Ähnlich wie schon bei Persona 3 Reload steht dabei weniger eine komplette Neuerfindung als vielmehr die Modernisierung des Klassikers im Vordergrund. Die bekannte Geschichte bleibt erhalten und orientiert sich nach bisherigen Informationen größtenteils an Golden. Gleichzeitig halten einige Komfortfunktionen und kleinere spielerische Neuerungen Einzug.

Die Ausgangssituation dürfte vielen bekannt sein: Der später offiziell Yu Narukami genannte Protagonist zieht für etwa ein Jahr zu seinem Onkel Ryotaro Dojima und dessen Tochter Nanako in die kleine japanische Provinzstadt Inaba. Was zunächst nach einem ruhigen Jahr klingt, entwickelt sich schnell zu einer Mordserie voller Geheimnisse. Gemeinsam mit seinen neuen FreundInnen stößt Yu schließlich auf eine mysteriöse Welt innerhalb des Fernsehers, die eng mit den Ereignissen verbunden zu sein scheint.

Auf der diesjährigen Gamescom konnten wir Persona 4 Revival erstmals selbst ausprobieren. Die Demo war dafür in zwei Bereiche aufgeteilt: einen Story-Abschnitt und einen stärker auf die Kämpfe ausgerichteten Teil.

Inaba erstrahlt in neuem Glanz

Für die Geschichte hatte Atlus eine ziemlich passende Szene ausgewählt: Wir erlebten noch einmal den Moment, in dem der Protagonist seine Persona erweckt. Dabei fiel sofort eine der größeren Veränderungen auf. Die englischen SprecherInnen wurden ausgetauscht und die bekannten Figuren klingen entsprechend anders.

Hier dürften die Meinungen unter langjährigen Fans auseinandergehen. Uns gefielen die neuen Stimmen während der Demo insgesamt ziemlich gut, lediglich an Teddie müssen wir uns noch etwas gewöhnen. Natürlich wäre es schön gewesen, die ursprünglichen SprecherInnen wieder hören zu können. Die neue Besetzung macht bislang aber ebenfalls einen guten Eindruck – letztlich dürfte vieles schlicht Gewöhnungssache sein.

Deutlich weniger Gewöhnungszeit benötigt die grafische Überarbeitung. Ähnlich wie bei Persona 3 Reload wurde die Präsentation grundlegend modernisiert. Charaktermodelle, Umgebungen und Animationen wirken deutlich zeitgemäßer, ohne dabei den Charme des Originals zu verlieren. Besonders die Figuren machen einen hervorragenden Eindruck und fühlen sich trotz der deutlich aufwendigeren Darstellung sofort vertraut an.

Auch musikalisch fährt Atlus wieder große Geschütze auf. Sowohl bekannte als auch neue Stücke gingen während unserer Anspielsession sofort ins Ohr. Schon Persona 4 und Golden konnten mit ihren Soundtracks überzeugen und bislang sieht es danach aus, als würde Revival diesem Erbe gerecht werden.

Beim Dungeon bleibt hingegen vieles beim Alten

Im zweiten Teil der Demo durften wir einen Abschnitt aus dem ersten Dungeon spielen. Hier zeigte sich schnell, dass Atlus einen Punkt offenbar bewusst nicht grundlegend verändert hat: Die Dungeon-Struktur erinnert weiterhin stark an das Original. Die Abschnitte wirken zwar wesentlich hübscher, besitzen aber nach wie vor den Eindruck der damals zufällig zusammengesetzten Räume und Korridore.

Wer auf individuell gestaltete Dungeons wie die Paläste aus Persona 5 gehofft hatte, dürfte daher zumindest nach unserem bisherigen Eindruck enttäuscht werden. Optisch wurde kräftig modernisiert, am grundlegenden Aufbau scheint Atlus jedoch festzuhalten.

Das eigentliche Kampfsystem fühlt sich dagegen sofort vertraut und weiterhin ausgesprochen befriedigend an. Schwächen ausnutzen, Gegner zu Boden bringen und gemeinsam zuschlagen – das bewährte Fundament bleibt erhalten. Ergänzt wird es um einige neue Möglichkeiten und Komfortfunktionen.

Besonders auffällig war eine Parade gegen Schatten auf der Oberwelt. Greift ein Schatten an, lässt er sich mit dem richtigen Timing abwehren. Das fühlt sich gut an, wirkte während unserer Demo allerdings fast etwas zu mächtig. Wer die Mechanik beherrscht, dürfte nur noch selten von Gegnern überrascht werden. Damit könnte ein Teil der ursprünglichen Gefahr beim Erkunden der Dungeons verloren gehen.

Auch bekannte Mechaniken wie der Baton Pass werden in modernisierter Form integriert. Eine Revolution sollte man beim Kampfsystem deshalb nicht erwarten. Vielmehr scheint Atlus das ohnehin funktionierende Fundament gezielt zu erweitern und an einigen Stellen komfortabler zu gestalten.

Unsere Rückkehr nach Inaba macht Lust auf mehr

Bildmaterial: Persona 4 Revival, Atlus, P-Studio

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Damit bewegt sich Silver Palace in einem inzwischen ziemlich umkämpften Feld. Titel wie Genshin Impact, Zenless Zone Zero, Wuthering Waves, aber auch kommende Spiele wie Ananta oder Neverness to Everness buhlen um eine ähnliche Zielgruppe. Gerade erst ging die zweite große geschlossene Testphase, die „Dichotomy Beta“, zu Ende.

Gleichzeitig konnte Elementa Mitte August bereits mehr als zehn Millionen Vorregistrierungen vermelden. Ein konkretes Veröffentlichungsdatum steht allerdings weiterhin aus. Das Spiel soll auf mobile Geräte, den PC und die PlayStation 5 kommen.

Auf der diesjährigen Gamescom bekam das Spiel nicht nur einen neuen Trailer, wir konnten selbst rund 30 Minuten in Silver Palace verbringen. Und zumindest dieser erste Eindruck zeigt: Hinter der hübschen Fassade steckt ein Titel, der sich vor der Konkurrenz spielerisch und vor allem inszenatorisch nicht verstecken muss.

Silvernia macht schon beim ersten Besuch Eindruck

Bereits das Intro hinterließ einen erstaunlich hochwertigen Eindruck und machte schnell Lust auf mehr. Anschließend verschlug es uns nach Silvernia, eine Metropole, deren Architektur stark vom 19. Jahrhundert geprägt ist. Gaslaternen, Kutschen, Uhrentürme, enge Straßen und aufwendig verzierte Fassaden treffen hier auf Fantasy und magische Technologie. Das fiktive Element „Silverium“ bildet dabei eine Grundlage dieser Welt.

Das funktioniert optisch ausgesprochen gut. Silver Palace wirkt nicht einfach wie ein Anime-Spiel, dem nachträglich ein paar viktorianische Gebäude spendiert wurden. Vielmehr zieht sich die Ästhetik konsequent durch die Umgebung. Unterstützt wird das durch dynamisches Wetter sowie einen Tag-Nacht-Wechsel. Auch technisch konnte die Unreal Engine 5 in unserer Demo durchaus zeigen, was in ihr steckt.

Ähnlich interessant ist die musikalische Untermalung. Klassische Klänge werden mit elektronischen Einflüssen kombiniert und passen damit hervorragend zu dieser Mischung aus historischem Vorbild und fantastischer Technologie.

Allzu lange durften wir die Umgebung allerdings nicht friedlich betrachten. Bereits nach wenigen Minuten wurden wir in einen Kampf zwischen zwei gigantischen Statuen hineingezogen. Später wartete unter anderem eine große Kutsche als Gegner. Gerade bei solchen Begegnungen fährt Silver Palace ordentlich auf: Animationen, Ultimates und Finisher werden spektakulär inszeniert und vermitteln schon früh ein Gefühl dafür, dass große Setpieces eine wichtige Rolle spielen dürften.

Überraschend früh bekamen wir außerdem ein Pegasus als Reittier. Damit lässt sich Silvernia deutlich schneller erkunden. An bestimmten Stellen kann das Tier sogar in einen Gleitflug übergehen und größere Distanzen überwinden. Später sollen zudem Pferderennen möglich sein. Gerade in einer entsprechend großen Stadt könnte sich diese Form der Fortbewegung noch als ziemlich praktisch erweisen.

Beim Kampfsystem lässt Zenless Zone Zero grüßen

Spielerisch wurden die Parallelen zu anderen Character-Action-Titeln während unserer Demo allerdings schnell deutlich. Besonders Zenless Zone Zero kam uns beim Kampfsystem mehrfach in den Sinn. Ihr stellt eine Gruppe verschiedener Figuren zusammen und könnt während der Auseinandersetzungen in Echtzeit zwischen ihnen wechseln.

Gerade die getimten Wechsel fallen auf. Charaktere springen in den Kampf, während Ausweichmanöver und Paraden im richtigen Moment ausgeführt werden wollen. Visuelle und akustische Hinweise kündigen entsprechende Möglichkeiten an. Gelingt das Timing, folgt auf einen perfekten Block direkt der Konter – und genau diese Momente fühlten sich bereits in der Demo angenehm befriedigend an.

Hinzu kommen deutlich unterschiedliche Waffen und Kampfstile. Vier spielbare Figuren konnten wir während unserer Anspielsession ausprobieren, wodurch schnell deutlich wurde, wie wichtig die einzelnen Charaktere für das Kampfsystem sind. Hier lässt sich die Gacha-DNA des Titels kaum übersehen. Wie die Monetarisierung im fertigen Spiel konkret aussehen wird, lässt sich zum jetzigen Zeitpunkt allerdings noch nicht seriös beurteilen.

Abseits der Kämpfe schlüpfen wir in die Rolle eines Detektivs oder einer Detektivin – das Geschlecht lässt sich auswählen. Ermittlungen und die Geheimnisse Silvernias sollen neben der Open-World-Erkundung einen weiteren wichtigen Teil des Abenteuers bilden. Davon konnten wir in den rund 30 Minuten allerdings noch deutlich weniger sehen als von den Kämpfen und der Präsentation.

Ein Städtetrip, den wir gerne wiederholen wollen

Bildmaterial: Silver Palace, Elementa, Happy Elements, Silver Studio

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Dieses Gefühl können wir in Captain Tsubasa 2: World Fighters live erleben – und das Action-Kampf-Fußballspiel ist definitiv etwas anderes, als man es von eFootball oder Fifa kennt. Wir durften das Spiel auf der AnimagiC 2026 bei Bandai Namco anspielen. Es wurde ziemlich chaotisch – aber vielleicht gerade deswegen sehr lustig.

Chaotisch mit massenweise Spezialaktionen

Zuerst fällt uns die tolle Präsentation auf. Zwar ist das Stadionfeeling nicht ganz wie bei den bekannten großen Fußballtiteln, aber man gibt sich sichtbar Mühe. Das sieht man auch an der Vielzahl von Animationen, Bandai Namco spricht hier von über 150 Stück.

Direkt ab der Intro-Szene werden nicht nur die Spieler gezeigt, sondern auch das Stadion und die Aufstellungen werden hübsch präsentiert. Wir wählen eines der vier vorhandenen Teams aus der Demo aus – in der Vollversion gibt es deutlich mehr, nämlich 22 Nationalmannschaften mit 110 spielbaren Charakteren, die alle ziemlich gut getroffen sind und auch wie im Anime von Shueisha aussehen.

Doch wichtig ist es auf dem Rasen. Und da sind die ersten Minuten ziemlich chaotisch und gewöhnungsbedürftig. Das liegt nicht nur daran, dass ihr gefühlt über den halben Platz grätschen könnt, um dem ballführenden Gegner den Ball abzunehmen. Neu sind die Superaktionen, die für noch mehr taktische Möglichkeiten sorgen. Denn normalen Attacken kann man ausweichen – etwa mit einem gut getimten Pass oder einem noch besser getimten Dribbling, welches ein Tackling ins Leere laufen lässt. Das ist bei Superaktionen deutlich schwieriger.

Als jemand, der noch nie groß Tsubasa gespielt hat, war das Konzept des „Torwarts müde schießen“ durchaus interessant. Hier sind besonders die aufladbaren Superschüsse wichtig, denn sie ziehen dem Torwart besonders schnell Energie ab. Nachdem der Torwart zwei dieser Schüsse geblockt hat, sind die HP erschöpft, manchmal sogar mit einem von RPGs bekannten „Bruch“ – danach geht das Runde deutlich einfacher ins Eckige. Jeder Torschuss ist dabei ein neues Glücksspiel, denn wie beim Elfmeterschießen legen sich Schütze und Torwart bei einem Schuss für eine Ecke fest. Je weiter die Eingaben voneinander entfernt sind, desto wahrscheinlicher ist ein Treffer.

Überraschende Gameplay-Tiefe nach der Eingewöhnung

Doch je mehr man ins Spiel kommt, desto mehr Spaß macht es – und zeigt dabei eine Spieltiefe, die man so nicht erwartet hätte. Das liegt vor allem in der passenden Kombination der verschiedenen, neuen Techniken: Die Superaktionen hatten wir bereits erwähnt: Sie sind Charakter-spezifische Fähigkeiten für Stürmer, Mittelfeldspieler und Verteidiger. Darunter fallen Superschüsse, Superpässe und Super-Dribblings.

Dazu gibt es Maximal-Aktionen, die ebenfalls aufgeladen werden müssen. Und in seltenen Fällen gibt es auch Wunderaktionen. Diese Comeback-Momente können den Spielverlauf zum Ende hin noch mal drehen.

Die Vollversion von Captain Tsubasa 2: World Fighters wird pünktlich zur Gamescom am 28. August 2026 erscheinen. Vorbestellungen sind ab sofort für PlayStation 5 und Nintendo Switch unter anderem bei Amazon* und für PCs über Steam und im Xbox Store möglich.

In der Vollversion gibt es auch einen Story-Modus, der die Originalstory erweitert und das bereits jetzt chaotische-spaßige Gameplay mit unterschiedlichen Teams mit jeweils eigenen Philosophien und Ambitionen ergänzt. Ihr begleitet in dieser neuen Geschichte Tsubasa Ozora und sein Team durch das Asiatische Jugendturnier und helft bei ihrem Aufstieg in das stark umkämpfte Weltjugendturnier.

Bildmaterial: Captain Tsubasa 2: World Fighters, Bandai Namco, Tamsoft

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Ich konnte bereits einige Stunden im Kaiserreich Dagda, bei den Heroenspielen sowie mit den vier teilnehmenden Heldinnen und Helden verbringen. Meinen Ersteindruck gibt es in den folgenden Zeilen.

Eine Seele und die Heroenspiele

Im Jahr 1454 steht das Kaiserreich Dagda durch den wiedererweckten Dämonengott Balor kurz vor der totalen Vernichtung. Um diese Katastrophe abzuwenden, steigt auf Anweisung der Göttin Sothis eine einzelne Seele vom Himmel herab. Dabei handelt es sich um uns, die Protagonistin bzw. den Protagonisten. Diese soll das Reich vor dem Untergang schützen. Doch selbst eine von der Erschafferin Sothis eingesetzte Seele hat alleine keine Chance.

Angesichts dieser großen Aufgabe unterbreitet Fortuna, eine Göttin mit der Fähigkeit, die Zeit zu manipulieren, dieser Seele einen Vorschlag: Sie soll den Heldinnen und Helden, die einst an den Heroenspielen teilgenommen haben, dabei helfen, ihr Schicksal zu ändern und sie in die finale Schlacht führen. Das ist keine leichte Aufgabe, denn niemand weiß genau, was mit den Heldinnen und Helden passiert ist.

So geht es fünf Jahre in die Vergangenheit, ins Jahr 1449, in dem in der Hauptstadt Dagsion als Ehrung des Landesgründers Dagda die Heroenspiele stattfinden. Unter den Teilnehmenden befinden sich vier wackere Charaktere, die siegreich aus den Kämpfen hervorgehen wollen, um sich einen persönlichen Wunsch erfüllen zu lassen.

Vier wackere Seelen

Somit springen wir als SpielerIn in die Vergangenheit und begegnen unter anderem Cai, einem jungen, tierlieben Jungen mit reinem Herzen. Als sein Vater in den Kerkern unter Dagsion eingesperrt wird, meldet er sich mit seinen Freunden bei den Heroenspielen an, um für dessen Freiheit zu kämpfen.

Ebenfalls an den Spielen nimmt Dietrich teil, ein mächtiger Schwertkämpfer und Krieger. Durch einen Schiffbruch strandet er an den Ufern Dagdas. Da er zum Vergnügen kämpft und seinen Kampfdurst stillen will, beschließt er, mit gleichgesinnten Verbündeten an den Wettkämpfen teilzunehmen.

Theodora ist eigentlich die Königin von Saramis. Doch angesichts schrecklicher Ereignisse sieht sie keinen anderen Ausweg, als an den Heroenspielen teilzunehmen. Dabei ist sie bereit, alles zu tun, um ihre Göttin zu ehren, den Glauben ihres Volkes zu verteidigen und den Frieden in ihrem Königreich zu bewahren.

Als junges Mädchen erleidet Leda ebenfalls ein tragisches Schicksal, als ihr Vater gemeuchelt wird. Seitdem ist sie auf einem Rachefeldzug und will jeden zur Strecke bringen, der daran beteiligt war. Als sie erfährt, dass der Mörder plant, an den Kämpfen teilzunehmen, begibt sie sich nach Dagsion.

Das Geflecht des Schicksals

Auch wenn man als Spielerin oder Spieler immer nur der Geschichte einer Hauptfigur folgen kann, ist es möglich, die Hauptgeschichten parallel zu spielen. In der Hauptstadt kann man jederzeit den Sitz des Fahlen Raben aufsuchen und zu einem anderen Handlungsstrang wechseln. Zwischen den Kämpfen kann man sich dann zur finalen Schlacht vorkämpfen. Das bietet viel Freiheit beim Spielen.

Obwohl ich bisher erst wenige Stunden in Fortune’s Weave verbringen konnte, merkt man von Beginn an, wie umfangreich das Spiel werden könnte. Das gilt vor allem für die vier Handlungsstränge der unterschiedlichen Hauptfiguren. Diese scheinen umfangreicher als gedacht. Mit Leda bin ich beispielsweise so weit gelangt, dass ich ihre Geschichte aus der Kindheit kenne, ihre Schritte in ihrem Rachefeldzug nachvollziehen kann und verstehe, wie das mit den Heroenspielen zusammenhängt.

Gleichzeitig lernt man viele Namen, Gebiete und historische Ereignisse kennen, die sich zu einem großen Gesamtbild zusammenfügen. Anfangs kann diese Fülle an Informationen etwas überwältigend sein, da man sich parallel fragt, wie die Charaktere und Handlungsstränge zusammenhängen. Das wird sich mit mehr Spielzeit sicherlich bessern und wenn man die anderen Charaktere spielt, kennt man bereits einige Namen, Gebiete und historische Ereignisse.

Nichtsdestotrotz wird man mit vielen Informationen konfrontiert und ich frage mich derzeit noch, welche Ereignisse und Informationen sich in den vier unterschiedlichen Handlungssträngen gegebenenfalls doppeln oder unterscheiden werden. Immerhin begegnen sich die Hauptfiguren in den Heroenspielen und es kann nur eine Siegerin oder einen Sieger geben. Das werde ich allerdings erst erfahren, wenn ich die Handlungen aller vier HeldInnen gespielt habe.

Klassisches „Fire Emblem“-Gameplay mit Kniffen

In den bisherigen Kämpfen und Schlachten auf dem Feld verhält sich Fortune’s Weave sehr klassisch. Es gibt unterschiedliche Waffentypen, die sich auf die jeweiligen Klassen der Einheiten anders auswirken, Magie und Terrain, das sich auf das schachbrettartige Spielfeld auswirkt, sowie Kampftechniken und weitere Effekte, die den Ausgang einer Schlacht beeinflussen können.

Die vier Heldinnen und Helden beherrschen mit den sogenannten Brandtechniken zudem spezielle Kräfte. Das sind besonders mächtige Angriffe, deren Einsatz allerdings Gesundheit kostet. So kann Leda mit ihrer Vihuela (ein spanisches Zupfinstrument) beispielsweise Lieder spielen, die ihren Verbündeten bessere Statuswerte verleihen, während Dietrich sich über mehrere Felder teleportieren kann.

Bislang wirken diese Fähigkeiten nicht zu übermächtig, da sie dem eigenen Charakter durch den Gesundheitsverlust ebenfalls einen Malus geben. So werden sie nicht zu häufig eingesetzt. Gleichzeitig passen die Techniken gut zu den jeweiligen Persönlichkeiten der Charaktere.

Ein Alltag zum Erkunden

Abseits des harten Alltags auf dem Schlachtfeld können Dagda und seine Hauptstadt Dagsion erkundet werden. Die Stadt wirkt dabei einigermaßen lebhaft und nicht so trist wie teilweise das Kloster Garreg Mach aus Three Houses. So bunt und farbenfroh wie Fire Emblem Engage ist Fortune’s Weave jedoch bisher nicht. Es wurde ein stimmiges Konzept gefunden, das den Charme eines antiken oder römischen Zeitalters einfängt.

Beim Erkunden der Hauptstadt gibt es allerhand zu entdecken: die Arena, in der man seine Einheiten trainieren kann, den Händler, bei dem man seine Vorräte auffüllen kann, und die Möglichkeit, sich um seine Reputation zu kümmern. Letztere ist insofern wichtig, da sie beim Rekrutieren von starken MitstreiterInnen hilft.

Die (Frei)Zeit drängt

Wie schon beim Anwerben der Studierenden in Fire Emblem: Three Houses lassen sich Personen aus anderen Clans für eure Zwecke und Kämpfe rekrutieren. Mit Clans sind an dieser Stelle unter anderem die Gruppen der anderen Heldinnen und Helden gemeint, die an den Heroenspielen teilnehmen. Dabei wollen die zukünftigen Gruppenmitglieder beschenkt oder auch zum Essen eingeladen werden. Dadurch steigt die Bindung und irgendwann lassen sich diese Charaktere rekrutieren. Dafür muss aber auch ein passender Ruf vorausgehen, welcher ebenfalls mit der Erledigung von Quests steigt.

Wer diese Mechanik in Three Houses mochte, wird sich auch dieses Mal wieder darüber freuen, denn es kann unterhaltsam sein, das passende Geschenk für einen Charakter zu finden, um die Bindung zu erhöhen. Allerdings kann ich mir auch vorstellen, dass dieses Feature sehr schnell sehr mühsam werden kann und sich leider erneut wie das Abarbeiten von To-dos anfühlt, um bestimmte Charaktere ins eigene Team zu holen.

Unendlich viel Zeit für Freizeitaktivitäten hat man jedoch nicht. Während des Spielens läuft die Zeit mit und nach einer gewissen Anzahl an Tagen muss die Hauptgeschichte weitergeführt werden. In Fortune’s Weave wird dieser zeitliche Abstand in Zügen gemessen. Ein Zug entspricht hierbei sechs Stunden eines Tages. Zwar verbrauchen normale Aktivitäten wie das Rekrutieren und das Herumlaufen in der Stadt minimal Zeit, in der Regel aber keine Züge. Das passiert, wenn die Einheiten beispielsweise auf der Weltkarte unterwegs sind.

Jenseits der Hauptstadt

Abseits von Dagsion wirkt das Kaiserreich ebenfalls sehr groß. Es gibt viele Orte, die erkundet werden können. Es warten örtliche HändlerInnen, Kämpfe gegen Monster und weitere Orte darauf, entdeckt zu werden. Zu den interessanten Orten zählen unter anderem die Verliese. Dabei handelt es sich um Dungeons, wie man diese aus Fire Emblem Echoes: Shadows of Valentia kennt. Allerdings wurde das Konzept angepasst.

Die Erkundungsmöglichkeiten in den Verliesen sind größer als im vorherigen Teil. Neben Materialien zur Verbesserung von Waffen und anderen Schätzen trifft man dort ebenfalls auf herumlaufende Gegner. Beim Zusammenstoß beginnt ein spezieller rundenbasierter Schlagabtausch, der sich von den normalen Schlachten unterscheidet.

Diese sogenannten Schnellkämpfe werden nicht aus der Vogelperspektive gespielt, sondern die Parteien stehen sich gegenüber. Dabei wird abwechselnd mit einer entsprechenden Aktion wie Angriff, Heilung oder einem verbündeten Angriff agiert. Letztere Aktion kostet Verbindungspunkte. Eine Besonderheit ist, dass die Summe der KP aller Einheiten zusammengerechnet wird. Wer als Erstes null KP erreicht, hat verloren.

Sowohl das Erkunden von Verliesen als auch die Schnellkämpfe wirken bisher frisch und fügen sich gut ins bisherige Gameplay ein. Einerseits kann man wie in der Hauptstadt mit dem Charakter die Gegend erkunden und andererseits sind die Schnellkämpfe nicht so anspruchsvoll wie die großen Schlachten. Diese kann man gut wegspielen, da sie ebenfalls automatisch im Auto-Kampf ablaufen können.

Viel Potenzial – aber auch Bedenken

Bildmaterial: Fire Emblem: Fortune’s Weave, Nintendo, Intelligent Systems

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Titel	Genshin Impact 7.0
	12. August 2026
	Cognosphere
	12. August 2026
	Cognosphere
	12. August 2026
	Cognosphere
System	PC, PlayStation 5, Xbox Series X/S, iOS, Android
Getestet für	PC
Entwickler	miHoYo
Genres	Open World Action-RPG
Texte
Vertonung

Wir durften bereits vor dem offiziellen Start von Genshin Impact 7.0 in den Zug steigen und in die neue Region Snezhnaya im Norden Teyvats „vorbeischneien“. Dass die neue, gefrorene Region mit Ureis tödlich sein soll, konnten wir schnell bestätigen – einmal falsch abgebogen, eine Wärmequelle zu wenig genutzt und der Schneesturm nimmt uns das Leben. So lernen wir schnell die geheimnisvolle Macht des Auges von Graeae kennen – und dass gewisse Pfade in Snezhnaya nur schwer zu beschreiten sind.

Zu Beginn unseres Abenteuers in der eisigen Hochburg der Fatui leitet uns Paimon – bis es plötzlich weggeweht wird und wir es in einer Eishöhle suchen müssen. Doch währenddessen entdecken wir immer mehr Merkwürdigkeiten in der neuen Region.

Nicht nur die Umgebung ist ungewohnt, auch das Auge von Graeae, das wir auf der Reise finden, hat viele Fähigkeiten, welche wir in der neuen Region nutzen können. Diese neuen Items und Fähigkeiten sind überlebenswichtig und können helfen, Rätsel zu lösen und sich zu verteidigen – sowohl gegen die Eiseskälte als auch gegen Gegner.

Das Auge von Graeae – das Universalitem der neuen Region

Das Erschaffen von Konstrukten gehört zu seinen wichtigsten Fähigkeiten. Die nützlichsten sind sicher das Erschaffen von Eisblöcken (Kubus) und einem wärmenden Konstrukt (Wärmequelle). Dazu kann es sich in eine Schusswaffe verwandeln, die manche Abschnitte des Spiels in einen 3rd Person Shooter verwandelt. Für längere Wege in der kalten Region kann aber auch die Kletterseil-Vorrichtung durchaus nützlich sein.

Die Fortbewegung „zu Fuß“ ist in der neuen Eisregion meistens die schlechteste Option. Man sollte sie nur nutzen, wenn die Schneesturmgefahr in der entsprechenden Region gering ist. Eine gute Option ist der Zug, welchen man mit dem Auge von Graeae rufen kann – aber manche Stationen können zur falschen Zeit nur schwer begehbar sein. Glücklicherweise kann das Auge von Graeae den Zug jederzeit zum gewünschten Ziel steuern. Also einsteigen, aktivieren, Ziel auswählen und schon sind wir in der nächsten Stadt.

Neue Region mit fünf Städten

Insgesamt gibt es fünf Städte in der neuen Region. Wir beginnen die Reise in Rankova Zorya und kommen schnell in der Hauptstadt Snezhnograd an, dem politischen und kulturellen Zentrum der Fatui. Das ist übrigens in manchen Punkten wörtlich zu nehmen, denn die Theateraufführung in Snezhnograd ist durchaus sehenswert. Ebenfalls sehenswert: der Zapolyarny-Palast, die Residenz der Cryo Archon Tsaritsa.

Im Westen liegt das beschauliche und friedliche Fischerdörfchen Morepesok. Es lässt einen zwischen den Missionen und dem Reisen zwischen den Städten abschalten – insbesondere dem belebten Hauptbahnhof oder den anderen aufwändig gebauten Städten. Es ist umgeben von Natur – also in diesem Fall von gefrorenen Seen und verschneiten Wäldern. Perfekt, um den Jäger Alyosha auszuprobieren und sich ggf. auch mit lokalen Tieren anzufreunden.

Von hier aus kommt man auch schnell zum deutlich wärmeren Wimmelsumpf – einer der wenigen Orte hinter dem Dorf Okurov, die nicht komplett zugefroren sind. Eher im Gegenteil, der fast schon märchenhaft anmutende Sumpf scheint komplett von Schnee und Eis verschont geblieben zu sein.

Im Gegensatz dazu steht die Stadt Svetloledovka, eine Stadt, die es sich zur Aufgabe gemacht hat, das Eis als Chance zu betrachten und eine Eisminenindustrie aufzubauen. Direkt daneben liegt das Dorf der Jack Frosts. Mysteriös wird es nicht weit davon – im Haus Hesperides.

Einen Besuch wert ist auch die Schlucht der Wallfahrt im Nordosten. Legenden zufolge liegt hier der erste Cryo Archon, Belyi Tsar, unter dem ewigen Schnee begraben. Dem Norden der Region ist der Palast der weißen Krone vorbehalten.

Neue Charaktere und Kombinationen

Wie bereits bekannt, begleiten uns zwei neue Charaktere auf dem Weg in der frostigen Region. Odette fügt sich mit ihren Kryo-Fähigkeiten perfekt in das neue Setting ein – privat ist sie dagegen eher als gefeierte Ballerina statt als Meuchelmörderin bekannt. Alyosha ist dagegen ein Jäger aus Snezhnaya, der zusammen mit seinem Jagdhund-Gefährten Tugarin kämpft.

Wie bereits mit dem letzten großen Jahresupdate gibt es eine neue Element-Kombination, „Stellar-Verwirbelung“. Sie kann durch die Kombination von Anemo und Kryo ausgelöst werden und lädt dazu ein, neue Teams zu bauen, die diese Option perfektionieren – zum Beispiel mit Odette, Yumemizuki Mizuki, Qiqi und Faruzan. Mit einem Team aus Odette, Aloysha und Sandrone sowie Yae Miko kann man dagegen einen Stellar-Conduct, eine Kombination aus Kryo und Elektro auslösen.

Fazit

Bildmaterial: Genshin Impact, miHoYo

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Der Publisher Gravity hat seine Pläne für eine weitreichende Expansion, ein radikal überarbeitetes Vertriebsmodell und handfeste Details zum kommenden globalen Meilenstein Ragnarok Zero: Global enthüllt. Nach dem Event haben wir alle Fakten, den finalen Veröffentlichungstermin und die vollständige Content-Roadmap direkt vom Event zusammengefasst.

Gravity auf Expansionskurs: Fokus auf Europa

Das Ragnarok-Franchise begeistert seit nunmehr 24 Jahren Fans rund um den Globus. Die Marke gehört zu den langlebigsten Urgesteinen der MMORPG-Geschichte, denn sie wurde über 250 Millionen Mal in 122 Regionen heruntergeladen. Nun läutet Gravity eine neue Ära ein.

Das erklärte Ziel ist es, eine der weltweit führenden Entertainment-Gruppen zu werden, die gestützt auf mittlerweile zehn spezialisierte Konzerngesellschaften agiert. So wird die Tochtergesellschaft Gravity Game Unite jetzt auch die Betreuung des europäischen Marktes übernehmen. In der Geschichte des Franchising gibt es eine Premiere: Die europäische Region wird von Gravity direkt und ohne externen Publisher gemanagt. So soll eine bestmögliche Servicequalität garantiert werden.

Fokus auf den westlichen Markt: Abo-Modell statt Gacha

Die Abkehr von klassischen Gacha-Mechaniken für den europäischen Server von Ragnarok Zero: Global zählte zu den zentralen Ankündigungen der Player Conference. Stattdessen plant Gravity ein transparentes Abonnement-Modell, das gezielt auf die Bedürfnisse westlicher Spieler zugeschnitten sein soll, um für mehr Chancengleichheit zu sorgen.

Die Entwickler des Spiels gaben zwar zu, dass die Wahrnehmung von „pay-to-win“ letztlich subjektiv sei, versicherten jedoch, dass im Shop keine spielentscheidenden Vorteile oder direkten Level-ups zum Verkauf stehen werden. Es sind lediglich Komfortfunktionen vorgesehen.

Ob dieses Versprechen in der Praxis langfristig gehalten werden kann und wie schmal der Grat zwischen reinen Komfortfunktionen und spürbaren spielerischen Vorteilen am Ende tatsächlich ausfällt, bleibt abzuwarten, wobei die Einordnung hier eine entscheidende Rolle spielt.

Die Erfahrung mit ähnlichen MMO-Launches zeigt, dass die finale Ausgestaltung des Ingame-Shops oft erst nach der Veröffentlichung kritisch von der Community bewertet werden kann. Der Einblick in den Shop der offenen Beta hat jedenfalls gezeigt, dass zumindest Items verfügbar sind, die Drop-Chancen und erhaltene Erfahrungspunkte erhöhen.

Designed from „Zero“: Gameplay, Komfort & User-Generated Content

Ragnarok Zero: Global wurde buchstäblich von null auf neu konzipiert. Die Entwickler analysierten die Kernidentität des klassischen Ragnarok Online intensiv, um beliebte Tugenden beizubehalten und gleichzeitig moderne Standards einzuführen. Zum offiziellen Launch am 18. August startet das Spiel mit den sechs klassischen Grundberufen sowie exklusivem Story-Content in einer brandneuen Episode.

Ein wesentliches Kern-Feature ist das stark modernisierte und flexibel platzierbare User Interface. Spieler können frischen Wind über den stylischen Valkyrie-Skin genießen oder auf Wunsch nahtlos auf das vertraute Classic UI umschalten. Um den teils monotonen Grind für simple Aufgaben zu minimieren, wird ein Auto-Hunting-System definiert, über das Items und Skills automatisch genutzt werden können.

Die Entwickler betonten jedoch ausdrücklich, dass dieses System rein für einfache Routine-Tasks gedacht und für das anspruchsvolle Endgame völlig ungeeignet ist. Die Community erwartet im Rahmen der MVP Raids zudem dedizierte PvE- und PvP-Zonen, Bosskämpfe mit angepassten MVP-Rates sowie abwechslungsreiche monatliche Challenges.

Ein echtes Highlight für die Community ist das User-Generated-Content-System RO Factory. Zum ersten Mal können Spieler eigenen Ingame-Content entwerfen und teilen. Das Feature startet zum Launch komplett kostenlos und bietet anpassbare Footstep FX. Der weitere Ausbau sowie spätere Monetarisierungsmodelle der RO Factory befinden sich aktuell noch in der Evaluierung.

Die vollständige Roadmap: Der Update-Fahrplan für das erste Jahr

Für die kommenden Monate liegt der Plan für die Inhalte vor. Für Veteranen ist Folgendes besonders wichtig: Im gesamten Zyklus wird es nur Second Jobs geben, aber kein Rebirth-System.

Lokalisierung, Kreativ-Wettbewerbe & Multimedia-Zukunft

Kulturelle Identität ist für Gravity von großer Bedeutung. Unter dem Motto „Music & Events“ werden berühmte Musikstücke des Spiels mit landestypischen Instrumenten neu eingespielt. So erhält Deutschland eine eigene, traditionell angereicherte Version des legendären Morroc Themes.

Passend dazu wird es mit Nordfeld eine komplett eigene Ingame-Karte geben, die in Architektur und Atmosphäre direkt von Deutschland inspiriert ist. Frankreich erhält eine folkloristische Version von „Christmas in the 13th Month“.

Um die Bindung zur Community zu festigen, wurden diverse Contests gestartet, die unterschiedliche Zielgruppen ansprechen. Beim Music Challenge Event können Fans Soundtracks covern und neu interpretieren. Beim Fan Art Contest geht es darum, Pixel-Art, Comics und Emotes zu erstellen, die möglicherweise sogar auf offiziellem Merchandise verewigt werden.

Zudem werden über das Programm First Hero Creator Content Creator direkt eingebunden, um als Bindeglied hochwertige Guides und Highlight-Videos für die Community zu produzieren.

Langfristig soll Ragnarok zu einem gewaltigen Multimedia-Franchise ausgebaut werden: Sechs neue Games wurden für die kommenden Jahre bestätigt und die Produktion einer eigenen TV-Serie, eines Stage-Musicals und einer Webserie angedeutet. Weiterhin soll vor allem das Merchandise mit den ikonischen Charakteren weiter ausgebaut werden.

Der schwierige Spagat zwischen Nostalgie und Moderne

Bildmaterial: Ragnarok Zero: Global, Gravity Game Unite

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Titel	Honkai: Nexus Anima
	TBA
	Cognosphere
	TBA
	Cognosphere
	TBA
	Cognosphere
System	PC, Android, iOS
Getestet für	PC
Entwickler	miHoYo
Genres	Abenteuer, Strategie
Texte
Vertonung

Liebens- und verachtenswerte Charaktere bieten einen starken Einstieg

Wie bereits Petit Planet vor wenigen Wochen startet Honkai: Nexus Anima extrem stark – in mehreren tollen Zwischensequenzen wird euch mit dem etwas überreizten Klischee des Helden mit Gedächtnisverlust erklärt, wie diese wundersame Welt funktioniert – und warum die Nexus Anima und zum Teil auch die Menschen spezielle Fähigkeiten haben.

Leider nutzen auch eure Gegenspieler diese besonderen Fähigkeiten und machen uns so das Leben schwer. Bereits nach wenigen Stunden Spielzeit empfinden wir die Antagonisten als wirklich unangenehm und verachtenswert – und das nicht nur, weil sie es auf unser Leben abgesehen haben.

Nur dank unerwarteter Entwicklungen können wir in letzter Sekunde aus den lebensgefährlichen Situationen entkommen. Die Antagonisten sind überzeugend geschrieben und charakterliche Unsympathen, die wesentlich glaubwürdiger sind und strategischer vorgehen als die teilweise trotteligen Antagonisten in den Konkurrenzspielen.

In Honkai: Nexus Anima ist es wirklich unangenehm, eine durchaus intelligente Yandere-Charakterin an den Fersen zu haben, die nun voller Hass ist und sich für einen vergangenen Herzensbruch – an welchen wir uns nicht erinnern – an uns rächen möchte. Um es direkt zu sagen: Einen Anime mit dieser Story würden wir uns auch ansehen.

Beta wirkt bereits wie aus einem Guss

Das Gameplay entspricht den Erwartungen. Honkai: Nexus Anima ist ein relativ simples Abenteuer im Stile der bisherigen HoYoverse-Titel, das an einigen Stellen aufpoliert wurde. Positiv fällt besonders das übersichtliche Menü auf, das deutlich weniger überladen wirkt als das vergangener Spiele des Entwicklers.

Die Monstersammel-Mechanik mit der entsprechenden Enzyklopädie dahinter ist durchaus nett, aber geht keine unbekannten Wege. Die Materialschlacht beim „Binden“ der Nexus Anima im späteren Spielverlauf ist vorhersehbar grindlastig, wenn man „sie alle schnappen“ und aufleveln will, um bestmögliche Teams zusammenzustellen.

Kampfsystem überzeugt nach kurzer Eingewöhnung

Das Autobattle-Kampfsystem, das wir als einen echten Wackelkandidaten des Spiels sahen, überzeugt nach einer kurzen Eingewöhnungsphase. Die 9-vs.-9-Kämpfe laufen größtenteils automatisch ab, können jedoch durch Spezialfähigkeiten der menschlichen BegleiterInnen beeinflusst werden.

Bei herausfordernden Kämpfen ist es wichtig, seine Nexus Anima strategisch geschickt auf dem Spielfeld zu platzieren und die Spezialfähigkeiten im passenden Moment zu aktivieren. Manche Monster sind vor allem im 1-vs.-1 stark, während andere ihr volles Potenzial erst entfalten, wenn sie von mehreren Gegnern umzingelt sind. Wiederum andere greifen besser aus der Distanz an.

Dazu gibt es die bekannten Vor- und Nachteile bei den Typen. All das zeigt schon in den ersten Spielstunden, dass uns im späteren Spielverlauf taktische Kämpfe erwarten, die durch mehrere unterschiedliche Faktoren beeinflussbar sind. Jedoch ist auch klar: Die Kämpfe sind eher indirekt kontrollierbar und die Strategie zu Beginn des Kampfes entscheidet, denn während des Kampfes gibt es nur wenig Einflussmöglichkeiten.

Übrigens haben bei weitem nicht alle Nexus Anima Entwicklungsstufen – in der Beta sind nur eine geringe Anzahl an Monstern überhaupt abseits der Level, also auch „physisch“ veränderbar. In der Regel sind das die seltenen 5-Sterne-Monster, für die man zudem noch besondere Voraussetzungen vor der Entwicklung erfüllen muss – etwa einen bestimmten Story- oder Nebenmissionen-Fortschritt.

Die Entwicklungen selbst sind aktuell noch etwas schwach präsentiert – da geht sicher noch mehr bis zur Vollversion. Wer allerdings gerne Monster jagt, kann täglich ein Nexus Anima mit Farbabweichungen (hier „Chroma“ genannt) einfangen. Allerdings auch hier – es kann in eine grindlastige Materialschlacht ausarten, sie alle haben zu wollen.

Technisch auf der Höhe der Zeit

Technisch überzeugt Honkai: Nexus Anima in vielen Punkten. HoYoverse kann die Stärken der bisherigen Titel eins zu eins ins neue Spiel übernehmen. Die Technik borgt man sich zum Teil sehr offensichtlich von Zenless Zone Zero, auch einfache Raytracing-Effekte wie RTGI, RT-Reflexionen und RT-Schatten sind mit am Start und lassen die Grafik auf PCs der unteren Mittelklasse überzeugend wirken – auch wenn diese inzwischen leider auch schon um die 1000 Euro kosten.

Stilistisch und im Charakterdesign orientiert man sich dagegen an Honkai: Star Rail. Das Monsterdesign ist kreativ, aber zum Teil gewöhnungsbedürftig. Die Animationen sind passend und halten besonders bei den Idle-Animationen gelegentlich Überraschungen bereit.

Dazu kommt ein orchestraler Soundtrack und eine bis auf den Hauptcharakter vertonte, mitreißende Hauptstory mit mehreren Zwischensequenzen. Ebenfalls positiv: Bis auf den Start des Spiels gibt es keine nennenswerten Ladezeiten und das, obwohl die offene Spielwelt vergleichsweise groß und detailreich ist.

Mit ein wenig Mut könnte man die wenigen, sehr kurzen Ladebildschirme am PC auch ganz entfernen, durch kurze Übergangseffekte ersetzen und so den nahtlosen Eindruck der Spielwelt verstärken. Der Titel wirkt technisch ungewöhnlich stark für eine Beta. Ein wirklicher Mangel ist nur der bisher fehlende Controllersupport.

Ein möglicher Top-Titel im Bereich der Monstersammler

Bildmaterial: Honkai: Nexus Anima, miHoYo, Hoyoverse

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Nach eigener Aussage „aus der Liebe zu RPGs geboren“ erregte die junge Spieleschmiede vor allem dadurch Aufmerksamkeit, dass sie sich aus diversen ehemaligen Entwicklern und Entwicklerinnen zusammensetzt, die an Genre-Schwergewichten wie The Witcher 3 und Cyberpunk 2077 mitwirkten. Spätestens nach den ersten handfesten Spieleindrücken schien für viele Hexer-Fans sonnenklar: Das ist doch The Witcher mit Vampiren!

Mittlerweile haben wir satte vier Stunden in „Dawnwalker“ reinspielen dürfen und ja, auch wenn das Kreuz sicher schwer wiegt: Die Vergleiche mit dem Genre-Primus sind gerechtfertigt. Mit einem erfrischenden Spielkonzept und vielen anregenden Ideen muss sich „Dawnwalker“ aber nicht im Schatten des beliebten Hexers verstecken. Im Gegenteil.

Der König ist tot, lang lebe der König

Unsere Hands-on-Session beginnt mit dem atmosphärischen Auftakt des Spiels. Die Pest beutelt das Land und Volk von Vale Sangora. Vampirfürst Brencis und sein Hof machen sich diese verzweifelte Lage zunutze, um den König zu stürzen und ein eigenes finsteres Regime zu installieren. Der neue Machthaber befreit sein Volk vom schwarzen Tod, Steuern und anderen weltlichen Nöten. Im Gegenzug haben „seine Lämmer“ lediglich ein paar Tropfen Blut im Rahmen regelmäßiger „Gottesdienste“ zu spenden. 

Als wir zum Einstieg in die Rolle von Coen schlüpfen, steht eine solche Blutmesse für den Abend an. Bis dahin bleiben aber noch einige Stunden, die es produktiv zu füllen gilt. Die Mutter bedarf etwa einer Arznei, während sich die Geschwister Hilfe beim Fischen wünschen. Auch außerhalb der eigenen vier Wände buhlen die Nachbarn um unsere Aufmerksamkeit: Ein Grabräuber will gefasst werden; ein Bauer beklagt den Diebstahl seines Viehs; ein Raufbold provoziert eine Keilerei.

Das ist nur ein kleiner Auszug der vielseitigen Interaktionsmöglichkeiten, die sich bereits in den ersten Minuten des Spiels auftun. Und mit diesen präsentiert „Dawnwalker“ auch gleich seine größte Besonderheit: Alles erleben, können wir nicht. Während uns vergleichbare Titel die Freiheit geben, jeder Beschäftigung nachzugehen, ehe wir die Hauptgeschichte vorantreiben, spielt Zeit in „Dawnwalker“ eine elementare Rolle. 

Abenteuer mit Terminkalender

Keine Sorge: Eine gnadenlos im Nacken tickende Uhr müsst Ihr deshalb nicht befürchten. Vielmehr etabliert „Dawnwalker“ einen Umgang mit Zeit als Ressource. Will heißen: Wann immer wir uns zu einer wesentlichen Unternehmung entschließen, schreitet die Zeitanzeige am oberen, rechten Bildschirmrand um eine im Vorfeld festgelegte Anzahl an Segmenten voran. Wir wissen genau, wie wieviel Zeit mit unser geplanten Aktion verstreichen wird und haben so immerzu volle Kontrolle über unseren Tagesablauf. Stellt Euch das System wie eine ausgeprägtere Variante des Zeitmanagements in Persona vor.

Daraus resultiert, dass wir uns quasi ab Minute 1 in der Situation wiederfinden, Prioritäten setzen zu müssen. Vielleicht helfen wir den Geschwistern beim Angeln, schlagen allerdings die Bitte ab, eine Pause zum Fangen spielen einzuschlagen. Vielleicht lassen wir uns mit dem Apothekengang für die Mutter hingegen Zeit, weil die charmante Kräuterdame eine spontane Lateinstunde in Aussicht stellt. Immer wieder konfrontiert uns der Titel mit großen und kleinen Optionen, die Einfluss auf unser Abenteuer nehmen und deren Konsequenzen mal mehr, mal weniger durchsichtig sind. 

Für manch einen RPG-Fan, der am liebsten jeden Stein umdreht und jedem Hilfesuchenden unter die Arme greift, ehe er mit der Hauptquest voranschreitet, mag das wie ein spielgewordener Albtraum klingen. Und ja, dieses sehr eigene Spieldesign wird sicher nicht jedem munden. Wir sind allerdings begeistert von der Art und Weise, wie organisch „Dawnwalker“ dieses fundamentale Designelement umsetzt und haben schnell das Gefühl, unser eigenes Abenteuer zu erleben. 

Anregendes Kampfsystem

Aber was bedeutet Abenteuer überhaupt? Habt ihr bereits ausgiebig Zeit an der Seite von Promi-Hexer Geralt verbracht, dürftet ihr euch auch in Coens Haut im Handumdrehen wohl fühlen. Sei es in Hinblick auf die grundlegenden Spielmechaniken, die Steuerung oder auch Menüs und User Interface – der Hintergrund der Chef-Entwickler liegt immerzu offensichtlich auf der Hand.

Eine der größten spielerischen Eigenheiten liefert allerdings das Kampfsystem. In einer Art Hybrid zwischen den „Arkham“-Spielen und Kingdom Come Deliverance setzen wir uns regelmäßig in Schwertkämpfen gegen Feinde zur Wehr. Dabei steht es uns offen, einfache Angriffe und Verteidigungsmanöver zu nutzen. Sinnvoller ist es aber, dass wir uns an die Haltungen unserer Gegner anpassen.

Im Vorhinein eines Angriffes deuten diese nämlich die Richtung an, aus der sie zuschlagen wollen. Reagieren wir mit einem entsprechend ausgerichteten Block, schonen wir nicht nur unsere Ausdauer, sondern bekommen gleichzeitig die Chance zu verheerenden Paraden, die unsere Gegner kurzzeitig schutzlos zurücklassen. Auf die gleiche Weise können wir unsere Angriffe per Richtungseingabe beeinflussen, um die Verteidigung von Feinden zu umgehen. 

Das bedarf zweifellos etwas Eingewöhnungszeit. Schon bald fühlen wir uns aber wohl und nehmen es zeitgleich (und reichlich blutig) mit mehreren Schergen zur selben Zeit auf. Lediglich die Kamera spielt uns dabei immer wieder mal ein Streich. Droht uns die feindliche Überzahl doch mal zu übermannen, machen wir von nützlichen Tricks Gebrauch. Wir setzen etwa zum Rundumschlag an oder werfen Gegnern Dreck in die Augen. 

Als Vampir hat man es nicht leicht

Nach einem produktiven Tag bricht die Nacht an und es kommt, wie es kommen muss: Die Blutmesse endet im dramatischen Chaos. Wir sparen uns an dieser Stelle die Details und verraten nur so viel, dass „Dawnwalker“ in Sachen Präsentation durchaus die Muskeln zu spielen lassen weiß. Der verhängnisvolle Gottesdienst endet jedenfalls mit unserer Verwandlung in den titelgebenden Dawnwalker. Fortan profitieren wir bei Nacht von den Fähigkeiten eines Vampirs, während wir die Sonnenstunden des Tages weiterhin in menschlicher Form genießen – Comic-Star Blade lässt grüßen. 

Die Vampir-Komponente markiert das zweite große Alleinstellungsmerkmal neben dem Zeitmanagement und durchsetzt auf ganz ähnliche Weise sämtliche Aspekte der Spielerfahrung. Bei der Erkundung der Welt laufen wir nun mühelos an Wänden und Decken entlang, während wir in Nebelgestalt über Abgründe hinweg schnellen. Unsere übernatürlichen Kräfte kommen allerdings mit einem Haken: Als Vampir müssen wir immerzu unsere Lebensanzeige und damit unseren Hunger im Auge behalten. Der wird im Verlauf immer größer; fällt unsere Lebensleiste unter einen bestimmten Wert, verlieren wir gegebenenfalls sogar die Kontrolle über Coen. 

So kommt es dann auch. Als wir einen Freund ansprechen, verfliegen zuvor verfügbare Dialogoptionen plötzlich. Stattdessen sind wir gezwungen, zuzubeißen, um unseren Durst zu stillen. Eine heikle Situation, die wir hätten verhindern können, wenn wir zuvor bei wilden Tieren oder Feinden zugebissen hätten.

Stichwort „Feinde“: Auch im Kampf profitieren wir von unseren neu erlangten Kräften. Wir schlagen mit unseren Klauen zu, setzen zu raschen Ausweichschritten an und nutzen spezifische Vampirfähigkeiten – darunter eben das Aussaugen von Schergen. Im weiteren Spielverlauf wächst das Repertoire an Fähigkeiten; vorausgesetzt, wir investieren nicht nur die entsprechenden Fähigkeitenpunkte, sondern ebenso Zeit. 

30 Tage, 30 Nächte

Der mehrstündige Prolog endet mit der Entführung von Coens Familie durch Chef-Vampir Brencis. Ab diesem Zeitpunkt öffnet sich die Welt für unser eigentliches Abenteuer, dessen Ziel klar formuliert ist: Wir haben 30 Tage und Nächte Zeit, um unsere Familie aus den Fängen von Brencis zu befreien. Nach Aussage des Entwicklerteams sei das quasi von Tag 1 an möglich, wenngleich überbordend schwer. Stattdessen gilt es die gegebene Zeit sinnvoll zu nutzen, um möglichst gestärkt an die Tür des Vampirfürsten zu klopfen. 

Die Möglichkeiten, die sich mit dem Öffnen der Welt auftun, scheinen dem ersten Eindruck nach unheimlich vielfältig. Wir können etwa beträchtlich Zeit in den Ausbau von Coens Fähigkeiten investieren. Genauso sinnvoll kann es aber sein, Gefährten für unsere Sache zu gewinnen und die Infrastruktur des fiesen Regimes zu destabilisieren. Das bisschen Zeit, das uns noch im Rahmen der Hands-on-Session bleibt, nutzen wir, um Brencis-Anhänger Ambrus das Leben schwer zu machen – wir infiltrieren etwa diverse Lager, um seine Blutvorräte zu zerstören. Die ersten Erfolge unserer Bemühungen werden bald ersichtlich, als unser Ruf als Vampirschreck steigt. 

Für ein handfestes Urteil darüber, wie gut die Zeitmanagement-Komponente mit der offenen Welt harmoniert, reichen diese ersten Abenteuerchen kaum aus. Sehr wohl aber zeichnet sich bereits das Potenzial der grundlegenden Spielidee ab. Nach Aussage des Teams sollen wir rund 80 Prozent der Inhalte im Rahmen eines Spieldurchgangs erleben können. Dabei soll selbst die Rettung unserer Familie keine Pflicht sein. Das Spiel gehe nach den 30 Tagen weiter und wir sollen so unsere ganz individuelle Geschichte schreiben. Und darauf haben wir tatsächlich schon jetzt mächtig Lust.

Potenzial zum Genre-Juwel

Bildmaterial: The Blood of Dawnwalker, Bandai Namco, Rebel Wolves

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Besonders der handgezeichnete Look wirkt trotz der vollständig in 3D gehaltenen Modelle erstaunlich gut getroffen. Auch die in 12-24 FPS gerenderten Charaktere ließen echtes Retro-Röhrenferhseher-Feeling aufkommen.

Doch ein Trailer kann nicht alles zeigen – uns interessierte daher nicht nur das Gameplay, sondern auch das gesamte Spiel, von der grafischen Qualität, den Zwischensequenzen, der Vertonung und dem Spielgefühl. In den knapp 50 Minuten, die wir mit dem Spiel verbringen konnten, steigerte sich die Begeisterung stetig.

Herausragender Artstyle beeindruckt

Kepler Interactive veröffentlicht bevorzugt Spiele mit großartigem Artystle, Clair Obscur: Expedition 33 ist ein herausragendes Beispiel. In diesem Bereich liefert auch Orbitals ab: Wir waren erstaunt, mit wie viel Liebe zum Detail der 80er-Anime-Stil konsequent durchgezogen wird.

Nicht nur die Charaktere und Umgebungen könnten direkt aus einem Retro-Anime aus der besten Zeit der Röhrenfernseher entsprungen sein, auch die Animationen, Videos und sogar Teile des Menüs sind überzeugend und lassen phasenweise vergessen, dass man tatsächlich ein Videospiel spielt.

Das ist kein Zufall, dahinter steckt harte Arbeit: Studio Massket, bekannt für seine Animationsarbeit bei BNA, Yuru Camp, Needy Girl Overdose und einzelnen „One Piece“-Folgen unterstütze die Entwickler bei Shapefarm – und konnte angeblich selbst noch einiges lernen, denn der Animationsstil mit klassischen Animation Cels der 80er ist heute kaum noch üblich.

Auch in anderen Punkten ist Orbitals top: Das Spiel ist vollständig Deutsch vertont und engagiert dafür bekannte deutsche Synchronsprecher. Zu denen zählen Vincent Fallow (Clive Rosfield in Final Fantasy XVI) sowie Tim Knauer (Dick Grayson in Gotham Knights) oder Kai Hendrik Möller, Anja Topf und Franciska Friede.

Wirklich herausragend wurde das Spiel aber mit der japanischen Sprachausgabe, die das Anime-Gefühl perfekt einfängt. Dazu kommen noch ein toller Opening-Song und liebevoll animierte Zwischensequenzen.

Technisch überzeugte das Spiel ebenfalls, zeitgemäße Grafikeffekte verbanden sich perfekt mit dem verwaschenen, auf Retro getrimmten Look. Dazu wird das Spiel auch vollständig auf einer „Switch 2“-Cartridge erscheinen, wie man uns versicherte.

Lustiges Koop-Spiel mit interessanten Kombinationsrätseln

Spielerisch gibt es wenig zu bemängeln: Das Gameplay war geradlinig und die Missionsziele jederzeit klar, die Puzzles teilweise herausfordernd und kreativ, aber trotzdem nach kurzem Überlegen einfach zu verstehen.

Tricky sind die wechselnden Waffen, die gemeinsam in Kombination neue Effekte hervorrufen können und so manchmal einen Moment innehalten lassen für die Lösung des Rätsels. Die Laser-Waffe sorgt in Kombination mit dem Greifhaken nicht nur dafür, dass manche Tiere dem Licht folgen wie eine Katze einem Laserpointer, sondern kann auch Stahl zum Schmelzen bringen – das dann wiederum mit dem Greifhaken gebogen werden kann, um den Weg freizumachen.

Phasenweise erinnerten uns die Koop-Rätsel an Portal 2 – im besten Sinne! Auch das ist kein Zufall: Der Game Director arbeitete bereits an It Takes Two und Split Fiction.

Allgemein waren wir angetan vom Detailreichtum des Spiels: Orbitals strotzt vor kleinen Details und Interaktionen, die es lebendig wirken lassen: Tee trinken, Eimer umkicken, Haustiere streicheln oder wahlweise ärgern, Minigames spielen und vieles mehr machen die etwas lineare Umgebung interaktiv und interessant. Das Raumschiff wird im Verlauf des Spiels auch lebendiger, immer wieder finden wir neue Freunde auf den Reisen, die uns für den Rest des Spiels begleiten.

Schade: Orbitals ist rein auf Koop ausgelegt ist und besitzt keinen Singleplayer-Modus. Immerhin wird es dank GameShare möglich sein, mit einer Cartridge zwei Geräte zu nutzen, auch über das Internet – und mit einer einfachen Nintendo Switch als empfangendes Gerät.

Ein Anime zum Anfassen

Bildmaterial: Orbitals, Kepler Interactive, Shapefarm

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Mit Splatoon Raiders geht Nintendo nun aber einen Schritt weiter. Statt den Einzelspieler nur als Ergänzung mitzudenken, steht er diesmal klar im Mittelpunkt. Der neue Titel verschreibt sich fast vollständig dem Solo-Ansatz. Warum dabei aber auch Fans des Multiplayer-Modus aufmerksam werden sollten, zeigt sich schon nach den ersten Stunden.

Passend dazu hat Nintendo heute auch die bereits angekündigte Splatoon Raiders Direct ausgestrahlt und damit noch einmal ausführlicher gezeigt, wohin die Reise diesmal geht. Wir hatten allerdings schon vorab die Gelegenheit, das Spiel selbst anzuspielen und uns einen ersten Eindruck zu verschaffen.

Wie sich Raiders als vollwertiges Singleplayer-Abenteuer schlägt und warum darin vielleicht trotzdem mehr klassisches Splatoon steckt, als man zunächst denken könnte, verraten wir euch in unserer Vorschau.

Mit dem Surimi Syndicate auf Schatzsuche

In Splatoon Raiders sind wir gemeinsam mit dem Surimi Syndicate unterwegs, das viele natürlich bereits aus Splatoon 3 kennen dürften. Lange verläuft diese Reise allerdings nicht nach Plan, denn schon bald strandet unsere Gruppe auf den sogenannten Spiralit-Inseln. So unbewohnt und idyllisch, wie man vielleicht zunächst denken könnte, sind diese allerdings nicht. Stattdessen treiben sich hier ausgerechnet die Salmoniden herum, die uns ziemlich schnell an den Kragen wollen.

Der Grund für unseren Ausflug ist nämlich eine Schatzsuche. Auf den Inseln gilt es, möglichst viele wertvolle Fundstücke einzusammeln und im Grunde alles mitzunehmen, was nicht bei drei auf dem Baum ist. Ganz so entspannt, wie das zunächst klingt, wird es durch die ständige Gegenwehr der Gegner aber natürlich nicht.

Salmon Run lässt grüßen

Wer bei den Salmoniden sofort an Salmon Run denken muss, liegt natürlich richtig. Die Gegner kennen wir bereits aus dem Koop-Modus der vorherigen Teile – und auch spielerisch fühlt sich Splatoon Raiders stellenweise fast wie eine Weiterentwicklung genau dieses Konzepts an.

In den Missionen kämpfen wir uns durch mehrere Gegnerwellen, die Levels sind dabei meist eher schlauchartig aufgebaut und setzen den Fokus klar auf Gefechte und Beutezüge. Gleichzeitig suchen wir in den überschaubaren Abschnitten nach Schätzen und weiteren Belohnungen. Gerade in diesen Momenten erinnert Raiders also durchaus an eine Singleplayer-Variante von Salmon Run, nur eben mit etwas mehr Struktur und zusätzlichen Systemen.

Viele Waffen, viele Gimmicks, viel Experimentierfreude

Ganz allein sind wir auf den Spiralit-Inseln aber nicht unterwegs. Unterstützt werden wir von einem freundlichen Roboter, der von einem Mitglied des Surimi Syndicate gesteuert wird. Im Kampf greifen wir selbst auf viele bekannte Waffen aus der Reihe zurück, darunter etwa Kleckser, Blaster oder Farbrolle – also ganz klassisch Splatoon.

Spannender wird es bei den zusätzlichen Gimmicks, die wir ausrüsten können und die teilweise ein wenig an die Sekundärwaffen der Vorgänger erinnern. So konnten wir etwa einen kleinen Geschützturm platzieren, der kontinuierlich Farbe verschießt, oder eine Art kreiselnden Angriff losschicken, der fast schon an ein Beyblade erinnert und sich auf Gegner stürzt.

Generell scheint Nintendo hier großen Wert auf Vielfalt und Experimentierfreude zu legen. Laut den EntwicklerInnen soll es über 100 Waffenkombinationen geben, dazu kommen zahlreiche Gimmicks mit unterschiedlichen Effekten. Diese benötigen wiederum verschiedene Farbtanks, was im Spielablauf durchaus wichtig wird.

Manche Herausforderungen setzen sogar voraus, dass man die unterschiedlichen Tankarten gezielt einsetzt. Einfach nur eine Lieblingswaffe ausrüsten und sich durch sämtliche Gegnerhorden klecksen, funktioniert also eher nicht. Stattdessen will Splatoon Raiders, dass man sich mit seinem Arsenal wirklich auseinandersetzt.

Fokus auf Kampf statt Erkundung

Die einzelnen Missionen wählen wir über eine Oberwelt aus, bevor es in das jeweilige Level geht. In der Anspielsession wirkten diese Abschnitte noch nicht besonders weitläufig oder verwinkelt. Zwar gibt es hier und da Sammelgegenstände, wirklich gut versteckt waren diese bislang aber nicht.

Der Fokus liegt damit zumindest nach unserem ersten Eindruck klar stärker auf den Kämpfen als auf ausgiebiger Erkundung. Das muss nichts Schlechtes sein, zumal das Spiel genau dort auch seine größten Stärken ausspielt. Wer allerdings auf ein großes Abenteuer mit vielen Geheimnissen und verwinkelten Gebieten hofft, sollte seine Erwartungen vielleicht etwas anpassen.

Überraschend fordernd

Auffällig war in unserer Anspielsession auch der Schwierigkeitsgrad. Die Level, die wir ausprobieren durften, hatten es teilweise durchaus in sich. Sobald mehrere Wellen von Salmoniden gleichzeitig auf uns zustürmen, kann es schnell hektisch und stressig werden – ganz ähnlich wie eben auch im Salmon Run-Modus.

Gerade dadurch entsteht aber auch eine angenehme Spannung. Man ist ständig in Bewegung, muss die Übersicht behalten, seine Waffen sinnvoll einsetzen und gleichzeitig darauf achten, von den Gegnern nicht überrannt zu werden. Splatoon Raiders wirkt dadurch deutlich actionreicher, als man bei einem reinen Singleplayer-Ableger vielleicht zunächst erwarten würde.

Auch im Koop spielbar

Komplett allein muss man sich diesen Herausforderungen übrigens nicht stellen. Jedes Level lässt sich auch im Koop mit bis zu drei weiteren SpielerInnen bestreiten. Auch das konnten wir ausprobieren – und gerade hier entfaltet das Spiel noch einmal einen etwas anderen Reiz.

Vor allem in den sogenannten Dungeons, die wie kleine Challenge-Räume aufgebaut sind und mit Zeitlimit sowie begrenzten Leben arbeiten, kann es im Team richtig spannend werden. Diese Abschnitte wirkten in unserer Session durchaus fordernd und haben im Koop noch einmal deutlich mehr Spaß gemacht. Entsprechend dürfte Splatoon Raiders nicht nur für reine Solo-Fans interessant sein, sondern auch für alle, die Splatoon eigentlich wegen des gemeinsamen Spielens mögen.

Die große Frage nach der Langzeitmotivation

Am Ende bleibt aber natürlich noch die wichtigste Frage: Trägt der Gameplay-Loop auch über längere Zeit? Grundsätzlich gibt es durchaus Fortschrittssysteme, die motivieren sollen. Wir werden nach und nach stärker, verbessern unsere Ausrüstung und schalten neue Möglichkeiten frei. Das sorgt durchaus für einen angenehmen Flow und macht kurzfristig auch Spaß.

Ob Splatoon Raiders dieses Konzept aber wirklich über viele Stunden hinweg spannend halten kann, lässt sich nach der Anspielsession noch nicht endgültig sagen. Viel wird davon abhängen, wie abwechslungsreich die späteren Missionen, Gegnertypen und Herausforderungen ausfallen. Wer mit Salmon Run und den Story-Modi der bisherigen Teile ohnehin schon viel anfangen konnte, dürfte hier aber sehr wahrscheinlich auf seine Kosten kommen. Wer mit genau diesen Elementen bislang eher wenig anfangen konnte, wird vermutlich auch Raiders nicht plötzlich lieben.

Splatoon kann auch ohne Multiplayer

Bildmaterial: Splatoon Raiders, Nintendo

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A-E-I-O-U!

Im Zuge unserer Hands-on-Session spielten wir im Handheld-Modus einer Switch-2-Konsole. Die fünf Solo-Minispiele, auf die wir dabei Zugriff hatten, ließen ab Minute 1 keinen Zweifel aufkommen, dass uns hier ein klassisches „Rhythm Paradise“-Spiel erwartet.

Im amüsanten „Tomodachi“-Quack bekommen wir zum Einstieg die Basics jedes Minispiels erklärt und dürfen uns wahlweise auch warmgrooven, ehe es „ernst wird“. Die Mechaniken sind flott verinnerlicht, auch der neue Ableger rückt nicht von seiner „Simpel, aber anspruchsvoll“-Formel ab.

Im Minispiel „Ringe-Reihe“ folgen wir dem Rhythmus unserer quirligen Kameraden, um im richtigen Moment durch Ringe zu springen. Regelmäßige amüsante Ausrufe der fünf Vokale helfen dabei, im Takt zu bleiben. Im Verlauf variiert das Tempo, sodass wir uns immer wieder auf einen neuen Takt einlassen müssen. Hier greift definitiv eher der „Simpel“- statt „Anspruchsvoll“-Part des Serien-Grundsatzes.

So auch bei der „Schirmchen-Show“, die einem ähnlichen Prinzip folgt, zumindest aber etwas am Anspruch schraubt. Hier wollen tänzerische Regenschirme im Takt und der richtigen Abfolge geöffnet oder geschlossen werden.

Merklich anspruchsvoller wird es da schon im Minispiel „Scheibenfangen“. Hier schlüpfen wir in die Rolle eines Hundes, um im richtigen Moment die heransausenden Frisbees des Frauchens zu schnappen. Fällt es eingangs noch leicht, im Rhythmus zuzuschnappen, wirft uns das Spiel im Verlauf immer frecher Stöcke in die Speichen. Die Kamera rückt etwa vom Geschehen ab, sodass wir uns zeitweise nur noch auf unser Gehör verlassen können. Gerade diese kniffligen Situationen, in denen höchste Konzentration (oder eben Taktgefühl) gefragt ist, bereiten viel Spaß. So auch der wilde Remix-Modus, der Sequenzen aus allen Minispielen nach Zufallsprinzip aneinanderreiht.

Rhythmusspiel trifft RPG

So richtig catcht uns dann aber der Modus „Beatspell“. Als sympathischer Hybrid zwischen Rhythmusspiel und RPG aufgezogen, präsentiert sich der neue Modus deutlich komplexer als die kurzweiligen Minispiele. Hier gilt es, sich Level für Level Feinden in quasi-rundenbasierten Kämpfen zu stellen.

Ein Marker wandert im Uhrzeigersinn den Aktionstasten entlang; durch zeitige Eingabemuster wirken wir Zauber wie Feuerbälle, um Feinden zu schaden. Was simpel beginnt, wird mit jedem Level anspruchsvoller. Wir erlernen neue Zauber mit neuen Tastenfolgen (etwa Heilung), um auf die aktuelle Spielsituation zu reagieren. Dadurch gilt es immer wieder in Echtzeit den Rhythmus anzupassen. Zwischen den Levels werten wir unsere Zauber auf, um für die nächsten Herausforderungen gewappnet zu sein. Insgesamt blieben die ersten zwei verfügbaren Levels noch weitgehend simpel; der Modus sprüht aber vor spaßigem Potenzial.

Für eine abschließende Partie im Mehrspieler-Modus wechselten wir dann noch in den TV-Modus. In „Ninja Garde“ schließen wir uns zu viert zusammen, um den Shogun vor Attentätern zu schützen. Dazu gilt es anfliegende Pfeile im richtigen Moment vom Himmel zu schneiden. Regelmäßige Anpassungen des Taktes brachten uns dabei immer wieder amüsiert ins Straucheln. Im Minispiel „Pünktlich Naschen“ ist der Name ebenfalls Programm: Es gilt einen Countdown herunterzuzählen und erst möglichst genau zum Startschuss nach den leckeren Desserts zu greifen – wer dem goldenen Zeitpunkt am nächsten kommt, gewinnt. Einen Innovationspreis gibt es dafür sicher nicht, Spaß hatten wir in der Gruppe trotzdem jede Menge.

Ein paar abschließende Worte zur Technik: Rein visuell präsentiert sich der Titel mit seinem „Wario Ware“-Look gewohnt rudimentär. Auf akustischer Ebene erfreuen aber regelmäßige musikalische Einschübe, zu denen auch manch bekannte Künstler beitragen.

Rhythmischer Schabernack mit Potenzial

Bildmaterial: Rhythm Paradise Groove, Nintendo

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Aber Achtung: Wer auf eine brandneue Mission der „Star Fox“-Crew hofft, sollte seine Erwartungen zurückschrauben. Nach dem eher durchwachsenen Wii-U-Experiment Star Fox Zero, setzt Nintendo mit dem Switch-2-exklusiven und schlicht betitelten Star Fox erneut auf das bewährte N64-Fundament von Lylat Wars (bzw. Star Fox 64). Warum sich Fans trotzdem freuen dürfen, verraten wir euch in den folgenden Zeilen.

Zeitlos charmant

Die Kinder der 90er unter euch erinnern sich bestimmt noch an vergnügliche Stunden im Lylat-System. Planet um Planet galt es aus den Klauen von Chef-Fiesling Andross zu befreien – ob nun im Rahmen typischer Rail-Shooter-Level oder gelegentlicher Freiflug-Sequenzen. Daran hat sich auch mit dem jüngsten Remake nichts geändert. Im Gegenteil: Die Neuauflage bleibt so nah am 1997er Original, dass sich Fans ab der ersten Minute wie zu Hause fühlen. Das kann man nun wahlweise begrüßen oder aber auch schade finden. Immerhin markiert das neue Star Fox bereits die zweite Neuauflage von Lylat Wars nach der 3DS-Fassung von 2011.

Fest steht: Die Rail-Shooter-Action hat fast 30 Jahre nach Startschuss des Originals nichts von ihrem Charme eingebüßt. Im Rahmen unserer Hands-on-Session haben wir die ersten drei Level (inklusive diverser alternativer Routen) absolvieren dürfen.

Nach langer Dogfight-Abstinenz waren wir dabei fast ein bisschen überrascht, wie viel Freude es nach wie vor bereitet, feindliche Flieger möglichst effizient vom Himmel zu schießen. Klar, nach heutigen Maßstäben wirken die Level in Sachen Umfang und Komplexität äußerst überschaubar. Den Test der Zeit bestehen die Spielsysteme und -mechaniken trotzdem mit Bravour.

Gelungene Frischzellenkur

Diesen gelungenen Eindruck auf eine reine Zeitlosigkeit der Vorlage zurückzuführen, würde dann aber doch etwas zu weit gehen. Dass das Jahrzehnte alte Grundrezept auch heute noch so gut schmeckt, liegt maßgeblich in der tollen Technik des Remakes begründet. Star Fox steuert sich unheimlich geschmeidig und liefert eine bombenfeste Bildrate von 60 fps. Letzterer Punkt erfreut gerade vor dem Hintergrund der umfänglich aufgebohrten Optik.

Manch einer wird sich bei der Ankündigung über den ungewohnten Look der Neuauflage gewundert haben – Nintendo fokussiert sich immerhin seit jeher eher auf Stilistik statt Realismus. Von gelegentlichen Matschtexturen abgesehen, begeistert der schicke Neuanstrich aber regelmäßig mit tollen Schauwerten, einer gelungenen Lichtstimmung und detaillierten Figurenmodellen.

Letztere kommen gerade in den neuen Zwischensequenzen schön zur Geltung. Beschränkten sich die Interaktionen der Crew im Original noch weitgehend auf rudimentäre Wortwechsel, inszeniert das Remake die regelmäßigen Briefings deutlich aufwendiger.

Das lässt die charmante Truppe auf willkommene Weise über ihre Radiofunk-Auftritte hinauswachsen, wenngleich diese natürlich weiterhin den Großteil der Gruppeninteraktionen auszumachen scheinen. Hier profitiert der Titel aber von einer frischen Lokalisierung, inklusive grundsätzlich gelungener deutscher Tonspur.

Gemeinsam ins All

Was macht Star Fox aber neu? Von der generalüberholten Technik und den eben angesprochenen Zwischensequenzen abgesehen, winken diverse neue Spielmodi. Nachdem wir uns im Alleingang durch die ersten Level gekämpft hatten, versuchten wir uns etwa am neuen Koop-Modus.

Während sich hier ein Spieler um das Manövrieren des Raumschiffs kümmert, widmet sich der zweite der Offensive, indem er Feinde per Maus-Steuerung ins Visier nimmt. Das geht toll von der Hand und birgt das Potenzial, unerfahrene Spieler – wie etwa die Kids oder kleinen Geschwister – ins Abenteuer einzubinden.

Gleichermaßen spaßig gestaltet sich der kompetitive Schlacht-Modus, in dem zwei Teams mit jeweils bis zu vier Spielern gegeneinander antreten. Im Rahmen des Preview-Events entbrannte flott eine überaus unterhaltsame Schlacht, in der es nicht nur unseren Gegnern nachzujagen, sondern ebenso Basen einzunehmen und Power-ups einzusacken galt. Weitere Arenen sollen in der Vollversion dann mit jeweils angepasstem Regelwerk aufwarten. Wir sind sicher: Hier winken so manche vergnügliche Abende im Freundeskreis.

Vom Herausforderungsmodus, der bereits absolvierte Level mit neuen Missionen anreichert, konnten wir uns noch nicht überzeugen. Ebenso wenig vom neuen Prolog, der Papa McCloud in den Fokus rückt. Dafür haben wir einen ersten Blick auf die amüsanten Charakter-Avatare werfen dürfen, die unsere Gesichter in Online-Sitzungen optional mit dem Antlitz diverser Figuren aus dem Spiel schmücken. Den Controller haben wir zum Schluss nur widerwillig beiseite gelegt – wir hätten mit Vergnügen weitergespielt. Allzu lange müssen wir uns nicht gedulden: Star Fox erscheint am 25. Juni 2026 exklusiv für Switch 2.

Altbekannt, aber eben auch altbewährt

Bildmaterial: Star Fox, Nintendo

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Der Haken: So richtig daran erfreuen konnten sich hauptsächlich Rollenspiel-Fans. Vom gelungenen Strategie-Ausflug Triangle Strategy mal abgesehen, blieb der HD-2D-Stil RPG-Marken wie Octopath Traveler, Live A Live und zuletzt den diversen Dragon-Quest-Remakes vorbehalten. Wie schade!

Fand offenbar auch Square Enix und enthüllte im letzten Sommer überraschend The Adventures of Elliot: The Millennium Tales. Das Action-Adventure kehrt dem RPG-Genre (teilweise) den Rücken und erinnert stattdessen vielmehr an die 2D-Abenteuer von Link, Quintet-Meilensteine wie Terranigma und Illusion of Time oder auch diverse „Mana“-Spiele.

Das dürftet ihr aber bereits selbst festgestellt haben. Immerhin wurde die Ankündigung des Titels von einer (Switch-2-exklusiven) Demo begleitet. Nun sind wir der Einladung von Square Enix gefolgt, um zwei weitere Stunden an der Seite von Abenteurer Elliot und seiner magischen Begleitung Faie zu verbringen. So viel vorweg: The Adventures of Elliot legt vielleicht nicht die Genre-Messlatte höher, dürfte aber gerade Fans von Action-Adventures der 90er Jahre überaus glücklich stimmen.

Mit Liebesgrüßen aus Hyrule

Mit der Geschichte von „Elliot“ befassen wir uns in dieser Anspielrunde allenfalls am Rande. Stattdessen wirft man uns gleich ins Geschehen – ein Dungeon will erkundet werden. Der wartet mit genretypischen Herausforderungen auf: Wir vermöbeln Schergen mit einem üppigen Satz an Kriegswerkzeugen und lösen Umgebungsrätsel, um die Innereien des Verlieses zu erschließen.

Genre-Fans wissen gleich, was zu tun ist, wenn nicht nur ein wirrer Lichtstrahl, sondern ebenso bewegliche Spiegel den Raum schmücken. Ein bisschen an Letzteren geschoben und gerüttelt, lotsen wir den Strahl an sein Ziel und legen so neue Pfade frei. Je tiefer wir vordringen, desto verzwickter werden die Kopfnüsse. Wirklich ins Rauchen kommen die grauen Zellen dabei aber nie. Ob die Rätsel im weiteren Spielverlauf komplexer werden? Das bleibt abzuwarten.

Wir fühlen uns jedenfalls einmal mehr wohlig an eingangs genannte Titel erinnert. Auch dann, als wir den Boden mit kriegerhaften Gockeln, gepanzerten Krabben und wilden Schnecken aufwischen. Verließen wir uns in der Demo noch auf die klassische Schwert-Schild-Kombo, eine praktische Kettensichel, Bogen und Bomben, stehen uns diesmal auch die restlichen Waffentypen zur Verfügung.

Wir wehren uns also mit Lanze, Hammer oder auch dem Bumerang und achten darauf, dass die Siegesserie schön in die Höhe klettert. Dabei helfen auch Anpassungen an der Spielbalance: Man versichert uns etwa, dass an der Laufgeschwindigkeit des Protagonisten geschraubt wurde. Auch diverse Quality-of-Life-Maßnahmen seien seit dem Fan-Feedback zur Demo erfolgt. Die Menüs bleiben weiterhin etwas fummelig, arg daran gestört haben wir uns aber kaum.

Besonders komplex fallen die Keilereien übrigens nicht aus. Wir weichen den immergleichen Angriffen unserer ulkigen Schergen aus und langen selbst ohne großes Spektakel zu. Wer hier auf raffinierte Kombo-Eingaben und zeitige Paraden hofft, ist an der falschen Adresse. Auch hier liefern die 2D-Abenteuer von Nintendos zipfelmützigem Helden den passenderen Vergleich.

Eine Welt, viele Zeiten

Im Bosskampf gegen ein fieses Blechdosen-Duo bedarf es dann aber doch konzentrierter Eingaben. Greift der eine Roboter zum Schwert, macht uns sein stählerner Partner das Leben aus der Ferne schwer, indem er uns mit Pfeilen bearbeitet. Wir nutzen die kurzen Zeitfenster, um zuzuschlagen und schmettern vor allem dann die Angriffstasten, als unsere Feinde ins Taumeln geraten. Verheerenden Angriffen entgehen wir mittels praktischem Sprint-Zauber unserer feenhaften Begleitung. Unser Sieg wird mit ordentlich Ressourcen und einem Ausweg ins Freie belohnt.

Ein Blick ins Menü enthüllt hier eine (vermutlich vorerst) überschaubare Oberkarte, aber auch zahlreiche bereits aufgedeckte Punkte, mit denen im Vorhinein vermutlich manch kleines Abenteuer einherging. Von Schreinen, die Partnerin Faie (und damit uns) mit neuen Fähigkeiten belohnen, über Dörfer, in denen wir uns mit neuer Ausrüstung eindecken, bis zu optionalen Grotten, die mit Schätzen locken – „Elliot“ verspricht diverse Möglichkeiten zum Zeitvertreib abseits der Hauptgeschichte.

Darüber hinaus winkt das titelgebende Element der Zeitreisen. In der Vollversion werdet ihr diverse Epochen bereisen, von denen in der Preview-Fassung zwei bereitstanden. Zwischen der „Zeit der Obhut“ und jener des „Wiederaufbaus“ konnten wir auf Anhieb nur marginale Unterschiede feststellen. Allerdings waren wir im Rahmen der limitierten Zeit auch auf das große Ganze und weniger auf Details fokussiert. Sicherlich dürften mit den „Millennium Tales“ so manche spielerische wie erzählerische Kniffe einhergehen.

Viel zu entdecken

Ohne klar abgestecktes Ziel nutzen wir unsere Zeit in Philabieldia, um möglichst viel zu sehen. Wir kämpfen uns gleichermaßen durch staubige Wüsten und frostige Berggipfel, wandern durch sumpfige Moore und über blumige Wiesen. Der HD-2D-Look ist sicher nicht jedermanns Sache, wir sind aber einmal mehr überaus angetan von der hübschen Optik.

Bei unseren Erkundungen haben wir immer wieder die Möglichkeit mit der Umgebung zu interagieren. Wir donnern übergroße Nägel mit einem satten Hammerschlag in den Boden, um den Weg freizumachen. Vielleicht legen wir aber auch verborgene Höhlen frei, indem wir brüchige Wände aufsprengen. Hier winkt dann noch ein kleines Rätsel, dort eine schüchterne Geschicklichkeitseinlage. Und wenn wir im nahegelegenen Dorf Rast machen, greifen wir auch gleich noch manch Hilfesuchendem mit seinen Problemchen unter die Arme.

Wir bleiben noch ein bisschen länger im Dorf, feilen an unserer Ausrüstung und schleifen an den vielseitigen Maginit-Klunkern. Die üppige Auswahl an Edelsteinen verleiht uns die unterschiedlichsten Status-Boni und Fähigkeiten und bietet so viel Raum für Individualisierung und Optimierung. Gefallen uns Steine nicht, verarbeiten wir sie zu Ressourcen, die in die Produktion von neuem Maginit fließen. Hier lässt „Elliot“ dann also doch noch etwas RPG-Romantik aufkommen.

Wie ein vergessenes Genre-Juwel der SNES-Ära

Bildmaterial: The Adventures of Elliot: The Millennium Tales, Square Enix, Claytech Works

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Jetzt gibt es von HoYoverse in seinem neuen Cozy-Game Petit Planet gleich einen ganzen Planeten, den ich nach meinen eigenen Wünschen gestalten kann. Auch meine tierischen Nachbarn sind alle erstaunlich freundlich und erschaffen eine seltene Wohlfühlatmosphäre in der actionreichen und kampflastigen Gaming-Szene. Was will man mehr?

Dabei bin ich zugegebenermaßen etwas voreingenommen in den Test gegangen. Noch ein Cozy-Game? Davon gibt es doch bereits genug. Wie will man denn Heartopia und Animal Crossing noch toppen? Und: Kann HoYoverse nach den erfolgreichen Gacha-Action-RPGs der Sprung zu einem Free-to-play-Cozy-Game überhaupt gelingen? Petit Planet hat es dennoch geschafft, mich bereits in wenigen Stunden trotz aller Zweifel abzuholen.

Das Spiel setzt dabei auf Stärken, die man von HoYoverse kennt. Nach wenigen Minuten im Spiel entsteht eine gewisse Magie mit seinen liebevollen Zwischensequenzen, der stimmigen und beruhigenden Farbpalette und Musik, überzeugender Charakter-Vertonung und niedlichen Charakteren, die man am liebsten knuddeln würde.

Noch ist bei weitem nicht alles perfekt im „Stardrift Test“, auf dem diese Preview basiert. Insbesondere technisch gab es auf dem PC noch einige grobe Fehler – der schmerzhafteste war der kaputte Controller-Support, also WASD-te ich mich inklusive Touchpad durch die verschiedensten Bereiche des Spiels.

„Das kenne ich doch irgendwoher …“

Die grundsätzliche Ausrichtung von Petit Planet ist durchaus interessant und zeigt ihre Stärken vor allem dort, wo Nintendos Cozy-Game seine Schwächen hat. Ein direkter Vergleich mit dem wahrscheinlich größten Genrevertreter ist nicht ideal, aber HoYoverse drängt ihn förmlich auf.

Viele Kern-Gameplay-Mechaniken überschneiden sich deutlich: Die Ressourcen-Suche in der Umgebung wirkt vertraut, ebenso der Ausbau von Häusern, Läden und dem Museum. Hinzu kommen bekannte Elemente wie Crafting, das Umgestalten der Welt, das Einrichten des eigenen Zuhauses sowie das Zubereiten von Speisen und Getränken zur Steigerung der Ausdauer.

Auch die von freundlichen, leicht verpeilten Tieren bewohnte Umgebung weckt klare Assoziationen. Die größten Unterschiede? Es gibt keine Dinosaurierknochen und bei Nintendo war es eine Insel statt eines Planeten. Aber war die Umgebung nicht auch irgendwo „rund“?

Erst einmal Tee trinken

Petit Planet startet seine Reise in die neue Umgebung dabei deutlich anders und entspannter. Nachdem wir in einer Zwischensequenz in einem fliegenden Auto durch das Planetenmeer zum neuen Zuhause geflogen werden, nimmt mich ein Begrüßungskomitee unter Leitung des hibbeligen Häschens Elsasani und des äußerst gemütlichen Hundes Mobai in Empfang.

Und dann? Erst mal nicht viel. Kein Zelt aufstellen, kein Holz sammeln, kein Tanuki, der einen Kredit abbezahlt haben möchte, sondern einfach nur einen Baum schütteln und aus den heruntergefallenen Früchten einen frischen Früchtetee für alle Planetenbewohner zubereiten.

Diese Einfachheit zieht sich wie ein roter Faden durch das gesamte Gameplay. Im Fokus steht vor allem das Miteinander und die Harmonie, sowohl auf dem eigenen Planeten als auch in den späteren Online-Gemeinschaftsbereichen des Spiels. Hauptziel ist es, den magischen Baum „Luca Arbor“ zu nähren und so auf dem Planeten immer mehr Möglichkeiten freizuschalten.

Am Anfang ist seine Kraft begrenzt und ihr könnt nur einen kleinen Teil des Planeten erkunden. Durch Gefälligkeitsdienste und den Ausbau des Planeten bekommt ihr von euren Nachbarn die Essenz „Luca“, mit der der Luca Arbor gedüngt wird. Auf diese Weise werden größere Bereiche zugänglich, Insekten und Fische besiedeln den Planeten, die Erde wird fruchtbar und bald darauf ziehen auch neue Einwohner zu, die zum Teil etwas ängstlich sind, aber mit der Zeit zutraulicher werden.

Fokus auf gemeinsame Gemütlichkeit und Zusammenhalt

Dabei hilft stark, dass wichtige Sequenzen im Spiel vertont sind, also die Tiere auch wirklich sprechen. So wachsen sie einem mit der Zeit richtig ans Herz und man möchte eine gute Beziehung zu ihnen aufbauen. Während ich in Animal Crossing beschäftigt bin, Obstplantagen für das eigene Konto anzulegen, mache ich in Petit Planet lieber einen Früchtetee und schenke ihn den anderen Bewohnern. Das Luca ist schließlich wichtiger als ein paar Münzen, die ich im neu gebauten Laden gegen eine Leggings oder ein Dinokostüm eintauschen kann.

Auch bei der Einrichtung der Nachbarhäuser helfe ich aus, indem ich die Möbelstücke einfach crafte. Natürlich darf auch die Einrichtung der eigenen vier Wände nicht fehlen. Am besten ist es, wenn man die Wohnung mit vielen ähnlichen Möbelstücken einer Kollektion einrichtet, denn so gibt es eine gute Stil-Bewertung.

Cozy mit einem Hauch von Red Dot Fatigue

Natürlich kommen mit einem wachsenden Planeten auch zunehmende Anforderungen, und hier wird es schnell mal etwas unübersichtlicher. Denn während andere Spiele den Bildschirm frei halten, sodass der Kopf abschalten und sich auf eine Hauptaufgabe konzentrieren kann, macht HoYoverse das, was es seit vielen Jahren erfolgreich perfektioniert hat: Micro-Rewards, die mit roten Punkten an den Rändern des Bildschirms angedeutet werden.

Auch aktive Haupt- und Nebenquests werden ständig auf dem Hauptbildschirm angezeigt, sodass man dazu tendiert, eher den Aufgaben und Belohnungen nachzujagen, statt es gemütlich angehen zu lassen, abzuschalten und vielleicht sogar kreativ zu werden.

Der Ansatz passt zwar in die heutige schnelle Zeit, in der alles ständig verfügbar ist, aber die gemütliche Spielausrichtung wird dadurch etwas verwässert. Unklar ist bislang auch die Monetarisierung. Das „Free to play“-Modell wurde bestätigt und es liegt nahe, dass das Spiel mit kosmetischen Items finanziert wird. Erste Events finden bereits statt, daher sind auch die typischen Zeit-limitierten Elemente absehbar. Gacha-Elemente sind noch nicht implementiert, jedoch ist es möglich, dass diese in der Vollversion enthalten sein werden.

HoYo does what Nintendon’t

Der Fokus auf mobile und free-to-play muss aber nicht unbedingt negativ zu sehen sein. Dadurch, dass HoYoverse trotz seiner Größe noch ein vergleichsweise junges Unternehmen mit einer tendenziell jüngeren Zielgruppe ist, traut man sich auch Dinge, die sich manche „Dinosaurier“ der Branche nicht zutrauen.

So freute es mich zu sehen, dass Petit Planet neben dem abgeschotteten eigenen Planeten, an dem hier und da mal andere Nachbarplaneten vorbeifliegen und zum gegenseitigen Besuch einladen, auch einen Online-Gemeinschaftsbereich hat.

In diesem gibt es zahlreiche Tätigkeiten und Minispiele, von einem gemütlichen Abstecher in eine Bar bis zur gemeinsamen Geschichtsrate-Runde, Wortspielen am Lagerfeuer, einem gemeinsamen Rhythmus-Minispiel oder dem Versuch, um ein gewöhnliches Objekt eine kreative Geschichte zu erzählen, um so einen möglichst hohen Verkaufspreis zu erzielen. „Also, diese Tomate wurde auf magischem Boden großgezogen, nach einem geheimen, seit Generationen geheim gehaltenen Plan, der sie zu etwas ganz Besonderem macht …“

Ungewohnt ist auch eine relativ freie Chatfunktion, die Nintendo sich aus Jugendschutzgründen nicht zutraut. Aber auch erste KI-Funktionen sind in Petit Planet vorhanden, von einem KI-Chatbot, der euch passende Antworten aus der integrierten Spielhilfe zusammensucht, bis hin zu einzelnen Charakteren, die tatsächlich per KI auf eure Eingaben reagieren. Dabei gab es erst vor kurzem einen KI-Panda, der auf Social Media viral ging – aus den falschen Gründen. Hoffentlich bekommt HoYoverse seine KI ausreichend begrenzt, sodass nichts Ähnliches in Petit Planet passiert.

Ein neuer Genre-Star in der Umlaufbahn?

Bildmaterial: Petit Planet, Hoyoverse

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Aber auch Square Enix sorgte Anfang des Jahres bereits für hochgezogene Augenbrauen: Der Startschuss für die groß angelegte Remake-Trilogie von Final Fantasy VII ist auch auf Switch 2 bestens aufgehoben. In unserem Test kassierte der Titel entsprechend dickes Lob – „ein Meilenstein, jetzt auch für unterwegs“, so unser Fazit. 

Weite Welt statt enge Straßen – problematisch?

Wer A sagt, muss auch B sagen. Folgerichtig dürfen sich Switch-2-Besitzer auch auf die baldige Fortsetzung von Clouds Abenteuer freuen – am 3. Juni findet nach „Remake“ auch „Rebirth“ seinen Weg auf die Hybridkonsole. Wir haben schon vorab ein wenig reinspielen dürfen und sind guter Dinge, dass die Fortsetzung an die technische Finesse des Erstlings anknüpfen kann.

Das ist keine Selbstverständlichkeit. Immerhin tauscht „Rebirth“ die streng abgesteckten Gassen von Midgar gegen die Weiten der Welt aus, die ihr in bester Open-World-Manier bereist. Klingt nach dem besten Rezept, um die junge Nintendo-Konsole in die Knie zu zwingen. In unserer Anspielrunde waren wir aber begeistert, wie rund unsere Erkundungen von Kalm und seinem Umland liefen. 

Sicher, die grafische Pracht der Konkurrenz-Plattformen dürft ihr nicht erwarten. Die Switch-2-Fassung kommt mit einer deutlich weicheren Auflösung daher, schraubt den Detailgrad hier und da merklich herunter und bietet lediglich 30 anstelle von 60 Bildern pro Sekunde.

Letztere blieben im Rahmen der Anspielrunde aber erfreulich stabil, größere Einbrüche konnten wir keine feststellen. Ebenso angetan waren wir von der komplexen Nutzung des Rumble-Features der Joy-Con 2. Wichtig: Das Hands-on war lediglich im Handheld-Modus möglich. Gut möglich, dass „Rebirth“ im TV-Modus nochmal positiv an der Auflösung und weiteren Aspekten schraubt. 

Spielerisch bleibt alles beim Alten – wie schon die Switch-2-Ausgabe von „Remake“ ergänzt „Rebirth“ aber praktische Game-Boost-Funktionen. Diese machen kleinteilige Anpassungen der Spielerfahrung möglich: Ihr wollt keinen Schaden nehmen? Kein Problem. Jeder Hieb verursacht maximalen Schaden? Auch kein Ding. Der Geldbeutel ist leer? Mit einem Knopfdruck wieder aufgefüllt. Die Funktionen sind kein Muss, gerade für Story-Liebhaber und Nachwuchs-Fans ohne große Spielerfahrung aber eine begrüßenswerte Ergänzung.

Eine vollumfängliche Einschätzung der Switch-2-Technik dürft ihr mit unserem Test der Vollversion erwarten. Lange gedulden müsst ihr euch nicht. Final Fantasy VII Rebirth erscheint am 3. Juni 2026 für Nintendo Switch 2.

Bildmaterial: Final Fantasy VII Rebirth, Square Enix

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