Das Spiel erschien 2013 auch auf PlayStation Vita und erhielt einige DLCs, welche neue Charaktere hinzugefügt haben. Nun erscheint der Titel als Remaster für aktuelle Plattformen – und wir durften uns die Neuauflage des Spieles vorab anschauen! Dafür hat uns Marvelous zu einer Anspielsession nach Paris eingeladen.

Ein Klassiker, erstmalig auf PC

Im Rahmen der Anspielsession dieses Klassikers durfte ich mich zwischen den beiden originalen Standardcharakteren Momohime und Kisuke entscheiden. Im finalen Spiel werdet ihr die Wahl aus insgesamt sechs verschiedenen Charakteren haben. Diese unterscheiden sich im Spielstil, der Story, dem Ort, wo die Story beginnt, und welche Bosse man trifft. Es lohnt sich also auf jeden Fall, alle Charaktere zu spielen!

Ich hatte mich beim Anspielen für Momohime entschieden. Muramasa habe ich damals auf der PlayStation Vita mal angespielt – aber bin irgendwie damals nicht drangeblieben. Nach meiner Session nun völlig irritierend. Der Titel wirft euch erst einmal ohne großes Story-Blabla in das Geschehen und lässt euch einige Gegner bekämpfen, bevor es etwas Story gibt.

Erst vor dem ersten Boss gibt es so wirklich eine Erklärung dafür, was los ist. Mein größter Fehler beim Anspielen: Ich hatte den normalen Schwierigkeitsgrad gewählt. Deswegen war gefühlt das Spiel für mich ein wenig zu einfach – beide Bosse, die ich bekämpfen durfte, waren sehr leicht durch bloßes Draufhauen besiegt.

Wer Muramasa gar nicht kennt: In diesem Hack-’n’-Slash-Abenteuer könnt ihr drei Schwerter ausrüsten und auf Knopfdruck zwischen ihnen wechseln. Sie unterscheiden sich in der Größe und somit in der Angriffsgeschwindigkeit und Stärke. Außerdem hat jedes der hunderten (!) erhaltbaren Schwerter eigene Vorteile und Spezialangriffe. Um diese zu nutzen, muss die Seelenleiste gefüllt sein.

Das heißt also, ihr könnt eure speziellen Angriffe nicht einfach so spammen. In der Anspielsession habe ich ein Schwert erhalten, welches zwei Elektro-Bälle um mich formte. Gefühlt das stärkste Schwert zu dem Zeitpunkt, da es die Lebensleisten der Bosse wegrasierte und größere Gegner-Mengen in Schach hielt.

Nicht nur die Schwerter sind scharf – die Zeichnungen ebenfalls!

In den gespielten 60 Minuten konnte ich schon einen guten Einblick bekommen, wie riesig Muramasa wohl ist. Es gibt so viele Wege, die ihr abseits der Hauptgeschichte betreten und erkunden könnt. Dies wird mit Ausrüstungsgegenständen belohnt oder mit Geld und Heil-Items. Außerdem erhaltet ihr dadurch Gegenstände, um neue Schwerter zu schmieden.

Der namensgebende Schmied Muramasa kann euch jederzeit neue Waffen machen. Vorausgesetzt, ihr habt ausreichend Seelen gesammelt und ausreichend Materialien gefunden. Doch genug vom Spiel selbst – ins Detail gehen wir dann bei unserem Review im Februar! Bei dem frühen Anspielen hatte mich vor allem die Optik und die komplett neue, englische Synchronisation interessiert.

Und was für ein schönes Spiel! Die Optik ist scharf und funktioniert wundervoll in 4K. Die Charaktere und Gegner sehen knackig scharf aus, die Bewegungen sind super animiert. Bei einem 2D-Sidescroller ist einer der wichtigsten Punkte für mich persönlich der Hintergrund. Der war schon in den ursprünglichen Versionen ein Highlight, aber natürlich nicht so hochauflösend und dementsprechend unscharf.

Im Remaster, Muramasa: Revenant Blades, sieht er einfach wunderschön aus. An einer Stelle mit Reisfeldern war mein erster Gedanke, dass ich mir gern mehr scharfe Details gewünscht hätte. Doch das würde den Fokus vom Vordergrund nehmen und somit ergibt sich außerdem das Bild einer Gemälde-Landschaft. Dies ist das Resultat von mühevoller Handarbeit. Denn laut Marvelous-Repräsentant wurden die Hintergründe nicht einfach durch eine Upscaling-KI gejagt und dann die Hände in den Schoß gelegt.

Die Gegenden, die ich bisher sehen konnte, waren auch schon einmal recht abwechslungsreich. Von einem dunklen Wald über einen stürmischen Strand bis hin zu einer klassischen japanischen Stadt in der Nacht. Eine Sache fiel mir aber bei dem letzten Gebiet auf: Der Bildausschnitt fühlt sich manchmal ein wenig zu klein an auf dem möglicherweise großen Bildschirm.

Im Waldgebiet und am Strand sowie in den Reisfeldern fiel das nicht so auf. Wenn man dann aber mehrere Ebenen in dem klassischen Dorf hat, über die man springen muss, dann wäre ein größerer Ausschnitt hilfreich. Eventuell ist das aber auch nur ein Meckern auf hohem Niveau meinerseits und etwas, das gar kein Gedanke für die meisten Leute ist.

Neue Sprachausgabe auf hohem Niveau

Die japanische Sprachausgabe in Muramasa passt aufgrund des Settings natürlich sehr gut und trägt zur Atmosphäre bei. Marvelous hat sich aber nicht lumpen lassen und bringt als neue Option eine komplette englische Sprachausgabe mit. Was mich freut und sicherlich auch das mögliche Budget zum Grund hat: Die Sprechenden sind nicht unbedingt super bekannte Synchronschauspielende, welche man gefühlt in jedem AAA-Game hört.

Momohime wird in der Neuauflage zum Beispiel von Alice Himora gesprochen. Sie hatte bisher noch keine wirklich „großen“ Rollen in Videospielen. Die wohl größte Rolle ist Robin aus Honkai: Star Rail, auch in Zenless Zone Zero konnte sie einen der Launch-Charaktere sprechen. Und ich bin wirklich begeistert! Sie spricht Momohime sehr gut, die Stimmlagen passen gut zu dem Charakter.

Die hübsche Yuzuruha, eine unterstützende Kitsune, wird von Amber Lee Connors gesprochen. Hierbei handelt es sich dann schon wieder um eine etwas größere Nummer, die aus zahlreichen Spielen bekannt ist. Sie war kürzlich als Loretta in Fire Emblem: Fortune’s Weave oder Remielle in Zenless Zone Zero zu hören.

Der andere Hauptcharakter, Kisuke, wird von Khoi Dao gesprochen. Ihn hat man bisher eher in Anime gehört oder als Nebencharakter in Spielen wie Fire Emblem Engage und Albedo in Genshin Impact. Ihn habe ich in meiner Session nicht hören können, da wir uns nur für einen der beiden Charaktere entscheiden durften.

Abseits der Hauptfiguren sind alle NPCs vertont. Das gefällt mir persönlich immer sehr gut – man hätte ja diese „unbedeutenden“ Gespräche einfach unvertont lassen können. Und auch hier hatte ich kein Gespräch, wo ich mir dachte: „Das war jetzt aber von schlechter Qualität!“ Marvelous hat sich also hier konzentriert, an allen Ecken mit hoher Qualität zu arbeiten.

Doch nicht nur optisch gab es Änderungen. Die Kämpfe selbst laufen größtenteils wie früher ab. Aber euch werden neue Möglichkeiten an die Schwerthand gegeben. Im Original waren Skills an Waffen gebunden und ihr konntet die Skills nicht ändern. In der neuen Auflage könnt ihr die Spezialangriffe meistern und anschließend mit anderen Waffen verwenden. Aktivieren könnt ihr sie durch verschiedene Tastenkombinationen.

Ihr könnt also künftig eure Spielerfahrung komplett selbst gestalten – und sicherlich brutale Kombinationen finden. Dabei könnt ihr unterschiedliche Skills für den Kampf am Boden oder in der Luft ausrüsten. Einen komplett eigenen und einzigartigen Spielstil habe ich in der Demo nun noch nicht erschaffen können, aber ich sehe die Möglichkeiten und die Vision. Gern würde ich noch mehr auf Gameplay-Details und Unterschiede zum Original eingehen … doch die Anspielzeit war einfach zu kurz, um genauer ins Detail zu schauen.

Eine großartige Neuauflage steht bevor

60 Minuten sind bei einem Spiel wie Muramasa keine große Spielzeit. Ich hatte nicht wirklich Zeit viel zu erkunden, aber hatte trotzdem meine Freude. Die Kämpfe sehen stylisch aus, der Soundtrack ist gut und visuell bietet der Titel eine wundervolle 2D-Optik. Die Schwerter spielen sich erstaunlich unterschiedlich und die Gegner-Designs sind wundervoll kreativ. Bei den bisherigen Muramasa-Versionen handelte es sich immer um kleine Geheimtipps auf Konsolen, auf denen sie nicht so aufblühen konnten.

Doch durch den Release auf aktuellen Plattformen und erstmalig auch auf PC kann nun jede Person in den Genuss dieses tollen Klassikers kommen. Abseits von der tollen überarbeiteten Optik gibt es nun komplett neu eine Galerie mit zahlreichen Illustrationen, einen Charakter-Viewer, in welchem ihr die Animationen der Figuren anschauen könnt, und einen Classic Mode, welcher die originale Erfahrung der Vita-Version bietet. Wer also ein aufgehübschtes Spielerlebnis haben will, aber die Gameplay-Neuerungen nicht möchte, kann sich hier reinstürzen.

Wer auf stylische Action und beeindruckende 2D-Optik steht, der sollte sich den 4. Februar im Kalender ankreuzen. Denn dann erscheint Muramasa: Revenant Blades auf Nintendo Switch, Nintendo Switch 2, PlayStation 5 und PC. Ich persönlich freue mich darauf, zahlreiche Stunden in der Welt des Klassikers zu versenken. Vielleicht bekommen wir dann bald noch mehr Neuauflagen diverser Vanillaware-Spiele!

Transparenz: Die Reise und der Aufenthalt beim Anspielevent in Paris wurden dem Autor gesponsert. Bildmaterial: Muramasa: Revenant Blades, Marvelous, Vanillaware

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Gerade die Insel erwachte mit Wii Sports Resort so richtig zum Leben und dürfte bis heute einen festen Platz in den Herzen vieler Fans haben. Mit ihr verbinden wahrscheinlich nicht wenige inzwischen eine ordentliche Portion Nostalgie – mich eingeschlossen.

Genau daran möchte Nintendo mit Nintendo Switch Sports Resort anknüpfen. Gleichzeitig handelt es sich um den ersten Sports-Ableger für die Nintendo Switch 2. Und ein kleines Comeback könnte die Reihe durchaus gebrauchen. Sowohl Wii Sports Club für Wii U als auch Nintendo Switch Sports wurden von Teilen der Fangemeinde immer wieder als vergleichsweise seelenlose Ableger mit sehr wenig Content bezeichnet.

Entsprechend scheint sich die riesige Vorfreude auf den neuen Teil bislang noch in Grenzen zu halten. Zumal knapp zwei Wochen später mit dem Remake von The Legend of Zelda: Ocarina of Time bereits der nächste große Nintendo-Titel wartet.

20 Jahre nach Wii Sports setzt Nintendo also auch auf Nostalgie. Nintendo Switch Sports Resort nutzt die Joy-Con 2 und bietet insgesamt zwölf Sportarten. Mit Daumenringen und Skateboarden sind darunter auch zwei komplett neue Disziplinen.

Auf der diesjährigen Gamescom konnten wir bereits mehrere Sportarten ausprobieren, die bislang noch nicht für alle zugänglich waren. Und natürlich haben wir dabei auch Wuhu Island einen Besuch abgestattet.

Zwölf Sportarten und jede Menge Bewegung

Bei den zwölf Sportarten setzt Nintendo auf eine Mischung aus alten Bekannten und einigen neuen Ideen. Klassiker wie Bogenschießen oder Wasserscooter spielen sich dabei ziemlich genau so, wie man es von früher in Erinnerung hat. Natürlich profitieren sie von der deutlich verbesserten Bewegungssteuerung der Joy-Con 2, die auch diesmal wieder ein elementarer Bestandteil des Spiels ist.

Ähnlich verhält es sich mit Tischtennis, Tennis und Golf. Gleichzeitig feiern mehrere Disziplinen aus Wii Sports und Wii Sports Resort ihr Comeback. Dazu zählen unter anderem Boxen, Bogenschießen, Basketball, Wasserscooter und Propellerflugzeug. Aus Nintendo Switch Sports kehrt wiederum Volleyball zurück.

Ein paar komplett neue Sportarten gibt es ebenfalls. Dazu gehören Daumenringen und Skateboarden. Gerade hier hätte es meiner Meinung nach aber ruhig noch etwas mehr sein dürfen. Bei insgesamt zwölf Disziplinen fallen lediglich zwei vollkommen neue Sportarten doch etwas mager aus.

Eine große Stärke der Reihe hat Nintendo dafür erneut getroffen: die intuitive Steuerung. Gefühlt braucht es bei jeder Sportart vielleicht 20 Sekunden, bis es plötzlich „Klick“ macht und man verstanden hat, was zu tun ist. Genau diese Zugänglichkeit zeichnete schon die Vorgänger aus und funktioniert auch hier wieder hervorragend.

Moment mal, ist das wirklich Wuhu Island?

Während unserer Anspiel-Session bekamen wir außerdem die Gelegenheit, Wuhu Island etwas genauer unter die Lupe zu nehmen. Unter anderem lässt sich die Insel mit dem Propellerflugzeug aus der Luft und beim Skateboarden vom Boden aus erkunden.

Unser erster Gedanke fiel dabei allerdings etwas überraschend aus: Sind wir hier wirklich auf Wuhu Island?

Nintendo hat die bekannte Insel nämlich gehörig umgebaut. Wer die ursprüngliche Version noch genau im Kopf hat, wird sich deshalb erst einmal neu orientieren müssen. Das kratzt vielleicht ein kleines bisschen am Nostalgiefaktor, sorgt gleichzeitig aber dafür, dass sich Wuhu Island nicht einfach wie eine unveränderte Kopie von damals anfühlt. Vieles ist vertraut und trotzdem gibt es Neues zu entdecken.

Wie bereits in Wii Sports Resort können wir in diesen vergleichsweise freien Modi die Insel erkunden und verschiedene Points of Interest beziehungsweise die bekannten Ausrufezeichen-Punkte entdecken. Und tatsächlich macht es auch heute noch erstaunlich viel Spaß, einfach loszuziehen und zu schauen, was sich auf der Insel finden lässt.

Endlich fast zu Fuß über die Insel

Besonders interessant ist dabei der komplett neue Skateboard-Modus. Dadurch lässt sich Wuhu Island noch einmal aus einer ganz anderen Perspektive erleben. Das hat während unserer Session durchaus Spaß gemacht, auch wenn sich präzisere Manöver auf dem Skateboard noch etwas fummelig anfühlten.

Für mich erfüllt Nintendo damit gleichzeitig zumindest ein Stück weit einen alten Wunsch. Schon zu Zeiten von Wii Sports Resort wollte ich unbedingt einen freien Modus haben, in dem ich Wuhu Island quasi zu Fuß erkunden kann. Ganz so weit geht Nintendo zwar auch diesmal nicht, mit dem Skateboard bekommen wir diesen Wunsch über Umwege aber zumindest teilweise erfüllt.

Gerade diese offenen Modi gehörten für mich schon damals zu den größten Highlights von Wii Sports Resort. Ich konnte viel Zeit damit verbringen, einfach über die Insel zu fliegen und neue Orte zu entdecken. Nach unserer ersten Session könnte das auch bei Nintendo Switch Sports Resort wieder ganz ähnlich aussehen.

Ein bisschen wie 2009

Bildmaterial: Nintendo Switch Sports Resort, Nintendo

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Titel	Dynasty Warriors 3: Complete Edition Remastered
	01. Oktober 2026
	KOEI TECMO GAMES CO., LTD.
	01. Oktober 2026
	KOEI TECMO GAMES CO., LTD.
	01. Oktober 2026
	KOEI TECMO GAMES CO., LTD.
System	PlayStation 5, Xbox Series, Nintendo Switch 2, PC
Getestet für	PC (Steam)
Versionsnummer	24984920 (Build-ID)
Entwickler	Omega Force
Genres	Musou
Texte
Vertonung

Dass ein Dynasty-Warriors-Spiel einmal in meinen persönlichen Top 3 des Jahres landen würde, hätte ich lange Zeit nicht für möglich gehalten. Dynasty Warriors: Origins hat es 2025 jedoch tatsächlich geschafft, mich mit seinem dynamischen Kampfsystem, den gewaltigen Schlachten und seinem Suchtfaktor absolut zu begeistern. Daher war ich auf Dynasty Warriors 3: Complete Edition Remastered natürlich sehr gespannt, auch wenn ich das Original von 2001 selbst nie gespielt habe.

Ich bin erst etwas später zur wohl beliebtesten Musou-Reihe gestoßen, aber der Einfluss von Dynasty Warriors 3 soll mit Abstand am prägendsten gewesen sein. Daher wollte ich nach dem großartigen Origins unbedingt wissen, wie sich einer DER Klassiker der Reihe heute spielt. Kann mich die großzügig überarbeitete Fassung genauso mitreißen wie der neueste Teil? Oder zeigen sich trotz neuer Technik und zusätzlicher Mechaniken noch immer die PlayStation-2-Wurzeln?

Mal was anderes?

Die Handlung von Dynasty Warriors 3 folgt dem mittlerweile zum dutzendsten Mal durchgekauten Three-Kingdoms-Epos. Drei große Fraktionen kämpfen mit ihren eigenen Helden, Motivationen und Intrigen um die Vorherrschaft in China. Der sogenannte Musou-Modus erzählt dabei die Geschichten der einzelnen Offiziere in den typischen kurzen Sequenzen zwischen den einzelnen Missionen.

Trotz der vielen Filmchen und der zusätzlichen Szenarien aus der Xtreme-Legends-Erweiterung bildet sich dennoch kein so richtig rundes Bild. Hier zeigt sich nämlich das Alter des Originals am stärksten. Immerhin ist es schon 25 Jahre alt und stammt aus den Anfängen der PlayStation-2-Ära. Daher fehlt es der Handlung an Tiefgang, Kohärenz und einem passenden Ton.

Hilfreich ist auch nicht, dass diese Geschichte in der Zwischenzeit von dutzenden Spielen deutlich besser erzählt wurde. Fans des Originals werden den nostalgischen Charme aber trotzdem zu schätzen wissen, denn hier geht es weniger um Pathos als um eine ordentliche Menge Humor. Die fast ausschließlich unfreiwillig komische englische Synchronisation sorgt für viel Spaß und oft auch für lautes Aufschreien. Da ich das Original nicht kannte, war das wohl die größte Überraschung für mich.

Jedes Mal, wenn ein neuer Charakter vorgestellt wurde oder das Schlachtfeld verließ, gab es eine kurze Sequenz, die von den Sprechern mit vollem Elan vorgetragen wurde und immer für einen Lacher gut war. Das Remaster bietet natürlich auch die originale japanische und die thematisch passende chinesische Synchronisation zur Auswahl. Die unfreiwillig humorvolle Vertonung aus den frühen 2000er-Jahren ist mittlerweile jedoch Gold wert, und darauf sollte man keinesfalls verzichten.

Unreale Engine

Eine optische Auffrischungskur gehört zu einem Remaster natürlich dazu. In diesem Fall wurde das Spiel vollständig in der Unreal Engine 5 überarbeitet. Matschige Texturen, Kantenflimmern und detailarme Charaktermodelle gehören somit der Vergangenheit an. Es ist durchaus beeindruckend, was das Team aus dem Grundgerüst von 2001 gemacht hat.

Technisch sind alle modernen Spielereien mit dabei. 4K-Auflösung, HDR-Unterstützung und die Kompatibilität mit Ultrawide-Monitoren gehören zum Gesamtpaket. Partikeleffekte, Schattenwurf und Beleuchtung befinden sich auf einem guten Niveau. Doch wie so oft bei rein optisch überarbeiteten Spielen lässt sich das Alter des Originals trotz aller modernen Technik nicht vollständig verbergen.

Das zeigt sich besonders beim eher kargen Design der großflächigen Schlachtfelder, bei den Kanonenfutter-Gegnern und den Animationen. Trotz der optischen Überarbeitung und vieler kleiner Neuerungen vergisst man zu keiner Zeit, dass es sich hier im Kern um ein PlayStation-2-Spiel handelt. Das wird im direkten Vergleich mit dem erwartungsgemäß in nahezu allen Belangen stärkeren Dynasty Warriors: Origins besonders deutlich.

Dadurch fällt es mir sehr schwer, Dynasty Warriors 3: Complete Edition Remastered denjenigen zu empfehlen, die bislang nur wenige Berührungspunkte mit der Musou-Reihe hatten.

Clunky

Das Gameplay ist leider ebenfalls ein großer Schwachpunkt des Remasters. Trotz aller Modernisierungen fühlt es sich überraschend schwerfällig an. Die Bewegungen wirken träge, die Kamera hängt manchmal hinterher und die Kollisionen zwischen und mit den Hunderten von Gegnern führen zu seltsamen Physikmomenten. Wirklich viel Abwechslung bietet letztlich nur der Charakterwechsel, denn die einzelnen Movesets der Charaktere halten sich stark in Grenzen und sorgen für ein ziemlich repetitives Spielgefühl.

Trotz neu eingebauter Mechaniken wie der Möglichkeit, gegnerischen Angriffen auszuweichen oder sie zu parieren, gelingt es dem Spiel nicht, dieselbe Dynamik aufzubauen wie das moderne Dynasty Warriors: Origins. Auch Konter, die im perfekten Timing nach diesen Mechaniken ausgeführt werden können, ändern daran nur wenig. Das ist zwar nicht überraschend, kratzt aber dennoch am Spielspaß.

Selbst die als Kanonenfutter dienenden Gegnerhorden verfügen über überraschend viel Lebensenergie und eine durchaus aggressive KI. Hier ist so viel mehr Arbeit nötig, tausende Gegner niederzumetzeln, als in den nachfolgenden Spielen.

Nach etwas Recherche war ich ziemlich überrascht, dass das Original sogar noch einen höheren Schwierigkeitsgrad bot. Erst nachdem sich mein Gehirn an die klobigere Mechanik gewöhnt und ich meine Prioritäten stärker auf das Besiegen der Offiziere und der übermächtigen Bogenschützen gelegt hatte, konnte ich die Missionen beenden, ohne den Game-over-Bildschirm zu sehen. Kaum zu glauben, dass ich das bei einem Musou-Spiel einmal erleben würde.

Waffen ahoi

Eine durchaus sinnvolle neue Mechanik ist das Waffensynthese-System. Im Lagermenü zwischen den einzelnen Missionen kann man nun schwächere Waffen verwenden, um deren Elementarattribute und Fähigkeiten auf eine andere Waffe zu übertragen. Dadurch freut man sich über jede neue Waffe, die man auf dem Schlachtfeld findet, selbst wenn die aktuell ausgerüstete Waffe eigentlich stärker ist. Das hält die Motivation hoch, die Areale zu erkunden und Gegner zu besiegen. Auch wenn das Zeitlimit hier für etwas Stress sorgt.

Um den Puristen jedoch nicht auf die Füße zu treten, bietet Dynasty Warriors 3: Complete Edition Remastered die Möglichkeit, all diese Features einzeln an- und auszuschalten. So kann man das Spielerlebnis ganz individuell an die eigenen Vorlieben anpassen. Wer es einfach und klassisch mag, wählt den Classic-Modus und darf das Original in all seiner klobigen, aber nostalgischen Pracht erleben.

Ich persönlich halte alle Modernisierungen für sinnvoll, da sie für ein deutlich runderes Spielerlebnis sorgen.

Das ist extrem

Wie bereits angedeutet, vereint das Remaster das Basisspiel mit der Xtreme-Legends-Erweiterung. Das bedeutet: über 40 spielbare Offiziere, darunter absolute Fanlieblinge wie Lu Bu und Yuan Shao. Neben dem Story- beziehungsweise Musou-Modus erlaubt der Free Mode, beliebige Offiziere in verschiedenen Szenarien einzusetzen. Dadurch sind auch hypothetische Konstellationen möglich, die im Original noch nicht zur Verfügung standen.

Dazu kommen Klassiker wie der Challenge Mode, Time Attack, der Versus Mode und Assault. Besonders überrascht hat mich die Tatsache, dass das Spiel einen lokalen Koop-Multiplayer bietet. Das ist heutzutage leider eine absolute Seltenheit. Hier kann man sich bei einem 25 Jahre alten Spiel noch immer mit Freunden und Familie auf die Couch setzen, gemeinsam kleine Horden von Feinden oder sich gegenseitig niedermetzeln. Stark!

Fans wird’s freuen

Dynasty Warriors 3: Complete Edition Remastered bietet als Gesamtpaket für 29,99 Euro einen ordentlichen Umfang. Über 40 Offiziere können im Musou-, Free-, Challenge- und Versus-Modus sowie im Splitscreen-Koop eingesetzt werden. Dazu kommen Classic- und Normal-Einstellungen, die Waffensynthese und sämtliche Szenarien. Das Paket richtet sich allerdings eher an Spieler, die das Original bereits kennen. Die altbackenen Menüs, die teils hakeligen Animationen und die fehlende Dynamik haben definitiv das Potenzial, Musou-Neulinge abzuschrecken.

Zum Schluss noch ein paar Worte zur Performance. Eigentlich sollte ein Remaster eines so alten Spiels auf aktuellen Plattformen keinerlei Schwierigkeiten bereiten. Doch diverse Bugs, etwa verschwindende Gegner oder fehlende Audiodateien, sowie eine nicht immer flüssige Performance sorgen für einen etwas getrübten Gesamteindruck.

Auf meinem geliebten Steam Deck läuft das Spiel beispielsweise maximal mit 40 FPS bei mittleren bis niedrigen Grafikeinstellungen. Für ein solches Remaster ist das eine ziemlich schwache Performance. Die Unreal Engine 5 dürfte daran nicht ganz unschuldig sein, da ihr Ruf auch hier mal wieder vorauseilt.

Alte Liebe

Bildmaterial: Dynasty Warriors 3: Complete Edition Remastered, Koei Tecmo, Omega Force

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Titel	Xenoblade Chronicles 2
	30. Juli 2026
	Nintendo
	30. Juli 2026
	Nintendo
	30. Juli 2026
	Nintendo
System	Switch 2
Getestet für	Switch 2
Versionsnummer	3.00
Entwickler	Monolith Soft
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Xenoblade Chronicles 2 – Nintendo Switch 2 Edition ist eine der meisterwarteten Switch 2 Editionen. Es handelt sich dabei um quasi kostenpflichtige Upgrades alter Switch-Spiele mit mal kleineren, mal größeren „Quality of Life“- Verbesserungen und neuen Inhalten.

Mit der „Nintendo Switch 2 Edition“ von Xenoblade Chronicles 2 kündigen Nintendo und Monolithsoft einiges an Verbesserungen an, darunter einen 4K‑Modus mit 60 FPS am TV. Besonders stark sollen die Verbesserungen im Handheldmodus sein: 1080p bei 60 FPS sind mobil angesagt. Der Handheldmodus des 2017 auf der Nintendo Switch erschienenen Spiels war ein Kritikpunkt, da er notorisch schlecht lief.

Dichtere Atmosphäre

Xenoblade Chronicles 2 zeigt ziemlich direkt zu Anfang, wo sie Stärken der Nintendo Switch 2 Edition liegen: Die Feuer- und Raucheffekte des ersten großen Kampfes sind trotz ihres sichtbaren Alters hübsch in Szene gesetzt, auch die überarbeitete Beleuchtung hat durch die Blitzeffekte durchaus starke Momente im ersten epischen Kampf um die „Aegis“ Pyra. Die indirekten Kämpfe des kettenbasierten Kampfsystems wirken durch die 60 FPS auch etwas flüssiger und dynamischer – allerdings brechen sie in hektischen, effektreichen Situationen und aufwendigen Zwischensequenzen gerne mal ein.

Nach etwa zwei Stunden Spielzeit geht es weiter zur Stadt Gormott durch den dicht bewachsenen Dschungel mit atmosphärischen Schatten- und Nebeleffekten, üppiger Vegetation sowie äußerst simplen Lichtspiegelungen im Wasser. Es war der erste Bereich im Spiel, welcher die Switch sichtbar überforderte und die Framerate wiederholt unter 20 FPS zwang. Die Switch 2 Edition schlägt sich hier deutlich besser und liefert durch die höhere Auflösung und kleine Grafikverbesserungen mehr Details, welche die Atmosphäre noch einmal dichter wirken lassen.

Jedoch muss sie die Auflösung in manchen Gebieten des Spiels reduzieren, so auch in diesem. Die Bildskalierung macht ihre Arbeit zwar gut, dennoch gibt es in diesen Situationen sichtbare, ungewöhnliche Bildartefakte, die sich auch die Technik-Experten von Digitalfoundry nur schwer erklären können. Dazu ist in seltenen Fällen das Anti-Aliasing erneut etwas zu aggressiv und feine Details verschwimmen. Im Handheldmodus ist das kaum wahrzunehmen – auf dem 4K TV allerdings schon.

Wirkt fast schon „Retro“ – auch im Positiven

Ein positiver Aspekt sind die Ladezeiten. Xenoblade Chronicles 2 – Nintendo Switch 2 Edition lädt in Sekundenschnelle, wenn man es auf dem internen Speicher installiert. Fast schon beeindruckend für so eine riesige Spielwelt – und toll, dass man auch hieran gedacht hat bei der Optimierung.

Die Xenoblade-Reihe geht zwar gerne ihre eigenen Wege, bleibt aber in vielen Elementen sehr traditionell und legt in der Regel wenig Fokus auf Nebensächliches. Auch Xenoblade Chronicles 2 ist da keine Ausnahme. Dadurch kommt fast schon ein Retro-JRPG-Feeling auf – im positiven wie im negativen Sinne. So charmant es ist, dass die Gegner in Wänden hängen bleiben oder Begleiter enthusiastisch im vollen Lauf die Klippe hinunterspringen, so frustrierend ist es an anderer Stelle.

Spielmechanik-Frust wird leicht abgefedert

Die Schwächen des Spiels, die bereits vor neun Jahren schon angekreidet wurden, sind besonders für Neulinge unangenehm. Beispiel: Xenoblade Chronicles 2 ist in vielen Situationen schmerzhaft textlastig – Nebenmissionen, Tutorials, Erklärungen und selbst Questbelohnungen werden zum Teil unglaublich trocken in Textform präsentiert.

Dazu kommen die Animationen – sie wirken teilweise extrem steif. Das Gacha-System beim Ziehen der Klingen ist im Gegensatz zu modernen Gacha-Spielen pures Glücksspiel ohne jedes Auffangnetz für bereits investierte Ressourcen.

Hier hat man mit der zusätzlichen Klinge Momo, welche man bereits früh im Spiel findet, etwas Abhilfe geschaffen. Mit ihrem Licht-Dunkelheit-Typ lassen sich nun weitere Ketten abseits der bekannten Pyra / Dromarch Feuer-Wasser-Kette ab Kapitel 2 realisieren – auch ohne übermäßiges Glück beim Resonieren der Klingen. Dazu bekommt man in den neuen Söldnerkommando-Missionen weitere Kernkristalle – also weitere Pulls für Klingen.

Die Zufallselemente in der offenen Welt sind ebenfalls etwas altmodisch, aber auch hier hat man angesetzt: Wer zum Beispiel pflanzliche Zutaten sucht, pflückt sich nicht die ganze Pflanze am entsprechenden Ort, sondern tritt an einen leuchtenden Punkt und levelt die „Pflanzenkunde“ seiner Begleiter, um am Ende hoffentlich zufällig die richtigen Zutaten zu erhalten. In der Switch 2 Edition können jetzt auch Begleiter außerhalb des Teams ihre Fähigkeiten anwenden. Im Original wurden nur die Fähigkeiten der Teammitglieder berücksichtigt und es gab keine Möglichkeit, weitere Teams zu erstellen und dynamisch nach Bedarf zu wechseln, wie es heutzutage üblich ist. So war man häufiger damit beschäftigt, das Team umzustellen.

Neu sind die Söldnerkommando-Missionen, in welchen ihr die Kontrolle über die Klingen und ihre Fähigkeiten direkt übernehmen könnt. Im Grunde sind sie damit direkt steuerbare Söldnertruppe-Missionen, welche im Hintergrund automatisch ablaufen. In diesem Modus gilt es, Gegnerwellen zu besiegen und Ressourcen zu sammeln. Zur Belohnung gibt es Gold, Erfahrung, Kernkristalle und Bonus-Kostüme für Pyra und Myrtha.

Ein zeitloses Abenteuer

Glücklicherweise sind die Stärken von Xenoblade Chronicles 2 absolut zeitlos und wissen auch ein knappes Jahrzehnt später noch zu begeistern. Die mitreißende Story mit vielen interessanten Wendungen hat uns auch diesmal wieder gefesselt und die Zeit (und Hitze!) vergessen lassen. Auch die Nebenmissionen rund um Freundschaft, Nachbarschaftshilfe, Gutherzigkeit, Positivität und “Harmoniegespräche” wissen trotz der hölzernen Präsentation nach wie vor zu gefallen.

Der Soundtrack von Xenoblade Chronicles 2 gehörte seinerzeit mit zum Besten, was die Spielebranche zu bieten hatte, und ist auch heute noch top. Die Spielwelt ist ebenfalls großartig. Auch wenn das „Absperren“ von Gebieten durch überlevelte Gegner heute nicht mehr als gelungenes Gamedesign gilt, weiß die lebendige Spielwelt nach wie vor sehr zu gefallen.

Nahezu überall wuseln die Monster im Hintergrund, in den Städten des Spiels ist trotz des postapokalyptischen Settings immer etwas los und den farbstarken, fast schon malerischen Stil der riesigen, offenen Spielwelt bekommen bis heute nur wenige Spiele so auf den Punkt hin wie Xenoblade Chronicles 2. Dazu kommen nach wie vor stark geschriebene Charaktere mit auffälligen Charakterdesigns, welche seinerzeit wegen der übermäßigen Freizügigkeit kontrovers diskutiert wurden. Heutzutage passen sie wunderbar zu den anderen vielfältigen, auffälligen Asia-RPG-Charakteren.

Sinnvoll verbessert und überwiegend gut gealtert

Bildmaterial: Xenoblade Chronicles 2: Definitive Edition – Nintendo Switch 2 Edition, Nintendo, Monolith Soft

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Titel	Ace Combat 8: Wings of Theve
	2. Oktober 2026
	Bandai Namco
	2. Oktober 2026
	Bandai Namco
	2. Oktober 2026
	Bandai Namco
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	1.05
Entwickler	Bandai Namco Aces
Genres	Flug-Action
Texte
Vertonung

Mit der Ace-Combat-Reihe schaffte es der japanische Entwickler und Publisher Namco Mitte der 90er-Jahre, eine wahrhaft traditionsreiche Reihe im Gaming zu etablieren. Die Kampfflug-Simulation im Arcade-Stil schaffte es quasi aus dem Stand, das Flug-Genre zu revolutionieren.

Der erste Teil der Reihe trug damals allerdings noch den Titel „Air Combat“. Da der erste Teil auf dem gleichnamigen Arcade-Automaten aus dem Jahre 1993 basierte, entschied man sich bei Namco dafür den Titel beizubehalten. Erst ab dem zweiten Teil der Reihe erhielt die Reihe den Namen „Ace Combat“.

Dank des großen Erfolgs der Ace-Combat-Reihe sorgte man bei Namco natürlich für reichlich Nachschub in Form von etlichen Nachfolgern und Spin-offs für die unterschiedlichsten Plattformen. Sogar Handhelds wie Game Boy Advance oder Nintendo 3DS wurden hier bedient.

Der letzte Teil der Reihe war „Ace Combat 7: Skies Unknown“ aus dem Jahre 2019. Still war es allerdings nicht sonderlich lange um die Reihe. Denn schon im Jahre 2021 wurde bekanntgegeben, dass man sich bei Bandai Namco um einen Nachfolger zu Ace Combat 7: Skies Unknown kümmern möchte.

Offiziell angekündigt wurde der neueste Ableger der Reihe Ace Combat 8: Wings of Theve im Dezember des Jahres 2025 während der Game Awards. Ace Combat 8: Wings of Theve erscheint am 2. Oktober für PS5, Xbox Series und PC und in unserem ausführlichen Test erfahrt ihr nun, ob ihr euch auf das kommende Action-Flug-Spektakel aus dem Hause Bandai Namco freuen dürft.

Kriegerische Auseinandersetzungen und ein ruhmreicher Pilot

Ace Combat 8: Wings of Theve spielt im fiktiven Universum „Strangereal“. In dieser fiktiven Welt gibt es andere Nationen und auch eine andere Geografie als in der uns bekannten Welt. Die Handlung von Wings of Theve dreht sich um einen tragischen Konflikt, der im Jahre 2029 stattfindet. Ungefähr zehn Jahre nach dem sogenannten „Lighthouse War“, welcher im Vorgänger Ace Combat 7: Skies Unknown Thema war.

Der neu entfachte Konflikt wird nun auf dem Kontinent „Usea“ zwischen der Republik Sotoa und der Föderation von Zentral-Usea (FZU) ausgetragen. Sotoa startet diesen Konflikt als Blitzkrieg und erobert innerhalb kürzester Zeit das Land und legt demzufolge auch die militärischen Strukturen lahm. Auch die Marine gehört mit zu den geschwächten Einheiten. Diese verlagert den Kriegsschauplatz jedoch auf das offene Meer und setzt den Kampf auf den Ozeanen dieser Welt fort.

Hier kommen wir nun ins Spiel, denn als Waffensystemoffizier Jan „Rex“ Cope übernehmen wir als ruhmreicher Marine-Pilot das Steuer der unterschiedlichsten Kampfjets und sollen diesen Konflikt zu einem guten Ende bringen. Als Rex jedoch im Einsatz fällt, übernehmen wir als namenloser Charakter das Rufzeichen von Rex und sollen nun in dessen Fußstapfen treten.

Anschließend erhalten wir das Kommando über das Joker-Geschwader der FZU. Unsere Aufgabe ist es nun, das Geschwader heil durch diesen erbarmungslosen Krieg zu bekommen und diesen Konflikt zu einem guten Ende für die Föderation von Zentral-Usea zu bringen.

Pfeilschnelle Dogfights treffen auf umfassende Anpassungsmöglichkeiten

Das Hauptaugenmerk von Ace Combat 8: Wings of Theve stellen auf jeden Fall die ausufernden Luftkämpfe dar. Mit schier unglaublicher Geschwindigkeit jagen wir mit unserem Kampfjet durch die Lüfte, stets auf der Suche nach dem nächsten möglichen Ziel und dem hoffentlich damit einhergehenden erfolgreichen Abschuss.

Neben den unterschiedlichsten Flugmanövern haben wir natürlich auch ein weitreichendes Waffenarsenal im Gepäck beziehungsweise im Jet. Abseits der relativ gewöhnlichen Gatling-Gun können wir auch auf alle mögliche Arten von Boden- und Luftraketen zurückgreifen. Die Bewaffnung unterscheidet sich jedoch nicht nur in puncto Durchschlagskraft. Auch die Zielsuch-Möglichkeit ändert sich je nach gewählter Bewaffnung. Ebenso sollte man bei Missionen, in denen Bodenziele bombardiert werden sollen, auch entsprechend die Bewaffnung anpassen und umstellen, um für die jeweilige Mission optimal gerüstet zu sein.

Wir haben außerdem die Möglichkeit, unsere Flügelmänner entsprechend anzupassen. So obliegt es uns, auszuwählen, welches Fluggerät und welche Bewaffnung die einzelnen Flügelmänner in den jeweiligen Missionen nutzen sollen. Taktische Finesse spielt hier also durchaus eine Rolle und kann hin und wieder sogar der Schlüssel zu einem erfolgreichen Abschluss der Mission sein.

Anspruchsvolle Steuerung muss erst erlernt und gemeistert werden

Zu Beginn des Abenteuers gibt uns das Spiel die Möglichkeit, wahlweise die vereinfachte oder die anspruchsvolle Steuerungsmethode auszuwählen. Entscheiden wir uns für die einfachere Variante, spielt sich das Spiel sehr arcadelastig und fast schon etwas primitiv. Auch schnellere Manöver erfordern so kein großes Umdenken und man hat sein Kampfgefährt recht schnell und einfach da, wo man es haben möchte.

Bei der anspruchsvolleren Variante sieht das Ganze jedoch etwas anders aus. Denn hier will das Fluggefährt wirklich erst erlernt werden und gerade schnelle und hektische Manöver erfordern hier schon einen kühlen Kopf, um in den hektischen Momenten die richtigen Entscheidungen zu treffen. Speziell das Ausweichen im letzten Moment, wenn man gerade von einer gegnerischen Zielsuche erfasst wird, treibt einem regelmäßig den Schweiß auf die Stirn. Dennoch kann man getrost sagen, dass sich das Spielgefühl von Ace Combat 8: Wings of Theve enorm spaßig und belohnend anfühlt, besonders wenn man die Steuerung erst einmal verinnerlicht hat.

Etwas weniger Zwischensequenzen hätten dem Titel gutgetan

Ein großer Faktor, der mich am Spiel gestört hat, war die Tatsache, dass es einfach zu viele und vor allem zu lange Zwischensequenzen zwischen den Missionen gibt. Hier versuchen die Entwickler, eine Geschichte rund um die Charaktere des Geschwaders aufzubauen, die es, zumindest meiner Meinung nach, überhaupt nicht gebraucht hätte. Wenn ich eine ausufernde Story haben will, spiele ich schließlich kein Flugspiel.

Ständig hangelt man sich also von einer Sequenz zur nächsten und kann es eigentlich schon gar nicht mehr erwarten, endlich wieder im Cockpit des Jets zu sitzen und Gegner durch die Wolken zu jagen. Hier wurde also für meinen Geschmack etwas zu viel Aufwand in eine eigentlich nicht so wirklich benötigte Story gesteckt, die nach einiger Zeit eigentlich sogar eher lästig und aufgedrängt wirkt. Etwas vergebene Mühe, könnte man schon fast sagen.

Technischer Leckerbissen, der sauber und ordentlich umgesetzt wurde

Speziell die Optik von Ace Combat 8: Wings of Theve konnte mich auf ganzer Linie überzeugen. Wunderschön anzusehen und wirklich beeindruckend wirken die Himmelslandschaften, speziell bei malerischem Sonnenuntergang. Dank der leistungsstarken Unreal Engine 5 bekommen wir beeindruckende Lichteffekte auf die Augen geschmettert, welche die actiongeladenen Luftkämpfe geradezu erstrahlen lassen.

Aber auch in düsteren, verregneten Missionen kann die Optik glänzen und schaffte es regelmäßig, mich ins Staunen zu versetzen. Auch die wunderbar voluminös wirkenden Wolkenlandschaften sehen sehr realistisch aus und wirken teils schon fast fotorealistisch.

Die unzähligen Kampfjets mit ihren etlichen Details kommen ebenfalls gut zur Geltung und stehen ihren realen Gegenstücken in nichts nach. Gerade Genre-Fans dürfte hier regelmäßig das Herz aufgehen, denn die Entwickler haben sich wirklich größte Mühe bei der möglichst realitätsgetreuen Umsetzung der Kampfmaschinen gegeben.

Ace Combat 8: Wings of Theve lief während unserer Testphase zudem stets mit absolut flüssigen 60 Frames und geriet dabei auch zu keiner Zeit ins Stocken. Nicht mal während der hektischsten Missionen, in denen der Himmel geradezu explodiert, gerieten die Frames ins Stocken. Wirklich sauber umgesetzt und auf jeden Fall ein großes Lob wert.

Ordentlicher Soundtrack und umwerfende Effekte bestimmen das tonale Bild

Auch auf soundtechnischer Seite gibt es nichts zu bemängeln. Der recht eingängige und eher simpel gehaltene Soundtrack passt stets zum Spielgeschehen und auch die Synchronisation kann sich durchaus hören lassen. So richtig glänzen können aber vor allem die durchschlagenden und überzeugenden Soundeffekte. Jeder Jet klingt etwas anders und vor allem die kraftvollen Waffensysteme bringen die Gehörgänge erst so richtig in Schwung. Toll abgemischt und passend für einen Titel dieser Art.

Groß angelegter Online-Modus mit vielen Möglichkeiten

Eine große Besonderheit von Ace Combat 8: Wings of Theve ist der enthaltene Online-Mehrspielermodus. Dieser läuft strikt getrennt von der Hauptkampagne ab und verfügt über eigenen Fortschritt und eigene Speicherdaten.

Hier beginnt man das Abenteuer als Söldnerpilot auf einem Stützpunkt und erstellt sich zuerst einen Avatar, bevor es dann ins hektische Gefecht geht. Hier haben wir außerdem die Möglichkeit, weitere Flugmaschinen zu sammeln und nach und nach im Rang aufzusteigen. Der Stützpunkt dient außerdem als Hub für bis zu 100 Spieler.

Bei den Modi konzentrieren sich die Entwickler auf die beiden Modi „Koop-Angriff“ und „Koop-Kriegsführung“. Wo es sich beim Koop-Angriffs-Modus um einen eher klassischen 4-gegen-4-PVE-Modus handelt, geht es beim Koop-Kriegsführungs-Modus um das Bedrohungsstufen-System.

Hier haben wir die Möglichkeit, höhere Belohnungen bei höherer Bedrohungsstufe zu erhalten. In diesem Modus spielt auch die Art der jeweiligen Flugzeuge in einem Match eine große Rolle. Denn hier ist es extrem wichtig, wer die Rollen des Jägers, Angriffsflugzeugs, Mehrzweckjets oder der Flugmaschinen für die elektronische Kampfführung übernimmt und beherrscht. Denn nur wer perfekt zusammenarbeitet, kann am Ende siegreich aus den durchaus fordernden Herausforderungen gehen.

Weitere zeitlich begrenzte Missionen sorgen für noch mehr Langzeitspaß

Als wäre dieser ausufernde Online-Modus noch nicht spannend genug, haben sich die Entwickler außerdem dazu entschieden, im weiteren Spielverlauf sogenannte „Notfallmissionen“ einzubauen. Diese sind allerdings nur für begrenzte Zeit verfügbar. Notfall-Flugmissionen lassen eine Vierergruppe gegen eine Staffel bedrohlicher NPC-Luftstreitkräfte antreten, während Notfalleinsätze acht Piloten gegen die mächtigsten großen Gegner aus der Geschichte der Ace-Combat-Reihe antreten lassen. Für Langzeitmotivation ist also bestens gesorgt.

Die traditionsreiche Ace-Combat-Reihe ist zurück in der Luft

Bildmaterial: Ace Combat 8: Wings of Theve, Bandai Namco

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In den letzten zwei Monaten konnte das VTuber-Rhythmusspiel Hololive Dreams über drei Millionen Downloads verzeichnen. Parallel kündigen Veteranen aus der Rythmusspielbranche das Spiel Stage Tour für Konsolen an, welches an alte Erfolge von Guitar Hero und Rock Band anknüpfen soll. Und dann ist da natürlich noch der Dauerbrenner Hatsune Miku: Colorful Stage! und das Konsolenspiel Hatsune Miku: Project DIVA, welches laut Famitsu-Lesern die beste aller Rhythmusspielreihen ist.

Die „BanG Dream!“-Reihe hat gegenüber diesen Spielen dabei jedoch mehrere Vorteile: Eine starke Songliste mit bekannten Coversongs, den sehenswerten BanG Dream! Anime sowie Live-Konzerte der „realen“ Bands im Spiel, welche in japanischen Konzerthallen stattfinden. Daraus basteln Entwickler From Tokyo und Bushiroad mit dem Publisher Bilibili Games bei BanG Dream! Our Notes ein besonderes Rhythmusspiel für iOS und Android.

Erwachsener Stil stellt Story und Konzerte in Vordergrund

BanG Dream! Our Notes wirkt bereits auf den ersten Blick deutlich weniger verspielt als das erst kürzlich veröffentlichte Hololive Dreams, das bewusst auf eine ausgeprägte „Cutesy-Ästhetik“ setzt. Stattdessen präsentiert sich Our Notes fokussierter und richtet den Blick auf das Kernthema der Reihe: die tiefgehenden Geschichten rund um die fünf Bands und ihre Konzerte.

Das passt zur bisherigen Entwicklung von BanG Dream!, denn insbesondere die dramatischen Anime-Handlungen mit Konflikten, starken Emotionen und Mystery- beziehungsweise Psychodrama-Elementen rund um MyGo!!!!! und Ave Mujica kamen bei den Fans hervorragend an. Die Popularität dieser Geschichten zeigt sich auch darin, dass Ave Mujica einen eigenen Kinofilm erhält und It’s MyGO!!!!! 2027 als Serie fortgesetzt wird.

Das Hauptmenü zeigt bereits ein „sauberes“ Diorama-Hintergrundbild der aktuell im Event befindlichen Band und auch klar strukturierte Menüpunkte. Die Geschichten werden weniger „nebenbei“ präsentiert als noch im Vorgänger, sondern wurden ausgebaut: 3D-Animationen vor 2D-Hintergründen mit Kamerafahrten sind nun der Standard, die Geschichten werden wie üblich in Kurzepisodenform erzählt – wobei diese auch schon mal bis zu 10 Minuten dauern können.

Während die Geschichten bei vielen anderen Rhythmusspielen zum „Skip“ einladen, um die Ressourcen einzusammeln, ist das bei BanG Dream! Our Notes anders: Nicht nur die Storys sind interessant aufgebaut, auch die wiederholten, kurzen Anime-Sequenzen rund um die Auftritte werden hochwertig präsentiert und geben das Gefühl, beim Überspringen wirklich etwas zu verpassen. Die Geschichten sind übrigens voll auf Japanisch vertont – wie bereits im Vorgänger, BanG Dream! Girls Band Party.

Zwischendurch wird die ernste Aufmachung aufgelockert mit witzigen Manga-Panels während der Ladezeiten, kleinen Nachrichten auf das virtuelle Smartphone oder durch neckische Kommentare der Charaktere in den Menüs.

Hochqualitative, überraschende Cover und Symphonic Metal

Die Songliste ist aktuell noch etwas dünn – gewohnt sind wir in der Regel zwischen 200 und 500 Songs bei den über Jahren gewachsenen Rhythmusspielen. BanG Dream! Our Notes startet mit gerade einmal ca. 80 Titeln. Am Anfang ist das etwas überraschend, allerdings überzeugt die Qualität der bereits vorhandenen Songs.

Besonders die zahlreichen Cover sind erwähnenswert: Seishun Complex aus Bocchi the Rock!, UNDEAD von YOASOBI aus der Monogatari – Reihe, Ao no Sumika aus Jujutsu Kaisen und mit Six Trillion Years and Overnight Story gibt es auch ein Vocaloid – Cover.

Eine Coverversion weiß besonders zu gefallen: A Cruel Angel’s Thesis aus Neon Genesis Evangelion wird von der Gothic / Symphonic Metal Band Ave Mujica gesungen und bringt den emotionalen Schmerz aus der Anime-Serie perfekt in musikalische Form – natürlich auch mit der entsprechenden schwarzen Bühnengestaltung. Gänsehaut!

Solides Rhythmusspiel ohne große Überraschungen

Das eigentliche Gameplay gerät dabei fast in den Hintergrund, obwohl es wie zu erwarten ebenfalls hervorragend ist. Zu dem klassischen Rhythmusspiel-Gameplay mit Taps und Holds gesellen sich Flicks nach oben und Rolls zur Seite, was auf höheren Stufen ziemlich chaotisch und herausfordernd werden kann.

Die Musik wird klassisch in einem „Live2D-Panel“ gezeigt, in welchem die Figuren auf der Bühne stehen und von einem Leuchtstick-Publikum angefeuert werden. In einigen Fällen gibt es zur Musik auch Musikvideos, welche anstelle der Live2D-Animationen im Hintergrund angezeigt werden können.

Schwächen im Detail

Leider verpasst es BanG Dream! Our Notes, neben dem Kern des Spiels mit den Geschichten, Songs und Bands ein wenig mehr Abwechslung zu bieten. Hololive Dreams präsentiert seine Oberwelt etwa in 3D und gibt dem Spiel so etwas mehr Präsenz und wirkt allgemein weniger kühl und distanziert.

Dazu kommen normalerweise mehrere Minispiele, um zwischen den konzentrierten Rhythmusspiel-Phasen etwas entspannen zu können. Auch davon ist bislang in Our Notes keine Spur. Die Konkurrenz bietet auch gelegentlich eine aktive Modding-Community oder Community-gemachte Custom Notecharts im Spiel – auch davon ist bislang nichts zu sehen.

Durch den Japan-Fokus des Spiels gibt es auch keine englische Sprachausgabe. Das Menü ist zwar auf Englisch, aber die japanischen Songnamen werden weder in Romanji noch in übersetzten Versionen angeboten, was eine leichte, unnötige Sprachbarriere erzeugt. Der Vorgänger, BanG Dream! Girls Band Party, erhielt noch eine Version für die Nintendo Switch in Japan. Von BanG Dream! Our Notes ist bislang keine Version für die Nintendo Switch 2 angekündigt.

Monetarisierung entspricht den Erwartungen

Bei der Monetarisierung entspricht dagegen alles den Erwartungen: Das F2P-Spiel enthält klassisches Charakter-Gacha und bietet drei Stufen im Monatspass, von drei Euro/Monat bis 20 Euro/Monat. Dazu kommen diverse Mikrotransaktionen, Premiumwährungs-Pakete und optische Anpassungen wie Skins für das virtuelle Smartphone und In-Game-Chat-Sticker.

Einzig, dass man eine vierte Kategorie an auflevelbaren Objekten einführt, ist ungewöhnlich. Standardmäßig werden Bandmitglieder gelevelt und mit ihren Spezialfähigkeiten aufeinander abgestimmt. Diese bekommen mit einem weiteren Element – hier bedeutende „Snapshots“ der Bands und Charaktere – weitere Boosts. In Bandori-ON muss jedoch auch das Instrument der Bandmitglieder eingespielt werden. Jede der 25 Hauptcharaktere hat ein Lieblingsinstrument, das ebenfalls gelevelt werden muss.

Eine tolle Neuauflage mit großartigen Coverversionen

Bildmaterial: BanG Dream! Our Notes, Bilibili, Bushiroad, Fromtokyo

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Da ich sehr gerne koche und einige Kochbücher besitze, war ich als ehemaliger Spieler des MMORPGs gespannt, was sich mir hier bieten würde. Eines ist auf jeden Fall gewiss: Das ist eines der abwechslungsreichsten Kochbücher, die ich habe.

Von japanischen, Ramen-ähnlichen Suppen über arabisches Baba Ghanoush und einer Variante von chinesischem Bao zi, bis hin zu sogar bayrischen Brezeln und österreichischem Einspänner, ist eine kunterbunte Auswahl an Gerichten aus aller realer und Fantasie-Welt dabei. Warum der Schlagobers (die Schlagsahne) aber mit Vanille kredenzt wird, ist mir als Wiener ein Rätsel. Das ist dann der „Fantasy“-Teil des Kochbuchs!

Die Gerichte sind dabei mehr oder minder klassisch aufgeteilt in Frühstück, Vorspeisen, Brote, Suppen & Eintöpfe, Hauptgerichte, Beilagen, Nachspeisen und schließlich Getränke. Die mehr als 70 Gerichte sind dabei relativ gleichmäßig auf alle Kategorien verteilt, auch wenn Freunde des Frühstücks und der Beilagen ein wenig den Kürzeren ziehen.

Da Geschmäcker wie bekannt verschieden sind, vor allem beim Essen und bei Getränken, verzichte ich auf jede Art von Bewertung, ob die Speisen gut schmecken oder nicht. Es sind Nahrungsmittel, man kann alles essen, und ob jemandem etwas schmeckt oder nicht, hängt von der Person ab. Was viel wichtiger für ein Kochbuch ist, ist aber die Verständlichkeit der Rezepte, ihr Schwierigkeitsgrad und die Anzahl und Art der Zutaten.

Aufgetischt ist

Eines muss man dem Kochbuch lassen: Die Rezepte sind sehr genau beschrieben. Ein Beispiel gleich aus dem ersten Rezept: Hier muss man zwei Brotscheiben von beiden Seiten goldbraun in Butter anbraten. Der ganze Prozess nimmt mehr als die Hälfte der elf Schritte eines Rezepts für einen Frühstückstoast ein. Es wird wirklich ausführlich beschrieben, inklusive des Anhebens der Brotscheiben mit einem Küchenspatel.

Wer schon einiges an Kocherfahrung gesammelt hat, wird darüber etwas schmunzeln müssen. Anfänger freuen sich eventuell über diese detaillierten Beschreibungen. Jedoch würde ich das Kochbuch keinem Anfänger empfehlen, da viele der Rezepte doch etwas involvierter sind und schon, meiner Meinung nach, etwas Kocherfahrung voraussetzen.

Zum Beispiel beschreibt ein Rezept für Kartoffelpuffer die Herstellung des dazugehörigen Apfelmus, anstatt dass es einfach als Beilage gekauft wird. Das erhöht natürlich den Aufwand und kann eventuell für totale Anfänger demotivierend wirken, im Sinne von „Wow, Kochen ist so viel Aufwand“.

Aus der Raritätenecke

Die Rezepte sind dabei, und das muss man dem Buch auch lassen, kreativ und teilweise fragt man sich, woher man die Zutaten bekommen soll. So verlangt ein Rezept Tintenfischtinte für ein Brot, das danach schwarz gefärbt ist. Ich habe meine lokalen Supermärkte durchforstet, aber finde das einfach nicht.

Leichter zu finden, aber ungewöhnlicher, ist zum Beispiel Amaretto. „Amaretto?“, fragt ihr euch vielleicht, „Das ist doch nicht ungewöhnlich!“ Stimmt, aber in einem Frühstücks-Müsli? Ich weiß nicht, wie es euch geht, aber meinen Alkohol konsumiere ich etwas später als 8:00 Uhr.

So rar wie manche Zutaten ist jedoch auch die Gestaltung des Kochbuchs. Die Gerichte sind nicht nur in schönen Fotos in Szene gesetzt, Bilder aus dem Spiel, Zeichnungen, sowie kurze Dialoge zwischen drei Charakteren, die auf kulinarischer Entdeckungsreise durch Aetheris sind, geben dem Kochbuch noch einmal einen besonderen Touch.

Spotz!

Als Fazit bleibt mir zu sagen, dass das Buch durchaus interessante Rezeptideen bietet, die auf Gerichten aus Final Fantasy XIV basieren, und es nicht unbedingt für Anfänger geeignet ist, es sei denn, diese wollen gar nicht kochen, sondern das Kochbuch nur als Sammlerobjekt besitzen. Die Rezepte sind kreativ und verlangen teilweise rare und viele Zutaten. Wenn ich eines an dem Kochbuch noch verbessern wollen würde, wäre es ein Band als Lesezeichen, wie das viele Kochbücher anbieten. Ihr findet das hier besprochene Kochbuch bei Amazon*.

Bildmaterial: Square Enix, Panini

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Titel	Silent Hill: Townfall
	24. September 2026
	Konami, Annapurna Interactive
	24. September 2026
	Konami, Annapurna Interactive
	24. September 2026
	Konami, Annapurna Interactive
System	PlayStation 5, PC
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	2.02
Entwickler	Screen Burn Interactive
Genres	Survival-Horror
Texte
Vertonung

Neben der allseits bekannten und extrem erfolgreichen Resident-Evil-Reihe gehört auch die Silent-Hill-Reihe aus dem Hause Konami zum festen Bestandteil des Survival-Horror-Genres im Gaming-Segment.

Ihren Ursprung hatte die mittlerweile recht umfangreiche Reihe bereits im Jahre 1999 auf der ersten PlayStation. Schon damals war klar, dass Silent Hill nicht einfach nur ein weiterer Horror-Titel auf Sonys Debüt-Konsole ist. Denn neben der extrem unheimlichen und beklemmenden Atmosphäre war es allen voran auch der fantastische Soundtrack des allseits bekannten japanischen Komponisten Akira Yamaoka, der dem Titel eine noch unheimlichere Atmosphäre verlieh. Eine Blaupause in Sachen Horror-Gaming, könnte man sagen, und absolut wegweisend für viele kommende Titel in diesem Genre.

Nach dem recht großen Erfolg des ersten Ablegers der Reihe, folgten daraufhin natürlich unzählige Fortsetzungen und Spin-offs für die unterschiedlichsten Plattformen. Mit dem zuletzt erschienenen Ableger „Silent Hill f“ schlug Konami erstmals neue Wege in Hinblick auf das Setting ein. Denn zum ersten Mal durften wir hier ein Silent-Hill-Abenteuer mit düsterem Japan-Setting genießen. Dass dies nicht jedem Silent-Hill-Fan unbedingt auf Anhieb gefiel, braucht man an dieser Stelle wohl nicht weiter zu erwähnen.

Mit dem kommenden Silent Hill: Townfall möchten uns die Entwickler von Screen Burn Interactive erneut in die düstere Welt von Silent Hill entführen. Den vielversprechenden Titel konnten wir bereits während der diesjährigen Gamescom ausgiebig Probe spielen und nun verraten wir euch in unserem ausführlichen Review, ob sich die Vorfreude auf das neueste Silent-Hill-Abenteuer gelohnt hat. Silent Hill: Townfall wird am 24. September für PlayStation 5 und PCs erscheinen.

Gedächtnisverlust und ein anscheinend verlassener Küstenort – ist alles so, wie es scheint?

Die Geschichte von Silent Hill: Townfall spielt im Jahre 1996. Wir übernehmen die Rolle des Simon Ordell. Dieser leidet an einer Art Gedächtnisverlust und findet sich eines Tages an der Küste des beschaulichen Hafenorts „St. Amelia“ in Schottland wieder.

Nach und nach müssen wir uns unseren Weg durch die extrem dicken Nebelschwaden bahnen und uns auf die Suche nach unserer Vergangenheit machen. Ist der Küstenort St. Amelia wirklich das, was er im ersten Moment zu sein scheint, oder verbirgt sich hinter diesem dunklen Ort vielleicht doch mehr?

Ein düsteres und extrem bedrückendes Abenteuer voller Gefahren und Überraschungen erwartet unseren noch unwissenden Helden und wir stecken mittendrin in diesem wahr gewordenen Albtraum. Typisch Silent Hill eben und ein Abenteuer, welches uns quasi im Sekundentakt die Haare zu Berge stehen lässt.

Spannendes Horror-Gameplay vom Feinsten

Gespielt wird Silent Hill: Townfall ausschließlich in der Ego-Perspektive. Eingefleischten Silent-Hill-Fans mag das im ersten Moment vielleicht etwas seltsam vorkommen, da die Reihe ja eigentlich schon immer in der Third-Person-Perspektive gespielt wurde. Eins kann man jedoch getrost sagen: Die Ego-Perspektive trägt hier ungemein zur Spannung und zum Mittendrin-Gefühl bei und sorgt so, zumindest für meinen Geschmack, für noch unheimlichere Momente.

Anders als bei den meisten anderen Ablegern der Reihe geht es bei Silent Hill: Townfall primär um das Vermeiden von Konfrontationen mit den Gegnern. Wir versuchen also stets, den Widersachern aus dem Weg zu gehen, statt rohe Waffengewalt anzuwenden. Der Einsatz einer Waffe ist also das allerletzte Mittel der Verteidigung, welches nur im absoluten Notfall genutzt werden sollte.

Um den zahlreichen Gegnern aus dem Weg zu gehen, haben wir beispielsweise die Möglichkeit, diese mit diversen Gegenständen, wie beispielsweise alten Flaschen oder Ziegelsteinen, abzulenken. Auch haben wir die Möglichkeit, uns in Gänge oder Flure hineinzulehnen, um so einen noch besseren Blick auf das, was vor uns liegt, zu erhaschen. Taktisches und überlegtes Vorgehen ist also das A und O, um heil aus der jeweiligen Situation zu kommen und die Konfrontation mit den düsteren Kreaturen zu vermeiden.

Rätsel gehören zur Silent-Hill-Reihe wie die Faust aufs Auge

Fast schon eine Tradition sind die Rätsel, die von Tag eins an ein großer Teil der Silent-Hill-Reihe waren und immer noch sind. Diese fallen bei Silent Hill: Townfall dieses Mal sogar etwas spezieller aus, da sich die Entwickler von Screen Burn Interactive einen besonderen Kniff haben einfallen lassen.

Unser Held Simon Ordell findet zu Beginn des Abenteuers eine Art Mini-Fernseher, den er bei sich trägt. Mit diesem TV-Gerät können wir nun also verschiedene Frequenzen empfangen. Zum einen können wir so nun drohende Gefahren ausmachen, frühzeitig erkennen und somit sogar geschickt umgehen. Zum anderen dient dieses tragbare TV-Gerät auch dazu, diverse Hilfestellungen und zusätzliche Informationen zu erhalten, die uns das Lösen der Rätsel erst ermöglichen.

Diese Hilfestellungen werden anhand kurzer, wirr zusammengeschnittener Schnipsel präsentiert. Anhand dieser kryptischen Schnipsel müssen wir nun die benötigten Informationen herausziehen, um das jeweilige Rätsel lösen zu können. Für das ein oder andere Rätsel ist also durchaus etwas Hirnschmalz gefordert, um die dargebotenen Informationen irgendwie sinnvoll zu einem großen Ganzen zusammensetzen zu können. Alles in allem sind die Rätsel aber jederzeit lösbar und mit etwas Denkarbeit absolut stemmbar. Immer wenn man an einer Schlüsselstelle im Spiel angekommen ist, rauscht das Gerät kurz und gibt somit zu erkennen, dass es aktuell eine interessante Frequenz gibt, die man sich ansehen sollte.

Die größte Neuerung und damit auch das, zumindest für mich, interessanteste Feature von Silent Hill: Townfall ist also definitiv dieses tragbare TV-Gerät. Denn mit diesem Feature verändern die Entwickler nicht nur den Spielablauf selbst, sondern auch die Art und Weise, wie man im Spielareal voranschreitet, um herannahende Gegner beispielsweise früh zu erkennen. Dieses Feature hat mich also durchaus positiv überrascht und ist die, meiner Meinung nach, wichtigste Neuerung, die Silent Hill: Townfall in die Reihe einbringt.

Optisches Gruselfest und nichts für schwache Nerven

Auch optisch kann Silent Hill: Townfall auf ganzer Linie überzeugen. Dank der Unreal Engine 5 kann der Titel mit wunderbar unheimlichen Bildern glänzen und die scharfen und schön anzusehenden Texturen gepaart mit den fantastischen Nebeleffekten erzeugen eine wunderbar unheimliche Stimmung, die auch hartgesottenen Horror-Veteranen das Fürchten lehrt.

Das Design der Monster ist, typisch für die Silent-Hill-Reihe, wieder absolut fantastisch und äußerst gelungen. Nur selten sieht man so grotesk anmutende Kreaturen auf dem heimischen Bildschirm. Wirklich schön umgesetzt und toll präsentiert. Aber auch der allgemeine Look des Spiels lässt keine Wünsche offen und speziell Horror-Fans kommen hier voll auf ihre Kosten.

Während unserer gesamten Testphase lief der Titel außerdem stets mit butterweichen 60 FPS über den Bildschirm. Wir haben natürlich im Performance-Modus gespielt. Wahlweise gibt es auch einen Qualitäts-Modus mit höherer Auflösung und 30 Frames.

Auf Wunsch kann Silent Hill: Townfall sogar in einem Letterbox-Modus gespielt werden. Hier haben wir dann am oberen und unteren Bildschirmrand schwarze Balken und somit eine Art Kino-Ansicht. Diese Letterbox-Ansicht, von welcher ich für gewöhnlich kein Freund bin, passt bei Silent Hill: Townfall jedoch wie die Faust aufs Auge. Denn dank dieser recht einschränkenden Perspektive wirkt das Horror-Abenteuer noch beklemmender und vor allem cineastischer. Probiert diese Einstellung also unbedingt mal aus.

Beklemmender Soundtrack trifft auf stabile Synchronisation

Neben den wunderbar unheimlichen Soundeffekten sind es allen voran auch der extrem beklemmende Soundtrack und die immer wieder eingestreuten Klangteppiche, die dieses Abenteuer so unheimlich wirken lassen. Ganz typisch für die Silent-Hill-Reihe spielt also auch hier der Soundtrack wieder eine enorm wichtige Rolle und hilft dem ohnehin schon beklemmenden Abenteuer, noch unheimlicher zu wirken.

Auch die Synchronisation konnte mich vollstens überzeugen und die Sprecher leisten ganze Arbeit und verhelfen diesem fast schon kinoreifen Abenteuer, noch authentischer zu wirken. Ein Horror-Erlebnis der besonderen Art und ein Abenteuer, welches man nicht verpassen sollte, speziell als Horror-Fan.

Manchmal etwas verwirrende Zielführung macht es einem hin und wieder schwer

Der einzige wirkliche Kritikpunkt, den ich dem neuen Silent-Hill-Ableger ankreiden würde, ist die Tatsache, dass ich oft nicht so genau wusste, was das Spiel denn jetzt eigentlich gerade von mir will und wo ich als nächstes hingehen sollte.

Das Spiel bietet einem zwar die Möglichkeit, zu jeder Zeit eine Karte des aktuellen Areals aufzurufen. Darüber hinaus werden die für uns interessanten Bereiche sogar auf dieser Karte markiert. Dennoch hatte ich oft das Gefühl, dass ich mich irgendwie nicht immer gleich zurechtgefunden habe und oft nicht wusste, was ich als nächstes tun soll. Hier wäre eine klarere Aufgabenführung doch etwas angenehmer gewesen. Das kann aber natürlich auch nur persönliche Präferenz sein und andere Spieler stören sich vielleicht an dieser Mechanik nicht unbedingt.

Ein Horror-Abenteuer mit besonderem Kniff und einer tollen Atmosphäre

Bildmaterial: Silent Hill: Townfall, Konami, Annapurna Interactive, Screen Burn Interactive

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Titel	Dead or Alive 6 Last Round
	25. Juni 2026
	Koei Tecmo Games
	25. Juni 2026
	Koei Tecmo Games
	25. Juni 2026
	Koei Tecmo Games
System	PlayStation 5, Xbox Series X, PC
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	1.10
Entwickler	Team Ninja
Genres	Beat ’em up
Texte
Vertonung

Vor einiger Zeit erschien mit Dead or Alive 6 Last Round Koei Tecmos neueste Version des Ablegers. Die Beat-’em-up-Reihe, die mit schnellen Kämpfen, einem anspruchsvollen Kombosystem und den berüchtigten Jiggle Physics berühmt geworden ist, will euch mit Last Round eine Upgrade-Version liefern, wie sie es schon so oft in der Vergangenheit gemacht hat.

Ist es eine Complete Edition geworden, welche alte Schwächen ausbügeln konnte und alte Stärken weiter ausbaut, oder ist es nur ein halbherziges Skelett, das den sechsten Teil verschlimmbessert? Wir haben uns Last Round angesehen und liefern euch das Ergebnis.

Hat man schon mal gehört, irgendwas Neues?

Nachdem die Organisation DOATEC unter der Führung von Donovan zerschlagen, aber nicht vollends zerstört wurde, wurde es ruhiger. Helena Douglas baute die Firma von Grund auf neu und setzte die Ressourcen für friedliche Zwecke ein. Projekte wie Alpha, welches Klone von Kasumi erschaffen hatte, um hörige Supersoldaten auf die Welt zu lassen, wurden eingestellt.

Nachdem die Umstrukturierung beendet war, entschloss sich die Erbin des DOATEC-Imperiums, die Tradition des „Dead or Alive“-Turniers fortzusetzen. Zack, einstiger Teilnehmer, unterstützt sie dabei und fliegt um die Welt, um alte wie auch neue Kämpfer für das Turnier zu rekrutieren. Nun also stehen wir vor dem Beginn des sechsten Turniers. Ein Ereignis, das viele Kämpfer aus alten Tagen wieder zusammenführen soll. Jedoch wird das Ereignis von finsteren Plänen getrübt. Nicht alle Suborganisationen von Donovan wurden komplett zerstört und so entfaltet sich im Hintergrund eine neue Intrige, welche die freudigen Ereignisse stören könnte.

Nicht viel Neues in der letzten Runde?

An der Geschichte hat sich auch in Last Round nicht wirklich etwas geändert, wie sollte es auch? Allerdings sind DLC-Figuren wie Nyotengu direkt vom Start an in den Storymodus eingebunden und müssen nicht extra gekauft werden. So stehen euch direkt 29 Charaktere zur Verfügung. Für die beiden Kollaborationen mit SNK, Kula und Mai Shiranui, gilt dies leider nicht.

Wollt ihr beide Charaktere in der neuen Version spielen und hattet diese bereits in der alten Version, werdet ihr trotzdem erneut zur Kasse gebeten. Es ist auch zu hinterfragen, wie lange die beiden dieses Mal zur Verfügung stehen, wurden sie doch schon beim Grundspiel nach Ablauf der Lizenzen aus den Stores entfernt. Insofern ist es schade, dass sie nicht im Hauptspiel direkt zum Start zur Verfügung gestellt wurden.

Schlag, Abwehr, Konter!

Die Kämpfe in Dead or Alive sind nach wie vor schnell, manchmal zu schnell, um richtig zu reagieren. So könnt ihr schnell in einer Kombo gefangen sein, die euch die Hälfte der Lebensanzeige kostet. Dennoch ist Dead or Alive 6 relativ einsteigerfreundlich. Schon mit ein wenig Übung lassen sich längere Kombos spielen. Erst mit dem Kontersystem wird es aufgrund der Geschwindigkeit hektisch in den Kämpfen. Nach dem Motto „einfach zu lernen, hart zu meistern“ tastet ihr euch an die unterschiedlichen Charaktere und Kampfstile im Spiel heran.

In den verschiedenen Modi wie beispielsweise Arcade, Story oder den Prüfungen tastet ihr euch mittels der CPU-Gegner so langsam an das Spielgeschehen heran. Neue Kampfmodi sucht ihr übrigens in Last Round vergebens. Man hat mehr am Visuellen gearbeitet, als wirklich neuen Inhalt zu liefern. Einzige Ausnahme, wenn man so will, ist der neu integrierte Fotomodus.

Online laggt es wie eh und je

Habt ihr euch in den verschiedenen bewährten Offlinemodi genug aufgehalten, könnt ihr euch auch online gegen menschliche Gegner beweisen. Rangstufenkämpfe oder einfache Spaßkämpfe stehen euch hier zur Verfügung. Schon wie im Basisspiel hängt ein gutes Match von einer stabilen Verbindung ab und wie so oft ist das hier nicht gegeben gewesen.

Selbst wenn man nach der besten Verbindung sucht, sobald es bei einem der Spieler zu Schwankungen kommt, merkt ihr das deutlich. Eingabeverzögerungen und Lags trüben auch bei Last Round den Spielspaß ordentlich. Auch lassen sich nicht unbedingt Spieler finden, gegen die ihr Matches bestreiten könnt. Die Wartezeiten können, wenn ihr Pech habt, schon einige Minuten lang sein.

Bis der Schweiß rinnt

Visuell hat man bei Dead or Alive 6 Last Round dagegen nochmal eine Schippe draufgelegt. Die Umgebung, Lichteffekte, Wasserspiegelungen und der Schweiß, der den Kämpfern von den Körpern rinnt, sehen noch einmal um einiges detaillierter und schöner aus. Waren die Areale schon vorher schön designt gewesen, wird hier abermals nachgelegt. Das Ganze läuft auch nahezu flüssig im Performancemodus, in einer Stage gab es mal einen Aussetzer, das konnte ich aber nicht replizieren.

Auch einen neuen Grafikmodus spendiert euch das Spiel, den Oboromodus, welcher alles insgesamt nochmal visuell verbessert. Leider gibt’s den Modus derzeit nur mit großen Einschränkungen. Es gibt ihn nämlich derzeit nur für eine einzige Stage. Weitere Stages sollen über die Zeit hinweg noch geupdatet werden. Es ist aber ziemlich schade, dass es das zum Start nicht schon für alle Arenen gibt, sondern nur für eine einzige.

Die Charaktere sehen in der grafisch überarbeiteten Version mit ihren vielen verschiedenen Kostümen ziemlich schick aus. Männliche Charaktere haben allerdings auch in Last Round wieder deutlich weniger Anpassungsmöglichkeiten als ihre weiblichen Gegenparts. Macht ja nichts, gibt ja genügend DLCs zum Erweitern, außer für die Herren. Soundtechnisch gibt es eigentlich wenig zu meckern. Die Musik war schon im Grundspiel stark, ebenso die Soundeffekte in den Stages.

Musikalisch eine Konstante

Musikalisch warten überwiegend elektronische Beats und Gitarrenstücke. An allen Ecken und Stellen explodiert etwas, Elektroschocks werden verteilt oder ihr werdet von irgendetwas oder irgendjemandem wieder brüllend in den Ring geworfen. Einzig bei der Synchronisation kann man beanstanden, dass diese bei manchen Figuren zum Teil nicht lippensynchron ist. Gut, das ist sie bei der englischen Sprachausgabe selten, aber gerade bei Figuren wie Helena fühlt es sich ein wenig komisch an. Trotzdem, im Großen und Ganzen hat man bei Grafik und Sound die meiste Arbeit in Last Round gesteckt.

Eigentlich ist es schade, dass man so wenige, eigentlich gar keine, neue spielerische Inhalte präsentieren kann. Dazu gibt es für eine neu aufgearbeitete Version erstaunlich viele neue DLCs. Die alten gekauften Kostüme kann man zwar aus der Basisversion transferieren, wobei das nicht mit der Basisversion 1.0 funktioniert, sondern erst ab einem bereits veröffentlichten Patch.

Es wäre allerdings schöner gewesen, wenn in dieser Version auch die alten DLC-Kostüme zur Verfügung gestanden wären, es hätte schon eine Auswahl gereicht. Kaufen könnt ihr diese nämlich nicht über den Store der PS5, ihr müsst dies über den Store der PS4 machen. Kostüme kaufen könnt ihr nur die neuen, die bereits in Scharen im Store platziert werden, und das wieder für einige Goldstücke.

Unterm Strich

Bildmaterial: Dead or Alive 6 Last Round, Koei Tecmo, Team Ninja

Der Beitrag Im Test! Dead or Alive 6 Last Round – für Fans der Serie gibt es kaum einen Grund zum Upgrade erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Die Auswahl war groß: Es gab gleich mehrere Spiele aus dem „Honor of Kings“-Universum, einen neuen mobilen Monster-Hunter-Ableger, das schnuckelige Miniatur-Cozy-Game Animula Nook und die Europa-Premiere des sehr niedlichen Monstersammlers Roco Kingdom zu sehen.

Ein gemütliches Monster-Abenteuer für Grundschüler

Da Monstersammler immer funktionieren, haben wir uns aus der großen Tencent-Auswahl für Roco Kingdom entschieden – und Eindrücke erhalten, die wir so nicht erwartet hätten. Denn während man für Spiele wie Pokémon, Digimon, Monster Hunter Stories, Aniimo und ähnliche lediglich ein starkes inneres Kind benötigt, hat Roco Kingdom gezielt und direkt die Gruppe der Grundschulkinder und sehr frühen Teenager im Blick.

Dabei sollen sie nicht unbegleitet spielen, weshalb auch ein Koop-Modus ein zentraler Bestandteil ist. Die Zielgruppe zeigt sich bereits bei der Story – wir zitieren die Entwickler MoreFun Studios: „Entscheide dich für eine von verschiedenen, renommierten Schulen, nimm am Unterricht im Freien teil und mach bei besonderen, zur Jahreszeit passenden Schulevents mit.“

Und weiter: „Miss dich mit anderen Rocos am großen Akademiepunkte-Turnier, mausere dich vom Zauberlehrling zum Großmeister und setze deine Magie ein, um diese traumhafte Welt Seite an Seite mit deinen Jinis zu beschützen.“

Das hat auch direkte Auswirkungen auf das Gameplay: Roco Kingdom wird China-typisch als Free-to-Play-MMO beworben, muss auf Nachfrage jedoch zugeben, dass der MMO-Teil doch stärker limitiert ist, um den Kinderschutz zu gewährleisten. Auch das Finanzierungssystem ist daher ohne Gacha und mit nur wenigen „Dark Patterns“ versehen, damit möglichst jedes Kind das gesamte Spiel erleben kann.

„MMO Light“ mit Freunden und im Koop-Modus

Trotz der Limitationen ist es möglich, mehrere Freunde in eure Welt einzuladen und die Welten zu synchronisieren. Währenddessen könnt ihr gemeinsam spielen oder parallel Quests abarbeiten. Die in dieser Zeit gewonnenen Belohnungen sollen dabei für alle anwesenden Accounts gelten.

Das klappt sogar bei Inhalten hinter einer F2P-Bezahlschranke: Wer einen Monatspass abschließt, kann zum Beispiel auch zu zweit das besondere „Jini“ fangen – so heißen die Monster in Roco Kingdom. So kann das Kind auch problemlos von einem Familienmitglied oder einem Freund in der 64 Quadratkilometer großen Spielwelt begleitet und unterstützt werden.

Besonders witzig ist dieses Konzept bei den „Mounts“ – einige bieten die Option an, zwei SpielerInnen aufzunehmen. So kann zum Beispiel ein Mitspieler ein reitbares Jini besitzen und dieses zur Verfügung stellen, während der andere ein Flug-Monster für beide zur Verfügung stellt und so für beide neue Optionen in der Spielwelt zur Verfügung stehen.

Rundenbasierte Kämpfe im altbekannten Stil

In die Kämpfe konnten wir ebenfalls kurz reinschnuppern. Dazu konnten wir in Begleitung von Morefun zu zweit ein stärkeres Jini schnappen. Dieser Kampf hatte sogar zwei Phasen. In Phase 1 ging es darum, das generische Jini abzulenken und seine schützende Hülle zu durchbrechen. Die eigenen Jini sind dabei nutzlos, stattdessen brauchen wir die Fähigkeiten unserer menschlichen Mitstreiter. Diese Phase läuft in einem Action-orientierten RPG-System ab.

Die zweite Phase besteht aus einem rundenbasierten Jini‑vs‑Jini-Kampfsystem: Jedes Jini hat dabei eine begrenzte Menge an Energie, welche es im Kampf zu verwalten gilt. Stärkere Attacken benötigen dabei mehr Energie, Statusattacken in der Regel weniger. Dazu gibt es Fähigkeiten, welche die Energie-Generierung fördern oder nach mehreren Einsätzen weniger Energiekosten verursachen. Dabei kommt auch das altbekannte Schere-Stein-Papier-System bei den Kämpfen zum Einsatz, bei dem unterschiedliche Elementtypen unterschiedlich effektiv sind.

Die im chinesischen Browserspiel-Vorgänger von Roco Kingdom gewachsene Open World ist ziemlich groß, aber nicht überladen – trotzdem steckt sie voller kleiner Geheimnisse und Überraschungen. Dazu kommt ein Housing-System mit der Möglichkeit der persönlichen Einrichtung und Möbelstücken für das Lieblings-Jini, welches mit euch zusammen im Häuschen wohnt. Natürlich können auch Freunde zu euch kommen und ihre Jini mitbringen.

Damit möglichst jeder Roco Kingdom spielen kann, wird es für PC-Steam, PlayStation 5, Xbox Series, iOS und Android erscheinen. Ein Cross-Play über alle Plattformen hinweg ist möglich.

Ein Spiel wie Roco Kingdom hätten wir uns als Kind gewünscht

Bildmaterial: Roco Kingdom, MoreFun Studios, Tencent

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Titel	Fire Emblem: Fortune’s Weave
	17. September 2026
	Nintendo
	17. September 2026
	Nintendo
	17. September 2026
	Nintendo
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Versionsnummer	1.0.0
Entwickler	Intelligent Systems
Genres	Strategie; JRPG
Texte
Vertonung

In unserer Vorschau zu Fire Emblem: Fortune’s Weave schrieb ich, dass der neueste Teil der Reihe umfangreicher zu sein scheint als gedacht. Zu diesem Zeitpunkt hatte ich noch keine genaue Vorstellung davon, was das wirklich bedeutet. Fortune’s Weave bietet eine umfangreiche Handlung, eine Vielzahl von Charakteren und deren Beziehungsverflechtungen sowie eine Haupthandlung, in der sich böse Mächte über das Land ausbreiten.

All das unter einen Hut zu bringen, ist eine große Herausforderung. Ob sich Intelligent Systems nicht etwas zu viel vorgenommen hat, diese Herausforderung gemeistert hat oder womöglich sogar am Ende am eigenen großen Umfang gescheitert ist, erfahrt ihr in den kommenden Zeilen.

Die Legende im weißen Gewand

Wir schreiben das Jahr 1454: Das Kaiserreich Dagda und die Überreste der Menschheit stehen durch den wiedererweckten Dämonengott Balor kurz vor dem Untergang. Um diese Katastrophe abzuwenden und die Finsternis aus dem Land zu vertreiben, steigt auf Anweisung der Göttin Sothis eine einzelne Seele vom Himmel herab. Dabei handelt es sich um die Protagonistin bzw. den Protagonisten. Diese Seele soll das Reich vor dem Untergang schützen. Doch selbst eine von der Erschafferin Sothis eingesetzte Seele hat allein keine Chance gegen den Dämonengott.

Angesichts dieser großen Aufgabe unterbreitet Fortuna, eine Göttin mit der Fähigkeit, die Zeit zu manipulieren, dieser Seele einen Vorschlag: Sie soll den Heldinnen und Helden, die einst an den Heroenspielen teilgenommen haben, dabei helfen, ihr Schicksal zu ändern und sie in die finale Schlacht führen. Das ist keine leichte Aufgabe, denn niemand weiß Genaueres über das Schicksal der Heldinnen und Helden.

So reist die Seele fünf Jahre in die Vergangenheit, ins Jahr 1449, in dem in der Hauptstadt Dagsion zu Ehren des Landesgründers Dagda die Heroenspiele stattfinden. Unter den Teilnehmenden befinden sich vier wackere Charaktere, die siegreich aus den Kämpfen hervorgehen wollen, um sich einen persönlichen Wunsch erfüllen zu lassen.

Der Strudel der Kausalität

Nun stehen wir als Hauptfigur vor der schweren Entscheidung, welchen Helden oder welche Heldin wir als Erstes aufsuchen. Fortuna nennt diese Personen „die Flammenfürsten von Dagda”. Sie hat sie im Strudel der Kausalität gefunden und dafür das Gewölbe der Obelisken geschaffen, um uns die freie Entscheidung zu geben, welche Flammenfürsten wir zuerst aufsuchen.

Somit geht es in die Vergangenheit und wir begegnen unter anderem Cai, einem jungen, tierlieben Jungen mit reinem Herzen. Als sein Vater in den Kerkern von Dagsion eingesperrt wird, meldet er sich mit seinen Freunden bei den Heroenspielen an, um für dessen Freiheit zu kämpfen.

Ebenfalls an den Spielen nimmt Dietrich teil, ein mächtiger Schwertkämpfer und Krieger. Durch einen Schiffbruch strandet er an den Ufern Dagdas. Da er zum Vergnügen kämpft und seinen Kampfdurst stillen will, beschließt er, mit gleichgesinnten Verbündeten an den Wettkämpfen teilzunehmen.

Theodora ist eigentlich die Königin von Saramis. Doch angesichts schrecklicher Ereignisse sieht sie keinen anderen Ausweg, als an den Spielen teilzunehmen. Dabei ist sie bereit, alles zu tun, um ihre Göttin zu ehren, den Glauben ihres Volkes zu verteidigen und den Frieden in ihrem Königreich zu bewahren.

Als junges Mädchen erleidet Leda ein tragisches Schicksal, als ihr Vater gemeuchelt wird. Seitdem ist sie auf einem Rachefeldzug und will jeden zur Strecke bringen, der daran beteiligt war. Als sie erfährt, dass der Mörder plant, an den Kämpfen teilzunehmen, begibt sie sich nach Dagsion.

Die Qual der Wahl

Zunächst muss ich festhalten, dass ich es im Testzeitraum leider nicht geschafft habe, alle vier Obelisken komplett durchzuspielen. Ich habe mich vorwiegend mit den Pfaden von Cai und Leda befasst. Das liegt unter anderem daran, dass allein die Obelisken der vier Flammenfürsten überaus umfangreich sind.

Für einen Obelisken habe ich ca. 20 bis 25 Stunden benötigt, um mich bis zu den Heroenspielen durchzuspielen, Charaktere kennenzulernen, Quests zu erfüllen, Gebiete zu erkunden, Schlachten zu kämpfen und sonstige Aktivitäten durchzuführen. Je nachdem, wie viel Zeit bei diesen Aktivitäten investiert wird oder ob bei einem weiteren Durchgang Dinge übersprungen werden, verändert sich die Stundenanzahl entsprechend.

Letzteres wird unter anderem von den generellen Erzählungen beeinflusst. Dazu zählen beispielsweise Erzählungen von historischen Ereignissen, Vorstellungen von Gebieten oder NPC-Charakteren, die eine tragende Rolle in der Geschichte spielen. Diese unterscheiden sich in den jeweiligen Pfaden verständlicherweise nicht und können, wenn man einen Pfad bereits durchlaufen hat, einfach übersprungen werden.

Nichtsdestotrotz dreht sich das Spiel nicht nur um die Heroenspiele, sondern darum, den wiedererweckten Dämonengott Balor aufzuhalten. Dementsprechend endet die Handlung nicht mit dem Ende der Spiele, sondern gliedert sich in mehrere Teile auf. Allein das sorgte dafür, dass ich, obwohl ich nur zwei Flammenfürsten-Pfade durchgespielt habe, am Ende bei über 100 Spielstunden herauskam. Fire Emblem: Fortune’s Weave hat wirklich einen beachtlichen Umfang.

Flammenfürsten versammelt euch

Gehen wir aber erst einmal der Reihe nach vor. Wenn man sich für einen der Obelisken entschieden hat, erlebt man, wie die Heldinnen und Helden nach Dagsion kamen und was ihre Motivation ist, an den Heroenspielen teilzunehmen. Die Handlungsstränge sind dabei auf die jeweiligen Hauptfiguren zugeschnitten, erzählen im Hintergrund jedoch eine übergreifende Geschichte, die sich im Kaiserreich Dagda abspielt.

Gerade zu Beginn wird man mit einer Fülle an Informationen konfrontiert, was durchaus überwältigend sein kann, da man sich parallel fragt, wie die Charaktere und Handlungsstränge zusammenhängen. Wenn man einen Pfad zum ersten Mal spielt, kommen einem viele Fragen in den Sinn: Welcher Charakter ist das noch gleich? In welcher Beziehung steht dieser zu mir? Was hat das mit der Geschichte des Landes zu tun bzw. warum ist dieser Held oder diese Heldin darin involviert? Wie muss ich die Aussage von Charakter XY nun einordnen?

Ab und zu habe ich mich wie das „Pepe Silvia“-Meme gefühlt und mir eine imaginäre Wand mit Bildern und roten Fäden vorgestellt, um die jeweiligen Beziehungen und zeitlichen Ereignisse zusammenzubringen. Ein wenig helfen dabei die Charakterprofile der Personen, doch ich habe einige Stunden mit dem Spiel verbracht, bis ich die wesentlichen Informationen verbunden hatte.

Zudem lassen sich diese Zusammenhänge nur zu einem gewissen Grad bzw. nur aus der Sichtweise der Flammenfürsten aufklären. Um einen besseren Überblick zu erhalten, sind die Informationen aus den jeweils anderen Pfaden notwendig. Da in diesen zum Glück auch die generellen Informationen über das Land und ähnliche Inhalte wiederholt werden, werden die Zusammenhänge immer klarer und ich habe sie besser verstanden. Das führte zu einem besseren Gesamtbild. Ansonsten gibt es außerdem die Möglichkeit, zwischen den Handlungen der Flammenfürsten hin und her zu wechseln. Das kann für mehr Abwechslung sorgen.

Erzählung mit Lücken und Tücken

Nun habe ich geschrieben, dass es sich gut anfühlt, die einzelnen Pfade zu spielen, obwohl sich die allgemeinen Informationen wiederholen. Sicherlich stellt sich nun als Leser bzw. Leserin die Frage, inwieweit sich das Spiel wiederholt, wie oft bestimmte Ereignisse mehrmals erledigt werden müssen oder ob das Spiel damit einfach Inhalte streckt.

Die Antwort darauf ist nicht ganz einfach. Da die Pfade von Cai, Dietrich, Saramis und Leda parallel stattfinden, wiederholen sich einige Ereignisse zwangsläufig. Bei Cai und Leda passiert dies beispielsweise bei den Heroenspielen, bei denen sie in der Qualifikationsphase als Team in der Arena gegen ein anderes Team antreten müssen. In beiden Pfaden spielte ich die Schlacht in der Arena. Einzig die Einheiten waren andere – je nachdem, wen ich bis dahin als Cai oder Leda rekrutiert hatte.

Allerdings lernte ich im Vorfeld und im Nachgang eine andere Perspektive kennen und konnte daher alternative Eindrücke, unterschiedliche Motivationen und andere Schlussfolgerungen kennenlernen. Dadurch wurde ein besseres Verständnis für bestimmte Charaktere generiert und ich konnte deren Handlungen einfacher nachvollziehen. Dennoch wiederholten sich Unterhaltungen oder Zwischensequenzen, die zwischen beiden Charakteren vorkamen. Das ließ sich nicht vermeiden. Im Zweifel klickt man sich in solchen Situationen beim zweiten Mal ein wenig schneller durch die Dialoge.

Anders sieht es aus, wenn Flammenfürsten in den Spielen gegeneinander antreten. Da nur einer gewinnen kann, ändert sich ab einem bestimmten Punkt der Handlungsstrang und der Fokus liegt auf dem jeweiligen Charakter. An dieser Stelle muss jeder für sich entscheiden, ob ihm oder ihr das gefällt.

Ich kann verstehen, dass jeder der vier Flammenfürsten vom Entwicklerstudio in den Mittelpunkt gestellt wurde und bei den Heroenspielen glänzen soll. Letztendlich wird jedoch die Geschichte von Dagda erzählt und Stück für Stück erschließt sich die Welt mehr. Insofern kann es seltsam wirken, wenn sich ein Teil der Geschichte rund um die Heroenspiele – die einen wesentlichen Teil ausmachen – etwas ändert. Nichtsdestotrotz wirken die vier Pfade ebenso individuell genug, um einen bei Laune zu halten.

Was ist eigentlich mit Balor?

Wer den Test bis hierhin gelesen hat, stellt sich vielleicht die Frage: Was ist eigentlich mit Balor? Ihr erinnert euch: der wiedererweckte Dämonengott, der anfangs erwähnt wurde und der die Welt in Finsternis hüllen möchte. Eine ähnliche Frage stellt sich ebenfalls, während ihr die Pfade der Flammenfürsten spielt.

Fortune’s Weave ist neben den Pfaden ebenfalls in mehrere Teile untergliedert. Hat man die Heroenspiele hinter sich gelassen, wartet der zweite Teil. Dieser gliedert sich ebenfalls auf die vier wackeren Heldinnen und Helden, erzählt jedoch eine größere Gesamthandlung, die auf die finsteren Machenschaften hinarbeitet.

Dieser Teil hat mich zwiegespaltener zurückgelassen. Einerseits wird dieser spielerisch anspruchsvoller und gewährt Schlachten, die mehr taktisches Geschick erfordern. Andererseits kann ich die Aufteilung nur schwer nachvollziehen. Für den späteren Verlauf der Handlung ergibt diese Aufteilung durchaus Sinn, bei den Charakteren verläuft sie aufgrund des größeren Handlungszusammenhangs jedoch nahezu identisch.

Deshalb ist der Wiederspielwert im Vergleich zu den Obelisken eher gering. Das hat sich für mich eher spielstreckend angefühlt, obwohl es nicht so lange dauert. Mit fortschreitender Handlung und darauffolgenden Ereignissen wird es im Kampf gegen die finsteren Mächte zum Glück wieder besser und das Spiel kehrt zu einer gewohnten, strukturierteren Form zurück. Gerade ab diesem Zeitpunkt zeigt das Spiel noch einmal, was in ihm steckt, und entfaltet dabei sein Repertoire an spielerischen Möglichkeiten für viele Stunden.

Zu viel des Guten?

Meine Haltung zur Geschichte von Fire Emblem: Fortune’s Weave bleibt bis zum Ende gemischt. Es ist eine gut geschriebene Handlung, die durch eine ausführliche Erzählung, viele kleine zusammenhängende Details und ein glaubhaftes, historisch durchdachtes Kaiserreich mit einer lebendigen Geschichte überzeugt. Ich konnte richtig in die Welt eintauchen.

Besonders im letzten Teil des Spiels, wenn die Schicksalsfäden der einzelnen Flammenfürsten zusammenlaufen und Lücken aufgeklärt werden, wirkt die Erzählung stimmig, wobei dies auch über die einzelnen Pfade geschrieben werden kann. An vielen Stellen hat mich das Spiel an eine Serie erinnert, bei der ich den Dialogen gerne gelauscht habe und bei der ich unbedingt wissen wollte, wie es in der nächsten Folge weitergeht.

Wie bei jeder guten Serie muss man jedoch die Motivation aufbringen, immer wieder die nächste Folge einzuschalten. Das kann schwierig werden, wenn das Gefühl aufkommt, dass Informationen fehlen. Nach dem Motto: Habe ich nicht richtig aufgepasst, etwas überlesen oder wird diese Information noch preisgegeben?

Beim Spielen habe ich mir öfter die Frage gestellt, ob die Erzählung nicht ein wenig komprimierter hätte erzählt werden können. Muss wirklich noch eine kleine Nebengeschichte in die Haupthandlung eingebaut werden, um die Motivationen einzelner Charaktere zu verdeutlichen, oder reicht dafür nicht eine Zwischensequenz mit einer emotionalen Szene aus? Gleiches gilt für optionale spezielle Nebenquests, die jedoch für den späteren Verlauf von Bedeutung sind. Es kann dann nur frustrierend sein, wenn diese verpasst wurden.

Wer sich in die Schicksale von Fortune’s Weave begibt, wird sicherlich keine schlechte Zeit erleben und gewiss keine langweilige Handlung. Man sollte jedoch genügend Zeit einplanen und die einzelnen Pfade genießen, um ein vollumfängliches Erlebnis zu erhalten, welches aus meiner Sicht bislang kein Fire Emblem vorweisen kann. Dazu gesellt sich nämlich erneut ein gutes taktisches Erlebnis.

Neu-klassisches Fire Emblem

Intelligent Systems hat am grundlegenden Gameplay nicht viel gerüttelt. Auf einem schachbrettartigen Feld bewegt ihr eure Einheiten und versucht siegreich aus der Schlacht zu gehen. Dazu gehören die üblichen Aktionen wie normale oder spezielle Angriffe, Heilung und teilweise Interaktionen mit besonderen Gegenständen auf dem Feld. Um die Übersicht auf dem Schlachtfeld nicht zu verlieren, gibt es neben vielen Anzeigen eine gute Kontrolle über die Kamera.

Generell sind die Anzeigen und Menüs strukturiert gestaltet, was einen guten Überblick über das Geschehen verschafft. Eine Ausnahme bildet hierbei die Kampfanzeige, wenn Gegner mit der eigenen Einheit anvisiert werden. In Fortune’s Weave hat sich das Entwicklerstudio dazu entschlossen, die Werte etwas umzustellen. Gerade in den ersten Spielstunden habe ich dadurch immer auf die falschen Werte geschaut.

Nun werden die eigenen Angriffsschadenswerte unterhalb des Gegners angezeigt, während die Trefferwahrscheinlichkeit weiterhin unterhalb der eigenen Einheit steht. Für die gegnerischen Werte gilt dasselbe. Wenn die Einheiten in unterschiedlicher Reihenfolge angreifen, fiel es mir anfangs schwer, zu erkennen, welche Werte zu mir und welche zum Gegner gehören, da diese in den bisherigen Teilen anders dargestellt wurden. Nach ein paar Stunden gewöhnt man sich aber daran.

Es wird brandgefährlich

Wie schon bei anderen neueren Teilen gibt es auch hier kein Waffendreieck mehr. Eure Waffen richten je nach Einheit sowie Werten unterschiedlichen Schaden an. Items wie Schilde verbessern ihre Werte oder paralysieren unter bestimmten Wahrscheinlichkeiten sogar Gegner. Dabei besitzen Waffen eine Haltbarkeit, die sich jedoch bei normalen Angriffen nicht verringert, sondern nur, wenn ihr die Kampffähigkeiten einsetzt. Letztere sind starke Angriffe, die unter anderem die Reichweite erhöhen und die Angriffskraft verbessern. Anders sieht es mit Magie aus. Allgemein kann diese nur begrenzt während eines Kampfes eingesetzt werden.

Neu ins Spielgeschehen hinzugekommen sind die sogenannten Brandtechniken. Diese Spezialtechniken sind besonders machtvolle Angriffsmethoden, welche die Flammenfürsten beherrschen. Sie sind zwar mächtig, allerdings kostet deren Einsatz Gesundheit. So kann Leda mit ihrer Vihuela (ein spanisches Zupfinstrument) beispielsweise Lieder spielen, die ihren Verbündeten bessere Statuswerte verleihen. Dietrich kann sich derweil über mehrere Felder teleportieren und Cai kann schwarz-violette Flammen aus seiner Hand schießen.

Wenn eine Einheit während des Kampfes mehrere Brandtechniken einsetzt und dadurch die eigene Brandleiste erhöht, verfällt sie in den sogenannten Großbrand, wodurch sich alle Statuswerte verstärken. Dadurch lassen sich stärkere Brandtechniken ausführen. Das hat jedoch einen Haken: Bei voller Brandleiste endet der Großbrandmodus und die Einheit verfällt in den Modus „Bersten”, der die eigenen HP senkt.

Somit sollte beim Einsatz mit Bedacht vorgegangen werden. Dennoch fügen sich die Brandtechniken gut in das Spielsetting ein. Sie wirken nicht übermächtig, da sie einen Malus mit sich bringen, können durch ihre Stärke und einen geschickten Einsatz aber durchaus kampfentscheidend sein. Gleichzeitig passen die Techniken gut zu den jeweiligen Persönlichkeiten der Charaktere.

Fluch und Segen

Die eigenen Einheiten und deren Fähigkeiten sind zudem nicht die einzigen Faktoren, die über den Ausgang eines Kampfes entscheiden können. Es gibt verfluchte Waffen, die eure Brandleiste beeinflussen können und über mächtige Fähigkeiten verfügen. Gleichzeitig könnt ihr während des Kampfes göttlichen Segen erhalten. Während der Segen von Fortuna euch stets begleitet und das Spielgeschehen um einige Züge zurückspult, können die Segnungen anderer Götter andere Effekte auslösen.

Um den Segen zu erhalten, müsst ihr in eurer wöchentlichen Freizeit in den unterschiedlichen Tempeln euren Dienst anbieten. Dadurch erhöht sich das Segenlevel bei der jeweiligen Gottheit. Ist dieses hoch genug, könnt ihr es im Kampf mit göttlichem Sand einsetzen. Da sich dadurch besondere Effekte wie die Halbierung von Schaden während eines Zuges einsetzen lassen, ist dies besonders hilfreich in herausfordernden Schlachten.

Auf dem Schlachtfeld wird es selten eintönig …

Für mich waren die unterschiedlichen Möglichkeiten, mit seinen Einheiten ein Schlachtfeld zu betreten und siegreich daraus hervorzugehen, bis zum Ende hin ein Höhepunkt im Spiel. Dazu tragen die verschiedenen Siegbedingungen während eines Kampfes bei. Zwar läuft es in den meisten Fällen darauf hinaus, dass der gegnerische General oder die gegnerische Generalin ausgeschaltet werden muss. Es gibt jedoch Ausnahmen, bei denen beispielsweise Feuerschalen angezündet und gehalten werden müssen.

Selbst die Arena in den Heroenspielen, die öfter betreten wird, sieht jedes Mal anders aus. Sie hat unterschiedliche Umgebungen und Herausforderungen parat, denen ich mich stellen muss, um den Gegner zu bezwingen. Hinzu kommen unterschiedliche Mechaniken wie Artillerie auf dem Spielfeld, die während einer Schlacht genutzt werden können, sowie besondere Felder, die die Werte einer Einheit beeinflussen.

Auch die Umgebung sollte man im Auge behalten. Diese kann beispielsweise brennen, mit Miasma verseucht sein oder anderweitig beeinflusst sein. Dadurch sieht keine Schlacht wie die andere aus und man muss sein taktisches Wissen und die jeweiligen Einheiten immer wieder neu kombinieren. Dadurch bleiben die Schlachten bis zum Ende und selbst nach ungefähr 100 Stunden frisch.

Einzig die Mischung zwischen den Schlachten und den Erzählungen ist zu Beginn etwas unausgeglichen, da die Erzählungen überwiegen. Das ändert sich im Laufe des Spiels jedoch. Des Weiteren beginnen die Schlachten im späteren Verlauf öfter damit, dass die Gegner viele Reserveeinheiten auf dem Feld von den Seiten erhalten. Dadurch entsteht in einigen dieser Schlachten der Eindruck, dass die Herausforderung nur darin besteht, viele Einheiten zu bekämpfen, statt sich taktisch klug zum Sieg zu manövrieren.

… in der Freizeit manchmal schon.

Abseits des harten Alltags auf dem Schlachtfeld können Dagda und seine Hauptstadt Dagsion erkundet werden. Beim Erkunden der Hauptstadt gibt es allerhand zu entdecken: die Arena, in der die Einheiten trainieren können, unterschiedliche HändlerInnen, bei denen die eigenen Vorräte aufgefüllt werden können, Tempel für göttlichen Segen und Orte wie das Gasthaus. Letzteres ermöglicht die Aktivierung automatischer Aktivitäten, die unter anderem zum Training der eigenen Einheiten verwendet werden können. Doch Vorsicht: Für diese Aktivitäten werden Züge benötigt.

Während des Spielens läuft die Zeit mit und nach einer gewissen Anzahl an Tagen muss die Hauptgeschichte weitergeführt werden. In Fortune’s Weave wird dieser zeitliche Abstand in Zügen gemessen. Ein Zug entspricht dabei sechs Stunden. Wenn ihr die automatischen Aktivitäten nutzt, kostet das Züge. Gleiches gilt für das Reisen durch das Kaiserreich, um beispielsweise Quests zu erfüllen, die eigene Reputation zu verbessern oder die verschiedenen Gebiete und ihre Schätze zu erkunden.

Dabei werden in der Freizeit nach einem Kampf Gesundheit und Magie nicht wiederhergestellt. Dafür muss man ins Gasthaus gehen und dort eine Nacht verbringen oder im Freien campen, wodurch sich auch die Bindung zu einigen Teampartnern verbessern lässt. Glücklicherweise findet man auf den Wegen jede Menge Gemüse und Fische, die sich für das Essen beim Campen verwenden lassen.

Mit Cai können sogar Felder angebaut und nach einigen Zügen geerntet werden. Da Cai gut mit Tieren umgehen kann, lassen sich auf bestimmten Wegpunkten ebenfalls Fallen legen und Tiere fangen, die später in der Stadt gefüttert werden. Mit Leda laufen die Erkundungen in Dagda anders ab. Als Tänzerin begibt sie sich in die Städte des Kaiserreichs, führt dort Tänze auf, erhöht damit ihre Reputation und erhält dafür Ressourcen. Dietrich hingegen spürt versteckte Gegner auf und macht sie sichtbar. Dadurch wird jede Erkundung in jedem Pfad individueller.

Rekrutiere sich, wer kann

Wie schon beim Anwerben der Studierenden in Fire Emblem: Three Houses lassen sich Personen aus anderen Clans für eure Zwecke und Kämpfe rekrutieren. An dieser Stelle sind mit Clans die Gruppen der anderen Flammenfürsten gemeint. Die zukünftigen Gruppenmitglieder wollen zunächst beschenkt oder zum Essen eingeladen werden. Dadurch steigt die Bindung und irgendwann lassen sich diese Charaktere rekrutieren. Dafür muss aber auch ein passender Ruf vorausgehen, welcher mit der Erledigung von Quests steigt.

Wer diese Mechanik in Three Houses mochte, wird sich dieses Mal wieder darüber freuen, denn es kann unterhaltsam sein, das passende Geschenk für einen Charakter zu finden. Persönlich bin ich allerdings kein großer Freund des Rekrutierungssystems, speziell in diesem Spiel. Da vier Pfade zur Auswahl stehen, müssen in jedem dieser Pfade Charaktere angeworben werden, ganz gleich, ob dies bereits in einem anderen Pfad geschehen ist.

Ein kleiner Lichtblick ist, dass die Anforderungen für eine Rekrutierung in den Pfaden unterschiedlich ausfallen. So kann es sein, dass in einem Pfad eine Reputation von 9 und ein Unterstützungslevel von 3 benötigt werden, während es in einem anderen Pfad nur eine Reputation von 6 und ein Unterstützungslevel von 2 sein müssen. Einige Charaktere wie die Flammenfürsten lassen sich im jeweiligen Pfad nicht rekrutieren.

Irgendwann bin ich bei den wöchentlichen Aktivitäten nur noch per Schnellreisefunktion zu den Personen innerhalb der Stadt gereist, habe ihnen irgendein Geschenk in die Hand gedrückt und bin dann gegebenenfalls noch schnell zum Gasthaus, um das Unterstützungslevel mittels einer Mahlzeit zu verbessern. Im Endeffekt wurde es zur Abarbeitung von To-dos, um bestimmte Charaktere ins eigene Team zu holen. Dieses Gefühl hat sich vor allem beim zweiten Pfad eingestellt, nachdem ich im ersten Pfad dem Ganzen noch mehr Aufmerksamkeit schenken konnte.

Ich hätte mir eine Funktion gewünscht, die mir das Rekrutieren in einem anderen Pfad erleichtert, wenn ich eine bestimmte Person bereits in einem anderen Pfad rekrutiert habe. So hat sich im weiteren Spielverlauf leider immer mehr das Gefühl der „Fleißarbeit“ vertieft, sodass ich andere Spielfiguren eher ignoriert habe, anstatt sie in mein Team zu holen.

Noch schnell ein Kampf

Für etwas mehr Abwechslung sorgen die Orte, die in Dagda erkundet werden können. Neben den Städten mit ihren örtlichen Händlerinnen und Händlern tauchen unter anderem Verliese auf. Dabei handelt es sich um Dungeons, wie man sie aus Fire Emblem Echoes: Shadows of Valentia kennt. Allerdings wurde das Konzept angepasst.

Die Erkundungsmöglichkeiten in den Verliesen sind größer als im vorherigen Teil. Neben Materialien zur Verbesserung von Waffen und anderen Schätzen trifft man dort auf herumlaufende Gegner. Beim Zusammenstoß beginnt ein spezieller rundenbasierter Schlagabtausch, der sich von den normalen Schlachten unterscheidet.

Diese sogenannten Schnellkämpfe werden nicht aus der Vogelperspektive gespielt, sondern die Parteien stehen sich gegenüber. Dabei wird abwechselnd mit einer entsprechenden Aktion wie Angriff, Heilung oder einem verbündeten Angriff agiert. Letztere Aktion kostet Verbindungspunkte. Eine Besonderheit ist, dass die KP aller Einheiten zusammengerechnet werden. Wer als Erstes null KP erreicht, hat verloren.

Sowohl das Erkunden von Verliesen als auch die Schnellkämpfe wirken erfrischend und fügen sich gut ins Gameplay ein. Vor allem beim Erkunden der Karte wirken sie als auflockerndes Element und werten es auf. Die Verliese sind zwar grafisch nicht anspruchsvoll, für eine kurze Erkundung reicht es aber aus, da sie nicht nur aus Höhlenumgebungen, sondern auch aus anderen Landschaften bestehen. Die Schnellkämpfe sind zudem nicht so komplex wie die großen Schlachten. Sie lassen sich gut wegspielen, da sie ebenfalls automatisch im Autokampf ablaufen.

Nur das generelle Erkunden von Dagda wird im Laufe der Spielzeit leicht eintönig. Die Karte bietet zwar viel, da das Kaiserreich groß ist. Irgendwann habe ich jedoch das Gefühl gehabt, alles gesehen zu haben, und habe nur noch die automatischen Aktivitäten genutzt, um die Zeit verstreichen zu lassen und schneller mit der Hauptgeschichte weiterzumachen.

Es geht in die Antike

Fire Emblem: Fortune’s Weave sieht großartig aus. Die Zwischensequenzen sind wie gewohnt geschmeidig animiert und eindrucksvoll in Szene gesetzt, besonders in actionreichen Szenen. Die Charaktermodelle sind schön ausmodelliert und versprühen einen individuellen Charme. Gleichzeitig muss ich aber erwähnen, dass ich mich zu Beginn erst an einige Charaktermodelle gewöhnen musste. Diese orientieren sich mehr an Three Houses und passen hervorragend in das stimmige Konzept des Spiels, welches den Charme eines antiken oder römischen Zeitalters einfängt.

Im Vergleich zu Fire Emblem Engage wirken die Charaktermodelle stellenweise dennoch etwas blass – so kontrovers der Rest des letzten Teils auch diskutiert werden kann. Das änderte sich im Laufe des Spiels, als ich mehr über deren Motivationen und Persönlichkeiten erfahren habe. Zudem gilt die zuvor angesprochene Blässe nicht für alle Charaktere, erst recht nicht für die vier Heldinnen und Helden oder andere relevantere Persönlichkeiten.

Dennoch bin ich der Auffassung, dass Fortune’s Weave nicht das stärkste Charakterdesign der Reihe aufweist und ältere Teile eindrucksvollere Figuren enthielten. So sind mir beispielsweise viele Charaktere aus Engage deutlich stärker im Gedächtnis geblieben.

Wo der Titel hingegen ein konsistentes Bild vermittelt, ist bei der allgemeinen Präsentation und Farbgestaltung. Die Hauptstadt Dagsion wirkt einigermaßen lebhaft und nicht so trist wie das Kloster Garreg Mach aus Three Houses. So bunt und farbenfroh wie Engage ist Fortune’s Weave trotzdem nicht. Das muss es aber auch nicht sein. Es wurde ein schlüssiges Konzept gefunden, das den Flair eines antiken Kaiserreichs einfängt. Dazu gesellen sich die verschiedenen Designs der Einheiten und der grundsätzliche Kleidungsstil, auch wenn sich viele NPCs ähneln.

Super Synchronisation

Was man hingegen nicht genug loben kann, ist die Vertonung. Diese gibt es in einer englischen und japanischen Variante. Die Synchronisation ist wirklich eines der Highlights im Spiel, denn nahezu jedes Gespräch ist vertont. Dadurch wird der gesprochene Text, der hin und wieder etwas länger ausfällt, nicht monoton. Seltsam sind nur die Dialogoptionen, die ab und an aufploppen. In manchen Fällen bieten sie nur eine Option an und man stellt sich die Frage, warum es diese gibt, wenn der Charakter es einfach aussprechen könnte.

Das generelle „Fire Emblem“-Thema wurde erneut überzeugend ins Spiel eingebaut und unterscheidet sich bei den vier unterschiedlichen Heldinnen und Helden, sodass es individueller wirkt und für den Charakter angepasst. Das sorgt gerade bei heroischen Momenten und ein paar Schlachten für Spannung.

Vollwertige Erzählung mit kleinen Stolpersteinen

Bildmaterial: Fire Emblem: Fortune’s Weave, Nintendo, Intelligent Systems

Der Beitrag Im Test! Fire Emblem: Fortune’s Weave hebt sich vor allem in einer Sache von seinen Vorgängern ab erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Trails in the Sky 2nd Chapter
	17. September 2026
	Nihon Falcom
	17. September 2026
	GungHo Online Entertainment
	17. September 2026
	Clear River Games
System	Nintendo Switch, Nintendo Switch 2, PlayStation 5, PC
Getestet für	PlayStation 5 Pro
Versionsnummer	1.03
Entwickler	Nihon Falcom
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Trails in the Sky 1st Chapter hat es vor ziemlich genau einem Jahr geschafft, das bis dahin doch recht komplexe und vielschichtige Trails-Universum einer deutlich breiteren Masse zugänglich zu machen und gleichzeitig langjährige Fans glücklich zu stellen – zumindest größtenteils. Das Remake kam bei KritikerInnen und Fans hervorragend an und entwickelte sich auch für Falcom zu einem großen finanziellen Erfolg.

Jetzt, ziemlich genau ein Jahr später, wartet mit Trails in the Sky 2nd Chapter der direkte Nachfolger auf uns. Und „direkter Nachfolger“ ist hier wirklich das Stichwort. An dieser Stelle könnten wir wahrscheinlich auch einfach große Teile unserer letztjährigen Review zitieren, so ähnlich sind sich die beiden Spiele. Es fühlt sich tatsächlich so an, als würde man wortwörtlich das zweite Kapitel desselben Buches aufschlagen. Wer 1st Chapter gespielt hat, dürfte sich also innerhalb weniger Minuten wieder heimisch fühlen.

Wie schon beim ersten Teil gibt es auch diesmal eine sehr umfangreiche Demo, die euch bis zu zehn Stunden spielen lässt. Den dabei erzielten Fortschritt könnt ihr anschließend in die Vollversion übertragen. Das ist schlichtweg eine tolle Sache und wer noch mit einem Kauf hadert: Probiert es einfach aus.

Dass 2nd Chapter seinem Vorgänger derart ähnlich ist, soll übrigens keineswegs negativ gemeint sein. Schließlich gehörte das letztjährige Remake zu den großen Kritiker- und Fanlieblingen und konnte auch kommerziell überzeugen. Warum also etwas grundlegend verändern, das bereits hervorragend funktioniert? Was euch im zweiten Kapitel – oder besser gesagt in SC – erwartet und ob Falcom noch einmal an die Qualität des Vorgängers anknüpfen kann, klären wir jetzt in unserem Test.

„Auf Wiedersehen, Estelle.“

Bevor wir anfangen, eine kleine, aber wichtige Warnung: Dieser Abschnitt enthält deutliche Spoiler zum Ende von Trails in the Sky 1st Chapter. Wer den ersten Teil noch nicht beendet hat, sollte am besten direkt zum nächsten Abschnitt springen.

2nd Chapter setzt praktisch unmittelbar nach den Ereignissen des Vorgängers ein. Dort begleiteten wir Estelle Bright und ihren Adoptivbruder Joshua Bright als junge Bracer auf ihrer Reise durch das Königreich Liberl. Was zunächst noch ziemlich normal begann, entwickelte sich langsam zu einer großen politischen Verschwörung, die schließlich das gesamte Land bedrohte.

Am Ende gelang es Estelle, Joshua und ihren zahlreichen Verbündeten, die Krise in Liberl abzuwenden. Eigentlich könnte danach endlich etwas Ruhe einkehren. Eigentlich. Denn Joshua erfährt, dass seine Vergangenheit eng mit der geheimnisvollen Organisation Ouroboros verbunden ist. Aus Angst, Estelle durch seine Vergangenheit in Gefahr zu bringen, verlässt er sie heimlich und macht sich allein auf den Weg.

Wo bist du, Joshua?

Genau hier beginnt 2nd Chapter. Estelle möchte stärker werden und vor allem Joshua wiederfinden. Gleichzeitig wird Ouroboros in Liberl aktiv und verfolgt einen geheimnisvollen Plan, dessen Ausmaße zunächst noch völlig unklar sind.

Also geht es mit unserer Truppe erneut quer durch Liberl. Dabei kommen wir der sogenannten „Gesellschaft“ und ihren Machenschaften immer näher. Besonders deren sogenannte Vollstrecker sorgen in den verschiedenen Regionen für ordentlich Unruhe. Als Bracer liegt es natürlich an uns, herauszufinden, was dahintersteckt.

Dabei besuchen wir nahezu alle Gebiete erneut, die wir bereits aus dem ersten Teil kennen. Und seien wir ehrlich: Die dürften vielen noch ziemlich gut im Gedächtnis sein, schließlich liegt das erste Abenteuer gerade einmal ein Jahr zurück. Auf einiges an Recycling muss man sich entsprechend einstellen. Gleichzeitig hat sich in Liberl aber auch einiges getan. NPCs erinnern sich an uns, reagieren auf vergangene Ereignisse und vermitteln dadurch wunderbar das Gefühl, tatsächlich in eine bekannte Welt zurückzukehren. Später warten außerdem komplett neue Gebiete auf uns.

Diese Figuren muss man einfach lieben

Die Geschichte selbst ist erneut fantastisch und für mich phasenweise sogar noch emotionaler als im Vorgänger. Da kann es durchaus passieren, dass man hier und da mal ein kleines Tränchen verdrückt. Egal ob Trails-VeteranInnen oder Leute, die erst mit den Remakes eingestiegen sind: Es ist einfach schön, diese Geschichte noch einmal beziehungsweise erstmals in dieser Form zu erleben.

Und dann wären da natürlich die Figuren. Schon damals waren Estelle und ihre WeggefährtInnen fantastisch geschrieben, interessant, lustig und hatten allesamt das Herz am rechten Fleck. Im Remake funktioniert das mindestens genauso gut. Sie sind ein entscheidender Grund dafür, warum sich dieses Abenteuer trotz aller dramatischen Ereignisse so unglaublich geerdet und irgendwie mollig warm anfühlt.

Ich werde dabei einen Gedanken einfach nicht los: Diese Figuren sind teilweise genau so, wie ich mir meine eigenen FreundInnen und meine Familie immer gewünscht hätte. Vielleicht ist es genau dieses Gefühl, das Trails in the Sky 2nd Chapter für mich weit über seine eigentliche Geschichte hinaus so besonders macht.

Altbewährt und immer noch richtig gut

Beim Gameplay beziehungsweise Kampfsystem macht Trails in the Sky 2nd Chapter genau dort weiter, wo 1st Chapter aufgehört hat. Seid ihr außerhalb der Städte oder in Dungeons unterwegs, könnt ihr Gegner wie gewohnt direkt in Echtzeit vermöbeln. Mit Angriffen und Ausweichrollen lassen sich kleinere Feinde teilweise komplett erledigen, ohne überhaupt in den klassischen Rundenkampf wechseln zu müssen.

Alternativ verschafft man sich auf diese Weise lediglich einen Vorteil, haut zunächst in Echtzeit auf den Gegner ein und wechselt anschließend auf Wunsch in den taktischen Rundenkampf. Dort darf man es dann deutlich ruhiger und strategischer angehen lassen. Bei Bossen und wichtigen Schlüsselsituationen wird dagegen ausschließlich rundenbasiert gekämpft.

Das hybride Kampfsystem macht weiterhin eine Menge Spaß – sofern man sich natürlich grundsätzlich damit anfreunden kann. Große Neuerungen gegenüber dem Vorgänger sollte man allerdings nicht erwarten. 2nd Chapter übernimmt das funktionierende Grundgerüst nahezu unverändert.

Tja, dieses Orbment ist leider veraltet

Auch die bekannten Quarze sind wieder mit dabei. Ganz dem ursprünglichen Spiel entsprechend kombiniert ihr deren verschiedene Elemente, um immer mächtigere Zauber bzw. Künste freizuschalten. Im Grunde also genau wie in 1st Chapter.

Natürlich gibt es dabei ein kleines Problem: Wir waren am Ende des Vorgängers schließlich schon ziemlich gut ausgestattet. Praktischerweise findet das Spiel dafür eine zweckmäßige Erklärung – unser alter Orbment ist mittlerweile veraltet und wir brauchen einen neuen. Also geht der Aufbau wieder von vorne los. Ein wenig offensichtlich ist das natürlich schon, aber irgendwie musste man dieses Problem wohl lösen.

Sehr erfreulich ist dagegen erneut der praktisch nicht vorhandene Grind. Schon 1st Chapter löste das hervorragend und auch diesmal schließt man sehr schnell zum Level der aktuellen Gegner auf. Wer zusätzlich den optionalen High-Speed-Modus einschaltet, kann ohnehin in Windeseile durch bekannte Gebiete und kleinere Kämpfe düsen. Gerade angesichts des enormen Umfangs ist das Gold wert.

Poker, Ermittlungen und … ein Schaf-Mecha?!

Abseits der Haupthandlung warten wieder zahlreiche Nebenaufgaben. Einige davon sind zugegebenermaßen ziemlich basic und können durchaus repetitiv ausfallen. Andere überraschen dagegen mit enormer Abwechslung oder werden einfach herrlich absurd. Poker? Ermittlungen? Ein Schaf-Mecha?! Ja, genau. Gerade diese kleinen Geschichten tragen viel dazu bei, Liberl und seinen BewohnerInnen noch mehr Persönlichkeit zu verleihen. Eine kleine Lanze breche ich auch nochmal für das überarbeitete Angeln. Das bringt mir persönlich wieder eine Menge Spaß, und was wäre schon ein JRPG ohne vernünftiges Angel-Minispiel?

Ein Thema, das bereits beim ersten Remake für einige Diskussionen sorgte, sind die deutschen Texte. Die gibt es erfreulicherweise auch in 2nd Chapter wieder – und davon eine ganze Menge. Trails war schließlich noch nie dafür bekannt, sparsam mit Textboxen umzugehen. Eine solche Textmenge zu lokalisieren, dürfte entsprechend keine kleine Aufgabe gewesen sein.

Umso erfreulicher ist es, dass die deutsche Übersetzung erneut einen guten Eindruck hinterlässt. Größere Rechtschreibfehler oder logische Ungereimtheiten sind mir während des Tests nicht aufgefallen. Einzelne Begriffe und die korrekte Terminologie innerhalb der Trails-Reihe sind natürlich noch einmal eine Wissenschaft für sich.

Schön ist deshalb, dass Falcom sich dieser Problematik offenbar bewusst ist und sogar nachträglich Texte sowie einzelne Voice-Lines im Vorgänger angepasst hat. Damit werden vor allem langjährige Trails-Fans abgeholt, während NeueinsteigerInnen, die erst mit den Remakes zur Reihe gefunden haben, von diesen Feinheiten vermutlich kaum etwas bemerken werden. Genau so sollte es eigentlich sein.

Anime-Charme in Bestform

Trails in the Sky 2nd Chapter sieht mindestens genauso fantastisch aus wie der erste Teil des Remakes. Die detailreichen Charaktermodelle, herrlich übertriebenen Anime-Expressions, wunderschönen Zwischensequenzen und spektakulären Angriffsanimationen können sich erneut sehen lassen. Das Gesamtbild wirkt unglaublich stimmig und vor allem die Figuren profitieren enorm von der liebevollen Präsentation.

Getestet wurde auf der PlayStation 5 Pro, wo das Spiel absolut butterweich läuft. Jenseits der ohnehin flüssigen 60 FPS sind sogar theoretisch bis zu 120 FPS möglich – und während meines Tests konnte ich keine nennenswerten Einbrüche feststellen. Technisch ist 2nd Chapter damit eine sehr runde Sache, die zusammen mit der tollen Optik einen hervorragenden Gesamteindruck hinterlässt.

Diese Stimmen gehören einfach zu den Figuren

Einen entscheidenden Anteil an der Immersion haben erneut die fantastischen SprecherInnen. Zur Auswahl stehen eine englische und eine japanische Synchronisation, die beide auf einem sehr hohen Niveau liegen.

Für meinen Geschmack werden die Figuren in der englischen Fassung hervorragend getroffen. Selbst kleinere Nebenrollen sind stark besetzt, sodass hier kaum ein qualitativer Abfall gegenüber den Hauptfiguren auffällt. Natürlich ist gerade das Thema Synchronisation immer sehr subjektiv – aber für mich gehören diese Stimmen mittlerweile einfach zu Estelle, Scherazard und Co. Auch die japanische Vertonung braucht sich allerdings keineswegs zu verstecken.

Diese Evergreens werden einfach nicht alt

Ähnlich fantastisch fällt erneut der Soundtrack aus. Viele Stücke kennen wir zwar bereits aus 1st Chapter, aber seien wir ehrlich: Bei solchen Evergreens beschwert man sich darüber wohl kaum. Diese Musik kann und will ich einfach immer wieder hören.

Dazu kommen natürlich auch Stücke, die besonders mit dem zweiten Kapitel verbunden sind. Allen voran das fantastische Opening „Silver Will, Golden Wings“, das schon nach wenigen Sekunden wieder dieses unverwechselbare Trails-Gefühl auslöst. Musikalisch bleibt die Reihe damit auch im zweiten Kapitel eine absolute Bank.

80 Stunden? Gerne doch!

Trails in the Sky 2nd Chapter ist ein langes Spiel. Ein sehr langes sogar. Wer wirklich alles mitnehmen möchte, sollte mindestens 70 Stunden einplanen – realistischer dürften es für viele aber eher 80 Stunden oder mehr werden. Das ist in diesem Fall allerdings keineswegs negativ gemeint.

Denn 2nd Chapter nimmt sich bewusst Zeit. Zeit für seine Geschichte, seine Welt und vor allem für seine Figuren. Charaktere bekommen Raum, Beziehungen dürfen sich entwickeln und selbst kleinere Geschichten werden nicht einfach schnell abgefrühstückt. Gerade davon lebt Trails schließlich seit jeher – und wer sich darauf einlässt, bekommt entsprechend viel geboten.

Kein Spaziergang durch Liberl

Ein paar Worte müssen wir auch noch über den Schwierigkeitsgrad verlieren. Hier stehen verschiedene Einstellungen zur Auswahl, wodurch sich das Abenteuer gut an die eigenen Vorlieben anpassen lässt und insgesamt ausgesprochen fair bleibt.

Unterschätzen sollte man 2nd Chapter trotzdem nicht. Bereits auf dem normalen Schwierigkeitsgrad ist die Reise durch Liberl alles andere als ein Zuckerschlecken. Wer insbesondere bei stärkeren Gegnern und Bossen einfach nur blind draufhaut, beißt schnell ins Gras. Die richtige Taktik, passende Quarze und ein sinnvoll zusammengestelltes Team machen hier einen spürbaren Unterschied.

Das zweite Kapitel steht dem ersten in nichts nach

Bildmaterial: Trails in the Sky 2nd Chapter, GungHo Online Entertainment, Falcom

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Dazu war trotz fast täglicher Patches in der Testphase die deutsche Übersetzung bis zuletzt mangelhaft – in der Anfangsphase würden wir euch empfehlen, die Sprache auf Englisch zu stellen. Deshalb haben wir uns entschieden, keinen vollständigen Test mit Empfehlung zu veröffentlichen, sondern den Test in unserem Vorschau-Format „Angespielt!“ zu liefern.

Seit der zweiten Beta, oder genauer gesagt seit ziemlich genau 8 Monaten, verfolgen wir Aniimo auf JPGAMES sehr genau. Schon zu Beginn des Jahres war abzusehen, dass das auf der Unreal Engine 5 basierende Spiel der wahrscheinlich schönste Monstersammler des Jahres wird, und auch bei deutschsprachigen Influencern bekam der Titel wegen seines besonderen Designs und seiner zahlreichen spielerischen Anlehnungen an andere bekannte Titel schnell größere Aufmerksamkeit.

Jetzt ist es endlich so weit – Aniimo wurde weiter poliert, die Plattformen wurden trotz anfänglich angekündigter Konsolenexklusivität für Xbox auf Playstation 5, PCs und Mobile ausgeweitet und es gab auch schon erste Kontroversen, welche die Monetarisierung und das Gameplay für die finale Version beeinflussen, welche am 16. September auf Konsolen und PC erscheint.

Ein pastellfarbenes Palworld ohne Brutalität?

Für viele von euch stellt sich trotzdem die Frage: Was ist Aniimo eigentlich genau? Pokémon in guter Grafik und offener Welt, Palworld ohne die comichafte Brutalität? Oder ist es doch eher wie das stilistisch starke, einfach zu spielende und an Mädchen gerichtete Infinity Nikki mit niedlichen, bunten Monstern?

Tatsächlich ist die Frage gar nicht so einfach zu beantworten, denn Aniimo lässt sich von vielen Spielen inspirieren – am Ende liegt der Fokus aber auf einer kindgerechten Story mit viel Abenteuer und Entdeckungsdrang, inklusive einer wunderschönen Grafik, die vielleicht sogar etwas zu häufig einen Einschlag in mädchenfreundliche Pastelltöne hat.

Eine Sache lässt sich aber ziemlich sicher beantworten: Die Zielgruppe sind nicht Millennials, welche mit Pokémon aufgewachsen sind, sondern junge Menschen weltweit, die ihre aufregende Reise durch die unbekannte Welt voller Kreaturen auf Social Media teilen und auch die kleinen Welten ihrer Freunde besuchen möchten.

Die meisten Anleihen hat Aniimo sicherlich von Palworld. Die frei erkundbare, offene Welt mit mehr oder weniger angriffslustigen Monstern, Herausforderungen gegen Alpha-Monster und mehreren Kampfmissionen in einem Action-RPG-Kampfsystem und Missionen gegen andere NPCs sind auffällige Ähnlichkeiten.

Auch die gefangenen Monster zur Arbeit zu bewegen, ist gewünscht. In der Nähe von Wohnwagenparks ist es möglich, eine Heimat aufzubauen, in der eine Farm mit verschiedensten Basisressourcen in verketteten Arbeitsschritten und Crafting neue Objekte erstellt werden können – darunter auch die nötigen, würfelförmigen Aniipods, mit welchen ihr neue Aniimo fangen könnt. Die comichafte Brutalität wird in Aniimo aber ausgespart – an ihre Stelle tritt eine hübsche, kinderfreundliche und vorwiegend friedliche Welt, die entdeckt werden möchte.

Händchenhalten in den ersten Stunden

In der Geschichte von Aniimo beginnt ihr als ein Streamer oder eine Streamerin, welche/r sich als ForscherIn ein Ticket nach Idyll lösen konnte – eine Welt, in der Monster friedlich mit Menschen zusammenleben. Die Aufmachung dieser Szenen erinnert stark an asiatische Videoplattformen wie NicoNico oder Bilibili – nicht nur hat das Charakterdesign einen starken koreanisch-chinesischen Einschlag, auch die Kommentare in den Zwischensequenzen werden mitten im Bild eingeblendet. Später gibt es auch auf diese Art Hinweise für etwas kniffligere Rätsel.

Leider geht bereits auf eurer ersten Mission etwas gewaltig schief. Nachdem ihr die ersten niedlichen Monster gefangen und die ersten Rätsel gelöst habt, werdet ihr durch einen Unfall in eine Höhle teleportiert, in welcher eine geheimnisvolle Kraft instabil wird.

Glücklicherweise ist hier nicht nur eine gefährliche Kraft gebannt, sondern auch zwei legendäre Aniimo. Für den ersten Bosskampf könnt ihr euch zwischen den Starter-Aniimo Kühno und Lunara entscheiden: Kühno ist ein vorlauter, aber kräftiger kleiner Löwe, während Lunara mit ihrer niedlichen, aber dennoch grazilen Ausstrahlung an die Feen-Entwicklung von Evoli erinnert.

Dynamische Kämpfe durch Twining-Mechanik

In diesem Kampf lernt ihr auch eine Kerntechnik von Aniimo kennen: Das Twining-System, auf Deutsch auch “Verschmelzen” genannt. Mit ihm könnt ihr euch mit eurem Monster-Begleiter verschmelzen und dessen Attacken auch direkt kontrollieren, was für actionreiche und dynamische Kämpfe sorgt.

Nach dem ersten Bosskampf dürft ihr die offene Welt von Aniimo erkunden. Es beginnt in der Forschungsbasis, in der ihr die Basics beigebracht bekommt, Aniimo-Eier ausbrüten könnt, Belohnungen für eure gefangenen Aniimo abholt, deren Kampfkraft bewertet bekommt und vieles mehr.

Schon kurz darauf werdet ihr auf Idyll losgelassen. Das Twinen mit einer pummeligen Gleitmaus (Celestis) verleiht euch die Fähigkeit zu gleiten, mit einem Gluwelp (Emberpup) könnt ihr größere Distanzen schnell auf vier Pfoten zurücklegen und mit einem Tami stellen auch Flüsse keine Herausforderung, sondern eine neue natürliche Umgebung dar.

Eine riesige offene Welt, die entdeckt werden möchte

Schon auf dem Weg in eure erste Stadt seht ihr die ersten Geheimnisse in Form von Mini-Missionen in der Welt, einer geheimnisvollen Kraft, welche Aniimo müde macht, und geheimnisvollen Pollen, welche Pflanzen-Aniimo wie Iris magisch anziehen, sie kräftiger machen und ihnen eine neue Farbe verleihen.

Auch das legendäre Aniimo Irisalis ist im Verlauf der Geschichte immer wieder Thema. Die Legende besagt, dass es sich nicht nur im Kampf klonen und sich vergrößern kann, sondern auch, dass es unsterblich ist – denn es beherrscht angeblich die Fähigkeit der Wiedergeburt.

Bis es so weit ist, dass ihr das legendäre Aniimo mit eigenen Augen sehen könnt, gilt es erst einmal, die Besonderheiten der Spielwelt und der weniger legendären Aniimo kennenzulernen. So könnt ihr durch das Twinen mit einem Flammwuff Ranken verbrennen, Lagerfeuer anzünden und deren Aufwind nutzen oder mit einem Eisfenrir Eisschollen erzeugen und so quasi auf dem Wasser laufen.

Viele dieser Fähigkeiten werden auch abseits der Welt eingesetzt, etwa in den Elementrätseln in den von Breath of the Wild inspirierten Heiligtümern, oder gar in Höhlen – hier ist es manchmal sogar nützlich, Dinge ausgraben oder sogar sich selbst eingraben zu können, um auch unter den kleinsten Öffnungen in der Felswand hindurchschlüpfen zu können.

82 große und kleine Monster

In Kämpfen gegen andere Monster und Forscher:innen ist dagegen die richtige Aufstellung des Teams wichtig. Ein Tank, der gut Schaden einstecken und die Break-Mechanik auslösen kann, ein Damage-Dealer, der in diesen kurzen Phasen möglichst viel Schaden austeilt, und ein Heiler sind empfehlenswert. Am besten in mehreren Element-Varianten und mit unterschiedlichen Spezialattacken, denn auch diese werden im bekannten Schere‑Stein‑Papier berücksichtigt und teilen so mehr oder weniger Schaden aus.

Die Kämpfe haben seit der Beta auch ordentlich zugelegt in der Dynamik und wirken deutlich besser und herausfordernder – auch wenn immer noch etwas Luft nach oben ist. Insgesamt stehen zum Start 82 Aniimo zur Verfügung, welche durch unterschiedliche Formen und Farben über 200 Kombinationen ergeben. Die Kombinationen entstehen durch unterschiedliche Möglichkeiten: Aniimo wechseln bei Nacht oder Regen oft Form und Farbe, manche kommen gar nur in diesen Situationen aus ihren Verstecken.

Ein echtes Highlight sind die vielfältigen, oft liebevollen und witzigen Animationen der zum Teil verboten niedlichen und flauschigen Aniimo. Manchmal reicht es einfach nur, sie klettern oder schwimmen zu lassen oder einfach mal den Controller zur Seite zu legen und die Idle-Animationen zu genießen. Die Aniimo können auch mit zusätzlich kaufbaren Accessoires ausgestattet werden – dazu später mehr.

Entwicklungen und Progression

Das Leveln der Teams erfolgt dabei nicht nur durch Kämpfen, sondern – wie auch in Palworld – durch das wiederholte Fangen der Aniimo. Dazu gibt es auch Items, welche das Leveln vereinfachen. Jedoch gibt es harte Levelcaps, welche nur durch besondere Prüfungen zu überwinden sind. Dazu müssen sowohl bestimmte Missionen abgeschlossen als auch eine praktische Kampfprüfung bestanden und auch eine „schriftliche“ Multiple-Choice-Prüfung absolviert werden.

Dazu gibt es noch einen Talentbaum, der aber besonders die TrainerInnen – welche in Aniimo „Pfadfinder“ (Pathfinder) genannt werden – betrifft. Dazu gehören aktive Fähigkeiten wie LP-Regeneration oder ein Aerobord, aber auch passive Fähigkeiten wie Shop-Freischaltungen oder kleine Statusboosts werden mit der Zeit freigeschaltet, was euch bei späteren Kämpfen unterstützt. Auch die Aniimo selbst lernen mit der Zeit weitere, oft stärkere Attacken.

Das Shopping geht ins Geld

Eine Kontroverse der letzten Monate war die Monetarisierung von Aniimo, denn das Fangen des legendären Aniimo Irisalis erinnerte viele an klassische Gacha-Spiele, obwohl Entwickler Pawprint Studio und Publisher Kingsglory mehrfach betonten, dass das Spiel ein klassisches Free-to-Play-Spiel sei, das sich vor allem durch Skins und Accessoires finanziert.

Die positive Nachricht zuerst: Die Gacha-Elemente wurden entfernt, an ihre Stelle tritt jetzt eine klassische Jagd mit etwas aufwendiger Ressourcensammlung auf dem Weg zum Fang von Irisalis – testen konnten wir das selbst jedoch leider nicht.

Doch das Free-to-Play ist nicht nur auf optische Anpassungen beschränkt – die übrigens ziemlich umfangreich sind. Tatsächlich spielt Aniimo die gesamte Klaviatur der Free-to-Play-Monetarisierung.

Der “Laden”-Abschnitt des stark an Genshin Impact erinnernden Menüs ist fast schon überwältigend. Ein Monatspass erhöht die Ätherenergie und gibt Premiumwährung für das tägliche Einloggen. Dazu schaltet das Begleiterhandbuch in zwei Preisstufen zusätzliche Belohnungen für Vielspieler frei.

Ein klassisches Top-Up-Event zeigt euch besondere Belohnungen für mehrfache Einkäufe mit Echtgeld. Ein zeitlich limitierter Skin kostet schon mal 15 bis 35 Euro. Bei spontanem Ressourcen- und Progressionsmangel hilft der In-Game-Shop selbstverständlich auch – auch mit wöchentlichen Sonderangeboten. Und wie selbstverständlich gibt es auch mehrere In-Game-Währungen mit unterschiedlicher Rarität, welche begrenzt gegen andere Währungen eingetauscht werden können.

All das ist nichts Neues und für Kenner der Finanzierungsmethode in umfangreichen F2P-Spielen auch erwartbar gewesen. Der enorme Umfang der F2P-Monetarisierung könnte jedoch SpielerInnen, welche seltener F2P-Spiele spielen, etwas überraschen. Dennoch ist positiv hervorzuheben, dass man außerhalb der Menüs fast nie mit den Kaufoptionen in Kontakt kommt – auch wenn man während des Spiels natürlich immer wieder ins Menü gelockt wird, um sich die aktuellen Micro-Belohnungen abzuholen.

Hochwertige F2P-Erfahrung

Dafür bekommt man jedoch auch einiges an Gegenwert – die Grafik ist sehr nah dran an aktuellen AAA-Spielen, den Grafikvergleich gegen Vollpreisspiele wie Pokémon und Digimon gewinnt Aniimo auf PlayStation 5, Xbox Series und PC mühelos.

Spielerisch bietet Aniimo einiges an interessanten und umfangreichen Spielementen und macht auch neben der Story und dem Fangen und Trainieren von Monstern viel Spaß. Auch hier muss man sich nicht vor der Vollpreis-Konkurrenz verstecken, hält das Basisspiel aber simpel, während die Progression vergleichsweise komplex ist – Vielspielende haben die Möglichkeit, viel Zeit und Geld ins Spiel zu investieren.

Eine Entdeckungsreise mit vielen interessanten Spielementen

Bildmaterial: Aniimo, Kingsglory, Pawprint Studio

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Titel	Marvel’s Wolverine
	15. September 2026
	Sony Interactive Entertainment
	15. September 2026
	Sony Interactive Entertainment
	15. September 2026
	Sony Interactive Entertainment
System	PlayStation 5
Getestet für	PlayStation 5 Pro
Versionsnummer	1.001.003
Entwickler	Insomniac Games
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Als 2018 Marvel’s Spider-Man von Insomniac Games erschien, musste man richtig gute Comicbuch-Adaptionen im Spielebereich noch fast mit der Lupe suchen. Batman war mit der Arkham-Reihe bis dahin das Maß aller Dinge. Spider-Man füllte diese Lücke seinerzeit hervorragend und legte auch gleichzeitig einen wichtigen Grundstein für die starken Singleplayer-Abenteuer, für die PlayStation in den folgenden Jahren bekannt werden sollte.

Es folgten zwei durchaus respektable Nachfolger und zwischendrin mit Ratchet & Clank: Rift Apart noch ein fantastisches Abenteuer abseits des Marvel-Kosmos. Es lief also für das Studio. Eigentlich war klar, dass diese Reise weitergehen würde – und so kündigte Insomniac bereits 2021 das nächste Spiel rund um einen mindestens ebenso großen Fanliebling an: Wolverine. Und wenn sich jemand dieser Figur annehmen kann, dann doch wohl die talentierten EntwicklerInnen aus Kalifornien.

Trotzdem sollte es ganze fünf Jahre dauern, bis das Spiel tatsächlich erscheint. Am 15. September ist es nun endlich so weit und die PlayStation 5 bekommt einen weiteren der wenigen echten Exklusivtitel – zumindest vorerst. Mit Wolverine schlägt Insomniac allerdings eine deutlich andere Richtung ein als noch mit Spider-Man.

Weg von der großen Open World, hin zu einer lineareren und erbarmungslosen Action-Erfahrung. Schon die bisherigen Trailer machten vor allem mit ihrem ziemlich exzessiven Einsatz von Gewalt auf sich aufmerksam.

Abgetrennte Gliedmaßen statt freundlicher Netzschwingerei – Wolverine macht schnell klar, dass hier ein anderer Wind weht. Wir konnten selbst die Krallen ausfahren und verraten euch in diesem Test, ob auch Wolverine zum nächsten Glanzstück in der ohnehin schon beeindruckenden Vita von Insomniac Games wird.

Narben heilen nicht immer

Wolverine kennen wir vor allem als festen Bestandteil der X-Men. Die X-Men, wie wir sie kennen, existieren hier allerdings nicht. An ihre Stelle tritt das sogenannte Team X, das vor vielen Jahren von Nathaniel Essex gegründet wurde. Am ehesten könnte man ihn als deutlich radikalere Version eines Charles Xavier beziehungsweise Professor X beschreiben. Sein erklärtes Ziel: Mutanten ein Zuhause und eine Zukunft geben – und gleichzeitig den Mutationen und dem mysteriösen X-Gen auf den Grund gehen.

Vor rund 30 Jahren war es auch Essex, der Logan alias Wolverine aus der Wildnis holte und ihm ein neues Zuhause gab. Dumm nur, dass Logan seine Erinnerungen verlor und sich an praktisch nichts aus seinem früheren Leben erinnern kann. Vielleicht ist das aber auch besser so.

Denn obwohl sein Körper dank seiner unglaublichen Regenerationsfähigkeiten nahezu jede Verletzung heilt, ist Logans Seele von Narben übersät, gegen die selbst sein Heilungsfaktor machtlos ist. Seine Vergangenheit lässt ihn nicht los – und im Laufe der Handlung beginnen wir Stück für Stück herauszufinden, was damals tatsächlich passiert ist.

Team X gegen Trask

Halt und einen gewissen Sinn findet Logan im Team X. Zu Beginn ist er gemeinsam mit Mystique und Sabretooth unterwegs. Ihr Ziel ist Bolivar Trask, der es sich zur Aufgabe gemacht hat, sämtliche Individuen mit dem X-Gen auszulöschen. In seinen Augen sind Mutanten eine Gefahr für die Menschheit – und er selbst derjenige, der sie davor beschützen muss.

Dafür unterhält Trask unter anderem seine eigene kleine Söldnertruppe: die Reaver. Ausgestattet mit futuristischer Technologie machen sie Logan und anderen Mutanten das Leben schwer und sorgen gleichzeitig dafür, dass Wolverine seine Krallen ziemlich regelmäßig ausfahren darf.

Wer sind hier eigentlich die Guten?

Anders als noch in den Spider-Man-Spielen steht die eigentliche Geschichte deutlich stärker im Mittelpunkt. Während man sich dort gerne stundenlang in den Aktivitäten der Open World verlieren und die Handlung auch einmal links liegen lassen konnte, folgt Wolverine einem wesentlich geradlinigeren Ansatz. Die Story wird dadurch prominenter inszeniert und wartet mit einigen Überraschungen auf, die sowohl Comic-Fans als auch Leute außerhalb der Marvel-Bubble abholen können.

Besonders interessant wird es, wenn das Spiel seine moralischen Fragen aufmacht. Wie weit darf man gehen, um die eigenen Ideale durchzusetzen? Heiligt der Zweck wirklich jedes Mittel? Und wer sind am Ende überhaupt die Guten und die Bösen?

Wolverine liefert darauf nicht immer einfache Antworten und bringt uns durchaus dazu, Logans eigene Taten und Entscheidungen zu hinterfragen. Gerade diese Grauzonen stehen der Figur hervorragend und verleihen der Geschichte deutlich mehr Gewicht, als man angesichts der ganzen fliegenden Körperteile zunächst vielleicht erwarten würde.

Krallen raus und rein ins Getümmel

Beim Gameplay und insbesondere beim Kampfsystem glänzt Wolverine mit am meisten. Logan ist ein klassischer Nahkämpfer und entsprechend direkt geht es zur Sache. Mit seinen Adamantium-Klingen malträtiert er alles, was sich ihm in den Weg stellt. Das Grundgerüst bleibt dabei relativ simpel: normale Angriffe, Sprintattacken zum nächsten Gegner, Spezialangriffe sowie Parieren und Ausweichen. Mehr braucht es aber auch gar nicht, denn das alles geht hervorragend von der Hand und fühlt sich extrem befriedigend an.

Und Wolverine wäre natürlich nicht Wolverine, wenn die Kämpfe zimperlich ausfallen würden. Blut fließt eimerweise, Gliedmaßen fliegen durch die Gegend und Logan schnetzelt sich teilweise regelrecht durch ganze Gegnerhorden. Gerade hier spielt Insomniac seine große Stärke aus. Fantastische Animationen, fließende Übergänge zwischen den Attacken und die enorme Wucht hinter jedem Treffer sorgen für unglaublich flüssige und fast schon süchtig machende Kämpfe.

Alternativ kann Logan auch seine leisere Seite zeigen und sich an Gegner anschleichen. Das funktioniert grundsätzlich ordentlich, wirkt neben dem hervorragenden Nahkampfsystem aber fast ein wenig wie die langweiligere Alternative. Warum lange verstecken, wenn man dem Gegner auch einfach direkt auf die Mütze geben kann?

Einmal um die halbe Welt

Abseits der Kämpfe fällt die Erkundung ausgesprochen linear aus. Dafür führen uns die einzelnen Abschnitte durch überraschend abwechslungsreiche Schauplätze. Vom fiktiven Insel-Stadtstaat Madripoor über die verschneiten Landschaften Kanadas bis in die verregneten Gassen Tokios bekommt das Auge einiges geboten. Eine Open World sollte man allerdings nicht erwarten – Wolverine führt uns ziemlich geradlinig von einem Schauplatz zum nächsten.

Sammelobjekte gibt es ebenfalls, sie bleiben aber eher Beiwerk. Übersehen kann man sie ohnehin kaum, schließlich blinken und leuchten sie teilweise so auffällig, als würden sie förmlich darum betteln, eingesammelt zu werden. Und damit wären wir bei einem Punkt, über den bei modernen Action-Adventures gerne diskutiert wird: Wolverine nimmt uns ziemlich stark an die Hand.

Eine Duftspur zeigt sehr häufig den Weg zum nächsten Ziel, während weiße Markierungen kaum Zweifel daran lassen, an welcher Wand geklettert oder über welche Kante gesprungen werden soll. Ganz so schlimm, wie die Hilfen hier teilweise dargestellt werden, empfand ich es allerdings nicht. Die Level sind ohnehin derart linear aufgebaut, dass es meistens sowieso nur eine sinnvolle Richtung gibt.

Quick-Time-Events sind auch interessant, diese lösen sich quasi von selbst und bei keiner oder falscher Eingabe werden sie auch „gelöst“. Und nein, die Option für automatische QTEs war natürlich deaktiviert.

Viel Hilfe – wenn man sie möchte

Darüber hinaus lassen sich zahlreiche weitere visuelle Hilfen optional aktivieren. Ob man solche Anzeigen mag oder nicht, bleibt natürlich Geschmackssache. Wer sie benötigt, bekommt hier allerdings viele Möglichkeiten geboten.

Generell verdient Insomniac für die umfangreichen Barrierefreiheitseinstellungen ein großes Lob. Die Auswahl ist wirklich hervorragend und ermöglicht es, zahlreiche Aspekte des Spiels an die eigenen Bedürfnisse anzupassen. Produktionen dieser Größenordnung dürfen sich davon gerne eine große Scheibe abschneiden.

Etwas zusätzliche Abwechslung bringen schließlich die sogenannten Albtraumtüren. Dahinter warten kleinere optionale Herausforderungen, meistens in Form von Kämpfen gegen besondere Gegner oder mehrere Wellen. Gelegentlich steht stattdessen ein kleiner Parcours auf dem Programm. Das ist eine nette Ergänzung für zwischendurch, mehr aber auch nicht.

Hollywood lässt grüßen

Neben den hervorragenden Kämpfen punktet Marvel’s Wolverine vor allem bei seiner Inszenierung. Die bewegt sich über weite Strecken tatsächlich auf Hollywood-Niveau. Besonders die spektakulären Verfolgungsjagden gehören zu den optischen Highlights und lassen es regelmäßig ordentlich krachen. Auch die wenigen Bosskämpfe sind dafür umso aufwendiger inszeniert und bleiben entsprechend im Gedächtnis.

Getestet wurde auf der PlayStation 5 Pro, wo das Spiel im Leistungsmodus konstant die angepeilten 60 FPS hält. Ähnlich soll es auch auf der normalen PlayStation 5 aussehen. Gerade bei den schnellen und teilweise völlig chaotischen Kämpfen ist die stabile Bildrate Gold wert. Diesen Modus würde ich auch im Vergleich zum „Wiedergabetreue“-Modus empfehlen, der nur 30 FPS anpeilt. Alternativ kann noch ein 120-Hz-Anzeigemodus gewählt werden. Mit eingeschalteten „VRR” können Spitzenwerte von 100 fps, in der Regel aber zwischen 70 und 80 fps, auf der PlayStation 5 Pro erreicht werden. Ein entsprechender Monitor oder Fernseher ist natürlich Voraussetzung.

Schön, brutal und butterweich

Auch grafisch zeigt Insomniac erneut, was das Studio aus der PlayStation 5 herausholen kann. Beleuchtung, Reflexionen und insbesondere die Gesichtsanimationen bewegen sich auf einem hervorragenden Niveau. Dazu gesellt sich schickes Raytracing, das gerade die ohnehin beeindruckenden Schauplätze noch einmal aufwertet.

Besonders Logan selbst sieht fantastisch aus. Haare, Bart und natürlich seine ikonischen Koteletten sind derart detailliert dargestellt, dass man gefühlt jedes einzelne Haar zählen könnte. Insomniac hat hier sichtbar viel Arbeit in seine Hauptfigur gesteckt – und das Ergebnis kann sich wirklich sehen lassen.

Technisch hinterließ das Spiel während meines gesamten Testzeitraums ebenfalls einen hervorragenden Eindruck. Bugs, Abstürze oder andere größere Probleme? Fehlanzeige. Kleinere Problemchen sollen laut Entwickler zusätzlich noch mit einem Day-One-Patch behoben werden.

Musikalisch bewegt sich Wolverine ebenfalls auf einem hohen Niveau. Der Soundtrack ist treibend, passend und unterstützt insbesondere die Action hervorragend. Ganz so stark im Gedächtnis wie einige Stücke aus Spider-Man bleibt er für mich allerdings nicht. Seinen Zweck erfüllt er trotzdem mehr als ordentlich.

Grummelig, direkt und irgendwie sympathisch

Die deutsche Synchronisation ist ein zweischneidiges Schwert. Besonders Logan und die anderen Mitglieder von Team X sind gut getroffen, während einige Nebenfiguren qualitativ doch merklich abfallen. Trotzdem ist es schön, dass überhaupt eine vollständige deutsche Vertonung vorhanden ist – bei einer Produktion dieser Größenordnung durfte man das allerdings auch erwarten.

Gerade Logans grummelige Art, wie wir sie aus Filmen, Serien und Comics kennen, fängt die deutsche Stimme erstaunlich gut ein. Der Mann hat nun einmal seine Laster, allen voran den Alkohol, trägt das Herz auf der Zunge und hält mit seiner Meinung selten hinterm Berg. Trotzdem – oder vielleicht gerade deshalb – bleibt Logan genauso sympathisch beziehungsweise unsympathisch, wie wir ihn kennen und lieben.

Fanservice bis in die Koteletten

Generell verneigt sich Insomniac vor zahlreichen Stationen aus Wolverines langer Geschichte. Unzählige Kostüme lassen sich freischalten und Comic-Fans dürften an jeder Ecke kleinere und größere Anspielungen entdecken. Selbst Verweise auf Spider-Man fehlen nicht. Gleichzeitig findet sogar die zeitgenössische Meme-Kultur ihren Platz. Stichwort: „Wolverine Remember“. Wer tief im Marvel-Kosmos steckt, bekommt hier einiges zu entdecken.

Beim Schwierigkeitsgrad stehen insgesamt fünf Stufen zur Auswahl, zusätzlich lassen sich einzelne Parameter noch einmal separat anpassen. Damit sollte für nahezu alle SpielerInnen etwas Passendes dabei sein. Auf dem normalen Schwierigkeitsgrad fällt das Abenteuer allerdings stellenweise sogar etwas zu leicht aus – gerade angesichts dessen, wie erbarmungslos Logan auf dem Bildschirm eigentlich zu Werke geht.

Kürzer, dafür ohne große Umwege

Wer in einem normalen Tempo spielt, sollte nach etwa 15 bis 17 Stunden den Abspann erreichen. Damit fällt Wolverine etwas kürzer aus als die Spider-Man-Abenteuer von Insomniac, wobei der Vergleich natürlich etwas hinkt: Schließlich verzichtet Logan komplett auf eine Open World und setzt stattdessen auf ein deutlich lineareres Erlebnis.

Für meinen Geschmack geht der Umfang damit vollkommen in Ordnung. Wer nach dem Abspann noch nicht genug vom Krallenschwingen hat, bekommt außerdem ein New Game+ spendiert und kann sich ein weiteres Mal durch Logans Abenteuer schnetzeln.

Diese Krallen hinterlassen Eindruck

Bildmaterial: Marvel’s Wolverine, Sony, Insomniac Games

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Titel	Star Wars Zero Company
	27. August 2026
	Electronic Arts
	27. August 2026
	Electronic Arts
	27. August 2026
	Electronic Arts
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	1.1
Entwickler	Bit Reactor, Respawn Entertainment
Genres	Rundenbasierte Taktik-Strategie
Texte
Vertonung

Das Star-Wars-Franchise erfreut sich nach wie vor extrem großer Beliebtheit, speziell unter Sci-Fi-Fans. Neben der Racer-Variante „Star Wars: Galactic Racer“, welche am 6. Oktober dieses Jahres erscheinen soll, haben wir mit der kürzlich erschienenen Taktik-Strategie-Variante Star Wars Zero Company erstmals sogar ein taktisches Star-Wars-Abenteuer im Stile eines XCOM erhalten.

Der US-amerikanische Entwickler und Strategie-Experte „Bit Reactor“ fungierte als Entwickler bei diesem vielversprechenden Projekt. Innerhalb dieses begabten Entwicklerteams befinden sich unter anderem auch ehemalige XCOM-, Gears-of-War- und Civilization-Entwickler. Für genügend Expertise, vor allem im Taktik-Genre, ist also bestens gesorgt.

Das auf Basis der leistungsstarken Unreal Engine 5 entwickelte Taktik-Strategiespiel erschien am 27. August für PS5, Xbox Series und PCs und in unserem ausführlichen Test verraten wir euch nun, ob sich ein Ausflug in taktische Star-Wars-Gefilde lohnt oder ob man sich diesen intergalaktischen Trip besser sparen sollte.

Das Ende der Klonkriege und die Ausrufung des Imperiums stehen bevor

In Star Wars Zero Company übernehmen wir die Rolle eines ehemaligen Offiziers der Republik, „Hawks“. Dieser befehligt nun eine Söldnertruppe gegen Ende der Klonkriege. Die Ausrufung des galaktischen Imperiums steht kurz bevor und unsere Spezialeinheit, die „Zero Company“, muss alles dafür tun, den Ausgang dieses verheerenden Krieges vielleicht doch noch zum Guten zu wenden.

Eines Tages erhält die Zero Company den Auftrag eine Separatistensekte aufzuspüren. Diese geheimnisvolle Sekte ist jedoch nicht das Einzige, mit dem sich unsere Gruppe aus Spezialisten herumschlagen muss. Auch eine geheimnisvolle Krankheit, die sogenannte „Schattenplage“, macht es unserem Trupp nicht gerade einfach, diese waghalsige Mission zu einem guten Abschluss zu bringen.

Unzählige waghalsige und äußerst gefährliche Missionen quer durch die Galaxis erwarten die Mitglieder der Zero Company. Aber genau dafür wurde diese Gruppierung ja schließlich auch gegründet.

Taktisches Vorgehen steht an erster Stelle

Bei Star Wars Zero Company handelt es sich um ein Taktik-Strategie-Abenteuer im Stile eines XCOM. Im Klartext heißt das, das Spiel wird in der Top-Down-Perspektive gespielt und die Spielrunden selbst laufen rundenbasiert ab.

Am Anfang einer jeden Runde hat man also eine bestimmte Anzahl an Zügen pro Charakter zur Verfügung. Sind diese Züge aufgebraucht, beendet man die Runde per Knopfdruck. Anschließend absolviert die KI, also die gegnerischen Einheiten, die zur Verfügung stehenden Züge.

Je nach Situation fallen diese mal mehr und mal weniger intelligent gewählt aus. Hier entscheidet natürlich auch der ausgewählte Schwierigkeitsgrad über die gewählten Entscheidungen, die die KI trifft. Hat man einen niedrigeren Schwierigkeitsgrad ausgewählt, fallen die Züge recht oft weniger geschickt aus, um es uns etwas leichter zu machen.

Speziell für das Star-Wars-Franchise ist ein Titel in diesem Genre also ein absolutes Novum. Viele Jahre träumten Star-Wars- und XCOM-Fans jedoch bereits von einer Kreuzung des Franchise und des Genres und nun haben wir diese Wunschfantasie mit Star Wars Zero Company endlich erfüllt bekommen. Und eines kann man getrost sagen: Diese Kombination passt wirklich wie die Faust aufs Auge.

Viele Upgrademöglichkeiten schaffen Raum für taktische Finesse

Zum ohnehin schon sehr taktisch ausgelegten Gameplay-System kommen noch eine Vielzahl an Upgrade- und Anpassungsmöglichkeiten hinzu. Zum einen haben wir natürlich stets die Möglichkeit, unseren Trupp anzupassen, verschiedene neue Agenten zu rekrutieren und sogar deren Beziehungen untereinander zu stärken, um den Zusammenhalt in der Gruppe noch weiter auszubauen. Das stärkt nicht nur jeden einzelnen Mitstreiter, sondern am Ende die gesamte Gruppe.

Obendrein haben wir jedoch auch die Möglichkeit, die Fähigkeiten unserer Crewmitglieder und sogar deren Bewaffnung anzupassen. Neben verschiedenen Waffenmodifizierungen können wir ebenfalls die Outfits unserer Gruppenmitglieder anpassen. Den kreativen und taktischen Entfaltungsmöglichkeiten sind also kaum Grenzen gesetzt.

Zwischen den fordernden Kämpfen schaltet das Spiel außerdem in die Third-Person-Perspektive. So fühlt sich das Spielgeschehen dann gleich noch eine Spur immersiver an. In diesem Third-Person-Modus können wir uns dann bis zum nächsten Kampfschauplatz durch das jeweilige Areal bewegen. Treffen wir allerdings wieder auf feindlich gesinnte Einheiten, schaltet das Spiel wieder in die Taktik-Perspektive. Ein interessanter Kniff, der den recht starren Taktik-Ansatz von Zero Company etwas auflockert und uns das Abenteuer nicht nur in der Taktik-Perspektive erleben lässt.

Zwischen den Missionen finden wir uns im Hub wieder

Unser Hauptquartier ist der Dreh- und Angelpunkt der Zero Company. Denn hier entscheiden wir wohlüberlegt, auf welche Mission wir uns als Nächstes begeben oder welche Mitstreiter wir auf diverse Zusatzmissionen aussenden, um weitere Ressourcen zu erhalten.

Sollte ein Mitstreiter während einer Mission mal schwerer verletzt werden, wird dieser auf unsere hauseigene Krankenstation geschickt. Die nun anstehende Genesungszeit können wir auf Wunsch und mit Hilfe des Einsatzes von Ressourcen sogar beschleunigen und somit abkürzen. Ein weiterer taktischer Kniff, den es jederzeit zu bedenken gilt.

Ebenso werden alle Anpassungsmöglichkeiten innerhalb des Hubs erledigt und ausgewählt. Auch halten sich unsere Crewmitglieder in diesem Hub auf. Zwischen den Missionen kann man mit diesen Mitgliedern dann sogar hin und wieder ein Pläuschen halten. Diese kurzen Unterhaltungen treiben die Geschichte teils weiter voran und verschaffen uns auch zusätzliche Informationen über die Mitglieder selbst.

Permadeath-Modus für hartgesottene Taktik-Fans

Für absolute Hardcore-XCOM- und Taktik-Fans haben die Entwickler von Bit Reactor etwas Besonderes eingebaut. Denn der sogenannte „Permadeath“-Modus sorgt nämlich dafür, dass verstorbene Charaktere unserer Gruppe auch tot bleiben. Das heißt: Verliert man einen Charakter auf und während einer Mission, ist dieser unwiderruflich ausgelöscht und kann auch nicht mehr wiederbelebt werden. Jede Entscheidung kann also weitreichende und einschneidende Folgen haben, die das zukünftige Spielgeschehen maßgeblich beeinflussen.

Dieser Modus sollte allerdings mit Bedacht gewählt werden, da man sich, speziell bei zu unüberlegtem Vorgehen, schnell den gesamten Spielverlauf ruinieren kann und theoretisch von Neuem beginnen muss, wenn man einen bestimmten Charakter am digitalen Leben erhalten möchte. Auf Wunsch kann der Permadeath-Modus aber natürlich auch deaktiviert werden.

Detaillierte und schön anzusehende Optik trifft auf störende Nachladeruckler

Die technische Seite von Star Wars Zero Company ist leider ein recht zweischneidiges Schwert. Zum einen sieht die Optik, die auf der Unreal Engine 5 basiert, wirklich toll und sehr detailreich aus. Die Spielwelten und Areale strotzen regelrecht vor kleinen Details. Die Liebe zum Detail merkt man dem Titel also quasi pausenlos an und die typische Star-Wars-Atmosphäre wird auch wunderbar transportiert.

Zum anderen wäre da allerdings noch die eher durchwachsene Performance, die das Spielgeschehen hin und wieder doch mal etwas ruckelig wirken lässt. Die Performance-Einbrüche sind allerdings keine typischen FPS-Drops, wie man im ersten Moment vielleicht meinen würde. Vielmehr handelt es sich um eine Art Nachladeruckler, wenn man beispielsweise im Spielareal voranschreitet. Interessant ist hierbei die Tatsache, dass wir die PS5- und die PC-Version testen konnten und beide Versionen dieselben Verhaltensmuster diesbezüglich an den Tag legen. Man kann also definitiv ausschließen, dass es sich um Ruckler aufgrund von eventuellen Hardwaredefiziten handelt.

Alles in allem sieht Star Wars Zero Company aber toll aus und spielt sich auch so. Die immer mal wieder auftretenden Ruckler müssten zwar nicht sein, stören den eigentlichen Gameplay-Ablauf aber im Endeffekt nicht. Dieses Problem könnten die Entwickler mit einem zukünftigen Patch natürlich auch noch verbessern oder sogar komplett in den Griff bekommen.

Kultiger Soundtrack, knallige Effekte und ordentliche Synchronisation ergeben ein ordentliches akustisches Gesamtbild

Wie üblich für ein Star-Wars-Videospiel darf natürlich auch bei Zero Company der absolut kultige und äußerst beliebte Star-Wars-Soundtrack nicht fehlen. Dieser untermalt die actionreichen Szenen stets wunderbar und lässt zu jeder Sekunde pures Star-Wars-Feeling aufkommen. So muss es sein.

Aber auch die toll abgemischten, knalligen und stets passenden Soundeffekte runden das Spielgeschehen stets wunderbar ab. Obendrauf gibt es noch eine ordentliche und sauber umgesetzte Synchronisation, die auch größeren Projekten in nichts nachsteht. Was will man als eingefleischter Star-Wars-Fan denn auch mehr?

Star Wars ist erfolgreich im Taktik-Strategie-Genre angekommen

Bildmaterial: Star Wars Zero Company, Electronic Arts, Bit Reactor, Respawn Entertainment

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