Ein großes Thema unseres Interviews war dabei das Feedback zur bereits veröffentlichten Demo und wie stark dieses die finale Version des Spiels beeinflusst hat.

Demo-Feedback hatte direkten Einfluss auf die Entwicklung

Besonders deutlich zeigte sich das laut Producer Naofumi Matsushita beim Schwierigkeitsgrad. Das Team habe ursprünglich angenommen, dass die normale Schwierigkeit bereits einen guten Mittelweg für viele SpielerInnen darstellen würde. Die Reaktionen der Community fielen allerdings anders aus als erwartet: „Wir dachten, der Schwierigkeitsgrad ‚Normal‘ würde bei der Debut-Demo ein breites Spektrum an Spielern ansprechen, daher waren Kommentare wie ‚Das ist zu schwer!‘ für uns etwas überraschend.“

Als direkte Reaktion darauf entschied sich das Team dazu, zusätzliche Schwierigkeitsgrade einzubauen: „Von den Änderungen, die wir aufgrund des Feedbacks vorgenommen haben, hatte die Einführung der Schwierigkeitsstufen ‚Leicht‘ und ‚Sehr schwer‘ die größte Wirkung. Ich war jedoch der Meinung, dass wir das tun mussten.“

Damit soll das Spiel nun sowohl für SpielerInnen zugänglicher werden, die sich eher auf die Geschichte und Erkundung konzentrieren möchten, als auch für diejenigen, die bewusst eine größere Herausforderung suchen.

Aber nicht nur der Schwierigkeitsgrad wurde angepasst. Auch Kritik an der Menüführung und kleineren Komfortfunktionen nahm das Team ernst. Matsushita erklärte, dass einige dieser Punkte intern sogar bereits bekannt gewesen seien, bevor die Demo veröffentlicht wurde: „Tatsächlich hatten wir bereits mit der Arbeit an Optimierungen begonnen, noch bevor wir überhaupt Rückmeldungen erhalten hatten.“

Zusätzlich wurde beispielsweise die Möglichkeit eingebaut, die Häufigkeit der Dialoge von Faie zu reduzieren. Auch technisch habe die Demo laut Matsushita noch nicht den finalen Stand dargestellt. Für die Vollversion seien zahlreiche Optimierungen vorgenommen worden, um auf allen Plattformen eine möglichst stabile Performance zu gewährleisten.

Erkundung steht klar im Mittelpunkt

Spannend waren auch die Aussagen zur grundlegenden Struktur des Spiels. Laut Matsushita entstand The Adventures of Elliot zunächst vor allem über seine Welt und die Erkundungselemente. Die Entwickler bauten zuerst die Karten und die Spielwelt, bevor die eigentliche Handlung darübergelegt wurde.

Dadurch standen die verschiedenen Gebiete und deren Aufbau sehr früh fest. Anschließend ergänzte das Team klassische Elemente wie Dungeons, den rätsellastigen „Shrine of Life“, den „Shrine of the Mystic“ für Feenmagie sowie Bereiche für Waffen-Upgrades.

Gerade beim Balancing der Fähigkeiten investierte das Team offenbar enorm viel Zeit: „Wir haben viel Zeit damit verbracht, die Version immer wieder zu spielen, um das Spielerlebnis zu optimieren.“

Sogar die Reihenfolge, in der SpielerInnen bestimmte Fähigkeiten erhalten, wurde laut Matsushita mehrfach überarbeitet und bis kurz vor Ende der Entwicklung angepasst.

Das steckt hinter dem Progressionssystem von Elliot

Zusätzlich sprachen die Entwickler auch ausführlicher über die Progressions- und Belohnungssysteme des Spiels. Laut Naofumi Matsushita soll The Adventures of Elliot SpielerInnen nicht nur über klassische Werteverbesserungen stärker machen, sondern auch durch echtes Verständnis der Spielmechaniken. Besonders wichtig seien dabei die sogenannten Drop-Boni, die SpielerInnen durch gutes und konstantes Spielen aufrechterhalten können: „Sobald die Spieler in der Lage sind, diese Ketten aufrechtzuerhalten und die Boni zu sichern, bedeutet das natürlich, dass sie ein viel besseres Verständnis für das Verhalten der Gegner entwickelt haben.“

Ergänzt wird das Ganze durch das sogenannte Magicite-System. Dieses setzt bewusst auf einen gewissen Zufallsfaktor und erlaubt es SpielerInnen, Elliots Bewegungen und Spielstil stärker anzupassen. Gleichzeitig wolle man dadurch motivieren, verschiedenste Waffen auszuprobieren und auch spätere Durchgänge abwechslungsreich zu gestalten.

Interessant war außerdem die Aussage zum allgemeinen Balancing. Laut Matsushita habe das Team nie versucht, einen einzelnen Aspekt wie Schwierigkeit oder Erkundung über alles andere zu stellen: „Unser Fokus liegt darauf, ob das Spiel von Anfang bis Ende Spaß macht.“

Da alle SpielerInnen Schwierigkeit anders wahrnehmen, legte das Team großen Wert auf flexible Optionen. Deshalb lassen sich die Schwierigkeitsgrade auch jederzeit während des Spiels anpassen. Zusätzlich integrierte Square Enix einen lokalen Koop-Modus für zwei SpielerInnen: „Vielleicht schaffe ich das alleine nicht, aber mit einem zweiten Spieler könnte es klappen!“

Das war jetzt nur ein kleiner Ausschnitt unserer großen Interviewreihe zu The Adventures of Elliot. Euch erwarten noch viele weitere spannende Einblicke – etwa zu möglichen Vergleichen mit der „The Legend of Zelda“-Reihe oder anderen Inspirationsquellen wie Final Fantasy.

English script:

How has the feedback on the demo changed your design and balancing decisions—and are there specific changes or optimizations that arose directly from community reactions and player experiences?

Naofumi Matsushita: Among the changes we made in response to feedback, adding the Easy and Very Hard difficulty modes had the biggest impact. However, I felt it was something we needed to do. We thought the Normal difficulty would appeal to a wide range of players with the Debut Demo, so hearing comments like “It’s too hard!” was a bit surprising. But to ensure more people could enjoy the game, we decided to address it immediately!

Also, the option to reduce the frequency of Faie’s dialogue was added based on player feedback. As for optimization, there were still many incomplete aspects in the Debut Demo, but for the final release, we made adjustments to ensure smooth performance across all platforms.

What have been the most surprising or unexpected reactions to the demo so far—both from players and from colleagues within the industry?

Naofumi Matsushita: The requests to improve menu navigation and related areas were, to some extent, expected, as they were points I had also noticed while playing the game myself and had not been able to fully refine by the time the Debut Demo was released. In fact, we had already begun working on optimizations even before receiving any feedback.
What was more unexpected, however, was the feedback regarding difficulty. As a result, we decided to make adjustments so that the game would be accessible both to players who find it too challenging and to those who find it too easy.

How are you handling the balance between exploration and classic RPG progression in this game? Where do you place the emphasis, and where do you see the real challenge for the player? Can you provide a specific estimate of the playtime?

Naofumi Matsushita: Because our development approach began with building the world and maps first, and then layering the scenario on top, the overworld maps were completed relatively early in the process. From there, we added elements such as dungeons, the puzzle-focused Shrine of Life, the Shrine of the Mystic where players can acquire fairy magic, and areas for weapon upgrades. When it came to balancing, we spent a great deal of time repeatedly playing the build to fine-tune the experience. As a result, we revisited the acquisition order of fairy magic multiple times, reworking the sequence and adjusting where each ability could be obtained right up until the very end of development.

As for progression elements, since this is an action game, one key aspect is helping players improve their own skills. To support this, we’ve implemented Drop Bonuses. Once players are able to keep them going and maintain those bonuses, it naturally means they’ve developed a much better understanding of enemy behavior, and we hope they’ll be able to feel that sense of progress through their own experience. From a data perspective, we’ve also introduced the magicite system. While obtaining them involves a high degree of randomness, we’ve included this as a progression element that allows players to customize Elliot’s movements to their liking. We made the system highly random because there are so many weapons, and we want players to try using a variety of them. It’s also a consideration to ensure the game feels fresh even when replaying it. I haven’t really thought about which aspect we’re prioritizing. Our focus is on whether the game is fun to play from start to finish.

I feel that what constitutes “difficulty” varies from player to player, so it’s hard to generalize. That said, we did keep that in mind when adding the difficulty settings. If you feel the difficulty isn’t right for you, you can change it even after you’ve started playing, so please give it a try. We also included local two-player mode as an option because we wanted players to think, “Maybe I can’t beat this alone, but I might be able to with a second player!”

We hope as many people as possible will play through the millennium journey all the way to the end.

Bildmaterial: The Adventures of Elliot: The Millennium Tales, Square Enix, Claytechworks

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Im Zusammenhang mit den ausufernden RPG-Alternativen bei Square Enix wollten wir wissen, wo sich The Adventures of Elliot selbst einordnet. Als stilistische Wiederentdeckung, als Hommage an bestimmte Klassiker oder als eigenständige, neue Richtung innerhalb des Genres?

Producer Naofumi Matsushita macht zunächst deutlich, dass es sich um ein HD-2D-Spiel handelt und man somit natürlich die Nostalgie für Klassiker wecken würde. Gleichzeitig wolle man aber auch ein Spielerlebnis bieten, das modernen Ansprüchen an den Spielspaß gerecht werde.

„Neuland zu betreten ist in der heutigen Landschaft ein ziemlich ehrgeiziges Unterfangen. Anstatt also diesem Ideal nachzujagen, war unser Ansatz für diesen Titel ‚mit beiden Beinen auf dem Boden zu bleiben und alles zu tun, was das Team im Moment leisten kann‘, sowie ‚den Spaß, den wir einst in Spielen erlebt haben, zu verbessern, damit auch die Spieler von heute ihn spüren können'“, benennt Matsushita die konkreten Ziele.

„Der Slogan unseres Teams enthält den Satz ‚Den Erwartungen gerecht werden‘, und wir möchten die Erwartungen unserer Fans wirklich erfüllen. Darüber hinaus ist es mein persönliches Ideal als Produzent, ein Werk zu schaffen, das diese Erwartungen übertrifft. Aber das ist ziemlich schwierig. Ich habe das Gefühl, dass wir es vielleicht eines Tages schaffen werden, wenn wir weiterhin Spiele entwickeln“, so Matsushita bescheiden.

Die Bitte: „Zuallererst würde ich mich sehr freuen, wenn ihr euch selbst davon überzeugen könntet, ob unser Versuch, ‚den Spaß, den wir einst in Spielen erlebt haben, weiterzuentwickeln, damit auch die Spieler von heute ihn spüren können‘, in The Adventures of Elliot gelungen ist. Wir sind zuversichtlich, also probiert es doch einfach mal aus!“

Das vollständige Spiel erscheint schließlich am 18. Juni für PS5, Xbox Series, Nintendo Switch 2 und PCs. Physische Versionen gibt es für PS5* und Xbox, während die Switch 2 leider nur mit einer Game Key Card bedient wird. Eine neue Demo ist ab sofort für alle Plattformen verfügbar. Werdet ihr es spielen?

English script:

Square Enix has a very rich portfolio of (J)RPGs with many legendary titles. Where does The Adventures of Elliot fit into this landscape—as a stylistic rediscovery, as a homage to certain classics, or as a distinct, new direction within the genre?

Naofumi Matsushita: As mentioned earlier, since this is an HD-2D game, I believe we should evoke nostalgia for the classics through our 2D characters while delivering a gameplay experience that meets modern standards of fun. Breaking new ground is quite an ambitious undertaking in today’s landscape, so rather than pursuing that kind of ideal, our approach for this title was to “keep our feet on the ground and do everything the team can right now,” and to “take the fun we once experienced in games and enhance it so that today’s players can feel it as well.”
Our team’s slogan includes the phrase “Living up to expectations,” and we truly want to meet our fans’ expectations.

On top of that, as a producer, my personal ideal is to create a work that exceeds those expectations. But that’s quite difficult. I feel that if we continue making games, maybe someday we’ll be able to achieve it.
First and foremost, I would be delighted if you could see for yourself whether our attempt to “take the fun we once experienced in games and enhance it so that today’s players can feel it as well” has been successful in The Adventures of Elliot. We feel confident about it, so we hope you’ll give it a try!

Bildmaterial: The Adventures of Elliot: The Millennium Tales, Square Enix, Claytech Works

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The Adventures of Elliot: The Millennium Tales kehrt dem RPG-Genre nun zumindest teilweise den Rücken. Das Spiel erinnert spielerisch eher an die 2D-Abenteuer von Link, an Quintet-Meilensteine wie Terranigma und an Mana-Abenteuer.

Wir hatten parallel zu unserem neuen Anspielbericht die Gelegenheit, mit den Entwicklern zu sprechen. Wir haben gefragt, welche Herausforderungen insbesondere der Wechsel von rundenbasierten Kämpfen zu Echtzeitkämpfen mit sich brachte und von welchen Spielen man sich hat inspirieren lassen.

Producer Naofumi Matsushita gibt den Kindern zunächst Namen: „Dies ist der neueste HD-2D-Titel und ein Action-RPG. Der Reiz des HD-2D-Grafikstils liegt in der Verwendung von 3D-Hintergründen, die den Karten und Umgebungen ein Gefühl von Tiefe verleihen, obwohl die Charaktere selbst 2D sind.“

Eigene Techniken verfeinern HD-2D-Stil

„Eine der größten Herausforderungen bestand darin, einen Weg zu finden, diese Stärke mit 2D-Action-Gameplay zu verbinden“, erklärt Matsushita weiter. Denn: „In pixelbasierten 2D-Action-Spielen kann der Bildschirm leicht von der Bodenebene der Karte dominiert werden, was es den Spielern erschwert, ein Gefühl für dreidimensionale Tiefe zu entwickeln, und dazu führt, dass die Grafik etwas flach wirkt.“

Die Lösung: „In diesem Titel, insbesondere in der Oberwelt, haben wir einen „Drumroll“-Ansatz gewählt, bei dem die Karte im Hintergrund gewölbt ist, sodass entferntes Gelände sichtbar wird. Durch die Einbindung eigener Techniken zur weiteren Maximierung der Sichtweite konnten wir ein Erlebnis schaffen, das ein starkes Gefühl von Tiefe vermittelt, obwohl es sich um ein 2D-Action-Spiel handelt.“

Inspiriert vor allem von Final Fantasy Adventure

Darüber hinaus habe man sich während der Entwicklung immer wieder von Square Enix‘ reichhaltiger Action-RPG-Tradition inspirieren lassen. Ganz konkret nennt der Producer die Mana-Reihe, hier speziell die Game-Boy-Version von Final Fantasy Adventure.

Naofumi Matsushita: „Die Mana-Reihe war bahnbrechend darin, wie sie RPG-Elemente mit Echtzeit-Actionkämpfen verband und so eine Balance zwischen dem Nervenkitzel des Action-Gameplays und der einprägsamen Erzählung eines RPGs schuf. Diese Balance deckt sich genau mit dem Kernkonzept, das wir mit diesem Titel erreichen wollten.“

Auf dieser Grundlage habe man einzigartige Elemente hinzugefügt, dazu eben unter anderem den HD-2D-Stil, eine steuerbare Feenbegleiterin und eine Geschichte, die sich um Zeitreisen dreht. „Das Ergebnis ist ein Spiel, das ein unverwechselbares Erlebnis bietet, das auf einem Gleichgewicht zwischen Einfachheit und Herausforderung basiert. Das ist ein Bereich, in dem wir von Beginn des Projekts an konsequent geblieben sind.“

Das vollständige Spiel erscheint schließlich am 18. Juni für PS5, Xbox Series, Nintendo Switch 2 und PCs. Physische Versionen gibt es für PS5* und Xbox, während die Switch 2 leider nur mit einer Game Key Card bedient wird. Werdet ihr es spielen?

English script:

HD-2D games typically use turn-based combat. In The Adventures of Elliot, however, all battles take place in real time. In what ways was this the biggest technical or design challenge, and did you draw inspiration from any other games during the design process—such as Star Ocean: The Second Story R, which was also developed in real time and in the HD-2D style?

Naofumi Matsushita: This is the latest HD-2D entry and an action RPG game. The appeal of the HD-2D visual style lies in its use of 3D backgrounds, which create a sense of depth in the maps and environments even though the characters themselves are 2D. One of the main challenges was finding a way to blend this strength with 2D action gameplay. In pixel based 2D action games, the screen can easily become dominated by the ground plane of the map, making it difficult for players to feel any sense of three dimensional depth and causing the visuals to feel somewhat flat. In this title, particularly in the overworld, we adopted a “drumroll” approach, curving the map into the background so that distant terrain becomes visible. By incorporating original techniques to further maximize the visible range, we were able to create an experience that conveys a strong sense of depth while still being a 2D action game. This was also an area where we spent a significant amount of time carefully fine tuning the details in close collaboration with the development studio.

In addition, throughout development, we were consistently inspired by SQUARE ENIX’s own action RPG heritage, such as the Mana series, particularly the Game Boy version of FINAL FANTASY ADVENTURE. The Mana series was groundbreaking in how it blended RPG elements with real time action combat, striking a balance between the thrill of action gameplay and the memorable storytelling of an RPG. That balance closely aligns with the core concept we set out to achieve with this title. Building on that foundation, we added unique elements such as the visual beauty of the HD-2D style, which is a specialty of our team, along with a controllable fairy companion and a story centered on time travel. The result is a game that offers a distinctive experience built around a balance of simplicity and challenge. That’s one area where we’ve remained consistent from the very beginning of the project.

Bildmaterial: The Adventures of Elliot: The Millennium Tales, Square Enix, Claytech Works

Der Beitrag Im Interview! Welche Inspirationen The Adventures of Elliot aus Final Fantasy Adventure zieht erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Schreine, actiongeladene Kämpfe, eine Top-Down-Perspektive, klassische Dungeons und Rätsel, eine Feenbegleiterin … „mit Liebesgrüßen aus Hyrule“, so lautet eine Zwischenüberschrift in unserer Preview, die uns kürzlich noch tiefer in die Abenteuer von Elliot einsteigen ließ.

Parallel dazu hatten wir die Gelegenheit, den Entwicklern einige Fragen zu stellen. Was sagen sie also zu den Vergleichen mit berühmten Titeln des Genres? Nimmt man diese Herausforderung gerne an, oder hält man solche Vergleiche für unangebracht?

Producer Naofumi Matsushita verweist darauf, dass das angestrebte Gameplay-Gefühl vor allem von der Mana-Reihe inspiriert sei, hier insbesondere vom Game-Boy-Klassiker Final Fantasy Adventure. „Gleichzeitig denke ich, dass es den Spielern freisteht, ihre Eindrücke zu teilen, auch wenn sie sagen, dass das Spiel sie an andere Titel erinnert“, so Matsushita.

Und weiter: „Aus unserer Sicht betrachten wir diese Kommentare weder als positiv noch als negativ. Wir sind einfach dankbar, jedes Feedback mit einer offenen und neutralen Einstellung entgegenzunehmen. Vor allem hoffen wir, dass so viele Menschen wie möglich das Spiel selbst ausprobieren, und wir freuen uns auf eine Vielzahl unterschiedlicher Eindrücke.“

Das vollständige Spiel erscheint schließlich am 18. Juni für PS5, Xbox Series, Nintendo Switch 2 und PCs. Physische Versionen gibt es für PS5* und Xbox, während die Switch 2 leider nur mit einer Game Key Card bedient wird. Werdet ihr es spielen?

English script:

Shrines, action-packed battles, a top-down perspective, classic dungeons and puzzles, a fairy companion… You certainly didn’t aim for it intentionally, but there are comparisons to famous titles in the genre. Do you welcome this challenge, or do you find such comparisons misplaced?

Naofumi Matsushita: As I mentioned earlier, the gameplay feel we were aiming for was inspired by the Mana series, particularly the Game Boy version of FINAL FANTASY ADVENTURE so I hope players will be able to experience the unique kind of enjoyment that has grown out of that foundation. At the same time, I think players are free to share whatever impressions they have, including saying that the game reminds them of other titles. From our perspective, we don’t view those comments as either positive or negative. We’re simply grateful to receive all feedback with an open and neutral mindset. Above all, we hope as many people as possible will try the game for themselves, and we look forward to hearing a wide variety of impressions.

Bildmaterial: The Adventures of Elliot: The Millennium Tales, Square Enix, Claytech Works

Der Beitrag Im Interview! Das sagen die Macher von The Adventures of Elliot zu den Zelda-Vergleichen erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

„Wir sehen sie als eine Möglichkeit, eine gemeinsame Sprache mit unseren Spielerinnen und Spielern zu entwickeln – inspiriert von urbaner Kultur, unseren Wurzeln in ACG (Anime, Comics und Games) und unserer eigenen Nostalgie als Gamer“, so die Macher.

Also sehen wir uns doch mal im Detail an, welche Überraschungen man für uns versteckt hat. Wir versuchen, die Spoilergefahr so gering wie möglich zu halten und bebildern daher nur Orte in frühen Szenen aus dem Spiel. Spätere beschreiben wir nur kurz. Trotzdem – ihr seid hiermit gewarnt!

Bekannte Orte aus Anime neu interpretiert

Besonders viele Anlehnungen gibt es im Bereich der Orts-basierten Easter Eggs. Eins der auffällig-unauffälligsten ist eine Treppe mit rotem Geländer – ziemlich eindeutig eine Anlehnung an eine ikonische Szene aus Makoto Shinkais Anime-Film „Your Name“. Diese wiederum sind von einem echten Ort in Tokyo inspiriert, man findet die Treppe in der Nähe des Suga-Schreins in Tokyo.

Apropos Tageydo-Hauptmission: Schon wenige Minuten vorher gibt es eine Referenz, die vielen von euch aufgefallen sein dürfte. Nach einem Kampf mit Nanally gibt sie sich theatralisch geschlagen und nutzt Tomatensaft als Kunstblut, das sie über das Gesicht schmiert – ob die Zeichner von Naruto sich das so vorgestellt haben, als sie die unvergessene Szene zwischen Sasuke und Itachi erstellt haben?

Nicht nur bei den Umgebungen, Treppen und Zwischensequenzen gibt es Easter Eggs, auch bei manchen Häusern sollte man genauer hinsehen. Das Entdecken von Nobitas Haus aus Doraemon und Shin-chans Haus überlassen wir aber euch. An anderer Stelle ist sogar die Zeitmaschine aus Steins;Gate in ein Gebäude gekracht.

Etwas gruseliger wird es bei der Referenz an den Horror-Mystery-Thriller Exit 8. Wer die Referenz erkennt, hat bereits Respekt vor den Anomalien, bevor er die weiß gekachelte Unterführung betritt. Allgemein ist es von Vorteil, Unterführungen und Treppen genauer anzusehen. Denn es könnte sein, dass vielleicht im späteren Spielverlauf Referenzen an Zenless Zone Zero oder Bocchi the Rock versteckt sind.

In einer Nebenmission, die sich um Wettrennen dreht, findet ihr auch einen Tofu Shop, der verdächtig nach dem Tofu Shop aus Initial D aussieht. Und das Auto nebendran wurde auch auffällig getunt. Im späteren Verlauf der Mission könnt ihr es sogar fahren und die Frage beantworten: Do you like… my Car?

Visuelle Referenzen

Schon bevor ihr das Spiel überhaupt startet, seht ihr die Referenz an Kat aus Gravity Rush. Nanallys Anomalie ähnelt der des PlayStation-Vita-Titels stark und auch manche Anomalien sehen so aus, als ob sie sehr gut in den ungewöhnlichen Handheld-Titel aus dem Jahre 2012 passen könnten.

Im späteren Verlauf der Hauptmission und auf dem Weg zum zweiten „Dungeon“ des Spiels müsst ihr gegen mehrere hochmütige Gegner kämpfen. Da helfen nur ein Wortgefecht, eine Erhöhung oder die Flucht – Items sind nicht erlaubt. Bei zu vielen Widerworten könnt ihr während des Wortgefechts aber auch Einspruch einlegen – ganz im „Ace Attorney“-Stil.

Im Endgame des Spiels gibt es zudem noch Referenzen an Neon Genesis Evangelion, Slenderman, Akira und Girls Band Cry. Eine ungewöhnliche Referenz ist nur aufgrund der nicht idealen Physik-Engine und Kollisionsabfrage zu sehen. Ein Glitch kann mit der Foto-Drohne im Spiel getriggert werden. Die beängstigende Szene zeigt eine schwarze Figur in einer weißen Leere vor einem Tor – wie in Fullmetal Alchemist. Es tut mir leid, Edward!

Namen und Missionsbenennungen

Eine auffällige Missionsbenennung ist Re:Zero – Starting Life as a Fisher – die Anlehnung an Re: Zero – Starting Life in Another World ist mehr als auffällig. Besonders bei den Benennungen der Achievements gibt es viele Easter Eggs. Oraoraoraoraora! Muda Muda Muda! Aber auch die Consecutive Normal Punches aus One Punch Man sind als Achievement vorhanden, ebenso die Normal Summon! und Special Summon! aus Yu-Gi-Oh!

Digimon-Fans können auch ein Gebäude sehen, das auffällig an die Fuji TV Station angelehnt ist. Auffälligere Orte und Sehenswürdigkeiten sind Referenzen an die Golden Gate Bridge und das Tokyo Disneyland.

Wer denkt, er hätte das Spiel schon durch und alle Easter Eggs gefunden, kann sich in den Quellen genauer ansehen, ob es wirklich so ist. Wir haben in unserer Anspielzeit nämlich einige übersehen, wie beispielsweise die an Dōtonbori, Akihabara, Shibuya Crossing und Kabuchiko angelehnten Orte in Neverness to Everness.

via Game8, eigenes Interview, Bildmaterial: Neverness to Everness, Perfect World Games, Hotta Studio

Der Beitrag „Gemeinsame Sprache“ – ein Blick auf die vielfältigen Easter Eggs in Neverness to Everness erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Zwei Paradebeispiele dafür sind die Remake-Trilogie von Final Fantasy VII und Wuthering Waves. Beide treiben die Engine mit Eigenentwicklungen ans Limit – aber beide haben sich damit in eine unangenehme Abhängigkeit von veralteter Technologie manövriert. Auch in modernerer Form gibt es das bereits, denn für The Witcher 4 entwickelt CD Projekt RED eigene Erweiterungen für die Unreal Engine 5 und treibt somit die aktuellen Konsolen ans Limit.

Der ein oder andere Technik-Kenner nennt solche Entwicklungen sogar „an der Grenze zur Perversion“. In einem Interview mit Automaton spricht Masahiko Nakamura, Leiter von Indie-us Games und technischer Künstler mit viel Unreal-Engine-Erfahrung, über seine Eindrücke der Nutzung in Wuthering Waves. Nicht nur uns fallen auffällig viele Parallelen auf zu den Aussagen von Naoki Hamaguchi, Director von Final Fantasy VII Rebirth.

Hohe Skalierbarkeit dank starker Anpassungen

Nakamura macht dabei keinen Hehl daraus, dass er die Nutzung der Unreal Engine 4 in Wuthering Waves hoch beeindruckend findet – er sieht es als Vorreiter unter Anime-Style-Spielen in dieser Engine. Besonders interessant ist für ihn die hohe Skalierbarkeit, da das Spiel sowohl mobil als auch auf PC sehr gut aussieht und trotz der älteren Engine hochkarätige moderne Grafiktechniken nutzt. Etwas, das ähnlich bei den Final Fantasy VII Remakes vorkommt, welche von Steam Deck und der Switch 2 bis zur PS5 Pro wunderbar skalieren.

Moderne Techniken zurückportiert

Ebenso sind in beiden Titeln die Charaktere detailliert und die Ausdrucksvielfalt über dem, was man normalerweise aus anderen Titeln mit der etwas älteren Engine gewohnt ist. Auch die Beleuchtung ist speziell angepasst.

In Wuthering Waves entschied man sich dazu, die moderne Beleuchtungstechnik Lumen zu portieren, während man sich bei Square Enix für einen anderen Weg entschied. Man entwickelte gleich sein eigenes modernes Beleuchtungssystem mit dem Namen Enlighten. Beide Spiele sehen daher nicht „alt“ aus, da sie neue Techniken in die Unreal Engine implementieren, die so nicht möglich sein sollten. Nakamura spricht hier passenderweise von „UE5-Level“-Grafik, obwohl die Unreal Engine 4 im Hintergrund läuft.

Ein Wechsel zu modernerer Engine riskant

Dadurch manövrieren sich aber sowohl die Remakes zu Final Fantasy VII als auch Wuthering Waves in eine Sackgasse. Sie bieten zwar mit viel Aufwand einzelne moderne Beleuchtungsfeatures und moderne Shader, was jedoch zu Herausforderungen in der Engine und potenziellen Performance-Problemen führt, die nur mit manueller Nacharbeit gelöst werden können.

Beide Entwicklungen wurden zu einer Zeit gestartet, als die Unreal Engine 4 noch aktuell war und die Unreal Engine 5 in den Kinderschuhen steckte. Eine Portierung auf die moderne und inzwischen auch auf schwächeren Geräten performante Unreal Engine 5 ginge laut Nakamura nur stufenweise. Man müsste quasi das Spiel zuerst auf die neueste Version der Unreal Engine 4 bringen, dann zur Unreal Engine 5 portieren und von dort aus mühsame Anpassungen bis hoch zur aktuellen Version 5.7 starten. Seiner Einschätzung nach würde das etwa ein Jahr dauern.

Daher sei insbesondere Wuthering Waves quasi gefangen in der Unreal Engine 4, da man für die aufwändige Portierung der eigenen Tools in die Unreal Engine 5 quasi neu anfangen müsste – für ein Live-Service-Spiel sei dies fast nicht machbar und würde die Stabilität gefährden.

Ein möglicher Ausweg

Etwas gemäßigter äußert sich der Director von Final Fantasy VII Rebirth: Die neue Engine biete vor allem zwei große Vorteile: die Raytracing-Beleuchtung via Lumen und das Geometrie-System Nanite. Doch die Vorteile seien nicht groß genug, um weitere Verzögerungen im Projektplan zu riskieren, so Naoki Hamaguchi.

Die Flexibilität der Unreal Engine wird in diesen Titeln zur Gefahr, denn die Studios manövrieren sich in Abhängigkeiten, die sie selbst nicht unter Kontrolle haben. Die Unreal Engine 4 bekommt kaum noch Anpassungen für moderne Hardware, während die selbst geschriebenen Anpassungen intern gewartet und modernisiert werden müssen – mit Rücksicht auf eine Engine, die man nicht selbst geschrieben hat und deren Interna man nicht vollständig versteht.

Einen möglichen Ausweg zeigt CD Projekt RED: Man arbeitet eng mit Epic Games zusammen, um die vielen Anpassungen möglichst in den Hauptzweig der Unreal Engine zu bringen. So entsteht einerseits ein tieferes Verständnis und gegenseitige Unterstützung, andererseits profitieren nicht nur diese beiden Unternehmen davon, sondern am Ende eine Vielzahl von Spielen.

Bildmaterial: Final Fantasy VII Rebirth, Square Enix

Der Beitrag Die „Final Fantasy VII“-Remakes und Wuthering Waves sind abhängig geworden von alter Technik erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Mit der offenen Stadt „Hethereau“ steht vielen SpielerInnen ein großer Sandkasten voller Möglichkeiten zur Verfügung. Die Entwickler sprechen offen darüber, wie schwierig es war, die vielen Systeme des Spiels überhaupt unter einen Hut zu bringen: „Die größte Herausforderung bestand darin, die Erkundung einer offenen Welt, actionreiche Kämpfe, Lebenssimulation und Charakterentwicklung nahtlos miteinander zu verbinden […] um sicherzustellen, dass sich die Systeme nicht unzusammenhängend anfühlten.“

Gleichzeitig spielte die Community eine entscheidende Rolle. Laut dem Team wurde früh und konsequent auf Feedback reagiert, um Technik, Steuerung und Pacing zu verbessern und dem Spiel eine klarere Identität zu geben: „Von Anfang an haben wir großen Wert darauf gelegt, unseren Spielern zuzuhören […] Durch diese Optimierungen kommt die einzigartige Identität von NTE nun noch deutlicher zum Vorschein.“

Hethereau als lebendige Spielwelt

Im Zentrum steht die Stadt Hethereau, die bewusst wie ein „eigener Charakter“ aufgebaut wurde. Alltag und übernatürliche Phänomene greifen ineinander und prägen die Atmosphäre der Spielwelt: „Hethereau hat seine eigene ‚Persönlichkeit‘ und Geschichte […] es ist eine Stadt, die mit jedem Update wachsen und sich weiterentwickeln wird. Durch neue Regionen, Handlungsstränge und Ereignisse wird Hethereau immer lebendiger und zu einer echten ‚zweiten Welt‘ für unsere Spieler.“

Ein wesentlicher Bestandteil dieses Konzepts ist auch die vertikale Erkundung. Dächer, Hochhäuser, Tunnel und Untergrundbereiche machen die Stadt zu einem mehrdimensionalen Raum: „‚Urban Exploration‘ ist das Herzstück von Hethereau […] wir haben die Stadt von einer flachen Karte in einen vollständig interaktiven, mehrdimensionalen Raum verwandelt.“

Das ist erst der Anfang

Doch mit der aktuellen Ausführung der Stadt soll längst noch nicht Schluss sein: „Unsere langfristige Vision basiert auf einem zweigleisigen Ansatz: Wir werden kontinuierlich völlig neue Stadtteile und Karten-Erweiterungen einführen und gleichzeitig bestehende Gebiete mit neuen Inhalten, Events und Interaktionen bereichern, damit sich Hethereau stets wie neu anfühlt.“

Ergänzt wird das Ganze durch die sogenannten „Anomalien“, die direkt mit der Umgebung interagieren und klassische Grenzen aufbrechen sollen: „Die Verschmelzung von Anomalien und Umgebung ist das eigentliche Markenzeichen des NTE-Erlebnisses […] und vermittelt ein Gefühl von Fantasie und purer Zufriedenheit.“

Im Rahmen unseres Interviews erhielten wir noch weitere interessante Einblicke und Informationen. So wissen wir beispielsweise jetzt, dass das Spiel ebenfalls für GeForce NOW erscheinen wird und woher eigentlich der Name kommt. Weitere Punkte aus unserem Interview folgen noch in den kommenden Tagen.

Bildmaterial: Neverness to Everness, Perfect World Games, Hotta Studio

Der Beitrag Im Interview! „Hethereau hat seine eigene Persönlichkeit“ – Design und Zukunft der NTE-Stadt erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Im Rahmen unseres Interviews mit Perfect World Games gab es nun erstmals eine konkrete Einordnung: „Neverness to Everness symbolisiert eine Reise vom Nichts zur Ewigkeit. Während die Spieler in die Welt und die Hauptgeschichte eintauchen, wird sich die wahre Bedeutung des Titels nach und nach offenbaren. Es ist das zentrale Thema, das sich durch das gesamte NTE-Universum zieht.“

Bedeutung entfaltet sich erst im Spiel

Die Aussage lässt viel Interpretationsspielraum. Klar wird jedoch: Der Titel ist bewusst abstrakt gewählt und soll eng mit der zentralen Geschichte und den Themen des Spiels verknüpft sein. Statt eine direkte Bedeutung vorzugeben, scheint „Neverness to Everness“ etwas zu sein, das sich erst im Laufe der Spielzeit vollständig erschließt.

Damit bleibt der Name zwar weiterhin etwas rätselhaft, bekommt aber zumindest eine gewisse Richtung. Wer die Antwort wirklich verstehen will, wird sie wohl erst in der Welt von Hethereau selbst finden.

In unserem Interview haben wir übrigens noch weitere Einblicke erhalten – etwa zu Designentscheidungen, Technik und versteckten Details im Spiel. Bleibt also dran! Bereits online: Neverness to Everness soll auch für GeForce NOW erscheinen.

Bildmaterial: Neverness to Everness, Perfect World Games, Hotta Studio

Der Beitrag Im Interview! Entwickler verraten, was „Neverness to Everness“ eigentlich bedeuten soll erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Viele Anfragen wurden deshalb bereits an Perfect World Entertainment gestellt und auch auf Social Media findet man die Frage immer wieder – bisher ohne eindeutige Antwort. Wir hatten die Gelegenheit, zum Start von Neverness to Everness ein Interview mit den Entwicklern zu führen. Und wir haben eine Antwort bekommen!

Denn insbesondere im Hinblick auf DLSS 5, das NTE als eines der ersten Spiele im Anime-Stil unterstützen wird, wäre eine Veröffentlichung auf GeForce Now sehr sinnvoll – eine GeForce RTX 5090, welche dafür voraussichtlich nötig sein wird, kostet aktuell mindestens 3.400 Euro.

Antwort des Hotta Studio

Please find the English script below the video. „Die Integration von DLSS 5 ermöglicht es uns, ein flüssiges, leistungsstarkes Spielerlebnis zu bieten, ohne Kompromisse bei den komplexen visuellen Darstellungen von Hethereau einzugehen. Unser Team arbeitet intensiv daran, die Einbindung so fein abzustimmen, dass sich die Leistungssteigerung nahtlos in unsere künstlerische Ausrichtung einfügt.

Um NTE möglichst vielen Spielern zugänglich zu machen, bringen wir das Spiel zudem in naher Zukunft auf GeForce Now. Diese Cloud-Gaming-Integration stellt sicher, dass selbst auf Geräten mit geringerer Leistung die beeindruckende, Raytracing-basierte Beleuchtung der Stadt und die maximale Grafikqualität reibungslos erlebt werden können„, so das Hotta Studio in unserem Interview.

Nvidia GeForce Path Tracing Trailer zu NTE

Original-Skript auf Englisch

Question:

Neverness to Everness uses DLSS 4.5 will be one of the first anime‑style games to use DLSS 5. What do you hope this technology will bring in terms of performance and image quality, and how do you make sure the AI‑enhanced visuals stay true to the game’s art style? Will there be a way to experience the game at the highest detail level and ray tracing in a more affordable way, for example through GeForce Now Cloud Gaming?

Answer:

The inclusion of DLSS 5 allows us to deliver a smooth, high-performance experience without compromising on the complex visuals of Hethereau. Our team is dedicated to fine-tuning the integration so that the boosted performance feels native to our art direction. To make NTE accessible to as many people as possible, we are also bringing the game to GeForce Now in the near future. This cloud-gaming integration ensures that even on lower-spec devices, players can experience the city’s stunning ray-traced lighting and peak graphics seamlessly.

Bildmaterial: Neverness to Everness, Perfect World Games, Hotta Studio

Der Beitrag Exklusiv: Neverness to Everness wird auch für GeForce NOW Cloud-Gaming erscheinen erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Das ist eine Frage, die viele von euch in den letzten Wochen bewegte – insbesondere im Zusammenspiel mit Nvidias DLSS 5. Also nutzten wir die Gelegenheit und fragten einen der größten chinesischen Spielehersteller. Was denkt ihr über DLSS 5?

„Wir stehen der Erforschung stets offen gegenüber“

Wie in der aktuellen Beta von Petit Planet zu sehen ist, experimentiert man bei Hoyoverse bereits mit KI in den Spielen. In diesem Spiel gibt es beispielsweise einen Chatbot, der Antworten aus der komplexen Anleitung und integrierten Spielhilfen zieht sowie einen limitierten Chatbot in NPCs.

Immer wieder hört man, dass KI bei vielen chinesischen Spieleherstellern im Entwicklungsprozess eingesetzt wird. Wenig verwunderlich ist daher die Antwort: „KI ist klar ein großer technologischer Trend, deshalb stehen wir der Erforschung dieses Bereichs stets offen gegenüber!“

Jedoch steht – wie bereits im Technik-Artikel am Montag erwähnt – die künstlerische Ausrichtung im Vordergrund. „Für uns ist jedoch noch wichtiger, ob die Technologie der Qualität des Spiels und dem Spielerlebnis wirklich zugutekommt. KI kann als Unterstützung dienen, um Effizienz zu erhöhen und mehr Möglichkeiten zu schaffen, aber das Welt-Setting, die Ästhetik, die Figurendarstellung und der emotionale Ausdruck müssen letztendlich weiterhin von den kreativen Designern geleitet werden.“

DLSS 5: Wertvoll, da die Performance gesteigert wird

Zu DLSS 5 gab es von eurer Seite negatives Feedback. Euch hat die erste Vorstellung der Technik nicht überzeugt. Die Anpassung der Beleuchtung und des Color Gradings in Echtzeit sowie die mögliche artistische Veränderung der Spiele saht ihr negativ.

Hoyoverse betont jedoch die positiven Seiten der Technologie, ohne auf Details einzugehen. „Bei Technologien wie DLSS 5 sehen wir eine für das Spielerlebnis sehr wertvolle Richtung der KI: die Performance steigern und gleichzeitig die visuelle Qualität gewährleisten.“

Damit wird vor allem auf die klassischen Funktionen von DLSS abgezielt, welche erst vor wenigen Wochen mit DLSS 4.5 ein Update bekommen haben – namentlich DLSS Multi Frame Generation, das Upscaling mit DLSS Super Resolution und die hochwertige Kantenglättungstechnologie DLAA, die zunehmend das mit grafischen Nachteilen verbundene Temporale Anti-Aliasing (TAA) ablöst.

Ob man DLSS 5.0 in künftigen Projekten wie Honkai: Nexus Anima und Varsapura einsetzen wird, ist noch nicht entschieden: „Wir werden solchen Technologien weiterhin folgen und je nach Kompatibilität mit konkreten Projekten sowie dem Spielerlebnis entscheiden, ob und wie wir sie einsetzen.“

Wie seht ihr das – seht ihr auch eher die positiven Seiten der KI-Technologie wie die mögliche Performance- und Effizienzsteigerung, oder seht ihr den Einsatz von KI in Videospielen eher kritisch?

Bildmaterial: Honkai: Star Rail, miHoYo

Der Beitrag DLSS ist eine „sehr wertvolle Richtung der KI“ – Hoyoverse über den Einsatz von KI erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Wir hatten Fragen zu den Puzzles in den verschiedenen Gebieten und dem „Hexanexus“, zum Spielmodus „Currency Wars“ und der etwas geringen Anzahl der Events, besonders im Vergleich zu anderen Spielen wie dem hauseigenen Zenless Zone Zero.

Puzzles und Currency Wars

Zuerst wollten wir wissen, wie die Erstellung von Puzzles in Honkai: Star Rail im Detail aussieht, denn uns haben beispielsweise die Hexanexus-Puzzles sehr gefallen. Auch der Spielmodus „Currency Wars“ ist für uns ein Highlight des Spiels, aber ein Manko ist, dass noch nicht alle Charaktere enthalten sind. Ob sich das noch ändern wird?

Für Hoyoverse ist es bei der Entwicklung wichtig, dass sich die Puzzles gut in das Gesamterlebnis des Spiels einfügen. Die Rätsel sollen dabei sowohl zur Spielwelt und zur Atmosphäre des Gebiets passen, als auch für Abwechslung und Spaß bei der Erkundung sorgen. Dass die Puzzles dabei abwechseln, ist kein Zufall: „Da die unterschiedlichen Regionen ihre eigenen Themen haben, probieren wir auch verschiedene Designs aus, damit jedes Rätsel eine neue Erfahrung bietet.“

Zum Modus Currency Wars ist die Antwort nicht eindeutig, aber Hoyoverse hat das Problem im Blick und möchte den Modus erweitern. Die verfügbaren Figuren und Kombinationen sollen in Zukunft zunehmen, um mehr unterschiedliche Zusammenstellungen und Erlebnisse zu bieten. Wichtig ist dabei die Gesamtbalance, die Struktur des Gameplays sowie das Spieltempo.

Mangel an Events?

Uns ist zudem aufgefallen, dass Honkai: Star Rail etwas wenige Events bekommt – insbesondere im Vergleich zu Zenless Zone Zero. Dazu passte der Rhythmus der Veröffentlichungen zuletzt nicht ganz. Hoyoverse ist das Problem bewusst, jedoch möchte man keine Kompromisse bei der allgemeinen Qualität und dem Spielerlebnis eingehen.

„Wir arbeiten kontinuierlich daran, unsere Produktions- und Iterationsfähigkeiten zu verbessern. Wir sind zuversichtlich, dass wir in Zukunft durch unsere Bemühungen die Aktionen in Bezug auf Erlebnis und Rhythmus noch vielfältiger gestalten können. Freut euch also auf unsere zukünftigen Aktualisierungen!“, so Hoyoverse in unserem Interview.

Damit kommt auch Teil 4 von 5 unserer Interviewserie zum Abschluss. Teil 5 behandelt noch am Wochenende die Themen Technik, KI und DLSS in aktuellen und zukünftigen Hoyoverse-Spielen.

Bildmaterial: Honkai: Star Rail, miHoYo

Der Beitrag Im Interview! „Jedes Rätsel eine neue Erfahrung“ – die Gamedesign-Prämisse zu Honkai: Star Rail erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Designphilosophie bei Pfaden und Kits

Zuerst wollten wir von Hoyoverse wissen, was die Designphilosophie bei der Entwicklung neuer Pfade und Charakter-Kits, also den Charakterklassen und Fähigkeiten-Sets, ist. Werden zuerst die Charaktere entwickelt und wird dann das passende Kit erstellt?

Hoyoverse zieht es im Großen und Ganzen vor, von der Figur selbst auszugehen. Das bedeutet, sie überlegen sich zuerst die Eigenschaften und den Hintergrund der Figur sowie ihre Bedeutung in der Geschichte und auf ihrem Pfad. Erst danach wird der dazu passende Kampfstil entwickelt. Das Fähigkeiten-Set ist dabei eher eine Art Erweiterung. Es soll den SpielerInnen im Kampf das Gefühl vermitteln, „warum diese Figur so ist, wie sie ist“.

Jedoch ist die Entwicklung neuer Pfade und neuer Fähigkeiten-Sets ein Prozess, der sich gegenseitig beeinflusst und stetig verfeinert wird. Das Ziel ist es, dass am Ende Figur, Gameplay und Inszenierung eine Einheit bilden.

Alternative Versionen der Figuren

Uns interessierten auch die alternativen Charaktere – also neue Versionen von Charakteren, die bereits bekannt sind. Wird das künftig ein Ansatz sein, eine Mischung aus neuen Charakteren und alternativen Versionen bereits etablierter Figuren?

„Wir glauben, dass brandneue Figuren neue Gebiete, neue Beziehungen und neue Perspektiven mit sich bringen können. Neue Formen bestehender Figuren ermöglichen es den Spielern wiederum, die Entwicklung und Entscheidungen vertrauter Figuren neu zu verstehen“, so Hoyoverse.

Jedoch wolle man beim Erstellen neuer Charaktere kein festes Muster anwenden, sondern flexibel anhand der Bedürfnisse der Handlung und der Gameplay-Planung agieren.

Überangebot weiblicher Charaktere

Wie in den meisten F2P-Gacha-Spielen gibt es auch in Honkai: Star Rail ein Überangebot weiblicher Charaktere, beim Pfad der Erinnerung wurden ausschließlich weibliche Charaktere veröffentlicht – mit Ausnahme des männlichen Trailblazers. Wird sich dieser Trend weiter fortsetzen?

Für Hoyoverse steht die Frage, ob ein Charakter männlich oder weiblich ist, dagegen nicht im Vordergrund. Vielmehr stehen das Setting der Spielwelt, das Motiv der Figur, die Kampfmechaniken und die narrativen Anforderungen im Zentrum. Erst dann wird entschieden, welche Art von Figur am besten zu diesem Pfad passt. Das Ziel ist ein vielfältiges Figurenerlebnis, ungeachtet des Geschlechts.

Spielbalance und Buffs

Unsere letzte Frage zum Thema der Charaktere in Honkai: Star Rail drehte sich um die Spielbalance. Sieht Hoyoverse das sogenannte Powercreep in Honkai: Star Rail als ein Problem an? Wie werden Buffs bei verschiedenen Figuren ausgewählt?

Die Antwort dazu ist überraschend ausführlich. „Wir legen stets Wert auf alle Spielerlebnisse. Für uns ist es wichtig, dass das Gesamterlebnis vielfältig bleibt. Wir möchten nicht, dass das Spiel sich irgendwann nur noch um eine einzige Lösung dreht, sondern dass verschiedene Figuren und Systeme in ihrer jeweiligen Umgebung Bestand haben können“, so Hoyoverse in ihrer Antwort.

Der Ausgangspunkt von „Lodernde Nova“ war keine reine Zahlenanpassung, sondern der Versuch, Figuren in der aktuellen Umgebung wieder „ans Laufen zu bringen“. Es werde stets darauf geachtet, ob der Rhythmus, das Zusammenspiel und die Mechanik der Figuren reibungslos funktionieren, anstatt sie einfach nur stärker zu machen. Es sei wichtig, dass die Figur in das System passt und ob es noch Raum für Weiterentwicklung gibt. Daher fallen die Anpassungsrichtungen bei verschiedenen Figuren auch unterschiedlich aus.

Ungeachtet dessen hat Hoyoverse stets ein offenes Ohr für das Feedback der SpielerInnen. Um ein stabiles Gesamterlebnis aufrechtzuerhalten und gleichzeitig die Erwartungen unterschiedlicher Spieler zu erfüllen, ist ein Prozess des ständigen Lernens und schrittweisen Verfeinerns notwendig. „Durch kontinuierliche Versuche möchten wir erreichen, dass eure Lieblingsfiguren in verschiedenen Phasen sinnvoll ausgewählt und eingesetzt werden können“, so Hoyoverse.

Bildmaterial: Honkai: Star Rail, miHoYo

Der Beitrag Im Interview! Hoyoverse über das Balancing und die Charaktere in Honkai: Star Rail erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Inszenierung und künstlerische Ausrichtung haben Priorität

„Für uns steht die künstlerische Ausrichtung an erster Stelle“, sagt Hoyoverse ganz offen in unserem Interview. „Die Aufgabe der Technik besteht darin, diesen Ausdruck so stabil wie möglich auf verschiedene Plattformen zu übertragen.“

Die Inszenierung sei dabei wichtiger als die bestmögliche Grafik: „Wir lassen uns zwar von verschiedenen künstlerischen Ausdrucksformen wie Anime und Film inspirieren, legen aber größeren Wert auf die zugrunde liegenden Elemente wie Figurenperformance, Kamerabewegung und emotionale Vermittlung.“

Herausforderungen zwischen Smartphone- und High-End-Hardware

Besondere Spannungen in der Entwicklung sind alleine durch die große Anzahl an unterschiedlichster Hardware mit massiven Performanceunterschieden zu erwarten – ein Mittelklasse-Smartphone ist schließlich keine PS5 Pro. Trotzdem ist es wichtig, dass die Spiele auf allen Plattformen ähnlich aussehen. Wie Hoyoverse dieses Problem löst?

Bereits früh in der Entwicklung müsse deshalb sichergestellt werden, dass die unterschiedlichen Teams auf das gleiche Ziel hin arbeiten. „Um die stilistische Einheit zu gewährleisten, legen wir in der Vorproduktion klare visuelle und inszenatorische Standards fest und integrieren diese durch die Zusammenarbeit mehrerer Teams, darunter IP, Grafik, Animation und Technik, in den Produktionsablauf“, so Hoyoverse.

„Plattformübergreifend streben wir keine völlig identischen Parameter an, sondern eine übereinstimmende visuelle Kernwahrnehmung. Das bedeutet, dass es auf verschiedenen Plattformen zwar technische Unterschiede geben kann, aber die Erkennbarkeit der Figuren, die Atmosphäre der Szenen, die Animationsdarstellung und das gesamte ästhetische Erlebnis so einheitlich wie möglich gehalten werden sollten. Das ist unser Verständnis von stilistischer Konsistenz und Kontinuität.“

Bildmaterial: Honkai: Star Rail, miHoYo

Der Beitrag Die Technik im Dienst der Kunst: Hoyoverse über den visuellen Stil von Honkai: Star Rail erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Wir haben uns deshalb entschlossen, das große Interview in eine fünfteilige Interview-Serie aufzuspalten, deren einzelne Teile wir über die Woche hinweg freigeben. Das Skript auf Deutsch und Englisch werden wir ebenso zeitnah verlinken.

„Der europäische Markt ist eine sehr komplexe und herausfordernde Region“

Für ein chinesisches Unternehmen wie Hoyoverse ist der europäische Markt eine Herausforderung. Jedoch sei für sie der europäische Markt „schon immer sehr wichtig gewesen“. Gleichzeitig gibt man aber auch zu, er sei „auch eine sehr komplexe und herausfordernde Region“.

Grund dafür ist der im – Gegensatz zu China – sehr vielfältige, mehrsprachige Markt. „Zwischen den verschiedenen Ländern gibt es große Unterschiede in Bezug auf Sprache, kulturelle Gepflogenheiten, Community-Ökosysteme sowie politische Richtlinien und Gesetze.“

„Müssen Geduld und Verständnis aufbringen“

Das ist nachvollziehbar, denn während China aktuell schätzungsweise 1,41 Milliarden Einwohner, aber nur eine Amtssprache (Mandarin) hat, hat die Europäische Union nur ca. 450 Millionen Einwohner, dafür aber 24 Amtssprachen. Die eben erwähnten kulturellen Unterschiede sowie politischen Richtlinien und Gesetze, wie zum Beispiel unterschiedliche Jugendschutzgesetze, sind hier nicht inbegriffen.

„Deshalb müssen wir beim Eintritt in diesen Markt und bei dessen kontinuierlicher Erschließung mehr Geduld und Verständnis aufbringen und können nicht alle Regionen mit ein und derselben Methode behandeln“, sagt Hoyoverse im Interview. Es gäbe dabei nicht die eine zentrale Herausforderung, sondern eher viele unterschiedliche Stellschrauben. „Was die größte Herausforderung angeht, glauben wir, dass diese nicht auf einen einzelnen Faktor zurückzuführen ist. Vielmehr geht es darum, wie wir lokale Unterschiede respektieren.“

Kommunikation ist herausfordernd

Wichtig sei es für Hoyoverse, „den Spielern dennoch ein einheitliches, stabiles und herzliches Erlebnis bieten zu können“. Das gilt nicht nur für die Spiele selbst, sondern auch für das Marketing der Spiele, zum Beispiel auf Social Media – und auch einiges mehr, was man auf den ersten Blick nicht sieht. Als Beispiele nennen sie „sowohl die Inhaltsverbreitung und die Kommunikation innerhalb der Community als auch die Aktionsumsetzung, den Benutzersupport und unseren kontinuierlichen Einsatz im Bereich Compliance“.

Dass Honkai: Star Rail in Deutschland so erfolgreich ist, liegt aber nicht nur an diesen Bemühungen, sondern auch an den Fans selbst. „Gerade deshalb ist die Unterstützung, die uns die europäischen Spieler entgegenbringen, für uns besonders wertvoll. Wir werden weiterhin aufmerksam auf die Stimmen der Spieler aus der gesamten europäischen Region hören und unsere Arbeit stetig optimieren.“

Bildmaterial: Honkai: Star Rail, miHoYo

Der Beitrag „Komplexe Region“ – Die Honkai-Macher von Hoyoverse über die Herausforderungen in Europa erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Wir sprachen via E-Mail-Interview mit Producer Takeshi Ichikawa über technische Herausforderungen, die Zusammenarbeit mit „Dragon Quest“-Schöpfer Yuji Horii und die Streichung von Inhalten zugunsten der Spielbarkeit.

Auf den ersten Blick zeichnet sich Dragon Quest VII Reimagined vor allem durch seinen optischen Stil aus. Für den neuen 3D-Look, der den organischen Charme des Originals einfangen sollte, verwendete man unter anderem echte Puppenmodelle. Das war nicht immer einfach.

„Es gab einige technische Probleme bei der Anwendung von Bewegungen in Kämpfen und Zwischensequenzen auf Modelle, die direkt von realen Puppen gescannt wurden, daher haben wir Anpassungen für die Modelle im Spiel vorgenommen. Da wir jedoch die unverwechselbaren Texturen der realen Puppen erhalten wollten, sind wir in dieser Hinsicht sehr sorgfältig vorgegangen“, erklärte Ichikawa dazu.

Konsultationen mit Yuji Horii

Für die Neuauflage hat man auch „Dragon Quest“-Schöpfer Yuji Horii konsultiert. „Dieser Titel wurde von Grund auf neu entwickelt, daher haben wir uns mit Yuji Horii über alles beraten, von ambitionierten Vorschlägen bis hin zu detaillierten Spezifikationen. Dank dieser Zusammenarbeit konnten wir unserer Meinung nach eine Balance finden, die den Charme des Originals bewahrt und gleichzeitig auch Neulingen der ‚Dragon Quest‘-Reihe ermöglicht, das Spiel in vollen Zügen zu genießen“, hofft Ichikawa.

Yuji Horii war es auch, der vorab darüber sprach, dass „Reimagined“ einige Inhalte aus dem Original streicht. Das führte unter Fans zu allerhand Irritationen, wir haben deshalb nochmal nachgefragt und Ichikawa hat uns erklärt, warum diese Überarbeitungen aus Sicht des Teams notwendig waren.

Streichungen und Straffungen

„Um den gesamten Handlungsverlauf zu optimieren und eine spannendere Erzählung zu bieten, haben wir uns entschlossen, Nebenhandlungen zu streichen, die wenig oder gar keine direkte Relevanz für das Hauptszenario haben. Dabei ging es jedoch nicht nur um eine reine Kürzung. Wir haben das Spielerlebnis neu konzipiert, um auch Spielern, die Dragon Quest VII bereits gespielt haben, neue Szenarien zu bieten“, so Ichikawa.

Dazu gehören laut Ichikawa diverse Änderungen wie die Umwandlung bestimmter Szenarien in optionale Inhalte, die jederzeit nach dem Zusammensetzen der Steintafel gespielt werden können, sowie das Hinzufügen neuer Episoden, darunter das Szenario mit dem erwachsenen Kiefer.

Man habe darüber hinaus „verschiedene Teile des Szenarios neu angeordnet und angepasst, um ein temporeicheres und immersiveres Spielerlebnis zu schaffen“ – dabei habe man „besonders darauf geachtet, die einzigartige Atmosphäre des Originals zu bewahren und die Kernhandlung intakt zu lassen.“

Das Ergebnis kann sich sehen lassen. Kompakte Episoden, schnelle Kämpfe und ein gelungenes Pacing führen dazu, dass dieses Monster von einem JRPG heute auf moderne Art und Weise spielbar ist. Dass das Spiel zu kurz geworden ist, müsst ihr nicht befürchten. Mehr erfahrt ihr in unserem Test!

Bildmaterial: Dragon Quest VII Reimagined, Square Enix, HexaDrive

Der Beitrag Im Interview! Wie Dragon Quest VII Reimagined den Charme des Originals in die Moderne holte erschien zuerst auf JPGAMES.DE.