Final Fantasy VII Revelation wäre eines dieser Spiele. Der Terminkalender hatte kein Erbarmen und die einstündige Anspielgelegenheit war nur am Freitagvormittag möglich. Doch es sollte sich lohnen. Lest nachfolgend meinen ersten Eindruck zum dritten Teil der Remake-Trilogie zu Final Fantasy VII.

Die Demo beginnt natürlich mit einem Sprung aus der fliegenden Highwind. Ich durfte in einem bereits fortgeschrittenen Kapitel einsteigen, in dem die Highwind uns den Flug über die gesamte Weltkarte ermöglicht. Fies dabei: Bis auf einige Gebiete, die man Story-bedingt aktuell besser nicht ansteuern sollte, könnte ich auch schon überall abspringen.

Wo zur Hölle sollte ich anfangen? Dazu hatte ich innerhalb kürzester Zeit etwa ein Dutzend gute Ideen. Am Ende folgte ich dem Rat der PR und steuerte die Region Mideel an. Möglich wäre aber offenbar auch alles andere gewesen, was in diesem Kapitel eben möglich gewesen wäre. Auch, erst einmal die Highwind zu erkunden, die man übrigens anpassen kann und die sich im Laufe des Abenteuers weiterentwickelt.

Das Innere der Highwind könnt ihr im Laufe des Abenteuers gestalten und ansprechender machen. Ihr könnt Gegenstände ausstellen, die ihr auf eurem Abenteuer gesammelt habt, ständig neue Gespräche erleben und die Chocobo-Ställe besuchen, die übrigens umfangreicher ausfallen als im Original, wie Naoki Hamaguchi mir in einem Interview am Gamescom-Mittwoch verraten hat.

Doch weil für die Erkundung der Highwind (im Rahmen eines dann beginnenden Tutorials) die halbe Demo-Session draufgegangen wäre, wählte ich den freien Fall. Man kann buchstäblich überall landen, eben auch mitten im dicht bewachsenen Mideel-Umland. Der Fallschirm kann auf Knopfdruck geöffnet werden, geht aber bei Bodennähe auch selbstständig auf. Die Landung erfolgt auf den Beinen oder auf Piko – dann geht es fließend zu Chocobo-Fuß weiter. Lauert dann ein Monster um die Ecke, gibt es auch hier einen fließenden Übergang. Piko kann mitkämpfen!

Das Kampfsystem und das WEAR-System

Und wenn wir schon dabei sind, gleich der Blick auf’s Kampfsystem. Wer Final Fantasy VII Rebirth gespielt hat, wird sich gleich zu Hause fühlen. Alles, was im Vorgänger geklappt hat, klappt auch hier. Nennen wir’s mal: Befehls-vermischte Echtzeit-Action. Viele Mechaniken sind die alten und das dürften die meisten Fans auch einigermaßen gut finden, denn das Kampfsystem von Rebirth war gelungen.

Ergänzt wird es in „Revelation“ einerseits um die sehr speziellen Charaktere Vincent und Cid und andererseits um das WEAR-System, an dem sich schon vor der Veröffentlichung die Geister scheiden. Die einen finden das WEAR-System überflüssig – was soll Barret in der Beschwörer-Rolle? Die anderen finden es eine spannende, weil natürlich auch in der Geschichte der „Final Fantasy“-Serie begründete Mechanik.

Kurze Wiederholung: Das WEAR-System ergänzt, ganz vereinfacht gesagt, das Kampfsystem um vier Jobs. Im Englischen heißt es übrigens FITS-System – für die deutsche Version hat man sich „WEAR“ ausgedacht. Was witzig ist, weil „wear“ ja auch nur ein englisches Wort ist. Denkt ihr! Eigentlich steht es nämlich für widerstandsfähige Einsatzbekleidung mit augmentierter Resonanz – und das ist wiederum kein Witz.

Diese Outfits verändern das Aussehen der Charaktere optional – es ist auch möglich, die Eigenschaften der Jobs zu nutzen, und das Standard-Outfit beizubehalten. Vor allem liefern die Jobs aber Zugang zu Fertigkeiten und Fähigkeiten. Der Ritter glänzt mit Defensiv-Möglichkeiten; der Beschwörer kann unterschiedliche Wesen im Kampf beschwören. Weiterhin gibt es den Krieger (für die Offensive) und den Schwarzmagier, der eure Magie stärkt

Jeder Charakter kann ab einem bestimmten Punkt im Spiel jeden Job ausüben. Alle Möglichkeiten werden gleichzeitig freigeschaltet. Und was bedeutet das nun konkret für euren Kampf? Vincent als Beschwörer kann beispielsweise auf Synergie-Fähigkeiten mit Ifrit und Co. zugreifen. Trägt Tifa den Schwarzmagier-Job, dann wird Magie um eine Stufe erweitert und sie kann nicht nur Zauber der „-ga“-Stufen ausführen, sondern auch „-ja“-Zauber.

Die Demo war viel zu kurz und bot viel zu viele Möglichkeiten, um sich ein umfassendes Bild vom WEAR-System zu machen. Aber zur Beruhigung der Kritiker vielleicht: Wenn man einen Job wählt, der einigermaßen zum Charakter passt, und dann das Outfit nicht wechselt, dann sind neue Fähigkeiten im Kampf eben das einzige, was vom WEAR-System bleibt. Und na ja, neue Fähigkeiten im Kampf … das stand irgendwie ohnehin auf dem Plan, oder?

Wer das WEAR-System spannend findet, der darf sich auf coole, individuelle Outfits freuen und auf mehr Möglichkeiten, den Charakteren ein Profil zu geben, das dann nicht nur optische, sondern auch noch spielerische Relevanz hat. Ich bin gespannt darauf, damit herumzuexperimentieren.

Zurück zur Landung nach dem Highwind-Absprung. Wie ihr seht, kann man wirklich überall landen. Ob’s eine gute Idee war, wird sich zeigen. Anders als die Gruppe auf dem Screenshot erwartet mich allerdings zunächst die dichtbewachsene Mideel-Region – und sofort eröffnen sich unzählige Points of Interest.

Nicht nur ploppen diverse Zeichen auf der Map auf – natürlich klingelt auch MAI durch. Lebensquelle hier, Esper dort, Entdeckungen machen da. Wer will, kann wie schon in Rebirth jede Ecke der Karte abgrasen und wird zuverlässig belohnt. Ich kann allerdings auch verstehen, dass sich manch einer von der schieren Anzahl der Möglichkeiten erschlagen fühlen könnte.

Dabei steht euch bei der Erkundung auch neues Werkzeug zur Verfügung – das darüber hinaus (mindestens) auch in Nebenmissionen zum Einsatz kommt. Das sogenannte Erkundungswerkzeug bestand zum Zeitpunkt, an dem die Demo angesiedelt war, aus vier unterschiedlichen Werkzeugen, die man per Ringmenü auswählen kann. Dazu zählten ein Scanskop, ein Ortungssystem, eine Makolampe und eine Datenkamera. Mit diesen Werkzeugen erfahrt ihr mehr über Monster und Orte oder erleichtert euch die Navigation zu gewünschten Zielen.

Doch nach ein paar besiegten Monstern – Vincent ist eine Maschine – sowie einer erforschten Lebensquelle geht’s auch schon weiter. Die Demo-Uhr tickt und man hatte mir empfohlen, nach Wutai zu fliegen – aktuell auch Zielpunkt der Story in der Demo. Jederzeit kann man per Knopfdruck auf der Weltkarte die Highwind rufen und weiterfliegen. Bereits besuchte Orte bieten auch eine Schnellreisemöglichkeit.

Also auf nach Wutai! Die Highwind kann ordentlich Gas geben und der Flug dauert nur ein paar Sekunden. Nach einer spannenden Sequenz um Glenn und Godo, zu der ich natürlich nichts weiter verraten möchte, landet meine Gruppe vor den Toren von Wutai.

Es folgen Szenen, bei denen ich meine Augen weit aufreißen muss – damit die Luft sie trocken hält. Yuffie, ihr fröhliches und wunderbar neu arrangiertes Charakter-Theme, das wunderschöne Wutai und die kurze, unbeschwerte Blödelei der Gruppe sind eine Wonne für Fans des Originals. Da kann man schon mal emotional werden. Falls euch die Charaktere nicht schon mit „Rebirth“ ans Herz gewachsen sind, dann hoffentlich spätestens jetzt.

Zu Wutai (dessen Besuch im Original übrigens vollkommen optional war) und vor allem zu den Story-Sequenzen aus der Demo will ich euch gar nicht viel mehr verraten, das wollt ihr sicherlich selbst erleben. Eines aber: Neben der Story gibt’s auch ganz viel zu erleben – wie offensichtlich überall. Nebenmissionen und Erkundungen en masse erwarten euch.

Einige dieser Nebenmissionen könnt ihr übrigens mit einem Charakter eurer Wahl bestreiten. Basierend darauf verändern sich Story und Gameplay – und jeder Fan kann eine andere Erfahrung machen. Etwas, das Naoki Hamaguchi schon vor Wochen angedeutet hat und in unserem Interview weiter ausführte.

Es sei nicht nur so, dass sich die Perspektive auf Ereignisse ändere. Manchmal ändere sich auch die Handlung, manchmal gar der Ort oder der Ausgang der Quest. Desöfteren wahrscheinlich die Aktivitäten, die euch währenddessen erwarten. Das wird schon bei der Charakter-Auswahl deutlich. „Je nachdem, wen man auswählt, gibt es bei jeder Quest wirklich große Unterschiede“, verrät uns Hamaguchi dazu im Interview.

Leider war es mir in der Kürze der Zeit nicht vergönnt, eine der unzähligen Nebenaufgaben zu erledigen. Darauf freue ich mich nun, wenn Final Fantasy VII Revelation am 8. April 2027 für Nintendo Switch 2, Xbox Series, PCs und PlayStation 5 erscheint. Dass der Termin gehalten wird, davon bin ich überzeugt. Die Demo war schon ziemlich poliert und ich glaube, ich hätte auch einfach weiterspielen können. Hätte man mich doch nur gelassen.

Das Finale kann kommen

Bildmaterial: Final Fantasy VII Revelation, Square Enix

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Dabei durften wir nicht nur die umfangreiche Kampfsequenz anspielen, welche für jeden öffentlich anspielbar war, sondern auch den darauf folgenden Storyabschnitt, der einen kleinen Teil der Spielwelt zeigte. Warum wir begeistert sind, erfahrt ihr mit den folgenden Zeilen.

Hochwertige Story-Sequenzen im Final-Fantasy-Stil

Diese Storyabschnitte und die öffentlich nicht abspielbaren Spielteile waren es dann auch, welche überzeugen konnten. Sie lassen uns staunend über die enorm hohe Qualität des F2P-Titels zurück.

Die Qualität der Animationen und Sequenzen verwundert nicht: YHKT Entertainment ist für die preisgekrönte, dystopische Sci‑Fi‑Action‑Serie Ling Cage bekannt. Auch die Kämpfe werden mit diesen hochwertigen Zwischensequenzen und tollen Animationen beeindruckend inszeniert – episch wird es erst gemeinsam mit der Erzählung, die ebenso wie die Präsentation auf den Pfaden von Final Fantasy und Xenoblade wandelt.

Die Inszenierung macht aber nicht nur bei der Story halt, sondern betrifft auch die farbenfrohe, stark stilisierte Fantasy-Welt. Die Figuren erinnern an frühere Final-Fantasy-Teile, der Stil der Welt neigt leicht in Richtung Xenoblade. Präsentiert wird euch das alles auf Basis der modernen Unreal Engine 5, was insbesondere auf dem PC zu einer detaillierten Spielwelt führt, die sicherlich mit zu den schönsten Fantasy-Welten der letzten Jahre gehört.

Die Geschichte des Abenteuers könnte Fans der Xenoblade-Reihe ebenfalls vertraut vorkommen. Sie ist geprägt von den Konflikten zwischen Zivilisationen, kolossalen Lebewesen und einem unbekannten Schicksal. Die Handlung spielt in einer einzigartigen Welt, die um „Thalassa“ und gigantische Kreaturen namens „Arkiloth“ aufgebaut ist. In der Rolle eines Reisenden, der ein verborgenes Geheimnis in sich trägt, bewegt ihr euch zwischen verschiedenen Fraktionen und uralten Mysterien und deckt nach und nach die tief in dieser Welt verborgenen Wahrheiten auf.

Kampfsystem benötigt noch Feinschliff

Der Öffentlichkeit zeigte YHKT Entertainment vorerst nur die Kampfsequenz und sammelte dafür noch Feedback. Uns gefiel es schon ganz gut – es ist ein klassisches Action-RPG-Kampfsystem mit den altbekannten Möglichkeiten. Ausweichen, blocken, kontern und verschiedene Arten von Attacken sind vorhanden, unterstützt von einer Begleiterin, zu der bei Bedarf gewechselt werden kann.

Jedoch fühlt es sich aktuell noch so an, als ob uns der Zwischenboss mit mehreren Kampfphasen bewusst aus dem Fluss bringen möchte. Die visuellen und auditiven Hinweise passen noch nicht ganz, und so verpassen wir bei den Kämpfen immer wieder das richtige Timing, was leicht frustrierend ist.

Am Ende des Tages ist es aber Meckern auf sehr hohem Niveau – und vielleicht auch der Tatsache geschuldet, dass wir die Tage zuvor Spiele mit starken Kampfsystemen gespielt haben. YHKT Entertainment hat noch Zeit, hier zu feilen, denn bei der Gamescom-Version handelt es sich um eine Demo in der frühen Phase der Entwicklung.

Mit Bringer könnte eine RPG-Perle für Final-Fantasy- und Xenoblade-Fans entstehen

Bildmaterial: Bringer, YHKT Entertainment

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Mit Castlevania: Belmont’s Curse möchte uns der in Frankreich ansässige Entwickler Evil Empire nun erneut in die vampirische Welt der spannenden Action-Reihe entführen. Als Publisher fungiert, wie sollte es auch anders sein, natürlich Konami.

Auf der diesjährigen Gamescom hatten wir die Möglichkeit, den vielversprechenden und extrem anspruchsvollen Action-Kracher ausgiebig anzuspielen. In unserer ausführlichen Preview verraten wir euch nun, ob sich der Kauf des neuesten Castlevania-Abenteuers lohnt und welche neuen Ideen der Titel mit in das mittlerweile unglaublich umfangreiche Franchise einbringt.

Das Paris des 15. Jahrhunderts wird von Dämonen heimgesucht

Die Geschichte von Castlevania: Belmont’s Curse spielt im Paris des Jahres 1499. Ganze 23 Jahre nach den Ereignissen von Castlevania III: Dracula’s Curse. Nachdem die französische Metropole von finsteren Dämonen überrannt wurde, ruft der örtliche Bischof den Vampirjäger Trevor Belmont zur Hilfe.

Trevor Belmont rekrutiert daraufhin seine Tochter Rose Belmont für diese Aufgabe. Um dieser enormen Aufgabe gewachsen zu sein, überreicht Trevor seiner Tochter Rose die heilige Peitsche. Diese trägt den Namen „Vampirtöter“. Daraufhin macht sich die junge Vampirjägerin Rose auf den Weg, die dämonischen Besatzer zu vertreiben und den Ursprung für diese plötzliche Invasion ausfindig zu machen.

Klassisches Castlevania-Gameplay mit dem ein oder anderen besonderen Kniff

Im Kern ist Castlevania: Belmont’s Curse ein klassisches Castlevania-Abenteuer wie man es kennt und von der Serie auch erwarten würde. Der neue Castlevania-Ableger ist sozusagen ein Action-Adventure-Sidescroller wie er im Buche steht und neben den schön gestalteten Leveln und Abschnitten sind es vor allem die ausufernden und oft sehr fordernden Bosskämpfe, die einem das digitale Leben regelmäßig zur Hölle machen. Im Prinzip genau das, was Castlevania-Fans seit Jahrzehnten lieben und feiern.

Um siegreich aus diesen anspruchsvollen Bosskämpfen hervorzugehen, ist es stets essenziell, dass man sich die Angriffsmuster der unterschiedlichen Bosse verinnerlicht. So kann man den extrem starken Gegnern stets einen entscheidenden Schritt voraus sein. Denn hat man den Dreh erst einmal raus, sind die Bosskämpfe gar nicht mehr so schwer, wie man im ersten Moment vielleicht denken würde.

Im weiteren Spielverlauf erhält man außerdem die Fähigkeit, sich mithilfe der heiligen Peitsche an diversen Punkten hin- und herschwingen zu können. Kombiniert man diese, meiner Meinung nach, toll umgesetzte Mechanik mit dem sehr direkten und durchaus spaßigen Kampfsystem, ergibt sich so ein rasantes und flüssiges Gameplay, welches nach einiger Eingewöhnungszeit sehr viel Spaß macht. „Easy to learn, hard to master“ passt hier ganz gut, um die eigentlichen Gameplay-Mechaniken zu beschreiben.

Allerlei Upgrades sorgen für die nötige Abwechslung im Vampirjäger-Alltag

Um das typische Castlevania-Gameplay etwas aufzulockern, haben die Entwickler obendrein allerlei Upgrademöglichkeiten für Rose eingebaut. Diese Upgrades ermöglichen es uns, nach und nach neue Angriffe und Spezialmanöver zu erlernen, um den dämonischen Widersachern noch effektiver das digitale Leben aushauchen zu können.

Für etwas Abwechslung im Vampirjäger-Alltag ist also definitiv gesorgt und mit diesen Upgrades haben wir gleichzeitig auch die Möglichkeit, die Angriffe und damit auch das Verhalten unseres Hauptcharakters zumindest etwas an unseren eigenen Spielstil anzupassen.

Liebevoll umgesetzt und schön präsentiert

Angefangen vom Artstyle bis hin zur Grafik und dem fantastischen Soundtrack selbst konnte mich Castlevania: Belmont’s Curse bereits während dieser einstündigen Anspielsession durchaus überzeugen. Die Areale wirken sehr liebevoll umgesetzt und vor allem der fantastische Ohrwurm-Soundtrack ist wirklich fantastisch und passt perfekt zur jeweiligen Spielsituation.

Technisch braucht sich der Titel also keinesfalls vor anderen Genre-Kollegen verstecken, denn mit Castlevania: Belmont’s Curse wurde die traditionsreiche Spielereihe wunderbar in die Moderne transportiert.

Die kultige Vampirjäger-Saga ist zurück und in der Moderne angekommen

Bildmaterial: Castlevania: Belmont’s Curse, Konami, Evil Empire

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Bereits während eines Interviews im Jahre 2021 wurde bekannt, dass die Entwickler von RGG Studio an einer neuen IP abseits des Like-a-Dragon- und Judgment-Franchise arbeiten. Erstmals offiziell angekündigt wurde das neue Projekt dann im Zuge der The Game Awards im Jahre 2024.

Damals war das Projekt noch unter dem kryptischen Namen „Project Century“ bekannt. Im Juni 2025 wurde dann erstmals der volle Titel des neuen Projekts bekannt gegeben.

Im Zuge der Gamescom konnten wir Stranger Than Heaven bereits ausgiebig antesten und können euch daher nun verraten, ob sich das Warten auf den Action-Blockbuster lohnt und in welchen Punkten sich Stranger Than Heaven klar von der Like-a-Dragon- und Judgment-Reihe unterscheidet. Am 15. Januar 2027 soll der vielversprechende Action-Kracher dann für PS5, Xbox Series und PCs erscheinen.

Fünf Epochen in fünf Jahrzehnten

Die Geschichte von Stranger Than Heaven wird innerhalb von fünf unterschiedlichen Epochen erzählt. Als Schauplatz dienen ganze fünf unterschiedliche Städte Japans. Angefangen in der Stadt Kokura in der Präfektur Fukuoka im Jahre 1915 verschlägt es uns anschließend ins Jahr 1929 nach Kure in der Präfektur Hiroshima. Im Anschluss folgen Minami in Osaka im Jahre 1943, Atami in der Präfektur Shizuoka im Jahre 1951 und als krönenden Abschluss landen wir im Stadtteil Shinjuku in Tokio im Jahre 1965.

Wir übernehmen die Rolle von Makoto Daito, einem japanisch-amerikanischen Außenseiter, welcher sich zu Beginn des Abenteuers auf der Überfahrt von San Francisco in den Vereinigten Staaten nach Japan befindet, um sich dort ein neues, besseres Leben aufzubauen.

Stranger Than Heaven handelt vor allem von der Gründung und dem Aufstieg der Yakuza, der japanischen Mafia. Der Tojo-Clan, welcher in der gesamten Like-a-Dragon-Reihe eine tragende Rolle spielt, steht dabei im Mittelpunkt. Unser Hauptcharakter Makoto Daito ist ein Gründungsmitglied des Tojo-Clans und somit eine tragende Figur, die maßgeblich zum Aufstieg der Yakuza beigetragen hat.

Actiongeladene Kämpfe treffen auf ein interessantes Setting

Wie auch schon bei der Like-a-Dragon- und Judgment-Reihe liegt der Fokus auch bei Stranger Than Heaven primär auf den actiongeladenen und anspruchsvollen Kämpfen. Diese tragen wir, wie üblich für diese Reihe, ausschließlich in der Third-Person-Perspektive aus.

Die Besonderheit von Stranger Than Heaven ist hierbei die Tatsache, dass wir nun jede Hand einzeln steuern können. So haben wir nun also die Möglichkeit, wahlweise nur links oder rechts zuzuschlagen oder zu blocken.

Hieraus ergeben sich dann logischerweise völlig neue Kombo-Möglichkeiten und das Kampfsystem wird dadurch allgemein noch einmal deutlich anspruchsvoller, als es bei anderen Titeln der Like-a-Dragon- und Judgment-Reihe der Fall war.

Das Hauptaugenmerk liegt also definitiv auf den hektischen und sehr anspruchsvollen Kämpfen. Auch unsere Demo-Session bestand ausschließlich aus diversen Konfrontationen mit anderen kriminellen Gestalten. Hier konnten wir die neuen Kampfmechaniken ausgiebig testen und uns mit den verschiedenen Features vertraut machen.

Inszenierung wirkt hochwertig und immersiv

Was mir am meisten imponiert hat, war die extreme Liebe zum Detail der unterschiedlichen Epochen, die man in diesem Abenteuer erleben darf. Je nach gewählter Zeit beziehungsweise Epoche verändern sich natürlich auch das Setting, die Kleidung der Charaktere und der allgemeine Vibe der Optik des Spiels.

Jede Epoche hat ihren eigenen Charme, ihre eigenen Merkmale und ihren eigenen Charakter, wenn man so will. Wirklich sympathisch umgesetzt und präsentiert. Im fertigen Spiel hoffe ich daher vor allem darauf, diese Spielwelt weiter erkunden zu können und noch tiefer in die einzelnen Epochen und Jahrzehnte Japans abtauchen zu können.

Denn während unserer recht begrenzten Demo-Session konnte man sich kaum in den Arealen bewegen. Zum Umfang der Spielwelt kann man zum jetzigen Zeitpunkt also noch recht wenig sagen.

Technisch durchaus ordentlich, aber noch ausbaufähig

Auf technischer Seite weiß Stranger Than Heaven durchaus zu gefallen. Auch wenn die gesamte Optik während der Demo-Session noch etwas grieselig und unscharf daherkam. Der Titel hat auf jeden Fall viel Potenzial, das es jetzt noch auszuschöpfen gilt. Ich bin aber durchaus zuversichtlich, dass die Entwickler von RGG Studio das hinbekommen und uns ein weiteres hochwertiges Action-Spektakel im Like-a-Dragon-Universum servieren.

Stranger Than Heaven läuft übrigens auf Basis der hauseigenen Dragon Engine. Auf Basis dieser durchaus leistungsstarken Engine wurden bereits Titel wie die Judgment-Reihe, Yakuza: Like a Dragon und Yakuza 6 entwickelt. Potenzial ist hier also definitiv vorhanden.

Der Aufstieg der Yakuza verpackt in einem Action-Feuerwerk

Bildmaterial: Stranger than Heaven, SEGA, Ryu Ga Gotoku Studio

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Silent Hill: Townfall ist ein eigenständiger, von der Hauptserie unabhängiger Ableger der Silent-Hill-Reihe und bietet mit seinem eher ungewöhnlichen Setting auch neue Anreize im Horror-Genre.

Während der diesjährigen Gamescom hatten wir die Möglichkeit, eine ganze Stunde lang in die Welt von Silent Hill: Townfall abzutauchen und die extrem unheimliche Atmosphäre aufzunehmen. Und wir können euch eins mit Gewissheit sagen: Es hat sich definitiv gelohnt.

In unserer ausführlichen Messe-Preview nehmen wir euch mit in die düstere Welt von Silent Hill: Townfall und verraten euch, wieso der Titel eines der Horror-Highlights dieses Jahres werden könnte.

Ein beschaulicher Küstenort wird zum Mittelpunkt des Albtraums

Die Geschichte von Silent Hill: Townfall spielt im Jahre 1996 im beschaulichen Küstenort „St. Amelia“ in Schottland. Wir übernehmen die Rolle von Simon Ordell. Simon hat Gedächtnisprobleme und kann sich nicht daran erinnern, warum und weshalb er sich in diesem Ort aufhält.

Nach und nach kommen wir einem dunklen Geheimnis auf die Spur und die Fragmente aus Simons Gedächtnis ergeben ein großes Ganzes. Doch was hat Silent Hill damit zu tun und ist dieser Küstenort überhaupt das, was er zu sein scheint?

Nervenkitzel und Spannung bis ins kleinste Detail

Speziell die fantastische und unheimlich beklemmende Atmosphäre von Silent Hill: Townfall hat es mir während der Anspielsession angetan. Der dicke Nebel, der den Ort St. Amelia umhüllt, trägt ungemein zur Spannung und Atmosphäre bei und macht die ohnehin schon recht unheimliche Kulisse noch bedrohlicher und vor allem unübersichtlicher.

Gespielt wird der Titel ausschließlich in der First-Person-Perspektive, was das Spielgefühl, zumindest meiner Meinung nach, noch immersiver und direkter macht. Während der Demo konnten wir einige Rätsel lösen und uns bereits einen guten ersten Eindruck von den Gameplay-Mechaniken des Titels machen.

Typisch für die Silent-Hill-Reihe sind vor allem die zahlreichen Rätsel, die das nervenaufreibende Gameplay immer wieder etwas auflockern und entschleunigen. Dieses Feature wurde auch hier wieder fantastisch umgesetzt und jedes Rätsel ist nach kurzer Überlegungsphase auch relativ schnell lösbar. Großes Kopfzerbrechen entfällt hier also – meistens jedenfalls.

Neues Gimmick bringt frischen Wind ins Franchise

Neu ist hingegen das Mini-TV-Gerät, welches unser Held Simon Ordell recht früh im Spielverlauf erhält. Denn dieses TV-Gerät ist nicht nur eine Spielerei, sondern vielmehr genau das eine Feature, welches Silent Hill: Townfall so besonders macht und von der Genre-Masse abhebt.

Denn mit diesem TV-Gerät haben wir nicht nur die Möglichkeit, die Gegner bereits einige Zeit vorher auszumachen und damit auch zu umgehen, sondern auch die Rätsel in Silent Hill: Townfall bauen auf dieser neuen Spielmechanik auf.

Immer wieder fängt das Gerät an zu rauschen und verdeutlicht uns so, dass wir einen Blick darauf werfen sollten. Durch wirr zusammengeschnittene Videoschnipsel erhalten wir so Hinweise auf diverse Rätsel und andere Dinge, die uns das Vorankommen im Spiel erst ermöglichen. Ein wirklich toller Kniff, der auch fantastisch umgesetzt wurde. Und etwas frischer Wind tut auch dem Silent-Hill-Franchise sichtlich gut.

Körperliche Auseinandersetzungen nicht ausgeschlossen

Natürlich lässt es sich aber auch bei Silent Hill: Townfall nicht gänzlich vermeiden, in den körperlichen Kontakt mit den unheimlichen Wesen zu gehen. Sollte man mal einen Fehler beim Umgehen der zahlreichen Monster machen, bleibt einem nichts anderes übrig, als diese mit einem oder mehreren beherzten Schlägen aus dem digitalen Leben zu tilgen.

Silent Hill: Townfall ist aber keinesfalls ein Action-Titel. Die körperliche Auseinandersetzung ist die allerletzte Möglichkeit sich den dämonischen Gegnern zu erwehren und sollte wirklich nur im äußersten Notfall angewandt werden. Zumindest in der Demo wirkte das Spiel diesbezüglich sogar noch eine ganze Ecke zahmer, als es zuletzt bei Silent Hill f der Fall war.

Fantastische Optik und absolut unheimliche Soundkulisse

Speziell die technische Umsetzung des Titels konnte mich schwer beeindrucken. Entwickelt wurde der Titel auf Basis der Unreal Engine 5 und vermag es daher gekonnt, extrem detaillierte und unheimliche Bilder auf den Bildschirm zu zaubern. Gerade die Nebel- und Lichteffekte fallen wirklich beeindruckend aus und verleihen dem Titel einen einzigartigen Look, den ich bisher noch nicht so gesehen habe. Die Entwickler haben es hier also schon rein technisch geschafft, den Titel anhand seiner Optik zu etwas Besonderem zu machen.

Auch tonal kann Silent Hill: Townfall auf ganzer Linie überzeugen. Die Soundeffekte gepaart mit den recht ruhig gehaltenen Melodien erschaffen eine wunderbar düstere Atmosphäre, die einem quasi pausenlos die Haare zu Berge stehen lässt.

Silent Hill: Townfall könnte ein wahrer Horror-Klassiker werden

Bildmaterial: Silent Hill: Townfall, Konami, Annapurna Interactive, Screen Burn Interactive

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Mit der sogenannten Stellar Blade Complete Edition bekommt die Nintendo-Konsole dabei gewissermaßen das Rundum-sorglos-Paket. Die zahlreichen kosmetischen Inhalte, die seit der ursprünglichen Veröffentlichung hinzugekommen sind, sind hier bereits enthalten.

Fast interessanter ist allerdings die technische Seite. Schon auf PlayStation 5 war Stellar Blade ein sehr hübsches Spiel, das mit seinen detaillierten Charaktermodellen und action- und effektreichen Kämpfen beeindruckte. Uns interessiert deshalb besonders, ob die Portierung auf die „Switch 2“ gelingen kann.

Auf der Gamescom konnten wir die neue Version erstmals selbst ausprobieren und waren positiv überrascht. Dabei stand uns ausschließlich der Handheld-Modus zur Verfügung. Zusätzlich hatten wir Gelegenheit, mit dem CTO von Shift Up, DongKi Lee, ausführlicher über die technischen Herausforderungen der Umsetzung zu sprechen.

60 FPS sind das Ziel – mit einem unerwarteten technischen Kniff

Unsere Demo begann direkt mit dem Intro von Stellar Blade – und Shift Up hat sich damit nicht gerade die einfachste Stelle für eine Präsentation ausgesucht. Bereits die ersten Minuten fahren schließlich ordentlich auf: zahlreiche Gegner, Explosionen, Partikeleffekte und jede Menge Bewegung auf dem Bildschirm fordern die Hardware der „Switch 2“.

Trotzdem möchte Shift Up auf „Switch 2“ eine Ausgabe mit 60 Bildern pro Sekunde erreichen. Das gelingt nicht immer – deshalb nutzt man hier Frame Interpolation, um dem Ziel möglichst nahe zu kommen. Bis zur Veröffentlichung bleibt natürlich noch Zeit für weitere Optimierungen, um die letzten kleinen Framedrops in den Griff zu bekommen.

Für Shift Up steht ohnehin weniger eine technisch identische Version als vielmehr ein möglichst vergleichbares Spielgefühl im Mittelpunkt: „Ein Punkt, den wir in den Vordergrund gestellt haben, war, dass das Spielerlebnis – egal auf welcher Plattform man spielt – für alle gleich sein muss“, so CTO DongKi Lee.

Das gilt laut den Entwicklern insbesondere für Kämpfe, Bossgegner und die grundsätzliche visuelle Präsentation. Gleichzeitig soll der Wechsel zwischen Handheld- und Dock-Modus möglichst nahtlos funktionieren. Dass sich die reine Performance aufgrund der unterschiedlichen Hardware nicht vollständig gleichen kann, ist Shift Up natürlich bewusst.

Um die angestrebten 60 FPS auf Switch 2 überhaupt zu ermöglichen, greift das Studio zu einer interessanten Kombination verschiedener Technologien. DLSS wird für das Upscaling eingesetzt. Die Zielauflösung ist im Dock 1080p, im Handheld-Modus auf 720p.

Da die Switch 2 laut Shift Up allerdings keine DLSS Frame Generation unterstützt, bedient sich das Team zusätzlich bei AMD: „Wir würden also mit DLSS hochskalieren, das Ergebnis nutzen und dann die Frame Interpolation von AMD einsetzen, um das Ziel von 60 Bildern pro Sekunde zu erreichen“, sagt so CTO DongKi Lee.

Konkret verwendet Shift Up die bereits aus der PC-Version bekannte Frame Generation, welche bei AMDs FSR 3.1 Frame Interpolation genannt wird. Vereinfacht gesagt kombiniert die „Switch 2“-Version also Nvidias DLSS für das Upscaling mit AMD-Technologie, um das 60-FPS-Ziel zu erreichen.

Eve sieht weiterhin gut aus – das Upscaling aber nicht immer

Während unseres Hands-ons war diese technische Lösung durchaus sichtbar. Gerade an feinen Details machten sich die niedrigere interne Auflösung und die anschließende Bildrekonstruktion gelegentlich bemerkbar. Besonders auffällig war das teilweise leicht ausgefranste beziehungsweise gekräuselte Erscheinungsbild rund um Eves Haare – ein Problem, das auch andere Spiele zuvor bereits vor Herausforderungen stellte.

Die Kostüme gehören zu einem der bekanntesten Elemente von Stellar Blade 2 – deshalb wollten wir auch wissen, ob man hier feine Details verändern oder anpassen musste. „Also, eigentlich gab es keine Kompromisse bei der Kleidung. Es mussten keine Änderungen vorgenommen werden“, freut sich DongKi Lee. Durch die niedrigere interne Darstellung und die kleineren Buffer im Handheld-Modus können feine Details am Ende trotzdem etwas anders aussehen als auf PlayStation 5 oder PC. Genau diesen Unterschied konnten wir während unserer Spielzeit ebenfalls erkennen.

An anderer Stelle musste Shift Up dagegen sehr wohl optimieren. Eine der größten Herausforderungen war der Arbeitsspeicher der „Switch 2“. Vor allem Texturen mussten entsprechend angepasst werden. Dabei benötigen die Umgebungen und Landschaften laut den Entwicklern mehr Aufmerksamkeit als die Charaktere.

„Zum Beispiel benötigen Charaktere weniger Speicher und weniger Anpassungen, während Umgebung und Landschaft mehr benötigen. Wir wollten den Speicherverbrauch gleichmäßig auf einem sehr stabilen Niveau halten. Das war eine Anpassung, die vorgenommen werden musste und an der wir gearbeitet haben“, erklärt CTO DongKi Lee.

Dass gerade die Charaktere möglichst wenig Federn lassen sollten, erscheint bei Stellar Blade durchaus nachvollziehbar. Eve und ihre zahlreichen Outfits gehören schließlich zu den auffälligsten visuellen Merkmalen des Spiels.

Insgesamt kann sich das Ergebnis nach unserem ersten Eindruck wirklich sehen lassen. Natürlich erkennt und spürt man Unterschiede gegenüber der PS5-Version. Wer beide Fassungen direkt nebeneinanderstellt, wird auf „Switch 2“ Abstriche bei Bildqualität und teilweise Performance entdecken. Berücksichtigt man allerdings die schwächere Hardware und vor allem die Tatsache, dass wir Stellar Blade hier vollständig mobil spielen konnten, ist die Umsetzung bislang durchaus beeindruckend.

Shift Up musste mehr als nur die Grafik anpassen

Interessant war für uns außerdem, ob Shift Up von seiner Vergangenheit mit Mobile-Titeln wie Goddess of Victory: Nikke profitieren konnte. Eine direkte technische Verbindung gibt es laut dem Studio nicht, schließlich basieren beide Spiele auf unterschiedlichen Engines. Die jeweiligen Teams tauschen sich bei Themen wie Optimierung und Problemlösung allerdings untereinander aus.

„Die Entwicklerteams der einzelnen Titel tauschen sich in Bezug auf Optimierung und Problemlösung aktiv über ihre Erfahrungen und Meinungen zu diesem Thema aus“, erklärt man uns.

Die Portierung beschränkt sich zudem nicht einfach darauf, Grafikoptionen herunterzuschrauben. Shift Up musste Stellar Blade an die Eigenheiten der Nintendo-Hardware anpassen. Ein überraschend simples Beispiel dafür ist das HUD: Wechselt man vom Fernseher auf den wesentlich kleineren Bildschirm der Switch 2, muss auch die Darstellung der Texte entsprechend reagieren.

„Wenn man das Spiel also im Dock-Modus spielt und dann in den Handheld-Modus wechselt, ändert sich die Textgröße, weil der Bildschirm kleiner ist“, so CTO DongKi Lee.

Auch einige der besonderen Eingabemöglichkeiten der Nintendo-Konsole werden genutzt. So kommt die Bewegungssteuerung unter anderem beim Angeln sowie bei einem weiteren kleinen Schieß-Minispiel zum Einsatz. Es sind keine grundlegenden Veränderungen am Spiel, aber nette Ergänzungen, durch die sich die Portierung etwas stärker nach einer tatsächlich angepassten „Switch 2“-Version anfühlt.

Am wichtigsten blieb Shift Up während der Entwicklung jedoch das eigentliche Gameplay. Kämpfe, Rätsel und Bewegungsabläufe sollten sich auf Switch 2 möglichst genauso gut spielen wie auf den anderen Plattformen: „Wenn man im Handheld-Modus spielt, darf es keine Einschränkungen geben. Es muss reibungslos laufen.“

Gerade bei einem Spiel wie Stellar Blade, bei dem schnelle Reaktionen und präzises Timing eine große Rolle spielen, ist diese Priorisierung nachvollziehbar.

Technisch ambitionierter als erwartet

Bildmaterial: Stellar Blade, Shift Up

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Als der bisherige Rechteinhaber Square Enix die Rechte am Tomb-Raider-Franchise im Mai des Jahres 2022 an die Embracer Group für ca. 300 Millionen US-Dollar verkauft hatte, hatten viele Fans der taffen Archäologin die Reihe schon endgültig an den Nagel gehängt und vorerst für tot erklärt.

Im Zuge der The Game Awards 2025 wurde dann völlig überraschend ein neues Tomb-Raider-Projekt vorgestellt. Dieses hört auf den Namen Tomb Raider: Legacy of Atlantis. Als Entwickler fungiert dieses Mal eine Kombination aus Flying Wild Hog und Crystal Dynamics. Das Publishing übernimmt Amazon Games.

Während der diesjährigen Gamescom konnten wir uns das neueste Abenteuer der wohl berühmtesten Videospiel-Heldin überhaupt endlich genauer ansehen und können euch nun ziemlich sicher verraten, ob man sich auf das neueste Abenteuer von Lara Croft freuen darf und ob der neue Ableger auch alte Tomb-Raider-Veteranen wieder vor den heimischen Bildschirm locken kann.

Eindrucksvolle Präsentation verdeutlicht die neue Ausrichtung des Abenteuers

Da es sich bei Tomb Raider: Legacy of Atlantis im Endeffekt um ein waschechtes Remake des ersten Teils von 1996 handelt, darf man natürlich gespannt sein, wie dieses eigentlich schon recht betagte Abenteuer auch heutzutage noch begeistern soll und kann.

Aber eins kann man mit Sicherheit sagen: Es funktioniert tadellos. Denn Tomb Raider: Legacy of Atlantis ist keine einfache und modernisierte Kopie des Originals, sondern vielmehr eine vollumfängliche Neuinterpretation des Klassikers.

Neben der Grafik selbst wurden sogar die Rätsel-Mechaniken überarbeitet und an die Neuzeit angepasst. Selbst bereits bekannte Rätsel des Originals wurden nun also erweitert, umfangreicher gemacht und bieten teilweise sogar neue Lösungsmöglichkeiten. Man hat jetzt also definitiv mehr Spielraum beim Erkunden und Lösen der zahlreichen Rätsel.

Lara hat nun außerdem die Möglichkeit, mit einem Scanner diverse wichtige Punkte im Level zu scannen und zusätzliche, mal mehr und mal weniger hilfreiche Informationen zu erhalten. Das macht das Erforschen der Abschnitte noch immersiver und interaktiver. Tomb Raider: Legacy of Atlantis ist also deutlich mehr als ein Remake des Originals aus den 90er-Jahren.

Überarbeitetes und angepasstes Kampfsystem orientiert sich am Original

Ein weiterer wichtiger Punkt von Tomb Raider: Legacy of Atlantis ist außerdem das überarbeitete Kampfsystem. Denn die Entwickler setzen beim neuen Ableger der Tomb-Raider-Reihe nicht mehr auf das sehr ballerlastige Kampfsystem der letzten Tomb-Raider-Trilogie aus dem Hause Square Enix. Stattdessen besinnt man sich bei Tomb Raider: Legacy of Atlantis wieder auf das eher bodenständige Kampfsystem und die Stärken der Original-Trilogie.

Im Klartext heißt das, bei Tomb Raider: Legacy of Atlantis wird deutlich weniger geballert als es noch bei der Square-Enix-Trilogie der Fall war. Wie auch schon beim Original muss sich Lara in diesem Teil hauptsächlich gegen tierische Gegner zur Wehr setzen. Dementsprechend wurde das Kampfsystem nun eher in eine Art Akrobatik-Feuergefecht verwandelt. Lara hechtet sich also beherzt aus der Angriffslinie des Gegners, um diesen dann anschließend mit Feuersalven zu attackieren. Ganz im Stile des Originals, nur eben jetzt in modern und nochmal eine ganze Ecke cooler und stylischer präsentiert, als das noch 1996 möglich war.

Spielerisch geht Tomb Raider: Legacy of Atlantis also durchaus in eine etwas andere Richtung, als es die Square-Enix-Trilogie tat. Der Fokus liegt sehr viel deutlicher auf der ruhigen Erkundung der Areale und dem Lösen der zahlreichen Rätsel. Die Feuergefechte sind bei diesem Teil also eher Beiwerk und nicht der Hauptfokus. Gerade Fans der älteren Tomb-Raider-Titel könnte dies aber durchaus positiv aufstoßen, denn schließlich orientiert man sich ja sehr viel deutlicher an den Qualitäten der Original-Trilogie.

Optische Präsentation, die ihresgleichen sucht

Speziell die grafische Qualität von Tomb Raider: Legacy of Atlantis muss auf jeden Fall positiv hervorgehoben werden. Dank der Unreal Engine 5 strahlt der Titel förmlich und schafft es gekonnt, eine unheimlich detaillierte Spielwelt zu erschaffen, von der man gar nicht genug bekommen kann.

Das ist allen voran auch den Licht- und Schatteneffekten geschuldet, welche die Spielwelt unglaublich realistisch und ansehnlich wirken lassen. Aber auch die absolut geschmeidigen Animationen von Lara selbst können begeistern und obendrauf gibt es einen gewohnt hochwertigen Soundtrack und knackige Soundeffekte, welche das technische Gesamtbild gekonnt abrunden.

Tomb Raider: Legacy of Atlantis wird wohl eines der schönsten Spiele werden, die je das Licht der aktuellen Konsolengeneration erblicken dürfen. Denn das noch zu toppen wird auf jeden Fall nicht einfach.

Überarbeitet, modernisiert und verbessert – Lara is back!

Bildmaterial: Tomb Raider: Legacy of Atlantis, Amazon Games, Crystal Dynamics, Flying Wild Hog

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Erst im Dezember des Jahres 2025 war es dann endlich so weit und Capcom gab nach langer Wartezeit und vielen Gerüchten endlich bekannt, dass man die Marke „Mega Man“ wieder mehr ins Rampenlicht rücken und sogar in die Riege der Haupt-IPs aufnehmen möchte.

Noch in derselben Woche kündigte Capcom im Zuge der The Game Awards anschließend das neueste Projekt Mega Man: Dual Override an. Mega Man: Dual Override wird ein völlig neuer Ableger der Reihe, der sich speziell an den Anfängen und den Wurzeln des traditionsreichen Jump-and-Run-Franchise aus dem Hause Capcom orientieren soll.

Im Zuge der Gamescom 2026 konnten wir das neueste Abenteuer des blauen Bombers endlich Probespielen, um euch einen ersten Eindruck zum kommenden Action-Feuerwerk aus dem Hause Capcom liefern zu können. Ob sich die Warterei lohnt oder ob man Mega Man vielleicht doch besser in nostalgischer Erinnerung behalten sollte, erfahrt ihr in unserer Vorschau.

Etwas Moderne darf natürlich schon sein

Die Besonderheit von Mega Man: Dual Override ist zweifelsohne die Tatsache, dass es dem japanischen Entwickler und Publisher Capcom bei diesem Titel unglaublich gut gelingt, die Wurzeln der Mega-Man-Reihe mit diversen Gameplay-Elementen aus der Moderne zu verbinden und zu kreuzen.

Hardcore-Fans sind ja stets skeptisch, wenn es um Anpassungen oder Eingeständnisse ihres, mittlerweile doch recht betagten, Franchise geht. Im Falle von Mega Man: Dual Override kann man diese Angst jedoch als absolut unbegründet bezeichnen.

Mega Man: Dual Override spielte sich während unserer rund 30-minütigen Testsession im Grunde genommen wie eine schönere und etwas modernere Variante der alten Mega-Man-Ableger. Natürlich sind die Level nun deutlich aufregender gestaltet und die Hürden, die wir überwinden müssen, noch eine Ecke umfangreicher. Im Kern spürte man aber zu jeder Sekunde die DNA der Reihe und das war einfach wundervoll. Dennoch hatte man zu keiner Sekunde das Gefühl, ein veraltetes Gameplay-Konzept vor sich zu haben. Mega Man ist eben doch irgendwie zeitlos.

Neben den, aus vergangenen Teilen, bekannten Upgrades wie beispielsweise einer Art Tornado-Angriff, hatte man in der Demo außerdem die Möglichkeit, Mega Man in eine Art Power-Modus zu versetzen. Hier nahm unser blauer Held dann weniger Schaden und unsere Angriffe waren noch stärker. Dieser Power-Modus war allerdings nur eine kurze Zeit lang nutzbar, bis dieser sich erst erneut aufladen musste. Taktisch also ein durchaus effektives Mittel, welches allerdings zur richtigen Zeit und am richtigen Ort eingesetzt werden will.

Die schweißtreibenden Bosskämpfe sind immer noch knackig

Ein Highlight, wie es für die Mega-Man-Reihe üblich ist, sind auch hier wieder die ausufernden und extrem anstrengenden Bosskämpfe. Äußerst anspruchsvoll und nur seltenst verzeihend, treiben einem diese Boss-Begegnungen regelmäßig den Schweiß auf die Stirn. Hier muss man seine Konzentration wirklich zusammensammeln und alles geben, um am Ende siegreich aus den Kämpfen zu gehen.

In der Demo konnte man drei unterschiedliche Bosskämpfe spielen, die durchaus fordernd, aber nach einigen Versuchen definitiv machbar waren. Dem Power-Modus sei Dank konnte man sich hier oft den entscheidenden Vorteil sichern und siegreich aus den Duellen gehen.

Unterschiedliche Chip-Sets ermöglichen unterschiedliche Spielstile

Bevor man ein Level betritt, gibt einem das Spiel die Möglichkeit, aus drei unterschiedlichen Chip-Sets auszuwählen. Beim ersten Chip handelt es sich um den passiven Chip. Dieser erzeugt eine schützende Barriere gegen feindliche Angriffe und bietet außerdem einen nützlichen E-Tank, welchen wir zur Heilung unseres blauen Helden benötigen.

Der zweite Chip ist für den aggressiveren Spielstil gedacht. Denn dieser sorgt dafür, dass Mega Man die aufgeladenen Schüsse automatisch auflädt und wir sozusagen nur noch den Abschuss bestätigen müssen. Man spart sich quasi das manuelle Aufladen der Schüsse. Außerdem haben wir die Möglichkeit, doppelt aufgeladene, sogenannte „double charge shots“, zu verwenden.

Beim dritten Chip wartet dann sogar eine kleine Überraschung auf viele Hardcore-Fans. Denn dieser Chip ist dafür da, die zusätzlichen Hilfen abzuschalten und das Spiel in eine klassischere, noch schwerere Richtung zu drehen. Dafür steht uns hier dann ein altbekannter Begleiter zur Seite. Kein Geringerer als der Robohund „Rush“. Je nach gewähltem Chip-Set ändert sich das Spielgefühl also teils drastisch. Ein wirklich toller Ansatz, der für den ein oder anderen Spieler vielleicht sogar mehrere Spieldurchgänge rechtfertigen wird.

Der blaue Bomber ist endlich zurück auf der großen Bühne

Bildmaterial: Mega Man: Dual Override, Capcom

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Die mitreißende Atmosphäre, die zum damaligen Zeitpunkt tolle Grafik und die beklemmende Soundkulisse schafften es gekonnt, ein äußerst atmosphärisches Shooter-Spektakel auf die heimischen Bildschirme zu zaubern. Der erste Teil der Reihe – Turok: Dinosaur Hunter – erschien damals im Jahre 1997 für Nintendo 64 und PC.

Mit unzähligen weiteren Ablegern und dem ein oder anderen Spin-off konnte sich die Turok-Reihe relativ lange auf der großen Bühne der Gaming-Welt halten. Mit „Turok“ aus dem Jahre 2008 fand die Reihe dann allerdings ihr vorzeitiges Ende und im Anschluss folgte lediglich das kleinere Projekt „Turok: Escape from Lost Valley“ und das ein oder andere Remaster alter Turok-Ableger.

Erst im Dezember 2024 wurde dann überraschend angekündigt, dass sich ein vom US-amerikanischen Entwickler und Publisher Saber Interactive entwickelter neuer Turok-Ableger in Arbeit befindet. Dieser neue Teil der Reihe hört auf den Namen Turok: Origins und soll als Reboot der Turok-Reihe fungieren.

Im Zuge der diesjährigen Gamescom hatten wir die Möglichkeit, den Titel ausgiebig anzuspielen und berichten euch nun, ob man sich auf die Rückkehr des Dino-Action-Spektakels freuen darf und was den neuesten Ableger der Reihe so besonders macht.

Das Schicksal der Menschheit steht mal wieder auf dem Spiel

In Turok: Origins übernehmen wir die Rolle eines futuristischen Kriegers, welcher sich der bedrohlichen Alienrasse „Xenia“ erwehren muss. Die Xenia sind eine reptilienähnliche Rasse, die den Menschen feindlich gesinnt ist.

In erbitterten Schlachten quer durch die Galaxis muss sich die menschliche Spezies gegen diese Reptilien zur Wehr setzen, denn am Ende des Tages geht es um nichts Geringeres als das Überleben und Fortbestehen der gesamten Menschheit.

Drei Klassen mit drei unterschiedlichen Spielstilen stehen zur Auswahl

Zu Beginn eines Spiels haben wir die Wahl zwischen drei unterschiedlichen Charakterklassen. Dem Puma, dem Bison und dem Raben. Jede Klasse kann auf eine andere Bewaffnung und andere Spezialmanöver zurückgreifen. Taktische Abstimmung ist hier auf jeden Fall möglich und auch bitter nötig, um siegreich aus der hektischen Ballerei zu gehen.

Entscheidet man sich beispielsweise für die Bison-Klasse, haben wir die Möglichkeit, eine schützende Barriere zu erzeugen, um uns und unsere Mitspieler vor den gegnerischen Angriffen zu schützen. Die Raben-Klasse hat zum Beispiel die Möglichkeit, Feuerbälle auf die heranstürmenden Gegner zu feuern.

Jede Klasse bietet also Vor- und Nachteile und kann je nach eigenen Vorlieben mal mehr und mal weniger effektiv eingesetzt werden. Hier muss man sich an den jeweils eigenen Spielstil herantasten, um den bestmöglichen Effekt aus der jeweils gewählten Klasse herauszuholen und den für sich optimalen Spielstil zu finden.

Jede Klasse hat außerdem die Möglichkeit einen Scanner zu nutzen. Dieser Scanner zeigt uns die unterschiedlichen Schwachstellen der Gegner an. Konzentriert man sich im Kampf auf ebendiese Schwachstellen, gehen die Gegner schnell und effektiver zu Boden. Ein wichtiges taktisches Element, auf welches man auf jeden Fall großen Wert legen sollte.

Hat man den Bossgegner eines Areals besiegt, hat man außerdem die Möglichkeit, dessen DNA und damit die sogenannten „EchoSyncs“ zu erhalten. Mit diesen Punkten haben wir nun die Möglichkeit neue Fähigkeiten freizuschalten und unsere Klasse noch weiter auszubauen und an die eigenen Wünsche anzupassen.

Die Dino-Ballerorgie macht wirklich Spaß

Auf den ersten Blick wirkt Turok: Origins vielleicht wie ein weiterer Shooter mit Turok-Lizenz. Ich kann allerdings getrost sagen: Das Spiel macht wirklich Spaß. Vor allem, wenn man seinen Flow erstmal gefunden hat, fliegt man regelrecht durch die Gegnermassen und fühlt sich teils schon fast unbesiegbar. Ganz Turok-like eben.

Die unterschiedlichen Spielstile wollen natürlich zuerst beherrscht und verstanden werden. Hat man den Dreh aber erstmal raus, gibt es gefühlt kein Halten mehr und das Spaß-Level steigt recht schnell in höhere Ebenen.

Lineare Spielwelt mit der ein oder anderen Erkundungsmöglichkeit

Die Spielwelt beziehungsweise die Levelabschnitte von Turok: Origins fallen dabei recht linear und eher schlauchig aus. Man ballert sich von Areal zu Areal, bekämpft dabei etliche Wellen von Gegnern und steht am Ende immer einem größeren Boss gegenüber, den es zu erledigen gilt.

Hier und da kann man auch mal vom eigentlichen Pfad abweichen, um sich etwas im Areal umzusehen und das ein oder andere Geheimnis zu erhaschen. Im Großen und Ganzen bleibt Turok: Origins allerdings ein recht lineares Erlebnis.

Die unterschiedlichen Nebenaufgaben sind zwar durchaus nett, lenken im Endeffekt aber nur minimal vom eigentlichen Geschehen ab und dienen wohl eher als kleine Auflockerung.

Erst im Mehrspielermodus so richtig spaßig und fetzig

Turok: Origins ist eines dieser Spiele, die tatsächlich erst im Mehrspielermodus so richtig aufblühen. Denn mit bis zu drei Spielern im Koop-Modus kann man sich mit den unterschiedlichen auswählbaren Klassen wunderbar ergänzen und taktisch abstimmen. Dann macht die eigentlich recht stumpfe Ballerei gleich noch mehr Spaß.

Auf Wunsch kann man das gesamte Abenteuer aber natürlich auch im Solo-Modus komplett alleine erleben. Wahrscheinlich liegt dies nicht im Sinne der Entwickler, aber es ist durchaus angenehm zu wissen, dass man das neueste Turok-Abenteuer auf Wunsch auch solo durchspielen kann.

Verschiedene Perspektiven für unterschiedliche Geschmäcker

Eine Besonderheit von Turok: Origins ist die Tatsache, dass man das Spiel wahlweise in der First-Person-Perspektive, wie einen klassischen Shooter, oder aber in der Third-Person-Perspektive spielen kann. Je nach eigenen Vorlieben lässt sich die Perspektive jederzeit nahtlos im Spiel hin- und herschalten. Wirklich sehr löblich und auch sehr ordentlich umgesetzt.

Die härteste Dino-Ballerei der Gaming-Welt ist zurück

Bildmaterial: Turok: Origins, Saber Interactive, Universal Products & Experiences

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Viele Jahre bangten und hofften die Fans auf einen Nachfolger ihres Horror-Spektakels und im Oktober des Jahres 2024 war es dann endlich so weit und die Entwickler von Creative Assembly verkündeten stolz, dass sich ein Nachfolger zum bis heute äußerst beliebten Horror-Abenteuer in Entwicklung befindet.

Während der diesjährigen Gamescom hatten wir nun die Gelegenheit, den neuen Horror-Blockbuster Alien: Isolation 2 ausgiebig anzutesten. Ob auch der zweite Teil an die Qualitäten des Erstlings anknüpfen und diese vielleicht sogar noch toppen und verbessern kann, erfahrt ihr in unserer ausführlichen Messe-Preview.

Extrem düstere Atmosphäre, die einem den Atem stocken lässt

Bereits der erste Teil der Reihe konnte mit einer absolut unheimlichen, düsteren und stets beklemmenden Atmosphäre glänzen. Auch der zweite Teil von Alien: Isolation macht hier keine Ausnahme. Selten habe ich mich innerhalb so kurzer Zeit so von einem Spiel in den Bann gezogen gefühlt, wie es hier der Fall war.

Nicht vergessen darf man hier außerdem die Umstände, mit denen eine solche Messe-Demo stets zu kämpfen hat. Umgebungslärm aus den Hallen, eine relativ neutrale und helle Atmosphäre und andere Menschen, die das Spiel ebenfalls anspielen um einen herum. Dementsprechend hat es ein Horror-Titel recht schwer, die entsprechende Atmosphäre aufbauen und auch vermitteln zu können.

Alien: Isolation 2 weiß allerdings ganz genau, wo es ansetzen muss, um dem Spieler in den richtigen Momenten den Schweiß auf die Stirn zu treiben. Nicht nur die ständige Angst vor dem Alien selbst ist es, welche die Atmosphäre dieses Titels so beängstigend macht. Die Stimmung, die rein durch Licht- und Schatteneffekte und diverse Soundeffekte erzeugt wird, genügt bereits, um einem pausenlos die Haare zu Berge stehenzulassen. Perfekt umgesetzt und geradezu hollywoodreif inszeniert.

Der sichere Tod lauert an jeder Ecke

Die Begegnungen mit dem Alien selbst sind jedoch die Spitze des Eisbergs, denn hier muss man trotz der Panik, die man verspürt, stets einen klaren Kopf bewahren, um am Ende heil aus der jeweiligen Situation zu kommen. Eine wahre Stressprobe, könnte man sagen, und eine, die stets tödlich endet, sollte man doch mal einen Fehler machen. Etwas Trial-and-Error ist also unvermeidbar und ist auch irgendwie typisch für Alien: Isolation.

Wie auch schon im ersten Teil ist hier also oberste Vorsicht gefragt, um am Ende nicht von dem umher streunenden Alien entdeckt und in Stücke gerissen zu werden. Um dieses stets tödliche Alien abzulenken, stehen uns, wie auch schon beim ersten Teil der Reihe, allerlei Ablenkungsmanöver zur Verfügung.

Darunter befinden sich beispielsweise herumliegende Gegenstände, die geworfen werden können. So können wir das Ungetüm beispielsweise in eine andere Richtung lenken, um so geschickt von uns selbst abzulenken und uns schnell aus der brenzligen Situation ziehen zu können. Timing ist hier also das A und O und absolut überlebenswichtig, um dem lästigen Alien stets einen Schritt voraus zu sein.

Optisch schon jetzt ein absoluter Leckerbissen

Vor allem grafisch kann Alien: Isolation 2 schon jetzt auf ganzer Linie überzeugen. Der Titel sieht wahnsinnig gut und absolut stimmig aus. Das, zumindest für meinen Geschmack, tolle Artdesign des Alien-Franchise kommt auch hier zum Tragen und macht die Locations noch eine Ecke interessanter und stylischer. Der kreative Kopf hinter diesem absolut kultigen Alien-Design ist kein Geringerer als der mittlerweile verstorbene Künstler und Oscarpreisträger HR Giger.

Entwickelt wird der Titel auf Basis der leistungsstarken Unreal Engine 5, welche durchaus dazu in der Lage ist, spektakuläre Bilder auf den heimischen Bildschirm zu zaubern. Neben den fantastischen Texturen sind es vor allem die Licht- und Schatteneffekte und die Partikeleffekte wie Nebel oder Regen, die das Spiel zu einer wahren Augenweide machen. Optisch kann man Alien: Isolation 2 also definitiv als echten Leckerbissen bezeichnen.

Unsere Messe-Demo lief außerdem stets mit absolut flüssigen 60 Frames und sah dabei auch noch stets perfekt aus. Ob ein Qualitätsmodus mit höherer Auflösung für die Konsolenversionen enthalten sein wird, konnten wir zum jetzigen Zeitpunkt noch nicht in Erfahrung bringen. Da dies aktuell aber der Standard zu sein scheint, darf man auch im Falle von Alien: Isolation 2 von einem Qualitätsmodus als Alternative zum Performance-Modus ausgehen.

Soundeffekte aus der Alien-Hölle

Speziell die äußerst beklemmenden Soundeffekte wie beispielsweise der prasselnde Regen oder plötzlicher Donner schafften es nicht selten, mir den kalten Schauer über den Rücken laufen zu lassen. Perfekt eingesetzt und toll umgesetzt macht der Titel also auch tontechnisch einiges her und vermag es gekonnt, die ohnehin schon sehr unheimliche Alien-typische Atmosphäre noch etwas unheimlicher wirken zu lassen.

Auch die Synchronsprecher leisten ordentliche Arbeit und man kommt sich schon fast vor, als würde man hier einen Alien-Film zum Mitspielen vor sich haben. Das Hollywood-Niveau wurde also auf jeden Fall erreicht.

DER Horror-Blockbuster des (wahrscheinlich) nächsten Jahres

Bildmaterial: Alien: Isolation 2, SEGA, Creative Assembly

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Entwickelt wird das Abenteuer von Skyward Entertainment, einem Indie-Studio aus Helsinki, während Headup das Publishing übernimmt. Auf der diesjährigen Gamescom konnten wir Second Stone bereits selbst ausprobieren und uns zusätzlich mit den Entwicklern über das ambitionierte Projekt unterhalten.

Im Mittelpunkt steht der junge Schatzsucher Shiren aus dem Dorf Arimaya, der versucht, das Geheimnis einer verborgenen dunklen Welt aufzudecken. Dabei bewegt ihr euch zwischen zwei vollständig spielbaren parallelen Welten: einer lebendigen, farbenfrohen Welt und ihrem gefährlichen, dunklen Spiegelbild, der sogenannten Shrouded World.

Zelda ist nur eine von vielen Inspirationen

Das Konzept erinnert zunächst natürlich an das klassische Lichtwelt/Dunkelwelt-Prinzip, wie man es beispielsweise aus The Legend of Zelda: A Link to the Past kennt. Doch Zelda ist längst nicht die einzige Inspirationsquelle.

Im Gespräch nannten uns die Entwickler unter anderem Jak and Daxter, Banjo-Kazooie und weitere Klassiker dieser Ära. Das Ziel besteht dabei nicht darin, ein einzelnes Vorbild zu kopieren. Vielmehr möchte Skyward Entertainment unterschiedliche Mechaniken aus zahlreichen Spielen herausgreifen und daraus gewissermaßen das Beste verschiedener Welten miteinander verbinden.

Das merkt man bereits beim Kampfsystem. Neben normalen Attacken verfügt Shiren über unterschiedliche Elementangriffe. Insgesamt gibt es acht Elemente, die allerdings nicht einfach nur unabhängig voneinander eingesetzt werden. Ihr könnt sie miteinander kombinieren und dadurch neue Effekte erzeugen. Verbindet ihr beispielsweise Wind und Elektrizität, entsteht Donner.

Die Elemente werden dabei längst nicht nur zum Kämpfen benötigt, sondern spielen auch bei verschiedenen Rätseln eine Rolle. Insgesamt soll das System mehr als 300 unterschiedliche Builds ermöglichen und damit reichlich Raum zum Experimentieren bieten.

Gleichzeitig steckt auch ein wenig Metroidvania in Second Stone. Mit neuen Fähigkeiten sollen sich nach und nach zuvor unerreichbare Pfade öffnen. Passend dazu nannten die Entwickler auch Metroid ausdrücklich als eine weitere wichtige Inspirationsquelle.

Acht Elemente, Zeitreisen und jede Menge Geheimnisse

Und damit sind die spielerischen Möglichkeiten noch längst nicht ausgeschöpft. Eine weitere zentrale Fähigkeit erlaubt es Shiren beispielsweise, die Zeit für bestimmte Objekte zurückzudrehen. Damit lassen sich unterschiedliche Rätsel lösen und Situationen manipulieren. Während unserer Demo erinnerte uns das Prinzip durchaus an die Zeitumkehr aus The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom.

Auch die klassische Erkundung spielt eine große Rolle. Die verschiedenen Gebiete wollen nicht einfach nur durchquert, sondern gründlich untersucht werden. Shiren kann dabei unter anderem schwimmen und tauchen, wodurch auch unter der Wasseroberfläche weitere Bereiche und Geheimnisse warten.

Gerade optisch konnte sich unsere Gamescom-Version bereits sehen lassen. Die kräftige Farbpalette, eine schöne Beleuchtung und die abwechslungsreichen Landschaften sorgten sowohl an Land als auch auf dem Wasser immer wieder für tolle Bilder. Das Spiel schafft es dabei gut, den Charme seiner deutlich älteren Vorbilder aufzugreifen, ohne selbst entsprechend alt auszusehen.

Wer sich gerne in solchen Welten verliert, dürfte hier einiges zu tun bekommen. Zusätzlich zu den normalen Gebieten soll es nämlich auch optionale Roguelike-Dungeons geben. Und weil offenbar noch nicht genug Systeme im Spiel stecken, arbeitet Skyward Entertainment sogar an einem umfangreichen Kartenspiel, das wiederum verschiedene Mechaniken des eigentlichen Abenteuers aufgreifen soll.

Vielleicht schon fast zu viele gute Ideen?

Genau diese enorme Vielfalt war nach unserer Gamescom-Demo gleichzeitig die spannendste Eigenschaft und unser größtes Fragezeichen. Second Stone wirft mit Ideen geradezu um sich. 3D-Platforming, Action-RPG, zwei Welten, Metroidvania-Fortschritt, acht kombinierbare Elemente, Zeitmanipulation, Schwimmen und Tauchen, Roguelike-Dungeons und sogar ein eigenes Kartenspiel: Langweilig dürfte es Shiren definitiv nicht werden.

Phasenweise wirkte diese Vielzahl an Möglichkeiten allerdings schon fast etwas überladen. Hier muss sich letztlich zeigen, ob Skyward Entertainment all diese Systeme sinnvoll miteinander verbinden kann oder sich das kleine Team vielleicht doch etwas zu viel vorgenommen hat.

Gleichzeitig sorgte aber genau diese Vielfalt dafür, dass unsere Neugier nach der Demo eher größer als kleiner war. Ständig hatten wir das Gefühl, noch einen anderen Weg ausprobieren, eine neue Kombination testen oder hinter das nächste Geheimnis kommen zu wollen. Second Stone spricht den Entdecker- und Experimentiergeist damit ziemlich erfolgreich an.

Auch eine mitreißende Geschichte soll Teil des Abenteuers werden. Davon konnten wir während unserer Gamescom-Demo allerdings noch nicht genug sehen, um uns bereits ein richtiges Urteil erlauben zu können.

Unser Entdeckergeist war jedenfalls geweckt

Bildmaterial: Second Stone: The Legend of the Hidden World, Headup Games, Skyward Entertainment

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Wer das Gerät noch nicht kennt: In den USA und Kanada wurde die kleine, handliche Konsole mit Ganzkörper-Steuerung bereits zu einem Hit und konnte sich über eine Million Mal verkaufen. Um eines vorwegzunehmen: Nach unserer Anspielsession wundert uns das absolut nicht.

Das Gerät ist handlich, unauffällig und einfach in der Bedienung wie eine Wii, funktioniert problemloser als eine Xbox One mit Kinect und bietet viele Spiele für jede Altersgruppe. Die Installation ist super einfach, denn das Gerät hat nur zwei Stecker: Strom und HDMI. Nach dem Einrichten des WLANs kann es also direkt losgehen, was besonders wenig technikaffine Menschen freuen dürfte.

Wir wurden mit der Nex Playground in kürzester Zeit zu einem erfolgreichen Erdbändiger, konnten Kalorien verbrennen wie sonst nur in Beat Saber, mit gezielten Sprüngen den blauen Igel Sonic von einem Rail-Grind zum nächsten hüpfen lassen, in Fruit Ninja den Highscore jagen und in einer Koop-Pac-Man-Variante gemeinsam den Bildschirm leer futtern.

Die Hardware der Nex Playground

Direkt von der ersten Sekunde hat es uns das „schnuckelige“, dezent verspielte Design der Nex Playground angetan. Wenn man nicht weiß, worum es sich handelt, würde man vermuten, er sei ein Medienstreamer – mit einer Kantenlänge von knapp über 7 cm und einer kachelartigen Farbgebung fällt auch die abdeckbare Kamera kaum auf, welche in den Spielen eure Bewegung trackt.

Die Installation ist super einfach: Stromkabel rein, HDMI-Kabel anstecken, WLAN verbinden und schon kann es losgehen. Im Datenblatt fiel uns besonders der Prozessor auf, der stark an Smartphones erinnert. Auch grundlegende KI-Fähigkeiten hat die Mini-Konsole. Laut Nex werden diese dazu verwendet, um die Bewegungserkennung möglichst effektiv und effizient zu gestalten. Das funktioniert in der Praxis auch sehr gut – im Detail bleibt es jedoch den Spieleherstellern überlassen, wie sie die Bewegungssteuerung integrieren.

Die Grafik ist ausreichend für die meist simplen Spiele in kleineren Spielwelten – eine leichte Unschärfe aufgrund einer vermutlich eher niedrigen internen Auflösung und unsaubere Outlines sind zwar aufgefallen, aber stören keine Sekunde den Spielspaß.

Einige Highlights unter den über 60 Spielen

Die Nex Playground setzt dabei nicht selten auf große und bekannte Marken, die eine gewisse Anziehungskraft ausüben. Das macht auch vor uns nicht Halt: Natürlich mussten wir direkt das neue Sonic Forces: Rival Rush ausprobieren, das spielerisch etwas an Sonic Dash auf dem Smartphone erinnerte.

Mit Körperbewegungen, Schritten zur Seite und Sprüngen konnten wir zu zweit hunderte Ringe sammeln. Von allen angetesteten Spielen schien Sonic Forces: Rival Rush auch das ausgereifteste zu sein: Die Bewegungssteuerung funktionierte bis auf sehr wenige Ausnahmen sehr gut, die Verzögerung war gering.

Es machte richtig Spaß, den blauen Igel und seine Freunde über die Parcours zu jagen, mit Schritten und Neigungen zur Seite den Hindernissen auszuweichen, mit gezielten Squats unter Hindernissen durchzugleiten und mit kleinen Hüpfern von Rail zu Rail zu springen.

Ebenfalls toll war Avatar: The Last Airbender Earth Rumble, in welchem uns Toph in einer Arena zu einem Erdbändiger-Wettbewerb herausforderte. Hier konnten wir mit gezielten Schritten den Gesteinsbrocken ausweichen, mit Sprüngen erzielten auch direkte Bodenattacken keinen Schaden. Währenddessen bändigten wir selbst die Erde, um wiederholt Gesteinsbrocken auf Toph zu werfen und ihn so zu besiegen. In späteren Leveln wird es sogar ziemlich anspruchsvoll, wenn auch Blockbewegungen dazukommen.

Für Fans von Rhythmusspielen eignet sich das an Beat Saber erinnernde Starri. In schwierigeren Stufen war es fast schon schweißtreibend, den Anweisungen auf dem Bildschirm zu folgen, die Pfeile zu treffen und den Körper in die angegebenen Bereiche zu bewegen.

Für zwischendurch eignet sich auch Fruit Ninja super, um die Steuerung zu erlernen, ein Gefühl für die Bewegungserkennung zu bekommen und den Highscore in verschiedenen Modi zu jagen. Auch hier: Die Bewegungserkennung funktionierte problemlos, präzise und verzögerungsarm.

Zu guter Letzt durften wir auch das brandneue Pac-Man-Spiel im Koop-Modus antesten. Tatsächlich ist es das einzige Spiel, in dem die Bewegungserkennung überhaupt auffiel. Zu zweit futterten wir die Punkte vom Bildschirm und flohen vor den Geistern. Die etwas gewöhnungsbedürftige Armgestensteuerung funktionierte in hektischen Situationen und bei schnellen Richtungswechseln gelegentlich nicht ganz ideal. Aber bis zum Start der Konsole in Deutschland ist noch etwas Zeit, um die Steuerung zu perfektionieren.

Apropos Start: Die Nex Playground wird in Deutschland ab 319 Euro erhältlich sein und enthält fünf kostenlose Spiele. Mit einem jährlichen Play-Pass-Abonnement für 99 Euro oder einem vierteljährlichen Play-Pass für 45 Euro erhält man den vollen Zugriff auf die stetig wachsende Bibliothek mit über 60 Spielen. Dazu gehören familienfreundliche Tanz-, Fitness- und Lernspiele. Auch Neuentwicklungen und Erweiterungen für bestehende Spiele werden auf diese Weise finanziert.

Was für ein spaßiges, neues Gerät!

Bildmaterial: Nex Playground

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Hinter Entwickler 2nd Player Games steckt im Wesentlichen der Peruaner Adolfo Juan Fernando Gazzo Castañeda. Als Publisher steht wiederum Deck13 Spotlight aus Frankfurt hinter dem Projekt. Interessant ist dabei vor allem Gazzos beruflicher Hintergrund: Eigentlich kommt er aus dem Audio-Bereich. Als Toningenieur, Musikproduzent und Komponist war er nach eigener Aussage mehr als 15 Jahre tätig, bevor Full Circle zu seinem großen eigenen Spieleprojekt wurde.

Der Traum vom eigenen Videospiel begleitet ihn allerdings schon deutlich länger. Bereits als Kind zeichnete er Spielszenarien inklusive Lebensbalken und Statistiken auf Papier. Später folgten erste Experimente mit RPG Maker, GameMaker und Adventure Game Studio. Während der Pandemie entschied er schließlich, aus der langjährigen Idee ein richtiges Projekt zu machen.

Das macht Full Circle aus unserer Sicht besonders interessant. Hier entsteht kein japanisches JRPG, sondern ein peruanisches Rollenspiel, das sich ganz bewusst der Sprache klassischer japanischer RPGs bedient. Auf der diesjährigen Gamescom konnten wir nun selbst Hand anlegen und herausfinden, wie gut dieses Konzept tatsächlich funktioniert.

Ein bisschen PS1, ein bisschen HD-2D

Schon nach wenigen Augenblicken fiel uns die Präsentation ins Auge. Während die spielerischen Vorbilder vor allem aus der PS1-Ära stammen, wirkt die optische Umsetzung wesentlich moderner. Die Kombination aus Pixel-Charakteren und dreidimensionalen Umgebungen erinnert auf den ersten Blick durchaus an aktuelle HD-2D-Spiele wie Octopath Traveler.

Noch schneller machte allerdings eine andere Komponente auf sich aufmerksam: der Soundtrack. Die Musik ist treibend, präsent und schaffte es in unserer Demo praktisch vom ersten Moment an, Lust auf den nächsten Kampf zu machen. Hier merkt man Gazzos jahrelange Erfahrung im Audio-Bereich deutlich. Dass er bei der Musik seines eigenen Spiels federführend am Werk ist, dürfte daher kaum überraschen.

Gerade für ein klassisch angehauchtes Rollenspiel ist das nicht unwichtig. Schließlich verbringen wir viel Zeit in Kämpfen – und genau dort konnte uns Full Circle ebenfalls schnell abholen.

Klassische Rundenkämpfe, bei denen ihr nicht nur zuschaut

Grundsätzlich setzt Full Circle auf ein klassisches rundenbasiertes Kampfsystem. Zur Verfügung stehen die üblichen Optionen wie normale Angriffe, defensive Aktionen und unterschiedliche Spezialfähigkeiten. Einfach nur einen Befehl auszuwählen und anschließend zuzuschauen, reicht allerdings nicht immer.

Eine wichtige Rolle spielen Action-Kommandos, die ein wenig an Mario & Luigi oder zuletzt Clair Obscur: Expedition 33 erinnern. Im richtigen Moment ausgeführte Eingaben erhöhen beispielsweise den verursachten Schaden. Umgekehrt lassen sich gegnerische Angriffe mit gutem Timing blocken und teilweise direkt mit einem Konter beantworten.

Damit bleibt man auch während der gegnerischen Runde aufmerksam. Statt das Menükommando auszuwählen und anschließend die Animation abzuwarten, fordert Full Circle immer wieder eine aktive Reaktion.

Besonders interessant fanden wir die sogenannten Cross Attacks. Durch bestimmte Aktionen lässt sich die Voraussetzung für diese mächtigen Angriffe schaffen, die anschließend ordentlich Schaden verursachen. Wer auch hier das richtige Timing erwischt, kann noch einmal zusätzliche Wirkung herausholen.

Das alles erfindet das rundenbasierte Kampfsystem nicht komplett neu, sorgte während unserer Demo aber für einen angenehmen Spielfluss. Vor allem die Kombination aus klassischer JRPG-Struktur und aktiven Eingaben machte schnell Lust darauf, weitere Fähigkeiten und mögliche Kombinationen auszuprobieren.

Gut gegen Böse? Ganz so einfach soll es nicht werden

Auch erzählerisch möchte Full Circle mehr bieten als reine Nostalgie. Die Erde befindet sich in einer postapokalyptischen Zukunft, in der mutierte Kreaturen die Oberfläche beherrschen. Zumindest ein Teil der verbliebenen Menschheit hat sich deshalb in fliegende Städte beziehungsweise sogenannte Shelters zurückgezogen.

Unter einer dieser Städte befindet sich eine Groundstation. Dort werden junge Menschen offenbar gezielt darauf vorbereitet, Expeditionen auf die gefährliche Oberfläche zu unternehmen und damit einen Beitrag zum Überleben ihrer Gemeinschaft zu leisten.

Was tatsächlich hinter dieser Welt und ihren Strukturen steckt, konnten wir während unserer Gamescom-Demo allerdings noch nicht vollständig ergründen. Fest steht zumindest, dass Full Circle keine einfache Geschichte über Gut und Böse erzählen möchte. Gerade hier bleiben deshalb noch einige interessante Fragezeichen stehen, deren Antworten wohl erst die Vollversion liefern wird.

Full Circle schließt den Kreis erstaunlich gut

Bildmaterial: Full Circle, Deck13, 2nd Player Games

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Für uns war es daher eine Selbstverständlichkeit, den Anspieltermin auf der Gamescom 2026 anzunehmen und uns selbst ein Bild vom Spiel zu machen. Und Ananta überzeugt – und zwar in einem Ausmaß, dass wir nun Zweifel an so manchem Vollpreisspiel haben.

Zwei Demos anspielbar

Wir durften in zwei kurze Demos reinschnuppern. Die erste Demo ist bereits aus dem Trailer bekannt, hier flüchten wir zunächst in einer „Cyberpunk 2077“-artigen Verfolgungsszene vor unzähligen Gangmitgliedern auf ihren Motorrädern.

Unser Auto navigiert die Wolfshybridin Lykaia, Anführerin der Nova City Crime Agency (N.C.C.A.), sicher durch den dichten Verkehr, während wir unsere Verfolger abschießen dürfen – natürlich Ananta-typisch mit völlig übertriebenen, Comic-haften Animationen, welche eine Menge Menschen wild durch die Luft wirbeln und Fahrzeuge explodieren lassen.

Im weiteren Verlauf dürfen wir die Kontrolle über das Auto übernehmen und rempeln unsere Verfolger links und rechts von ihren Motorrädern, bis wir am Ende nicht anders können und uns in einer Unterzahlsituation gegen mehrere Gegner behaupten müssen.

Beeindruckend dynamische Kämpfe

Das Kampfsystem geht leicht von der Hand und zeigt eine weitere Stärke von Ananta. Die Kämpfe selbst sind unglaublich dynamisch und kaum zu vergleichen mit den meisten aktuell bekannten Spielen. Die Yakuza-Elemente sind deutlich sichtbar, auch das Einbeziehen der Umgebung in Attacken und Finisher-Moves ist erfrischend und oft überraschend.

An anderen Stellen erinnern die Kämpfe aber eher an die hoffnungslos überzogenen, aber immer im Fluss bleibenden Kung-Fu-Moves aus den Jackie-Chan-Filmen. Sogar das Blocken ist keine Ausnahme, denn mit zwei Händen kann man auch mal entspannt zwei Gegner gleichzeitig blocken – was spricht in einer Fantasy-Welt auch dagegen?

Dazu kommt, wie bereits erwähnt, die ständige Einbeziehung der Umgebung in die Kämpfe selbst. Gullydeckel werden zu Wurfgeschossen, Motorhauben zu einer Möglichkeit, die Gegner im Kampf langzulegen, und Mülltonnen zu einer Möglichkeit, sich lästiger Feinde mit einem dumpfen Knall zu entledigen.

Offene Welt mit vielen Möglichkeiten

In der zweiten Demo konnten wir ein wenig die offene Welt erkunden, wozu wir auch die Spider-Man-artige Fähigkeit nutzen konnten, um uns in der Stadt fortzubewegen. Wie vor mehreren Monaten in Neverness to Everness überfordern die vielen Möglichkeiten am Anfang fast – aber mit kurzer Eingewöhnung geht zumindest die Steuerung leicht von der Hand.

Dazu gibt es einige Aktivitäten und Minispiele. Wir konnten eines ausprobieren, in welchem wir Teeblätter waschen konnten. Auch die Missionen wissen zu gefallen. Eine Mission bringt uns beispielsweise zu einem Tempel, in dem finstere Gestalten versuchen, ihre dunklen Machenschaften umzusetzen.

Die Details sind überraschend vielzählig für ein F2P-Spiel: Die Charaktere sind häufig äußerst detailliert und top animiert, die offene Welt überzeugend und detailliert – was bis zu Einschusslöchern an den Fahrzeugen reicht, die gerade noch in wilde Schießereien verwickelt waren.

Während wir vor der Anspielsession noch Zweifel hatten, ob man mit den großen Worten der „einzigartigen Identität“, dem „abwechslungsreichen Gameplay-Design“ und der „frischen Spielerfahrung, welche aus anderen urbanen Open-World-Spielen auf dem Markt heraussticht“ vielleicht nicht doch ein wenig zu viel verspricht, während beispielsweise Neverness to Everness aktuell mit jedem Patch massenweise neue Inhalte bekommt, sind diese nach dem ersten Anspielen völlig verflogen.

Ananta hat viele Stärken, aber eine der größten davon sind die unzähligen Anspielungen an aktuelle und vergangene Popkultur. So vergehen selten mehr als fünf Minuten, ohne dass man über die nächste Referenz oder das nächste Easter Egg stolpert. Das Spiel nimmt sich selten selbst ernst und zaubert dadurch regelmäßig ein Lächeln aufs Gesicht, wie es nur wenige andere Spiele auf dem Markt hinbekommen.

F2P-Spiel auf AAA-Niveau

Nur haben wir als Tester ein anderes Problem: Wenn ein F2P-Spiel mit Gacha-Elementen so viel richtig macht, so gut aussieht, so dynamisch wirkt, sich so gut und frisch anfühlt und so viel Inhalt bietet, wie möchten in Zukunft Vollpreisspiele ihren Preis rechtfertigen – insbesondere, wenn sie auf veröffentlichten Spielen basieren und sich nur selten aus der Komfortzone wagen, um die treue Fanbasis nicht zu verärgern?

Eine neue Generation „Free-to-play“

Bildmaterial: Ananta, NetEase, Naked Rain

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Im Mittelpunkt steht Gwendolyn, eine junge Frau, die eine übernatürliche Invasion Londons überlebt hat. Seit der Katastrophe überlagert sich die Realität zunehmend mit einer fantastischen Welt, die sich großzügig bei den Geschichten um König Artus und die Ritter der Tafelrunde bedient.

Das Ergebnis erinnert stellenweise an eine wilde Mischung aus Devil May Cry, Final Fantasy XVI, Bayonetta, NieR und Shadow of the Colossus – nur eben in den Ruinen Londons.

Auf der diesjährigen Gamescom konnten wir einen guten Teil des Abenteuers selbst ausprobieren. Dabei durften wir nicht nur das Kampfsystem kennenlernen, sondern auch einen ausführlicheren Blick auf die Erkundung und die Rätsel werfen.

Gwendolyn kämpft niemals wirklich allein

Gwendolyn selbst setzt auf schnelle Nahkampfangriffe, doch damit beginnt das Kampfsystem eigentlich erst. Eine zentrale Rolle spielen die verschiedenen Ritter, die sie beschwören kann. Jeder davon verfügt über unterschiedliche Fähigkeiten und Angriffe. Teilweise erscheinen sie lediglich für eine Attacke neben Gwendolyn und verschwinden anschließend wieder.

Dadurch entsteht ein interessantes Gefühl, als würde man zeitweise mehrere Figuren gleichzeitig kontrollieren. Eclipse Glow Games bezeichnet dieses Konzept als „Dual Frontline Battle System“. Die eigenen Angriffe und die Fähigkeiten der Ritter lassen sich miteinander verbinden, wodurch schon während unserer Demo zahlreiche Möglichkeiten für Kombinationen entstanden.

Bei düsterer Fantasy und großen Bosskämpfen fällt heutzutage schnell der Begriff „Soulslike“. Ein paar entsprechende Elemente finden sich tatsächlich auch in Tides of Annihilation. So gibt es beispielsweise eine Art Lagerfeuer, an dem sich Gwendolyn ausruhen kann, wodurch allerdings auch besiegte Gegner zurückkehren.

Der eigentliche Kampf fühlt sich jedoch deutlich stärker nach normaler Character Action an. Geschwindigkeit, Kombos, spektakuläre Aktionen und ein gewisser Style stehen wesentlich stärker im Vordergrund. Und genau hier konnte unsere Demo bereits überzeugen. Die Kämpfe gingen erstaunlich gut von der Hand und fühlten sich schon in der aktuellen Version angenehm direkt an.

Ein ziemlich beeindruckender Ausflug ins British Museum

Tides of Annihilation besteht allerdings längst nicht nur aus Kämpfen. Einen großen Teil unserer Demo verbrachten wir mit der Erkundung des von der Katastrophe gezeichneten British Museum. Unsere Aufgabe bestand darin, dort ein besonderes Artefakt aufzuspüren.

Gerade visuell hinterließ dieser Abschnitt einen starken Eindruck. Das verwitterte Museum und seine teilweise zerstörten Räumlichkeiten sahen hervorragend aus und liefen während unserer Anspielsession butterweich. Generell wirkte Tides of Annihilation für seinen aktuellen Entwicklungsstand bereits erstaunlich polished. Die unterschiedlichen Mechaniken griffen gut ineinander und machten einen weitgehend fertigen Eindruck. Natürlich spielten wir nur ausgewählte Sektionen, man muss also abwarten, ob auch alles so gut laufen wird.

Auch die Ritter kommen außerhalb der Kämpfe zum Einsatz. Ihre unterschiedlichen Fähigkeiten werden beispielsweise benötigt, um Rätsel zu lösen und neue Wege zu öffnen. In diesen ruhigeren Passagen erinnerte uns das Abenteuer stellenweise stark an die neueren „God of War“-Spiele.

Dazu gehört allerdings auch eine Eigenheit moderner Action-Adventures, die nicht jedem gefallen dürfte. Das Spiel nimmt euch teilweise recht deutlich an die Hand und weist mit auffälligen Markierungen den Weg – Stichwort gelbe Farbe. Trotzdem machte die Erkundung viel Spaß. Gerade aufgrund der beeindruckenden Kulissen wollten wir uns gerne etwas genauer umsehen.

Dieser Boss wollte noch einmal alles von uns wissen

Zum Abschluss unserer Demo wartete schließlich das große Highlight: ein aufwendig inszenierter Bosskampf gegen eine Art Anubis-Ritter. Der Kampf erstreckte sich über mehrere Phasen und verlangte uns durchaus einiges ab.

Besonders positiv fiel dabei auf, dass wir nicht einfach unsere stärksten Angriffe wiederholen konnten. Stattdessen zwang uns der Boss dazu, unterschiedliche Mechaniken und Möglichkeiten des Kampfsystems tatsächlich einzusetzen. Gerade die Kombination aus Gwendolyns eigenen Fähigkeiten und den beschworenen Rittern sorgte dadurch für einen abwechslungsreichen Kampf.

Die audiovisuelle Inszenierung erreichte dabei ein erstaunlich hohes Niveau. Gewaltige Attacken, schnelle Animationen und die entsprechende Soundkulisse machten den Kampf zu einem würdigen Abschluss unserer Anspielsession.

Eine Veränderung gibt es derweil bei Gwendolyns englischer Stimme. Ursprünglich sollte Jennifer English, bekannt unter anderem aus Baldur’s Gate 3 und Clair Obscur: Expedition 33, die Protagonistin sprechen. Sie verließ die Rolle 2026 aus gesundheitlichen Gründen, blieb Berichten zufolge jedoch beratend involviert und half bei der Suche nach einer Nachfolgerin. Inzwischen wurde Angela Sant’Albano, die Grace Ashcroft in Resident Evil Requiem spricht, als neue Stimme von Gwendolyn bestätigt.

Unsere Vorfreude ist nach der Demo deutlich größer

Bildmaterial: Tides of Annihilation, Eclipse Glow Games

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