Titel	Pragmata
	17. April 2026
	Capcom
	17. April 2026
	Capcom
	17. April 2026
	Capcom
System	PlayStation 5, Xbox Series, Switch 2, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Capcom
Genres	Third-Person-Action-Adventure
Texte
Vertonung

Neue IPs haben es heutzutage immer schwerer Fuß zu fassen in einem schier endlosen Meer aus altbekannten und etablierten Marken oder Indie-Titeln, die ohnehin in einer eigenen Kategorie zuhause sind und oft mit einem gänzlich anderen Auge betrachtet werden. Speziell im Triple-A-Bereich, in dem die Budgets mittlerweile extrem hoch angesetzt werden, sind immer weniger Publisher bereit, viel Geld in ein noch unbekanntes Franchise oder eine neue Marke zu investieren.

Umso erfreulicher ist es daher, dass sich doch immer wieder große Publisher und Entwickler wie Capcom an neue Marken herantrauen und obendrein auch bereit sind, ein ordentliches Budget für die Entwicklung ebenjener Titel springen zu lassen.

Eine dieser gänzlich neuen IPs des japanischen Publishers und Entwicklers Capcom ist das Sci-Fi-Abenteuer Pragmata. Pragmata mag auf den ersten Blick zwar aussehen wie ein typischer Third-Person-Shooter, wie es sie schon zur Genüge gibt, dennoch versteckt sich hinter der scheinbar altbekannten Fassade ein spannendes Hacking-Abenteuer, welches mit einem einfachen, aber doch irgendwie genialen Gameplay-Kniff frischen Wind in das angestaubte Genre bringt.

Pragmata erscheint am 17. April für PS5, Xbox Series, Switch 2 und PCs. Ob sich das Warten auf den vielversprechenden Titel gelohnt hat, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Review.

Eine von der Außenwelt abgeschnittene Forschungsstation und ein neuartiges Material

Die Geschichte von Pragmata spielt in einer gar nicht mal so weit entfernten Zukunft. Die Menschheit hat einen gänzlich neuen Rohstoff entdeckt, das sogenannte „Lunum“. Mit Hilfe von Lunum konnte nach einiger Forschungsarbeit das neuartige Material „Lunafilment“ erschaffen werden.

Eine Art Material, welches dazu benutzt wird, mit teils gigantischen „Druckanlagen“ verschiedenste Gegenstände, Gebäude oder auch andere Dinge zu erschaffen. Einzig eine Vorlage dessen, was man kreieren möchte, ist notwendig, um der Druckanlage vorzuschreiben, was sie zu bauen hat. Wie bei einem 3D-Drucker der aktuellen Zeit, könnte man sagen.

Eines Tages ging der Kontakt zwischen der Erde und dieser Forschungsstation, die sich auf dem Mond befindet, jedoch verloren. Ein Team aus Spezialisten wurde umgehend entsandt um sich diesem Problem anzunehmen und dem merkwürdigen Kontaktabbruch auf den Grund zu gehen.

Kurz nach dem Eintreffen dieses Teams gab es jedoch ein Mondbeben. Also eine Erschütterung des Mondes. Hugh Williams, unser Hauptcharakter, wurde durch ebendieses Mondbeben von seinem Team getrennt. Im bewusstlosen Zustand wird Hugh jedoch von einem kleinen Mädchen, einem mysteriösen Androiden, gerettet und wiederhergestellt. Sie ist ein Pragmata, ein Geschöpf, welches mit Hilfe von Lunafilment erschaffen wurde und eine künstliche Intelligenz besitzt. Speziell die sehr emotional präsentierte Beziehung zwischen Hugh und dem Mädchen wurde wirklich toll umgesetzt.

Von hier aus nimmt die spannende Geschichte rund um die Erkundung dieser gigantischen Mondbasis nun ihren Lauf. Seite an Seite mit dem äußerst menschlich anmutenden Androiden muss Hugh die seltsamen Vorkommnisse auf der Basis nun also ohne die Hilfe seines Teams untersuchen.

Third-Person-Action mit dem besonderen Etwas lockert das Genre auf

Pragmata ist im Kern ein Third-Person-Shooter, wie man ihn erwarten würde. Actiongeladene Kämpfe wechseln sich mit ruhigeren Erkundungsphasen ab. Die Story wird mit Hilfe vieler Cutscenes, aber auch anhand vieler in der Welt verstreuter Schriftstücke wie E-Mails und andere Dokumente erzählt. So weit, so gewöhnlich, könnte man sagen.

Dann kommt jedoch die größte Besonderheit von Pragmata zum Tragen. Das ausgefeilte Hacking-System, das die Kämpfe auflockert und ihnen einen völlig neuen Touch verleiht. Greift man die unzähligen Gegner beispielsweise einfach auf normalem Wege an, nehmen diese kaum Schaden. Man muss die Schutzmechaniken der mechanischen Gegner per Hacking-Tool erst umgehen und verschafft sich somit ein kurzes Zeitfenster, in welchem die Gegner deutlich verwundbarer sind.

Gerade am Anfang des Abenteuers empfindet man das Hacken noch als recht einfach umsetzbar. Interessant und fordernd wird das Ganze aber im weiteren Spielverlauf, wenn man sich mehrerer Gegner gleichzeitig erwehren muss und diese ganz nebenbei ja auch immer erst noch hacken muss. Multitasking wird bei Pragmata also großgeschrieben und man muss während der teils wirklich hektischen Situationen stets einen kühlen Kopf bewahren um Herr über die jeweilige Situation zu bleiben. Die Hacking-Mechanik ist also definitiv das große und herausstechende Feature von Pragmata.

Anders als man im ersten Moment vielleicht denken möchte, erwartet uns mit Pragmata also alles andere als ein typischer 08/15-Third-Person-Shooter. Das Zusammenspiel aus Atmosphäre, den toll geschriebenen Dialogen zwischen Hugh und dem Androiden-Mädchen und der neu eingeführten Hacking-Mechanik runden das Gesamtpaket gekonnt ab und machen Pragmata zu einem wirklich tollen Titel, den man auf jeden Fall gespielt haben sollte.

Auch optisch ein außerirdischer Leckerbissen der Oberklasse

Speziell die optische Präsentation von Pragmata kann sich wirklich sehen lassen. Wunderbar kühl und steril fühlt sich die Mondbasis in den ersten Spielminuten an. Im weiteren Spielverlauf verändern sich die Locations natürlich auch etwas, was zusätzliche optische Abwechslung mit sich bringt und den äußerst sterilen Look etwas auflockert.

Neben den tollen Texturen und Modellen sind es speziell die fantastischen Lichteffekte, die dem Abenteuer nicht selten die optische Krone aufsetzen und das grafische Erlebnis abrunden. Vor allem die Animationen der Charaktere konnten mich vollstens überzeugen, denn diese fühlen sich fast schon butterweich und geschmeidig an.

Pragmata lief während unserer Testsession im Performance-Modus auf PlayStation 5 außerdem stets mit flüssigen 60 Frames über den Bildschirm und auch mit lästigen Vsync-Störungen mussten wir uns zu keiner Sekunde beschäftigen. Auf Wunsch kann Pragmata auch in einem Qualitätsmodus mit höherer Auflösung gespielt werden. Hier muss man sich dann allerdings mit 30 Frames begnügen.

Ein wirklich rundes grafisches Erlebnis, welches einmal mehr beweist, dass sich technische Optimierung eben doch auszahlt. Nicht selten erscheinen Spiele heutzutage ja vor allem technisch in unsauberem Zustand und erst nach vielen Updates werden die Titel dann überhaupt erst richtig spielbar. Das ist bei Pragmata jedoch keinesfalls der Fall und sollte auf jeden Fall löblich erwähnt werden.

Durchschlagende Soundeffekte und eine fantastische Synchronisation verwöhnen die Ohren

Auch tontechnisch feuert Pragmata aus allen Rohren. Neben den eher ruhigen und atmosphärischen Klangteppichen dreht der Sound vor allem in den hitzigen und fordernden Kämpfen auf und verleiht der jeweiligen Situation somit noch mehr Durchschlagskraft. Die fantastisch umgesetzten Soundeffekte wirken zudem wuchtig und stets passend und untermauern das Actiongeladene zusätzlich gekonnt.

Auch die gesprochenen Dialoge sind absolut hochwertig umgesetzt und speziell die englischen und japanischen Sprecher geben wirklich alles um dieses Sci-Fi-Abenteuer so authentisch wie möglich wirken zu lassen. Wirklich vorbildlich und absolut auf Triple-A-Niveau.

Auch die deutschen Sprecher wirken durchaus kompetent, kommen meiner Meinung nach aber keineswegs an die englischen oder japanischen Sprecher heran. Ich bin aber im Allgemeinen überhaupt kein Fan deutscher Synchronisierungen.

Spannendes Space-Abenteuer mit besonderem Gameplay-Kniff und toller Atmosphäre

Bildmaterial: Pragmata, Capcom

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Titel	Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake
	12. März 2026
	Koei Tecmo Ltd
	12. März 2026
	Koei Tecmo America
	12. März 2026
	Koei Tecmo Europe
System	PlayStation 5, Xbox Series, Nintendo Switch 2, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Team Ninja
Genres	Survival-Horror
Texte
Vertonung

Die Project-Zero-Reihe liegt mir seit dem ersten Teil am Herzen. Kein anderes Spiel des Horror-Genres kann mich so gut in ein kleines ängstliches Kind verwandeln wie diese Serie. Mittlerweile heißt es auch bei uns Fatal Frame und bringt mit Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake den zweiten Teil der Serie nun zum dritten Mal in neuer Form auf den Markt. Dabei behält es den Kern der Reihe und lässt die Unterhose schmutzig werden, bringt aber auch unnötige Neuerungen mit sich.

Auf in das wortwörtliche Geisterdorf

In Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake übernehmt ihr die Kontrolle über Mio, welche gemeinsam mit ihrer Schwester Mayu in einem Wald spaziert. Geplagt von Kindheitserinnerungen über einen Unfall ihrer Schwester bekommt Mio zu spät mit, dass ihre Schwester einem roten Schmetterling folgt. Plötzlich befinden sich die Zwillinge in einem verlassenen Dorf, welches dauerhaft in die Nacht gehüllt ist.

Dort wird schnell klar: Hier spukt es! Außerdem wirkt Mayu plötzlich wie besessen, spricht von einem Ritual und verschwindet in den Schatten des Dorfes. Dieses ist gefüllt mit Geistern und Nachtmahren, wobei Letztere euch regelmäßig angreifen. Hierbei handelt es sich um aggressive Geister. Eure einzige Methode zur Abwehr ist eine Kamera, welche die spektralen Angreifer exorzieren kann.

Die Story von Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake bleibt im Kern gleich zum Original. Doch es gibt dank neuen Nebenmissionen die Möglichkeit über die Verstorbenen des Dorfes mehr zu erfahren. Dies hilft dabei, neue Details zu lernen und lässt die Geschehnisse in Minakami noch grausamer erscheinen.

Und jetzt: „Cheese!“

Fatal Frame II ist ein Survival-Horror-Spiel, in dem ihr das Dorf nach und nach erkundet, euch gegen Geister wehrt und kleine Rätsel löst. Durch das Sammeln von Dokumenten lernt ihr über die Geschichte von Minakami und erfahrt nach und nach, was passiert ist. Kleine Jumpscares hier und da dürfen natürlich nicht fehlen. Ich bin für gewöhnlich kein Fan von billigen Schock-Momenten. Aber hier wurde selbst ich teilweise in bestimmten Momenten aus der Reserve gelockt und ein zierliches „HUCH“ entfleuchte meinen sonst so starken und maskulinen Lippen.

Dabei sind es oft die „normalen“ Geister, welche euch einen kurzen Schreck-Moment geben können. Diese können von euch mit der Camera Obscura fotografiert werden, um im Akten-Menü zusätzliche Informationen zu erhalten. Doch besonders viel zum Einsatz kommt die Kamera dann bei der Begegnung mit einem der gefährlichen Nachtmahre.

Das Hauptaugenmerk der Fatal-Frame-Reihe ist genau dieses Feature: die Kamera! Anders als in vergleichbaren Spielen seid ihr nur ein junges Mädchen, welches Fotos von Geistern knipst um sich zu wehren. Dies macht die Reihe aus und hilft beim „Hilflos“-Gefühl. In Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake wollte man aber diesen Aspekt revolutionieren und hat dabei völlig daneben gelangt.

Unnötige Neuerungen mit wenig Impact

Um einen Geist zu exorzieren, müsst ihr die Kamera anheben und den Sucher so platzieren, dass ihr ein ordentliches Bild knipsen könnt. Dabei gibt es Fokuspunkte, die zusätzlichen Schaden verursachen, wenn der Nachtmahr beim Fotografieren damit in Berührung kommt. Knipst ihr im Moment eines Angriffs, könnt ihr noch mehr Schaden verursachen: das namensgebende Fatal Frame! Richtig eingesetzt könnt ihr anschließend für kurze Zeit mehrere Fotos hintereinander machen und dem Geist so richtig zusetzen.

Bis hier hin ist alles wie gehabt. Doch mit den verschiedenen Filtern ersetzt das Remake die bisherigen Objektive und bietet euch das Äquivalent zwischen der Auswahl einer Pistole und einer Schrotflinte. Während der Standardfilter in allen Bereichen ausgeglichen ist, so hat der Strahlfilter eine kürzere Reichweite, aber macht mehr Schaden bei einem Foto. Ich muss aber zugeben, dass ich dennoch fast immer den Standardfilter verwendet habe – dieser wirkt auf Dauer für mich am besten.

Die Filter haben auch andere Funktionen: Seht die Spuren von Geistern, um ihnen folgen zu können, enthüllt bisher ungesehene Dinge oder exorziert verfluchte Gegenstände und Türen. Mithilfe von Spezialfotos könnt ihr außerdem Geister kurz erblinden lassen oder von euch wegstoßen. Diese benötigen Geisterkraft, was eine neue Ressource im Remake ist. Diese lädt sich außerhalb von Kämpfen von alleine auf, im Kampf durch Fotos. Allerdings verbraucht Mio diese Kraft auch beim Ausweichen oder Rennen im Kampf, Treffer von Geistern verbrauchen die Leiste ebenfalls und manchmal ziehen euch die Geister mit speziellen Angriffen die komplette Geisterkraft aus dem Körper.

„Ich liege hilflos auf dem Boden und ich entscheide mich, nicht aufzustehen!“

Ist eure Geisterkraft komplett leer, könnt ihr die Spezialfotos nicht einsetzen. In den Kämpfen war dies leider dann nahezu fast immer der Fall, weshalb ich die besonderen Fotos vor allem am Anfang kaum genutzt habe. Immerhin verbrauchen sie keinen Film – vor allem am Anfang eine rare Ressource. Diese gibt es in verschiedenen Versionen, mit unterschiedlichen Vor- und Nachteilen. Wenn ihr keine Kraft mehr habt, verliert ihr bei einem Angriff deutlich mehr Lebensenergie, könnt aber vor allem auch umgeschubst werden.

Dann liegt ihr auf dem Boden und Mio braucht verdammt lang, um wieder aufzustehen. Meist werfen sich die Geister dann auf euch, würgen euch und ihr müsst mit einem Foto schnell den Geist wieder von euch abschütteln. Das klappt auch, aber irgendwie nervt diese neue Mechanik mehr, als dass sie mich in Bedrängnis bringt oder mich fürchten lässt. Wirklich viele Vorteile für Spielende hat die Geisterkraft nicht und wirkt eher wie ein nicht komplett durchdachtes Konzept, um irgendwie die Kämpfe unnötig komplexer zu machen.

Doch im Vergleich zum „Wütend“-Modus der Nachtmahre ist die Geisterkraft eine geniale Innovation. Es kann passieren, dass ein Geist zufällig nach einem Angriff von euch wütend wird und in einen speziellen Zustand gerät. Dann leuchten sie rot, machen mehr Schaden und ihr könnt ihnen weniger Lebenspunkte abziehen. So weit, so gut. Aber sie heilen sich auch, und das nicht zu knapp! Um den Nachtmahr aus diesem Modus zu ziehen, müsst ihr ausreichend Schaden ausrichten.

Aber es kann auch passieren, dass er dann noch einmal wütend wird, sich wieder heilt und ein eigentlich kurzer Kampf gegen einen gewöhnlichen Geist sich dann sinnlos zieht und eure Ressourcen verschwendet. Schon nach kurzer Zeit war ich von dieser Mechanik einfach nur genervt. Vor allem dann, wenn man mehr als einen Nachtmahr vor sich hat und dann plötzlich beide der Meinung sind, nun wütend zu sein und sich zu heilen. Diese neue Funktion reißt mich als Spieler völlig aus der Gruselspannung heraus und frustriert unnötig. Schade.

Das Aufrüsten der Kamera

Gerade zu Beginn des Spieles erfüllt sich das Konzept „Hilflos mit einer Kamera“ noch komplett. Denn ohne Upgrades kann das Ding halt nicht viel – macht aber die erzürnten Feinde noch frustrierender. Im Original konntet ihr die Kamera mithilfe von gesammelten Geisterpunkten aufrüsten. Diese erhaltet ihr beim Fotografieren von Geistern. Nun könnt ihr Perlen einsammeln, welche die Kamera verstärken. Erhöht die Anzahl der Fokuspunkte, verstärkt die maximale Angriffskraft oder verbessert den automatischen Fokus der Kamera. Übrigens auch neu: Die Kamera muss sich erst auf einen Feind justieren, um möglichst viel Schaden zu machen. Zudem könnt ihr nun auch auf Knopfdruck an die Feinde heranzoomen.

Die Geisterpunkte könnt ihr weiterhin sammeln und an einem Speicherpunkt gegen Talismane, Heilitems oder Sticker für den Foto-Modus eintauschen. Die Talismane bieten euch unterschiedliche Boni wie mehr Schaden, eine höhere Geisterkrafterholung im Kampf oder mehr Heilung beim Händchenhalten mit Mio. Letzteres ist auch neu: Seid ihr mit eurer Zwillingsschwester unterwegs, könnt ihr auf Knopfdruck ihre Hand halten. Dies hilft dabei vor Nachtmahren zu entkommen oder sie besser zu platzieren. Denn auch sie kann angegriffen und getötet werden. Dann heißt es: Game Over!

Apropos: Es gibt Momente im Spiel, wo ihr wirklich machtlos seid und fliehen müsst, da ihr einen Geist nicht wegknipsen könnt. Hier hilft nur in Schränken oder im hohen Gras verstecken. Das kann aber durchaus zu kurzen Frustmomenten führen, da das Bild dann komplett schwarz-weiß wird und dadurch auch noch einmal deutlich dunkler. Rennt ihr durch ein unbekanntes Gebiet, wird es schwierig auf Anhieb ein Versteck zu finden. Werdet ihr erwischt, stirbt Mio direkt.

Die Ladezeiten sind leider unverständlich lang und man starrt dann gut zehn bis 15 Sekunden auf den schwarzen Bildschirm, bevor man die Flucht erneut angehen kann. Während diese Momente eigentlich ein Höhepunkt der Angst sein sollten, so kann das dann leider eher schnell frustrieren.

Eine dichte und gruselige Atmosphäre

Trotz der fragwürdigen Neuerungen schafft es Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake eine gruselige Spannung aufzubauen. Packt euch ordentliche Kopfhörer, dunkelt den Raum ab und ihr werdet die ganze Zeit ein mulmiges Gefühl im Magen haben. Das Sound-Design ist wirklich großartig gelungen. Da ein Knacken, dort ein Ächzen – eine Geräuschkulisse, welche euch nie so richtig sicher fühlen lässt. An einem Punkt hört man im Spiel in einem Raum gewaltiges Gepolter, um zu wissen, dass man da hin soll.

Wenn man da aber so vorbeiläuft, wird einem erst einmal schon mulmig, wenn man plötzlich die lauten Geräusche vernimmt. Auch die englische Sprachausgabe macht hier einen großartigen Job und vermittelt euch das Gefühl von leidenden Seelen, die Schreckliches erlebt haben. Ihr könnt aber auch die japanischen Stimmen auswählen, falls ihr es aufgrund des Schauplatzes „authentischer“ haben wollt.

Visuell ist das Remake auf jeden Fall auch gelungen. Das Dorf wirkt noch schmutziger, noch verfallener und irgendwie grusliger als zuvor. Lediglich die Geister sehen mir teilweise schon fast „zu gut“ aus und verlieren ein wenig diesen schmuddeligen, grusligen Charme, den sie im PS2-Original aufgrund der gröberen Grafik hatten. Das ist aber nun keine wirkliche Kritik, einfach eine Vorliebe meinerseits.

Was zum Glück dank eines Patches nun abgestellt werden kann, ist der körnige Filter, welcher die ganze Zeit auf dem Bildschirm ist. Dieser sorgt eigentlich nur für ein schlechteres Bild und soll wahrscheinlich den von mir angesprochenen gröberen Stil des Originales einfangen, ist aber so stark, dass er eher nervt und von der eigentlich tollen Optik des Remakes ablenkt. Generell musste ich die Helligkeit im Spiel ziemlich erhöhen, weil ich sonst teilweise einfach gar nichts gesehen hätte.

Ein gelungenes Remake mit nervigen Neuerungen

Im Großen und Ganzen hat mich Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake zum mittlerweile dritten Mal nach Minakami geworfen und trotzdem wieder gepackt. Die Atmosphäre zieht einen in den Bann, die Story ist klasse (und tragisch) und das Erkunden macht trotz ständigem Backtracking und erneutem Betreten bekannter Gebiete Spaß. Dank dem Filter, welcher euch ein wenig beim Navigieren unterstützt, und der Minimap ist das Umherirren nicht mehr so schlimm wie früher. Nur die Neuerungen im Kampf gegen Nachtmahre versauern den Gruselspaß ein wenig, da diese so in der Form nicht hätten sein müssen und mehr zu Frust führen als für Angst zu sorgen.

Bildmaterial: Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake, Koei Tecmo, Team Ninja

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Titel	Resident Evil Requiem
	27. Februar 2026
	Capcom
	27. Februar 2026
	Capcom
	27. Februar 2026
	Capcom
System	PlayStation 5, Xbox Series, Switch 2, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Capcom
Genres	Survival-Horror
Texte
Vertonung

Mit der weltweit äußerst erfolgreichen und beliebten Resident-Evil-Reihe lehrt uns der japanische Entwickler und Publisher Capcom bereits seit Mitte der 90er-Jahre regelmäßig das Fürchten. Neben etlichen Ablegern und Spin-offs hat es die Reihe mit einigen mehr oder weniger erfolgreichen Filmen sogar bis nach Hollywood geschafft. Die Resident-Evil-Reihe gilt daher bis heute als das wohl erfolgreichste Horror-Franchise im Gaming-Segment und Wegbereiter im Survival-Horror-Genre.

Erstmals angekündigt wurde der neueste Ableger der Reihe, Resident Evil Requiem, im Zuge eines Capcom-Showcase-Events im Juli des Jahres 2024. Bereits zu diesem noch recht frühen Zeitpunkt war die Euphorie der Resident-Evil-Gemeinde schier ungebrochen und die Vorfreude auf den neuesten Ableger der Zombie-Reihe kannte keine Grenzen.

Mit Resident Evil Requiem möchte Capcom nun wieder zu den Wurzeln der Reihe zurückkehren und vor allem das Horror-Element, für das die Reihe so gefeiert wird, wieder deutlicher zur Geltung bringen. Ob dem traditionsreichen japanischen Entwickler und Publisher dieses Vorhaben gelungen ist, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Review.

Resident Evil Requiem ist seit dem 27. Februar für PlayStation 5, Xbox Series, Switch 2 und PCs erhältlich. Getestet haben wir die PS5-Version des Horror-Blockbusters.

Finstere Experimente, eine zerstörte Stadt und ein tödliches Virus

Die Geschichte von Resident Evil Requiem spielt im Oktober des Jahres 2026. Ganze 28 Jahre nach den tragischen Ereignissen, die sich im eigentlich recht beschaulichen Örtchen Raccoon City zugetragen haben. Wir übernehmen die Rolle von Grace Ashcroft, einer FBI-Analystin. Grace ist die Tochter von Alyssa Ashcroft, einem spielbaren Charakter aus dem Spin-off Resident Evil Outbreak aus dem Jahre 2003.

Grace wird nach und nach in die finsteren und tragischen Machenschaften der Umbrella Corporation hineingezogen und findet sich schon bald selbst in einer schier ausweglosen Situation wieder, in der nur noch das nackte Überleben zählt. Auch Grace hat eine dunkle Vergangenheit, die sie schon bald einholen wird.

Natürlich darf auch der Serien-Liebling und Fan-Favorit Leon S. Kennedy nicht fehlen. Bereits seit dem zweiten Teil aus dem Jahre 1998 gehört Leon zur absoluten Top-Besetzung im Resident-Evil-Charakter-Cast. Auch Leon hat noch eine Rechnung mit der Umbrella Corporation offen und kehrt in diesem Teil sogar zu den Anfängen der Reihe zurück. Ein absolutes Highlight für Fans der Reihe und ein Gänsehaut-Moment der Spitzenklasse. Aber jedes weitere Wort würde hier die Spoiler-Front sprengen. Hier heißt es einfach spielen und genießen.

Eine Prise Survival-Horror gepaart mit fetzigen Action-Elementen

Gameplaytechnisch bleibt sich auch Resident Evil Requiem recht treu. Spannende und nervenzerreißende Horror-Sequenzen wechseln sich gekonnt mit actiongeladenen Zombie-Metzelschlachten ab und ergeben letztlich ein absolut schmackhaftes Gesamtbild, das jederzeit Spaß macht und zu begeistern weiß. Typisch Resident Evil erwartet uns hier Survival-Horror-Kost vom Feinsten.

Neben schier endlosen engen, fast schon klaustrophobisch anmutenden Gängen bekommen wir auch die Möglichkeit die völlig zerstörte Stadt von Raccoon City zu erkunden. Fan-Service erster Güte, könnte man sagen, und meiner Meinung nach genau das, was die Serie jetzt nötig hatte.

Auch in Sachen Gegnertypen orientierte sich Capcom bei Teil neun der Zombie-Reihe nun wieder an den Anfängen des Franchise und wir bekommen es wieder mit waschechten Zombies zu tun. Denn anders als bei den Vorgängern der Reihe sind die Zombies nun sogar nur teilweise mutiert, haben also noch menschliche Züge, die sich in teils skurrilen Verhaltensmustern widerspiegeln. Wenn ein Zombie vor einem Lichtschalter steht und diesen hin- und herbewegt, weil ihm das Licht gerade zu hell erscheint, ist das schon ein Stück weit skurril, aber dennoch auch äußerst lustig. Der schwarze Humor kommt also auch dieses Mal nicht zu kurz.

Großes Waffenarsenal um den Zombies Feuer unterm Hintern zu machen

Wie auch schon bei den Vorgängern haben wir auch bei Requiem nun wieder die Möglichkeit unser vielseitiges Waffenarsenal zu erweitern und aufzuwerten. Neben allerlei Modifikationen, die wir an unseren Schießeisen vornehmen können, haben wir auch die Möglichkeit die Waffen zu verkaufen und das erwirtschaftete Geld in neue Ausrüstung zu investieren. In Sachen Waffenvielfalt ist man also relativ frei und kann sich neben unterschiedlichen Pistolen auch diverse Schrotflinten, Sturmgewehre und Snipergewehre zu Nutze machen. Auch Granaten und Molotow-Cocktails dürfen natürlich nicht fehlen. Genug Bewaffnung, um den Zombies den digitalen Hintern wegzubrennen, gibt es also allemal.

Aber auch das im Survival-Horror-Genre mittlerweile recht beliebte Crafting-Element hat es ins Spiel geschafft und lockert die Munitions- und Heilungsbeschaffung ordentlich auf. Mit diversen Schrottteilen, die es in der Spielwelt zu finden gibt, haben wir also die Möglichkeit, Munition und auch diverse Wurfgegenstände wie beispielsweise Granaten herzustellen. Grace hat hierfür sogar die Möglichkeit Blutproben zu sammeln um mit deren Hilfe diverse Gegenstände herzustellen. Natürlich darf auch das für die Resident-Evil-Reihe typische grüne Kraut nicht fehlen. Mit diesem kann sich unser Charakter heilen.

Optisch absolut auf der Höhe und ein wahrer Augenschmaus

Speziell grafisch macht Resident Evil Requiem wirklich einiges her. Gerade die fantastischen Charaktermodelle versetzen einen nicht selten ins Staunen. Aber auch die Texturen der Spielwelt selbst können sich sehen lassen. Auch die spektakuläre Weitsicht kann gerade im Raccoon-City-Areal wirklich begeistern. Die hauseigene RE Engine ist quasi wie gemacht für das Franchise.

Der absolute Star in Sachen Optik ist hier allerdings die Beleuchtung. Selten habe ich ein so perfekt ausgeleuchtetes Horror-Erlebnis spielen dürfen, wie es hier der Fall ist. Vor allem in dunklen und nur spärlich beleuchteten Arealen spürt man, wie viel Arbeit hier in eine äußerst düstere und beklemmende Inszenierung geflossen ist. Ein absoluter Top-Vertreter im Horror-Genre, wenn es um Atmosphäre und Beleuchtung geht, und ein weiterer Meilenstein im Genre. Noch unheimlicher waren für mich lediglich Titel wie das Dead Space Remake und das Remake von Resident Evil 2 aus dem Jahre 2019.

Obendrein lief der Titel während unserer Testsession auf PlayStation 5 eigentlich immer mit stabilen 60 Frames über den Bildschirm. Nur ganz selten kam es beim Betreten von neuen Gebieten zu kurzen Rucklern. Wahrscheinlich musste die Engine hier diverse Texturen und Elemente nachladen.

Im Vergleich zur PC-Version müssen Konsolenspieler aber vor allem in Sachen Bildschärfe etwas zurückstecken. Auf einem potenten PC sieht der Titel nochmals eine ganze Ecke schärfer und knackiger aus. Ein PC in dieser Leistungsklasse kostet aber auch gerne mal das Dreifache einer aktuellen Konsole. Die Konsolenversionen bieten also einen guten Kompromiss aus ordentlicher Optik und stabiler Leistung.

Auch tonal ein Horror-Erlebnis der ganz besonderen Art

Tontechnisch bietet Resident Evil Requiem ebenfalls alles, was man von einem ordentlichen Survival-Horror-Erlebnis erwarten würde. Die unglaublich unheimlichen, ruhigen Passagen werden gekonnt zurückhaltend untermalt. Typisch Resident Evil, könnte man schon fast sagen. Wohingegen die actionorientierten Sequenzen mit treibenden, fast schon pumpenden Klängen untermalt werden. Stets die perfekte tontechnische Begleitung gepaart mit extrem wuchtigen und durchschlagenden Waffengeräuschen ergeben am Ende ein extrem rundes Gesamtbild.

Wenn man denkt, es ginge nicht noch unheimlicher, setzt das Spiel noch einen drauf und untermalt das Geschehen zusätzlich mit unglaublich unheimlich wirkenden Gegnergeräuschen. Schlürfende Zombies, monströse Kreaturen und unheimliche Nebengeräusche non-stop fordern dem eigenen Nervenkostüm wirklich einiges ab. Horror in Reinform und ein unheimliches Fest für die Sinne.

Resident Evil ist endlich zurück und setzt auf Nostalgie

Bildmaterial: Resident Evil Requiem, Capcom

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Titel	Paranormasight: The Mermaid’s Curse
	19. Februar 2026
	Square Enix
	19. Februar 2026
	Square Enix
	19. Februar 2026
	Square Enix
System	Switch, Mobile, PC
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Xeen
Genres	Visual Novel
Texte
Vertonung	–

Im März 2023 veröffentlichte Square Enix mit Paranormasight: The Seven Mysteries of Honjo fast schon still und heimlich eine Videospielperle, die von uns sogar mit einer Trophäe ausgezeichnet wurde. Die Mystery-Horror-Visual-Novel konnte dank spannender Geschichte, herausstechender Optik und einem schaurig-schönen Soundtrack überzeugen.

Ab dem 19. Februar 2026 könnt ihr erneut in die Welt der japanischen Folklore eintauchen. Kann Paranormasight: The Mermaid’s Curse ebenso überzeugen wie der Vorgänger? JPGAMES ist diesem Mysterium auf den Grund gegangen.

Der Preis der Unsterblichkeit

Ein geheimnisvoller Geschichtenerzähler gewährt uns einen Blick in die Vergangenheit Japans der 80er Jahre. Auf der fiktiven Insel Kameshima, in der Bucht von Ise, erzählt man sich von einem fürchterlichen Fluch, der Stürme heraufbeschwört, und Meerjungfrauen, die Unsterblichkeit gewähren können. Der junge Schüler Yuza, der als Einziger ein Desaster vor fünf Jahren überlebte, ist fest davon überzeugt, dass eine Meerjungfrau ihn gerettet hat.

Gemeinsam mit seinem Freund Azami sucht er nach Hinweisen, denn er vermutet hinter der Meerjungfrau seine Mutter, die seit dem Sturm als vermisst gilt. Doch die beiden Freunde sind nicht die Einzigen, die sich für die geheimnisvollen Meereswesen interessieren. Touristen aus dem Ausland stellen eigene Nachforschungen auf der Suche nach einem Schatz an und mächtige Persönlichkeiten auf dem Festland streben nach der Unsterblichkeit.

Dabei stellt sich schnell heraus, dass in den Geheimnissen der Vergangenheit zu graben mitunter tödlich verlaufen kann. Denn auch zahlreiche Flüche stehen mit den Legenden in Zusammenhang und mehr als nur einer davon droht ganz Kameshima auszulöschen.

Ein roter Faden

Wie bereits im ersten Teil ist die Geschichte auf mehrere Handlungsstränge aufgeteilt, die zunächst parallel zueinander verlaufen. Ihr nehmt die Perspektive einer der Figuren ein und tragt dabei Informationen über die Region, die Vergangenheit und Legenden über Meerjungfrauen zusammen. Umso mehr ihr in der Geschichte voranschreitet, umso deutlicher zeigt sich, dass die einzelnen Perspektiven in Zusammenhang stehen und sich immer mehr zu einer zusammenhängenden Geschichte verflechten.

Durch diese Erzählstruktur erhaltet ihr nach und nach immer neue Erkenntnisse, durch die auch rückwirkend Gespräche zwischen Figuren beeinflusst werden und deutlich mehr Sinn ergeben. Nicht selten beschert das Spiel dadurch echte Aha-Momente, sobald ein neuer Zusammenhang deutlich wird. Damit ihr stets den Überblick behaltet, stehen euch ausführliche Notizen zur Verfügung, in denen ihr das bereits erhaltene Wissen jederzeit nachschlagen könnt.

Mehr als nur eine Visual Novel

Paranormasight: The Mermaid’s Curse hebt sich durch sein interaktives Gameplay von den meisten anderen Visual Novels ab. Neben kleinen Rätseleinlagen, bei denen ihr Dinge bewegen oder finden müsst, hebt sich das Spiel vor allem durch seine 360-Grad-Ansichten ab. Ihr könnt die Kamera an vielen Stellen drehen und euch in alle Richtungen umschauen. Hinter dieser Mechanik versteckt sich auch gerne mal ein Schreckmoment, wenn ihr plötzlich hinter euch eine Aura wahrnehmt, zu der ihr euch widerwillig umdrehen müsst.

Neu ist diesmal auch die Tauchmechanik. Da die Geschichte sehr stark mit Meerjungfrauen und der Kultur der japanischen Ama-Taucher verknüpft ist, taucht ihr im Verlauf der Geschichte auf den Boden der Bucht ab. Unter Wasser könnt ihr euch frei bewegen und neben Meeresfrüchten auch die ein oder andere Überraschung einsammeln.

Besonders schön zu sehen ist dabei, dass eure Anstrengungen Teil der Geschichte werden und sich auch auf Gespräche auswirken. So staunen einige Anwohner nicht schlecht, wenn ihr in den ersten Spielstunden zahlreiche Meeresbewohner fangt und beispielsweise dadurch euren Tauchrang auf über 20 gebracht habt.

Durch diese überall eingestreuten Interaktionen bleibt das Gameplay erfrischend, da ihr nach längerem Lesen auch immer wieder selbst aktiv werden dürft. Und auch wenn man den zweiten Teil unabhängig vom ersten spielen kann, gibt es für besonders gründliche und aufmerksame Spielende am Ende die ein oder andere Überraschung.

Spannende Unterrichtsstunde

Auch wenn die Handlung des Spiels sowie der Hauptschauplatz Kameshima fiktiv sind, erfahrt ihr dennoch zahlreiche Fakten über real existierende Orte in der Mie-Präfektur. Das geht von historischen Ereignissen wie dem Aufschwung des Taira-Clans bis hin zu geografischen Besonderheiten und Sehenswürdigkeiten wie dem Ise-Schrein. Diese kleinen Unterrichtseinlagen können stellenweise sehr viele Informationen auf einmal auf euch abladen, was gerade bei den zahlreichen Namen gelegentlich etwas zu viel sein kann.

Aber an relevanten Stellen fassen die Figuren die wichtigsten Punkte für euch erneut zusammen, sodass ihr immer im Bilde seid und der Handlung problemlos folgen könnt. Die Notizen könnt ihr zwar jederzeit auch selbst noch einmal nachlesen, allerdings ist die Steuerung im Menü recht gemächlich, wodurch „kurz etwas nachschlagen“ ein paar Sekunden länger dauert, als es müsste. Dies ist allerdings Jammern auf hohem Niveau, denn der Rest des Spiels ergibt ein stimmiges Gesamtbild.

Schön schaurig

Dieses Gesamtbild kommt vor allem durch die herausstechende Optik in Verbindung mit der Musik zustande. Paranormasight setzt auf eine verwaschene Farbpalette mit gedeckten Farben, die perfekt zu einer Gruselatmosphäre passen. Durch einen Rauschfilter und chromatische Aberration wirkt das Spiel optisch wie ein alter Röhrenfernseher. Die Musik trägt zusätzlich zum Retroflair bei, indem sie traditionelle japanische Klänge mit diesen speziellen, leicht schaurigen Noten vermischt, wie man sie von Thrillern oder Spielen wie der Zero-Escape-Reihe gewohnt ist.

Die Animationen beschränken sich auf ein Minimum, aber die teilweise ausgefallenen Posen der Figuren und ihre ausdrucksstarke Mimik verleihen ihnen Individualität und Charakter. Die dicken Linien, mit denen sie gezeichnet wurden, erinnern an traditionelle, mit Pinseln gezeichnete Werke und komplettieren die besondere Stimmung, die das Spiel hervorruft.

Gemütliche Gruselatmosphäre

Bildmaterial: Paranormasight: The Mermaid’s Curse, Square Enix, Xeen

Der Beitrag Im Test! Paranormasight: The Mermaid’s Curse lässt sich nur schwer aus der Hand legen erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Metroid Prime 4: Beyond
	04. Dezember 2025
	Nintendo
	04. Dezember 2025
	Nintendo
	04. Dezember 2025
	Nintendo
System	Nintendo Switch, Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Retro Studios
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Die Metroid-Reihe gehört bereits seit Mitte der 80er-Jahre zum festen Bestandteil der Nintendo-Riege und mit dem weiblichen Hauptcharakter „Samus Aran“ hatte Nintendo als einer der ersten Vertreter der Gaming-Branche eine starke Frauenrolle in einer extrem actionorientierten Reihe etabliert. Ein wegweisender Schritt, der den Weg für viele weitere weibliche Hauptrollen im Gaming-Sektor ebnete.

Jedoch war nicht nur die weibliche Hauptrolle ein positiver Aspekt der Reihe. Auch die unglaublich dichte und beklemmende Atmosphäre, der fantastische Soundtrack und speziell der bis dahin einzigartige Levelaufbau und etliche neue Gameplay-Mechaniken wurden durch die Metroid-Reihe etabliert und nach und nach zum festen Bestandteil vieler anderer Titel und Reihen.

Neben etlichen 2D-Ablegern schaffte es Nintendo zusammen mit dem US-amerikanischen Entwickler Retro Studios die Metroid-Reihe im Jahre 2002 gekonnt in die 3D-Ära zu transportieren und schuf mit „Metroid Prime“ ein neuartiges Spielkonzept, welches mehr oder weniger fordernde Rätsel mit typischen Shooter-Elementen verband und kombinierte.

Ein tolle Mischung, die man bis dahin noch nicht gesehen hatte. Metroid Prime wurde durchweg gut aufgenommen und bekam sowohl von Kritikern als auch von Spielern weltweit großes Lob zugesprochen. Dies ebnete den Weg für viele weitere Nachfolger und Ableger der Reihe. Metroid war somit endlich im 3D-Zeitalter angekommen.

Lange war es still um die Reihe

Nach dem 2021 erschienenen Metroid Dread, einem 2D-Ableger der Reihe, wurde es jedoch lange still um die doch recht beliebte Reihe. Bereits lange vor dem Release von Metroid Dread gab es immer wieder Gerüchte um einen vierten Ableger der Metroid-Prime-Reihe. Letztendlich wurde die Entwicklung des Titels im Jahre 2019 dann sogar komplett aufgegeben und einem anderen Entwickler übergeben. Ein kompletter Reset quasi und ein Fiasko für viele Fans der Reihe, die sich nun erneut viele Jahre gedulden mussten.

Erst im Juni des Jahres 2024 war es letztendlich so weit und Nintendo veröffentlichte endlich einen ersten Trailer zu Metroid Prime 4: Beyond. Auch der vierte Teil tritt, wie wahrscheinlich auch von vielen Fans gewünscht, exakt in die gleichen Fußstapfen wie seine Vorgänger und transportiert das nächste Abenteuer von Samus Aran somit in die nächste Generation.

Am 4. Dezember dieses Jahres ist es nun endlich so weit und die lange Wartephase hat ein Ende. Denn dann erscheint Metroid Prime 4: Beyond für Nintendo Switch und Switch 2. Ob sich die gefühlt endlose Warterei auf das neueste Abenteuer mit der wohl taffsten Kopfgeldjägerin der Galaxie gelohnt hat oder ob man die Reihe doch lieber in schöner Erinnerung behalten sollte, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Test.

Taffe Kopfgeldjägerin erneut auf gefährlicher Mission

Die Geschichte von Metroid Prime 4: Beyond startet mit einer Reihe von Angriffen auf unterschiedliche Forschungseinrichtungen der Föderation. Diese hinterhältigen Angriffe werden von dem erfahrenen und gefürchteten Kopfgeldjäger Sylux angeführt und koordiniert. Sylux will mit diesen Angriffen nicht nur die Föderation, sondern auch unsere Heldin Samus Aran in die Knie zwingen.

Auch auf dem Planeten Tanamaar im Desolan-System wird eine solche Forschungsstation angegriffen. Das Hauptquartier dieser Station konnte jedoch noch im letzten Moment einen Hilferuf absenden. Samus, die sich exakt in diesem Moment auf einer Aufklärungsmission in unmittelbarer Nähe befand, wird nun zu Hilfe gerufen und soll den hinterhältigen Angriff auf diese Einrichtung beenden.

Von hier aus entspinnt sich ein spannendes Abenteuer rund um die Machenschaften des finsteren Sylux und stecken vielleicht auch die Metroids mittendrin in dieser noch recht undurchschaubaren und chaotischen Situation? Ein spannendes Abenteuer voller Gefahren und Herausforderungen erwartet unsere Heldin und Kopfgeldjägerin Samus Aran.

Gewohntes Metroid-Gameplay lässt Fan-Herzen höherschlagen

Gameplaytechnisch hält sich Metroid Prime 4: Beyond fast schon akribisch genau an die Mechaniken der Vorgänger. Wir erkunden so also nach und nach die jeweiligen Gebiete und Areale, lösen hier und da ein mal mehr und mal weniger forderndes Rätsel und kämpfen uns nebenbei auch durch allerlei außerirdische Gegner. Typisch Metroid Prime eben und genau das, was sich so viele Fans bereits seit vielen Jahren wünschen.

Aber um es deutlich zu sagen, Metroid Prime 4: Beyond fühlt sich unheimlich stimmig und rund an. Nur äußerst selten hat man wirklich das Gefühl, dass ein Abschnitt nicht bis ins letzte Detail durchdacht wurde und mit den unzähligen Elementen, die es zu scannen und zu entdecken gilt, kommt man sich regelrecht wie ein Entdecker in dieser doch recht fremden Welt vor.

Auch die zahlreichen Kämpfe fühlen sich schnell und dynamisch an. Man hat stets das Gefühl, Herr über die Lage zu sein, auch wenn es mal brenzliger wird. Aber unsere Heldin Samus kann sich, speziell im weiteren Spielverlauf, mit allerlei technischen Spielereien zur Wehr setzen. Diese müssen, typische Metroid, aber nach und nach während des Spielverlaufs erst freigeschaltet werden.

Natürlich hat unsere Heldin auch in diesem Ableger wieder die Möglichkeit, die sogenannte „Morphball“-Funktion zu nutzen. Mit dieser Funktion kann sich Samus zu einer Kugel zusammenrollen und so diverse Rätsel lösen oder aber auch einfach nur enges Gelände überwinden. Ein cooles Feature und quasi das Markenzeichen der Metroid-Reihe.

Ausufernde und spannende Bosskämpfe stellen das Highlight dar

Neben den doch recht unterschiedlichen und wirklich interessant gestalteten Abschnitten und Arealen, die es zu entdecken gilt, sind es aber vor allem die ausufernden und spektakulären Bosskämpfe, die das absolute Highlight von Metroid Prime 4: Beyond darstellen.

Fast schon serientypisch sind die Bosse deutlich größer als man selbst, was die Kämpfe ohnehin schon mal eine ganze Ecke einschüchternder wirken lässt. Dennoch hat jeder dieser Bosse eine bestimmte Schwachstelle, die es zu finden gilt. Hat man diese Schwachstelle erst einmal gefunden, sind die Bosskämpfe quasi fast schon extrem leicht zu schaffen.

Die langen Erkundungsausflüge durch die unterschiedlichsten Areale und Umgebungen werden also nicht selten mit einem ausufernden und durchschlagenden Bosskampf abgerundet. Stets ein schöner Abschluss und auch absolut typisch für die Reihe.

Beeindruckende Optik trifft auf einwandfreie Performance

Vor allem technisch macht Metroid Prime 4: Beyond eine absolut fantastische Figur. Die Optik wirkt speziell auf Switch 2 wirklich beeindruckend und zeigt eindrucksvoll, dass Nintendo durchaus auch bildgewaltige Abenteuer mit einer hohen grafischen Qualität inszenieren kann. Metroid Prime 4: Beyond braucht sich grafisch also keinesfalls vor anderen aktuellen Titeln zu verstecken.

Der Titel läuft auf der hauseigenen „RUDE“-Engine des Entwicklers Retro Studios und diese schafft es eindrucksvoll den Titel zu jeder Zeit fantastisch aussehen zu lassen und die butterweichen 60 Frames dennoch stets zu halten. Vorbildlich und technisch absolut rund also.

Auch die knackig scharfen Texturen und die tollen Licht- und Wettereffekte tragen ungemein zur Atmosphäre bei und runden das optische Gesamtbild nochmals gekonnt ab. Metroid Prime 4: Beyond ist der, zumindest für mich, bis jetzt schönste Nintendo-Titel überhaupt und zeigt schon jetzt, zu welchen grafischen Leistungen die Switch 2 im Stande ist. So muss ein Metroid-Prime-Ableger heutzutage aussehen!

Für Spieler, die eine entsprechende Hardware besitzen, ist Metroid Prime 4: Beyond sogar in einem 120-FPS-Modus spielbar. Hier läuft der Titel dann in der 1080p-Auflösung. Hierfür ist aber, wie bereits erwähnt, ein entsprechender Monitor beziehungsweise TV erforderlich.

Auch soundtechnisch nicht von dieser Welt

Soundtechnisch macht Metroid Prime 4: Beyond ebenfalls eine tolle Figur. Der fantastische Soundtrack gepaart mit den für die Metroid-Reihe fast schon mystisch klingenden Klangteppichen und den knackigen Soundeffekten ergibt auch hier ein rundes Gesamtbild.

Serientypisch hält sich auch Metroid Prime 4: Beyond eher zurück, was ausufernde Soundtrack-Beschallungen anbelangt. So wird auch in diesem Teil die wunderbar düstere und beklemmende Atmosphäre erzeugt, die so viele Metroid-Fans bis heute lieben.

Neuer Maus-Support für Shooter-erfahrene Spieler

Ein besonderes Feature von Metroid Prime 4: Beyond ist der neue Maus-Support. Denn nun ist es möglich mit den Joy-Con die Maus-Steuerung zu simulieren. Hierfür wird der rechte Joy-Con seitlich auf der Oberfläche platziert und quasi wie eine Maus geführt, während man mit dem linken Joy-Con wie gewohnt die Hauptfigur steuert. Somit hat man noch mehr das Gefühl ein waschechtes Shooter-Abenteuer zu spielen. Ein cooles Feature, welches gerne öfter in zukünftigen Switch-2-Titeln Verwendung finden darf.

Taffe Kopfgeldjägerin auf spannender, außerirdischer Mission

Bildmaterial: Metroid Prime 4: Beyond, Nintendo, Retro Studios

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Titel	Hyrule Warriors: Chronik der Versiegelung
	06. November 2025
	Koei Tecmo
	06. November 2025
	Nintendo
	06. November 2025
	Nintendo
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Koei Tecmo / AAA Games Studio
Genres	Hack and Slay
Texte
Vertonung

Inzwischen erwartet uns mit Hyrule Warriors: Chronik der Versiegelung bereits der dritte Warriors-Ableger zur Zelda-Reihe. Ähnlich wie „Zeit der Verheerung“ die Vorgeschichte von „Breath of the Wild“ spielbar machte, befasst sich „Chronik der Versiegelung“ mit den Ereignissen aus der Vergangenheit mit Prinzessin Zelda, die in „Tears of the Kingdom“ eine wichtige Rolle spielen. Zusammen mit König Rauru und anderen bekannten Persönlichkeiten aus dem Hauptspiel kämpft man sich also erneut im Warriors-Stil durch epische Schlachten gegen Monsterhorden.

Wer „Zeit der Verheerung“ gespielt hat, weiß jedoch, dass das Entwicklerteam damals keine 1:1-Vorgeschichte umgesetzt hat, sondern vielmehr eine Alternativhandlung präsentierte. Ob euch das auch in „Chronik der Versiegelung“ erwartet, verrate ich euch in den nächsten Zeilen.

Wer braucht schon Link!

Wer The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom gespielt hat, erinnert sich vermutlich daran, dass Prinzessin Zelda zu Beginn des Spiels durch mysteriöse Vorkommnisse in die Gründungszeit von Hyrule geschleudert wird. Verwirrt über ihren Aufenthaltsort lernt sie schnell König Rauru und Königin Sonia kennen. Beide sind aktuell damit beschäftigt, der Plage – eine Manifestation von Groll und Boshaftigkeit – Einhalt zu gebieten. Diese breitet sich auf einige Bereiche des Landes aus.

Da Zelda wie König und Königin über Lichtkräfte verfügt, beschließt sie, den beiden zu helfen. Sie widmet sich dem Studium ihrer Fähigkeiten, während sie zeitgleich einen Weg sucht, um in ihre Zeit zurückzugelangen. Dabei lernt sie nicht nur, besser mit ihren Fähigkeiten umzugehen, sondern erfährt ebenso mehr über die Vergangenheit der Sonau, die einst die Oberfläche bevölkerten, deren antike Technologie, die Konstrukte, sowie andere Relikte.

Da sich das Königreich gleichzeitig in seiner Gründungsphase befindet, knüpft König Rauru Kontakte zu den anderen Völkern, die in Hyrule leben. Dazu gehört das Wüstenvolk der Gerudo, das derzeit mit Ganondorf einen männlichen Herrscher hat. Durch seine bösen Machenschaften gelangt er an einen Mysterienstein und wird zum Dämonenkönig Ganondorf, der eine Armee von Monstern auf Hyrule hetzt. Das neugegründete Reich sieht sich somit seiner ersten Bewährungsprobe gegenüber und stellt sich den mächtigen Monsterhorden entgegen.

Das Konstrukt und der Krog

Neben dem für Zelda typischen Handlungsstrang mit bekannten Charakteren trefft ihr in Chronik der Versiegelung auf weitere Persönlichkeiten, die ihre eigene Motivation in dieser turbulenten Zeit verfolgen. Einer von ihnen ist Calamo. Er ist ein reisender Krog, der seinen Wald zurückgelassen hat und nach einem Ort sucht, an dem er Wurzeln schlagen kann. Auf seiner Reise wird er von einem mysteriösen Konstrukt begleitet, das nicht nur gut mit dem Einhänder umgehen kann, sondern auch sehr wortkarg ist. Beide scheinen der Armee des Dämonenkönigs feindlich gegenüberzustehen, ihre Beweggründe werden jedoch erst im Laufe der Handlung deutlich.

Der zusätzliche Handlungsstrang von Calamo und dem mysteriösen Konstrukt ist gut in die bekannte Geschichte rund um Zeldas Vergangenheitsreise eingeflochten. Ein Grund dafür ist, dass Calamo nicht nur ein schlagfertiger Krog ist, sondern auch eine glaubhafte Motivation für seinen Auftritt besitzt. Gleiches gilt für das mysteriöse Konstrukt und dessen Verhalten. Das sorgt für einen zusätzlichen Anreiz, die Handlung kennenzulernen. Denn wer Tears of the Kingdom bereits kennt, hat durch die Erinnerungsvideos im Spiel bereits eine Vorstellung davon, wie die Geschichte von Chronik der Versiegelung verläuft.

Muss man Tears of the Kingdom kennen?

Einige Spieler und Spielerinnen werden sich eventuell die Frage stellen, ob sie diesen Warriors-Teil spielen können, ohne Tears of the Kingdom gespielt zu haben. Grundsätzlich lautet die Antwort ja. Chronik der Versiegelung erzählt eine in sich schlüssige und zusammenhängende Geschichte, die die Vorgeschichte vom Hauptspiel darstellt. Dabei werden keine wesentlichen Handlungsstränge aus dem Hauptspiel gespoilert. Falls man anschließend Tears of the Kingdom spielt, wird man bei einigen Szenen, die mit dem Versiegelungskrieg zusammenhängen, nur vermutlich nicht ganz so überrascht sein.

Gleichzeitig werden bestehende Wissenslücken gefüllt, falls man Tears of the Kingdom bereits kennt und wissen möchte, wie genau König Rauru und seine Weisen in der Vergangenheit dem Dämonenkönig entgegengetreten sind. Bei mir kam es nicht nur einmal vor, dass ich mir dachte: „Ah, okay. So sind nun die Übergänge innerhalb der Erzählung.“ Wer das alles bereits zur Genüge kennt oder sich damit viel auseinandergesetzt hat, den wird die Handlung allerdings wenig überraschen. So tauchen unter anderem Szenen aus den Erinnerungsvideos von Tears of the Kingdom logischerweise auch in diesem Spiel auf.

Zum Glück gibt es die Erzählung vom mysteriösen Konstrukt und Calamo, die das ein wenig ausgleicht. Des Weiteren dürfen sich Spielende auf eine gute Erzählstruktur freuen. Das Spiel wird unter anderem in vielen wunderschönen Zwischensequenzen erzählt. Diese motivieren nicht nur für bevorstehende Schlachten, sondern sind gleichzeitig eindrucksvoll inszeniert – insbesondere in Bosskämpfen. Manchmal fühlte es sich für mich so an, als würde ich einen sehr guten Actionfilm spielen.

Krieger und Kriegerinnen, versammelt euch

Apropos gut inszeniert. Das gilt ebenfalls für die verfügbaren spielbaren Charaktere. Im Grunde sind alle bekannten Gesichter aus dem Hauptspiel vorhanden. Da wäre zum einen König Rauru, der den Gegnern mit seinen Lichtkräften und seiner mächtigen Sonanium-Lanze den Garaus macht. Daneben darf seine ältere Schwester, Mineru, nicht fehlen, die dank ihres Wissens über die Sonau und die Konstrukte die Monster in die Enge treibt.

Nicht zu vergessen ist Zelda, die sich dem Dämonenkönig ebenfalls mit ihren Lichtkräften entgegenstellt. Unterstützt werden diese Charaktere von tapferen Soldaten der hylianischen Armee. Im Laufe des Spiels gesellen sich dazu weitere Charaktere aus allen Völkern des Landes, sodass sich am Ende eine gute Anzahl unterschiedlicher spielbarer Charaktere ergibt. Sie sind mit verschiedenen Waffen wie Lanzen, Zweihändern oder Bögen ausgestattet und wollen gemeinsam mit uns das Böse bezwingen.

Mit den passenden Charakteren geht es anschließend von Mission zu Mission, um den Monsterhorden Einhalt zu gebieten. Dabei bleibt Chronik der Versiegelung dem typischen „Hyrule Warriors“-Gameplay treu. Mit Kombinationen aus normalen und starken Angriffen schnetzelt ihr euch durch die Vorposten in den jeweiligen Gebieten und erobert diese zurück. Dabei warten zwischenzeitlich Kommandanten wie Moblins oder Leunen auf euch und in vielen Fällen ein großer Bossgegner am Ende.

Persönliche Charaktertechniken

Dabei wurden, wie in Zeit der Verheerung, Mechaniken aus dem Hauptspiel übernommen. Wenn ihr einem Angriff perfekt ausweicht, läuft die Zeit langsamer und ihr könnt mehrere Angriffe ausführen, um die Schwachpunktanzeige des Gegners zu durchbrechen. Dieses Gameplay-Element wurde um die Charaktertechniken erweitert, die jedem Charakter nach Belieben auf den Aktionstasten des rechten Controllers zugewiesen werden können.

Mit diesen Charaktertechniken lassen sich unter anderem die gefährlichen Angriffe der Gegner brechen, die sich durch eine rote Aura ankündigen. Stürmt beispielsweise ein Leune auf euch zu, könnt ihr diesen mit der passenden Charaktertechnik kontern und dessen Verteidigung brechen. Gleiches gilt für Flugmonster. So schießt Zelda etwa mit der entsprechenden Charaktertechnik Lichtpfeile auf ihre Gegner und bringt sie zu Boden. Das funktioniert übrigens auch, wenn Gegner Sprungangriffe ausführen.

Zwar haben die Charaktertechniken eine gewisse Abklingzeit, sie erweitern das bestehende Gameplay aber so weit, dass man nicht nur blind auf die Gegner einschlägt. Es gilt, die jeweiligen Schwachpunkte der Gegner herauszufinden und diese dann in den passenden Situationen anzugreifen und zu kontern. Das ist in der Regel effizienter, vor allem bei einem höheren Schwierigkeitsgrad.

Flammenwerfer voraus

Ebenfalls auf den Aktionstasten verteilen lassen sich die Sonau-Bauteile, die man aus Tears of the Kingdom kennt. Während sie im Hauptspiel mit Links Fähigkeiten zusammengesetzt werden konnten, um beispielsweise Rätsel zu lösen oder sich selbst ein Gefährt zu basteln, dienen die Bauteile hier fast nur dem Angriff. So können Gegner mit dem Flammenwerfer verheizt, mit dem Frostwerfer eingefroren oder mithilfe eines Hydranten weggespült werden.

Da Gegner ebenfalls elementare Schwächen besitzen können, sollte man immer die passenden Sonau-Bauteile ausgerüstet haben. Glücklicherweise lassen sich die Bauteile auf die jeweiligen Tasten beliebig verteilen und auch im Laufe des Kampfes ändern. Das macht das Kampfgeschehen sehr dynamisch und ermöglicht eine schnelle Anpassung der eigenen Taktiken, während man zwischen den Charakteren wechselt.

Mit jedem Einsatz verbrauchen Sonau-Bauteile Energie. Diese füllt sich entweder mit der Zeit wieder auf oder kann, wenn es schnell gehen soll, mit einer Batterie aufgefüllt werden. Batterien sind auf dem Schlachtfeld versteckt oder stehen in begrenzter Anzahl im Inventar zur Verfügung. Der Verbrauch gilt auch für bestimmte Angriffsaktionen einiger Charaktere.

So besitzt Mineru beispielsweise nicht nur Kombinationen aus normalen und starken Angriffen, sondern letztere lassen sich mit Sonau-Bauteilen erweitern. Am Ende eines starken Angriffs fügt dann noch der Flammenwerfer Schaden zu oder Gegner werden mit dem Ventilator weggeblasen. Bis zu einem gewissen Grad lassen sich die Sonau-Bauteile in den jeweiligen Slots austauschen.

Nicht nur abwechslungsreich

Die Sonau-Bauteile sind zwar vorhanden, ich habe sie im Laufe meiner Spielzeit jedoch nicht immer wahrgenommen. Das liegt unter anderem daran, dass sie sich den Platz mit den Charaktertechniken auf den Aktionstasten teilen. In der Regel hatte ich das Gefühl, dass mich Letztere besser im Kampf voranbringen. Es gibt zwar Bauteile wie den Hydranten, der speziell bei schlammüberzogenen Monstern hilft, und wenn ich diesen benötigte, habe ich diesen fix ausgerüstet.

Im späteren Verlauf des Spiels tauchen jedoch unterschiedliche Gegnertypen auf, sodass man auf dem Schlachtfeld häufiger zwischen den verschiedenen Sonau-Bauteilen wechseln muss. Das kann den Spielfluss schon mal geringfügig stören.

Zwar lässt sich ebenfalls die rechte Schultertaste mit einer Aktion wie den Sonau-Bauteilen belegen, diese bietet sich allerdings gut für die Rakete an. Damit lassen sich vor allem Missionen auf Zeit schnell bewältigen. Das ist insofern praktisch, da ich den Eindruck hatte, dass die Bewegungsgeschwindigkeit der Charaktere beim Laufen im Vergleich zum letzten Teil etwas reduziert wurde.

Wem beim vielen Fliegen mit der Rakete die Ersatzbatterien ausgehen, sollte bei eroberten Feldlagern haltmachen. An dieser Stelle bietet sich eine kurze Verschnaufpause an. Je nach eingestelltem Schwierigkeitsgrad werden die Herzen der Charaktere sowie die Ersatzbatterien wieder aufgefüllt. Gleichzeitig können dort Vorräte in nützliche Effekte in den Bereichen Kampf, Unterstützung und Spezial investiert werden. Dadurch erhalten die Charaktere mehr Erfahrungspunkte oder die Spezialanzeige lädt sich schneller auf. Das ist wirklich praktikabel.

Synchron und Synthese

Neben den gewohnt eindrucksvollen Spezialangriffen dürft ihr euch auf neue Synchronangriffe zweier Charaktere freuen. Wenn Charaktere in der Nähe kämpfen, füllt sich nach und nach eine Synchronleiste. Sind die Leisten beider Charaktere aufgefüllt, führen die Verbündeten, die am nächsten zueinander stehen, einen mächtigen Synchronangriff aus. Je nach Charakterkombination und je nachdem, welchen Charakter ihr gerade steuert, ergeben sich daraus unterschiedliche Synchronangriffe.

So greift Zelda in ihrem Synchronangriff grundsätzlich mit ihrem Lichtbogen an, anschließend führt der zweite Charakter seinen Synchronangriff aus. Führt Zelda mit Rauru einen Synchronangriff aus, bündeln beide ihre Lichtkräfte in Form von zwei mächtigen Lichtstrahlen, die auf die Gegner abgefeuert werden. Diese Spezial-Synchronangriffe sehen nicht nur spektakulär aus, sondern richten ebenso großen Schaden an.

Für weitere Abwechslung im alltäglichen Schnetzeln sorgen die Synthese-Angriffe, die bestimmten Charakteren als Charaktertechnik zur Verfügung stehen. Das mysteriöse Konstrukt kann beispielsweise an seinen Einhänder ein Bokblin-Horn oder den Stachel eines Echsalfos kleben, um zusätzlichen Schaden zuzufügen und die gegnerische Abwehr zu durchbrechen.

In der Luft spielt die Musik

Noch abwechslungsreicher sind die Flugmissionen, die das mysteriöse Konstrukt und Calamo an wenigen Stellen absolvieren. Dabei verwandelt sich das Konstrukt in ein flugfähiges Konstrukt, welches mit Sonau-Energie durch die Gegend düst, während Calamo auf seinem Rücken Platz nimmt. Gleichzeitig werden mit der Sonau-Energie Laserstrahlen auf fliegende Gegner abgefeuert. Mithilfe erweiterbarer Sonau-Bauteile lässt sich in der Luft dann sogar ein Griock auf den Boden der Tatsachen zurückbringen.

Die Flugmissionen sind imposant inszeniert, bleiben in den meisten Fällen aber leider nicht mehr als eine nette Abwechslung. Das liegt zum einen daran, dass die Missionen nicht allzu oft vorkommen. Gleichzeitig hat mir die Mobilität der Bodenschlachten gefehlt. Die Flugroute ist vorbestimmt, genauso wie die Sonau-Bauteile, die einem zur Verfügung gestellt werden. So habe ich die Variation der normalen Missionen ein wenig vermisst, obwohl die Flugmissionen durch ihre Inszenierung wirklich Spaß machen.

Abseits der Hauptmission

Abseits der Hauptmissionen, die man nach ca. zehn bis zwölf Stunden abgeschlossen hat, erwarten einen auf der Karte natürlich noch jede Menge weitere Missionen und Aufgaben, um die 100 % vollzumachen. Da gibt es Missionen zum Freischalten von Charakteren und Fähigkeiten, zum Aufwerten von Waffen oder zur Erledigung von Kameradenaufträgen. Letztere kann man als kleine Nebenmissionen betrachten, die sich oft fast wie von selbst erfüllen.

Bei Kameradenaufträgen müssen bestimmte Ziele erreicht werden, indem zum Beispiel bestimmte Charaktere eine gewisse Anzahl an Gegnern während einer Schlacht besiegen, Spezialangriffe ausführen oder die Schwachpunktanzeige von Monstern leeren. Wer gerne die 100 % im Spiel erreichen möchte, ist damit gut bedient.

Gleiches gilt für die Rückeroberung von Hyrule. Nachdem Ganondorf über das Land hergefallen ist, färbt sich die Karte von Hyrule schwarz-rötlich. In unterschiedlichen Missionen gilt es, die Gebiete neben der Hauptmission von den Monsterhorden zu befreien. Ansonsten lassen sich weitere Aufgaben, die in dem Gebiet liegen, wie die Verbesserung von Fertigkeiten, nicht freischalten. Das ist erst möglich, nachdem das besetzte Gebiet befreit wurde.

Das Problem dabei ist, dass zurückeroberte Gebiete nach einiger Zeit wieder zu besetzten Gebieten werden können. Das bedeutet, dass in dem Gebiet einmalig eine weitere Mission erscheint, in der man verhindern muss, dass es erneut besetzt wird. Dieses Prinzip mag im Zuge der Geschichte und der Macht von Ganondorf irgendwie Sinn ergeben. Allerdings fühlen sich diese Missionen etwas spielstreckend an.

Meiner Meinung nach hätten solche zusätzlichen Missionen besser in weitere Missionen gesteckt werden können, die im Untergrund oder im Himmel stattfinden. Im Vergleich zu den Bodenschlachten in Hyrule gibt es nur wenige Schlachten in diesen Gebieten. Das ist insoweit schade, da diese in Tears of the Kingdom von Bedeutung sind und sich weitreichend erkunden lassen.

Technisch sauber

Während Hyrule Warriors: Zeit der Verheerung bei sehr vielen Gegnern auf dem Bildschirm die technischen Grenzen der alten Switch teilweise sehr ausreizte, lief Chronik der Versiegelung bei meinem Durchgang in der Regel flüssig, ohne dass mir Framerate-Einbrüche aufgefallen sind. Selbst wenn sich viele Monster in den Vorposten tummelten, liefen die Animationen flüssig und kamen nicht ins Stocken.

Gleiches gilt für die bereits angesprochene, sehr gute Inszenierung der Zwischensequenzen, die einfach Spaß machen. Dazu trägt ebenfalls die deutsche Vertonung bei. Erneut sind unter anderem Florian Hoffmann als König Rauru, Julia Casper als Zelda und Paulina Weiner als Königin Sonia mit von der Partie und machen ihre Sache hervorragend. Dazu gesellen sich die typischen Zelda-Soundtracks, die ruhige Momente gut unterstreichen und gleichzeitig heroische Ereignisse noch pulsierender wirken lassen.

Aufbruch in Hyrule – Eine Mission geht noch

Bildmaterial: Hyrule Warriors: Chronik der Versiegelung, Nintendo, Koei Tecmo, AAA Games Studio

Der Beitrag Im Test! Hyrule Warriors: Chronik der Versiegelung oder auch: „eine Mission geht noch“ erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Pokémon-Legenden: Z-A
	16. Oktober 2025
	Nintendo
	16. Oktober 2025
	Nintendo
	16. Oktober 2025
	Nintendo
System	Nintendo Switch, Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch
Entwickler	Game Freak
Genres	Action-RPG
Texte
Vertonung	–

Zu Pokémon-Legenden: Arceus sind sich Fans bis heute nicht einig, ob es zur Hauptreihe gehört oder ein Spin-off ist – Game Freak zählt es offiziell zur Hauptreihe. Worin sich aber die meisten einig sind, ist, dass es ein echt gutes Spiel ist, das frischen Wind in die Pokémon-Welt gebracht hat. Auf diesem Wind der Neuerungen will auch Pokémon-Legenden: Z-A reiten und lockt mit der aus alten Spielen beliebten Mega-Entwicklung sowie Echtzeitkämpfen.

Medial bereits hochgelobt, bezogen sich viele Fazite jedoch nur auf die Version für Nintendo Switch 2. Da aber nicht jeder gewillt oder imstande ist, in eine neue Konsole zu investieren, haben wir uns einmal angeschaut, wie das Spiel auf der ersten Nintendo Switch läuft und ob die Lobgesänge angemessen sind. Ab geht’s, zurück in die Kalos-Region!

Zwölf Jahre bei uns, fünf Jahre in der Pokémon-Welt

Für alteingesessene Pokémon-Trainer ist die an Frankreich angelehnte Kalos-Region bekanntes Pflaster, denn schon vor zwölf Jahren durften wir mit Pokémon X und Y die schöne Region erkunden. In der Rolle eines Touristen oder einer Touristin, die ihr zu Beginn ein wenig nach eurem Geschmack frisieren dürft, verschlägt es euch diesmal exklusiv nach Illumina City, die größte Stadt in Kalos.

Zeitlich ist Legenden Z-A fünf Jahre nach den ersten Kalos-Abenteuern angesiedelt, daher trefft ihr auch auf das ein oder andere bekannte Gesicht. Allerdings hat sich Illumina in der Zwischenzeit deutlich verändert. Überall in der Stadt wird gebaut und sogenannte Wildsektoren beherbergen die stetig zunehmende Zahl an zugewanderten wilden Pokémon.

Die Quazar Corporation sieht sich für die Umbaumaßnahmen verantwortlich und strebt nach einer friedlichen Koexistenz zwischen Mensch und Monster. Ganz nach Plan scheint das jedoch nicht zu laufen, denn der Prismaturm strahlt ominöse Mega-Essenz aus, durch die wilde Pokémon eine Megamanie-Entwicklung durchführen und Amok laufen.

Leben auf der Straße

Um der Situation Herr zu werden, hat die Quazar Corporation das Z-A Royale ins Leben gerufen, um einen Meister der Mega-Entwicklung zu finden. Bei diesem Wettkampf treten Trainer mit ihren Pokémon in Kampfzonen gegeneinander an, um Rangpunkte zu sammeln. Mit ausreichend Punkten dürft ihr dann ein Aufstiegsmatch wagen, um im Rang aufzusteigen. Dabei lernt man auch den vollen Umfang des neuen Kampfsystems kennen.

Wo Legenden Arceus noch an den rundenbasierten Kämpfen festgehalten hat, setzt Legenden Z-A auf Echtzeitkämpfe. Ihr könnt euch offen einem Kampf stellen oder euch an Gegner heranschleichen, um euch mit einem Überraschungsangriff einen Vorteil zu verschaffen. Jede der vier Attacken eurer Pokémon ist einem Knopf zugewiesen. Greift ihr mit einer der Optionen an, ist diese Attacke erst nach einem kurzen Cooldown wieder einsetzbar, der je nach Attacke und Initiative-Wert des Pokémon variiert. Währenddessen könnt ihr euch frei übers Feld bewegen, ausweichen und schnell zwischen den Pokémon im Team wechseln.

Im Gegensatz zu Kämpfen gegen wilde Pokémon, kann man während Trainerkämpfen allerdings nicht auf das Menü zugreifen. Es ist also euer ganzes Können als Trainer gefragt. Dadurch ermutigt das Spiel auch dazu, verschiedene Arten an Pokémon zu trainieren, um auf diverse Situationen reagieren zu können. Allerdings entsteht auch eine gewisse Hektik, da jede Sekunde zählt. Gegner warten nicht darauf, dass ihr euch für eine Attacke entscheidet, es gibt keine feste Rundenordnung. Der strategische Aspekt der Pokémon-Kämpfe kommt dadurch weniger zur Geltung, da es schnell in ein Wettrennen ausartet, wer mehr Attacken in kürzerer Zeit einsetzen kann.

Einfach Mega

Mit jedem erfolgreichen Treffer sammelt sich nämlich auch Mega-Essenz an. Diese lässt sich entweder für Boost-Attacken einsetzen, bei denen ein Teil der Energie genutzt wird, um Angriffe zu verstärken. Oder bei voller Leiste, um eine Mega-Entwicklung durchzuführen. Pokémon, die dazu in der Lage sind, nehmen eine neue Gestalt an, erhöhen ihre Werte und können durchgängig mit Boost-Attacken in schneller Frequenz angreifen. Dafür hält die Mega-Entwicklung allerdings nicht mehr bis zum Ende eines Kampfes, sondern so lange, bis die Mega-Essenz aufgebraucht ist. Leider haben Pokémon in Legenden Z-A keine Fähigkeiten, dadurch können einige Mega-Pokémon wie Kangama oder Turtok ihr Potenzial nicht mehr voll ausschöpfen.

Boost-Attacken und Mega-Entwicklung sind unerlässlich im Kampf gegen Megamanie-Pokémon, die den König-Pokémon aus Legenden Arceus nicht ganz unähnlich sind. Gemeinsam mit Team MZ, das euch zu Beginn des Abenteuers bei sich aufgenommen hat, stellt ihr euch immer wieder anderen mega-entwickelten Pokémon, die eure Fähigkeiten auf unterschiedlichste Weise auf die Probe stellen. Dabei sind die Kämpfe optisch ausgefallener als bei Legenden Arceus. Ihr werdet konstant mit einem Feuerwerk an Attacken bombardiert und müsst euch auch gelegentlich hinter Barrieren verstecken oder Objekte in der Kampfarena entfernen, die den Gegnern sonst einen Vorteil verschaffen.

Parkour!

Aber nun einmal zu einer Frage, die sich viele vielleicht schon gestellt haben: Wird das nicht schnell langweilig, wenn die ganze Spielwelt nur aus einer Stadt besteht? Tatsächlich hat Illumina einiges zu bieten. Neben verwinkelten Gassen könnt ihr auch die Dächer der Stadt erkunden, wo ihr zahlreiche Items und seltene Pokémon findet. Überall in Illumina stehen auch Gerüste, die euer Klettergeschick herausfordern und euch mit bunten Schrauben belohnen, die ihr gegen dauerhafte, passive Boni eintauschen könnt. Einen umfangreichen Untergrund wie die Katakomben in Paris, auf dem Illumina basiert, gibt es jedoch nicht.

Hunderte Nebenaufgaben halten abseits der Geschichte beschäftigt. Diese sind sogar erstaunlich vielfältig. Mal müsst ihr ganz klassisch bestimmte Items abliefern oder gegen Trainer kämpfen. Dann gibt es aber auch solche Aufgaben, bei denen ihr Orte anhand einer Beschreibung finden müsst oder nur mit bestimmten Pokémon im Kampf antreten dürft oder jemandem ein gesuchtes Pokémon zeigen sollt. Einige Nebenaufgaben erzählen dabei sogar eine kleine Geschichte, die sich nach und nach fortsetzt.

Buntes Illumina

Zudem gibt es überall Hommagen an die Spielereihe und zahlreiche kleine Details, wie verzierte Gullydeckel, Werbeposter und andere Dekorationen in Pokémon-Optik. Fashionistas können sich zudem in den zahlreichen Boutiquen ausleben und aus der riesigen Auswahl an Outfits ihr Lieblingsdesign zusammenstellen. Hierfür hätte sich wunderbar eine Speicherfunktion angeboten, um verschiedene Outfits abzuspeichern und zwischen ihnen schneller wechseln zu können. Denn es gibt wirklich viele Optionen, zwischen denen ihr eventuell wechseln wollt.

So vielfältig wie die Kleidung sind auch die Bewohner der Stadt. Im Laufe der Geschichte trefft ihr viele Personen mit unterschiedlichsten Persönlichkeiten. Dabei ist keine der Figuren mit nur einer Unterhaltung abgefrühstückt. Sie bleiben über die ganze Geschichte hinweg relevant und tauchen immer wieder auf, was ihnen deutlich mehr Tiefe verleiht als beispielsweise den Arenaleitern in älteren Spielen. Dennoch könnte ihr Einfluss auf die Spielwelt noch stärker ausgebaut werden.

Manche Themen werden einfach zu oberflächlich behandelt, um den gewünschten Effekt zu erzielen. Es entsteht stellenweise der Eindruck, dass bewusst Informationen und Teile der Geschichte zurückgehalten wurden, um diese eventuell im schon vor Erscheinen des Spiels angekündigten DLC aufzuarbeiten.

Raues Pflaster

Die Stadt ist zwar verwinkelt und groß, aber bald stellt sich doch das Gefühl ein, dass es weniger zu entdecken gibt als gehofft. Viele Gebäude lassen sich gar nicht betreten. Die sicheren Zonen der Stadt schrumpfen mit der Zeit, da immer mehr Wildsektoren hinzukommen, die voller aggressiver Pokémon sind.

Der integrierte Tag-Nacht-Wechsel fühlt sich bald schon zu kurz an. Ständig wird der Spielfluss dadurch unterbrochen, dass eine Animation eingeblendet wird, um die aktiven Kampfzonen zu zeigen, die sich nicht überspringen lässt, und bei Tagesanbruch dann die Kampfergebnisse, auch wenn ihr gar nicht an Kämpfen beteiligt wart.

Das alles ist jedoch schon Jammern auf hohem Niveau, da Legenden Z-A definitiv genug zu bieten hat, um mindestens vierzig Stunden Spielzeit zu füllen. Das leidliche Thema der Grafik soll an dieser Stelle nur kurz angeschnitten werden, da die entscheidenden Teile des Spiels optisch ausreichend und sogar ansprechend sind. Die Pokémon-Modelle sehen so gut aus wie noch nie, die Kampfeffekte sind schön bunt und die gerenderten Zwischensequenzen können sich sehen lassen.

Erwartungshaltungen

Ein Lob geht diesmal auch an die Optimierung raus, denn selbst auf der alten Nintendo Switch läuft das Spiel bis auf kleinere Ruckler einwandfrei. Bis auf ein Stahlos, das plötzlich im Boden steckte, sind beim Spielen keine größeren Fehler aufgefallen. Die Musik geht wieder ins Ohr, was zu einem Großteil wahrscheinlich auch daran liegt, dass es viele neu aufgelegte Stücke aus dem bombastischen Soundtrack aus Pokémon X und Y zu hören gibt.

Von den Zwischensequenzen hätte es ruhig mehr geben dürfen. Diese sind nämlich top inszeniert. Die mangelnde Vertonung ist mal wieder schade, da dürfte Pokémon endlich stärker auf seine RPG-Wurzeln eingehen, um das Erlebnis auf die nächste Stufe zu heben. Und die vielen Schwarzblenden, um Veränderungen innerhalb der Spielwelt zu kaschieren, sind auf Dauer dann doch auffällig ins Auge gestochen. Einen Gerüstturm beispielsweise kann man doch bestimmt umschmeißen, ohne zwei Modelle hinter einem schwarzen Bildschirm auszutauschen.

Man kann sich natürlich auch an verpixelten Bodentexturen und aufgemalten Fenstern aufhängen und ein so erfolgreiches Franchise wie Pokémon kann es sich bestimmt leisten, Spiele „mehr wie Zelda: Breath of the Wild aussehen“ zu lassen. Aber am Ende des Tages kommt es auf das Spielerlebnis an und da schafft es Legenden Z-A auf jeden Fall, die Spielerschaft an den Bildschirm zu fesseln.

Mega-entwickeltes Spiel?

Bildmaterial: Pokémon-Legenden: Z-A, The Pokémon Company, Nintendo, Game Freak

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Titel	Final Fantasy Tactics: The Ivalice Chronicles
	30. September 2025
	Square Enix
	30. September 2025
	Square Enix
	30. September 2025
	Square Enix
System	PlayStation, Nintendo Switch 1/2, Xbox, PC
Getestet für	PC (Steam)
Entwickler	Square Enix
Genres	Taktik-RPG
Texte
Vertonung

Schützt euch und euer Portemonnaie, denn die Remake-/Remaster-Welle kommt. Nichts und niemand ist vor ihr sicher und öfter, als einem lieb ist, trifft es diejenigen, die es am wenigsten verdienen. Doch ab und zu reitet genau der richtige Titel auf dieser Welle.

Beim Square-Enix-Strategie-Klassiker Final Fantasy Tactics wurde es auch Zeit. Seit dem in vielen Teilen akkuraten NVIDIA-Leak vom September 2021 wusste alle Welt von der Existenz dieses Projekts, aber nicht, wann es erscheinen oder wie weit es reichen würde.

Tatsächlich befand sich Final Fantasy Tactics: The Ivalice Chronicles bei der hochkarätigen Business Division III in Entwicklung. Diese ist für ihre Arbeit an Final Fantasy XIV und XVI bekannt. Die Suche nach einem passenden Director für das Remaster war also garantiert keine lange, da Kazutoyo Maehiro Teil des Teams ist. Der gute Mann hat zusammen mit Yasumi Matsuno bereits am Original gearbeitet und war somit die beste Wahl für diesen Posten.

Final Fantasy Tactics: The Ivalice Chronicles bietet alles, was man sich von einem modernen Remaster eines absoluten Kult-Klassikers in Pixeloptik wünschen könnte. Warum so einige Fans dennoch mit etwas Wehmut auf das Spiel blicken, erfahrt ihr in den folgenden Absätzen.

Ivalice, oh Ivalice

Der König ist tot! Ein wilder Thronfolgestreit beginnt und inmitten dieses Chaos versuchen die beiden Jugendfreunde Ramza Beoulve und Delita Heiral, die als Ritterlehrlinge stolz ihre Pflicht erfüllen wollen, ihren Weg zu finden. Doch während dieses bitteren Konflikts, in dem auch die Kirche und fragliche mystische Mächte ihre Finger im Spiel haben, driften die beiden Gefährten auseinander und müssen ihr Schicksal zwischen Loyalität, Moral und Zweifel navigieren.

Jeder, der ein wenig Kenntnis von der Materie hat, weiß, dass das Ivalice-Universum vor politischer Machtkämpfe und Intrigen strotzt. Auch bei Final Fantasy Tactics: The Ivalice Chronicles steht das politische Geschehen im Vordergrund und weiß einmal mehr mit fantastischen Dialogen mitzureißen.

Sowohl die einzelnen Schicksale der Charaktere als auch ihre Verbindung zur Rahmenhandlung und die Welt von Ivalice fesseln und bezaubern von der ersten bis zur letzten Sekunde. Die vielen Wendungen überraschen immer wieder und die teils emotionalen Szenen wissen zu bewegen.

Das war 1997 schon so und daran hat sich auch heute nichts geändert. Eine gut erzählte Geschichte ist einfach zeitlos – vor allem, wenn sie, wie oben bereits erwähnt, von solch fantastischen Dialogen getragen wird.

Helfende Hand

Hier bietet das Remaster die größte Neuerung: Jede Dialogzeile ist im Englischen und Japanischen fantastisch vertont. Sowohl die Wahl der Synchronsprecher als auch deren Performance sind überragend. Genau so haben sich die Stimmen von Ramza und Co. 1997 in der eigenen Fantasie angehört.

Ein größeres Lob für eine Synchronisation kann es wohl kaum geben. Es wurden sogar neue Dialoge, besonders während der Kämpfe, hinzugefügt, um den Charakteren noch mehr Leben einzuhauchen. Allein dafür lohnt sich schon der Durchgang im Remaster-Modus.

Ganz genau: Final Fantasy Tactics: The Ivalice Chronicles bietet neben dem Remaster noch einen klassischen Modus, bei dem der Name Programm ist. Hier spielt man nämlich das PS1-Original in all seiner klassischen Pracht. Ein Traum für Puristen.

Doch selbst den größten Fanatikern kann ich die neue Version wärmstens ans Herz legen. Hier ist nämlich offensichtlich viel Liebe und Arbeit investiert worden. Besonders, wenn man sich klarmacht, dass der Quellcode des Originals schon lange verloren ist.

Neben der neuen Vertonung bietet die überarbeitete Fassung natürlich eine aufgehübschte Optik, die trotz High-Definition den Charme des Originals vollends bewahren konnte. Selbiges gilt für das vereinfachte Design und die verbesserte Führung der Menüs. Auch hier haben die Entwickler den richtigen Weg eingeschlagen, denn das Design des Originals überzeugt auch heute noch. Final Fantasy Tactics ist nicht ohne Grund ein waschechter Klassiker.

Der Name ist Programm

Doch Story, Grafik und Sound sind nicht die einzigen Gründe für diesen Status. Das taktische Gameplay mit einer Komplexität, die ihrer Zeit voraus war, macht nach wie vor richtig viel Spaß. Somit war auch hier keine große Überarbeitung nötig.

Sinnvolle Quality-of-Life-Updates wie die Option, Kämpfe vorzuspulen, inmitten von Kämpfen zu speichern und vor allem die Reihenfolge der Einheiten auf Knopfdruck zu sehen, sind nach erstmaliger Nutzung nicht mehr wegzudenken.

Um dem aktuellen Zeitgeist gerecht zu werden, gibt es für das damals ausgesprochen anspruchsvolle Spiel zudem drei neue Schwierigkeitsgrade, sodass auch Einsteiger im Taktik-RPG-Genre die Geschichte von Anfang bis Ende genießen können.

Das erlaubt auch jedem, selbst zu entscheiden, wie tief er in die Materie eindringen will. Final Fantasy Tactics: The Ivalice Chronicles bietet eine unglaubliche Masse an Makro- und Mikromanagement für Charaktere, Klassen, Strategien, Positionierung.

Um auf dem höchsten Schwierigkeitsgrad die härtesten Kämpfe zu meistern, benötigt es sehr viel Arbeit und Geduld. Doch anders als bei vielen anderen Strategiespielen haben die Entwickler hier eine gewisse Leichtigkeit in das Design gebracht, sodass auch diese Hürde mit Spaß und Motivation genommen werden kann.

Where is the leading man?

Nach all dem Lob stellt sich nun die Frage, wieso bei diesem Remaster dennoch gemeckert wird. Die Antwort liegt bei einem bereits vorangegangenen Port: Final Fantasy Tactics: The War of the Lions erschien 2007 exklusiv für die PSP und bot ebenfalls einige sinnvolle und besonders beliebte Neuerungen, wie weitere Job-Klassen, eine Multiplayer-Komponente und neue Charaktere mit dem wohl größten Sympathieträger des Ivalice-Universums.

Leider hat man sich für die PlayStation-Version als Ausgangspunkt dieses Remasters entschieden und so müssen Fans auf Ffamran Mid Bunansa, besser bekannt als Balthier, verzichten. Ein schwer zu verkraftender Kompromiss.

Zum Schluss dieses Reviews kommen wir nun zu meiner Lieblingsrubrik, dem Technikteil. Und als Remaster eines 1997 erschienenen PlayStation-1-Titels in Pixeloptik brauche ich nicht lange um den heißen Brei zu reden.

Final Fantasy Tactics: The Ivalice Chronicles läuft butterweich in 60 FPS ohne lange Ladezeiten. Hier gibt es nichts zu bemängeln. Selbst auf kleinen tragbaren Endgeräten wie dem Steam Deck läuft das Spiel einwandfrei. Das missionsbasierte Design bietet sich natürlich auch für portables Gaming an. Da geht mir richtig das Herz auf.

With sword in hand

Bildmaterial: Final Fantasy Tactics: The Ivalice Chronicles, Square Enix

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Titel	Story of Seasons: Grand Bazaar
	27. August 2025
	Marvelous Games
	27. August 2025
	Marvelous Games
	27. August 2025
	Marvelous Europe
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch, Nintendo Switch 2, PC
Entwickler	Marvelous
Genres	Simulation
Texte
Vertonung

Bereits seit vielen Jahren sind Farmsimulationen sehr beliebt. Der Vorreiter des Genres ist ohne Frage die Story-of-Seasons-Reihe. Als Harvest Moon auf dem SNES gestartet, hat man dutzende Spiele inspiriert. Mit Story of Seasons: Grand Bazaar erschien nun ein Remake des ursprünglich auf dem Nintendo DS veröffentlichten Harvest Moon: Der Großbasar. Lohnt sich die Neuauflage des Klassikers oder wird der Basar lieber für immer geschlossen?

Die Farm ruft

Bevor es nach Brisendorf geht, müsst ihr euch erst einmal einen Charakter erstellen. Hierbei führt Story of Seasons die Tradition bisheriger Spiele fort und lässt euch einen Körpertyp unabhängig vom Geschlecht auswählen. Habt ihr einen Charakter erstellt, der euch gefällt, verpasst ihr eurem neuen „Ich“ einen Namen und wählt eure Pronomen aus. Alles sehr inklusiv und dürfte einigen SpielerInnen gefallen.

Es ruft euch nach Brisendorf, denn dort wird jemand für die ansässige Farm gesucht. Schnell erfahrt ihr: Ohne euch sieht es schlecht aus um die Zukunft der Örtlichkeit. Denn das einstige Prachtstück, der Basar, ist mittlerweile nur noch ein Schatten seiner selbst.

Seit die früher für die Farm zuständige Person nicht mehr da ist, ging es mit dem Basar immer weiter bergab. Doch schnell wird klar: Ihr seid ein absolutes Bauer- und Verkaufstalent! Doch woher nehmt ihr die Sachen für den Verkauf?

Die Antwort ist natürlich logisch: Ihr baut Gemüse und Co. an, sammelt Kräuter in der Wildnis und baut Mineralien ab. Also nichts Untypisches für eine Bauernhof-Simulation. Der Gameplay-Kreislauf ist damit grundsätzlich auch schon schnell erklärt: Sammelt Erzeugnisse über die Woche hinweg, um am Basar samstags diese verkaufen zu können.

Trautes Heim, Glück erstmal allein

Falls ihr noch nie von einem Spiel der Story-of-Seasons-Reihe gehört habt, lasst mich euch das Gameplay erklären. Auf eurer Farm finden sich diverse Anlaufspunkte. Ihr habt ein Zimmer, in welchem ihr schlafen geht, speichern könnt. Hier könnt ihr euch täglich im TV Tipps holen und in der Küche Essen kochen. Im Stall könnt ihr Tiere halten, darunter Hühner oder Lamas. Diese müssen täglich gefüttert werden. Das könnt ihr mit gekauftem oder selbst hergestelltem Futter machen – oder ihr schickt sie bei gutem Wetter auf die Weide. Dank einer Glocke könnt ihr die Tierchen recht flott zu euch rufen.

Am meisten Zeit verbringt man jedoch auf den Feldern. Diese sind in Quadrate aufgeteilt und pro mit einer Hacke bearbeitetem Feld könnt ihr Samen einpflanzen. Je nach gewünschtem Erzeugnis beträgt die Wachstumsdauer unterschiedlich viele Tage. Eine Rübe ist beispielsweise schneller erntereif als Weizen. Was recht ungewöhnlich ist: Ihr könnt zwei Mal am Tag gießen, um Produkte besser zu pflegen und höhere Qualitäten zu erhalten. Am Anfang des Spieles könnte dies je nach Menge der Felder jedoch aufgrund geringer Energie-Reserven schwierig werden.

Sind Produkte geerntet, packt sie am besten in euer Lager. Denn in diesem Spiel können Erzeugnisse ihre Frische verlieren, wenn ihr sie die ganze Zeit in der Tasche rumschleppt. Dies bedeutet natürlich geringere Umsätze auf dem Basar. Jedoch ist das Lager nicht endlos und zu Beginn des Spieles recht begrenzt. Und unterschiedliche Qualitäten der Erzeugnisse machen das zu einem nervigen Problem.

Qualität steigern, um Umsätze zu verbessern

Nahezu alle Gegenstände, die ihr in Brisendorf finden könnt, fallen in eine Qualitätsstufe. Diese wird in Sternen bemessen. Nach kurzer Zeit erhaltet ihr die Möglichkeit bei den Erntewichteln Gegenstände abzugeben und die möglichen Stufen diverser Produktkategorien zu erhöhen. Das ist sehr cool – aber! Jede Qualitätsstufe eines Produktes nimmt einen eigenen Slot im Inventar ein.

Oft rannte ich zu Beginn des Spieles mit Gegenständen von Stufe 0.5 oder 1 umher, welche dann mein Inventar und das Lager unnötig füllten. Das verbessert sich nur geringfügig im Laufe der Zeit, wenn das Lager und das Inventar wächst. Entweder hätte man hier die Zwischenstufen weglassen oder die Gegenstände gemeinsam sortieren sollen. Mir ist bewusst, Inventar-Management gehört zu dieser Art von Spiel dazu, aber das wirkte unnötig nervig.

Auf eurer Farm findet ihr außerdem eine Mühle – zwei weitere im Dorf selbst. Den Zugang dazu schaltet ihr nach und nach frei. Darin könnt ihr eure Produkte verarbeiten und somit hochwertigere Gegenstände für den Basar erhalten. Verarbeitet die Milch zu Käse, die Mineralien zu Schmuck und Kräuter zu Parfüm. Je nach Menge der eingestellten Gegenstände und Hochwertigkeit dauert die Produktion unterschiedlich lang.

Bläst jedoch ein starker Wind durch das Dorf, wird die Produktion beschleunigt. Immerhin drehen sich die Windräder dann schneller. Ist ein Produkt fertig, wandert es in einen eigenen Speicher und ihr bekommt eine Information über die Fertigstellung. Kleiner Tipp: Lasst das Zeug im Speicher bis zum Basar, denn dann nimmt es keinen Slot im Lager ein.

In den Windmühlen könnt ihr auch eure Werkzeuge verbessern, vorausgesetzt ihr sammelt die dafür benötigten Mineralien. Dies ermöglicht euch bei der Feldarbeit zum Beispiel mehr Felder auf einen Schlag zu bewässern. Oder sagen wir eher: auf einen Sprung. Denn in Story of Seasons: Grand Bazaar könnt ihr springen und solltet dies auch. Im Sprung werden eure Gegenstände nämlich besser – und im freischaltbaren Doppelsprung noch mehr!

Das Dorfleben beginnt

Abseits des Farmlebens solltet ihr täglich mit den Bewohnern des Dorfes sprechen und ihnen Geschenke machen. Dies ermöglicht nicht nur potentielle Romanzen. Denn mit steigendem Freundeslevel lernt ihr mehr über die Personen und erhaltet zudem Aufgaben. Diese frischen vor allem zu Beginn des Spieles, wo ihr auf der Farm noch nicht so viel zu erledigen habt, den Spielalltag auf. Da wollen die Charaktere manchmal bestimmte Items oder ihr sollt zum Beispiel einfach zehn Dinge kochen. Somit habt ihr eigentlich fast immer zusätzliche Ziele, auf die ihr zuarbeiten könnt.

Ein großes Merkmal des Titels ist das Gefühl, ein Teil der Community zu sein. Das unterstreicht sich natürlich durch die Events mit den Charakteren. Täglich sprecht ihr mit Leuten, ihr könnt aber auch einfach auf Knopfdruck winkend an den Bewohnern vorbeilaufen. Das bringt nicht ganz so viel Zuneigung, geht aber einfach schneller. Wirklich schön finde ich auch die Events, in denen ihr gar nicht vorkommt und ihr einfach mehr über die Beziehungen der Charaktere lernt. Nun ist es natürlich so, dass hier größtenteils alles idyllisch ist und echte Konflikte gibt es eher selten – aber das soll ja auch ein gemütliches Spiel sein, kein Drama.

Ein weiteres Merkmal der Reihe sind die Feste! Regelmäßig lädt euch der Bürgermeister Felix zu den kommenden Festivals ein. Ob Teeparty oder Blumenfest – in eurem ersten Jahr unterstützt er euch sogar mit Geschenken, damit ihr mitmachen könnt. Seid ihr die gewinnende Person bei einem Fest, erhaltet ihr auch einen Pokal, welcher dann in eurem Haus aufgestellt wird.

Das Brisendorf ist nicht besonders groß, dennoch hat man sich etwas Spezielles einfallen lassen, damit ihr schneller von A nach B kommt. Mithilfe eines Gleiters könnt ihr euch nach einem Sprung vom Wind tragen lassen. Das ist an sich ganz cool – aber leider eben auch abhängig vom Wind. Außerdem scheint der Wind immer nur gen Osten zu blasen. Wollt ihr also in die westliche Gegend, müsst ihr laufen. Oder springen: Denn wie mir auffiel, seid ihr dauerhaft springend schneller unterwegs als laufend.

Auf zum Basar!

Wie bereits erwähnt, findet in jeder Spielwoche samstags der Basar statt. Dieser gilt zeitgleich als Check für euren Fortschritt in der Stadt. Das Steigern des Basar-Levels bringt neue Charaktere für den Basar, bringt euch neue Möglichkeiten in der Stadt und schaltet neue Gegenden, wie die Windmühlen, frei. Der Basar wächst auch durch eure Hilfe bei diversen Figuren, damit diese nach Erfüllen einer Mission einen Stand eröffnen. So könnt ihr beispielsweise einen Handwerker auf den Basar holen, welcher die Qualität eurer Felder verbessert. Ihr könnt jedoch nur einen Auftrag pro Woche platzieren. Also vergesst beim Basar-Stress nicht auch eure Farm zu erweitern!

Das Wichtigste für euren Umsatz ist aber, natürlich, der eigene Stand. Ihr könnt eure Erzeugnisse und gesammelten Gegenstände in das Inventar packen und den Stand eröffnen. Dabei gibt es zwei Schichten, morgens und nachmittags. Mit einer Glocke lockt ihr vorbeilaufende, potentielle Kunden an. Diese werden auf die von euch auf dem Tresen platzierten Gegenstände aufmerksam und wollen diese dann im besten Falle von euch kaufen. Es gibt auch Trend-Items, welche gefragter sind.

Um mehr Profit zu machen, könnt ihr euren Basar ausbauen oder auf spezielle Produkte spezialisieren. Habt ihr zum Beispiel viele Farmerzeugnisse, holt euch das Set, welches den Umsatz dafür erhöht. Mithilfe der Erntewichtel könnt ihr während der Verkaufsphase einen kleinen Extra-Verkaufsmodus starten, in welchem ihr zahlreiche Items schneller oder hochwertiger verkaufen könnt. Das macht auch den großen Unterschied aus. Denn ihr könnt theoretisch auch Dinge jederzeit im Dorf beim Händler verkaufen. Aber dann gehen euch all die Basar-Boni verloren. Außerdem wächst die Basar-Stufe danach, wie viel Umsatz ihr macht. Es ist also schon das Ziel, die ganze Woche darauf zu warten.

Doch was ist neu?

Es handelt sich bei diesem neuen Titel ja um die Neuauflage eines im 2008 erschienenen DS-Titels. Das heißt, es wurde natürlich viel geändert oder verbessert. Das beginnt natürlich bei der hübschen Grafik, welche euch im Brisendorf erwartet. Wobei hübsch natürlich relativ gesehen werden kann. Der niedliche Chibi-Look der Charaktere und der Welt gefällt sicherlich auch nicht jedem. Aber die knalligen Farben, zahlreiche Details im Dorf und die hübschen Artworks der Charaktere helfen dabei, einen ganz bestimmten Charme zu versprühen. Auf Nintendo Switch 2 läuft das Spiel flüssig und sieht hübsch aus.

Doch nicht nur grafisch wurde gewerkelt. Auch diverse Optimierungen wurden eingebaut. So könnt ihr nun deutlich früher eure Werkzeuge verbessern als im Original, auch das Herstellen eigener Saat geht schneller. Früher sind eure Pflanzen beim Durchqueren kaputtgegangen und das Erstellen eines eigenen Charakters ist neu. Auch die Unterstützung der Erntewichtel ist im Remake neu und das Sammeln von Glückspunkten bei allem, was ihr macht, ermöglicht Upgrades bei den kleinen Helfern zu kaufen. Wer also das Original noch kennt, wird hier dennoch viel Freude finden. Denn es ist ein riesiges Upgrade und fühlt sich eigentlich schon wie ein ganz anderes Spiel an.

Musikalisch gibt es überhaupt nichts zu meckern. Was für ein schöner Soundtrack! Er unterstreicht die idyllische Stimmung des kleinen Dorfes. Eine Sache fiel mir jedoch auf. Eine der Melodien im Brisendorf klingt unfassbar ähnlich zu etwas, das man in einem Dragon-Quest-Spiel hören würde. Das ist aber definitiv nichts Negatives. Eine Sprachausgabe hat der Titel auch, „wichtige“ Zwischensequenzen sind in tollem Englisch vertont.

Dutzende Stunden Farming-Spaß erwarten euch

Ist Story of Seasons: Grand Bazaar nun der neue helle Stern am Farminghimmel? Nun, das würde ich nicht sagen. Gerade zu Beginn führen die unterschiedlichen Qualitätsstufen zu nervigen Inventarproblemen. Aber es ist dennoch ein absolut solides und spaßiges Abenteuer. Ich habe meine Zeit im Brisendorf bisher sehr genossen und werde auch noch viele Stunden hier verbringen. Immerhin muss ich den besten Basar aller Zeiten aufbauen!

Bildmaterial: Story of Seasons: Grand Bazaar, Marvelous

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Titel	Ninja Gaiden: Ragebound
	31. Juli 2025
	Dotemu
	31. Juli 2025
	Dotemu
	31. Juli 2025
	Dotemu
System	PlayStation 4/5, Xbox Series, Xbox One, Nintendo Switch, PCs
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	The Game Kitchen
Genres	Action-Plattformer
Texte
Vertonung

2D-Spin-offs beliebter Spielereihen liegen aktuell hoch im Kurs. Neben Shinobi: Art of Vengeance, welches am 29. August erscheint, erhielt kürzlich auch die Ninja-Gaiden-Reihe Zuwachs in Form eines 2D-Ablegers.

Mit Ninja Gaiden: Ragebound möchte der in Spanien ansässige Entwickler „The Game Kitchen“ beweisen, dass sich die extrem beliebte Hack-and-Slay-Reihe auch heute noch gut in kultiger 2D-Optik macht. Der Entwickler The Game Kitchen zeichnet sich unter anderem für die Blasphemous-Reihe verantwortlich. Als Publisher fungiert dieses Mal Dotemu.

Am 31. Juli erschien der vielversprechende und von vielen Ninja-Gaiden-Fans so heiß erwartete 2D-Ableger für PlayStation 4/5, Xbox Series, Xbox One, Nintendo Switch und PCs. Ob sich der Ninja-Trip in kultiger Retro-Optik lohnt oder ob man doch lieber auf das kommende 3D-Abenteuer Ninja Gaiden 4 warten sollte, erfahrt ihr in unserem ausführlichen Test.

Ein junger Ninja gegen die Horden der Hölle

In Ninja Gaiden: Ragebound übernehmen wir die Rolle des jungen Ninja Kenji Mozu. Kenji, seines Zeichens ein aufstrebender Ninja des Hayabusa-Clans, muss das Dorf des Clans gegen einen hinterhältigen Dämonenangriff schützen. Denn als sich der Ninja-Meister Ryu Hayabusa auf einer Reise in die Vereinigten Staaten befand, nutzten die Dämonen die Gelegenheit und durchbrachen die Barriere der Welten um das Dorf und damit auch den Clan der Hayabusa zu vernichten.

Nun liegt es also an unserem jungen Helden Kenji, das Dorf, den Hayabusa-Clan und damit natürlich auch die gesamte Welt zu retten und die Dämonen ein für alle Mal aus der Welt der Lebenden zu verbannen.

Fetzige Action trifft auf typische Plattformer-Elemente

Ninja Gaiden: Ragebound kann man am ehesten als typischen Hack-and-Slash-Plattformer bezeichnen. Denn während man sich der unzähligen Feinde erwehren muss, gilt es auch allerlei tückische Plattformer-Passagen zu überstehen. Diese werden speziell im späteren Spielverlauf immer anstrengender und anspruchsvoller und verlangen euch alles ab. Eine konzentrierte Spielweise ist also das A und O um am Ende nicht gefrustet das Spiel zu beenden.

Glücklicherweise haben die Entwickler von The Game Kitchen auch daran gedacht, dass es nicht nur Hardcore-Gamer gibt, die das Spiel gerne genießen möchten. So haben es also etliche Einstellungsmöglichkeiten in das Spiel geschafft um sich das Ganze etwas angenehmer zu gestalten. Beispielsweise kann man die Höhe der erlittenen Schadenspunkte verringern.

So bekommt man, sollte man von einem Gegner getroffen werden, weniger Lebenspunkte abgezogen. Aber auch andere Optionen wie beispielsweise eine verminderte Spielgeschwindigkeit oder das Abschalten der Rückschlag-Funktion, wenn man getroffen wird, sind in den Spieleinstellungen vorhanden. Auch Casual-Spieler können so also in den relativ stressfreien Genuss des ansonsten sehr fordernden Titels kommen.

Speziell die im weiteren Spielverlauf immer anstrengenderen Bosskämpfe haben es wirklich in sich und sind vor allem ohne aktivierte Spielhilfen teils wirklich extrem knackig. Typisch Ninja Gaiden eben. Aber wie bereits erwähnt haben die Entwickler hier nette Optionen eingebaut um diese Kämpfe schaffbarer zu machen.

Zweiter Charakter sorgt für nötige Abwechslung

Neben unserem Hauptprotagonisten Kenji stößt im weiteren Spielverlauf auch die weibliche Assassine Kumori zu unserem Team. Speziell im Fernkampf ist Kumori eine absolute Meisterin und neben der sogenannten „Überladung“, einem extrem starken Angriff, welchen natürlich auch Kenji beherrscht, schlüpft man hauptsächlich während diverser Rätsel in die Haut der flinken Assassine.

Ebendiese Rätsel sind es, die das doch recht gleichbleibende Gameplay etwas auflockern sollen. Oft sind diese jedoch reine Geschicklichkeitspassagen, in denen es darum geht innerhalb kürzester Zeit einen Schalter oder einen bestimmten Gegenstand zu erreichen. Nicht selten artet das in nerviges Trial-and-Error aus. Ich zumindest war von diesen „Rätseln“ oft eher genervt als positiv überrascht.

Die Level selbst sind äußerst linear aufgebaut und man kann nicht großartig vom Weg abweichen. Hier und da gibt es mal ein Sammel-Item aufzugabeln, im Großen und Ganzen hält sich Ninja Gaiden: Ragebound in Sachen innovativem Leveldesign aber zurück.

Gameplaytechnisch bekommt man es also mit einem reinrassigen Action-Plattformer im Retro-Design zu tun und genau als solchen sollte man Ninja Gaiden: Ragebound auch betrachten. Nicht mehr und nicht weniger.

Optischer Leckerbissen mit Retro-Charme

Grafisch kann Ninja Gaiden: Ragebound auf ganzer Linie überzeugen. Toll gezeichnete Sprites und schöne Hintergründe beziehungsweise Level lassen den Retro-Charme und den Pixel-Look der 90er-Jahre aufleben.

Zwischen den Missionen bekommt man immer wieder schön gestaltete Zwischensequenzen zu sehen, die die Story vorantreiben sollen. Eine nette Idee und obendrauf auch ordentlich umgesetzt.

Der Titel lief außerdem stets mit flüssigen 60 Frames über den Bildschirm und bot somit ein flüssiges Spielerlebnis, das für einen Titel dieser Art fast schon Pflicht ist. Einzig und allein der Umstand, dass ich immer mal wieder einen Bug hatte, der eine bestimmte Animation nicht aktivierte und mich somit zum Neustart des Levels zwang, war etwas nervig.

Tontechnisch ebenfalls eine Reise in die 90er

Auch tontechnisch gibt sich Ninja Gaiden: Ragebound keine Blöße. Schöne Klänge, Melodien und Effekte versüßen einem die Ninja-Erfahrung gekonnt und lassen keine Wünsche offen. Ein musikalischer und durchaus gelungener Trip zurück in die Zeit der hektischen und fordernden Plattformer der 90er-Jahre.

Gelungener Ninja-Trip zurück in die Zeit der Pixel-Plattformer

Bildmaterial: Ninja Gaiden: Ragebound, Dotemu, The Game Kitchen

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Titel	Death Stranding 2: On the Beach
	26. Juni 2025
	Sony Interactive Entertainment
	26. Juni 2025
	Sony Interactive Entertainment
	26. Juni 2025
	Sony Interactive Entertainment
System	PlayStation 5
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Kojima Productions
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Hideo Kojima, dem Kopf hinter der Metal-Gear-Reihe und anderen Klassikern wie Snatcher oder der Zone-of-the-Enders-Reihe, gelang im Jahre 2019 mit Death Stranding erneut der große Wurf in Sachen Gaming-Blockbuster.

Kojima schaffte es mit neuartigen und relativ ungewöhnlichen Gameplay-Elementen ein bisher noch nicht dagewesenes Spielgefühl zu erzeugen und Death Stranding konnte sich so innerhalb kürzester Zeit eine extrem große Fanbase aufbauen und sowohl Kritiker als auch Spieler weltweit überzeugen. Nicht auch zuletzt wegen dem enormen Hype um Hideo Kojima selbst, denn dieser zählt bis heute zu den absoluten Vorreitern der Gaming-Branche in Sachen Innovation und neuartigem Spieldesign.

Durch den enormen Erfolg von Death Stranding war es natürlich auch nicht weiter verwunderlich, dass sich die Fans schon bald nach einem Nachfolger sehnten. Interessanterweise gab der US-Schauspieler Norman Reedus, welcher die Hauptrolle des Sam Porter Bridges in Death Stranding übernahm, bereits im Jahre 2020, also nur ein Jahr nach dem Release des Erstlings, bekannt, dass er an einer weiteren Zusammenarbeit mit Kojima interessiert sei. Eine Fortsetzung schien also schon zu diesem Zeitpunkt recht wahrscheinlich und plausibel.

Im Mai des Jahres 2022 wurde Death Stranding 2: On the Beach dann mehr oder weniger offiziell während eines Interviews mit Norman Reedus angekündigt. Erstes Gameplay-Material gab es allerdings erst während der „The Game Awards 2022“ zu sehen. Auch weitere Schauspieler wie Elle Fanning, Léa Seydoux und Troy Baker stießen nach und nach zum vielversprechenden Projekt Kojimas hinzu. Ein wahrhaft großes Staraufgebot, könnte man sagen.

Erschienen ist Death Stranding 2: On the Beach nun endlich am 26. Juni. Wie auch schon der erste Teil ist auch der Nachfolger ein PlayStation-Exklusivtitel und zum aktuellen Zeitpunkt somit lediglich für PlayStation 5 erhältlich. Vielleicht erhält auch der Nachfolger zu einem späteren Zeitpunkt noch eine PC-Version, so wie es schon beim ersten Teil der Reihe der Fall war. Ob auch der neue Blockbuster aus dem Hause Kojima Productions überzeugen kann, erfahrt ihr in unserem ausführlichen Test.

Eine vereinte Welt – ein gemeinsames Netzwerk

Death Stranding 2: On the Beach spielt elf Monate nach den Ereignissen des ersten Teils. Das vereinte Amerika ist nun vollständig innerhalb des „chiralen“ Netzwerks vernetzt und das Logistikunternehmen „BRIDGES“ hat sich von seinen menschlichen Boten verabschiedet. Das Unternehmen und dessen Lieferungen werden nun von einem automatischen System genannt „APAS“ abgewickelt und verwaltet. Dies macht die menschlichen Boten demzufolge obsolet.

Unser Held, der nun arbeitslose Bote Sam Porter Bridges, hat sich im südlichen Teil des Landes mit seiner Adoptivtochter „Lou“ zur Ruhe gesetzt und lebt nun ein entspanntes Leben. Eines Tages taucht jedoch „Fragile“ auf und berichtet Sam, dass es nun ein neues Unternehmen genannt „DRAWBRIDGE“ gibt, welches von der UCA beauftragt wurde, das chirale Netzwerk nach Mexiko zu expandieren. Natürlich dachte Fragile hier direkt an unseren Helden Sam, denn dieser soll sich nun auf den beschwerlichen Weg machen und die entsprechenden Teile Südamerikas in das chirale Netzwerk einbinden.

Von hier an nimmt die spannende, teilweise aber auch recht wirr erzählte Geschichte ihren Lauf und natürlich warten auch allerlei neue Gefahren auf unseren Helden. Typisch Kojima ist es nicht immer einfach der Story zu folgen und auch die Motivationen der einzelnen Charaktere zu entschlüsseln. Aber ist es eben nicht genau das, was ein typisches Kojima-Spiel ausmacht und was die Fans auch erwarten?

Wie viel mehr Action darf es sein?

Im Kern spielt sich Death Stranding 2: On the Beach wie sein Vorgänger aus dem Jahr 2019. Einer der größten Unterschiede dürfte jedoch die Tatsache sein, dass es beim Nachfolger eine ganze Prise actionorientierter zugeht als noch beim Vorgänger.

Die ersten Waffen trägt man beispielsweise bereits von Spielbeginn an bei sich und kann das digitale Arsenal auch relativ schnell aufstocken und erweitern. Der Waffeneinsatz liegt hier also deutlich stärker im Fokus. Im ersten Teil war unser Held Sam noch ein einfacher Bote, der sich mit einfachsten Mitteln zur Wehr setzen musste. Bei Teil zwei spielen wir nun einen fast bis an die Zähne bewaffneten und eigentlich schon zur Ruhe gesetzten Sam, der sich auch gegen eine größere Anzahl von Gegnern zu verteidigen weiß. Ob das aber jedem Fan gefallen wird, steht jedoch auf einem anderen Blatt.

Das Liefersystem ähnelt zumindest dem des ersten Teils jedoch fast wie ein Ei dem anderen. Immer noch befördert man die Waren von A nach B und absolviert auf diesem Weg auch die ein oder andere Nebenquest um weitere Benefits und Boni zu erhalten.

Größere Neuerungen in Sachen Gameplay darf man also von Death Stranding 2: On the Beach keinesfalls erwarten. Der Titel ist eben genau das, worauf die Fans schon einige Jahre lang gehofft hatten: ein direkter Nachfolger von Death Stranding.

Dynamisches Wetter macht euch immer wieder zu schaffen

Ein interessantes und spannendes neues Gameplay-Element ist das dynamische Wettersystem, welches es nun gibt. Denn nun muss sich Sam nicht nur auf zahlreiche Widersacher, sondern auch auf mal mehr und mal weniger kritische Wetterlagen wie beispielsweise Erdbeben, die die Spielwelt beeinflussen und euch Hindernisse in den Weg rollen, einstellen. Ein schöner Gameplay-Kniff, der etwas frischen Wind in das altbekannte Gameplay-Gefühl bringt und euch in so mancher Spielsituation dazu zwingt euch an die aktuellen Gegebenheiten anzupassen.

Fantastische Atmosphäre erzeugt Gänsehaut-Feeling

Einer der ganz großen Pluspunkte von Death Stranding 2: On the Beach ist zweifelsohne die absolut fantastische Atmosphäre, die der Titel immer wieder und oft auch in völlig unerwarteten Spielphasen erzeugt.

Mal geht man beispielsweise einfach nur einen Weg entlang und plötzlich zoomt die Kamera weg von Sam und ein stets perfekt platzierter Song schmückt die Szenerie wunderbar akustisch aus. Nicht selten hatte ich während meiner Testphase pures Gänsehaut-Feeling und genau während dieser Momente erkennt man, weshalb Hideo Kojima auch heute noch zur absoluten Speerspitze der Gaming-Branche zählt. Auch wenn die glorreichen Tage der Kojima-Metal-Gear-Ära leider zu Ende sind, so kann man dennoch ruhigen Gewissens sagen, dass der Kojima-Spirit nach wie vor vorhanden ist.

Speziell der fantastische Soundtrack, der hier wirklich perfekt ausgewählt und platziert wurde, macht diese audiovisuelle Erfahrung zu etwas ganz Besonderem.

Optisch ein absolutes Meisterwerk

Speziell die technische Seite von Death Stranding 2: On the Beach ist über jeden Zweifel erhaben. Die fantastische Decima-Engine vermag es gekonnt unglaublich tolle Szenerien zu erschaffen, die fast schon fotorealistisch aussehen. Dennoch schafft es Death Stranding 2 jederzeit die 60-Frames-Marke zu halten. Selbst auf einer Standard-PS5-Konsole sieht der Titel absolut fantastisch und atemberaubend aus. Die spektakuläre Weitsicht und die unglaublich scharfen Texturen runden das optische Gesamtbild ab. Death Stranding 2: On the Beach dürfte eines der schönsten Spiele sein, das zumindest ich bis dato gesehen habe.

Ein Soundtrack, wie er im Buche steht

Ein weiterer großer Pluspunkt von Death Stranding 2 ist der fantastisch ausgewählte und stets perfekt platzierte Soundtrack. Typisch Kojima wird hier zum großen Teil auf zumindest in europäischen Gefilden recht unbekannte Künstler gesetzt, was das Ganze aber vielleicht umso spannender macht. Hier kann man definitiv noch den ein oder anderen Geheimtipp in Sachen Musik für sich entdecken.

Aber auch die Soundeffekte wie der plätschernde Regen oder die toll umgesetzten Waffengeräusche können sich hören lassen. Hier wurde soundtechnisch auf allerhöchstem Niveau gearbeitet und man merkt dem Titel zu jeder Zeit an, dass Hideo Kojima einfach genau weiß, in welchen Spielsituationen ein Soundtrack passt und in welchen es keiner musikalischen Untermalung bedarf.

Ein Trip der ganz besonderen Art

Bildmaterial: Death Stranding 2: On the Beach, Sony, Kojima Productions

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Titel	Yakuza 0 Director’s Cut
	05. Juni 2025
	SEGA
	05. Juni 2025
	SEGA
	05. Juni 2025
	SEGA
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Ryu Ga Gotoku Studio
Genres	Action
Texte
Vertonung

Die „Like a Dragon“-Serie galt im Westen bekanntermaßen lange als nischiges Liebhaberprogramm, bis Yakuza 0 2017 ein breiteres Publikum für die Marke erschloss. Das lag zum einen sicherlich im günstigen Einstiegspunkt im Hinblick auf die Handlung begründet. Immerhin präsentiert „Zero“ Kazuma Kiryus erste Schritte im Yakuza-geprägten Sündenpfuhl von Kamurocho, ehe er sich – im Verlauf der Jahrzehnte umspannenden Seriengeschichte – zur Unterwelt-Legende mausert. Zum anderen gilt Yakuza 0 bis heute schlicht als einer der besten Ableger der Serie.

Passend zum Start von Nintendos aufgebohrter Hybridkonsole, liefern SEGA und das Ryu Ga Gotoku Studio nun einen Director’s Cut der gefeierten Action-Seifenoper, der nicht nur frische Zwischensequenzen, sondern ebenso einen brandneuen Multiplayer-Modus bereithält. Wir haben die überarbeitete Fassung unter die Lupe genommen.

Wie alles begann

Ihr werdet mittlerweile bestens mit Yakuza 0 vertraut sein; lasst mich trotzdem kurz umreißen, worum es geht. Während der blumigen Blasenwirtschaft Japans in der zweiten Hälfte der 1980er Jahre schlüpft Ihr in die Rolle von Kazuma Kiryu – ein niederrangiges Mitglied der Dojima-Familie.

Eurem Rang entsprechend betätigt Ihr Euch als Schuldeneintreiber und prügelt zum Einstieg einen armen Hund windelweich. Das mündet allerdings in Schwierigkeiten, als die Medien vom Mord an besagtem Mann berichten. Als wäre das an sich nicht schon Problem genug, entpuppt sich der Tatort als wichtiges Grundstück, welches als Eckpfeiler eines Sanierungsprojekts gilt, das der Dojima-Familie großen Einfluss verspricht.

Ja, das stinkt mächtig nach Sabotage und Ihr findet Euch als Sündenbock inmitten dieser Bredouille wieder. Der perfekte Startschuss für ein packendes Action-Drama, bei dem natürlich allerhand Fäuste fliegen.

Über die grundlegende Qualität von Yakuza 0 brauche ich Euch nichts zu erzählen. Das Internet ist voll von – überwiegend – euphorischen Stimmen, denen ich mich bedingungslos anschließe. Vor allem, weil „Zero“ erfreulicherweise auch heute nichts von seinem einnehmenden Charme eingebüßt hat. Im Gegenteil: Es bedurfte lediglich weniger Minuten, bis mich der Titel gleich wieder in seinen Bann zog. Und das liegt in nicht unbeträchtlichem Maße daran, dass der Director’s Cut natürlich spielerisch, vor allem aber technisch eine tolle Figur auf Nintendo Switch 2 macht.

Sprachbarriere ade

Audiovisuell ist der Director’s Cut nahezu identisch mit der PS4-Fassung. Mit 1080p liefert die Switch-2-Version ein scharfes Bild, das vor allem im Handheld-Modus strahlt. Außerdem dürft Ihr Euch über eine bombenfeste Bildrate von 60 fps freuen; damit hat der Director’s Cut – im direkten Vergleich mit der PS4-Fassung – zuweilen gar die Nase vorn.

Ebenso erfreulich gestaltet sich der Umstand, dass der Director’s Cut mit einer rundum gelungenen deutschsprachigen Lokalisierung aufwartet, die sich auf dem hohen Niveau jüngster „Like a Dragon“-Veröffentlichungen bewegt. So brechen SEGA und das Ryu Ga Gotoku Studio nun auch mit der letzten Sprachbarriere und ermöglichen – hoffentlich – einem größeren Publikum den Zugang zum Spiel. Auf auditiver Ebene erwartet Euch optional eine englischsprachige Tonspur, die grundsätzlich überzeugt. Die Besetzung von Serien-Schwergewicht Kazuma Kiryu in Gestalt von YouTuber YongYea bleibt allerdings über weite Strecken gewöhnungsbedürftig. Verständlich, wenn sich langjährige Fans an dieser Interpretation stoßen, zumal seine Performance hier und da etwas amateurhaft anmutet.

Mehr Story und Koop-Prügeleien

Ein Director’s Cut verdient sich seinen Titel aber natürlich nicht nur auf technischer Ebene. In Sachen Gameplay und Handlung dürft Ihr ebenso jeweils mit einer prägnanten Neuerung rechnen. Die bekannte Story wird in der neuen Fassung etwa um fast 30 Minuten brandneue Zwischensequenzen ergänzt. Diese fügen sich rein technisch ganz nahtlos und organisch in das bisherige Grundgerüst, dürften aus inhaltlicher Perspektive jedoch spalten.

Einige der besagten Sequenzen reichern die bekannte Story mit schönen, neuen Facetten an – Figuren wie der fiese Dojima-Leutnant Kuze und Kiryus ulkiger Freund Nishikiyama bekommen rührende bis spaßige neue Momente auf die Leiber geschrieben. Manch andere Zwischensequenz, die in die etablierte Geschichte eingreift, präsentiert sich derweil befremdlich, weil sie starken Entscheidungen des Originals etwas ungelenk den Wind aus den Segeln nimmt. Das dürfte für beinharte Fans fast mehr Schaden als Errungenschaft bedeuten – weniger ist manchmal eben doch mehr.

In Sachen Gameplay lockt der Modus „Rotes Licht Raid“ (warum nicht „Rotlicht-Raid“?) mit der erstmaligen Möglichkeit zu Multiplayer-Keilereien. Ihr verbindet Euch mit bis zu drei prügelfreudigen Gefährten, um Euch diversen Herausforderungen zu stellen, die eigentlich immerzu das üppige Vermöbeln von Kanonenfutter im Wellen-Format zum Gegenstand haben, ehe sich Euch robustere Bosse in den Weg stellen.

Dazu wählt Ihr aus einer bunten Riege von Charakteren, die natürlich die Prominenz aus dem Hauptspiel beinhaltet, aber auch diverse Nebenfiguren anbietet. In bester Arcade-Manier müsst Ihr Eure Lieblinge nach und nach freispielen – das nötige (virtuelle) Kleingeld erkämpft Ihr großzügig mit jedem Durchgang, Mikrotransaktionen gibt es erfreulicherweise keine.

Das gemeinsame Prügeln funktioniert gut und bereitet vor allem dann Spaß, wenn Ihr schon im Rahmen des Hauptspiels nicht genug von den Keilereien bekommen habt. Ob eine Handvoll Zwischensequenzen und eine nette Mehrspieler-Komponente allerdings den Neukauf für Fans rechtfertigen, muss wohl jeder für sich selbst entscheiden.

So gut wie eh und je

Bildmaterial: Yakuza 0: Director’s Cut, SEGA, Ryu Ga Gotoku Studio

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Titel	Rune Factory: Guardians of Azuma
	5. Juni 2025
	Marvelous
	5. Juni 2025
	Marvelous USA
	5. Juni 2025
	Marvelous Europe Limited
System	Nintendo Switch, Nintendo Switch 2, PC
Getestet für	Nintendo Switch & Nintendo Switch 2
Entwickler	Marvelous
Genres	Action-Adventure, Management
Texte
Vertonung

Der Markt von Farming-Simulationen wie Harvest Moon oder Stardew Valley wächst gefühlt jeden Tag. Um aufzufallen, muss also ein Spiel dieser Art etwas Besonderes machen.

Die Rune-Factory-Reihe, ein ursprüngliches Spin-off von Harvest Moon, hat da schon vor langer Zeit angefangen, ihr eigenes Süppchen zu kochen. Die Mischung aus Action-Adventure und Farm-Simulation kam oft gut an – auch wenn die Reihe kurz vor dem Aus stand.

Nun ist sie aber mit Rune Factory: Guardians of Azuma mit voller Fahrt zurück und macht aus der Farm-Simulation ein komplettes Städte-Management. Doch funktioniert das überhaupt? Wir haben uns den Titel auf Nintendo Switch sowie auf Nintendo Switch 2 angeschaut.

Eine bekannte Trope: Gedächtnisverlust

Es ist in der Rune-Factory-Reihe mittlerweile eigentlich schon fast Pflicht, wie die Story beginnt. Euer Hauptcharakter hat sein Gedächtnis verloren und weiß nicht mehr, wer er oder sie ist.

Doch in Guardians of Azuma ist seit eurem Sturz in den heimischen Tempel bereits einige Zeit vergangen zum Beginn des Spieles und die Bewohner kennen euch. Das ist angenehm, denn so fühlt man sich dennoch direkt ein wenig heimisch.

Bald wird aber klarer, wer oder was ihr seid und das Ziel wird auch deutlich: Eine Fäulnis bedrängt das Land von Azuma, immer mehr Leute ziehen aus den heimischen Dörfern weg und das Land wird unfruchtbar. Als Erdtänzer ist es nun eure Aufgabe das Land von der Fäulnis zu befreien und den Göttern der kleinen Städte wieder zu voller Stärke zu verhelfen.

Eure Reise beginnt dabei im Frühlingsdorf, danach geht es in das Sommerdorf – wohin es danach geht, könnt ihr euch wahrscheinlich denken. Da ihr einen weißen Drachen euren Buddy nennt, seid ihr aber nicht nur auf dem Boden unterwegs. Über Azuma gibt es zahlreiche fliegende Inseln. Diese müssen im Laufe der Story ebenfalls besucht werden.

CEO von Azuma?

Die Story entwickelt sich anfangs recht vorhersehbar, wird aber nach dem Abgrasen aller Dörfer deutlich spannender und wartet auch mit kleinen Überraschungen auf. Besonders schön fand ich, dass man nicht direkt alle Charaktere von Anfang an kennt und mit jedem Besuch eines neuen Dorfes neue Leute kennenlernt. Darunter gibt es natürlich auch diverse potentielle Liebespartner! In Rune Factory: Guardians of Azuma ist es egal, welchen Charakter ihr am Anfang ausgewählt habt, wenn es um die Wahl der potentiellen Partner geht. Diese sind an beiden Charakteren romantisch interessiert! Jippie!

Die einzelnen Städte haben allesamt ein eigenes Entwicklungs-Level. Dieses erhöht ihr durch das Absolvieren von kleinen Missionen. Viele davon erfüllt ihr durch das tägliche Gameplay – manche müssen aber auch ein wenig gezielter angegangen werden. Erhöht sich das Level einer Stadt, können mehr Leute einziehen, mehr Deko-Objekte und Gebäude platziert werden und neue Entwicklungszonen kommen dazu.

Letztere sind der Dreh- und Angelpunkt für den Erdtänzer. Dort könnt ihr Häuser bauen, in welchen die Bewohner leben oder arbeiten können. Ihr könnt zahlreiche Deko-Objekte platzieren um die Stadt zu verschönern und auch dafür Deko-Punkte zu bekommen. Aber die guten alten Felder dürfen nicht fehlen! Diese könnt ihr zahlreich platzieren und mit Saat bestücken. Je höher die Level der Städte, desto mehr Entwicklungszonen gibt es – ihr könnt euch also richtig austoben und auch zahlreiche Felder anlegen. Auch Flüsse oder Hügel können gebaut werden. Dies ermöglicht ein wenig mehr horizontale Dynamik!

Arbeitet, meine Skla- lieben Dorfbewohner!

Schnell wird man dann merken: So viel Platz bedeutet auch viel Arbeit. Ihr benötigt zum Erstellen von Gebäuden, Deko-Objekten und auch Waffen und Ausrüstung natürlich viele Materialien wie Holz und Steine. In allen Dörfern alle Felder zu bestellen wäre schnell anstrengend.

Doch hier kommen die Dorfbewohner ins Spiel. Diese können in Geschäften arbeiten und sich um die Felder kümmern. Dies bedeutet dann konkret: gießen, Ernte einfahren und auch neue Saat aussähen. Komplett darauf verlassen könnt ihr euch jedoch nicht, denn auch die Dorfbewohner haben Pausen und Feierabend. Ist bis dahin nicht alles geschafft, solltet ihr dennoch einmal kurz über die Felder schauen.

Damit dies möglichst einfach ist, gibt es jedoch einen kompletten Management-Modus, in welchem ihr sogar aus der Vogelperspektive schnell alles platzieren und abarbeiten könnt. Wenn ihr wollt, könnt ihr also mit eurem Charakter von Feld zu Feld laufen und alles auf die klassische Art und Weise gießen. Oder ihr begebt euch in die Luft und klickt schnell alles durch.

Die Gießkanne auffüllen müsst ihr übrigens nicht. Das wäre bei der Menge an Feldern auch einfach nur ultra nervig. In der Vogelperspektive könnt ihr auch die Gebäude und Deko-Artikel platzieren. Auf der Nintendo Switch 2 ist es sogar möglich, den Maus-Modus mit den Joy-Con zu verwenden! Das war nicht so meins – aber wer darauf Bock hat, Feuer frei!

Sehr hilfreich ist auch, dass die Zeit in diesem Modus stehen bleibt. Wer nun denkt, dass dann ja richtig viel Freizeit übrig ist, der täuscht sich ein wenig. Wer seine Dörfer wirklich richtig schön haben will, wird dennoch viel Zeit mit Holz und Steine sammeln verbringen oder ewig arrangieren, bis man es schön findet.

Übrigens: Das Sammeln von Materialien können auch die Dorfbewohner übernehmen. Diese können auch für euch fischen gehen! Alles, was sie machen, fließt in die täglichen Einnahmen ein. Dabei ist wichtig, dass diese auch die täglichen Ausgaben übersteigen. Die Dorfbewohner arbeiten nicht for free! Damit hatte ich aber persönlich nie Probleme.

Auf ins Abenteuer!

Neben den klassischen NPC-Dorfbewohnern gibt es natürlich auch Story-relevante Charaktere, mit denen ihr interagieren oder, wie bereits angesprochen, flirten könnt. Mit diesen könnt ihr täglich für mehr Zuneigung sprechen oder Zeit mit ihnen verbringen. Dabei gibt es für euch dann mehrere Auswahl-Möglichkeiten, in welcher Form dies passieren soll.

Die Möglichkeiten lassen dann unterschiedlich viel Zeit verstreichen und kommen unterschiedlich gut bei den Charakteren an. Während sicherlich manche Figuren sich vor Lachen die Schenkel klopfen, wenn ihr einen Witz erzählt, so kann Hina zum Beispiel nichts damit anfangen. Apropos Hina: Spielenden von Rune Factory 5 kommt diese rosa-haarige Dame eventuell bekannt vor …

Seid ihr mit den Charakteren gut befreundet, können diese euch auf Abenteuer begleiten. Dies ist besser gelöst als in bisherigen Teilen. Packt die Charaktere einfach über ein Menü in eure Gruppe und beim Verlassen des Dorfes sind diese dann bei euch. Sie rennen euch also nicht mehr in den Städten die ganze Zeit hinterher. Das spart Zeit und macht das Aufbrechen auf Abenteuer viel angenehmer als früher.

Die Reise ist meist recht zielführend: Ihr könnt ein wenig die neue Gegend erkunden, bekämpft ein paar Monster und am Ende des Dungeons oder des neuen Gebietes gibt es meist einen Boss-Kampf. Die Areale sind meist befallen von Fäulnis, welche ihr mit den von den Göttern erhaltenen Heiligen Schätze entfernen könnt. Diese sind auch zum Lösen von kleinen Rätseln da und können ebenfalls im Kampf verwendet werden.

Das Dark Souls der Harvest-Moon-Spiele?!?!

Nein. Die Kämpfe in Rune Factory: Guardians of Azuma sind für eine recht lange Zeit relativ gut machbar – aber nicht alle Kämpfe sind super einfach. Wenn ihr euch jedoch regelmäßig mit den in der Oberwelt gefundenen Waffen- und Ausrüstungs-Rezepten neues Gear schmiedet, solltet ihr größtenteils keine Probleme haben.

Wartet bei stärkeren Gegnern auf einen Angriff und weicht im richtigen Moment aus! Denn dann verfällt alles in Zeitlupe und ihr könnt ordentlich draufhauen. Außerdem bekommen Boss-Gegner dann mehr Schaden an ihrer Betäubungs-Leiste. Ist diese gefüllt, ist der Gegner für kurze Zeit unfähig etwas zu machen und erhält deutlich mehr Schaden.

Spezialangriffe, welche einen Teil eurer Spezial-Leiste verbrauchen, unterstützen euch auf verschiedene Weisen. Ein großes Heilfeld, kontinuierlicher Schaden, Angriffe verstärkend oder einfach bildschirmfüllende Angriffe ausführen – die Effekte sind vielfältig.

Bis zu sechs Leute können euch in der Party unterstützen, wobei immer drei davon aktiv sind und ihr auf Knopfdruck durchschalten könnt. Dabei ist jeder Charakter einer Klasse wie Angreifer, Verteidiger oder Heiler unterteilt und bringt dementsprechende Fähigkeiten mit sich. Seid ihr viel mit einem Charakter unterwegs, wächst übrigens auch die Beziehung. Nehmt also potentielle Partner immer mit auf die Reise!

Die Kämpfe an sich fühlen sich sehr flüssig an und ihr habt verschiedene Waffen zur Auswahl. Ich bin persönlich großer Fan des Bogens und der Doppelklingen – wenn ihr aber lieber mit einem Großschwert draufhauen wollt, könnt ihr das auch machen.

Was mich nicht stört, aber vielleicht manchen Spielenden auffallen könnte: Viel Taktik benötigen die meisten Kämpfe trotzdem nicht. Draufhauen und ausweichen, auf den Stun warten und dann die Spezialangriffe zünden. Das ist eigentlich von Anfang des Spieles bis zum Ende die Haupttaktik. Wer also mehr Tiefe sucht, wird nicht glücklich.

Ernten und Leveln – das muss drin sein in ’nem Spiel!

Mit jedem Kampf sammelt ihr Erfahrungspunkte und steigt dann im Level auf. Zusätzlich erhaltet ihr mit allem, was ihr macht, Fähigkeitenpunkte. Greift ihr viel mit dem Schwert an, erhaltet ihr dafür die Punkte. Nutzt ihr oft den Bogen, dann dafür – ihr versteht das Konzept. Es gibt aber durch das tägliche Doing auch allgemeine Fähigkeitenpunkte, die ihr am Ende eines Tages erhaltet.

Diese können für andere Sachen wie neue Fähigkeiten im Sozialleben sorgen – andere Gesprächsoptionen, mehr Geld beim Verkauf von Sachen. Auch könnt ihr eure Koch- oder Schmiede-Fähigkeiten verbessern. Oder ihr verstärkt euren Charakter durch Aufleveln der Fähigkeiten der Waffen. Apropos verbessern: Das Platzieren von Deko-Objekten und Gebäuden verstärkt euch pro Dorf ebenfalls. Seid ihr also zu schwach, dann muss nicht unbedingt nur gegrindet werden. Die Dörfer auszubauen hilft euch da auch schon weiter.

Um an Materialien zu kommen, müsst ihr nicht unbedingt nur von Baum zu Baum laufen oder auf die Ausbeute der Dorfbewohner hoffen. Am Quest-Brett könnt ihr täglich Anfragen finden, welche ihr erfüllen könnt. Diese bieten euch oft Dinge für das Dorf als Belohnung: Holz, Steine, Felder oder Saat.

Diese könnt ihr zwar später auch kaufen, doch den Großteil davon findet ihr entweder in der Oberwelt, erhaltet sie durch Anfragen oder bekommt beim Ernten von Erzeugnissen direkt neue Saat. Diese ist in unterschiedliche Level eingeteilt. Je höher das Level, desto besser das Erzeugnis und somit mehr Kohle für euch beim Verkauf.

Alles in allem fühlt sich der tägliche Gameplay-Loop in Rune Factory: Guardians of Azuma einfach stimmig an. Das Aufbauen der Dörfer macht mir persönlich unfassbar viel Spaß und es ist auch ausreichend Möglichkeit zum Entfalten der eigenen Kreativität gegeben. Ich mag es sehr, wie hübsch meine Dörfer sind und wünschte mir schon fast, es gäbe die Möglichkeit die Städte anderer Spielenden anzuschauen. Eine einzige „nervige“ Kleinigkeit liegt im Schmieden und Deko-Objekte bauen.

Oft möchte ich einen ganzen Batzen an Dingen auf einmal machen. Jedoch muss jedes einzelne Objekt ausgewählt und geschmiedet werden. Die Möglichkeit direkt alles auf einmal auszuwählen und fertigen zu können wäre wirklich toll und zeitsparend gewesen. Auch die Möglichkeit Ausrüstung direkt nach dem Schmieden an einen Charakter anlegen zu können würde ich sehr willkommen heißen. Danach in das Menü und allen das passende Zeug anlegen zu müssen, fühlt sich heute nicht zeitgemäß an.

Ein flüssiges Spielerlebnis – zumindest auf Nintendo Switch 2

In Rune Factory: Guardians of Azuma sehen die Charaktere sehr gut aus, die Kampfanimationen sind flüssig und die Effekte sehen toll aus. Manche Umgebungen sehen ein wenig schwach texturiert aus. Auf der „alten“ Nintendo Switch kommt die Konsole mit dem Spiel auch meistens gut klar in den Kämpfen und der Oberwelt.

In den Dörfern braucht die Konsole mit wachsender Anzahl an Deko-Objekten, Bewohnern und Gebäuden dann doch manchmal ein wenig länger, um alles zu laden. Auch die Framerate bleibt da nicht immer stabil. Ich hatte nur ein einziges Mal einen kompletten, ganz ganz kurzen Stillstand in einem Kampf, bei dem einfach irgendwie grad alle Effekte auf einmal losgingen. Das ist nicht unbedingt störend, aber es fiel auf. Es läuft aber trotz allem besser als Rune Factory 5.

Mit der Nintendo Switch 2 hatte ich diese Probleme fast nie. Auch hier gab es ein Mal einen komischen Slowdown in einem Kampf, wo auch die Kamera sich merkwürdig arrangierte. Aber sonst ist es ein deutlich flüssigeres Spielerlebnis und wenn auch manchmal das kurze Nachladen der Charaktere in den Dörfern weiterhin vorhanden ist, so ist die allgemeine Performance wirklich deutlich besser auf der neuen Generation.

Sprich: Guardians of Azuma ist auf der alten Generation problemlos spielbar. Auf der neuen Konsole erfreut ihr euch aber an einer deutlich besseren Performance. Einen Preis für ultimative Grafikpracht gewinnt der Titel trotzdem nicht – aber für die Reihe ist es definitiv ein riesiges Upgrade.

Viele der Szenen in Rune Factory: Guardians of Azuma sind vertont. Während ihr deutsche Texte geboten bekommt, so ertönen viele Gespräche entweder in Englisch oder Japanisch – je was ihr auswählt. Diese sind gut gelungen, bis auf ein merkwürdiges Geräusch, welches Hina macht.

Wenn man sie anspricht, macht sie manchmal ein ganz komisches Grunzgeräusch. Das macht sie nicht weniger liebenswert – haut mich aber immer völlig aus den Latschen. Der Soundtrack bietet euch schöne Melodien, welche zum allgemeinen Farming-Feeling gut passen und für entspannte Stunden sorgen.

Auf nach Azuma!

In den kommenden Wochen werde ich sicher noch viel Zeit mit Rune Factory: Guardians of Azuma verbringen. Ich gehe sogar so weit zu sagen, es ist mein Lieblingsteil der Reihe. Die Gespräche mit den Dorfbewohnern sind toll, ihre Bindungsmissionen abwechslungsreich und liebevoll. Die Kämpfe machen Spaß und sind teils sogar ein wenig herausfordernd. Der tägliche Gameplay-Loop ist durch das Dorf-Management extrem befriedigend und man erfreut sich daran, wie die Dörfer Stück für Stück größer und hübscher werden. Wer Lust auf Action und Dorf-Management gepaart mit Bauernhof-Simulation hat, der darf an diesem neuen Ableger der Reihe nicht vorbei.

Bildmaterial: Rune Factory: Guardians of Azuma, Marvelous

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Titel	Elden Ring Nightreign
	30. Mai 2025
	Bandai Namco
	30. Mai 2025
	Bandai Namco
	30. Mai 2025
	Bandai Namco
System	PlayStation 5, Xbox Series, PlayStation 4, Xbox One, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	FromSoftware
Genres	Action-RPG, Roguelite, Survival
Texte
Vertonung

Ihr erinnert Euch: Vor einigen Monaten hatten wir bereits die Möglichkeit, Elden Ring Nightreign ausgiebig anzuspielen. Seinerzeit ging ich mit gesunder Skepsis in den Termin und kam mit euphorischer Vorfreude auf das fertige Spiel wieder raus. Mittlerweile konnte ich zahlreiche Stunden in die finale Fassung stecken und so viel kann ich schon mal verraten: Der tolle Eindruck aus dem Preview-Event hat sich genauso bestätigt wie der Verdacht, dass dieses Spiel nicht jeden Fan des Originals glücklich machen wird.

Das ist Nightreign

Ihr seid mittlerweile sicher bestens vertraut mit dem Konzept von „Nightreign“, lasst es mich trotzdem nochmal flott umreißen. Ihr wählt aus einer Riege von acht Nightfarern und stürzt Euch dann mit zwei Verbündeten ins Abenteuer. Euer Ziel: Der scheußliche Nightlord, der – in seinen vielen Gestalten – die Zwischenlande heimsucht und gefälligst dort hin zurück soll, wo er herkam. Bevor Ihr allerdings an seine Tür klopft, müsst Ihr zwei volle Tage in Limveld überleben, was an und für sich bereits eine knifflige Herausforderung sein kann.

Einmal vom spektralen Falken abgeworfen, tickt nämlich die Uhr. Auf der Jagd nach nützlicher Ausrüstung und Runen eilt Ihr zu zufallsgenerierten Orten auf der Karte und nehmt es mit einfachen Feinden und regelmäßigen Minibossen auf. Eure Route bestimmt Ihr dabei möglichst fix, denn ehe Ihr Euch verseht, treibt Euch ein Kreis aus Flammen ins Zentrum der Karte. Hier wartet dann ein nächtlicher Boss darauf, Euch das Leben schwer zu machen. Ist der Boden mit ihm aufgewischt, geht es nach selbigem Regelwerk in den zweiten Tag, ehe Euch der dritte Tag eine ordentlich knifflige Keilerei mit dem Nightlord gewährt.

In der Vorab-Version gestaltete sich dieser Gameplay-Loop bereits reichlich spaßig, was aber nicht nur im Talent meiner charmanten Gruppe begründet lag. Seinerzeit beschränkten sich die zufallsbasierten Elemente noch auf ein Minimum; es dauerte nicht lang, bis wir mit allen Eventualitäten vertraut waren und routiniert einen Durchgang nach dem anderen erfolgreich abhakten. Damit ist in der finalen Version Schluss. Wie versprochen, hat FromSoftware gehörig am Randomizer-Regler gedreht. Der Pool an Bossgegnern ist dabei genauso zuverlässig angewachsen wie jener an Nightlords und spielbaren Klassen.

Neue Helden, neue Schergen

Eins nach dem anderen: In der vorläufigen Fassung hatten wir lediglich Zugriff auf vier der acht Klassen – Wylder, Wächter, Einsiedlerin und Gräfin. In der finalen Version gesellt sich nun der gleichermaßen vielseitige Rest dazu.

Da wäre der grobschlächtige Räuber, der eingesteckte Treffer effektiv zurückwerfen kann und mit seiner Ultimativkunst eine mächtige Stele beschwört. Diese tut Feinden nicht nur weh, sondern dient Fernkampfklassen – wie dem Eisenauge – zusätzlich als nützlicher Aussichtspunkt. Wo wir schon beim Eisenauge sind: Als unterstützender Bogenschütze agiert er aus der Ferne und markiert Schergen, damit sie größeren Schaden von Euren Kameraden erleiden. Das Gespenst ähnelt einer Totenbeschwörerin und ruft die Geister bekannter Widersacher herbei, die Euch im Kampf unter die Arme greifen. Und dann wäre da noch der Exekutor, der Sekiro-Fans glücklich machen dürfte. Sein Charaktertalent lässt ihn in eine Haltung wechseln, die feindliche Angriffe parieren lässt. Außerdem kann sich der wortkarge Schwertkämpfer via Ultimativkunst in ein wildes Biest verwandeln. Praktisch.

So wie die Riege an Helden wächst, tut es natürlich auch jene des titelgebenden Widersachers. Hatten wir vorab lediglich die Möglichkeit dazu, uns mit dem dreiköpfigen Streuner Gladius anzulegen, winken nun sieben weitere Obermotze, die allesamt unterschiedliche, äußerst fiese, aber nie unfaire Herausforderungen bieten. Von wildgewordenen Ziegen über anmutige Drachen bis zu Speer-schwingenden Zentauren – an Abwechslung mangelt es der Schurkenbande gewiss nicht.

Zwischen Stress und Euphorie

Wenig überraschend markieren die Kämpfe mit den Nightlords die spielerischen Höhepunkte von „Nightreign“. Nicht selten werdet Ihr nach erstmaliger Konfrontation mit einem Nightlord denken, er sei eine unüberwindbare Hürde. Je mehr Ihr Euch aber mit seinen Angriffen und vor allem Schwächen vertraut macht, wird ein Sieg immer greifbarer. Na klar, so ist es auch im Hauptspiel, bzw. in sämtlichen FromSoftware-Spielen der „Souls“-Ära, werdet Ihr sagen. Die kooperative Komponente von „Nightreign“ verleiht diesen knackigen Keilereien aber eine zusätzliche Ebene und Komplexität.

Die Zusammenstellung Eures Teams ist genauso von Bedeutung wie es Eure Ausrüstung sein kann. Seht Ihr Euch mit einem Schergen konfrontiert, der die meiste Zeit damit verbringt, in luftigen Höhen umher zu schweben, seht Ihr mit einer Truppe aus Nahkämpfern schnell alt aus. Und wenn ein hungriges Biest unermüdlich nach Euch schnappt, seid Ihr gut beraten einen kräftigen Tank in der Gruppe zu haben, der versucht, es in Schach zu halten. Aber auch die elementaren Schwächen Eurer Feinde solltet Ihr nicht außer Acht lassen. Um bei letzterem Beispiel zu bleiben: Ist das Monster vergiftet, verfliegt seine Wildheit kurzerhand, was Euch ein günstiges Fenster zum Gegenangriff eröffnet.

Eines haben alle Nightlords gemeinsam: Sind sie einmal nach stressiger Keilerei bezwungen, ist die Freude unwahrscheinlich groß. Im Testzeitraum jubelten wir regelmäßig gemeinsam, wenn ein neuer Superboss ins Gras biss – „Souls“-Fans ist dieses Gefühl der Euphorie wohl bekannt. Und eben dieses Gefühl resultierte dann regelmäßig in einem kollektiven „Eine Runde geht noch“; die Sogwirkung von „Nightreign“ ist erstaunlich.

Vielseitiges Limveld

Jetzt bin ich aber fast ein bisschen zu flott ans Ziel galoppiert. Wie gesagt: Bevor Ihr überhaupt beim Nightlord anklopft, gilt es zwei volle Tage in Limveld zu überstehen, das sich im Vergleich zur Vorab-Version deutlich weniger durchschaubar präsentiert. Punkte von Interesse auf der Karte wechseln nun regelmäßig ihren Standort und Charakter, wenngleich ihr nach einigen Stunden natürlich immer wieder über bereits bekannte Camps stolpert. Hin und wieder kommt es gar vor, dass sich Gegner-Standorte und ihre entsprechenden Minibosse innerhalb einer Expedition wiederholen. Besonders störend empfand ich diesen Umstand aber nicht. Im Gegenteil: Wenn es ein dankbarer Hotspot ist, freute mich eine solche Repetition sogar.

Für weitere Abwechslung sorgen die sogenannten Erdverschiebungen. Im Vorfeld spekulierten wir, ob „Nightreign“ neben Limveld auch andere Karten bieten könnte. Dem ist nicht so. Dafür sorgen zufallsbasierte Weltereignisse, die Ihr im Spielverlauf freischaltet für prägnante Veränderungen in der Vegetation von Limveld.

So kann etwa ein vulkanischer Krater das Zentrum der Karte aufbrechen und Euch in seine Tiefen einladen oder es erhebt sich ein schneebedeckter Berg, den es zu erklimmen gilt. Es könnte sich aber auch ein giftiger Wald auftun oder eine mächtige Festungsstadt. Diese speziellen Gebiete empfangen Euch mit großen Risiken, aber eben auch potenziell mächtigen Belohnungen.

Nicht ohne Stolpersteine

Nach gut 30 Stunden und zahlreichen erfolgreichen wie misslungenen Expeditionen konnte ich letztlich – mit der Hilfe von diversen tollen Kollegen und Kolleginnen – sieben von acht Nightlords (inklusive finalem Boss) bezwingen und der tolle Vorab-Eindruck bestätigt sich auf ganzer Linie. Als unerwartet packender Genre-Mix hielt und hält mich „Nightreign“ in seinen Fängen. Fest steht aber auch: So wird es sicher nicht jedem ergehen. Dafür ist der Titel mit seinen Einstiegshürden und Voraussetzungen für eine optimale Spielerfahrung zu sperrig.

Zum einen bedarf es förmlich einer festen Gruppe und direkter Kommunikation, damit Ihr den vielen Gefahren von Limveld  bestmöglich trotzen könnt. Schreitet Ihr mit zwei zufällig zugeteilten Kameraden und ohne Absprache ins Abenteuer, mündet das natürlich nicht gleich in einer gescheiterten Expedition – ich konnte in solch einem Kontext durchaus manch einen Nightlord zu Grabe tragen. An die Erfahrung, sich in der Hektik direkt mit seinen Kameraden absprechen zu können, reicht diese Spielweise aber nicht heran.

Darüber hinaus gestaltet sich das Spielprinzip von „Nightreign“ nicht nur komplex, sondern ebenso recht kompromisslos. Klar, auch das ist man von FromSoft-Abenteuern gewöhnt. Zusätzlich zum knackigen Schwierigkeitsgrad kommen aber diverse Systeme und Mechaniken, die man bei stressvollem Tempo durchdringen muss. Übung macht bekanntlich den Meister; diverse Fans des Originals und interessierte Neulinge könnten hier aber verständlicherweise frühzeitig das Handtuch werfen.

Solltet Ihr Euch übrigens fragen, ob denn nun der versprochene Solo-Modus mit an Bord ist: Ist er. Allerdings markiert dieser das aktuell deutlichste Manko am Spiel. Ihr könnt zwar durchaus im Alleingang losziehen; diverse Ungereimtheiten im Balancing machen die Solo-Expeditionen aber regelmäßig zur Tortur. Feinde scheinen zwar hier und da angepasste Lebensleisten zu haben; die Frequenz an Gegnern ist aber deutlich auf die Koop-Erfahrung ausgelegt. FromSoftware wird hier aber sicher mit der Zeit nachbessern und Anpassungen vornehmen.

Wo ist Crossplay?

Technisch gibt es wenig zu beanstanden. Audiovisuell macht der Titel eine FromSoftware-typische Figur. Will heißen: So lange Ihr kein grafisches Wunderwerk erwartet, könnt Ihr Euch an durchaus toll präsentierten Schauwerten und einer mehr oder minder stabilen Bildrate erfreuen.

Einen groben Schnitzer erlaubt sich „Nightreign“ als Koop-Abenteuer dann aber doch noch. Der Titel kommt ohne Crossplay-Funktion, was die Möglichkeiten zum gemeinsamen Spiel mit Freunden deutlich einschränkt. Das wirkt 2025 fast etwas befremdlich altbacken. Daumen drücken, dass FromSoftware die Funktion nachreicht.

Ein hervorragendes Spin-off der Marke Geschmackssache

Bildmaterial: Elden Ring Nightreign, Bandai Namco, FromSoftware

Der Beitrag Im Test! Elden Ring Nightreign ist ein fantastisches Spin-off, das allerdings spalten dürfte erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Monster Hunter Wilds
	28. Februar 2025
	Capcom
	28. Februar 2025
	Capcom
	28. Februar 2025
	Capcom
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Capcom
Genres	Action RPG
Texte
Vertonung

Terra incognita, lateinisch für „unbekanntes Land“ und in der Kartografie ein Begriff für Gebiete, die noch nicht kartografiert sind, beschreibt meine Reise durch die Welt von Monster Hunter Wilds. Als Jäger begab ich mich dieses Mal auf eine Forschungsexpedition ins Verbotene Land. Zusammen mit anderen starken Persönlichkeiten wurde ich vom Gildenmeister ausgewählt, um die Avis-Einheit als Jäger tatkräftig zu unterstützen. In der weiten und noch unerforschten Landschaft ist es meine Aufgabe, die Einheit zu beschützen. Allerdings ist es nicht die einzige Aufgabe, der wir uns stellen müssen.

Die Hüter und der Weiße Geist

Der Grund für unsere Reise ist Nata. Der Junge wurde bei einer Expedition am Rande des Verbotenen Landes gefunden, einem Ort, den man seit tausend Jahren nicht mehr betreten durfte und der bis vor kurzem als unbewohnt galt. Nata, der zum Stamm der Wächter gehört, wurde von der Gilde aufgenommen. Seine Geschichte klingt schier unglaublich. Sein Dorf wurde von einem uns unbekannten Monster angegriffen und er war der Einzige, der entkommen konnte. Weder über sein Volk noch über das angreifende Monster haben wir nähere Informationen in unseren Aufzeichnungen. Das Monster wird lediglich als Weißer Geist bezeichnet.

Um den Jungen zurück in seine Heimat zu bringen und das Verbotene Land zu erforschen, beschließt Gildenmeister Fabius, mehrere Einheiten in die Region zu entsenden. Unsere Avis-Einheit besteht aus mir als anführendem Jäger, der Feldexpertin Alma, die Nata unter ihre Fittiche genommen hat, Gemma, einer geschickten Schmiedin, und meinem Palico-Partner Shoto. Wir kümmern uns nicht nur um Nata, sondern haben ebenfalls den Auftrag, die Geschehnisse um den Weißen Geist zu untersuchen. Dabei unterstützt uns die Astrum-Einheit, angeführt von der hammerschwingenden Jägerin Olivia. Was sich wohl hinter dem Weißen Geist und dem Verbotenen Land verbirgt?

Ein holpriger Start mit neuen Freundschaften

Unsere unbekannte Reise führt uns an verschiedene Orte des Landes. Gleich zu Beginn treffen wir auf Y’sai und seine Schwester Nona. Beide werden von großen Monstern in Bedrängnis gebracht. Zum einen wird Nona von dem Sandleviathan Balahara gejagt, während Y’sai von dem amphibienähnlichen Chatacabra angegriffen wird. Als guter Jäger werde ich natürlich von Alma, die im Auftrag der Gilde Quests verteilen darf, beauftragt, die Monster zu vertreiben. Schnell stellt sich heraus, dass das Verbotene Land gar nicht so unbewohnt ist, wie wir dachten.

So leben Y’sai und Nona in Kunafu, einem kleinen Dorf auf der Windebene. Und nicht nur dort. In den unterschiedlichen Gebieten, wie dem Karminwald und dem Ölquellbecken, befinden sich weitere Dörfer, die sich ihrer Umgebung angepasst haben, um nicht von den großen Monstern angegriffen zu werden. Durch unsere neuen Freund- und Bekanntschaften lernen wir nicht nur die lokale Flora und Fauna kennen, sondern auch viele neue Menschen, die uns ans Herz wachsen. Es findet ein gegenseitiger kultureller Austausch statt. So erhalten wir nach und nach Informationen über Natas Dorf und kommen dem Geheimnis des Weißen Geistes auf die Spur.

Doch irgendetwas scheint mit dem Ökosystem nicht mehr zu stimmen. Es gibt plötzliche Wetterumschwünge, die nach den Einheimischen nicht zum normalen Rhythmus gehören. Gleichzeitig sind die Apex-Räuber der jeweiligen Gebiete außer Rand und Band. Ob der Weiße Geist dafür verantwortlich ist? Harte Kämpfe liegen vor uns und schließlich gelingt es uns, Natas Dorf zu finden. Doch was wir vorfinden, ist nicht unbedingt das, was Nata und wir uns vorgestellt haben. Etwas Seltsames geht hier vor sich.

Eine Handlung mit Persönlichkeiten

Im Vergleich zu World und Rise bietet Wilds eine etwas tiefgründigere Geschichte, die mich an vielen Stellen für sich gewinnen konnte. Das liegt vor allem an den wieder einmal toll inszenierten Zwischensequenzen, die diesmal nicht nur die Handlung vorantreiben, sondern auch mal für entschleunigende Momente sorgen. Das geschieht zum Beispiel, wenn die Avis-Einheit gemeinsam mit den DorfbewohnerInnen von Kunafu isst. Dabei wird nicht nur das Essen verblüffend realistisch dargestellt, so dass man selbst Hunger bekommt, sondern eine Umgebung geschaffen, in der man sich wohlfühlt.

Dazu tragen die unterschiedlichen Persönlichkeiten der verschiedenen Charaktere bei, denen man im Laufe des Spiels begegnet. Diese haben nicht nur wie seit Rise endlich Namen, sondern man kann sich richtig mit ihnen unterhalten oder ihnen Fragen stellen. Es gibt zwar nicht viele Möglichkeiten, aber durch die Gespräche lässt sich mehr über die einzelnen NPCs und die anderen Teammitglieder erfahren.

So habe ich nicht nur die Motivation und einige Verschrobenheiten der Leute kennengelernt, sondern auch das ein oder andere von meinem eigenen Jäger. Das macht diesen menschlicher und nicht nur zu einer menschlichen Waffe der Gilde, die Monster jagt, um das Ökosystem zu schützen. Dass er dieses Mal sprechen kann, hilft ebenfalls.

Abgeschlossen und doch irgendwie offen

Dennoch gibt es einen kleinen Wermutstropfen für mich. Wer die Story bis zum Ende durchspielt, also bis zum letzten Kapitel der hochrangigen Quests, erlebt zwar ein abgeschlossenes Ende, jedoch lässt mich das Gefühl bis heute nicht los, dass dort etwas fehlt. Ich kann es nicht genau beschreiben. Es ist, als würde Capcom, wie schon bei Rise, das noch ausstehende Ende zurückhalten und mit einem späteren Update nachliefern.

Aus diesem Grund finde ich die Handlung an sich authentisch und vor allem die Interaktionen mit den unterschiedlichen NPCs gehören zu den Stärken des Spiels. Ich finde es schön, dass diese nicht nur StatistInnen der Welt sind, sondern einen Mehrwert bieten und mehr über das Land erzählen. Ob das nötig ist, muss jeder für sich selbst entscheiden. Dass es nicht nur um die Monsterjagd geht, sondern eine gute Symbiose zwischen der Welt und den Charakteren besteht, die allen voran von Nata getragen wird, der noch viel von der Welt lernen möchte, hat mich letztendlich überzeugt. Nichtsdestotrotz blieb am Ende ein kleiner bitterer Nachgeschmack vorhanden.

Nicht nur neue menschliche Freundschaften

Wer keine Lust auf menschliche Gesellschaft hat, kann sich auf ein neues Reittier freuen: den Saikrii. Dabei handelt es sich um einen flugunfähigen Vogelwyvern, der sich durch seine außergewöhnliche Wendigkeit bei der Jagd als äußerst nützlich erweist. Dank seines feinen Geruchssinns findet er nicht nur automatisch das Ziel, sondern ihr könnt beim Reiten auch allerhand Gegenstände verwenden. Neben den eigenen persönlichen Gestaltungsmöglichkeiten lassen sich auch seine Federn individuell gestalten.

Doch das ist noch nicht das Beste. Dank einer zusätzlichen Tasche, die Gemma für euren Saikrii erstellt, könnt ihr zwei Waffen mit auf die Jagd nehmen. Das ermöglicht interessante Kombinationen. Zum Beispiel könnten Hammer-JägerInnen nun ein Schwert mitnehmen, um den Schwanz abzutrennen. Oder man erstellt sich eine Kombination aus Fern- und Nahkampfwaffen. Wobei ich sagen muss, dass ich während der Jagd eher selten die Waffe gewechselt habe. In der Regel blieb ich bei der gleichen Waffenart, da es noch etwas schwierig ist, die Fähigkeiten von Rüstung und Waffen auf zwei unterschiedliche Waffenarten passend abzustimmen.

Wer zum Beispiel eine Kombination aus Bogen und Langschwert spielen möchte, müsste genau abwägen, was er genau benötigt. Das Langschwert bräuchte eventuell Fähigkeiten, die die Schärfe und den Ladebalken beeinflussen, während der Bogen vor allem auf ein gutes Ausdauermanagement setzt. Beides zu vereinen ist schwierig und daher sind die Kombinationen etwas limitiert. Dennoch macht es viel Spaß, auszutesten, welche Kombinationen auf der Jagd eingesetzt werden können. Zudem ging es nie schneller und einfacher unterschiedliche Waffen auf einer Jagd einfach mal auszuprobieren.

Die Monster im Fokus der Waffen

Apropos Waffen. In Wilds gibt es die 14 gewohnten Waffenarten. Diese wurden jedoch angepasst und jede dieser Waffen hat mit dem Fokusmodus und dessen Angriffen neue Manöver erhalten. Diese zeigen gleichzeitig, wie detailliert die Monster in Wilds gestaltet wurden.

Schlagt ihr als Jägerin oder als Jäger mit eurer Waffe mehrmals auf eine Stelle ein, öffnet sich langsam eine Wunde, die sich von der Haut des Monsters hervorhebt. Wenn ihr dann mit der Schultertaste den Fokusmodus aktiviert, leuchten diese Wunden rötlich auf und ihr wisst, wo genau ihr angreifen müsst. Die folgenden Fokusangriffe fügen den Monstern massiven Schaden zu und maximieren die Wunden, so dass Schuppen- oder Hautteile abfallen und eingesammelt werden. Das erleichtert das Einsammeln der weniger wertvollen Gegenstände enorm.

Die neuen Fokusangriffe wurden nicht nur gut in Szene gesetzt, sondern fügen sich auch gut in die bisherige Entwicklung der 14 Waffenarten ein. Teilweise wurden bestehende Fähigkeiten aus den Vorgängern übernommen und entsprechend für Wilds angepasst. So gibt es nach einem erfolgreichen Fokusangriff wieder die rotierende Axt bei der Energieklinge, während JägerInnen mit dem Jagdhorn auf das Monster einschlagen und kurzzeitig viele Töne auf einmal spielen können. Unterdessen schießt der Bogen zielsuchende Pfeile ab, die das Monster gleichzeitig treffen.

Ein nettes Detail sind die Wunden der Monster, die in unterschiedlichen Farben bluten. Während die meisten Wyvern und Bestien rotes Blut haben, erkennt man bei einem Temnoceran (die Spinnentiere) grünes Blut bzw. Sekret. Ein schönes Detail, das die Welt noch authentischer macht.

Zeit für „Fashion Hunter“

Generell sprechen die Designentscheidungen von Wilds für sich. Die neuen Monster haben alle ihre eigenen Eigenschaften, sehen unterschiedlich aus und es gibt von Anfang an eine große Varianz an verschiedenen Arten. Leviathane über klassische Kampf- und Flugwyvern hin zu wiederkehrenden und neuen Temnoceran-Monstern sorgen für viel Abwechslung. Gleichzeitig hat Capcom mit Nu Udra eine völlig neue Monsterskelettstruktur eingeführt. Dabei handelt es sich um eine Oktopoden-Struktur, also ein Monster mit mehreren Tentakeln. Und alle Tentakel des Monsters können abgetrennt werden.

Diese Designentscheidungen wirken sich ebenfalls auf die Waffen und Rüstungen aus. Einige World-Designs kamen bei den Fans nicht so gut an, da sie sehr einfach gehalten waren und teilweise überhaupt keine Ähnlichkeit mit dem gejagten Monster hatten. Bei Wilds sieht das aus meiner Sicht anders aus. Die Waffen sehen besser aus als zuvor. Das gilt auch für die verschiedenen Rüstungsteile. Zu den altbekannten Rüstungen kommen neue hinzu, die sich gut tragen lassen und gute Fähigkeiten besitzen.

Dabei gibt es einen wesentlichen Unterschied zu den Vorgängern. Monster Hunter Wilds unterscheidet nicht mehr zwischen männlichen und weiblichen Rüstungsteilen. Das heißt, wenn ihr als Jäger weibliche Rüstungsteile tragen wollt, weil sie euch besser gefallen, könnt ihr diese einfach herstellen und anziehen. Gleiches gilt für Jägerinnen, die mit männlichen Rüstungsteilen herumlaufen möchten. Der Kreativität sind bei „Fashion Hunter“ also keine Grenzen gesetzt.

Die Fähigkeiten, die die Rüstungsteile besitzen oder durch Dekorationen erweitert werden können, geraten dabei schon fast in den Hintergrund. Zum Glück gibt es bei den hochrangigen Rüstungen wieder die Möglichkeit, dekorative Rüstungsteile anzuziehen. So seht ihr im Alltag immer schick und elegant aus.

Schönheit ist nicht alles

So schön Waffen und Rüstungen sein mögen, Schönheit allein macht noch kein gutes Gameplay aus. Das gilt auch für Monster Hunter Wilds. Für den neuesten Teil der Reihe hat sich Capcom von der gewohnten Queststruktur etwas verabschiedet und diese freier gestaltet. Jedes Monster, das euch über den Weg läuft, kann jederzeit anvisiert werden, um eine neue Quest zu starten.

Dabei hilft euch Alma. Sie autorisiert die Quest im Namen der Gilde und sobald ihr ein Monster erlegt habt, erhaltet ihr die entsprechenden Belohnungen. Ihr werdet jedoch nicht ins Basislager zurückgeschickt, sondern seid weiterhin in der Wildnis unterwegs und könnt direkt die nächste Quest starten, da sich Alma immer an eurer Seite befindet. Diese neue Freiheit hatte für mich Vor- und Nachteile.

Während ich mich auf die Suche nach einheimischen Wesen machte, Items sammelte oder einfach die schöne Gegend genoss, konnte ich im Vorbeigehen ein großes Monster jagen, mir nach der Quest eine Belohnung abholen und dann einfach weitermachen wie bisher. Dabei verrotten die Monsterkadaver sogar in dem Gebiet. Der Kreislauf der Natur. Oder falls ich mich dazu entschied das Monster zu fangen, wachte es kurze Zeit später auf und lief weg.

Generell ist Capcom die natürliche Inszenierung gut gelungen. So greifen kleinere Monster auch größere Monster im Rudel an und fügen diesen Schaden zu. Gleichzeitig greifen sich große Monster neben den inszenierten Revierkämpfen einfach im Vorbeigehen an und fügen sich auf recht natürliche Weise Schaden zu. So entsteht ein authentisches Miteinander.

Camping im Freien

Apropos authentisch. Wie bereits erwähnt, sieht das Essen im Spiel sehr realistisch aus. Das gilt auch für das Essen, welches man sich auf seinem tragbaren Grill zubereiten kann. Allerdings bin ich bei dieser Mechanik etwas zwiegespalten – und zwar nicht nur, weil mir eine Animation vom professionellen Katzenküchenchef fehlt.

Einerseits spiegelt sich darin die bereits angesprochene Freiheit wider. Als Jäger kann ich immer und überall meinen „Reisekocher“ auspacken und mir ein deftiges Fleischgericht zubereiten und meine Werte aufbessern. Diese halten dann – je nach Zutaten – eine gewisse Zeit an, selbst wenn ich während einer Quest ohnmächtig werde.

Das klingt erstmal gut. Allerdings hat das zur Folge, dass die Effekte des Grillens mitten in einer Jagd nicht mehr wirken und mein Gesundheitsbalken auf 50 % zusammenschrumpft. Dann muss ich entweder kurz in ein anderes Gebiet wechseln oder mir etwas anderes überlegen. Das hat mich bei der Jagd öfter mal gestört. Lieber verliere ich meine Effekte wie gewohnt nach einer Ohnmacht als mitten in einer Jagd.

Feldlagern im Freien

Auch die Feldlager haben mich nicht ganz überzeugen können. Ja, sie dienen als Schnellreise- und Rückkehrpunkt, wenn man mal ohnmächtig wird. Zeitgleich lassen sich die Lager nach eigenem Geschmack gestalten. Viel genutzt habe ich sie allerdings nicht, da die Feldlager, die gut gelegen sind, meist von großen Monstern zerstört und wenn ich diese dann brauchte, noch nicht wieder aufgebaut wurden. Da man zu Beginn einer Quest meistens vom Basislager startet und der Saikrii direkt die Fährte eines Monsters aufnimmt, ritt ich schnell und zielstrebig dorthin, ohne auf nahe liegende Feldlager zu achten.

Die Feldlager sind sicherlich für die meisten Spielenden praktikabel, aber ich konnte mit diesen nicht viel anfangen. Eventuell liegt es auch daran, dass sie im Spielverlauf der Story kaum eine Rolle spielen. Sie werden zwar vorgestellt, aber da man relativ schnell von Ort zu Ort reist und wenig erkundet, bleibt ihr Potential in dieser Zeit ungenutzt.

Lebendiges (geskriptetes) Ökosystem

Eines bietet die neu gewonnene Freiheit auf jeden Fall: einen guten Einblick in ein lebendiges Ökosystem. Dazu trägt das dynamische Wetterverhalten bei. Wobei man hier ein paar Abstriche machen sollte. Capcom beschreibt das System mit „Erlebe zwei verschiedene Jahreszeiten in den riesigen, sich ständig verändernden Umgebungen des Spiels“. Dem kann ich mich nicht so ganz anschließen.

Grundsätzlich stimmt diese Aussage zwar und die Umgebungen verändern sich, wenn man sich lange in einem Ökosystem aufhält. Später lassen sich die Zeiten auch manuell ändern. Im Handlungsverlauf würde ich das System jedoch eher als dynamisch-geskriptetes Wetterverhalten bezeichnen. In der Regel gelangt man in ein Gebiet, in dem gerade Ödzeit herrscht. Das bedeutet, die Gebiete sind blasser, es laufen weniger oder andere Monster herum und generell wirkt die Stimmung trister.

Das drückt ein bisschen auf das Spielgefühl, weil das Spiel einen gerade am Anfang teilweise sehr an die Hand nimmt und man sich wenig selbst umschaut. Für mich waren die Gebiete so stets dunkel, trüb, gräulich und haben generell einfach keinen sonderlich einladenden Eindruck hinterlassen. Erst nach bestimmten Ereignissen wandelte sich die Ödzeit in eine Zeit der Fülle und zeigte mir, was die Wildnis zu bieten hat.

Bunt und voller Leben

Nachdem ich die geskripteten Elemente überwunden hatte und mir das Spiel seine komplette Spielwelt offenbarte, leuchtete das lebendige Ökosystem buchstäblich an jeder Ecke und zog mich in seinen Bann. Vor allem, wenn ich mich mal länger in einem Gebiet aufgehalten hatte. Man erlebt den Wechsel von Tag und Nacht, plötzliche Wetterumschwünge wie Blitze oder Starkregen und wie die Monster darauf reagieren. Dadurch wirkt die Welt realistisch und wie ein echtes Ökosystem.

So hatte ich das Gefühl, in doppelt so vielen Gebieten herumlaufen zu können, als offiziell angegeben werden, da sich die Gebiete in den unterschiedlichen Zeiten unterscheiden. Auf der Windebene gibt es unter anderem üppige Graslandschaften, die goldgelb die Landschaft erstrahlen lassen. Zur gleichen Zeit scheint die Sonne und lässt das Wasser kristallklar wirken. Wer gerne angelt, darf sich dann auch über mehr Fische freuen und über andere einheimische Wesen, die aus ihren Verstecken hervorkommen. Im Karminwald schimmert alles grünlich oder das Wasser glitzert von allen Seiten, so dass man sich gerne darin aufhält und einfach seine eigene Expedition in die Wildnis startet und die Gegend erkundet.

Technisch meistens top

Dabei macht das Spiel in der Regel einen guten und flüssigen Eindruck. Auf der PlayStation 5 hat man die Wahl zwischen einem Performancemodus für eine bessere Framerate, einem Auflösungsmodus und einem Balancemodus, der eine Mischung aus beiden ist. Ich habe vorwiegend im letztgenannten Modus gespielt. Probleme hatte ich dabei nur selten, dennoch kamen diese hin und wieder vor.

Selten kam es vor, dass das Bild plötzlich verwaschen wirkte und die Bildrate etwas einbrach, wenn besonders viele Partikel auf dem Bildschirm aufkamen. Wenn dies vorkam, war es bei der Jagd auf Jin Dahaad in den Eissplitterklippen. Wahrscheinlich lag es an der Größe des Monsters und der Menge an Schnee, die dargestellt wurde. Ansonsten schien die Auflösung weniger klar, wenn ich in die Ferne blickte. Man merkt, dass die Texturen manchmal nachgeladen werden. Im Großen und Ganzen blieben die Framerate und die Auflösung immer stabil und linderten nicht meine Spielerlebnisse.

Da ich aber kein Technikexperte bin, sollten sich alle, die es genauer wissen wollen, das Analysevideo zu Monster Hunter Wilds von Digital Foundry anschauen. Dort hat man sich alle Modi auf der PlayStation 5 angeschaut sowie die PC-Version und ausführliche Technikchecks hochgeladen.

Offline gemeinsam jagen

Wenige Probleme hatte ich mit den Online-Funktionen. Nur in den seltensten Fällen brach eine Sitzung ab oder stockte. Bei Letzterem bewegte sich dann plötzlich das gejagte Monster nicht mehr oder die Verbindung endete. Zum Glück fliegt man dabei nicht aus der Quest, sondern bleibt an Ort und Stelle. NPC-HilfsjägerInnen gesellen sich dann an die eigene Seite.

In Sunbreak führte Capcom die Anhänger-Kooperationsquests ein. In diesen speziellen Quests kann man mit NPCs gemeinsam auf eine Jagd gehen. Für Wilds hat Capcom dieses Konzept übernommen und entsprechend angepasst. So könnt ihr weiterhin ein Notsignal abfeuern und Hilfe rufen. Solltet ihr offline spielen, werden euch drei HilfsjägerInnen aus den anderen Expeditionseinheiten an die Seite gestellt. Sie dienen ebenfalls als Platzhalter und ziehen sich zurück, bis reale Spieler sich der Quest anschließen.

Als jemand, der lieber offline spielt, bin ich ein großer Freund dieses Konzepts. Allerdings finde ich es etwas schade, dass immer die gleichen Jägerinnen und Jäger mit denselben Waffen an der Quest teilnehmen. Bei Sunbreak konnte ich mir die Charaktere und ihre Waffen teilweise aussuchen. Das hat das Konzept abwechslungsreicher gemacht. Gleichzeitig hatte ich das Gefühl, dass sich die NPCs in Sunbreak während der Jagd etwas intelligenter verhalten haben.

Die HilfsjägerInnen haben zwar Heil- und Buffitems benutzt, aber manchmal hatte ich das Gefühl, dass sie wenig mit der Umgebung interagierten und keine Feldumgebungsfallen auslösten. Es kam auch vor, dass nicht alle zum Monster ritten und sich wer weiß wo im Gebiet aufgehalten haben. Daher habe ich das Gefühl, dass es hier noch Potential gibt, die KI für die Jagd entsprechend anzupassen. Zumindest hätte ich gerne eine größere Auswahl an HilfsjägerInnen.

Eine Synchronisation, die sich hören lassen kann

Ein Highlight beim Spielen war für mich die deutsche Synchronisation. Bis auf wenige Ausnahmen ist das Spiel komplett synchronisiert. Diese wirkt durch und durch authentisch und braucht sich meiner Meinung nach nicht zu verstecken. Selbiges gilt erstmals auch für den selbsterstellten Charakter, der zum ersten Mal nicht nur eine stumme Jagdmaschine ist. Die eigenständige Stimme verlieh meinem Jäger eine individuellere Persönlichkeit. Das Zusammenspiel mit den anderen Charakteren wirkte ebenso nicht mehr so befremdlich, sondern entfaltete gerade in den gut inszenierten Zwischensequenzen mehr Tiefe.

Was jedoch in wenigen Fällen seltsam klang, waren die unterschiedlichen Lautstärken der Tonspuren. Bei einigen Gesprächen waren einige Charaktere sehr leise, während andere sich in normaler Lautstärke unterhielten.

Ein Palico mit Stimme?

Was mir in den ersten Stunden des Spiels am meisten Probleme bereitete, war die Entscheidung, ob ich meinen Palico-Partner mit einer menschlichen Stimme sprechen oder ob ich ihn wie bisher nur miauen lassen sollte. Letzteres war aus Gewohnheit keine schlechte Entscheidung, wirkte aber in den Zwischensequenzen ohne Untertitel merkwürdig.

Es gibt zum Beispiel Situationen, in denen der Palico Fragen stellt oder Bemerkungen macht. Diese werden dann von Alma oder einem anderen NPC beantwortet. Das versteht man allerdings nur, wenn die Untertitel permanent und auch in den Zwischensequenzen eingeschaltet sind. Gerade in den Zwischensequenzen kann es aber manchmal nervig sein, die Untertitel zu sehen. Daher sind diese bei mir stets aus. Wenn es dann zu den vorher genannten Situationen kommt, wirken manche Gespräche aus dem Zusammenhang gerissen. Obwohl Wilds viele individuelle Optionen bietet, hätte ich mir an dieser Stelle gewünscht, dass es die Option gibt, dass es nur Untertitel für den Palico gibt und ich den Rest ausstellen kann.

Rückblickend kann ich sagen, dass es wahrscheinlich die bessere Option war, die menschliche Stimme beim Palico zu aktivieren, da ich mich entspannter auf die jeweiligen Situationen konzentrieren konnte, ohne ständig auf die Untertitel achten zu müssen. Die beiden Stimmen, die man bei der Erstellung zur Auswahl hat, sind ebenfalls in Ordnung, da sich ebenfalls die Stimmhöhe einstellen lässt.

Zwischenzeitlich und vor allem bei einigen optionalen Missionen hatte ich das Gefühl, dass die Beziehung zwischen meinem Jäger und meinem Palico-Partner, da beide nun miteinander in menschlicher Sprache interagieren, eine zusätzliche Ebene erhält und emotional vertieft wird. Ich verstehe aber auch die Leute, die sich wie bisher mit dem Palico unterhalten wollen. Deshalb ist es gut, dass Capcom entsprechende Optionen eingebaut hat.

Mehr Optionen sind (nicht immer) gut

Apropos Optionsmöglichkeiten. Das Spiel bietet euch einige davon. Von den unterschiedlichen Größen im HUD über die Textgrößen bis hin zu den bereits erwähnten technischen Einstellungen. Sogar an Spielerinnen und Spieler mit Arachnophobie hat Capcom gedacht und einen entsprechenden Modus eingebaut. Dieser funktioniert zwar nur bei kleinen Tieren, ist aber eine gute Option für Menschen, die Spinnentiere nicht sehen können. Leider sind solche vielschichtigen Optionen auf den Konsolen noch kein Standard geworden. So muss man sich zudem mit sehr kleinen Schriften oder Symbolen herumschlagen. Optionen, die es mir erleichtern, alles gut zu sehen, sind mir daher sehr willkommen.

Ich verstehe daher nicht, warum Capcom andere Übersichten im Vergleich zu früheren Versionen mit weiteren Untermenüs versehen hat oder viele Informationen auf einmal anzeigen lässt. Besonders auffällig ist das beim Questschalter. Dort findet man neben den üblichen Story-Aufgaben auch optionale Quests, Untersuchungen und Event-Quests. Im jeweiligen Bereich werden immer alle verfügbaren Quests angezeigt. Auf einer kleinen Kachel sieht man so den Schwierigkeitsgrad, ob man die Quest schon erledigt hat und im Zweifelsfall, ob man das Monster noch jagen muss, wenn dessen Teile in die Wunschliste eingetragen wurden.

Das macht die Liste an vielen Stellen unübersichtlich. Die Darstellung der Liste lässt sich ein wenig verändern, aber das macht es nicht viel besser. Diese und andere kleine Darstellungsfenster mit verschiedenen Untermenüs haben meinen Jägeralltag manchmal komplizierter gemacht, als dieser sein müsste.

Zwischen Tradition und Moderne

Zum Schluss stellen wir die fast schon philosophische Frage, wie herausfordernd das neue Monster Hunter ist. Seit Beginn der Serie hat Capcom das Konzept stetig angepasst. So gab es in den früheren Spielen neben den Jagdquests auch Sammel- und Fangquests. Gerade die Sammelquests waren bei der breiten Masse nicht sonderlich beliebt. Bei einigen wenigen werden diese Quests jedoch als nette Abwechslung angesehen. In Wilds beschränkt sich Capcom fast ausschließlich auf Jagdquests, mit einer Ausnahme, nämlich einer einzigen Fangquest.

Die Quests mögen bei der breiten Masse nicht besonders beliebt sein. Aber dass sie überhaupt nicht mehr angeboten werden, finde ich ein bisschen schade. Es stellt die Gilde, die eigentlich im Einklang mit dem Ökosystem leben will, als reine Jagdgilde dar. Man müsste sie nicht mal als Hauptmission anbieten, aber als optionale Quest, Nebenmission oder Untersuchung würden sich Fans sicher darüber freuen. Das würde das Questangebot etwas abwechslungsreicher machen.

Damit will ich nicht sagen, dass in den früheren Teilen alles besser war. Viele umständliche Mechaniken wurden entschlackt und haben Verbesserungen im Gameplay erhalten. Zum Beispiel ist das Reiten auf dem Saikrii in den neuen, größeren Gebieten deutlich angenehmer, als alles zu Fuß zu erreichen. Manchmal hatte ich allerdings das Gefühl, dass mich das Spiel – besonders während der Story – zu sehr an die Hand nimmt. Anstatt mich erst einmal selbst erkunden und ausprobieren zu lassen, werden mir viele Hinweise oder der direkte Weg vor die Nase geworfen. Das gilt auch für die Monsterjagd.

Dennoch bieten die Monster eine angemessene Herausforderung. Spielerinnen und Spieler, die schon vorherige Teile gespielt haben, werden sicherlich keine großen Probleme haben, vor allem nicht mit den niedrigrangigen Quests. Durch die gesammelte Erfahrung durchschaut man die Bewegungen der neuen Monster einfach schneller oder hat ein Gefühl dafür, wie sie sich verhalten. Das macht manche Monster aber nicht weniger gefährlich und wenn man das Ganze nicht zu ernst nimmt, kann man viel Spaß haben. Spätestens in den hochrangigen Quests und im Endgame warten die größeren Herausforderungen.

Zwischen innerer Zerrissenheit bis Zufriedenheit

Bildmaterial: Monster Hunter Wilds, Capcom

Der Beitrag Im Test! Monster Hunter Wilds ist nicht das beste Spiel der Serie, aber bietet viele Stunden Spaß erschien zuerst auf JPGAMES.DE.