Titel	Fire Emblem: Fortune’s Weave
	17. September 2026
	Nintendo
	17. September 2026
	Nintendo
	17. September 2026
	Nintendo
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Versionsnummer	1.0.0
Entwickler	Intelligent Systems
Genres	Strategie; JRPG
Texte
Vertonung

In unserer Vorschau zu Fire Emblem: Fortune’s Weave schrieb ich, dass der neueste Teil der Reihe umfangreicher zu sein scheint als gedacht. Zu diesem Zeitpunkt hatte ich noch keine genaue Vorstellung davon, was das wirklich bedeutet. Fortune’s Weave bietet eine umfangreiche Handlung, eine Vielzahl von Charakteren und deren Beziehungsverflechtungen sowie eine Haupthandlung, in der sich böse Mächte über das Land ausbreiten.

All das unter einen Hut zu bringen, ist eine große Herausforderung. Ob sich Intelligent Systems nicht etwas zu viel vorgenommen hat, diese Herausforderung gemeistert hat oder womöglich sogar am Ende am eigenen großen Umfang gescheitert ist, erfahrt ihr in den kommenden Zeilen.

Die Legende im weißen Gewand

Wir schreiben das Jahr 1454: Das Kaiserreich Dagda und die Überreste der Menschheit stehen durch den wiedererweckten Dämonengott Balor kurz vor dem Untergang. Um diese Katastrophe abzuwenden und die Finsternis aus dem Land zu vertreiben, steigt auf Anweisung der Göttin Sothis eine einzelne Seele vom Himmel herab. Dabei handelt es sich um die Protagonistin bzw. den Protagonisten. Diese Seele soll das Reich vor dem Untergang schützen. Doch selbst eine von der Erschafferin Sothis eingesetzte Seele hat allein keine Chance gegen den Dämonengott.

Angesichts dieser großen Aufgabe unterbreitet Fortuna, eine Göttin mit der Fähigkeit, die Zeit zu manipulieren, dieser Seele einen Vorschlag: Sie soll den Heldinnen und Helden, die einst an den Heroenspielen teilgenommen haben, dabei helfen, ihr Schicksal zu ändern und sie in die finale Schlacht führen. Das ist keine leichte Aufgabe, denn niemand weiß Genaueres über das Schicksal der Heldinnen und Helden.

So reist die Seele fünf Jahre in die Vergangenheit, ins Jahr 1449, in dem in der Hauptstadt Dagsion zu Ehren des Landesgründers Dagda die Heroenspiele stattfinden. Unter den Teilnehmenden befinden sich vier wackere Charaktere, die siegreich aus den Kämpfen hervorgehen wollen, um sich einen persönlichen Wunsch erfüllen zu lassen.

Der Strudel der Kausalität

Nun stehen wir als Hauptfigur vor der schweren Entscheidung, welchen Helden oder welche Heldin wir als Erstes aufsuchen. Fortuna nennt diese Personen „die Flammenfürsten von Dagda”. Sie hat sie im Strudel der Kausalität gefunden und dafür das Gewölbe der Obelisken geschaffen, um uns die freie Entscheidung zu geben, welche Flammenfürsten wir zuerst aufsuchen.

Somit geht es in die Vergangenheit und wir begegnen unter anderem Cai, einem jungen, tierlieben Jungen mit reinem Herzen. Als sein Vater in den Kerkern von Dagsion eingesperrt wird, meldet er sich mit seinen Freunden bei den Heroenspielen an, um für dessen Freiheit zu kämpfen.

Ebenfalls an den Spielen nimmt Dietrich teil, ein mächtiger Schwertkämpfer und Krieger. Durch einen Schiffbruch strandet er an den Ufern Dagdas. Da er zum Vergnügen kämpft und seinen Kampfdurst stillen will, beschließt er, mit gleichgesinnten Verbündeten an den Wettkämpfen teilzunehmen.

Theodora ist eigentlich die Königin von Saramis. Doch angesichts schrecklicher Ereignisse sieht sie keinen anderen Ausweg, als an den Spielen teilzunehmen. Dabei ist sie bereit, alles zu tun, um ihre Göttin zu ehren, den Glauben ihres Volkes zu verteidigen und den Frieden in ihrem Königreich zu bewahren.

Als junges Mädchen erleidet Leda ein tragisches Schicksal, als ihr Vater gemeuchelt wird. Seitdem ist sie auf einem Rachefeldzug und will jeden zur Strecke bringen, der daran beteiligt war. Als sie erfährt, dass der Mörder plant, an den Kämpfen teilzunehmen, begibt sie sich nach Dagsion.

Die Qual der Wahl

Zunächst muss ich festhalten, dass ich es im Testzeitraum leider nicht geschafft habe, alle vier Obelisken komplett durchzuspielen. Ich habe mich vorwiegend mit den Pfaden von Cai und Leda befasst. Das liegt unter anderem daran, dass allein die Obelisken der vier Flammenfürsten überaus umfangreich sind.

Für einen Obelisken habe ich ca. 20 bis 25 Stunden benötigt, um mich bis zu den Heroenspielen durchzuspielen, Charaktere kennenzulernen, Quests zu erfüllen, Gebiete zu erkunden, Schlachten zu kämpfen und sonstige Aktivitäten durchzuführen. Je nachdem, wie viel Zeit bei diesen Aktivitäten investiert wird oder ob bei einem weiteren Durchgang Dinge übersprungen werden, verändert sich die Stundenanzahl entsprechend.

Letzteres wird unter anderem von den generellen Erzählungen beeinflusst. Dazu zählen beispielsweise Erzählungen von historischen Ereignissen, Vorstellungen von Gebieten oder NPC-Charakteren, die eine tragende Rolle in der Geschichte spielen. Diese unterscheiden sich in den jeweiligen Pfaden verständlicherweise nicht und können, wenn man einen Pfad bereits durchlaufen hat, einfach übersprungen werden.

Nichtsdestotrotz dreht sich das Spiel nicht nur um die Heroenspiele, sondern darum, den wiedererweckten Dämonengott Balor aufzuhalten. Dementsprechend endet die Handlung nicht mit dem Ende der Spiele, sondern gliedert sich in mehrere Teile auf. Allein das sorgte dafür, dass ich, obwohl ich nur zwei Flammenfürsten-Pfade durchgespielt habe, am Ende bei über 100 Spielstunden herauskam. Fire Emblem: Fortune’s Weave hat wirklich einen beachtlichen Umfang.

Flammenfürsten versammelt euch

Gehen wir aber erst einmal der Reihe nach vor. Wenn man sich für einen der Obelisken entschieden hat, erlebt man, wie die Heldinnen und Helden nach Dagsion kamen und was ihre Motivation ist, an den Heroenspielen teilzunehmen. Die Handlungsstränge sind dabei auf die jeweiligen Hauptfiguren zugeschnitten, erzählen im Hintergrund jedoch eine übergreifende Geschichte, die sich im Kaiserreich Dagda abspielt.

Gerade zu Beginn wird man mit einer Fülle an Informationen konfrontiert, was durchaus überwältigend sein kann, da man sich parallel fragt, wie die Charaktere und Handlungsstränge zusammenhängen. Wenn man einen Pfad zum ersten Mal spielt, kommen einem viele Fragen in den Sinn: Welcher Charakter ist das noch gleich? In welcher Beziehung steht dieser zu mir? Was hat das mit der Geschichte des Landes zu tun bzw. warum ist dieser Held oder diese Heldin darin involviert? Wie muss ich die Aussage von Charakter XY nun einordnen?

Ab und zu habe ich mich wie das „Pepe Silvia“-Meme gefühlt und mir eine imaginäre Wand mit Bildern und roten Fäden vorgestellt, um die jeweiligen Beziehungen und zeitlichen Ereignisse zusammenzubringen. Ein wenig helfen dabei die Charakterprofile der Personen, doch ich habe einige Stunden mit dem Spiel verbracht, bis ich die wesentlichen Informationen verbunden hatte.

Zudem lassen sich diese Zusammenhänge nur zu einem gewissen Grad bzw. nur aus der Sichtweise der Flammenfürsten aufklären. Um einen besseren Überblick zu erhalten, sind die Informationen aus den jeweils anderen Pfaden notwendig. Da in diesen zum Glück auch die generellen Informationen über das Land und ähnliche Inhalte wiederholt werden, werden die Zusammenhänge immer klarer und ich habe sie besser verstanden. Das führte zu einem besseren Gesamtbild. Ansonsten gibt es außerdem die Möglichkeit, zwischen den Handlungen der Flammenfürsten hin und her zu wechseln. Das kann für mehr Abwechslung sorgen.

Erzählung mit Lücken und Tücken

Nun habe ich geschrieben, dass es sich gut anfühlt, die einzelnen Pfade zu spielen, obwohl sich die allgemeinen Informationen wiederholen. Sicherlich stellt sich nun als Leser bzw. Leserin die Frage, inwieweit sich das Spiel wiederholt, wie oft bestimmte Ereignisse mehrmals erledigt werden müssen oder ob das Spiel damit einfach Inhalte streckt.

Die Antwort darauf ist nicht ganz einfach. Da die Pfade von Cai, Dietrich, Saramis und Leda parallel stattfinden, wiederholen sich einige Ereignisse zwangsläufig. Bei Cai und Leda passiert dies beispielsweise bei den Heroenspielen, bei denen sie in der Qualifikationsphase als Team in der Arena gegen ein anderes Team antreten müssen. In beiden Pfaden spielte ich die Schlacht in der Arena. Einzig die Einheiten waren andere – je nachdem, wen ich bis dahin als Cai oder Leda rekrutiert hatte.

Allerdings lernte ich im Vorfeld und im Nachgang eine andere Perspektive kennen und konnte daher alternative Eindrücke, unterschiedliche Motivationen und andere Schlussfolgerungen kennenlernen. Dadurch wurde ein besseres Verständnis für bestimmte Charaktere generiert und ich konnte deren Handlungen einfacher nachvollziehen. Dennoch wiederholten sich Unterhaltungen oder Zwischensequenzen, die zwischen beiden Charakteren vorkamen. Das ließ sich nicht vermeiden. Im Zweifel klickt man sich in solchen Situationen beim zweiten Mal ein wenig schneller durch die Dialoge.

Anders sieht es aus, wenn Flammenfürsten in den Spielen gegeneinander antreten. Da nur einer gewinnen kann, ändert sich ab einem bestimmten Punkt der Handlungsstrang und der Fokus liegt auf dem jeweiligen Charakter. An dieser Stelle muss jeder für sich entscheiden, ob ihm oder ihr das gefällt.

Ich kann verstehen, dass jeder der vier Flammenfürsten vom Entwicklerstudio in den Mittelpunkt gestellt wurde und bei den Heroenspielen glänzen soll. Letztendlich wird jedoch die Geschichte von Dagda erzählt und Stück für Stück erschließt sich die Welt mehr. Insofern kann es seltsam wirken, wenn sich ein Teil der Geschichte rund um die Heroenspiele – die einen wesentlichen Teil ausmachen – etwas ändert. Nichtsdestotrotz wirken die vier Pfade ebenso individuell genug, um einen bei Laune zu halten.

Was ist eigentlich mit Balor?

Wer den Test bis hierhin gelesen hat, stellt sich vielleicht die Frage: Was ist eigentlich mit Balor? Ihr erinnert euch: der wiedererweckte Dämonengott, der anfangs erwähnt wurde und der die Welt in Finsternis hüllen möchte. Eine ähnliche Frage stellt sich ebenfalls, während ihr die Pfade der Flammenfürsten spielt.

Fortune’s Weave ist neben den Pfaden ebenfalls in mehrere Teile untergliedert. Hat man die Heroenspiele hinter sich gelassen, wartet der zweite Teil. Dieser gliedert sich ebenfalls auf die vier wackeren Heldinnen und Helden, erzählt jedoch eine größere Gesamthandlung, die auf die finsteren Machenschaften hinarbeitet.

Dieser Teil hat mich zwiegespaltener zurückgelassen. Einerseits wird dieser spielerisch anspruchsvoller und gewährt Schlachten, die mehr taktisches Geschick erfordern. Andererseits kann ich die Aufteilung nur schwer nachvollziehen. Für den späteren Verlauf der Handlung ergibt diese Aufteilung durchaus Sinn, bei den Charakteren verläuft sie aufgrund des größeren Handlungszusammenhangs jedoch nahezu identisch.

Deshalb ist der Wiederspielwert im Vergleich zu den Obelisken eher gering. Das hat sich für mich eher spielstreckend angefühlt, obwohl es nicht so lange dauert. Mit fortschreitender Handlung und darauffolgenden Ereignissen wird es im Kampf gegen die finsteren Mächte zum Glück wieder besser und das Spiel kehrt zu einer gewohnten, strukturierteren Form zurück. Gerade ab diesem Zeitpunkt zeigt das Spiel noch einmal, was in ihm steckt, und entfaltet dabei sein Repertoire an spielerischen Möglichkeiten für viele Stunden.

Zu viel des Guten?

Meine Haltung zur Geschichte von Fire Emblem: Fortune’s Weave bleibt bis zum Ende gemischt. Es ist eine gut geschriebene Handlung, die durch eine ausführliche Erzählung, viele kleine zusammenhängende Details und ein glaubhaftes, historisch durchdachtes Kaiserreich mit einer lebendigen Geschichte überzeugt. Ich konnte richtig in die Welt eintauchen.

Besonders im letzten Teil des Spiels, wenn die Schicksalsfäden der einzelnen Flammenfürsten zusammenlaufen und Lücken aufgeklärt werden, wirkt die Erzählung stimmig, wobei dies auch über die einzelnen Pfade geschrieben werden kann. An vielen Stellen hat mich das Spiel an eine Serie erinnert, bei der ich den Dialogen gerne gelauscht habe und bei der ich unbedingt wissen wollte, wie es in der nächsten Folge weitergeht.

Wie bei jeder guten Serie muss man jedoch die Motivation aufbringen, immer wieder die nächste Folge einzuschalten. Das kann schwierig werden, wenn das Gefühl aufkommt, dass Informationen fehlen. Nach dem Motto: Habe ich nicht richtig aufgepasst, etwas überlesen oder wird diese Information noch preisgegeben?

Beim Spielen habe ich mir öfter die Frage gestellt, ob die Erzählung nicht ein wenig komprimierter hätte erzählt werden können. Muss wirklich noch eine kleine Nebengeschichte in die Haupthandlung eingebaut werden, um die Motivationen einzelner Charaktere zu verdeutlichen, oder reicht dafür nicht eine Zwischensequenz mit einer emotionalen Szene aus? Gleiches gilt für optionale spezielle Nebenquests, die jedoch für den späteren Verlauf von Bedeutung sind. Es kann dann nur frustrierend sein, wenn diese verpasst wurden.

Wer sich in die Schicksale von Fortune’s Weave begibt, wird sicherlich keine schlechte Zeit erleben und gewiss keine langweilige Handlung. Man sollte jedoch genügend Zeit einplanen und die einzelnen Pfade genießen, um ein vollumfängliches Erlebnis zu erhalten, welches aus meiner Sicht bislang kein Fire Emblem vorweisen kann. Dazu gesellt sich nämlich erneut ein gutes taktisches Erlebnis.

Neu-klassisches Fire Emblem

Intelligent Systems hat am grundlegenden Gameplay nicht viel gerüttelt. Auf einem schachbrettartigen Feld bewegt ihr eure Einheiten und versucht siegreich aus der Schlacht zu gehen. Dazu gehören die üblichen Aktionen wie normale oder spezielle Angriffe, Heilung und teilweise Interaktionen mit besonderen Gegenständen auf dem Feld. Um die Übersicht auf dem Schlachtfeld nicht zu verlieren, gibt es neben vielen Anzeigen eine gute Kontrolle über die Kamera.

Generell sind die Anzeigen und Menüs strukturiert gestaltet, was einen guten Überblick über das Geschehen verschafft. Eine Ausnahme bildet hierbei die Kampfanzeige, wenn Gegner mit der eigenen Einheit anvisiert werden. In Fortune’s Weave hat sich das Entwicklerstudio dazu entschlossen, die Werte etwas umzustellen. Gerade in den ersten Spielstunden habe ich dadurch immer auf die falschen Werte geschaut.

Nun werden die eigenen Angriffsschadenswerte unterhalb des Gegners angezeigt, während die Trefferwahrscheinlichkeit weiterhin unterhalb der eigenen Einheit steht. Für die gegnerischen Werte gilt dasselbe. Wenn die Einheiten in unterschiedlicher Reihenfolge angreifen, fiel es mir anfangs schwer, zu erkennen, welche Werte zu mir und welche zum Gegner gehören, da diese in den bisherigen Teilen anders dargestellt wurden. Nach ein paar Stunden gewöhnt man sich aber daran.

Es wird brandgefährlich

Wie schon bei anderen neueren Teilen gibt es auch hier kein Waffendreieck mehr. Eure Waffen richten je nach Einheit sowie Werten unterschiedlichen Schaden an. Items wie Schilde verbessern ihre Werte oder paralysieren unter bestimmten Wahrscheinlichkeiten sogar Gegner. Dabei besitzen Waffen eine Haltbarkeit, die sich jedoch bei normalen Angriffen nicht verringert, sondern nur, wenn ihr die Kampffähigkeiten einsetzt. Letztere sind starke Angriffe, die unter anderem die Reichweite erhöhen und die Angriffskraft verbessern. Anders sieht es mit Magie aus. Allgemein kann diese nur begrenzt während eines Kampfes eingesetzt werden.

Neu ins Spielgeschehen hinzugekommen sind die sogenannten Brandtechniken. Diese Spezialtechniken sind besonders machtvolle Angriffsmethoden, welche die Flammenfürsten beherrschen. Sie sind zwar mächtig, allerdings kostet deren Einsatz Gesundheit. So kann Leda mit ihrer Vihuela (ein spanisches Zupfinstrument) beispielsweise Lieder spielen, die ihren Verbündeten bessere Statuswerte verleihen. Dietrich kann sich derweil über mehrere Felder teleportieren und Cai kann schwarz-violette Flammen aus seiner Hand schießen.

Wenn eine Einheit während des Kampfes mehrere Brandtechniken einsetzt und dadurch die eigene Brandleiste erhöht, verfällt sie in den sogenannten Großbrand, wodurch sich alle Statuswerte verstärken. Dadurch lassen sich stärkere Brandtechniken ausführen. Das hat jedoch einen Haken: Bei voller Brandleiste endet der Großbrandmodus und die Einheit verfällt in den Modus „Bersten”, der die eigenen HP senkt.

Somit sollte beim Einsatz mit Bedacht vorgegangen werden. Dennoch fügen sich die Brandtechniken gut in das Spielsetting ein. Sie wirken nicht übermächtig, da sie einen Malus mit sich bringen, können durch ihre Stärke und einen geschickten Einsatz aber durchaus kampfentscheidend sein. Gleichzeitig passen die Techniken gut zu den jeweiligen Persönlichkeiten der Charaktere.

Fluch und Segen

Die eigenen Einheiten und deren Fähigkeiten sind zudem nicht die einzigen Faktoren, die über den Ausgang eines Kampfes entscheiden können. Es gibt verfluchte Waffen, die eure Brandleiste beeinflussen können und über mächtige Fähigkeiten verfügen. Gleichzeitig könnt ihr während des Kampfes göttlichen Segen erhalten. Während der Segen von Fortuna euch stets begleitet und das Spielgeschehen um einige Züge zurückspult, können die Segnungen anderer Götter andere Effekte auslösen.

Um den Segen zu erhalten, müsst ihr in eurer wöchentlichen Freizeit in den unterschiedlichen Tempeln euren Dienst anbieten. Dadurch erhöht sich das Segenlevel bei der jeweiligen Gottheit. Ist dieses hoch genug, könnt ihr es im Kampf mit göttlichem Sand einsetzen. Da sich dadurch besondere Effekte wie die Halbierung von Schaden während eines Zuges einsetzen lassen, ist dies besonders hilfreich in herausfordernden Schlachten.

Auf dem Schlachtfeld wird es selten eintönig …

Für mich waren die unterschiedlichen Möglichkeiten, mit seinen Einheiten ein Schlachtfeld zu betreten und siegreich daraus hervorzugehen, bis zum Ende hin ein Höhepunkt im Spiel. Dazu tragen die verschiedenen Siegbedingungen während eines Kampfes bei. Zwar läuft es in den meisten Fällen darauf hinaus, dass der gegnerische General oder die gegnerische Generalin ausgeschaltet werden muss. Es gibt jedoch Ausnahmen, bei denen beispielsweise Feuerschalen angezündet und gehalten werden müssen.

Selbst die Arena in den Heroenspielen, die öfter betreten wird, sieht jedes Mal anders aus. Sie hat unterschiedliche Umgebungen und Herausforderungen parat, denen ich mich stellen muss, um den Gegner zu bezwingen. Hinzu kommen unterschiedliche Mechaniken wie Artillerie auf dem Spielfeld, die während einer Schlacht genutzt werden können, sowie besondere Felder, die die Werte einer Einheit beeinflussen.

Auch die Umgebung sollte man im Auge behalten. Diese kann beispielsweise brennen, mit Miasma verseucht sein oder anderweitig beeinflusst sein. Dadurch sieht keine Schlacht wie die andere aus und man muss sein taktisches Wissen und die jeweiligen Einheiten immer wieder neu kombinieren. Dadurch bleiben die Schlachten bis zum Ende und selbst nach ungefähr 100 Stunden frisch.

Einzig die Mischung zwischen den Schlachten und den Erzählungen ist zu Beginn etwas unausgeglichen, da die Erzählungen überwiegen. Das ändert sich im Laufe des Spiels jedoch. Des Weiteren beginnen die Schlachten im späteren Verlauf öfter damit, dass die Gegner viele Reserveeinheiten auf dem Feld von den Seiten erhalten. Dadurch entsteht in einigen dieser Schlachten der Eindruck, dass die Herausforderung nur darin besteht, viele Einheiten zu bekämpfen, statt sich taktisch klug zum Sieg zu manövrieren.

… in der Freizeit manchmal schon.

Abseits des harten Alltags auf dem Schlachtfeld können Dagda und seine Hauptstadt Dagsion erkundet werden. Beim Erkunden der Hauptstadt gibt es allerhand zu entdecken: die Arena, in der die Einheiten trainieren können, unterschiedliche HändlerInnen, bei denen die eigenen Vorräte aufgefüllt werden können, Tempel für göttlichen Segen und Orte wie das Gasthaus. Letzteres ermöglicht die Aktivierung automatischer Aktivitäten, die unter anderem zum Training der eigenen Einheiten verwendet werden können. Doch Vorsicht: Für diese Aktivitäten werden Züge benötigt.

Während des Spielens läuft die Zeit mit und nach einer gewissen Anzahl an Tagen muss die Hauptgeschichte weitergeführt werden. In Fortune’s Weave wird dieser zeitliche Abstand in Zügen gemessen. Ein Zug entspricht dabei sechs Stunden. Wenn ihr die automatischen Aktivitäten nutzt, kostet das Züge. Gleiches gilt für das Reisen durch das Kaiserreich, um beispielsweise Quests zu erfüllen, die eigene Reputation zu verbessern oder die verschiedenen Gebiete und ihre Schätze zu erkunden.

Dabei werden in der Freizeit nach einem Kampf Gesundheit und Magie nicht wiederhergestellt. Dafür muss man ins Gasthaus gehen und dort eine Nacht verbringen oder im Freien campen, wodurch sich auch die Bindung zu einigen Teampartnern verbessern lässt. Glücklicherweise findet man auf den Wegen jede Menge Gemüse und Fische, die sich für das Essen beim Campen verwenden lassen.

Mit Cai können sogar Felder angebaut und nach einigen Zügen geerntet werden. Da Cai gut mit Tieren umgehen kann, lassen sich auf bestimmten Wegpunkten ebenfalls Fallen legen und Tiere fangen, die später in der Stadt gefüttert werden. Mit Leda laufen die Erkundungen in Dagda anders ab. Als Tänzerin begibt sie sich in die Städte des Kaiserreichs, führt dort Tänze auf, erhöht damit ihre Reputation und erhält dafür Ressourcen. Dietrich hingegen spürt versteckte Gegner auf und macht sie sichtbar. Dadurch wird jede Erkundung in jedem Pfad individueller.

Rekrutiere sich, wer kann

Wie schon beim Anwerben der Studierenden in Fire Emblem: Three Houses lassen sich Personen aus anderen Clans für eure Zwecke und Kämpfe rekrutieren. An dieser Stelle sind mit Clans die Gruppen der anderen Flammenfürsten gemeint. Die zukünftigen Gruppenmitglieder wollen zunächst beschenkt oder zum Essen eingeladen werden. Dadurch steigt die Bindung und irgendwann lassen sich diese Charaktere rekrutieren. Dafür muss aber auch ein passender Ruf vorausgehen, welcher mit der Erledigung von Quests steigt.

Wer diese Mechanik in Three Houses mochte, wird sich dieses Mal wieder darüber freuen, denn es kann unterhaltsam sein, das passende Geschenk für einen Charakter zu finden. Persönlich bin ich allerdings kein großer Freund des Rekrutierungssystems, speziell in diesem Spiel. Da vier Pfade zur Auswahl stehen, müssen in jedem dieser Pfade Charaktere angeworben werden, ganz gleich, ob dies bereits in einem anderen Pfad geschehen ist.

Ein kleiner Lichtblick ist, dass die Anforderungen für eine Rekrutierung in den Pfaden unterschiedlich ausfallen. So kann es sein, dass in einem Pfad eine Reputation von 9 und ein Unterstützungslevel von 3 benötigt werden, während es in einem anderen Pfad nur eine Reputation von 6 und ein Unterstützungslevel von 2 sein müssen. Einige Charaktere wie die Flammenfürsten lassen sich im jeweiligen Pfad nicht rekrutieren.

Irgendwann bin ich bei den wöchentlichen Aktivitäten nur noch per Schnellreisefunktion zu den Personen innerhalb der Stadt gereist, habe ihnen irgendein Geschenk in die Hand gedrückt und bin dann gegebenenfalls noch schnell zum Gasthaus, um das Unterstützungslevel mittels einer Mahlzeit zu verbessern. Im Endeffekt wurde es zur Abarbeitung von To-dos, um bestimmte Charaktere ins eigene Team zu holen. Dieses Gefühl hat sich vor allem beim zweiten Pfad eingestellt, nachdem ich im ersten Pfad dem Ganzen noch mehr Aufmerksamkeit schenken konnte.

Ich hätte mir eine Funktion gewünscht, die mir das Rekrutieren in einem anderen Pfad erleichtert, wenn ich eine bestimmte Person bereits in einem anderen Pfad rekrutiert habe. So hat sich im weiteren Spielverlauf leider immer mehr das Gefühl der „Fleißarbeit“ vertieft, sodass ich andere Spielfiguren eher ignoriert habe, anstatt sie in mein Team zu holen.

Noch schnell ein Kampf

Für etwas mehr Abwechslung sorgen die Orte, die in Dagda erkundet werden können. Neben den Städten mit ihren örtlichen Händlerinnen und Händlern tauchen unter anderem Verliese auf. Dabei handelt es sich um Dungeons, wie man sie aus Fire Emblem Echoes: Shadows of Valentia kennt. Allerdings wurde das Konzept angepasst.

Die Erkundungsmöglichkeiten in den Verliesen sind größer als im vorherigen Teil. Neben Materialien zur Verbesserung von Waffen und anderen Schätzen trifft man dort auf herumlaufende Gegner. Beim Zusammenstoß beginnt ein spezieller rundenbasierter Schlagabtausch, der sich von den normalen Schlachten unterscheidet.

Diese sogenannten Schnellkämpfe werden nicht aus der Vogelperspektive gespielt, sondern die Parteien stehen sich gegenüber. Dabei wird abwechselnd mit einer entsprechenden Aktion wie Angriff, Heilung oder einem verbündeten Angriff agiert. Letztere Aktion kostet Verbindungspunkte. Eine Besonderheit ist, dass die KP aller Einheiten zusammengerechnet werden. Wer als Erstes null KP erreicht, hat verloren.

Sowohl das Erkunden von Verliesen als auch die Schnellkämpfe wirken erfrischend und fügen sich gut ins Gameplay ein. Vor allem beim Erkunden der Karte wirken sie als auflockerndes Element und werten es auf. Die Verliese sind zwar grafisch nicht anspruchsvoll, für eine kurze Erkundung reicht es aber aus, da sie nicht nur aus Höhlenumgebungen, sondern auch aus anderen Landschaften bestehen. Die Schnellkämpfe sind zudem nicht so komplex wie die großen Schlachten. Sie lassen sich gut wegspielen, da sie ebenfalls automatisch im Autokampf ablaufen.

Nur das generelle Erkunden von Dagda wird im Laufe der Spielzeit leicht eintönig. Die Karte bietet zwar viel, da das Kaiserreich groß ist. Irgendwann habe ich jedoch das Gefühl gehabt, alles gesehen zu haben, und habe nur noch die automatischen Aktivitäten genutzt, um die Zeit verstreichen zu lassen und schneller mit der Hauptgeschichte weiterzumachen.

Es geht in die Antike

Fire Emblem: Fortune’s Weave sieht großartig aus. Die Zwischensequenzen sind wie gewohnt geschmeidig animiert und eindrucksvoll in Szene gesetzt, besonders in actionreichen Szenen. Die Charaktermodelle sind schön ausmodelliert und versprühen einen individuellen Charme. Gleichzeitig muss ich aber erwähnen, dass ich mich zu Beginn erst an einige Charaktermodelle gewöhnen musste. Diese orientieren sich mehr an Three Houses und passen hervorragend in das stimmige Konzept des Spiels, welches den Charme eines antiken oder römischen Zeitalters einfängt.

Im Vergleich zu Fire Emblem Engage wirken die Charaktermodelle stellenweise dennoch etwas blass – so kontrovers der Rest des letzten Teils auch diskutiert werden kann. Das änderte sich im Laufe des Spiels, als ich mehr über deren Motivationen und Persönlichkeiten erfahren habe. Zudem gilt die zuvor angesprochene Blässe nicht für alle Charaktere, erst recht nicht für die vier Heldinnen und Helden oder andere relevantere Persönlichkeiten.

Dennoch bin ich der Auffassung, dass Fortune’s Weave nicht das stärkste Charakterdesign der Reihe aufweist und ältere Teile eindrucksvollere Figuren enthielten. So sind mir beispielsweise viele Charaktere aus Engage deutlich stärker im Gedächtnis geblieben.

Wo der Titel hingegen ein konsistentes Bild vermittelt, ist bei der allgemeinen Präsentation und Farbgestaltung. Die Hauptstadt Dagsion wirkt einigermaßen lebhaft und nicht so trist wie das Kloster Garreg Mach aus Three Houses. So bunt und farbenfroh wie Engage ist Fortune’s Weave trotzdem nicht. Das muss es aber auch nicht sein. Es wurde ein schlüssiges Konzept gefunden, das den Flair eines antiken Kaiserreichs einfängt. Dazu gesellen sich die verschiedenen Designs der Einheiten und der grundsätzliche Kleidungsstil, auch wenn sich viele NPCs ähneln.

Super Synchronisation

Was man hingegen nicht genug loben kann, ist die Vertonung. Diese gibt es in einer englischen und japanischen Variante. Die Synchronisation ist wirklich eines der Highlights im Spiel, denn nahezu jedes Gespräch ist vertont. Dadurch wird der gesprochene Text, der hin und wieder etwas länger ausfällt, nicht monoton. Seltsam sind nur die Dialogoptionen, die ab und an aufploppen. In manchen Fällen bieten sie nur eine Option an und man stellt sich die Frage, warum es diese gibt, wenn der Charakter es einfach aussprechen könnte.

Das generelle „Fire Emblem“-Thema wurde erneut überzeugend ins Spiel eingebaut und unterscheidet sich bei den vier unterschiedlichen Heldinnen und Helden, sodass es individueller wirkt und für den Charakter angepasst. Das sorgt gerade bei heroischen Momenten und ein paar Schlachten für Spannung.

Vollwertige Erzählung mit kleinen Stolpersteinen

Bildmaterial: Fire Emblem: Fortune’s Weave, Nintendo, Intelligent Systems

Der Beitrag Im Test! Fire Emblem: Fortune’s Weave hebt sich vor allem in einer Sache von seinen Vorgängern ab erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Marvel’s Wolverine
	15. September 2026
	Sony Interactive Entertainment
	15. September 2026
	Sony Interactive Entertainment
	15. September 2026
	Sony Interactive Entertainment
System	PlayStation 5
Getestet für	PlayStation 5 Pro
Versionsnummer	1.001.003
Entwickler	Insomniac Games
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Als 2018 Marvel’s Spider-Man von Insomniac Games erschien, musste man richtig gute Comicbuch-Adaptionen im Spielebereich noch fast mit der Lupe suchen. Batman war mit der Arkham-Reihe bis dahin das Maß aller Dinge. Spider-Man füllte diese Lücke seinerzeit hervorragend und legte auch gleichzeitig einen wichtigen Grundstein für die starken Singleplayer-Abenteuer, für die PlayStation in den folgenden Jahren bekannt werden sollte.

Es folgten zwei durchaus respektable Nachfolger und zwischendrin mit Ratchet & Clank: Rift Apart noch ein fantastisches Abenteuer abseits des Marvel-Kosmos. Es lief also für das Studio. Eigentlich war klar, dass diese Reise weitergehen würde – und so kündigte Insomniac bereits 2021 das nächste Spiel rund um einen mindestens ebenso großen Fanliebling an: Wolverine. Und wenn sich jemand dieser Figur annehmen kann, dann doch wohl die talentierten EntwicklerInnen aus Kalifornien.

Trotzdem sollte es ganze fünf Jahre dauern, bis das Spiel tatsächlich erscheint. Am 15. September ist es nun endlich so weit und die PlayStation 5 bekommt einen weiteren der wenigen echten Exklusivtitel – zumindest vorerst. Mit Wolverine schlägt Insomniac allerdings eine deutlich andere Richtung ein als noch mit Spider-Man.

Weg von der großen Open World, hin zu einer lineareren und erbarmungslosen Action-Erfahrung. Schon die bisherigen Trailer machten vor allem mit ihrem ziemlich exzessiven Einsatz von Gewalt auf sich aufmerksam.

Abgetrennte Gliedmaßen statt freundlicher Netzschwingerei – Wolverine macht schnell klar, dass hier ein anderer Wind weht. Wir konnten selbst die Krallen ausfahren und verraten euch in diesem Test, ob auch Wolverine zum nächsten Glanzstück in der ohnehin schon beeindruckenden Vita von Insomniac Games wird.

Narben heilen nicht immer

Wolverine kennen wir vor allem als festen Bestandteil der X-Men. Die X-Men, wie wir sie kennen, existieren hier allerdings nicht. An ihre Stelle tritt das sogenannte Team X, das vor vielen Jahren von Nathaniel Essex gegründet wurde. Am ehesten könnte man ihn als deutlich radikalere Version eines Charles Xavier beziehungsweise Professor X beschreiben. Sein erklärtes Ziel: Mutanten ein Zuhause und eine Zukunft geben – und gleichzeitig den Mutationen und dem mysteriösen X-Gen auf den Grund gehen.

Vor rund 30 Jahren war es auch Essex, der Logan alias Wolverine aus der Wildnis holte und ihm ein neues Zuhause gab. Dumm nur, dass Logan seine Erinnerungen verlor und sich an praktisch nichts aus seinem früheren Leben erinnern kann. Vielleicht ist das aber auch besser so.

Denn obwohl sein Körper dank seiner unglaublichen Regenerationsfähigkeiten nahezu jede Verletzung heilt, ist Logans Seele von Narben übersät, gegen die selbst sein Heilungsfaktor machtlos ist. Seine Vergangenheit lässt ihn nicht los – und im Laufe der Handlung beginnen wir Stück für Stück herauszufinden, was damals tatsächlich passiert ist.

Team X gegen Trask

Halt und einen gewissen Sinn findet Logan im Team X. Zu Beginn ist er gemeinsam mit Mystique und Sabretooth unterwegs. Ihr Ziel ist Bolivar Trask, der es sich zur Aufgabe gemacht hat, sämtliche Individuen mit dem X-Gen auszulöschen. In seinen Augen sind Mutanten eine Gefahr für die Menschheit – und er selbst derjenige, der sie davor beschützen muss.

Dafür unterhält Trask unter anderem seine eigene kleine Söldnertruppe: die Reaver. Ausgestattet mit futuristischer Technologie machen sie Logan und anderen Mutanten das Leben schwer und sorgen gleichzeitig dafür, dass Wolverine seine Krallen ziemlich regelmäßig ausfahren darf.

Wer sind hier eigentlich die Guten?

Anders als noch in den Spider-Man-Spielen steht die eigentliche Geschichte deutlich stärker im Mittelpunkt. Während man sich dort gerne stundenlang in den Aktivitäten der Open World verlieren und die Handlung auch einmal links liegen lassen konnte, folgt Wolverine einem wesentlich geradlinigeren Ansatz. Die Story wird dadurch prominenter inszeniert und wartet mit einigen Überraschungen auf, die sowohl Comic-Fans als auch Leute außerhalb der Marvel-Bubble abholen können.

Besonders interessant wird es, wenn das Spiel seine moralischen Fragen aufmacht. Wie weit darf man gehen, um die eigenen Ideale durchzusetzen? Heiligt der Zweck wirklich jedes Mittel? Und wer sind am Ende überhaupt die Guten und die Bösen?

Wolverine liefert darauf nicht immer einfache Antworten und bringt uns durchaus dazu, Logans eigene Taten und Entscheidungen zu hinterfragen. Gerade diese Grauzonen stehen der Figur hervorragend und verleihen der Geschichte deutlich mehr Gewicht, als man angesichts der ganzen fliegenden Körperteile zunächst vielleicht erwarten würde.

Krallen raus und rein ins Getümmel

Beim Gameplay und insbesondere beim Kampfsystem glänzt Wolverine mit am meisten. Logan ist ein klassischer Nahkämpfer und entsprechend direkt geht es zur Sache. Mit seinen Adamantium-Klingen malträtiert er alles, was sich ihm in den Weg stellt. Das Grundgerüst bleibt dabei relativ simpel: normale Angriffe, Sprintattacken zum nächsten Gegner, Spezialangriffe sowie Parieren und Ausweichen. Mehr braucht es aber auch gar nicht, denn das alles geht hervorragend von der Hand und fühlt sich extrem befriedigend an.

Und Wolverine wäre natürlich nicht Wolverine, wenn die Kämpfe zimperlich ausfallen würden. Blut fließt eimerweise, Gliedmaßen fliegen durch die Gegend und Logan schnetzelt sich teilweise regelrecht durch ganze Gegnerhorden. Gerade hier spielt Insomniac seine große Stärke aus. Fantastische Animationen, fließende Übergänge zwischen den Attacken und die enorme Wucht hinter jedem Treffer sorgen für unglaublich flüssige und fast schon süchtig machende Kämpfe.

Alternativ kann Logan auch seine leisere Seite zeigen und sich an Gegner anschleichen. Das funktioniert grundsätzlich ordentlich, wirkt neben dem hervorragenden Nahkampfsystem aber fast ein wenig wie die langweiligere Alternative. Warum lange verstecken, wenn man dem Gegner auch einfach direkt auf die Mütze geben kann?

Einmal um die halbe Welt

Abseits der Kämpfe fällt die Erkundung ausgesprochen linear aus. Dafür führen uns die einzelnen Abschnitte durch überraschend abwechslungsreiche Schauplätze. Vom fiktiven Insel-Stadtstaat Madripoor über die verschneiten Landschaften Kanadas bis in die verregneten Gassen Tokios bekommt das Auge einiges geboten. Eine Open World sollte man allerdings nicht erwarten – Wolverine führt uns ziemlich geradlinig von einem Schauplatz zum nächsten.

Sammelobjekte gibt es ebenfalls, sie bleiben aber eher Beiwerk. Übersehen kann man sie ohnehin kaum, schließlich blinken und leuchten sie teilweise so auffällig, als würden sie förmlich darum betteln, eingesammelt zu werden. Und damit wären wir bei einem Punkt, über den bei modernen Action-Adventures gerne diskutiert wird: Wolverine nimmt uns ziemlich stark an die Hand.

Eine Duftspur zeigt sehr häufig den Weg zum nächsten Ziel, während weiße Markierungen kaum Zweifel daran lassen, an welcher Wand geklettert oder über welche Kante gesprungen werden soll. Ganz so schlimm, wie die Hilfen hier teilweise dargestellt werden, empfand ich es allerdings nicht. Die Level sind ohnehin derart linear aufgebaut, dass es meistens sowieso nur eine sinnvolle Richtung gibt.

Quick-Time-Events sind auch interessant, diese lösen sich quasi von selbst und bei keiner oder falscher Eingabe werden sie auch „gelöst“. Und nein, die Option für automatische QTEs war natürlich deaktiviert.

Viel Hilfe – wenn man sie möchte

Darüber hinaus lassen sich zahlreiche weitere visuelle Hilfen optional aktivieren. Ob man solche Anzeigen mag oder nicht, bleibt natürlich Geschmackssache. Wer sie benötigt, bekommt hier allerdings viele Möglichkeiten geboten.

Generell verdient Insomniac für die umfangreichen Barrierefreiheitseinstellungen ein großes Lob. Die Auswahl ist wirklich hervorragend und ermöglicht es, zahlreiche Aspekte des Spiels an die eigenen Bedürfnisse anzupassen. Produktionen dieser Größenordnung dürfen sich davon gerne eine große Scheibe abschneiden.

Etwas zusätzliche Abwechslung bringen schließlich die sogenannten Albtraumtüren. Dahinter warten kleinere optionale Herausforderungen, meistens in Form von Kämpfen gegen besondere Gegner oder mehrere Wellen. Gelegentlich steht stattdessen ein kleiner Parcours auf dem Programm. Das ist eine nette Ergänzung für zwischendurch, mehr aber auch nicht.

Hollywood lässt grüßen

Neben den hervorragenden Kämpfen punktet Marvel’s Wolverine vor allem bei seiner Inszenierung. Die bewegt sich über weite Strecken tatsächlich auf Hollywood-Niveau. Besonders die spektakulären Verfolgungsjagden gehören zu den optischen Highlights und lassen es regelmäßig ordentlich krachen. Auch die wenigen Bosskämpfe sind dafür umso aufwendiger inszeniert und bleiben entsprechend im Gedächtnis.

Getestet wurde auf der PlayStation 5 Pro, wo das Spiel im Leistungsmodus konstant die angepeilten 60 FPS hält. Ähnlich soll es auch auf der normalen PlayStation 5 aussehen. Gerade bei den schnellen und teilweise völlig chaotischen Kämpfen ist die stabile Bildrate Gold wert. Diesen Modus würde ich auch im Vergleich zum „Wiedergabetreue“-Modus empfehlen, der nur 30 FPS anpeilt. Alternativ kann noch ein 120-Hz-Anzeigemodus gewählt werden. Mit eingeschalteten „VRR” können Spitzenwerte von 100 fps, in der Regel aber zwischen 70 und 80 fps, auf der PlayStation 5 Pro erreicht werden. Ein entsprechender Monitor oder Fernseher ist natürlich Voraussetzung.

Schön, brutal und butterweich

Auch grafisch zeigt Insomniac erneut, was das Studio aus der PlayStation 5 herausholen kann. Beleuchtung, Reflexionen und insbesondere die Gesichtsanimationen bewegen sich auf einem hervorragenden Niveau. Dazu gesellt sich schickes Raytracing, das gerade die ohnehin beeindruckenden Schauplätze noch einmal aufwertet.

Besonders Logan selbst sieht fantastisch aus. Haare, Bart und natürlich seine ikonischen Koteletten sind derart detailliert dargestellt, dass man gefühlt jedes einzelne Haar zählen könnte. Insomniac hat hier sichtbar viel Arbeit in seine Hauptfigur gesteckt – und das Ergebnis kann sich wirklich sehen lassen.

Technisch hinterließ das Spiel während meines gesamten Testzeitraums ebenfalls einen hervorragenden Eindruck. Bugs, Abstürze oder andere größere Probleme? Fehlanzeige. Kleinere Problemchen sollen laut Entwickler zusätzlich noch mit einem Day-One-Patch behoben werden.

Musikalisch bewegt sich Wolverine ebenfalls auf einem hohen Niveau. Der Soundtrack ist treibend, passend und unterstützt insbesondere die Action hervorragend. Ganz so stark im Gedächtnis wie einige Stücke aus Spider-Man bleibt er für mich allerdings nicht. Seinen Zweck erfüllt er trotzdem mehr als ordentlich.

Grummelig, direkt und irgendwie sympathisch

Die deutsche Synchronisation ist ein zweischneidiges Schwert. Besonders Logan und die anderen Mitglieder von Team X sind gut getroffen, während einige Nebenfiguren qualitativ doch merklich abfallen. Trotzdem ist es schön, dass überhaupt eine vollständige deutsche Vertonung vorhanden ist – bei einer Produktion dieser Größenordnung durfte man das allerdings auch erwarten.

Gerade Logans grummelige Art, wie wir sie aus Filmen, Serien und Comics kennen, fängt die deutsche Stimme erstaunlich gut ein. Der Mann hat nun einmal seine Laster, allen voran den Alkohol, trägt das Herz auf der Zunge und hält mit seiner Meinung selten hinterm Berg. Trotzdem – oder vielleicht gerade deshalb – bleibt Logan genauso sympathisch beziehungsweise unsympathisch, wie wir ihn kennen und lieben.

Fanservice bis in die Koteletten

Generell verneigt sich Insomniac vor zahlreichen Stationen aus Wolverines langer Geschichte. Unzählige Kostüme lassen sich freischalten und Comic-Fans dürften an jeder Ecke kleinere und größere Anspielungen entdecken. Selbst Verweise auf Spider-Man fehlen nicht. Gleichzeitig findet sogar die zeitgenössische Meme-Kultur ihren Platz. Stichwort: „Wolverine Remember“. Wer tief im Marvel-Kosmos steckt, bekommt hier einiges zu entdecken.

Beim Schwierigkeitsgrad stehen insgesamt fünf Stufen zur Auswahl, zusätzlich lassen sich einzelne Parameter noch einmal separat anpassen. Damit sollte für nahezu alle SpielerInnen etwas Passendes dabei sein. Auf dem normalen Schwierigkeitsgrad fällt das Abenteuer allerdings stellenweise sogar etwas zu leicht aus – gerade angesichts dessen, wie erbarmungslos Logan auf dem Bildschirm eigentlich zu Werke geht.

Kürzer, dafür ohne große Umwege

Wer in einem normalen Tempo spielt, sollte nach etwa 15 bis 17 Stunden den Abspann erreichen. Damit fällt Wolverine etwas kürzer aus als die Spider-Man-Abenteuer von Insomniac, wobei der Vergleich natürlich etwas hinkt: Schließlich verzichtet Logan komplett auf eine Open World und setzt stattdessen auf ein deutlich lineareres Erlebnis.

Für meinen Geschmack geht der Umfang damit vollkommen in Ordnung. Wer nach dem Abspann noch nicht genug vom Krallenschwingen hat, bekommt außerdem ein New Game+ spendiert und kann sich ein weiteres Mal durch Logans Abenteuer schnetzeln.

Diese Krallen hinterlassen Eindruck

Bildmaterial: Marvel’s Wolverine, Sony, Insomniac Games

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Titel	Star Wars Zero Company
	27. August 2026
	Electronic Arts
	27. August 2026
	Electronic Arts
	27. August 2026
	Electronic Arts
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	1.1
Entwickler	Bit Reactor, Respawn Entertainment
Genres	Rundenbasierte Taktik-Strategie
Texte
Vertonung

Das Star-Wars-Franchise erfreut sich nach wie vor extrem großer Beliebtheit, speziell unter Sci-Fi-Fans. Neben der Racer-Variante „Star Wars: Galactic Racer“, welche am 6. Oktober dieses Jahres erscheinen soll, haben wir mit der kürzlich erschienenen Taktik-Strategie-Variante Star Wars Zero Company erstmals sogar ein taktisches Star-Wars-Abenteuer im Stile eines XCOM erhalten.

Der US-amerikanische Entwickler und Strategie-Experte „Bit Reactor“ fungierte als Entwickler bei diesem vielversprechenden Projekt. Innerhalb dieses begabten Entwicklerteams befinden sich unter anderem auch ehemalige XCOM-, Gears-of-War- und Civilization-Entwickler. Für genügend Expertise, vor allem im Taktik-Genre, ist also bestens gesorgt.

Das auf Basis der leistungsstarken Unreal Engine 5 entwickelte Taktik-Strategiespiel erschien am 27. August für PS5, Xbox Series und PCs und in unserem ausführlichen Test verraten wir euch nun, ob sich ein Ausflug in taktische Star-Wars-Gefilde lohnt oder ob man sich diesen intergalaktischen Trip besser sparen sollte.

Das Ende der Klonkriege und die Ausrufung des Imperiums stehen bevor

In Star Wars Zero Company übernehmen wir die Rolle eines ehemaligen Offiziers der Republik, „Hawks“. Dieser befehligt nun eine Söldnertruppe gegen Ende der Klonkriege. Die Ausrufung des galaktischen Imperiums steht kurz bevor und unsere Spezialeinheit, die „Zero Company“, muss alles dafür tun, den Ausgang dieses verheerenden Krieges vielleicht doch noch zum Guten zu wenden.

Eines Tages erhält die Zero Company den Auftrag eine Separatistensekte aufzuspüren. Diese geheimnisvolle Sekte ist jedoch nicht das Einzige, mit dem sich unsere Gruppe aus Spezialisten herumschlagen muss. Auch eine geheimnisvolle Krankheit, die sogenannte „Schattenplage“, macht es unserem Trupp nicht gerade einfach, diese waghalsige Mission zu einem guten Abschluss zu bringen.

Unzählige waghalsige und äußerst gefährliche Missionen quer durch die Galaxis erwarten die Mitglieder der Zero Company. Aber genau dafür wurde diese Gruppierung ja schließlich auch gegründet.

Taktisches Vorgehen steht an erster Stelle

Bei Star Wars Zero Company handelt es sich um ein Taktik-Strategie-Abenteuer im Stile eines XCOM. Im Klartext heißt das, das Spiel wird in der Top-Down-Perspektive gespielt und die Spielrunden selbst laufen rundenbasiert ab.

Am Anfang einer jeden Runde hat man also eine bestimmte Anzahl an Zügen pro Charakter zur Verfügung. Sind diese Züge aufgebraucht, beendet man die Runde per Knopfdruck. Anschließend absolviert die KI, also die gegnerischen Einheiten, die zur Verfügung stehenden Züge.

Je nach Situation fallen diese mal mehr und mal weniger intelligent gewählt aus. Hier entscheidet natürlich auch der ausgewählte Schwierigkeitsgrad über die gewählten Entscheidungen, die die KI trifft. Hat man einen niedrigeren Schwierigkeitsgrad ausgewählt, fallen die Züge recht oft weniger geschickt aus, um es uns etwas leichter zu machen.

Speziell für das Star-Wars-Franchise ist ein Titel in diesem Genre also ein absolutes Novum. Viele Jahre träumten Star-Wars- und XCOM-Fans jedoch bereits von einer Kreuzung des Franchise und des Genres und nun haben wir diese Wunschfantasie mit Star Wars Zero Company endlich erfüllt bekommen. Und eines kann man getrost sagen: Diese Kombination passt wirklich wie die Faust aufs Auge.

Viele Upgrademöglichkeiten schaffen Raum für taktische Finesse

Zum ohnehin schon sehr taktisch ausgelegten Gameplay-System kommen noch eine Vielzahl an Upgrade- und Anpassungsmöglichkeiten hinzu. Zum einen haben wir natürlich stets die Möglichkeit, unseren Trupp anzupassen, verschiedene neue Agenten zu rekrutieren und sogar deren Beziehungen untereinander zu stärken, um den Zusammenhalt in der Gruppe noch weiter auszubauen. Das stärkt nicht nur jeden einzelnen Mitstreiter, sondern am Ende die gesamte Gruppe.

Obendrein haben wir jedoch auch die Möglichkeit, die Fähigkeiten unserer Crewmitglieder und sogar deren Bewaffnung anzupassen. Neben verschiedenen Waffenmodifizierungen können wir ebenfalls die Outfits unserer Gruppenmitglieder anpassen. Den kreativen und taktischen Entfaltungsmöglichkeiten sind also kaum Grenzen gesetzt.

Zwischen den fordernden Kämpfen schaltet das Spiel außerdem in die Third-Person-Perspektive. So fühlt sich das Spielgeschehen dann gleich noch eine Spur immersiver an. In diesem Third-Person-Modus können wir uns dann bis zum nächsten Kampfschauplatz durch das jeweilige Areal bewegen. Treffen wir allerdings wieder auf feindlich gesinnte Einheiten, schaltet das Spiel wieder in die Taktik-Perspektive. Ein interessanter Kniff, der den recht starren Taktik-Ansatz von Zero Company etwas auflockert und uns das Abenteuer nicht nur in der Taktik-Perspektive erleben lässt.

Zwischen den Missionen finden wir uns im Hub wieder

Unser Hauptquartier ist der Dreh- und Angelpunkt der Zero Company. Denn hier entscheiden wir wohlüberlegt, auf welche Mission wir uns als Nächstes begeben oder welche Mitstreiter wir auf diverse Zusatzmissionen aussenden, um weitere Ressourcen zu erhalten.

Sollte ein Mitstreiter während einer Mission mal schwerer verletzt werden, wird dieser auf unsere hauseigene Krankenstation geschickt. Die nun anstehende Genesungszeit können wir auf Wunsch und mit Hilfe des Einsatzes von Ressourcen sogar beschleunigen und somit abkürzen. Ein weiterer taktischer Kniff, den es jederzeit zu bedenken gilt.

Ebenso werden alle Anpassungsmöglichkeiten innerhalb des Hubs erledigt und ausgewählt. Auch halten sich unsere Crewmitglieder in diesem Hub auf. Zwischen den Missionen kann man mit diesen Mitgliedern dann sogar hin und wieder ein Pläuschen halten. Diese kurzen Unterhaltungen treiben die Geschichte teils weiter voran und verschaffen uns auch zusätzliche Informationen über die Mitglieder selbst.

Permadeath-Modus für hartgesottene Taktik-Fans

Für absolute Hardcore-XCOM- und Taktik-Fans haben die Entwickler von Bit Reactor etwas Besonderes eingebaut. Denn der sogenannte „Permadeath“-Modus sorgt nämlich dafür, dass verstorbene Charaktere unserer Gruppe auch tot bleiben. Das heißt: Verliert man einen Charakter auf und während einer Mission, ist dieser unwiderruflich ausgelöscht und kann auch nicht mehr wiederbelebt werden. Jede Entscheidung kann also weitreichende und einschneidende Folgen haben, die das zukünftige Spielgeschehen maßgeblich beeinflussen.

Dieser Modus sollte allerdings mit Bedacht gewählt werden, da man sich, speziell bei zu unüberlegtem Vorgehen, schnell den gesamten Spielverlauf ruinieren kann und theoretisch von Neuem beginnen muss, wenn man einen bestimmten Charakter am digitalen Leben erhalten möchte. Auf Wunsch kann der Permadeath-Modus aber natürlich auch deaktiviert werden.

Detaillierte und schön anzusehende Optik trifft auf störende Nachladeruckler

Die technische Seite von Star Wars Zero Company ist leider ein recht zweischneidiges Schwert. Zum einen sieht die Optik, die auf der Unreal Engine 5 basiert, wirklich toll und sehr detailreich aus. Die Spielwelten und Areale strotzen regelrecht vor kleinen Details. Die Liebe zum Detail merkt man dem Titel also quasi pausenlos an und die typische Star-Wars-Atmosphäre wird auch wunderbar transportiert.

Zum anderen wäre da allerdings noch die eher durchwachsene Performance, die das Spielgeschehen hin und wieder doch mal etwas ruckelig wirken lässt. Die Performance-Einbrüche sind allerdings keine typischen FPS-Drops, wie man im ersten Moment vielleicht meinen würde. Vielmehr handelt es sich um eine Art Nachladeruckler, wenn man beispielsweise im Spielareal voranschreitet. Interessant ist hierbei die Tatsache, dass wir die PS5- und die PC-Version testen konnten und beide Versionen dieselben Verhaltensmuster diesbezüglich an den Tag legen. Man kann also definitiv ausschließen, dass es sich um Ruckler aufgrund von eventuellen Hardwaredefiziten handelt.

Alles in allem sieht Star Wars Zero Company aber toll aus und spielt sich auch so. Die immer mal wieder auftretenden Ruckler müssten zwar nicht sein, stören den eigentlichen Gameplay-Ablauf aber im Endeffekt nicht. Dieses Problem könnten die Entwickler mit einem zukünftigen Patch natürlich auch noch verbessern oder sogar komplett in den Griff bekommen.

Kultiger Soundtrack, knallige Effekte und ordentliche Synchronisation ergeben ein ordentliches akustisches Gesamtbild

Wie üblich für ein Star-Wars-Videospiel darf natürlich auch bei Zero Company der absolut kultige und äußerst beliebte Star-Wars-Soundtrack nicht fehlen. Dieser untermalt die actionreichen Szenen stets wunderbar und lässt zu jeder Sekunde pures Star-Wars-Feeling aufkommen. So muss es sein.

Aber auch die toll abgemischten, knalligen und stets passenden Soundeffekte runden das Spielgeschehen stets wunderbar ab. Obendrauf gibt es noch eine ordentliche und sauber umgesetzte Synchronisation, die auch größeren Projekten in nichts nachsteht. Was will man als eingefleischter Star-Wars-Fan denn auch mehr?

Star Wars ist erfolgreich im Taktik-Strategie-Genre angekommen

Bildmaterial: Star Wars Zero Company, Electronic Arts, Bit Reactor, Respawn Entertainment

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Titel	Halo: Campaign Evolved
	28. Juli 2026
	Xbox Game Studios
	28. Juli 2026
	Xbox Game Studios
	28. Juli 2026
	Xbox Game Studios
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Halo Studios
Genres	Ego-Shooter
Texte
Vertonung

Um die Halo-Reihe wurde es speziell in den letzten Jahren sehr still. „Halo Infinite“, der letzte große Ableger der traditionsreichen Shooter-Reihe aus dem Hause Microsoft, ist bereits im Jahre 2021 erschienen. Anschließend hielt man sich bei Microsoft, zum Ärger vieler Fans, ziemlich bedeckt, was die Zukunft der Reihe rund um den grünen Supersoldaten Master Chief anbelangt.

Erst im Oktober des Jahres 2024, als der bisherige Entwickler „343 Industries“ bekanntgab, dass man fortan unter dem neuen Namen „Halo Studios“ weiterhin an zukünftigen Titeln der Reihe arbeiten möchte, wurden Spekulationen rund um neue Halo-Titel lauter. Als ein Remake des ersten Teils, welcher ursprünglich im Jahre 2001 für die erste Xbox erschienen war, immer konkreter wurde, waren die Fans natürlich völlig aus dem Häuschen und hofften auf ein großes Comeback des Master Chiefs.

Am 28. Juli ist es nun endlich so weit und das vollwertige Remake des ersten Teils, welches auf Basis der leistungsstarken Unreal Engine 5 entwickelt wurde, erscheint für Xbox Series und PCs.

Das wohl mit Abstand größte Highlight ist jedoch die Tatsache, dass das Remake nun sogar zum allerersten Mal auf einer Sony-Konsole erscheint. Denn nun dürfen wir Halo: Campaign Evolved, wie das Remake nun heißt, sogar auf PlayStation 5 genießen. Ein Meilenstein in Sachen Halo-Geschichte und ein großer Schritt für Microsoft.

Ob das vielversprechende Remake auch heute noch so viel Spaß macht wie damals im Jahre 2001, erläutern wir euch natürlich wie immer in unserem ausführlichen Test.

Ein erbitterter Konflikt gerät völlig aus den Fugen

Die Geschichte von Halo: Campaign Evolved spielt in einer fernen Zukunft, in welcher die Menschheit bereits die Technologie für Lichtsprünge erforscht hat. Auch zuvor weit entfernte Ziele in der Galaxis sind nun binnen weniger Sekunden zu erreichen. Dies ermöglicht es der menschlichen Rasse, auch andere Planeten zu bereisen und zu kolonisieren.

Als die „Covenant“, eine den Menschen feindlich gesinnte Alienrasse, einen heiligen Krieg gegen die Menschheit ausruft, setzen die Menschen die sogenannten „Spartans“, eine in jeder Hinsicht überlegene Kampfeinheit von Supersoldaten, gegen die Covenant ein, um letztendlich überhaupt eine Chance gegen die schier übermächtigen Gegner zu haben.

Im Jahre 2552 greifen die Covenant schließlich den Planeten „Reach“ an, ein zentraler militärischer Stützpunkt der Menschen. Durch diesen fatalen Angriff wurde die Kolonie der Menschheit fast vollständig ausgelöscht. Das Sternenschiff, die „Pillar of Autumn“, konnte jedoch im letzten Moment fliehen und mit ihm der letzte Hoffnungsschimmer der Menschheit – der letzte verbliebene Spartan. Dieser trägt den Namen „Master Chief Petty Officer John-117“ und ist quasi unser Hauptcharakter und der wichtigste Charakter im gesamten Halo-Universum. Von hier aus beginnt die tragische Geschichte rund um einen erbitterten Kampf zwischen zwei Rassen und den letzten Hoffnungsschimmer der gesamten Menschheit, den Master Chief.

Wegweisender Shooter, der dem Genre viele Türen und Tore öffnete

Halo: Campaign Evolved ist die logische Weiterentwicklung von Halo: Combat Evolved, dem Original aus dem Jahre 2001. Halo: Combat Evolved öffnete schon damals viele Türen und Tore und machte das Shooter-Genre speziell auf Konsolen überhaupt erst so richtig salonfähig.

Viele Features wie beispielsweise Autoaiming wurden durch den Microsoft-Shooter überhaupt erst so richtig im Genre etabliert und zeitgleich auch quasi schon fast perfektioniert. Also ein großer Titel für das Shooter-Genre, sowohl was technische Features als auch die optische und atmosphärische Präsentation im Allgemeinen betrifft.

Das grundlegende Gameplay von Halo: Campaign Evolved ist dabei jedoch eigentlich recht simpel gehalten. In, zumindest für einen Shooter, relativ großen Arealen kämpfen wir uns von Areal zu Areal, stets auf der Suche nach dem nächsten markierten Missionspunkt. Auf unserem Weg dorthin dürfen wir uns auch hinter das Steuer von allerlei Fahrzeugen klemmen.

Neben dem „Warthog“, einem gepanzerten Geländefahrzeug, können wir auch diverse Raumgleiter kapern und steuern. Erstmals kombinierte Halo die Genrezüge eines Shooters mit typischen Open-World-Elementen, wie beispielsweise der Übernahme von Fahrzeugen. Dass dies einwandfrei funktionierte und auch äußerst gut von der Spielerschaft aufgenommen wurde, zeigt der enorme Erfolg, den die Halo-Reihe bis heute vorweisen kann.

Auf der Höhe der Zeit

Auch in Sachen Vielfalt, was die Locations anbelangt, braucht sich Halo: Campaign Evolved nicht vor der neuzeitigen Genrekonkurrenz verstecken. Alles in allem wirkt der Titel also auch heute noch sehr gut spielbar und bis auf die etwas angestaubte Levelstruktur, die heutzutage eben anders gemacht wird als damals, kann man Halo: Campaign Evolved nur wenig Negatives vorwerfen.

Im Kern ist und bleibt Halo: Campaign Evolved ein Shooter, wie man es von einem Vertreter dieses Genres auch erwarten würde. Es wird viel geballert, viele Granaten geworfen und speziell dem Hauptaugenmerk der Halo-Reihe, dem Nahkampf, wird ordentlich gefrönt. Der Nahkampf war und ist ein fester Bestandteil der Kampfmechanik eines jeden Halo-Titels und schon fast unverzichtbar, um den Covenant in hitzigen Situationen den letzten Rest zu geben. Einfach befriedigend und erfüllend.

Grafisch nun in die Moderne transportiert – ein Augenschmaus

Speziell die aufgebohrte Optik liegt bei einem Remake dieser Art und Klasse natürlich absolut im Fokus. Halo: Campaign Evolved setzt daher auf die Unreal Engine 5. Diese ermöglicht es den Entwicklern, unglaublich detaillierte Landschaften mit schier endloser Weitsicht auf den Bildschirm zu zaubern. Dennoch bleibt das hektische Kampfgeschehen stets flüssig und sieht dabei auch noch verdammt gut aus. So muss sich ein Remake anfühlen und aussehen.

Die schönen Landschaften werden zudem von tollen Licht- und Partikeleffekten abgerundet. Das Gesamtbild stimmt hier einfach absolut und durch die neue Optik hat man schon fast das Gefühl, man würde einen Shooter der Neuzeit spielen.

Im Performance-Modus hält Halo: Campaign Evolved außerdem stets die flüssigen 60 Frames. Einbrüche habe ich während der Testsession auf einer Standard-PS5-Konsole nie feststellen können. Der Qualitäts-Modus mit verbesserten Raytracing-Effekten senkt die Frames auf magere 30 ab. Auch PS5-Pro-Nutzer müssen im Qualitäts-Modus mit niedrigeren Frames leben, erhalten dafür im Gegenzug aber noch bessere Raytracing-Effekte.

Gänsehaut-Soundtrack gepaart mit tollen Effekten und stabiler Synchronisation

Neben dem klassischen und absolut kultigen Halo-Soundtrack, den wohl jeder Gamer kennen wird, gibt es auch schmetternde Soundeffekte und eine absolut ordentliche Synchronisation auf die Ohren. Speziell während der brachialen und stets hämmernden Feuergefechte dreht der Sound so richtig auf und man fühlt sich schon fast, als würde man gerade selbst auf dem intergalaktischen Schlachtfeld stehen und um die Zukunft der gesamten Menschheit kämpfen.

Allen voran die Waffensounds wurden wirklich toll überarbeitet. Die ohnehin schon wuchtigen Schießeisen haben nun nochmal eine ganze Ecke mehr Power. Zumindest akustisch. Ein Fest für die Sinne, könnte man sagen, und auch für Hardcore-Halo-Fans eine erneute Runde wert.

Online-Multiplayer leider nur in abgespeckter Form enthalten

Der für mich mit Abstand größte Negativpunkt ist das Fehlen eines konkreten Online-Mehrspielermodus. Den hatte das Original aus dem Jahre 2001 zwar auch nicht, aber im Jahre 2026 könnte man so etwas von einem Remake dieser Art schon erwarten.

Lediglich ein Online-Koop-Modus, der wahlweise auch auf der heimischen Couch spielbar ist, ist vorhanden. Hier hat man dann quasi die Möglichkeit, die Kampagne mit einem Freund oder Bekannten zu erleben. Besser als nichts, möchte man meinen, aber dennoch weit hinter den eigentlichen Möglichkeiten. Da der Mehrspielermodus für jeden Halo-Teil quasi essenziell ist, muss dieser Umstand auf jeden Fall deutlich erwähnt werden.

Der Master Chief ist zurück und lässt es ordentlich krachen

Bildmaterial: Halo: Campaign Evolved, Xbox Game Studios, Halo Studios

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Titel	Splatoon Raiders
	23. Juli 2026
	Nintendo
	23. Juli 2026
	Nintendo
	23. Juli 2026
	Nintendo
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Nintendo
Genres	Action, Shooter
Texte
Vertonung	–

Als Splatoon 2015 auf der Wii U erschien, ahnte wohl kaum jemand, dass sich Nintendo damit eine seiner erfolgreichsten neuen Marken der vergangenen Jahre aufbauen würde. Vor allem in Japan entwickelte sich die Reihe schnell zu einem riesigen Erfolg, doch auch im Westen gewann sie mit jedem Ableger mehr Fans hinzu. Entsprechend folgten 2017 und 2022 mit Splatoon 2 und Splatoon 3 zwei Nachfolger für die Nintendo Switch. Eines hatten allerdings alle Teile gemeinsam: Der Multiplayer stand stets klar im Mittelpunkt.

Zwar besaß jeder Serienteil auch einen Story-Modus, dieser war jedoch meist nach wenigen Stunden abgeschlossen. Das war allerdings nie wirklich ein Problem. Im Gegenteil: Viele SpielerInnen freuten sich sogar auf diese kurzweiligen Einzelspieler-Kampagnen. Kleine Rätsel, abwechslungsreiche Level, das spielerische Heranführen an die wichtigsten Mechaniken, spektakuläre Bosskämpfe und natürlich die gewohnt mitreißende Musik machten den Reiz aus.

Nintendo wusste offenbar selbst, wie beliebt dieser Teil der Reihe war. Nicht umsonst spendierte man Splatoon 2: Octo Expansion und Splatoon 3: Side Order jeweils umfangreiche Einzelspieler-Erweiterungen – insbesondere die Octo Expansion zählt für viele Fans bis heute zu den besten DLCs, die Nintendo je veröffentlicht hat.

Mehr als nur ein Tutorial?

Mit Splatoon Raiders wagen die Inklinge und Oktolinge nun ihren ersten großen Auftritt auf Nintendos neuer Hardware – und erstmals scheint sich ein Ableger vollständig dem Einzelspieler zu verschreiben. Auf dem Papier klingt das nach genau dem Spiel, das sich viele Fans der Kampagnen seit Jahren gewünscht haben.

Ob Nintendo den besonderen Charme der bisherigen Story-Modi tatsächlich auf ein vollwertiges Abenteuer übertragen kann und ob der Geist vergangener Splatoon-Einzelspieler-Abenteuer auch diesmal wieder eingefangen wird, klären wir in diesem Test.

Schatzsuche im Salmoniden-Revier

Gemeinsam mit dem Surimi Syndicate – bestehend aus Mako, Muri und Mantaro – macht sich unsere Spielfigur als Mechaniker beziehungsweise Mechanikerin auf die Jagd nach wertvollen Schätzen. Das Ziel sind die geheimnisvollen Spiralit-Inseln, doch schon kurz nach der Ankunft nimmt das Abenteuer eine unerwartete Wendung. Das Team stürzt ab und strandet auf einer zunächst idyllisch wirkenden Inselgruppe.

Ganz so verlassen, wie sie auf den ersten Blick erscheinen, sind die Inseln allerdings nicht. Die Region wird von den Salmoniden bewohnt, die wenig Interesse daran haben, Fremde ungestört ihre Schätze bergen zu lassen. Fans der Reihe dürften die unterschiedlichen Kreaturen sofort wiedererkennen, schließlich spielten sie bereits im kooperativen Salmon Run aus Splatoon 2 und 3 eine zentrale Rolle.

Mehr Lore statt großer Dramatik

Unser Ziel ist es, möglichst viele Schätze zu bergen und gleichzeitig einen Weg zurück in die Zivilisation zu finden. Die eigentliche Handlung bleibt dabei allerdings eher Nebensache. Im Verlauf der Reise erfährt man zwar mehr über die drei Mitglieder des Surimi Syndicates und stößt auf eine geheimnisvolle Bedrohung, die sich im Auge des Sturms über den Spiralit-Inseln zusammenbraut, echte Überraschungen bleiben jedoch aus.

Eine tiefgründige Geschichte sollte hier ohnehin niemand erwarten. Stattdessen erzählt Raiders seine Hintergrundgeschichte überwiegend über versteckte Hinweise in der Spielwelt selbst, die immer wieder interessante Details liefern und stellenweise Verbindungen zu den vorherigen Spielen herstellen. Wer sich aufmerksam umschaut, entdeckt hierbei einige spannende Lore-Häppchen – der eigentliche Grund, warum man Raiders spielt, ist die Geschichte am Ende aber trotzdem nicht.

Bewährte Stärken mit überraschend viel Tiefe

Spielerisch läuft Splatoon Raiders zur Höchstform auf. Das bewährte Gunplay und die einzigartige Fortbewegung der Reihe kehren in Bestform zurück. Mit zahlreichen Waffen und Waffentypen sowie dem fließenden Wechsel zwischen „menschlicher“ Gestalt und Tintenfischform fühlen sich Veteranen sofort zuhause. Durch die eigene Tinte zu schwimmen, blitzschnell Positionen zu wechseln und Gegner einzufärben funktioniert auch auf Nintendos neuer Hardware gewohnt hervorragend.

Eigentlich bin ich kein großer Fan von Bewegungssteuerung, das war bei Splatoon aber schon immer anders. Auch in Raiders war es für mich das Mittel der Wahl und hat sehr gut funktioniert.

Neu hinzu kommen die sogenannten Gimmicks – eine Art Sekundärwaffe, die an drei unterschiedliche Tank-Typen gebunden ist: Tempo, Kraft und Technik. Je nach Wahl stehen völlig unterschiedliche Fähigkeiten zur Verfügung. Ob stationärer Geschützturm, schneller Dash, mächtige Schockwelle oder schützende Farbblasen – die Möglichkeiten unterscheiden sich deutlich und eröffnen zahlreiche Spielstile. Über zusätzliche Gimmick-Mods lassen sich diese Fähigkeiten weiter anpassen, wodurch überraschend viele Build-Kombinationen entstehen.

Ein Gameplay-Loop mit Suchtpotenzial

Auf den Missionen ist man außerdem nie allein unterwegs. Stets begleitet euch ein frei wählbares Mitglied des Surimi Syndicates, das euch im Kampf unterstützt und außerhalb der Gefechte besondere Fähigkeiten beisteuert. So ermöglichen die Begleiter beispielsweise besonders hohe Sprünge oder helfen dabei, Gegner unter Druck zu setzen. Dadurch fühlen sich die Ausflüge angenehm dynamisch an und lockern das Gameplay zusätzlich auf.

Einen großen Anteil am Spielspaß hat außerdem die motivierende Progression. Waffen, Gimmicks, Tanks und sogar die eigenen Charakterwerte lassen sich nach und nach verbessern. Jeder Durchlauf bringt neue Materialien und Erfahrungspunkte, sodass man selbst nach einer Niederlage das Gefühl hat, dauerhaft stärker zu werden. Genau dieser Gameplay-Loop entwickelt einen enormen Sog. Kaum ist ein Run beendet, möchte man direkt den nächsten starten, um weitere Upgrades freizuschalten oder eine neue Kombination auszuprobieren.

Wer bereits viele Stunden im Salmon Run verbracht hat, wird sich in Raiders sofort heimisch fühlen. Das gilt allerdings sowohl für die Stärken als auch für die Schwächen. Die Kämpfe können mitunter ausgesprochen hektisch und unübersichtlich werden, wenn sich Gegner aus allen Richtungen auf einen stürzen. Mich persönlich störte das kaum, da die Balance insgesamt gelungen wirkt und die Gefechte dauerhaft ein angenehmes Maß an Spannung erzeugen, ohne unfair zu werden.

Inselhopping mit gewohntem Splatoon-Charme

Auf eine offene Spielwelt verzichtet Splatoon Raiders. Stattdessen wählt man von einer Oberwelt aus verschiedene Missionen an und springt von Insel zu Insel, stets auf der Suche nach neuen Schätzen. Neben klassischen Erkundungsmissionen warten auch Rätselräume, die sich jeweils um ein bestimmtes Gimmick drehen und mit überraschend kreativen Ideen aufwarten.

In den Tiefenruinen stehen dagegen mehrere Gegnerwellen unter Zeitdruck auf dem Programm, ehe am Ende stets ein Bosskampf wartet. Gerade diese Abschnitte können den Schwierigkeitsgrad ordentlich anziehen. Zusätzlich verstecken sich in einigen Leveln Sammelobjekte, mit denen weitere Herausforderungen freigeschaltet werden. Wer also gerne jeden Winkel absucht, kommt ebenfalls auf seine Kosten.

Technisch ein Volltreffer

Technisch hinterlässt das Spiel einen sehr guten Eindruck. Während des gesamten Tests lief Splatoon Raiders auf der Nintendo Switch 2 mit konstanten 60 Bildern pro Sekunde. Selbst in besonders chaotischen Gefechten mit zahlreichen Gegnern und Farbeffekten bleibt das Geschehen angenehm flüssig – ein großer Pluspunkt für das schnelle Gameplay. Zwar gehört Raiders nicht zu den detailreichsten Spielen auf der Konsole, den unverwechselbaren Splatoon-Look fängt Nintendo aber erneut hervorragend ein. Bugs, Abstürze oder andere technische Probleme sind mir während der gesamten Testphase nicht begegnet.

Auch musikalisch bleibt sich die Reihe treu. Der Soundtrack reicht von experimentellen Klängen bis hin zu treibenden Rock- und Elektro-Stücken, die die Gefechte perfekt untermalen. Fans der Serie wissen zudem, dass Splatoon seine größten musikalischen Highlights traditionell für das Finale aufspart – und auch Raiders bildet hier keine Ausnahme. Gerade die letzten Spielstunden werden von einem spektakulären Soundtrack begleitet, der den ohnehin gelungenen Abschluss noch einmal deutlich aufwertet.

Kompakter Umfang, gelungener Koop

Insgesamt stehen drei Schwierigkeitsgrade zur Auswahl, zwischen denen jederzeit gewechselt werden kann. Auf der normalen Stufe, die den Namen Raider trägt, bleibt das Abenteuer über weite Strecken angenehm ausbalanciert und gut machbar. Erst kurz vor dem Finale fällt ein kleiner Balancing-Ausreißer auf: Die Gegner werden plötzlich deutlich stärker, sodass ein paar zusätzliche Runden zum Sammeln von Materialien und Erfahrungspunkten fast schon notwendig sind. Kein großes Problem, aber ein kleiner Makel auf einer ansonsten sehr sauberen Paintball-Weste.

Mit rund zehn Stunden Spielzeit fällt die Kampagne vergleichsweise kompakt aus. Wer wirklich jede Mission, alle Sammelobjekte und optionalen Herausforderungen mitnimmt, dürfte nach etwa zwölf bis vierzehn Stunden alles gesehen haben. Vermutlich auch deshalb verlangt Nintendo zumindest digital nicht den vollen Kaufpreis. Wer ein riesiges Adventure erwartet, wird hier also nicht fündig – Fans kurzweiliger Action-Abenteuer hingegen schon.

Obwohl Splatoon Raiders klar als Einzelspieler-Erlebnis konzipiert wurde, lassen sich fast alle Missionen auch gemeinsam mit bis zu drei weiteren SpielerInnen absolvieren. Die Gegner passen sich dabei automatisch an die Gruppengröße an. Zusätzlich kann jederzeit Hilfe angefordert oder anderen SpielerInnen unter die Arme gegriffen werden, falls eine Mission einmal zu knifflig wird.

Mehr davon, bitte!

Bildmaterial: Splatoon Raiders, Nintendo

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Titel	Denshattack!
	15. Juli 2026
	Fireshine Games, Boltray Games
	15. Juli 2026
	Fireshine Games, Boltray Games
	15. Juli 2026
	Fireshine Games, Boltray Games
System	PS5, Xbox Series, Switch 2, Steam
Getestet für	PC (Steam)
Entwickler	Undercoders
Genres	Action, Abenteuer
Texte
Vertonung

Denshattack! ist so bunt und verrückt, dass das Spiel sogar während einer Nintendo Direct auffällt. Ein Zug, der quer durch Japan rast, gegen Gundam-style Transformer-Züge kämpft, dabei Riesenräder als Behelfsgleise nimmt und zwischendurch bessere Trickjumps hinlegt, als es Tony Hawk zu seinen besten Zeiten gekonnt hätte, fällt einfach sofort ins Auge.

Kein Wunder war das „Rail-Action-Adventure“ sofort bekannt wie ein bunter Zug mit Katzenohren und war für uns das Signal, den Test mit Maximalgeschwindigkeit durchzuführen. Um die unvermeidliche Frage direkt vorab zu beantworten: Ja, der Zug hat eine Bremse. Er setzt sie aber nur selten ein.

Clear the tracks, I’m a train!

Die Story ist schnell erzählt: Nach einer Klimakatastrophe leben die Reichen in luftreinigenden Kuppelstädten; außerhalb herrscht Verfall und Gesetzlosigkeit. In dieser Welt ist Hauptcharakter Emi eine Lieferantin – bei einer Ramen-Lieferung (was auch sonst?!) erfährt sie von Denshattack – einer Gruppe von Gesetzlosen, die auf stillgelegten Gleisen ihre Konflikte austrägt und so die Hoheit über Gebiete Japans erlangt. Denn die eigentlichen Gleise werden von der mächtigen Miraido‑Corporation kontrolliert, sodass Personen und Waren schnell an ihr Ziel kommen.

Also wird der eigene Zug aufgemotzt, mit Graffiti gestylt und die Gebiete von Kyūshū bis Hokkaidō bereist. Währenddessen gibt es Auseinandersetzungen mit den jeweiligen Gangs, um die Gleise in Zukunft nutzen zu dürfen.

Auf der Reise freundet ihr euch mit vielen Leuten an, macht Denshattack-Fans zu Guides, ehemalige Diplomatensöhne zu Freunden und verbündet euch mit anderen Gangs, um am Ende gewappnet zu sein für die Liberalisierung des Gleisverkehrs – und vielleicht sogar noch viel mehr. Denn wer die Gleise nicht frei macht, wird einfach weggerammt.

Grinden über die Rainbow Rail

Das Spielprinzip ist so einfach wie fesselnd: Mit einem ordentlichen Grundstock an Fähigkeiten startet ihr den Zug – springen, bremsen, hupen, driften, Trickjumps, grinden, stampfen – und das alles am besten als lange Kombo.

Am Anfang ist das etwas überfordernd, besonders wenn man die frühen 2000er mit Jet Set Radio und Tony Hawk’s Pro Skater nicht miterlebt hat. Doch nach ein bis zwei Stunden geht es durch ständige Wiederholungen langsam in Fleisch und Blut über.

Durch die rasante Raserei durch das stilisierte Japan verliert man auch schon mal die Übersicht. Zum Glück helfen hier Anzeigen im Stile von Quick-Time-Events, die nötigen Eingaben nicht zu verpassen. Manche Strecken übertreiben es damit ein wenig – es fühlt sich dann fast so an, als ob man mehrere Minuten hintereinander Quick-Time-Events aneinanderreiht, unterbrochen von verrückten Grafiken, Animationen und wilden Grinds. Wer sich bei den Kombos geschickt anstellt, schaltet eine zusätzliche Gleisspur in Regenbogenfarben frei.

Treffen sich ein Zug, eine Unterwasser-Bahn, eine Monorail, eine Hängehochbahn und ein Vakuumzug in der Halfpipe zum Grinden …

Denshattack! ist wie ein nicht enden wollender Fiebertraum. Die Riesenräder als Behelfsgleise wurden bereits erwähnt, aber ein echter Denshattack-Zug lässt sich auch von Seen nicht aufhalten und kann auch wunderbar auf Schienen in der Luft fahren.

Im Notfall hängt er sich eben in eine Schiene in der Luft und schwingt sich von Seite zu Seite, um Hindernissen auszuweichen. Wenn das nicht reicht, muss eine Hauswand für einen Wallride herhalten, von der man geschickt auf das nächste Gleis springt. Wenn in Großstädten die Glaskuppel im Weg ist, wird diese in bester Actionfilm-Manier durchbrochen, nur um die lokalen Züge von der Schiene zu rammen und den Anwohnern spektakuläre Tricks zu präsentieren – gerne auch während einer Kabuki-Theatervorstellung.

Gelegentlich ist es auch nötig, den Zug gezielt zum Entgleisen zu bringen – etwa, wenn ein Gang-Vorsteher seinen Zug mit hunderten Flammenwerfern aufgemotzt hat und im Tunnel aus eurem Zug eine Ersatzteilsammlung machen möchte.

Spielerisch zwischen Jet Set Radio, 3D-Sonic und Mobile-Games

Die Zwischenbosse werden in reinster Sonic-Manier präsentiert. Wegrennen vor großen Hindernissen, gefühlt endloses Rail-Grinden, wechseln zwischen den Spuren, Weichen aktivieren, Trickjumps durchführen und vieles mehr ist nötig, um die Zwischenbosse zu beseitigen.

Oft geht es auch in Richtung des Mobile-Spiels Sonic Dash: Mehrere Spuren, viele Hindernisse und der Boss wirft Objekte nach euch, die ihr durch gut getimte Tricks auf ihn zurückschlagen müsst. Mit der Zeit wird es jedoch etwas repetitiv – die verrückte Story und die hübsch gestaltete Umgebung trösten jedoch darüber hinweg, dass die klassische Arcade-Action nicht in jedem einzelnen Level begeistern kann.

Dazu kommt, dass manche Spielabschnitte – insbesondere diejenigen mit vielen Quick-Time-Events – etwas hektisch werden und daher die entsprechenden 10–30 Sekunden häufiger wiederholt werden müssen.

Weniger reden, mehr Denshattack!

Manches an Denshattack! ist fast schon schmerzhaft Retro. Nicht nur die Highscorejagd und die versteckten Sammelelemente im Level erinnern an die alten Zeiten. Auch die Oberwelt mit ihren einzelnen Leveln wird dargestellt, wie wir sie seit langer Zeit aus den 2D-Mario-Spielen kennen.

Die Hauptstory-Abschnitte werden in kleinen, im Anime-Stil gehaltenen Sequenzen gehalten, die Nebenabschnitte dagegen im Visual-Novel-Stil mit den für die späten 90er typischen, kurzen Sprachsamples und Geräuschen.

Anderes ist voll auf der Höhe der Zeit: Die vertonten Sequenzen haben bekannte Synchronsprecher, dazu wird man zum Start Kollaborationen mit bekannten VTubern wie Ironmouse starten, die Besonderheiten im Spiel freischalten. Die Musik passt sehr gut zu den actiongeladenen Rennen und motiviert für die nächste Runde.

Was für ein wilder Ritt!

Bildmaterial: Denshattack!, Fireshine Games, Boltray Games, Undercoders

Der Beitrag Im Test! Denshattack! – dieses verrückte Zug-Abenteuer ist ein Muss für Fans der Dreamcast-Ära erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Star Fox
	25. Juni 2026
	Nintendo Co., Ltd
	25. Juni 2026
	Nintendo of America
	25. Juni 2026
	Nintendo of Europe
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Velan Studios
Genres	Shooter
Texte
Vertonung

Vor 29 Jahren erschien Star Fox 64 für den Nintendo 64, in Europa als Lylat Wars bekannt. Dieses Spiel war bereits quasi ein Reimagining von Star Fox auf dem SNES, welches in Europa als Starwing bekannt war. Auf dem Nintendo 3DS erschien mit Star Fox 64 3D ein Port des Klassikers. Und nun erhalten wir exklusiv für Nintendo Switch 2 ein komplettes Remake des N64-Klassikers! Ob sich das lohnt, haben wir uns für euch einmal angeschaut.

Hilfe, Star Fox!

Die Geschichte des Remakes von Star Fox ist die gleiche wie im Original. Dr. Andross und der Rest des Lylat-Sternensystems befinden sich seit vielen Jahren im Krieg. Der Versuch von James McCloud, den verbannten Wissenschaftler zur Rechenschaft zu ziehen, endete in einem regelrechten Desaster. Sein Sohn, Fox McCloud, hat dann die Truppe seines Vaters übernommen. Diese gibt dem Spiel ihren Namen: Star Fox.

General Pepper, der Befehlshaber der Armee von Corneria, bittet nun Star Fox um Hilfe. Der Krieg soll endlich beendet werden und Star Fox soll sich als unabhängige Streitkraft um die Streitkräfte von Andross und anschließend auch um den Bösewicht selbst kümmern.

Im originalen Spiel gab es recht kurze Gespräche, welche die Story erzählten, in Form von Funksprüchen. Im Remake von Star Fox gibt es nun komplett animierte Zwischensequenzen. Diese zeigen wunderbar die Dynamik des Teams und bauen die Story des Spieles ein wenig aus. Dabei hilft auch der Holoviewer: Eine Option im Hauptmenü, in welcher ihr euch mehr Infos zu Schauplätzen, Charakteren und anderen Sachen anschauen könnt.

Die Zwischensequenzen sind sehr detailliert gestaltet und als Fan der Reihe seit Kindheitstagen hat es mir viel Freude bereitet, diese Helden aus meiner Kindheit in so hübschen Sequenzen zu sehen. Leider gibt es auch ein Aber, welches hoffentlich mit einem Update adressiert wird.

Die Zwischensequenzen spielen immer ab, auch wenn ihr das Spiel zum zwanzigsten Mal durchspielen wollt, um auf Highscorejagd zu gehen. Auch im Herausforderungs-Modus, wo man ja einfach nur die Challenges absolvieren möchte, kommen sie vor. Ihr könnt sie natürlich überspringen, dennoch fände ich es schöner, wenn die Stage einfach direkt losgehen würde, wenn ich das möchte. Star Fox ist im Grunde ein sehr Arcade-lastiges Spiel, weshalb die Zwischensequenzen einen dann doch auch aus dem Flow herausziehen könnten.

Ganz viel Pew Pew Pew!

In Star Fox übernehmt ihr die Kontrolle von Fox McCloud, welcher meist in seinem Arwing sitzt. Hierbei handelt es sich um ein sehr wendiges Raumfahrzeug. Dieses ist voll mit hochwertiger Technologie, sodass ein talentierter Pilot damit auch große Raumschiffe angreifen und gewinnen kann.

Euer Fahrzeug bewegt sich in den 16 Level alleine nach vorn. Ihr könnt auf Knopfdruck bremsen oder beschleunigen. Ganz berühmt ist die Barrel Roll – ein Flugmanöver, in welchem sich der Arwing schnell um die eigene Trommel dreht. Dies wird im Spiel genutzt, um gegnerische Geschosse abzuwehren. Außerdem könnt ihr einen Looping fliegen, um Gegenstände einzusammeln oder Feinde abzuschütteln.

In manchen Stages oder Boss-Kämpfen seid ihr frei in einem Gebiet. Dann könnt ihr sogar eine Wende fliegen. Dies und der Looping wurden auf das Steuerkreuz gelegt, um es einfach zu machen. Veteranen können aber auch die Tasten-Kombination aus dem Original einstellen.

Während ihr durch die Level fliegt, werden euch zahlreiche verschiedene Gegner entgegengeworfen. Diese bekämpft ihr mit dem Laser des Arwing. Der Laser lässt sich durch Aufsammeln von Power-ups verstärken. Doch Vorsicht! Wird euch ein oder beide Flügel zerstört, verliert ihr auch das Power-up.

Haltet ihr den Schuss-Knopf gedrückt, lädt sich ein Power-Schuss auf. Dieser kommt mit einer Lock-on-Funktion auf den nächsten Gegner, über den ihr das Fadenkreuz führt. Schießt nun den aufgeladenen Schuss los und ihr könnt somit direkt mehrere Feinde auf einmal besiegen. Dies bringt zusätzliche Punkte – und wir alle LIEBEN Extra-Punkte!

Viele Explosionen im All

Doch der Laser ist nicht die einzige Waffe im Repertoire von Star Fox. Ihr habt eine begrenzte Anzahl an B-Bomben. Diese könnt ihr in den Leveln finden und bei Gelegenheit auf eure Feinde abfeuern. Nutzt sie um eine große Menge an Feinden zu zerstören für mehr Punkte oder um einen Boss-Gegner schneller zu besiegen.

Die großen Boss-Feinde erwarten euch meist am Ende einer Stage. Jeder davon hat seine eigenen Angriffsmanöver und eigene Art, wie er besiegt werden muss. Am Anfang ist es noch recht einfach; schießt die Beine des Roboters weg und ballert ihm ordentlich was in den Rücken. Doch manch anderer Boss-Gegner benötigt mehr Finesse von euch. Die Boss-Kämpfe sind auch heute noch meine Highlights, da sie nicht nur pures Geballer benötigen für den Sieg.

Auf dem Weg zu den Bossen stellen sich euch Raumschiffe, ganze Flotten, merkwürdige Schmetterling-Roboter, Kampfjets oder sogar Meteoriten in den Weg. Für jeden Abschuss erhaltet ihr einen Punkt, manche Feinde geben mehr. Jede Stage vergibt eine Medaille, wenn ihr eine bestimmte Anzahl an Punkten habt. Ist eure Truppe jedoch nicht komplett, weil einer von den drei Gefährten von Star Fox abgeschossen wurde, bekommt ihr keine Medaille.

Es müssen schon alle Mitglieder des Teams anwesend sein! Achtet also auf deren Hilferufe und reagiert schnell. Sonst fällt derjenige für den Rest der Mission und die nächste Stage aus. Habt ihr in allen Leveln die Medaille erhalten, schaltet ihr einen höheren Schwierigkeitsgrad frei. Im einfachen Modus kommen eure Kameraden nach einem Abschuss im nächsten Level direkt zurück.

Es geht nicht nur geradeaus!

Das Besondere an Star Fox war und ist auch weiterhin die Möglichkeit, unterschiedliche Pfade durch das Lylat-System zu nehmen. Direkt schon im ersten Level gibt es zwei Ausgänge. Wie ihr den zweiten Boss findet, verrate ich euch nicht. Aber ich rate euch, auf Falcos Herausforderung einzugehen. Generell ist es durch die Gespräche der Kameraden ein wenig einfacher, die Konditionen für den alternativen Weg zu finden.

Um alle Pfade zu befliegen und alle Planeten zu sehen, benötigt ihr mehrere Spieldurchläufe. Und da sitzt dann auch der Kern von Star Fox: Spielt die Kampagne immer wieder durch, geht auf Highscorejagd und habt einfach Spaß. Das bedeutet aber auch: Die Kampagne ist nicht sehr lang. An einem Nachmittag bis Abend habe ich schon alle Planeten gesehen und mehrere Durchläufe gemacht, auch wenn ich nicht alle Kombinationen und Pfade bestritten habe. Wer also auf eine lange Kampagne in Star Fox hofft, welche emotional mitnimmt, der wird enttäuscht.

Die Kampagne, sowie den Herausforderungs-Modus, könnt ihr im Koop lokal oder über GameShare zusammen spielen. Dabei übernimmt eine Person die Rolle des Piloten und die andere dann das Geballer. Das ist eine spaßige Art und Weise, den Multiplayer einzubauen – meins ist es jedoch nicht so. Außerdem kann der Maus-Modus des Switch-2-Joy-Con verwendet werden. Das fand ich persönlich ganz grausig, aber vielleicht findet da jemand seinen Spaß mit. Für mich ein eher unnötiges Gimmick.

Nehmt ihr die Herausforderung an?

Habt ihr die Kampagne beendet, dann könnt ihr in den Herausforderungs-Modus und ich möchte mal ganz stark behaupten, dass Fans hier eine ganze Menge Spaß haben werden. Die Challenges beginnen auf Corneria recht einfach, schießt alle Ski-Bots ab oder zerstört alle Teile des Bosses.

Ihr müsst nicht alle Aufgaben in einem Run machen und habt ihr sie absolviert, schaltet ihr für die Stage die Experten-Herausforderungen frei. Dort haben mir schon bei der ersten Stage ganz schön die Ohren geschlackert. Den Boss in zehn Sekunden besiegen oder verhindern, dass Gebäude umfallen. Viel Spaß, liebe Experten! Ich bin dann da mal raus!

Das heißt: In allen 16 Leveln habt ihr zwölf Herausforderungen, die ihr meistern könnt. Wie bereits erwähnt, wäre es deswegen schön, wenn man die Intro-Cutscenes einfach ausschalten könnte. Seid ihr mit dem Herausforderungs-Modus fertig oder habt erstmal keine Lust, könnt ihr euch in den Schlacht-Modus stürzen! In diesem könnt ihr entweder mit anderen Spielenden gegen eine feindliche Gruppe antreten oder, so wie ich für den Test, gegen Bots spielen.

Im Schlacht-Modus gibt es drei Level. Auf Corneria gibt es ein bisschen King-of-the-Hill-Gameplay. Sprich: Ihr müsst für eine gewisse Zeit alleine in einem Gebiet sein, um Punkte zu erhalten. Betritt ein Gegner das Gebiet, hält die Progress-Leiste an und ihr müsst den Feind ausschalten. Generell solltet ihr das machen, denn es gibt dafür natürlich Punkte – und wer am Ende des Matches die meisten davon hat, gewinnt.

Spannende Dogfights?

Ihr könnt hier sogar, anders als in der Kampagne, einen Piloten aussuchen. Spielt Fox, Falco, Slippy oder Peppy von Star Fox oder schlüpft in die Rolle der Bösewichte von Star Wolf; Pigma, Leon, Andrew und der namensgebende Wolf. Ihr könnt noch verschiedene Einstellungen vornehmen wie Spielzeit, ob die Events wie der King-of-the-Hill-Modus überhaupt vorkommen, das Tempo der Flugzeuge und vieles mehr. Wenn hier mehrere Freunde das Spiel haben und man so gegeneinander oder miteinander Flugzeuge wegfetzt, ist das sicherlich ein spaßiges Erlebnis.

Auf der zweiten Stage, Fichina, kämpft ihr mit dem gegnerischen Team um Meteoriten und deren Energie. Ballert die Steine aus dem All ab und sammelt deren Energie auf! Wer als Erstes die Leiste füllt, erhält Punkte. Mein liebster Modus war aber im Sektor Y. Dort tauchen während der Kämpfe Piraten auf, welche Fracht klauen. Diese müsst ihr euch schnappen und in euer Mutterschiff bringen. Als Star Fox rettet ihr die Fracht natürlich, während Star Wolf diese stehlen möchte. Im Großen und Ganzen wird man sicherlich, wenn man Bock darauf hat, im Schlacht-Modus noch einiges an Zeit verbringen können.

In allen Modi könnt ihr Symbole und Hintergründe für euren Schlacht-Banner freischalten und diesen gestalten. Ein … sehr interessantes Gimmick ist außerdem die Möglichkeit, Avatare für eure Kamera im GameShare freizuschalten. Ihr wolltet schon immer das Gesicht von Fox McCloud tragen? Das geht nun! Die Kamera erfasst eure Kopf-, Augen- und Mundbewegungen und stellt diese mit dem jeweiligen Avatar dar. Dafür, dass es nur eine Spielerei für GameShare ist, gibt es echt viele Avatare!

Ein grafisches Update, das für Kontroverse sorgt

Star Fox auf Nintendo Switch 2 ist ein richtig hübsches Spiel. Am TV sieht es knallig aus, die Explosionen sind top, es läuft butterweich und flüssig. Besonders Solar hat mich mit seinen tollen Lava-Effekten überzeugt. Im Handheld-Modus ist das Spiel dann nochmal eine Ecke beeindruckender. Wie schön so ein Spiel mobil aussehen kann!

Dank der Leveldauer ist das Spiel auch perfekt für die ein oder andere Runde unterwegs. Vor allem die Planeten, auf denen Dogfights stattfinden, die früher total karg und langweilig waren, sind nun richtig hübsch und detailliert. Es ist beeindruckend, was das vergleichsweise unbekannte und kleine Velan Studios da mit einer eigenen Engine auf die Beine gestellt hat.

Doch die Kontroverse um die Designs der Charaktere hat online für einiges an Gesprächsstoff gesorgt. Diese haben einen etwas „realistischeren“ Stil und orientieren sich ein wenig an den Stoffpuppen, welche zu SNES-Zeiten auf dem Cover und in Werbebeiträgen waren. Die Charaktere sind wirklich sehr toll animiert, sind detailreich und Slippy sieht einfach, wie der Name es sagt, slippery aus! Ich persönlich bin ein riesiger Fan der Designs, aber es ist wohl wirklich Geschmackssache.

Der Soundtrack von Star Fox ist wie immer richtig gut. Die Level beinhalten natürlich oft das bekannte Star-Fox-Main-Theme und bringen dann ihre eigenen, tollen Melodien mit sich. Die deutsche Sprachausgabe ist äußerst gut gelungen und die Art und Weise, wie so mancher Gag herübergebracht wurde, hat mich wirklich schmunzeln lassen.

Ein gelungenes Remake!

Bildmaterial: Star Fox, Nintendo

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Titel	The Adventures of Elliot: The Millennium Tales
	18. Juni 2026
	Square Enix
	18. Juni 2026
	Square Enix
	18. Juni 2026
	Square Enix
System	PlayStation 5, Xbox Series, Switch 2, PC/Steam
Getestet für	Playstation 5
Entwickler	Claytechworks Co. Ltd. & SQUARE ENIX Team Asano
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Seit der ersten Enthüllung auf der Nintendo Direct: Partner Showcase im Juli 2025, gab es von uns bereits zahlreiche Berichte über das neue Action-RPG The Adventures of Elliot: The Millennium Tales von Square Enix. Wir warfen, unter anderem, bereits einen Blick in eine Vorschau-Version, des Weiteren haben wir ein Interview veröffentlicht, wo Producer Naofumi Matsushita einige Einblicke in die Entwicklung gewährte.

Nun hatten wir auch die Ehre und durften die Vollversion des fertigen Spiels für euch testen und ich möchte euch natürlich sehr gerne meine Erfahrungen und Eindrücke zum neuen Action-RPG mitteilen. An dieser Stelle möchte ich erwähnen, dass wir eine Vorab-Vollversion vor der Veröffentlichung des Spiels getestet haben. Getestet wurde die Version für PlayStation 5.

„The Legend of Elliot: A Link to the Past“

So könnte der Titel auch lauten, aber Moment, da war ja was. Legen wir den Humor etwas beiseite. Die Geschichte von unserem Abenteurer Elliot beginnt in der Welt von Philabieldia, im Königreich Huther, im Zeitalter der Obhut, welches die aktuelle Gegenwart und den Ursprung unserer Helden-Geschichte darstellt.

Es ist bekannt, dass die Geschichte in vier Zeitaltern spielt. Das Zeitalter der Obhut, das Zeitalter des Wiederaufbaus, das Zeitalter der Magie und das Zeitalter des Anbeginns. Zu viel möchte ich aber diesbezüglich gar nicht verraten. Kurzgefasst beschreiben diese Zeitalter die Entstehung der Zivilisation, den Höhepunkt der technologischen bzw. magischen Kultur bis hin zu deren Fall und Wiederaufbau über mehrere tausend Jahre hinweg. Ein zentraler Faktor stellen die feindlich gesinnten Biestlinge dar. Je nach Zeitalter ist deren Bekämpfung und Erforschung mal mehr und mal weniger erfolgreich.

Mehrschichtige Story abseits der bekannten Klischees

Spulen wir wieder etwas zurück: In der Gegenwart (Zeitalter der Obhut) wird Elliot zum König von Huther berufen. Im Norden wurden neue Ruinen entdeckt, die es zu erkunden gilt. Und wer eignet sich besser hierfür als unser abenteuerlustiger Protagonist Elliot, der bereits Erfahrungen im Erkunden der Welt außerhalb der sicheren Stadtmauern von Huther hat? Das sehen allerdings nicht alle so.

Nachdem bekannt wurde, dass es sich bei der Ruine vermutlich um ein Zeitportal einer alten Zivilisation handelt, wittert der Minister des Königs die Chance auf eigene Initiative loszuziehen, um seine persönlichen Pläne zu verfolgen. Hier beginnt unsere erste Verfolgungsjagd durch die Zeit. Story-technisch handelt es sich hier nur um einen Teil des Prologs aus der Demo. An dieser Stelle möchte ich aber auch gar nicht mehr verraten als nötig.

Der Prolog ist tatsächlich nur der Anfang einer mehrstufigen Geschichte, die tief mit den unterschiedlichen Zeitaltern verwoben ist. Die Geschichte erfindet das Rad zwar nicht neu, aber geht dennoch über das klassische „Held rettet Prinzessin“-Klischee hinaus. Freut euch auf spannende Plot-Twists, die ihr vermutlich bis kurz vor dem Ende nicht kommen sehen werdet.

Das Ende hat mich durchaus berührt. Es gibt insgesamt drei Enden, die ihr freischalten könnt. Diese könnt ihr theoretisch auch alle nacheinander erspielen, es wird jeweils ein Savegame erstellt, sodass ihr diese chronologisch abarbeiten könnt. Ob ihr euch die ersten beiden Enden ansehen möchtet, ist euch überlassen, aber ich kann euch nur ans Herz legen, das „wahre Ende“ zu erspielen. Denn nur hier werden wirklich alle offenen Fragen und Hintergründe aufgeklärt und der Weg dorthin ist inhaltlich ein echtes Highlight des Spiels.

Eine Welt, die zum Erkunden einlädt

In der Welt von Philabieldia gibt es viel zu entdecken. Mit dem Fortschreiten der Handlung schaltet ihr immer mehr Areale auf der Weltkarte frei. Im ersten Moment wirkt diese überschaubar, aber bedenkt, dass es vier Zeitalter gibt, die ihr in eurem Abenteuer bereisen werdet. In jedem Zeitalter trefft ihr auf besondere Charaktere, die eine wichtige Rolle in der Geschichte spielen oder gespielt haben. Neben der grob detaillierten Weltkarte gibt es innerhalb von Dungeons auch eine ziemlich detaillierte Karte, die ihr zoomen könnt.

Während eurer Reise entdeckt ihr eine Vielzahl von Dungeons, einige sind Story-relevant, einige völlig optional. So könnt ihr auch außerhalb der Hauptgeschichte auf Entdeckungsreise gehen, für manche Dungeons benötigt ihr aber bestimmte Fähigkeiten, um diese vollständig zu erkunden. Dazu später mehr. Des Weiteren sei gesagt: Je nach Zeitalter trefft ihr auf verschiedene Iterationen eines Dungeons. So kommt es häufiger vor, dass ihr nur eine Truhe findet und in einem anderen Zeitalter viel tiefer in den Dungeon eindringen könnt und euch einem Boss-Kampf stellen müsst.

In den größeren Dungeons müsst ihr zuvor blaue und rote Türen passieren, um den Boss zu erreichen. Die entsprechenden Schlüssel findet ihr in Truhen innerhalb des Dungeons. Oft gibts kleinere Rätsel zu lösen, welche aber nicht allzu fordernd sind. Die meisten wichtigen Gegenstände und Truhen werden euch im späteren Verlauf auf der Weltkarte angezeigt, sodass ihr diese auch gezielt einsammeln könnt. Auf der Weltkarte und in den Dungeons gibt es regelmäßig Speicherpunkte, die ihr für die Schnellreise und zum Heilen nutzen könnt.

Actionreiches Kampfsystem

Auf der Weltkarte sowie in den Dungeons müsst ihr euch den unterschiedlichsten Arten von Biestlingen entgegenstellen. Um gegen diese gerüstet zu sein, steht euch ein breit gefächertes Repertoire an Waffen zur Verfügung, mit denen ihr euren Gegnern ordentlich zusetzt. Zunächst starten wir mit einer klassischen Schwert-und-Schild-Kombo. Später gesellen sich noch Bogen, Bumerang, Bomben, Speer, Hammer und eine Kettensichel hinzu. Ihr könnt immer zwei Waffen gleichzeitig ausrüsten, plus Schild. Die Anzahl an Pfeilen und Bomben ist zunächst etwas beschränkt, lässt sich aber im Laufe des Abenteuers erweitern.

Wenn ihr Gegner besiegt ohne Schaden zu nehmen, startet eine Serie. Umso mehr Gegner ihr besiegt, desto höher steigt eure Serie. Dadurch verdient ihr Tul, das ist die Währung im Spiel, sowie Maginit-Splitter, dazu später mehr. Umso höher eure Serie, desto mehr Beute könnt ihr erlangen. Bei der Vielfalt an Waffen sollte eigentlich für jeden Spielstil etwas dabei sein. Zudem kann Elliot mit dem Schild blocken und bei richtigem Timing Angriffe auch parieren.

Spannende Boss-Kämpfe

Selbstverständlich gibt es auch zahlreiche Boss-Gegner, denen ihr euch stellen werdet. Hier würde ich zwischen kleineren Zwischenbossen, die meist keine besondere Strategie erfordern, außer vielleicht ausweichen, blocken und springen, und größeren Boss-Gegnern unterscheiden. Größere Bosse haben meist einen speziell designten Boss-Raum und erfordern schon mal eine bestimmte Strategie, zum Beispiel das Setzen von oder Zurückwerfen von Bomben, Angriff auf einen bestimmten Körperteil, gezieltes Parieren und mehr.

Es gibt insgesamt vier Schwierigkeitsgrade, von leicht bis extrem. Ich habe das Spiel auf „Normal“ gespielt. Die meisten Gegner stellten keine Probleme für mich dar, wer aber noch eine größere Herausforderung sucht, kann sich an die höheren Schwierigkeitsgrade wagen.

Mit genügend Tul in der Tasche könnt ihr euch sofort wiederbeleben, wodurch gerade Boss-Kämpfe bedeutend einfacher werden. Aber Achtung, auf höheren Schwierigkeitsgraden steigen die Kosten. Als eine etwas ungewöhnliche Design-Entscheidung empfand ich, dass auf „Leicht“ jeder Speicherpunkt euch automatisch heilt, ansonsten nur deutlich seltener, und Waren beim Händler in der Stadt günstiger sind. Da man den Schwierigkeitsgrad aber jederzeit wechseln kann, an einem Speicherpunkt, könnte man kurzfristig umstellen, um sich zu heilen oder wenn man günstig einkaufen möchte.

Faie, eure magische Begleiterin

Ab einem gewissen Punkt in der Handlung gesellt sich die Fee Faie an Elliots Seite. Die kleine Fee sorgt nicht nur für Unterhaltung, sondern steht euch auch als verlässliche Partnerin zur Seite. Sie hat ihre Erinnerungen verloren und weiß nur noch, dass sie mit Elliot das Königreich vor einer Bedrohung retten soll. Zudem ist nur Elliot in der Lage sie zu sehen und mit ihr zu interagieren. Ihr könnt sie zudem mit dem rechten Analog-Stick frei steuern.

Faie kann euch gegen Bezahlung wiederbeleben und besitzt zudem magische Fähigkeiten, die ihr sowohl im Kampf als auch in der Umgebung einsetzen könnt. Unter anderem sind das zum Beispiel Fähigkeiten zum Sprinten, Teleportieren oder Anzünden von Fackeln. Ihr schaltet diese nach und nach frei. Diese Fähigkeiten verbrauchen magische Energie, die sich aber mit der Zeit wieder auflädt.

An bestimmten Stellen im Spiel benötigt ihr entweder spezielle Waffen, wie Bomben oder Hammer, oder eine bestimmte Fähigkeit, um diverse Wege freizuschalten oder um an Schätze zu gelangen. Wenn ihr also mal nicht weiterkommt, meist weist Faie auch darauf hin, dann solltet ihr zu einem späteren Zeitpunkt wiederkommen, wenn die entsprechende Fähigkeit erlernt wurde.

Wie bereits bekannt gegeben wurde, kann Faie auch im lokalen Koop von einem zweiten Spieler gesteuert werden. Wobei der Hauptfokus aber auf Elliot liegt, Faie ist lediglich eine Unterstützung, das kann aber in stressigen Situationen oder beim Lösen von Rätseln sicherlich eine Erleichterung sein.

Charakterentwicklung und Maginite

Elliots Lebenspunkte werden in Tropfen-Form am oberen linken Rand des Bildschirms dargestellt, diese könnt ihr durch das Lösen kleinerer Rätsel an diversen Schreinen auf der Weltkarte und in Dungeons erweitern. Hierzu sammelt ihr vier Teile ein, um einen weiteren Lebenspunkt zu erhalten. Sicherlich eine bekannte Mechanik aus anderen Genre-Vertretern. Das Inventar ist überschaubar, neben wichtigen Gegenständen kann sich Elliot mit Items heilen, Angriff und Verteidigung kurzzeitig verbessern oder Faies Magie etwas auffüllen. Für die Tränke werden leere Phiolen benötigt, deren Anzahl sich auch erweitern lässt.

Elliot kann mit einer Vielzahl an Accessoires ausgerüstet werden, die indirekte oder direkte Auswirkungen haben. Am Anfang steht euch nur ein Slot zur Verfügung, dieser kann auf bis zu drei ausgeweitet werden, sodass ihr drei Accessoires gleichzeitig ausrüsten könnt. Die Boni sind sehr unterschiedlich; ein Mantel, mit dem ihr nach dem Sprung etwas gleiten könnt, was in diversen Leveln und Passagen eine deutliche Erleichterung bietet, passive Boni wie mehr Tul/Maginit-Splitter oder dass ihr bei einem Treffer eure Kampf-Serie nicht gleich verliert.

Mit Maginiten lassen sich eure Waffen verstärken oder mit verschedenen Effekten ausstatten, wie zum Beispiel Zusatzschaden durch die Elemente, Feuer, Eis oder Blitz, mehr Schaden unter bestimmten Bedingungen, erhöhte Reichweite von Angriffen und vieles mehr. Hier kann man sich wirklich austoben und seinen ganz individuellen „Build“ erstellen.

Am Anfang könnt ihr nur wenige Maginite ausrüsten. Gegen Tul könnt ihr die Kapazitäten erweitern, um mehrere mächtige Effekte gleichzeitig auszurüsten. Um Maginite herzustellen, nutzt ihr Maginit-Splitter. Wenn ihr eine gewisse Anzahl an Maginiten hergestellt habt, steigt euer Synthese-Level und ihr könnt höherwertige Maginite erstellen, deren Boni stärker sind. Hin und wieder lassen sich Maginite auch in Truhen finden.

Sidequests und Minispiele

In The Adventures of Elliot könnt ihr euch neben der Hauptgeschichte zahlreichen Nebenaufgaben, Sammel-Items und optionalen Herausforderungen sowie Mini-Games widmen. Im Menü gibt es einen eigenen Punkt für Aufträge, dort seht ihr auch, ab wann diese bei welchem NPC in welchem Zeitalter verfügbar sind. Diese Aufträge belohnen euch nicht nur mit Tul, Accessoires oder Erweiterungen, sondern erzählen auch ihre ganz eigene Geschichte. Diese Sidequests bestehen meist aus Kämpfen oder ein NPC bittet euch etwas zu beschaffen. Diese erstrecken sich manchmal auch über die unterschiedlichen Zeitalter hinweg, was dem Ganzen noch eine ganz besondere Note verleiht.

Katzenfreunde kommen voll auf ihre Kosten, eine Nebenaufgabe besteht darin, Katzen, die über die ganze Welt verteilt sind, einzusammeln und in das Dorf zu bringen. Ein kleiner Fun-Fact ist, dass diese auch visuell im Dorf dargestellt werden und ihr mit diesen interagieren könnt. Zudem warten Belohnungen, je mehr ihr findet. Eventuell haben diese aber noch eine ganz besondere Bedeutung im Spiel, aber das müsst ihr schon selbst herausfinden. In der ganzen Welt findet ihr immer wieder an funkelnden Stellen Manuskripte, die euch die Lore der Welt etwas näherbringen.

Mit dem Erhalt einer Fähigkeit von Faie könnt ihr im Fähigkeiten-Menü eine Art Minispiel absolvieren, wo die entsprechende Fähigkeit eingesetzt wird, um eine bestimmte Punktzahl zu erreichen. Dies ist allerdings völlig optional und belohnt euch nur mit Musikstücken aus dem Spiel, die ihr euch anhören könnt. Im Tempel der Prüfungen warten knackige Herausforderungen, wo ihr euch Gegner-Wellen stellen müsst. Dies ist der einzige Weg, um eure Accessoire-Slots zu erhöhen. Mit Fortschreiten der Geschichte schaltet ihr hier weitere Herausforderungen frei. Vor allem die letzte hat es in sich.

Nostalgischer HD-2D-Look und unauffälliger Soundtrack

Dem kann ich schon fast nichts mehr hinzufügen. Wer sich noch nicht an dem HD-2D-Look sattgesehen hat, bekommt eine nostalgische, aber im modernen Gewand gestaltete Pixel-Look-Welt zu Gesicht. Wichtige Charaktere haben zudem ein eigenes Charakter-Porträt neben der Text-Box spendiert bekommen, das sogar lippensynchron animiert ist, was nochmal einen gewissen Teil zur Atmosphäre beiträgt. Die englischen und japanischen Sprecher leisten hervorragende Arbeit. Der Soundtrack – versteht mich nicht falsch, aber hin und wieder habe ich vergessen, dass er existiert – ist für mich persönlich kein Highlight. Lediglich das Boss-Theme hatte für mich einen kleinen Wiedererkennungswert, alles andere fügte sich eher neutral im Hintergrund ein. Am Ende ist dies vielleicht aber auch einfach Geschmackssache.

Ein einzigartiges Erlebnis

Bildmaterial: The Adventures of Elliot: The Millennium Tales, Square Enix, Claytechworks

Der Beitrag Im Test! The Adventures of Elliot ist ein einzigartiges Erlebnis für Nostalgiker und RPG-Fans erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	007 First Light
	27. Mai 2026
	IO Interactive
	27. Mai 2026
	IO Interactive
	27. Mai 2026
	IO Interactive
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	IO Interactive
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Das James-Bond-Franchise gehört nicht erst seit den in jüngerer Vergangenheit erschienenen Titeln zum festen Bestandteil der Gaming-Welt. Bereits im Jahre 1982 feierte der Doppelnull-Agent seinen Einstand im Gaming-Sektor. Mit „Shaken but Not Stirred“ erschien das erste James-Bond-Videospiel für ZX Spectrum von Sinclair, einem britischen Elektronik-Hersteller.

Daraufhin folgten unzählige weitere Ableger der Reihe für die verschiedensten Plattformen. Mal als Film-Adaption und mal als völlig neu interpretierte Variante des britischen Geheimagenten. Speziell die Titel, die in der jüngeren Vergangenheit erschienen sind, bekamen allerdings oft nur mittelmäßige Kritiken und verschwanden daher auch recht schnell wieder in der Versenkung. Zuletzt erschienene 007-Titel waren beispielsweise das GoldenEye-Remake oder James Bond 007: Blood Stone aus dem Jahre 2010 oder das 2012 erschienene 007 Legends. Dann war es lange Zeit still um den wohl bekanntesten Geheimagenten der Welt.

Im November des Jahres 2020 verkündete der in Dänemark ansässige Entwickler IO Interactive dann das neue „Project 007“. Dieser neue Titel soll eine bisher noch unbekannte Lebensphase von James Bond zeigen. Sozusagen ein Neuanfang des Agenten in der Gaming-Welt. Denn IO Interactive möchte mit diesem neuen Projekt die Vorgeschichte des MI6-Agenten näher beleuchten und den Werdegang von James Bond zu einem Doppelnull-Agenten hin veranschaulichen.

Das geheimnisvolle „Project 007“ wurde im Juni 2025 dann offiziell als „007 First Light“ vorgestellt. 007 First Light erscheint nach vielen Jahren der Warterei nun endlich am 27. Mai für PS5, Xbox Series und PCs. Eine Version für Switch 2 wird ebenfalls erscheinen. Aufgrund nicht näher genannter Umstände wurde diese Switch-2-Version jedoch auf Ende Sommer dieses Jahres verschoben.

Ob das neue Abenteuer rund um den smartesten Agenten der Welt begeistern kann und ob sich ein Kauf lohnt, erfahrt ihr natürlich wie immer in unserem ausführlichen Test.

Das Leben eines Doppelnull-Agenten ist verdammt schwer

In 007 First Light übernehmen wir die Rolle eines noch sehr jungen James Bond. Dieser ist gerade mal 26 Jahre alt und noch sehr unerfahren in der Welt der geheimen Operationen. Während eines brenzligen und eigentlich absolut aussichtslosen Auftrags, aus welchem sich Bond erfolgreich retten konnte, machte dieser mit äußerst mutigen und absolut heldenhaften Entscheidungen auf sich aufmerksam. Natürlich bleiben solche großen Taten nicht ungesehen und so wird auch der britische Geheimdienst „MI6“ auf den jungen Bond aufmerksam.

Da der MI6 stets auf der Suche nach neuen und talentierten Mitarbeitern ist, wird der junge James Bond kurzerhand in eine Art Ausbildungsprogramm für Doppelnull-Agenten aufgenommen. Hier beginnt unsere Reise voller geheimer Missionen, Intrigen und der stetigen Gefahr, die auf unseren Helden lauert.

Ein Spionage-Thriller der Sonderklasse, könnte man sagen, und speziell, was die Präsentation anbelangt, steht 007 First Light den großen Vorbildern der Kinoleinwand in nichts nach. Natürlich sind auch altbekannte James-Bond-Gesichter mit von der Partie. Neben Moneypenny geben sich auch „Q“ und „M“ die Klinke in die Hand. Hier wurden also alle Punkte abgehakt, die 007 First Light zu einem wahrhaftigen Bond-Abenteuer machen.

Berühmte Attentäter-Reihe als Blaupause

Den Hitman-Einfluss merkt man 007 First Light natürlich zu jeder Zeit an. Kein Wunder, denn gerade dieses Projekt war wohl das bisher größte für den dänischen Entwickler IO Interactive. Neben dem optischen Stil, der stark an den letzten Hitman-Teil erinnert, ist es vor allem der Aufbau der Missionen, der einen immer wieder an die Abenteuer des glatzköpfigen Attentäters erinnert.

Bei 007 First Light steht das Observieren und das leise Vorgehen stets an oberster Stelle. Natürlich kann man auf Wunsch auch auf pure Waffengewalt zurückgreifen. Ganz im Stile des britischen Agenten ist das aber natürlich nicht. Leises Vorgehen wird also belohnt und beschert uns am Ende auch das bessere Ergebnis beim Abschluss der Missionen. Die Missionen sind natürlich auch darauf ausgelegt, überlegt und leise angegangen zu werden.

Es gibt allerlei Gadgets und die „Q-Watch“, eine schicke Armbanduhr, ist eines unserer Hauptwerkzeuge. Mit dieser können wir beispielsweise Giftpfeile verschießen, mit dem Laser Gegenstände durchtrennen oder Personen ablenken oder sogar diverse Rauch- und Blendgranaten abfeuern. Ein absolutes Allzweck-Werkzeug und das wichtigste Werkzeug von James Bond. Gerade die Q-Watch ist es, die 007 First Light von einem Hitman abhebt. Denn genau hier kommt die Finesse eines James Bond zum Tragen und so haben wir die Möglichkeit, die Missionen noch vielseitiger und vor allem individueller zu lösen.

Hin und wieder werden die sehr actionlastigen Missionen auch von wilden Verfolgungsjagden mit diversen Vehikeln aufgelockert. Nichts schreit schließlich mehr James Bond als eine ordentliche Verfolgungsjagd, oder? Aber Spaß beiseite, auch diese Fahrmissionen sind spaßig und unterhaltsam ausgefallen und runden das ohnehin schon sehr gute Gesamtbild noch weiter ab.

Auch haben die Entwickler von IO Interactive an die Bond-typischen Ablenkungsmanöver gedacht. Wir können die Gegner beispielsweise verwirren, indem wir eine Aufgabe vortäuschen. Wenn der jeweilige Gegner dann in Reichweite ist, kann man zum finalen Takedown ansetzen um so siegreich aus einer brenzligen Situation zu gehen. Ein tolles Feature, welches Bond-typisch fast schon dazugehört.

Weitere anspruchsvolle Missionen warten im Simulator

Auf Wunsch kann man außerdem verschiedenste Missionen im Simulator des MI6-Hauptquartiers absolvieren. Hier werden dann vor allem die einzelnen Schwerpunkte wie beispielsweise diverse Schleichmechaniken gefordert.

Diese Simulator-Missionen können teilweise ganz schön knackig ausfallen und hier ist wirklich Beherrschung gefragt, um während der hektischen Missionen einen kühlen Kopf zu bewahren. Eine ganz besondere Extra-Herausforderung für alle, die nach dem Beenden der Story noch nicht genug Bond-Luft geschnuppert haben.

Manchmal etwas planlos unterwegs

Der einzige große Kritikpunkt, den ich speziell am Missionsdesign von 007 First Light habe, ist die Tatsache, dass ich oft nicht wusste, wo ich denn jetzt gerade hingehen soll oder was genau von mir verlangt wird. Zu oft bin ich minutenlang die Locations abgelaufen, nur um am Ende auf das eigentlich Offensichtliche zu stoßen. Hier wäre hier und da vielleicht ein Wink in die richtige Richtung gut gewesen.

Optischer Leckerbissen mit etwas angestaubter Engine

Im Großen und Ganzen kommt 007 First Light wirklich schick daher. Wunderschöne Locations treffen auf knackige Effekte, scharfe Texturen und mehr als ordentliche Charaktermodelle. Ein rundes Gesamtpaket also, an dem es wirklich wenig zu mäkeln gibt.

Das Spiel läuft auf der hauseigenen „Glacier“-Engine, auf welcher bereits Titel wie Deus Ex: Mankind Divided oder auch die letzten Hitman-Ableger liefen. Das merkt man 007 First Light auch ein wenig an. Denn hier und da merkt man deutlich, dass technisch heutzutage auch etwas mehr drin gewesen wäre in Sachen grafischer Präsentation. Nichtsdestotrotz sieht 007 First Light wirklich sehr gut aus und lässt optisch nur wenige Wünsche offen.

007 First Light lief während unserer Testphase außerdem stets mit flüssigen 60 FPS über den Bildschirm. Neben dem Performance-Modus gibt es auch einen Qualitäts-Modus mit 30 FPS und einer höheren Auflösung. Auch im Performance-Modus sieht 007 First Light allerdings sehr gut aus und die etwas geringere Auflösung fällt einem höchstens bei der etwas unschärferen Weitsicht auf.

Kultiger Soundtrack trifft auf Synchronisation auf Hollywood-Niveau

Der absolut kultige James-Bond-Soundtrack trifft auf knackige und ordentlich abgemischte Soundeffekte und eine fantastische Synchronisation auf Hollywood-Niveau. Gerade die englischen Sprecher geben wirklich alles und verleihen dem Titel das gewisse Etwas. Während des gesamten Abenteuers wird das extrem hohe Niveau in Sachen Synchronisation gehalten und somit kann man 007 First Light wirklich als ebenbürtig zu den Kino-Adaptionen bezeichnen. Qualitativ ist das hier Abgelieferte erste Güte.

Auch passt der gesamte Soundtrack stets zur jeweiligen Situation und verleiht den jeweiligen Situationen wahrhaftiges Kino-Feeling. Besser könnte man einen Soundtrack quasi nicht auswählen. Aber wir reden hier ja schließlich auch von einem James-Bond-Abenteuer. Das Beste ist also gerade gut genug.

Spannendes Agenten-Abenteuer auf Oberklasse-Niveau

Bildmaterial: 007 First Light, IO Interactive

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Titel	LEGO Batman: Das Vermächtnis des Dunklen Ritters
	22. Mai 2026
	Warner Bros. Games
	22. Mai 2026
	Warner Bros. Games
	22. Mai 2026
	Warner Bros. Games
System	PS5, Xbox Series, PC
Getestet für	PS5
Entwickler	TT Games Studios
Genres	Open-Word, Action-Adventure
Texte
Vertonung

Der Dunkle Ritter kehrt zurück. Nach Batman: Arkham Knight von Rocksteady Studios aus dem Jahr 2015 bekommen wir tatsächlich elf Jahre später wieder ein großes Open-World-Abenteuer rund um den Dunklen Ritter spendiert. Die Arkham-Reihe gilt zwar längst als abgeschlossen, doch nun übernehmen TT Games gemeinsam mit Warner Bros. Games das Steuer – natürlich im typischen LEGO-Gewand.

Ganz neu ist die Kombination aus LEGO und Batman allerdings nicht. Mit LEGO Batman, LEGO Batman 2: DC Super Heroes und zuletzt LEGO Batman 3: Beyond Gotham existieren bereits drei Ableger rund um die ikonischen Klemmbausteine und den DC-Helden. Doch LEGO Batman: Das Vermächtnis des Dunklen Ritters wirkt diesmal deutlich größer gedacht.

Neben LEGO Star Wars: Die Skywalker Saga dürfte dieses neue Abenteuer problemlos als eines der ambitioniertesten – wenn nicht sogar das ambitionierteste – LEGO-Spiel überhaupt durchgehen. Ein riesiges Gotham, ein neues Kampfsystem, unzählige Figuren aus dem Batman-Universum und entsprechend hohe Erwartungen setzen die Messlatte gewaltig nach oben.

LEGO-Spiele gelten schließlich traditionell als eher leichte Kost und klar auf jüngere SpielerInnen zugeschnitten. Warum das hier aber nur bedingt zutrifft und weshalb ich mich den bisherigen Stimmen anschließen muss, die das Spiel als das beste LEGO-Spiel überhaupt – und gleichzeitig als eines der besten Spiele des Jahres – bezeichnen, klären wir in diesem Test.

Eine Liebeserklärung an Batman

Die Batman-Lore ist inzwischen gigantisch. Filme, Comics, Serien, Anime, Manga und natürlich Videospiele haben dem Dunklen Ritter über Jahrzehnte hinweg immer neue Interpretationen und Origin-Stories spendiert. LEGO Batman: Das Vermächtnis des Dunklen Ritters bedient sich dabei großzügig an den ikonischsten Momenten der jüngeren Batman-Geschichte.

Vor allem die „The Dark Knight“-Trilogie von Christopher Nolan mit Christian Bale als Batman dient spürbar als große Blaupause für Struktur und Atmosphäre. Doch auch Einflüsse aus „The Batman“ von Matt Reeves, dem Batman von Tim Burton, der legendären „Batman: The Animated Series“ und sogar der kultigen 60er-Serie mit Adam West werden ständig aufgegriffen und zitiert.

Zwischen Gotham und Gesellschaft der Schatten

Wie könnte es anders sein: Wir begleiten Bruce Wayne auf seinem Weg der Rache nach dem Mord an seinen Eltern. Bekanntes Terrain also. Bruce begegnet Ra’s al Ghul, tritt der Gesellschaft der Schatten bei und verfolgt weiter sein großes Ziel, Gotham aus den Händen der Kriminellen zu befreien. Die Geschichte fühlt sich dadurch fast wie ein „Best-of“ der Batman-Historie an.

Natürlich dürfen dabei auch die ikonischen Weggefährten nicht fehlen: Alfred Pennyworth, Jim Gordon, Catwoman und Robin stehen ebenso im Rampenlicht wie eine ganze Riege legendärer Gegenspieler – vom Penguin über den Riddler bis hin natürlich zum Joker, der Batman über all die Jahre erst zu dem gemacht hat, was er heute ist.

Zwischen Nostalgie und LEGO-Humor

Wenn man dem Spiel etwas vorwerfen möchte, dann vielleicht, dass sich TT Games extrem an die Vergangenheit klammert. Eine wirklich neue oder originelle Batman-Geschichte sucht man hier vergeblich. Dafür erlaubt sich das Spiel an anderer Stelle viele Freiheiten – vor allem dank des allgegenwärtigen LEGO-Humors. Der beschränkt sich glücklicherweise nicht nur auf Slapstick, sondern feuert ständig flotte Sprüche, Running Gags und Referenzen ab, die gerade ältere Batman-Fans sofort erkennen dürften. Denn jeder weiß schließlich: Es ist immer gut, das Anti-Hai-Spray griffbereit zu haben.

Man merkt dem Spiel in jeder Sekunde an, dass hier Menschen am Werk waren, die vermutlich seit Jahren in Batman-Bettwäsche schlafen. Videos mit sämtlichen Referenzen und Easter Eggs würden wahrscheinlich mehrere Tage Laufzeit erreichen. Genau dieser Umstand hat mir als Batman-Fan permanent ein Grinsen ins Gesicht gezaubert – dem Joker würde das vermutlich gefallen. Wer kein Problem damit hat, dass hier eher bestehende Batman-Geschichten gefeiert statt neu erfunden werden, dürfte mit dem Abenteuer extrem viel Spaß haben. Wer hingegen nach einer komplett neuen Interpretation sucht, wird hier eher enttäuscht sein.

„Ich bin Batman“

Oder zumindest fühlt es sich genau so an. Wer auch nur eine Stunde Batman: Arkham Knight gespielt hat, wird sich in LEGO Batman: Das Vermächtnis des Dunklen Ritters sofort zuhause fühlen. Gotham dient erneut als riesiger Spielplatz, der komplett frei erkundet werden darf. Wir schwingen uns mit dem Greifhaken durch die Häuserschluchten, gleiten mit dem Umhang durch das verregnete Gotham und jagen von Dach zu Dach. Die Parallelen zu Rocksteadys letztem Open-World-Batman sind dabei absolut unverkennbar.

Free-Flow trifft Klemmbaustein

Auch beim Kampfsystem hat sich TT Games ganz offensichtlich inspirieren lassen. Das berühmte Free-Flow-Kampfsystem kehrt erstmals im LEGO-Gewand zurück – und das war auch dringend nötig. Frühere LEGO-Spiele boten kämpferisch meist eher rudimentäre Kost. Jetzt kombinieren wir Angriffe, kontern Gegner und prügeln uns durch ganze Gegnerhorden. Natürlich dürfen dabei Batmans Gadgets wie Batarang oder Batclaw nicht fehlen.

Zusätzlich können wir jederzeit zwischen Batman und mindestens einem unterstützenden Mitstreiter wechseln. Das neue Kampfsystem ist für die LEGO-Reihe ein gewaltiger Schritt nach vorne, auch wenn es letztlich eher als „Free-Flow-Lite“ bezeichnet werden muss. Die volle Tiefe der Arkham-Spiele erreicht es nicht, dennoch fühlt sich das Ganze deutlich dynamischer und moderner an als alles, was die Reihe bisher geliefert hat.

Gotham als riesiger Spielplatz

Abseits der Kämpfe wartet ein gigantisches Gotham darauf, erkundet zu werden. Überall verstecken sich Sammelobjekte, kleine Nebenaufgaben und natürlich auch die berüchtigten Riddler-Trophäen. Allein bei diesem Namen dürfte es vielen Arkham-Fans bereits kalt den Rücken herunterlaufen.

Batman selbst kann zwar weder besonders hoch springen noch klettern, was manche Passagen etwas fummelig gestaltet, insgesamt spielt sich das Abenteuer aber hervorragend. Und natürlich steht auch wieder ein ganzes Arsenal ikonischer Fahrzeuge bereit. Vom modernen Batmobil aus The Batman über das legendäre Batmobil von 1989 bis hin zum Tumbler aus der „The Dark Knight“-Trilogie ist praktisch alles vertreten, was das Fanherz begehrt.

Die Bathöhle als Rückzugsort

Am Umfang mangelt es dem Spiel definitiv nicht. Wer möchte, kann problemlos dutzende Stunden in Gotham verbringen. Die größeren Story-Missionen finden meist in speziell gestalteten Bereichen statt, die mit viel Liebe zum Detail umgesetzt wurden. Dort kämpfen wir, lösen Rätsel und nutzen die individuellen Fähigkeiten der verschiedenen Charaktere – ganz so, wie man es aus klassischen LEGO-Spielen kennt.

Zwischen den Missionen dient die Bathöhle als zentrale Anlaufstelle. Hier verbessern wir unsere Ausrüstung, bestaunen unsere schicken Fahrzeuge oder werfen einen Blick auf die beeindruckende Sammlung an Batman-Anzügen. Und ja – allein damit könnte man vermutlich schon Stunden verbringen.

Das wohl schönste LEGO-Spiel bisher

Mit LEGO Batman: Das Vermächtnis des Dunklen Ritters hat TT Games meiner Meinung nach das bislang schönste LEGO-Spiel überhaupt auf die Beine gestellt. Getestet wurde auf der PlayStation 5, wo ein Performance- und ein Fidelity-Modus zur Auswahl stehen. Besonders im Performance-Modus überzeugt das Spiel mit konstanten 60 FPS und sieht dabei trotzdem hervorragend aus.

Vor allem die Beleuchtung, die Regeneffekte auf Batmans Cape und die allgemeine Atmosphäre fangen Gotham meisterhaft ein. Überraschend gut funktioniert dabei die Kombination aus semi-realistischer Spielwelt und klassischer LEGO-Optik. Die kleinen Plastikfiguren wirken keineswegs fehl am Platz – im Gegenteil. Gerade die Close-ups der Charaktere können sich sehen lassen. Mit sichtbaren Angussnähten und kleinen Unebenheiten sehen die Figuren tatsächlich so aus, als hätte man sie gerade frisch aus einer LEGO-Packung gekippt. Genau diese Details verleihen dem Ganzen noch mehr Charme und Plastizität.

Eine musikalische Reise durch Batmans Geschichte

Auch musikalisch fährt das Spiel schwere Geschütze auf. Statt komplett neuer Kompositionen greift man großzügig auf die ikonischen Batman-Soundtracks der vergangenen Jahrzehnte zurück – und genau das funktioniert hervorragend. Schon das berühmte Intro der Batman: The Animated Series löst sofort Nostalgie aus und dürfte vielen Fans direkt ein Grinsen ins Gesicht zaubern. Hier wird die DC-Lizenz voll ausgespielt und mit zahlreichen legendären Musikstücken zelebriert.

Leicht zugänglich, aber nie belanglos

Das neue LEGO Batman ist zu großen Teilen komplett auf Deutsch vertont. Die Qualität schwankt dabei allerdings etwas – besonders bei kleineren Nebenrollen merkt man Unterschiede. Die wichtigen Charaktere wie Batman selbst sind dagegen gelungen besetzt. Zwar erreicht der Sprecher nicht ganz die ikonische Präsenz von David Nathan, der vielen vor allem als deutsche Stimme von Christian Bale und Johnny Depp bekannt sein dürfte, dennoch macht er insgesamt einen guten Job. Natürlich stehen zusätzlich auch weitere Sprachoptionen zur Verfügung.

LEGO-Spiele wurden in der Vergangenheit häufig für ihren sehr niedrigen und repetitiven Schwierigkeitsgrad kritisiert – und auch das neue Batman-Abenteuer bleibt insgesamt eher leicht zugänglich. Immerhin gibt es diesmal drei auswählbare Schwierigkeitsgrade. Selbst der höchste davon stellt erfahrene SpielerInnen zwar kaum vor ernsthafte Probleme, die Option ist aber dennoch willkommen. Sehr positiv fallen außerdem die umfangreichen Barrierefreiheits-Einstellungen auf, die heutzutage bei Produktionen dieser Größenordnung eigentlich selbstverständlich sein sollten.

Natürlich darf auch der klassische lokale Koop-Modus nicht fehlen. Im Couch-Koop könnt ihr gemeinsam mit Freunden durch die dunklen Straßen Gothams ziehen, Verbrecher verprügeln und euch gemeinsam durch die Story kämpfen – genau so, wie man es von LEGO-Spielen erwartet.

Das Spiel erscheint am 22. Mai 2026 für PlayStation 5, Xbox Series X and Series S sowie PCs via Steam und Epic Games Store. Eine Version für die Nintendo Switch 2 soll noch im Laufe des Jahres kommen.

Gotham aus Klemmbausteinen war nie besser

Bildmaterial: LEGO Batman: Das Vermächtnis des Dunklen Ritters, Warner Bros, TT Games

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Titel	Life is Strange: Reunion
	27. März 2026
	Square Enix
	26. März 2026
	Square Enix
	26. März 2026
	Square Enix
System	PS5, Xbox Series, PC
Getestet für	PS5
Entwickler	Deck Nine Games
Genres	Adventure
Texte
Vertonung

Vor kurzem erschien Life is Strange: Reunion und es wurde gehofft, dass man die Serie nach dem etwas schwachen Vorgänger wieder auf Spur bringt. Bei Life is Strange: Double Exposure gab es damals ja einiges an Kritik hinsichtlich der Charaktere, Technik und der Geschichte. Unser Review war da noch recht positiv gehalten, ihr könnt es hier nochmals nachlesen.

Nun stellt man sich natürlich einige Fragen: Ist das nun das große Finale von Max Caulfield? Können alle Fragen beantwortet werden? Wie passt Chloe in diese Geschichte wieder rein und macht das überhaupt noch Sinn? Schafft es der Entwickler einen runden Abschluss zu liefern? Ist es ein Abschluss?

Ein Leben als Manager

Das Leben als Manager einer Band, es ist nicht einfach. Heute Abend ist der Gig und die Gruppe ist noch nicht da. Der Veranstalter wird langsam nervös, er sollte lieber nervös wegen des Zustandes seiner Bar sein. Ein echtes Rattenloch. Doch Chloe schafft es ihn zu besänftigen.

Doch bevor ihr eure Gedanken sammeln könnt, passiert es wieder. Die Zeit um euch herum beginnt sich zu verlangsamen. Um euch wird es nebulös. Ehe ihr euch verseht, verliert ihr euer Gleichgewicht und stürzt rücklings durch die Realität. Ihr befindet euch wieder an demselben freakigen Ort wie schon die Male zuvor.

Eine schneebedeckte Landschaft, die ihr nicht kennt. Einzelne Objekte aus ihrer gewohnten Umgebung und ihrem Zweck entrissen, umringen euch wie in einer Traumwelt. Das ist es doch, ein Traum? Anders könnt ihr es euch nicht erklären. Mit jedem Traum wird es verrückter und plötzlich seid ihr wieder in der verranzten Spelunke. Aus einem Impuls der Unsicherheit beschließt ihr Max aufzusuchen. Vielleicht um Antworten zu finden, oder Halt in einer sich plötzlich auf euch herabstürzenden Realität.

Ein aufstrebender Stern

Max Caulfield, Star-Fotografin, Dozentin an der Caledon-Universität, hatte wiederum ein berauschendes Wochenende in New York. Mit Ausstellungen, Interviews und dem ganzen Drumherum eben. Nun freut sie sich auf die Rückkehr zu ihren Freunden wie Moses und ihren Studenten. Doch was so umwerfend begann, entwickelt sich in einen Albtraum sondergleichen.

Eine neue Katastrophe stürzt über euch herein und wieder springt ihr in der Zeit zurück um die Katastrophe abzuwenden, doch wird es auch dieses Mal einen Preis geben, den Max bereit ist zu zahlen? Kann sie die Fehler der Vergangenheit so kitten, dass es ein Happy End geben wird oder fällt alles vor ihren Augen zusammen und verbrennt zu Asche?

Das große Finale?

Wer weiß das schon, aber man bemüht sich sowohl Neulinge als auch Fans der Reihe mitzunehmen. Bevor es losgeht, könnt ihr euch für die wesentlichen Ausgänge der vorherigen Teile entscheiden. Welche dann Auswirkungen auf die Art und Weise der Geschichte haben.

Auch eine Zusammenfassung der Geschehnisse seit Arcadia Bay bis hin zu Reunion zeigt euch nochmal die wesentlichen Ereignisse der Geschichte. Alles um euch sattelfest zu machen, man scheint sich also irgendwo bewusst gewesen zu sein, dass die bisherige Struktur der Geschichte etwas konfus war.

Auch die Fortsetzung der Geschichte rund um Max, Chloe und Safi, deren Kräfte und Konsequenzen wirkt etwas durchdachter als noch in Reunion. Für Freunde von Double Exposure gibt es auch einige witzige Referenzen im neuesten Ableger. Reunion erzählt wieder eine sehr emotionale Geschichte mit warmen, herzlichen Momenten, aber auch viel Drama. Die Geschichte ist mehr als solide, wenn sie auch an manchen Punkten etwas aufgesetzt in der Charakterentwicklung einiger weniger Figuren wirkt.

Hätte ich doch nur anders gehandelt …

Wie auch schon in den vorherigen Teilen ist Reunion ein storygetriebener Titel gespickt mit Dialogoptionen, die sich auf die Geschichte auswirken können. Mehrere Handlungsstellen haben Auswirkungen auf das Ende. Gefühlt ist der Fokus wieder etwas stärker auf die Wichtigkeit eurer Entscheidungen gesetzt, was in Double Exposure von vielen kritisiert wurde. In Reunion wechselt ihr zwischen Max und ihrer besten Freundin Chloe, ihr interagiert mit Personen, spult mit Max‘ Fähigkeiten die Zeit zurück und löst dabei Rätsel. Keine schweren Rätsel, aber glaubwürdige.

Es ist schade, dass man Safi hier nicht als spielbaren Charakter mit eingearbeitet hat. Man merkt, dass der Fokus des Spiels auf Chloe und Max liegt. Es wäre vermutlich aber noch spannender geworden, wenn man auch Safis Fähigkeiten zur Gestaltwandlung hätte einsetzen können. Da kann man leider nur von verschenktem Potenzial reden. Sie ist zwar immer noch ein wichtiger Charakter, aber der Fokus liegt eben auf Max und Chloe. So bewegt ihr euch mit den beiden durch eine wundervolle Szenerie, gespickt mit interaktivem Drama und Herzlichkeit.

Warme Bilder mit hervorragender Soundkulisse

Was Life is Strange: Reunion auf jeden Fall kann, ist starke Bilder zu liefern. Die besonderen Momente erscheinen durch die Grundstimmung, die Szenen und Kameraeinstellungen immer besonders. Diese Momente gibt es nicht am laufenden Band, weswegen diese auch nach dem Spielen in Erinnerung bleiben. Die Charaktere und die Umgebungen sind schön modelliert und durch passende Lichteffekte in Szene gesetzt. Schon die erste Szene mit Max gibt euch dieses warme Gefühl eines perfekten Sonnenuntergangs.

Trotzdem gibt es auch bei Reunion von Zeit zu Zeit unschöne Clippingfehler, gerade mit Haaren, die in den Gesichtern verschwinden, oder seltsame Ausleuchtungen, die Max‘ und Chloes Haare neon schillern lassen. Trotz alledem schaffen die Entwickler mit diesem Ableger wieder ein einzigartiges Ambiente, was nicht zuletzt auch wieder dem stimmungsvollen Soundtrack geschuldet ist. Eine Stärke der gesamten Reihe. Schade fand ich nur, dass NPCs wieder zu der stillen Sorte gehören. NPC-Gespräche im Freien zu hören war in Double Exposure eigentlich ein nettes Feature, was die Szenerie gefühlt lebendiger gemacht hat. Über die deutsche Synchronisation kann man nicht meckern, man muss sie hingegen wieder einmal loben. Hier wurde sehr gute Arbeit geleistet.

Unterm Strich

Bildmaterial: Life is Strange: Reunion, Square Enix, Deck Nine Games

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Titel	Neverness to Everness
	29. April 2026
	Perfect World Games
	29. April 2026
	Perfect World Games
	29. April 2026
	Perfect World Games
System	PS5, PC, Mobile
Getestet für	PC
Entwickler	Hotta Studio
Genres	Action-RPG
Texte
Vertonung

Neverness to Everness ist ab sofort für alle spielbar, auch für Fans mit chronisch leichtem Geldbeutel. Nach der tollen Beta blickten wir gespannt der Vollversion entgegen. Nicht nur Teile unserer Community konnten wir mit der Begeisterung für dieses überaus ambitionierte Free-to-play-Gacha-Game der Hotta Studios und Perfect World Games anstecken, sondern sogar mehrere tausend Fans im deutschsprachigen Raum, welche unseren Anspielbericht per Internetsuche fanden. Dazu kommen über 35 Millionen Vorregistrierungen weltweit durch eine massive Social-Media-Marketingkampagne zum Spiel, die wir in dieser Form noch selten erlebt haben.

Kann Neverness to Everness am Ende die Erwartungen der Fans erfüllen, oder geht es wie bei Nanally im Spiel nach einem ambitionierten Sprint an der Fassade der Hochhäuser schnell auf den Boden der Tatsachen zurück? Um eines vorwegzunehmen: Das Gameplay und die Story sind sehr gut. Doch es gibt auch mehrere Probleme, die sich bereits in der Beta abzeichneten.

Das vielleicht ambitionierteste F2P-Gacha-Spiel bisher

Das Gameplay von NTE ist vielfältig, die unzähligen Möglichkeiten in der Großstadt Hethereau fast schon überwältigend. Beginnend mit einer großen Schlacht, in der eine riesige Anomalie außer Kontrolle geraten ist und die imaginäre chinesische Großstadt „Hethereau“ zu übernehmen droht, seid ihr als Anomalie-JägerIn eines Antiquitätenladens dafür verantwortlich, auftauchende Anomalien zu bewerten und bei Bedarf auch zu bekämpfen.

Diese sind in NTE omnipräsent – an allen Orten entstehen sie, kreieren Monster im „Gravity Rush“-Stil, verursachen Raum-Zeit-Verschiebungen und verleihen Menschen, Tieren und Objekten übernatürliche Kräfte. Die von der Realität abgetrennten Orte erinnern häufig an die Dungeons der Persona-Reihe, sind jedoch im Gegensatz zu diesen nicht zufallsgeneriert. Wer mehr über die ersten Stunden der Story wissen möchte, dem sei unser Anspielbericht der Beta nahegelegt.

Die Präsentation der Story und Großstadt überzeugt

Die Story-Sequenzen werden aufwändig und beeindruckend präsentiert, oft garniert mit handgezeichneten 2D-Overlays oder gar komplett handgezeichneten Szenen. Auch bei der Musik wurde nicht gespart: Die orchestrale Musikuntermalung ist während der Hauptstory top und unterstützt die mysteriöse Atmosphäre des Spiels sehr gut. Kameraarbeit und Inszenierung wurden zum Start noch mal verbessert, auch an den Effekten wurde noch mal geschraubt. Dadurch wirkt die Großstadt inklusive angrenzender Regionen noch mal etwas runder und überzeugender.

Neverness to Everness ist im aktuellen Zustand ein Spiel, das es durchaus mit Vollpreis-Produktionen aufnehmen kann. Zu viel sollte man jedoch auch nicht erwarten – ein echter „GTA“-Konkurrent zum Nulltarif ist NTE nicht. Dennoch macht das vielleicht ambitionierteste F2P-Gacha-Spiel bisher sehr viel Spaß und bietet sehr viel Freiheit und Möglichkeiten abseits des roten Story-Fadens, vom Betreiben einer Café-Kette über den Kauf mehrerer Penthouse-Wohnungen bis hin zu Stadt-Lieferungen und Rennen mit sportlichen Motorrädern und Fahrzeugen. Dazu gibt es mehrere Minispiele, von Angeln über Mahjongg, Bandproben, bis hin zu Gacha-Sammlungen, Greifarm-Automaten und Multiplayer-Tetris in der Arcade.

Viele kleine Probleme im Detail

Bei der ungeheuren Masse an Spielinhalt bleibt es nicht aus, dass manche Bereiche nicht ganz optimal wirken. Vereinzelte Animationen sind ziemlich steif, was besonders in den Zwischensequenzen auffällt. Bei wichtigen Szenen wurde allerdings ordentlich an den Animationen gefeilt.

In den actionreichen Kämpfen könnte die Kamera gerne noch etwas flexibler und dynamischer sein, ebenso wirkt das Fahrgefühl mehrerer Fahrzeuge noch nicht wirklich gut. Viele amüsante Momente brachte die noch etwas unausgereifte Kollisionserkennung.

Unser Favorit war die ohne Fremdeinwirkung einknickende Straßenlampe auf der anderen Straßenseite, als wir einen Metallzaun überfuhren – offenbar eine schwer erklärbare Kettenreaktion der Physik-Engine des Spiels, denn die Straßenlampe war ebenfalls von Metallabsperrungen umgeben. Dazu kommt das bisher etwas vernachlässigte Autoradio, das nach mehreren Stunden Spielzeit etwas repetitiv wirkt. Doch das meiste davon ist zu verschmerzen, da der Kern des Spiels überzeugt.

Kritik aus China am Pacing

Die lobenswerte, spannende und mysteriöse Story bekommt nach wenigen Stunden einen leichten Dämpfer. Das Story-Pacing wird in der bereits spielbaren China-Version des Spiels kritisiert und das nicht zu Unrecht. Die Hauptquest des Anomalie-Otters Tageydo wirkt nach einer spannenden Anfangsphase fehl am Platz.

In dieser Mission müsst ihr eurem kleinen Freund beim Dating helfen. Ohne zu viel spoilern zu wollen wirkt die Story etwas konstruiert, führt euch aber währenddessen durch zentrale Bereiche von Hethereau und zeigt auf, dass auch kleine Anomalien in der Masse zum Problem werden können. Sowohl vor als auch nach dieser Questline geht es in den aufwändig und kreativ gestalteten Dungeons spannend und mysteriös zu – nur dieser Teil wirkt wie eine zu groß geratene Nebenquest, die sich in die Hauptquests verirrt hat.

Monetarisierung ins Gameplay eingebaut – Grind ist vorprogrammiert

Wie bei vielen F2P-Spielen ist die Monetarisierung ins Gameplay eingebaut. In den Kernpunkten orientiert man sich an anderen Genrevertretern, das Charakter-Gacha ist sogar auffällig fair und auch die Haupt-Storyline ist lange ohne Grind oder zusätzliche Ausgaben spielbar.

Jedoch ist das bereits im Anspielbericht angesprochene, süchtig machende multiple Level-System der verschiedensten Bereiche des Spiels ein Faktor, der wie befürchtet zum Problem wird. Die verschiedenen Level messen nicht nur die Progression in verschiedensten Bereichen des Spiels, sondern limitieren sie zum Teil auch. Solltet ihr also außerhalb der Hauptquests mehrere Bereiche der Stadt ausbauen wollen, stellt euch auf eine mühsame Progression ein – oder zahlt Echtgeld.

Nicht nur Echtgeld ist ein Thema in NTE, auch die virtuelle Ingame-Währung ist zum Teil nur schwer zu verdienen. Das liegt an den limitierten Energie-Ressourcen, die ihr für Ingame-Jobs nutzen könnt. Kurz: Um euch eine teure Penthouse-Wohnung im Stadtzentrums-Wolkenkratzer mit moderner Einrichtung inklusive sportlichem Flitzer leisten zu können, ist wochen-, wenn nicht sogar monatelanger Grind angesagt.

Es gibt im Spiel jedoch die Möglichkeit, mit illegalen Aktivitäten schnell reich zu werden. Denn wo Reichtum angehäuft ist, gibt es auch einen Tresor, der geknackt werden will. Die Community sammelt hierzu bereits die besten Optionen, die jedoch riskant werden können und euch im schlechtesten Fall ein oranges Jäckchen und eine kleine Gitterzelle einbringen. Auf der anderen Seite muss das auch nicht unbedingt negativ sein: Für Unterhaltung bis in den Herbst hinein ist damit gesorgt.

Spielperformance in den unteren Qualitätsstufen gut

Etwas zu viel versprochen haben die Hotta Studios und Perfect World bei den High-End-Grafikoptionen. Das volle Feature-Set von DLSS 4.5 inklusive Raytracing und Multi Frame Generation und die vielen Einstellungsmöglichkeiten der Unreal Engine 5 sind vorhanden. Doch die Performance bei den High-End-Optionen enttäuscht und führt zu wiederholten Framerate-Einbrüchen.

Ein exklusives PC-Problem ist die Shader-Kompilierung – schon die ersten Minuten von Neverness to Everness sind durchsetzt von kleinen Rucklern. Ebenso PC-exklusiv dürfte die schwache Implementierung von Raytracing und HDR sein, die vor allem bei der Beleuchtung deutlich sichtbare Probleme hervorrufen. Das Pop-in von Objekten ist etwas zu deutlich sichtbar und störend.

In niedrigen und mittleren Grafiksettings ist die Performance jedoch überraschend gut für ein derart ambitioniertes Spiel. Erste Berichte aus China stellen fest, dass das Spiel auch unter den ohnehin schon geringen Mindestanforderungen noch akzeptabel läuft – zum Beispiel auf Grafikkarten mit nur 4 GB VRAM oder diversen integrierten Grafikeinheiten.

Kurz zusammengefasst: Alles über mittleren Grafikeinstellungen benötigt noch Optimierung bei der Performance, darunter läuft das Spiel jedoch hervorragend. Auf den Smartphones, insbesondere dem iPhone, wird die Performance auf Social Media durchweg gelobt.

Beschäftigt über Monate, hat aber auch mit Problemen zu kämpfen

Bildmaterial: Neverness to Everness, Perfect World Games, Hotta Studio

Der Beitrag Im Test! Neverness to Everness überzeugt mit Story und Großstadt, doch der Teufel liegt im Detail erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Starfield
	7. April 2026
	Bethesda Softworks
	7. April 2026
	Bethesda Softworks
	7. April 2026
	Bethesda Softworks
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Bethesda Game Studios
Genres	Action-Rollenspiel
Texte
Vertonung

Das Sci-Fi-Action-RPG Starfield aus dem Hause Bethesda galt in den letzten Jahren als einer der Hype-Titel schlechthin. Das gigantisch anmutende Rollenspiel versprach uns in bisher nie dagewesene Spielwelten zu entführen und uns mit einer schier endlos anmutenden Spielwelt förmlich zu erschlagen. Quasi ein No Man’s Sky mit ausgefeilterer Story und einem ernsteren Setting.

Ursprünglich erschien der Titel am 6. September 2023 für Xbox Series und PCs. Ursprünglich sollte der Titel auch Xbox- und PC-exklusiv bleiben, doch nach dem rasanten Kurswechsel in Sachen Exklusivität, den Microsoft in den letzten Jahren gefahren hat, entschied man sich beim US-Konzern dafür, Starfield doch auch PlayStation-Spielern zugänglich zu machen. In erster Linie war dies wohl vor allem eine finanzielle Entscheidung, die dazu geführt hat, dass Starfield nun mit etwas Verspätung doch noch auf Sonys aktueller Konsole erscheint.

Wir haben uns diese neu erschienene PS5-Version ausgiebig angeschaut und verraten euch natürlich auch, ob sich ein Kauf des Sci-Fi-Abenteuers lohnt und ob Starfield auf den üblichen Bethesda-Stärken aufbauen kann oder ob sich die Entwickler mit diesem massiven Action-Rollenspiel vielleicht doch etwas übernommen haben.

Starfield ist seit dem 7. April für PlayStation 5 erhältlich. Für Xbox- und PC-Spieler ist der Titel, wie bereits erwähnt, natürlich schon seit 2023 erhältlich.

Seichte Story trifft auf seichte Quests

Die Geschichte von Starfield handelt von einem mysteriösen Artefakt, welches von der Organisation „Constellation“ zu Forschungszwecken gesucht wird. Verstreut in der gesamten Galaxis befinden sich diese Artefakte, die es zu finden gilt, um letztendlich dem großen Geheimnis dahinter auf die Spur zu kommen.

Unser selbsterstellter Charakter macht sich nun auf die Suche nach besagten Artefakten und gerät dabei immer wieder zwischen die Fronten verschiedener verfeindeter Fraktionen. Neben dem „Freestar Collective“ möchten auch die „United Colonies“ die Vorherrschaft über die Galaxis innehaben und zu allem Übel gibt es natürlich auch Space-Piraten, die uns das digitale Leben zur Hölle machen möchten. Auch kleinere Fraktionen mischen hier mit und der ohnehin schon recht instabile Frieden, der seit dem Ende der Kolonialkriege herrscht, steht stets auf der Kippe und die Galaxis somit am Rande eines erneuten Krieges.

Diese verschiedenen Fraktionen dienen gleichzeitig als Questgeber und so können wir unterschiedliche Missionen für die unterschiedlichsten Fraktionen absolvieren. Je nachdem auf welche Seite wir uns stellen, haben die Missionen auch unterschiedliche Ausgänge. Das klingt im ersten Moment zwar vielseitig und abwechslungsreich, im Endeffekt hat der Ausgang der Quests allerdings doch recht wenig Einfluss auf die Hauptquest – die Suche nach den Artefakten. Das ist schade und hier wäre definitiv mehr Tiefgang in Sachen Quests und Storyverlauf möglich gewesen. Speziell von Bethesda ist man eigentlich deutlich höherwertige Storykost gewohnt.

Typisches Bethesda-Rollenspiel mit vielen Ecken und Kanten

Eine der größten Stärken von Starfield kann gleichzeitig auch als die größte Schwäche bezeichnet werden – die schier unendliche Weite und Größe dieses Sci-Fi-Abenteuers. Von Sekunde eins an hat man das Gefühl in einer schier endlosen Spielwelt unterwegs zu sein. Die Freiheit jederzeit von Planet A nach Planet B zu reisen oder eben eine komplett andere Route einzuschlagen, fühlt sich in den ersten Spielstunden wirklich fantastisch an. Im weiteren Spielverlauf merkt man jedoch, wie leer und belanglos die Spielwelt und die Planeten im Vergleich zu den Story-relevanten Orten ausgefallen sind.

Die Planeten und Orte, die man während der Hauptquests bereist, fallen meist wirklich ordentlich und spannend gestaltet aus. Hier spürt man deutlich, auf welche Locations viel Wert gelegt wurde und auf welche nicht. Irgendwo muss man bei einem Spiel dieser Größe allerdings auch Abstriche machen, denn so eine gigantische Spielwelt lässt sich schließlich nur schwer mit ausreichend Inhalt füllen ohne am Ende befremdlich zu wirken. Zu viel Content wäre negativ auffallend gewesen und zu wenig schließlich auch. Eine schmale Gratwanderung bei einem Titel dieser Größe.

Fallout in Space

Gameplaytechnisch fühlt sich Starfield an wie ein Fallout im Weltraum. Die Menüs funktionieren ähnlich, das Gunplay fühlt sich fast eins zu eins an wie bei einem Fallout-Ableger und auch die schier endlose Item-Flut an mal mehr und mal weniger wichtigen Gegenständen ist hier vorhanden. Bethesda-Fans fühlen sich also sofort heimisch und sollten bestens mit dem System zurechtkommen. Bethesda-Neulinge oder unerfahrene Spieler könnten sich von der schier endlosen Anzahl an Menüs aber schon etwas überfordert fühlen.

Auch das vielversprechende Schiffebau-Feature, für das Starfield vor Release so gelobt wurde, ist nach wie vor vorhanden und es macht auch nach wie vor wirklich viel Spaß sein eigenes Raumschiff zu erstellen und anzupassen. Die unterschiedlichen Bauteile müssen im Spielverlauf allerdings nach und nach freigeschaltet werden um wirklich Freiheit bei der Erstellung der Schiffe zu haben. Denn neben unterschiedlicher Bewaffnung lässt sich auch so ziemlich alles andere an den Schiffen modifizieren. Am Ende eines jeden Umbaus gibt es dann eine Art Machbarkeits-Diagramm, welches uns verdeutlicht, ob das Schiff in diesem Zustand überhaupt flugfähig ist oder nicht. Ein wirklich cooles Feature.

Man absolviert so nun also Quest für Quest und kann sich, speziell wenn man auf Nebenquests Lust hat, auch auf etwas schrägere Missionen freuen. Der typische Bethesda-Charme und -Humor ist also auch bei Starfield vorhanden, nur eben nicht auf Fallout-Niveau. Natürlich gibt es auch die aus anderen Bethesda-Titeln bekannten Arbeitsstationen, an welchen man die Waffen und Rüstungen aufwerten und modifizieren kann, und auch Chemie-Stationen dürfen nicht fehlen. Hier kann man beispielsweise diverse Items wie Heilgegenstände oder diverse Booster herstellen.

Levelsystem auf Bethesda-Art

Das Levelsystem, welches Bethesda hier verbaut hat, ist etwas abgeschwächt im Vergleich zur Fallout-Reihe ausgefallen. Wir vergeben bei Starfield also keine Punkte für Charisma, Stärke, Ausdauer und andere Attribute, sondern verteilen das neu erhaltene Level quasi direkt auf die diversen Perks. Am ehesten vergleichbar ist das System von Starfield mit dem Perk-System aus Fallout 4.

In Sachen Levelsystem kann man Starfield auf jeden Fall als etwas vereinfachter beschreiben im Vergleich zur Fallout-Reihe. Im Endeffekt funktioniert das System aber ganz gut. Letztendlich hat das Levelsystem ohnehin nur recht wenig Auswirkung auf das Gameplay selbst.

Das Free-Lanes-Update beschert uns neue immersive Flugmechanik

Dank des ebenfalls in der PS5-Version enthaltenen „Free Lanes“-Updates haben wir nun die Möglichkeit, anders als es ursprünglich noch vorgesehen war, den Weltraum frei zu bereisen. Denn die Weltraumkarte wurde nun in zwei Ebenen aufgeteilt. Eine Detail-Ebene, in der wir Planeten direkt anfliegen können und uns in dessen näherer Umlaufbahn befinden, und eine weiter entfernte Ebene, in welcher wir den Raum frei erkunden können und nahtlos von einem Planeten zum anderen reisen können.

Um die technische Limitierung in Sachen Weltraum zu umgehen, hat man sich bei Bethesda dann also für ein zweilagiges Kartensystem für den Weltraum entschieden. Anfangs etwas gewöhnungsbedürftig ergibt es allerdings schon nach kurzer Zeit Sinn und man kann sich mit dieser Mechanik durchaus anfreunden. Das Free-Lanes-Update gibt es gratis zum Kauf der PS5-Version dazu.

Der DLC „Shattered Space“ ist ebenfalls enthalten

Wie es sich für ein ordentliches Gesamtpaket gehört, ist auch der ursprünglich am 30. September 2024 erschienene Story-DLC „Shattered Space“ in der PS5-Version enthalten. Diesen kann man allerdings nur spielen, wenn man sich für die „Premium-Edition“ von Starfield entscheidet. Andernfalls muss der DLC separat im PlayStation Store zum Preis von 19,99 Euro erworben werden.

Grafisch immer noch toll anzusehen und sauber umgesetzt

Die PS5-Portierung von Starfield ist technisch auf jeden Fall sehr ordentlich ausgefallen. Der Titel wurde seit dem Release im Jahre 2023 ohnehin ständig gepatcht und verbessert. Mittlerweile läuft Starfield aber wirklich sehr rund und auch optisch macht das Sci-Fi-Abenteuer wirklich was her. Speziell beim Gang über die Planetenoberflächen weiß die Optik wirklich zu begeistern.

Die Texturen und Modelle wirken fast schon Bethesda-typisch sehr ordentlich, aber nicht völlig bahnbrechend. Aufgrund der massiven Größe des Titels wäre mehr aber wahrscheinlich auch nicht drin gewesen ohne die Framerate völlig zu versauen.

Starfield lief während unserer Testphase die meiste Zeit mit butterweichen 60 Frames. Ausnahmen stellen hier jedoch Szenen mit vielen Gegnern oder sehr belebte Außenbereiche, wie beispielsweise in der Hauptstadt „New Atlantis“, dar. Man hat außerdem die Wahl zwischen einem Performance-Modus mit 60 FPS oder einem Qualitätsmodus mit 30 oder variablen Frames. Jeder Spieler kann so das für sich beste Spielerlebnis austarieren. Auch VSync kann auf Wunsch abgeschaltet werden. So könnte man theoretisch noch ein oder zwei Frames rausholen, aber natürlich dann auf Kosten der Bildqualität.

Auch tontechnisch hochwertige Kost

Tontechnisch macht Starfield ebenfalls eine ordentliche Figur. Die Melodien und Klangteppiche fallen durchweg ordentlich und stimmig aus und auch die Synchronsprecher leisten einen durchweg ordentlichen Job, an dem es wenig zu mäkeln gibt.

Speziell die Soundeffekte der Waffen können sich hören lassen und wie auch schon bei der Fallout-Reihe fallen diese auch bei Starfield durchschlagend und wirklich wuchtig aus. Das A und O für einen Titel, der so sehr auf Shooter-Mechaniken setzt, wie es bei Starfield der Fall ist.

Ein actiongeladener Space-Ausflug mit schier unendlichen Weiten

Bildmaterial: Starfield, Bethesda

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Titel	Pragmata
	17. April 2026
	Capcom
	17. April 2026
	Capcom
	17. April 2026
	Capcom
System	PlayStation 5, Xbox Series, Switch 2, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Capcom
Genres	Third-Person-Action-Adventure
Texte
Vertonung

Neue IPs haben es heutzutage immer schwerer Fuß zu fassen in einem schier endlosen Meer aus altbekannten und etablierten Marken oder Indie-Titeln, die ohnehin in einer eigenen Kategorie zuhause sind und oft mit einem gänzlich anderen Auge betrachtet werden. Speziell im Triple-A-Bereich, in dem die Budgets mittlerweile extrem hoch angesetzt werden, sind immer weniger Publisher bereit, viel Geld in ein noch unbekanntes Franchise oder eine neue Marke zu investieren.

Umso erfreulicher ist es daher, dass sich doch immer wieder große Publisher und Entwickler wie Capcom an neue Marken herantrauen und obendrein auch bereit sind, ein ordentliches Budget für die Entwicklung ebenjener Titel springen zu lassen.

Eine dieser gänzlich neuen IPs des japanischen Publishers und Entwicklers Capcom ist das Sci-Fi-Abenteuer Pragmata. Pragmata mag auf den ersten Blick zwar aussehen wie ein typischer Third-Person-Shooter, wie es sie schon zur Genüge gibt, dennoch versteckt sich hinter der scheinbar altbekannten Fassade ein spannendes Hacking-Abenteuer, welches mit einem einfachen, aber doch irgendwie genialen Gameplay-Kniff frischen Wind in das angestaubte Genre bringt.

Pragmata erscheint am 17. April für PS5, Xbox Series, Switch 2 und PCs. Ob sich das Warten auf den vielversprechenden Titel gelohnt hat, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Review.

Eine von der Außenwelt abgeschnittene Forschungsstation und ein neuartiges Material

Die Geschichte von Pragmata spielt in einer gar nicht mal so weit entfernten Zukunft. Die Menschheit hat einen gänzlich neuen Rohstoff entdeckt, das sogenannte „Lunum“. Mit Hilfe von Lunum konnte nach einiger Forschungsarbeit das neuartige Material „Lunafilment“ erschaffen werden.

Eine Art Material, welches dazu benutzt wird, mit teils gigantischen „Druckanlagen“ verschiedenste Gegenstände, Gebäude oder auch andere Dinge zu erschaffen. Einzig eine Vorlage dessen, was man kreieren möchte, ist notwendig, um der Druckanlage vorzuschreiben, was sie zu bauen hat. Wie bei einem 3D-Drucker der aktuellen Zeit, könnte man sagen.

Eines Tages ging der Kontakt zwischen der Erde und dieser Forschungsstation, die sich auf dem Mond befindet, jedoch verloren. Ein Team aus Spezialisten wurde umgehend entsandt um sich diesem Problem anzunehmen und dem merkwürdigen Kontaktabbruch auf den Grund zu gehen.

Kurz nach dem Eintreffen dieses Teams gab es jedoch ein Mondbeben. Also eine Erschütterung des Mondes. Hugh Williams, unser Hauptcharakter, wurde durch ebendieses Mondbeben von seinem Team getrennt. Im bewusstlosen Zustand wird Hugh jedoch von einem kleinen Mädchen, einem mysteriösen Androiden, gerettet und wiederhergestellt. Sie ist ein Pragmata, ein Geschöpf, welches mit Hilfe von Lunafilment erschaffen wurde und eine künstliche Intelligenz besitzt. Speziell die sehr emotional präsentierte Beziehung zwischen Hugh und dem Mädchen wurde wirklich toll umgesetzt.

Von hier aus nimmt die spannende Geschichte rund um die Erkundung dieser gigantischen Mondbasis nun ihren Lauf. Seite an Seite mit dem äußerst menschlich anmutenden Androiden muss Hugh die seltsamen Vorkommnisse auf der Basis nun also ohne die Hilfe seines Teams untersuchen.

Third-Person-Action mit dem besonderen Etwas lockert das Genre auf

Pragmata ist im Kern ein Third-Person-Shooter, wie man ihn erwarten würde. Actiongeladene Kämpfe wechseln sich mit ruhigeren Erkundungsphasen ab. Die Story wird mit Hilfe vieler Cutscenes, aber auch anhand vieler in der Welt verstreuter Schriftstücke wie E-Mails und andere Dokumente erzählt. So weit, so gewöhnlich, könnte man sagen.

Dann kommt jedoch die größte Besonderheit von Pragmata zum Tragen. Das ausgefeilte Hacking-System, das die Kämpfe auflockert und ihnen einen völlig neuen Touch verleiht. Greift man die unzähligen Gegner beispielsweise einfach auf normalem Wege an, nehmen diese kaum Schaden. Man muss die Schutzmechaniken der mechanischen Gegner per Hacking-Tool erst umgehen und verschafft sich somit ein kurzes Zeitfenster, in welchem die Gegner deutlich verwundbarer sind.

Gerade am Anfang des Abenteuers empfindet man das Hacken noch als recht einfach umsetzbar. Interessant und fordernd wird das Ganze aber im weiteren Spielverlauf, wenn man sich mehrerer Gegner gleichzeitig erwehren muss und diese ganz nebenbei ja auch immer erst noch hacken muss. Multitasking wird bei Pragmata also großgeschrieben und man muss während der teils wirklich hektischen Situationen stets einen kühlen Kopf bewahren um Herr über die jeweilige Situation zu bleiben. Die Hacking-Mechanik ist also definitiv das große und herausstechende Feature von Pragmata.

Anders als man im ersten Moment vielleicht denken möchte, erwartet uns mit Pragmata also alles andere als ein typischer 08/15-Third-Person-Shooter. Das Zusammenspiel aus Atmosphäre, den toll geschriebenen Dialogen zwischen Hugh und dem Androiden-Mädchen und der neu eingeführten Hacking-Mechanik runden das Gesamtpaket gekonnt ab und machen Pragmata zu einem wirklich tollen Titel, den man auf jeden Fall gespielt haben sollte.

Auch optisch ein außerirdischer Leckerbissen der Oberklasse

Speziell die optische Präsentation von Pragmata kann sich wirklich sehen lassen. Wunderbar kühl und steril fühlt sich die Mondbasis in den ersten Spielminuten an. Im weiteren Spielverlauf verändern sich die Locations natürlich auch etwas, was zusätzliche optische Abwechslung mit sich bringt und den äußerst sterilen Look etwas auflockert.

Neben den tollen Texturen und Modellen sind es speziell die fantastischen Lichteffekte, die dem Abenteuer nicht selten die optische Krone aufsetzen und das grafische Erlebnis abrunden. Vor allem die Animationen der Charaktere konnten mich vollstens überzeugen, denn diese fühlen sich fast schon butterweich und geschmeidig an.

Pragmata lief während unserer Testsession im Performance-Modus auf PlayStation 5 außerdem stets mit flüssigen 60 Frames über den Bildschirm und auch mit lästigen Vsync-Störungen mussten wir uns zu keiner Sekunde beschäftigen. Auf Wunsch kann Pragmata auch in einem Qualitätsmodus mit höherer Auflösung gespielt werden. Hier muss man sich dann allerdings mit 30 Frames begnügen.

Ein wirklich rundes grafisches Erlebnis, welches einmal mehr beweist, dass sich technische Optimierung eben doch auszahlt. Nicht selten erscheinen Spiele heutzutage ja vor allem technisch in unsauberem Zustand und erst nach vielen Updates werden die Titel dann überhaupt erst richtig spielbar. Das ist bei Pragmata jedoch keinesfalls der Fall und sollte auf jeden Fall löblich erwähnt werden.

Durchschlagende Soundeffekte und eine fantastische Synchronisation verwöhnen die Ohren

Auch tontechnisch feuert Pragmata aus allen Rohren. Neben den eher ruhigen und atmosphärischen Klangteppichen dreht der Sound vor allem in den hitzigen und fordernden Kämpfen auf und verleiht der jeweiligen Situation somit noch mehr Durchschlagskraft. Die fantastisch umgesetzten Soundeffekte wirken zudem wuchtig und stets passend und untermauern das Actiongeladene zusätzlich gekonnt.

Auch die gesprochenen Dialoge sind absolut hochwertig umgesetzt und speziell die englischen und japanischen Sprecher geben wirklich alles um dieses Sci-Fi-Abenteuer so authentisch wie möglich wirken zu lassen. Wirklich vorbildlich und absolut auf Triple-A-Niveau.

Auch die deutschen Sprecher wirken durchaus kompetent, kommen meiner Meinung nach aber keineswegs an die englischen oder japanischen Sprecher heran. Ich bin aber im Allgemeinen überhaupt kein Fan deutscher Synchronisierungen.

Spannendes Space-Abenteuer mit besonderem Gameplay-Kniff und toller Atmosphäre

Bildmaterial: Pragmata, Capcom

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Titel	Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake
	12. März 2026
	Koei Tecmo Ltd
	12. März 2026
	Koei Tecmo America
	12. März 2026
	Koei Tecmo Europe
System	PlayStation 5, Xbox Series, Nintendo Switch 2, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Team Ninja
Genres	Survival-Horror
Texte
Vertonung

Die Project-Zero-Reihe liegt mir seit dem ersten Teil am Herzen. Kein anderes Spiel des Horror-Genres kann mich so gut in ein kleines ängstliches Kind verwandeln wie diese Serie. Mittlerweile heißt es auch bei uns Fatal Frame und bringt mit Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake den zweiten Teil der Serie nun zum dritten Mal in neuer Form auf den Markt. Dabei behält es den Kern der Reihe und lässt die Unterhose schmutzig werden, bringt aber auch unnötige Neuerungen mit sich.

Auf in das wortwörtliche Geisterdorf

In Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake übernehmt ihr die Kontrolle über Mio, welche gemeinsam mit ihrer Schwester Mayu in einem Wald spaziert. Geplagt von Kindheitserinnerungen über einen Unfall ihrer Schwester bekommt Mio zu spät mit, dass ihre Schwester einem roten Schmetterling folgt. Plötzlich befinden sich die Zwillinge in einem verlassenen Dorf, welches dauerhaft in die Nacht gehüllt ist.

Dort wird schnell klar: Hier spukt es! Außerdem wirkt Mayu plötzlich wie besessen, spricht von einem Ritual und verschwindet in den Schatten des Dorfes. Dieses ist gefüllt mit Geistern und Nachtmahren, wobei Letztere euch regelmäßig angreifen. Hierbei handelt es sich um aggressive Geister. Eure einzige Methode zur Abwehr ist eine Kamera, welche die spektralen Angreifer exorzieren kann.

Die Story von Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake bleibt im Kern gleich zum Original. Doch es gibt dank neuen Nebenmissionen die Möglichkeit über die Verstorbenen des Dorfes mehr zu erfahren. Dies hilft dabei, neue Details zu lernen und lässt die Geschehnisse in Minakami noch grausamer erscheinen.

Und jetzt: „Cheese!“

Fatal Frame II ist ein Survival-Horror-Spiel, in dem ihr das Dorf nach und nach erkundet, euch gegen Geister wehrt und kleine Rätsel löst. Durch das Sammeln von Dokumenten lernt ihr über die Geschichte von Minakami und erfahrt nach und nach, was passiert ist. Kleine Jumpscares hier und da dürfen natürlich nicht fehlen. Ich bin für gewöhnlich kein Fan von billigen Schock-Momenten. Aber hier wurde selbst ich teilweise in bestimmten Momenten aus der Reserve gelockt und ein zierliches „HUCH“ entfleuchte meinen sonst so starken und maskulinen Lippen.

Dabei sind es oft die „normalen“ Geister, welche euch einen kurzen Schreck-Moment geben können. Diese können von euch mit der Camera Obscura fotografiert werden, um im Akten-Menü zusätzliche Informationen zu erhalten. Doch besonders viel zum Einsatz kommt die Kamera dann bei der Begegnung mit einem der gefährlichen Nachtmahre.

Das Hauptaugenmerk der Fatal-Frame-Reihe ist genau dieses Feature: die Kamera! Anders als in vergleichbaren Spielen seid ihr nur ein junges Mädchen, welches Fotos von Geistern knipst um sich zu wehren. Dies macht die Reihe aus und hilft beim „Hilflos“-Gefühl. In Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake wollte man aber diesen Aspekt revolutionieren und hat dabei völlig daneben gelangt.

Unnötige Neuerungen mit wenig Impact

Um einen Geist zu exorzieren, müsst ihr die Kamera anheben und den Sucher so platzieren, dass ihr ein ordentliches Bild knipsen könnt. Dabei gibt es Fokuspunkte, die zusätzlichen Schaden verursachen, wenn der Nachtmahr beim Fotografieren damit in Berührung kommt. Knipst ihr im Moment eines Angriffs, könnt ihr noch mehr Schaden verursachen: das namensgebende Fatal Frame! Richtig eingesetzt könnt ihr anschließend für kurze Zeit mehrere Fotos hintereinander machen und dem Geist so richtig zusetzen.

Bis hier hin ist alles wie gehabt. Doch mit den verschiedenen Filtern ersetzt das Remake die bisherigen Objektive und bietet euch das Äquivalent zwischen der Auswahl einer Pistole und einer Schrotflinte. Während der Standardfilter in allen Bereichen ausgeglichen ist, so hat der Strahlfilter eine kürzere Reichweite, aber macht mehr Schaden bei einem Foto. Ich muss aber zugeben, dass ich dennoch fast immer den Standardfilter verwendet habe – dieser wirkt auf Dauer für mich am besten.

Die Filter haben auch andere Funktionen: Seht die Spuren von Geistern, um ihnen folgen zu können, enthüllt bisher ungesehene Dinge oder exorziert verfluchte Gegenstände und Türen. Mithilfe von Spezialfotos könnt ihr außerdem Geister kurz erblinden lassen oder von euch wegstoßen. Diese benötigen Geisterkraft, was eine neue Ressource im Remake ist. Diese lädt sich außerhalb von Kämpfen von alleine auf, im Kampf durch Fotos. Allerdings verbraucht Mio diese Kraft auch beim Ausweichen oder Rennen im Kampf, Treffer von Geistern verbrauchen die Leiste ebenfalls und manchmal ziehen euch die Geister mit speziellen Angriffen die komplette Geisterkraft aus dem Körper.

„Ich liege hilflos auf dem Boden und ich entscheide mich, nicht aufzustehen!“

Ist eure Geisterkraft komplett leer, könnt ihr die Spezialfotos nicht einsetzen. In den Kämpfen war dies leider dann nahezu fast immer der Fall, weshalb ich die besonderen Fotos vor allem am Anfang kaum genutzt habe. Immerhin verbrauchen sie keinen Film – vor allem am Anfang eine rare Ressource. Diese gibt es in verschiedenen Versionen, mit unterschiedlichen Vor- und Nachteilen. Wenn ihr keine Kraft mehr habt, verliert ihr bei einem Angriff deutlich mehr Lebensenergie, könnt aber vor allem auch umgeschubst werden.

Dann liegt ihr auf dem Boden und Mio braucht verdammt lang, um wieder aufzustehen. Meist werfen sich die Geister dann auf euch, würgen euch und ihr müsst mit einem Foto schnell den Geist wieder von euch abschütteln. Das klappt auch, aber irgendwie nervt diese neue Mechanik mehr, als dass sie mich in Bedrängnis bringt oder mich fürchten lässt. Wirklich viele Vorteile für Spielende hat die Geisterkraft nicht und wirkt eher wie ein nicht komplett durchdachtes Konzept, um irgendwie die Kämpfe unnötig komplexer zu machen.

Doch im Vergleich zum „Wütend“-Modus der Nachtmahre ist die Geisterkraft eine geniale Innovation. Es kann passieren, dass ein Geist zufällig nach einem Angriff von euch wütend wird und in einen speziellen Zustand gerät. Dann leuchten sie rot, machen mehr Schaden und ihr könnt ihnen weniger Lebenspunkte abziehen. So weit, so gut. Aber sie heilen sich auch, und das nicht zu knapp! Um den Nachtmahr aus diesem Modus zu ziehen, müsst ihr ausreichend Schaden ausrichten.

Aber es kann auch passieren, dass er dann noch einmal wütend wird, sich wieder heilt und ein eigentlich kurzer Kampf gegen einen gewöhnlichen Geist sich dann sinnlos zieht und eure Ressourcen verschwendet. Schon nach kurzer Zeit war ich von dieser Mechanik einfach nur genervt. Vor allem dann, wenn man mehr als einen Nachtmahr vor sich hat und dann plötzlich beide der Meinung sind, nun wütend zu sein und sich zu heilen. Diese neue Funktion reißt mich als Spieler völlig aus der Gruselspannung heraus und frustriert unnötig. Schade.

Das Aufrüsten der Kamera

Gerade zu Beginn des Spieles erfüllt sich das Konzept „Hilflos mit einer Kamera“ noch komplett. Denn ohne Upgrades kann das Ding halt nicht viel – macht aber die erzürnten Feinde noch frustrierender. Im Original konntet ihr die Kamera mithilfe von gesammelten Geisterpunkten aufrüsten. Diese erhaltet ihr beim Fotografieren von Geistern. Nun könnt ihr Perlen einsammeln, welche die Kamera verstärken. Erhöht die Anzahl der Fokuspunkte, verstärkt die maximale Angriffskraft oder verbessert den automatischen Fokus der Kamera. Übrigens auch neu: Die Kamera muss sich erst auf einen Feind justieren, um möglichst viel Schaden zu machen. Zudem könnt ihr nun auch auf Knopfdruck an die Feinde heranzoomen.

Die Geisterpunkte könnt ihr weiterhin sammeln und an einem Speicherpunkt gegen Talismane, Heilitems oder Sticker für den Foto-Modus eintauschen. Die Talismane bieten euch unterschiedliche Boni wie mehr Schaden, eine höhere Geisterkrafterholung im Kampf oder mehr Heilung beim Händchenhalten mit Mio. Letzteres ist auch neu: Seid ihr mit eurer Zwillingsschwester unterwegs, könnt ihr auf Knopfdruck ihre Hand halten. Dies hilft dabei vor Nachtmahren zu entkommen oder sie besser zu platzieren. Denn auch sie kann angegriffen und getötet werden. Dann heißt es: Game Over!

Apropos: Es gibt Momente im Spiel, wo ihr wirklich machtlos seid und fliehen müsst, da ihr einen Geist nicht wegknipsen könnt. Hier hilft nur in Schränken oder im hohen Gras verstecken. Das kann aber durchaus zu kurzen Frustmomenten führen, da das Bild dann komplett schwarz-weiß wird und dadurch auch noch einmal deutlich dunkler. Rennt ihr durch ein unbekanntes Gebiet, wird es schwierig auf Anhieb ein Versteck zu finden. Werdet ihr erwischt, stirbt Mio direkt.

Die Ladezeiten sind leider unverständlich lang und man starrt dann gut zehn bis 15 Sekunden auf den schwarzen Bildschirm, bevor man die Flucht erneut angehen kann. Während diese Momente eigentlich ein Höhepunkt der Angst sein sollten, so kann das dann leider eher schnell frustrieren.

Eine dichte und gruselige Atmosphäre

Trotz der fragwürdigen Neuerungen schafft es Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake eine gruselige Spannung aufzubauen. Packt euch ordentliche Kopfhörer, dunkelt den Raum ab und ihr werdet die ganze Zeit ein mulmiges Gefühl im Magen haben. Das Sound-Design ist wirklich großartig gelungen. Da ein Knacken, dort ein Ächzen – eine Geräuschkulisse, welche euch nie so richtig sicher fühlen lässt. An einem Punkt hört man im Spiel in einem Raum gewaltiges Gepolter, um zu wissen, dass man da hin soll.

Wenn man da aber so vorbeiläuft, wird einem erst einmal schon mulmig, wenn man plötzlich die lauten Geräusche vernimmt. Auch die englische Sprachausgabe macht hier einen großartigen Job und vermittelt euch das Gefühl von leidenden Seelen, die Schreckliches erlebt haben. Ihr könnt aber auch die japanischen Stimmen auswählen, falls ihr es aufgrund des Schauplatzes „authentischer“ haben wollt.

Visuell ist das Remake auf jeden Fall auch gelungen. Das Dorf wirkt noch schmutziger, noch verfallener und irgendwie grusliger als zuvor. Lediglich die Geister sehen mir teilweise schon fast „zu gut“ aus und verlieren ein wenig diesen schmuddeligen, grusligen Charme, den sie im PS2-Original aufgrund der gröberen Grafik hatten. Das ist aber nun keine wirkliche Kritik, einfach eine Vorliebe meinerseits.

Was zum Glück dank eines Patches nun abgestellt werden kann, ist der körnige Filter, welcher die ganze Zeit auf dem Bildschirm ist. Dieser sorgt eigentlich nur für ein schlechteres Bild und soll wahrscheinlich den von mir angesprochenen gröberen Stil des Originales einfangen, ist aber so stark, dass er eher nervt und von der eigentlich tollen Optik des Remakes ablenkt. Generell musste ich die Helligkeit im Spiel ziemlich erhöhen, weil ich sonst teilweise einfach gar nichts gesehen hätte.

Ein gelungenes Remake mit nervigen Neuerungen

Im Großen und Ganzen hat mich Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake zum mittlerweile dritten Mal nach Minakami geworfen und trotzdem wieder gepackt. Die Atmosphäre zieht einen in den Bann, die Story ist klasse (und tragisch) und das Erkunden macht trotz ständigem Backtracking und erneutem Betreten bekannter Gebiete Spaß. Dank dem Filter, welcher euch ein wenig beim Navigieren unterstützt, und der Minimap ist das Umherirren nicht mehr so schlimm wie früher. Nur die Neuerungen im Kampf gegen Nachtmahre versauern den Gruselspaß ein wenig, da diese so in der Form nicht hätten sein müssen und mehr zu Frust führen als für Angst zu sorgen.

Bildmaterial: Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake, Koei Tecmo, Team Ninja

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