große Videospielefirmen zu kämpfen: Spiele verzögerten sich, die Arbeitsabläufe im Home-Office machten die Entwicklung komplizierter.

Die neuen Konsolen Xbox Series und Playstation 5 hatten große Probleme, sich gegen ihre eigenen Vorgänger zu behaupten: Es fehlten die zugkräftigen Exklusivtitel und der Spielenachschub stockte wie selten zuvor. Außerdem gab es in dieser Zeit Massenentlassungen in allen Branchen, sodass viele Gamer auf der Welt kein Geld hatten, sich teure neue Spiele zu kaufen – wie praktisch, dass es „kostenlose“ Gacha-Games zum Zeitvertreib gab!

MiHoYo als ernstzunehmender Konkurrent für Nintendo und Sony

So kam, was niemand vorhersehen konnte: MiHoYo wurde zu einem der profitabelsten Videospielehersteller der Welt. 2022 erzielte das ehemals kleine chinesische Entwicklerstudio mehr Gewinn als der Videospiele-Gigant Activision, aber auch EA und Embracer machten weniger Gewinn – Ubisoft rutschte in dieser Zeit sogar in die roten Zahlen. Währenddessen erreichte MiHoYo eine außergewöhnliche Gewinnmarge von 59 Prozent.

Als MiHoYo 2023 seinen nächsten Beststeller, Honkai Star Rail, veröffentlichte, kannten die Unternehmenszahlen kein Halten mehr. Nun warfen zwei erfolgreiche Spiele parallel Milliardenumsätze ab. Nintendo kämpfte 2024 mit starken Gewinneinbrüchen und auch Sonys PS5 und PS5 Pro hatten rückläufige Verkaufszahlen.

MiHoyo brachte hingegen mit Zenless Zone Zero das vierte erfolgreiche Spiel des Unternehmens in Folge auf den Markt. Sie holten 2024 auch diese beiden traditionsreichen Videospiele-Giganten bei den Unternehmensgewinnen ein. Der Erfolg war aber nicht nur kometenhaft schnell, sondern auch nachhaltig.

Genshin Impact konnte vor kurzem von 300 Millionen Spielenden berichten und macht damit dem von Microsoft teuer eingekauften Top-Titel Minecraft mit 350 Millionen Spielenden Konkurrenz. Jetzt macht sich MiHoYo bereit, eine der größten IPs der Videospielwelt anzugreifen: Honkai: Nexus Anima möchte sich ein großes Stück vom riesigen Monster-RPG-Kuchen sichern.

MiHoYo expandiert im 50-Milliarden-Markt

Bei westlichen Herstellern kommt deshalb etwas Unruhe auf: Die lange unterschätzten asiatischen Videospielemärkte wie China und Korea werden zu den größten der Welt und finanzieren auch selbst zunehmend große Projekte mit hohen zweistelligen Millionen-USD-Gesamtbudget, die immer häufiger auch international zum Erfolg werden.

Die westlichen Titel haben währenddessen Probleme, in die neuen Märkte vorzustoßen. Von den 50 Milliarden USD Umsatz in China gehen dabei ein großer Teil an einheimische Entwickler und Publisher – gerade Tencent, NetEase und Perfect World Entertainment sind große Publisher in China, mit denen westliche Unternehmen kooperieren, um den gesetzlichen Anforderungen der chinesischen Regierung zu entsprechen.

Kleinere Mobile-Games verbreiten sich oft per Mundpropaganda auf WeChat und Douyin. Für westliche Publisher ist es schwierig, in den Medienkonsum der jungen asiatischen Gamer vorzustoßen. Während westliche Entwickler noch versuchen, den chinesischen und koreanischen Markt zu entschlüsseln, sind die nächsten asiatischen Märkte schon auf dem Sprung zur Bedeutung im globalen Spielemarkt.

Indien hat bereits 2 Milliarden Spieler und Spielerinnen, die Region Südostasien 1,93 Milliarden. Auffällig sind hier Indonesien aufgrund seiner hohen Spielerzahlen, während im südostasiatischen Markt vor allem von Thais am meisten Geld ausgeben wird. Hier sind vor allem Last War: Survival und Mobile Legends: Bang Bang beliebt, aber auch klassische Marken wie Ragnarok M: Classic und eFootball kämpfen um die vorderen Plätze.

Neues Selbstbewusstsein in China und Korea

In China steigt derweil das Selbstbewusstsein der lokalen Entwicklerteams. Während man früher Spiele aus dem Western und aus Japan als die mehrheitlich höher qualitativen Spiele ansah, ist man inzwischen stolz auf seine eigene Videospielindustrie vor Ort. Symptomatisch dafür ist das Spiel Naraka: Bladepoint von NetEase, das sich traute vom üblichen Free2Play-Konzept abzuweichen und sich stattdessen als 20-Euro-Titel präsentierte.

Das Selbstbewusstsein sollte sich auszahlen, denn sowohl Sony als auch Microsoft waren an einer Konsolenexklusivität für den Titel interessiert. Microsoft bekam den Zuschlag für ein Jahr Plattformexklusivität, das Spiel erschien ebenfalls im Xbox Game Pass. Spätestens seit PUBG, Stellar Blade und Black Myth: Wukong ist auch dem Westen bewusst, dass Spiele aus China und Korea zu einer festen Größe im internationalen Videospielemarkt geworden sind.

Bildmaterial: Genshin Impact, miHoYo

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Mit anderen Worten: Ohne den riesigen Download ist die Game Key Card vollkommen nutzlos. Wer nicht versteht, warum das aus Sammler- und Preservation-Perspektive absoluter Irrsinn und ein großes Problem ist, braucht gar nicht weiterzulesen. Dann gibt es wohl keine Möglichkeit mehr, dass ihr für irgendeines der folgenden Argumente zugänglich seid.

Wer sowieso lieber digital kauft – geschenkt. Das ist natürlich legitim und wer das möchte, kann das gern tun. Ich aber möchte das nicht und ich möchte auch keine Game Key Card kaufen. Das ist auch legitim. Sie sind die wahrscheinlich schlimmste Erfindung in der langen Nintendo-Geschichte. Vor einigen Tagen hatte ich meinem Unmut bei Twitter ein wenig Luft gemacht und bekam neben viel Zuspruch auch überraschend substanzlose Rechtfertigungen.

Kein Ersatz für „Code in a Box“

So ist offenbar eine weit verbreitete Meinung, diese Game Key Cards würden nur die „Code in a Box“-Versionen ersetzen und sie seien doch besser, immerhin kann man sie doch tauschen und verkaufen. Wenn das so wäre, dann wäre das ja wirklich prima. Aber das ist nicht der Fall. Game Key Cards gibt es eben nicht anstelle von „Code in a Box“-Veröffentlichungen, sondern sie ersetzen die klassischen Cartridge-Veröffentlichungen mit Spieldaten auf der Softwarekarte.

„Code in a Box“-Versionen gibt es auch für Nintendo Switch 2, beispielsweise Split Fiction* oder Civilization VII*. Vielleicht wird es zugunsten der Game Key Cards weniger geben, okay. Aber es steht vielmehr zu befürchten, dass sich Publisher bewusst gegen (teurere) 64GB-Cartridges entscheiden, auf die ihr Spiel wunderbar passen würde. Weil „Game Key Cards“ die einfach günstigere Alternative sind. Vollkommen unabhängig von „Code in a Box“-Vertriebsform. Ja, man kann Game Key Cards tauschen und verkaufen. Man kann sie auf mehreren Geräten benutzen. Aber ich verrate euch was: Softwarekarten mit Spieldaten kann man auch tauschen und verkaufen und auf mehreren Geräten nutzen.

Die bisherigen Cross-Gen-Veröffentlichungen zeigen, dass Publisher die Game Key Cards nicht als Ersatz für „Code in a Box“ nutzen, sondern anstelle von klassischen Cartridges. Dragon Quest I & II HD Remake* und No Sleep for Kaname Date* erscheinen beispielsweise für die alte Switch auf einer vollständigen Cartridges, auf der neuen Switch 2 hingegen auf Game Key Card. Und weil die Game Key Cards ja so günstig sind, ist die „Switch 2“-Version von Dragon Quest I & II HD Remake auch noch 10 Euro teurer. Ah ja. Fair. Eine klassische Cartridge hat mehr Vorteile als eine Game Key Card. Wollt ihr darauf verzichten, weil der Publisher spart?

Spiele brauchen doch sowieso riesige Updates?

Auch ein beliebtes Argument: Videospiele erscheinen doch sowieso nicht mehr komplett und man muss ohnehin immer ein riesiges Day-One-Update herunterladen, bevor man spielen kann. Nein, das stimmt einfach nicht. Sehr, sehr viele Spiele erscheinen in einem mehr als akzeptablen Zustand physisch. Es wird eben immer nur über die Negativbeispiele prominent berichtet, das bleibt hängen.

„Does It Play?“ hat inzwischen knapp 2.700 Spiele getestet. Davon sind 93 Prozent offline spielbar. 74 Prozent aller getesteten Spiele funktionieren hervorragend ohne jeden Patch. Weitere 14 Prozent haben zwar mitunter störende Bugs, können aber beendet werden. Nur 12 Prozent sind ohne Update unspielbar – also etwa jedes zehnte Spiel. Das sind am Ende auch viele Spiele, aber das ist doch weit entfernt von der These, „ohne Day-One-Update geht doch eh nichts mehr“, oder?

Digital ist die unaufhaltsame Zukunft?

Keineswegs als Argument für Game Key Cards, aber oft wird doch resignierend behauptet, die Zukunft von Videospielen sei doch sowieso unaufhaltsam digital. Da mag was dran sein, ja. Aber wie fern diese Zukunft ist, das haben wir aktuell noch ganz gut selbst in der Hand. Solange Publisher mit physischen Medien gutes Geld verdienen können, werden sie nicht verschwinden. Trotz aller Lobby-Arbeit.

Das zeigen auch so Absurditäten wie Laufwerke für Digital-only-Konsolen und nicht zuletzt immer wieder aus dem Boden sprießende „Limited Run“-Konkurrenz. Ja, es gibt immer noch einen Markt für physische Veröffentlichungen. Und entgegen der weitläufigen Annahme ist es sogar so, dass der physische Games-Markt zumindest hier in Deutschland seit Jahren stabil ist. Dazu gibt es konkrete Zahlen.

Dass „andere“ schon lange den digitalen Weg gehen, ist auch kein Argument dafür, jetzt Game Key Cards akzeptieren zu müssen. „Der PC-Markt ist schon lange nur noch digital“ – das stellt keiner in Abrede. Den physischen Spielemedien wird schon seit Jahren der sichere Tod vorhergesagt. Dafür haben sie bisher ganz gut überlebt. Bis zu den Game Key Cards jedenfalls …

So können Indie-Devs doch sparen?

Gern wurde mir auch entgegnet, Game Key Cards seien doch eine tolle Alternative für Indies, um Geld zu sparen. Ja klar, wer kennt sie nicht, die klammen Indie-Kassen bei Square Enix, Capcom, Warner Bros, SEGA und Co. – das sind nämlich die Hersteller, die aktuell auf Game Key Cards setzen.

Und ja, 64GB-Cartridges sind teuer. Aber die Videospielbranche ist wohl die einzige, in der die Leute „dankbar“ für Produkte sind, für die sie viel Geld bezahlen. Wieso sollten wir als Käufer nicht die bestmögliche Veröffentlichungsform verlangen können? „Aber da spart Square Enix auch viel Geld“ ist doch kein Pro-Argument. Wenn die Butter zum gleichen Preis wieder 30 Gramm weniger Inhalt hat, rechtfertigen wir das doch auch nicht damit, dass es für den Hersteller so doch günstiger sei.

Glaubt ihr, die Publisher geben euch die Ersparnis für die Game Key Card weiter? Nein, aber dafür dürft ihr euch noch eine teure microSD-Karte kaufen, wenn ihr mehr als drei Spiele griffbereit auf der Switch 2 haben wollt.

Es gibt doch weiterhin normale Cartridges!

Ja, die gibt es und Nintendo hat bereits kommuniziert, für die hauseigenen Veröffentlichungen weiterhin auf Spielkarten mit Spieldaten zu setzen. Und auch Third-Party-Publisher dürfen das natürlich. CD Projekt RED macht es mit Cyberpunk 2077* und Marvelous mit Daemon X Machina: Titanic Scion*. Aber das wird nicht die Zukunft sein, wenn es auch anders durchgeht.

Nahezu alle bisherigen Third-Party-Veröffentlichungen setzen auf die Game Key Card. Von Square Enix mit Bravely Default Flying Fair HD Remaster*, über Capcom mit Street Fighter 6 Years 1-2 Fighters Edition* und SEGA mit Yakuza 0 Director’s Cut*, bis Warner Bros mit Hogwarts Legacy*. Und wenn die Publisher nicht merken, dass dies die falsche Entscheidung war, wird man sie kaum korrigieren. Dass Nintendo gerüchteweise nur 64GB-Cartridges oder eben Game Key Cards anbietet, also beispielsweise keine günstigeren 32GB-Karten, macht die Sache nicht einfacher, aber auch nicht unumkehrbar.

Solltet ihr dieser Meinung folgen, dann folgt auch diesem Aufruf: Sagt dem Publisher bei jeder Gelegenheit, dass ihr Game Key Cards nicht mögt. Die Dinger sind nicht gottgegeben, man muss das nicht akzeptieren. Das tun viele Videospielfans auch nicht: Unter einem aktuellen Tweet von Square Enix zu Bravely Default Flying Fairy HD gibt es 103 Antworten, davon bringen handgezählte 45 Fans ihre Ablehnung zu „Game Key Cards“ zum Ausdruck. Ist das ein Kampf gegen Windmühlen? Vielleicht. Sollte man ihn deshalb nicht führen? Nö.

Bewahrt den Ton und benehmt euch, aber es spricht nichts dagegen, unter den neuen Trailer zu Yakuza 0 Director’s Cut zu schreiben, ihr hättet zwar Interesse daran, wollt aber keine Game Key Card. Denn mal ehrlich. Es gibt mehr als genug Games. Ganz viele davon auch noch physisch. Und last but not least sind die Cover mit den Zusatzangaben neben dem USK-Logo auch noch extrem hässlich.

Bildmaterial: Nintendo

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Es gibt die Möglichkeit, bis zu 30 kostenlose Ziehungen zu erhalten und sogar einen von zwei 5-Sterne-Charakteren könnt ihr bekommen. Hierbei handelt es sich um Ruan Mei, einen sehr guten Support-Charakter, oder den Heiler Luocha. Beide Charaktere sind schon älter, aber noch immer sehr hilfreich.

Weitere „Quality of Life“-Verbesserungen sollen außerdem künftig den Frust beim Beschwören von Charakteren verringern und euch mehr Auswahl darüber geben, was ihr erhalten könnt. Natürlich gibt es auch neue Events und ab 3.4 werden sogar alte Charaktere zusätzlich verstärkt, um mit der heutigen Meta mithalten zu können. Das klingt also alles wirklich super! Warum also ist die Stimmung in der „Honkai: Star Rail“-Community aktuell getrübt?

Eine globale Fähigkeit – mit verheerenden Folgen für das Spiel?

Der Grund hierfür trägt einen Namen: Castorice. Der neue Charakter ist bereits seit dem Update 3.0 von Honkai: Star Rail ein Teil der Geschichte und hat sich, nicht nur aufgrund des Charakter-Designs, zu einem Favoriten von vielen Spielenden entwickelt.

Das konnte sich Hoyoverse, das Studio hinter dem Titel, wahrscheinlich bereits denken und macht Castorice deswegen zum Jubiläums-Charakter. Auch wenn mit Anaxa natürlich mit dem Update noch ein zweiter Charakter erscheint, so scheint dieser eher im Schatten von Castorice zu stehen.

Bei Castorice handelt es sich um einen Charakter des Gedenken. Dieser Pfad kommt mit einer spannenden Mechanik daher, in welcher die jeweiligen Figuren einen sogenannten Memogeist beschwören können. Dieser ist wie eine weitere Figur für eure Party und je nach Charakter bieten diese zusätzlichen Kampf-Kreaturen unterschiedliche Boni oder hauen einfach ordentlich drauf. So auch bei Castorice: Sie beschwört einen gigantischen Drachen, welcher die Feinde mit einem verheerenden Strahl attackiert. Doch hierbei liegt gar nicht das Problem an dem Charakter – das ist aber immerhin unfassbar cool.

In der Geschichte von Honkai: Star Rail liegt Castorice dem Titan des Todes sehr nah – und generell dem Tod an sich. Sie kann zum Beispiel die Stimmen von Verstorbenen wahrnehmen oder diese bei ihrem Abschied begleiten. Aber im Kampf kann sie gefallene Freunde, wie es auch Bailu ähnlich konnte, direkt wiederbeleben. Werden diese dann direkt geheilt oder erhalten einen Schild, sind sie wieder voll einsatzfähig und es kann weitergehen. Geschieht dies nicht, bleiben sie im gefallenen Zustand.

Bis hierhin unterscheidet sich das Ganze nicht sehr stark von Bailu. Nun kommt aber das natürlich eigentlich sehr hilfreiche „Problem“. Diese Fähigkeit kann auch dann aktiviert werden, wenn Castorice gar nicht im Team ist. Es handelt sich also hierbei um eine globale Hilfestellung, welche sich über euren gesamten Account erstreckt. Das ist sehr hilfreich und kann dabei helfen, knifflige Kämpfe einfacher zu überwinden. Doch leider öffnet diese neue Fähigkeit eine Box der Pandora, welche vielen Fans sauer aufstößt.

Fear of Missing Out, kurz FOMO, stärker denn je?

Eine solche Fähigkeit bedeutet im schlimmsten Fall, dass künftiger Inhalt immer um die Möglichkeit der Wiederbelebung balanciert werden muss. Was hält Hoyoverse also davon ab, Bosse künftig deutlich schwerer zu machen und somit denjenigen, die Castorice nicht haben, das Spielerlebnis deutlich unangenehmer zu machen? Doch ganz abgesehen von einer globalen Möglichkeit zur Wiederbelebung gibt es noch ganz andere Möglichkeiten, die man in Zukunft einbringen könnte. Genau das befürchten viele Spielende.

Wie klingt für euch ein Charakter, welcher allen Charakteren im Spiel einfach 20 % oder gar 50 % mehr Angriff gibt? Und dafür nicht einmal im Team sein muss! Was, wenn ihr direkt immer +20 % HP erhalten könnt? Habt ihr diese beiden Figuren und Castorice, seid ihr unfassbar stark!

Doch dann wäre der Endgame-Inhalt zu einfach, also müsste dieser natürlich darauf angepasst werden. Was wiederum für diejenigen schlecht ist, welche eben nicht diese Figuren beschwört haben. Aktuell ist dies nur ein hypothetisches Szenario, welches aber jederzeit real werden könnte. Und das macht mir als großem Fan durchaus Sorgen um die Zukunft und den Powercreep von Honkai: Star Rail.

Natürlich muss man mit dem Spiel ausreichend Geld verdienen, um es am Leben zu erhalten, und muss die Leute zum Beispiel dazu bringen, für Beschwörungen zu zahlen. Doch ist dies der richtige Ansatz? Bisher klappte es doch augenscheinlich gut mit einfach gut erzählten Charakteren, welche grundsätzlich stark sind – wenn auch hier leider oft stärker als die vorherigen Figuren.

Eine Gameplay-Wüste?

Das alles wäre vielleicht gar nicht so das Thema, wenn Honkai: Star Rail seit der Veröffentlichung von 3.0  nicht ein Problem mit interessanten Inhalten hätte. Damit meine ich nun nicht die Story-Inhalte. Von denen wurde ich großartig unterhalten, wenn auch es sich manchmal ein wenig gestreckt anfühlte. Immerhin erhalte ich mit den Story-Updates interessanten Plot und sehr coole Zwischensequenzen. Auch wenn hier Spielende kritisierten, es gäbe zu viel Story – doch das ist wohl eher Empfindungssache und hat mich nicht gestört.

Abseits davon gibt es jedoch seit 3.0 nicht viel zu machen. Die Events sind karg und ehrlich gesagt nicht besonders reizend. Ein Event ließ Spielende alle neuen Minigames noch einmal durchleben, auf eine sehr langweilige Art und Weise. Mit dem neuen Kreaturen-Event aus dem Update 3.1 konnte man sich ein wenig beschäftigen, doch auch hier glänzte Hoyoverse nicht mit riesigem Einfallsreichtum. Und das neueste Event ließ Spielende einfach zu einem NPC gehen, ein paar Materialien abgeben und dann erhielt man dafür eine Belohnung. Spannend ist das nicht.

Das heißt also, die einzigen spielbaren Dinge sind die regelmäßig aktualisierten Endgame-Kämpfe. Diese sind aktuell schon aufgrund der immer größer werdenden HP-Leisten der Feinde schon nicht mehr die spannendsten Erlebnisse. Neue Mechaniken gibt es selten und wenn, dann nur in abgewandelter Form von bisherigen Boss-Mechaniken. Ansonsten ist die größte Herausforderung einfach nur mehr HP abziehen zu müssen.

Und hier schließt sich nun der Kreis und somit auch das Grundproblem mit Castorices globaler Fähigkeit. Werden diese Kämpfe aufgrund globaler Fähigkeit(en) zu noch größeren HP-Schwämmen, könnte für viele Spielende die letzte aktuell spielbare, halbwegs spannende Bastion außerhalb der Story wegfallen.

Und wenn spielbarer Inhalt wegfällt, dann gehen die Spielenden auf andere Games und Honkai: Star Rail bekommt ein Problem. Das würde ich als, wie bereits erwähnt, großer Fan des Titels sehr schade finden. Hoyoverse muss ganz bald nachbessern und Honkai: Star Rail wieder interessanter machen.

Ich logge mich weiterhin gern täglich ein, erledige meine Dailys – doch irgendwie fehlt der Anreiz für mehr. Denn mehr gibt es schlichtweg nicht wirklich. Hoffen wir, dass man mit dem Update 3.2 zum 2. Jubiläum neben zahlreichen Gratis-Dingen auch wieder mehr spannende Inhalte bieten wird und nicht noch mehr globale Fähigkeiten einführt, die das FOMO-Gefühl auf unangenehme Weise verstärken.

Bildmaterial: Honkai: Star Rail, miHoYo

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Wir wollen den Geburtstag mit meinem überarbeiteten Artikel feiern, den ich 2019 anlässlich der Switch-Veröffentlichung des Spiels geschrieben habe. Nach dem gemischt aufgenommenen Final Fantasy X-2 mussten Fans drei Jahre auf Final Fantasy XII, eine damals noch ungewöhnlich lange Wartezeit.

Auch um Final Fantasy XII gab es damals die ein oder andere Kontroverse unter Fans – bis heute. Viele Personen, mit denen ich über meine Lieblingsspiele rede, verziehen das Gesicht, wenn sie hören, dass Final Fantasy XII ganz weit oben auf meiner Liste steht.

Final Fantasy XII mit Sakimoto statt Uematsu

Der Grund für die gemischten Gefühle damals war selbstverständlich das Brechen mit vielen Final-Fantasy-Traditionen. Zum Beispiel beim Soundtrack. Final Fantasy XII markierte das erste Hauptspiel der Rollenspiel-Reihe, dessen Soundtrack nicht von Nobuo Uematsu komponiert wurde. Was sicher daran lag, dass der von vielen geliebte Komponist zwei Jahre vor der Veröffentlichung Square Enix verlassen hatte, um sein eigenes Produktionsstudio zu gründen.

Hitoshi Sakimoto hat diese schwere Bürde dann übernommen. Eine logische Wahl, so hat er bereits vor 2006 mehrfach mit dem Director Yasumi Matsuno und somit an der Welt von Ivalice gearbeitet. Unter diese Projekte fallen Vagrant Story und Final Fantasy Tactics.

Und da sind wir beim zweiten Traditionsbruch. Anstatt ein komplett neues Universum für den nächsten Teil der Serie zu schaffen, hat sich Matsuno dazu entschieden, sein eigenes Universum zu nutzen und weiter auszubauen. Das erlaubte den Entwicklern natürlich, viel tiefer in die Materie, in die Politik, die Rassen und Feinheiten der bereits bekannten Welt einzutauchen.

Man hat sich nicht lange damit aufhalten lassen, zu erklären, was genau jede Rasse ausmacht und was ihre Aufgaben in der Welt sind. Der Spieler wird von Beginn an zwischen die Fronten geworfen. Durch das Erkunden der Städte, in denen die Bangaa, Viera, Mogry und Humes zusammenleben, lernt man die Details dieser Völker kennen.

Ohne Thema und doch atmosphärisch

Sakimoto hat für diese Welt die optimale musikalische Untermalung geschaffen. Anders als man es von Uematsu gewohnt war, haben Sakimoto und Matsuno sich darauf konzentriert, für jeden Aspekt dieser Welt und eben nicht für jede Szene den optimalen Sound zu schaffen. Die logische Konsequenz daraus war, dass einzigartige, erinnerungswürdige Stücke fehlten.

Die meisten Charaktere haben nicht einmal ein musikalisches Thema erhalten, was dem Fokus der gesamten Geschichte zu schulden war, aber dazu mehr später. So haben viele Spieler einzelne emotional aufgeladene Stücke vermisst, wie zum Beispiel “Aerith’s Theme” oder “To Zanarkand” aus den älteren Teilen. Nichtsdestotrotz werden die meisten Spieler, sofern sie die ersten Sekunden eines Stückes aus dem „Final Fantasy XII“-Soundtrack hören, dieses sofort richtig zuordnen können.

Denn, auch wenn sich kein direktes Thema durch den Soundtrack gezogen hat, so war die atmosphärische Dichte immer konsistent und in jeder Note war Ivalice zu hören. Leider konnte man sich, was die Musik angeht, nicht komplett von alten Traditionen trennen und gab so den Weg frei für eine der schrecklichsten Entwicklungen der späteren Final-Fantasy-Spiele. Seit dem achten Teil war es üblich, eine schöne Ballade als Aushängeschild zu nutzen und damit meistens das Spiel zu schließen.

Eine schöne Ballade – ohne Bezug

Eine schöne Tradition, durch die Nobuo Uematsu den Fans “Eyes on me”, “Memories of Life” und “Suteki da ne” schenken konnte. Auch Final Fantasy XII bot eine schöne Ballade am Ende, doch bei den meisten Fans und Kritikern konnte diese nicht zünden.

Der Grund war simpel: Anstatt den Komponisten, der komplett bei Spiel und Welt involviert war, bat man Uematsu, zumindest für das Titellied zurückzukehren. Damit konnte man zu der Zeit natürlich gut Marketing betreiben. Aber das Endergebnis war eine Ballade, die musikalisch und inhaltlich nichts mit dem Spiel gemeinsam hatte.

“Kiss Me Good-Bye”, gesungen von Angela Aki, ist ein wunderschönes Lied, aber absolut unpassend. Im weitesten Sinne kann man das Lied über zwei Liebende, die sich trennen müssen, auf Prinzessin Ashe und Lord Rassler übertragen und, obgleich diese Beziehung ein zentraler Teil der Motivation von Ashe war, so war sie nie derart im Fokus, um solch eine Ballade zu rechtfertigen.

Die emotionale Bindung, die viele Spieler mit den anderen drei Balladen haben, liegt darin, dass die Melodien nicht einfach nur am Ende über den Credits gespielt wurden. “Eyes on me” war das Thema von Rinoa, “Memories of Life” das von Garnet und “Suteki da ne” das von Yuna. Die Stücke wurden in verschiedenen Arrangements in die Spiele eingebaut und jedes Mal, wenn man sie als Spieler gehört hat, wurde die Bindung stärker, bis die komplette Ballade, meist orchestriert und gesungen, am Ende für Emotionen pur sorgte.

In Final Fantasy XII fehlt die Bindung zum Titel-Lied schlicht. In den nachfolgenden Teilen wird diese Tradition noch weiter ad absurdum geführt, wenn bekannte Popsternchen ohne jegliche Informationen zum Spiel irgendwelche Lieder schreiben und singen. So folgten Leona Lewis und Florence and the Machine.

Große Welt, gute Welt

Wegen diesem neuen Weg, den man mit der musikalischen Untermalung gegangen ist, war ich anfangs sehr skeptisch. Erst nach vielen Jahren und mehrmaligem Durchspielen habe ich verstanden, dass Final Fantasy XII eben nicht von den dramatischen Wendungen oder der Geschichte um die einzelnen Charaktere lebt, sondern von der Welt.

Wenn man in der Unterstadt von Rabanastre, den Straßen von Arcadis oder im Mausoleum von König Raithwall steht, den Klängen lauscht und sich die unendlich vielen und kleinen Details in jedem Hintergrund, in jeder Wand und jeder Bodenfliese genau anguckt, wird einem erst bewusst, was für eine realistische und doch fantastische Welt da erschaffen wurde.

Selbstverständlich ist das nur meine Meinung, aber bis heute konnte noch kein anderes Final Fantasy eine so konsistente, organische und atmende Welt erschaffen. Das liegt eben an diesen Details, sowie daran, dass die Welt vorher bereits existent war und natürlich auch an der Musik.

Rabanastre ist voller Leben. Überall spielen Kinder, Menschen unterhalten sich und handeln. In der Unterstadt drehen sich Dönerspieße und die Charaktere rauchen Wasserpfeife. Solche Kleinigkeiten in Kombination mit den vielen Rassen und den stets passenden Kleidungs-Designs von Akihiko Yoshida, der ebenfalls mit Matsuno bereits am Ivalice-Universum gearbeitet hat, sind der Grund, wieso ich von allen Final-Fantasy-Teilen am liebsten in den zwölften eintauche.

In der Wildnis bekämpfen sich die verschiedenen Monster und Chocobos schlafen in ihren kleinen Herden. Trocken- und Regenzeit wirken sich in der Giza-Ebene auf die Geografie der Wüste aus, in den Paramina-Schluchten kann ein Schneesturm am Weitergehen hindern.

Hier wurde so viel Liebe in die Welt gesteckt und das merkt man, auch wenn es zu Beginn viele Wüsten zu durchschreiten gilt. Diese sehen verschieden aus, haben unterschiedliche Lebewesen, die diese Region bewohnen, und führen zu unterschiedlichen Orten. Wüste ist nicht gleich Wüste.

Reeder & Smith: Genies bei der Arbeit

Doch der wohl wichtigste Grund, wieso Final Fantasy XII mir über die Jahre immer stärker ans Herz gewachsen ist, ist die Lokalisierung. Während ich damals von der (besonders im Vergleich zu Final Fantasy X) phänomenalen Synchronisation beeindruckt war, wusste ich erst viel später, wie viel Arbeit dort überhaupt hineingeflossen ist und mit welcher Leidenschaft zwei Männer dafür gesorgt haben, dass Final Fantasy XII auf Englisch so viel besser ist als im Original.

Diese beiden Männer waren Joseph Reeder und Alexander O. Smith. Zu zweit haben sie jede Dialogzeile und jeden zusätzlichen Text aus der japanischen in die englische Sprache übersetzt. Setzt man diese beiden Textgruppen in Relation, dann kommt man, laut den beiden Übersetzern, auf ca. 9 Prozent Dialoge und 91 Prozent für den Rest. Viele der nun folgenden Informationen sind aus Interviews mit den beiden hervorgegangen.

Was nun bei diesem Projekt anders war, war zum einen die Zeit. Die beiden hatten insgesamt ein Jahr für die Übersetzung und das Casting sowie die Aufnahmen der Synchronsprecher. Normalerweise übernehmen Übersetzung und Aufnahme verschiedene Teams, doch in diesem Fall waren Reeder und Smith ebenfalls Produzenten der Synchronisations-Arbeit.

„Wie arm sind die, die nicht Geduld besitzen!“

Dadurch war es ihnen möglich, die Texte zu schreiben und für ihre eigenen Texte die optimalen Synchronsprecher zu finden. Ein Jahr war damals eine sehr lange Zeit für das Lokalisations-Team und jede einzelne Sekunde wurde genutzt.

Das lag auch daran, dass, anders als bei vielen anderen Projekten, Reeder und Smith sehr viel kreativer Freiraum gelassen wurde. So durften sie Texte nicht nur übersetzen, sondern auch komplett umschreiben. Diese einzigartige Chance haben beide in vielerlei Hinsicht genutzt.

Unzählige Japano-Rollenspiele haben ein ganz großes Problem, was Dialoge angeht. Wenn sich Charaktere unterhalten, dann fühlen sich die Unterhaltungen selten authentisch an. Viel zu vieles wird in die Länge gezogen, jeder Charakter reagiert und alles wird derart platt getreten, dass auch Säuglinge verstehen, was auf dem Bildschirm passiert.

Final Fantasy XII hat zwar bereits einige Schritte in die richtige Richtung gemacht, da Matsuno sich teilweise an westlichen Rollenspielen orientiert hat, aber der letzte Schliff kam während der Lokalisierung. Hier ein Beispiel zur Verdeutlichung: Im Original sieht Vaan ein Chocobo an den Toren von Rabanastre. Der Chocobo-Verleiher erzählt ihm direkt übersetzt: „Das ist ein Chocobo. Man kann darauf reiten.“

Vaan hat Jahre auf der Straße gelebt. Er weiß natürlich, was ein Chocobo ist und was man damit macht. Der Spieler weiß es in so gut wie allen Fällen auch. Dennoch bestehen japanische Schreiber darauf, solche Expositionen simpel auszusprechen. In der englischen Sprachausgabe beschwert sich der Verleiher, dass ein Fremder ihm einen Chocobo gestohlen hat und damit weggeritten ist.

Isländisch, Indisch, Britisch und Amerikanisch

Es wurde praktisch genau dieselbe Information geliefert, jedoch in einer Art und Weise, welche die Immersion aufrechterhält und die Welt und ihre Charaktere glaubwürdig macht. Reeder und Smith haben viel Arbeit investiert, um die gesamte Welt realistischer zu machen. Dazu gehörte auch das Monsterlexikon, welches sich im Japanischen wie ein trockenes Schulbuch liest. Dieses wurde ausgeschmückt und durch die Verwendung von klassischem viktorianischen Englisch um ein Vielfaches aufgewertet.

Noch mehr Sorgfalt haben sie bei der Synchronisation walten lassen. Während im Original kaum Nuancen zwischen den Charakteren aus Rabanastre, Arcadia oder sogar den Viera zu finden ist, sind die beiden Produzenten diese Extra-Meile gegangen. Charaktere aus dem Imperium sprechen altes britisches Englisch, die Viera wurden aufgrund ihrer fremden und doch menschlichen Züge mit einem isländischen Akzent versehen. Unter anderem auch, weil Smith ein großer Björk-Fan war. Und die Menschen aus Dalmasca legen ein Westküsten-Englisch hin, während der Marquis Halim Ondore aus der Wolkenstadt einen stark indischen Akzent trägt.

Dadurch sollte die Welt lebendiger und vor allem realistischer wirken. Das ist dem Lokalisierungsteam mehr als gelungen. Noch heute müssen sich andere Rollenspiele mit der Qualität von Final Fantasy XII messen.

Mehr Englisch ist nicht schönes Englisch

Nicht nur, dass man den Rassen und Personen mit verschiedenen Hintergründen eigene Akzente und Sprechweisen gegeben hatte. Man war währenddessen noch weitaus limitierter, als man es heute ist. Denn jedes Wort musste an die japanische Lippen-Synchronität angeschlossen werden. Und das ist der Grund, warum ich erst spät gelernt habe, dieses Spiel noch mehr zu lieben. Die Eloquenz, die hier bei der englischen Lokalisierung an den Tag gelegt wurde, ist bis heute unübertroffen.

Reeder und Smith haben so viel Wert auf grammatikalische Feinheiten und schönes Englisch gelegt, dass die Dialoge teilweise wie aus einem richtigen Theaterstück wirken. Dieser Vergleich kommt nicht von irgendwo her. Die beiden Übersetzer haben oft Shakespeare erwähnt, wenn sie nach der Arbeit an Final Fantasy XII gefragt wurden.

Unterstützt wurde das dadurch elevierte Skript von den talentierten Synchronsprechern. Auch hier wurde aus Japan mehr Freiheit als sonst erlaubt. Larsa Ferrinas Solidor wurde so tatsächlich von einem Kind gesprochen, während es sonst üblich war, diese Rolle einer Frau zu überlassen. Das lag daran, dass sehr junge Synchronsprecher wesentlich kostspieliger und riskanter waren als erfahrene.

Ein weiteres Beispiel sind die Richter. Die grausame Judikative und Exekutive des Imperiums besteht hauptsächlich aus Theaterdarstellern, die noch nie an einer Videospiel-Synchronisation gearbeitet hatten und dank der Wurzeln des Directors der Aufnahmen im lokalen Theater mit an Bord waren.

Mit einem viktorianischen Vokabular und Akzent haben diese Darsteller die Richter zum Leben erweckt. Auch Bösewicht Vayne hat mit der „Received Pronunciation“, einer speziellen Aussprache aus dem Süden Englands, einen ganz eigenen Akzent erhalten. Dieser passt selbstverständlich zu seinem Charakter.

You’re so Vayne

Während andere Bösewichte mit ihrem Auftritt und Handeln Angst und Schrecken ausgelöst haben, tritt Vayne Carudas Solidor als vom Volk gewählter Konsul in Dalmasca auf. Seine große Kraft, sowohl in den Kolonien als auch in der Heimat, sind Redegewandtheit und Charisma.

Mit wenigen, aber wohlüberlegten Worten und Handlungen akzeptiert die Bevölkerung von Rabanastre diesen Gesandten des Imperiums. Im Laufe der Geschichte lernt der Spieler dann, dass er auch innerhalb des Imperiums wegen seines Charismas und seiner Intelligenz geliebt und gefürchtet wird.

Auch große Namen haben es in den Cast geschafft. In Deutschland wird John DiMaggio nicht vielen ein Begriff sein, aber er ist ein sehr bekannter Synchronsprecher in Amerika. Er lieh dem Verkäufer Migelo seine einzigartige Stimme und hat während der Aufnahmen oft improvisiert. Auch davon sind einige Aufnahmen im Spiel gelandet. In Übersee ist er bekannt für seine Performance als Bender, den „liebenswürdigen Halunken“ aus Futurama.

Ein besonderes Augenmerk liegt natürlich auch auf Emery Gideon. Vor Final Fantasy XII war er weniger für seine Synchronarbeit bekannt als für seine Nebenrollen in Film und Fernsehen. Als Luftpirat Balthier wurde er zum heimlichen Star der kleinen Gruppe. Nach dieser phänomenalen Performance stieg die Anzahl seiner Synchronisations-Arbeiten exponentiell an.

Ein Schritt nach vorn auch bei der Technik

Selbstverständlich hat auch die Technik, die selbst heute noch beeindruckt, zur Immersion beigetragen. Wenn Balthier wegen Vaans Dummheit die Augen verdreht oder wenn Fran mit ihrer Vergangenheit konfrontiert wird; generell geschieht viel im Gesicht der Charaktere. Ohne zu reden vermitteln die Blicke der Charaktere genau, wie sie sich fühlen. Kein Novum, aber in japanischen Rollenspielen immer noch eine Rarität.

Wenn ich jetzt noch von den genauen Machinationen des Imperiums, der Beziehung und Vergangenheit von Vayne und Larsa sowie von den einzelnen treibenden Kräften, den Beschwörungen und den Star-Wars-Parallelen anfange, dann wird dieser Text viel zu lang. Ganz zu schweigen von der problematischen Entwicklung, die Matsuno auf halbem Weg verlassen musste.

Final Fantasy XII: Ivalice forever

Es hat Jahre gedauert, bis ich Final Fantasy XII und die Arbeit dahinter richtig zu schätzen und lieben gelernt habe. Erst mit der Zeit wusste ich die Eloquenz, die Detailverliebtheit und den Realismus wertzuschätzen. Da der Fokus nicht auf den Charakteren liegt, sondern auf der Welt, hatten das Team um Matsuno, Joseph Reeder und Alexander O. Smith so viel mehr kreativen Freiraum.

So entstand eine mitreißende, spannende und unheimlich präzise geschriebene Erzählung, fern abseits der üblichen JRPG-Kost, die sich seit Jahren kaum weiterentwickelt. Genau deshalb ist Final Fantasy XII für mich der vielleicht beste Ableger dieser prestigeträchtigen Reihe und eines meiner Lieblingsspiele.

Bildmaterial: Final Fantasy XII: The Zodiac Age, Square Enix, Isamu Kamikokuryo

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Die Reaktionen damals reichten von glühender Begeisterung bis zu regelrechter Ablehnung. Soziale Medien waren damals (zum Glück) noch nicht so populär wie heute. Ein sehr lauter Teil der Final-Fantasy-Fans ging hart ins Gericht mit dem Titel, was damals wohl auch an den Erwartungen an das Spiel lag – und an der schwierigen Entwicklung, die diese nicht vollumfänglich befriedigen konnte.

Das Spiel entstand in einer Übergangszeit, als Square Enix den Sprung in die HD-Ära meistern musste. Final Fantasy XIII war geprägt von technischen Herausforderungen – unvergessen bleibt die Aussage von Regisseur Motomu Toriyama, dass Städte in 3D nur schwer umzusetzen seien.

Trotz der Kontroversen habe ich Final Fantasy XIII auch damals schon genossen. Es war anders als seine Vorgänger – wie immer eben. Für diesen stetigen Wandel zeichnet sich Final Fantasy aus. Natürlich war der lineare Aufbau des Spiels, der erst spät aufgelockert wurde, damals wohl eine Schwäche. Heute würde sich manch ein Final-Fantasy-Fan wohl die Zielstrebigkeit früherer Spiele zurückwünschen.

Aber auch ausgewiesene Stärken hatte Final Fantasy XIII: Ich mochte die emotionale Story, die meisten Charaktere und vor allem das Kampfsystem, das damals auch von Medien für seine Dynamik und strategische Tiefe gelobt wurde. Außerdem war die visuelle Präsentation doch wohl fantastisch!

Heute, 15 Jahre später, erlebt Final Fantasy XIII eine Art Renaissance. Die Stimmung hat sich gewandelt, und in den sozialen Netzwerken äußern sich immer mehr Fans positiv über das Spiel. Viele wünschen sich sogar eine moderne Neuauflage der gesamten XIII-Trilogie – ein Wunsch, der kürzlich durch neue Gerüchte befeuert wurde.

Eine Neuauflage in Sicht?

Laut den Gerüchten vom September, die ihren Ursprung bei 4chan hatten, soll Square Enix an Neuauflagen der gesamten XIII-Trilogie arbeiten. Neben dem Originalspiel sollen also auch Final Fantasy XIII-2 und Lightning Returns überarbeitet werden. Die Verbesserungen entsprechen den heutigen Standards für Remaster: 4K-Auflösung, 60 FPS, überarbeitete Grafik, neue Effekte und ein verbesserter Soundtrack. Hinzu kommen Quality-of-Life-Features wie ein Fast-Battle-Modus.

Obwohl die Quelle fragwürdig ist, erscheint die Vorstellung keineswegs abwegig. Final Fantasy XIII ist das einzige Hauptspiel der Reihe, das nicht auf der PlayStation 5 spielbar ist. Und 15 Jahre nach der Erstveröffentlichung hat das Spiel längst seinen Platz als Klassiker gefunden – vor allem, da viele Fans mit den Jahren versöhnlicher geworden sind.

Ein Spiel, das seine Zeit brauchte

Final Fantasy XIII hatte es von Anfang an schwer, wurde aber auch zu einem Spiel, das in einigen Dingen seiner Zeit voraus war. Heute erkennen viele Fans, was das Abenteuer rund um Lightning und ihre Gefährten besonders gemacht hat. Die handwerklich beeindruckende Inszenierung – auch ohne begehbare HD-Städte –, die künstlerische Vision und das packende Kampfsystem sind Qualitäten, die gut gealtert sind.

Vor einigen Tagen feierte der Final-Fantasy-Account bei Twitter den Geburtstag von Final Fantasy XIII-2, das damals etwa ein Jahr nach Final Fantasy XIII erschienen ist. In den Kommentaren gibt es ein vorherrschendes Thema: Remaster der Trilogie. Ob die Gerüchte zur Neuauflage stimmen, wird sich bald zeigen. Ein kolportierter Termin Anfang 2025 würde bedeuten, dass eine offizielle Ankündigung nicht mehr lange auf sich warten lassen kann.

Bildmaterial: Final Fantasy XIII, Square Enix

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Beste Stimmung beim Publikum, ganz viel Vorfreude auf den heutigen Launch. Nahezu ausschließlich positive Reviews, die irgendwo zwischen überschwänglich und euphorisch anzusiedeln waren. Auch bei Sony PlayStation beste Laune: „Astro Bot Special“-Menü in der Kantine!

Team Asobi hat ganze Arbeit geleistet und ich war hoffentlich nicht der Einzige, der in diesen Stunden an das Sony Japan Studio denken musste. Im März 2021 sickerte erstmals durch, dass Sony dem Studio mit Sitz in Tokyo wohl den Stecker ziehen würde. Einzig Team Asobi überlebte dem Vernehmen nach – das Studio, das heute unter größtmöglichem Jubel Astro Bot veröffentlicht hat.

Viele Persönlichkeiten weg

Schon in den Monaten zuvor wurde nach und nach bekannt, dass zahlreiche namhafte Persönlichkeiten das Sony Japan Studio verlassen würden. Teruyuki Toriyama (Soul Sacrifice) sowie Masaaki Yamagiwa (Bloodborne) und Keiichiro Toyama (Silent Hill) verließen nach und nach das Studio. Berichtet wurde damals, das Studio sei schlicht nicht profitabel genug gewesen.

Aus den Büros in Tokyo entsprang Polys Entertainment, das schon früh in Polyphony Digital aufging, nachdem Gran Turismo ein großer Erfolg war. Zu Team ICO müssen wir wohl nicht mehr sagen als: Ico, Shadow of the Colossus, The Last Guardian. Team Silent hatte Siren und Gravity Rush hervorgebracht, die meisten Entwickler verließen das sinkende Schiff schon Wochen zuvor und gingen in Bokeh Game Studio auf – Slitterhead steht kurz vor der Veröffentlichung.

Ihr merkt es, so langsam kommen wir in den Teil, wo ich traurig werde, vielleicht sogar ein bisschen wütend. All diese Kreativen hat Sony ziehen lassen und es sind viel mehr als die, deren Namen wir kennen, weil sie Director und Producer waren. Dass ausgerechnet das verspielte Astro Bot von etwa 65 Entwicklern bei Team Asobi das Concord-Desaster vergessen lässt: bezeichnend.

Die eierlegende Wollmilchsau

Nichts gegen Live-Service-Games, Team-Shooter oder sonst was. Und ganz speziell nichts gegen die Menschen bei Firewalk, die diese Spiele entwickeln können, dürfen, müssen. Vielleicht aber lag es an der Gier, eine eierlegende Wollmilchsau nach der nächsten sein Eigen nennen zu wollen?

Die Live-Service-Strategie von Jim Ryan und Co. wurde inzwischen korrigiert, nicht aber rückgängig gemacht. Das geht wahrscheinlich auch gar nicht mehr. Von 12 geplanten Live-Service-Games sind nach „strengem Portfolio-Überprüfungsprozess“ 2023 nur noch sechs übrig geblieben, die bis 2025 erscheinen sollen.

Von den Sony Japan Studios sind 65 Menschen übrig geblieben. Es hatte sich schon vorab als Team Asobi innerhalb des Studios geformt und ist auch nach der Schließung von Sony Japan Studio kaum gewachsen. Gerade erst hat ein Sony-Manager kommuniziert, man habe nicht genug Eigenmarken.

Ich bin kein Top-Manager. Ich weiß es nicht. Vielleicht war es langfristig klüger, zu Lasten von Sony Japan Studio lieber Studios wie Firewalk Studios und Bungie zu kaufen und einen Live-Service-Shooter nach dem anderen auf einen übersättigten Markt zu ballern, statt Leuten wie Team Asobi einen Bruchteil des Budgets zur Verfügung zu stellen, um kreativ und bunt zu sein. Die Sony Japan Studios stehen stellvertretend für all die kreativen Teams, die in den letzten Jahren auseinandergerissen worden sind. Team Asobi hat heute (einmal mehr) gezeigt, was sie erschaffen können.

VGC hat eine kleine Reportage mit vielen interessanten Einblicken zum Launch von Astro Bot veröffentlicht. „Wir denken, dass größer nicht immer besser ist“, sagt der Gameplay-Programmierchef Masayuki Yamada. Damit meint er eigentlich die Teamgröße, aber vielleicht lässt sich das auch anders lesen. „Play Will Find a Way“ ist der heutige Live-Action-Trailer zu Astro Bot untertitelt. Und damit viel Spaß mit Astro Bot!

Bildmaterial: Astro Bot, Sony Interactive Entertainment, Team Asobi, ehemals Sony Japan Studio

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Das ist vielleicht auch der Grund, weshalb sich einige Final-Fantasy-Fans eine Blitzball-Neuauflage in Final Fantasy XIV wünschten. Der selbsternannte Vergnügungspark zur Serie wäre dafür vielleicht geeignet, insbesondere nachdem mit der Dawntrail-Erweiterung eine tropische, passende Region Einzug gehalten hat. Doch Naoki Yoshida erteilte Blitzball in Final Fantasy XIV bereits eine Absage.

Zur Erinnerung: Blitzball spielte in Final Fantasy X sowohl im Rahmen der Story, als auch in „Minispiel“-Form eine große Rolle. Man konnte Spieler in ganz Spira rekrutieren, die verschiedene Werte und Fähigkeiten besaßen. In einem riesigen Wasserstadion konnten Fans dann Matches austragen.

Die Absage für Final Fantasy XIV und die nach wie vor große Beliebtheit von Blitzball lässt jetzt Automaton Media spekulieren, dass Blitzball doch gerne auch in anderer Form eine Rückkehr erleben könnte. Ein Spiel für Konsolen und PCs wäre gewiss theoretisch denkbar, wahrscheinlicher sei aber ein Ableger für Mobilgeräte.

Ein Mobile-Game?

Man könnte das Team in einer Mobile-Adaption von Blitzball per Touch-Steuerung relativ einfach verwalten und kontrollieren, auch die Steuerung der Spieler während des Spiels scheint mit einem Mobilgerät gut vereinbar. Die Rekrutierung von neuen Spielern für Blitzball – es gehört nicht viel Fantasie dazu, um sie mit einem beliebten Monetarisierungsmodell namens – bitte kurz Augen schließen – Gacha zu ersetzen.

Mögliche neue Funktionen wären von Fans gegründete Clans, oder Ligen und natürlich zahlreiche Events, wie man sie von Mobile-Games kennt. Aussehen und vielleicht sogar Werte der Spieler könnten mit saisonaler Ausrüstung und Items aus einem Ingame-Store verbessert werden. Dabei wäre natürlich auch auf die Balance zu achten. Was meint ihr, hat die Idee Potenzial?

via Automaton Media, IGN, Bildmaterial: Final Fantasy X, Square Enix

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Auf der anderen Seite gibt es bereits LEGO-Videospiele zu Batman, Star Wars, Marvel, Fortnite und vielen anderen weltbekannten Marken. Mit der Ankündigung von LEGO Horizon Adventures arbeitet LEGO mit einer First-Party-Marke von Sony Interactive Entertainment zusammen, einem großen Konsolenhersteller.

So mancher fragt sich nun also, insbesondere nach den vielen Kollaborationen der jüngeren Vergangenheit, wann Nintendo und LEGO ein Videospiel entwickeln. Mit der Ankündigung von LEGO-Sets zu Mario Kart und The Legend of Zelda* sind dazu die Optionen größer denn je. Auch, dass sich Nintendo mit seinen Marken in den letzten Jahren deutlich nach außen öffnet, darf als gutes Zeichen gelten. Man denke nur an Mario + Rabbids.

Wahrscheinlich würden viele Nintendo-Marken gute LEGO-Spiele abgeben, aber Zelda wäre auf den ersten Blick die am besten passende Wahl, weil die Marke auch gut zu bisherigen LEGO-Spielen passt. Ein Super Mario wäre spielerisch wohl zu limitiert, Mario Kart und Animal Crossing stehen hinter den Optionen und Möglichkeiten zurück, die Zelda bieten würde.

Vor- und Nachteile der Spiele

Zelda-Spiele gab es in 2D- und 3D-Ausführung, mit Top-Down- und Third-Person-Perspektive. Es gibt viele Gameplay-Elemente, Fähigkeiten und Waffen. Ein LEGO-Spiel zu Zelda könnte der Gegenpart zu LEGO Horizon Adventures sein. Spiele wie Ocarina of Time boten eine strukturierte, relativ engmaschige Welt, die sich vermutlich gut in ein LEGO-Abenteuer projizieren ließ. Ob neuere 3D-Abenteuer mit Breath of the Wild oder Tears of the Kingdom mit ihren weitläufigen Arealen dazu taugen, scheint eher fraglich.

Spielerisch hingegen würden, vielleicht ältere 2D-Ableger mit ihren Mechaniken besser zu einer LEGO-Videospieladaption passen. Das Remake von Zelda: Link’s Awakening kann man sich wohl ganz gut auch als LEGO-Abenteuer vorstellen, oder? Noch besser passt wohl das kommende Zelda: Echoes of Wisdom und der Tri-Stab von Zelda, der Gegenstände (und damit potenziell auch LEGO-Steine) duplizieren kann. Auch die Mechaniken aus Tears of the Kingdom würden hier vielleicht eine gute Schnittmenge bieten.

Das sind nur einige Ideen und Denkanstöße, inspiriert von einem Artikel bei GameRant. Was meint ihr denn, welche Nintendo-Marke sich am besten für eine LEGO-Videospieladaption eignen würde – oder, vielleicht wichtiger: Welche Marke würdet ihr denn am liebsten adaptiert sehen?

Bildmaterial: LEGO

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Aber er arbeitet eben bei Nintendo, wo auch Shigeru Miyamoto arbeitet, der schon seit 1977 bei Nintendo angestellt ist. Vor gut zwei Jahrzehnten ist Sakamoto vom kreativen Arbeiten in die Produzentenrolle geschlüpft, kümmert sich also um Geld, Mitarbeiter und Marketing. Dass Nintendo ihm kurz vor seinem 65. Geburtstag ein neues Famicom Detective Club schenkt, das darf man wohl getrost als ein bisschen romantisch bezeichnen.

Der Ankündigungstrailer zu Emio – der lächelnde Mann, dem neuen Serienableger etwa 35 Jahre nachdem Sakamoto Famicom Detective Club aus der Taufe gehoben hatte, stellt Yoshio Sakamoto als Producer vor. Doch wie er im Video selbst verrät, erarbeitet er „wirklich alles, von der Handlung, über das Skript bis hin zu den Filmsequenzem und selbst winzigste Details“ – er grinst, als er den Satz beendet. Da lacht das Herz.

Nintendo, wo Geschäftsführer ihr Gehalt kürzen, man Land kauft, wenn andere Studios kaufen und man Studios kauft, während andere Konzerne Mitarbeiter entlassen, macht einmal mehr Nintendo-Dinge. In die gleiche Kategorie, wenn auch anders konnotiert, fallen der Teaser und die Ankündigung zu Emio.

Der Teaser-Tweet und die „Wer ist Emio?“-Kampagne: spannend! Das Erwartungs-Management am Ende: voll daneben. Unter der Ankündigung zu Emio äußern zahlreiche Fans ihren Unmut. Von „zerstörten Erwartungen“ und „purer Enttäuschung“ ist da die Rede, mehr als nur einmal.

Die meisten hatten nach dem Teaser-Video in realistischer Optik ein cooles, creepy Horror-Game erwartet. Die Diskrepanz zwischen den Artstyles von Teaser und Ankündigung muss sich Nintendo sicher ankreiden lassen.

Nintendo being Nintendo

Ein vermeintlich cooles Ding starten und am Ende interessierte Fans mindestens stirnrunzelnd zurücklassen: Nintendo macht Nintendo-Dinge. Gerade erst heute hat man Nintendo World Championships: NES Edition veröffentlicht und den legendären Turnieren einen modernen Rahmen verpasst. Eine feine Idee.

Während die Sammlung von Herausforderungen zum lokalen Partyhit taugt, kritisieren Reviews vor allem die mangelhaften Online-Komponenten. Es gibt zum Beispiel keinerlei Möglichkeit, die Ergebnisse der Speedrun-Challenges mit anderen Spielenden, geschweige denn mit Freunden zu vergleichen.

Journalist Jeff Grubb fotografierte seine Ergebnisse von der Switch ab und teilte sie bei Twitter, um sich mit Freunden zu messen. Wenn man damit an die Fotoeinsendungen für die Rankings in den Club-Magazinen vor 30 Jahren erinnern wollte, ist das sicherlich gelungen. Nintendo macht eben Nintendo-Dinge.

Bildmaterial: Mario + Rabbids Sparks of Hope, Ubisoft

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Wie das in einem MMORPG funktionieren sollte, war mir nicht nur unklar. Ich hatte auch nicht die technischen Voraussetzungen, um ein MMORPG auszuprobieren. Bis zum Start von Final Fantasy XIV sollte sich meine Einstellung nicht ändern. In den letzten über zehn Jahren ist dann viel passiert: in meinem Umfeld, mit meiner Zeit, mit meinem Geld, mit meiner Technik, in meinem Leben.

Natürlich habe ich, wie ihr wahrscheinlich auch, immer mal wieder gehört, wie gut Final Fantasy XIV: A Realm Reborn doch sein soll. Es war stets verlockend, aber später habe ich das Spiel aus anderen Gründen abgelehnt. Ein MMORPG ist ein Zeitfresser. Zeit, die ich nicht habe. Statt immer wieder in die gleiche Welt einzutauchen, würde ich doch in der gleichen Zeit lieber mehrere Einzelspieler-Titel spielen.

Abendfüllende Streifzüge durch Eorzea, wenig Spontanität bei der Auswahl und zeitlichen Ausgestaltung meiner Spiele-Sessions, vielleicht von anderen abhängig sein – früher wäre das kein Problem gewesen, später waren das meine Bedenken und darauf hatte ich keine Lust. Auch ein bisschen Selbstschutz war dabei: Ich hatte auch die Furcht, dass ich vielleicht ein bisschen zu addictive werde.

Ihr kennt vielleicht den Spruch: Alle sagten, das geht nicht. Dann kam einer, der wusste das nicht, und hat es einfach gemacht. Frei nach diesem Motto habe ich also vor ein paar Wochen die Free-Trial zu Final Fantasy XIV installiert und losgelegt.

Heute ist vieles anders.

Als Starthilfe diente tatsächlich auch meine PlayStation Portal, mit der ich deutlich spontaner sein darf und mit der man Final Fantasy XIV ganz gut spielen kann. Wenn es dann doch nicht passt zwischen mir und dem Spiel, dann habe ich ja nichts verloren. Es passte aber ganz gut. Vor allem die Bedenken bei der Spontanität meiner Spiele-Sessions waren schnell ausgeräumt. Man kann eben doch jederzeit und auch mal nur 30 Minuten Final Fantasy XIV spielen. Inzwischen kann ich euch nur raten: Probiert es doch mal aus.

Warum ich euch das alles erzähle? Weil Square Enix dazu eingeladen hat, bei einem Preview-Event einen Blick auf Final Fantasy XIV: Dawntrail zu werfen. Bis ich inhaltlich selbst an Dawntrail anknüpfen kann, vergehen wohl noch einige Monate. Das hat mich aber nicht davon abgehalten, einige Gebiete des neuen Kontinents Tural zu erkunden und die beiden neuen Jobs Piktomant und Viper einfach mal auszuprobieren. Um die Story der Erweiterung ging es dabei überhaupt nicht, ich habe mich also selbst nicht gespoilert und kann auch euch nicht spoilern.

Optisch macht Dawntrail einiges her. Ich, der immer noch A Realm Reborn spielt, sehe, dass sich die Welt deutlich hübscher präsentiert. Das Setting mit der bunten, lebendigen Vegetation, azurblauem Wasser und einer karibisch-anmutenden Architektur dürfte daran auch seinen Anteil haben. Viel Spaß hatte ich, mehrere Stunden lang mit dem Piktomant durch Tural und den Raid-Dungeon „Jungle Cruise“ zu ziehen. Der Piktomant setzt auf Farben und Pinsel sowie vor allem auf Fernkampfangriffe. Der Viper verlässt sich im Gegensatz dazu auf seine Nahkampffertigkeiten und seine beiden Schwerter.

Nette Community!

Nach mehreren Fehlversuchen beim Raidboss habe ich mir dann ein bisschen Hilfe in Form des Content Creators Entenburg geholt. In meiner knappen Zeit mit „A Realm Reborn“ hatte ich bereits bemerkt, wie hilfsbereit und nett die Community ist. Wenn ich bei Twitter über Final Fantasy XIV schrieb, hallten mir „ONE OF US“-Gifs entgegen und im Spiel selbst wurde ich in einen Anfängerchat eingeladen, in dem ständig und geduldig die wildesten Fragen beantwortet werden.

Naoki Yoshida selbst lobte seine Community in der Präsentation zum Start des Preview-Events als eine der besten, aber was soll er auch anderes sagen? Stimmt allerdings wirklich; ist nicht nur PR-Sprech, sagt Entenburg, der einen ganzen Haufen MMOs spielt und es wissen muss. Unter seiner Anleitung spiele ich den Raidboss noch einmal, er gibt super-nützliche Tipps und das Vieh fällt gleich nach dem ersten Versuch. Danke, Entenburg!

Probiert es doch mal …

Falls ihr euch jetzt fragt, ob es nach 10 Jahren noch Sinne ergibt, einem MMORPG beizuwohnen: Mit jeder Erweiterung gehen 6 bis 8 Millionen Spielende diesen neuen Weg und auch mit Dawntrail wird es wieder Millionen Neulinge geben. Es ist nie zu spät, mit Final Fantasy XIV anzufangen. Und es ist auch noch nie leichter gewesen. Die Free-Trial bietet mehr Inhalte, als ihr in dem Monat überhaupt absolvieren könnt und Final Fantasy XIV selbst ist inzwischen nicht nur auf PCs und PlayStation, sondern neuerdings auch auf Xbox spielbar. Mit dem Steam Deck und PlayStation Portal sogar ohne TV oder PC.

Gewiss, man merkt „A Realm Reborn“ sein Alter an, aber es wurde über die Jahre natürlich auch mehrfach überarbeitet. Ich jedenfalls habe derzeit aber viel Spaß in der Welt von Final Fantasy XIV und wie Naoki Yoshida erklärte, würde er das MMORPG auch die nächsten zehn Jahre noch gerne mit Inhalten füttern. Ich bin gespannt, was mich noch erwartet. Auch wenn es die Dawntrail-Inhalte wohl so schnell nicht sein werden. Ein paar Stündchen muss man wohl angeblich für jede Erweiterung einplanen und inzwischen gibt es fünf.

Bildmaterial: Final Fantasy XIV, Square Enix

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Statt Link sollte jedenfalls Zelda spielbar sein, so die Forderung von vielen Fans. Immerhin ist es die Legende von genau ihr, die namensgebend für die Serie ist. Nintendo zögerte, diese Fan-Forderung umzusetzen. Aus einem guten Grund, den Eiji Aonuma während der Nintendo Direct bei der Ankündigung von Zelda: Echoes of Wisdom auch durchblicken ließ.

Es wäre langweilig und äußerst seltsam, wenn sich Zelda genau wie Link spielt. Zelda einfach ein Schwert in die Hand drücken? Nee. Das wiederum bedeutet im Umkehrschluss, dass man sich jede Menge Gedanken darüber machen muss, wie genau sich eine Zelda denn nun spielen könnte. Ganz so, wie man es in Smash Bros. oder Hyrule Warriors tat.

Diesmal sprechen wir allerdings von einem neuen Eintrag in die „The Legend of Zelda“-Serie und Änderungen sowie Neuerungen mit konkreten Auswirkungen auf das Gameplay und in der Konsequenz auf das gesamte Spieldesign. Und wenn ich die Spiele-Designer von Nintendo richtig einschätze, machen sie es sich hier nicht leicht.

Anders als alles.

All die Traditionen und Konventionen, auf die selbst Breath of the Wild und Tears of the Kingdom noch aufbauten, die schon „so anders“ als alte Spiele der Reihe sind, müssen überdacht und neu gedacht werden. Ideen, die sich vielleicht auch auf kommende Spiele auswirken. Zelda: Echoes of Wisdom könnte die Zelda-Serie nachhaltig verändern oder zumindest prägen, mehr noch, als es die beiden bisherigen Switch-Abenteuer getan haben. Spannend!

Es wird Ideen und Änderungen geben, die wir gut oder schlecht finden, die wir vergessen wollen oder die wir wiedersehen wollen. Ich liebe diesen Mut von Eiji Aonuma und seinem Team. Es wäre gewiss einfach gewesen, schon anstelle von Breath of the Wild einfach ein Zelda-Spiel zu entwickeln, das so ist wie die früheren Zelda-Spiele, nur neu.

Zelda: Echoes of Wisdom zeigt Mut

Schon Breath of the Wild stellte viele Traditionen auf den Kopf, statt klassischer Dungeons gab es eine frei erkundbare Spielwelt und zerbrechliche Waffen, die diese Erkundung noch förderten. Tears of the Kingdom setzte noch einen drauf, macht die Kreativität der Fans zum Herz des Abenteuers. Ein Dungeon, der nach einem festgelegten Schema zu lösen ist, mit einer Waffe oder einem Gegenstand, den man kurz zuvor findet – langweilig.

Trotzdem gibt es noch heute genug Fans, die sich ein „klassisches Zelda“ wünschen und ich kann das gut verstehen. Zu schön sind die Erinnerungen an Ocarina of Time oder Link’s Awakening. Ich hatte es deshalb durchaus für möglich gehalten, dass Nintendo sich mit einem „kleineren“ Zelda-Spiele (früher hätte man es 2D-Spiel oder Handheld-Ableger genannt) auf diese Wurzeln besinnt. Klar, mit einem neuen, kreativen Element sicherlich. Aber dann vielleicht doch wieder mit einem Schwert-schwingenden Link, Herzteilen, Truhen, Hühnern, Enterhaken und Dungeons.

Aber Pustekuchen, stattdessen Zelda: Echoes of Wisdom geht noch weiter. Monster als Begleiter! Übereinander gestapelte Betten! Es kann und muss Mechaniken, Items, Waffen und Gegenstände einführen, die für Link undenkbar oder schlicht unpassend gewesen wären. Und ganz nebenbei bietet sich natürlich auch erzählerisch mit Zelda als Protagonistin viel Spielraum. Mit diesem Spiel scheint alles möglich. Und ist es nicht genau das, was eine fast 40 Jahre alte Reihe braucht?

Bildmaterial: The Legend of Zelda: Echoes of Wisdom, Nintendo

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Wir stellen die Uhr erst einmal zurück. Februar 2023. Pikmin 4 und Zelda: Tears of the Kingdom mussten als die letzten Nintendo-Highlights der sterbenden Konsole gelten. Dass da noch viel kommt außer aufgemöbelte Legacy-Games, um die Wartezeit auf einen Switch-Nachfolger zu verkürzen, konnte eigentlich kaum jemand glauben.

Gerade war die Februar-Direct 2023 über die Bühne gegangen und Nintendo-Fans mussten sich mit dem Ausblick auf Remaster zu Baiten Kaitos und Ghost Trick über Wasser halten. „Füllmaterial“ und „eine Frechheit“ nannte man das damals in einer Kolumne bei der PC Games. Zuvor war auch das Weihnachtsgeschäft 2022 schon wenig aufregend. Das Jahresend-Line-up von Nintendo war Bayonetta 3 – das am 28. Oktober erschienen ist. Den Rest hatte mal wieder Pokémon besorgt. „Das verflixte siebte Jahr“, so titelte damals ein Meinungstext vom Autor. Die Switch schon am Ende?

Nicht so schnell!

Heute, im Juni 2024 sieht die Sache ganz anders aus. Nur mal zur Erinnerung: Seit Februar 2023 enthüllte und veröffentlichte (!) Nintendo in der Folge Super Mario Bros. Wonder, Meisterdetektiv Pikachu kehrt zurück, die Remakes zu Super Mario RPG und Mario vs. Donkey Kong, Endless Ocean: Luminous, ein Remaster zu Paper Mario, das neue WarioWare: Move It oder solche Überraschungen wie Princess Peach: Showtime und Another Code: Recollection. Luigi’s Mansion 2 HD und Nintendo World Championships: NES Edition kommen noch.

Na klar, abseits von Super Mario Bros. Wonder blieben die ganz großen First-Party-Kracher aus, aber damit war auch kaum noch rechnen, nachdem der Switch-Nachfolger gefühlt in den Startlöchern steht. Gewiss konnte man nun aber doch sagen: Nintendo lässt seine Fans nicht hängen. Jetzt jedoch wurde die Liste am 18. Juni 2024 bunter und länger in einer Form und Vielfalt, wie es wohl Nintendo-Fans nicht für möglich gehalten hätten. Und zwar eben nicht (nur) um schnöde Remaster.

Statt einem Remaster zu Wind Waker oder Twilight Princess gibt es mit Zelda: Echoes of Wisdom ein brandneues Zelda-Abenteuer. Statt noch einem Metroid-Remaster gab es endlich die Enthüllung von Metroid Prime 4: Beyond. Wer gedacht hatte, Nintendo hätte mit Super Mario Bros. Wonder wohl alle Mario-Ideen verschossen und würde nach Super Mario RPG und Paper Mario höchstens die nächste Neuauflage anschließen lassen, sieht sich mit einem brandneuen Mario & Luigi konfrontiert.

Mit 34 Millionen verkauften Mario-Party-Spielen auf der Switch (mit Super Mario Party und Mario Party Superstars) ist das Ende der Party-Fahnenstange erstmal erreicht? Wer das glaubte, sah sich auch eines Besseren belehrt: Mit Super Mario Party Jamboree möchte Nintendo mal eben noch das größte Mario Party aller Zeiten auf der alternden Switch abliefern. Klar, ganz ohne Remaster geht es dann doch nicht. Gegen Donkey Kong Country Returns HD gibt es aber wohl nichts vorzubringen.

Ein rundum stimmiges Paket

Dazu holte man sich diverse Games und Überraschungen von Partnern, die gut zur Switch passen, in die Show. Die HD2D-Remakes zu Dragon Quest, Farmagia von Marvelous und Fairy-Tail-Mangaka Hiro Mashima oder Fantasian Neo Dimension, das endlich aus seinem Apple-Arcade-Gefängnis befreit wird. Gewürzt mit ein bisschen Fan-Service in Form von Marvel vs. Capcom Fighting Collection oder neuen Games wie Perfect Dark für Nintendo Switch Online. Ein rundum stimmiges Paket, das im Anschluss zurecht in den sozialen Medien abgefeiert wurde.

Nintendo gibt nicht nur seinen Hardcore-Fans, sondern auch vielen Gelegenheitsspielern der 140 Millionen Geräte starken Hardware-Basis ein gutes Gefühl zum Abschluss einer spannenden und nach dem Flop der Wii U unerwartet starken Hardware-Generation. Wer sein Pulver so „großzügig“ auf den letzten Switch-Metern verschießt, muss sich ziemlich gut vorbereitet sehen für den Switch-Nachfolger.

Zurück bleibt somit der Eindruck eines starken und selbstbewussten Nintendo, dem offenbar all die Studioschließungen, Entlassungswellen und Skandale der Videospielbranche nichts anhaben können und das „sein Ding“ durchzieht und sich um seine Fans kümmert. Und auch wenn mal nicht alles rund läuft, wie ganz sicher mit Metroid Prime 4, so löst man am Ende die Versprechen doch noch ein. Das ist nicht die schlechteste Erinnerung für den Start in eine neue Konsolengeneration.

Und diesen Start gibt es gewiss, es ist nur eine Frage der Zeit. Wie der Switch-Nachfolger aussieht, ist heute noch vollkommen unklar. Evolution oder Revolution? Es sieht nach Evolution aus, wobei sich Argumente für beide Seiten finden lassen. Warum Nintendo doch bitte einfach nur eine „Switch 2“ machen sollte, darüber schrieb der Autor hier. Und warum Nintendo bloß nicht die Innovationsbremse einlegen sollte, darum ging es hier.

Bildmaterial: Ace Attorney Investigations Collection, Capcom

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Denn eines ist sicher: Monster Hunter ist eine Reihe, die mich nach all der Zeit immer begeistert. Monster Hunter Wilds unterstreicht diese These einmal mehr, obwohl mich einige Neuerungen bislang noch nicht so recht überzeugen wollen. Hier spricht wohl das alte Eisen aus mir.

Nie hat sich die Wildnis so schön präsentiert

Kommen wir zunächst zu den schönen Dingen, die Capcom bislang veröffentlicht hat. Vor Monster Hunter World zeichnete sich die Reihe im Grunde nicht durch grafisch gelungene Umgebungen aus. Vielmehr standen die Monster und das Gameplay im Vordergrund. Natürlich war das unter anderem den Plattformen geschuldet, auf denen die Reihe veröffentlicht wurde. Nichtsdestotrotz besaßen die einzelnen Gebiete immer Charme und Charakter, sodass sich Fans noch heute gerne an sie erinnern.

Doch das ist kein Vergleich zum Detailgrad, den wir im neuen Trailer sehen. SpielerInnen sehen praktisch jede Pore der gezeigten Charaktere – und seien wir mal ehrlich, die Videospielwelt achtet vor allem auf die Feldexpertin Alma und erst recht auf die Schmiedin Gemma.

Offenbar hat Capcom mit diesem Design mal wieder einen Nerv getroffen. Inzwischen gibt es vermutlich kein einziges Thumbnail mehr, welches nicht Gemma wird. Dabei gibt es doch viel schönere Dinge im Trailer. Habt ihr etwa nicht Baby-Pukei-Pukei im Trailer gesehen? Capcom scheint hier eventuell etwas Neues einführen zu wollen. Immerhin gibt es in Rise ebenfalls ein Baby-Tetsucabra, auf dem Hojo der Gildenmeister sitzt. Ich sag’s euch. Das wird das nächste große Ding!

Monster Hunter 4 Ultimate all over again

Und apropos große Dinge! Die Fangemeinde analysiert derzeit eifrig den neuen Trailer und stellt immer wieder Verbindungen zu einem der beliebtesten Teile der Reihe her: Monster Hunter 4 Ultimate.

Gleich zu Beginn befindet sich die Gruppe auf einem Sandschiff auf der großen Wüste. Das fängt die Atmosphäre des alten Teils ein und lässt besonders mein Herz höherschlagen. An dieser Stelle hoffe nicht nur ich, dass es wieder zu Jagdmöglichkeiten gegen die Drachenältesten Jhen Mohran und Dah’ren Mohran kommen wird. Das große Wüstengebiet lädt praktisch dazu ein. Dass es die Fans sehen wollen, hat man zumindest auf Twitter gesehen, indem die beiden Monster im Zuge der Ausstrahlung im japanischen Raum ebenfalls in den Trends auftauchten.

Weitere Parallelen zum vierten Teil sind deutlich bei Gemma zu erkennen, die allem Anschein nach die kleine Schmiedin von damals ist. Zumindest sieht sie wie eine erwachsene Version von ihr aus. Des Weiteren weisen ihre Ausrüstungsgenstände eindeutig darauf hin, wie zum Beispiel die Jacke des damaligen Karawanenführers.

Und auch der Auftraggeber (vermutlich Gildenmeister) im Trailer weist starke Ähnlichkeiten mit dem Lanzenträger aus dem vierten Teil auf. Wenn Capcom diese starke Parallel ausbaut, könnte ich dem Titel wahrscheinlich gar nicht mehr widerstehen. Allerdings sprechen mich einige Dinge noch nicht an.

Sprechende Palicos und Felyne?!

Größte Überraschung während und nach dem Trailer waren sicherlich die sprechenden Charaktere. Seit den letzten beiden Teilen können die Charaktere in Monster Hunter zwar sprechen, allerdings gab es bislang zwei Ausnahmen: der Protagonist bzw. die Protagonistin und die Palicos und Felyne. Und bevor es jemand schreibt: Ja, es gibt bereits sprechende Felyne in der Welt von Monster Hunter – genauer gesagt in den beiden Stories-Titeln. Dort spricht unter anderem Navirou in menschlicher Sprache. Aber das hier fühlt sich irgendwie anders an.

Die sprechenden Palicos sind eine Änderung, die mich noch überzeugen muss. Sie sollten meiner Meinung nach nicht zu menschlich klingen, sondern bräuchten einen Kniff, der sie vom Rest abhebt. Ich möchte ungern einen Palico als Partner haben, der eventuell perfektes, britisches Englisch spricht bzw. je nachdem, wie es in der deutschen Sprachausgabe sein wird (falls es eine geben wird). Das würde mir ein wenig den bisherigen Zauber nehmen. Auch wenn Palicos bisher nur miauen, konnten sie alle verstehen, vor allem ich als dessen Partner. Es gibt also eine besondere Verbindung zwischen den Charakteren.

Dasselbe gilt für die sprechenden ProtagonistInnen. Es kann von Vorteil sein, wenn die selbstgeschaffene Hauptfigur auch sprechen kann, aber es muss nicht sein. Wahrscheinlich braucht es einfach mehr Gameplay-Material, um mich zu überzeugen. Eventuell baut Capcom wieder eine Option ein, die die Hauptfigur und Palicos nicht menschlich sprechen lassen. Bereits in World gab es die ähnliche Option, die alte Monster-Hunter-Sprache zu verwenden. So eine Option käme bei Fans sicherlich gut an.

Was kennen wir bisher von der Welt?

Als Mitglied der Forschungskommission begeben wir uns auf eine faszinierende Expedition ins Verbotene Land. Unser erstes Ziel ist dabei die Windebene, eine Region voller Gegensätze und atemberaubender Naturwunder. Sandige Wüsten erstrecken sich neben wogendem Grasland, malerische Felsformationen ragen aus der Landschaft und zeugen von der Kraft der Elemente. Doch diese Welt ist in ständigem Wandel, geprägt von einem unberechenbaren Klima. So beschreibt es Capcom auf der Webseite.

Was im Trailer deutlich zu sehen ist, ist das sich ständig verändernde Klima auf der Windebene. Dadurch entsteht ein lebendigeres Ökosystem, welches von zahlreichen Monstern bewohnt wird und viele Überraschungen bereithält. So trifft man nicht nur auf kleine Monsterherden, sondern auch auf große Monsterherden. Im Trailer eindrucksvoll dargestellt von einer Horde Doshaguma. Doshaguma sind fellige Reißzahn-Bestien, die ein wenig aggressiv scheinen. Genauso wie das Amphibien-Monster Chatacabra. Und obwohl bislang nur zwei große Monster offiziell vorgestellt wurden, zeigt sich eine kleine Vielfalt, die mich begeistert. Es sind eben nicht nur Dino- oder Drachen-ähnliche Wesen. Mehr Varietät zum Jagen ist immer gut!

Mehr als nur eine Waffe(nkombination)

Und apropos große Varietät! Zwar wird es allem Anschein nach keine neuen Waffentypen geben – was etwas schade ist – dennoch erhalten die 14 klassischen Waffentypen neue Aktionen. Dazu dient der Fokusmodus, der es einem Jäger und einer Jägerin ermöglichen soll, Angriffe und Blockfähigkeiten besonders gezielt einsetzen zu können. Wie genau das aussieht, kann man im Trailer nur erahnen. Der Jäger benutzt sein Großschwert, konzentriert sich und kontert den Angriff des Doshaguma. Dabei scheinen gezielte Stellen am Monster verletzt worden zu sein. Diese werden mit Wunden (z. B. an den Beinen) und roten Spähkäfern gekennzeichnet.

Laut der Webseite von Capcom soll man dadurch in der Lage sein, die Schwachstellen der Monster gezielt ins Visier zu nehmen und ihnen mit speziellen neuen Angriffen massiven Schaden zuzufügen. Wie das aussehen wird, kann ich mir bislang noch nicht richtig vorstellen. Vor allem stelle ich mir den Fokusmodus schwierig vor, wenn ich gegen eine große Horde von Monstern stehe. Es müsste auf jeden Fall klar erkennbar sein, welches Monster an welcher Stelle verletzt ist, damit sich der Fokusmodus lohnt. Sicherlich ist der Modus nicht unbegrenzt einsetzbar. Auf jeden Fall klingt es nach einer sinnvollen Mechanik/Erweiterung, in die ich mich gerne reinfuchsen möchte.

Genauso gut gefällt mir die Erweiterung, dass man zukünftig zwei Waffen mit auf die Jagd nehmen kann. Möglich macht das ein neuer treuer Begleiter: die neuen Reittiere namens Saikrii. Die Tiere verfügen nicht nur über einen hervorragenden Geruchssinn und können so JägerInnen automatisch zum Ziel lotsen, sondern, wie der „Taxi-Service“ in World oder auf einem Palamute in Rise, können dabei Gegenstände benutzt werden. Und die Zweitwaffe liegt bequem im Holster.

Ähnlich wie der Fokusmodus könnte auch das Feature des schnellen Waffenwechsels sehr interessant werden sowie eine Jagd noch dynamischer machen. So lässt es sich – wie auch im Trailer gezeigt – schnell zwischen einem Nah- und Fernkampfwaffentyp wechseln oder auch zwischen stumpfen Waffen sowie Schwertern. Mehr Optionen auf einer Jagd sind immer gut!

Guter Auftakt, etwas fehlt aber noch

Dass ich Monster Hunter Wilds spielen werde, steht außer Frage. Allerdings muss mir Capcom noch das richtige Gefühl vermitteln. Ja, der letzte Trailer sieht gut aus und bietet viel fürs Auge. Für mich persönlich wirkt der Trailer jedoch, als wäre dieser etwas zusammengeschustert worden bzw. als ob man etwas auf der State of Play zeigen wollte/musste. Mir fehlt noch das Brachiale, das die vorherigen Trailer immer ausstrahlten. Eventuell sehen wir das ja auf dem Summer Game Fest, wenn Ryōzō Tsujimoto am 07. Juni neue Inhalte präsentiert. Als Fan warte ich gespannt auf neue Informationen – und auf die Veröffentlichung 2025.

Der aktuelle Trailer

Bildmaterial: Monster Hunter Wilds, Capcom

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Im Vorfeld einige Shops herauszusuchen und deren Ort mit angrenzenden Sehenswürdigkeiten zu kombinieren hat mir einiges an Zeit (und Geld) gespart. Aber zum Glück war es nicht mein erstes Rodeo und ich konnte darum einige Fallstricke vermeiden und auf vorherigem Wissen aufbauen.

Ihr möchtet auch einmal eine Reise nach Japan machen und dort euer hart verdientes Geld für Games und andere Nerd-Ware ausgeben? Ich habe für euch alle Informationen zusammengeschrieben, die ich am liebsten auch von Anfang an gewusst hätte.

Achtung Zoll! Bewahrt alle Kassenbons auf!

Achtet darauf, dass ihr alle Kassenzettel von Mitbringseln aufbewahrt. Ihr seid verpflichtet, eure Einkäufe aus Japan zu verzollen, sobald ihr wieder in Deutschland landet. Es gibt hier immer einen Freibetrag. Aktuell liegt dieser bei 430 Euro. Alles darüber muss direkt nach der Landung beim Zoll deklariert und verzollt werden. Da ihr aber auch für eine Kontrolle ausgewählt werden könnt, wenn ihr innerhalb des Freibetrags unterwegs seid, ist es wichtig, die Kassenbons griffbereit zu haben, um dies belegen zu können.

Wenn ihr euren Gesamtbetrag gegenrechnen wollt, rechnet lieber mit einem minimal schlechteren Wechselkurs. Zusätzlich solltet ihr beim Packen eurer Koffer auch darauf achten, dass alle eure Mitbringsel gut erreichbar sind. So spart ihr euch, dass beim Zoll euer Gepäck komplett durchwühlt wird.

Achtet auf „Tax-Free“

In vielen japanischen Läden könnt ihr als Tourist einkaufen und euch das Äquivalent zur Mehrwertsteuer sparen. Achtet daher auf die entsprechenden Aushänge. Oft müsst ihr dafür an eine bestimmte Kasse und ankündigen, dass ihr gerne „Tax-Free“ nutzen möchtet. Ihr müsst dann euren Reisepass vorzeigen, damit verifiziert werden kann, dass ihr nur als Tourist zu Besuch seid. Achtung: Manchmal muss ein Mindestbetrag erreicht werden, bevor ihr euch die Steuer sparen könnt.

Koffer vs. Paket

Es ist auch wichtig darüber nachzudenken, wie ihr eure Goodies transportiert. Sollten eure Einkäufe noch in euren Koffer passen, dann ist das natürlich optimal. Alternativ könnt ihr euch überlegen, einfach eure Mitbringsel per Post nach Hause zu schicken. Das lohnt sich aber primär, wenn ihr ohnehin über dem Zollfreibetrag seid.

Falls euch der Platz ausgeht, ist es die beste Möglichkeit, sich vor Ort einfach einen weiteren (kleinen) Koffer oder eine Sporttasche zu kaufen. Direktflüge über Lufthansa/ANA bieten meist die Möglichkeit, dass jede Person zwei volle Gepäckstücke (plus Handgepäck) mit sich führen darf.

Solltet ihr also im Vorfeld auch bereits wissen, dass ihr mehr (oder sperrig) einkaufen wollt, ist es eventuell clever, bereits mit mehr Koffern anzureisen. Diese können ja auch zu Beginn ineinander verpackt werden. Sollten sie unterschiedliche Größen haben.

Speichert Bilder von dem, was ihr sucht

Die Sprachbarriere ist vermutlich groß, wenn ihr nach Japan reist. Und manche Läden sind wirklich wirr und die Beschilderung ausschließlich auf Japanisch. Es hilft darum ungemein, wenn ihr bereits Fotos der Spiele oder Artikel auf dem Handy habt, nach denen ihr sucht. Oft reicht es dann, wenn ihr einem Mitarbeiter das Bild zeigt und einen dieser beiden Sätze sagt:

• Kore wa arimasuka? (Haben sie das?)
• Kore o sagashimasu. (Ich suche das.)

Wo kauft man am besten ein?

Da nun die Logistik geklärt ist, bleibt natürlich eine wichtige Frage im Raum: Wo kaufe ich am besten ein? Das variiert natürlich je nachdem, was man sucht. Ich selbst hatte mir folgendes auf die Liste meiner „Wants“ gesetzt:

• Eine Auswahl japanischer Yu-Gi-Oh!-Sammelkarten
• GunPlay Modellbaukits
• Gaming-Soundtracks
• Ausgewählte Retro-Spiele

Und für alle dieser Bereich gibt es unterschiedliche Läden, die man sich am besten im Vorfeld schon in einer Google-Maps-Liste abspeichert. Um diese geht es in der Folge.

Neuware

Es ist auch in der aktuellen Zeit nicht ungewöhnlich, dass ein Spiel ausschließlich in Asien erscheint. Japan ist auch dafür bekannt, häufig physische Versionen von Spielen zu bekommen, die bei uns lediglich als Download verfügbar sind. Wer auf der Suche nach Videospielen ist, die also noch relativ frisch sind, der wird ganz einfach in diversen Läden fündig, die Elektroware führen. Die beiden größten Ketten dafür sind BIC Camera und Yodobashi. Diese beiden sind am besten mit Media Markt und Saturn vergleichbar.

Es gibt aber auch zahlreiche kleine Läden für Videospiele. Per Google Maps werdet ihr hier vermutlich schnell fündig. Denkt daran, dass neue Titel in Japan oft etwas teurer sind als bei uns. Je nach Wechselkurs kommt ihr vermutlich dennoch billiger weg.

Solltet ihr keine Videospiele, sondern etwas wie Figuren, Modellbau-Kits, Brettspiele oder Sammelkarten suchen, dann ist das Schlüsselwort für Google Maps „Hobbystore“. Auch hier gibt es einige große Ketten. Die größte in diesem Bereich ist vermutlich Yellow Submarine. Je nach Store kann es sein, dass hier aber nur ein Teil der unterschiedlichen Hobby-Kategorien bedient wird. Anime- und Game-Liebhaber finden übrigens in großen Musikläden, wie Tower Records, eine Vielzahl an CDs zu diesen beiden Genres.

Second-Hand

Der Aspekt, in dem Japan wirklich strahlt, ist aber der Second-Hand-Markt. Wer auf Retro-Ware steht oder kein Problem mit gebrauchten Produkten hat, wird hier auf jeden Fall auf seine Kosten kommen. Bei Merchandise wie Sammelfiguren ist es vor allem spannend, dass diese oft so gut erhalten sind wie Neuware.

Dabei gibt es spezielle Second-Hand-Ketten, in denen man meist alles findet, was mit Nerd-Kultur zusammenhängt: Games, Figuren, Musik und Bücher. Dabei reicht auch die Auswahl an Videospielen je nach Laden von Games aus der 8-Bit-Zeit bis zu modernen Titeln. Gebrauchtwaren-Jäger sollten also vor allem nach den namhaften Läden Ausschau halten: Mandarake, Trader, Mulan und BookOff. Manche der Ketten haben einen klaren Fokus auf einer Produktlinie. So findet man bei Trader vor allem Anime-Merchandise.

Book Off ist dabei eine der größten Marken im Second-Hand-Bereich. Vor allem die etwas größeren Filialen mit dem Titel BookOff Plus bieten massig Fläche, um zu stöbern. Hier macht es meist allein schon Spaß, einfach so durch die engen Regalreihen zu schlendern.

Wer speziell nach Videospielen sucht, der stolpert auch immer wieder über Shops, die sich genau darauf spezialisiert haben. Früher war es wirklich einfach, über zahlreiche günstige Angebote zu stolpern. Auch für gefragtere Retro-Spiele. Mittlerweile haben die Preise in Städten wie Tokyo aber ordentlich angezogen.

In Kyoto gab es hingegen noch durchaus ein paar Läden, in denen es möglich war, günstige Spiele zu finden. Eine Google-Suche nach „Used Videogames“ liefert oft solide Ergebnisse. In Tokyo gibt es zudem Filialen der Kette Super Potato. Gerade die Filiale in Akihabara ist gut sortiert und bietet auf mehreren Stockwerken alles, was ein Retro-Fan braucht. Sogar eine kleine Arcade im obersten Geschoss.

Lasst euch auch hier nicht von der Pseudo-Elite der Gaming-Sammler reinreden. Nur weil Super Potato seit vielen Jahren kein Geheimtipp mehr ist, ist der Laden nicht unbedingt schlechter. Die Preise sind vielleicht minimal höher als bei kleineren Konkurrenz-Shops, aber dafür ist die Auswahl auch wesentlich besser.

Satellite Stores

Für manche Franchises oder Fandoms gibt es eigenständige Satellite Stores. Die bekanntesten darunter sind vermutlich die Nintendo Stores und Pokémon Center. In diesen findet ihr ein stetig rotierendes Sortiment an Figuren, Klamotten, Plüschis und Schmuck, basierend auf den unterschiedlichen Themenbereichen.

Die Artikel in diesen Läden können teilweise etwas mehr kosten, sind dafür aber oft von guter Qualität und zudem zeitlich limitiert. Wer also wirklich etwas Besonderes zu einer bestimmten Serie sucht, wird hier sicher fündig.

Bildmaterial: Matthias Regge, eigene Fotos

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