Titel	Forza Horizon 6
	19. Mai 2026 (Early Access 15. Mai)
	Xbox Game Studios
	19. Mai 2026 (Early Access 15. Mai)
	Xbox Game Studios
	19. Mai 2026 (Early Access 15. Mai)
	Xbox Game Studios
System	Xbox Series X/S, PC, Cloud
Getestet für	PC, Geforce Now
Entwickler	Playground Games
Genres	Rennspiel
Texte
Vertonung

Seit über einem Jahrzehnt begeistert die Festival-Rennspiel-Serie Forza Horizon Fans weltweit und erhält mit jedem neuen Eintrag Top-Wertungen. Nachdem es zu Beginn der aktuellen Konsolengeneration in Forza Horizon 5 quer durch Mexiko gegangen war, wurden wir hellhörig, als es hieß, Forza Horizon 6 solle Japan als „Horizon Festival“-Austragungsort haben. Ob ein ambitioniertes Rennspiel den Flair des vielfältigen Landes wirklich ausreichend einfangen kann?

Einen kleinen Dämpfer der Vorfreude gab es vorab, denn Microsoft kündigte an, die Landkarte im Spiel stark an die Anforderungen anzupassen – das heißt, die Karte wurde geschrumpft und nur die wichtigsten Orte verbleiben im Spiel. Am Ende ist diese Entscheidung vielleicht sogar eine Stärke des Titels.

Forza Horizon 6 orientiert sich zwar stark an Tokio und beinhaltet auch alle wichtigen Stadtteile und Wahrzeichen, diese wurden aber bewusst angepasst und dichter zusammengeführt – so befindet sich der Tokio Tower direkt in der Nähe des Shibuya Scramble und ist von dort in weniger als 30 Sekunden erreichbar, was im echten Stadtbild so natürlich nicht möglich wäre.

Außerdem ist man auf diese Weise in wenigen Minuten bereits in den Bergen, um an den vielzähligen Drift-Events teilnehmen zu können. Die Fahrzeuge verfügen übrigens über einen Autopiloten, womit ihr euch zu den nächsten Events fahren lassen und die virtuelle Landschaft genießen könnt. Von den Außenbezirken die Skyline von Tokio und im Hintergrund die weltbekannten Gebirge Japans zu sehen, ist zu jeder Jahreszeit und bei jedem Wetter ein Hingucker.

Japanische Autokultur im Vordergrund

Wie Deutschland hat auch Japan eine starke Autokultur, welche in Forza Horizon 6 zum Ausdruck kommt. Über hundert Fahrzeuge bekannter Marken wie Toyota, Honda, Nissan, Mitsubishi, Mazda, Subaru und Suzuki sind im Spiel vorhanden – insgesamt sind es über 550 Fahrzeuge. Leider fehlen bislang die dazugehörigen Motorradmarken – vielleicht eine Möglichkeit für zukünftigen DLC.

Ein echtes Highlight ist nicht nur die detailgetreu nachgebaute Innenstadt, sondern auch die authentischen Gameplay-Elemente wie die Drift-Herausforderungen, die regelmäßigen Autotreffen an legendären Orten wie dem Daikoku-Parkplatz in Tokio sowie das Aftermarket-Car-System, das die ausgeprägte japanische Tuning-Szene mit echten japanischen Tuning-Marken zeigt. Nicht nur auf dem Berg Haruna und an der bekannten Bandai Azuma Skyline gibt es Drift-Events  – etwas, das Fans der „Initial D“-Serie bereits länger bekannt ist.

Das Spiel würdigt insbesondere die Vielfalt japanischer Fahrzeugtypen: von einzigartigen Kei-Cars wie dem Autozam AZ-1 und dem Honda Beat über JDM-Ikonen wie Nissan Skyline GT-R, Toyota Supra MK4 und Mazda RX-5 bis hin zu den Japan-spezifischen Antriebstechnologien.

Japanische Kultur über Fahrzeuge transportiert

Ein weiteres Highlight ist das Livery-System, mit dem SpielerInnen aus aller Welt ihre Fahrzeuge mit eigenen Motiven lackieren können. Das neue Japan-Thema brachte Fans bereits auf einige kreative Kreationen im farbenfrohen japanischen Stil, auch einige Elemente der japanischen Popkultur wie Hatsune Mikus Goodsmile Racing Team oder Hololive durch dessen kürzliche Kollaboration mit Asphalt Legends Unite sind immer wieder zu sehen.

Aber auch die japanische Servicekultur wird mit dem Lieferwagen „RakuRaku Express“ abgebildet. In den zeitkritischen Liefermissionen holt ihr die Lieferung in einer Seitengasse bei einem Restaurant ab und driftet präzise durch die engen Gassen der Großstadt. Ein stilvolles Versenken des Lieferwagens in der Tokio Bay während der Sushilieferung ist übrigens nicht erwünscht. Gomen nasai!

Electric City, Electric Music

In Forza Horizon 6 ist Gacha City Radio ein eigenständiger Radiosender, der perfekt in das japanische Spielsetting integriert ist und die Atmosphäre des Stadtviertels Akihabara und dessen Anime- und Gaming-Kultur einfängt. Der auf japanisch moderierte Radiosender spielt J-pop, J-rock, City Pop sowie Anime- und Future-Core-Tracks.

Populäre Songs sind Bling-Bang-Bang-Born von Creepy Nuts (Mashle-Opening) und New Genesis von UTA aus dem One-Piece-Film – unsere Favoriten sind jedoch IDOL von YOASOBI (Oshi no Ko – Opening), Miku ft. Hatsune Miku von Anamanaguchi, Snail’s House (Kawaii Future Bass) mit dem Track „CatJammer“ und natürlich die Stücke von Babymetal.

Tagestouren führen durch das vielfältige Land

Ein weiteres Highlight abseits der Rennen sind die gemütlichen Tagestouren und Entdeckungstouren, die euch ohne Stress und mit einem geführten Guide die Hintergründe der besuchten Orte und auch der verwendeten Fahrzeuge erzählen.

Jede der im Spiel enthaltenen Regionen, von der pulsierenden Metropole Tokio über die Küste mit weiten Stränden bis zu den Highlands mit kurvigen Bergpässen, wird so detailliert beleuchtet, oft mit kulturellen Hintergrundinformationen zu den Gebäuden und den genutzten Fahrzeugen. Jede Region besitzt ein eigenes Wahrzeichen und Maskottchen. Als Teil der Story führen sie euch auch an abgelegenere Orte und bringen euch das Phänomen der verlassenen Häuser auf dem Land, die sogenannten Akiya, näher.

Spielerisch gab es eher vorsichtige Erweiterungen und Verbesserungen, was allerdings nichts Negatives ist. Der Drohnenmodus ist präsenter und hilft beim Auffinden der versteckten Scheunen. Dazu kommt die häufig besser ausgearbeitete Landkarte mit den viel befahrenen und zum Teil engen Straßen der Großstadt Tokio als Highlight, ein verbessertes Progressionssystem, eine stärkere Atmosphäre durch verbesserte Präsentation und Raytracing-Beleuchtung im Spiel, die auch das wechselnde Wetter und die wechselnden Jahreszeiten überzeugender darstellt.

Auch am Sound wurde nochmals ordentlich Hand angelegt, zum Teil sind die Fahrzeuge rein durch ihre überzeugenden Motorengeräusche unterscheidbar. In Kombination führt das alles dazu, dass man gerne zurück ins Spiel kommt, um „nur noch eine Runde“ zu fahren – wir wissen alle, wie das ausgeht.

Ein gelungener Roadtrip in Japan

Bildmaterial: Forza Horizon 6, Xbox Game Studios, Playground Games, Turn 10 Studios

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Titel	Directive 8020
	12. Mai 2026
	Supermassive Games
	12. Mai 2026
	Supermassive Games
	12. Mai 2026
	Bandai Namco
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Supermassive Games
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Videospiele, die ihren Fokus in erster Linie auf eine ausschweifende und extrem atmosphärische Erzählung der Story legen und andere Aspekte, wie beispielsweise ein komplexes Kampfsystem, außen vor lassen, liegen immer noch schwer im Trend.

Nicht erst seit Heavy Rain weiß man, dass eine gut erzählte Story so manche Actioneinlage ersetzen und vielleicht sogar toppen kann, speziell in emotionaler Hinsicht. So gab es neben weiteren Titeln aus dem Hause Quantic Dream, den Entwicklern hinter Heavy Rain, auch andere Publisher und Entwickler, die sich an diesem neu entdeckten Genre versuchen wollten.

Mit der „Dark Pictures“-Reihe schuf der britische Entwickler Supermassive Games gleich eine ganze Reihe solcher Titel und bewies somit erneut, dass eine gut geschriebene Story eben doch so manches Actionfeuerwerk ersetzen kann. Mit „Man of Medan“ startete die Reise des britischen Entwicklers.

In den folgenden Jahren folgten mit „Little Hope“, „House of Ashes“ und „The Devil in Me“ gleich mehrere Nachfolger und somit auch Ableger der „Dark Pictures“-Reihe. Mit „Switchback VR“ wagte man sich im Jahre 2023 sogar in Virtual-Reality-Gefilde auf PlayStation VR2.

Der neueste Streich des Entwicklers Supermassive Games hört auf den mysteriösen Titel „Directive 8020“ und ist ein Sci-Fi-Abenteuer, bei welchem der Hauptfokus erneut auf einer spannend erzählten Story liegt. Ob dem britischen Entwickler dieser Sci-Fi-Ausflug gelang und ob Directive 8020 an die Qualitäten früherer Dark-Pictures-Ableger anknüpfen kann, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Test.

Im Weltraum hört dich niemand schreien

Das Raumschiff „Cassiopeia“ wird auf eine Aufklärungsmission geschickt um Informationen und Daten über den Planeten „Tau Ceti f“ zu sammeln. Dieser vielversprechende Planet, der die letzte Hoffnung der Menschheit zu sein scheint, wird ungefähr zwölf Lichtjahre von der Erde entfernt vermutet. Aufgrund einer tragischen Katastrophe ist die Erde dem Untergang geweiht und folglich sucht die Menschheit nun nach einem neuen, bewohnbaren Planeten, welcher der Erde in Art und Lebensbedingungen ähnelt.

Nach einem tragischen Vorfall kommt es allerdings zu einem technischen Defekt des Schiffes und die fünfköpfige Besatzung der Cassiopeia sieht sich nun mit einer völlig neuen Art der Bedrohung konfrontiert. Eine spannende und durchaus unheimliche Geschichte entfaltet sich und wir müssen stets wachsam sein und immer wieder weitreichende Entscheidungen treffen, welche die Geschichte und auch das Schicksal der Crew maßgeblich beeinflussen könnten.

Spannend erzählte Story trifft auf leichte Gameplayeinlagen

Der Fokus von Directive 8020 liegt, wie auch schon bei anderen Ablegern der Dark-Pictures-Reihe, ganz klar auf der spannend erzählten Story. Mit seinen, oft extrem unheimlichen, Survival-Horror-Vibes weiß auch der neueste Teil der Reihe zu begeistern und schafft es gekonnt den Spieler innerhalb kürzester Zeit in seinen Bann zu ziehen.

Wir übernehmen im Verlauf des Spiels die Kontrolle über jeden der fünf Charaktere der Crew und steuern diese, wie man es von der Reihe gewohnt ist, aus der Third-Person-Perspektive. Die Gameplayeinlagen fallen, auch hier wieder typisch für die Reihe, eher simpler aus, da der Fokus ganz klar auf der Erzählung der Story liegt. Actionreiche Szenen werden oft per Quick-Time-Event gesteuert.

Hier verlangt das Spiel also eine schnelle Reaktion von uns, da wir innerhalb eines bestimmten Zeitfensters eine oder mehrere angedeutete Tasten zur richtigen Zeit drücken müssen. Schafft man dies nicht, bedeutet das oft den Tod des Charakters. Dieser ist fortan aus dem Spiel geschieden und die Geschichte läuft ohne diesen Charakter weiter. Je nach Spielstil und ob man während dieser entscheidenden Szenen erfolgreich oder nicht erfolgreich ist, ändert sich dann natürlich auch der Ablauf der Geschichte und somit natürlich auch das Ende.

Erstmals in der Geschichte der Dark-Pictures-Reihe haben wir nun jedoch auch die Möglichkeit, das Spielgeschehen zurückzuspulen, um bereits begangene Fehler zu korrigieren und die Geschichte in eine positivere Richtung zu lenken. Dieses Feature lässt sich zu Beginn des Abenteuers jedoch auch komplett deaktivieren, somit bleiben Entscheidungen und Fehler, die während eines Spieldurchgangs gemacht werden, dauerhaft bestehen. Eine zusätzliche Herausforderung vor allem für Kenner der Reihe. Speziell Serien-Neulingen kommt dieses neue Feature natürlich sehr gelegen.

Neu sind nun auch diverse Stealth-Passagen. Hier müssen wir uns gezielt bewegen und uns vor allem leise verhalten, damit die jeweilige Situation nicht eskaliert und unser Charakter die drohende Gefahr wohlbehalten übersteht. Ein nettes neues Feature, welches der Reihe etwas frischen Wind verleiht und das mittlerweile doch recht altbekannte Gameplay etwas auflockert.

Speziell in Sachen Spannung und Nervenkitzel sind es gerade diese Stealth-Passagen, die den Puls zum Ansteigen bringen. Mit der absolut beklemmenden Atmosphäre eines Little Hope kann Directive 8020 zwar nicht ganz mithalten, dennoch weiß der Titel durchaus mit spannenden und beklemmenden Situationen zu begeistern. Das Sci-Fi-Abenteuer konnte uns somit nicht nur ein Mal das Fürchten lehren.

Innovativer Mehrspielermodus wieder mit an Bord

Auch der aus den Vorgängern der Reihe bekannte Mehrspielermodus „Filmabend“ ist hier wieder mit an Bord. In diesem Modus können bis zu fünf Spieler im Koop-Modus oder erstmals in der Reihe auch online miteinander spielen.

Gerade in diesem Genre ist ein Multiplayer-Modus doch recht unüblich, daher ist es umso erfreulicher und löblicher, dass sich die Entwickler von Supermassive Games für die Implementierung eines solchen entschieden haben. Wegweisend für das Genre, könnte man sagen.

Optisch ansprechend, aber leider nicht atemberaubend

Aus grafischer Sicht wirkt Directive 8020 zwar durchaus ordentlich, aber leider nicht bahnbrechend umgesetzt. Gerade die Charaktermodelle und deren Gesichter wirken durchaus hochwertig. Speziell die Mimik der Charaktere ist hier positiv hervorzuheben, da diese auch extrem wichtig für die Atmosphäre eines solchen Titels ist.

Leider fehlt es dem Ganzen jedoch etwas an grafischem Bombast. Gerade im Sci-Fi-Sektor hat man schon deutlich schönere und eindrucksvollere Spielwelten gesehen. Hier wäre also definitiv mehr drin gewesen. Speziell die Texturen des Schiffes wirken oft etwas trist. Dafür ist die absolut stimmige Beleuchtung der Areale oft ein Augenschmaus. Hier wurde wirklich alles für eine beklemmende Lichtstimmung getan.

Der Titel lief außerdem stets mit absolut flüssigen 60 Frames über den Bildschirm und auch sonst stießen wir während unserer Testsession auf keinerlei technische Probleme. Handwerklich also durchaus gut und sauber gemacht lässt sich an den optischen Qualitäten des Titels nur recht wenig ankreiden.

Ordentliche Soundeffekte und eine gute Synchronisation runden das Bild ab

Neben den absolut sauber und gut umgesetzten Soundeffekten und stimmigen Klangteppichen ist es vor allem die Synchronisation, die dem Titel die nötige Atmosphäre verleiht. Diese Synchronisation fällt bei Directive 8020 meist gut bis ziemlich ordentlich aus. Hin und wieder gibt es auch mal kleinere Ausreißer nach unten.

Alles in allem erwartet uns hier aber ein durchaus stimmiges Abenteuer, welches mit etwas mehr Aufwand vielleicht noch einen Tick besser hätte werden können. Speziell in Sachen Synchronisation wäre hier noch deutlich Luft nach oben gewesen. Das ist aber wie so oft vielleicht auch einfach eine Sache des Budgets.

Spannendes und unheimliches Sci-Fi-Abenteuer mit Entscheidungsfreiheit

Bildmaterial: Directive 8020, Bandai Namco, Supermassive Games

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Titel	Life is Strange: Reunion
	27. März 2026
	Square Enix
	26. März 2026
	Square Enix
	26. März 2026
	Square Enix
System	PS5, Xbox Series, PC
Getestet für	PS5
Entwickler	Deck Nine Games
Genres	Adventure
Texte
Vertonung

Vor kurzem erschien Life is Strange: Reunion und es wurde gehofft, dass man die Serie nach dem etwas schwachen Vorgänger wieder auf Spur bringt. Bei Life is Strange: Double Exposure gab es damals ja einiges an Kritik hinsichtlich der Charaktere, Technik und der Geschichte. Unser Review war da noch recht positiv gehalten, ihr könnt es hier nochmals nachlesen.

Nun stellt man sich natürlich einige Fragen: Ist das nun das große Finale von Max Caulfield? Können alle Fragen beantwortet werden? Wie passt Chloe in diese Geschichte wieder rein und macht das überhaupt noch Sinn? Schafft es der Entwickler einen runden Abschluss zu liefern? Ist es ein Abschluss?

Ein Leben als Manager

Das Leben als Manager einer Band, es ist nicht einfach. Heute Abend ist der Gig und die Gruppe ist noch nicht da. Der Veranstalter wird langsam nervös, er sollte lieber nervös wegen des Zustandes seiner Bar sein. Ein echtes Rattenloch. Doch Chloe schafft es ihn zu besänftigen.

Doch bevor ihr eure Gedanken sammeln könnt, passiert es wieder. Die Zeit um euch herum beginnt sich zu verlangsamen. Um euch wird es nebulös. Ehe ihr euch verseht, verliert ihr euer Gleichgewicht und stürzt rücklings durch die Realität. Ihr befindet euch wieder an demselben freakigen Ort wie schon die Male zuvor.

Eine schneebedeckte Landschaft, die ihr nicht kennt. Einzelne Objekte aus ihrer gewohnten Umgebung und ihrem Zweck entrissen, umringen euch wie in einer Traumwelt. Das ist es doch, ein Traum? Anders könnt ihr es euch nicht erklären. Mit jedem Traum wird es verrückter und plötzlich seid ihr wieder in der verranzten Spelunke. Aus einem Impuls der Unsicherheit beschließt ihr Max aufzusuchen. Vielleicht um Antworten zu finden, oder Halt in einer sich plötzlich auf euch herabstürzenden Realität.

Ein aufstrebender Stern

Max Caulfield, Star-Fotografin, Dozentin an der Caledon-Universität, hatte wiederum ein berauschendes Wochenende in New York. Mit Ausstellungen, Interviews und dem ganzen Drumherum eben. Nun freut sie sich auf die Rückkehr zu ihren Freunden wie Moses und ihren Studenten. Doch was so umwerfend begann, entwickelt sich in einen Albtraum sondergleichen.

Eine neue Katastrophe stürzt über euch herein und wieder springt ihr in der Zeit zurück um die Katastrophe abzuwenden, doch wird es auch dieses Mal einen Preis geben, den Max bereit ist zu zahlen? Kann sie die Fehler der Vergangenheit so kitten, dass es ein Happy End geben wird oder fällt alles vor ihren Augen zusammen und verbrennt zu Asche?

Das große Finale?

Wer weiß das schon, aber man bemüht sich sowohl Neulinge als auch Fans der Reihe mitzunehmen. Bevor es losgeht, könnt ihr euch für die wesentlichen Ausgänge der vorherigen Teile entscheiden. Welche dann Auswirkungen auf die Art und Weise der Geschichte haben.

Auch eine Zusammenfassung der Geschehnisse seit Arcadia Bay bis hin zu Reunion zeigt euch nochmal die wesentlichen Ereignisse der Geschichte. Alles um euch sattelfest zu machen, man scheint sich also irgendwo bewusst gewesen zu sein, dass die bisherige Struktur der Geschichte etwas konfus war.

Auch die Fortsetzung der Geschichte rund um Max, Chloe und Safi, deren Kräfte und Konsequenzen wirkt etwas durchdachter als noch in Reunion. Für Freunde von Double Exposure gibt es auch einige witzige Referenzen im neuesten Ableger. Reunion erzählt wieder eine sehr emotionale Geschichte mit warmen, herzlichen Momenten, aber auch viel Drama. Die Geschichte ist mehr als solide, wenn sie auch an manchen Punkten etwas aufgesetzt in der Charakterentwicklung einiger weniger Figuren wirkt.

Hätte ich doch nur anders gehandelt …

Wie auch schon in den vorherigen Teilen ist Reunion ein storygetriebener Titel gespickt mit Dialogoptionen, die sich auf die Geschichte auswirken können. Mehrere Handlungsstellen haben Auswirkungen auf das Ende. Gefühlt ist der Fokus wieder etwas stärker auf die Wichtigkeit eurer Entscheidungen gesetzt, was in Double Exposure von vielen kritisiert wurde. In Reunion wechselt ihr zwischen Max und ihrer besten Freundin Chloe, ihr interagiert mit Personen, spult mit Max‘ Fähigkeiten die Zeit zurück und löst dabei Rätsel. Keine schweren Rätsel, aber glaubwürdige.

Es ist schade, dass man Safi hier nicht als spielbaren Charakter mit eingearbeitet hat. Man merkt, dass der Fokus des Spiels auf Chloe und Max liegt. Es wäre vermutlich aber noch spannender geworden, wenn man auch Safis Fähigkeiten zur Gestaltwandlung hätte einsetzen können. Da kann man leider nur von verschenktem Potenzial reden. Sie ist zwar immer noch ein wichtiger Charakter, aber der Fokus liegt eben auf Max und Chloe. So bewegt ihr euch mit den beiden durch eine wundervolle Szenerie, gespickt mit interaktivem Drama und Herzlichkeit.

Warme Bilder mit hervorragender Soundkulisse

Was Life is Strange: Reunion auf jeden Fall kann, ist starke Bilder zu liefern. Die besonderen Momente erscheinen durch die Grundstimmung, die Szenen und Kameraeinstellungen immer besonders. Diese Momente gibt es nicht am laufenden Band, weswegen diese auch nach dem Spielen in Erinnerung bleiben. Die Charaktere und die Umgebungen sind schön modelliert und durch passende Lichteffekte in Szene gesetzt. Schon die erste Szene mit Max gibt euch dieses warme Gefühl eines perfekten Sonnenuntergangs.

Trotzdem gibt es auch bei Reunion von Zeit zu Zeit unschöne Clippingfehler, gerade mit Haaren, die in den Gesichtern verschwinden, oder seltsame Ausleuchtungen, die Max‘ und Chloes Haare neon schillern lassen. Trotz alledem schaffen die Entwickler mit diesem Ableger wieder ein einzigartiges Ambiente, was nicht zuletzt auch wieder dem stimmungsvollen Soundtrack geschuldet ist. Eine Stärke der gesamten Reihe. Schade fand ich nur, dass NPCs wieder zu der stillen Sorte gehören. NPC-Gespräche im Freien zu hören war in Double Exposure eigentlich ein nettes Feature, was die Szenerie gefühlt lebendiger gemacht hat. Über die deutsche Synchronisation kann man nicht meckern, man muss sie hingegen wieder einmal loben. Hier wurde sehr gute Arbeit geleistet.

Unterm Strich

Bildmaterial: Life is Strange: Reunion, Square Enix, Deck Nine Games

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Jetzt gibt es von HoYoverse in seinem neuen Cozy-Game Petit Planet gleich einen ganzen Planeten, den ich nach meinen eigenen Wünschen gestalten kann. Auch meine tierischen Nachbarn sind alle erstaunlich freundlich und erschaffen eine seltene Wohlfühlatmosphäre in der actionreichen und kampflastigen Gaming-Szene. Was will man mehr?

Dabei bin ich zugegebenermaßen etwas voreingenommen in den Test gegangen. Noch ein Cozy-Game? Davon gibt es doch bereits genug. Wie will man denn Heartopia und Animal Crossing noch toppen? Und: Kann HoYoverse nach den erfolgreichen Gacha-Action-RPGs der Sprung zu einem Free-to-play-Cozy-Game überhaupt gelingen? Petit Planet hat es dennoch geschafft, mich bereits in wenigen Stunden trotz aller Zweifel abzuholen.

Das Spiel setzt dabei auf Stärken, die man von HoYoverse kennt. Nach wenigen Minuten im Spiel entsteht eine gewisse Magie mit seinen liebevollen Zwischensequenzen, der stimmigen und beruhigenden Farbpalette und Musik, überzeugender Charakter-Vertonung und niedlichen Charakteren, die man am liebsten knuddeln würde.

Noch ist bei weitem nicht alles perfekt im „Stardrift Test“, auf dem diese Preview basiert. Insbesondere technisch gab es auf dem PC noch einige grobe Fehler – der schmerzhafteste war der kaputte Controller-Support, also WASD-te ich mich inklusive Touchpad durch die verschiedensten Bereiche des Spiels.

„Das kenne ich doch irgendwoher …“

Die grundsätzliche Ausrichtung von Petit Planet ist durchaus interessant und zeigt ihre Stärken vor allem dort, wo Nintendos Cozy-Game seine Schwächen hat. Ein direkter Vergleich mit dem wahrscheinlich größten Genrevertreter ist nicht ideal, aber HoYoverse drängt ihn förmlich auf.

Viele Kern-Gameplay-Mechaniken überschneiden sich deutlich: Die Ressourcen-Suche in der Umgebung wirkt vertraut, ebenso der Ausbau von Häusern, Läden und dem Museum. Hinzu kommen bekannte Elemente wie Crafting, das Umgestalten der Welt, das Einrichten des eigenen Zuhauses sowie das Zubereiten von Speisen und Getränken zur Steigerung der Ausdauer.

Auch die von freundlichen, leicht verpeilten Tieren bewohnte Umgebung weckt klare Assoziationen. Die größten Unterschiede? Es gibt keine Dinosaurierknochen und bei Nintendo war es eine Insel statt eines Planeten. Aber war die Umgebung nicht auch irgendwo „rund“?

Erst einmal Tee trinken

Petit Planet startet seine Reise in die neue Umgebung dabei deutlich anders und entspannter. Nachdem wir in einer Zwischensequenz in einem fliegenden Auto durch das Planetenmeer zum neuen Zuhause geflogen werden, nimmt mich ein Begrüßungskomitee unter Leitung des hibbeligen Häschens Elsasani und des äußerst gemütlichen Hundes Mobai in Empfang.

Und dann? Erst mal nicht viel. Kein Zelt aufstellen, kein Holz sammeln, kein Tanuki, der einen Kredit abbezahlt haben möchte, sondern einfach nur einen Baum schütteln und aus den heruntergefallenen Früchten einen frischen Früchtetee für alle Planetenbewohner zubereiten.

Diese Einfachheit zieht sich wie ein roter Faden durch das gesamte Gameplay. Im Fokus steht vor allem das Miteinander und die Harmonie, sowohl auf dem eigenen Planeten als auch in den späteren Online-Gemeinschaftsbereichen des Spiels. Hauptziel ist es, den magischen Baum „Luca Arbor“ zu nähren und so auf dem Planeten immer mehr Möglichkeiten freizuschalten.

Am Anfang ist seine Kraft begrenzt und ihr könnt nur einen kleinen Teil des Planeten erkunden. Durch Gefälligkeitsdienste und den Ausbau des Planeten bekommt ihr von euren Nachbarn die Essenz „Luca“, mit der der Luca Arbor gedüngt wird. Auf diese Weise werden größere Bereiche zugänglich, Insekten und Fische besiedeln den Planeten, die Erde wird fruchtbar und bald darauf ziehen auch neue Einwohner zu, die zum Teil etwas ängstlich sind, aber mit der Zeit zutraulicher werden.

Fokus auf gemeinsame Gemütlichkeit und Zusammenhalt

Dabei hilft stark, dass wichtige Sequenzen im Spiel vertont sind, also die Tiere auch wirklich sprechen. So wachsen sie einem mit der Zeit richtig ans Herz und man möchte eine gute Beziehung zu ihnen aufbauen. Während ich in Animal Crossing beschäftigt bin, Obstplantagen für das eigene Konto anzulegen, mache ich in Petit Planet lieber einen Früchtetee und schenke ihn den anderen Bewohnern. Das Luca ist schließlich wichtiger als ein paar Münzen, die ich im neu gebauten Laden gegen eine Leggings oder ein Dinokostüm eintauschen kann.

Auch bei der Einrichtung der Nachbarhäuser helfe ich aus, indem ich die Möbelstücke einfach crafte. Natürlich darf auch die Einrichtung der eigenen vier Wände nicht fehlen. Am besten ist es, wenn man die Wohnung mit vielen ähnlichen Möbelstücken einer Kollektion einrichtet, denn so gibt es eine gute Stil-Bewertung.

Cozy mit einem Hauch von Red Dot Fatigue

Natürlich kommen mit einem wachsenden Planeten auch zunehmende Anforderungen, und hier wird es schnell mal etwas unübersichtlicher. Denn während andere Spiele den Bildschirm frei halten, sodass der Kopf abschalten und sich auf eine Hauptaufgabe konzentrieren kann, macht HoYoverse das, was es seit vielen Jahren erfolgreich perfektioniert hat: Micro-Rewards, die mit roten Punkten an den Rändern des Bildschirms angedeutet werden.

Auch aktive Haupt- und Nebenquests werden ständig auf dem Hauptbildschirm angezeigt, sodass man dazu tendiert, eher den Aufgaben und Belohnungen nachzujagen, statt es gemütlich angehen zu lassen, abzuschalten und vielleicht sogar kreativ zu werden.

Der Ansatz passt zwar in die heutige schnelle Zeit, in der alles ständig verfügbar ist, aber die gemütliche Spielausrichtung wird dadurch etwas verwässert. Unklar ist bislang auch die Monetarisierung. Das „Free to play“-Modell wurde bestätigt und es liegt nahe, dass das Spiel mit kosmetischen Items finanziert wird. Erste Events finden bereits statt, daher sind auch die typischen Zeit-limitierten Elemente absehbar. Gacha-Elemente sind noch nicht implementiert, jedoch ist es möglich, dass diese in der Vollversion enthalten sein werden.

HoYo does what Nintendon’t

Der Fokus auf mobile und free-to-play muss aber nicht unbedingt negativ zu sehen sein. Dadurch, dass HoYoverse trotz seiner Größe noch ein vergleichsweise junges Unternehmen mit einer tendenziell jüngeren Zielgruppe ist, traut man sich auch Dinge, die sich manche „Dinosaurier“ der Branche nicht zutrauen.

So freute es mich zu sehen, dass Petit Planet neben dem abgeschotteten eigenen Planeten, an dem hier und da mal andere Nachbarplaneten vorbeifliegen und zum gegenseitigen Besuch einladen, auch einen Online-Gemeinschaftsbereich hat.

In diesem gibt es zahlreiche Tätigkeiten und Minispiele, von einem gemütlichen Abstecher in eine Bar bis zur gemeinsamen Geschichtsrate-Runde, Wortspielen am Lagerfeuer, einem gemeinsamen Rhythmus-Minispiel oder dem Versuch, um ein gewöhnliches Objekt eine kreative Geschichte zu erzählen, um so einen möglichst hohen Verkaufspreis zu erzielen. „Also, diese Tomate wurde auf magischem Boden großgezogen, nach einem geheimen, seit Generationen geheim gehaltenen Plan, der sie zu etwas ganz Besonderem macht …“

Ungewohnt ist auch eine relativ freie Chatfunktion, die Nintendo sich aus Jugendschutzgründen nicht zutraut. Aber auch erste KI-Funktionen sind in Petit Planet vorhanden, von einem KI-Chatbot, der euch passende Antworten aus der integrierten Spielhilfe zusammensucht, bis hin zu einzelnen Charakteren, die tatsächlich per KI auf eure Eingaben reagieren. Dabei gab es erst vor kurzem einen KI-Panda, der auf Social Media viral ging – aus den falschen Gründen. Hoffentlich bekommt HoYoverse seine KI ausreichend begrenzt, sodass nichts Ähnliches in Petit Planet passiert.

Ein neuer Genre-Star in der Umlaufbahn?

Bildmaterial: Petit Planet, Hoyoverse

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Titel	Neverness to Everness
	29. April 2026
	Perfect World Games
	29. April 2026
	Perfect World Games
	29. April 2026
	Perfect World Games
System	PS5, PC, Mobile
Getestet für	PC
Entwickler	Hotta Studio
Genres	Action-RPG
Texte
Vertonung

Neverness to Everness ist ab sofort für alle spielbar, auch für Fans mit chronisch leichtem Geldbeutel. Nach der tollen Beta blickten wir gespannt der Vollversion entgegen. Nicht nur Teile unserer Community konnten wir mit der Begeisterung für dieses überaus ambitionierte Free-to-play-Gacha-Game der Hotta Studios und Perfect World Games anstecken, sondern sogar mehrere tausend Fans im deutschsprachigen Raum, welche unseren Anspielbericht per Internetsuche fanden. Dazu kommen über 35 Millionen Vorregistrierungen weltweit durch eine massive Social-Media-Marketingkampagne zum Spiel, die wir in dieser Form noch selten erlebt haben.

Kann Neverness to Everness am Ende die Erwartungen der Fans erfüllen, oder geht es wie bei Nanally im Spiel nach einem ambitionierten Sprint an der Fassade der Hochhäuser schnell auf den Boden der Tatsachen zurück? Um eines vorwegzunehmen: Das Gameplay und die Story sind sehr gut. Doch es gibt auch mehrere Probleme, die sich bereits in der Beta abzeichneten.

Das vielleicht ambitionierteste F2P-Gacha-Spiel bisher

Das Gameplay von NTE ist vielfältig, die unzähligen Möglichkeiten in der Großstadt Hethereau fast schon überwältigend. Beginnend mit einer großen Schlacht, in der eine riesige Anomalie außer Kontrolle geraten ist und die imaginäre chinesische Großstadt „Hethereau“ zu übernehmen droht, seid ihr als Anomalie-JägerIn eines Antiquitätenladens dafür verantwortlich, auftauchende Anomalien zu bewerten und bei Bedarf auch zu bekämpfen.

Diese sind in NTE omnipräsent – an allen Orten entstehen sie, kreieren Monster im „Gravity Rush“-Stil, verursachen Raum-Zeit-Verschiebungen und verleihen Menschen, Tieren und Objekten übernatürliche Kräfte. Die von der Realität abgetrennten Orte erinnern häufig an die Dungeons der Persona-Reihe, sind jedoch im Gegensatz zu diesen nicht zufallsgeneriert. Wer mehr über die ersten Stunden der Story wissen möchte, dem sei unser Anspielbericht der Beta nahegelegt.

Die Präsentation der Story und Großstadt überzeugt

Die Story-Sequenzen werden aufwändig und beeindruckend präsentiert, oft garniert mit handgezeichneten 2D-Overlays oder gar komplett handgezeichneten Szenen. Auch bei der Musik wurde nicht gespart: Die orchestrale Musikuntermalung ist während der Hauptstory top und unterstützt die mysteriöse Atmosphäre des Spiels sehr gut. Kameraarbeit und Inszenierung wurden zum Start noch mal verbessert, auch an den Effekten wurde noch mal geschraubt. Dadurch wirkt die Großstadt inklusive angrenzender Regionen noch mal etwas runder und überzeugender.

Neverness to Everness ist im aktuellen Zustand ein Spiel, das es durchaus mit Vollpreis-Produktionen aufnehmen kann. Zu viel sollte man jedoch auch nicht erwarten – ein echter „GTA“-Konkurrent zum Nulltarif ist NTE nicht. Dennoch macht das vielleicht ambitionierteste F2P-Gacha-Spiel bisher sehr viel Spaß und bietet sehr viel Freiheit und Möglichkeiten abseits des roten Story-Fadens, vom Betreiben einer Café-Kette über den Kauf mehrerer Penthouse-Wohnungen bis hin zu Stadt-Lieferungen und Rennen mit sportlichen Motorrädern und Fahrzeugen. Dazu gibt es mehrere Minispiele, von Angeln über Mahjongg, Bandproben, bis hin zu Gacha-Sammlungen, Greifarm-Automaten und Multiplayer-Tetris in der Arcade.

Viele kleine Probleme im Detail

Bei der ungeheuren Masse an Spielinhalt bleibt es nicht aus, dass manche Bereiche nicht ganz optimal wirken. Vereinzelte Animationen sind ziemlich steif, was besonders in den Zwischensequenzen auffällt. Bei wichtigen Szenen wurde allerdings ordentlich an den Animationen gefeilt.

In den actionreichen Kämpfen könnte die Kamera gerne noch etwas flexibler und dynamischer sein, ebenso wirkt das Fahrgefühl mehrerer Fahrzeuge noch nicht wirklich gut. Viele amüsante Momente brachte die noch etwas unausgereifte Kollisionserkennung.

Unser Favorit war die ohne Fremdeinwirkung einknickende Straßenlampe auf der anderen Straßenseite, als wir einen Metallzaun überfuhren – offenbar eine schwer erklärbare Kettenreaktion der Physik-Engine des Spiels, denn die Straßenlampe war ebenfalls von Metallabsperrungen umgeben. Dazu kommt das bisher etwas vernachlässigte Autoradio, das nach mehreren Stunden Spielzeit etwas repetitiv wirkt. Doch das meiste davon ist zu verschmerzen, da der Kern des Spiels überzeugt.

Kritik aus China am Pacing

Die lobenswerte, spannende und mysteriöse Story bekommt nach wenigen Stunden einen leichten Dämpfer. Das Story-Pacing wird in der bereits spielbaren China-Version des Spiels kritisiert und das nicht zu Unrecht. Die Hauptquest des Anomalie-Otters Tageydo wirkt nach einer spannenden Anfangsphase fehl am Platz.

In dieser Mission müsst ihr eurem kleinen Freund beim Dating helfen. Ohne zu viel spoilern zu wollen wirkt die Story etwas konstruiert, führt euch aber währenddessen durch zentrale Bereiche von Hethereau und zeigt auf, dass auch kleine Anomalien in der Masse zum Problem werden können. Sowohl vor als auch nach dieser Questline geht es in den aufwändig und kreativ gestalteten Dungeons spannend und mysteriös zu – nur dieser Teil wirkt wie eine zu groß geratene Nebenquest, die sich in die Hauptquests verirrt hat.

Monetarisierung ins Gameplay eingebaut – Grind ist vorprogrammiert

Wie bei vielen F2P-Spielen ist die Monetarisierung ins Gameplay eingebaut. In den Kernpunkten orientiert man sich an anderen Genrevertretern, das Charakter-Gacha ist sogar auffällig fair und auch die Haupt-Storyline ist lange ohne Grind oder zusätzliche Ausgaben spielbar.

Jedoch ist das bereits im Anspielbericht angesprochene, süchtig machende multiple Level-System der verschiedensten Bereiche des Spiels ein Faktor, der wie befürchtet zum Problem wird. Die verschiedenen Level messen nicht nur die Progression in verschiedensten Bereichen des Spiels, sondern limitieren sie zum Teil auch. Solltet ihr also außerhalb der Hauptquests mehrere Bereiche der Stadt ausbauen wollen, stellt euch auf eine mühsame Progression ein – oder zahlt Echtgeld.

Nicht nur Echtgeld ist ein Thema in NTE, auch die virtuelle Ingame-Währung ist zum Teil nur schwer zu verdienen. Das liegt an den limitierten Energie-Ressourcen, die ihr für Ingame-Jobs nutzen könnt. Kurz: Um euch eine teure Penthouse-Wohnung im Stadtzentrums-Wolkenkratzer mit moderner Einrichtung inklusive sportlichem Flitzer leisten zu können, ist wochen-, wenn nicht sogar monatelanger Grind angesagt.

Es gibt im Spiel jedoch die Möglichkeit, mit illegalen Aktivitäten schnell reich zu werden. Denn wo Reichtum angehäuft ist, gibt es auch einen Tresor, der geknackt werden will. Die Community sammelt hierzu bereits die besten Optionen, die jedoch riskant werden können und euch im schlechtesten Fall ein oranges Jäckchen und eine kleine Gitterzelle einbringen. Auf der anderen Seite muss das auch nicht unbedingt negativ sein: Für Unterhaltung bis in den Herbst hinein ist damit gesorgt.

Spielperformance in den unteren Qualitätsstufen gut

Etwas zu viel versprochen haben die Hotta Studios und Perfect World bei den High-End-Grafikoptionen. Das volle Feature-Set von DLSS 4.5 inklusive Raytracing und Multi Frame Generation und die vielen Einstellungsmöglichkeiten der Unreal Engine 5 sind vorhanden. Doch die Performance bei den High-End-Optionen enttäuscht und führt zu wiederholten Framerate-Einbrüchen.

Ein exklusives PC-Problem ist die Shader-Kompilierung – schon die ersten Minuten von Neverness to Everness sind durchsetzt von kleinen Rucklern. Ebenso PC-exklusiv dürfte die schwache Implementierung von Raytracing und HDR sein, die vor allem bei der Beleuchtung deutlich sichtbare Probleme hervorrufen. Das Pop-in von Objekten ist etwas zu deutlich sichtbar und störend.

In niedrigen und mittleren Grafiksettings ist die Performance jedoch überraschend gut für ein derart ambitioniertes Spiel. Erste Berichte aus China stellen fest, dass das Spiel auch unter den ohnehin schon geringen Mindestanforderungen noch akzeptabel läuft – zum Beispiel auf Grafikkarten mit nur 4 GB VRAM oder diversen integrierten Grafikeinheiten.

Kurz zusammengefasst: Alles über mittleren Grafikeinstellungen benötigt noch Optimierung bei der Performance, darunter läuft das Spiel jedoch hervorragend. Auf den Smartphones, insbesondere dem iPhone, wird die Performance auf Social Media durchweg gelobt.

Beschäftigt über Monate, hat aber auch mit Problemen zu kämpfen

Bildmaterial: Neverness to Everness, Perfect World Games, Hotta Studio

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Aber auch Square Enix sorgte Anfang des Jahres bereits für hochgezogene Augenbrauen: Der Startschuss für die groß angelegte Remake-Trilogie von Final Fantasy VII ist auch auf Switch 2 bestens aufgehoben. In unserem Test kassierte der Titel entsprechend dickes Lob – „ein Meilenstein, jetzt auch für unterwegs“, so unser Fazit. 

Weite Welt statt enge Straßen – problematisch?

Wer A sagt, muss auch B sagen. Folgerichtig dürfen sich Switch-2-Besitzer auch auf die baldige Fortsetzung von Clouds Abenteuer freuen – am 3. Juni findet nach „Remake“ auch „Rebirth“ seinen Weg auf die Hybridkonsole. Wir haben schon vorab ein wenig reinspielen dürfen und sind guter Dinge, dass die Fortsetzung an die technische Finesse des Erstlings anknüpfen kann.

Das ist keine Selbstverständlichkeit. Immerhin tauscht „Rebirth“ die streng abgesteckten Gassen von Midgar gegen die Weiten der Welt aus, die ihr in bester Open-World-Manier bereist. Klingt nach dem besten Rezept, um die junge Nintendo-Konsole in die Knie zu zwingen. In unserer Anspielrunde waren wir aber begeistert, wie rund unsere Erkundungen von Kalm und seinem Umland liefen. 

Sicher, die grafische Pracht der Konkurrenz-Plattformen dürft ihr nicht erwarten. Die Switch-2-Fassung kommt mit einer deutlich weicheren Auflösung daher, schraubt den Detailgrad hier und da merklich herunter und bietet lediglich 30 anstelle von 60 Bildern pro Sekunde.

Letztere blieben im Rahmen der Anspielrunde aber erfreulich stabil, größere Einbrüche konnten wir keine feststellen. Ebenso angetan waren wir von der komplexen Nutzung des Rumble-Features der Joy-Con 2. Wichtig: Das Hands-on war lediglich im Handheld-Modus möglich. Gut möglich, dass „Rebirth“ im TV-Modus nochmal positiv an der Auflösung und weiteren Aspekten schraubt. 

Spielerisch bleibt alles beim Alten – wie schon die Switch-2-Ausgabe von „Remake“ ergänzt „Rebirth“ aber praktische Game-Boost-Funktionen. Diese machen kleinteilige Anpassungen der Spielerfahrung möglich: Ihr wollt keinen Schaden nehmen? Kein Problem. Jeder Hieb verursacht maximalen Schaden? Auch kein Ding. Der Geldbeutel ist leer? Mit einem Knopfdruck wieder aufgefüllt. Die Funktionen sind kein Muss, gerade für Story-Liebhaber und Nachwuchs-Fans ohne große Spielerfahrung aber eine begrüßenswerte Ergänzung.

Eine vollumfängliche Einschätzung der Switch-2-Technik dürft ihr mit unserem Test der Vollversion erwarten. Lange gedulden müsst ihr euch nicht. Final Fantasy VII Rebirth erscheint am 3. Juni 2026 für Nintendo Switch 2.

Bildmaterial: Final Fantasy VII Rebirth, Square Enix

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Titel	Starfield
	7. April 2026
	Bethesda Softworks
	7. April 2026
	Bethesda Softworks
	7. April 2026
	Bethesda Softworks
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Bethesda Game Studios
Genres	Action-Rollenspiel
Texte
Vertonung

Das Sci-Fi-Action-RPG Starfield aus dem Hause Bethesda galt in den letzten Jahren als einer der Hype-Titel schlechthin. Das gigantisch anmutende Rollenspiel versprach uns in bisher nie dagewesene Spielwelten zu entführen und uns mit einer schier endlos anmutenden Spielwelt förmlich zu erschlagen. Quasi ein No Man’s Sky mit ausgefeilterer Story und einem ernsteren Setting.

Ursprünglich erschien der Titel am 6. September 2023 für Xbox Series und PCs. Ursprünglich sollte der Titel auch Xbox- und PC-exklusiv bleiben, doch nach dem rasanten Kurswechsel in Sachen Exklusivität, den Microsoft in den letzten Jahren gefahren hat, entschied man sich beim US-Konzern dafür, Starfield doch auch PlayStation-Spielern zugänglich zu machen. In erster Linie war dies wohl vor allem eine finanzielle Entscheidung, die dazu geführt hat, dass Starfield nun mit etwas Verspätung doch noch auf Sonys aktueller Konsole erscheint.

Wir haben uns diese neu erschienene PS5-Version ausgiebig angeschaut und verraten euch natürlich auch, ob sich ein Kauf des Sci-Fi-Abenteuers lohnt und ob Starfield auf den üblichen Bethesda-Stärken aufbauen kann oder ob sich die Entwickler mit diesem massiven Action-Rollenspiel vielleicht doch etwas übernommen haben.

Starfield ist seit dem 7. April für PlayStation 5 erhältlich. Für Xbox- und PC-Spieler ist der Titel, wie bereits erwähnt, natürlich schon seit 2023 erhältlich.

Seichte Story trifft auf seichte Quests

Die Geschichte von Starfield handelt von einem mysteriösen Artefakt, welches von der Organisation „Constellation“ zu Forschungszwecken gesucht wird. Verstreut in der gesamten Galaxis befinden sich diese Artefakte, die es zu finden gilt, um letztendlich dem großen Geheimnis dahinter auf die Spur zu kommen.

Unser selbsterstellter Charakter macht sich nun auf die Suche nach besagten Artefakten und gerät dabei immer wieder zwischen die Fronten verschiedener verfeindeter Fraktionen. Neben dem „Freestar Collective“ möchten auch die „United Colonies“ die Vorherrschaft über die Galaxis innehaben und zu allem Übel gibt es natürlich auch Space-Piraten, die uns das digitale Leben zur Hölle machen möchten. Auch kleinere Fraktionen mischen hier mit und der ohnehin schon recht instabile Frieden, der seit dem Ende der Kolonialkriege herrscht, steht stets auf der Kippe und die Galaxis somit am Rande eines erneuten Krieges.

Diese verschiedenen Fraktionen dienen gleichzeitig als Questgeber und so können wir unterschiedliche Missionen für die unterschiedlichsten Fraktionen absolvieren. Je nachdem auf welche Seite wir uns stellen, haben die Missionen auch unterschiedliche Ausgänge. Das klingt im ersten Moment zwar vielseitig und abwechslungsreich, im Endeffekt hat der Ausgang der Quests allerdings doch recht wenig Einfluss auf die Hauptquest – die Suche nach den Artefakten. Das ist schade und hier wäre definitiv mehr Tiefgang in Sachen Quests und Storyverlauf möglich gewesen. Speziell von Bethesda ist man eigentlich deutlich höherwertige Storykost gewohnt.

Typisches Bethesda-Rollenspiel mit vielen Ecken und Kanten

Eine der größten Stärken von Starfield kann gleichzeitig auch als die größte Schwäche bezeichnet werden – die schier unendliche Weite und Größe dieses Sci-Fi-Abenteuers. Von Sekunde eins an hat man das Gefühl in einer schier endlosen Spielwelt unterwegs zu sein. Die Freiheit jederzeit von Planet A nach Planet B zu reisen oder eben eine komplett andere Route einzuschlagen, fühlt sich in den ersten Spielstunden wirklich fantastisch an. Im weiteren Spielverlauf merkt man jedoch, wie leer und belanglos die Spielwelt und die Planeten im Vergleich zu den Story-relevanten Orten ausgefallen sind.

Die Planeten und Orte, die man während der Hauptquests bereist, fallen meist wirklich ordentlich und spannend gestaltet aus. Hier spürt man deutlich, auf welche Locations viel Wert gelegt wurde und auf welche nicht. Irgendwo muss man bei einem Spiel dieser Größe allerdings auch Abstriche machen, denn so eine gigantische Spielwelt lässt sich schließlich nur schwer mit ausreichend Inhalt füllen ohne am Ende befremdlich zu wirken. Zu viel Content wäre negativ auffallend gewesen und zu wenig schließlich auch. Eine schmale Gratwanderung bei einem Titel dieser Größe.

Fallout in Space

Gameplaytechnisch fühlt sich Starfield an wie ein Fallout im Weltraum. Die Menüs funktionieren ähnlich, das Gunplay fühlt sich fast eins zu eins an wie bei einem Fallout-Ableger und auch die schier endlose Item-Flut an mal mehr und mal weniger wichtigen Gegenständen ist hier vorhanden. Bethesda-Fans fühlen sich also sofort heimisch und sollten bestens mit dem System zurechtkommen. Bethesda-Neulinge oder unerfahrene Spieler könnten sich von der schier endlosen Anzahl an Menüs aber schon etwas überfordert fühlen.

Auch das vielversprechende Schiffebau-Feature, für das Starfield vor Release so gelobt wurde, ist nach wie vor vorhanden und es macht auch nach wie vor wirklich viel Spaß sein eigenes Raumschiff zu erstellen und anzupassen. Die unterschiedlichen Bauteile müssen im Spielverlauf allerdings nach und nach freigeschaltet werden um wirklich Freiheit bei der Erstellung der Schiffe zu haben. Denn neben unterschiedlicher Bewaffnung lässt sich auch so ziemlich alles andere an den Schiffen modifizieren. Am Ende eines jeden Umbaus gibt es dann eine Art Machbarkeits-Diagramm, welches uns verdeutlicht, ob das Schiff in diesem Zustand überhaupt flugfähig ist oder nicht. Ein wirklich cooles Feature.

Man absolviert so nun also Quest für Quest und kann sich, speziell wenn man auf Nebenquests Lust hat, auch auf etwas schrägere Missionen freuen. Der typische Bethesda-Charme und -Humor ist also auch bei Starfield vorhanden, nur eben nicht auf Fallout-Niveau. Natürlich gibt es auch die aus anderen Bethesda-Titeln bekannten Arbeitsstationen, an welchen man die Waffen und Rüstungen aufwerten und modifizieren kann, und auch Chemie-Stationen dürfen nicht fehlen. Hier kann man beispielsweise diverse Items wie Heilgegenstände oder diverse Booster herstellen.

Levelsystem auf Bethesda-Art

Das Levelsystem, welches Bethesda hier verbaut hat, ist etwas abgeschwächt im Vergleich zur Fallout-Reihe ausgefallen. Wir vergeben bei Starfield also keine Punkte für Charisma, Stärke, Ausdauer und andere Attribute, sondern verteilen das neu erhaltene Level quasi direkt auf die diversen Perks. Am ehesten vergleichbar ist das System von Starfield mit dem Perk-System aus Fallout 4.

In Sachen Levelsystem kann man Starfield auf jeden Fall als etwas vereinfachter beschreiben im Vergleich zur Fallout-Reihe. Im Endeffekt funktioniert das System aber ganz gut. Letztendlich hat das Levelsystem ohnehin nur recht wenig Auswirkung auf das Gameplay selbst.

Das Free-Lanes-Update beschert uns neue immersive Flugmechanik

Dank des ebenfalls in der PS5-Version enthaltenen „Free Lanes“-Updates haben wir nun die Möglichkeit, anders als es ursprünglich noch vorgesehen war, den Weltraum frei zu bereisen. Denn die Weltraumkarte wurde nun in zwei Ebenen aufgeteilt. Eine Detail-Ebene, in der wir Planeten direkt anfliegen können und uns in dessen näherer Umlaufbahn befinden, und eine weiter entfernte Ebene, in welcher wir den Raum frei erkunden können und nahtlos von einem Planeten zum anderen reisen können.

Um die technische Limitierung in Sachen Weltraum zu umgehen, hat man sich bei Bethesda dann also für ein zweilagiges Kartensystem für den Weltraum entschieden. Anfangs etwas gewöhnungsbedürftig ergibt es allerdings schon nach kurzer Zeit Sinn und man kann sich mit dieser Mechanik durchaus anfreunden. Das Free-Lanes-Update gibt es gratis zum Kauf der PS5-Version dazu.

Der DLC „Shattered Space“ ist ebenfalls enthalten

Wie es sich für ein ordentliches Gesamtpaket gehört, ist auch der ursprünglich am 30. September 2024 erschienene Story-DLC „Shattered Space“ in der PS5-Version enthalten. Diesen kann man allerdings nur spielen, wenn man sich für die „Premium-Edition“ von Starfield entscheidet. Andernfalls muss der DLC separat im PlayStation Store zum Preis von 19,99 Euro erworben werden.

Grafisch immer noch toll anzusehen und sauber umgesetzt

Die PS5-Portierung von Starfield ist technisch auf jeden Fall sehr ordentlich ausgefallen. Der Titel wurde seit dem Release im Jahre 2023 ohnehin ständig gepatcht und verbessert. Mittlerweile läuft Starfield aber wirklich sehr rund und auch optisch macht das Sci-Fi-Abenteuer wirklich was her. Speziell beim Gang über die Planetenoberflächen weiß die Optik wirklich zu begeistern.

Die Texturen und Modelle wirken fast schon Bethesda-typisch sehr ordentlich, aber nicht völlig bahnbrechend. Aufgrund der massiven Größe des Titels wäre mehr aber wahrscheinlich auch nicht drin gewesen ohne die Framerate völlig zu versauen.

Starfield lief während unserer Testphase die meiste Zeit mit butterweichen 60 Frames. Ausnahmen stellen hier jedoch Szenen mit vielen Gegnern oder sehr belebte Außenbereiche, wie beispielsweise in der Hauptstadt „New Atlantis“, dar. Man hat außerdem die Wahl zwischen einem Performance-Modus mit 60 FPS oder einem Qualitätsmodus mit 30 oder variablen Frames. Jeder Spieler kann so das für sich beste Spielerlebnis austarieren. Auch VSync kann auf Wunsch abgeschaltet werden. So könnte man theoretisch noch ein oder zwei Frames rausholen, aber natürlich dann auf Kosten der Bildqualität.

Auch tontechnisch hochwertige Kost

Tontechnisch macht Starfield ebenfalls eine ordentliche Figur. Die Melodien und Klangteppiche fallen durchweg ordentlich und stimmig aus und auch die Synchronsprecher leisten einen durchweg ordentlichen Job, an dem es wenig zu mäkeln gibt.

Speziell die Soundeffekte der Waffen können sich hören lassen und wie auch schon bei der Fallout-Reihe fallen diese auch bei Starfield durchschlagend und wirklich wuchtig aus. Das A und O für einen Titel, der so sehr auf Shooter-Mechaniken setzt, wie es bei Starfield der Fall ist.

Ein actiongeladener Space-Ausflug mit schier unendlichen Weiten

Bildmaterial: Starfield, Bethesda

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Neben Yoshi’s Crafted World blieben nämlich auch die Vorgänger wie Yoshi’s Story, Yoshi’s Cookie, Yoshi’s Island und Yoshi’s Woolly World bei ihren englischen Titeln. Während Kirby also den Power-Malpinsel schwingt, das magische Garn spinnt und das vergessene Land erkundet, blieb Yoshi stets der Englishman. Spannend, oder?

Das hatte den Autor tatsächlich beschäftigt und deshalb wollte ich euch diese Erkenntnis nicht vorenthalten. Doch nun zum eigentlichen Anlass dieses Textes. Ich konnte Yoshi and the Mysterious Book nämlich anspielen und möchte euch nachfolgend meine Eindrücke schildern!

Enzo besucht die Yoshi-Insel

Zunächst zum geschichtlichen Rahmen – und da verrate ich keine Geheimnisse, diese Details sind bereits bekannt. Ein Buch fällt vom Himmel auf die Yoshi-Insel und es hat nicht nur einen Namen, sondern kann auch sprechen. Die Yoshis sind neugierig und lernen Enzo (richtiger Schenkelklopfer) kennen, dessen Buchseiten dummerweise verblasst sind. Gemeinsam sollen sie wieder mit Leben gefüllt werden.

Denn sie wurden einst bevölkert von lebhaften Einträgen zu allerlei kuriosen Kreaturen – und die Yoshis wollen mehr wissen. Wir tauchen also in diese Seiten ein und lernen diese Lebewesen nach und nach kennen. Faustregel zu Beginn: ein Lebewesen, eine Fähigkeit, ein Level.

Kreaturen und ihre Habitate

Ganz klassisch geht’s los: Yoshi kann springen, stampfen, flattern, ausufernd seine Zunge zum Einsatz bringen und andere Kreaturen huckepack nehmen – oder sich selbst huckepack nehmen lassen. So springen wir durch die Level, deren Aufbau anfangs oft erfrischend wenig linear ist. Das weckt den Erkundungsdrang.

Nun gilt es, mehr über die Kreaturen herauszufinden. Wie schmecken sie, wie verhalten sie sich, wie reagieren sie auf bestimmte Dinge? Enzo hält alle Erkenntnisse fest und am Ende des Levels gibt es für jede Entdeckung ein Sternchen. Die werden im weiteren Verlauf für den Spielfortschritt notwendig. Dazu gibt’s einen Eintrag ins private Lore-Kompendium: So viel wie in diesem Spiel konnten wir wahrscheinlich noch nie über Shy Guy erfahren.

Die Kreaturen prägen jeweils das spielerische Bild der Habitate – so heißen die Level. Ein Blümchen lässt andere Blumen im Habitat erblühen. Ein komisches, Frosch-ähnliches Wesen spuckt beständig Blubberblasen, mit denen wir das Level in der Vertikalen erkunden. Pusteblumen legen sich wie Schnee über andere Wesen und Gegenstände. Das Interagieren mit den Kreaturen öffnet dabei oft neue Pfade und Möglichkeiten.

Ein anderes Tierchen versteckt sich in einer Wassermelone. Schlucken wir es, schlucken wir auch dessen Kerne, die wir anschließend in einer wahren Salve wieder ausspucken können. Dass sich im Level entsprechende Anwendungsmöglichkeiten finden, dürfte klar sein.

Die Wesen in der ersten Welt waren hier schon ziemlich abwechslungsreich und wirkten mit ihren Eigenheiten mal mehr, mal weniger intensiv in ihre Habitate hinein. Dass ein Nintendo-Spiel sein Pulver schon in der ersten Welt verschießt, ist nicht zu erwarten. Insofern bin ich schon sehr gespannt, welche Überraschungen die weiteren Welten hier zu bieten haben.

Es deutet sich allerdings auch an: Der Fokus auf die Kreaturen, ihre Fähigkeiten und deren Entdeckung geht zu Lasten des Leveldesigns, auf dem erkennbar weniger das Augenmerk lag. Sprungpassagen, die sich wie von Zauberhand in die Level einfügen oder ein Wunderblumen-Moment dürft ihr nicht erwarten. Aber es ist eben auch kein Super Mario, sondern ein Yoshi-Spiel.

Nach einem weiteren kurzen Testlauf in einer später im Spiel angesiedelten Welt wird deutlich, dass der Schwierigkeitsgrad zwar leicht zunimmt und die Abschlussbedingungen für einzelne Level etwas mehr abverlangen, aber es erwartungsgemäß insgesamt leicht bleibt.

Stressfrei ist das neue Yoshi-Abenteuer jederzeit. Dazu trägt auch bei, dass Yoshi im Prinzip nichts passieren kann – und das ist auch voll in Ordnung und passt ins Spiel. Schließlich wollen wir uns auf die Erkundung und Experimente konzentrieren, nicht auf Lebenspunkte.

Typisch fürs Genre: Nach dem ersten Durchlauf hat man selten alles entdeckt, das gilt sowohl für die buchstäblichen Entdeckungen an und um die Wesen, als auch für die sammelbaren Blumen. Spannend: In der ersten Welt ergab es sich, dass sich ein bereits erkundeter Eintrag auf Enzos Seiten nachträglich änderte. Das dürfte sicherlich der Wiederspielbarkeit einzelner Level zuträglich sein und erleichtert die Entscheidung, ein bereits gespieltes Level erneut zu betreten.

Ein erfrischend neuer Spin für die Yoshi-Serie

Bildmaterial: Yoshi and the Mysterious Book, Nintendo

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Titel	Yunyun Syndrome!? Rhythm Psychosis
	24. April 2026
	Alliance Arts, WSS playground
	24. April 2026
	Alliance Arts, WSS playground
	24. April 2026
	Alliance Arts, WSS playground
System	PC
Getestet für	PC
Entwickler	Alliance Arts, WHO YOU
Genres	Rhythmus, Abenteuer
Texte
Vertonung

Rhythmusspiele sind seit Jahrzehnten nicht mehr aus der japanischen Popkultur wegzudenken und haben aus der Arcade nach und nach die ganze Welt erobert. Jedoch zogen sich nach der Rhythmus-Spielflut der 2000er die großen Publisher aus dem Genre weitestgehend zurück.

Dennoch haben sie uns bereits in der Vergangenheit Musikstücke nähergebracht, die wir so nie entdeckt hätten. Neben den K-Pop-Beats in Djmax und Pump it Up, den J-Pop-Songs der Bemani-Reihe oder klassischen Rock-Songs der 80er in Guitar Hero bringt uns jetzt das Indie-Spiel Yunyun Syndrome!? Rhythm Psychosis das Denpa-Genre näher.

Denpa wird allgemein beschrieben als Unterkategorie von J-Pop mit simplen, niedlichen Lovesongs, während Fans es eher als „so süß, dass es Karies gibt – und wenn du es nicht behandelst, wandert es in den Kopf und macht Brainrot“ beschreiben würden.

Shitposts für die Welt, Internet-Fame für Qtie

Die Protagonistin von Yunyun Syndrome, Qtie, ist diesem „Brainrot“ bereits verfallen und verbreitet liebliches Dokidoki und Ekstase mit ihren Denpa-Shitposts. Wenn ihr im Rhythmusspiel in die Tasten haut, tut sie es auch – je besser ihr seid, desto besser ist Qtie. Oder Yunyun. Oder beide. Existiert Yunyun eigentlich wirklich? Auch egal, oder?

Hauptsache das Internet bekommt hochwertigen Garbo und wir bekommen ganz viel Dokidoki, Yunyun-Liebe, Charisma und Fame. Vereint ihr im späteren Spielverlauf Yunyun und Qtie, gibt es 15 Minuten Power-Denpa. Je nach Art, was ihr levelt und welche Shitposts und Verschwörungstheorien dadurch bekannt werden, führt das Spiel zu unterschiedlichen Enden. Wusstet ihr schon, dass Kängurus nur australische Hunde auf Steroiden sind? Das steht im Internet!

Mit jedem abgesetzten Shitpost, aka gespielten Song, gibt es Shitpost-Karten, mit denen ihr die unterschiedlichen Werte erhöhen und die Art des Shitposts bestimmen könnt. Ziel ist es, die Werte auf 100 Prozent zu bekommen, um die besten Shitposts der Welt abzusetzen und so berühmt zu werden. Aber dabei gibt es mehrere Hindernisse: Andere Shitposter, eure eigene Psychose und nicht zuletzt eure Mutter, die euch befiehlt das total vermüllte Neet-Zimmer aufzuräumen – und euch damit das Dokidoki ruiniert.

4-Panel-Rhythmusspiel bringt euch in den Flow

Das Rhythmusspiel, das mit seiner quietschigen japanischen Denpa-Musik die Story befeuert, macht Spaß, hat aber kleinere Schwächen. Das Positive zuerst: Das 4-Panel-Spiel im Stile von Dance Dance Revolution, Stepmania und In the Groove versetzt Fans glatt um 20 Jahre zurück in eine Zeit, als Röhrenfernseher noch die Norm waren.

Sowohl für Einsteiger als auch für Profis hat Yunyun Syndrome hochwertige „Step-Charts“. Dazu bietet es alle nötigen Einstellungen und Anpassungsmöglichkeiten für ein gutes Spielgefühl. Die Songs sind allgemein sehr flüssig zu spielen und „Stream“-lastig, das heißt in der Regel angenehm im Beat und locker aus dem Handgelenk zu tippen, während sich die Muster in unterschiedlichen Geschwindigkeiten und Formen wiederholen, um sie gut zu lernen.

Die Entwickler nehmen das mit dem „in die Tasten hauen“ recht ernst, denn es ist üblich, dass auch mal drei oder vier Tasten gleichzeitig gedrückt werden müssen. Eine Ultra-Budget-Tastatur für 20 Euro kann das schon mal überfordern – ihr solltet daher gegebenenfalls testen, ob eure Tastatur einen entsprechenden „n-key-rollover“ unterstützt.

Die 30 Songs sind alle aus dem gleichen quietschigen, hoch-gepitchten Denpa-Genre, was für mehrere ähnlich klingende Songs sorgt. Auch sind 30 Songs heutzutage eine eher niedrige Anzahl für ein Rhythmusspiel – für den fairen Preis von ca. 17 Euro aber ein Punkt, den wir nur anmerken statt ankreiden möchten.

Wer mehr möchte: Kurz vor Testende haben die Entwickler weitere kostenpflichtige DLC-Pakete hinzugefügt. Die Songs sind hierzulande eher unbekannt – außer ihr gehört zu den Weebs, die schon unter Brainrot litten, bevor es cool war. Marisa Stole the Precious Thing, Internet Yamero und True My Heart dürften dem ein oder anderen hier trotzdem bekannt sein. Eins, zwei, guten Morgen!

Kleinere Abzüge beim Rhythmusspiel-Part

Über ein paar Probleme sind wir im Test auch gestolpert. Zum Beispiel gab es bei uns – trotz 120-Hz-Modus – einen extrem hohen „Visual Input Lag“ von etwa 210 ms. Das zweite ist das Spielfeld selbst. Bei Rhythmusspielen hat es durchaus einen Grund, warum die herabfallenden Noten den gesamten mittleren Bereich einnehmen.

Bei Yunyun Syndrome!? Rhythm Psychosis ist aber der untere Teil des Bildschirms durch die live entstehenden Shitposts von Qtie blockiert, wodurch sehr hohe Fallgeschwindigkeiten etwas schwerer zu lesen sind als üblich. Das kompensiert das Spiel zwar durch ein recht großzügiges Timing, trotzdem zeigt es klar, dass das Rhythmusspiel eher Mittel zum Zweck ist.

Ein kleinerer Kritikpunkt: Das Spiel bietet keinen Noteskin an, der mit Farben unterschiedliche Rhythmen und Takte kodiert und diese so optisch deutlich hervorhebt und unterscheidet. Ein weiterer Hinweis: Die deutsche Übersetzung wirkt trotz mehrerer Patches bis kurz vor Testende unvollständig und zum Teil schlicht falsch. Wir raten daher dringend, die englischen Texte zu nutzen.

Ein rhythmischer Fiebertraum

Bildmaterial: Yunyun Syndrome!? Rhythm Psychosis, Alliance Arts, WSS playground, WHO YOU

Der Beitrag Im Test! Yunyun Syndrome!? Rhythm Psychosis gibt euch süße Denpa-Beats und Brainrot erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	OPUS: Prism Peak
	16. April 2026
	Shueisha Games
	16. April 2026
	Shueisha Games
	16. April 2026
	Shueisha Games
System	PC, Switch, Switch 2
Getestet für	PC
Entwickler	Sigono
Genres	Adventure
Texte
Vertonung

Etwas unverhofft tauchte im „Persönlichen Kalender“ in Steam (Experiment 16 der Steam Labs) ein Spiel auf, dessen Namen geheimnisvoll genug war, um im Gedächtnis zu bleiben. OPUS: Prism Peak versprach, ein spirituell angehauchtes Spiel im Anime-Cel-Shading-Look zu werden, dessen Gameplay an das altbekannte Life is Strange erinnert.

Als uns Sigono und Shueisha Games einen Test anboten, da das Spiel zu unserer Seite passen würde, waren wir daher sofort an Bord. Wenige Stunden im Spiel war bereits klar: Wir haben es hier mit einem Top-Titel zu tun. Aber erst mal der Reihe nach!

Gescheiterte Träume und Verlust – und die Suche nach einem Sinn

Im Spiel übernehmen wir die Rolle des 40-jährigen ehemaligen Fotojournalisten Eugene, der auf dem Weg war, sich sein perfektes Leben aufzubauen. Nach dem Aufwachsen in einer etwas eigensinnigen Familie mit starken Charakteren fand er sein Glück in der Fotografie und seiner selbst gegründeten Familie – in seinem Fotocafé servierte er nicht nur Getränke, sondern Lebensgeschichten, Gemeinschaft und Zusammenhalt.

Doch all das ging nach und nach aufgrund unglücklicher Umstände in die Brüche. Als gescheiterte Existenz entschließt er sich, nach längerer Abwesenheit in seine Heimat zurückzukehren – einen Anlass dazu gibt es auch, denn sein Großvater ist gestorben.

Zu allem Überfluss baut er auf dem Weg zur Beerdigung einen Unfall, der ihn in eine dunkle Parallelwelt bringt. In dieser Welt vermischt sich die reale Ebene mit einer mystischen, spirituellen Welt, in der Geister existieren. Hier muss er sich wohl oder übel mit seinen Erinnerungen, Verlusten und der Frage auseinandersetzen, ob er seine eigenen gescheiterten Träume loslassen kann – und wie es ab sofort weitergeht, so ganz ohne großes Lebensziel.

Der Weg ist das Ziel – aber laufen wir auf etwas zu, oder von etwas weg?

In der Parallelwelt leben viele Geister – meist Tiere mit einer starken Bindung an eine Realität, in der der sogenannte „Seher“ ein guter Freund war. Auch der Seher war ein sehr guter Fotograf, seine Bilder konnten verblasste Geister wieder erwecken, ihnen einen besonderen Namen geben und ihnen ihren Lebenswillen zurückgeben. Eines Tages verschwand der Seher hoch oben auf einem Berg, was die Geister wieder verblassen ließ. Sie sind nun auf sich alleine gestellt in einer Welt, in der die mysteriösen Schatten sie jederzeit auslöschen können.

In dieser düsteren, desillusionierten Welt trifft Eugene auf ein vorlautes Mädchen am Ende des Tunnels, in dem er sein Auto schrottreif gefahren hat. Auch sie ist bereits am Verblassen und fürchtet sich vor den Schatten, die wie ein Fluch alles zu verschlingen drohen. Eugene ist zwar emotional orientierungslos, aber kein Unmensch.

So nimmt er dieses Mädchen an die Hand und leitet es hinaus aus dem Tunnel, rein in den Wald. Nach wenigen Stunden fangen beide an, sich einander zu öffnen. Das Mädchen hat sich verirrt – ihre Heimat ist der Berg in der Ferne. Also begeben wir uns zusammen auf eine emotionale Reise, denn ein anderes, wichtiges Ziel haben wir aktuell sowieso nicht.

Alles Fremde wirkt vertraut, alles Vertraute fremd

Auf dem Weg begegnen wir vielen Tieren, die fremd, aber doch gleichzeitig vertraut wirken. Ein freundlicher Hirschgeist bringt uns im Wald unsere alte Kamera wieder, die wir erst vor wenigen Tagen verkauft hatten. Ein Kumpel im „echten Leben“ faltete uns dafür noch wenige Stunden vorher zusammen – was uns denn einfallen würde, die Kamera zu verkaufen, an der so viele Erinnerungen und Lebensträume hingen.

Vielleicht wollten wir sie aber gerade deswegen loswerden. Nun ist sie wieder da – halb kaputt wie unser Leben, aber mit besonderen Fähigkeiten in der Geisterwelt. Diese besonderen Fähigkeiten sind hilfreich bei der Erkundung und dem Festhalten besonderer Momente, aber auch nützlich für die Geister. Die Fotos dienen als Leitfaden in unserem Notizbuch, in dem wir die Reise festhalten und uns so immer wieder etwas mehr an die wirklich wichtigen Dinge erinnern.

Allzu tief möchten wir an dieser Stelle aber nicht in die Story eintauchen. Jede Begegnung mit einem verblassenden Tier ist mysteriös, aber auch gleichzeitig bedeutungsvoll. Der Eber ist im Streit mit seinem Freund auseinandergegangen, würde ihm aber am liebsten sagen, wie leid ihm alles tut und sich mit ihm versöhnen – eine Situation, in die sich Eugene nur zu gut hineinversetzen kann.

Am Bahnhof wartet eine Hundedame seit langer Zeit auf jemanden – hat Eugene etwa bei der Erfüllung seines Lebenstraums jemanden vernachlässigt, der ihn sehr vermisst? So geht es Stück für Stück weiter auf der Reise – selbst das Mädchen, das wir in ihre Heimat begleiten, hat einen Namen, mit dem wir schmerzhafte Erinnerungen verbinden. Und der Berg, auf dem der Seher verschwunden ist – ist das etwa … nein, das kann nicht sein.

Erinnerungen an die besten Anime-Filme werden wach

Die Anlehnungen an viele Meisterwerke der japanischen Anime-Kunst sind ab diesem Punkt nicht mehr zu leugnen. Der Grafikstil erinnert an die legendären Filme des Studio Ghibli, die Erzählung spiritueller Geschichten durch sprechende Tiere in einer Welt mit einem alles verschlingenden Schatten an das Meisterwerk Prinzessin Mononoke.

Aber auch die Anlehnungen an moderne Werke von Shinkai Makoto sind deutlich sichtbar. Wer die Filme im japanischen Originalton gesehen hat, dem können wir die japanische Sprachausgabe des Spiels mit deutschen Untertiteln ans Herz legen.

OPUS: Prism Peak lehnt sich zwar stark an viele Kunstwerke an, behält aber dabei eine eigene Identität, die sowohl als Videospiel, als Kunstwerk als auch als spirituelle Reise in multimedialer Form funktioniert.

Spiritualität hilft auf der Suche nach dem Sinn – Albträume aber auch

Eine magische Feuerschale gilt als Erdungspunkt auf der Reise. Sie gibt Hinweise auf die Ziele, gibt Tipps und gegen ein entsprechendes Opfer – meist Fotos – auch wichtige Items. Gleichzeitig gibt sie auch Zugriff auf die Totems der Tiere, die ihr getroffen habt. Hier könnt ihr Fotos zu wichtigen Momenten im Leben der Tiere einlösen und bekommt dadurch mehr Klarheit in der Story.

Eine wichtige Rolle spielen die Schnappschüsse eurer Retro-Kamera aber auch in euren nächtlichen Albträumen, die euch über die gesamte Spielzeit hinweg verfolgen. Hier setzen sich die Erfahrungen der vergangenen Tage neu zusammen, während die kürzlich geschossenen Fotos bei der Einordnung helfen. Sie schalten wichtige Storysequenzen frei, die Hintergrundinformationen in kurzen Videosequenzen enthalten. Ein zweiter Spieldurchgang ist zwingend notwendig, um den gesamten Umfang der Story zu erleben – und damit auch ihr gesamtes Gewicht.

Technik: Ausreichend Plus

Die Technik gerät bei einem narrativen Meisterwerk wie OPUS: Prism Peak schnell in den Hintergrund. Wie bereits erwähnt, ist der Grafikstil im Cel-Shading-Look gehalten, mit etwas realistischeren, stark stilisierten Umgebungen. Er erinnert so an die Filme von Studio Ghibli und bricht nicht die Immersion. Der Sound ist zurückhaltend, aber stets passend. Er gibt der Reise eine gute Untermalung und die nötige Ernsthaftigkeit, ohne besonders aufzufallen.

Die Charaktere sind sympathisch und komplett in mehreren Sprachen vertont – wir haben uns für die japanische Sprachausgabe entschieden, aber auch eine englische Sprachausgabe steht zur Auswahl. Die Grafik selbst ist zweckmäßig – nichts, was nicht auch auf einer zwölf Jahre alten PlayStation 4 möglich wäre. Wer in der Vergangenheit Life is Strange oder Spiele von Telltale Games gespielt hat, weiß aber auch, dass das völlig ausreichend ist.

Ein Abenteuer wie ein Ghibli-Film

Bildmaterial: OPUS: Prism Peak, Shueisha Games, Sigono

Der Beitrag Im Test! OPUS: Prism Peak ist ein Abenteuer wie ein Ghibli-Film erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Tomodachi Life: Wo Träume wahr werden
	16. April 2026
	Nintendo
	16. April 2026
	Nintendo
	16. April 2026
	Nintendo
System	Switch
Getestet für	Switch 2
Entwickler	Nintendo
Genres	Simulation, Lifestyle
Texte
Vertonung	–

Nintendos Veröffentlichungsstrategie muss man manchmal wirklich erst einmal verstehen. Nicht einmal zwei Monate nach dem Überraschungserfolg von Pokémon Pokopia steht schon das nächste Spiel vor der Tür, das auf den ersten Blick in eine ähnliche Kerbe schlägt. Zumindest wirkt es so – bei genauerem Hinsehen zeigen sich dann aber doch deutliche Unterschiede.

Rund 13 Jahre ist es inzwischen her, dass Tomodachi Life auf dem Nintendo 3DS erschien und dort ein beachtlicher Erfolg wurde. Entsprechend groß ist die Vorfreude: Viele Fans warten seit Jahren auf eine Fortsetzung. Ganz so einfach ist die Sache aber nicht, denn streng genommen handelt es sich hier gar nicht um den zweiten Teil der Reihe. Bereits 2009 erschien mit Tomodachi Collection ein erster Ableger – allerdings ausschließlich in Japan und damit nie offiziell im Westen.

Wir hatten nun die Möglichkeit, das neue Spiel bereits ausführlich vorab zu testen. Erste Eindrücke haben wir schon in unserer Preview geschildert, jetzt können wir uns jedoch ein deutlich klareres Gesamtbild machen.

Miis feiern ihr Comeback

Wisst ihr eigentlich noch, was Miis sind? Auf der Switch fast schon in Vergessenheit geraten, feiern sie hier ihr großes Comeback. Bevor es losgeht, erstellen wir unseren ersten eigenen Bewohner bzw. Bewohnerin – und genau hier zeigt sich schon eine der großen Stärken des Spiels.

Der bekannte Mii-Maker dient erneut als Werkzeug, wurde aber um neue Funktionen und Anpassungsmöglichkeiten erweitert. Der Kreativität sind damit kaum noch Grenzen gesetzt: Ob man sich selbst, Freunde, Familie, Promis oder komplett fiktive Figuren erschaffen möchte – alles ist möglich.

Eine Einschränkung gibt es allerdings: Das Importieren von Mii-Designs aus externen Quellen ist nicht mehr möglich, was gerade für weniger kreative bzw. talentierte SpielerInnen schade sein dürfte. Lokal lassen sich Designs weiterhin übertragen.

Mit der neuen „Schminke“-Funktion sind dafür deutlich detailliertere Miis möglich – vorausgesetzt, man bringt das nötige künstlerische Talent mit. Glücklicherweise existieren bereits erste Websites, die als Inspirationsquelle dienen und sogar konkrete Einstellungen für bestimmte Designs zeigen.

Nintendo nimmt Neulinge zudem stärker an die Hand: Über ein Fragen-System lässt sich automatisch ein Mii generieren, das anschließend noch angepasst werden kann. Auch bei den Beziehungen gibt es Fortschritte. Gleichgeschlechtliche Partnerschaften sind nun möglich und die Partnerpräferenzen lassen sich individuell festlegen – inklusive Optionen wie „Nicht-binär“. Ein Schritt, der besonders im Vergleich zum 3DS-Vorgänger positiv auffällt, der damals genau dafür Kritik einstecken musste.

Inselleben, Alltag und Wachstum

Mit zunehmender Anzahl an Bewohnern wächst auch die Insel. Bis zu 70 Miis können gleichzeitig einziehen und schalten nach und nach neue Einrichtungen frei – vom Supermarkt über Boutiquen bis hin zu Möbel- und Einrichtungsläden. Auch die bebaubare Fläche erweitert sich stetig, wodurch immer mehr Möglichkeiten entstehen, die eigene Insel zu gestalten.

Gestaltung ist ein gutes Stichwort. Über das „Inseldesignzentrum“ lässt sich eure Insel nach Belieben umdekorieren. Ob Wege, Straßenlaternen, Getränkeautomaten oder eine Wagenladung verschiedener Deko-Elemente in zig Farben. Hier sollte für jeden was dabei sein. Ein großer Pluspunkt im Vergleich zu Tomodachi Life auf dem 3DS damals.

Neuigkeiten werden regelmäßig über die MNN-Nachrichtensender präsentiert, begleitet von der typischen Tomodachi-Sprachausgabe, die inzwischen fast schon Kultstatus erreicht hat. Sie klingt nach wie vor etwas gewöhnungsbedürftig, versprüht aber gleichzeitig ihren ganz eigenen Charme. Auch hier gibt es viele Anpassungsmöglichkeiten für die Stimmen.

Eine klassische Story sucht man hier allerdings vergebens. Stattdessen geht es darum, das Inselleben zu beobachten und aktiv mitzugestalten. Wir kümmern uns um die kleinen und großen Probleme unserer Miis, sorgen für Nahrung, Kleidung, Einrichtung oder knüpfen Beziehungen zwischen ihnen. All das läuft dabei in Echtzeit ab. Langfristige Events, die reale Zeit benötigen, sind mir aber nicht untergekommen.

Zwischen Wahnsinn, Wohlfühlfaktor und … Fischen?

Die wahren Highlights sind jedoch die oft völlig absurden Situationen, in die unsere Miis geraten. Genau dieser Mix aus Weirdness und trockenem Humor fängt den Charme der Vorgänger perfekt ein. Manche Szenen sind so skurril, dass man einfach nur schmunzeln kann – oder sich ernsthaft fragt, was man da gerade erlebt hat. Das Spiel nimmt sich selbst nie zu ernst und liefert regelmäßig herrlich schräge Momente, die einen auch mal laut auflachen lassen.

Trotz all dieser Stärken bleibt eine entscheidende Frage: Trägt das Konzept auch langfristig? Schon während der Preview kam dieser Gedanke auf. Die Antwort darauf muss letztlich jeder für sich selbst finden. Einige werden problemlos hunderte Stunden investieren, andere verlieren vielleicht schneller das Interesse. Wichtig ist vor allem, zu wissen, worauf man sich hier einlässt.

Längere Gaming-Sessions haben sich bei mir auch nicht eingeschlichen. Vielmehr vergleiche ich die Erfahrung gerne mit einem Aquarium. Ich schaue jeden Tag kurz vorbei, um zu sehen, wie es allen so ergeht. Im Zweifel füttere ich oder helfe bei Problemen aus. Gegebenenfalls muss ich das Aquarium mal sauber machen oder erweitern, manchmal kommt auch ein neuer „Fisch“ hinzu. Das war zumindest meine Spielweise. Jeder bzw. jede wird hier wohl anders an die Sache herangehen.

Miis so „lebendig“ wie nie

Tomodachi Life erscheint auf der Nintendo Switch – eine dedizierte Version für die Nintendo Switch 2 gibt es nicht. Die Fassungen sind weitgehend identisch, getestet wurde jedoch auf der neuen Hardware. Laut Nintendo profitieren wir hier von kleineren Verbesserungen wie leicht schnelleren Ladezeiten und einer etwas höheren Auflösung im Docked- sowie Handheld-Modus. Den speziellen Handheld-Boost-Modus unterstützt das Spiel allerdings nicht.

Optisch präsentiert sich der Titel solide. Kein Grafikfeuerwerk, aber natürlich ein deutlicher Sprung im Vergleich zum 3DS-Vorgänger. Besonders die neuen Animationen wissen zu gefallen: Die Miis wirken plastischer und lebendiger als je zuvor. Technisch läuft das Ganze stabil, allerdings ist die Bildrate auf 30 FPS begrenzt – gerade auf der Switch 2 hätte man sich hier etwas mehr gewünscht. Bei einem so statischen Spiel wie diesem ist das aber auch nicht so wild.

Beim Sound bleibt sich die Reihe treu. Die Musik plätschert entspannt vor sich hin, wirkt locker und leicht. Einige Tracks bleiben durchaus im Ohr und tragen gut zur typischen Tomodachi-Atmosphäre bei.

Für Diskussionen sorgte bereits vorher der Umgang mit geteilten Inhalten. Screenshots lassen sich weiterhin direkt auf der Konsole speichern und auch teilen – sofern man sich an Nintendos Richtlinien hält. Das direkte Übertragen der Bilder auf ein Smart-Device ist jedoch nicht mehr möglich.

Angesichts der vielen kreativen Möglichkeiten im Spiel will Nintendo hier offenbar stärker kontrollieren, was mit den Inhalten passiert. Da über kleine Umwege früher oder später ohnehin jeder Inhalt in den sozialen Medien landen kann, kann auch die Sinnhaftigkeit dieser Maßnahme bezweifelt werden.

Tomodachi Life: Wo Träume wahr werden ist dabei klar als Einzelspieler-Erfahrung ausgelegt. Einen klassischen Online-Multiplayer, bei dem man die Inseln anderer Spieler in Echtzeit besucht – ähnlich wie etwa bei Animal Crossing – sucht man vergeblich.

Schräge Insel, zeitloser Charme

Bildmaterial: Tomodachi Life: Wo Träume wahr werden, Nintendo

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Titel	Pragmata
	17. April 2026
	Capcom
	17. April 2026
	Capcom
	17. April 2026
	Capcom
System	PlayStation 5, Xbox Series, Switch 2, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Capcom
Genres	Third-Person-Action-Adventure
Texte
Vertonung

Neue IPs haben es heutzutage immer schwerer Fuß zu fassen in einem schier endlosen Meer aus altbekannten und etablierten Marken oder Indie-Titeln, die ohnehin in einer eigenen Kategorie zuhause sind und oft mit einem gänzlich anderen Auge betrachtet werden. Speziell im Triple-A-Bereich, in dem die Budgets mittlerweile extrem hoch angesetzt werden, sind immer weniger Publisher bereit, viel Geld in ein noch unbekanntes Franchise oder eine neue Marke zu investieren.

Umso erfreulicher ist es daher, dass sich doch immer wieder große Publisher und Entwickler wie Capcom an neue Marken herantrauen und obendrein auch bereit sind, ein ordentliches Budget für die Entwicklung ebenjener Titel springen zu lassen.

Eine dieser gänzlich neuen IPs des japanischen Publishers und Entwicklers Capcom ist das Sci-Fi-Abenteuer Pragmata. Pragmata mag auf den ersten Blick zwar aussehen wie ein typischer Third-Person-Shooter, wie es sie schon zur Genüge gibt, dennoch versteckt sich hinter der scheinbar altbekannten Fassade ein spannendes Hacking-Abenteuer, welches mit einem einfachen, aber doch irgendwie genialen Gameplay-Kniff frischen Wind in das angestaubte Genre bringt.

Pragmata erscheint am 17. April für PS5, Xbox Series, Switch 2 und PCs. Ob sich das Warten auf den vielversprechenden Titel gelohnt hat, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Review.

Eine von der Außenwelt abgeschnittene Forschungsstation und ein neuartiges Material

Die Geschichte von Pragmata spielt in einer gar nicht mal so weit entfernten Zukunft. Die Menschheit hat einen gänzlich neuen Rohstoff entdeckt, das sogenannte „Lunum“. Mit Hilfe von Lunum konnte nach einiger Forschungsarbeit das neuartige Material „Lunafilment“ erschaffen werden.

Eine Art Material, welches dazu benutzt wird, mit teils gigantischen „Druckanlagen“ verschiedenste Gegenstände, Gebäude oder auch andere Dinge zu erschaffen. Einzig eine Vorlage dessen, was man kreieren möchte, ist notwendig, um der Druckanlage vorzuschreiben, was sie zu bauen hat. Wie bei einem 3D-Drucker der aktuellen Zeit, könnte man sagen.

Eines Tages ging der Kontakt zwischen der Erde und dieser Forschungsstation, die sich auf dem Mond befindet, jedoch verloren. Ein Team aus Spezialisten wurde umgehend entsandt um sich diesem Problem anzunehmen und dem merkwürdigen Kontaktabbruch auf den Grund zu gehen.

Kurz nach dem Eintreffen dieses Teams gab es jedoch ein Mondbeben. Also eine Erschütterung des Mondes. Hugh Williams, unser Hauptcharakter, wurde durch ebendieses Mondbeben von seinem Team getrennt. Im bewusstlosen Zustand wird Hugh jedoch von einem kleinen Mädchen, einem mysteriösen Androiden, gerettet und wiederhergestellt. Sie ist ein Pragmata, ein Geschöpf, welches mit Hilfe von Lunafilment erschaffen wurde und eine künstliche Intelligenz besitzt. Speziell die sehr emotional präsentierte Beziehung zwischen Hugh und dem Mädchen wurde wirklich toll umgesetzt.

Von hier aus nimmt die spannende Geschichte rund um die Erkundung dieser gigantischen Mondbasis nun ihren Lauf. Seite an Seite mit dem äußerst menschlich anmutenden Androiden muss Hugh die seltsamen Vorkommnisse auf der Basis nun also ohne die Hilfe seines Teams untersuchen.

Third-Person-Action mit dem besonderen Etwas lockert das Genre auf

Pragmata ist im Kern ein Third-Person-Shooter, wie man ihn erwarten würde. Actiongeladene Kämpfe wechseln sich mit ruhigeren Erkundungsphasen ab. Die Story wird mit Hilfe vieler Cutscenes, aber auch anhand vieler in der Welt verstreuter Schriftstücke wie E-Mails und andere Dokumente erzählt. So weit, so gewöhnlich, könnte man sagen.

Dann kommt jedoch die größte Besonderheit von Pragmata zum Tragen. Das ausgefeilte Hacking-System, das die Kämpfe auflockert und ihnen einen völlig neuen Touch verleiht. Greift man die unzähligen Gegner beispielsweise einfach auf normalem Wege an, nehmen diese kaum Schaden. Man muss die Schutzmechaniken der mechanischen Gegner per Hacking-Tool erst umgehen und verschafft sich somit ein kurzes Zeitfenster, in welchem die Gegner deutlich verwundbarer sind.

Gerade am Anfang des Abenteuers empfindet man das Hacken noch als recht einfach umsetzbar. Interessant und fordernd wird das Ganze aber im weiteren Spielverlauf, wenn man sich mehrerer Gegner gleichzeitig erwehren muss und diese ganz nebenbei ja auch immer erst noch hacken muss. Multitasking wird bei Pragmata also großgeschrieben und man muss während der teils wirklich hektischen Situationen stets einen kühlen Kopf bewahren um Herr über die jeweilige Situation zu bleiben. Die Hacking-Mechanik ist also definitiv das große und herausstechende Feature von Pragmata.

Anders als man im ersten Moment vielleicht denken möchte, erwartet uns mit Pragmata also alles andere als ein typischer 08/15-Third-Person-Shooter. Das Zusammenspiel aus Atmosphäre, den toll geschriebenen Dialogen zwischen Hugh und dem Androiden-Mädchen und der neu eingeführten Hacking-Mechanik runden das Gesamtpaket gekonnt ab und machen Pragmata zu einem wirklich tollen Titel, den man auf jeden Fall gespielt haben sollte.

Auch optisch ein außerirdischer Leckerbissen der Oberklasse

Speziell die optische Präsentation von Pragmata kann sich wirklich sehen lassen. Wunderbar kühl und steril fühlt sich die Mondbasis in den ersten Spielminuten an. Im weiteren Spielverlauf verändern sich die Locations natürlich auch etwas, was zusätzliche optische Abwechslung mit sich bringt und den äußerst sterilen Look etwas auflockert.

Neben den tollen Texturen und Modellen sind es speziell die fantastischen Lichteffekte, die dem Abenteuer nicht selten die optische Krone aufsetzen und das grafische Erlebnis abrunden. Vor allem die Animationen der Charaktere konnten mich vollstens überzeugen, denn diese fühlen sich fast schon butterweich und geschmeidig an.

Pragmata lief während unserer Testsession im Performance-Modus auf PlayStation 5 außerdem stets mit flüssigen 60 Frames über den Bildschirm und auch mit lästigen Vsync-Störungen mussten wir uns zu keiner Sekunde beschäftigen. Auf Wunsch kann Pragmata auch in einem Qualitätsmodus mit höherer Auflösung gespielt werden. Hier muss man sich dann allerdings mit 30 Frames begnügen.

Ein wirklich rundes grafisches Erlebnis, welches einmal mehr beweist, dass sich technische Optimierung eben doch auszahlt. Nicht selten erscheinen Spiele heutzutage ja vor allem technisch in unsauberem Zustand und erst nach vielen Updates werden die Titel dann überhaupt erst richtig spielbar. Das ist bei Pragmata jedoch keinesfalls der Fall und sollte auf jeden Fall löblich erwähnt werden.

Durchschlagende Soundeffekte und eine fantastische Synchronisation verwöhnen die Ohren

Auch tontechnisch feuert Pragmata aus allen Rohren. Neben den eher ruhigen und atmosphärischen Klangteppichen dreht der Sound vor allem in den hitzigen und fordernden Kämpfen auf und verleiht der jeweiligen Situation somit noch mehr Durchschlagskraft. Die fantastisch umgesetzten Soundeffekte wirken zudem wuchtig und stets passend und untermauern das Actiongeladene zusätzlich gekonnt.

Auch die gesprochenen Dialoge sind absolut hochwertig umgesetzt und speziell die englischen und japanischen Sprecher geben wirklich alles um dieses Sci-Fi-Abenteuer so authentisch wie möglich wirken zu lassen. Wirklich vorbildlich und absolut auf Triple-A-Niveau.

Auch die deutschen Sprecher wirken durchaus kompetent, kommen meiner Meinung nach aber keineswegs an die englischen oder japanischen Sprecher heran. Ich bin aber im Allgemeinen überhaupt kein Fan deutscher Synchronisierungen.

Spannendes Space-Abenteuer mit besonderem Gameplay-Kniff und toller Atmosphäre

Bildmaterial: Pragmata, Capcom

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Titel	Mega Man Star Force Legacy Collection
	27. März 2026
	Capcom
	27. März 2026
	Capcom
	27. März 2026
	Capcom
System	PlayStation 4/5, Xbox Series, Xbox One, Nintendo Switch, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Capcom
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Die Mega-Man-Reihe erfreut sich auch nach fast 40 Jahren immer noch großer Beliebtheit. Nicht weiter verwunderlich ist es daher, dass natürlich auch der Publisher und Entwickler Capcom weitere Projekte mit dem blauen Bomber plant. Mit Mega Man: Dual Override befindet sich beispielsweise sogar ein gänzlich neues Mega-Man-Abenteuer in der Capcom-Pipeline, welches 2027 erscheinen soll.

Ein weiteres dieser neuen Projekte ist unter anderem auch die Mega Man Star Force Legacy Collection, welche ganze sieben Titel der Star-Force-Reihe enthält. Die Star-Force-Reihe, die speziell für Nintendo DS entwickelt wurde, nutzt vor allem die Vorteile eines zweiten Bildschirms der Handheld-Konsole aus und schafft somit ein für die Mega-Man-Reihe bisher nie dagewesenes Gameplay-Gefühl.

Jedoch handelt es sich dabei auch um ein sehr spezielles Feature, welches folglich für diese brandneue Collection entsprechend umgesetzt und an die Moderne angepasst werden musste. Durchaus eine große Herausforderung für die japanischen Entwickler aus dem Hause Capcom.

Die Star-Force-Reihe erfreute sich speziell in Japan großer Beliebtheit und nun kommen endlich auch jüngere Spieler-Generationen und Spieler, die damals vielleicht keine Berührungspunkte mit dieser Spin-off-Reihe des Mega-Man-Franchise hatten, in den Genuss dieser Titel.

Mega Man Star Force Legacy Collection erschien am 27. März für PlayStation 4 & 5, Xbox Series S/X, Xbox One, Switch und PCs. Ob sich die an die Moderne angepasste Sammlung der Nintendo-DS-Titel bewährt, erfahrt ihr natürlich wie immer in unserem ausführlichen Test.

Stolze sieben Star-Force-Titel sind enthalten

Die Mega Man Star Force Legacy Collection beinhaltet ganze sieben Titel der Spin-off-Reihe. Neben den Titeln Pegasus, Leo, Dragon, Zerker x Ninja, Zerker x Saurian, Black Ace und Red Joker kommt die Star Force Legacy Collection auch mit zusätzlichen Features wie beispielsweise einer Galerie und einem Soundtrack-Archiv daher. Das Gesamtpaket für alle Fans der Reihe, könnte man also sagen, und die definitive Ausführung der Star-Force-Reihe.

Die enthaltenen Star-Force-Titel sind im Endeffekt Remastered-Versionen der Originale. Hier und da mussten jedoch vor allem technische Anpassungen gemacht werden. Zum einen in Sachen Auflösung und Tonqualität und zum anderen in Sachen zweites Display. Da bei einer modernen Konsole schließlich nur ein Monitor genutzt wird, musste sich Capcom eine Lösung für das Zwei-Display-Feature der Originale einfallen lassen.

Dieses zweite Display wird nun im Kleinformat neben unserem eigentlichen Haupt-Display abgebildet und kann auf Knopfdruck jederzeit vergrößert werden. Das ursprünglich für zwei Displays ausgelegte Feature wird nun also gleichzeitig zusammen auf einem Monitor dargestellt. Eine optimale Lösung in jeglicher Hinsicht und im Endeffekt auch die einzige Möglichkeit dieses Feature so originalgetreu wie möglich einzubinden, ohne die Titel gameplaytechnisch verändern zu müssen.

In allen Star-Force-Titeln übernehmen wir die Rolle des jungen Helden Geo Stelar, welcher sich immer mehr von seinem Alltag und Mitmenschen distanziert. Eine Art Schutzreaktion, die auf das Verschwinden seines Vaters in den Weiten des Weltraums zurückzuführen ist. Eines Tages verschmilzt Geo jedoch mit dem Alien Omega-Xis, woraufhin Geo zu Mega Man wird. Nun muss er sein Schicksal selbst in die Hand nehmen und die Welt vor den bedrohlichen EM-Wellen schützen. Unser Held wächst also über sich hinaus und muss sich in vielen spannenden Abenteuern behaupten.

Taktisch orientierte Kämpfe weichen vom serientypischen Gameplay ab

Anders als bei allen anderen Ablegern und Spin-offs der Mega-Man-Reihe verlaufen die Kämpfe bei den Star-Force-Titeln deutlich Taktik-orientierter und etwas weniger hektisch. Wir bekämpfen unsere Widersacher dieses Mal nicht direkt, sondern greifen diese auf einer Art Spielfeld mit drei Rastern an.

Mit zusätzlichen Power-Chips, welche über das Zusatz-Display ausgewählt werden, haben wir die Möglichkeit die Kämpfe zu beeinflussen. Diese Power-Chips funktionieren quasi wie kleine Power-ups, die uns beispielsweise einen Angriffs-Bonus verleihen oder einen bestimmten Spezialangriff ausführen lassen.

Unterm Strich bekommt man es bei den Star-Force-Titeln also mit einem wirklich ungewöhnlichen Kampfsystem zu tun. Auf den ersten Blick sieht das Ganze natürlich eher unspektakulär aus, unterm Strich erwartet uns aber ein recht ausgefeiltes Kampfsystem, welches dank des Einsatzes der vielen unterschiedlichen Chips durchaus Tiefe vorweisen kann. Am Ende des Tages ist dies aber natürlich wieder Geschmackssache.

Optisch liebevoll präsentiert, aber natürlich nicht mehr zeitgemäß

Aus grafischer und allgemein technischer Sicht darf man sich bei der Star Force Legacy Collection aber natürlich nichts vormachen. Wir haben es hier natürlich immer noch mit alten Nintendo-DS-Titeln zu tun, die schon zum Release nicht unbedingt optische Highlights waren. Dementsprechend sehen die Titel auf heutigen, deutlich größeren Monitoren auch nicht unbedingt ansprechender aus. Dennoch können die Titel mit vielen liebevollen Details begeistern und die Optik hat auch heutzutage durchaus noch ihren Charme. Hier muss man aber auf jeden Fall aufgeschlossen für technisch angestaubte Retro-Titel sein.

Die enthaltenen Spiele liefen aber allesamt äußerst rund und ohne technische Mängel über den Bildschirm, technisch liefert die Star Force Legacy Collection also ein durchaus ordentliches Gesamtbild ab.

Tontechnisches Retro-Feeling ohne Patzer

Auch soundtechnisch kann die Collection überzeugen und die überarbeiteten Klangteppiche und Melodien klingen auch für heutige Verhältnisse noch sehr passabel. Wie auch schon bei der Optik muss man auch beim Sound immer im Hinterkopf behalten, dass man es hier eben mit alten DS-Titeln zu tun hat.

Dafür ist die technische Seite aber voll zufriedenstellend und eben genau das, was man von einer technisch an die Moderne angepassten Collection erwarten würde.

Mehrspielermodus für noch taktischere Duelle enthalten

Eine große Überraschung ist hingegen der enthaltene Mehrspielermodus. In diesem haben wir die Möglichkeit, wahlweise in Ranked oder Unranked Matches zu spielen und unser Können mit anderen Spielern aus der ganzen Welt zu messen. Der einzige Kritikpunkt an diesem Mehrspielermodus ist die Tatsache, dass die Entwickler von Capcom leider keinen Crossplay-Modus verbaut haben. PlayStation-Spieler bleiben also ebenso wie Xbox-, Switch- und PC-Spieler jeweils unter sich.

Auf lange Sicht könnte dies durchaus der Spielerbasis schaden und – speziell wenn der große Launch-Run vorbei ist – für schwache Spielerzahlen im Multiplayermodus sorgen. Die Spielersuche würde dann also bedeutend länger dauern.

Die beliebte Spin-off-Reihe nun endlich in einer Collection vereint

Bildmaterial: Mega Man Star Force Legacy Collection, Capcom

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Titel	Screamer
	26. März 2026
	Plaion
	26. März 2026
	Plaion
	26. März 2026
	Plaion
System	PS5, Xbox Series, PC
Getestet für	PC-Steam
Entwickler	Milestone, Polygon Pictures
Genres	Arcade-Racer
Texte
Vertonung

Große Rennspielmarken gibt es nur noch wenige. Viele erinnern sich an die goldenen Zeiten der frühen 2000er mit Arcade-lastigen Rennspielen wie Need for Speed Underground, Burnout und Blur, aber auch nischigeren Titeln wie Auto Modellista oder Initial D Special Stage. Entwickler Milestone und Publisher Plaion knüpfen mit Screamer an diese alten Zeiten an.

Dem ein oder anderen älteren Semester werden die Namen vielleicht bekannt vorkommen, und richtig – hier ist tatsächlich das ursprüngliche Team hinter der Bleifuss-Reihe (international damals schon Screamer genannt) am Werk.

Mit den ursprünglichen Bleifuss-Titeln hat das aktuelle Screamer aber wenig gemein. Man könnte sogar von einem Reboot der Reihe sprechen – und ehrlich gesagt hoffen wir auf eine Verlängerung der Reihe, denn Screamer (2026) macht viel richtig, leidet aber an seiner schwankenden Qualität.

Karriere-Modus im Visual-Novel-Stil mit Anime-Sequenzen

Herzstück des Spiels ist der Turniermodus mit einem von „Screamern“ aus aller Welt ausgetragenen Turnier, in dem es um das enorme Preisgeld von 100 Milliarden Dollar und die Geheimnisse einer mysteriösen Maschine mit dem Namen „Echo“ geht. Sie kann nicht nur die Zeit zurückdrehen, sobald ein Wagen explodiert – wenn dabei Menschen sterben, kann sie sogar Tote wiederauferstehen lassen.

Jedes der fünf Teams hat ganz eigene Gründe am Rennen teilzunehmen, welche ihr im Laufe der 70 Episoden umfassenden Story kennenlernt – während der etwa zehn Stunden werden die Rivalitäten immer stärker und die Kämpfe immer erbitterter.

Die Story selbst ist dabei sehr interessant, aber manchmal etwas zu ausführlich. Insbesondere die „Zwischenepisoden“ im Visual-Novel-Stil ziehen sich manchmal ganz schön in die Länge. Dagegen wirken die Hauptsequenzen im Anime-Stil hochwertig. Schade, dass man es hier verpasst hat, eine gewisse Konsistenz herzustellen. Eine kürzere, knackiger präsentierte Story in einem stilistisch passenderen Manga-Panel-Style hätte zum Beispiel deutlich besser gepasst. Weniger wäre hier mehr gewesen.

Etwas eigenwillig ist auch das ständige Hin- und Herspringen zwischen den verschiedenen Teams. Selten sitzt man zwei Rennen in Folge im gleichen Wagen, ständig wird gewechselt. Es ist nicht nur schwer, der Story zu folgen – auch das Eingewöhnen auf ein Fahrzeug fällt schwer. Die Fahrzeuge heben sich allerdings hauptsächlich optisch ab, spielerisch wirken sie alle recht ähnlich und unterscheiden sich bevorzugt in der Höchstgeschwindigkeit und den Spezialattacken.

Die Vollvertonung der Story weiß zu gefallen: Die TeilnehmerInnen sprechen in unterschiedlichsten Sprachen, von Deutsch über Spanisch bis Holländisch und Japanisch. Das bringt den internationalen Charakter der hochgetunten Wagen mit 350 km/h Spitzengeschwindigkeit sehr gut in die Wohnzimmer – auch wenn Holländisch für uns Deutsche manchmal einfach unfreiwillig lustig klingt. Oder wie man im Spiel sagen würde: „Waarom zou iemand respect voor jou hebben?“

Ansonsten bietet Screamer das, was man von einem Arcade-Racer erwartet: Mehrere Spielmodi wie Einzelrennen, Teamrennen, Zeitrennen sowie Punkteherausforderungen, Overdrive-Herausforderungen und Kontrollpunkte-Rennen sind vorhanden – auch im lokalen Splitscreen und als „Mixtape“ im Online-Modus. Tuning ist leider nur optisch vorhanden, das jedoch sehr umfangreich. Ein Schadensmodell ist quasi nicht vorhanden – ab und zu fliegt ein Heckflügel ab, was nur optische Auswirkungen hat.

Drifte um dein Leben

Die Rennen auf den über 30 Strecken machen nach wenigen Stunden Eingewöhnungsphase richtig Spaß. Die Lernkurve ist dabei aber ziemlich steil. Nicht nur ist das Driftverhalten der Boliden äußerst gewöhnungsbedürftig und erinnert mit seinen ständigen Heckausbrüchen und etwas verzögertem Einlenken stark an Wipeout. Auch die KI-Gegner sind teilweise wirklich unerbittlich. Schon auf mittlerer Schwierigkeitsstufe („ausgeglichen“) braucht man für manche Teamrennen sowohl viel Glück als auch Können, was zu mehrfachen Wiederholungen eines Events führt. Da hilft nur ein Zurückschrauben auf den einfachen Schwierigkeitsgrad.

Trotzdem: Hat man das Driftgefühl erst einmal verinnerlicht, gerät man schnell in einen sehr befriedigenden Flow, welchen man sonst nur von Future-Racern kennt. Das gezielte Antippen der Bremse vor und während eines Drifts, während man die tonnenschwere Karosse nur wenige Zentimeter von der Bande entfernt um die schwierige Kurvenpassage schwingt, sorgt für ein Gefühl, das nur wenige Rennspiele so perfekt hinbekommen wie Screamer.

Auf der ein oder anderen Strecke wird es jedoch zu viel des Guten, denn auf den Serpentinen des „Nebelhügels“ oder „Falkenpfads“ gibt es kaum Verschnaufpausen zwischen den anspruchsvollen Drifts. Alle fünf Sekunden erneut anbremsen, um im zweiten Gang die nächste Kurve zu nehmen, artet schon fast in Arbeit aus und ist ermüdend.

Doch Driften ist nicht die einzige Spielmechanik, die perfektioniert werden möchte. Auch die Boosts, oder besser gesagt das passende „aus der Kurve boosten“, entscheidet oft über Sieg und Niederlage in den erbitterten Straßenrennen. Dazu kommen die tödlichen Explosionsangriffe des „Echos“ à la Burnout und Blur, die gar nicht so einfach zu timen und auszurichten sind. Mit etwas Geschick lassen sich diese mit einem wenige Sekunden anhaltenden Schild abblocken.

Stilistisch Weltklasse, Sound sehr gut

Technisch weiß Screamer (2026) auf ganzer Linie zu überzeugen, besonders in epischen Einstellungen auf dem PC. Die Grafik ist sehr gut und bringt das Geschwindigkeitsgefühl überzeugend rüber. Wirklich herausragend ist das Spiel jedoch an anderer Stelle: Die Städte im Cyberpunk-Stil sind hervorragend getroffen, der Stil ist ähnlich überzeugend und zeitlos wie damals bei Need for Speed Underground. Die umfangreichen Einstellungsmöglichkeiten der PC-Version lassen auch kaum Wünsche offen.

Die Entwickler wissen offenbar genau, wie gut ihnen der in Neonfarben leuchtende Stil ihrer Städte gelungen ist und liefern einen Weltklasse-HDR-Effekt mit, der zudem noch auf den eigenen Fernseher angepasst werden kann. Ohne Übertreibung: Wer einen leuchtstarken HDR-TV oder gar einen OLED-TV besitzt, muss Screamer (2026) erlebt haben. Der HDR-Effekt ist nahezu ebenbürtig mit den besten in dieser Disziplin, etwa Tetris Effect und Ori and the Will of the Wisps.

Auch der Sound ist sehr gut gelungen. Er ist nicht so kultig wie ein F-Zero GX, Wipeout oder der ein oder andere „Need for Speed“-Teil, trotzdem überzeugt der Metal- und Electronic-lastige Soundtrack. Die Motorengeräusche sind kernig, die Soundeffekte sind ebenso passend.

Ein Wechselbad der Gefühle

Bildmaterial: Screamer, Plaion, Milestone

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Titel	Death Stranding 2: On the Beach
	19. März 2026
	PlayStation Publishing LLC
	19. März 2026
	PlayStation Publishing LLC
	19. März 2026
	PlayStation Publishing LLC
System	PlayStation 5, PC
Getestet für	PC (Steam)
Entwickler	Kojima Productions, Nixxes
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Ich muss gestehen, dass Death Stranding nicht mein Spiel war. Womöglich hatte ich nach dem wirklich starken und durchdachten Gameplay des letzten Metal Gear Solid unter der Führung von Hideo Kojima einfach etwas anderes erwartet. Die meditative Reise über menschliche Verbindung hatte durchaus ihre Höhen, aber auch viel zu lange Talfahrten.

Meine Erwartungen für das Sequel waren also nicht sehr hoch. Da dieser Teil nun, wie nicht anders zu erwarten war, ebenfalls auf der beliebtesten Plattform der Welt erscheint, gibt es keinen besseren Zeitpunkt für mich, herauszufinden, ob Kojima seine Formel konsequent weiterentwickelt hat. Und natürlich, ob das Team von Kojima Productions das nötige Know-how besitzt, um dem Spiel eine ordentliche Optimierung auf PCs zu spendieren. Dank des Review-Musters von PlayStation gibt es nun die Antworten darauf.

Not so dead

Ähnlich wie der Vorgänger beginnt auch Death Stranding 2 mit einer Wanderung, untermalt von Kojimas persönlicher Spotify-Playlist. Das ist ein effektiver Anfang, um sowohl Ton als auch Stil der Geschichte und des Gameplays einzuführen.

Doch lange hält die Idylle nicht an. Nachdem der erste Teil genutzt wurde, um die Beziehung zwischen Sam Porter Bridges und seinem BB Lou aufzubauen und zu vertiefen, wird eben diese Verbindung zu Beginn zerrissen. Das ist einer der emotionalen Höhepunkte, von dem sich Spieler und Sam erholen müssen. Und ähnlich wie in der echten Welt geht das nicht ohne Verdrängung, Depression und den Sturz in die Arbeit.

Zusammen mit alten und neuen Freunden (von Kojima) zieht es Sam nach Mexiko und Australien. Dort muss er wieder wichtige Knotenpunkte mit dem chiralen Netzwerk verbinden. Dabei werden ihm jedoch mehrmals Steine in den Weg gelegt. Wer ist der Geldgeber dieser Mission? Wieso kann man sich von Mexiko nach Australien teleportieren? Was ist das Nirvana?

Erneut ist das Thema Verbindungen. Aber dieses Mal geht es mehr darum, welche Konsequenzen diese haben und wie sie einem mehr schaden als helfen können.

Evolution

Es handelt sich also tatsächlich um eine konsequente Entwicklung der Erzählung aus dem ersten Teil. Thematisch bleibt der Kern erhalten, aber die Sichtweise ändert sich. Sehr clever. Das führt trotz des üblichen Kojima-Nonsens zu einer runderen Geschichte mit besserem Pacing und am Ende zu einem epischen Finale, das alleine die Reise schon wert ist.

Getragen wird diese emotionale Reise von den starken Performances der Schauspieler. Allen voran Troy Baker, der als Higgs absolut jedem die Show stiehlt und mit seinem puren Charisma alle seine Szenen dominiert. Jedes Mal, wenn dieser Charakter auf dem Bildschirm erscheint, wird jede langgezogene Talfahrt sofort vergessen. Was für eine starke Performance. Auch dafür allein lohnt sich das Spiel. Obwohl die anderen Charaktere hier teils weit abfallen, sind sie dennoch interessanter als beim Vorgänger, obwohl Cliff Unger sehnlichst vermisst wird.

Leider versteht der gute Kojima-san weiterhin nicht, wie sich normale Menschen unterhalten. Anstatt normale Konversationen zu führen, ergießt sich praktisch nur schwallartige Exposition aus dem Mund der Charaktere. Je besser die Technik und somit die Optik wird, desto negativer fällt das auf. Auch die typischen Logik-Lücken sind natürlich mit von der Partie. Hier wird Logik gegen Coolness eingetauscht, aber anderes hätte man vom Schöpfer von Metal Gear Solid nicht erwartet.

Wer sich also durch die Exposition und das mal wieder sehr passive Gameplay kämpfen kann, wird dafür mit einer interessanten und verrückten Geschichte belohnt, die eine sinnvolle Entwicklung zum Original darstellt.

Alphabet

Warum bin ich länger als nötig auf der Geschichte herumgeritten? Weil sich zum Vorgänger in Sachen Gameplay nicht allzu viel getan hat. Den Großteil der Zeit wird man weiterhin damit verbringen, von A nach B zu kommen und dabei sein Gepäck zu managen.

Wer diesem System beim Vorgänger gar nichts abgewinnen konnte, der wird hier nicht glücklich werden. Diejenigen, die sich zumindest etwas mehr Abwechslung erhofft hatten, werden jedoch belohnt. Es gibt mehr und dynamischere Auseinandersetzungen mit den verschiedensten Feinden sowie abwechslungsreichere Methoden der Fortbewegung und vielfältigere Nebenmissionen. Hier also auch mehr Entwicklung statt Revolution.

Selbiges gilt für die Optik, die beim ersten Teil schon begeistern konnte. Was Kojima Productions mit der Decima-Engine aus dem Hause Guerrilla Games auf den Bildschirm zaubert, ist wahrlich brachial. Sowohl Charaktere als auch Umgebungen kommen immer näher an die Realität heran und das sorgt für wesentlich mehr Emotionen und Gänsehaut während der Zwischensequenzen und des Gameplays. Selten war eine triste Einöde so schön wie bei Death Stranding 2. Und jetzt, auf dem PC, wird noch einmal eine Schippe draufgelegt.

Ultra

Mit den gängigsten Methoden der Frame-Generation ist ein unglaublich flüssiges Spielerlebnis bei einer Auflösung von 4K möglich. Zudem gibt es Super-Ultrawide-Support. Diese technischen Details richten sich natürlich an Spieler mit einem entsprechenden Setup von starkem Rechner und gigantischem Bildschirm. Teuer, aber mehr Immersion geht nicht. Besonders mit einem entsprechenden Monitor wird klar, dass so schöne Umgebungen vielleicht noch nie auf den Bildschirm gezaubert wurden. Dabei hilft auch die Tatsache, dass man auch auf PCs nicht auf die vielen Funktionen des DualSense verzichten muss. Immersion pur.

Und halleluja: Die zweifelsohne talentierten Entwickler von Kojima Productions und Nixxes haben ein extra Preset für tragbare PCs wie Steam Deck programmiert. Was sagt uns das? Hier hat sich jemand extra die Mühe gemacht, für schwache PCs eine ordentliche Performance zu garantieren. Diesen Schritt gehen nicht mehr so viele Entwickler, vor allem nicht, wenn sie aus dem fernen Osten kommen. Viel mehr kann man von einem „einfachen“ PC-Port nicht erwarten.

Doch leider sind nicht alle tragbaren PCs gleich. Das Steam Deck muss zum Beispiel selbst bei der passenden Einstellung viel zu hart mit dem Spiel kämpfen und ohne Frame-Generation kratzt es allenfalls an den 30 FPS. So kann ich das Sequel leider nicht auf Valves Handheld empfehlen. Death Stranding 2 lebt von seiner Optik und das kann der kleine Rechner eben nicht leisten.

Entwicklung statt Revolution

Bildmaterial: Death Stranding 2: On the Beach, Sony Interactive Entertainment, Kojima Productions

Der Beitrag Im Test! Death Stranding 2 für PCs ist ein fantastischer Port mit dickem Preisschild erschien zuerst auf JPGAMES.DE.