Der Publisher Gravity hat seine Pläne für eine weitreichende Expansion, ein radikal überarbeitetes Vertriebsmodell und handfeste Details zum kommenden globalen Meilenstein Ragnarok Zero: Global enthüllt. Nach dem Event haben wir alle Fakten, den finalen Veröffentlichungstermin und die vollständige Content-Roadmap direkt vom Event zusammengefasst.

Gravity auf Expansionskurs: Fokus auf Europa

Das Ragnarok-Franchise begeistert seit nunmehr 24 Jahren Fans rund um den Globus. Die Marke gehört zu den langlebigsten Urgesteinen der MMORPG-Geschichte, denn sie wurde über 250 Millionen Mal in 122 Regionen heruntergeladen. Nun läutet Gravity eine neue Ära ein.

Das erklärte Ziel ist es, eine der weltweit führenden Entertainment-Gruppen zu werden, die gestützt auf mittlerweile zehn spezialisierte Konzerngesellschaften agiert. So wird die Tochtergesellschaft Gravity Game Unite jetzt auch die Betreuung des europäischen Marktes übernehmen. In der Geschichte des Franchising gibt es eine Premiere: Die europäische Region wird von Gravity direkt und ohne externen Publisher gemanagt. So soll eine bestmögliche Servicequalität garantiert werden.

Fokus auf den westlichen Markt: Abo-Modell statt Gacha

Die Abkehr von klassischen Gacha-Mechaniken für den europäischen Server von Ragnarok Zero: Global zählte zu den zentralen Ankündigungen der Player Conference. Stattdessen plant Gravity ein transparentes Abonnement-Modell, das gezielt auf die Bedürfnisse westlicher Spieler zugeschnitten sein soll, um für mehr Chancengleichheit zu sorgen.

Die Entwickler des Spiels gaben zwar zu, dass die Wahrnehmung von „pay-to-win“ letztlich subjektiv sei, versicherten jedoch, dass im Shop keine spielentscheidenden Vorteile oder direkten Level-ups zum Verkauf stehen werden. Es sind lediglich Komfortfunktionen vorgesehen.

Ob dieses Versprechen in der Praxis langfristig gehalten werden kann und wie schmal der Grat zwischen reinen Komfortfunktionen und spürbaren spielerischen Vorteilen am Ende tatsächlich ausfällt, bleibt abzuwarten, wobei die Einordnung hier eine entscheidende Rolle spielt.

Die Erfahrung mit ähnlichen MMO-Launches zeigt, dass die finale Ausgestaltung des Ingame-Shops oft erst nach der Veröffentlichung kritisch von der Community bewertet werden kann. Der Einblick in den Shop der offenen Beta hat jedenfalls gezeigt, dass zumindest Items verfügbar sind, die Drop-Chancen und erhaltene Erfahrungspunkte erhöhen.

Designed from „Zero“: Gameplay, Komfort & User-Generated Content

Ragnarok Zero: Global wurde buchstäblich von null auf neu konzipiert. Die Entwickler analysierten die Kernidentität des klassischen Ragnarok Online intensiv, um beliebte Tugenden beizubehalten und gleichzeitig moderne Standards einzuführen. Zum offiziellen Launch am 18. August startet das Spiel mit den sechs klassischen Grundberufen sowie exklusivem Story-Content in einer brandneuen Episode.

Ein wesentliches Kern-Feature ist das stark modernisierte und flexibel platzierbare User Interface. Spieler können frischen Wind über den stylischen Valkyrie-Skin genießen oder auf Wunsch nahtlos auf das vertraute Classic UI umschalten. Um den teils monotonen Grind für simple Aufgaben zu minimieren, wird ein Auto-Hunting-System definiert, über das Items und Skills automatisch genutzt werden können.

Die Entwickler betonten jedoch ausdrücklich, dass dieses System rein für einfache Routine-Tasks gedacht und für das anspruchsvolle Endgame völlig ungeeignet ist. Die Community erwartet im Rahmen der MVP Raids zudem dedizierte PvE- und PvP-Zonen, Bosskämpfe mit angepassten MVP-Rates sowie abwechslungsreiche monatliche Challenges.

Ein echtes Highlight für die Community ist das User-Generated-Content-System RO Factory. Zum ersten Mal können Spieler eigenen Ingame-Content entwerfen und teilen. Das Feature startet zum Launch komplett kostenlos und bietet anpassbare Footstep FX. Der weitere Ausbau sowie spätere Monetarisierungsmodelle der RO Factory befinden sich aktuell noch in der Evaluierung.

Die vollständige Roadmap: Der Update-Fahrplan für das erste Jahr

Für die kommenden Monate liegt der Plan für die Inhalte vor. Für Veteranen ist Folgendes besonders wichtig: Im gesamten Zyklus wird es nur Second Jobs geben, aber kein Rebirth-System.

Lokalisierung, Kreativ-Wettbewerbe & Multimedia-Zukunft

Kulturelle Identität ist für Gravity von großer Bedeutung. Unter dem Motto „Music & Events“ werden berühmte Musikstücke des Spiels mit landestypischen Instrumenten neu eingespielt. So erhält Deutschland eine eigene, traditionell angereicherte Version des legendären Morroc Themes.

Passend dazu wird es mit Nordfeld eine komplett eigene Ingame-Karte geben, die in Architektur und Atmosphäre direkt von Deutschland inspiriert ist. Frankreich erhält eine folkloristische Version von „Christmas in the 13th Month“.

Um die Bindung zur Community zu festigen, wurden diverse Contests gestartet, die unterschiedliche Zielgruppen ansprechen. Beim Music Challenge Event können Fans Soundtracks covern und neu interpretieren. Beim Fan Art Contest geht es darum, Pixel-Art, Comics und Emotes zu erstellen, die möglicherweise sogar auf offiziellem Merchandise verewigt werden.

Zudem werden über das Programm First Hero Creator Content Creator direkt eingebunden, um als Bindeglied hochwertige Guides und Highlight-Videos für die Community zu produzieren.

Langfristig soll Ragnarok zu einem gewaltigen Multimedia-Franchise ausgebaut werden: Sechs neue Games wurden für die kommenden Jahre bestätigt und die Produktion einer eigenen TV-Serie, eines Stage-Musicals und einer Webserie angedeutet. Weiterhin soll vor allem das Merchandise mit den ikonischen Charakteren weiter ausgebaut werden.

Der schwierige Spagat zwischen Nostalgie und Moderne

Bildmaterial: Ragnarok Zero: Global, Gravity Game Unite

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Titel	Honkai: Nexus Anima
	TBA
	Cognosphere
	TBA
	Cognosphere
	TBA
	Cognosphere
System	PC, Android, iOS
Getestet für	PC
Entwickler	miHoYo
Genres	Abenteuer, Strategie
Texte
Vertonung

Liebens- und verachtenswerte Charaktere bieten einen starken Einstieg

Wie bereits Petit Planet vor wenigen Wochen startet Honkai: Nexus Anima extrem stark – in mehreren tollen Zwischensequenzen wird euch mit dem etwas überreizten Klischee des Helden mit Gedächtnisverlust erklärt, wie diese wundersame Welt funktioniert – und warum die Nexus Anima und zum Teil auch die Menschen spezielle Fähigkeiten haben.

Leider nutzen auch eure Gegenspieler diese besonderen Fähigkeiten und machen uns so das Leben schwer. Bereits nach wenigen Stunden Spielzeit empfinden wir die Antagonisten als wirklich unangenehm und verachtenswert – und das nicht nur, weil sie es auf unser Leben abgesehen haben.

Nur dank unerwarteter Entwicklungen können wir in letzter Sekunde aus den lebensgefährlichen Situationen entkommen. Die Antagonisten sind überzeugend geschrieben und charakterliche Unsympathen, die wesentlich glaubwürdiger sind und strategischer vorgehen als die teilweise trotteligen Antagonisten in den Konkurrenzspielen.

In Honkai: Nexus Anima ist es wirklich unangenehm, eine durchaus intelligente Yandere-Charakterin an den Fersen zu haben, die nun voller Hass ist und sich für einen vergangenen Herzensbruch – an welchen wir uns nicht erinnern – an uns rächen möchte. Um es direkt zu sagen: Einen Anime mit dieser Story würden wir uns auch ansehen.

Beta wirkt bereits wie aus einem Guss

Das Gameplay entspricht den Erwartungen. Honkai: Nexus Anima ist ein relativ simples Abenteuer im Stile der bisherigen HoYoverse-Titel, das an einigen Stellen aufpoliert wurde. Positiv fällt besonders das übersichtliche Menü auf, das deutlich weniger überladen wirkt als das vergangener Spiele des Entwicklers.

Die Monstersammel-Mechanik mit der entsprechenden Enzyklopädie dahinter ist durchaus nett, aber geht keine unbekannten Wege. Die Materialschlacht beim „Binden“ der Nexus Anima im späteren Spielverlauf ist vorhersehbar grindlastig, wenn man „sie alle schnappen“ und aufleveln will, um bestmögliche Teams zusammenzustellen.

Kampfsystem überzeugt nach kurzer Eingewöhnung

Das Autobattle-Kampfsystem, das wir als einen echten Wackelkandidaten des Spiels sahen, überzeugt nach einer kurzen Eingewöhnungsphase. Die 9-vs.-9-Kämpfe laufen größtenteils automatisch ab, können jedoch durch Spezialfähigkeiten der menschlichen BegleiterInnen beeinflusst werden.

Bei herausfordernden Kämpfen ist es wichtig, seine Nexus Anima strategisch geschickt auf dem Spielfeld zu platzieren und die Spezialfähigkeiten im passenden Moment zu aktivieren. Manche Monster sind vor allem im 1-vs.-1 stark, während andere ihr volles Potenzial erst entfalten, wenn sie von mehreren Gegnern umzingelt sind. Wiederum andere greifen besser aus der Distanz an.

Dazu gibt es die bekannten Vor- und Nachteile bei den Typen. All das zeigt schon in den ersten Spielstunden, dass uns im späteren Spielverlauf taktische Kämpfe erwarten, die durch mehrere unterschiedliche Faktoren beeinflussbar sind. Jedoch ist auch klar: Die Kämpfe sind eher indirekt kontrollierbar und die Strategie zu Beginn des Kampfes entscheidet, denn während des Kampfes gibt es nur wenig Einflussmöglichkeiten.

Übrigens haben bei weitem nicht alle Nexus Anima Entwicklungsstufen – in der Beta sind nur eine geringe Anzahl an Monstern überhaupt abseits der Level, also auch „physisch“ veränderbar. In der Regel sind das die seltenen 5-Sterne-Monster, für die man zudem noch besondere Voraussetzungen vor der Entwicklung erfüllen muss – etwa einen bestimmten Story- oder Nebenmissionen-Fortschritt.

Die Entwicklungen selbst sind aktuell noch etwas schwach präsentiert – da geht sicher noch mehr bis zur Vollversion. Wer allerdings gerne Monster jagt, kann täglich ein Nexus Anima mit Farbabweichungen (hier „Chroma“ genannt) einfangen. Allerdings auch hier – es kann in eine grindlastige Materialschlacht ausarten, sie alle haben zu wollen.

Technisch auf der Höhe der Zeit

Technisch überzeugt Honkai: Nexus Anima in vielen Punkten. HoYoverse kann die Stärken der bisherigen Titel eins zu eins ins neue Spiel übernehmen. Die Technik borgt man sich zum Teil sehr offensichtlich von Zenless Zone Zero, auch einfache Raytracing-Effekte wie RTGI, RT-Reflexionen und RT-Schatten sind mit am Start und lassen die Grafik auf PCs der unteren Mittelklasse überzeugend wirken – auch wenn diese inzwischen leider auch schon um die 1000 Euro kosten.

Stilistisch und im Charakterdesign orientiert man sich dagegen an Honkai: Star Rail. Das Monsterdesign ist kreativ, aber zum Teil gewöhnungsbedürftig. Die Animationen sind passend und halten besonders bei den Idle-Animationen gelegentlich Überraschungen bereit.

Dazu kommt ein orchestraler Soundtrack und eine bis auf den Hauptcharakter vertonte, mitreißende Hauptstory mit mehreren Zwischensequenzen. Ebenfalls positiv: Bis auf den Start des Spiels gibt es keine nennenswerten Ladezeiten und das, obwohl die offene Spielwelt vergleichsweise groß und detailreich ist.

Mit ein wenig Mut könnte man die wenigen, sehr kurzen Ladebildschirme am PC auch ganz entfernen, durch kurze Übergangseffekte ersetzen und so den nahtlosen Eindruck der Spielwelt verstärken. Der Titel wirkt technisch ungewöhnlich stark für eine Beta. Ein wirklicher Mangel ist nur der bisher fehlende Controllersupport.

Ein möglicher Top-Titel im Bereich der Monstersammler

Bildmaterial: Honkai: Nexus Anima, miHoYo, Hoyoverse

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Nach eigener Aussage „aus der Liebe zu RPGs geboren“ erregte die junge Spieleschmiede vor allem dadurch Aufmerksamkeit, dass sie sich aus diversen ehemaligen Entwicklern und Entwicklerinnen zusammensetzt, die an Genre-Schwergewichten wie The Witcher 3 und Cyberpunk 2077 mitwirkten. Spätestens nach den ersten handfesten Spieleindrücken schien für viele Hexer-Fans sonnenklar: Das ist doch The Witcher mit Vampiren!

Mittlerweile haben wir satte vier Stunden in „Dawnwalker“ reinspielen dürfen und ja, auch wenn das Kreuz sicher schwer wiegt: Die Vergleiche mit dem Genre-Primus sind gerechtfertigt. Mit einem erfrischenden Spielkonzept und vielen anregenden Ideen muss sich „Dawnwalker“ aber nicht im Schatten des beliebten Hexers verstecken. Im Gegenteil.

Der König ist tot, lang lebe der König

Unsere Hands-on-Session beginnt mit dem atmosphärischen Auftakt des Spiels. Die Pest beutelt das Land und Volk von Vale Sangora. Vampirfürst Brencis und sein Hof machen sich diese verzweifelte Lage zunutze, um den König zu stürzen und ein eigenes finsteres Regime zu installieren. Der neue Machthaber befreit sein Volk vom schwarzen Tod, Steuern und anderen weltlichen Nöten. Im Gegenzug haben „seine Lämmer“ lediglich ein paar Tropfen Blut im Rahmen regelmäßiger „Gottesdienste“ zu spenden. 

Als wir zum Einstieg in die Rolle von Coen schlüpfen, steht eine solche Blutmesse für den Abend an. Bis dahin bleiben aber noch einige Stunden, die es produktiv zu füllen gilt. Die Mutter bedarf etwa einer Arznei, während sich die Geschwister Hilfe beim Fischen wünschen. Auch außerhalb der eigenen vier Wände buhlen die Nachbarn um unsere Aufmerksamkeit: Ein Grabräuber will gefasst werden; ein Bauer beklagt den Diebstahl seines Viehs; ein Raufbold provoziert eine Keilerei.

Das ist nur ein kleiner Auszug der vielseitigen Interaktionsmöglichkeiten, die sich bereits in den ersten Minuten des Spiels auftun. Und mit diesen präsentiert „Dawnwalker“ auch gleich seine größte Besonderheit: Alles erleben, können wir nicht. Während uns vergleichbare Titel die Freiheit geben, jeder Beschäftigung nachzugehen, ehe wir die Hauptgeschichte vorantreiben, spielt Zeit in „Dawnwalker“ eine elementare Rolle. 

Abenteuer mit Terminkalender

Keine Sorge: Eine gnadenlos im Nacken tickende Uhr müsst Ihr deshalb nicht befürchten. Vielmehr etabliert „Dawnwalker“ einen Umgang mit Zeit als Ressource. Will heißen: Wann immer wir uns zu einer wesentlichen Unternehmung entschließen, schreitet die Zeitanzeige am oberen, rechten Bildschirmrand um eine im Vorfeld festgelegte Anzahl an Segmenten voran. Wir wissen genau, wie wieviel Zeit mit unser geplanten Aktion verstreichen wird und haben so immerzu volle Kontrolle über unseren Tagesablauf. Stellt Euch das System wie eine ausgeprägtere Variante des Zeitmanagements in Persona vor.

Daraus resultiert, dass wir uns quasi ab Minute 1 in der Situation wiederfinden, Prioritäten setzen zu müssen. Vielleicht helfen wir den Geschwistern beim Angeln, schlagen allerdings die Bitte ab, eine Pause zum Fangen spielen einzuschlagen. Vielleicht lassen wir uns mit dem Apothekengang für die Mutter hingegen Zeit, weil die charmante Kräuterdame eine spontane Lateinstunde in Aussicht stellt. Immer wieder konfrontiert uns der Titel mit großen und kleinen Optionen, die Einfluss auf unser Abenteuer nehmen und deren Konsequenzen mal mehr, mal weniger durchsichtig sind. 

Für manch einen RPG-Fan, der am liebsten jeden Stein umdreht und jedem Hilfesuchenden unter die Arme greift, ehe er mit der Hauptquest voranschreitet, mag das wie ein spielgewordener Albtraum klingen. Und ja, dieses sehr eigene Spieldesign wird sicher nicht jedem munden. Wir sind allerdings begeistert von der Art und Weise, wie organisch „Dawnwalker“ dieses fundamentale Designelement umsetzt und haben schnell das Gefühl, unser eigenes Abenteuer zu erleben. 

Anregendes Kampfsystem

Aber was bedeutet Abenteuer überhaupt? Habt ihr bereits ausgiebig Zeit an der Seite von Promi-Hexer Geralt verbracht, dürftet ihr euch auch in Coens Haut im Handumdrehen wohl fühlen. Sei es in Hinblick auf die grundlegenden Spielmechaniken, die Steuerung oder auch Menüs und User Interface – der Hintergrund der Chef-Entwickler liegt immerzu offensichtlich auf der Hand.

Eine der größten spielerischen Eigenheiten liefert allerdings das Kampfsystem. In einer Art Hybrid zwischen den „Arkham“-Spielen und Kingdom Come Deliverance setzen wir uns regelmäßig in Schwertkämpfen gegen Feinde zur Wehr. Dabei steht es uns offen, einfache Angriffe und Verteidigungsmanöver zu nutzen. Sinnvoller ist es aber, dass wir uns an die Haltungen unserer Gegner anpassen.

Im Vorhinein eines Angriffes deuten diese nämlich die Richtung an, aus der sie zuschlagen wollen. Reagieren wir mit einem entsprechend ausgerichteten Block, schonen wir nicht nur unsere Ausdauer, sondern bekommen gleichzeitig die Chance zu verheerenden Paraden, die unsere Gegner kurzzeitig schutzlos zurücklassen. Auf die gleiche Weise können wir unsere Angriffe per Richtungseingabe beeinflussen, um die Verteidigung von Feinden zu umgehen. 

Das bedarf zweifellos etwas Eingewöhnungszeit. Schon bald fühlen wir uns aber wohl und nehmen es zeitgleich (und reichlich blutig) mit mehreren Schergen zur selben Zeit auf. Lediglich die Kamera spielt uns dabei immer wieder mal ein Streich. Droht uns die feindliche Überzahl doch mal zu übermannen, machen wir von nützlichen Tricks Gebrauch. Wir setzen etwa zum Rundumschlag an oder werfen Gegnern Dreck in die Augen. 

Als Vampir hat man es nicht leicht

Nach einem produktiven Tag bricht die Nacht an und es kommt, wie es kommen muss: Die Blutmesse endet im dramatischen Chaos. Wir sparen uns an dieser Stelle die Details und verraten nur so viel, dass „Dawnwalker“ in Sachen Präsentation durchaus die Muskeln zu spielen lassen weiß. Der verhängnisvolle Gottesdienst endet jedenfalls mit unserer Verwandlung in den titelgebenden Dawnwalker. Fortan profitieren wir bei Nacht von den Fähigkeiten eines Vampirs, während wir die Sonnenstunden des Tages weiterhin in menschlicher Form genießen – Comic-Star Blade lässt grüßen. 

Die Vampir-Komponente markiert das zweite große Alleinstellungsmerkmal neben dem Zeitmanagement und durchsetzt auf ganz ähnliche Weise sämtliche Aspekte der Spielerfahrung. Bei der Erkundung der Welt laufen wir nun mühelos an Wänden und Decken entlang, während wir in Nebelgestalt über Abgründe hinweg schnellen. Unsere übernatürlichen Kräfte kommen allerdings mit einem Haken: Als Vampir müssen wir immerzu unsere Lebensanzeige und damit unseren Hunger im Auge behalten. Der wird im Verlauf immer größer; fällt unsere Lebensleiste unter einen bestimmten Wert, verlieren wir gegebenenfalls sogar die Kontrolle über Coen. 

So kommt es dann auch. Als wir einen Freund ansprechen, verfliegen zuvor verfügbare Dialogoptionen plötzlich. Stattdessen sind wir gezwungen, zuzubeißen, um unseren Durst zu stillen. Eine heikle Situation, die wir hätten verhindern können, wenn wir zuvor bei wilden Tieren oder Feinden zugebissen hätten.

Stichwort „Feinde“: Auch im Kampf profitieren wir von unseren neu erlangten Kräften. Wir schlagen mit unseren Klauen zu, setzen zu raschen Ausweichschritten an und nutzen spezifische Vampirfähigkeiten – darunter eben das Aussaugen von Schergen. Im weiteren Spielverlauf wächst das Repertoire an Fähigkeiten; vorausgesetzt, wir investieren nicht nur die entsprechenden Fähigkeitenpunkte, sondern ebenso Zeit. 

30 Tage, 30 Nächte

Der mehrstündige Prolog endet mit der Entführung von Coens Familie durch Chef-Vampir Brencis. Ab diesem Zeitpunkt öffnet sich die Welt für unser eigentliches Abenteuer, dessen Ziel klar formuliert ist: Wir haben 30 Tage und Nächte Zeit, um unsere Familie aus den Fängen von Brencis zu befreien. Nach Aussage des Entwicklerteams sei das quasi von Tag 1 an möglich, wenngleich überbordend schwer. Stattdessen gilt es die gegebene Zeit sinnvoll zu nutzen, um möglichst gestärkt an die Tür des Vampirfürsten zu klopfen. 

Die Möglichkeiten, die sich mit dem Öffnen der Welt auftun, scheinen dem ersten Eindruck nach unheimlich vielfältig. Wir können etwa beträchtlich Zeit in den Ausbau von Coens Fähigkeiten investieren. Genauso sinnvoll kann es aber sein, Gefährten für unsere Sache zu gewinnen und die Infrastruktur des fiesen Regimes zu destabilisieren. Das bisschen Zeit, das uns noch im Rahmen der Hands-on-Session bleibt, nutzen wir, um Brencis-Anhänger Ambrus das Leben schwer zu machen – wir infiltrieren etwa diverse Lager, um seine Blutvorräte zu zerstören. Die ersten Erfolge unserer Bemühungen werden bald ersichtlich, als unser Ruf als Vampirschreck steigt. 

Für ein handfestes Urteil darüber, wie gut die Zeitmanagement-Komponente mit der offenen Welt harmoniert, reichen diese ersten Abenteuerchen kaum aus. Sehr wohl aber zeichnet sich bereits das Potenzial der grundlegenden Spielidee ab. Nach Aussage des Teams sollen wir rund 80 Prozent der Inhalte im Rahmen eines Spieldurchgangs erleben können. Dabei soll selbst die Rettung unserer Familie keine Pflicht sein. Das Spiel gehe nach den 30 Tagen weiter und wir sollen so unsere ganz individuelle Geschichte schreiben. Und darauf haben wir tatsächlich schon jetzt mächtig Lust.

Potenzial zum Genre-Juwel

Bildmaterial: The Blood of Dawnwalker, Bandai Namco, Rebel Wolves

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Besonders der handgezeichnete Look wirkt trotz der vollständig in 3D gehaltenen Modelle erstaunlich gut getroffen. Auch die in 12-24 FPS gerenderten Charaktere ließen echtes Retro-Röhrenferhseher-Feeling aufkommen.

Doch ein Trailer kann nicht alles zeigen – uns interessierte daher nicht nur das Gameplay, sondern auch das gesamte Spiel, von der grafischen Qualität, den Zwischensequenzen, der Vertonung und dem Spielgefühl. In den knapp 50 Minuten, die wir mit dem Spiel verbringen konnten, steigerte sich die Begeisterung stetig.

Herausragender Artstyle beeindruckt

Kepler Interactive veröffentlicht bevorzugt Spiele mit großartigem Artystle, Clair Obscur: Expedition 33 ist ein herausragendes Beispiel. In diesem Bereich liefert auch Orbitals ab: Wir waren erstaunt, mit wie viel Liebe zum Detail der 80er-Anime-Stil konsequent durchgezogen wird.

Nicht nur die Charaktere und Umgebungen könnten direkt aus einem Retro-Anime aus der besten Zeit der Röhrenfernseher entsprungen sein, auch die Animationen, Videos und sogar Teile des Menüs sind überzeugend und lassen phasenweise vergessen, dass man tatsächlich ein Videospiel spielt.

Das ist kein Zufall, dahinter steckt harte Arbeit: Studio Massket, bekannt für seine Animationsarbeit bei BNA, Yuru Camp, Needy Girl Overdose und einzelnen „One Piece“-Folgen unterstütze die Entwickler bei Shapefarm – und konnte angeblich selbst noch einiges lernen, denn der Animationsstil mit klassischen Animation Cels der 80er ist heute kaum noch üblich.

Auch in anderen Punkten ist Orbitals top: Das Spiel ist vollständig Deutsch vertont und engagiert dafür bekannte deutsche Synchronsprecher. Zu denen zählen Vincent Fallow (Clive Rosfield in Final Fantasy XVI) sowie Tim Knauer (Dick Grayson in Gotham Knights) oder Kai Hendrik Möller, Anja Topf und Franciska Friede.

Wirklich herausragend wurde das Spiel aber mit der japanischen Sprachausgabe, die das Anime-Gefühl perfekt einfängt. Dazu kommen noch ein toller Opening-Song und liebevoll animierte Zwischensequenzen.

Technisch überzeugte das Spiel ebenfalls, zeitgemäße Grafikeffekte verbanden sich perfekt mit dem verwaschenen, auf Retro getrimmten Look. Dazu wird das Spiel auch vollständig auf einer „Switch 2“-Cartridge erscheinen, wie man uns versicherte.

Lustiges Koop-Spiel mit interessanten Kombinationsrätseln

Spielerisch gibt es wenig zu bemängeln: Das Gameplay war geradlinig und die Missionsziele jederzeit klar, die Puzzles teilweise herausfordernd und kreativ, aber trotzdem nach kurzem Überlegen einfach zu verstehen.

Tricky sind die wechselnden Waffen, die gemeinsam in Kombination neue Effekte hervorrufen können und so manchmal einen Moment innehalten lassen für die Lösung des Rätsels. Die Laser-Waffe sorgt in Kombination mit dem Greifhaken nicht nur dafür, dass manche Tiere dem Licht folgen wie eine Katze einem Laserpointer, sondern kann auch Stahl zum Schmelzen bringen – das dann wiederum mit dem Greifhaken gebogen werden kann, um den Weg freizumachen.

Phasenweise erinnerten uns die Koop-Rätsel an Portal 2 – im besten Sinne! Auch das ist kein Zufall: Der Game Director arbeitete bereits an It Takes Two und Split Fiction.

Allgemein waren wir angetan vom Detailreichtum des Spiels: Orbitals strotzt vor kleinen Details und Interaktionen, die es lebendig wirken lassen: Tee trinken, Eimer umkicken, Haustiere streicheln oder wahlweise ärgern, Minigames spielen und vieles mehr machen die etwas lineare Umgebung interaktiv und interessant. Das Raumschiff wird im Verlauf des Spiels auch lebendiger, immer wieder finden wir neue Freunde auf den Reisen, die uns für den Rest des Spiels begleiten.

Schade: Orbitals ist rein auf Koop ausgelegt ist und besitzt keinen Singleplayer-Modus. Immerhin wird es dank GameShare möglich sein, mit einer Cartridge zwei Geräte zu nutzen, auch über das Internet – und mit einer einfachen Nintendo Switch als empfangendes Gerät.

Ein Anime zum Anfassen

Bildmaterial: Orbitals, Kepler Interactive, Shapefarm

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Mit Splatoon Raiders geht Nintendo nun aber einen Schritt weiter. Statt den Einzelspieler nur als Ergänzung mitzudenken, steht er diesmal klar im Mittelpunkt. Der neue Titel verschreibt sich fast vollständig dem Solo-Ansatz. Warum dabei aber auch Fans des Multiplayer-Modus aufmerksam werden sollten, zeigt sich schon nach den ersten Stunden.

Passend dazu hat Nintendo heute auch die bereits angekündigte Splatoon Raiders Direct ausgestrahlt und damit noch einmal ausführlicher gezeigt, wohin die Reise diesmal geht. Wir hatten allerdings schon vorab die Gelegenheit, das Spiel selbst anzuspielen und uns einen ersten Eindruck zu verschaffen.

Wie sich Raiders als vollwertiges Singleplayer-Abenteuer schlägt und warum darin vielleicht trotzdem mehr klassisches Splatoon steckt, als man zunächst denken könnte, verraten wir euch in unserer Vorschau.

Mit dem Surimi Syndicate auf Schatzsuche

In Splatoon Raiders sind wir gemeinsam mit dem Surimi Syndicate unterwegs, das viele natürlich bereits aus Splatoon 3 kennen dürften. Lange verläuft diese Reise allerdings nicht nach Plan, denn schon bald strandet unsere Gruppe auf den sogenannten Spiralit-Inseln. So unbewohnt und idyllisch, wie man vielleicht zunächst denken könnte, sind diese allerdings nicht. Stattdessen treiben sich hier ausgerechnet die Salmoniden herum, die uns ziemlich schnell an den Kragen wollen.

Der Grund für unseren Ausflug ist nämlich eine Schatzsuche. Auf den Inseln gilt es, möglichst viele wertvolle Fundstücke einzusammeln und im Grunde alles mitzunehmen, was nicht bei drei auf dem Baum ist. Ganz so entspannt, wie das zunächst klingt, wird es durch die ständige Gegenwehr der Gegner aber natürlich nicht.

Salmon Run lässt grüßen

Wer bei den Salmoniden sofort an Salmon Run denken muss, liegt natürlich richtig. Die Gegner kennen wir bereits aus dem Koop-Modus der vorherigen Teile – und auch spielerisch fühlt sich Splatoon Raiders stellenweise fast wie eine Weiterentwicklung genau dieses Konzepts an.

In den Missionen kämpfen wir uns durch mehrere Gegnerwellen, die Levels sind dabei meist eher schlauchartig aufgebaut und setzen den Fokus klar auf Gefechte und Beutezüge. Gleichzeitig suchen wir in den überschaubaren Abschnitten nach Schätzen und weiteren Belohnungen. Gerade in diesen Momenten erinnert Raiders also durchaus an eine Singleplayer-Variante von Salmon Run, nur eben mit etwas mehr Struktur und zusätzlichen Systemen.

Viele Waffen, viele Gimmicks, viel Experimentierfreude

Ganz allein sind wir auf den Spiralit-Inseln aber nicht unterwegs. Unterstützt werden wir von einem freundlichen Roboter, der von einem Mitglied des Surimi Syndicate gesteuert wird. Im Kampf greifen wir selbst auf viele bekannte Waffen aus der Reihe zurück, darunter etwa Kleckser, Blaster oder Farbrolle – also ganz klassisch Splatoon.

Spannender wird es bei den zusätzlichen Gimmicks, die wir ausrüsten können und die teilweise ein wenig an die Sekundärwaffen der Vorgänger erinnern. So konnten wir etwa einen kleinen Geschützturm platzieren, der kontinuierlich Farbe verschießt, oder eine Art kreiselnden Angriff losschicken, der fast schon an ein Beyblade erinnert und sich auf Gegner stürzt.

Generell scheint Nintendo hier großen Wert auf Vielfalt und Experimentierfreude zu legen. Laut den EntwicklerInnen soll es über 100 Waffenkombinationen geben, dazu kommen zahlreiche Gimmicks mit unterschiedlichen Effekten. Diese benötigen wiederum verschiedene Farbtanks, was im Spielablauf durchaus wichtig wird.

Manche Herausforderungen setzen sogar voraus, dass man die unterschiedlichen Tankarten gezielt einsetzt. Einfach nur eine Lieblingswaffe ausrüsten und sich durch sämtliche Gegnerhorden klecksen, funktioniert also eher nicht. Stattdessen will Splatoon Raiders, dass man sich mit seinem Arsenal wirklich auseinandersetzt.

Fokus auf Kampf statt Erkundung

Die einzelnen Missionen wählen wir über eine Oberwelt aus, bevor es in das jeweilige Level geht. In der Anspielsession wirkten diese Abschnitte noch nicht besonders weitläufig oder verwinkelt. Zwar gibt es hier und da Sammelgegenstände, wirklich gut versteckt waren diese bislang aber nicht.

Der Fokus liegt damit zumindest nach unserem ersten Eindruck klar stärker auf den Kämpfen als auf ausgiebiger Erkundung. Das muss nichts Schlechtes sein, zumal das Spiel genau dort auch seine größten Stärken ausspielt. Wer allerdings auf ein großes Abenteuer mit vielen Geheimnissen und verwinkelten Gebieten hofft, sollte seine Erwartungen vielleicht etwas anpassen.

Überraschend fordernd

Auffällig war in unserer Anspielsession auch der Schwierigkeitsgrad. Die Level, die wir ausprobieren durften, hatten es teilweise durchaus in sich. Sobald mehrere Wellen von Salmoniden gleichzeitig auf uns zustürmen, kann es schnell hektisch und stressig werden – ganz ähnlich wie eben auch im Salmon Run-Modus.

Gerade dadurch entsteht aber auch eine angenehme Spannung. Man ist ständig in Bewegung, muss die Übersicht behalten, seine Waffen sinnvoll einsetzen und gleichzeitig darauf achten, von den Gegnern nicht überrannt zu werden. Splatoon Raiders wirkt dadurch deutlich actionreicher, als man bei einem reinen Singleplayer-Ableger vielleicht zunächst erwarten würde.

Auch im Koop spielbar

Komplett allein muss man sich diesen Herausforderungen übrigens nicht stellen. Jedes Level lässt sich auch im Koop mit bis zu drei weiteren SpielerInnen bestreiten. Auch das konnten wir ausprobieren – und gerade hier entfaltet das Spiel noch einmal einen etwas anderen Reiz.

Vor allem in den sogenannten Dungeons, die wie kleine Challenge-Räume aufgebaut sind und mit Zeitlimit sowie begrenzten Leben arbeiten, kann es im Team richtig spannend werden. Diese Abschnitte wirkten in unserer Session durchaus fordernd und haben im Koop noch einmal deutlich mehr Spaß gemacht. Entsprechend dürfte Splatoon Raiders nicht nur für reine Solo-Fans interessant sein, sondern auch für alle, die Splatoon eigentlich wegen des gemeinsamen Spielens mögen.

Die große Frage nach der Langzeitmotivation

Am Ende bleibt aber natürlich noch die wichtigste Frage: Trägt der Gameplay-Loop auch über längere Zeit? Grundsätzlich gibt es durchaus Fortschrittssysteme, die motivieren sollen. Wir werden nach und nach stärker, verbessern unsere Ausrüstung und schalten neue Möglichkeiten frei. Das sorgt durchaus für einen angenehmen Flow und macht kurzfristig auch Spaß.

Ob Splatoon Raiders dieses Konzept aber wirklich über viele Stunden hinweg spannend halten kann, lässt sich nach der Anspielsession noch nicht endgültig sagen. Viel wird davon abhängen, wie abwechslungsreich die späteren Missionen, Gegnertypen und Herausforderungen ausfallen. Wer mit Salmon Run und den Story-Modi der bisherigen Teile ohnehin schon viel anfangen konnte, dürfte hier aber sehr wahrscheinlich auf seine Kosten kommen. Wer mit genau diesen Elementen bislang eher wenig anfangen konnte, wird vermutlich auch Raiders nicht plötzlich lieben.

Splatoon kann auch ohne Multiplayer

Bildmaterial: Splatoon Raiders, Nintendo

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A-E-I-O-U!

Im Zuge unserer Hands-on-Session spielten wir im Handheld-Modus einer Switch-2-Konsole. Die fünf Solo-Minispiele, auf die wir dabei Zugriff hatten, ließen ab Minute 1 keinen Zweifel aufkommen, dass uns hier ein klassisches „Rhythm Paradise“-Spiel erwartet.

Im amüsanten „Tomodachi“-Quack bekommen wir zum Einstieg die Basics jedes Minispiels erklärt und dürfen uns wahlweise auch warmgrooven, ehe es „ernst wird“. Die Mechaniken sind flott verinnerlicht, auch der neue Ableger rückt nicht von seiner „Simpel, aber anspruchsvoll“-Formel ab.

Im Minispiel „Ringe-Reihe“ folgen wir dem Rhythmus unserer quirligen Kameraden, um im richtigen Moment durch Ringe zu springen. Regelmäßige amüsante Ausrufe der fünf Vokale helfen dabei, im Takt zu bleiben. Im Verlauf variiert das Tempo, sodass wir uns immer wieder auf einen neuen Takt einlassen müssen. Hier greift definitiv eher der „Simpel“- statt „Anspruchsvoll“-Part des Serien-Grundsatzes.

So auch bei der „Schirmchen-Show“, die einem ähnlichen Prinzip folgt, zumindest aber etwas am Anspruch schraubt. Hier wollen tänzerische Regenschirme im Takt und der richtigen Abfolge geöffnet oder geschlossen werden.

Merklich anspruchsvoller wird es da schon im Minispiel „Scheibenfangen“. Hier schlüpfen wir in die Rolle eines Hundes, um im richtigen Moment die heransausenden Frisbees des Frauchens zu schnappen. Fällt es eingangs noch leicht, im Rhythmus zuzuschnappen, wirft uns das Spiel im Verlauf immer frecher Stöcke in die Speichen. Die Kamera rückt etwa vom Geschehen ab, sodass wir uns zeitweise nur noch auf unser Gehör verlassen können. Gerade diese kniffligen Situationen, in denen höchste Konzentration (oder eben Taktgefühl) gefragt ist, bereiten viel Spaß. So auch der wilde Remix-Modus, der Sequenzen aus allen Minispielen nach Zufallsprinzip aneinanderreiht.

Rhythmusspiel trifft RPG

So richtig catcht uns dann aber der Modus „Beatspell“. Als sympathischer Hybrid zwischen Rhythmusspiel und RPG aufgezogen, präsentiert sich der neue Modus deutlich komplexer als die kurzweiligen Minispiele. Hier gilt es, sich Level für Level Feinden in quasi-rundenbasierten Kämpfen zu stellen.

Ein Marker wandert im Uhrzeigersinn den Aktionstasten entlang; durch zeitige Eingabemuster wirken wir Zauber wie Feuerbälle, um Feinden zu schaden. Was simpel beginnt, wird mit jedem Level anspruchsvoller. Wir erlernen neue Zauber mit neuen Tastenfolgen (etwa Heilung), um auf die aktuelle Spielsituation zu reagieren. Dadurch gilt es immer wieder in Echtzeit den Rhythmus anzupassen. Zwischen den Levels werten wir unsere Zauber auf, um für die nächsten Herausforderungen gewappnet zu sein. Insgesamt blieben die ersten zwei verfügbaren Levels noch weitgehend simpel; der Modus sprüht aber vor spaßigem Potenzial.

Für eine abschließende Partie im Mehrspieler-Modus wechselten wir dann noch in den TV-Modus. In „Ninja Garde“ schließen wir uns zu viert zusammen, um den Shogun vor Attentätern zu schützen. Dazu gilt es anfliegende Pfeile im richtigen Moment vom Himmel zu schneiden. Regelmäßige Anpassungen des Taktes brachten uns dabei immer wieder amüsiert ins Straucheln. Im Minispiel „Pünktlich Naschen“ ist der Name ebenfalls Programm: Es gilt einen Countdown herunterzuzählen und erst möglichst genau zum Startschuss nach den leckeren Desserts zu greifen – wer dem goldenen Zeitpunkt am nächsten kommt, gewinnt. Einen Innovationspreis gibt es dafür sicher nicht, Spaß hatten wir in der Gruppe trotzdem jede Menge.

Ein paar abschließende Worte zur Technik: Rein visuell präsentiert sich der Titel mit seinem „Wario Ware“-Look gewohnt rudimentär. Auf akustischer Ebene erfreuen aber regelmäßige musikalische Einschübe, zu denen auch manch bekannte Künstler beitragen.

Rhythmischer Schabernack mit Potenzial

Bildmaterial: Rhythm Paradise Groove, Nintendo

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Aber Achtung: Wer auf eine brandneue Mission der „Star Fox“-Crew hofft, sollte seine Erwartungen zurückschrauben. Nach dem eher durchwachsenen Wii-U-Experiment Star Fox Zero, setzt Nintendo mit dem Switch-2-exklusiven und schlicht betitelten Star Fox erneut auf das bewährte N64-Fundament von Lylat Wars (bzw. Star Fox 64). Warum sich Fans trotzdem freuen dürfen, verraten wir euch in den folgenden Zeilen.

Zeitlos charmant

Die Kinder der 90er unter euch erinnern sich bestimmt noch an vergnügliche Stunden im Lylat-System. Planet um Planet galt es aus den Klauen von Chef-Fiesling Andross zu befreien – ob nun im Rahmen typischer Rail-Shooter-Level oder gelegentlicher Freiflug-Sequenzen. Daran hat sich auch mit dem jüngsten Remake nichts geändert. Im Gegenteil: Die Neuauflage bleibt so nah am 1997er Original, dass sich Fans ab der ersten Minute wie zu Hause fühlen. Das kann man nun wahlweise begrüßen oder aber auch schade finden. Immerhin markiert das neue Star Fox bereits die zweite Neuauflage von Lylat Wars nach der 3DS-Fassung von 2011.

Fest steht: Die Rail-Shooter-Action hat fast 30 Jahre nach Startschuss des Originals nichts von ihrem Charme eingebüßt. Im Rahmen unserer Hands-on-Session haben wir die ersten drei Level (inklusive diverser alternativer Routen) absolvieren dürfen.

Nach langer Dogfight-Abstinenz waren wir dabei fast ein bisschen überrascht, wie viel Freude es nach wie vor bereitet, feindliche Flieger möglichst effizient vom Himmel zu schießen. Klar, nach heutigen Maßstäben wirken die Level in Sachen Umfang und Komplexität äußerst überschaubar. Den Test der Zeit bestehen die Spielsysteme und -mechaniken trotzdem mit Bravour.

Gelungene Frischzellenkur

Diesen gelungenen Eindruck auf eine reine Zeitlosigkeit der Vorlage zurückzuführen, würde dann aber doch etwas zu weit gehen. Dass das Jahrzehnte alte Grundrezept auch heute noch so gut schmeckt, liegt maßgeblich in der tollen Technik des Remakes begründet. Star Fox steuert sich unheimlich geschmeidig und liefert eine bombenfeste Bildrate von 60 fps. Letzterer Punkt erfreut gerade vor dem Hintergrund der umfänglich aufgebohrten Optik.

Manch einer wird sich bei der Ankündigung über den ungewohnten Look der Neuauflage gewundert haben – Nintendo fokussiert sich immerhin seit jeher eher auf Stilistik statt Realismus. Von gelegentlichen Matschtexturen abgesehen, begeistert der schicke Neuanstrich aber regelmäßig mit tollen Schauwerten, einer gelungenen Lichtstimmung und detaillierten Figurenmodellen.

Letztere kommen gerade in den neuen Zwischensequenzen schön zur Geltung. Beschränkten sich die Interaktionen der Crew im Original noch weitgehend auf rudimentäre Wortwechsel, inszeniert das Remake die regelmäßigen Briefings deutlich aufwendiger.

Das lässt die charmante Truppe auf willkommene Weise über ihre Radiofunk-Auftritte hinauswachsen, wenngleich diese natürlich weiterhin den Großteil der Gruppeninteraktionen auszumachen scheinen. Hier profitiert der Titel aber von einer frischen Lokalisierung, inklusive grundsätzlich gelungener deutscher Tonspur.

Gemeinsam ins All

Was macht Star Fox aber neu? Von der generalüberholten Technik und den eben angesprochenen Zwischensequenzen abgesehen, winken diverse neue Spielmodi. Nachdem wir uns im Alleingang durch die ersten Level gekämpft hatten, versuchten wir uns etwa am neuen Koop-Modus.

Während sich hier ein Spieler um das Manövrieren des Raumschiffs kümmert, widmet sich der zweite der Offensive, indem er Feinde per Maus-Steuerung ins Visier nimmt. Das geht toll von der Hand und birgt das Potenzial, unerfahrene Spieler – wie etwa die Kids oder kleinen Geschwister – ins Abenteuer einzubinden.

Gleichermaßen spaßig gestaltet sich der kompetitive Schlacht-Modus, in dem zwei Teams mit jeweils bis zu vier Spielern gegeneinander antreten. Im Rahmen des Preview-Events entbrannte flott eine überaus unterhaltsame Schlacht, in der es nicht nur unseren Gegnern nachzujagen, sondern ebenso Basen einzunehmen und Power-ups einzusacken galt. Weitere Arenen sollen in der Vollversion dann mit jeweils angepasstem Regelwerk aufwarten. Wir sind sicher: Hier winken so manche vergnügliche Abende im Freundeskreis.

Vom Herausforderungsmodus, der bereits absolvierte Level mit neuen Missionen anreichert, konnten wir uns noch nicht überzeugen. Ebenso wenig vom neuen Prolog, der Papa McCloud in den Fokus rückt. Dafür haben wir einen ersten Blick auf die amüsanten Charakter-Avatare werfen dürfen, die unsere Gesichter in Online-Sitzungen optional mit dem Antlitz diverser Figuren aus dem Spiel schmücken. Den Controller haben wir zum Schluss nur widerwillig beiseite gelegt – wir hätten mit Vergnügen weitergespielt. Allzu lange müssen wir uns nicht gedulden: Star Fox erscheint am 25. Juni 2026 exklusiv für Switch 2.

Altbekannt, aber eben auch altbewährt

Bildmaterial: Star Fox, Nintendo

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Der Haken: So richtig daran erfreuen konnten sich hauptsächlich Rollenspiel-Fans. Vom gelungenen Strategie-Ausflug Triangle Strategy mal abgesehen, blieb der HD-2D-Stil RPG-Marken wie Octopath Traveler, Live A Live und zuletzt den diversen Dragon-Quest-Remakes vorbehalten. Wie schade!

Fand offenbar auch Square Enix und enthüllte im letzten Sommer überraschend The Adventures of Elliot: The Millennium Tales. Das Action-Adventure kehrt dem RPG-Genre (teilweise) den Rücken und erinnert stattdessen vielmehr an die 2D-Abenteuer von Link, Quintet-Meilensteine wie Terranigma und Illusion of Time oder auch diverse „Mana“-Spiele.

Das dürftet ihr aber bereits selbst festgestellt haben. Immerhin wurde die Ankündigung des Titels von einer (Switch-2-exklusiven) Demo begleitet. Nun sind wir der Einladung von Square Enix gefolgt, um zwei weitere Stunden an der Seite von Abenteurer Elliot und seiner magischen Begleitung Faie zu verbringen. So viel vorweg: The Adventures of Elliot legt vielleicht nicht die Genre-Messlatte höher, dürfte aber gerade Fans von Action-Adventures der 90er Jahre überaus glücklich stimmen.

Mit Liebesgrüßen aus Hyrule

Mit der Geschichte von „Elliot“ befassen wir uns in dieser Anspielrunde allenfalls am Rande. Stattdessen wirft man uns gleich ins Geschehen – ein Dungeon will erkundet werden. Der wartet mit genretypischen Herausforderungen auf: Wir vermöbeln Schergen mit einem üppigen Satz an Kriegswerkzeugen und lösen Umgebungsrätsel, um die Innereien des Verlieses zu erschließen.

Genre-Fans wissen gleich, was zu tun ist, wenn nicht nur ein wirrer Lichtstrahl, sondern ebenso bewegliche Spiegel den Raum schmücken. Ein bisschen an Letzteren geschoben und gerüttelt, lotsen wir den Strahl an sein Ziel und legen so neue Pfade frei. Je tiefer wir vordringen, desto verzwickter werden die Kopfnüsse. Wirklich ins Rauchen kommen die grauen Zellen dabei aber nie. Ob die Rätsel im weiteren Spielverlauf komplexer werden? Das bleibt abzuwarten.

Wir fühlen uns jedenfalls einmal mehr wohlig an eingangs genannte Titel erinnert. Auch dann, als wir den Boden mit kriegerhaften Gockeln, gepanzerten Krabben und wilden Schnecken aufwischen. Verließen wir uns in der Demo noch auf die klassische Schwert-Schild-Kombo, eine praktische Kettensichel, Bogen und Bomben, stehen uns diesmal auch die restlichen Waffentypen zur Verfügung.

Wir wehren uns also mit Lanze, Hammer oder auch dem Bumerang und achten darauf, dass die Siegesserie schön in die Höhe klettert. Dabei helfen auch Anpassungen an der Spielbalance: Man versichert uns etwa, dass an der Laufgeschwindigkeit des Protagonisten geschraubt wurde. Auch diverse Quality-of-Life-Maßnahmen seien seit dem Fan-Feedback zur Demo erfolgt. Die Menüs bleiben weiterhin etwas fummelig, arg daran gestört haben wir uns aber kaum.

Besonders komplex fallen die Keilereien übrigens nicht aus. Wir weichen den immergleichen Angriffen unserer ulkigen Schergen aus und langen selbst ohne großes Spektakel zu. Wer hier auf raffinierte Kombo-Eingaben und zeitige Paraden hofft, ist an der falschen Adresse. Auch hier liefern die 2D-Abenteuer von Nintendos zipfelmützigem Helden den passenderen Vergleich.

Eine Welt, viele Zeiten

Im Bosskampf gegen ein fieses Blechdosen-Duo bedarf es dann aber doch konzentrierter Eingaben. Greift der eine Roboter zum Schwert, macht uns sein stählerner Partner das Leben aus der Ferne schwer, indem er uns mit Pfeilen bearbeitet. Wir nutzen die kurzen Zeitfenster, um zuzuschlagen und schmettern vor allem dann die Angriffstasten, als unsere Feinde ins Taumeln geraten. Verheerenden Angriffen entgehen wir mittels praktischem Sprint-Zauber unserer feenhaften Begleitung. Unser Sieg wird mit ordentlich Ressourcen und einem Ausweg ins Freie belohnt.

Ein Blick ins Menü enthüllt hier eine (vermutlich vorerst) überschaubare Oberkarte, aber auch zahlreiche bereits aufgedeckte Punkte, mit denen im Vorhinein vermutlich manch kleines Abenteuer einherging. Von Schreinen, die Partnerin Faie (und damit uns) mit neuen Fähigkeiten belohnen, über Dörfer, in denen wir uns mit neuer Ausrüstung eindecken, bis zu optionalen Grotten, die mit Schätzen locken – „Elliot“ verspricht diverse Möglichkeiten zum Zeitvertreib abseits der Hauptgeschichte.

Darüber hinaus winkt das titelgebende Element der Zeitreisen. In der Vollversion werdet ihr diverse Epochen bereisen, von denen in der Preview-Fassung zwei bereitstanden. Zwischen der „Zeit der Obhut“ und jener des „Wiederaufbaus“ konnten wir auf Anhieb nur marginale Unterschiede feststellen. Allerdings waren wir im Rahmen der limitierten Zeit auch auf das große Ganze und weniger auf Details fokussiert. Sicherlich dürften mit den „Millennium Tales“ so manche spielerische wie erzählerische Kniffe einhergehen.

Viel zu entdecken

Ohne klar abgestecktes Ziel nutzen wir unsere Zeit in Philabieldia, um möglichst viel zu sehen. Wir kämpfen uns gleichermaßen durch staubige Wüsten und frostige Berggipfel, wandern durch sumpfige Moore und über blumige Wiesen. Der HD-2D-Look ist sicher nicht jedermanns Sache, wir sind aber einmal mehr überaus angetan von der hübschen Optik.

Bei unseren Erkundungen haben wir immer wieder die Möglichkeit mit der Umgebung zu interagieren. Wir donnern übergroße Nägel mit einem satten Hammerschlag in den Boden, um den Weg freizumachen. Vielleicht legen wir aber auch verborgene Höhlen frei, indem wir brüchige Wände aufsprengen. Hier winkt dann noch ein kleines Rätsel, dort eine schüchterne Geschicklichkeitseinlage. Und wenn wir im nahegelegenen Dorf Rast machen, greifen wir auch gleich noch manch Hilfesuchendem mit seinen Problemchen unter die Arme.

Wir bleiben noch ein bisschen länger im Dorf, feilen an unserer Ausrüstung und schleifen an den vielseitigen Maginit-Klunkern. Die üppige Auswahl an Edelsteinen verleiht uns die unterschiedlichsten Status-Boni und Fähigkeiten und bietet so viel Raum für Individualisierung und Optimierung. Gefallen uns Steine nicht, verarbeiten wir sie zu Ressourcen, die in die Produktion von neuem Maginit fließen. Hier lässt „Elliot“ dann also doch noch etwas RPG-Romantik aufkommen.

Wie ein vergessenes Genre-Juwel der SNES-Ära

Bildmaterial: The Adventures of Elliot: The Millennium Tales, Square Enix, Claytech Works

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Jetzt gibt es von HoYoverse in seinem neuen Cozy-Game Petit Planet gleich einen ganzen Planeten, den ich nach meinen eigenen Wünschen gestalten kann. Auch meine tierischen Nachbarn sind alle erstaunlich freundlich und erschaffen eine seltene Wohlfühlatmosphäre in der actionreichen und kampflastigen Gaming-Szene. Was will man mehr?

Dabei bin ich zugegebenermaßen etwas voreingenommen in den Test gegangen. Noch ein Cozy-Game? Davon gibt es doch bereits genug. Wie will man denn Heartopia und Animal Crossing noch toppen? Und: Kann HoYoverse nach den erfolgreichen Gacha-Action-RPGs der Sprung zu einem Free-to-play-Cozy-Game überhaupt gelingen? Petit Planet hat es dennoch geschafft, mich bereits in wenigen Stunden trotz aller Zweifel abzuholen.

Das Spiel setzt dabei auf Stärken, die man von HoYoverse kennt. Nach wenigen Minuten im Spiel entsteht eine gewisse Magie mit seinen liebevollen Zwischensequenzen, der stimmigen und beruhigenden Farbpalette und Musik, überzeugender Charakter-Vertonung und niedlichen Charakteren, die man am liebsten knuddeln würde.

Noch ist bei weitem nicht alles perfekt im „Stardrift Test“, auf dem diese Preview basiert. Insbesondere technisch gab es auf dem PC noch einige grobe Fehler – der schmerzhafteste war der kaputte Controller-Support, also WASD-te ich mich inklusive Touchpad durch die verschiedensten Bereiche des Spiels.

„Das kenne ich doch irgendwoher …“

Die grundsätzliche Ausrichtung von Petit Planet ist durchaus interessant und zeigt ihre Stärken vor allem dort, wo Nintendos Cozy-Game seine Schwächen hat. Ein direkter Vergleich mit dem wahrscheinlich größten Genrevertreter ist nicht ideal, aber HoYoverse drängt ihn förmlich auf.

Viele Kern-Gameplay-Mechaniken überschneiden sich deutlich: Die Ressourcen-Suche in der Umgebung wirkt vertraut, ebenso der Ausbau von Häusern, Läden und dem Museum. Hinzu kommen bekannte Elemente wie Crafting, das Umgestalten der Welt, das Einrichten des eigenen Zuhauses sowie das Zubereiten von Speisen und Getränken zur Steigerung der Ausdauer.

Auch die von freundlichen, leicht verpeilten Tieren bewohnte Umgebung weckt klare Assoziationen. Die größten Unterschiede? Es gibt keine Dinosaurierknochen und bei Nintendo war es eine Insel statt eines Planeten. Aber war die Umgebung nicht auch irgendwo „rund“?

Erst einmal Tee trinken

Petit Planet startet seine Reise in die neue Umgebung dabei deutlich anders und entspannter. Nachdem wir in einer Zwischensequenz in einem fliegenden Auto durch das Planetenmeer zum neuen Zuhause geflogen werden, nimmt mich ein Begrüßungskomitee unter Leitung des hibbeligen Häschens Elsasani und des äußerst gemütlichen Hundes Mobai in Empfang.

Und dann? Erst mal nicht viel. Kein Zelt aufstellen, kein Holz sammeln, kein Tanuki, der einen Kredit abbezahlt haben möchte, sondern einfach nur einen Baum schütteln und aus den heruntergefallenen Früchten einen frischen Früchtetee für alle Planetenbewohner zubereiten.

Diese Einfachheit zieht sich wie ein roter Faden durch das gesamte Gameplay. Im Fokus steht vor allem das Miteinander und die Harmonie, sowohl auf dem eigenen Planeten als auch in den späteren Online-Gemeinschaftsbereichen des Spiels. Hauptziel ist es, den magischen Baum „Luca Arbor“ zu nähren und so auf dem Planeten immer mehr Möglichkeiten freizuschalten.

Am Anfang ist seine Kraft begrenzt und ihr könnt nur einen kleinen Teil des Planeten erkunden. Durch Gefälligkeitsdienste und den Ausbau des Planeten bekommt ihr von euren Nachbarn die Essenz „Luca“, mit der der Luca Arbor gedüngt wird. Auf diese Weise werden größere Bereiche zugänglich, Insekten und Fische besiedeln den Planeten, die Erde wird fruchtbar und bald darauf ziehen auch neue Einwohner zu, die zum Teil etwas ängstlich sind, aber mit der Zeit zutraulicher werden.

Fokus auf gemeinsame Gemütlichkeit und Zusammenhalt

Dabei hilft stark, dass wichtige Sequenzen im Spiel vertont sind, also die Tiere auch wirklich sprechen. So wachsen sie einem mit der Zeit richtig ans Herz und man möchte eine gute Beziehung zu ihnen aufbauen. Während ich in Animal Crossing beschäftigt bin, Obstplantagen für das eigene Konto anzulegen, mache ich in Petit Planet lieber einen Früchtetee und schenke ihn den anderen Bewohnern. Das Luca ist schließlich wichtiger als ein paar Münzen, die ich im neu gebauten Laden gegen eine Leggings oder ein Dinokostüm eintauschen kann.

Auch bei der Einrichtung der Nachbarhäuser helfe ich aus, indem ich die Möbelstücke einfach crafte. Natürlich darf auch die Einrichtung der eigenen vier Wände nicht fehlen. Am besten ist es, wenn man die Wohnung mit vielen ähnlichen Möbelstücken einer Kollektion einrichtet, denn so gibt es eine gute Stil-Bewertung.

Cozy mit einem Hauch von Red Dot Fatigue

Natürlich kommen mit einem wachsenden Planeten auch zunehmende Anforderungen, und hier wird es schnell mal etwas unübersichtlicher. Denn während andere Spiele den Bildschirm frei halten, sodass der Kopf abschalten und sich auf eine Hauptaufgabe konzentrieren kann, macht HoYoverse das, was es seit vielen Jahren erfolgreich perfektioniert hat: Micro-Rewards, die mit roten Punkten an den Rändern des Bildschirms angedeutet werden.

Auch aktive Haupt- und Nebenquests werden ständig auf dem Hauptbildschirm angezeigt, sodass man dazu tendiert, eher den Aufgaben und Belohnungen nachzujagen, statt es gemütlich angehen zu lassen, abzuschalten und vielleicht sogar kreativ zu werden.

Der Ansatz passt zwar in die heutige schnelle Zeit, in der alles ständig verfügbar ist, aber die gemütliche Spielausrichtung wird dadurch etwas verwässert. Unklar ist bislang auch die Monetarisierung. Das „Free to play“-Modell wurde bestätigt und es liegt nahe, dass das Spiel mit kosmetischen Items finanziert wird. Erste Events finden bereits statt, daher sind auch die typischen Zeit-limitierten Elemente absehbar. Gacha-Elemente sind noch nicht implementiert, jedoch ist es möglich, dass diese in der Vollversion enthalten sein werden.

HoYo does what Nintendon’t

Der Fokus auf mobile und free-to-play muss aber nicht unbedingt negativ zu sehen sein. Dadurch, dass HoYoverse trotz seiner Größe noch ein vergleichsweise junges Unternehmen mit einer tendenziell jüngeren Zielgruppe ist, traut man sich auch Dinge, die sich manche „Dinosaurier“ der Branche nicht zutrauen.

So freute es mich zu sehen, dass Petit Planet neben dem abgeschotteten eigenen Planeten, an dem hier und da mal andere Nachbarplaneten vorbeifliegen und zum gegenseitigen Besuch einladen, auch einen Online-Gemeinschaftsbereich hat.

In diesem gibt es zahlreiche Tätigkeiten und Minispiele, von einem gemütlichen Abstecher in eine Bar bis zur gemeinsamen Geschichtsrate-Runde, Wortspielen am Lagerfeuer, einem gemeinsamen Rhythmus-Minispiel oder dem Versuch, um ein gewöhnliches Objekt eine kreative Geschichte zu erzählen, um so einen möglichst hohen Verkaufspreis zu erzielen. „Also, diese Tomate wurde auf magischem Boden großgezogen, nach einem geheimen, seit Generationen geheim gehaltenen Plan, der sie zu etwas ganz Besonderem macht …“

Ungewohnt ist auch eine relativ freie Chatfunktion, die Nintendo sich aus Jugendschutzgründen nicht zutraut. Aber auch erste KI-Funktionen sind in Petit Planet vorhanden, von einem KI-Chatbot, der euch passende Antworten aus der integrierten Spielhilfe zusammensucht, bis hin zu einzelnen Charakteren, die tatsächlich per KI auf eure Eingaben reagieren. Dabei gab es erst vor kurzem einen KI-Panda, der auf Social Media viral ging – aus den falschen Gründen. Hoffentlich bekommt HoYoverse seine KI ausreichend begrenzt, sodass nichts Ähnliches in Petit Planet passiert.

Ein neuer Genre-Star in der Umlaufbahn?

Bildmaterial: Petit Planet, Hoyoverse

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Aber auch Square Enix sorgte Anfang des Jahres bereits für hochgezogene Augenbrauen: Der Startschuss für die groß angelegte Remake-Trilogie von Final Fantasy VII ist auch auf Switch 2 bestens aufgehoben. In unserem Test kassierte der Titel entsprechend dickes Lob – „ein Meilenstein, jetzt auch für unterwegs“, so unser Fazit. 

Weite Welt statt enge Straßen – problematisch?

Wer A sagt, muss auch B sagen. Folgerichtig dürfen sich Switch-2-Besitzer auch auf die baldige Fortsetzung von Clouds Abenteuer freuen – am 3. Juni findet nach „Remake“ auch „Rebirth“ seinen Weg auf die Hybridkonsole. Wir haben schon vorab ein wenig reinspielen dürfen und sind guter Dinge, dass die Fortsetzung an die technische Finesse des Erstlings anknüpfen kann.

Das ist keine Selbstverständlichkeit. Immerhin tauscht „Rebirth“ die streng abgesteckten Gassen von Midgar gegen die Weiten der Welt aus, die ihr in bester Open-World-Manier bereist. Klingt nach dem besten Rezept, um die junge Nintendo-Konsole in die Knie zu zwingen. In unserer Anspielrunde waren wir aber begeistert, wie rund unsere Erkundungen von Kalm und seinem Umland liefen. 

Sicher, die grafische Pracht der Konkurrenz-Plattformen dürft ihr nicht erwarten. Die Switch-2-Fassung kommt mit einer deutlich weicheren Auflösung daher, schraubt den Detailgrad hier und da merklich herunter und bietet lediglich 30 anstelle von 60 Bildern pro Sekunde.

Letztere blieben im Rahmen der Anspielrunde aber erfreulich stabil, größere Einbrüche konnten wir keine feststellen. Ebenso angetan waren wir von der komplexen Nutzung des Rumble-Features der Joy-Con 2. Wichtig: Das Hands-on war lediglich im Handheld-Modus möglich. Gut möglich, dass „Rebirth“ im TV-Modus nochmal positiv an der Auflösung und weiteren Aspekten schraubt. 

Spielerisch bleibt alles beim Alten – wie schon die Switch-2-Ausgabe von „Remake“ ergänzt „Rebirth“ aber praktische Game-Boost-Funktionen. Diese machen kleinteilige Anpassungen der Spielerfahrung möglich: Ihr wollt keinen Schaden nehmen? Kein Problem. Jeder Hieb verursacht maximalen Schaden? Auch kein Ding. Der Geldbeutel ist leer? Mit einem Knopfdruck wieder aufgefüllt. Die Funktionen sind kein Muss, gerade für Story-Liebhaber und Nachwuchs-Fans ohne große Spielerfahrung aber eine begrüßenswerte Ergänzung.

Eine vollumfängliche Einschätzung der Switch-2-Technik dürft ihr mit unserem Test der Vollversion erwarten. Lange gedulden müsst ihr euch nicht. Final Fantasy VII Rebirth erscheint am 3. Juni 2026 für Nintendo Switch 2.

Bildmaterial: Final Fantasy VII Rebirth, Square Enix

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Neben Yoshi’s Crafted World blieben nämlich auch die Vorgänger wie Yoshi’s Story, Yoshi’s Cookie, Yoshi’s Island und Yoshi’s Woolly World bei ihren englischen Titeln. Während Kirby also den Power-Malpinsel schwingt, das magische Garn spinnt und das vergessene Land erkundet, blieb Yoshi stets der Englishman. Spannend, oder?

Das hatte den Autor tatsächlich beschäftigt und deshalb wollte ich euch diese Erkenntnis nicht vorenthalten. Doch nun zum eigentlichen Anlass dieses Textes. Ich konnte Yoshi and the Mysterious Book nämlich anspielen und möchte euch nachfolgend meine Eindrücke schildern!

Enzo besucht die Yoshi-Insel

Zunächst zum geschichtlichen Rahmen – und da verrate ich keine Geheimnisse, diese Details sind bereits bekannt. Ein Buch fällt vom Himmel auf die Yoshi-Insel und es hat nicht nur einen Namen, sondern kann auch sprechen. Die Yoshis sind neugierig und lernen Enzo (richtiger Schenkelklopfer) kennen, dessen Buchseiten dummerweise verblasst sind. Gemeinsam sollen sie wieder mit Leben gefüllt werden.

Denn sie wurden einst bevölkert von lebhaften Einträgen zu allerlei kuriosen Kreaturen – und die Yoshis wollen mehr wissen. Wir tauchen also in diese Seiten ein und lernen diese Lebewesen nach und nach kennen. Faustregel zu Beginn: ein Lebewesen, eine Fähigkeit, ein Level.

Kreaturen und ihre Habitate

Ganz klassisch geht’s los: Yoshi kann springen, stampfen, flattern, ausufernd seine Zunge zum Einsatz bringen und andere Kreaturen huckepack nehmen – oder sich selbst huckepack nehmen lassen. So springen wir durch die Level, deren Aufbau anfangs oft erfrischend wenig linear ist. Das weckt den Erkundungsdrang.

Nun gilt es, mehr über die Kreaturen herauszufinden. Wie schmecken sie, wie verhalten sie sich, wie reagieren sie auf bestimmte Dinge? Enzo hält alle Erkenntnisse fest und am Ende des Levels gibt es für jede Entdeckung ein Sternchen. Die werden im weiteren Verlauf für den Spielfortschritt notwendig. Dazu gibt’s einen Eintrag ins private Lore-Kompendium: So viel wie in diesem Spiel konnten wir wahrscheinlich noch nie über Shy Guy erfahren.

Die Kreaturen prägen jeweils das spielerische Bild der Habitate – so heißen die Level. Ein Blümchen lässt andere Blumen im Habitat erblühen. Ein komisches, Frosch-ähnliches Wesen spuckt beständig Blubberblasen, mit denen wir das Level in der Vertikalen erkunden. Pusteblumen legen sich wie Schnee über andere Wesen und Gegenstände. Das Interagieren mit den Kreaturen öffnet dabei oft neue Pfade und Möglichkeiten.

Ein anderes Tierchen versteckt sich in einer Wassermelone. Schlucken wir es, schlucken wir auch dessen Kerne, die wir anschließend in einer wahren Salve wieder ausspucken können. Dass sich im Level entsprechende Anwendungsmöglichkeiten finden, dürfte klar sein.

Die Wesen in der ersten Welt waren hier schon ziemlich abwechslungsreich und wirkten mit ihren Eigenheiten mal mehr, mal weniger intensiv in ihre Habitate hinein. Dass ein Nintendo-Spiel sein Pulver schon in der ersten Welt verschießt, ist nicht zu erwarten. Insofern bin ich schon sehr gespannt, welche Überraschungen die weiteren Welten hier zu bieten haben.

Es deutet sich allerdings auch an: Der Fokus auf die Kreaturen, ihre Fähigkeiten und deren Entdeckung geht zu Lasten des Leveldesigns, auf dem erkennbar weniger das Augenmerk lag. Sprungpassagen, die sich wie von Zauberhand in die Level einfügen oder ein Wunderblumen-Moment dürft ihr nicht erwarten. Aber es ist eben auch kein Super Mario, sondern ein Yoshi-Spiel.

Nach einem weiteren kurzen Testlauf in einer später im Spiel angesiedelten Welt wird deutlich, dass der Schwierigkeitsgrad zwar leicht zunimmt und die Abschlussbedingungen für einzelne Level etwas mehr abverlangen, aber es erwartungsgemäß insgesamt leicht bleibt.

Stressfrei ist das neue Yoshi-Abenteuer jederzeit. Dazu trägt auch bei, dass Yoshi im Prinzip nichts passieren kann – und das ist auch voll in Ordnung und passt ins Spiel. Schließlich wollen wir uns auf die Erkundung und Experimente konzentrieren, nicht auf Lebenspunkte.

Typisch fürs Genre: Nach dem ersten Durchlauf hat man selten alles entdeckt, das gilt sowohl für die buchstäblichen Entdeckungen an und um die Wesen, als auch für die sammelbaren Blumen. Spannend: In der ersten Welt ergab es sich, dass sich ein bereits erkundeter Eintrag auf Enzos Seiten nachträglich änderte. Das dürfte sicherlich der Wiederspielbarkeit einzelner Level zuträglich sein und erleichtert die Entscheidung, ein bereits gespieltes Level erneut zu betreten.

Ein erfrischend neuer Spin für die Yoshi-Serie

Bildmaterial: Yoshi and the Mysterious Book, Nintendo

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Nun bekommen Fans endlich einen Nachfolger, auf den viele bereits seit Jahren warten. Streng genommen handelt es sich dabei allerdings nicht um den zweiten Teil der Reihe, wie man zunächst vermuten könnte. Bereits 2009 erschien mit Tomodachi Collection ein erster Ableger auf dem Nintendo DS – allerdings ausschließlich in Japan. Erst mit Tomodachi Life schaffte es die Reihe auch in den Westen und konnte dort eine überraschend große Fangemeinde aufbauen.

Wir hatten nun die Gelegenheit, den neuen Teil bereits ausführlich anzuspielen und uns einen ersten Eindruck zu verschaffen. Dabei stellt sich natürlich die Frage: Kann der neue Ableger die Erwartungen erfüllen, die sich über die vielen Jahre aufgebaut haben?

Dabei ist Tomodachi Life selbst gar nicht so leicht in Worte zu fassen. Bis heute gehört die Reihe zu den wohl ungewöhnlichsten und eigenwilligsten Spielereihen aus dem Hause Nintendo.

Für viele Fans steht sie zudem für ein bestimmtes Gefühl: Eine Zeit, in der Nintendo noch experimentierfreudiger, verspielter und vielleicht auch ein Stück weit sympathischer wirkte. Ein Blick auf die legendäre Nintendo-Direct-Präsentation zum 3DS-Teil genügt, um zu verstehen, welchen besonderen Charme die Reihe besitzt.

Doch passt dieses Konzept auch noch in die heutige Zeit? Und kann der neue Teil den einzigartigen Mix aus Humor, Simulation und absurden Momenten erneut erfolgreich aufleben lassen?

Willkommen auf der Insel der Miis

Eigentlich könnte ich an dieser Stelle auch direkt aus unserem Test zu Pokémon Pokopia zitieren: Wir starten auf einer zunächst noch sehr leeren Insel unser kleines „Abenteuer“. Diese Insel wird allerdings nicht von Pokémon bevölkert, sondern von Miis. Die kleinen Figuren, die auf der Switch zuletzt etwas in Vergessenheit geraten sind, bekommen hier wieder ihren großen Auftritt und sind das Herzstück des Spiels.

Bevor es richtig losgeht, erstellen wir zunächst unseren ersten BewohnerIn. Hier hat man einige Möglichkeiten, sich kreativ auszutoben. Natürlich immer unter der Berücksichtigung, dass es sich nach wie vor um den bekannten Mii-Maker handelt, der bereits auf der Nintendo Wii zum Einsatz kam. Dennoch gibt es inzwischen einige neue Funktionen und Anpassungsmöglichkeiten. Man kann sich selbst erstellen, Freunde, Familie, Bekannte, Prominente oder auch komplett fiktive Charaktere.

Was allerdings nicht mehr möglich ist, ist das Importieren von Mii-Designs aus externen Quellen. Das ist etwas schade, denn nicht jeder hat die Zeit oder das Talent, seine Lieblingsfigur im Detail nachzubauen. Der Import aus lokalen Quellen funktioniert hingegen weiterhin.

Nintendo nimmt einen bei der Erstellung neuer Miis aber auch stärker an die Hand. Über eine neue Funktion kann man sich mithilfe verschiedener Fragen automatisch einen Mii generieren lassen. Anschließend erhält man mehrere Varianten zur Auswahl und kann natürlich weiterhin selbst Anpassungen vornehmen.

Das spart zwar Zeit, allerdings schwanken die Ergebnisse teilweise deutlich. Wer eine sehr konkrete Vorstellung im Kopf hat, wird diese meist trotzdem selbst umsetzen müssen.

Eine weitere Neuerung betrifft die Beziehungen zwischen den Bewohnern. Nun sind auch gleichgeschlechtliche Partnerschaften möglich. Beim 3DS-Teil wurde Nintendo genau für diesen Punkt damals noch kritisiert. Man entschuldigte sich später und versprach Besserung – ein Versprechen, das jetzt endlich eingelöst wird.

Alltag auf der Insel: Essen, shoppen und Drama

Mit zunehmender Zahl an Mii-Bewohnern eröffnen sich außerdem neue Möglichkeiten auf der Insel. So entstehen nach und nach neue Gebäude wie ein Supermarkt, in dem wir Lebensmittel kaufen können, eine Boutique für Kleidung oder ein Einrichtungsgeschäft, das Möbel und Dekoration anbietet.

Allgegenwärtig ist natürlich auch wieder die typische Tomodachi-Sprachausgabe, die inzwischen fast schon Kultstatus erreicht hat. Sie klingt stellenweise etwas gewöhnungsbedürftig, versprüht aber gleichzeitig einen ganz eigenen Charme.

Eine klassische Handlung gibt es dabei nicht wirklich. Das Ziel besteht vielmehr darin, die eigene Insel wachsen und gedeihen zu lassen. Wir kümmern uns um die kleinen und größeren Probleme unserer Miis, sorgen dafür, dass sie eine gute Zeit haben, neue Freundschaften schließen oder sich sogar näherkommen. Sie wollen gefüttert werden, wünschen sich neue Kleidung oder eine neue Einrichtung für ihre Wohnung oder möchten andere Bewohner kennenlernen.

Skurrile Momente garantiert

Die Zeit läuft dabei in Echtzeit ab. Wir betrachten unsere Insel aus der Vogelperspektive und beobachten, was gerade passiert. Gegebenenfalls greifen wir ein und sorgen für neue Begegnungen oder lösen kleinere Probleme.

Besondere Highlights sind dabei die teilweise extrem absurden Situationen, in denen sich die Miis wiederfinden. Viele dieser Momente sind so seltsam und unerwartet, dass man unweigerlich schmunzeln muss oder sich fragt, was man da gerade eigentlich gesehen hat.

Gerade diese Mischung aus Weirdness und Skurrilität fängt den Charme der Vorgänger perfekt ein – Stichwort: die berüchtigten Träume. Das Spiel nimmt sich glücklicherweise nie zu ernst und liefert immer wieder humorvolle Situationen und Dialoge, die zumindest ein breites Grinsen, manchmal sogar ein lautes Lachen hervorrufen.

Mit wachsendem Fortschritt erweitert sich auch die Insel immer weiter. Neue Möglichkeiten zum Gestalten werden freigeschaltet und unsere Miis erhalten mehr Persönlichkeit. Die entscheidende Frage ist allerdings, ob das Konzept auch langfristig motivieren kann. Das lässt sich nach einigen Stunden Spielzeit noch nicht endgültig beantworten. Wie schon bei den Vorgängern wird es vermutlich wieder Spieler geben, die hunderte Stunden investieren – man muss nur wissen, worauf man sich hier einlässt.

Technisch alles beim Alten

Tomodachi Life: Wo Träume wahr werden erscheint sowohl für die Nintendo Switch als auch für die Nintendo Switch 2. Eine speziell ausgewiesene Version für die neue Konsole gibt es derzeit allerdings noch nicht. Beide Fassungen scheinen daher weitgehend identisch zu sein.

Unsere Eindrücke stammen aus der Version, die wir auf der Nintendo Switch 2 gespielt haben. Technisch macht das Spiel dabei einen soliden Eindruck. Die Optik ist stimmig und passt gut zum charmanten, leicht verspielten Stil der Reihe.

Die Bildrate bleibt zwar durchgehend stabil, ist jedoch auf 30 Bilder pro Sekunde begrenzt. Gerade auf der leistungsstärkeren Switch 2 ist das etwas schade, denn hier wäre sicherlich noch etwas mehr möglich gewesen. Wirklich störend ist es zwar nicht, ein so statisches Spiel wie Tomodachi Life lässt sich auch so sehr gut spielen.

Erster Eindruck: Charmant, skurril und typisch Tomodachi

Bildmaterial: Tomodachi Life: Wo Träume wahr werden, Nintendo

Der Beitrag Angespielt! Das neue „Tomodachi Life“ wird die erhoffte Rückkehr von Nintendos skurrilster Simulation erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Wir haben den Titel bereits mehrfach anspielen können und auch ihr werdet mittlerweile sicher die eine oder andere Bestzeit im Rahmen der Sketchbook-Demo hingelegt haben. Bevor im nächsten Monat die Vollversion aufschlägt, sind wir trotzdem einer weiteren Einladung gefolgt.

Zwei weitere Stunden konnten wir mit dem potenziellen Hit verbringen und einen frischen Blick auf neue Kulissen, Feinde und Waffen werfen. Winkt hier nach Resident Evil Requiem und Monster Hunter Stories 3 der nächste Volltreffer? Wir sind da jedenfalls guter Dinge.

Allein in New York

Dass das Abenteuer unseres sympathischen Protagonisten-Duos über die engen, klinischen Gänge der Sketchbook-Demo hinausgeht, bewiesen in der Vergangenheit bereits diverse Trailer. Im Rahmen der jüngsten Hands-on-Session konnten wir uns dann auch im Detail davon überzeugen. Diesmal geht es für Hugh und Diana nach New York.

Naja, nicht ganz – die weltbekannte Kulisse des Times Square steht allerdings Modell für eine großflächige Simulation, die als Spielplatz für unsere Mission herhält. Die verquere Sci-Fi-Version des Big Apple ist ein echter Augenschmaus, viel Zeit zum Staunen bleibt aber nicht. Als uns eine turmhohe Blockade den Weg versperrt, gilt es diverse Sender in der Umgebung zu entschärfen – nur so können wir unsere Reise fortsetzen.

Wir wählen also nach Belieben einen der relativ deutlich angelegten Pfade und scannen die Umgebung, sollten wir den roten Faden mal aus den Augen verlieren. Die Gefahr, sich ernsthaft zu verirren, ist aber gering: Während die Times-Square-Kulisse den Eindruck großer Weitläufigkeit erweckt, bewegen wir uns doch die meiste Zeit durch abgesteckte Bereiche, die aber durchaus hier und da Raum für kleine Erkundungen lassen.

Im weiteren Verlauf schalten wir dann sogar eine Fähigkeit frei, um zuvor versperrte Wege freizulegen. PRAGMATA turtelt hier also gewissermaßen mit dem Metroidvania-Genre. Ob es bei solch schüchternen Berührungen bleibt oder der Titel besagten Genre-Einfluss im Spielverlauf weiter ausprägt, wird die Vollversion zeigen müssen.

Im Mittelpunkt steht jedenfalls klar die Action und folgerichtig ist unser Weg auch zuverlässig von feindlichen Robotern gepflastert. Erfreulicherweise bittet dabei auch manch neuer Scherge zum Tanz. Während uns die schlurfenden Blechdosen aus der Demo kaum noch ein müdes Lächeln abringen, wissen hochgewachsene Roboter Marke „Attack on Titan“ mit ihren grotesken Bewegungen sehr wohl, unseren Puls in die Höhe zu treiben.

Auch, weil mit ihnen spaßige, neue Variationen von Dianas Hacking einhergehen. Haben wir einen solchen Quasi-Titanen zur Genüge bearbeitet, schützt er sich vor weiteren Hacking-Versuchen. Dann gilt es, die roten Ziele in seinem Gesicht zu beseitigen, um Hacks wieder möglich zu machen.

Elektrisierender Stress

An anderer Stelle weichen wir aggressiven Kreissägen-Automaten mit einem zeitig abgestimmten Schub aus. Und profitieren – bei Installation eines entsprechenden Upgrades – von einer kurzen Zeitlupe, in der wir den Feind bestrafen. Dann sind da noch Drohnen, deren zielsuchende Raketen flott gehackt und so zu ihrem Absender zurückgeschickt werden wollen. Für sich genommen sind sämtliche Roboter gut zu handlen. Spannend wird es jedoch, wenn wir es mit bunten Feindesgruppen zu tun bekommen. 

Bitten unterschiedliche Gegnertypen in Echtzeit um individuelle Herangehensweisen bei ihrer Bekämpfung, sorgt das im besten Sinne für elektrisierenden Stress. Flinkes Taktieren und noch flinkere Reaktionen werden in diesen Situationen zur Voraussetzung, um heil davonzukommen. Wie gut also, dass uns diverse neue Werkzeuge an die Hand gegeben werden, um am längeren Hebel zu bleiben. Da wären etwa Multihack-Dioden, die unsere Hacks auf nahe gelegene Feinde weiterspringen lassen.

Greifen wir dann noch zum Stase-Netz, um die Truppe festzusetzen, nehmen wir die verletzlichen Blechdosen wenig später effektiv mit dem Granatwerfer unter Beschuss. Beim Perforator ist der Name derweil Programm: Laden wir seine Schüsse auf, werden verheerende Schwachstellen-Treffer möglich. Damit wir inmitten des Chaos auch genug Zeit für solche Manöver haben, platzieren wir einen Köder, der feindliche Angriffe auf sich zieht.

All diese Elemente fügen sich organisch in den Spielfluss ein und verkommen nie zur optionalen Dreingabe. Wir haben unseren Werkzeugkasten jedenfalls in aller Regelmäßigkeit bemüht, um gefährliche Situationen dynamisch aufzulösen. Und das bereitet jede Menge Spaß!

Skepsis? Zerschlagen!

Aber trägt sich das über die gesamte Laufzeit? Eine skeptische Frage, die regelmäßig in Bezug auf das Kern-Feature des Hackings geäußert wird und die wohl erst mit der Vollversion endgültig geklärt werden kann. Wir sind da jedenfalls bester Dinge. Während sich das Potenzial des Kampfsystems bereits in vergangenen Preview-Sessions absehen ließ, untermauert die jüngste Session unsere Vermutungen. PRAGMATA lässt sich regelmäßig clevere Ideen einfallen, um sein ohnehin erfrischendes Spielkonzept weiterzudenken. Und wir sind ziemlich zuversichtlich, dass sich das im weiteren Spielverlauf nicht ändern dürfte.

Den spielerischen Höhepunkt erleben wir im Bosskampf mit einem gewaltigen Roboter-Insekt. Die Keilerei mit dem Biest ist nicht nur audiovisuell beeindruckend, sondern spielerisch hochgradig spaßig. In angenehm fordernder Art fragt uns der Kampf sämtliche bis dato erlernten Fähigkeiten ab. Wir hacken uns durch ein deutlich komplexeres Raster, weichen Hieben aus und nehmen Störsender ins Visier, sobald das Biest unsere Hacks beeinträchtigt.

Diese sind zum Kampfbeginn noch leicht erreichbar, später müssen wir uns an erhöhte Stellen begeben, um die Ziele auf dem Rücken des Bosses bearbeiten zu können. Hier oben sind wir dann auch vor potenziell tödlichen Bombardements sicher. Als wir nach einem unterhaltsamen Kampf zum Gnadenstoß ansetzen, sind wir von der fabelhaften Präsentation überaus angetan.

So wie auch von der unheimlich charmanten Beziehung des ungleichen Protagonisten-Duos. Dianas Wissbegier und Hughs bemühte Versuche, ihr die Welt greifbar zu machen, sorgen für eine tolle Charakter-Dynamik, die von humorvoll bis rührend reicht.

Wenn Diana sich angesichts eines eigentlich typischen Sprichworts das Lachen verkneift, ist das genauso zum Schmelzen wie ihr gemeinsames Feiern eines Triumphs. Ist dieser Preview-Build repräsentativ für das, was im weiteren Spiel auf uns wartet, steht dem nächsten Capcom-Hit wenig im Wege.

Volltreffer Nummer 3?

Bildmaterial: Pragmata, Capcom

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Dank zahlreichen Updates und neuen Charakteren wurde der Titel eine Weile am Leben gehalten. Das geht nun mit einer neuen Ausgabe des Spieles weiter. In Granblue Fantasy: Relink – Endless Ragnarok gibt es neue Solo- und Multiplayer-Inhalte, neue Charaktere, Beschwörungen und mehr. In einer Closed-Beta haben wir jetzt einen ersten Blick auf die brandneue „Nintendo Switch 2“-Version geworfen, die es gemeinsam mit den neuen Inhalten ebenfalls geben wird.

Wer grundsätzlich etwas zu Granblue Fantasy: Relink erfahren möchte, dem empfehlen wir erst einmal unseren Test zum originalen Spiel. In der Closed-Beta zur erweiterten Version konnten wir drei Quests ausprobieren. Bei einer Mission bekämpft man einfach einen Mob an Wölfen, die zweite Aufgabe gibt einen Skelett-Boss zum Bekämpfen und die finale Mission bittet euch zum Kampf gegen eine Eis-Eidechse.

Das hat Beatrix zu bieten

In der Beta erstmals spielbar war der neue Charakter Beatrix. Hierbei handelt es sich um eine Heldin, welche sich auf den direkten Nahkampf spezialisiert hat und auf diese Weise ordentlich Schaden drücken kann. Dank ihres speziellen Schwertes Embrasque hat sie die Möglichkeit, ihre Fähigkeit Clock-o‘-Delta zu verwenden. Dies versetzt sie in drei verschiedene Modi. Je nach Auswahl erhält sie ihre Angriffs-, Abwehr- oder Heilungseffekte. Ihre normale Angriffsfolge kann sie mithilfe eines Finisher-Angriffes imposant und kräftig beenden – und anschließend schnell zwischen den Clock-o‘-Delta-Modi wechseln.

Zusätzlich baut sich ihre Embrasque-Leiste auf. Ist diese gefüllt, könnt ihr in den „Unvergänglichen Azur-Status“ wechseln. Darin wird Beatrix schneller und ihre Kombo-Attacken werden stärker. Ihre Fähigkeiten, die sie in der Beta hat, sind allesamt auf Nahkampf ausgelegt und eine davon lässt sie sogar einfacher ausweichen. Sie spielt sich klasse – auch wenn es nicht ganz meine bevorzugte Art von Kampfstil ist. Ich bin da eher der Fernkampf-Spieler … oder ich gehe einfach wieder auf Zeta, welche bereits im Hauptspiel mein liebster Charakter war.

Ein wichtiger Punkt der Beta ist der Test der Crossplay-Funktion. Dies war im Original nicht möglich und so konnten zwar PS4- und PS5-Spielende miteinander auf Abenteuer gehen, aber nicht mit PC-Gamern. Dies ändert sich nun und der Titel inkludiert dann natürlich auch direkt die neue „Nintendo Switch 2“-Fassung.

Hier hatte ich persönlich keinerlei Probleme. In meinen Quests während der Beta hatte ich andere Switch-2-Spielende, aber auch andere Plattformen. Das Finden von Räumen geht schnell und unabhängig der gewählten Plattform – das scheint sich in der finalen Version aber auch einstellen zu lassen.

Die grafische Leistung der Switch-2-Fassung

In der Beta bekommt man einen guten Eindruck davon, wie Granblue Fantasy: Relink – Endless Ragnarok auf der aktuellen Nintendo-Konsole läuft. Im Handheld- sowie im Docked-Modus läuft der Titel mit flüssigen 30 Bildern pro Sekunde. Ob die finale Version einen Performance- und einen Qualitäts-Modus liefern wird wie die PS5-Fassung, ist aktuell unklar. In der Beta gab es eine solche Option nicht.

Hübsch ist der Titel auf jeden Fall im Handheld-Modus und die bildschirmfüllenden Effekte sind auch hier imposant. Wem es zu viel oder zu unübersichtlich wird, der kann diese übrigens im Menü bei anderen Charakteren abseits des gesteuerten abschalten.

Ich hoffe jedoch sehr auf einen 60-FPS-Modus im finalen Spiel. Ein Action-Spiel wie Granblue Fantasy: Relink – Endless Ragnarok sollte diese Option definitiv bieten. Klar sieht es auch mit 30 Bildern pro Sekunde gut aus, aber auf einer aktuellen Konsole sollte das schon machbar sein. Immerhin läuft auch Cyberpunk 2077 mit 60 FPS auf Nintendos aktueller Konsole und sieht damit fantastisch aus.

Der erste Test ist gelungen

Bildmaterial: Granblue Fantasy: Relink, Cygames

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„Back to the Roots“ heißt es bei Bandai Namco, denn genau an die Anfänge von Sword Art Online möchte der Publisher zurückkehren. Das dürfte sicherlich einige Fans des Franchise aufmerksam machen und ich bin ehrlich: mich auch!

Wir durften schon vor der Ankündigung einer kurzen Präsentation des kommenden neuen Titels Echoes of Aincrad: Sword Art Online beiwohnen und auch ein Gameplay-Video bestaunen. Dieses hat mich positiv überrascht und macht Bock auf das, was uns am 10. Juli erwarten wird.

Auf nach Aincrad!

Bei Echoes of Aincrad erstellt ihr euch in einem recht umfangreich aussehenden Editor einen eigenen Charakter. Dieser wird in die Welt von Sword Art Online geworfen, genauer gesagt nach Aincrad. Die Ereignisse des Titels spielen während der ersten Staffel des Anime, ihr erlebt aber eure eigene Geschichte.

Ihr übernehmt also die Kontrolle über einen Spieler, welcher in der Welt gefangen ist. Dies bedeutet, ihr spielt nicht Kirito, den Protagonisten der Reihe. Als selbsternannter Kirito-Hater schlage ich dementsprechend kleine Purzelbäume vor Freude.

Ihr könnt aber mit ihm, sowie zahlreichen anderen Charakteren, auf gemeinsame Abenteuer gehen. Der Gameplay-Loop ist dabei eigentlich erst einmal simpel. Ihr wählt eine Quest am Terminal in der Stadt aus. Eine Hauptquest, welche die Story voranbringt, oder eine Nebenquest könnt ihr dort auswählen. Sucht dann einen von insgesamt über zehn verschiedenen Charakteren aus, der euch begleiten wird.

Dabei habt ihr zum Beispiel Iori, ein Support, welche euch im Kampf eher unterstützend begleitet mit Heilung und Co. Oder Wyzeman, ein Kämpfer, welcher die Feinde mit Debuffs schwächer macht. Der bekannte Kirito hingegen kann besonders im Kampf gegen einzelne Feinde mit starken Angriffen glänzen.

Die CPU-Charaktere begleiten euch auf dem Weg durch die recht groß und offen aussehende Welt außerhalb der Stadt. Ein wichtiger Bestandteil der Sword-Art-Online-Welt ist die Switch-Mechanik, welche auch hier zum Einsatz kommt. So könnt ihr auf Knopfdruck euren Partner vorschicken, während ihr euch entweder auf andere Feinde konzentriert oder euch heilt. Auch gemeinsame Angriffe sind möglich, zum Beispiel mit einem „Perfect Parry“. Pariert ihr den Gegner im richtigen Moment, greift euer Partner zum Konter an. Auch ein perfektes Ausweichen oder ein direkter Konter ermöglichen dies.

Die Open-World und der Gameplay-Loop

Die Gegend außerhalb der Stadt wirkt anhand der gesehenen Map recht groß. Damit ihr auf der Karte jedoch die jeweiligen Gebiete wirklich detailliert sehen könnt, müsst ihr zu den Pillars of Light. Diese bieten dann sichere Gebiete bei Aktivierung und schalten einen Teil der Karte frei.

Auf selbiger könnt ihr interessante Punkte, Nebenquests und Schatztruhen sehen. In Letzteren könnt ihr Blaupausen finden, um in der Stadt neue Gegenstände zu erschaffen. Manche Punkte in der Welt offenbaren euch mehr Informationen über die Welt von Aincrad, was gerade für Hardcore-Fans der Reihe sicherlich interessant ist. Habt ihr ein bestimmtes Ziel im Blick, könnt ihr einen Pin platzieren und seht in der Oberwelt dann einen Lichtstrahl gen Himmel, welcher diese Location markiert und euch den Weg weist.

Es scheint also auf jeden Fall einiges zum Erkunden zu geben – doch das Wichtigste in einem solchen Abenteuer sind die Kämpfe. Davon gab es in dem uns präsentierten Gameplay einige, auch wenn manchmal ein wenig Laufweg dazwischen war oder sich die Feinde erst einmal sehr stark wiederholten. So kämpfte man zunächst gegen mehrere Wildschweine hintereinander – doch danach tauchten auch andere Feindesarten auf, wie große Bienen, große Pflanzen oder Bestienmenschen.

Mit eurem Charakter könnt ihr offenbar angreifen, ausweichen und Fähigkeiten nutzen – Standard in einem Action-RPG. Eine Stamina-Leiste gibt es auch. Werdet ihr von Feinden überrannt, gibt es die Focus-Fähigkeit. Diese verlangsamt die Zeit. Die Switch-Funktion wird im Kampf dann oft eingesetzt, um das Ganze dynamischer zu gestalten.

In dem gezeigten Gameplay sahen wir auch, dass für das Voranschreiten manchmal bestimmte Feinde besiegt werden müssen, um ein Siegel zu brechen, welches das Vorankommen verhindert. Hierbei handelt es sich dann wohl um etwas stärkere Varianten normaler Feinde – zumindest war dies in dem Video so.

Besiegte Feinde lassen Gegenstände und auch neue Waffen fallen. Unter anderem könnt ihr einen Hammer oder ein Großschwert verwenden, abseits von dem gezeigten Einhandschwert mit Schild. Apropos besiegen: Wie ist das eigentlich, wenn die eigene Lebensleiste auf null sinkt? Denn in Sword Art Online stirbt man dann schließlich! Hier gibt es aber dennoch nicht einfach ein Game Over, wie uns in einem Boss-Kampf gezeigt wird.

Euer Charakter zieht sich einfach nur zurück und ihr könnt am letzten Checkpoint oder direkt zu Beginn des Kampfes wieder ansetzen. Das nimmt natürlich ein bisschen die Immersion heraus, aber vielleicht gibt es ja im finalen Produkt auch einen Hardcore-Modus, bei dem ein Tod auch ein komplettes Game Over bedeutet. Wäre interessant!

Hübsch und vielversprechend

Im Großen und Ganzen sehen die Kämpfe nett aus, aber so einen richtig tiefen Einblick in das System habe ich nicht erhaschen können. Das Switch-System zeigt, dass es sich hierbei um ein Sword-Art-Online-Kampfsystem handelt, aber abseits davon wirkt es erst einmal wie nichts komplett verrückt Einzigartiges.

Aber das muss es ja auch nicht sein, solange die Kämpfe sich gut spielen lassen. Visuell sehen diese auf jeden Fall schon einmal gut aus und ich mag es, dass die Gegner wie im Original zertrennt werden und sich anschließend pixelartig auflösen. Den Effekt mochte ich in der Serie damals schon sehr.

Grafisch ist Echoes of Aincrad auf jeden Fall beeindruckend, zumindest basierend auf dem Video. Die Welt von Sword Art Online wird gut eingefangen und die Charakter-Modelle scheinen vor allem mit dem Editor einiges zu bieten. Da bleibt natürlich zu hoffen, dass die Missionen in der Hauptgeschichte noch imposanter dargeboten sind als nun diese recht standardisierte Quest, die erst einmal nicht wirklich viel geboten hat, abseits von normalem und regulärem Gameplay.

Potenzial zum bisher besten SAO-Game

Der erste Trailer:

Bildmaterial: Echoes of Aincrad: Sword Art Online, Bandai Namco, Game Studio

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