Travis wird aus seinem Ruhestand geholt

JPGames: Mit Travis Strikes Again (TSA) für Nintendo Switch erschien nach fast zehn Jahren wieder ein Spiel der Reihe für eine Videospielkonsole. Warum haben Sie sich dazu entschieden, Travis gerade jetzt aus seinem Ruhestand zu holen bzw. woran haben Sie gemerkt, dass es der richtige Zeitpunkt war?

Suda: Irgendwann hörten wir von den Fans, dass sie eine Fortsetzung sehen wollen. Wir dachten uns also „Okay, wir wollen eventuell etwas machen!“. Anschließend dachten wir über den richtigen Zeitpunkt nach. Das letzte Spiel, welches wir veröffentlichten, war vor einer Generation – vor etwa zehn oder sieben Jahren. Zur gleichen Zeit erschien die Unreal Engine 3 [und wir entwickelten mehrere Spiele für unterschiedliche Plattformen]. So war es beim letzten Spiel.

Beim neuen Spiel dachten wir uns, mit der Veröffentlichung von Nintendo Switch, es fühle sich nach dem guten Zeitpunkt an, um Travis zurückzubringen. Also holten wir ihn zurück in den Einsatz.

JPGames: Seit der E3 wissen wir, dass sich der dritte Teil von No More Heroes in Entwicklung befindet. In anderen Interviews haben Sie bereits erwähnt, dass dieser Teil ungefähr zwei Jahre nach TSA spielt. Ist Travis nicht langsam zu alt für diesen „Scheiß“? Oder ist er mit fast 40 noch in seinen goldenen Jahren?

Suda: Wahrscheinlich können Sie dem Plakat [Anm. D. Red.: Das linke Plakat an der Wand] entnehmen, dass die Drei [in dem Logo] eine Art Hommage an Rocky 3 sein soll. So etwas wollte ich schon immer machen. Ich wollte eine Geschichte erzählen, die wie Sylvester Stallone und Rocky ist. Als Sylvester Stallone älter wurde, spielte er immer noch Rocky. Gleichzeitig wurde Rocky ebenfalls in den Filmen älter, quasi in Echtzeit. Beide wurden gleichzeitig älter. Bei Travis sieht dies ähnlich aus. Er erlebt immer die gleiche Geschichte. Doch auch wenn er älter wird, geht er dennoch weiter, kämpft sich weiter durch und möchte seine Karriere fortsetzen.

JPGames: Haben Sie sich die Reaktionen der Fans bezüglich der Ankündigung durchgelesen? Was hatten Sie für einen Eindruck und ist Ihnen eventuell etwas Besonderes aufgefallen?

Suda: Bei der Veröffentlichung von TSA waren die Reaktionen gemischt und einige Fans fragten: „Warum gibt es keine Nummer im Spieltitel?“. Ich erinnere mich, dies gesehen zu haben. Bei der Ankündigung von NMH3 gab es viele positive Reaktionen über die gesamte Zeit. Jeder freute sich nach dem Motto „Ja, es gibt eine Fortsetzung und es geht weiter!“. Wir waren wirklich überrascht, wie positiv die Ankündigung aufgenommen wurde und wie sich jeder darüber gefreut hat.

Mit NHM3 versuche ich – in gewisser Weise – die gleiche Erfahrung nachzubilden, die auch die anderen beiden Spiele hervorgebracht haben. Das wird sicherlich nicht einfach und ich möchte sichergehen, dass die Leute dies erkennen werden.

JPGames: Der dritte Teil ist für 2020 geplant. Wie weit befindet sich der Entwicklungsstand vom Spiel?

Suda: Wir planen den Erscheinungszeitraum immer noch fürs nächste Jahr ein. Die Entwicklung ist [zum jetzigen Zeitpunkt] zu 50% abgeschlossen.

JPGames: Welche Inspiration haben Sie für die Entwicklung des dritten Spiels? Die “Henshin”-Szene aus dem Trailer erinnert zum Beispiel an Kamen Rider. Suchen Sie sich Inspirationen aus der japanischen Popkultur?

Suda: Wie Sie schon erkannt haben, lasse ich mich unter anderem von Kamen Rider inspirieren. Zum Beispiel schaue ich momentan Kamen Rider Zi-O und ich bin gespannt, wie die Geschichte weiterverläuft. Dennoch erstelle ich meine eigenen Spiele.

Ich liebe es, solche Sachen zu schauen und sie in die Spiele, die ich kreiere, zu implementieren. Für mich ist No More Heroes wie eine Art Box mit vielen unterschiedlichen Dingen. Ich verbaue diese Dinge als Metapher oder nehme verschiedene popkulturelle Referenzen und schmeiße sie in dem Spiel zusammen.

JPGames: Können wir in nächster Zeit mit mehr Informationen, Gameplay oder einen Trailer von No More Heroes 3 rechnen? Vielleicht auf der bevorstehenden TGS?

Suda: Die Tokyo Game Show ist noch ein wenig zu früh für uns, um etwas Neues mitzuteilen.

Teil 1 und 2 für Switch?

JPGames: Haben Sie Pläne oder wünschen Sie sich, die ersten beiden Spiele für Nintendo Switch zu veröffentlichen?

Suda: Wir befinden uns gerade in Gesprächen mit Marvelous zu diesem Thema und sehen, ob wir etwas Entsprechendes machen können. Wenn es möglich wäre, dann würden wir es lieben, die beiden Spiele auf Nintendo Switch und auf anderen Plattformen zu veröffentlichen. Ob es sich dabei lediglich um einen einfachen Port handeln würde oder um ein Remaster für eine neue Generation von Spielern mit zusätzlichen Optionen oder anderen Dingen, wissen wir noch nicht. Wir würden uns sehr darüber freuen, wenn wir dies machen könnten.

JPGames: Um die Wartezeit bis zum dritten Teil ein wenig zu verkürzen, bekommen Spieler die Möglichkeit, TSA ebenfalls auf PS4 und PCs zu spielen. Warum haben Sie sich dazu entschlossen, das Spiel auch für diese beiden Plattformen zu veröffentlichen?

Suda: Als die ersten beiden Teile [für Nintendo Wii] erschienen, war das Konzept der Multiplattform-Titel nicht so präsent. Zu diesem Zeitpunkt dachte ich nicht viel über die Entwicklung für mehrere Plattformen nach. Bei der Entwicklung für TSA war die Unreal Engine 4 sehr beliebt. Wir nutzen die Engine für unsere Entwicklung. Sie macht die Portierung von Spielen für uns sehr einfach.

Irgendwann dachten wir uns, wie wollen allen Spielern die Möglichkeit geben – nicht nur Spielern auf Nintendo Switch – TSA zu spielen, wie Spielern auf der PlayStation 4 und PCs. Also entschieden wir uns dazu und machten es. [Und als Anmerkung:] Die neuen Versionen erscheinen am 17. Oktober und können bereits [in allen Regionen] vorbestellt werden. Wenn Sie daran Interesse haben, sollten sie zugreifen.

JPGames: Werden die neuen Versionen neue Extras oder zusätzliche Inhalte erhalten? Wie zum Beispiel weitere Kollaborationen für neue T-Shirts für Travis?

Suda: In den neuen Versionen wird das Grundspiel von TSA enthalten sein und die bereits veröffentlichten DLCs. Für Nintendo Switch gibt es jedoch einige exklusive T-Shirt, die wir nicht in den anderen Versionen veröffentlichen können, wie zum Beispiel das Shirt von The Legend of Zelda. Wir haben nicht das Gefühl, es durch etwas anderes ersetzen zu müssen, wie durch neue Programme, DLCs oder Items.

Robin Atkin Downes als Stimme von Travis

JPGames: Haben Sie Kontakt zu Travis’ Synchronsprecher, Robin Atkin Downes? Sprechen Sie sich eventuell mit ihm ab, wie er die Rolle von Travis am besten sprechen sollte?

Suda: In der Vergangenheit war Robin [zu einem gewissen Punkt] am Kreationsprozess beteiligt und ich sprach viel mit ihm darüber, was ich mir für den Charakter vorstellte. Ich glaube, Robin liebt die Figur von Travis und spricht diese gerne. Ich denke, Robin ist ebenfalls ein guter Schauspieler und versteht, wie er die Rolle zu spielen hat. Dies hat er bereits in der Vergangenheit gezeigt und wird es ebenfalls in der Zukunft machen. Ich war froh, als wir auf der E3 waren und ich ihn treffen konnte. Ich konnte mich ein wenig mit ihm über das Spiel austauschen und welche Vorstellungen ich habe. Ich glaube, Robin versteht, was wir vorhaben und wird Travis in die Richtung ändern, die wir benötigen.

JPGames: Haben Sie eine Lieblingssatz oder -spruch, den Mr. Downes als Travis bezeichnet?

Suda: Moe!

JPGames: Im Zuge meiner Vorbereitung habe ich unsere Community nach ihrem Lieblingsspiel von Ihnen gefragt. Sie haben sich für Lollipop Chainsaw entschieden. Haben Sie ein Lieblingsspiel, an dem Sie mitgewirkt haben?

Suda: Ich kann mich für kein Spiel entscheiden. Für mich sind alle meine Spiele wie Kinder und ich kann mich nicht zwischen ihnen entscheiden, welches ich besser finde. Sie sind alle sehr eigen.

Damals gab es beim Planungsbeginn von Lollipop Chainsaw viel Potential. Es entstand unter dem Motto „es wird zwar schwierig sein, es so umzusetzen, dennoch wird es viel Spaß bringen“. Das Spiel besitzt sehr viele interessante Sachen. Ich sage nicht, dass es besser als die anderen Spiele ist, sondern nur als Antwort auf welche Art von Spiel man steht.

JPGames: Kommen wir zu der letzten Frage. Was haben Sie als letztes gegooglet?

Suda: *überlegt* Nandakke?

Ich erinnere mich daran, dass ich gestern etwas gegooglet habe. Doch was war es? *schaut auf seinem Handy nach* Ungefähr vor einer Stunde habe nachgeschaut, wo es in Köln leckeres japanisches Essen zu finden gibt. (lacht)

Ich google ebenfalls häufig den Cast und die Crew aus Filmen. Wenn ich einen Film schaue, frage ich mich „Wer ist dieser Schauspieler?“ oder „Wer war der Director?“ und schaue es anschließend nach. Vor kurzem habe ich zum Beispiel den Film [japanischer Titel, der auf der Aufnahme schwer zu verstehen ist] gesucht. Es ist ein verrückter Film, in dem es um Glücksspiel geht. Das habe ich kürzlich gesucht.

Zudem habe ich gestern mit einer Person aus Zürich, Schweiz, gesprochen und ich meinte zu ihm „Wussten Sie, dass es in der Schweiz eine Fußballmannschaft gibt, die Grasshopper heißt?“ Und die Person wusste das nicht. Er sah so aus, als würde er mir nicht glauben. Deshalb habe ich es ihm bewiesen und gezeigt „Schau, die Zürcher Grasshopper existieren.“

Die drei Dinge habe ich kürzlich gesucht. Sie können sich aussuchen, welche Antwort Sie nehmen wollen.

JPGames: Danke für die Antworten. Ich werde einfach alles niederschreiben. (lacht)

Suda: Okay. (lacht)

JPGames: Vielen Dank, dass Sie sich die Zeit für das Interview genommen haben.

Suda: Ich danke ebenfalls.

Bildmaterial: Travis Strikes Again: No More Heroes / No More Heroes 3, Marvelous / Grasshopper Manufacture

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Nach der ersten Ankündigung von Dragon Ball Z: Kakarot hielt sich meine Vorfreude in Grenzen. Muss es wirklich noch ein DBZ-Spiel geben, welches die bekannte Geschichte noch einmal erzählt? Mit denselben Dialogen, Charakteren und Kämpfen? Das waren meine ersten Gedanken. Zwar sah das Spiel in den Trailern ganz gut aus, wirkte jedoch relativ leer. Nach meiner Anspielmöglichkeit bei Bandai Namco auf der Gamescom 2019 hat sich diese Meinung ein wenig geändert.

Es gab gleich zwei Demos, die ich anspielen konnte. In der ersten kämpfte ich mit Son Gohan gegen Cell, wie im Original. Die zweite Demo beschränkte sich ein wenig mehr auf Erkundung und einen Endkampf mit Son Goku und Piccolo gegen Radditz.

Son Gohan, ich komme!

Beide Demos begannen mit einem kurzen Rückblick auf die Geschichte. Anschließend sprang ich mit Son Goku, auf Jindujun reitend und von Piccolo begleitet, ins Geschehen. Beide machten sich auf den Weg, Son Gohan aus den Fängen von Radditz zu befreien. Damit ich mein Ziel nicht aus den Augen verlor, wurde es mir mit einer roten Signalleuchte auf der Welt angezeigt. Übersehen konnte man das garantiert nicht.

Auf meinem Weg zum Ziel konnte ich nicht nur die schöne Umgebung betrachten, sondern wurde ebenfalls von fiesen Gegnern – kleinen Robotern – aus dem Nichts angegriffen. Kurzerhand wechselte das Spielgeschehen in einen Battle-Modus. Dieser lässt sich am leichtesten mit bekannten 3D-Beat-’em-up-Kämpfen aus dem DBZ-Universum vergleichen. Ihr vermöbelt eure Widersacher mit einfachen Nahkampfangriffen, Ki-Explosionen und könnt euer Ki sammeln. Anschließend seid ihr in der Lage, mit genügend Ki Spezialangriffe (u. a. Kamehameha) einzusetzen. An sich keine große Herausforderung, auch wenn das Steuern in der Luft sich anfangs immer noch gewöhnungsbedürftig anfühlt. Mit ein wenig Übung läuft es runder.

Hat man erst einmal den Bogen raus, geht es locker von der Hand. Zum einen, weil man per Knopfdruck schnell an Gegner heranfliegen kann. Des Weiteren lassen sich Angriffe ebenfalls blocken. Steckt man dennoch mal den einen oder anderen Schlag ein, lassen sich die HP per Item wieder auffüllen. Letzten Endes, wenn man den Kampf nun gewonnen hat, erhält Son Goku Erfahrungspunkte und steigt eventuell im Level auf.

Das gleiche Prinzip lässt sich auf die Bosskämpfe übertragen. Nur sind diese ein wenig herausfordernder, da Radditz und vor allem Cell wesentlich mehr Taktiken parat haben. Vom Letztgenannten wurde ich erst einmal ordentlich in die Mangel genommen, weil die Demo mich direkt in den Kampf warf und ich die Steuerung noch nicht beherrschte. Da das Erlernen der Tastenkombinationen gut überschaubar und nicht zu kompliziert ist, konnte ich innerhalb kürzester Zeit anständig kontern.

Nicht nur stumpfes Gekloppe

Natürlich macht es Spaß, seinen Gegnern ordentlich auf die Mütze zu hauen. Jedoch beschränkt sich DBZ: Kakarot nicht nur darauf. Ihr habt eine frei erkundbare Welt, in der ihr ebenfalls auf Charaktere aus dem Original trefft. Diese haben kleine Nebenmissionen für euch. Zudem könnt ihr in der Vollversion Fischen, den Führerschein machen oder einfach die Gegend nach neuen Sachen erkunden. Da die Demo zeitlich begrenzt war und nicht alle genannten Dinge mit inbegriffen, habe ich nicht alles erleben können. Daher beschränken sich meine Erfahrungen eher auf die Kämpfe.

Nichtsdestotrotz sah die Welt gut aus. Sie wirkte, als wäre sie nahezu aus dem Anime entsprungen, was am besonderen Cel-Shading-Look liegt. Einziges – bisheriges – Problem, was mir während des Spiels auffiel, war die Fülle der Umgebung. Bis auf das Treffen einiger Charaktere und die plötzlichen Kämpfe scheint dort nicht gerade viel los zu sein. Es kann an der Demo liegen und da ich durch die zeitliche Begrenzung nicht alles erkunden konnte. Dennoch wäre es schade, wenn diese Welt nur mit Fleißaufgaben und ohne wirkliches Leben gefüllt wird. Hoffentlich sieht es in der Vollversion ein wenig anders aus.

Ein weiteres Problem sind die Gesichtsanimationen der Charaktere, die im Grunde nicht vorhanden sind. Man sieht zwar wie sich der Mund bewegt und die Person blinzelt, sonderlich emotional wird es dabei jedoch nicht. Die Körpersprache wirkt in normalen Dialogen daher auch immer etwas fehl am Platz und manchmal sehr leblos, wenn Charaktere zum Beispiel in der Luft schweben. Etwas mehr Abwechslung wäre in diesem Punkt nicht verkehrt. Bei Zwischensequenzen sieht dies zum Glück schon besser aus. Dort erwarten euch unter anderem spektakuläre Szenen aus dem Anime, die gut umgesetzt wurden. Dabei wurden die Charaktere von ihren japanischen Synchronsprechern gesprochen und auf Deutsch untertitelt.

Ein gutes Beispiel dafür ist der Kampf gegen Cell. Wie im Anime wird in der Schlusssequenz Son Gohans linker Arm verletzt und beide Charaktere setzen zum finalen Kamehameha an. Mit seiner letzten Kraft und der Hilfe seines Vaters schafft Son Gohan es, Cell in seine Einzelteile zu vernichten. Alles wirkt dabei sehr gut in Szene gesetzt, als würde man den Anime schauen. Für solche emotionalen Momente muss man das Spiel lieben.

Ein Spiel mit Potential

Dragon Ball Z: Kakarot hinterlässt bei mir einen sehr positiven ersten Eindruck. Ins Kampfsystem kommt man relativ flott, es ist nicht allzu kompliziert und sollte niemanden vor zu große Herausforderungen stellen. Zudem wirken die Zwischensequenzen sehr schön animiert, als würden sie direkt aus dem Anime stammen.

Nun muss die Oberwelt mitziehen und darf nicht zu leer wirken oder nur mit Fleißaufgaben gefüllt sein. Wenn das alles passt, stören mich auch nicht mehr die kargen Gesichtsanimationen der Charaktere und es erwartet uns ein gutes DBZ-Erlebnis.

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Mit der diesjährigen Ankündigung zu Rune Factory 5 ließ Marvelous eine große Bombe platzen. Allerdings ließen sich die Verantwortlichen kein genaues Erscheinungsdatum entlocken. Fans müssen sich auf das Jahr 2020 gedulden, dann wird der Release wohl etwas absehbarer.

Um die Wartezeit zu vertreiben, wurde der bislang aktuellste Teil, Rune Factory 4, in einer Special Edition für Nintendo Switch angekündigt. Hiermit möchte man den Fans zeigen, was die Spielereihe auf Nintendos Hybridkonsole zu leisten vermag.

In einer Anspielsession bei Marvelous konnten wir einen genaueren Eindruck zu Rune Factory 4 Special gewinnen. Welche Neuheiten es zur 2014 in Europa veröffentlichten 3DS-Version gibt, könnt ihr mit den nachfolgenden Zeilen erfahren.

Tomaten ernten und Monster schlagen

Die Rune-Factory-Reihe hebt sich von anderen Farming-Simulationen in dem Punkt ab, dass ihr neben dem Alltag als Bauern euren Pflichten als Monsterschlächter nachgehen müsst. Denn die Umgebung der friedlichen Stadt wird von Monstern bevölkert und so müsst ihr im Verlaufe der Story einen Dungeon nach dem anderen säubern, um schließlich im Kampf gegen den Bossgegner den Dungeon endgültig abzuschließen.

Leider lief die Entwicklung des Originals nicht ganz so glimpflich ab: Das Entwicklerstudio Neverland Co. machte 2013 mit einer anstehenden Insolvenz Schlagzeile, somit blieb die Zukunft des Spiels ungewiss. So wurde 2014 das Entwicklerteam von Marvelous AQL engagiert.

Der Sprung auf Nintendo Switch

Dass der Titel nun für Nintendo Switch erscheint, dürfte für die meisten Spieler keine große Umgewöhnung sein. Ich durfte mir Rune Factory 4 Special im Handheldmodus zur Brust nehmen und kam erstaunlich schnell in die Steuerung des Spiels hinein, ist sie im Handheldmodus doch die gleiche wie bei der 3DS-Version. Auch die Bildrate blieb während meiner Anspielsession ähnlich stabil wie in der 3DS-Version. Trotz mehrerer Personen und Gebäude auf dem Bildschirm kam es nicht zu Einbrüchen in der Bildrate.

Die wohl größte Neuerung ist die Umstellung von einem auf zwei Bildschirme. Zuvor befand sich das Menü mitsamt einer kleinen Minimap, auf welcher der aktuelle Standort der Einwohner nachverfolgt werden konnte, auf dem unteren Bildschirm des Nintendo 3DS. Diese Option besteht bei der Switch-Version natürlich nicht, dafür könnt ihr das Menü nun per Tastendruck öffnen.

In der Anspielsession konnte ich mich in der Stadt bewegen und den nahegelegenen Wald erkunden. Den kleinen Bildschirm des Nintendo 3DS noch vor Augen, war es angenehm, Rune Factory 4 Special mit verbesserten Texturen auf einem größeren Bildschirm zu erleben. Die Charaktermodelle wurden ebenso überarbeitet wie die Animationen. Gerne hätte ich das Spiel auf dem großen TV-Bildschirm betrachtet, da ich mir hier beträchtliche Unterschiede zum kleinen 3DS-Bildschirm vorstelle. Leider blieb uns dies während der Anspielsession verwehrt.

Neuerungen gegenüber der 3DS-Version

Zu den Neuerungen der Nintendo-Switch-Fassung gehört ein runderneuerter Eröffnungsfilm, ein weiterer Schwierigkeitsgrad sowie einige neue Zwischensequenzen. Brandneu ist auch der „Newlywed“-Modus („Frischvermählt“) – wir konnten in unserer Anspielsession leider keine Einblicke gewinnen, doch ist es in diesem Modus möglich, die Beziehung zu seinem Partner nach der Hochzeit noch weiter zu vertiefen. Ihr könnt mit eurem Partner sogar gemeinsam spielen. Die Entwickler spendierten dem „Newlywed“-Modus dabei auch neue Sequenzen.

Neu in der japanischen Version sind außerdem die Voice Comments. Da man die Synchronsprecher für neue Aufnahme wohl ohnehin wieder versammelt hatte, befragte man sie zu ihren Sprachaufnahmen, ihren Meinungen zu Charakteren und entlockte ihnen weitere interessante Details, die sich Serienfans nicht entgehen lassen sollten, so heißt es zumindest. Es steht zu erwarten, ist aber nicht offiziell bestätigt, ob diese Voice Comments auch lokalisiert werden. Auf den „Features“-Listen zur Ankündigung im Westen war diese Neuerung jedenfalls nicht enthalten.

Eventuell erfahren wir dazu – wie auch zu weiteren Neuerungen – in den kommenden Monaten mehr. Ein bisschen Zeit bleibt Marvelous noch. Doch noch für dieses Jahr ist die Veröffentlichung von Rune Factory 4 Special auch im Westen geplant. Seht nachfolgend noch einen älteren Trailer von der E3 2019.

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In den letzten Jahren kamen diverse Anime-Prügler auf den Videospielmarkt. Darunter fallen Titel wie Jump Force, Kill la Kill – IF, Dragon Ball FighterZ und My Hero One’s Justice. Als Nächstes darf der gute Saitama, besser bekannt als One Punch Man, die Bühne betreten.

Doch braucht die Welt wirklich noch ein weiteres Beat ’em up, nur mit einer anderen Fassade? Auf der Gamescom 2019 konnte ich One Punch Man: A Hero Nobody Knows zumindest anspielen und mir einen ersten Eindruck verschaffen.

One Punch und vorbei?

Sonderlich viel bot die Demo nicht. Es gab eine Handvoll Kämpfer und Kämpferinnen – u. a. Genos, Speed-o’-Sound Sonic, Mumen Rider und Silver Fang – und bekannte Orte aus dem Anime als Kampfschauplatz. Ihr stellt euch ein Team aus drei Charakteren zusammen und versucht das gegnerische Team zu besiegen. Eventuell auch mit Saitama, der natürlich nicht fehlen darf. Doch wie besiegt man einen Helden, der nicht besiegt werden kann?

Ganz einfach: Man schickt ihn später ins Geschehen. Denn ein guter Held kommt immer zum Schluss und hat seinen großen Auftritt. Dieser dauert bei einem gewöhnlichen Ablauf 120 Sekunden. Mit perfekten Blocks und Angriffskombinationen kann diese Zeit verringert werden. Und ist Saitama erst einmal da, ist der Kampf mit einem Schlag vorbei. Klingt ein wenig langweilig, kann dennoch ganz spannend werden. Aus folgenden Gründen.

Wie bereits erwähnt, stellt ihr euch ein Team aus drei Charakteren zusammen. Wenn ihr Saitama in euer Team wählt, kommt dieser erst später hinzu. Das heißt, bis zum Zeitpunkt des Eintreffens kämpft ihr nur mit zwei Charakteren gegen drei aus dem gegnerischen Team. Sprich, ihr seid im Nachteil, auch wenn ich in der Demo nicht sonderlich viel von diesem gemerkt habe.

Jedoch kann ich mir vorstellen, dass sich dies bei einem höheren Schwierigkeitsgrad oder menschlichen Gegnern durchaus bemerkbar macht. Was passiert, wenn jedes Team einen Saitama besitzt und diese am Ende aufeinandertreffen, konnte ich leider nicht herausfinden. Es wäre ganz interessant zu sehen, welches Team anschließend gewinnt, da Saitama auch nicht verletzt werden kann.

Gewohnte Kampfkost

Wie in jedem guten Tag-Team-Kampf könnt ihr eure Charaktere während des Kampfes austauschen. Einmal zurückgezogen, erholen sie sich ein wenig vom erlittenen Schaden. Besitzt ein Team entsprechend drei Charaktere, geht dies natürlich einfacher als nur zu zweit. Man sollte sich also nicht zu sehr auf die Rettung durch Saitama verlassen, sondern gut auf beide Charaktere Acht geben.

Ansonsten lässt das Kampfsystem keine weiteren klassischen Merkmale aus. Die Charaktere bieten schwache sowie starke Schläge, können greifen, blocken und besitzen verschiedene Spezialangriffe. An sich nichts sonderlich Spektakuläres und man lernt die verschiedenen Angriffsmöglichkeiten relativ schnell. Leider kann ich durch die Kürze der Demo und meine Unerfahrenheit jedoch nicht einschätzen, wie tief und kompliziert das Kampfsystem am Ende wird.

An dieser Stelle muss man wohl die Vollversion abwarten. Es hat mich zumindest mit einem positiven Gefühl hinterlassen. Zudem sehen die Charaktere sowie Spezialangriffe schön modelliert aus und fangen die Atmosphäre des Anime gut ein. Dafür sorgen ebenfalls die Sprüche, bevor ein Kampf beginnt.

One Punch und dann?

Wer One Punch Man kennt, wird mit A Hero Nobody Knows sicherlich seine Freude haben. Es stellt sich dennoch die Frage, wie bei jedem Spiel dieses Genres: für wie lange? Noch weiß man recht wenig über den Inhalt des Spiels. Zwar hat die kurze Anspielmöglichkeit Spaß gemacht, die Demo lief flüssig und ohne merklichen Schnitzer. Am Ende muss sich dieser Spaß jedoch auch dauerhaft halten können.

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Bei Kerbal Space Program 2 handelt es sich um den Nachfolger des bereits im Jahre 2011 erschienenen Kerbal Space Program, welches zum damaligen Zeitpunkt äußerst positive Kritiken und viel Lob einheimsen konnte. Der Nachfolger soll nun noch mal eine Schippe drauflegen: Neben einer deutlich verbesserten Grafik soll der Titel auch dutzende neue Bauteile, interstellare Raumfahrt, die Möglichkeit neue Kolonien auf den neu entdeckten und erkundeten Planeten zu errichten und einen Multiplayer-Modus bieten. Das Spiel wird vom Entwickler Star Theory Games entwickelt und von der Take-Two-Tochter Private Division gepublisht.

Auf der diesjährigen Gamescom 2019 konnten wir an einer Entwickler-Präsentation teilnehmen und so erste Eindrücke des Nachfolgers sammeln.

Kerbal Space Program 2 soll 2020 für PlayStation 4, Xbox One und PCs erscheinen. Ein exaktes Erscheinungsdatum gibt es jedoch noch nicht.

Bessere Tutorials, für einen leichteren Einstieg

Einer der Hauptkritikpunkte des Vorgängers war unter anderem der sehr schwere und komplexe Einstieg in das Spielsystem. Denn eine funktionierende Rakete zu bauen, stellte sich als gar nicht so einfach dar. Etliche Parameter wollen beachtet und angepasst werden, um ein einigermaßen flugfähiges Gefährt bauen zu können. Daher wird bei Kerbal Space Program 2 nun deutlich mehr Fokus auf leichtere Tutorials gelegt, welche vor allem neuen Spielern den Einstieg in das komplexe Bausystem des Spiels erklären und vereinfachen sollen.

Während der Entwickler-Präsentation wurde außerdem erklärt, dass es bei Kerbal Space Program 2 nun möglich sein soll, auf jedem neu entdeckten bzw. bereisten Planeten oder System eine neue Kolonie aufbauen zu können. Dort soll man erneut an neuer Raketentechnologie forschen und das nächste hochmoderne Gefährt bauen können.

Während der Präsentation konnte man außerdem feststellen, dass die Grafik nicht mehr so comiclastig ausfällt, wie es seinerzeit noch im Vorgänger der Fall war. Der gesamte Look fällt also ein ganzes Stück realistischer aus und passt meiner Meinung nach auch besser zum doch recht anspruchsvollen Spielsystem.

Um die Forschung im Spiel so realitätsnah wie nur möglich zu gestalten, gab es laut dem Entwickler sogar verschiedene Kooperationen mit Raketenwissenschaftlern und Forschern aus der ganzen Welt.

Mit neuen Kolonien kommen auch neue Ressourcen und Materialien hinzu

Mit der Möglichkeit, neue Kolonien auf fremden Planeten oder sogar im Raum selbst aufbauen zu können, gibt es natürlich auch neue und unentdeckte Ressourcen und Materialien zu entdecken und zu verwerten. So soll es bei Kerbal Space Program 2 unter anderem nun auch möglich sein, neue und effektivere Antriebstechniken zu erforschen und in den neu entwickelten Raumschiffen zu verbauen.

Das gezeigte Material aus der Präsentation war noch aus dem Alpha-Stadium des Spiels und auch der ein oder andere Ruckler war nicht zu übersehen. Die Entwicklung des Spiels könnte sich also noch eine ganze Weile hinziehen.

Mir persönlich hat das Gezeigte Lust auf mehr gemacht und ich bin gespannt, wie sich Kerbal Space Program 2 entwickeln wird. Das Spiel soll 2020 für PlayStation 4, Xbox One und PCs erscheinen. Ein exaktes Erscheinungsdatum gibt es hingegen noch nicht.

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Auf der diesjährigen Gamescom nutzten wir natürlich trotzdem die Chance, ein Interview mit Game Director Atsushi Hashimoto und Creative Producer Takashi Tokita zu führen und einige tiefergreifende Fragen zu stellen, die das Spiel und das Entwicklerstudio betreffen. Also lasst euch das folgende Interview nicht entgehen.

JPGames: „I am Setsuna“ besaß ein rundenbasiertes Kampfsystem und „Lost Sphear“ hat diese Spielmechanik verfeinert. Wieso entschied man sich bei „Oninaki“, zu einem actionlastigen Gameplay zu wechseln?

Hashimoto/Tokita: Von Beginn an basiert die Geschichte auf dem Protagonisten. Daher haben wir uns im Team überlegt, was die Handlung am besten widerspiegelt und wir fanden, dass ein Action-RPG diese Geschichte am besten reflektiert. Deshalb haben wir die Richtung zum Action-RPG abgeändert.

Das traditionsreiche Obon-Festival

JPGames: „Oninaki“ wurde durch das Obon-Festival inspiriert. Wie wird das Fest in Japan abgehalten und was für eine Bedeutung hat es für das Spiel?

Hashimoto/Tokita: Im Spiel gibt es die Prämisse, dass die Toten in die nächste Welt geschickt werden. Dies ist definitiv ein Element des Obon-Festivals. Dieses Fest gibt es aber nicht in allen Regionen Japans. Teilweise werden Laternen verwendet, bei denen man eine Kerze anzündet und sie schweben lässt.

JPGames: Es gibt nicht viele RPGs, die so tief mit der japanischen Kultur und Folklore verwurzelt sind wie „Oninaki“. Was hat Sie dazu inspiriert, diesen Weg zu gehen?

Hashimoto/Tokita: Zu Beginn der Entwicklung waren wir sehr daran interessiert, nicht die westliche Welt als Setting zu nehmen, sondern eine neue Art von Welt zu kreieren. Auch wenn wir sehr stark mit der japanischen Kultur verankert sind, würden wir nicht sagen, dass es beabsichtigt war, diesen Weg zu gehen. Es ist vielmehr so, dass wir uns bei der Entwicklung mehr auf die Ideen an sich konzentriert haben.

Persönliche Erfahrungen mit dem Tod

JPGames: „Oninaki“ sieht auf dem technischen Level ambitionierter aus als seine Vorgänger. Es gibt vollwertige Zwischensequenzen, verbessertes Lichtspiel und bessere Kameraarbeit. „Oninaki“ wurde aber in der gleichen Zeit wie „Lost Sphear“ entwickelt. Hat sich der interne Arbeitsfluss verbessert, ist das Entwicklerteam gewachsen oder was sind die Gründe hierfür?

Hashimoto/Tokita: Das können wir wirklich nicht bestreiten. Wenn wir auf die Entwicklung von „Lost Sphear“ zurückblicken, haben wir nicht wirklich viele Herausforderungen gemeistert und sind nicht so viele Risiken eingegangen, wie wir hätten eingehen können.

Wir sind nicht so tief in die Welt abgetaucht und wussten dementsprechend nicht so viel, wie wir gekonnt hätten. Wir können jeden Vergleich zwischen „Lost Sphear“ und „Oninaki“ verstehen, sie scheinen wie ein großer Sprung zueinander. Jetzt gehen wir die Risiken ein. Wissen Sie, jetzt ist unsere Chance, diese Herausforderungen anzunehmen und den nächsten Schritt für das zu tun, was wir erreichen möchten. Deshalb sieht „Oninaki“ nun anders aus.

Wir haben viele Elemente verändert: das Hauptszenario, die Geschichte, die verschiedenen Charaktere und deren Entwicklung. Selbst die Engine und die Kampfeffekte. Wir haben wirklich grundlegende Änderungen an der Besetzung der Teammitglieder vorgenommen, die an den Spielen gearbeitet haben. Wir sind wirklich der Meinung, dass all diese Anstrengungen zusammen ein wundervolles Spiel ergeben. Wir haben all diese Herausforderungen gemeistert.

JPGames: Einige Themen der Hauptgeschichte in „Oninaki“ sind Leben, Tod, Reinkarnation und Selbstmord. Was war am Anfang der Entwicklung die Idee zur Geschichte und haben die Entwickler vielleicht sogar mit persönlichen Erfahrungen zur Story beigetragen?

Hashimoto/Tokita: Damit wir eine Geschichte und eine Weltkulisse haben, stand die Idee schon von Beginn an fest. Ja, wir wollten ein Spiel mit den Themen kreieren, die Sie genannt haben. Wir haben die verschiedenen Teams aus verschiedenen Studios und alle Beteiligten zusammengebracht und über die Themen gesprochen, die im Spiel auftauchen. Wir haben diskutiert, was wir selbst in so einer Situation tun würden. Es ist also nicht so, dass wir selbst reale Erfahrungen eingebunden haben. Wir haben eine Welt mit diesen Themen geschaffen und dachten darüber nach, wie wir reagieren würden, wenn wir uns selbst in diese Welt setzen würden. Das ist das, was wir am ehesten in der Praxis erleben mussten.

Freiheiten von Square Enix

JPGames: Gibt es irgendwelche Einschränkungen oder Anweisungen von Square Enix, wenn Sie die Entwicklung eines neuen Spiels starten?

Hashimoto/Tokita: Nicht so viel, wie Sie jetzt denken würden. Aber eine Sache, die wir unterbewusst tun mussten: immer originell bleiben und unsere Themen sich nicht mit zu vielen anderen Titeln überschneiden lassen. Aber wir genießen eine relativ große Menge an Freiheit. Es gibt wirklich keine Elemente, bei denen wir das Gefühl hatten, dass wir diese nicht einbringen können.

JPGames: „Oninaki“ besitzt mehrere Enden. War das von Anfang an geplant oder wieso haben Sie sich für diesen Weg entschieden?

Hashimoto/Tokita: Anstatt zu sagen, dass es mehrere Enden gibt, würden wir sagen, dass man wie bei „I am Setsuna“ und „Lost Sphear“ einige Überraschungen erwarten kann und am Ende eine sehr wichtige Entscheidung ansteht, die es zu treffen gilt. Daraus ergibt sich ein Resultat. Deshalb würden wir nicht sagen, dass es mehrere Enden gibt, aber das überlasse ich ganz Ihnen.

Lektionen für die Zukunft

JPGames: Es ist nun fünf Jahre her, dass Tokyo RPG Factory gegründet wurde. Seitdem haben Sie das dritte Spiel veröffentlicht. Was war die wichtigste Lektion, die Sie mitgenommen haben und wo sehen Sie sich selbst in der Zukunft?

Hashimoto/Tokita: Eines der größten Dinge, die wir gelernt haben, und wahrscheinlich auch das Beste und Glücklichste, ist, dass wir als Studio, das sich auf den Rollenspielstil der 90er-Jahre konzentriert, eine große Nachfrage und ein Bedürfnis in dieser Art von Spielen erkennen und stillen können.

Wir sind sehr glücklich darüber, dass das Interesse für solch eine Art des Gameplays besteht. Wir haben uns vorher in vielerlei Dingen herausgefordert und wir werden dies auch weiterhin tun. Eine dieser Herausforderungen ist, jedes Mal originelle Spiele zu entwickeln und etwas Neues zu bringen, immer mit dem Gedanken im Hinterkopf, dass unser Kernelement RPGs im Stil der 90er-Jahre sind.

JPGames: Vielen Dank, dass Sie sich die Zeit für das Interview genommen haben.

Hashimoto/Tokita: Wir danken ebenso.

Bildmaterial: Oninaki, Square Enix / Tokyo RPG Factory

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Auf der Gamescom 2019 konnten wir einen Blick auf das vom US-amerikanischen Entwickler V1 Interactive entwickelte und von Private Division vertriebene Disintegration werfen. Ein Teil des Entwicklerteams von V1 Interactive besteht aus ehemaligen Halo-Entwicklern und das merkt man dem ersten eigenen Projekt des Entwicklers auch jederzeit an.

Übernehmt die Rolle des Gleiter-Piloten Romer Shoal

Im Story-Modus des Spiels schlüpft ihr in die Rolle des Romer Shoal, ein Kampfpilot, der mithilfe der letzten Bastion der Menschheit verzweifelt versucht, die drohende Invasion und die damit einhergehende feindliche Übernahme durch die „Rayonne“ zu verhindern.

Durch eine neuartige Technologie, welche „Integration“ genannt wird, haben die Menschen eine Chance, gegen das drohende Übel anzukämpfen. Bei der Integration wird das menschliche Gehirn entfernt und in einem robotischen Rahmen eingeschlossen, um es vor der Übernahme durch die gefährlichen Rayonne zu schützen. Die Menschheit verfügt außerdem über die modernsten Waffen- und Fortbewegungssysteme und ist somit in der Lage, es mit den außerirdischen Invasoren aufzunehmen.

Im Story-Modus spielt ihr also wie bereits erwähnt den Gleiterpiloten Romer Shoal, kämpft euch durch dutzende spannende Missionen und könnt von eurem Gleiter aus die euch zur Seite stehenden Bodeneinheiten kommandieren und taktisch einsetzen. Bei Disintegration handelt es sich also folglich nicht um einen regulären Ego-Shooter wie man es vielleicht gewohnt ist, sondern vielmehr um eine Art Raumgleiter-Action-Shooter mit Taktik-Elementen.

Der Multiplayer-Modus ist die wahre Perle des Spiels

Erst im Multiplayer-Modus wird jedoch klar, welches Potential das Spielsystem von Disintegration wirklich hat. Denn hier hat der Spieler nicht nur die Auswahl aus verschiedenen Gruppierungen, jede mit eigenen Skills und Fähigkeiten, sondern kann diese auch deutlich besser und gezielter einsetzen, als es im Story-Modus der Fall ist.

Nur ein taktisch gezieltes Einsetzen der Skills kann den Erfolg in den hektischen Multiplayer-Duellen garantieren. Die Karten sind räumlich relativ begrenzt, was automatisch zu deutlich hektischeren und actionreicheren Duellen mit und gegen andere Spieler aus der ganzen Welt führt. Hier macht Disintegration wirklich alles richtig und spielt sich wie ein Halo-Titel im Raumgleiter und mit zusätzlich zur Verfügung stehenden Bodeneinheiten.

Die Steuerung war anfangs wirklich nicht einfach zu meistern und es bedarf schon einiger Zeit, bis man die etwas hakelige Steuerung des Raumgleiters verinnerlicht hat. Ebenfalls bietet der Multiplayer-Modus natürlich auch verschiedene Varianten, so kann man z. B. ein simples Deathmatch spielen oder aber in einer Art Capture-the-Flag-Modus um Energiekerne kämpfen, welche nach einiger Zeit sogar explodieren, wenn man diese zu lange mit sich herumträgt.

Auch grafisch überzeugte das Spiel auf ganzer Linie und man merkte deutlich, dass man es hier mit erfahrenen Entwicklern zu tun hat, welche ihr Handwerk beherrschen. Trotz der imposanten Präsentation lief das Spiel jederzeit flüssig und kam nie ins Stottern. Die spielbaren Multiplayer-Matches machten wirklich Lust auf mehr und ließen direkt das Halo-Feeling aufkommen.

Ich werde mir Disintegration, wenn es 2020 erscheinen soll, auf jeden Fall genauer ansehen und einige Runden im Multiplayer-Modus verbringen. Disintegration soll 2020 für PlayStation 4, Xbox One und PCs erscheinen. Ein genaues Erscheinungsdatum gibt es jedoch noch nicht.

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Auf der diesjährigen Gamescom drehte sich für Capcom alles um Monster Hunter World: Iceborne. Nicht nur die Bühne in der Entertainment Area war entsprechend gestaltet, Fans konnten ebenfalls die eisige Erweiterung anspielen. Wer die letzte offene Beta gespielt hat, verpasste nicht allzu viel. Die drei bekannten Missionen wurden in die Gamescom-Demo übernommen.

Jedoch gab es eine weitere Mission, die es Spielern erlaubte, erstmals gegen Velkhana, die neue Drachenälteste und Flagship-Monster, anzutreten.

Genau dies durfte ich ebenfalls bei meinem Termin bei Capcom machen. Daher dreht sich dieses Angespielt! nur um Velkhana. Wer einen größeren Eindruck bekommen möchte, dem empfehle ich zusätzlich unser Angespielt! zur Beta.

Ein eisiges Erlebnis

Eines vorweg: Da die Jagd gegen Velkhana nur auf 15 Minuten begrenzt war, schaffte ich es leider aus zeitlichen Gründen nie, die Drachenälteste zu bezwingen. Ich war jedoch nah dran. Und da die Erweiterung nicht mehr lange auf sich warten lässt, kann die Rechnung bald beglichen werden.

Um gegen das Eismonster zu bestehen, sollte die Rüstung entsprechend frostfest sein. Eine Feuerwaffe ist ebenfalls nicht fehl am Platz. Velkhana sollte man auch als guter Jäger nicht unterschätzen.

Mit ihrem eisigen Atem sorgt das Monster dafür, dass sich die Umgebung schnell mal verändert. Dies geschieht durch kleine Eisberge und Eiswände, die plötzlich entstehen. Je nach Gebiet kann das dem Spieler schon mal den Fluchtweg versperren, wenn zu viele vorhanden sind. Ganz nützlich können sie dennoch sein und zwar als „Sprungschanze“ für Luftangriffe.

Ihr solltet auch nicht versuchen, den Eisatem mit einer normalen Verteidigung zu blocken. Das bringt nämlich nichts. Dafür benötigt man wahrscheinlich den maximalen Block-Wert. Wer nicht aufpasst, leidet daher schnell an der Eispest, die die Ausdauerregeneration stört. Zu Beginn passierte mir dies relativ häufig. Zum Glück besaß das vorgefertigte Item-Set genügend Nullbeeren.

Velkhanas Moveset musste ich – wie im Prinzip bei jedem neuen Monster – erst einmal verinnerlichen. Die Drachenälteste besitzt nicht nur frostige Angriffe wie zum Beispiel herabfallende Eiszapfen, sondern umhüllt sich auch mit einer Eis-Rüstung. Diese zerbricht zum Glück nach einiger Zeit sowie Angriffen. Besonders in Acht nehmen sollte man sich vor Velkhanas Schwanz, der lang genug ist, um den Spieler doch noch irgendwie zu erwischen.

Eine frostige Vorfreude

Die Demo auf der Gamescom bewies mir einmal mehr, dass ich es kaum abwarten kann, bis die Erweiterung erscheint. Die Jagd auf Velkhana bot die gewünschte Herausforderung und motivierte mich – trotz zeitlicher Niederlage – immer weiter.

Es ist eben dieses typische Monster-Hunter-Gefühl. Zudem bieten die neuen Angriffsmuster der Waffen wie zum Beispiel die Klammerklauen zusätzliche Möglichkeiten, um dem bekannten Gameplay frischen Wind zu verleihen. Die eisige Jagd kann nicht schnell genug kommen!

Monster Hunter World: Iceborne erscheint am 6. September 2019 für PS4 und Xbox One. Eine Version für PCs folgt im Januar 2020. Um Iceborne spielen zu können, wird das Hauptspiel Monster Hunter: World benötigt. Die Steelbook-Edition könnt ihr euch derzeit übrigens wieder bei Amazon sichern*.

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Die letzte Veröffentlichung eines „One Piece: Pirate Warriors“-Titels liegt bereits ein wenig zurück. Umso erfreulicher ist der kürzlich angekündigte vierte Teil. Dieses Mal geht die Reise der Strohhutpiraten weiter und sie gelangen unter anderem zur Whole Cake Island in der Neuen Welt. Dort treffen sie natürlich auf Big Mom und ihre Crew. Es erwarten euch erneut Kämpfe gegen Gegnermassen sowie actiongeladene Spezialangriffe. Wie dies aussehen kann, konnte ich auf der diesjährigen Gamescom erleben.

Whole Cake Island ahoi!

Ich startete die Demo als Ruffy, der sich im Wald der Whole Cake Island befindet. Vor mir bewegten sich zahlreiche Soldaten von Big Mom, die sich von mir verprügeln lassen wollten.

Wie in den Vorgängern stellte mich dies nicht vor allzu große Probleme. Sowohl mit starken als auch schwachen oder entsprechenden Kombinationsangriffen ließen sich die Horden leicht besiegen.

Eine größere Herausforderung stellten da schon die Kommandanten in einem Gebiet dar, die neben einer HP-Leiste ebenfalls eine Rüstungsleiste besitzen. Durch Angriffe senkt sich diese. Fällt diese auf null, sind die Kommandanten betäubt und euren Angriffen schutzlos ausgesetzt. Zum Voranschreiten in einem Gebiet musste ich die Kommandanten bezwingen, denn die Baum-Homies versperrten mir den Weg.

Einmal besiegt, ging es ins nächste Gebiet, wo bereits weitere Gegner auf mich warteten. Beim Durchstreifen der einzelnen Gebiete half mir der „Power-Dash“, welcher die Gum-Gum-Rakete aktiviert. Dadurch war ich in der Lage, beim Gedrückthalten der Kreistaste längere Strecken auf Kosten von Ausdauer zurückzulegen, die mir durch einen kleinen Kreis angezeigt wurde. Der Power-Dash lässt sich ebenfalls prima für Angriffe auf Gegner nutzen bzw. um schnell nah an diese heranschreiten zu können.

Der Auftritt des Yonkō

Besonders bei großen Gegnern ist dies von Vorteil wie zum Beispiel bei Big Mom, die sich mir am Ende mit Zeus und Prometheus entgegenstellte.

Sie besaß nicht nur eine Rüstungsleiste, sondern ebenfalls zwei Schildsymbole. Nachdem ich ihre Rüstungsleiste auf null prügelte, verlor sie ein Symbol, anschließend das zweite und schließlich war sie betäubt. So machten meine Angriffe ordentlich Schaden.

Doch Big Mom wäre kein großer Gegner, wenn sie sich nicht auch besser verteidigen könnte. Die Schildsymbole werden von einem größeren, goldenen Schildsymbol geschützt. Daher ist es einem nicht immer möglich, diese mal eben zu verringern. Das Symbol verschwindet lediglich, wenn Big Mom angreift. Dann heißt es schnell mit dem Power-Dash heranrücken und ihre Rüstungsleiste mit heftigen Angriffen zu Fall bringen.

Dabei helfen nicht nur die normalen Angriffe, sondern ebenfalls Spezialangriffe. Davon besitzt Ruffy gleich vier zur Auswahl, die per Schultertaste und entsprechendem Button aktiviert werden. Sollte das alles nicht ausreichen, gibt es noch den „Full-Force Burst“. Dadurch bekommt der Charakter stärkere Statuswerte. Ruffy benutzt in diesem Modus zum Beispiel „Gear 4: Bounceman“. In der Demo war der Full-Force Burst nicht zeitlich begrenzt, in der Vollversion soll dies der Fall sein.

Eins kann ich jedoch jetzt schon sagen: Mit Ruffy im Gear-4-Modus Massen von Gegnern und Big Mom zu vermöbeln, hat unfassbar viel Spaß gemacht. Die Angriffe fühlen sich schön wuchtig an. Wenn man dann noch die King-Kong-Gun als Spezialangriff aktiviert, sollte jedem Fan das Herz aufgehen.

Inszenatorisch scheint der Warriors-Teil wieder einiges auf dem Kasten zu haben, wenn man die Spezialangriffe aktiviert. Zudem spielte sich die Demo flüssig, selbst wenn sehr viele Soldaten auf dem Spielfeld unterwegs waren. Beim Besiegen von vielen Gegnern konnte es jedoch mal schnell unübersichtlich werden, wenn man die Kamera nicht unter Kontrolle hatte.

Segel setzen und volle Kraft voraus!

Die Demo auf der Gamescom 2019 wirkte sehr gelungen. Die Gegenden wirkten optisch ansprechend. Vor allem, weil Whole Cake Island ein sehr bunter und fröhlicher Ort ist. Gleiches galt für die Charaktermodelle, die kein Kanonenfutter darstellen – wie Ruffy und Big Mom.

One Piece: Pirate Warriors scheint trotz der längeren Pause nichts von seinem Charme verloren zu haben. Setzen die Entwickler diesen guten Ersteindruck auf den Rest des Spiels um, erwartet uns sicherlich ein hervorragendes Warriors-Spiel, in dem es Spaß macht, Massen von Gegnern zu verprügeln.

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Der diesjährige Gamescom-Award in der Kategorie „Best Family Game“ wurde an Concrete Genie von Sony Interactive Entertainment verliehen. Der Titel erscheint bereits am 9. Oktober 2019 weltweit für PlayStation 4 und PlayStation VR.

In einem Hands-on konnten wir selbst erste Eindrücke von dem familienfreundlichen Action-Adventure gewinnen. Wie wir den Ausflug in die düstere Hafenstadt Denska bewaffnet mit einem bunten Malkasten voller Glitzersterne und Rasenflächen fanden, könnt ihr in den folgenden Zeilen erfahren.

Buntes Treiben in der düsteren Hafenstadt

In Concrete Genie übernehmt ihr die Rolle des Jungen Ash. Dieser wächst in einer Küstenstadt auf, die allerdings nicht besonders einladend wirkt. Überall liegt Dreck herum und die Häuserwände sind alle fad und dunkel. Zeit, ein bisschen Farbe in die Kleinstadt zu bringen!

Denn Ash besitzt einen magischen Pinsel, durch den Zeichnungen zum Leben erweckt werden. So beginnen wir die Anspielsession damit, uns unseren eigenen Genie zu malen. Dabei können wir uns selbst minimal aussuchen, wie der Genie aussehen soll. Wie viele Hörner hat er? Und vor allem: wo??

Der Genie erwies sich als treuer Begleiter. Bleibt uns ein Weg versperrt, so konnte der Genie uns helfen, zum nächsten Spielabschnitt zu gelangen. So ließ sich der Genie beispielsweise bestechen, indem wir mit ihm Basketball spielen, damit er das nächste Tor für uns öffnete. An vielen Wänden kann sich der Genie leider nicht fortbewegen, weil dort Schimmel vorhanden ist. Gott sei Dank besitzt der Zauberpinsel Superfarbe, mit der wir jeden Schmutz beseitigen können.

Besonders gut geeignet für Kinder…

Während wir durch die Häuser zogen, mussten wir die Wände bunt bemalen, um die umliegenden Glühbirnen zum Leuchten zu bringen. Hierbei konnten wir uns ein Muster aus diversen Variationen aussuchen. Meine Hauswände wurden beispielsweise oft mit Sternen bekleistert, zur Auswahl standen aber auch Bäume, Gräser, Wellen, Feuer und vieles mehr.

Durch den Aspekt der verdreckten Stadt lernen besonders junge Spieler, etwas Gutes für ihre Umwelt zu tun, indem sie die Stadt wieder aufblühen lassen. Ein besonders hartes Thema, das mich in der Anspielsession getroffen hat, war das Mobbing. Während ich die Hauswände bunt bemalte, entdeckte ich plötzlich eine Gruppe Rowdys auf der Straße. Als sie mich entdeckten, prügelten sie auf mich ein und nahmen mir meinen Zauberpinsel weg, den ich nach einem Reset erst wieder einsammeln musste.

Besonders das jüngere Publikum soll hierdurch lernen, dass Gewalt keine Lösung ist und wie sich die Betroffenen fühlen. Meiner Meinung nach ist dies dem Entwicklerstudio Pixelopus gut gelungen. Es ist beklemmend, wenn die Gruppe einen verfolgt und vor allem das Aufsammeln des geliebten Zauberpinsels gestaltet sich als super nervig.

… aber nicht für mich

Ehrlich gesagt: Ich kam nicht so weit, wie man es in der Anspielsession hätte schaffen können. Oft war ich schwer von Begriff und habe überhaupt nicht verstanden, was ich wo, wie, weshalb und wieso überhaupt anmalen muss. So dauerte es eine halbe Ewigkeit, bis ich verstand, wie ich meine Superfarbe wieder auflade oder wie ich den Genie zum nächsten Ort bringen konnte.

Als ich daraufhin noch zweimal von den Rowdys verprügelt wurde, habe ich traurig und gefrustet die Anspielsession beendet. Für mich unkreativen Kopf ist Concrete Genie leider überhaupt nichts, doch Mal- und Bastelliebhaber, Junggebliebene sowie die etwas Kleineren, bei denen die Fantasie noch aus allen Löchern sprudelt, sollten hieran Gefallen finden. Also vertreibt euch die Zeit bis zum Release von Concrete Genie mit ein wenig Zeichnen!

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Neben den etlichen AAA-Spielen gab es auf der diesjährigen Gamescom 2019 natürlich auch unzählige kleinere Perlen zu bestaunen und auszuprobieren. Eine dieser Perlen ist zweifelsohne das vom malaysischen Studio Metronomik entwickelte und musikbasierte No Straight Roads.

Einigen von euch dürfte Wan Hazmer noch ein Begriff sein. Der ehemalige Lead-Game-Designer von Final Fantasy XV machte einst mit seinem privaten Blog auf sich aufmerksam, wo er interessante Details aus der Entwicklung des Spiels veröffentlichte. Der sympathische Wan Hazmer kam gut an bei den Fans.

Inzwischen hat Wan Hazmer gemeinsam mit Daim Dziauddin (Concept-Artist von Street Fighter V) mit Metronomik sein eigenes Studio in Malaysia gegründet, das mit No Straight Roads an seinem ersten Spiel arbeitet.

Indie-Rock-and-Roll-Band gegen den Rest der Welt

Im Spiel übernehmt ihr die Rollen der beiden Hauptcharaktere Mayday und Zuke, Mitglieder einer Indie-Rock-Band, die mithilfe von Rock and Roll den Frieden in Vinyl City wiederherstellen muss.

Denn die gesamte Stadt wird von den finsteren Schergen des EDM-Kollektivs (Electronic-Dance-Music), welche dem gefährlichen NSR-Konzern angehören, bedroht und durch neumodische und elektronische Musik unter Kontrolle gehalten.

Dagegen wollen und müssen die beiden Rockmusiker ankämpfen, um die finsteren EDM aus der Stadt zu vertreiben und den Menschen den Rock and Roll zurückzubringen.

Ein Plattformer mit Rhythmus-Elementen

No Straight Roads lässt sich am besten als Plattformer mit Rhythmus-Elementen beschreiben, denn die Musik ist allgegenwärtig in diesem Spiel und zudem ein wichtiges Gameplay-Element.

Ein aufschallender Beat kündigt kurz vorher z. B. einen bevorstehenden Angriff eines Gegners an, dem es auszuweichen bzw. den es zu kontern gilt. Aber nicht nur Angriffe werden durch Musik untermalt, auch die Spielwelt selbst pulsiert regelrecht im Rausch der Musik und zieht einen förmlich in das Spiel.

Außerdem gibt es diverse Gegenstände, die ihr mithilfe eurer Musik sozusagen verwandeln könnt. Aus einem simplen und ursprünglich nutzlosen Gegenstand kann so beispielsweise eine mächtige Gatling-Gun werden, mit der ihr euch der Gegner erwehren könnt.

Boss-Fight in der Gamescom-Demo

Die Gamescom-Demo startete mit einem ausführlichen und sehr gut gemachten Tutorial, welches dem Spieler die Basics des Spiels beibringen sollte. Daraufhin ging es dann direkt mit einem einfacheren, aber spektakulär gestalteten Boss-Fight weiter. So kämpfte man nach dem Tutorial gegen den finsteren DJ Subatomic Supernova, welcher euch mit Dance-Beats das Leben aushauchen will.

Der Bosskampf war sehr atmosphärisch und actionreich gestaltet und machte zumindest mir Lust auf mehr. Während des Boss-Fights merkte man dann ganz deutlich, wie wichtig es ist, auf die Musik achtzugeben und sich nicht nur von ihr treiben zu lassen. Denn mit der Musik kann man ungefähr abschätzen, wann ein Angriff stattfinden wird und somit kann man diesem noch rechtzeitig ausweichen.

Die quietschbunte Cel-Shading-Optik und der pulsierende Soundtrack von No Straight Roads machen das Spiel zu etwas Besonderem und erinnerten mich an längst vergangene Klassiker wie z. B. Jet Set Radio aus dem Jahre 2000.

Ich persönlich bin also sehr gespannt auf No Straight Roads und werde mir die finale Version auf jeden Fall genauer ansehen. No Straight Roads wurde erst kürzlich auf das Frühjahr 2020 verschoben und soll dann für PlayStation 4 und PCs erscheinen.

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Wir berichteten bereits ausführlich über die neue Gameplay-Perle namens Haven von den Furi-Entwicklern The Game Bakers. Zu sehen gab es bisher nur einen kurzen Gameplay-Trailer. Auf der Gamescom hatten wir die Möglichkeit, eine frühe Version des Spiels bereits testen zu können.

Ihr spielt das Abenteuer entweder alleine oder in einem Koop-Modus. Im Kern ist Haven aber ein Einzelspielertitel. Das Videospiel erzählt euch von einer alltäglichen Liebe und dem Verstoß gegen die Regeln. Zwei Menschen, die sich lieben, sind geflohen. Gemeinsam betreten sie einen einsamen Planeten. Für sie zählt nur, dass sie zusammenbleiben.

Getestet wurde an einem kleinen, aber feinen Stand im geschlossenen Business-Bereich der Messe. Audrey Leprince persönlich, eine der beiden EntwicklerInnen neben Emeric Thoa, gesellte sich für eine Anspielsession zu mir und erklärte nebenbei einige Details zum Spiel.

„Schatz, hast du den Müll schon rausgebracht?!“

Genau so klischeehaft könnte ein Dialog aus dem Spiel beginnen. Denn wir spielen das verliebte Pärchen Yu und Kay, welche auf einen verlassenen Planeten geflohen sind und versuchen zu überleben. Die Gründe hierfür sind zurzeit noch unbekannt, werden sich beim Erscheinen des Spiels oder im Laufe der Geschichte aber sicherlich aufklären.

Die Beziehung zwischen Yu und Kay wird eine tragende Rolle im Spiel einnehmen. So haben wir zum Beispiel die Möglichkeit diverse Antworten in Dialogen von Yu und Kay selbst zu bestimmen, was sich anschließend auf nachfolgende Dialoge oder Situationen auswirkt. Die Dialoge waren übrigens komplett vertont, was an sich auch nicht immer üblich ist für kleinere Indie-Studios. Die Demo startet mit einigen Szenen und Dialogen. Das Paar befindet sich in einem scheinbar nicht mehr flugtüchtigen Raumschiff, das zur Basis erklärt wurde. Hier beginnt unsere Geschichte.

Wie Journey und Persona?

Ja, diese Parallelen zog einer der Entwickler des Studios. Klingt erstmal etwas verrückt, aber ich denke, der Vergleich ist gar nicht so weit hergeholt. Geradezu gleitend bewegen wir uns über die Landschaft. Nach einigen Übungen, um mit der Steuerung vertraut zu werden, war unserer nächstes Ziel, Zutaten für das Abendessen zu sammeln.

Dies stellte allerdings keine zu große Herausforderung dar, denn hierfür mussten wir nur über eine entsprechende Stelle „gleiten“ und einen Button zum Aufsammeln betätigen. Das Gleiten wird durch spezielle Stiefel ermöglicht, was auch einen hellblauen Lichtschweif nach sich zieht. Das konnten wir aber auch nicht unendlich, die Energie hierfür musste an bestimmten Stellen nach einiger Zeit wieder aufgeladen werden. Ich denke, dieses Feature soll entfernt an das Spiel „Journey“ erinnern. Wo hingegen der Cell-Shading-Grafikstil und das Kampfsystem an die Persona-Reihe erinnern soll? Dazu nachfolgend mehr.

Im Erkundungsmodus

Nachdem wir in der Basis das Essen zubereitet und einige Dialoge angehört hatten, konnten wir nach einer Übernachtung im Spiel die Welt erkunden. Ab diesem Punkt gab es in der Demo leider schon keine weiteren storyrelevanten Inhalte mehr, so die Entwicklerin. Es gab aber noch ein paar Dinge zu entdecken. Mit unseren Gleitern machten wir uns auf den Weg.

Die Entwicklerin machte uns auf eine Art lilafarbene „Masse“ aufmerksam, die bestimmte Teile der Welt bedeckte. Wenn man über diese gleitet, neutralisiert man die Masse an dieser Stelle und sammelt somit diverse Materialien ein. Die einzelnen Gebiete sind durch spezielle Punkte voneinander getrennt und der Wechsel war durch Ladescreens unterbrochen. Vermutlich um Ressourcen zu sparen und die allgemeine Ladezeit zu verkürzen.

Nach kurzer Zeit stießen wir auch auf die ersten Gegner. Eine Berührung dieser skurrilen tierartigen Kreaturen eröffnete die Kampfsequenz. Das Kampfsystem ist an dieser Stelle noch sehr einfach gehalten. Uns standen lediglich vier Kommandos zur Verfügung: Impact, Blast, Shield und Pacify. Jeder der beiden Charaktere konnte eines dieser Kommandos ausführen. Das Besondere war, dass wir beide Charaktere gleichzeitig steuern. Die einen Kommandos wurden via Steuerkreuz gewählt, während die Kommandos für den anderen Charakter noch einmal in gespiegelter Reihenfolge mit den vier Buttons zu betätigen waren.

Impact und Blast sind normale Angriffe, Shield dient der Verteidigung und Pacify (zu Deutsch „beruhigen“) war notwendig, um dem Gegner mehr oder weniger den finalen Schlag zu verpassen, wenn dieser genügend normale Angriffe eingesteckt hatte. Die Kommandos mussten durch das Gedrückthalten der Taste erstmal aufgeladen werden, um sie ausführen zu können. Die Kommandos können unabhängig voneinander ausgeführt werden, wobei sich der entsprechende Partner beim Shield-Kommando auch um die Abwehr seines Liebsten kümmerte. Die Angriffskommandos ließen sich jedoch auch kombinieren.

Das heißt, wenn wir zwei Mal dieselbe Attacke zur gleichen Zeit aktivierten, erschien ein neues Kommando-Menü, wo man zu einem bestimmten Zeitpunkt beide Tasten nochmal gleichzeitig drücken sollte. Hier war also das Timing gefragt, um zusätzlich besonders viel Schaden anrichten zu können. Mit diesem Wissen konnten wir es sogar mit einem größeren Bossgegner aufnehmen. Später soll es wohl auch eine Art Levelsystem und Ausrüstungen geben.

Die Liebe zum Detail

Erst auf den zweiten Blick habe ich erkannt, wie viel Liebe zum Detail in Haven steckt. Seien es die wunderschön gestalteten Artworks im Ladescreen, die alltägliche Szenen aus dem Leben von Yu und Kay zeigten, das Kampfsystem, wo auch das Zusammenspiel unserer beiden Turteltäubchen wichtig ist, oder diverse kleine Dinge wie z. B. dass sich das Pärchen umarmt und küsst, wenn man auf der Karte dicht beieinander stehen bleibt. Ich hatte bisher noch nie das Gefühl gehabt, in so kurzer Zeit eine so starke Bindung zu den Charakteren aufzubauen wie bei Haven.

Es hat mir bald mehr Freude bereitet, den teilweise leicht neckischen Dialogen zu folgen oder auch mal selbst mit einer Antwort in das Gespräch einzugreifen, als das Gameplay selbst. Auch wenn die Dialoge manchmal etwas klischeehaft rüberkamen, waren diese zu keiner Zeit nervig. Eher ganz im Gegenteil, denn hier liegt meiner Meinung nach der Fokus und eine Stärke des Spiels. Das Gameplay bietet nebenbei noch einen ausgewogenen Mix aus Erkundung und spannenden Kämpfen mit RPG-Elementen. All dies sind Dinge, die das Spiel zu etwas Außergewöhnlichem machen. Ich hatte viel Spaß mit der meiner Meinung nach etwas zu kurzen Demo.

Das Abenteuer-RPG Haven soll 2020 für PlayStation 4, PCs und Nintendo Switch erscheinen. Ein genaueres Datum ist noch unklar. Laut Steam soll das Spiel neben vielen weiteren Sprachen auch deutsche Bildschirmtexte bekommen. Die Sprachausgabe ist ausschließlich in Englisch.

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Hinweis: Diese Vorschau basiert auf Videos und einer Entwickler-Präsentation bei der Gamescom – wir haben Dying Light 2 nicht selbst anspielen können.

Dying Light 2 wurde bereits vor etlichen Jahren angekündigt, dann war es jedoch lange Zeit sehr ruhig um den neuen Titel des polnischen Studios Techland und man wusste nicht so recht, ob sich der Titel noch in der Entwicklung befand oder nicht. Auf der diesjährigen E3 in Los Angeles gab es dann endlich bewegtes Gameplay-Material zu sehen und auch auf der Gamescom 2019 lud der Entwickler zu einer Gameplay-Präsentation ein, um das Spiel endlich in seiner vollen Pracht begutachten zu können.

Indizierter Vorgänger macht es dem Nachfolger nicht einfach

Der Vorgänger Dying Light hatte es aufgrund seines doch recht hohen und ausufernden Gewaltgrads sehr schwer in Deutschland, deshalb wurde dem Vorgänger seinerzeit ein Release in seiner Ursprungsform hierzulande sogar komplett verwehrt und dieser auf den Index gesetzt. Das Spiel machte sogar durch eine Blitzindizierung von sich reden.

Ob es dem Nachfolger Dying Light 2 genauso ergehen wird, kann man zum jetzigen Zeitpunkt noch nicht sagen. Laut Aussagen des Entwicklers würde man es jedoch in Betracht ziehen, leichte Einschnitte, was den Gewaltgrad des Spiels betrifft, in Kauf zu nehmen, um einen Release hierzulande zu ermöglichen. Man würde zwar kleinere Einschnitte in Kauf nehmen, jedoch keine, die den Spielablauf oder die Atmosphäre des Spiels verändern würden.

Entscheidungen haben Auswirkung auf Story und Charaktere

Dying Light 2 spielt 15 Jahre nach den Geschehnissen des Vorgängers und der Hauptcharakter Aiden Coldwell soll im Dienste seines Freundes Frank ein diplomatisches Treffen zwischen den verfeindeten Fraktionen der Stadt und denen des „Colonels“ arrangieren, denn dieser hat der Stadt und deren Bewohnern kurzerhand die Wasserzufuhr abgestellt und ihnen damit die wichtigste Überlebensgrundlage genommen. Dieses Treffen und die damit einhergehende Einigung zwischen den beiden Fraktionen schlägt jedoch fehl und nun muss unser Hauptcharakter entscheiden, wie er weiter vorgehen möchte.

Jede Entscheidung, die der Spieler in Dying Light 2 trifft, hat Folgen für den späteren Verlauf der Story und des Spiels und kann sogar über das Leben und den Tod von Mitstreitern bzw. Schlüsselcharakteren entscheiden. Außerdem kann der Spieler in einem Durchgang maximal 50% der Missionen abschließen, daher bietet Dying Light 2 einen hohen Wiederspielwert, wenn der Spieler wirklich alle Missionen und deren Ausgänge sehen und erleben möchte.

Demo zeigte den Prolog des Spiels

In der Gamescom-Demo zu Dying Light 2 konzentrierte sich der Entwickler vorrangig auf den Prolog des Spiels. Es wurde also gezeigt, wie sich Aiden Coldwell auf das Treffen zwischen den beiden Fraktionen begibt bzw. sich nach dem gescheiterten Treffen entscheiden muss, ob er seinem im Sterben liegenden Freund helfen oder aber den fliehenden Colonel verfolgen und stellen möchte. Der Entwickler veranschaulichte während der Demo vor allem das verbesserte Kampfsystem und die neuen Fortbewegungsmittel, wie zum Beispiel den neu hinzugekommenen Paraglider, mit welchem ihr nun deutlich schneller von A nach B kommen könnt.

Da ein friedliches Treffen zwar scheiterte, aber Aiden Coldwell dennoch die Wasserversorgung wieder aktivieren konnte, floss am Ende der Demo zwar wieder Wasser in die Stadt, jedoch legte der Hauptcharakter damit unfreiwillig einen Teil der Stadt frei, der zuvor absichtlich geflutet wurde, um noch gefährlichere Gegner und Mutanten unter den Wassermassen begraben zu halten. So wurde dem Publikum noch mal verdeutlicht, dass jede Entscheidung des Helden sowohl positive als auch negative Ergebnisse und Folgen mit sich bringen kann.

Mir persönlich hat die Präsentation zu Dying Light 2 sehr gefallen und ich bin gespannt, wie sich die finale Version des Titels am Ende spielen wird. Ob das Spiel in Deutschland in ungekürzter Fassung erscheinen wird, ist zum jetzigen Zeitpunkt noch nicht bekannt. Hier bleibt es also in jedem Fall spannend, ob Dying Light 2 ein ähnliches Schicksal wie sein Vorgänger ereilen wird.

Dying Light 2 soll im Frühjahr 2020 für PlayStation 4, Xbox One und PCs erscheinen.

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Hinweis: Diese Vorschau basiert auf Videos und einer Entwickler-Präsentation bei der Gamescom – wir haben Death Stranding nicht selbst anspielen können.

Auf der brandneuen Veranstaltung “Gamescom Opening Night Live” jagte ein Weltpremieren-Trailer den anderen. Die letzte halbe Stunde wurde jedoch einem der Fan-Highlights der diesjährigen Gamescom gewidmet: Hideo Kojimas Death Stranding. Der Leiter des Entwicklerstudios Kojima Productions gab sich höchstpersönlich die Ehre und gab uns Einblicke in drei Spielabschnitte des im November erscheinenden Action-Adventures.

In Halle 7 der Entertainment Area konnten Besucher neben den bereits auf der ONL gezeigten Trailern einen weiteren neuen Trailer genießen, der viele Fragezeichen der Fans auflösen dürfte. Denn die gezeigten Szenen stammten aus dem Anfang des Spiels und klärten auf, wieso Protagonist Sam Porter Bridges (Norman Reedus) sich überhaupt auf die Reise macht und was das Ziel dieser ist.

Auch wir ließen es uns nicht nehmen, in einer VIP-Präsentation, geführt von Hideo Kojima selbst, einen Eindruck über den Anfang der Reise von Sam zu erhalten. Welche Einblicke wir erhalten haben, könnt ihr erfahren, wenn ihr euch die folgenden Zeilen zu Gemüte führt. Für all jene, die die ONL verpasst haben, haben wir auch noch die vorher gezeigten Trailer zusammengefasst. Doch es gilt: Achtung, Spoiler-Gefahr!

Das Baby aus der anderen Welt

Der erste cineastische Trailer gab uns eine genauere Vorstellung von Mama, gespielt von Margaret Qualley. Sie ist frischgebackene Mutter einer Tochter, doch an der Sache gibt es einen Haken: Ihr Baby wurde in der anderen Welt als BT (Beached Thing) geboren. Die beiden sind durch eine Nabelschnur miteinander verbunden und Mama sondert Milch ab, obwohl ihre Tochter diese nicht trinken kann.

Seine Notdurft verrichten

Einen frischen Einblick über das Gameplay gab uns ein weiterer Trailer, in welchem Sam einen Berghang erklimmt, um einen Nebencharakter, gespielt von Geoff Keighley, mit Vorräten zu beliefern. Zu Beginn der Szene wird eine neue Mechanik des Spiels vorgestellt: Das Urinieren. Sie soll mehrere Spieler miteinander vernetzen, denn wenn mehrere Spieler an der gleichen Stelle urinieren, geschehen wundersame Dinge.

Gegenstand oder Lebewesen?

Ein letzter Trailer der ONL gab Einblicke zur Funktionsweise der B.B.s (Bridge Babys). Deadman, gespielt von Guillermo del Toro, erklärt, dass die Babys mit ihrer Todmutter in Verbindung stehen und die Kapsel als Ersatz-Gebärmutter funktioniert. Durch diesen Mechanismus ist es möglich, die BTs zu orten. Um die Umgebung der Gebärmutter zu simulieren, muss die Kapsel ständig aktualisiert werden. Zu Sams Bedauern hat es leider noch kein Baby geschafft, über ein Jahr als Sensor zu fungieren.

Der Anfang vom Ende

Der auf der Gamescom neu präsentierte Trailer zeigt ein Gespräch zwischen Amelie (Lindsay Wagner) und Sam aus einem Gebäude, das dem Büro des Weißen Hauses gar nicht so unähnlich sieht. Die UCA (United Cities of America) haben das todesbringende Event von Death Stranding überstanden. Nun herrschen apokalyptische Zustände im Land, die laut Amelie nur dadurch gelöst werden können, indem die letzten Überlebenden durch den Auserwählten Sam miteinander verbunden werden. Dieser scheint von der Idee überhaupt nicht angetan, da unüberbrückbare Differenzen zwischen ihm und Amelie vorzuherrschen scheinen.

Eine gewaltige Holokarte präsentiert die Standorte der einzelnen Überlebenden. So gilt es, sich von der Ost- bis zur Westküste durchzuschlagen, um alle Überlebenden miteinander zu verbinden. Dem Plan stellt sich neben den übernatürlichen BTs auch eine Terroristengruppe namens Homo Demens entgegen, die für die Unabhängigkeit von Edge Knot City kämpft. Bei dem Versuch, alle Menschen miteinander zu verbinden, nahmen sie Amelie gefangen. Deshalb kann diese nur via Projektion mit euch kommunizieren. So gilt es, neben den zu verbindenden Menschen Amelie aus den Fängen ihrer Entführer zu retten.

Die Fragezeichen lösen sich auf

Der zuletzt präsentierte Trailer lüftete einige der Geheimnisse rund um Death Stranding. Doch Kojima wäre nicht Kojima, wenn nicht immer noch zahlreiche Details unklar wären. Dementsprechend fiebere ich dem 8. November sehnlichst entgegen. Die Story und das große Ziel der Reise reizen mich ungemein, abgesehen von der Prämisse, dass die werte Amelie aus den Fängen ihrer Entführer gerettet werden möchte.

Lediglich das Gameplay erscheint mir bislang noch zu monoton. Liefere dieses und jenes Gepäckstück von A nach B ist wohl einer der Missionstypen, auf die sich Spieler weniger freuen. Auch die Kämpfe und Stealth-Passagen wirkten bislang nicht so, als ob sie sonderlich Abwechslung bieten würden.

Dementsprechend bin ich auf die Welt gespannt, in der sich das Geschehen abspielen wird, denn wenn wir lediglich die immer gleichen Berglandschaften mit einigen wenigen besonderen Orten präsentiert bekommen, muss die gewaltige Story als Zugpferd dienen, um den Spieler bis zum Ende hin zu motivieren.

Wie heiß seid ihr auf das Spiel? Habt ihr den bislang unveröffentlichten Trailer ebenfalls auf der Gamescom gesehen? Was sind eure Eindrücke? Ich bin gespannt auf eure Kommentare!

Death Stranding erscheint weltweit am 8. November 2019 für PlayStation 4.

Der Beitrag Vorschau! Death Stranding erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Des Weiteren gab es natürlich auch Influencer, YouTuber und andere Streamer, die live von der Messe berichteten. In diesem Jahr neu war ebenfalls die “Opening Night Live“. Geoff Keighley präsentierte in dieser zweistündigen Show einige Weltpremieren sowie Trailer, sprach mit Entwicklern auf der Bühne und beendete diese mit einem großen Auftritt von Hideo Kojima, der weiteres Gameplay zu Death Stranding zeigte.

Egal ob ihr nun live vor Ort wart oder gemütlich auf der Couch die unterschiedlichen Streams sowie News verfolgtet. Als Spielerin oder Spieler bekamt ihr sicherlich etwas von der Messe mit. Daher fragen wir euch in der heutigen Sonntagsfrage nach eurem Fazit zur Gamescom 2019. Seid ihr zufrieden mit der Messe, wenn ihr vor Ort wart? Was war eurer schönstes Erlebnis, eurer Highlight oder hat euch gar nicht gefallen? Fandet ihr, dass die “Opening Night Live“ ein guter Auftakt für die Messe war?

Dieses Mal handelt es sich um eine offene Umfrage und es gibt keine vorgefertigten Antwortmöglichkeiten. Deshalb teilt eure Meinung/Erfahrung gerne in den Kommentaren!

Die Ergebnisse der Sonntagsfrage vom 18. August

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