Titel	Fire Emblem: Fortune’s Weave
	17. September 2026
	Nintendo
	17. September 2026
	Nintendo
	17. September 2026
	Nintendo
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Versionsnummer	1.0.0
Entwickler	Intelligent Systems
Genres	Strategie; JRPG
Texte
Vertonung

In unserer Vorschau zu Fire Emblem: Fortune’s Weave schrieb ich, dass der neueste Teil der Reihe umfangreicher zu sein scheint als gedacht. Zu diesem Zeitpunkt hatte ich noch keine genaue Vorstellung davon, was das wirklich bedeutet. Fortune’s Weave bietet eine umfangreiche Handlung, eine Vielzahl von Charakteren und deren Beziehungsverflechtungen sowie eine Haupthandlung, in der sich böse Mächte über das Land ausbreiten.

All das unter einen Hut zu bringen, ist eine große Herausforderung. Ob sich Intelligent Systems nicht etwas zu viel vorgenommen hat, diese Herausforderung gemeistert hat oder womöglich sogar am Ende am eigenen großen Umfang gescheitert ist, erfahrt ihr in den kommenden Zeilen.

Die Legende im weißen Gewand

Wir schreiben das Jahr 1454: Das Kaiserreich Dagda und die Überreste der Menschheit stehen durch den wiedererweckten Dämonengott Balor kurz vor dem Untergang. Um diese Katastrophe abzuwenden und die Finsternis aus dem Land zu vertreiben, steigt auf Anweisung der Göttin Sothis eine einzelne Seele vom Himmel herab. Dabei handelt es sich um die Protagonistin bzw. den Protagonisten. Diese Seele soll das Reich vor dem Untergang schützen. Doch selbst eine von der Erschafferin Sothis eingesetzte Seele hat allein keine Chance gegen den Dämonengott.

Angesichts dieser großen Aufgabe unterbreitet Fortuna, eine Göttin mit der Fähigkeit, die Zeit zu manipulieren, dieser Seele einen Vorschlag: Sie soll den Heldinnen und Helden, die einst an den Heroenspielen teilgenommen haben, dabei helfen, ihr Schicksal zu ändern und sie in die finale Schlacht führen. Das ist keine leichte Aufgabe, denn niemand weiß Genaueres über das Schicksal der Heldinnen und Helden.

So reist die Seele fünf Jahre in die Vergangenheit, ins Jahr 1449, in dem in der Hauptstadt Dagsion zu Ehren des Landesgründers Dagda die Heroenspiele stattfinden. Unter den Teilnehmenden befinden sich vier wackere Charaktere, die siegreich aus den Kämpfen hervorgehen wollen, um sich einen persönlichen Wunsch erfüllen zu lassen.

Der Strudel der Kausalität

Nun stehen wir als Hauptfigur vor der schweren Entscheidung, welchen Helden oder welche Heldin wir als Erstes aufsuchen. Fortuna nennt diese Personen „die Flammenfürsten von Dagda”. Sie hat sie im Strudel der Kausalität gefunden und dafür das Gewölbe der Obelisken geschaffen, um uns die freie Entscheidung zu geben, welche Flammenfürsten wir zuerst aufsuchen.

Somit geht es in die Vergangenheit und wir begegnen unter anderem Cai, einem jungen, tierlieben Jungen mit reinem Herzen. Als sein Vater in den Kerkern von Dagsion eingesperrt wird, meldet er sich mit seinen Freunden bei den Heroenspielen an, um für dessen Freiheit zu kämpfen.

Ebenfalls an den Spielen nimmt Dietrich teil, ein mächtiger Schwertkämpfer und Krieger. Durch einen Schiffbruch strandet er an den Ufern Dagdas. Da er zum Vergnügen kämpft und seinen Kampfdurst stillen will, beschließt er, mit gleichgesinnten Verbündeten an den Wettkämpfen teilzunehmen.

Theodora ist eigentlich die Königin von Saramis. Doch angesichts schrecklicher Ereignisse sieht sie keinen anderen Ausweg, als an den Spielen teilzunehmen. Dabei ist sie bereit, alles zu tun, um ihre Göttin zu ehren, den Glauben ihres Volkes zu verteidigen und den Frieden in ihrem Königreich zu bewahren.

Als junges Mädchen erleidet Leda ein tragisches Schicksal, als ihr Vater gemeuchelt wird. Seitdem ist sie auf einem Rachefeldzug und will jeden zur Strecke bringen, der daran beteiligt war. Als sie erfährt, dass der Mörder plant, an den Kämpfen teilzunehmen, begibt sie sich nach Dagsion.

Die Qual der Wahl

Zunächst muss ich festhalten, dass ich es im Testzeitraum leider nicht geschafft habe, alle vier Obelisken komplett durchzuspielen. Ich habe mich vorwiegend mit den Pfaden von Cai und Leda befasst. Das liegt unter anderem daran, dass allein die Obelisken der vier Flammenfürsten überaus umfangreich sind.

Für einen Obelisken habe ich ca. 20 bis 25 Stunden benötigt, um mich bis zu den Heroenspielen durchzuspielen, Charaktere kennenzulernen, Quests zu erfüllen, Gebiete zu erkunden, Schlachten zu kämpfen und sonstige Aktivitäten durchzuführen. Je nachdem, wie viel Zeit bei diesen Aktivitäten investiert wird oder ob bei einem weiteren Durchgang Dinge übersprungen werden, verändert sich die Stundenanzahl entsprechend.

Letzteres wird unter anderem von den generellen Erzählungen beeinflusst. Dazu zählen beispielsweise Erzählungen von historischen Ereignissen, Vorstellungen von Gebieten oder NPC-Charakteren, die eine tragende Rolle in der Geschichte spielen. Diese unterscheiden sich in den jeweiligen Pfaden verständlicherweise nicht und können, wenn man einen Pfad bereits durchlaufen hat, einfach übersprungen werden.

Nichtsdestotrotz dreht sich das Spiel nicht nur um die Heroenspiele, sondern darum, den wiedererweckten Dämonengott Balor aufzuhalten. Dementsprechend endet die Handlung nicht mit dem Ende der Spiele, sondern gliedert sich in mehrere Teile auf. Allein das sorgte dafür, dass ich, obwohl ich nur zwei Flammenfürsten-Pfade durchgespielt habe, am Ende bei über 100 Spielstunden herauskam. Fire Emblem: Fortune’s Weave hat wirklich einen beachtlichen Umfang.

Flammenfürsten versammelt euch

Gehen wir aber erst einmal der Reihe nach vor. Wenn man sich für einen der Obelisken entschieden hat, erlebt man, wie die Heldinnen und Helden nach Dagsion kamen und was ihre Motivation ist, an den Heroenspielen teilzunehmen. Die Handlungsstränge sind dabei auf die jeweiligen Hauptfiguren zugeschnitten, erzählen im Hintergrund jedoch eine übergreifende Geschichte, die sich im Kaiserreich Dagda abspielt.

Gerade zu Beginn wird man mit einer Fülle an Informationen konfrontiert, was durchaus überwältigend sein kann, da man sich parallel fragt, wie die Charaktere und Handlungsstränge zusammenhängen. Wenn man einen Pfad zum ersten Mal spielt, kommen einem viele Fragen in den Sinn: Welcher Charakter ist das noch gleich? In welcher Beziehung steht dieser zu mir? Was hat das mit der Geschichte des Landes zu tun bzw. warum ist dieser Held oder diese Heldin darin involviert? Wie muss ich die Aussage von Charakter XY nun einordnen?

Ab und zu habe ich mich wie das „Pepe Silvia“-Meme gefühlt und mir eine imaginäre Wand mit Bildern und roten Fäden vorgestellt, um die jeweiligen Beziehungen und zeitlichen Ereignisse zusammenzubringen. Ein wenig helfen dabei die Charakterprofile der Personen, doch ich habe einige Stunden mit dem Spiel verbracht, bis ich die wesentlichen Informationen verbunden hatte.

Zudem lassen sich diese Zusammenhänge nur zu einem gewissen Grad bzw. nur aus der Sichtweise der Flammenfürsten aufklären. Um einen besseren Überblick zu erhalten, sind die Informationen aus den jeweils anderen Pfaden notwendig. Da in diesen zum Glück auch die generellen Informationen über das Land und ähnliche Inhalte wiederholt werden, werden die Zusammenhänge immer klarer und ich habe sie besser verstanden. Das führte zu einem besseren Gesamtbild. Ansonsten gibt es außerdem die Möglichkeit, zwischen den Handlungen der Flammenfürsten hin und her zu wechseln. Das kann für mehr Abwechslung sorgen.

Erzählung mit Lücken und Tücken

Nun habe ich geschrieben, dass es sich gut anfühlt, die einzelnen Pfade zu spielen, obwohl sich die allgemeinen Informationen wiederholen. Sicherlich stellt sich nun als Leser bzw. Leserin die Frage, inwieweit sich das Spiel wiederholt, wie oft bestimmte Ereignisse mehrmals erledigt werden müssen oder ob das Spiel damit einfach Inhalte streckt.

Die Antwort darauf ist nicht ganz einfach. Da die Pfade von Cai, Dietrich, Saramis und Leda parallel stattfinden, wiederholen sich einige Ereignisse zwangsläufig. Bei Cai und Leda passiert dies beispielsweise bei den Heroenspielen, bei denen sie in der Qualifikationsphase als Team in der Arena gegen ein anderes Team antreten müssen. In beiden Pfaden spielte ich die Schlacht in der Arena. Einzig die Einheiten waren andere – je nachdem, wen ich bis dahin als Cai oder Leda rekrutiert hatte.

Allerdings lernte ich im Vorfeld und im Nachgang eine andere Perspektive kennen und konnte daher alternative Eindrücke, unterschiedliche Motivationen und andere Schlussfolgerungen kennenlernen. Dadurch wurde ein besseres Verständnis für bestimmte Charaktere generiert und ich konnte deren Handlungen einfacher nachvollziehen. Dennoch wiederholten sich Unterhaltungen oder Zwischensequenzen, die zwischen beiden Charakteren vorkamen. Das ließ sich nicht vermeiden. Im Zweifel klickt man sich in solchen Situationen beim zweiten Mal ein wenig schneller durch die Dialoge.

Anders sieht es aus, wenn Flammenfürsten in den Spielen gegeneinander antreten. Da nur einer gewinnen kann, ändert sich ab einem bestimmten Punkt der Handlungsstrang und der Fokus liegt auf dem jeweiligen Charakter. An dieser Stelle muss jeder für sich entscheiden, ob ihm oder ihr das gefällt.

Ich kann verstehen, dass jeder der vier Flammenfürsten vom Entwicklerstudio in den Mittelpunkt gestellt wurde und bei den Heroenspielen glänzen soll. Letztendlich wird jedoch die Geschichte von Dagda erzählt und Stück für Stück erschließt sich die Welt mehr. Insofern kann es seltsam wirken, wenn sich ein Teil der Geschichte rund um die Heroenspiele – die einen wesentlichen Teil ausmachen – etwas ändert. Nichtsdestotrotz wirken die vier Pfade ebenso individuell genug, um einen bei Laune zu halten.

Was ist eigentlich mit Balor?

Wer den Test bis hierhin gelesen hat, stellt sich vielleicht die Frage: Was ist eigentlich mit Balor? Ihr erinnert euch: der wiedererweckte Dämonengott, der anfangs erwähnt wurde und der die Welt in Finsternis hüllen möchte. Eine ähnliche Frage stellt sich ebenfalls, während ihr die Pfade der Flammenfürsten spielt.

Fortune’s Weave ist neben den Pfaden ebenfalls in mehrere Teile untergliedert. Hat man die Heroenspiele hinter sich gelassen, wartet der zweite Teil. Dieser gliedert sich ebenfalls auf die vier wackeren Heldinnen und Helden, erzählt jedoch eine größere Gesamthandlung, die auf die finsteren Machenschaften hinarbeitet.

Dieser Teil hat mich zwiegespaltener zurückgelassen. Einerseits wird dieser spielerisch anspruchsvoller und gewährt Schlachten, die mehr taktisches Geschick erfordern. Andererseits kann ich die Aufteilung nur schwer nachvollziehen. Für den späteren Verlauf der Handlung ergibt diese Aufteilung durchaus Sinn, bei den Charakteren verläuft sie aufgrund des größeren Handlungszusammenhangs jedoch nahezu identisch.

Deshalb ist der Wiederspielwert im Vergleich zu den Obelisken eher gering. Das hat sich für mich eher spielstreckend angefühlt, obwohl es nicht so lange dauert. Mit fortschreitender Handlung und darauffolgenden Ereignissen wird es im Kampf gegen die finsteren Mächte zum Glück wieder besser und das Spiel kehrt zu einer gewohnten, strukturierteren Form zurück. Gerade ab diesem Zeitpunkt zeigt das Spiel noch einmal, was in ihm steckt, und entfaltet dabei sein Repertoire an spielerischen Möglichkeiten für viele Stunden.

Zu viel des Guten?

Meine Haltung zur Geschichte von Fire Emblem: Fortune’s Weave bleibt bis zum Ende gemischt. Es ist eine gut geschriebene Handlung, die durch eine ausführliche Erzählung, viele kleine zusammenhängende Details und ein glaubhaftes, historisch durchdachtes Kaiserreich mit einer lebendigen Geschichte überzeugt. Ich konnte richtig in die Welt eintauchen.

Besonders im letzten Teil des Spiels, wenn die Schicksalsfäden der einzelnen Flammenfürsten zusammenlaufen und Lücken aufgeklärt werden, wirkt die Erzählung stimmig, wobei dies auch über die einzelnen Pfade geschrieben werden kann. An vielen Stellen hat mich das Spiel an eine Serie erinnert, bei der ich den Dialogen gerne gelauscht habe und bei der ich unbedingt wissen wollte, wie es in der nächsten Folge weitergeht.

Wie bei jeder guten Serie muss man jedoch die Motivation aufbringen, immer wieder die nächste Folge einzuschalten. Das kann schwierig werden, wenn das Gefühl aufkommt, dass Informationen fehlen. Nach dem Motto: Habe ich nicht richtig aufgepasst, etwas überlesen oder wird diese Information noch preisgegeben?

Beim Spielen habe ich mir öfter die Frage gestellt, ob die Erzählung nicht ein wenig komprimierter hätte erzählt werden können. Muss wirklich noch eine kleine Nebengeschichte in die Haupthandlung eingebaut werden, um die Motivationen einzelner Charaktere zu verdeutlichen, oder reicht dafür nicht eine Zwischensequenz mit einer emotionalen Szene aus? Gleiches gilt für optionale spezielle Nebenquests, die jedoch für den späteren Verlauf von Bedeutung sind. Es kann dann nur frustrierend sein, wenn diese verpasst wurden.

Wer sich in die Schicksale von Fortune’s Weave begibt, wird sicherlich keine schlechte Zeit erleben und gewiss keine langweilige Handlung. Man sollte jedoch genügend Zeit einplanen und die einzelnen Pfade genießen, um ein vollumfängliches Erlebnis zu erhalten, welches aus meiner Sicht bislang kein Fire Emblem vorweisen kann. Dazu gesellt sich nämlich erneut ein gutes taktisches Erlebnis.

Neu-klassisches Fire Emblem

Intelligent Systems hat am grundlegenden Gameplay nicht viel gerüttelt. Auf einem schachbrettartigen Feld bewegt ihr eure Einheiten und versucht siegreich aus der Schlacht zu gehen. Dazu gehören die üblichen Aktionen wie normale oder spezielle Angriffe, Heilung und teilweise Interaktionen mit besonderen Gegenständen auf dem Feld. Um die Übersicht auf dem Schlachtfeld nicht zu verlieren, gibt es neben vielen Anzeigen eine gute Kontrolle über die Kamera.

Generell sind die Anzeigen und Menüs strukturiert gestaltet, was einen guten Überblick über das Geschehen verschafft. Eine Ausnahme bildet hierbei die Kampfanzeige, wenn Gegner mit der eigenen Einheit anvisiert werden. In Fortune’s Weave hat sich das Entwicklerstudio dazu entschlossen, die Werte etwas umzustellen. Gerade in den ersten Spielstunden habe ich dadurch immer auf die falschen Werte geschaut.

Nun werden die eigenen Angriffsschadenswerte unterhalb des Gegners angezeigt, während die Trefferwahrscheinlichkeit weiterhin unterhalb der eigenen Einheit steht. Für die gegnerischen Werte gilt dasselbe. Wenn die Einheiten in unterschiedlicher Reihenfolge angreifen, fiel es mir anfangs schwer, zu erkennen, welche Werte zu mir und welche zum Gegner gehören, da diese in den bisherigen Teilen anders dargestellt wurden. Nach ein paar Stunden gewöhnt man sich aber daran.

Es wird brandgefährlich

Wie schon bei anderen neueren Teilen gibt es auch hier kein Waffendreieck mehr. Eure Waffen richten je nach Einheit sowie Werten unterschiedlichen Schaden an. Items wie Schilde verbessern ihre Werte oder paralysieren unter bestimmten Wahrscheinlichkeiten sogar Gegner. Dabei besitzen Waffen eine Haltbarkeit, die sich jedoch bei normalen Angriffen nicht verringert, sondern nur, wenn ihr die Kampffähigkeiten einsetzt. Letztere sind starke Angriffe, die unter anderem die Reichweite erhöhen und die Angriffskraft verbessern. Anders sieht es mit Magie aus. Allgemein kann diese nur begrenzt während eines Kampfes eingesetzt werden.

Neu ins Spielgeschehen hinzugekommen sind die sogenannten Brandtechniken. Diese Spezialtechniken sind besonders machtvolle Angriffsmethoden, welche die Flammenfürsten beherrschen. Sie sind zwar mächtig, allerdings kostet deren Einsatz Gesundheit. So kann Leda mit ihrer Vihuela (ein spanisches Zupfinstrument) beispielsweise Lieder spielen, die ihren Verbündeten bessere Statuswerte verleihen. Dietrich kann sich derweil über mehrere Felder teleportieren und Cai kann schwarz-violette Flammen aus seiner Hand schießen.

Wenn eine Einheit während des Kampfes mehrere Brandtechniken einsetzt und dadurch die eigene Brandleiste erhöht, verfällt sie in den sogenannten Großbrand, wodurch sich alle Statuswerte verstärken. Dadurch lassen sich stärkere Brandtechniken ausführen. Das hat jedoch einen Haken: Bei voller Brandleiste endet der Großbrandmodus und die Einheit verfällt in den Modus „Bersten”, der die eigenen HP senkt.

Somit sollte beim Einsatz mit Bedacht vorgegangen werden. Dennoch fügen sich die Brandtechniken gut in das Spielsetting ein. Sie wirken nicht übermächtig, da sie einen Malus mit sich bringen, können durch ihre Stärke und einen geschickten Einsatz aber durchaus kampfentscheidend sein. Gleichzeitig passen die Techniken gut zu den jeweiligen Persönlichkeiten der Charaktere.

Fluch und Segen

Die eigenen Einheiten und deren Fähigkeiten sind zudem nicht die einzigen Faktoren, die über den Ausgang eines Kampfes entscheiden können. Es gibt verfluchte Waffen, die eure Brandleiste beeinflussen können und über mächtige Fähigkeiten verfügen. Gleichzeitig könnt ihr während des Kampfes göttlichen Segen erhalten. Während der Segen von Fortuna euch stets begleitet und das Spielgeschehen um einige Züge zurückspult, können die Segnungen anderer Götter andere Effekte auslösen.

Um den Segen zu erhalten, müsst ihr in eurer wöchentlichen Freizeit in den unterschiedlichen Tempeln euren Dienst anbieten. Dadurch erhöht sich das Segenlevel bei der jeweiligen Gottheit. Ist dieses hoch genug, könnt ihr es im Kampf mit göttlichem Sand einsetzen. Da sich dadurch besondere Effekte wie die Halbierung von Schaden während eines Zuges einsetzen lassen, ist dies besonders hilfreich in herausfordernden Schlachten.

Auf dem Schlachtfeld wird es selten eintönig …

Für mich waren die unterschiedlichen Möglichkeiten, mit seinen Einheiten ein Schlachtfeld zu betreten und siegreich daraus hervorzugehen, bis zum Ende hin ein Höhepunkt im Spiel. Dazu tragen die verschiedenen Siegbedingungen während eines Kampfes bei. Zwar läuft es in den meisten Fällen darauf hinaus, dass der gegnerische General oder die gegnerische Generalin ausgeschaltet werden muss. Es gibt jedoch Ausnahmen, bei denen beispielsweise Feuerschalen angezündet und gehalten werden müssen.

Selbst die Arena in den Heroenspielen, die öfter betreten wird, sieht jedes Mal anders aus. Sie hat unterschiedliche Umgebungen und Herausforderungen parat, denen ich mich stellen muss, um den Gegner zu bezwingen. Hinzu kommen unterschiedliche Mechaniken wie Artillerie auf dem Spielfeld, die während einer Schlacht genutzt werden können, sowie besondere Felder, die die Werte einer Einheit beeinflussen.

Auch die Umgebung sollte man im Auge behalten. Diese kann beispielsweise brennen, mit Miasma verseucht sein oder anderweitig beeinflusst sein. Dadurch sieht keine Schlacht wie die andere aus und man muss sein taktisches Wissen und die jeweiligen Einheiten immer wieder neu kombinieren. Dadurch bleiben die Schlachten bis zum Ende und selbst nach ungefähr 100 Stunden frisch.

Einzig die Mischung zwischen den Schlachten und den Erzählungen ist zu Beginn etwas unausgeglichen, da die Erzählungen überwiegen. Das ändert sich im Laufe des Spiels jedoch. Des Weiteren beginnen die Schlachten im späteren Verlauf öfter damit, dass die Gegner viele Reserveeinheiten auf dem Feld von den Seiten erhalten. Dadurch entsteht in einigen dieser Schlachten der Eindruck, dass die Herausforderung nur darin besteht, viele Einheiten zu bekämpfen, statt sich taktisch klug zum Sieg zu manövrieren.

… in der Freizeit manchmal schon.

Abseits des harten Alltags auf dem Schlachtfeld können Dagda und seine Hauptstadt Dagsion erkundet werden. Beim Erkunden der Hauptstadt gibt es allerhand zu entdecken: die Arena, in der die Einheiten trainieren können, unterschiedliche HändlerInnen, bei denen die eigenen Vorräte aufgefüllt werden können, Tempel für göttlichen Segen und Orte wie das Gasthaus. Letzteres ermöglicht die Aktivierung automatischer Aktivitäten, die unter anderem zum Training der eigenen Einheiten verwendet werden können. Doch Vorsicht: Für diese Aktivitäten werden Züge benötigt.

Während des Spielens läuft die Zeit mit und nach einer gewissen Anzahl an Tagen muss die Hauptgeschichte weitergeführt werden. In Fortune’s Weave wird dieser zeitliche Abstand in Zügen gemessen. Ein Zug entspricht dabei sechs Stunden. Wenn ihr die automatischen Aktivitäten nutzt, kostet das Züge. Gleiches gilt für das Reisen durch das Kaiserreich, um beispielsweise Quests zu erfüllen, die eigene Reputation zu verbessern oder die verschiedenen Gebiete und ihre Schätze zu erkunden.

Dabei werden in der Freizeit nach einem Kampf Gesundheit und Magie nicht wiederhergestellt. Dafür muss man ins Gasthaus gehen und dort eine Nacht verbringen oder im Freien campen, wodurch sich auch die Bindung zu einigen Teampartnern verbessern lässt. Glücklicherweise findet man auf den Wegen jede Menge Gemüse und Fische, die sich für das Essen beim Campen verwenden lassen.

Mit Cai können sogar Felder angebaut und nach einigen Zügen geerntet werden. Da Cai gut mit Tieren umgehen kann, lassen sich auf bestimmten Wegpunkten ebenfalls Fallen legen und Tiere fangen, die später in der Stadt gefüttert werden. Mit Leda laufen die Erkundungen in Dagda anders ab. Als Tänzerin begibt sie sich in die Städte des Kaiserreichs, führt dort Tänze auf, erhöht damit ihre Reputation und erhält dafür Ressourcen. Dietrich hingegen spürt versteckte Gegner auf und macht sie sichtbar. Dadurch wird jede Erkundung in jedem Pfad individueller.

Rekrutiere sich, wer kann

Wie schon beim Anwerben der Studierenden in Fire Emblem: Three Houses lassen sich Personen aus anderen Clans für eure Zwecke und Kämpfe rekrutieren. An dieser Stelle sind mit Clans die Gruppen der anderen Flammenfürsten gemeint. Die zukünftigen Gruppenmitglieder wollen zunächst beschenkt oder zum Essen eingeladen werden. Dadurch steigt die Bindung und irgendwann lassen sich diese Charaktere rekrutieren. Dafür muss aber auch ein passender Ruf vorausgehen, welcher mit der Erledigung von Quests steigt.

Wer diese Mechanik in Three Houses mochte, wird sich dieses Mal wieder darüber freuen, denn es kann unterhaltsam sein, das passende Geschenk für einen Charakter zu finden. Persönlich bin ich allerdings kein großer Freund des Rekrutierungssystems, speziell in diesem Spiel. Da vier Pfade zur Auswahl stehen, müssen in jedem dieser Pfade Charaktere angeworben werden, ganz gleich, ob dies bereits in einem anderen Pfad geschehen ist.

Ein kleiner Lichtblick ist, dass die Anforderungen für eine Rekrutierung in den Pfaden unterschiedlich ausfallen. So kann es sein, dass in einem Pfad eine Reputation von 9 und ein Unterstützungslevel von 3 benötigt werden, während es in einem anderen Pfad nur eine Reputation von 6 und ein Unterstützungslevel von 2 sein müssen. Einige Charaktere wie die Flammenfürsten lassen sich im jeweiligen Pfad nicht rekrutieren.

Irgendwann bin ich bei den wöchentlichen Aktivitäten nur noch per Schnellreisefunktion zu den Personen innerhalb der Stadt gereist, habe ihnen irgendein Geschenk in die Hand gedrückt und bin dann gegebenenfalls noch schnell zum Gasthaus, um das Unterstützungslevel mittels einer Mahlzeit zu verbessern. Im Endeffekt wurde es zur Abarbeitung von To-dos, um bestimmte Charaktere ins eigene Team zu holen. Dieses Gefühl hat sich vor allem beim zweiten Pfad eingestellt, nachdem ich im ersten Pfad dem Ganzen noch mehr Aufmerksamkeit schenken konnte.

Ich hätte mir eine Funktion gewünscht, die mir das Rekrutieren in einem anderen Pfad erleichtert, wenn ich eine bestimmte Person bereits in einem anderen Pfad rekrutiert habe. So hat sich im weiteren Spielverlauf leider immer mehr das Gefühl der „Fleißarbeit“ vertieft, sodass ich andere Spielfiguren eher ignoriert habe, anstatt sie in mein Team zu holen.

Noch schnell ein Kampf

Für etwas mehr Abwechslung sorgen die Orte, die in Dagda erkundet werden können. Neben den Städten mit ihren örtlichen Händlerinnen und Händlern tauchen unter anderem Verliese auf. Dabei handelt es sich um Dungeons, wie man sie aus Fire Emblem Echoes: Shadows of Valentia kennt. Allerdings wurde das Konzept angepasst.

Die Erkundungsmöglichkeiten in den Verliesen sind größer als im vorherigen Teil. Neben Materialien zur Verbesserung von Waffen und anderen Schätzen trifft man dort auf herumlaufende Gegner. Beim Zusammenstoß beginnt ein spezieller rundenbasierter Schlagabtausch, der sich von den normalen Schlachten unterscheidet.

Diese sogenannten Schnellkämpfe werden nicht aus der Vogelperspektive gespielt, sondern die Parteien stehen sich gegenüber. Dabei wird abwechselnd mit einer entsprechenden Aktion wie Angriff, Heilung oder einem verbündeten Angriff agiert. Letztere Aktion kostet Verbindungspunkte. Eine Besonderheit ist, dass die KP aller Einheiten zusammengerechnet werden. Wer als Erstes null KP erreicht, hat verloren.

Sowohl das Erkunden von Verliesen als auch die Schnellkämpfe wirken erfrischend und fügen sich gut ins Gameplay ein. Vor allem beim Erkunden der Karte wirken sie als auflockerndes Element und werten es auf. Die Verliese sind zwar grafisch nicht anspruchsvoll, für eine kurze Erkundung reicht es aber aus, da sie nicht nur aus Höhlenumgebungen, sondern auch aus anderen Landschaften bestehen. Die Schnellkämpfe sind zudem nicht so komplex wie die großen Schlachten. Sie lassen sich gut wegspielen, da sie ebenfalls automatisch im Autokampf ablaufen.

Nur das generelle Erkunden von Dagda wird im Laufe der Spielzeit leicht eintönig. Die Karte bietet zwar viel, da das Kaiserreich groß ist. Irgendwann habe ich jedoch das Gefühl gehabt, alles gesehen zu haben, und habe nur noch die automatischen Aktivitäten genutzt, um die Zeit verstreichen zu lassen und schneller mit der Hauptgeschichte weiterzumachen.

Es geht in die Antike

Fire Emblem: Fortune’s Weave sieht großartig aus. Die Zwischensequenzen sind wie gewohnt geschmeidig animiert und eindrucksvoll in Szene gesetzt, besonders in actionreichen Szenen. Die Charaktermodelle sind schön ausmodelliert und versprühen einen individuellen Charme. Gleichzeitig muss ich aber erwähnen, dass ich mich zu Beginn erst an einige Charaktermodelle gewöhnen musste. Diese orientieren sich mehr an Three Houses und passen hervorragend in das stimmige Konzept des Spiels, welches den Charme eines antiken oder römischen Zeitalters einfängt.

Im Vergleich zu Fire Emblem Engage wirken die Charaktermodelle stellenweise dennoch etwas blass – so kontrovers der Rest des letzten Teils auch diskutiert werden kann. Das änderte sich im Laufe des Spiels, als ich mehr über deren Motivationen und Persönlichkeiten erfahren habe. Zudem gilt die zuvor angesprochene Blässe nicht für alle Charaktere, erst recht nicht für die vier Heldinnen und Helden oder andere relevantere Persönlichkeiten.

Dennoch bin ich der Auffassung, dass Fortune’s Weave nicht das stärkste Charakterdesign der Reihe aufweist und ältere Teile eindrucksvollere Figuren enthielten. So sind mir beispielsweise viele Charaktere aus Engage deutlich stärker im Gedächtnis geblieben.

Wo der Titel hingegen ein konsistentes Bild vermittelt, ist bei der allgemeinen Präsentation und Farbgestaltung. Die Hauptstadt Dagsion wirkt einigermaßen lebhaft und nicht so trist wie das Kloster Garreg Mach aus Three Houses. So bunt und farbenfroh wie Engage ist Fortune’s Weave trotzdem nicht. Das muss es aber auch nicht sein. Es wurde ein schlüssiges Konzept gefunden, das den Flair eines antiken Kaiserreichs einfängt. Dazu gesellen sich die verschiedenen Designs der Einheiten und der grundsätzliche Kleidungsstil, auch wenn sich viele NPCs ähneln.

Super Synchronisation

Was man hingegen nicht genug loben kann, ist die Vertonung. Diese gibt es in einer englischen und japanischen Variante. Die Synchronisation ist wirklich eines der Highlights im Spiel, denn nahezu jedes Gespräch ist vertont. Dadurch wird der gesprochene Text, der hin und wieder etwas länger ausfällt, nicht monoton. Seltsam sind nur die Dialogoptionen, die ab und an aufploppen. In manchen Fällen bieten sie nur eine Option an und man stellt sich die Frage, warum es diese gibt, wenn der Charakter es einfach aussprechen könnte.

Das generelle „Fire Emblem“-Thema wurde erneut überzeugend ins Spiel eingebaut und unterscheidet sich bei den vier unterschiedlichen Heldinnen und Helden, sodass es individueller wirkt und für den Charakter angepasst. Das sorgt gerade bei heroischen Momenten und ein paar Schlachten für Spannung.

Vollwertige Erzählung mit kleinen Stolpersteinen

Bildmaterial: Fire Emblem: Fortune’s Weave, Nintendo, Intelligent Systems

Der Beitrag Im Test! Fire Emblem: Fortune’s Weave hebt sich vor allem in einer Sache von seinen Vorgängern ab erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Trails in the Sky 2nd Chapter
	17. September 2026
	Nihon Falcom
	17. September 2026
	GungHo Online Entertainment
	17. September 2026
	Clear River Games
System	Nintendo Switch, Nintendo Switch 2, PlayStation 5, PC
Getestet für	PlayStation 5 Pro
Versionsnummer	1.03
Entwickler	Nihon Falcom
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Trails in the Sky 1st Chapter hat es vor ziemlich genau einem Jahr geschafft, das bis dahin doch recht komplexe und vielschichtige Trails-Universum einer deutlich breiteren Masse zugänglich zu machen und gleichzeitig langjährige Fans glücklich zu stellen – zumindest größtenteils. Das Remake kam bei KritikerInnen und Fans hervorragend an und entwickelte sich auch für Falcom zu einem großen finanziellen Erfolg.

Jetzt, ziemlich genau ein Jahr später, wartet mit Trails in the Sky 2nd Chapter der direkte Nachfolger auf uns. Und „direkter Nachfolger“ ist hier wirklich das Stichwort. An dieser Stelle könnten wir wahrscheinlich auch einfach große Teile unserer letztjährigen Review zitieren, so ähnlich sind sich die beiden Spiele. Es fühlt sich tatsächlich so an, als würde man wortwörtlich das zweite Kapitel desselben Buches aufschlagen. Wer 1st Chapter gespielt hat, dürfte sich also innerhalb weniger Minuten wieder heimisch fühlen.

Wie schon beim ersten Teil gibt es auch diesmal eine sehr umfangreiche Demo, die euch bis zu zehn Stunden spielen lässt. Den dabei erzielten Fortschritt könnt ihr anschließend in die Vollversion übertragen. Das ist schlichtweg eine tolle Sache und wer noch mit einem Kauf hadert: Probiert es einfach aus.

Dass 2nd Chapter seinem Vorgänger derart ähnlich ist, soll übrigens keineswegs negativ gemeint sein. Schließlich gehörte das letztjährige Remake zu den großen Kritiker- und Fanlieblingen und konnte auch kommerziell überzeugen. Warum also etwas grundlegend verändern, das bereits hervorragend funktioniert? Was euch im zweiten Kapitel – oder besser gesagt in SC – erwartet und ob Falcom noch einmal an die Qualität des Vorgängers anknüpfen kann, klären wir jetzt in unserem Test.

„Auf Wiedersehen, Estelle.“

Bevor wir anfangen, eine kleine, aber wichtige Warnung: Dieser Abschnitt enthält deutliche Spoiler zum Ende von Trails in the Sky 1st Chapter. Wer den ersten Teil noch nicht beendet hat, sollte am besten direkt zum nächsten Abschnitt springen.

2nd Chapter setzt praktisch unmittelbar nach den Ereignissen des Vorgängers ein. Dort begleiteten wir Estelle Bright und ihren Adoptivbruder Joshua Bright als junge Bracer auf ihrer Reise durch das Königreich Liberl. Was zunächst noch ziemlich normal begann, entwickelte sich langsam zu einer großen politischen Verschwörung, die schließlich das gesamte Land bedrohte.

Am Ende gelang es Estelle, Joshua und ihren zahlreichen Verbündeten, die Krise in Liberl abzuwenden. Eigentlich könnte danach endlich etwas Ruhe einkehren. Eigentlich. Denn Joshua erfährt, dass seine Vergangenheit eng mit der geheimnisvollen Organisation Ouroboros verbunden ist. Aus Angst, Estelle durch seine Vergangenheit in Gefahr zu bringen, verlässt er sie heimlich und macht sich allein auf den Weg.

Wo bist du, Joshua?

Genau hier beginnt 2nd Chapter. Estelle möchte stärker werden und vor allem Joshua wiederfinden. Gleichzeitig wird Ouroboros in Liberl aktiv und verfolgt einen geheimnisvollen Plan, dessen Ausmaße zunächst noch völlig unklar sind.

Also geht es mit unserer Truppe erneut quer durch Liberl. Dabei kommen wir der sogenannten „Gesellschaft“ und ihren Machenschaften immer näher. Besonders deren sogenannte Vollstrecker sorgen in den verschiedenen Regionen für ordentlich Unruhe. Als Bracer liegt es natürlich an uns, herauszufinden, was dahintersteckt.

Dabei besuchen wir nahezu alle Gebiete erneut, die wir bereits aus dem ersten Teil kennen. Und seien wir ehrlich: Die dürften vielen noch ziemlich gut im Gedächtnis sein, schließlich liegt das erste Abenteuer gerade einmal ein Jahr zurück. Auf einiges an Recycling muss man sich entsprechend einstellen. Gleichzeitig hat sich in Liberl aber auch einiges getan. NPCs erinnern sich an uns, reagieren auf vergangene Ereignisse und vermitteln dadurch wunderbar das Gefühl, tatsächlich in eine bekannte Welt zurückzukehren. Später warten außerdem komplett neue Gebiete auf uns.

Diese Figuren muss man einfach lieben

Die Geschichte selbst ist erneut fantastisch und für mich phasenweise sogar noch emotionaler als im Vorgänger. Da kann es durchaus passieren, dass man hier und da mal ein kleines Tränchen verdrückt. Egal ob Trails-VeteranInnen oder Leute, die erst mit den Remakes eingestiegen sind: Es ist einfach schön, diese Geschichte noch einmal beziehungsweise erstmals in dieser Form zu erleben.

Und dann wären da natürlich die Figuren. Schon damals waren Estelle und ihre WeggefährtInnen fantastisch geschrieben, interessant, lustig und hatten allesamt das Herz am rechten Fleck. Im Remake funktioniert das mindestens genauso gut. Sie sind ein entscheidender Grund dafür, warum sich dieses Abenteuer trotz aller dramatischen Ereignisse so unglaublich geerdet und irgendwie mollig warm anfühlt.

Ich werde dabei einen Gedanken einfach nicht los: Diese Figuren sind teilweise genau so, wie ich mir meine eigenen FreundInnen und meine Familie immer gewünscht hätte. Vielleicht ist es genau dieses Gefühl, das Trails in the Sky 2nd Chapter für mich weit über seine eigentliche Geschichte hinaus so besonders macht.

Altbewährt und immer noch richtig gut

Beim Gameplay beziehungsweise Kampfsystem macht Trails in the Sky 2nd Chapter genau dort weiter, wo 1st Chapter aufgehört hat. Seid ihr außerhalb der Städte oder in Dungeons unterwegs, könnt ihr Gegner wie gewohnt direkt in Echtzeit vermöbeln. Mit Angriffen und Ausweichrollen lassen sich kleinere Feinde teilweise komplett erledigen, ohne überhaupt in den klassischen Rundenkampf wechseln zu müssen.

Alternativ verschafft man sich auf diese Weise lediglich einen Vorteil, haut zunächst in Echtzeit auf den Gegner ein und wechselt anschließend auf Wunsch in den taktischen Rundenkampf. Dort darf man es dann deutlich ruhiger und strategischer angehen lassen. Bei Bossen und wichtigen Schlüsselsituationen wird dagegen ausschließlich rundenbasiert gekämpft.

Das hybride Kampfsystem macht weiterhin eine Menge Spaß – sofern man sich natürlich grundsätzlich damit anfreunden kann. Große Neuerungen gegenüber dem Vorgänger sollte man allerdings nicht erwarten. 2nd Chapter übernimmt das funktionierende Grundgerüst nahezu unverändert.

Tja, dieses Orbment ist leider veraltet

Auch die bekannten Quarze sind wieder mit dabei. Ganz dem ursprünglichen Spiel entsprechend kombiniert ihr deren verschiedene Elemente, um immer mächtigere Zauber bzw. Künste freizuschalten. Im Grunde also genau wie in 1st Chapter.

Natürlich gibt es dabei ein kleines Problem: Wir waren am Ende des Vorgängers schließlich schon ziemlich gut ausgestattet. Praktischerweise findet das Spiel dafür eine zweckmäßige Erklärung – unser alter Orbment ist mittlerweile veraltet und wir brauchen einen neuen. Also geht der Aufbau wieder von vorne los. Ein wenig offensichtlich ist das natürlich schon, aber irgendwie musste man dieses Problem wohl lösen.

Sehr erfreulich ist dagegen erneut der praktisch nicht vorhandene Grind. Schon 1st Chapter löste das hervorragend und auch diesmal schließt man sehr schnell zum Level der aktuellen Gegner auf. Wer zusätzlich den optionalen High-Speed-Modus einschaltet, kann ohnehin in Windeseile durch bekannte Gebiete und kleinere Kämpfe düsen. Gerade angesichts des enormen Umfangs ist das Gold wert.

Poker, Ermittlungen und … ein Schaf-Mecha?!

Abseits der Haupthandlung warten wieder zahlreiche Nebenaufgaben. Einige davon sind zugegebenermaßen ziemlich basic und können durchaus repetitiv ausfallen. Andere überraschen dagegen mit enormer Abwechslung oder werden einfach herrlich absurd. Poker? Ermittlungen? Ein Schaf-Mecha?! Ja, genau. Gerade diese kleinen Geschichten tragen viel dazu bei, Liberl und seinen BewohnerInnen noch mehr Persönlichkeit zu verleihen. Eine kleine Lanze breche ich auch nochmal für das überarbeitete Angeln. Das bringt mir persönlich wieder eine Menge Spaß, und was wäre schon ein JRPG ohne vernünftiges Angel-Minispiel?

Ein Thema, das bereits beim ersten Remake für einige Diskussionen sorgte, sind die deutschen Texte. Die gibt es erfreulicherweise auch in 2nd Chapter wieder – und davon eine ganze Menge. Trails war schließlich noch nie dafür bekannt, sparsam mit Textboxen umzugehen. Eine solche Textmenge zu lokalisieren, dürfte entsprechend keine kleine Aufgabe gewesen sein.

Umso erfreulicher ist es, dass die deutsche Übersetzung erneut einen guten Eindruck hinterlässt. Größere Rechtschreibfehler oder logische Ungereimtheiten sind mir während des Tests nicht aufgefallen. Einzelne Begriffe und die korrekte Terminologie innerhalb der Trails-Reihe sind natürlich noch einmal eine Wissenschaft für sich.

Schön ist deshalb, dass Falcom sich dieser Problematik offenbar bewusst ist und sogar nachträglich Texte sowie einzelne Voice-Lines im Vorgänger angepasst hat. Damit werden vor allem langjährige Trails-Fans abgeholt, während NeueinsteigerInnen, die erst mit den Remakes zur Reihe gefunden haben, von diesen Feinheiten vermutlich kaum etwas bemerken werden. Genau so sollte es eigentlich sein.

Anime-Charme in Bestform

Trails in the Sky 2nd Chapter sieht mindestens genauso fantastisch aus wie der erste Teil des Remakes. Die detailreichen Charaktermodelle, herrlich übertriebenen Anime-Expressions, wunderschönen Zwischensequenzen und spektakulären Angriffsanimationen können sich erneut sehen lassen. Das Gesamtbild wirkt unglaublich stimmig und vor allem die Figuren profitieren enorm von der liebevollen Präsentation.

Getestet wurde auf der PlayStation 5 Pro, wo das Spiel absolut butterweich läuft. Jenseits der ohnehin flüssigen 60 FPS sind sogar theoretisch bis zu 120 FPS möglich – und während meines Tests konnte ich keine nennenswerten Einbrüche feststellen. Technisch ist 2nd Chapter damit eine sehr runde Sache, die zusammen mit der tollen Optik einen hervorragenden Gesamteindruck hinterlässt.

Diese Stimmen gehören einfach zu den Figuren

Einen entscheidenden Anteil an der Immersion haben erneut die fantastischen SprecherInnen. Zur Auswahl stehen eine englische und eine japanische Synchronisation, die beide auf einem sehr hohen Niveau liegen.

Für meinen Geschmack werden die Figuren in der englischen Fassung hervorragend getroffen. Selbst kleinere Nebenrollen sind stark besetzt, sodass hier kaum ein qualitativer Abfall gegenüber den Hauptfiguren auffällt. Natürlich ist gerade das Thema Synchronisation immer sehr subjektiv – aber für mich gehören diese Stimmen mittlerweile einfach zu Estelle, Scherazard und Co. Auch die japanische Vertonung braucht sich allerdings keineswegs zu verstecken.

Diese Evergreens werden einfach nicht alt

Ähnlich fantastisch fällt erneut der Soundtrack aus. Viele Stücke kennen wir zwar bereits aus 1st Chapter, aber seien wir ehrlich: Bei solchen Evergreens beschwert man sich darüber wohl kaum. Diese Musik kann und will ich einfach immer wieder hören.

Dazu kommen natürlich auch Stücke, die besonders mit dem zweiten Kapitel verbunden sind. Allen voran das fantastische Opening „Silver Will, Golden Wings“, das schon nach wenigen Sekunden wieder dieses unverwechselbare Trails-Gefühl auslöst. Musikalisch bleibt die Reihe damit auch im zweiten Kapitel eine absolute Bank.

80 Stunden? Gerne doch!

Trails in the Sky 2nd Chapter ist ein langes Spiel. Ein sehr langes sogar. Wer wirklich alles mitnehmen möchte, sollte mindestens 70 Stunden einplanen – realistischer dürften es für viele aber eher 80 Stunden oder mehr werden. Das ist in diesem Fall allerdings keineswegs negativ gemeint.

Denn 2nd Chapter nimmt sich bewusst Zeit. Zeit für seine Geschichte, seine Welt und vor allem für seine Figuren. Charaktere bekommen Raum, Beziehungen dürfen sich entwickeln und selbst kleinere Geschichten werden nicht einfach schnell abgefrühstückt. Gerade davon lebt Trails schließlich seit jeher – und wer sich darauf einlässt, bekommt entsprechend viel geboten.

Kein Spaziergang durch Liberl

Ein paar Worte müssen wir auch noch über den Schwierigkeitsgrad verlieren. Hier stehen verschiedene Einstellungen zur Auswahl, wodurch sich das Abenteuer gut an die eigenen Vorlieben anpassen lässt und insgesamt ausgesprochen fair bleibt.

Unterschätzen sollte man 2nd Chapter trotzdem nicht. Bereits auf dem normalen Schwierigkeitsgrad ist die Reise durch Liberl alles andere als ein Zuckerschlecken. Wer insbesondere bei stärkeren Gegnern und Bossen einfach nur blind draufhaut, beißt schnell ins Gras. Die richtige Taktik, passende Quarze und ein sinnvoll zusammengestelltes Team machen hier einen spürbaren Unterschied.

Das zweite Kapitel steht dem ersten in nichts nach

Bildmaterial: Trails in the Sky 2nd Chapter, GungHo Online Entertainment, Falcom

Der Beitrag Im Test! Trails in the Sky 2nd Chapter ist erneut ein JRPG zum Verlieben erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Dazu war trotz fast täglicher Patches in der Testphase die deutsche Übersetzung bis zuletzt mangelhaft – in der Anfangsphase würden wir euch empfehlen, die Sprache auf Englisch zu stellen. Deshalb haben wir uns entschieden, keinen vollständigen Test mit Empfehlung zu veröffentlichen, sondern den Test in unserem Vorschau-Format „Angespielt!“ zu liefern.

Seit der zweiten Beta, oder genauer gesagt seit ziemlich genau 8 Monaten, verfolgen wir Aniimo auf JPGAMES sehr genau. Schon zu Beginn des Jahres war abzusehen, dass das auf der Unreal Engine 5 basierende Spiel der wahrscheinlich schönste Monstersammler des Jahres wird, und auch bei deutschsprachigen Influencern bekam der Titel wegen seines besonderen Designs und seiner zahlreichen spielerischen Anlehnungen an andere bekannte Titel schnell größere Aufmerksamkeit.

Jetzt ist es endlich so weit – Aniimo wurde weiter poliert, die Plattformen wurden trotz anfänglich angekündigter Konsolenexklusivität für Xbox auf Playstation 5, PCs und Mobile ausgeweitet und es gab auch schon erste Kontroversen, welche die Monetarisierung und das Gameplay für die finale Version beeinflussen, welche am 16. September auf Konsolen und PC erscheint.

Ein pastellfarbenes Palworld ohne Brutalität?

Für viele von euch stellt sich trotzdem die Frage: Was ist Aniimo eigentlich genau? Pokémon in guter Grafik und offener Welt, Palworld ohne die comichafte Brutalität? Oder ist es doch eher wie das stilistisch starke, einfach zu spielende und an Mädchen gerichtete Infinity Nikki mit niedlichen, bunten Monstern?

Tatsächlich ist die Frage gar nicht so einfach zu beantworten, denn Aniimo lässt sich von vielen Spielen inspirieren – am Ende liegt der Fokus aber auf einer kindgerechten Story mit viel Abenteuer und Entdeckungsdrang, inklusive einer wunderschönen Grafik, die vielleicht sogar etwas zu häufig einen Einschlag in mädchenfreundliche Pastelltöne hat.

Eine Sache lässt sich aber ziemlich sicher beantworten: Die Zielgruppe sind nicht Millennials, welche mit Pokémon aufgewachsen sind, sondern junge Menschen weltweit, die ihre aufregende Reise durch die unbekannte Welt voller Kreaturen auf Social Media teilen und auch die kleinen Welten ihrer Freunde besuchen möchten.

Die meisten Anleihen hat Aniimo sicherlich von Palworld. Die frei erkundbare, offene Welt mit mehr oder weniger angriffslustigen Monstern, Herausforderungen gegen Alpha-Monster und mehreren Kampfmissionen in einem Action-RPG-Kampfsystem und Missionen gegen andere NPCs sind auffällige Ähnlichkeiten.

Auch die gefangenen Monster zur Arbeit zu bewegen, ist gewünscht. In der Nähe von Wohnwagenparks ist es möglich, eine Heimat aufzubauen, in der eine Farm mit verschiedensten Basisressourcen in verketteten Arbeitsschritten und Crafting neue Objekte erstellt werden können – darunter auch die nötigen, würfelförmigen Aniipods, mit welchen ihr neue Aniimo fangen könnt. Die comichafte Brutalität wird in Aniimo aber ausgespart – an ihre Stelle tritt eine hübsche, kinderfreundliche und vorwiegend friedliche Welt, die entdeckt werden möchte.

Händchenhalten in den ersten Stunden

In der Geschichte von Aniimo beginnt ihr als ein Streamer oder eine Streamerin, welche/r sich als ForscherIn ein Ticket nach Idyll lösen konnte – eine Welt, in der Monster friedlich mit Menschen zusammenleben. Die Aufmachung dieser Szenen erinnert stark an asiatische Videoplattformen wie NicoNico oder Bilibili – nicht nur hat das Charakterdesign einen starken koreanisch-chinesischen Einschlag, auch die Kommentare in den Zwischensequenzen werden mitten im Bild eingeblendet. Später gibt es auch auf diese Art Hinweise für etwas kniffligere Rätsel.

Leider geht bereits auf eurer ersten Mission etwas gewaltig schief. Nachdem ihr die ersten niedlichen Monster gefangen und die ersten Rätsel gelöst habt, werdet ihr durch einen Unfall in eine Höhle teleportiert, in welcher eine geheimnisvolle Kraft instabil wird.

Glücklicherweise ist hier nicht nur eine gefährliche Kraft gebannt, sondern auch zwei legendäre Aniimo. Für den ersten Bosskampf könnt ihr euch zwischen den Starter-Aniimo Kühno und Lunara entscheiden: Kühno ist ein vorlauter, aber kräftiger kleiner Löwe, während Lunara mit ihrer niedlichen, aber dennoch grazilen Ausstrahlung an die Feen-Entwicklung von Evoli erinnert.

Dynamische Kämpfe durch Twining-Mechanik

In diesem Kampf lernt ihr auch eine Kerntechnik von Aniimo kennen: Das Twining-System, auf Deutsch auch “Verschmelzen” genannt. Mit ihm könnt ihr euch mit eurem Monster-Begleiter verschmelzen und dessen Attacken auch direkt kontrollieren, was für actionreiche und dynamische Kämpfe sorgt.

Nach dem ersten Bosskampf dürft ihr die offene Welt von Aniimo erkunden. Es beginnt in der Forschungsbasis, in der ihr die Basics beigebracht bekommt, Aniimo-Eier ausbrüten könnt, Belohnungen für eure gefangenen Aniimo abholt, deren Kampfkraft bewertet bekommt und vieles mehr.

Schon kurz darauf werdet ihr auf Idyll losgelassen. Das Twinen mit einer pummeligen Gleitmaus (Celestis) verleiht euch die Fähigkeit zu gleiten, mit einem Gluwelp (Emberpup) könnt ihr größere Distanzen schnell auf vier Pfoten zurücklegen und mit einem Tami stellen auch Flüsse keine Herausforderung, sondern eine neue natürliche Umgebung dar.

Eine riesige offene Welt, die entdeckt werden möchte

Schon auf dem Weg in eure erste Stadt seht ihr die ersten Geheimnisse in Form von Mini-Missionen in der Welt, einer geheimnisvollen Kraft, welche Aniimo müde macht, und geheimnisvollen Pollen, welche Pflanzen-Aniimo wie Iris magisch anziehen, sie kräftiger machen und ihnen eine neue Farbe verleihen.

Auch das legendäre Aniimo Irisalis ist im Verlauf der Geschichte immer wieder Thema. Die Legende besagt, dass es sich nicht nur im Kampf klonen und sich vergrößern kann, sondern auch, dass es unsterblich ist – denn es beherrscht angeblich die Fähigkeit der Wiedergeburt.

Bis es so weit ist, dass ihr das legendäre Aniimo mit eigenen Augen sehen könnt, gilt es erst einmal, die Besonderheiten der Spielwelt und der weniger legendären Aniimo kennenzulernen. So könnt ihr durch das Twinen mit einem Flammwuff Ranken verbrennen, Lagerfeuer anzünden und deren Aufwind nutzen oder mit einem Eisfenrir Eisschollen erzeugen und so quasi auf dem Wasser laufen.

Viele dieser Fähigkeiten werden auch abseits der Welt eingesetzt, etwa in den Elementrätseln in den von Breath of the Wild inspirierten Heiligtümern, oder gar in Höhlen – hier ist es manchmal sogar nützlich, Dinge ausgraben oder sogar sich selbst eingraben zu können, um auch unter den kleinsten Öffnungen in der Felswand hindurchschlüpfen zu können.

82 große und kleine Monster

In Kämpfen gegen andere Monster und Forscher:innen ist dagegen die richtige Aufstellung des Teams wichtig. Ein Tank, der gut Schaden einstecken und die Break-Mechanik auslösen kann, ein Damage-Dealer, der in diesen kurzen Phasen möglichst viel Schaden austeilt, und ein Heiler sind empfehlenswert. Am besten in mehreren Element-Varianten und mit unterschiedlichen Spezialattacken, denn auch diese werden im bekannten Schere‑Stein‑Papier berücksichtigt und teilen so mehr oder weniger Schaden aus.

Die Kämpfe haben seit der Beta auch ordentlich zugelegt in der Dynamik und wirken deutlich besser und herausfordernder – auch wenn immer noch etwas Luft nach oben ist. Insgesamt stehen zum Start 82 Aniimo zur Verfügung, welche durch unterschiedliche Formen und Farben über 200 Kombinationen ergeben. Die Kombinationen entstehen durch unterschiedliche Möglichkeiten: Aniimo wechseln bei Nacht oder Regen oft Form und Farbe, manche kommen gar nur in diesen Situationen aus ihren Verstecken.

Ein echtes Highlight sind die vielfältigen, oft liebevollen und witzigen Animationen der zum Teil verboten niedlichen und flauschigen Aniimo. Manchmal reicht es einfach nur, sie klettern oder schwimmen zu lassen oder einfach mal den Controller zur Seite zu legen und die Idle-Animationen zu genießen. Die Aniimo können auch mit zusätzlich kaufbaren Accessoires ausgestattet werden – dazu später mehr.

Entwicklungen und Progression

Das Leveln der Teams erfolgt dabei nicht nur durch Kämpfen, sondern – wie auch in Palworld – durch das wiederholte Fangen der Aniimo. Dazu gibt es auch Items, welche das Leveln vereinfachen. Jedoch gibt es harte Levelcaps, welche nur durch besondere Prüfungen zu überwinden sind. Dazu müssen sowohl bestimmte Missionen abgeschlossen als auch eine praktische Kampfprüfung bestanden und auch eine „schriftliche“ Multiple-Choice-Prüfung absolviert werden.

Dazu gibt es noch einen Talentbaum, der aber besonders die TrainerInnen – welche in Aniimo „Pfadfinder“ (Pathfinder) genannt werden – betrifft. Dazu gehören aktive Fähigkeiten wie LP-Regeneration oder ein Aerobord, aber auch passive Fähigkeiten wie Shop-Freischaltungen oder kleine Statusboosts werden mit der Zeit freigeschaltet, was euch bei späteren Kämpfen unterstützt. Auch die Aniimo selbst lernen mit der Zeit weitere, oft stärkere Attacken.

Das Shopping geht ins Geld

Eine Kontroverse der letzten Monate war die Monetarisierung von Aniimo, denn das Fangen des legendären Aniimo Irisalis erinnerte viele an klassische Gacha-Spiele, obwohl Entwickler Pawprint Studio und Publisher Kingsglory mehrfach betonten, dass das Spiel ein klassisches Free-to-Play-Spiel sei, das sich vor allem durch Skins und Accessoires finanziert.

Die positive Nachricht zuerst: Die Gacha-Elemente wurden entfernt, an ihre Stelle tritt jetzt eine klassische Jagd mit etwas aufwendiger Ressourcensammlung auf dem Weg zum Fang von Irisalis – testen konnten wir das selbst jedoch leider nicht.

Doch das Free-to-Play ist nicht nur auf optische Anpassungen beschränkt – die übrigens ziemlich umfangreich sind. Tatsächlich spielt Aniimo die gesamte Klaviatur der Free-to-Play-Monetarisierung.

Der “Laden”-Abschnitt des stark an Genshin Impact erinnernden Menüs ist fast schon überwältigend. Ein Monatspass erhöht die Ätherenergie und gibt Premiumwährung für das tägliche Einloggen. Dazu schaltet das Begleiterhandbuch in zwei Preisstufen zusätzliche Belohnungen für Vielspieler frei.

Ein klassisches Top-Up-Event zeigt euch besondere Belohnungen für mehrfache Einkäufe mit Echtgeld. Ein zeitlich limitierter Skin kostet schon mal 15 bis 35 Euro. Bei spontanem Ressourcen- und Progressionsmangel hilft der In-Game-Shop selbstverständlich auch – auch mit wöchentlichen Sonderangeboten. Und wie selbstverständlich gibt es auch mehrere In-Game-Währungen mit unterschiedlicher Rarität, welche begrenzt gegen andere Währungen eingetauscht werden können.

All das ist nichts Neues und für Kenner der Finanzierungsmethode in umfangreichen F2P-Spielen auch erwartbar gewesen. Der enorme Umfang der F2P-Monetarisierung könnte jedoch SpielerInnen, welche seltener F2P-Spiele spielen, etwas überraschen. Dennoch ist positiv hervorzuheben, dass man außerhalb der Menüs fast nie mit den Kaufoptionen in Kontakt kommt – auch wenn man während des Spiels natürlich immer wieder ins Menü gelockt wird, um sich die aktuellen Micro-Belohnungen abzuholen.

Hochwertige F2P-Erfahrung

Dafür bekommt man jedoch auch einiges an Gegenwert – die Grafik ist sehr nah dran an aktuellen AAA-Spielen, den Grafikvergleich gegen Vollpreisspiele wie Pokémon und Digimon gewinnt Aniimo auf PlayStation 5, Xbox Series und PC mühelos.

Spielerisch bietet Aniimo einiges an interessanten und umfangreichen Spielementen und macht auch neben der Story und dem Fangen und Trainieren von Monstern viel Spaß. Auch hier muss man sich nicht vor der Vollpreis-Konkurrenz verstecken, hält das Basisspiel aber simpel, während die Progression vergleichsweise komplex ist – Vielspielende haben die Möglichkeit, viel Zeit und Geld ins Spiel zu investieren.

Eine Entdeckungsreise mit vielen interessanten Spielementen

Bildmaterial: Aniimo, Kingsglory, Pawprint Studio

Der Beitrag Angespielt! Aniimo ist hübsch, abwechslungsreich – und natürlich monetarisiert erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Marvel’s Wolverine
	15. September 2026
	Sony Interactive Entertainment
	15. September 2026
	Sony Interactive Entertainment
	15. September 2026
	Sony Interactive Entertainment
System	PlayStation 5
Getestet für	PlayStation 5 Pro
Versionsnummer	1.001.003
Entwickler	Insomniac Games
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Als 2018 Marvel’s Spider-Man von Insomniac Games erschien, musste man richtig gute Comicbuch-Adaptionen im Spielebereich noch fast mit der Lupe suchen. Batman war mit der Arkham-Reihe bis dahin das Maß aller Dinge. Spider-Man füllte diese Lücke seinerzeit hervorragend und legte auch gleichzeitig einen wichtigen Grundstein für die starken Singleplayer-Abenteuer, für die PlayStation in den folgenden Jahren bekannt werden sollte.

Es folgten zwei durchaus respektable Nachfolger und zwischendrin mit Ratchet & Clank: Rift Apart noch ein fantastisches Abenteuer abseits des Marvel-Kosmos. Es lief also für das Studio. Eigentlich war klar, dass diese Reise weitergehen würde – und so kündigte Insomniac bereits 2021 das nächste Spiel rund um einen mindestens ebenso großen Fanliebling an: Wolverine. Und wenn sich jemand dieser Figur annehmen kann, dann doch wohl die talentierten EntwicklerInnen aus Kalifornien.

Trotzdem sollte es ganze fünf Jahre dauern, bis das Spiel tatsächlich erscheint. Am 15. September ist es nun endlich so weit und die PlayStation 5 bekommt einen weiteren der wenigen echten Exklusivtitel – zumindest vorerst. Mit Wolverine schlägt Insomniac allerdings eine deutlich andere Richtung ein als noch mit Spider-Man.

Weg von der großen Open World, hin zu einer lineareren und erbarmungslosen Action-Erfahrung. Schon die bisherigen Trailer machten vor allem mit ihrem ziemlich exzessiven Einsatz von Gewalt auf sich aufmerksam.

Abgetrennte Gliedmaßen statt freundlicher Netzschwingerei – Wolverine macht schnell klar, dass hier ein anderer Wind weht. Wir konnten selbst die Krallen ausfahren und verraten euch in diesem Test, ob auch Wolverine zum nächsten Glanzstück in der ohnehin schon beeindruckenden Vita von Insomniac Games wird.

Narben heilen nicht immer

Wolverine kennen wir vor allem als festen Bestandteil der X-Men. Die X-Men, wie wir sie kennen, existieren hier allerdings nicht. An ihre Stelle tritt das sogenannte Team X, das vor vielen Jahren von Nathaniel Essex gegründet wurde. Am ehesten könnte man ihn als deutlich radikalere Version eines Charles Xavier beziehungsweise Professor X beschreiben. Sein erklärtes Ziel: Mutanten ein Zuhause und eine Zukunft geben – und gleichzeitig den Mutationen und dem mysteriösen X-Gen auf den Grund gehen.

Vor rund 30 Jahren war es auch Essex, der Logan alias Wolverine aus der Wildnis holte und ihm ein neues Zuhause gab. Dumm nur, dass Logan seine Erinnerungen verlor und sich an praktisch nichts aus seinem früheren Leben erinnern kann. Vielleicht ist das aber auch besser so.

Denn obwohl sein Körper dank seiner unglaublichen Regenerationsfähigkeiten nahezu jede Verletzung heilt, ist Logans Seele von Narben übersät, gegen die selbst sein Heilungsfaktor machtlos ist. Seine Vergangenheit lässt ihn nicht los – und im Laufe der Handlung beginnen wir Stück für Stück herauszufinden, was damals tatsächlich passiert ist.

Team X gegen Trask

Halt und einen gewissen Sinn findet Logan im Team X. Zu Beginn ist er gemeinsam mit Mystique und Sabretooth unterwegs. Ihr Ziel ist Bolivar Trask, der es sich zur Aufgabe gemacht hat, sämtliche Individuen mit dem X-Gen auszulöschen. In seinen Augen sind Mutanten eine Gefahr für die Menschheit – und er selbst derjenige, der sie davor beschützen muss.

Dafür unterhält Trask unter anderem seine eigene kleine Söldnertruppe: die Reaver. Ausgestattet mit futuristischer Technologie machen sie Logan und anderen Mutanten das Leben schwer und sorgen gleichzeitig dafür, dass Wolverine seine Krallen ziemlich regelmäßig ausfahren darf.

Wer sind hier eigentlich die Guten?

Anders als noch in den Spider-Man-Spielen steht die eigentliche Geschichte deutlich stärker im Mittelpunkt. Während man sich dort gerne stundenlang in den Aktivitäten der Open World verlieren und die Handlung auch einmal links liegen lassen konnte, folgt Wolverine einem wesentlich geradlinigeren Ansatz. Die Story wird dadurch prominenter inszeniert und wartet mit einigen Überraschungen auf, die sowohl Comic-Fans als auch Leute außerhalb der Marvel-Bubble abholen können.

Besonders interessant wird es, wenn das Spiel seine moralischen Fragen aufmacht. Wie weit darf man gehen, um die eigenen Ideale durchzusetzen? Heiligt der Zweck wirklich jedes Mittel? Und wer sind am Ende überhaupt die Guten und die Bösen?

Wolverine liefert darauf nicht immer einfache Antworten und bringt uns durchaus dazu, Logans eigene Taten und Entscheidungen zu hinterfragen. Gerade diese Grauzonen stehen der Figur hervorragend und verleihen der Geschichte deutlich mehr Gewicht, als man angesichts der ganzen fliegenden Körperteile zunächst vielleicht erwarten würde.

Krallen raus und rein ins Getümmel

Beim Gameplay und insbesondere beim Kampfsystem glänzt Wolverine mit am meisten. Logan ist ein klassischer Nahkämpfer und entsprechend direkt geht es zur Sache. Mit seinen Adamantium-Klingen malträtiert er alles, was sich ihm in den Weg stellt. Das Grundgerüst bleibt dabei relativ simpel: normale Angriffe, Sprintattacken zum nächsten Gegner, Spezialangriffe sowie Parieren und Ausweichen. Mehr braucht es aber auch gar nicht, denn das alles geht hervorragend von der Hand und fühlt sich extrem befriedigend an.

Und Wolverine wäre natürlich nicht Wolverine, wenn die Kämpfe zimperlich ausfallen würden. Blut fließt eimerweise, Gliedmaßen fliegen durch die Gegend und Logan schnetzelt sich teilweise regelrecht durch ganze Gegnerhorden. Gerade hier spielt Insomniac seine große Stärke aus. Fantastische Animationen, fließende Übergänge zwischen den Attacken und die enorme Wucht hinter jedem Treffer sorgen für unglaublich flüssige und fast schon süchtig machende Kämpfe.

Alternativ kann Logan auch seine leisere Seite zeigen und sich an Gegner anschleichen. Das funktioniert grundsätzlich ordentlich, wirkt neben dem hervorragenden Nahkampfsystem aber fast ein wenig wie die langweiligere Alternative. Warum lange verstecken, wenn man dem Gegner auch einfach direkt auf die Mütze geben kann?

Einmal um die halbe Welt

Abseits der Kämpfe fällt die Erkundung ausgesprochen linear aus. Dafür führen uns die einzelnen Abschnitte durch überraschend abwechslungsreiche Schauplätze. Vom fiktiven Insel-Stadtstaat Madripoor über die verschneiten Landschaften Kanadas bis in die verregneten Gassen Tokios bekommt das Auge einiges geboten. Eine Open World sollte man allerdings nicht erwarten – Wolverine führt uns ziemlich geradlinig von einem Schauplatz zum nächsten.

Sammelobjekte gibt es ebenfalls, sie bleiben aber eher Beiwerk. Übersehen kann man sie ohnehin kaum, schließlich blinken und leuchten sie teilweise so auffällig, als würden sie förmlich darum betteln, eingesammelt zu werden. Und damit wären wir bei einem Punkt, über den bei modernen Action-Adventures gerne diskutiert wird: Wolverine nimmt uns ziemlich stark an die Hand.

Eine Duftspur zeigt sehr häufig den Weg zum nächsten Ziel, während weiße Markierungen kaum Zweifel daran lassen, an welcher Wand geklettert oder über welche Kante gesprungen werden soll. Ganz so schlimm, wie die Hilfen hier teilweise dargestellt werden, empfand ich es allerdings nicht. Die Level sind ohnehin derart linear aufgebaut, dass es meistens sowieso nur eine sinnvolle Richtung gibt.

Quick-Time-Events sind auch interessant, diese lösen sich quasi von selbst und bei keiner oder falscher Eingabe werden sie auch „gelöst“. Und nein, die Option für automatische QTEs war natürlich deaktiviert.

Viel Hilfe – wenn man sie möchte

Darüber hinaus lassen sich zahlreiche weitere visuelle Hilfen optional aktivieren. Ob man solche Anzeigen mag oder nicht, bleibt natürlich Geschmackssache. Wer sie benötigt, bekommt hier allerdings viele Möglichkeiten geboten.

Generell verdient Insomniac für die umfangreichen Barrierefreiheitseinstellungen ein großes Lob. Die Auswahl ist wirklich hervorragend und ermöglicht es, zahlreiche Aspekte des Spiels an die eigenen Bedürfnisse anzupassen. Produktionen dieser Größenordnung dürfen sich davon gerne eine große Scheibe abschneiden.

Etwas zusätzliche Abwechslung bringen schließlich die sogenannten Albtraumtüren. Dahinter warten kleinere optionale Herausforderungen, meistens in Form von Kämpfen gegen besondere Gegner oder mehrere Wellen. Gelegentlich steht stattdessen ein kleiner Parcours auf dem Programm. Das ist eine nette Ergänzung für zwischendurch, mehr aber auch nicht.

Hollywood lässt grüßen

Neben den hervorragenden Kämpfen punktet Marvel’s Wolverine vor allem bei seiner Inszenierung. Die bewegt sich über weite Strecken tatsächlich auf Hollywood-Niveau. Besonders die spektakulären Verfolgungsjagden gehören zu den optischen Highlights und lassen es regelmäßig ordentlich krachen. Auch die wenigen Bosskämpfe sind dafür umso aufwendiger inszeniert und bleiben entsprechend im Gedächtnis.

Getestet wurde auf der PlayStation 5 Pro, wo das Spiel im Leistungsmodus konstant die angepeilten 60 FPS hält. Ähnlich soll es auch auf der normalen PlayStation 5 aussehen. Gerade bei den schnellen und teilweise völlig chaotischen Kämpfen ist die stabile Bildrate Gold wert. Diesen Modus würde ich auch im Vergleich zum „Wiedergabetreue“-Modus empfehlen, der nur 30 FPS anpeilt. Alternativ kann noch ein 120-Hz-Anzeigemodus gewählt werden. Mit eingeschalteten „VRR” können Spitzenwerte von 100 fps, in der Regel aber zwischen 70 und 80 fps, auf der PlayStation 5 Pro erreicht werden. Ein entsprechender Monitor oder Fernseher ist natürlich Voraussetzung.

Schön, brutal und butterweich

Auch grafisch zeigt Insomniac erneut, was das Studio aus der PlayStation 5 herausholen kann. Beleuchtung, Reflexionen und insbesondere die Gesichtsanimationen bewegen sich auf einem hervorragenden Niveau. Dazu gesellt sich schickes Raytracing, das gerade die ohnehin beeindruckenden Schauplätze noch einmal aufwertet.

Besonders Logan selbst sieht fantastisch aus. Haare, Bart und natürlich seine ikonischen Koteletten sind derart detailliert dargestellt, dass man gefühlt jedes einzelne Haar zählen könnte. Insomniac hat hier sichtbar viel Arbeit in seine Hauptfigur gesteckt – und das Ergebnis kann sich wirklich sehen lassen.

Technisch hinterließ das Spiel während meines gesamten Testzeitraums ebenfalls einen hervorragenden Eindruck. Bugs, Abstürze oder andere größere Probleme? Fehlanzeige. Kleinere Problemchen sollen laut Entwickler zusätzlich noch mit einem Day-One-Patch behoben werden.

Musikalisch bewegt sich Wolverine ebenfalls auf einem hohen Niveau. Der Soundtrack ist treibend, passend und unterstützt insbesondere die Action hervorragend. Ganz so stark im Gedächtnis wie einige Stücke aus Spider-Man bleibt er für mich allerdings nicht. Seinen Zweck erfüllt er trotzdem mehr als ordentlich.

Grummelig, direkt und irgendwie sympathisch

Die deutsche Synchronisation ist ein zweischneidiges Schwert. Besonders Logan und die anderen Mitglieder von Team X sind gut getroffen, während einige Nebenfiguren qualitativ doch merklich abfallen. Trotzdem ist es schön, dass überhaupt eine vollständige deutsche Vertonung vorhanden ist – bei einer Produktion dieser Größenordnung durfte man das allerdings auch erwarten.

Gerade Logans grummelige Art, wie wir sie aus Filmen, Serien und Comics kennen, fängt die deutsche Stimme erstaunlich gut ein. Der Mann hat nun einmal seine Laster, allen voran den Alkohol, trägt das Herz auf der Zunge und hält mit seiner Meinung selten hinterm Berg. Trotzdem – oder vielleicht gerade deshalb – bleibt Logan genauso sympathisch beziehungsweise unsympathisch, wie wir ihn kennen und lieben.

Fanservice bis in die Koteletten

Generell verneigt sich Insomniac vor zahlreichen Stationen aus Wolverines langer Geschichte. Unzählige Kostüme lassen sich freischalten und Comic-Fans dürften an jeder Ecke kleinere und größere Anspielungen entdecken. Selbst Verweise auf Spider-Man fehlen nicht. Gleichzeitig findet sogar die zeitgenössische Meme-Kultur ihren Platz. Stichwort: „Wolverine Remember“. Wer tief im Marvel-Kosmos steckt, bekommt hier einiges zu entdecken.

Beim Schwierigkeitsgrad stehen insgesamt fünf Stufen zur Auswahl, zusätzlich lassen sich einzelne Parameter noch einmal separat anpassen. Damit sollte für nahezu alle SpielerInnen etwas Passendes dabei sein. Auf dem normalen Schwierigkeitsgrad fällt das Abenteuer allerdings stellenweise sogar etwas zu leicht aus – gerade angesichts dessen, wie erbarmungslos Logan auf dem Bildschirm eigentlich zu Werke geht.

Kürzer, dafür ohne große Umwege

Wer in einem normalen Tempo spielt, sollte nach etwa 15 bis 17 Stunden den Abspann erreichen. Damit fällt Wolverine etwas kürzer aus als die Spider-Man-Abenteuer von Insomniac, wobei der Vergleich natürlich etwas hinkt: Schließlich verzichtet Logan komplett auf eine Open World und setzt stattdessen auf ein deutlich lineareres Erlebnis.

Für meinen Geschmack geht der Umfang damit vollkommen in Ordnung. Wer nach dem Abspann noch nicht genug vom Krallenschwingen hat, bekommt außerdem ein New Game+ spendiert und kann sich ein weiteres Mal durch Logans Abenteuer schnetzeln.

Diese Krallen hinterlassen Eindruck

Bildmaterial: Marvel’s Wolverine, Sony, Insomniac Games

Der Beitrag Im Test! Marvel’s Wolverine ist messerscharf, aber nicht ohne Kratzer erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Star Wars Zero Company
	27. August 2026
	Electronic Arts
	27. August 2026
	Electronic Arts
	27. August 2026
	Electronic Arts
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	1.1
Entwickler	Bit Reactor, Respawn Entertainment
Genres	Rundenbasierte Taktik-Strategie
Texte
Vertonung

Das Star-Wars-Franchise erfreut sich nach wie vor extrem großer Beliebtheit, speziell unter Sci-Fi-Fans. Neben der Racer-Variante „Star Wars: Galactic Racer“, welche am 6. Oktober dieses Jahres erscheinen soll, haben wir mit der kürzlich erschienenen Taktik-Strategie-Variante Star Wars Zero Company erstmals sogar ein taktisches Star-Wars-Abenteuer im Stile eines XCOM erhalten.

Der US-amerikanische Entwickler und Strategie-Experte „Bit Reactor“ fungierte als Entwickler bei diesem vielversprechenden Projekt. Innerhalb dieses begabten Entwicklerteams befinden sich unter anderem auch ehemalige XCOM-, Gears-of-War- und Civilization-Entwickler. Für genügend Expertise, vor allem im Taktik-Genre, ist also bestens gesorgt.

Das auf Basis der leistungsstarken Unreal Engine 5 entwickelte Taktik-Strategiespiel erschien am 27. August für PS5, Xbox Series und PCs und in unserem ausführlichen Test verraten wir euch nun, ob sich ein Ausflug in taktische Star-Wars-Gefilde lohnt oder ob man sich diesen intergalaktischen Trip besser sparen sollte.

Das Ende der Klonkriege und die Ausrufung des Imperiums stehen bevor

In Star Wars Zero Company übernehmen wir die Rolle eines ehemaligen Offiziers der Republik, „Hawks“. Dieser befehligt nun eine Söldnertruppe gegen Ende der Klonkriege. Die Ausrufung des galaktischen Imperiums steht kurz bevor und unsere Spezialeinheit, die „Zero Company“, muss alles dafür tun, den Ausgang dieses verheerenden Krieges vielleicht doch noch zum Guten zu wenden.

Eines Tages erhält die Zero Company den Auftrag eine Separatistensekte aufzuspüren. Diese geheimnisvolle Sekte ist jedoch nicht das Einzige, mit dem sich unsere Gruppe aus Spezialisten herumschlagen muss. Auch eine geheimnisvolle Krankheit, die sogenannte „Schattenplage“, macht es unserem Trupp nicht gerade einfach, diese waghalsige Mission zu einem guten Abschluss zu bringen.

Unzählige waghalsige und äußerst gefährliche Missionen quer durch die Galaxis erwarten die Mitglieder der Zero Company. Aber genau dafür wurde diese Gruppierung ja schließlich auch gegründet.

Taktisches Vorgehen steht an erster Stelle

Bei Star Wars Zero Company handelt es sich um ein Taktik-Strategie-Abenteuer im Stile eines XCOM. Im Klartext heißt das, das Spiel wird in der Top-Down-Perspektive gespielt und die Spielrunden selbst laufen rundenbasiert ab.

Am Anfang einer jeden Runde hat man also eine bestimmte Anzahl an Zügen pro Charakter zur Verfügung. Sind diese Züge aufgebraucht, beendet man die Runde per Knopfdruck. Anschließend absolviert die KI, also die gegnerischen Einheiten, die zur Verfügung stehenden Züge.

Je nach Situation fallen diese mal mehr und mal weniger intelligent gewählt aus. Hier entscheidet natürlich auch der ausgewählte Schwierigkeitsgrad über die gewählten Entscheidungen, die die KI trifft. Hat man einen niedrigeren Schwierigkeitsgrad ausgewählt, fallen die Züge recht oft weniger geschickt aus, um es uns etwas leichter zu machen.

Speziell für das Star-Wars-Franchise ist ein Titel in diesem Genre also ein absolutes Novum. Viele Jahre träumten Star-Wars- und XCOM-Fans jedoch bereits von einer Kreuzung des Franchise und des Genres und nun haben wir diese Wunschfantasie mit Star Wars Zero Company endlich erfüllt bekommen. Und eines kann man getrost sagen: Diese Kombination passt wirklich wie die Faust aufs Auge.

Viele Upgrademöglichkeiten schaffen Raum für taktische Finesse

Zum ohnehin schon sehr taktisch ausgelegten Gameplay-System kommen noch eine Vielzahl an Upgrade- und Anpassungsmöglichkeiten hinzu. Zum einen haben wir natürlich stets die Möglichkeit, unseren Trupp anzupassen, verschiedene neue Agenten zu rekrutieren und sogar deren Beziehungen untereinander zu stärken, um den Zusammenhalt in der Gruppe noch weiter auszubauen. Das stärkt nicht nur jeden einzelnen Mitstreiter, sondern am Ende die gesamte Gruppe.

Obendrein haben wir jedoch auch die Möglichkeit, die Fähigkeiten unserer Crewmitglieder und sogar deren Bewaffnung anzupassen. Neben verschiedenen Waffenmodifizierungen können wir ebenfalls die Outfits unserer Gruppenmitglieder anpassen. Den kreativen und taktischen Entfaltungsmöglichkeiten sind also kaum Grenzen gesetzt.

Zwischen den fordernden Kämpfen schaltet das Spiel außerdem in die Third-Person-Perspektive. So fühlt sich das Spielgeschehen dann gleich noch eine Spur immersiver an. In diesem Third-Person-Modus können wir uns dann bis zum nächsten Kampfschauplatz durch das jeweilige Areal bewegen. Treffen wir allerdings wieder auf feindlich gesinnte Einheiten, schaltet das Spiel wieder in die Taktik-Perspektive. Ein interessanter Kniff, der den recht starren Taktik-Ansatz von Zero Company etwas auflockert und uns das Abenteuer nicht nur in der Taktik-Perspektive erleben lässt.

Zwischen den Missionen finden wir uns im Hub wieder

Unser Hauptquartier ist der Dreh- und Angelpunkt der Zero Company. Denn hier entscheiden wir wohlüberlegt, auf welche Mission wir uns als Nächstes begeben oder welche Mitstreiter wir auf diverse Zusatzmissionen aussenden, um weitere Ressourcen zu erhalten.

Sollte ein Mitstreiter während einer Mission mal schwerer verletzt werden, wird dieser auf unsere hauseigene Krankenstation geschickt. Die nun anstehende Genesungszeit können wir auf Wunsch und mit Hilfe des Einsatzes von Ressourcen sogar beschleunigen und somit abkürzen. Ein weiterer taktischer Kniff, den es jederzeit zu bedenken gilt.

Ebenso werden alle Anpassungsmöglichkeiten innerhalb des Hubs erledigt und ausgewählt. Auch halten sich unsere Crewmitglieder in diesem Hub auf. Zwischen den Missionen kann man mit diesen Mitgliedern dann sogar hin und wieder ein Pläuschen halten. Diese kurzen Unterhaltungen treiben die Geschichte teils weiter voran und verschaffen uns auch zusätzliche Informationen über die Mitglieder selbst.

Permadeath-Modus für hartgesottene Taktik-Fans

Für absolute Hardcore-XCOM- und Taktik-Fans haben die Entwickler von Bit Reactor etwas Besonderes eingebaut. Denn der sogenannte „Permadeath“-Modus sorgt nämlich dafür, dass verstorbene Charaktere unserer Gruppe auch tot bleiben. Das heißt: Verliert man einen Charakter auf und während einer Mission, ist dieser unwiderruflich ausgelöscht und kann auch nicht mehr wiederbelebt werden. Jede Entscheidung kann also weitreichende und einschneidende Folgen haben, die das zukünftige Spielgeschehen maßgeblich beeinflussen.

Dieser Modus sollte allerdings mit Bedacht gewählt werden, da man sich, speziell bei zu unüberlegtem Vorgehen, schnell den gesamten Spielverlauf ruinieren kann und theoretisch von Neuem beginnen muss, wenn man einen bestimmten Charakter am digitalen Leben erhalten möchte. Auf Wunsch kann der Permadeath-Modus aber natürlich auch deaktiviert werden.

Detaillierte und schön anzusehende Optik trifft auf störende Nachladeruckler

Die technische Seite von Star Wars Zero Company ist leider ein recht zweischneidiges Schwert. Zum einen sieht die Optik, die auf der Unreal Engine 5 basiert, wirklich toll und sehr detailreich aus. Die Spielwelten und Areale strotzen regelrecht vor kleinen Details. Die Liebe zum Detail merkt man dem Titel also quasi pausenlos an und die typische Star-Wars-Atmosphäre wird auch wunderbar transportiert.

Zum anderen wäre da allerdings noch die eher durchwachsene Performance, die das Spielgeschehen hin und wieder doch mal etwas ruckelig wirken lässt. Die Performance-Einbrüche sind allerdings keine typischen FPS-Drops, wie man im ersten Moment vielleicht meinen würde. Vielmehr handelt es sich um eine Art Nachladeruckler, wenn man beispielsweise im Spielareal voranschreitet. Interessant ist hierbei die Tatsache, dass wir die PS5- und die PC-Version testen konnten und beide Versionen dieselben Verhaltensmuster diesbezüglich an den Tag legen. Man kann also definitiv ausschließen, dass es sich um Ruckler aufgrund von eventuellen Hardwaredefiziten handelt.

Alles in allem sieht Star Wars Zero Company aber toll aus und spielt sich auch so. Die immer mal wieder auftretenden Ruckler müssten zwar nicht sein, stören den eigentlichen Gameplay-Ablauf aber im Endeffekt nicht. Dieses Problem könnten die Entwickler mit einem zukünftigen Patch natürlich auch noch verbessern oder sogar komplett in den Griff bekommen.

Kultiger Soundtrack, knallige Effekte und ordentliche Synchronisation ergeben ein ordentliches akustisches Gesamtbild

Wie üblich für ein Star-Wars-Videospiel darf natürlich auch bei Zero Company der absolut kultige und äußerst beliebte Star-Wars-Soundtrack nicht fehlen. Dieser untermalt die actionreichen Szenen stets wunderbar und lässt zu jeder Sekunde pures Star-Wars-Feeling aufkommen. So muss es sein.

Aber auch die toll abgemischten, knalligen und stets passenden Soundeffekte runden das Spielgeschehen stets wunderbar ab. Obendrauf gibt es noch eine ordentliche und sauber umgesetzte Synchronisation, die auch größeren Projekten in nichts nachsteht. Was will man als eingefleischter Star-Wars-Fan denn auch mehr?

Star Wars ist erfolgreich im Taktik-Strategie-Genre angekommen

Bildmaterial: Star Wars Zero Company, Electronic Arts, Bit Reactor, Respawn Entertainment

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Aber auch die Mobile-Ports von Crazy Taxi auf iOS, Android und PC wurden gerne genommen und besonders unterwegs viel gespielt. Also: Wie crazy wird es wirklich? Kann das Arcade-Spielprinzip auch mehr als 25 Jahre später heute noch überzeugen? Bietet der neue Ableger auch für Neulinge genug? Oder fallen die Crazy Boosts und Crazy Drifts ins Wasser?

Austragungsort Deutschland – gleich doppelt

Auf der Gamescom 2026 in Köln wurde uns die Deutschland-Map gezeigt, welche uns mehrfach zum Schmunzeln brachte. Denn einige Dinge sind so typisch deutsch, dass man sie nicht wegdiskutieren kann.

Beispielsweise ein Dom, welcher dem direkt um die Ecke des Kölner Messegeländes liegenden sehr ähnlich sieht – inklusive des Vorplatzes. Dazu gibt es auffällige Bahnhöfe, Automuseen und Burgen. Während die Autobahn zu einem Crazy Boost und riskanten Spurwechseln einlädt, sind die Serpentinen rund um die Burgen klassisches Driftgebiet.

Und nicht zuletzt kann man auch Bratwurststände umrasen sowie neue, deutsche Markenläden entdecken. Auch das fein säuberliche, deutsche Mülltrennungssystem wird in einer Mission auf die Schippe genommen.

Damit kommen wir auch direkt zu den vielen Neuerungen in Crazy Taxi: World Tour. Denn diesmal geht es nicht nur in zwei umfangreiche Städte, sondern gleich um die ganze Welt. Der bereits aus den Vorgängern bekannte Protagonist Axel sucht sein gestohlenes Taxi und möchte es unbedingt zurückhaben.

Die neuen Städte könnt ihr euch erstmals ganz ohne Zeitdruck ansehen. Dafür gibt es – ähnlich wie in anderen bekannten Open-World-Rennspielen – überall kleine Missionen, welche man über ein Steuerkreuz-Menü aufrufen kann. Forza-Horizon-Fans sollte diese Spielmechanik bekannt vorkommen.

Bekannte Spielmechaniken leicht modernisiert

Die Kernmechaniken wurden dagegen nur leicht angepasst: Im Grunde geht es immer noch darum, Passagiere von A nach B zu bringen, und zwar möglichst schnell und ohne größere Zwischenfälle. Für riskante Manöver gibt es Trinkgeld und ein begeistertes Quietschen der Fahrgäste.

Dazu kommen einzelne Liefermissionen. So wollen etwa 50 Pizzen in der Stadt verteilt werden – welche schnell aus dem Taxi fliegen, wenn man mit Vollgas irgendwo gegenrempelt. Das fühlt sich alles genauso spaßig an wie vor über 25 Jahren. Das Timing der einzelnen Spezialaktionen ist etwas verändert und vereinfacht worden. Auch das Fahrgefühl wurde leicht verändert, sodass Neulinge einen etwas leichteren Zugang haben dürften.

Dazu kommt ein Boost, welcher mit verrückten Aktionen aufgefüllt und dann eingesetzt werden kann, um noch mal ein, zwei Sekunden herauszuholen. Der Crazy Stop ist ebenfalls zurück, diesmal in einer Mission, welche zum Vibe des Spiels passt. Denn ein Mann im Flughörnchen-Kostüm möchte eben dieses unbedingt mal ausprobieren, was uns die Chance für einen ganz besonderen Highscore gibt – sofern nicht ein Haus ungünstig in der Flugbahn steht.

Die Musik macht Laune

Dazu kommt die klassische Musik mit energiegeladenem Punkrock und Skate-Punk der Bands The Offspring und Bad Religion. Bestätigt wurden etwa „All I Want“,  „Change the World“ und weitere.

Dazu wurden weitere Klassiker angekündigt, welche vielleicht schon zum Netzwerktest in wenigen Tagen zu hören sind. Die bekannte Punkmusik startet, sobald eine Mission beginnt, und bringt uns so in die richtige Stimmung, um möglichst rücksichtslos, aber trotzdem halbwegs sicher durch das virtuelle Deutschland zu rasen.

Grafisch verbesserungswürdig

So viel Spaß das Spiel auch macht, so verbesserungsbedürftig ist auch die Grafik. Aktuell wirkt das Spiel etwa so, als hätte man nur eine PlayStation 4 Pro zur Hand gehabt und versucht, mit einem übermäßigen Einsatz von Unschärfe-Effekten die Schwächen zu kaschieren – auch in der Framerate, welche aktuell nicht immer stabil bleibt. Der Realismus-Comic-Stil-Mix passt dagegen zum Spiel. Die Unreal Engine im Hintergrund ist jedoch kaum zu übersehen.

Dazu kommt die Kontroverse um den GenAI-Einsatz bei Details – wir sind dran vorbeigerast, aber andere Tester wollen typische GenAI-Fehler bei den Plakaten erkannt haben. Den Autor des Textes schockt das als Mobile-Spieletester nicht mehr – dennoch ist es erwähnenswert, dass Crazy Taxi: World Tour ein größerer Titel eines bekannten, etablierten Entwicklers und Publishers ist, welcher offen sichtbar generative KI einsetzen wird.

Die Arcade-Formel funktioniert auch heute

Crazy Taxi: World Tour setzt klar auf Dreamcast-Nostalgie, erweitert das Setting aber und nutzt eine offene Welt mit optionalen Nebenmissionen. Die klassische Arcade-Formel funktioniert nach wie vor, wird aber leicht angepasst, um Neulinge nicht abzuschrecken. Die Modernisierung mit mehreren größeren Städten ist gelungen.

Positiv hervorzuheben ist das Fahrgefühl, das zwar vereinfacht wurde, aber immer noch relativ originalgetreu bleibt. Auch der bekannte, lizenzierte und energiegeladene Punkrock und Skate-Punk der Bands The Offspring und Bad Religion aus dem Original sind wieder dabei, was Fans des Originals freuen dürfte.

Negativ sind die aktuell noch durchwachsene Grafik mit vielen Unschärfe-Effekten, GenAI-Einsatz und die nicht immer stabile Framerate. Trotzdem: Das Spiel macht Spaß und das Spiel- und Fahrgefühl ist nah genug am Original, dass wir uns auf künftige Inhalte freuen – etwa den Multiplayer-Closed-Network-Test, welcher am diesem Wochenende läuft.

Bildmaterial: Crazy Taxi: World Tour, SEGA

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Final Fantasy VII Revelation wäre eines dieser Spiele. Der Terminkalender hatte kein Erbarmen und die einstündige Anspielgelegenheit war nur am Freitagvormittag möglich. Doch es sollte sich lohnen. Lest nachfolgend meinen ersten Eindruck zum dritten Teil der Remake-Trilogie zu Final Fantasy VII.

Die Demo beginnt natürlich mit einem Sprung aus der fliegenden Highwind. Ich durfte in einem bereits fortgeschrittenen Kapitel einsteigen, in dem die Highwind uns den Flug über die gesamte Weltkarte ermöglicht. Fies dabei: Bis auf einige Gebiete, die man Story-bedingt aktuell besser nicht ansteuern sollte, könnte ich auch schon überall abspringen.

Wo zur Hölle sollte ich anfangen? Dazu hatte ich innerhalb kürzester Zeit etwa ein Dutzend gute Ideen. Am Ende folgte ich dem Rat der PR und steuerte die Region Mideel an. Möglich wäre aber offenbar auch alles andere gewesen, was in diesem Kapitel eben möglich gewesen wäre. Auch, erst einmal die Highwind zu erkunden, die man übrigens anpassen kann und die sich im Laufe des Abenteuers weiterentwickelt.

Das Innere der Highwind könnt ihr im Laufe des Abenteuers gestalten und ansprechender machen. Ihr könnt Gegenstände ausstellen, die ihr auf eurem Abenteuer gesammelt habt, ständig neue Gespräche erleben und die Chocobo-Ställe besuchen, die übrigens umfangreicher ausfallen als im Original, wie Naoki Hamaguchi mir in einem Interview am Gamescom-Mittwoch verraten hat.

Doch weil für die Erkundung der Highwind (im Rahmen eines dann beginnenden Tutorials) die halbe Demo-Session draufgegangen wäre, wählte ich den freien Fall. Man kann buchstäblich überall landen, eben auch mitten im dicht bewachsenen Mideel-Umland. Der Fallschirm kann auf Knopfdruck geöffnet werden, geht aber bei Bodennähe auch selbstständig auf. Die Landung erfolgt auf den Beinen oder auf Piko – dann geht es fließend zu Chocobo-Fuß weiter. Lauert dann ein Monster um die Ecke, gibt es auch hier einen fließenden Übergang. Piko kann mitkämpfen!

Das Kampfsystem und das WEAR-System

Und wenn wir schon dabei sind, gleich der Blick auf’s Kampfsystem. Wer Final Fantasy VII Rebirth gespielt hat, wird sich gleich zu Hause fühlen. Alles, was im Vorgänger geklappt hat, klappt auch hier. Nennen wir’s mal: Befehls-vermischte Echtzeit-Action. Viele Mechaniken sind die alten und das dürften die meisten Fans auch einigermaßen gut finden, denn das Kampfsystem von Rebirth war gelungen.

Ergänzt wird es in „Revelation“ einerseits um die sehr speziellen Charaktere Vincent und Cid und andererseits um das WEAR-System, an dem sich schon vor der Veröffentlichung die Geister scheiden. Die einen finden das WEAR-System überflüssig – was soll Barret in der Beschwörer-Rolle? Die anderen finden es eine spannende, weil natürlich auch in der Geschichte der „Final Fantasy“-Serie begründete Mechanik.

Kurze Wiederholung: Das WEAR-System ergänzt, ganz vereinfacht gesagt, das Kampfsystem um vier Jobs. Im Englischen heißt es übrigens FITS-System – für die deutsche Version hat man sich „WEAR“ ausgedacht. Was witzig ist, weil „wear“ ja auch nur ein englisches Wort ist. Denkt ihr! Eigentlich steht es nämlich für widerstandsfähige Einsatzbekleidung mit augmentierter Resonanz – und das ist wiederum kein Witz.

Diese Outfits verändern das Aussehen der Charaktere optional – es ist auch möglich, die Eigenschaften der Jobs zu nutzen, und das Standard-Outfit beizubehalten. Vor allem liefern die Jobs aber Zugang zu Fertigkeiten und Fähigkeiten. Der Ritter glänzt mit Defensiv-Möglichkeiten; der Beschwörer kann unterschiedliche Wesen im Kampf beschwören. Weiterhin gibt es den Krieger (für die Offensive) und den Schwarzmagier, der eure Magie stärkt

Jeder Charakter kann ab einem bestimmten Punkt im Spiel jeden Job ausüben. Alle Möglichkeiten werden gleichzeitig freigeschaltet. Und was bedeutet das nun konkret für euren Kampf? Vincent als Beschwörer kann beispielsweise auf Synergie-Fähigkeiten mit Ifrit und Co. zugreifen. Trägt Tifa den Schwarzmagier-Job, dann wird Magie um eine Stufe erweitert und sie kann nicht nur Zauber der „-ga“-Stufen ausführen, sondern auch „-ja“-Zauber.

Die Demo war viel zu kurz und bot viel zu viele Möglichkeiten, um sich ein umfassendes Bild vom WEAR-System zu machen. Aber zur Beruhigung der Kritiker vielleicht: Wenn man einen Job wählt, der einigermaßen zum Charakter passt, und dann das Outfit nicht wechselt, dann sind neue Fähigkeiten im Kampf eben das einzige, was vom WEAR-System bleibt. Und na ja, neue Fähigkeiten im Kampf … das stand irgendwie ohnehin auf dem Plan, oder?

Wer das WEAR-System spannend findet, der darf sich auf coole, individuelle Outfits freuen und auf mehr Möglichkeiten, den Charakteren ein Profil zu geben, das dann nicht nur optische, sondern auch noch spielerische Relevanz hat. Ich bin gespannt darauf, damit herumzuexperimentieren.

Zurück zur Landung nach dem Highwind-Absprung. Wie ihr seht, kann man wirklich überall landen. Ob’s eine gute Idee war, wird sich zeigen. Anders als die Gruppe auf dem Screenshot erwartet mich allerdings zunächst die dichtbewachsene Mideel-Region – und sofort eröffnen sich unzählige Points of Interest.

Nicht nur ploppen diverse Zeichen auf der Map auf – natürlich klingelt auch MAI durch. Lebensquelle hier, Esper dort, Entdeckungen machen da. Wer will, kann wie schon in Rebirth jede Ecke der Karte abgrasen und wird zuverlässig belohnt. Ich kann allerdings auch verstehen, dass sich manch einer von der schieren Anzahl der Möglichkeiten erschlagen fühlen könnte.

Dabei steht euch bei der Erkundung auch neues Werkzeug zur Verfügung – das darüber hinaus (mindestens) auch in Nebenmissionen zum Einsatz kommt. Das sogenannte Erkundungswerkzeug bestand zum Zeitpunkt, an dem die Demo angesiedelt war, aus vier unterschiedlichen Werkzeugen, die man per Ringmenü auswählen kann. Dazu zählten ein Scanskop, ein Ortungssystem, eine Makolampe und eine Datenkamera. Mit diesen Werkzeugen erfahrt ihr mehr über Monster und Orte oder erleichtert euch die Navigation zu gewünschten Zielen.

Doch nach ein paar besiegten Monstern – Vincent ist eine Maschine – sowie einer erforschten Lebensquelle geht’s auch schon weiter. Die Demo-Uhr tickt und man hatte mir empfohlen, nach Wutai zu fliegen – aktuell auch Zielpunkt der Story in der Demo. Jederzeit kann man per Knopfdruck auf der Weltkarte die Highwind rufen und weiterfliegen. Bereits besuchte Orte bieten auch eine Schnellreisemöglichkeit.

Also auf nach Wutai! Die Highwind kann ordentlich Gas geben und der Flug dauert nur ein paar Sekunden. Nach einer spannenden Sequenz um Glenn und Godo, zu der ich natürlich nichts weiter verraten möchte, landet meine Gruppe vor den Toren von Wutai.

Es folgen Szenen, bei denen ich meine Augen weit aufreißen muss – damit die Luft sie trocken hält. Yuffie, ihr fröhliches und wunderbar neu arrangiertes Charakter-Theme, das wunderschöne Wutai und die kurze, unbeschwerte Blödelei der Gruppe sind eine Wonne für Fans des Originals. Da kann man schon mal emotional werden. Falls euch die Charaktere nicht schon mit „Rebirth“ ans Herz gewachsen sind, dann hoffentlich spätestens jetzt.

Zu Wutai (dessen Besuch im Original übrigens vollkommen optional war) und vor allem zu den Story-Sequenzen aus der Demo will ich euch gar nicht viel mehr verraten, das wollt ihr sicherlich selbst erleben. Eines aber: Neben der Story gibt’s auch ganz viel zu erleben – wie offensichtlich überall. Nebenmissionen und Erkundungen en masse erwarten euch.

Einige dieser Nebenmissionen könnt ihr übrigens mit einem Charakter eurer Wahl bestreiten. Basierend darauf verändern sich Story und Gameplay – und jeder Fan kann eine andere Erfahrung machen. Etwas, das Naoki Hamaguchi schon vor Wochen angedeutet hat und in unserem Interview weiter ausführte.

Es sei nicht nur so, dass sich die Perspektive auf Ereignisse ändere. Manchmal ändere sich auch die Handlung, manchmal gar der Ort oder der Ausgang der Quest. Desöfteren wahrscheinlich die Aktivitäten, die euch währenddessen erwarten. Das wird schon bei der Charakter-Auswahl deutlich. „Je nachdem, wen man auswählt, gibt es bei jeder Quest wirklich große Unterschiede“, verrät uns Hamaguchi dazu im Interview.

Leider war es mir in der Kürze der Zeit nicht vergönnt, eine der unzähligen Nebenaufgaben zu erledigen. Darauf freue ich mich nun, wenn Final Fantasy VII Revelation am 8. April 2027 für Nintendo Switch 2, Xbox Series, PCs und PlayStation 5 erscheint. Dass der Termin gehalten wird, davon bin ich überzeugt. Die Demo war schon ziemlich poliert und ich glaube, ich hätte auch einfach weiterspielen können. Hätte man mich doch nur gelassen.

Das Finale kann kommen

Bildmaterial: Final Fantasy VII Revelation, Square Enix

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Dabei durften wir nicht nur die umfangreiche Kampfsequenz anspielen, welche für jeden öffentlich anspielbar war, sondern auch den darauf folgenden Storyabschnitt, der einen kleinen Teil der Spielwelt zeigte. Warum wir begeistert sind, erfahrt ihr mit den folgenden Zeilen.

Hochwertige Story-Sequenzen im Final-Fantasy-Stil

Diese Storyabschnitte und die öffentlich nicht abspielbaren Spielteile waren es dann auch, welche überzeugen konnten. Sie lassen uns staunend über die enorm hohe Qualität des F2P-Titels zurück.

Die Qualität der Animationen und Sequenzen verwundert nicht: YHKT Entertainment ist für die preisgekrönte, dystopische Sci‑Fi‑Action‑Serie Ling Cage bekannt. Auch die Kämpfe werden mit diesen hochwertigen Zwischensequenzen und tollen Animationen beeindruckend inszeniert – episch wird es erst gemeinsam mit der Erzählung, die ebenso wie die Präsentation auf den Pfaden von Final Fantasy und Xenoblade wandelt.

Die Inszenierung macht aber nicht nur bei der Story halt, sondern betrifft auch die farbenfrohe, stark stilisierte Fantasy-Welt. Die Figuren erinnern an frühere Final-Fantasy-Teile, der Stil der Welt neigt leicht in Richtung Xenoblade. Präsentiert wird euch das alles auf Basis der modernen Unreal Engine 5, was insbesondere auf dem PC zu einer detaillierten Spielwelt führt, die sicherlich mit zu den schönsten Fantasy-Welten der letzten Jahre gehört.

Die Geschichte des Abenteuers könnte Fans der Xenoblade-Reihe ebenfalls vertraut vorkommen. Sie ist geprägt von den Konflikten zwischen Zivilisationen, kolossalen Lebewesen und einem unbekannten Schicksal. Die Handlung spielt in einer einzigartigen Welt, die um „Thalassa“ und gigantische Kreaturen namens „Arkiloth“ aufgebaut ist. In der Rolle eines Reisenden, der ein verborgenes Geheimnis in sich trägt, bewegt ihr euch zwischen verschiedenen Fraktionen und uralten Mysterien und deckt nach und nach die tief in dieser Welt verborgenen Wahrheiten auf.

Kampfsystem benötigt noch Feinschliff

Der Öffentlichkeit zeigte YHKT Entertainment vorerst nur die Kampfsequenz und sammelte dafür noch Feedback. Uns gefiel es schon ganz gut – es ist ein klassisches Action-RPG-Kampfsystem mit den altbekannten Möglichkeiten. Ausweichen, blocken, kontern und verschiedene Arten von Attacken sind vorhanden, unterstützt von einer Begleiterin, zu der bei Bedarf gewechselt werden kann.

Jedoch fühlt es sich aktuell noch so an, als ob uns der Zwischenboss mit mehreren Kampfphasen bewusst aus dem Fluss bringen möchte. Die visuellen und auditiven Hinweise passen noch nicht ganz, und so verpassen wir bei den Kämpfen immer wieder das richtige Timing, was leicht frustrierend ist.

Am Ende des Tages ist es aber Meckern auf sehr hohem Niveau – und vielleicht auch der Tatsache geschuldet, dass wir die Tage zuvor Spiele mit starken Kampfsystemen gespielt haben. YHKT Entertainment hat noch Zeit, hier zu feilen, denn bei der Gamescom-Version handelt es sich um eine Demo in der frühen Phase der Entwicklung.

Mit Bringer könnte eine RPG-Perle für Final-Fantasy- und Xenoblade-Fans entstehen

Bildmaterial: Bringer, YHKT Entertainment

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Mit Castlevania: Belmont’s Curse möchte uns der in Frankreich ansässige Entwickler Evil Empire nun erneut in die vampirische Welt der spannenden Action-Reihe entführen. Als Publisher fungiert, wie sollte es auch anders sein, natürlich Konami.

Auf der diesjährigen Gamescom hatten wir die Möglichkeit, den vielversprechenden und extrem anspruchsvollen Action-Kracher ausgiebig anzuspielen. In unserer ausführlichen Preview verraten wir euch nun, ob sich der Kauf des neuesten Castlevania-Abenteuers lohnt und welche neuen Ideen der Titel mit in das mittlerweile unglaublich umfangreiche Franchise einbringt.

Das Paris des 15. Jahrhunderts wird von Dämonen heimgesucht

Die Geschichte von Castlevania: Belmont’s Curse spielt im Paris des Jahres 1499. Ganze 23 Jahre nach den Ereignissen von Castlevania III: Dracula’s Curse. Nachdem die französische Metropole von finsteren Dämonen überrannt wurde, ruft der örtliche Bischof den Vampirjäger Trevor Belmont zur Hilfe.

Trevor Belmont rekrutiert daraufhin seine Tochter Rose Belmont für diese Aufgabe. Um dieser enormen Aufgabe gewachsen zu sein, überreicht Trevor seiner Tochter Rose die heilige Peitsche. Diese trägt den Namen „Vampirtöter“. Daraufhin macht sich die junge Vampirjägerin Rose auf den Weg, die dämonischen Besatzer zu vertreiben und den Ursprung für diese plötzliche Invasion ausfindig zu machen.

Klassisches Castlevania-Gameplay mit dem ein oder anderen besonderen Kniff

Im Kern ist Castlevania: Belmont’s Curse ein klassisches Castlevania-Abenteuer wie man es kennt und von der Serie auch erwarten würde. Der neue Castlevania-Ableger ist sozusagen ein Action-Adventure-Sidescroller wie er im Buche steht und neben den schön gestalteten Leveln und Abschnitten sind es vor allem die ausufernden und oft sehr fordernden Bosskämpfe, die einem das digitale Leben regelmäßig zur Hölle machen. Im Prinzip genau das, was Castlevania-Fans seit Jahrzehnten lieben und feiern.

Um siegreich aus diesen anspruchsvollen Bosskämpfen hervorzugehen, ist es stets essenziell, dass man sich die Angriffsmuster der unterschiedlichen Bosse verinnerlicht. So kann man den extrem starken Gegnern stets einen entscheidenden Schritt voraus sein. Denn hat man den Dreh erst einmal raus, sind die Bosskämpfe gar nicht mehr so schwer, wie man im ersten Moment vielleicht denken würde.

Im weiteren Spielverlauf erhält man außerdem die Fähigkeit, sich mithilfe der heiligen Peitsche an diversen Punkten hin- und herschwingen zu können. Kombiniert man diese, meiner Meinung nach, toll umgesetzte Mechanik mit dem sehr direkten und durchaus spaßigen Kampfsystem, ergibt sich so ein rasantes und flüssiges Gameplay, welches nach einiger Eingewöhnungszeit sehr viel Spaß macht. „Easy to learn, hard to master“ passt hier ganz gut, um die eigentlichen Gameplay-Mechaniken zu beschreiben.

Allerlei Upgrades sorgen für die nötige Abwechslung im Vampirjäger-Alltag

Um das typische Castlevania-Gameplay etwas aufzulockern, haben die Entwickler obendrein allerlei Upgrademöglichkeiten für Rose eingebaut. Diese Upgrades ermöglichen es uns, nach und nach neue Angriffe und Spezialmanöver zu erlernen, um den dämonischen Widersachern noch effektiver das digitale Leben aushauchen zu können.

Für etwas Abwechslung im Vampirjäger-Alltag ist also definitiv gesorgt und mit diesen Upgrades haben wir gleichzeitig auch die Möglichkeit, die Angriffe und damit auch das Verhalten unseres Hauptcharakters zumindest etwas an unseren eigenen Spielstil anzupassen.

Liebevoll umgesetzt und schön präsentiert

Angefangen vom Artstyle bis hin zur Grafik und dem fantastischen Soundtrack selbst konnte mich Castlevania: Belmont’s Curse bereits während dieser einstündigen Anspielsession durchaus überzeugen. Die Areale wirken sehr liebevoll umgesetzt und vor allem der fantastische Ohrwurm-Soundtrack ist wirklich fantastisch und passt perfekt zur jeweiligen Spielsituation.

Technisch braucht sich der Titel also keinesfalls vor anderen Genre-Kollegen verstecken, denn mit Castlevania: Belmont’s Curse wurde die traditionsreiche Spielereihe wunderbar in die Moderne transportiert.

Die kultige Vampirjäger-Saga ist zurück und in der Moderne angekommen

Bildmaterial: Castlevania: Belmont’s Curse, Konami, Evil Empire

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Bereits während eines Interviews im Jahre 2021 wurde bekannt, dass die Entwickler von RGG Studio an einer neuen IP abseits des Like-a-Dragon- und Judgment-Franchise arbeiten. Erstmals offiziell angekündigt wurde das neue Projekt dann im Zuge der The Game Awards im Jahre 2024.

Damals war das Projekt noch unter dem kryptischen Namen „Project Century“ bekannt. Im Juni 2025 wurde dann erstmals der volle Titel des neuen Projekts bekannt gegeben.

Im Zuge der Gamescom konnten wir Stranger Than Heaven bereits ausgiebig antesten und können euch daher nun verraten, ob sich das Warten auf den Action-Blockbuster lohnt und in welchen Punkten sich Stranger Than Heaven klar von der Like-a-Dragon- und Judgment-Reihe unterscheidet. Am 15. Januar 2027 soll der vielversprechende Action-Kracher dann für PS5, Xbox Series und PCs erscheinen.

Fünf Epochen in fünf Jahrzehnten

Die Geschichte von Stranger Than Heaven wird innerhalb von fünf unterschiedlichen Epochen erzählt. Als Schauplatz dienen ganze fünf unterschiedliche Städte Japans. Angefangen in der Stadt Kokura in der Präfektur Fukuoka im Jahre 1915 verschlägt es uns anschließend ins Jahr 1929 nach Kure in der Präfektur Hiroshima. Im Anschluss folgen Minami in Osaka im Jahre 1943, Atami in der Präfektur Shizuoka im Jahre 1951 und als krönenden Abschluss landen wir im Stadtteil Shinjuku in Tokio im Jahre 1965.

Wir übernehmen die Rolle von Makoto Daito, einem japanisch-amerikanischen Außenseiter, welcher sich zu Beginn des Abenteuers auf der Überfahrt von San Francisco in den Vereinigten Staaten nach Japan befindet, um sich dort ein neues, besseres Leben aufzubauen.

Stranger Than Heaven handelt vor allem von der Gründung und dem Aufstieg der Yakuza, der japanischen Mafia. Der Tojo-Clan, welcher in der gesamten Like-a-Dragon-Reihe eine tragende Rolle spielt, steht dabei im Mittelpunkt. Unser Hauptcharakter Makoto Daito ist ein Gründungsmitglied des Tojo-Clans und somit eine tragende Figur, die maßgeblich zum Aufstieg der Yakuza beigetragen hat.

Actiongeladene Kämpfe treffen auf ein interessantes Setting

Wie auch schon bei der Like-a-Dragon- und Judgment-Reihe liegt der Fokus auch bei Stranger Than Heaven primär auf den actiongeladenen und anspruchsvollen Kämpfen. Diese tragen wir, wie üblich für diese Reihe, ausschließlich in der Third-Person-Perspektive aus.

Die Besonderheit von Stranger Than Heaven ist hierbei die Tatsache, dass wir nun jede Hand einzeln steuern können. So haben wir nun also die Möglichkeit, wahlweise nur links oder rechts zuzuschlagen oder zu blocken.

Hieraus ergeben sich dann logischerweise völlig neue Kombo-Möglichkeiten und das Kampfsystem wird dadurch allgemein noch einmal deutlich anspruchsvoller, als es bei anderen Titeln der Like-a-Dragon- und Judgment-Reihe der Fall war.

Das Hauptaugenmerk liegt also definitiv auf den hektischen und sehr anspruchsvollen Kämpfen. Auch unsere Demo-Session bestand ausschließlich aus diversen Konfrontationen mit anderen kriminellen Gestalten. Hier konnten wir die neuen Kampfmechaniken ausgiebig testen und uns mit den verschiedenen Features vertraut machen.

Inszenierung wirkt hochwertig und immersiv

Was mir am meisten imponiert hat, war die extreme Liebe zum Detail der unterschiedlichen Epochen, die man in diesem Abenteuer erleben darf. Je nach gewählter Zeit beziehungsweise Epoche verändern sich natürlich auch das Setting, die Kleidung der Charaktere und der allgemeine Vibe der Optik des Spiels.

Jede Epoche hat ihren eigenen Charme, ihre eigenen Merkmale und ihren eigenen Charakter, wenn man so will. Wirklich sympathisch umgesetzt und präsentiert. Im fertigen Spiel hoffe ich daher vor allem darauf, diese Spielwelt weiter erkunden zu können und noch tiefer in die einzelnen Epochen und Jahrzehnte Japans abtauchen zu können.

Denn während unserer recht begrenzten Demo-Session konnte man sich kaum in den Arealen bewegen. Zum Umfang der Spielwelt kann man zum jetzigen Zeitpunkt also noch recht wenig sagen.

Technisch durchaus ordentlich, aber noch ausbaufähig

Auf technischer Seite weiß Stranger Than Heaven durchaus zu gefallen. Auch wenn die gesamte Optik während der Demo-Session noch etwas grieselig und unscharf daherkam. Der Titel hat auf jeden Fall viel Potenzial, das es jetzt noch auszuschöpfen gilt. Ich bin aber durchaus zuversichtlich, dass die Entwickler von RGG Studio das hinbekommen und uns ein weiteres hochwertiges Action-Spektakel im Like-a-Dragon-Universum servieren.

Stranger Than Heaven läuft übrigens auf Basis der hauseigenen Dragon Engine. Auf Basis dieser durchaus leistungsstarken Engine wurden bereits Titel wie die Judgment-Reihe, Yakuza: Like a Dragon und Yakuza 6 entwickelt. Potenzial ist hier also definitiv vorhanden.

Der Aufstieg der Yakuza verpackt in einem Action-Feuerwerk

Bildmaterial: Stranger than Heaven, SEGA, Ryu Ga Gotoku Studio

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Silent Hill: Townfall ist ein eigenständiger, von der Hauptserie unabhängiger Ableger der Silent-Hill-Reihe und bietet mit seinem eher ungewöhnlichen Setting auch neue Anreize im Horror-Genre.

Während der diesjährigen Gamescom hatten wir die Möglichkeit, eine ganze Stunde lang in die Welt von Silent Hill: Townfall abzutauchen und die extrem unheimliche Atmosphäre aufzunehmen. Und wir können euch eins mit Gewissheit sagen: Es hat sich definitiv gelohnt.

In unserer ausführlichen Messe-Preview nehmen wir euch mit in die düstere Welt von Silent Hill: Townfall und verraten euch, wieso der Titel eines der Horror-Highlights dieses Jahres werden könnte.

Ein beschaulicher Küstenort wird zum Mittelpunkt des Albtraums

Die Geschichte von Silent Hill: Townfall spielt im Jahre 1996 im beschaulichen Küstenort „St. Amelia“ in Schottland. Wir übernehmen die Rolle von Simon Ordell. Simon hat Gedächtnisprobleme und kann sich nicht daran erinnern, warum und weshalb er sich in diesem Ort aufhält.

Nach und nach kommen wir einem dunklen Geheimnis auf die Spur und die Fragmente aus Simons Gedächtnis ergeben ein großes Ganzes. Doch was hat Silent Hill damit zu tun und ist dieser Küstenort überhaupt das, was er zu sein scheint?

Nervenkitzel und Spannung bis ins kleinste Detail

Speziell die fantastische und unheimlich beklemmende Atmosphäre von Silent Hill: Townfall hat es mir während der Anspielsession angetan. Der dicke Nebel, der den Ort St. Amelia umhüllt, trägt ungemein zur Spannung und Atmosphäre bei und macht die ohnehin schon recht unheimliche Kulisse noch bedrohlicher und vor allem unübersichtlicher.

Gespielt wird der Titel ausschließlich in der First-Person-Perspektive, was das Spielgefühl, zumindest meiner Meinung nach, noch immersiver und direkter macht. Während der Demo konnten wir einige Rätsel lösen und uns bereits einen guten ersten Eindruck von den Gameplay-Mechaniken des Titels machen.

Typisch für die Silent-Hill-Reihe sind vor allem die zahlreichen Rätsel, die das nervenaufreibende Gameplay immer wieder etwas auflockern und entschleunigen. Dieses Feature wurde auch hier wieder fantastisch umgesetzt und jedes Rätsel ist nach kurzer Überlegungsphase auch relativ schnell lösbar. Großes Kopfzerbrechen entfällt hier also – meistens jedenfalls.

Neues Gimmick bringt frischen Wind ins Franchise

Neu ist hingegen das Mini-TV-Gerät, welches unser Held Simon Ordell recht früh im Spielverlauf erhält. Denn dieses TV-Gerät ist nicht nur eine Spielerei, sondern vielmehr genau das eine Feature, welches Silent Hill: Townfall so besonders macht und von der Genre-Masse abhebt.

Denn mit diesem TV-Gerät haben wir nicht nur die Möglichkeit, die Gegner bereits einige Zeit vorher auszumachen und damit auch zu umgehen, sondern auch die Rätsel in Silent Hill: Townfall bauen auf dieser neuen Spielmechanik auf.

Immer wieder fängt das Gerät an zu rauschen und verdeutlicht uns so, dass wir einen Blick darauf werfen sollten. Durch wirr zusammengeschnittene Videoschnipsel erhalten wir so Hinweise auf diverse Rätsel und andere Dinge, die uns das Vorankommen im Spiel erst ermöglichen. Ein wirklich toller Kniff, der auch fantastisch umgesetzt wurde. Und etwas frischer Wind tut auch dem Silent-Hill-Franchise sichtlich gut.

Körperliche Auseinandersetzungen nicht ausgeschlossen

Natürlich lässt es sich aber auch bei Silent Hill: Townfall nicht gänzlich vermeiden, in den körperlichen Kontakt mit den unheimlichen Wesen zu gehen. Sollte man mal einen Fehler beim Umgehen der zahlreichen Monster machen, bleibt einem nichts anderes übrig, als diese mit einem oder mehreren beherzten Schlägen aus dem digitalen Leben zu tilgen.

Silent Hill: Townfall ist aber keinesfalls ein Action-Titel. Die körperliche Auseinandersetzung ist die allerletzte Möglichkeit sich den dämonischen Gegnern zu erwehren und sollte wirklich nur im äußersten Notfall angewandt werden. Zumindest in der Demo wirkte das Spiel diesbezüglich sogar noch eine ganze Ecke zahmer, als es zuletzt bei Silent Hill f der Fall war.

Fantastische Optik und absolut unheimliche Soundkulisse

Speziell die technische Umsetzung des Titels konnte mich schwer beeindrucken. Entwickelt wurde der Titel auf Basis der Unreal Engine 5 und vermag es daher gekonnt, extrem detaillierte und unheimliche Bilder auf den Bildschirm zu zaubern. Gerade die Nebel- und Lichteffekte fallen wirklich beeindruckend aus und verleihen dem Titel einen einzigartigen Look, den ich bisher noch nicht so gesehen habe. Die Entwickler haben es hier also schon rein technisch geschafft, den Titel anhand seiner Optik zu etwas Besonderem zu machen.

Auch tonal kann Silent Hill: Townfall auf ganzer Linie überzeugen. Die Soundeffekte gepaart mit den recht ruhig gehaltenen Melodien erschaffen eine wunderbar düstere Atmosphäre, die einem quasi pausenlos die Haare zu Berge stehen lässt.

Silent Hill: Townfall könnte ein wahrer Horror-Klassiker werden

Bildmaterial: Silent Hill: Townfall, Konami, Annapurna Interactive, Screen Burn Interactive

Der Beitrag Angespielt! Silent Hill: Townfall ist ein Spin-off der legendären Reihe mit völlig neuen Ideen erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Mit der sogenannten Stellar Blade Complete Edition bekommt die Nintendo-Konsole dabei gewissermaßen das Rundum-sorglos-Paket. Die zahlreichen kosmetischen Inhalte, die seit der ursprünglichen Veröffentlichung hinzugekommen sind, sind hier bereits enthalten.

Fast interessanter ist allerdings die technische Seite. Schon auf PlayStation 5 war Stellar Blade ein sehr hübsches Spiel, das mit seinen detaillierten Charaktermodellen und action- und effektreichen Kämpfen beeindruckte. Uns interessiert deshalb besonders, ob die Portierung auf die „Switch 2“ gelingen kann.

Auf der Gamescom konnten wir die neue Version erstmals selbst ausprobieren und waren positiv überrascht. Dabei stand uns ausschließlich der Handheld-Modus zur Verfügung. Zusätzlich hatten wir Gelegenheit, mit dem CTO von Shift Up, DongKi Lee, ausführlicher über die technischen Herausforderungen der Umsetzung zu sprechen.

60 FPS sind das Ziel – mit einem unerwarteten technischen Kniff

Unsere Demo begann direkt mit dem Intro von Stellar Blade – und Shift Up hat sich damit nicht gerade die einfachste Stelle für eine Präsentation ausgesucht. Bereits die ersten Minuten fahren schließlich ordentlich auf: zahlreiche Gegner, Explosionen, Partikeleffekte und jede Menge Bewegung auf dem Bildschirm fordern die Hardware der „Switch 2“.

Trotzdem möchte Shift Up auf „Switch 2“ eine Ausgabe mit 60 Bildern pro Sekunde erreichen. Das gelingt nicht immer – deshalb nutzt man hier Frame Interpolation, um dem Ziel möglichst nahe zu kommen. Bis zur Veröffentlichung bleibt natürlich noch Zeit für weitere Optimierungen, um die letzten kleinen Framedrops in den Griff zu bekommen.

Für Shift Up steht ohnehin weniger eine technisch identische Version als vielmehr ein möglichst vergleichbares Spielgefühl im Mittelpunkt: „Ein Punkt, den wir in den Vordergrund gestellt haben, war, dass das Spielerlebnis – egal auf welcher Plattform man spielt – für alle gleich sein muss“, so CTO DongKi Lee.

Das gilt laut den Entwicklern insbesondere für Kämpfe, Bossgegner und die grundsätzliche visuelle Präsentation. Gleichzeitig soll der Wechsel zwischen Handheld- und Dock-Modus möglichst nahtlos funktionieren. Dass sich die reine Performance aufgrund der unterschiedlichen Hardware nicht vollständig gleichen kann, ist Shift Up natürlich bewusst.

Um die angestrebten 60 FPS auf Switch 2 überhaupt zu ermöglichen, greift das Studio zu einer interessanten Kombination verschiedener Technologien. DLSS wird für das Upscaling eingesetzt. Die Zielauflösung ist im Dock 1080p, im Handheld-Modus auf 720p.

Da die Switch 2 laut Shift Up allerdings keine DLSS Frame Generation unterstützt, bedient sich das Team zusätzlich bei AMD: „Wir würden also mit DLSS hochskalieren, das Ergebnis nutzen und dann die Frame Interpolation von AMD einsetzen, um das Ziel von 60 Bildern pro Sekunde zu erreichen“, sagt so CTO DongKi Lee.

Konkret verwendet Shift Up die bereits aus der PC-Version bekannte Frame Generation, welche bei AMDs FSR 3.1 Frame Interpolation genannt wird. Vereinfacht gesagt kombiniert die „Switch 2“-Version also Nvidias DLSS für das Upscaling mit AMD-Technologie, um das 60-FPS-Ziel zu erreichen.

Eve sieht weiterhin gut aus – das Upscaling aber nicht immer

Während unseres Hands-ons war diese technische Lösung durchaus sichtbar. Gerade an feinen Details machten sich die niedrigere interne Auflösung und die anschließende Bildrekonstruktion gelegentlich bemerkbar. Besonders auffällig war das teilweise leicht ausgefranste beziehungsweise gekräuselte Erscheinungsbild rund um Eves Haare – ein Problem, das auch andere Spiele zuvor bereits vor Herausforderungen stellte.

Die Kostüme gehören zu einem der bekanntesten Elemente von Stellar Blade 2 – deshalb wollten wir auch wissen, ob man hier feine Details verändern oder anpassen musste. „Also, eigentlich gab es keine Kompromisse bei der Kleidung. Es mussten keine Änderungen vorgenommen werden“, freut sich DongKi Lee. Durch die niedrigere interne Darstellung und die kleineren Buffer im Handheld-Modus können feine Details am Ende trotzdem etwas anders aussehen als auf PlayStation 5 oder PC. Genau diesen Unterschied konnten wir während unserer Spielzeit ebenfalls erkennen.

An anderer Stelle musste Shift Up dagegen sehr wohl optimieren. Eine der größten Herausforderungen war der Arbeitsspeicher der „Switch 2“. Vor allem Texturen mussten entsprechend angepasst werden. Dabei benötigen die Umgebungen und Landschaften laut den Entwicklern mehr Aufmerksamkeit als die Charaktere.

„Zum Beispiel benötigen Charaktere weniger Speicher und weniger Anpassungen, während Umgebung und Landschaft mehr benötigen. Wir wollten den Speicherverbrauch gleichmäßig auf einem sehr stabilen Niveau halten. Das war eine Anpassung, die vorgenommen werden musste und an der wir gearbeitet haben“, erklärt CTO DongKi Lee.

Dass gerade die Charaktere möglichst wenig Federn lassen sollten, erscheint bei Stellar Blade durchaus nachvollziehbar. Eve und ihre zahlreichen Outfits gehören schließlich zu den auffälligsten visuellen Merkmalen des Spiels.

Insgesamt kann sich das Ergebnis nach unserem ersten Eindruck wirklich sehen lassen. Natürlich erkennt und spürt man Unterschiede gegenüber der PS5-Version. Wer beide Fassungen direkt nebeneinanderstellt, wird auf „Switch 2“ Abstriche bei Bildqualität und teilweise Performance entdecken. Berücksichtigt man allerdings die schwächere Hardware und vor allem die Tatsache, dass wir Stellar Blade hier vollständig mobil spielen konnten, ist die Umsetzung bislang durchaus beeindruckend.

Shift Up musste mehr als nur die Grafik anpassen

Interessant war für uns außerdem, ob Shift Up von seiner Vergangenheit mit Mobile-Titeln wie Goddess of Victory: Nikke profitieren konnte. Eine direkte technische Verbindung gibt es laut dem Studio nicht, schließlich basieren beide Spiele auf unterschiedlichen Engines. Die jeweiligen Teams tauschen sich bei Themen wie Optimierung und Problemlösung allerdings untereinander aus.

„Die Entwicklerteams der einzelnen Titel tauschen sich in Bezug auf Optimierung und Problemlösung aktiv über ihre Erfahrungen und Meinungen zu diesem Thema aus“, erklärt man uns.

Die Portierung beschränkt sich zudem nicht einfach darauf, Grafikoptionen herunterzuschrauben. Shift Up musste Stellar Blade an die Eigenheiten der Nintendo-Hardware anpassen. Ein überraschend simples Beispiel dafür ist das HUD: Wechselt man vom Fernseher auf den wesentlich kleineren Bildschirm der Switch 2, muss auch die Darstellung der Texte entsprechend reagieren.

„Wenn man das Spiel also im Dock-Modus spielt und dann in den Handheld-Modus wechselt, ändert sich die Textgröße, weil der Bildschirm kleiner ist“, so CTO DongKi Lee.

Auch einige der besonderen Eingabemöglichkeiten der Nintendo-Konsole werden genutzt. So kommt die Bewegungssteuerung unter anderem beim Angeln sowie bei einem weiteren kleinen Schieß-Minispiel zum Einsatz. Es sind keine grundlegenden Veränderungen am Spiel, aber nette Ergänzungen, durch die sich die Portierung etwas stärker nach einer tatsächlich angepassten „Switch 2“-Version anfühlt.

Am wichtigsten blieb Shift Up während der Entwicklung jedoch das eigentliche Gameplay. Kämpfe, Rätsel und Bewegungsabläufe sollten sich auf Switch 2 möglichst genauso gut spielen wie auf den anderen Plattformen: „Wenn man im Handheld-Modus spielt, darf es keine Einschränkungen geben. Es muss reibungslos laufen.“

Gerade bei einem Spiel wie Stellar Blade, bei dem schnelle Reaktionen und präzises Timing eine große Rolle spielen, ist diese Priorisierung nachvollziehbar.

Technisch ambitionierter als erwartet

Bildmaterial: Stellar Blade, Shift Up

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Als der bisherige Rechteinhaber Square Enix die Rechte am Tomb-Raider-Franchise im Mai des Jahres 2022 an die Embracer Group für ca. 300 Millionen US-Dollar verkauft hatte, hatten viele Fans der taffen Archäologin die Reihe schon endgültig an den Nagel gehängt und vorerst für tot erklärt.

Im Zuge der The Game Awards 2025 wurde dann völlig überraschend ein neues Tomb-Raider-Projekt vorgestellt. Dieses hört auf den Namen Tomb Raider: Legacy of Atlantis. Als Entwickler fungiert dieses Mal eine Kombination aus Flying Wild Hog und Crystal Dynamics. Das Publishing übernimmt Amazon Games.

Während der diesjährigen Gamescom konnten wir uns das neueste Abenteuer der wohl berühmtesten Videospiel-Heldin überhaupt endlich genauer ansehen und können euch nun ziemlich sicher verraten, ob man sich auf das neueste Abenteuer von Lara Croft freuen darf und ob der neue Ableger auch alte Tomb-Raider-Veteranen wieder vor den heimischen Bildschirm locken kann.

Eindrucksvolle Präsentation verdeutlicht die neue Ausrichtung des Abenteuers

Da es sich bei Tomb Raider: Legacy of Atlantis im Endeffekt um ein waschechtes Remake des ersten Teils von 1996 handelt, darf man natürlich gespannt sein, wie dieses eigentlich schon recht betagte Abenteuer auch heutzutage noch begeistern soll und kann.

Aber eins kann man mit Sicherheit sagen: Es funktioniert tadellos. Denn Tomb Raider: Legacy of Atlantis ist keine einfache und modernisierte Kopie des Originals, sondern vielmehr eine vollumfängliche Neuinterpretation des Klassikers.

Neben der Grafik selbst wurden sogar die Rätsel-Mechaniken überarbeitet und an die Neuzeit angepasst. Selbst bereits bekannte Rätsel des Originals wurden nun also erweitert, umfangreicher gemacht und bieten teilweise sogar neue Lösungsmöglichkeiten. Man hat jetzt also definitiv mehr Spielraum beim Erkunden und Lösen der zahlreichen Rätsel.

Lara hat nun außerdem die Möglichkeit, mit einem Scanner diverse wichtige Punkte im Level zu scannen und zusätzliche, mal mehr und mal weniger hilfreiche Informationen zu erhalten. Das macht das Erforschen der Abschnitte noch immersiver und interaktiver. Tomb Raider: Legacy of Atlantis ist also deutlich mehr als ein Remake des Originals aus den 90er-Jahren.

Überarbeitetes und angepasstes Kampfsystem orientiert sich am Original

Ein weiterer wichtiger Punkt von Tomb Raider: Legacy of Atlantis ist außerdem das überarbeitete Kampfsystem. Denn die Entwickler setzen beim neuen Ableger der Tomb-Raider-Reihe nicht mehr auf das sehr ballerlastige Kampfsystem der letzten Tomb-Raider-Trilogie aus dem Hause Square Enix. Stattdessen besinnt man sich bei Tomb Raider: Legacy of Atlantis wieder auf das eher bodenständige Kampfsystem und die Stärken der Original-Trilogie.

Im Klartext heißt das, bei Tomb Raider: Legacy of Atlantis wird deutlich weniger geballert als es noch bei der Square-Enix-Trilogie der Fall war. Wie auch schon beim Original muss sich Lara in diesem Teil hauptsächlich gegen tierische Gegner zur Wehr setzen. Dementsprechend wurde das Kampfsystem nun eher in eine Art Akrobatik-Feuergefecht verwandelt. Lara hechtet sich also beherzt aus der Angriffslinie des Gegners, um diesen dann anschließend mit Feuersalven zu attackieren. Ganz im Stile des Originals, nur eben jetzt in modern und nochmal eine ganze Ecke cooler und stylischer präsentiert, als das noch 1996 möglich war.

Spielerisch geht Tomb Raider: Legacy of Atlantis also durchaus in eine etwas andere Richtung, als es die Square-Enix-Trilogie tat. Der Fokus liegt sehr viel deutlicher auf der ruhigen Erkundung der Areale und dem Lösen der zahlreichen Rätsel. Die Feuergefechte sind bei diesem Teil also eher Beiwerk und nicht der Hauptfokus. Gerade Fans der älteren Tomb-Raider-Titel könnte dies aber durchaus positiv aufstoßen, denn schließlich orientiert man sich ja sehr viel deutlicher an den Qualitäten der Original-Trilogie.

Optische Präsentation, die ihresgleichen sucht

Speziell die grafische Qualität von Tomb Raider: Legacy of Atlantis muss auf jeden Fall positiv hervorgehoben werden. Dank der Unreal Engine 5 strahlt der Titel förmlich und schafft es gekonnt, eine unheimlich detaillierte Spielwelt zu erschaffen, von der man gar nicht genug bekommen kann.

Das ist allen voran auch den Licht- und Schatteneffekten geschuldet, welche die Spielwelt unglaublich realistisch und ansehnlich wirken lassen. Aber auch die absolut geschmeidigen Animationen von Lara selbst können begeistern und obendrauf gibt es einen gewohnt hochwertigen Soundtrack und knackige Soundeffekte, welche das technische Gesamtbild gekonnt abrunden.

Tomb Raider: Legacy of Atlantis wird wohl eines der schönsten Spiele werden, die je das Licht der aktuellen Konsolengeneration erblicken dürfen. Denn das noch zu toppen wird auf jeden Fall nicht einfach.

Überarbeitet, modernisiert und verbessert – Lara is back!

Bildmaterial: Tomb Raider: Legacy of Atlantis, Amazon Games, Crystal Dynamics, Flying Wild Hog

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Erst im Dezember des Jahres 2025 war es dann endlich so weit und Capcom gab nach langer Wartezeit und vielen Gerüchten endlich bekannt, dass man die Marke „Mega Man“ wieder mehr ins Rampenlicht rücken und sogar in die Riege der Haupt-IPs aufnehmen möchte.

Noch in derselben Woche kündigte Capcom im Zuge der The Game Awards anschließend das neueste Projekt Mega Man: Dual Override an. Mega Man: Dual Override wird ein völlig neuer Ableger der Reihe, der sich speziell an den Anfängen und den Wurzeln des traditionsreichen Jump-and-Run-Franchise aus dem Hause Capcom orientieren soll.

Im Zuge der Gamescom 2026 konnten wir das neueste Abenteuer des blauen Bombers endlich Probespielen, um euch einen ersten Eindruck zum kommenden Action-Feuerwerk aus dem Hause Capcom liefern zu können. Ob sich die Warterei lohnt oder ob man Mega Man vielleicht doch besser in nostalgischer Erinnerung behalten sollte, erfahrt ihr in unserer Vorschau.

Etwas Moderne darf natürlich schon sein

Die Besonderheit von Mega Man: Dual Override ist zweifelsohne die Tatsache, dass es dem japanischen Entwickler und Publisher Capcom bei diesem Titel unglaublich gut gelingt, die Wurzeln der Mega-Man-Reihe mit diversen Gameplay-Elementen aus der Moderne zu verbinden und zu kreuzen.

Hardcore-Fans sind ja stets skeptisch, wenn es um Anpassungen oder Eingeständnisse ihres, mittlerweile doch recht betagten, Franchise geht. Im Falle von Mega Man: Dual Override kann man diese Angst jedoch als absolut unbegründet bezeichnen.

Mega Man: Dual Override spielte sich während unserer rund 30-minütigen Testsession im Grunde genommen wie eine schönere und etwas modernere Variante der alten Mega-Man-Ableger. Natürlich sind die Level nun deutlich aufregender gestaltet und die Hürden, die wir überwinden müssen, noch eine Ecke umfangreicher. Im Kern spürte man aber zu jeder Sekunde die DNA der Reihe und das war einfach wundervoll. Dennoch hatte man zu keiner Sekunde das Gefühl, ein veraltetes Gameplay-Konzept vor sich zu haben. Mega Man ist eben doch irgendwie zeitlos.

Neben den, aus vergangenen Teilen, bekannten Upgrades wie beispielsweise einer Art Tornado-Angriff, hatte man in der Demo außerdem die Möglichkeit, Mega Man in eine Art Power-Modus zu versetzen. Hier nahm unser blauer Held dann weniger Schaden und unsere Angriffe waren noch stärker. Dieser Power-Modus war allerdings nur eine kurze Zeit lang nutzbar, bis dieser sich erst erneut aufladen musste. Taktisch also ein durchaus effektives Mittel, welches allerdings zur richtigen Zeit und am richtigen Ort eingesetzt werden will.

Die schweißtreibenden Bosskämpfe sind immer noch knackig

Ein Highlight, wie es für die Mega-Man-Reihe üblich ist, sind auch hier wieder die ausufernden und extrem anstrengenden Bosskämpfe. Äußerst anspruchsvoll und nur seltenst verzeihend, treiben einem diese Boss-Begegnungen regelmäßig den Schweiß auf die Stirn. Hier muss man seine Konzentration wirklich zusammensammeln und alles geben, um am Ende siegreich aus den Kämpfen zu gehen.

In der Demo konnte man drei unterschiedliche Bosskämpfe spielen, die durchaus fordernd, aber nach einigen Versuchen definitiv machbar waren. Dem Power-Modus sei Dank konnte man sich hier oft den entscheidenden Vorteil sichern und siegreich aus den Duellen gehen.

Unterschiedliche Chip-Sets ermöglichen unterschiedliche Spielstile

Bevor man ein Level betritt, gibt einem das Spiel die Möglichkeit, aus drei unterschiedlichen Chip-Sets auszuwählen. Beim ersten Chip handelt es sich um den passiven Chip. Dieser erzeugt eine schützende Barriere gegen feindliche Angriffe und bietet außerdem einen nützlichen E-Tank, welchen wir zur Heilung unseres blauen Helden benötigen.

Der zweite Chip ist für den aggressiveren Spielstil gedacht. Denn dieser sorgt dafür, dass Mega Man die aufgeladenen Schüsse automatisch auflädt und wir sozusagen nur noch den Abschuss bestätigen müssen. Man spart sich quasi das manuelle Aufladen der Schüsse. Außerdem haben wir die Möglichkeit, doppelt aufgeladene, sogenannte „double charge shots“, zu verwenden.

Beim dritten Chip wartet dann sogar eine kleine Überraschung auf viele Hardcore-Fans. Denn dieser Chip ist dafür da, die zusätzlichen Hilfen abzuschalten und das Spiel in eine klassischere, noch schwerere Richtung zu drehen. Dafür steht uns hier dann ein altbekannter Begleiter zur Seite. Kein Geringerer als der Robohund „Rush“. Je nach gewähltem Chip-Set ändert sich das Spielgefühl also teils drastisch. Ein wirklich toller Ansatz, der für den ein oder anderen Spieler vielleicht sogar mehrere Spieldurchgänge rechtfertigen wird.

Der blaue Bomber ist endlich zurück auf der großen Bühne

Bildmaterial: Mega Man: Dual Override, Capcom

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Die mitreißende Atmosphäre, die zum damaligen Zeitpunkt tolle Grafik und die beklemmende Soundkulisse schafften es gekonnt, ein äußerst atmosphärisches Shooter-Spektakel auf die heimischen Bildschirme zu zaubern. Der erste Teil der Reihe – Turok: Dinosaur Hunter – erschien damals im Jahre 1997 für Nintendo 64 und PC.

Mit unzähligen weiteren Ablegern und dem ein oder anderen Spin-off konnte sich die Turok-Reihe relativ lange auf der großen Bühne der Gaming-Welt halten. Mit „Turok“ aus dem Jahre 2008 fand die Reihe dann allerdings ihr vorzeitiges Ende und im Anschluss folgte lediglich das kleinere Projekt „Turok: Escape from Lost Valley“ und das ein oder andere Remaster alter Turok-Ableger.

Erst im Dezember 2024 wurde dann überraschend angekündigt, dass sich ein vom US-amerikanischen Entwickler und Publisher Saber Interactive entwickelter neuer Turok-Ableger in Arbeit befindet. Dieser neue Teil der Reihe hört auf den Namen Turok: Origins und soll als Reboot der Turok-Reihe fungieren.

Im Zuge der diesjährigen Gamescom hatten wir die Möglichkeit, den Titel ausgiebig anzuspielen und berichten euch nun, ob man sich auf die Rückkehr des Dino-Action-Spektakels freuen darf und was den neuesten Ableger der Reihe so besonders macht.

Das Schicksal der Menschheit steht mal wieder auf dem Spiel

In Turok: Origins übernehmen wir die Rolle eines futuristischen Kriegers, welcher sich der bedrohlichen Alienrasse „Xenia“ erwehren muss. Die Xenia sind eine reptilienähnliche Rasse, die den Menschen feindlich gesinnt ist.

In erbitterten Schlachten quer durch die Galaxis muss sich die menschliche Spezies gegen diese Reptilien zur Wehr setzen, denn am Ende des Tages geht es um nichts Geringeres als das Überleben und Fortbestehen der gesamten Menschheit.

Drei Klassen mit drei unterschiedlichen Spielstilen stehen zur Auswahl

Zu Beginn eines Spiels haben wir die Wahl zwischen drei unterschiedlichen Charakterklassen. Dem Puma, dem Bison und dem Raben. Jede Klasse kann auf eine andere Bewaffnung und andere Spezialmanöver zurückgreifen. Taktische Abstimmung ist hier auf jeden Fall möglich und auch bitter nötig, um siegreich aus der hektischen Ballerei zu gehen.

Entscheidet man sich beispielsweise für die Bison-Klasse, haben wir die Möglichkeit, eine schützende Barriere zu erzeugen, um uns und unsere Mitspieler vor den gegnerischen Angriffen zu schützen. Die Raben-Klasse hat zum Beispiel die Möglichkeit, Feuerbälle auf die heranstürmenden Gegner zu feuern.

Jede Klasse bietet also Vor- und Nachteile und kann je nach eigenen Vorlieben mal mehr und mal weniger effektiv eingesetzt werden. Hier muss man sich an den jeweils eigenen Spielstil herantasten, um den bestmöglichen Effekt aus der jeweils gewählten Klasse herauszuholen und den für sich optimalen Spielstil zu finden.

Jede Klasse hat außerdem die Möglichkeit einen Scanner zu nutzen. Dieser Scanner zeigt uns die unterschiedlichen Schwachstellen der Gegner an. Konzentriert man sich im Kampf auf ebendiese Schwachstellen, gehen die Gegner schnell und effektiver zu Boden. Ein wichtiges taktisches Element, auf welches man auf jeden Fall großen Wert legen sollte.

Hat man den Bossgegner eines Areals besiegt, hat man außerdem die Möglichkeit, dessen DNA und damit die sogenannten „EchoSyncs“ zu erhalten. Mit diesen Punkten haben wir nun die Möglichkeit neue Fähigkeiten freizuschalten und unsere Klasse noch weiter auszubauen und an die eigenen Wünsche anzupassen.

Die Dino-Ballerorgie macht wirklich Spaß

Auf den ersten Blick wirkt Turok: Origins vielleicht wie ein weiterer Shooter mit Turok-Lizenz. Ich kann allerdings getrost sagen: Das Spiel macht wirklich Spaß. Vor allem, wenn man seinen Flow erstmal gefunden hat, fliegt man regelrecht durch die Gegnermassen und fühlt sich teils schon fast unbesiegbar. Ganz Turok-like eben.

Die unterschiedlichen Spielstile wollen natürlich zuerst beherrscht und verstanden werden. Hat man den Dreh aber erstmal raus, gibt es gefühlt kein Halten mehr und das Spaß-Level steigt recht schnell in höhere Ebenen.

Lineare Spielwelt mit der ein oder anderen Erkundungsmöglichkeit

Die Spielwelt beziehungsweise die Levelabschnitte von Turok: Origins fallen dabei recht linear und eher schlauchig aus. Man ballert sich von Areal zu Areal, bekämpft dabei etliche Wellen von Gegnern und steht am Ende immer einem größeren Boss gegenüber, den es zu erledigen gilt.

Hier und da kann man auch mal vom eigentlichen Pfad abweichen, um sich etwas im Areal umzusehen und das ein oder andere Geheimnis zu erhaschen. Im Großen und Ganzen bleibt Turok: Origins allerdings ein recht lineares Erlebnis.

Die unterschiedlichen Nebenaufgaben sind zwar durchaus nett, lenken im Endeffekt aber nur minimal vom eigentlichen Geschehen ab und dienen wohl eher als kleine Auflockerung.

Erst im Mehrspielermodus so richtig spaßig und fetzig

Turok: Origins ist eines dieser Spiele, die tatsächlich erst im Mehrspielermodus so richtig aufblühen. Denn mit bis zu drei Spielern im Koop-Modus kann man sich mit den unterschiedlichen auswählbaren Klassen wunderbar ergänzen und taktisch abstimmen. Dann macht die eigentlich recht stumpfe Ballerei gleich noch mehr Spaß.

Auf Wunsch kann man das gesamte Abenteuer aber natürlich auch im Solo-Modus komplett alleine erleben. Wahrscheinlich liegt dies nicht im Sinne der Entwickler, aber es ist durchaus angenehm zu wissen, dass man das neueste Turok-Abenteuer auf Wunsch auch solo durchspielen kann.

Verschiedene Perspektiven für unterschiedliche Geschmäcker

Eine Besonderheit von Turok: Origins ist die Tatsache, dass man das Spiel wahlweise in der First-Person-Perspektive, wie einen klassischen Shooter, oder aber in der Third-Person-Perspektive spielen kann. Je nach eigenen Vorlieben lässt sich die Perspektive jederzeit nahtlos im Spiel hin- und herschalten. Wirklich sehr löblich und auch sehr ordentlich umgesetzt.

Die härteste Dino-Ballerei der Gaming-Welt ist zurück

Bildmaterial: Turok: Origins, Saber Interactive, Universal Products & Experiences

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