Titel	Marvel Tōkon: Fighting Souls
	06. August 2026
	Sony Interactive Entertainment
	06. August 2026
	Sony Interactive Entertainment
	06. August 2026
	Sony Interactive Entertainment
System	PlayStation 5, PC
Getestet für	PlayStation 5, PC
Versionsnummer	1.003.000
Entwickler	Arc System Works
Genres	Beat em Up
Texte
Vertonung

Lasst uns die Welt im neuen Marvel Tōkon: Fighting Souls retten. Der Titel, der aus einer Kooperation von Marvel, Sony und Arc System Works vor einiger Zeit erschienen ist, lässt euch zum Retter der Menschheit werden.

Dabei tretet ihr in 4-vs.-4-Matches gegeneinander an, um letztlich gegen den ultimativen Kämpfer anzutreten. Ist das spannend? Das erfahrt ihr bei uns, lehnt euch zurück, schnappt euch etwas zu knabbern, der Kampf beginnt.

Das Kronjuwel Chandilar, eine Welt innerhalb der Shi’ar-Galaxie, hochentwickelt und die Hauptwelt der Shi’ar, liegt in Trümmern. Was einst der Stolz des Imperiums war, ist nun eine Welt, die von massiven Kratern überzogen ist. Ihre Krieger liegen zu hunderten im Staub.

Eine unbekannte Macht hat sie im Handstreich besiegt. Wo einst das Kronjuwel des Imperiums zu verzeichnen war, ist nun nichts mehr. Der Planet wurde ausgelöscht? Die Welt Chandilar war nicht das erste Opfer des Champions und wird nicht die letzte sein.

Währenddessen läuft auf der Erde noch alles wie gewohnt. Der Alltag der Menschen dreht sich um sich und weniger um das große Ganze. Helden wie Captain America oder Spider-Man halten das irdische Böse davon ab, sich allzu sehr in die Belange der unschuldigen Gesellschaft einzumischen.

So vergeht die Zeit, bis plötzlich eine seltsam gekleidete Person Einladungen an die Helden des Planeten Erde verteilt. Einladungen für ein Turnier, die Herausforderung des Champions.

Planeten verschwinden

Das Ende aller Tage?

Plötzlich verdunkelt sich die Welt, lilane Wolken treten an die Stelle des blau-weißen Paradieses. In großer Projektion taucht wieder die seltsame Frau auf, welche sich selbst nur als die Promoterin vorstellt. Mit viel Tam Tam macht sie auf die Herausforderung aufmerksam und stellt im gleichen Atemzug die Motivation zum Kampf heraus.

Sollten die Helden versagen, ist das Schicksal der Erde besiegelt. In einer großen Explosion sehen die Menschen am Boden, wie es die Erde auseinanderreißt. Schaffen es die Auserkorenen, eine bunte Mischung aus Helden, Antihelden und Bösewichtern, die Welt zu retten? Ein Preis steht für all jene im Raum, die dies bewerkstelligen können, doch sind alle auch bereit, den Preis des Versagens zu zahlen?

Die Geschichte in Marvel Tōkon: Fighting Souls ist recht zweckmäßig und nichts Besonderes. Mit Slapstick und großen Gefühlen werdet ihr durch die Kämpfe geführt, bis ihr letztlich gegen den ultimativen Kämpfer des Universums antreten dürft, um die Menschheit zu retten, aber auch um eure eigenen Ziele zu verwirklichen. Jeder Held und jeder Schurke handelt neben dem übergeordneten Ziel auch für seine eigene Motivation. Das Ganze wird in Panels wie in einem Comic erzählt und zwischendurch durch qualitativ hochwertige Zwischensequenzen aufgelockert.

4 vs. 4 Action

Wie bereits erwähnt, finden die Kämpfe in Marvel Tōkon: Fighting Souls mit Teams zu je vier Mitstreitern statt. Die Story führt euch dabei nach und nach heran. So startet ihr in jeder der fünf Kampagnen mit einer Figur, die sich nach und nach ihr Team zusammensucht. So staffelt sich das Ganze von 1 vs. 1 bis hoch zu 4 vs. 4.

Die vier Recken teilen sich dabei alle Anzeigen.  Sprich: Wenn ihr K. o. geht, ist das komplette Team ausgeknockt. Die Kämpfe haben eine recht simple und überschaubare Struktur. Es gibt drei Grundkombos, die ihr untereinander auch verknüpfen könnt. So könnt ihr mit einer Schlagkombo einen Gruppenangriff ausführen, bei dem euch eure an der Seitenlinie stehenden Helden unterstützen. Das Ganze kann mit euren Finishern verknüpft werden.

Jede Figur verfügt noch über eine Handvoll spezieller Angriffe abseits ihrer Finishing Moves. Einige basieren auf besonderen Bewegungen. So kann der grüne Kobold seinen Gleiter herbeirufen, während sich Magik teleportieren kann. Andere nutzen Fernangriffe, Schilde oder Ähnliches. Manche dieser Fertigkeiten sind zudem noch mit einer extra Energieleiste verbunden. Das individualisiert den Kampfstil ein wenig zu den sonst eher gleichen Kombinationsangriffen, die jedem zur Verfügung stehen.

Schön ist auch zu sehen, dass sich die Angriffe bei einigen wenigen Charakteren der Stage anpassen. Spider-Man wirft bei seinem Finisher beispielsweise je nach Stage Autos, Raumschiffe, Knochen oder Ähnliches mit seinen Netzen auf euch. Magnetos Finisher lässt kurzfristig in der gesamten Stage Stahl umherschweben.

Evergreen-Modi und die Arcadia Rumble

Neben dem Storymodus gibt es natürlich auch weitere Kampfmodi wie Versus, Survival oder den üblichen Trainingsmodus. Daneben könnt ihr euch online mit anderen Spielern messen. Dazu könnt ihr entweder direkt in die Casual-Matches springen oder euch über eine offene Lobby mit einem Heldenavatar mit anderen Spielern treffen und dort Matches austragen. Ranked-Matches gibt es natürlich auch, sind aber erst verfügbar, wenn ihr ein paar einfache Online-Matches absolviert habt. Diese laufen recht flüssig ab und während ihr auf das Matchmaking wartet, könnt ihr im Wartebereich trainieren.

Darüber hinaus werden regelmäßig kleinere Online-Turniere durchgeführt. Ein Modus der etwas anderen Art ist die Arcadia Rumble. Dieser kann wahlweise online oder offline gespielt werden und ist eine Mischung aus einem Minispiel mit euren Avataren und den eigentlichen Kämpfen.

In der ersten Phase rennt ihr mit eurem Avatar durch ein größeres Gebiet, das der Lobby ähnelt, und versucht einerseits, Upgrades einzusammeln, und andererseits, die gegnerischen Avatare auszuschalten. Dabei steigt ihr im Level auf und ergattert passive Booster, die euch im anschließenden Vier-gegen-vier-Kampf verstärken. Ein interessanter, erfrischender Modus, der das traditionelle Kampfgeschehen etwas auflockert.

Visuell einfach nur lecker

Eines muss man Arc System Works lassen. Das Marvel-Universum in eine japanische Kluft zu stecken, ist ihnen formidabel gelungen. Die Charaktere sehen einfach nur grandios aus. Ihre Finisher sprengen den Bildschirm und es macht einfach nur Spaß zuzusehen, wie man seinen Gegner durch die zwölf verschiedenen Arenen wirft. Jede Figur hat ihren eigenen Kombinations-Special abbekommen und bei jedem wird ein ordentliches Feuerwerk abgebrannt. Dazu liefert der Entwickler wirklich schöne Zwischensequenzen im Storymodus mit einer interessanten, nicht neuen, Erzählstruktur in Comicform.

Bei den Synchronisationen hat man sich hier auch nicht lumpen lassen. Neben Deutsch, Englisch und Japanisch gibt es sieben weitere Sprachen, die zur Wahl stehen. Ein nettes Gimmick: Wenn ihr mit dem Storymodus der jeweiligen Gruppierung durch seid, wird euch im Abschlussvideo zu jeder Sprachversion der Sprecher des jeweiligen Charakters in dieser Sprache angezeigt.

Eine nette Geste, den Synchronsprecher nochmal vor den eigentlichen Credits hervorzuheben. Auch musikalisch klingt alles recht hochwertig. Direkt der Introsong, gesungen von Keiko Terada und Mayu, macht einem direkt Lust, sich in das Kampfspektakel zu stürzen, und auch die Musik der Stages weiß zu unterhalten.

Unterm Strich

Bildmaterial: Marvel Tōkon: Fighting Souls, Sony Interactive Entertainment, Arc System Works, Marvel Games

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Titel	Dragon Quest Heroes: Torneko’s Mystery Dungeon –Classic HD–
	09. September 2026
	Square Enix
	09. September 2026
	Square Enix
	09. September 2026
	Square Enix
System	Switch 2, Switch, PS5, Xbox Series, PC
Getestet für	Nintendo Switch 2
Versionsnummer	1.0.0
Entwickler	Square Enix
Genres	RPG, Roguelike
Texte
Vertonung	–

Fans von Dragon Quest IV erinnern sich vermutlich an Torneko Taloon, einen der auserwählten Charaktere des Spiels. Er besticht durch seine lockere Kleidung, seinen riesigen Rucksack, in dem er allerlei Waren verstaut, sowie seine blauen Haare und seinen Schnurrbart.

1993 erhielt Torneko mit Dragon Quest Heroes: Torneko’s Mystery Dungeon sein eigenes Spin-off. Darin durchstreift er als Händler einen Dungeon auf der Suche nach zahlreichen Schätzen.

Bislang war dieses Erlebnis nur Spielerinnen und Spielern in Japan vorbehalten. In einer HD-Neuauflage des beliebten Spin-offs schafft es Tornekos großes Abenteuer erstmals in den Westen und verspricht ein schatzreiches Spielerlebnis. Ob die Neuauflage diese Versprechungen halten kann, erfahrt ihr in den kommenden Zeilen.

Unglaubliche Schätze warten

Händler Torneko hat bereits einen erfolgreichen Laden und lebt glücklich mit seiner Frau sowie seinem Kind zusammen. Eines Tages hört er jedoch von einem mysteriösen Dungeon, in dem sich unglaubliche Schätze befinden sollen. Er beschließt, sich mit seiner Familie auf den Weg zu machen, um die sagenhaften Schätze zu bergen und den bekanntesten Laden der Welt zu eröffnen. Also auf in ein neues Abenteuer!

Bevor es jedoch richtig losgeht, schickt der König des Reiches Torneko auf eine Prüfung, um ein besonderes Item aus dem Dungeon zu holen. Dadurch lernt er den Dungeon, dessen Mechaniken und die Monster darin kennen. Glücklicherweise geben ihm der König und seine Untergebenen am Hof hilfreiche Tipps, worauf es zu achten gilt. Ist dieser Testlauf geschafft, gilt es, die eigenen Taschen mit Items und Gold zu füllen, um sich den Traum des Ladens zu erfüllen.

Das war es im Grunde schon mit der Handlung von Torneko’s Mystery Dungeon. Man merkt direkt zu Beginn, dass die Handlung nicht sehr tiefgründig ist und sich der Kern des Titels hauptsächlich um das Gameplay dreht. Immerhin handelt es sich um ein klassisches Roguelike. Als Aufmacher, um eigene Abenteuer zu erleben, reicht es aber völlig aus.

Klassisches Roguelike

Wie bereits angesprochen, handelt es sich bei Torneko’s Mystery Dungeon um ein klassisches Roguelike. Jedes Mal, wenn der Dungeon betreten wird, erhalten die einzelnen Ebenen eine andere Form, auch wenn die grundlegenden Eigenschaften der jeweiligen Ebenen, wie beispielsweise Eis-, Feuer- oder Höhlenumgebungen, in der Tiefe gleich bleiben.

Gleichzeitig ändern sich bei jeder neuen Expedition die Positionen, die Anzahl und das Vorkommen von Gegenständen sowie von Monstern. Wenn ihr in einem Spieldurchlauf scheitert, beginnt die Reise wieder auf Ebene 1 und ihr müsst erneut sammeln, kämpfen und erkunden. Das soll, wie bei jedem anderen Vertreter des Genres, den Wiederspielwert erhöhen.

Innerhalb des Dungeons ermöglicht jede von Torneko ausgeführte Aktion den Monstern, eine Gegenaktion auszuführen, beispielsweise eine Bewegung. Dies gilt für alle Arten von Tornekos Bewegungen, Angriffen oder dem Einsatz von Gegenständen. Man kann es sich dabei wie ein Echtzeit-rundenbasiertes Abenteuer vorstellen.

Trifft Torneko auf eines der Wesen im Dungeon und bezwingt es, sammelt er Erfahrungspunkte, steigt dabei im Level auf und wird stärker. Gleichzeitig können auf dem Weg Ausrüstungsgegenstände wie Waffen und Schilde eingesammelt werden, die ebenfalls dabei helfen, stärker zu werden, und bei der Schatzsuche nützlich sind. Je tiefer Torneko in den Dungeon vordringt, desto stärker werden die Monster.

Glück in der Erkundung, Pech im Beutel

Bei der großen Schatzsuche gilt es, nicht nur die eigene Gesundheit im Auge zu behalten, sondern ebenso auf den eigenen Magen zu hören. Dieser möchte während den langen Erkundungstouren durch den Dungeon gefüllt werden. Zum Glück liegen auf dem Weg nicht nur heilende Blätter für verlorene Lebenspunkte herum, sondern in der einen oder anderen Ecke findet sich ebenfalls mal ein Laib Brot, der verputzt werden kann. Ansonsten erholen sich Tornekos Lebenspunkte mit jedem Schritt, den er macht.

Apropos Items: Im Zuge der Dungeon-Erforschung liegen nicht nur Ausrüstungsgegenstände und Brote auf dem Weg herum, sondern auch allerlei magische Rollen. Diese können Gegnern Schaden zufügen, die Waffe verbessern oder die Karte der Ebene vollständig offenlegen.

Je nach Länge der Expedition können zahlreiche Items in Tornekos Beutel enden. So wird das Spiel ab einem gewissen Punkt nicht nur zu einem Überlebenskampf, sondern außerdem zu einer Art Item-Management-Spiel, da der Beutel nur begrenzt Platz bietet und permanent voll wird. Es sollte also gut überlegt werden, was benötigt wird und was lieber liegen gelassen werden kann.

Die Mischung aus Roguelike, den unterschiedlichen Ebenen und dem Item-Management macht Torneko’s Mystery Dungeon zu einem durchaus herausfordernden Abenteuer. Gerade zu Beginn, wenn noch nicht alle Mechaniken und Items vertraut sind, kann es etwas frustrierend werden. Aufgrund der zufallsgenerierten Ebenen wechseln sich somit Glück und Pech ab. Ist einem das Glück hold, macht die Suche nach Monstern und Gegenständen viel Spaß. Wenn man hingegen Pech mit den Ausrüstungsgegenständen hat, ist die Versuchung groß, das Spiel in die nächste Ecke zu werfen.

Textboxen des Grauens

Dabei habe ich das Gameplay jedoch nie als meinen Feind betrachtet, da ich in der Regel mit einigermaßen gut taktiertem Vorgehen entsprechende Fortschritte machte. Das größere Problem bei jedem Durchgang waren für mich irgendwann die Textboxen, so seltsam das klingen mag.

Die Texte während des Kampfes oder bei Aktionen im Dungeon erscheinen automatisch. Leider laufen die Textboxen immer mit einer gewissen Verzögerung ab und lassen sich nicht selbst wegklicken. Somit lässt sich ebenfalls nicht einschätzen, wie lange diese dauern. Nach einer gewissen Spielzeit hat mich das fast wahnsinnig gemacht, weil die Texte immer mit dieser kleinen Verzögerung weitergingen, ohne dass ich sie schnell wegklicken konnte.

Während moderne Vertreter des Genres neben dem eigentlichen Gameplay-Loop eines Roguelikes ebenso eine spannende Handlung bieten wollen, ist dies bei einem über 30 Jahre alten Titel verständlicherweise kaum möglich. Daher muss das Gameplay überzeugen.

Neben den bereits angesprochenen Textboxen konnte mich das Gameplay nicht gänzlich überzeugen, da zufallsgenerierte Räume mitunter frustrierend sein können. Ein Beispiel: Wenn man zweimal nacheinander in einem Raum voller Monster landet und der Durchlauf direkt als gescheitert gilt, obwohl man sich bis dahin gut angestellt hat.

Abseits des Dungeons

Hat man den anfänglichen Frust überwunden und bringt Gold und Items aus dem Dungeon zurück, lässt sich nicht nur Tornekos Laden vergrößern. Mit der Erweiterung des Ladens können zwischen den Abenteuern zum Glück irgendwann Gegenstände aufbewahrt werden. So entsteht ein Gefühl des Fortschritts und man gewinnt den Eindruck, dass das Spiel einem nicht nur Steine in den Weg stellt, auch wenn jede Reise auf Level 1 beginnt.

Falls einem das Spiel dennoch mal zu schwierig wird, bietet es einige Annehmlichkeiten, um es an den eigenen Spielstil anzupassen. So lässt sich beispielsweise die Anzahl der Monster erhöhen oder regulieren und mehr Items oder Gold zum Vorschein bringen. Wer gerne nur Pixelhöhlen erkunden möchte, kann die Monster und Fallen ebenso komplett ausschalten und sich auf eine kleine Erkundungsreise begeben, um herauszufinden, wie tief der Dungeon eigentlich geht.

Dabei bietet die aktualisierte HD-Grafik ein schönes Pixelabenteuer, dem man sein Alter zwar ein wenig ansehen kann, das aber nichtsdestotrotz durch ein märchenhaftes Intro-Video glänzt. Gleiches gilt für den Sound, der die typischen „Dragon Quest“-Soundeffekte bietet und dadurch nostalgische Gefühle wecken kann.

Kein Held, sondern Händler

Bildmaterial: Dragon Quest Heroes: Torneko’s Mystery Dungeon –Classic HD–, Square Enix

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Titel	One Piece: Grand Gourmet
	23. Oktober 2026
	Bandai Namco
	23. Oktober 2026
	Bandai Namco
	23. Oktober 2026
	Bandai Namco
System	Switch, Switch 2, Mobile, PC
Getestet für	PC (Steam)
Versionsnummer	1.0.4
Entwickler	Kairosoft Co.,Ltd
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Eine der erfreulichsten Neuankündigungen während der Nintendo Direct vom 9. Juni 2026 war für mich als großer Fan des Quellmaterials natürlich One Piece: Grand Gourmet. Ein Restaurant-Management-Spiel im One-Piece-Universum, in dem man sein eigenes Baratie auf hoher See managt und auf hunderte bekannte Charaktere trifft, klang wahrlich verlockend.

Dazu kam noch der charmante Pixel-Look und schon war ich hin und weg. Nachdem ich nun sehr viele Stunden mit dem Spiel verbracht habe, hätte ich statt mich von Prämisse und Optik hinreißen zu lassen, vielleicht doch das Kleingedruckte lesen sollen.

One Piece: Grand Gourmet ist ein Mobile-Spiel. Trotz Veröffentlichung auf Nintendo Switch und PC stehen nach meiner ausführlichen Testphase ganz klar die Android- und iOS-Versionen im Vordergrund. Trotz einiger Ausnahmen strotzt der Großteil der Spiele, die in den App-Stores erhältlich sind, nicht gerade vor komplexen Mechaniken und spannenden Erzählungen. Und in dieses Muster reiht sich leider auch dieses Spiel ein.

Als leidenschaftlicher Koch hat sich Sanji in viele Fanherzen gekämpft. Da überrascht es wenig, dass ein schmieriges Restaurant, das mit unlauteren Mitteln anderen das Leben schwer macht und seine Gäste förmlich abzockt, ein großer Dorn im Auge des Kochs ist. Um die Sache noch schlimmer zu machen, wird dieses unlautere Geschäft von Piraten geleitet, welche die Strohhutbande imitieren.

Also muss ein eigenes Restaurant her und der Ruf, sowohl auf kulinarischer als auch auf piratischer Seite, muss wiederhergestellt werden. Diese Reise führt die Strohhüte über alle bekannten Meere des One-Piece-Universums, sogar in den Himmel.

Essen auf Rädern … äh, Segeln

Mehr passiert storytechnisch allerdings nicht. Was simpel klingt, ist eben nur Mittel zum Zweck. Das ist schade, denn die Charaktere und die Welt von One Piece bieten hier unendlich viel Potenzial. Die wenigen hier und da eingestreuten Dialoge wissen sogar zu überzeugen und beweisen, dass man sich mit dem Quellmaterial auseinandergesetzt hat. Leider sind diese kleinen Lichtblicke zu kurz und zu selten. Sehr schade.

Video hui, Sound pfui

Ein großer Pluspunkt sind die charmant gestalteten Pixel-Charaktere. Trotz weniger Bildbausteine versprühen die Figuren viel Charme und sind sofort zu erkennen. Oftmals haben die vielen Charaktere auch eigene Animationen, die besonders für Fans eine schöne Überraschung darstellen.

Da das Design des Restaurants am Spieler selbst liegt, wird es hier viel Varianz geben; die einzelnen Elemente sind jedoch ordentlich modelliert und Extras wie der Seemonsterzoo oder das Aquarium sorgen für die richtige Stimmung. Auch die leckeren Speisen können sich durchaus sehen lassen. Das sollte bei einem Restaurant-Management-Spiel aber auch das Mindeste sein.

Leider sieht es bei der Soundkulisse ganz anders aus. Weder die Soundeffekte noch die wenigen Tracks, die im Hintergrund laufen, überzeugen. Die Effekte wirken lieblos und altbacken, während die Musik schon nach kurzer Zeit an den Nerven zehrt.

Besonders die Übergänge zwischen einzelnen Stücken sind abgehackt, sodass man merkt, dass einfach nur eine Tondatei endet und die nächste startet. Hier sind offensichtlich weder Leidenschaft noch viel Budget hineingeflossen. Sehr schade. Bei einem so „kleinen“ Spiel sollte man zwar keine Synchronisation erwarten, dennoch wäre es schön gewesen, wenigstens einen auditiven Leckerbissen zu bekommen.

Unterwegs

Da die Nutzung eines Touchscreens klar im Vordergrund steht, sollten auch gameplaytechnisch keine komplexen Gefilde erwartet werden, hier wird maximal seichtes Gewässer erreicht. Wie bei den meisten Genre-Konkurrenten kann man das Restaurant nach Lust und Laune gestalten. Mit genug Umsatz und Gästen kommen neue Sitzmöglichkeiten, Deko-Elemente und natürlich auch Beleuchtung hinzu.

Passend zum Thema gibt es die eine oder andere nautische Spielerei wie Piratenflaggen oder Steckbriefe. Mit neu entdeckten Orten kommen außerdem thematische Veränderungen vieler Bauelemente hinzu, etwa Objekte aus der Himmelsinsel Skypia oder dem Eiskönigreich Drum.

Wichtige Nebencharaktere bringen zudem ihre eigenen kleinen Läden oder Lieblingsorte mit. So eröffnet Okta seinen eigenen Takoyaki-Stand, Buggy bringt gleich eine ganze Bühne mit und der beliebte Mann mit dem Kleiderbügel auf dem Kopf verscherbelt seine hochwertigen Klamotten.

Das bringt natürlich Gäste und wesentlich mehr Gewinn. Leider bleibt es dabei jedoch über lange Zeit bei einem rein optischen Bonus. Vielfalt im Gameplay bringt das erst nicht, dafür aber mehr Komfort für die Gäste. Je höher dieser Wert ist, desto besser ist der Ruf und desto länger bleiben die Gäste. Erst spät kommen mehrere kleine Minispiele hinzu, die anfangs Spaß machen, aber schnell an Reiz verlieren.

Gameplay-Loop

Die Haupteinnahmequelle ist natürlich das Essen. Neben Sanji und den anderen Strohhüten bringen auch viele Gäste neue Rezeptideen mit sich, die mit bestimmten, in ihrer Menge allerdings überschaubaren Zutaten gekocht werden können. Jedes Gericht wird anschließend bewertet, erhält einen Preis und kann dann in Menüs aus Hauptspeise, Beilage, Dessert und Getränk nach Belieben kombiniert werden.

Es macht durchaus Spaß, sein eigenes Menü zu erstellen und dieses mit Deko-Elementen und Besteck zu individualisieren. Am Ende packt man aber doch das zusammen, was am meisten Geld bringt, und versucht dann, den Preis mithilfe kleiner Gästewünsche und dem Verbessern der Zutaten in die Höhe zu treiben.

Die Zutaten für die Gerichte findet man auf kleinen Exkursionen, auf welche man seine Piratenbande schicken kann. An sich nur ein Klick im Menü und anschließend eine längere Wartezeit mit netten Animationen am unteren Bildschirmrand.

Auf diesen Expeditionen findet man jedoch nicht nur Zutaten, sondern auch Trainingspunkte für die Strohhüte, die so im Level aufsteigen können, neue Gäste und Geschenke. Letztere kann man seinen Gästen übergeben, damit diese mehr und schneller essen. Übergibt man das richtige Geschenk an den passenden Gast, wird dieser zum Fan des Restaurants.

Kochduell

Fans gewinnt man auch durch das Entdecken diverser Gerichte oder das Erfüllen bestimmter Wünsche. Das Ziel sollte sein, jeden Gast zu einem Fan zu machen, denn sie sind besonders später eine notwendige Einnahmequelle. Wechselt man nach dem Sieg im Kochduell gegen die bösen Imitatoren das Gebiet, fallen natürlich auch alle Gäste dieses Gebiets weg, es sei denn, es handelt sich um Fans. Diese ziehen zu jeder neuen Location mit und bringen ihre schweren Brieftaschen mit. Das bringt ein Vielfaches an Kundschaft und somit Umsatz.

Als Währungen gibt es neben der klassischen Berry auch Spezialmünzen und Herzen, die man von zufriedenen Gästen erhält. Diese sind essenziell für die unzähligen Anforderungen der zahlenden Kundschaft und der Strohhüte. Einmal pro Tag kann Nami sogar den Preis eines Wunsches halbieren, was ziemlich sinnvoll ist, da die Kosten schnell in die Höhe schießen.

So hangelt man sich von Gebiet zu Gebiet, entdeckt neue Rezepte, fügt sie seinem Menü hinzu, erfüllt die Wünsche zahlender Gäste und vergrößert sein Business. Und das alles im Gewand von Eiichiro Odas Welt.

Steam Boat

Klingt verlockend, aber im Grunde klickt man sich in sehr altbackenen und klobigen Menüs nur von einem Ausrufezeichen zum nächsten. Selbst ohne Plan kommt man so stetig weiter. Gehirnschmalz oder besondere Aufmerksamkeit werden hier nicht wirklich benötigt, um den Umsatz in die Höhe zu treiben. Trotz vieler der oben genannten interessanten Ideen wird das gesamte Gameplay auf den kleinsten gemeinsamen Nenner heruntergebrochen.

Auch das Handling lässt zu wünschen übrig. Mit einem Controller zu spielen, wird nach kurzer Zeit bei einem überlaufenen Restaurant mit dutzenden eng aneinandergereihten Elementen zur Qual, weshalb Maus und Tastatur oder noch besser ein Touchscreen Pflicht sind. Doch selbst hier weigert sich die Kamera manchmal, das zu tun, was von ihr verlangt wird.

Diese haptischen Einschränkungen in Kombination mit dem schnell repetitiv werdenden Gameplay-Loop sorgen dafür, dass One Piece: Grand Gourmet im Genre-Vergleich leider keine Bestnoten erhält. Auch die Performance lässt zu wünschen übrig. Die maximale Bildrate liegt bei 30 FPS und wenn man gegen Ende Hunderte Charaktere auf dem Bildschirm hat, fängt das Ruckeln an. Sehr schade.

Keine Suppe für dich!

Bildmaterial: One Piece: Grand Gourmet, Bandai Namco, Kairosoft

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Titel	Tales of Eternia Remastered
	16. Oktober 2026
	Bandai Namco
	16. Oktober 2026
	Bandai Namco
	16. Oktober 2026
	Bandai Namco
System	PS4, PS5, Switch, Switch 2, Xbox Series, PCs
Getestet für	Nintendo Switch
Versionsnummer	1.0.0
Entwickler	TOSE
Genres	Action-RPG
Texte
Vertonung

Die Tales-of-Reihe gehört längst zu den alteingesessenen Größen des JRPG-Genres. Während andere Rollenspielserien ihre Helden mit immer größeren Schwertern auf immer größere Weltuntergänge loslassen, setzt Tales seit Jahren auf sympathische Charaktere, actionreiche Kämpfe und unterhaltsame Gruppendialoge.

Doch nicht jeder Serienteil steht heute noch gleichermaßen im Rampenlicht. Mit Tales of Eternia Remastered holt Bandai Namco einen Klassiker aus der PlayStation-Ära zurück, der seinerzeit mit einer ungewöhnlichen Mischung aus Fantasy, Science-Fiction und einer Geschichte rund um zwei verfeindete Welten punkten konnte.

Das Original erschien 2000 in Japan und ein Jahr später im Westen. Nordamerikanische Spieler kennen das Abenteuer möglicherweise unter dem Namen Tales of Destiny II – eine Bezeichnung, die bis heute für Verwirrung sorgt. Mit dem gleichnamigen Serienteil hat Eternia nämlich herzlich wenig zu tun.

Hinter der Namensänderung steckten markenrechtliche Gründe und der Versuch, den Titel für den westlichen Markt besser zu positionieren. Das Ergebnis ist vor allem eines: unnötiges Verwirrungspotenzial für alle, die sich mit der Serienhistorie nicht auskennen.

Ein neuer Hauptteil lässt weiterhin auf sich warten. Stattdessen schickt Bandai Namco mit Eternia einen alten Bekannten zurück ins Rampenlicht. Das von TOSE entwickelte Remaster verspricht eine überarbeitete Präsentation und einige Komfortfunktionen, ohne das Original grundlegend umzubauen. Eine Neuinterpretation sieht anders aus. Hier wird eher der Staub vom alten Abenteuer gepustet, bevor es wieder auf Reisen geht.

Doch reicht eine technische Auffrischung, um den Klassiker auch heute noch glänzen zu lassen? Und sind moderne Quality-of-Life-Funktionen eine willkommene Erleichterung oder nehmen sie uns zu viel von dem ab, was klassische JRPGs einst ausgemacht hat? Finden wir es heraus.

Ein Sprachproblem namens Weltuntergang

Im Mittelpunkt von Tales of Eternia steht Reid Hershel, ein junger Schwertkämpfer, der gemeinsam mit seiner Freundin Farah Oersted ein vergleichsweise beschauliches Leben im Dorf Rasheans führt. Reids Zukunftsplanung scheint sich zunächst auf zwei wesentliche Fragen zu beschränken: Was passiert morgen und wann gibt es etwas zu essen? Viel mehr erwartet der gemütliche Schwertschwinger offenbar nicht vom Leben.

Doch die Dorfidylle findet ein jähes Ende, als Reid und Farah auf die mysteriöse Meredy treffen. Die junge Frau stammt aus einer fremden Welt und spricht eine Sprache, mit der ihre neuen Bekanntschaften zunächst herzlich wenig anfangen können. Bevor also das Schicksal der Welt auf dem Spiel steht, muss erst einmal geklärt werden, was der Neuankömmling überhaupt zu sagen hat.

Was als ungewöhnliche Begegnung beginnt, entwickelt sich zu einem Abenteuer, das die Gruppe weit über die Grenzen ihrer Heimat hinausführt. Im Mittelpunkt stehen die beiden Welten Inferia und Celestia, deren Bewohner von tief sitzenden Vorurteilen und einer langen Feindschaft geprägt sind. Gleichzeitig droht mit dem sogenannten Great Fall eine Katastrophe, die das Schicksal beider Welten besiegeln könnte. Aus einem zunächst überschaubaren Ausflug wird damit eine Reise, bei der deutlich mehr auf dem Spiel steht als Reids gefüllter Bauch.

Hinter der klassischen JRPG-Kulisse steckt dabei mehr als die übliche Rettung der Welt. Vorurteile, Verständigungsprobleme und der Umgang mit fremden Kulturen ziehen sich durch die Handlung. Gerade Meredys Herkunft liefert einen interessanten Ausgangspunkt, um die Konflikte zwischen den Welten nicht bloß als Auseinandersetzung zwischen Gut und Böse abzuhaken. Das Spiel macht daraus zwar keine tiefgründige gesellschaftliche Abhandlung, verleiht seiner Geschichte aber einen thematischen Kern, der über den nächsten großen Endgegner hinausgeht.

Die größte Stärke liegt ohnehin in der Gruppendynamik. Die Figuren necken sich, geraten aneinander und ergänzen sich auf eine Weise, die der Reise Persönlichkeit verleiht. Nicht jeder Dialog sitzt und manche Entwicklungen lassen sich früh erahnen. Wer eine moderne Charakterstudie mit psychologischer Tiefenschärfe erwartet, sollte seine Ansprüche daher etwas herunterschrauben. Eternia ist ein Kind seiner Zeit. Seine Figuren müssen nicht jede Gefühlsregung in einem langen Monolog erklären, um als Gruppe zu funktionieren. Manchmal reicht es, wenn sich die Truppe ordentlich in die Haare bekommt und danach trotzdem gemeinsam weiterzieht.

Schlag 1, 2, 3 Artes hinterher!

Das Herzstück von Tales of Eternia bildet das Aggressive Linear Motion Battle System, kurz A-LMBS. Gekämpft wird auf einer zweidimensionalen Ebene, auf der wir einen Charakter direkt steuern. Normale Angriffe, Spezialtechniken – die sogenannten Artes – und magische Fähigkeiten lassen sich miteinander kombinieren, während die übrigen Gruppenmitglieder eigenständig ins Geschehen eingreifen.

Das System ist schnell erklärt, verlangt auf Dauer aber mehr als stumpfes Knöpfchendrücken. Gerade in längeren Gefechten kommt es darauf an, die Fähigkeiten der Gruppe zu verstehen und die eigenen Ressourcen im Blick zu behalten. Die meisten Artes erlernt man durch wiederholte Nutzung, während Zauber über die großen Craymel-Geister verfügbar gemacht werden, denen wir im Laufe des Abenteuers begegnen. Auch die Ausrüstung sollte nicht zur Nebensache verkommen: Statusveränderungen und Elementschwächen können den Unterschied machen, wenn man sich nicht ausschließlich auf höhere Level und beherztes Button-Mashing verlassen möchte.

Das Kampfsystem verlangt allerdings auch ein wenig Geduld. Die Bewegungsfreiheit wirkt im Vergleich zu modernen Action-RPGs eingeschränkt und wer dynamische Ausweichmanöver oder ausgefeilte Kombosysteme gewohnt ist, dürfte die Kämpfe zunächst als steif empfinden. Sobald man sich jedoch auf den Rhythmus der Gefechte einlässt und die Fähigkeiten der Gruppe sinnvoll kombiniert, entfaltet das System seinen Reiz. Es ist nicht besonders flexibel, aber auch längst nicht so simpel, wie sein Alter zunächst vermuten lässt.

Am grundlegenden Kampfsystem ändert das Remaster nichts. Stattdessen gibt es eine Reihe von Komfortfunktionen, mit denen sich das Abenteuer an die eigenen Vorlieben anpassen lässt. Über verschiedene Boost-Optionen können wir unter anderem den Erhalt von Erfahrungspunkten und die Häufigkeit von Begegnungen beeinflussen.

Wer keine Lust mehr auf die nächste Zufallsbegegnung hat, darf Kämpfe bei Bedarf sogar vollständig deaktivieren. Ein Hochgeschwindigkeitsmodus für automatische Gefechte beschleunigt wiederkehrende Auseinandersetzungen, während Battle Retry und Quick Recovery dafür sorgen, dass Niederlagen weniger frustrierend ausfallen.

Das ist praktisch, nimmt dem Abenteuer aber auch einen Teil seiner ursprünglichen Reibung. Wer sich durch jede Begegnung kämpfen möchte, kann das weiterhin tun. Wer dagegen nur noch schnell zum nächsten Handlungspunkt will, muss sich nicht länger an jedem zufälligen Gegner aufhalten. Das Remaster zwingt niemanden dazu, das Spiel leichter zu machen. Es erspart einem lediglich die Diskussion mit dem eigenen Geduldsfaden.

Verlaufen ausdrücklich erwünscht

Abseits der Kämpfe setzt Tales of Eternia Remastered auf klassische JRPG-Erkundung. Städte, Dungeons und abgelegene Winkel laden dazu ein, nicht einfach nur dem nächsten Handlungspunkt hinterherzulaufen, sondern sich auch einmal umzusehen.

Das klingt selbstverständlich, ist heutzutage aber längst keine Selbstverständlichkeit mehr. Viele moderne Rollenspiele markieren jeden relevanten Gegenstand, zeigen den nächsten Gesprächspartner auf der Karte und führen uns mit einer digitalen Leine zum Ziel. Eternia stammt aus einer Zeit, in der man gelegentlich tatsächlich selbst herausfinden musste, wohin die Reise führt.

Das bedeutet nicht, dass hinter jeder Ecke eine Offenbarung wartet. Optionale Inhalte wie zusätzliche Titel für die Helden, Rezepte und andere Entdeckungen sorgen aber dafür, dass sich ein genauerer Blick in die Spielwelt lohnen kann. Nicht jede Nebenaktivität ist gleichermaßen spannend und manche Sucherei zieht sich länger als nötig.

Trotzdem fühlt es sich angenehm an, nicht ständig gesagt zu bekommen, wohin man als Nächstes laufen soll. Ein Dungeon darf hier noch ein Ort sein, den man erkundet, statt bloß ein hübsch dekorierter Korridor zwischen zwei Zwischensequenzen.

Genau an dieser Stelle kommen die neuen Quality-of-Life-Funktionen ins Spiel. Tales of Eternia Remastered bietet zusätzliche Marker, die bei der Orientierung helfen und wichtige Ziele leichter auffindbar machen. Das ist vor allem dann praktisch, wenn man nach einer längeren Pause zurückkehrt und nicht mehr genau weiß, welcher NPC eigentlich den nächsten Handlungsschritt auslöst.

Die entscheidende Frage ist allerdings, wie viel Führung man überhaupt möchte. Marker können verhindern, dass man ziellos durch bereits besuchte Gebiete irrt. Gleichzeitig nehmen sie einem einen Teil der Eigenständigkeit, die den Reiz klassischer JRPGs ausmacht. Glücklicherweise lassen sich die Hilfen vollständig deaktivieren. Das ist für mich die sinnvollste Lösung: Wer eine bequemere Reise bevorzugt, bekommt sie. Wer lieber selbst auf Spurensuche geht, kann die digitalen Wegweiser einfach abschalten.

So bleibt das Remaster zugänglich, ohne seine ursprüngliche Struktur über Bord zu werfen. Und ganz ehrlich: Sich in einem Spiel auch einmal zu verlaufen, ist nicht automatisch ein Designfehler. Manchmal gehört es schlicht zum Abenteuer.

Frisch poliert, aber noch dasselbe Gesicht

Grafisch bleibt Tales of Eternia Remastered seinen Wurzeln treu. Die farbenfrohen Umgebungen, die zweidimensionalen Charakter-Sprites und die liebevoll gestalteten Hintergründe versprühen den Charme eines JRPGs aus der PlayStation-Ära. Statt die Figuren mit modernen Polygonmodellen neu aufzulegen, bewahrt das Remaster die ursprüngliche Bildsprache und frischt die Darstellung behutsam auf.

Wer allerdings hofft, dass der Klassiker nach einer optischen Verjüngungskur kaum wiederzuerkennen ist, sollte die Erwartungen zügeln. Die Überarbeitung beschränkt sich größtenteils auf Kantenglättung und eine bessere Lesbarkeit der Texte. Zwar lässt sich auch die originale Darstellung aktivieren, doch zumindest in meinem Fall waren die Unterschiede nur minimal zu erkennen. Der neue Anstrich ist damit eher eine Frage des Feinschliffs als ein echter Blickfang.

Das ist nicht grundsätzlich schlecht. Der ursprüngliche Grafikstil hat seinen eigenen Charme und nicht jedes Remaster muss ein altes Spiel in eine vermeintlich zeitgemäße Optik pressen. Allerdings stellt sich schon die Frage, wie groß der Mehrwert für diejenigen ausfällt, die das Original bereits kennen und problemlos spielen können. Wer eine deutlich überarbeitete Präsentation erwartet, bekommt hier wenig Anlass zum Staunen. Wer dagegen einfach das bekannte Abenteuer auf einer aktuellen Plattform erleben möchte, dürfte mit der behutsamen Umsetzung gut zurechtkommen.

Akustisch setzt Eternia ebenfalls auf bewährte Stärken. Der Soundtrack begleitet die Reise mit abwechslungsreichen Melodien, die sowohl die heiteren Gruppenmomente als auch die dramatischen Ereignisse passend untermalen. Die Musik gibt den Schauplätzen einen eigenen Charakter und bleibt mit ihren eingängigen Stücken angenehm im Gedächtnis. Sie muss sich nicht ständig in den Vordergrund drängen, um die Atmosphäre zu unterstützen.

Auch die Sprachausgabe verdient eine Erwähnung. Sie gehört zu den markanten Merkmalen der Reihe und verleiht den Dialogen zusätzliche Persönlichkeit. Die überarbeitete Präsentation fällt dabei erfreulicher aus als die optischen Anpassungen. Insgesamt bleibt der audiovisuelle Eindruck jedoch eine behutsame Auffrischung des Bekannten und kein Grund, das Spiel allein wegen seiner technischen Neuerungen noch einmal zu kaufen.

Ein bisschen Facelift, kein neues Abenteuer

Bildmaterial: Tales of Eternia Remastered, Bandai Namco, TOSE

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Titel	Final Fantasy Resonance
	22. Oktober 2026
	Square Enix
	22. Oktober 2026
	Square Enix
	22. Oktober 2026
	Square Enix
System	PlayStation 5, Xbox Series, Nintendo Switch 1/2, PC
Getestet für	PC (Steam)
Versionsnummer	1.0.1.0.
Entwickler	Square Enix, LANCARSE Ltd.
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Entschuldigt bitte meine Umgangssprache, aber: Was für ein absoluter No-Brainer! Jahrelang begeistert Square Enix JRPG-Fans weltweit mit einem fantastischen Grafikstil, der klassische Pixelkunst mit modernen Texturen und Animationen zu einem puren Augenschmaus verbindet.

Star Ocean hat davon profitiert, Octopath Traveler hat davon profitiert, Live A Live hat davon profitiert und ganz besonders Dragon Quest hat davon profitiert. Doch die eine Marke, die das Unternehmen auf die Weltbühne katapultiert hat und tiefe Wurzeln im klassischen 2D-Stil besitzt, wurde bislang übergangen.

Nicht mehr! Es hat zwar den Verlust eines Mobile-Gacha-Spiels gebraucht, aber die Belohnung ist ein wahr gewordener Traum für junge und alte Fans des Genres. Final Fantasy Resonance ist das erste Spiel der wohl bekanntesten JRPG-Reihe im patentierten HD-2D-Look und begeistert auf sämtlichen Ebenen.

Gespaltene Gemüter, wie sie bei den großen Serienteilen fast immer zu erwarten sind, dürfte es hier wahrscheinlich nicht geben. Aus der Asche von Final Fantasy Brave Exvius erhebt sich, wie der Phönix selbst, ein grandioses Rollenspiel.

Crystals Are a Girl’s Best Friend

Es beginnt, wie es immer beginnen muss: Die elementaren Kristalle, welche die Balance der Welt bewahren und seit unzähligen Jahren gut geschützt werden, sind in Gefahr. Die Geschworenen Sechs, eine kleine Gruppe schier übermächtig erscheinender Gegner, tauchen wortwörtlich aus dem Nichts auf und machen es sich zur Aufgabe, ebendiese Kristalle zu zerstören.

Vorhang auf für unsere Protagonisten Rain und Lasswell. Ersterer ist ein junger Luftschiffkommandant des Königreichs Grandshelt, letzterer sein Stellvertreter. Die seit ihrer Kindheit befreundeten Kameraden versuchen, sich den Bösewichten, die nicht ganz zufällig an die Richter aus Final Fantasy XII erinnern, in den Weg zu stellen.

Doch vergebens: Der Erdkristall fällt und die beiden entkommen nur knapp mit dem Leben.

Zusammen mit Fina, einem mysteriösen Mädchen, das selbstverständlich an Amnesie leidet, sowie einer hoch motivierten Mechanikerin, deren Name sich auf Cid reimt und die nicht auf den Mund gefallen ist, geht es anschließend los. Kristalle müssen gerettet und Feinde vernichtet werden.

Herzklopfen

Schon anhand dieser kurzen Einführung wird klar, dass sich Final Fantasy Resonance zahlreicher vertrauter Stilmittel bedient. Fans des Genres können mittlerweile ein Lied davon singen. Zu behaupten, die Geschichte sei eine Achterbahnfahrt aus unvorhersehbaren Wendungen und komplexen, tiefgründigen Charakteren, wäre wahrlich übertrieben.

Passend zum Look bietet das Spiel vielmehr eine geradlinige Erzählung, die trotz einiger Klischees von Anfang bis Ende mitreißt, die eine oder andere unerwartete Wendung bereithält und für Tränen der Freude wie auch der Trauer sorgt.

Trotz ihrer fehlenden Komplexität wächst die Heldengruppe schnell ans Herz und hält bis zur letzten Sekunde bei Laune. Selbst die ebenfalls eher einfach gehaltenen Nebenmissionen führen neue Charaktere ein und liefern stets interessante Informationen über die Welt. Langeweile kommt so kaum auf.

Die Geschichte wird in gut inszenierten Sequenzen erzählt, in denen die Pixelfiguren trotz ihrer begrenzten Darstellung eine erstaunliche Bandbreite an Emotionen vermitteln. Selbst schwere Körbchen schwingen liebevoll daher. Unterstützt werden sie von den schönen Charakter-Artworks von Yusuke Naora. Schade nur, dass sich während der Dialoge maximal die Mimik der Artworks verändert, die Körperdarstellung bleibt statisch.

Hexerei

Auch die unglaublich starke japanische und englische Synchronisation trägt zur gelungenen Präsentation bei. Einen kleinen Wermutstropfen gibt es aber: Nicht alle Dialoge sind vertont.

Besonders dramatische oder wichtige Storysequenzen erhalten sogar ein zusätzliches Upgrade. Diese sind grandios inszeniert und kombinieren 2D- mit 3D-Effekten auf beeindruckende Weise. Hier haben die Entwickler alles gegeben und das merkt man in jedem Pixel. Wenn die Kamera dramatisch über die Szenerie schwingt, die Pixelcharaktere verheerende magische 3D-Angriffe entfesseln und sich sogar CGI-Sequenzen dazumischen, wirkt das fast wie Hexerei. Absolut überwältigend.

Davon können sich nicht nur andere HD-2D-Titel eine Scheibe abschneiden, sondern moderne JRPGs im Allgemeinen. Hut ab.

Nostalgische Töne

Wenn Final Fantasy draufsteht, muss natürlich auch ein starker Soundtrack her und den gibt es hier. Ebenso wie bei Story und Optik wird Altes gekonnt mit Neuem verwoben. Bekannte Melodien mischen sich mit neuen, treibenden Kompositionen von Noriyasu Agematsu, die stark an eine Zeit vor den 2000er-Jahren erinnern.

Zugegeben: Das Niveau von Nobuo Uematsu, Takeharu Ishimoto oder Yoko Shimomura wird nicht ganz erreicht und gerne hätten es wesentlich mehr Stücke sein dürfen. Dennoch rundet der starke Soundtrack die Klangkulisse wunderbar ab.

Taktik statt Leerlauf

Gekämpft wird selbstverständlich in einem rundenbasierten Kampfsystem. Und ebenso wie bei allen anderen Aspekten des Spiels ist auch hier eine beachtliche Menge Leidenschaft und Wissen aus der langen Seriengeschichte hineingeflossen. Die Zugreihenfolge wird jederzeit gut sichtbar angezeigt, das Kampftempo lässt sich nach Belieben einstellen, die Kampfanimationen sind klasse und jeder Charakter übernimmt eine spezifische Rolle.

Viele Zahnräder greifen harmonisch ineinander und sorgen für ein ausgesprochen rundes und spaßiges Spielerlebnis. Es gibt kaum Wartezeiten, stattdessen sind die Kämpfe schnell, taktisch und unheimlich belohnend.

Die Stärken und Schwächen der Gegner müssen stets beachtet werden, denn neben einer HP-Leiste besitzen sie auch eine Schockleiste, die Fans bereits aus Final Fantasy XIII oder Final Fantasy XVI kennen dürften. Greift man gezielt die Schwachstellen der Feinde an, leert sich diese Schockleiste schneller.

Ist sie vollständig geleert, wird nicht nur der nächste Angriff des Gegners verhindert, der angreifende Charakter erhält zudem einen zusätzlichen Angriff und kann verheerenden Schaden verursachen. Das genaue Timing eines Schocks muss also immer im Blick behalten werden.

Pump it

Mit bis zu vier Charakteren stürzt man sich in diese hoch motivierenden Kämpfe. Doch sie kämpfen nicht allein: Jeder Charakter kann eine Vision ausrüsten. Dabei handelt es sich um die prominent beworbenen, altbekannten Final-Fantasy-Charaktere, die ihre Kräfte mit den Helden von Final Fantasy Resonance teilen.

Kurz gesagt: Es handelt sich um ein erweitertes Job-System. Während die ursprünglichen Charaktere ihre festen Rollen wie Heiler oder Tank im Kampf einnehmen, verleihen die Visionen ihnen einen Zweitjob. Kombiniert man etwa Fina als Heilerin mit Terra aus Final Fantasy VI, kann die Magierin plötzlich vernichtende schwarzmagische Attacken verschiedener Elemente nutzen.

Dabei teilen die Visionen nicht nur aktive, sondern auch zahlreiche passive Fähigkeiten. Über eine separate EP-Leiste steigen Visionen bis Level 9 auf und verleihen dem Charakter, der sie ausgerüstet hat, permanente passive Boni. Neue aktive Fähigkeiten kommen ebenfalls hinzu. Wechselt man die Vision, etwa nachdem sie vollständig aufgelevelt wurde, behält der Charakter alle permanenten Verbesserungen. Nicht-permanente Fähigkeiten können anschließend zusätzlich neben einer neuen Vision ausgerüstet werden.

Das kostet allerdings FP, von denen jeder Charakter nur ein begrenztes Kontingent besitzt. Dieses steigt wiederum, je mehr Visionen mit ihm aufgelevelt werden. So ist man ständig motiviert, möglichst viele verschiedene Visionen zu finden, vollständig aufzuleveln und regelmäßig zu wechseln. Das Experimentieren und der Aufbau der eigenen Gruppe machen unglaublich viel Spaß und sorgen für eine extrem hohe Motivation.

Schockierend

Wer sein Team richtig aufstellt und gezielt einsetzt, kann sogar schnell ganze Gegnergruppen schocken. Das löst einen sogenannten Radikalschock aus. Dadurch erhält nicht nur jeder Charakter einen Zusatzzug, sondern auch eine der ausgerüsteten Visionen kann ihren ultimativen Angriff entfesseln.

In fantastisch inszenierten und butterweich eingefügten CGI-Sequenzen nutzen bekannte Pro- und Antagonisten der Final-Fantasy-Reihe ihre ikonischen Spezialangriffe. Diese richten entweder gewaltigen Schaden an oder erholen die Gruppe. Plant man geschickt um diesen Umstand herum, kann man selbst aus einem schweren Kampf mit vollen HP hervorgehen.

Beendet man einen Kampf im Schockzustand, mit einem übermächtigen Angriff oder ohne Schaden genommen zu haben, winken zudem nicht unerhebliche Boni auf Erfahrungspunkte und Geld.

Esper, Ekstase und Erkundung

Das war noch nicht alles: Hinzu kommen die ikonischen Esper, die man auf der Weltkarte findet und die fast immer eine kleine Prüfung bereithalten. Fina kann eine dieser beliebten Beschwörungen im Kampf an ihre Seite rufen. Als unabhängige Teilnehmer unterstützen sie die Gruppe für drei Runden und beenden ihren Auftritt ebenfalls mit einem ultimativen Angriff.

Auch die Limitrausch-Attacken sind wieder an Bord. Je nach passiver Fähigkeit, ausgerüsteter Vision oder eingesetzter Fertigkeit füllt sich die Limit-Leiste und ermöglicht schließlich einen fantastisch inszenierten Angriff, der im Schockzustand natürlich besonders hohen Schaden verursacht. Bei jedem Element wurde aus der langen Final-Fantasy-Historie geschöpft und das funktioniert einfach hervorragend.

Noch ein kleiner Tipp: Als erfahrener JRPG-Fan würde ich einen höheren Schwierigkeitsgrad empfehlen. Die Kämpfe machen so viel Spaß und man möchte Charaktere sowie Visionen möglichst schnell aufleveln, sodass Story-Dungeons auf der Standardstufe rasch trivial werden können.

Falls es dann doch zu viel wird, lässt sich der Schwierigkeitsgrad jederzeit anpassen.

Wie jedes klassische Final Fantasy bietet auch Resonance eine schön designte Weltkarte, malerische Städte und dunkle Dungeons. Letztere kommen oft mit einem kleinen Kniff daher, sind aber, ebenso wie die Weltkarte selbst, ein wenig zu klein geraten. An den liebevoll gestalteten Umgebungen gibt es ansonsten nichts auszusetzen. So sieht Leidenschaft für das Genre aus.

Wer die Weltkarte erkundet, wird stets belohnt: mit optionalen Bossen, Esper oder neuen Visionen. Die Motivation bleibt dadurch hoch. Puristen sollten jedoch aufhorchen, denn das Spiel nimmt den Spieler stark an die Hand. Questmarker sind jederzeit eindeutig, auch unbekannte Orte sind auf der Weltkarte bereits markiert und Schnellreisen sind von Anfang an möglich. Etwas mehr Freiheit hätte dem Abenteuer gutgetan.

Performing fine

Abschließend noch ein kurzes Wort zur Performance: stark. Selbst auf dem vergleichsweise leistungsschwachen Steam Deck läuft das Spiel bei maximalen Grafikeinstellungen butterweich mit 60 FPS, bis die Weltkarte gegen Ende noch zugänglicher wird. Dann wird der schwache Pocket-PC in seine Knie gezwungen, dennoch macht es Freude, dass auch moderne Spiele noch eine überzeugende Performance abliefern.

Die Ladezeiten sind kurz, das Bild ist scharf und das Gesamtpaket wirkt technisch sehr überzeugend. Mit größeren Problemen dürfte keine Plattform zu kämpfen haben, auch wenn Nintendos erste Generation der Nintendo Switch anscheinend nur die 30 FPS knackt.

Praise Be

Bildmaterial: Final Fantasy Resonance, Square Enix, Team Asano, Lancarse

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Titel	Nintendo Switch Sports Resort
	22. Oktober 2026
	Nintendo
	22. Oktober 2026
	Nintendo
	22. Oktober 2026
	Nintendo
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Versionsnummer	1.1.0
Entwickler	Nintendo EPD
Genres	Sportsimulation
Texte
Vertonung

Man mag es kaum glauben, aber Nintendos Sports-Reihe gehört zu den erfolgreichsten Marken des Unternehmens überhaupt. Zur Einordnung: Das ursprüngliche Wii Sports verkaufte sich über 80 Millionen Mal, wobei das Spiel in weiten Teilen der Welt natürlich direkt der Wii beilag.

Der Nachfolger Wii Sports Resort brachte es immerhin noch auf über 33 Millionen Einheiten. Damit belegten die beiden Spiele gleich zwei Podiumsplätze unter den meistverkauften Wii-Titeln aller Zeiten. Nicht schlecht für ein bisschen Bowling, Tennis und Schwertkampf im heimischen Wohnzimmer.

Auf der Wii U folgte mit Wii Sports Club eine Art Neuauflage des Originals, die allerdings ein wenig außer Konkurrenz läuft. Schließlich erschien das Spiel auf der ohnehin schwächelnden Wii U und sorgte mit seinem ziemlich merkwürdigen Abo- beziehungsweise Mietmodell damals für einiges Stirnrunzeln.

2022 ging die Reihe schließlich mit Nintendo Switch Sports in die nächste Runde. Mit rund 18 Millionen verkauften Einheiten war auch dieser Ableger kommerziell ein beachtlicher Erfolg. Um den Ruf der Reihe stand es allerdings weniger rosig. Zu wenige Inhalte zum Start und der Eindruck, dass Nintendo hier deutlich mehr Liebe hätte investieren können, sorgten für reichlich Kritik. Für viele Fans war ohnehin klar: Die ultimative Sports-Erfahrung hatte Nintendo bereits 2009 mit Wii Sports Resort abgeliefert.

Wuhu Island, wir haben dich vermisst!

Da überrascht es eigentlich kaum, dass Nintendo nach all den Jahren erneut die Koffer packt und uns zurück ins sonnige Urlaubsparadies rund um Wuhu Island schickt. Schließlich gibt es wohl kaum einen anderen Ort, der bei Fans der Reihe derart viele schöne Erinnerungen weckt. Sonne, Strand und jede Menge sportliche Aktivitäten – was will man eigentlich mehr?

Genau dorthin verschlägt es uns jetzt nämlich wieder. Am 22. Oktober erscheint mit Nintendo Switch Sports Resort der neueste Ableger der Reihe exklusiv für Nintendo Switch 2. Ob Nintendo den (Sport-)Geist vergangener Tage tatsächlich wieder einfangen konnte und wie uns der erneute Urlaub auf Wuhu Island gefallen hat, verraten wir euch in unserem Test. Also Sportschuhe an, Joy-Con geschnappt und ab in den Flieger!

Viel Nostalgie, wenig Neues

Es geht also zurück auf die Insel! Und für viele, mich eingeschlossen, ist dieser Ausflug mit einer gehörigen Portion Nostalgie verbunden. Was habe ich damals nicht sämtliche Sportarten bis zum Erbrechen gespielt, Highscores gejagt und Wuhu Island bis in den letzten Winkel erkundet? Irgendwann kannte ich die Insel vermutlich besser als meine eigene Heimatstadt. Vor allem aber hatte ich eine unvergessliche Zeit, an die ich mich bis heute gerne zurückerinnere.

Entsprechend gespannt war ich auf die Rückkehr. Kann Nintendo dieses Gefühl noch einmal einfangen? Natürlich bin auch ich inzwischen älter geworden und blicke heute etwas anders auf die Spiele meiner Kindheit und Jugend. Aber wenn es Nintendo gelingen würde, auch nur ein bisschen von der damaligen Magie zurückzubringen, wäre ich schon glücklich.

Doch fangen wir von vorne an. Insgesamt zwölf Sportarten stehen zur Auswahl. Dazu gesellt sich noch Seilspringen, das allerdings kaum mehr als ein kleines Minispiel ist. Moment mal … zwölf Sportarten? Sind das nicht exakt genauso viele wie damals in Wii Sports Resort von 2009? Na gut, dafür gibt es bestimmt jede Menge neue Disziplinen und Spielmodi, oder? Um es kurz zu machen: Nein.

Mit Tennis, Bowling, Boxen und Golf sind gleich vier Sportarten aus dem ursprünglichen Wii Sports vertreten. Dazu kommen Bogenschießen, Tischtennis, Basketball, Propellerflugzeug und Wasserscooter aus Wii Sports Resort sowie Volleyball aus Nintendo Switch Sports. Wirklich neu sind lediglich Daumenringen und Skateboard.

Und während Skateboard zumindest frischen Wind verspricht, ist beim Daumenringen nach ein, zwei Runden auch schon wieder die Luft raus. Dass Nintendo nach all den Jahren gerade einmal zwei komplett neue Sportarten auf die Beine stellt, finde ich schlicht enttäuschend. Ihr könnt mir doch nicht erzählen, dass den EntwicklerInnen in dieser ganzen Zeit nicht mehr eingefallen ist! Das ärgert mich tatsächlich mehr, als es vielleicht sollte.

Alles beim Alten – wirklich alles?

Nun könnte man natürlich argumentieren, dass die alten Sportarten auch heute noch Spaß machen. Und das stimmt sogar! Tennis, Bowling, Golf und Boxen funktionierten schon damals hervorragend und tun es auch heute noch. Gleiches gilt für Disziplinen wie Tischtennis oder Bogenschießen.

Das Problem ist nur: Teilweise spielen sich die Sportarten praktisch genauso wie vor fast 20 Jahren. Grundsätzlich ist das nichts Schlechtes, schließlich muss man ein funktionierendes Konzept nicht zwangsläufig neu erfinden. Ein bisschen mehr spielerische Tiefe, zusätzliche Möglichkeiten oder einfach etwas Abwechslung hätten den altbekannten Disziplinen aber wirklich gutgetan.

Abseits der eigentlichen Sportarten warten immerhin noch kleinere Herausforderungen. Beim Tischtennis gilt es beispielsweise, Dosen abzuräumen, während beim Bowling wieder einmal 100 Pins auf ihren großen Auftritt warten. Macht das Spaß? Klar, zumindest für ein paar Runden. Nur gab es diese Herausforderungen bereits auf der Wii. Dass Nintendo manche davon nahezu eins zu eins übernimmt, wirkt dann doch ziemlich einfallslos. Zwei, drei neue Minispiele gibt es zwar ebenfalls, aber auch die hat man meist nach wenigen Versuchen gesehen.

Ein wenig mehr Motivation bietet da schon der neue Inselkrone-Modus. Hier arbeitet ihr euch innerhalb der einzelnen Sportarten nach und nach nach oben, tretet gegen immer stärkere GegnerInnen an und fordert schließlich den jeweiligen Inselkönig beziehungsweise die Inselkönigin heraus. Das ist eine nette Ergänzung, die zumindest für eine Weile zum Weiterspielen motiviert. Allzu viel solltet ihr allerdings auch hier nicht erwarten.

Immerhin gibt es dabei ein Wiedersehen mit einer echten Legende: Matt ist zurück! Ja, genau der Matt. Wer damals auf der Wii regelmäßig die Boxhandschuhe geschnürt hat, dürfte sich noch bestens an ihn erinnern. Manche Gegner vergisst man eben nie.

Die Bewegung macht’s!

Nach all dem Gemecker wird es Zeit für etwas Positives. Denn bei der Steuerung macht Nintendo glücklicherweise vieles richtig. Sie ist angenehm eingängig und schon nach wenigen Sekunden hat man den Dreh raus. Viel erklären muss man hier wirklich nicht – Joy-Con schnappen und loslegen!

Die Joy-Con sind dabei Pflicht – entweder einzeln oder als Paar. Der Handheld-Modus wird entsprechend nicht unterstützt. Gespielt wird also entweder im Tischmodus oder ganz klassisch vor dem Fernseher, am besten im Stehen. Schließlich wollen wir uns beim Sport ja auch ein bisschen bewegen.

Die Bewegungssteuerung funktioniert dabei größtenteils richtig gut und reagiert teilweise erstaunlich präzise und direkt. Ein deutlicher Fortschritt gegenüber den Wii-Zeiten, als man die Wii-Fernbedienung gefühlt ständig auf eine ebene Fläche legen musste, um sie neu zu kalibrieren. Das bleibt uns hier glücklicherweise erspart. Hin und wieder gibt es zwar kleinere Aussetzer bei der Bewegungserkennung, im Großen und Ganzen funktioniert das Ganze aber in Ordnung.

Gemeinsam macht’s einfach mehr Spaß

Und tatsächlich machen auch fast alle Sportarten nach wie vor richtig Laune. Besonders dann, wenn man ein paar FreundInnen zusammentrommelt. Genau das würde ich euch auch empfehlen, denn hier spielt Nintendo Switch Sports Resort seine größten Stärken aus.

Ein gemütlicher Abend mit ein paar Leuten, dazu eine Runde Bowling, Tischtennis oder Tennis und schon ist der Spaß praktisch vorprogrammiert. Man lacht, ärgert sich über knapp verpasste Punkte und fordert natürlich sofort eine Revanche. Genau diese unkomplizierte Geselligkeit war schon immer das Herzstück der Sports-Reihe.

Und daran hat sich glücklicherweise auch nach all den Jahren nichts geändert.

Alte Miis und neue Gesichter

Natürlich feiern auch die sogenannten Sportsmates aus Nintendo Switch Sports ihre Rückkehr. Entweder man mag die neuen Figuren oder eben nicht. Zum Glück dürfen aber auch weiterhin die guten alten Miis auf den Sportplatz. Immerhin!

Was mir hingegen richtig gut gefällt, sind die unzähligen kosmetischen Gegenstände, mit denen sich die eigene Spielfigur individualisieren lässt. Hier hat Nintendo im Vergleich zum direkten Vorgänger ordentlich nachgelegt. Die Auswahl ist deutlich größer und bietet jede Menge Möglichkeiten, der eigenen Figur einen persönlichen Anstrich zu verpassen.

Für abgeschlossene Aktivitäten gibt es sogenannte Spocco-Punkte, die sich gegen neue Gegenstände eintauschen lassen. Zusätzlich warten in den einzelnen Sportarten kleinere Herausforderungen, die ein wenig an klassische Achievements erinnern. Wer diese Aufgaben erfüllt, darf sich über weitere Punkte und Outfits freuen. Eine nette Motivation, um auch abseits der normalen Partien noch ein paar Runden dranzuhängen.

Einen kleinen Haken gibt es allerdings: Die Gegenstände werden in rotierenden Kollektionen angeboten, im Oktober beispielsweise passend zu Halloween. Dazu kommt eine Art Gacha-Mechanik im Shop. Das klingt zunächst schlimmer, als es tatsächlich ist, denn Echtgeld spielt hier keine Rolle. Und nach einigen Runden hat man in der Regel auch die gewünschten kosmetischen Belohnungen zusammen.

Wuhu Island könnte schöner sein

Optisch hinterlässt Nintendo Switch Sports Resort dagegen einen eher durchwachsenen Eindruck. Grundsätzlich geht der bunte, freundliche Look völlig in Ordnung und auf der Switch 2 läuft das Spiel angenehm flüssig mit gefühlt 60 Bildern pro Sekunde. Trotzdem habe ich mich mehrfach gefragt, ob hier nicht deutlich mehr möglich gewesen wäre.

Gerade bei den freieren Aktivitäten, etwa beim Rundflug über Wuhu Island, fallen die grafischen Schwächen auf. Sowohl an Land als auch auf dem Wasser wirkt die Umgebung stellenweise erstaunlich schlicht. Kanten flimmern, der Landschaft fehlt es an Details und insgesamt vermisse ich ein wenig die räumliche Tiefe. So schön die Rückkehr auf die Insel auch ist, grafisch präsentiert sie sich leider nicht unbedingt von ihrer besten Seite.

Teilweise wirkt das Ganze sogar so, als hätte es problemlos auf der Wii U oder der ersten Switch erscheinen können. Für einen exklusiven Switch-2-Titel hätte ich mir hier einfach etwas mehr erwartet. Immerhin gibt es technisch ansonsten wenig zu meckern: Bugs oder Glitches sind mir während meiner Spielzeit nicht begegnet.

Musikalisch geht Nintendo ebenfalls auf Nummer sicher. Der Soundtrack ist angenehm, gelegentlich sogar etwas eigenwillig, aber insgesamt wenig spektakulär. Besonders schön wird es natürlich, wenn plötzlich die ikonischen Melodien aus Wii Sports Resort anklingen. Da kommen sofort Erinnerungen hoch!

Trotzdem hätte ich mir gewünscht, dass Nintendo nicht nur auf die musikalische Nostalgie setzt, sondern dem neuen Ableger auch ein paar wirklich eigene, unverwechselbare Stücke spendiert. Denn so schön die alten Melodien auch sind: Ein bisschen frischer Wind hätte Wuhu Island definitiv nicht geschadet.

Gemeinsam schwitzen – auch online

So gut wie jede Sportart lässt sich sowohl lokal als auch online spielen. Dabei habt ihr die Wahl, ob ihr euch ganz entspannt mit anderen messen oder lieber um Punkte und Ranglistenplätze kämpfen wollt. Eine schöne Sache, schließlich lebt die Sports-Reihe seit jeher davon, gemeinsam mit anderen ein paar sportliche Runden zu drehen.

Wuhu Island hat noch einiges zu bieten

Eine Sache möchte ich allerdings noch einmal gesondert hervorheben: die sogenannten Hobbysportarten. Dazu gehören Propellerflugzeug, Skateboard und Wasserscooter. Wie damals auf der Wii könnt ihr damit Wuhu Island auf eigene Faust erkunden. Diesmal allerdings nicht nur aus der Luft, sondern auch zu Land und auf dem Wasser.

Und das ist tatsächlich eine richtig tolle Sache! Schließlich habe ich mir schon damals gewünscht, die Insel auf möglichst viele verschiedene Arten erkunden zu können. Jetzt darf ich endlich auch mit dem Skateboard über Wuhu Island düsen oder mit dem Wasserscooter die Küsten abfahren. Und glaubt mir: Es lohnt sich!

Schon während unserer Preview fiel auf, dass sich die Insel ordentlich verändert hat. Hier und da erkennt man noch vertraute Orte wieder, vieles ist allerdings neu und lädt zum Entdecken ein. Gerade diese Mischung aus Nostalgie und frischen Eindrücken macht für mich einen großen Teil des Reizes aus.

Mit ziemlich großer Wahrscheinlichkeit werde ich deshalb auch diesmal wieder die meiste Zeit in diesen Modi verbringen. Schließlich warten noch zahlreiche Spocco-Fotos darauf, entdeckt zu werden. Dazu kommen die komplett neuen Insel-Missionen, die zusätzliche Beschäftigung bieten. Wer Wuhu Island gerne bis in den letzten Winkel erkundet, bekommt hier also einiges zu tun.

Tatsächlich waren es genau diese drei Aktivitäten, die mir während meines Tests am meisten Spaß gemacht haben. Einfach mal ohne großen Wettbewerbsdruck über die Insel zu streifen, neue Ecken zu entdecken und die Atmosphäre zu genießen – genau das habe ich an Wii Sports Resort damals so geliebt.

Wo ist mein „Nice Job“ geblieben?

Eine Kleinigkeit muss ich allerdings noch loswerden: Ich vermisse die motivierende Stimme aus Wii Sports und Wii Sports Resort! Dieses herrlich enthusiastische „Amazing!“ oder „Nice!“ nach einer gelungenen Runde hatte einfach etwas. Alles Lob der Welt geht hier an Josh Millman.

Stattdessen kommentiert nun eine deutsche Stimme das Geschehen, die ungefähr so viel Begeisterung versprüht wie ein Finanzbeamter beim Sortieren von Steuerunterlagen. Und nein, einfacher Sprachwechsel hilft hier nicht, das Gleiche trifft auf die neue englische Stimme zu.

Vielleicht spricht da wieder die Nostalgie aus mir, aber ein bisschen mehr Begeisterung hätte dem Ganzen wirklich gutgetan.

Der beste Ableger seit Resort – aber …

Bildmaterial: Nintendo Switch Sports Resort, Nintendo

Der Beitrag Im Test! Switch Sports Resort ist der beste Ableger seit 2009 – und enttäuscht trotzdem erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Dynasty Warriors 3: Complete Edition Remastered
	01. Oktober 2026
	KOEI TECMO GAMES CO., LTD.
	01. Oktober 2026
	KOEI TECMO GAMES CO., LTD.
	01. Oktober 2026
	KOEI TECMO GAMES CO., LTD.
System	PlayStation 5, Xbox Series, Nintendo Switch 2, PC
Getestet für	PC (Steam)
Versionsnummer	24984920 (Build-ID)
Entwickler	Omega Force
Genres	Musou
Texte
Vertonung

Dass ein Dynasty-Warriors-Spiel einmal in meinen persönlichen Top 3 des Jahres landen würde, hätte ich lange Zeit nicht für möglich gehalten. Dynasty Warriors: Origins hat es 2025 jedoch tatsächlich geschafft, mich mit seinem dynamischen Kampfsystem, den gewaltigen Schlachten und seinem Suchtfaktor absolut zu begeistern. Daher war ich auf Dynasty Warriors 3: Complete Edition Remastered natürlich sehr gespannt, auch wenn ich das Original von 2001 selbst nie gespielt habe.

Ich bin erst etwas später zur wohl beliebtesten Musou-Reihe gestoßen, aber der Einfluss von Dynasty Warriors 3 soll mit Abstand am prägendsten gewesen sein. Daher wollte ich nach dem großartigen Origins unbedingt wissen, wie sich einer DER Klassiker der Reihe heute spielt. Kann mich die großzügig überarbeitete Fassung genauso mitreißen wie der neueste Teil? Oder zeigen sich trotz neuer Technik und zusätzlicher Mechaniken noch immer die PlayStation-2-Wurzeln?

Mal was anderes?

Die Handlung von Dynasty Warriors 3 folgt dem mittlerweile zum dutzendsten Mal durchgekauten Three-Kingdoms-Epos. Drei große Fraktionen kämpfen mit ihren eigenen Helden, Motivationen und Intrigen um die Vorherrschaft in China. Der sogenannte Musou-Modus erzählt dabei die Geschichten der einzelnen Offiziere in den typischen kurzen Sequenzen zwischen den einzelnen Missionen.

Trotz der vielen Filmchen und der zusätzlichen Szenarien aus der Xtreme-Legends-Erweiterung bildet sich dennoch kein so richtig rundes Bild. Hier zeigt sich nämlich das Alter des Originals am stärksten. Immerhin ist es schon 25 Jahre alt und stammt aus den Anfängen der PlayStation-2-Ära. Daher fehlt es der Handlung an Tiefgang, Kohärenz und einem passenden Ton.

Hilfreich ist auch nicht, dass diese Geschichte in der Zwischenzeit von dutzenden Spielen deutlich besser erzählt wurde. Fans des Originals werden den nostalgischen Charme aber trotzdem zu schätzen wissen, denn hier geht es weniger um Pathos als um eine ordentliche Menge Humor. Die fast ausschließlich unfreiwillig komische englische Synchronisation sorgt für viel Spaß und oft auch für lautes Aufschreien. Da ich das Original nicht kannte, war das wohl die größte Überraschung für mich.

Jedes Mal, wenn ein neuer Charakter vorgestellt wurde oder das Schlachtfeld verließ, gab es eine kurze Sequenz, die von den Sprechern mit vollem Elan vorgetragen wurde und immer für einen Lacher gut war. Das Remaster bietet natürlich auch die originale japanische und die thematisch passende chinesische Synchronisation zur Auswahl. Die unfreiwillig humorvolle Vertonung aus den frühen 2000er-Jahren ist mittlerweile jedoch Gold wert, und darauf sollte man keinesfalls verzichten.

Unreale Engine

Eine optische Auffrischungskur gehört zu einem Remaster natürlich dazu. In diesem Fall wurde das Spiel vollständig in der Unreal Engine 5 überarbeitet. Matschige Texturen, Kantenflimmern und detailarme Charaktermodelle gehören somit der Vergangenheit an. Es ist durchaus beeindruckend, was das Team aus dem Grundgerüst von 2001 gemacht hat.

Technisch sind alle modernen Spielereien mit dabei. 4K-Auflösung, HDR-Unterstützung und die Kompatibilität mit Ultrawide-Monitoren gehören zum Gesamtpaket. Partikeleffekte, Schattenwurf und Beleuchtung befinden sich auf einem guten Niveau. Doch wie so oft bei rein optisch überarbeiteten Spielen lässt sich das Alter des Originals trotz aller modernen Technik nicht vollständig verbergen.

Das zeigt sich besonders beim eher kargen Design der großflächigen Schlachtfelder, bei den Kanonenfutter-Gegnern und den Animationen. Trotz der optischen Überarbeitung und vieler kleiner Neuerungen vergisst man zu keiner Zeit, dass es sich hier im Kern um ein PlayStation-2-Spiel handelt. Das wird im direkten Vergleich mit dem erwartungsgemäß in nahezu allen Belangen stärkeren Dynasty Warriors: Origins besonders deutlich.

Dadurch fällt es mir sehr schwer, Dynasty Warriors 3: Complete Edition Remastered denjenigen zu empfehlen, die bislang nur wenige Berührungspunkte mit der Musou-Reihe hatten.

Clunky

Das Gameplay ist leider ebenfalls ein großer Schwachpunkt des Remasters. Trotz aller Modernisierungen fühlt es sich überraschend schwerfällig an. Die Bewegungen wirken träge, die Kamera hängt manchmal hinterher und die Kollisionen zwischen und mit den Hunderten von Gegnern führen zu seltsamen Physikmomenten. Wirklich viel Abwechslung bietet letztlich nur der Charakterwechsel, denn die einzelnen Movesets der Charaktere halten sich stark in Grenzen und sorgen für ein ziemlich repetitives Spielgefühl.

Trotz neu eingebauter Mechaniken wie der Möglichkeit, gegnerischen Angriffen auszuweichen oder sie zu parieren, gelingt es dem Spiel nicht, dieselbe Dynamik aufzubauen wie das moderne Dynasty Warriors: Origins. Auch Konter, die im perfekten Timing nach diesen Mechaniken ausgeführt werden können, ändern daran nur wenig. Das ist zwar nicht überraschend, kratzt aber dennoch am Spielspaß.

Selbst die als Kanonenfutter dienenden Gegnerhorden verfügen über überraschend viel Lebensenergie und eine durchaus aggressive KI. Hier ist so viel mehr Arbeit nötig, tausende Gegner niederzumetzeln, als in den nachfolgenden Spielen.

Nach etwas Recherche war ich ziemlich überrascht, dass das Original sogar noch einen höheren Schwierigkeitsgrad bot. Erst nachdem sich mein Gehirn an die klobigere Mechanik gewöhnt und ich meine Prioritäten stärker auf das Besiegen der Offiziere und der übermächtigen Bogenschützen gelegt hatte, konnte ich die Missionen beenden, ohne den Game-over-Bildschirm zu sehen. Kaum zu glauben, dass ich das bei einem Musou-Spiel einmal erleben würde.

Waffen ahoi

Eine durchaus sinnvolle neue Mechanik ist das Waffensynthese-System. Im Lagermenü zwischen den einzelnen Missionen kann man nun schwächere Waffen verwenden, um deren Elementarattribute und Fähigkeiten auf eine andere Waffe zu übertragen. Dadurch freut man sich über jede neue Waffe, die man auf dem Schlachtfeld findet, selbst wenn die aktuell ausgerüstete Waffe eigentlich stärker ist. Das hält die Motivation hoch, die Areale zu erkunden und Gegner zu besiegen. Auch wenn das Zeitlimit hier für etwas Stress sorgt.

Um den Puristen jedoch nicht auf die Füße zu treten, bietet Dynasty Warriors 3: Complete Edition Remastered die Möglichkeit, all diese Features einzeln an- und auszuschalten. So kann man das Spielerlebnis ganz individuell an die eigenen Vorlieben anpassen. Wer es einfach und klassisch mag, wählt den Classic-Modus und darf das Original in all seiner klobigen, aber nostalgischen Pracht erleben.

Ich persönlich halte alle Modernisierungen für sinnvoll, da sie für ein deutlich runderes Spielerlebnis sorgen.

Das ist extrem

Wie bereits angedeutet, vereint das Remaster das Basisspiel mit der Xtreme-Legends-Erweiterung. Das bedeutet: über 40 spielbare Offiziere, darunter absolute Fanlieblinge wie Lu Bu und Yuan Shao. Neben dem Story- beziehungsweise Musou-Modus erlaubt der Free Mode, beliebige Offiziere in verschiedenen Szenarien einzusetzen. Dadurch sind auch hypothetische Konstellationen möglich, die im Original noch nicht zur Verfügung standen.

Dazu kommen Klassiker wie der Challenge Mode, Time Attack, der Versus Mode und Assault. Besonders überrascht hat mich die Tatsache, dass das Spiel einen lokalen Koop-Multiplayer bietet. Das ist heutzutage leider eine absolute Seltenheit. Hier kann man sich bei einem 25 Jahre alten Spiel noch immer mit Freunden und Familie auf die Couch setzen, gemeinsam kleine Horden von Feinden oder sich gegenseitig niedermetzeln. Stark!

Fans wird’s freuen

Dynasty Warriors 3: Complete Edition Remastered bietet als Gesamtpaket für 29,99 Euro einen ordentlichen Umfang. Über 40 Offiziere können im Musou-, Free-, Challenge- und Versus-Modus sowie im Splitscreen-Koop eingesetzt werden. Dazu kommen Classic- und Normal-Einstellungen, die Waffensynthese und sämtliche Szenarien. Das Paket richtet sich allerdings eher an Spieler, die das Original bereits kennen. Die altbackenen Menüs, die teils hakeligen Animationen und die fehlende Dynamik haben definitiv das Potenzial, Musou-Neulinge abzuschrecken.

Zum Schluss noch ein paar Worte zur Performance. Eigentlich sollte ein Remaster eines so alten Spiels auf aktuellen Plattformen keinerlei Schwierigkeiten bereiten. Doch diverse Bugs, etwa verschwindende Gegner oder fehlende Audiodateien, sowie eine nicht immer flüssige Performance sorgen für einen etwas getrübten Gesamteindruck.

Auf meinem geliebten Steam Deck läuft das Spiel beispielsweise maximal mit 40 FPS bei mittleren bis niedrigen Grafikeinstellungen. Für ein solches Remaster ist das eine ziemlich schwache Performance. Die Unreal Engine 5 dürfte daran nicht ganz unschuldig sein, da ihr Ruf auch hier mal wieder vorauseilt.

Alte Liebe

Bildmaterial: Dynasty Warriors 3: Complete Edition Remastered, Koei Tecmo, Omega Force

Der Beitrag Im Test! Dynasty Warriors 3: Remastered führt euch an die Wiege des Musou-Gameplays erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Xenoblade Chronicles 2
	30. Juli 2026
	Nintendo
	30. Juli 2026
	Nintendo
	30. Juli 2026
	Nintendo
System	Switch 2
Getestet für	Switch 2
Versionsnummer	3.00
Entwickler	Monolith Soft
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Xenoblade Chronicles 2 – Nintendo Switch 2 Edition ist eine der meisterwarteten Switch 2 Editionen. Es handelt sich dabei um quasi kostenpflichtige Upgrades alter Switch-Spiele mit mal kleineren, mal größeren „Quality of Life“- Verbesserungen und neuen Inhalten.

Mit der „Nintendo Switch 2 Edition“ von Xenoblade Chronicles 2 kündigen Nintendo und Monolithsoft einiges an Verbesserungen an, darunter einen 4K‑Modus mit 60 FPS am TV. Besonders stark sollen die Verbesserungen im Handheldmodus sein: 1080p bei 60 FPS sind mobil angesagt. Der Handheldmodus des 2017 auf der Nintendo Switch erschienenen Spiels war ein Kritikpunkt, da er notorisch schlecht lief.

Dichtere Atmosphäre

Xenoblade Chronicles 2 zeigt ziemlich direkt zu Anfang, wo sie Stärken der Nintendo Switch 2 Edition liegen: Die Feuer- und Raucheffekte des ersten großen Kampfes sind trotz ihres sichtbaren Alters hübsch in Szene gesetzt, auch die überarbeitete Beleuchtung hat durch die Blitzeffekte durchaus starke Momente im ersten epischen Kampf um die „Aegis“ Pyra. Die indirekten Kämpfe des kettenbasierten Kampfsystems wirken durch die 60 FPS auch etwas flüssiger und dynamischer – allerdings brechen sie in hektischen, effektreichen Situationen und aufwendigen Zwischensequenzen gerne mal ein.

Nach etwa zwei Stunden Spielzeit geht es weiter zur Stadt Gormott durch den dicht bewachsenen Dschungel mit atmosphärischen Schatten- und Nebeleffekten, üppiger Vegetation sowie äußerst simplen Lichtspiegelungen im Wasser. Es war der erste Bereich im Spiel, welcher die Switch sichtbar überforderte und die Framerate wiederholt unter 20 FPS zwang. Die Switch 2 Edition schlägt sich hier deutlich besser und liefert durch die höhere Auflösung und kleine Grafikverbesserungen mehr Details, welche die Atmosphäre noch einmal dichter wirken lassen.

Jedoch muss sie die Auflösung in manchen Gebieten des Spiels reduzieren, so auch in diesem. Die Bildskalierung macht ihre Arbeit zwar gut, dennoch gibt es in diesen Situationen sichtbare, ungewöhnliche Bildartefakte, die sich auch die Technik-Experten von Digitalfoundry nur schwer erklären können. Dazu ist in seltenen Fällen das Anti-Aliasing erneut etwas zu aggressiv und feine Details verschwimmen. Im Handheldmodus ist das kaum wahrzunehmen – auf dem 4K TV allerdings schon.

Wirkt fast schon „Retro“ – auch im Positiven

Ein positiver Aspekt sind die Ladezeiten. Xenoblade Chronicles 2 – Nintendo Switch 2 Edition lädt in Sekundenschnelle, wenn man es auf dem internen Speicher installiert. Fast schon beeindruckend für so eine riesige Spielwelt – und toll, dass man auch hieran gedacht hat bei der Optimierung.

Die Xenoblade-Reihe geht zwar gerne ihre eigenen Wege, bleibt aber in vielen Elementen sehr traditionell und legt in der Regel wenig Fokus auf Nebensächliches. Auch Xenoblade Chronicles 2 ist da keine Ausnahme. Dadurch kommt fast schon ein Retro-JRPG-Feeling auf – im positiven wie im negativen Sinne. So charmant es ist, dass die Gegner in Wänden hängen bleiben oder Begleiter enthusiastisch im vollen Lauf die Klippe hinunterspringen, so frustrierend ist es an anderer Stelle.

Spielmechanik-Frust wird leicht abgefedert

Die Schwächen des Spiels, die bereits vor neun Jahren schon angekreidet wurden, sind besonders für Neulinge unangenehm. Beispiel: Xenoblade Chronicles 2 ist in vielen Situationen schmerzhaft textlastig – Nebenmissionen, Tutorials, Erklärungen und selbst Questbelohnungen werden zum Teil unglaublich trocken in Textform präsentiert.

Dazu kommen die Animationen – sie wirken teilweise extrem steif. Das Gacha-System beim Ziehen der Klingen ist im Gegensatz zu modernen Gacha-Spielen pures Glücksspiel ohne jedes Auffangnetz für bereits investierte Ressourcen.

Hier hat man mit der zusätzlichen Klinge Momo, welche man bereits früh im Spiel findet, etwas Abhilfe geschaffen. Mit ihrem Licht-Dunkelheit-Typ lassen sich nun weitere Ketten abseits der bekannten Pyra / Dromarch Feuer-Wasser-Kette ab Kapitel 2 realisieren – auch ohne übermäßiges Glück beim Resonieren der Klingen. Dazu bekommt man in den neuen Söldnerkommando-Missionen weitere Kernkristalle – also weitere Pulls für Klingen.

Die Zufallselemente in der offenen Welt sind ebenfalls etwas altmodisch, aber auch hier hat man angesetzt: Wer zum Beispiel pflanzliche Zutaten sucht, pflückt sich nicht die ganze Pflanze am entsprechenden Ort, sondern tritt an einen leuchtenden Punkt und levelt die „Pflanzenkunde“ seiner Begleiter, um am Ende hoffentlich zufällig die richtigen Zutaten zu erhalten. In der Switch 2 Edition können jetzt auch Begleiter außerhalb des Teams ihre Fähigkeiten anwenden. Im Original wurden nur die Fähigkeiten der Teammitglieder berücksichtigt und es gab keine Möglichkeit, weitere Teams zu erstellen und dynamisch nach Bedarf zu wechseln, wie es heutzutage üblich ist. So war man häufiger damit beschäftigt, das Team umzustellen.

Neu sind die Söldnerkommando-Missionen, in welchen ihr die Kontrolle über die Klingen und ihre Fähigkeiten direkt übernehmen könnt. Im Grunde sind sie damit direkt steuerbare Söldnertruppe-Missionen, welche im Hintergrund automatisch ablaufen. In diesem Modus gilt es, Gegnerwellen zu besiegen und Ressourcen zu sammeln. Zur Belohnung gibt es Gold, Erfahrung, Kernkristalle und Bonus-Kostüme für Pyra und Myrtha.

Ein zeitloses Abenteuer

Glücklicherweise sind die Stärken von Xenoblade Chronicles 2 absolut zeitlos und wissen auch ein knappes Jahrzehnt später noch zu begeistern. Die mitreißende Story mit vielen interessanten Wendungen hat uns auch diesmal wieder gefesselt und die Zeit (und Hitze!) vergessen lassen. Auch die Nebenmissionen rund um Freundschaft, Nachbarschaftshilfe, Gutherzigkeit, Positivität und “Harmoniegespräche” wissen trotz der hölzernen Präsentation nach wie vor zu gefallen.

Der Soundtrack von Xenoblade Chronicles 2 gehörte seinerzeit mit zum Besten, was die Spielebranche zu bieten hatte, und ist auch heute noch top. Die Spielwelt ist ebenfalls großartig. Auch wenn das „Absperren“ von Gebieten durch überlevelte Gegner heute nicht mehr als gelungenes Gamedesign gilt, weiß die lebendige Spielwelt nach wie vor sehr zu gefallen.

Nahezu überall wuseln die Monster im Hintergrund, in den Städten des Spiels ist trotz des postapokalyptischen Settings immer etwas los und den farbstarken, fast schon malerischen Stil der riesigen, offenen Spielwelt bekommen bis heute nur wenige Spiele so auf den Punkt hin wie Xenoblade Chronicles 2. Dazu kommen nach wie vor stark geschriebene Charaktere mit auffälligen Charakterdesigns, welche seinerzeit wegen der übermäßigen Freizügigkeit kontrovers diskutiert wurden. Heutzutage passen sie wunderbar zu den anderen vielfältigen, auffälligen Asia-RPG-Charakteren.

Sinnvoll verbessert und überwiegend gut gealtert

Bildmaterial: Xenoblade Chronicles 2: Definitive Edition – Nintendo Switch 2 Edition, Nintendo, Monolith Soft

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Titel	Ace Combat 8: Wings of Theve
	2. Oktober 2026
	Bandai Namco
	2. Oktober 2026
	Bandai Namco
	2. Oktober 2026
	Bandai Namco
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	1.05
Entwickler	Bandai Namco Aces
Genres	Flug-Action
Texte
Vertonung

Mit der Ace-Combat-Reihe schaffte es der japanische Entwickler und Publisher Namco Mitte der 90er-Jahre, eine wahrhaft traditionsreiche Reihe im Gaming zu etablieren. Die Kampfflug-Simulation im Arcade-Stil schaffte es quasi aus dem Stand, das Flug-Genre zu revolutionieren.

Der erste Teil der Reihe trug damals allerdings noch den Titel „Air Combat“. Da der erste Teil auf dem gleichnamigen Arcade-Automaten aus dem Jahre 1993 basierte, entschied man sich bei Namco dafür den Titel beizubehalten. Erst ab dem zweiten Teil der Reihe erhielt die Reihe den Namen „Ace Combat“.

Dank des großen Erfolgs der Ace-Combat-Reihe sorgte man bei Namco natürlich für reichlich Nachschub in Form von etlichen Nachfolgern und Spin-offs für die unterschiedlichsten Plattformen. Sogar Handhelds wie Game Boy Advance oder Nintendo 3DS wurden hier bedient.

Der letzte Teil der Reihe war „Ace Combat 7: Skies Unknown“ aus dem Jahre 2019. Still war es allerdings nicht sonderlich lange um die Reihe. Denn schon im Jahre 2021 wurde bekanntgegeben, dass man sich bei Bandai Namco um einen Nachfolger zu Ace Combat 7: Skies Unknown kümmern möchte.

Offiziell angekündigt wurde der neueste Ableger der Reihe Ace Combat 8: Wings of Theve im Dezember des Jahres 2025 während der Game Awards. Ace Combat 8: Wings of Theve erscheint am 2. Oktober für PS5, Xbox Series und PC und in unserem ausführlichen Test erfahrt ihr nun, ob ihr euch auf das kommende Action-Flug-Spektakel aus dem Hause Bandai Namco freuen dürft.

Kriegerische Auseinandersetzungen und ein ruhmreicher Pilot

Ace Combat 8: Wings of Theve spielt im fiktiven Universum „Strangereal“. In dieser fiktiven Welt gibt es andere Nationen und auch eine andere Geografie als in der uns bekannten Welt. Die Handlung von Wings of Theve dreht sich um einen tragischen Konflikt, der im Jahre 2029 stattfindet. Ungefähr zehn Jahre nach dem sogenannten „Lighthouse War“, welcher im Vorgänger Ace Combat 7: Skies Unknown Thema war.

Der neu entfachte Konflikt wird nun auf dem Kontinent „Usea“ zwischen der Republik Sotoa und der Föderation von Zentral-Usea (FZU) ausgetragen. Sotoa startet diesen Konflikt als Blitzkrieg und erobert innerhalb kürzester Zeit das Land und legt demzufolge auch die militärischen Strukturen lahm. Auch die Marine gehört mit zu den geschwächten Einheiten. Diese verlagert den Kriegsschauplatz jedoch auf das offene Meer und setzt den Kampf auf den Ozeanen dieser Welt fort.

Hier kommen wir nun ins Spiel, denn als Waffensystemoffizier Jan „Rex“ Cope übernehmen wir als ruhmreicher Marine-Pilot das Steuer der unterschiedlichsten Kampfjets und sollen diesen Konflikt zu einem guten Ende bringen. Als Rex jedoch im Einsatz fällt, übernehmen wir als namenloser Charakter das Rufzeichen von Rex und sollen nun in dessen Fußstapfen treten.

Anschließend erhalten wir das Kommando über das Joker-Geschwader der FZU. Unsere Aufgabe ist es nun, das Geschwader heil durch diesen erbarmungslosen Krieg zu bekommen und diesen Konflikt zu einem guten Ende für die Föderation von Zentral-Usea zu bringen.

Pfeilschnelle Dogfights treffen auf umfassende Anpassungsmöglichkeiten

Das Hauptaugenmerk von Ace Combat 8: Wings of Theve stellen auf jeden Fall die ausufernden Luftkämpfe dar. Mit schier unglaublicher Geschwindigkeit jagen wir mit unserem Kampfjet durch die Lüfte, stets auf der Suche nach dem nächsten möglichen Ziel und dem hoffentlich damit einhergehenden erfolgreichen Abschuss.

Neben den unterschiedlichsten Flugmanövern haben wir natürlich auch ein weitreichendes Waffenarsenal im Gepäck beziehungsweise im Jet. Abseits der relativ gewöhnlichen Gatling-Gun können wir auch auf alle mögliche Arten von Boden- und Luftraketen zurückgreifen. Die Bewaffnung unterscheidet sich jedoch nicht nur in puncto Durchschlagskraft. Auch die Zielsuch-Möglichkeit ändert sich je nach gewählter Bewaffnung. Ebenso sollte man bei Missionen, in denen Bodenziele bombardiert werden sollen, auch entsprechend die Bewaffnung anpassen und umstellen, um für die jeweilige Mission optimal gerüstet zu sein.

Wir haben außerdem die Möglichkeit, unsere Flügelmänner entsprechend anzupassen. So obliegt es uns, auszuwählen, welches Fluggerät und welche Bewaffnung die einzelnen Flügelmänner in den jeweiligen Missionen nutzen sollen. Taktische Finesse spielt hier also durchaus eine Rolle und kann hin und wieder sogar der Schlüssel zu einem erfolgreichen Abschluss der Mission sein.

Anspruchsvolle Steuerung muss erst erlernt und gemeistert werden

Zu Beginn des Abenteuers gibt uns das Spiel die Möglichkeit, wahlweise die vereinfachte oder die anspruchsvolle Steuerungsmethode auszuwählen. Entscheiden wir uns für die einfachere Variante, spielt sich das Spiel sehr arcadelastig und fast schon etwas primitiv. Auch schnellere Manöver erfordern so kein großes Umdenken und man hat sein Kampfgefährt recht schnell und einfach da, wo man es haben möchte.

Bei der anspruchsvolleren Variante sieht das Ganze jedoch etwas anders aus. Denn hier will das Fluggefährt wirklich erst erlernt werden und gerade schnelle und hektische Manöver erfordern hier schon einen kühlen Kopf, um in den hektischen Momenten die richtigen Entscheidungen zu treffen. Speziell das Ausweichen im letzten Moment, wenn man gerade von einer gegnerischen Zielsuche erfasst wird, treibt einem regelmäßig den Schweiß auf die Stirn. Dennoch kann man getrost sagen, dass sich das Spielgefühl von Ace Combat 8: Wings of Theve enorm spaßig und belohnend anfühlt, besonders wenn man die Steuerung erst einmal verinnerlicht hat.

Etwas weniger Zwischensequenzen hätten dem Titel gutgetan

Ein großer Faktor, der mich am Spiel gestört hat, war die Tatsache, dass es einfach zu viele und vor allem zu lange Zwischensequenzen zwischen den Missionen gibt. Hier versuchen die Entwickler, eine Geschichte rund um die Charaktere des Geschwaders aufzubauen, die es, zumindest meiner Meinung nach, überhaupt nicht gebraucht hätte. Wenn ich eine ausufernde Story haben will, spiele ich schließlich kein Flugspiel.

Ständig hangelt man sich also von einer Sequenz zur nächsten und kann es eigentlich schon gar nicht mehr erwarten, endlich wieder im Cockpit des Jets zu sitzen und Gegner durch die Wolken zu jagen. Hier wurde also für meinen Geschmack etwas zu viel Aufwand in eine eigentlich nicht so wirklich benötigte Story gesteckt, die nach einiger Zeit eigentlich sogar eher lästig und aufgedrängt wirkt. Etwas vergebene Mühe, könnte man schon fast sagen.

Technischer Leckerbissen, der sauber und ordentlich umgesetzt wurde

Speziell die Optik von Ace Combat 8: Wings of Theve konnte mich auf ganzer Linie überzeugen. Wunderschön anzusehen und wirklich beeindruckend wirken die Himmelslandschaften, speziell bei malerischem Sonnenuntergang. Dank der leistungsstarken Unreal Engine 5 bekommen wir beeindruckende Lichteffekte auf die Augen geschmettert, welche die actiongeladenen Luftkämpfe geradezu erstrahlen lassen.

Aber auch in düsteren, verregneten Missionen kann die Optik glänzen und schaffte es regelmäßig, mich ins Staunen zu versetzen. Auch die wunderbar voluminös wirkenden Wolkenlandschaften sehen sehr realistisch aus und wirken teils schon fast fotorealistisch.

Die unzähligen Kampfjets mit ihren etlichen Details kommen ebenfalls gut zur Geltung und stehen ihren realen Gegenstücken in nichts nach. Gerade Genre-Fans dürfte hier regelmäßig das Herz aufgehen, denn die Entwickler haben sich wirklich größte Mühe bei der möglichst realitätsgetreuen Umsetzung der Kampfmaschinen gegeben.

Ace Combat 8: Wings of Theve lief während unserer Testphase zudem stets mit absolut flüssigen 60 Frames und geriet dabei auch zu keiner Zeit ins Stocken. Nicht mal während der hektischsten Missionen, in denen der Himmel geradezu explodiert, gerieten die Frames ins Stocken. Wirklich sauber umgesetzt und auf jeden Fall ein großes Lob wert.

Ordentlicher Soundtrack und umwerfende Effekte bestimmen das tonale Bild

Auch auf soundtechnischer Seite gibt es nichts zu bemängeln. Der recht eingängige und eher simpel gehaltene Soundtrack passt stets zum Spielgeschehen und auch die Synchronisation kann sich durchaus hören lassen. So richtig glänzen können aber vor allem die durchschlagenden und überzeugenden Soundeffekte. Jeder Jet klingt etwas anders und vor allem die kraftvollen Waffensysteme bringen die Gehörgänge erst so richtig in Schwung. Toll abgemischt und passend für einen Titel dieser Art.

Groß angelegter Online-Modus mit vielen Möglichkeiten

Eine große Besonderheit von Ace Combat 8: Wings of Theve ist der enthaltene Online-Mehrspielermodus. Dieser läuft strikt getrennt von der Hauptkampagne ab und verfügt über eigenen Fortschritt und eigene Speicherdaten.

Hier beginnt man das Abenteuer als Söldnerpilot auf einem Stützpunkt und erstellt sich zuerst einen Avatar, bevor es dann ins hektische Gefecht geht. Hier haben wir außerdem die Möglichkeit, weitere Flugmaschinen zu sammeln und nach und nach im Rang aufzusteigen. Der Stützpunkt dient außerdem als Hub für bis zu 100 Spieler.

Bei den Modi konzentrieren sich die Entwickler auf die beiden Modi „Koop-Angriff“ und „Koop-Kriegsführung“. Wo es sich beim Koop-Angriffs-Modus um einen eher klassischen 4-gegen-4-PVE-Modus handelt, geht es beim Koop-Kriegsführungs-Modus um das Bedrohungsstufen-System.

Hier haben wir die Möglichkeit, höhere Belohnungen bei höherer Bedrohungsstufe zu erhalten. In diesem Modus spielt auch die Art der jeweiligen Flugzeuge in einem Match eine große Rolle. Denn hier ist es extrem wichtig, wer die Rollen des Jägers, Angriffsflugzeugs, Mehrzweckjets oder der Flugmaschinen für die elektronische Kampfführung übernimmt und beherrscht. Denn nur wer perfekt zusammenarbeitet, kann am Ende siegreich aus den durchaus fordernden Herausforderungen gehen.

Weitere zeitlich begrenzte Missionen sorgen für noch mehr Langzeitspaß

Als wäre dieser ausufernde Online-Modus noch nicht spannend genug, haben sich die Entwickler außerdem dazu entschieden, im weiteren Spielverlauf sogenannte „Notfallmissionen“ einzubauen. Diese sind allerdings nur für begrenzte Zeit verfügbar. Notfall-Flugmissionen lassen eine Vierergruppe gegen eine Staffel bedrohlicher NPC-Luftstreitkräfte antreten, während Notfalleinsätze acht Piloten gegen die mächtigsten großen Gegner aus der Geschichte der Ace-Combat-Reihe antreten lassen. Für Langzeitmotivation ist also bestens gesorgt.

Die traditionsreiche Ace-Combat-Reihe ist zurück in der Luft

Bildmaterial: Ace Combat 8: Wings of Theve, Bandai Namco

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Da ich sehr gerne koche und einige Kochbücher besitze, war ich als ehemaliger Spieler des MMORPGs gespannt, was sich mir hier bieten würde. Eines ist auf jeden Fall gewiss: Das ist eines der abwechslungsreichsten Kochbücher, die ich habe.

Von japanischen, Ramen-ähnlichen Suppen über arabisches Baba Ghanoush und einer Variante von chinesischem Bao zi, bis hin zu sogar bayrischen Brezeln und österreichischem Einspänner, ist eine kunterbunte Auswahl an Gerichten aus aller realer und Fantasie-Welt dabei. Warum der Schlagobers (die Schlagsahne) aber mit Vanille kredenzt wird, ist mir als Wiener ein Rätsel. Das ist dann der „Fantasy“-Teil des Kochbuchs!

Die Gerichte sind dabei mehr oder minder klassisch aufgeteilt in Frühstück, Vorspeisen, Brote, Suppen & Eintöpfe, Hauptgerichte, Beilagen, Nachspeisen und schließlich Getränke. Die mehr als 70 Gerichte sind dabei relativ gleichmäßig auf alle Kategorien verteilt, auch wenn Freunde des Frühstücks und der Beilagen ein wenig den Kürzeren ziehen.

Da Geschmäcker wie bekannt verschieden sind, vor allem beim Essen und bei Getränken, verzichte ich auf jede Art von Bewertung, ob die Speisen gut schmecken oder nicht. Es sind Nahrungsmittel, man kann alles essen, und ob jemandem etwas schmeckt oder nicht, hängt von der Person ab. Was viel wichtiger für ein Kochbuch ist, ist aber die Verständlichkeit der Rezepte, ihr Schwierigkeitsgrad und die Anzahl und Art der Zutaten.

Aufgetischt ist

Eines muss man dem Kochbuch lassen: Die Rezepte sind sehr genau beschrieben. Ein Beispiel gleich aus dem ersten Rezept: Hier muss man zwei Brotscheiben von beiden Seiten goldbraun in Butter anbraten. Der ganze Prozess nimmt mehr als die Hälfte der elf Schritte eines Rezepts für einen Frühstückstoast ein. Es wird wirklich ausführlich beschrieben, inklusive des Anhebens der Brotscheiben mit einem Küchenspatel.

Wer schon einiges an Kocherfahrung gesammelt hat, wird darüber etwas schmunzeln müssen. Anfänger freuen sich eventuell über diese detaillierten Beschreibungen. Jedoch würde ich das Kochbuch keinem Anfänger empfehlen, da viele der Rezepte doch etwas involvierter sind und schon, meiner Meinung nach, etwas Kocherfahrung voraussetzen.

Zum Beispiel beschreibt ein Rezept für Kartoffelpuffer die Herstellung des dazugehörigen Apfelmus, anstatt dass es einfach als Beilage gekauft wird. Das erhöht natürlich den Aufwand und kann eventuell für totale Anfänger demotivierend wirken, im Sinne von „Wow, Kochen ist so viel Aufwand“.

Aus der Raritätenecke

Die Rezepte sind dabei, und das muss man dem Buch auch lassen, kreativ und teilweise fragt man sich, woher man die Zutaten bekommen soll. So verlangt ein Rezept Tintenfischtinte für ein Brot, das danach schwarz gefärbt ist. Ich habe meine lokalen Supermärkte durchforstet, aber finde das einfach nicht.

Leichter zu finden, aber ungewöhnlicher, ist zum Beispiel Amaretto. „Amaretto?“, fragt ihr euch vielleicht, „Das ist doch nicht ungewöhnlich!“ Stimmt, aber in einem Frühstücks-Müsli? Ich weiß nicht, wie es euch geht, aber meinen Alkohol konsumiere ich etwas später als 8:00 Uhr.

So rar wie manche Zutaten ist jedoch auch die Gestaltung des Kochbuchs. Die Gerichte sind nicht nur in schönen Fotos in Szene gesetzt, Bilder aus dem Spiel, Zeichnungen, sowie kurze Dialoge zwischen drei Charakteren, die auf kulinarischer Entdeckungsreise durch Aetheris sind, geben dem Kochbuch noch einmal einen besonderen Touch.

Spotz!

Als Fazit bleibt mir zu sagen, dass das Buch durchaus interessante Rezeptideen bietet, die auf Gerichten aus Final Fantasy XIV basieren, und es nicht unbedingt für Anfänger geeignet ist, es sei denn, diese wollen gar nicht kochen, sondern das Kochbuch nur als Sammlerobjekt besitzen. Die Rezepte sind kreativ und verlangen teilweise rare und viele Zutaten. Wenn ich eines an dem Kochbuch noch verbessern wollen würde, wäre es ein Band als Lesezeichen, wie das viele Kochbücher anbieten. Ihr findet das hier besprochene Kochbuch bei Amazon*.

Bildmaterial: Square Enix, Panini

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Titel	Silent Hill: Townfall
	24. September 2026
	Konami, Annapurna Interactive
	24. September 2026
	Konami, Annapurna Interactive
	24. September 2026
	Konami, Annapurna Interactive
System	PlayStation 5, PC
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	2.02
Entwickler	Screen Burn Interactive
Genres	Survival-Horror
Texte
Vertonung

Neben der allseits bekannten und extrem erfolgreichen Resident-Evil-Reihe gehört auch die Silent-Hill-Reihe aus dem Hause Konami zum festen Bestandteil des Survival-Horror-Genres im Gaming-Segment.

Ihren Ursprung hatte die mittlerweile recht umfangreiche Reihe bereits im Jahre 1999 auf der ersten PlayStation. Schon damals war klar, dass Silent Hill nicht einfach nur ein weiterer Horror-Titel auf Sonys Debüt-Konsole ist. Denn neben der extrem unheimlichen und beklemmenden Atmosphäre war es allen voran auch der fantastische Soundtrack des allseits bekannten japanischen Komponisten Akira Yamaoka, der dem Titel eine noch unheimlichere Atmosphäre verlieh. Eine Blaupause in Sachen Horror-Gaming, könnte man sagen, und absolut wegweisend für viele kommende Titel in diesem Genre.

Nach dem recht großen Erfolg des ersten Ablegers der Reihe, folgten daraufhin natürlich unzählige Fortsetzungen und Spin-offs für die unterschiedlichsten Plattformen. Mit dem zuletzt erschienenen Ableger „Silent Hill f“ schlug Konami erstmals neue Wege in Hinblick auf das Setting ein. Denn zum ersten Mal durften wir hier ein Silent-Hill-Abenteuer mit düsterem Japan-Setting genießen. Dass dies nicht jedem Silent-Hill-Fan unbedingt auf Anhieb gefiel, braucht man an dieser Stelle wohl nicht weiter zu erwähnen.

Mit dem kommenden Silent Hill: Townfall möchten uns die Entwickler von Screen Burn Interactive erneut in die düstere Welt von Silent Hill entführen. Den vielversprechenden Titel konnten wir bereits während der diesjährigen Gamescom ausgiebig Probe spielen und nun verraten wir euch in unserem ausführlichen Review, ob sich die Vorfreude auf das neueste Silent-Hill-Abenteuer gelohnt hat. Silent Hill: Townfall wird am 24. September für PlayStation 5 und PCs erscheinen.

Gedächtnisverlust und ein anscheinend verlassener Küstenort – ist alles so, wie es scheint?

Die Geschichte von Silent Hill: Townfall spielt im Jahre 1996. Wir übernehmen die Rolle des Simon Ordell. Dieser leidet an einer Art Gedächtnisverlust und findet sich eines Tages an der Küste des beschaulichen Hafenorts „St. Amelia“ in Schottland wieder.

Nach und nach müssen wir uns unseren Weg durch die extrem dicken Nebelschwaden bahnen und uns auf die Suche nach unserer Vergangenheit machen. Ist der Küstenort St. Amelia wirklich das, was er im ersten Moment zu sein scheint, oder verbirgt sich hinter diesem dunklen Ort vielleicht doch mehr?

Ein düsteres und extrem bedrückendes Abenteuer voller Gefahren und Überraschungen erwartet unseren noch unwissenden Helden und wir stecken mittendrin in diesem wahr gewordenen Albtraum. Typisch Silent Hill eben und ein Abenteuer, welches uns quasi im Sekundentakt die Haare zu Berge stehen lässt.

Spannendes Horror-Gameplay vom Feinsten

Gespielt wird Silent Hill: Townfall ausschließlich in der Ego-Perspektive. Eingefleischten Silent-Hill-Fans mag das im ersten Moment vielleicht etwas seltsam vorkommen, da die Reihe ja eigentlich schon immer in der Third-Person-Perspektive gespielt wurde. Eins kann man jedoch getrost sagen: Die Ego-Perspektive trägt hier ungemein zur Spannung und zum Mittendrin-Gefühl bei und sorgt so, zumindest für meinen Geschmack, für noch unheimlichere Momente.

Anders als bei den meisten anderen Ablegern der Reihe geht es bei Silent Hill: Townfall primär um das Vermeiden von Konfrontationen mit den Gegnern. Wir versuchen also stets, den Widersachern aus dem Weg zu gehen, statt rohe Waffengewalt anzuwenden. Der Einsatz einer Waffe ist also das allerletzte Mittel der Verteidigung, welches nur im absoluten Notfall genutzt werden sollte.

Um den zahlreichen Gegnern aus dem Weg zu gehen, haben wir beispielsweise die Möglichkeit, diese mit diversen Gegenständen, wie beispielsweise alten Flaschen oder Ziegelsteinen, abzulenken. Auch haben wir die Möglichkeit, uns in Gänge oder Flure hineinzulehnen, um so einen noch besseren Blick auf das, was vor uns liegt, zu erhaschen. Taktisches und überlegtes Vorgehen ist also das A und O, um heil aus der jeweiligen Situation zu kommen und die Konfrontation mit den düsteren Kreaturen zu vermeiden.

Rätsel gehören zur Silent-Hill-Reihe wie die Faust aufs Auge

Fast schon eine Tradition sind die Rätsel, die von Tag eins an ein großer Teil der Silent-Hill-Reihe waren und immer noch sind. Diese fallen bei Silent Hill: Townfall dieses Mal sogar etwas spezieller aus, da sich die Entwickler von Screen Burn Interactive einen besonderen Kniff haben einfallen lassen.

Unser Held Simon Ordell findet zu Beginn des Abenteuers eine Art Mini-Fernseher, den er bei sich trägt. Mit diesem TV-Gerät können wir nun also verschiedene Frequenzen empfangen. Zum einen können wir so nun drohende Gefahren ausmachen, frühzeitig erkennen und somit sogar geschickt umgehen. Zum anderen dient dieses tragbare TV-Gerät auch dazu, diverse Hilfestellungen und zusätzliche Informationen zu erhalten, die uns das Lösen der Rätsel erst ermöglichen.

Diese Hilfestellungen werden anhand kurzer, wirr zusammengeschnittener Schnipsel präsentiert. Anhand dieser kryptischen Schnipsel müssen wir nun die benötigten Informationen herausziehen, um das jeweilige Rätsel lösen zu können. Für das ein oder andere Rätsel ist also durchaus etwas Hirnschmalz gefordert, um die dargebotenen Informationen irgendwie sinnvoll zu einem großen Ganzen zusammensetzen zu können. Alles in allem sind die Rätsel aber jederzeit lösbar und mit etwas Denkarbeit absolut stemmbar. Immer wenn man an einer Schlüsselstelle im Spiel angekommen ist, rauscht das Gerät kurz und gibt somit zu erkennen, dass es aktuell eine interessante Frequenz gibt, die man sich ansehen sollte.

Die größte Neuerung und damit auch das, zumindest für mich, interessanteste Feature von Silent Hill: Townfall ist also definitiv dieses tragbare TV-Gerät. Denn mit diesem Feature verändern die Entwickler nicht nur den Spielablauf selbst, sondern auch die Art und Weise, wie man im Spielareal voranschreitet, um herannahende Gegner beispielsweise früh zu erkennen. Dieses Feature hat mich also durchaus positiv überrascht und ist die, meiner Meinung nach, wichtigste Neuerung, die Silent Hill: Townfall in die Reihe einbringt.

Optisches Gruselfest und nichts für schwache Nerven

Auch optisch kann Silent Hill: Townfall auf ganzer Linie überzeugen. Dank der Unreal Engine 5 kann der Titel mit wunderbar unheimlichen Bildern glänzen und die scharfen und schön anzusehenden Texturen gepaart mit den fantastischen Nebeleffekten erzeugen eine wunderbar unheimliche Stimmung, die auch hartgesottenen Horror-Veteranen das Fürchten lehrt.

Das Design der Monster ist, typisch für die Silent-Hill-Reihe, wieder absolut fantastisch und äußerst gelungen. Nur selten sieht man so grotesk anmutende Kreaturen auf dem heimischen Bildschirm. Wirklich schön umgesetzt und toll präsentiert. Aber auch der allgemeine Look des Spiels lässt keine Wünsche offen und speziell Horror-Fans kommen hier voll auf ihre Kosten.

Während unserer gesamten Testphase lief der Titel außerdem stets mit butterweichen 60 FPS über den Bildschirm. Wir haben natürlich im Performance-Modus gespielt. Wahlweise gibt es auch einen Qualitäts-Modus mit höherer Auflösung und 30 Frames.

Auf Wunsch kann Silent Hill: Townfall sogar in einem Letterbox-Modus gespielt werden. Hier haben wir dann am oberen und unteren Bildschirmrand schwarze Balken und somit eine Art Kino-Ansicht. Diese Letterbox-Ansicht, von welcher ich für gewöhnlich kein Freund bin, passt bei Silent Hill: Townfall jedoch wie die Faust aufs Auge. Denn dank dieser recht einschränkenden Perspektive wirkt das Horror-Abenteuer noch beklemmender und vor allem cineastischer. Probiert diese Einstellung also unbedingt mal aus.

Beklemmender Soundtrack trifft auf stabile Synchronisation

Neben den wunderbar unheimlichen Soundeffekten sind es allen voran auch der extrem beklemmende Soundtrack und die immer wieder eingestreuten Klangteppiche, die dieses Abenteuer so unheimlich wirken lassen. Ganz typisch für die Silent-Hill-Reihe spielt also auch hier der Soundtrack wieder eine enorm wichtige Rolle und hilft dem ohnehin schon beklemmenden Abenteuer, noch unheimlicher zu wirken.

Auch die Synchronisation konnte mich vollstens überzeugen und die Sprecher leisten ganze Arbeit und verhelfen diesem fast schon kinoreifen Abenteuer, noch authentischer zu wirken. Ein Horror-Erlebnis der besonderen Art und ein Abenteuer, welches man nicht verpassen sollte, speziell als Horror-Fan.

Manchmal etwas verwirrende Zielführung macht es einem hin und wieder schwer

Der einzige wirkliche Kritikpunkt, den ich dem neuen Silent-Hill-Ableger ankreiden würde, ist die Tatsache, dass ich oft nicht so genau wusste, was das Spiel denn jetzt eigentlich gerade von mir will und wo ich als nächstes hingehen sollte.

Das Spiel bietet einem zwar die Möglichkeit, zu jeder Zeit eine Karte des aktuellen Areals aufzurufen. Darüber hinaus werden die für uns interessanten Bereiche sogar auf dieser Karte markiert. Dennoch hatte ich oft das Gefühl, dass ich mich irgendwie nicht immer gleich zurechtgefunden habe und oft nicht wusste, was ich als nächstes tun soll. Hier wäre eine klarere Aufgabenführung doch etwas angenehmer gewesen. Das kann aber natürlich auch nur persönliche Präferenz sein und andere Spieler stören sich vielleicht an dieser Mechanik nicht unbedingt.

Ein Horror-Abenteuer mit besonderem Kniff und einer tollen Atmosphäre

Bildmaterial: Silent Hill: Townfall, Konami, Annapurna Interactive, Screen Burn Interactive

Der Beitrag Im Test! Silent Hill: Townfall ist ein Psycho-Horror-Erlebnis der besonderen Art erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Dead or Alive 6 Last Round
	25. Juni 2026
	Koei Tecmo Games
	25. Juni 2026
	Koei Tecmo Games
	25. Juni 2026
	Koei Tecmo Games
System	PlayStation 5, Xbox Series X, PC
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	1.10
Entwickler	Team Ninja
Genres	Beat ’em up
Texte
Vertonung

Vor einiger Zeit erschien mit Dead or Alive 6 Last Round Koei Tecmos neueste Version des Ablegers. Die Beat-’em-up-Reihe, die mit schnellen Kämpfen, einem anspruchsvollen Kombosystem und den berüchtigten Jiggle Physics berühmt geworden ist, will euch mit Last Round eine Upgrade-Version liefern, wie sie es schon so oft in der Vergangenheit gemacht hat.

Ist es eine Complete Edition geworden, welche alte Schwächen ausbügeln konnte und alte Stärken weiter ausbaut, oder ist es nur ein halbherziges Skelett, das den sechsten Teil verschlimmbessert? Wir haben uns Last Round angesehen und liefern euch das Ergebnis.

Hat man schon mal gehört, irgendwas Neues?

Nachdem die Organisation DOATEC unter der Führung von Donovan zerschlagen, aber nicht vollends zerstört wurde, wurde es ruhiger. Helena Douglas baute die Firma von Grund auf neu und setzte die Ressourcen für friedliche Zwecke ein. Projekte wie Alpha, welches Klone von Kasumi erschaffen hatte, um hörige Supersoldaten auf die Welt zu lassen, wurden eingestellt.

Nachdem die Umstrukturierung beendet war, entschloss sich die Erbin des DOATEC-Imperiums, die Tradition des „Dead or Alive“-Turniers fortzusetzen. Zack, einstiger Teilnehmer, unterstützt sie dabei und fliegt um die Welt, um alte wie auch neue Kämpfer für das Turnier zu rekrutieren. Nun also stehen wir vor dem Beginn des sechsten Turniers. Ein Ereignis, das viele Kämpfer aus alten Tagen wieder zusammenführen soll. Jedoch wird das Ereignis von finsteren Plänen getrübt. Nicht alle Suborganisationen von Donovan wurden komplett zerstört und so entfaltet sich im Hintergrund eine neue Intrige, welche die freudigen Ereignisse stören könnte.

Nicht viel Neues in der letzten Runde?

An der Geschichte hat sich auch in Last Round nicht wirklich etwas geändert, wie sollte es auch? Allerdings sind DLC-Figuren wie Nyotengu direkt vom Start an in den Storymodus eingebunden und müssen nicht extra gekauft werden. So stehen euch direkt 29 Charaktere zur Verfügung. Für die beiden Kollaborationen mit SNK, Kula und Mai Shiranui, gilt dies leider nicht.

Wollt ihr beide Charaktere in der neuen Version spielen und hattet diese bereits in der alten Version, werdet ihr trotzdem erneut zur Kasse gebeten. Es ist auch zu hinterfragen, wie lange die beiden dieses Mal zur Verfügung stehen, wurden sie doch schon beim Grundspiel nach Ablauf der Lizenzen aus den Stores entfernt. Insofern ist es schade, dass sie nicht im Hauptspiel direkt zum Start zur Verfügung gestellt wurden.

Schlag, Abwehr, Konter!

Die Kämpfe in Dead or Alive sind nach wie vor schnell, manchmal zu schnell, um richtig zu reagieren. So könnt ihr schnell in einer Kombo gefangen sein, die euch die Hälfte der Lebensanzeige kostet. Dennoch ist Dead or Alive 6 relativ einsteigerfreundlich. Schon mit ein wenig Übung lassen sich längere Kombos spielen. Erst mit dem Kontersystem wird es aufgrund der Geschwindigkeit hektisch in den Kämpfen. Nach dem Motto „einfach zu lernen, hart zu meistern“ tastet ihr euch an die unterschiedlichen Charaktere und Kampfstile im Spiel heran.

In den verschiedenen Modi wie beispielsweise Arcade, Story oder den Prüfungen tastet ihr euch mittels der CPU-Gegner so langsam an das Spielgeschehen heran. Neue Kampfmodi sucht ihr übrigens in Last Round vergebens. Man hat mehr am Visuellen gearbeitet, als wirklich neuen Inhalt zu liefern. Einzige Ausnahme, wenn man so will, ist der neu integrierte Fotomodus.

Online laggt es wie eh und je

Habt ihr euch in den verschiedenen bewährten Offlinemodi genug aufgehalten, könnt ihr euch auch online gegen menschliche Gegner beweisen. Rangstufenkämpfe oder einfache Spaßkämpfe stehen euch hier zur Verfügung. Schon wie im Basisspiel hängt ein gutes Match von einer stabilen Verbindung ab und wie so oft ist das hier nicht gegeben gewesen.

Selbst wenn man nach der besten Verbindung sucht, sobald es bei einem der Spieler zu Schwankungen kommt, merkt ihr das deutlich. Eingabeverzögerungen und Lags trüben auch bei Last Round den Spielspaß ordentlich. Auch lassen sich nicht unbedingt Spieler finden, gegen die ihr Matches bestreiten könnt. Die Wartezeiten können, wenn ihr Pech habt, schon einige Minuten lang sein.

Bis der Schweiß rinnt

Visuell hat man bei Dead or Alive 6 Last Round dagegen nochmal eine Schippe draufgelegt. Die Umgebung, Lichteffekte, Wasserspiegelungen und der Schweiß, der den Kämpfern von den Körpern rinnt, sehen noch einmal um einiges detaillierter und schöner aus. Waren die Areale schon vorher schön designt gewesen, wird hier abermals nachgelegt. Das Ganze läuft auch nahezu flüssig im Performancemodus, in einer Stage gab es mal einen Aussetzer, das konnte ich aber nicht replizieren.

Auch einen neuen Grafikmodus spendiert euch das Spiel, den Oboromodus, welcher alles insgesamt nochmal visuell verbessert. Leider gibt’s den Modus derzeit nur mit großen Einschränkungen. Es gibt ihn nämlich derzeit nur für eine einzige Stage. Weitere Stages sollen über die Zeit hinweg noch geupdatet werden. Es ist aber ziemlich schade, dass es das zum Start nicht schon für alle Arenen gibt, sondern nur für eine einzige.

Die Charaktere sehen in der grafisch überarbeiteten Version mit ihren vielen verschiedenen Kostümen ziemlich schick aus. Männliche Charaktere haben allerdings auch in Last Round wieder deutlich weniger Anpassungsmöglichkeiten als ihre weiblichen Gegenparts. Macht ja nichts, gibt ja genügend DLCs zum Erweitern, außer für die Herren. Soundtechnisch gibt es eigentlich wenig zu meckern. Die Musik war schon im Grundspiel stark, ebenso die Soundeffekte in den Stages.

Musikalisch eine Konstante

Musikalisch warten überwiegend elektronische Beats und Gitarrenstücke. An allen Ecken und Stellen explodiert etwas, Elektroschocks werden verteilt oder ihr werdet von irgendetwas oder irgendjemandem wieder brüllend in den Ring geworfen. Einzig bei der Synchronisation kann man beanstanden, dass diese bei manchen Figuren zum Teil nicht lippensynchron ist. Gut, das ist sie bei der englischen Sprachausgabe selten, aber gerade bei Figuren wie Helena fühlt es sich ein wenig komisch an. Trotzdem, im Großen und Ganzen hat man bei Grafik und Sound die meiste Arbeit in Last Round gesteckt.

Eigentlich ist es schade, dass man so wenige, eigentlich gar keine, neue spielerische Inhalte präsentieren kann. Dazu gibt es für eine neu aufgearbeitete Version erstaunlich viele neue DLCs. Die alten gekauften Kostüme kann man zwar aus der Basisversion transferieren, wobei das nicht mit der Basisversion 1.0 funktioniert, sondern erst ab einem bereits veröffentlichten Patch.

Es wäre allerdings schöner gewesen, wenn in dieser Version auch die alten DLC-Kostüme zur Verfügung gestanden wären, es hätte schon eine Auswahl gereicht. Kaufen könnt ihr diese nämlich nicht über den Store der PS5, ihr müsst dies über den Store der PS4 machen. Kostüme kaufen könnt ihr nur die neuen, die bereits in Scharen im Store platziert werden, und das wieder für einige Goldstücke.

Unterm Strich

Bildmaterial: Dead or Alive 6 Last Round, Koei Tecmo, Team Ninja

Der Beitrag Im Test! Dead or Alive 6 Last Round – für Fans der Serie gibt es kaum einen Grund zum Upgrade erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Fire Emblem: Fortune’s Weave
	17. September 2026
	Nintendo
	17. September 2026
	Nintendo
	17. September 2026
	Nintendo
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Versionsnummer	1.0.0
Entwickler	Intelligent Systems
Genres	Strategie; JRPG
Texte
Vertonung

In unserer Vorschau zu Fire Emblem: Fortune’s Weave schrieb ich, dass der neueste Teil der Reihe umfangreicher zu sein scheint als gedacht. Zu diesem Zeitpunkt hatte ich noch keine genaue Vorstellung davon, was das wirklich bedeutet. Fortune’s Weave bietet eine umfangreiche Handlung, eine Vielzahl von Charakteren und deren Beziehungsverflechtungen sowie eine Haupthandlung, in der sich böse Mächte über das Land ausbreiten.

All das unter einen Hut zu bringen, ist eine große Herausforderung. Ob sich Intelligent Systems nicht etwas zu viel vorgenommen hat, diese Herausforderung gemeistert hat oder womöglich sogar am Ende am eigenen großen Umfang gescheitert ist, erfahrt ihr in den kommenden Zeilen.

Die Legende im weißen Gewand

Wir schreiben das Jahr 1454: Das Kaiserreich Dagda und die Überreste der Menschheit stehen durch den wiedererweckten Dämonengott Balor kurz vor dem Untergang. Um diese Katastrophe abzuwenden und die Finsternis aus dem Land zu vertreiben, steigt auf Anweisung der Göttin Sothis eine einzelne Seele vom Himmel herab. Dabei handelt es sich um die Protagonistin bzw. den Protagonisten. Diese Seele soll das Reich vor dem Untergang schützen. Doch selbst eine von der Erschafferin Sothis eingesetzte Seele hat allein keine Chance gegen den Dämonengott.

Angesichts dieser großen Aufgabe unterbreitet Fortuna, eine Göttin mit der Fähigkeit, die Zeit zu manipulieren, dieser Seele einen Vorschlag: Sie soll den Heldinnen und Helden, die einst an den Heroenspielen teilgenommen haben, dabei helfen, ihr Schicksal zu ändern und sie in die finale Schlacht führen. Das ist keine leichte Aufgabe, denn niemand weiß Genaueres über das Schicksal der Heldinnen und Helden.

So reist die Seele fünf Jahre in die Vergangenheit, ins Jahr 1449, in dem in der Hauptstadt Dagsion zu Ehren des Landesgründers Dagda die Heroenspiele stattfinden. Unter den Teilnehmenden befinden sich vier wackere Charaktere, die siegreich aus den Kämpfen hervorgehen wollen, um sich einen persönlichen Wunsch erfüllen zu lassen.

Der Strudel der Kausalität

Nun stehen wir als Hauptfigur vor der schweren Entscheidung, welchen Helden oder welche Heldin wir als Erstes aufsuchen. Fortuna nennt diese Personen „die Flammenfürsten von Dagda”. Sie hat sie im Strudel der Kausalität gefunden und dafür das Gewölbe der Obelisken geschaffen, um uns die freie Entscheidung zu geben, welche Flammenfürsten wir zuerst aufsuchen.

Somit geht es in die Vergangenheit und wir begegnen unter anderem Cai, einem jungen, tierlieben Jungen mit reinem Herzen. Als sein Vater in den Kerkern von Dagsion eingesperrt wird, meldet er sich mit seinen Freunden bei den Heroenspielen an, um für dessen Freiheit zu kämpfen.

Ebenfalls an den Spielen nimmt Dietrich teil, ein mächtiger Schwertkämpfer und Krieger. Durch einen Schiffbruch strandet er an den Ufern Dagdas. Da er zum Vergnügen kämpft und seinen Kampfdurst stillen will, beschließt er, mit gleichgesinnten Verbündeten an den Wettkämpfen teilzunehmen.

Theodora ist eigentlich die Königin von Saramis. Doch angesichts schrecklicher Ereignisse sieht sie keinen anderen Ausweg, als an den Spielen teilzunehmen. Dabei ist sie bereit, alles zu tun, um ihre Göttin zu ehren, den Glauben ihres Volkes zu verteidigen und den Frieden in ihrem Königreich zu bewahren.

Als junges Mädchen erleidet Leda ein tragisches Schicksal, als ihr Vater gemeuchelt wird. Seitdem ist sie auf einem Rachefeldzug und will jeden zur Strecke bringen, der daran beteiligt war. Als sie erfährt, dass der Mörder plant, an den Kämpfen teilzunehmen, begibt sie sich nach Dagsion.

Die Qual der Wahl

Zunächst muss ich festhalten, dass ich es im Testzeitraum leider nicht geschafft habe, alle vier Obelisken komplett durchzuspielen. Ich habe mich vorwiegend mit den Pfaden von Cai und Leda befasst. Das liegt unter anderem daran, dass allein die Obelisken der vier Flammenfürsten überaus umfangreich sind.

Für einen Obelisken habe ich ca. 20 bis 25 Stunden benötigt, um mich bis zu den Heroenspielen durchzuspielen, Charaktere kennenzulernen, Quests zu erfüllen, Gebiete zu erkunden, Schlachten zu kämpfen und sonstige Aktivitäten durchzuführen. Je nachdem, wie viel Zeit bei diesen Aktivitäten investiert wird oder ob bei einem weiteren Durchgang Dinge übersprungen werden, verändert sich die Stundenanzahl entsprechend.

Letzteres wird unter anderem von den generellen Erzählungen beeinflusst. Dazu zählen beispielsweise Erzählungen von historischen Ereignissen, Vorstellungen von Gebieten oder NPC-Charakteren, die eine tragende Rolle in der Geschichte spielen. Diese unterscheiden sich in den jeweiligen Pfaden verständlicherweise nicht und können, wenn man einen Pfad bereits durchlaufen hat, einfach übersprungen werden.

Nichtsdestotrotz dreht sich das Spiel nicht nur um die Heroenspiele, sondern darum, den wiedererweckten Dämonengott Balor aufzuhalten. Dementsprechend endet die Handlung nicht mit dem Ende der Spiele, sondern gliedert sich in mehrere Teile auf. Allein das sorgte dafür, dass ich, obwohl ich nur zwei Flammenfürsten-Pfade durchgespielt habe, am Ende bei über 100 Spielstunden herauskam. Fire Emblem: Fortune’s Weave hat wirklich einen beachtlichen Umfang.

Flammenfürsten versammelt euch

Gehen wir aber erst einmal der Reihe nach vor. Wenn man sich für einen der Obelisken entschieden hat, erlebt man, wie die Heldinnen und Helden nach Dagsion kamen und was ihre Motivation ist, an den Heroenspielen teilzunehmen. Die Handlungsstränge sind dabei auf die jeweiligen Hauptfiguren zugeschnitten, erzählen im Hintergrund jedoch eine übergreifende Geschichte, die sich im Kaiserreich Dagda abspielt.

Gerade zu Beginn wird man mit einer Fülle an Informationen konfrontiert, was durchaus überwältigend sein kann, da man sich parallel fragt, wie die Charaktere und Handlungsstränge zusammenhängen. Wenn man einen Pfad zum ersten Mal spielt, kommen einem viele Fragen in den Sinn: Welcher Charakter ist das noch gleich? In welcher Beziehung steht dieser zu mir? Was hat das mit der Geschichte des Landes zu tun bzw. warum ist dieser Held oder diese Heldin darin involviert? Wie muss ich die Aussage von Charakter XY nun einordnen?

Ab und zu habe ich mich wie das „Pepe Silvia“-Meme gefühlt und mir eine imaginäre Wand mit Bildern und roten Fäden vorgestellt, um die jeweiligen Beziehungen und zeitlichen Ereignisse zusammenzubringen. Ein wenig helfen dabei die Charakterprofile der Personen, doch ich habe einige Stunden mit dem Spiel verbracht, bis ich die wesentlichen Informationen verbunden hatte.

Zudem lassen sich diese Zusammenhänge nur zu einem gewissen Grad bzw. nur aus der Sichtweise der Flammenfürsten aufklären. Um einen besseren Überblick zu erhalten, sind die Informationen aus den jeweils anderen Pfaden notwendig. Da in diesen zum Glück auch die generellen Informationen über das Land und ähnliche Inhalte wiederholt werden, werden die Zusammenhänge immer klarer und ich habe sie besser verstanden. Das führte zu einem besseren Gesamtbild. Ansonsten gibt es außerdem die Möglichkeit, zwischen den Handlungen der Flammenfürsten hin und her zu wechseln. Das kann für mehr Abwechslung sorgen.

Erzählung mit Lücken und Tücken

Nun habe ich geschrieben, dass es sich gut anfühlt, die einzelnen Pfade zu spielen, obwohl sich die allgemeinen Informationen wiederholen. Sicherlich stellt sich nun als Leser bzw. Leserin die Frage, inwieweit sich das Spiel wiederholt, wie oft bestimmte Ereignisse mehrmals erledigt werden müssen oder ob das Spiel damit einfach Inhalte streckt.

Die Antwort darauf ist nicht ganz einfach. Da die Pfade von Cai, Dietrich, Saramis und Leda parallel stattfinden, wiederholen sich einige Ereignisse zwangsläufig. Bei Cai und Leda passiert dies beispielsweise bei den Heroenspielen, bei denen sie in der Qualifikationsphase als Team in der Arena gegen ein anderes Team antreten müssen. In beiden Pfaden spielte ich die Schlacht in der Arena. Einzig die Einheiten waren andere – je nachdem, wen ich bis dahin als Cai oder Leda rekrutiert hatte.

Allerdings lernte ich im Vorfeld und im Nachgang eine andere Perspektive kennen und konnte daher alternative Eindrücke, unterschiedliche Motivationen und andere Schlussfolgerungen kennenlernen. Dadurch wurde ein besseres Verständnis für bestimmte Charaktere generiert und ich konnte deren Handlungen einfacher nachvollziehen. Dennoch wiederholten sich Unterhaltungen oder Zwischensequenzen, die zwischen beiden Charakteren vorkamen. Das ließ sich nicht vermeiden. Im Zweifel klickt man sich in solchen Situationen beim zweiten Mal ein wenig schneller durch die Dialoge.

Anders sieht es aus, wenn Flammenfürsten in den Spielen gegeneinander antreten. Da nur einer gewinnen kann, ändert sich ab einem bestimmten Punkt der Handlungsstrang und der Fokus liegt auf dem jeweiligen Charakter. An dieser Stelle muss jeder für sich entscheiden, ob ihm oder ihr das gefällt.

Ich kann verstehen, dass jeder der vier Flammenfürsten vom Entwicklerstudio in den Mittelpunkt gestellt wurde und bei den Heroenspielen glänzen soll. Letztendlich wird jedoch die Geschichte von Dagda erzählt und Stück für Stück erschließt sich die Welt mehr. Insofern kann es seltsam wirken, wenn sich ein Teil der Geschichte rund um die Heroenspiele – die einen wesentlichen Teil ausmachen – etwas ändert. Nichtsdestotrotz wirken die vier Pfade ebenso individuell genug, um einen bei Laune zu halten.

Was ist eigentlich mit Balor?

Wer den Test bis hierhin gelesen hat, stellt sich vielleicht die Frage: Was ist eigentlich mit Balor? Ihr erinnert euch: der wiedererweckte Dämonengott, der anfangs erwähnt wurde und der die Welt in Finsternis hüllen möchte. Eine ähnliche Frage stellt sich ebenfalls, während ihr die Pfade der Flammenfürsten spielt.

Fortune’s Weave ist neben den Pfaden ebenfalls in mehrere Teile untergliedert. Hat man die Heroenspiele hinter sich gelassen, wartet der zweite Teil. Dieser gliedert sich ebenfalls auf die vier wackeren Heldinnen und Helden, erzählt jedoch eine größere Gesamthandlung, die auf die finsteren Machenschaften hinarbeitet.

Dieser Teil hat mich zwiegespaltener zurückgelassen. Einerseits wird dieser spielerisch anspruchsvoller und gewährt Schlachten, die mehr taktisches Geschick erfordern. Andererseits kann ich die Aufteilung nur schwer nachvollziehen. Für den späteren Verlauf der Handlung ergibt diese Aufteilung durchaus Sinn, bei den Charakteren verläuft sie aufgrund des größeren Handlungszusammenhangs jedoch nahezu identisch.

Deshalb ist der Wiederspielwert im Vergleich zu den Obelisken eher gering. Das hat sich für mich eher spielstreckend angefühlt, obwohl es nicht so lange dauert. Mit fortschreitender Handlung und darauffolgenden Ereignissen wird es im Kampf gegen die finsteren Mächte zum Glück wieder besser und das Spiel kehrt zu einer gewohnten, strukturierteren Form zurück. Gerade ab diesem Zeitpunkt zeigt das Spiel noch einmal, was in ihm steckt, und entfaltet dabei sein Repertoire an spielerischen Möglichkeiten für viele Stunden.

Zu viel des Guten?

Meine Haltung zur Geschichte von Fire Emblem: Fortune’s Weave bleibt bis zum Ende gemischt. Es ist eine gut geschriebene Handlung, die durch eine ausführliche Erzählung, viele kleine zusammenhängende Details und ein glaubhaftes, historisch durchdachtes Kaiserreich mit einer lebendigen Geschichte überzeugt. Ich konnte richtig in die Welt eintauchen.

Besonders im letzten Teil des Spiels, wenn die Schicksalsfäden der einzelnen Flammenfürsten zusammenlaufen und Lücken aufgeklärt werden, wirkt die Erzählung stimmig, wobei dies auch über die einzelnen Pfade geschrieben werden kann. An vielen Stellen hat mich das Spiel an eine Serie erinnert, bei der ich den Dialogen gerne gelauscht habe und bei der ich unbedingt wissen wollte, wie es in der nächsten Folge weitergeht.

Wie bei jeder guten Serie muss man jedoch die Motivation aufbringen, immer wieder die nächste Folge einzuschalten. Das kann schwierig werden, wenn das Gefühl aufkommt, dass Informationen fehlen. Nach dem Motto: Habe ich nicht richtig aufgepasst, etwas überlesen oder wird diese Information noch preisgegeben?

Beim Spielen habe ich mir öfter die Frage gestellt, ob die Erzählung nicht ein wenig komprimierter hätte erzählt werden können. Muss wirklich noch eine kleine Nebengeschichte in die Haupthandlung eingebaut werden, um die Motivationen einzelner Charaktere zu verdeutlichen, oder reicht dafür nicht eine Zwischensequenz mit einer emotionalen Szene aus? Gleiches gilt für optionale spezielle Nebenquests, die jedoch für den späteren Verlauf von Bedeutung sind. Es kann dann nur frustrierend sein, wenn diese verpasst wurden.

Wer sich in die Schicksale von Fortune’s Weave begibt, wird sicherlich keine schlechte Zeit erleben und gewiss keine langweilige Handlung. Man sollte jedoch genügend Zeit einplanen und die einzelnen Pfade genießen, um ein vollumfängliches Erlebnis zu erhalten, welches aus meiner Sicht bislang kein Fire Emblem vorweisen kann. Dazu gesellt sich nämlich erneut ein gutes taktisches Erlebnis.

Neu-klassisches Fire Emblem

Intelligent Systems hat am grundlegenden Gameplay nicht viel gerüttelt. Auf einem schachbrettartigen Feld bewegt ihr eure Einheiten und versucht siegreich aus der Schlacht zu gehen. Dazu gehören die üblichen Aktionen wie normale oder spezielle Angriffe, Heilung und teilweise Interaktionen mit besonderen Gegenständen auf dem Feld. Um die Übersicht auf dem Schlachtfeld nicht zu verlieren, gibt es neben vielen Anzeigen eine gute Kontrolle über die Kamera.

Generell sind die Anzeigen und Menüs strukturiert gestaltet, was einen guten Überblick über das Geschehen verschafft. Eine Ausnahme bildet hierbei die Kampfanzeige, wenn Gegner mit der eigenen Einheit anvisiert werden. In Fortune’s Weave hat sich das Entwicklerstudio dazu entschlossen, die Werte etwas umzustellen. Gerade in den ersten Spielstunden habe ich dadurch immer auf die falschen Werte geschaut.

Nun werden die eigenen Angriffsschadenswerte unterhalb des Gegners angezeigt, während die Trefferwahrscheinlichkeit weiterhin unterhalb der eigenen Einheit steht. Für die gegnerischen Werte gilt dasselbe. Wenn die Einheiten in unterschiedlicher Reihenfolge angreifen, fiel es mir anfangs schwer, zu erkennen, welche Werte zu mir und welche zum Gegner gehören, da diese in den bisherigen Teilen anders dargestellt wurden. Nach ein paar Stunden gewöhnt man sich aber daran.

Es wird brandgefährlich

Wie schon bei anderen neueren Teilen gibt es auch hier kein Waffendreieck mehr. Eure Waffen richten je nach Einheit sowie Werten unterschiedlichen Schaden an. Items wie Schilde verbessern ihre Werte oder paralysieren unter bestimmten Wahrscheinlichkeiten sogar Gegner. Dabei besitzen Waffen eine Haltbarkeit, die sich jedoch bei normalen Angriffen nicht verringert, sondern nur, wenn ihr die Kampffähigkeiten einsetzt. Letztere sind starke Angriffe, die unter anderem die Reichweite erhöhen und die Angriffskraft verbessern. Anders sieht es mit Magie aus. Allgemein kann diese nur begrenzt während eines Kampfes eingesetzt werden.

Neu ins Spielgeschehen hinzugekommen sind die sogenannten Brandtechniken. Diese Spezialtechniken sind besonders machtvolle Angriffsmethoden, welche die Flammenfürsten beherrschen. Sie sind zwar mächtig, allerdings kostet deren Einsatz Gesundheit. So kann Leda mit ihrer Vihuela (ein spanisches Zupfinstrument) beispielsweise Lieder spielen, die ihren Verbündeten bessere Statuswerte verleihen. Dietrich kann sich derweil über mehrere Felder teleportieren und Cai kann schwarz-violette Flammen aus seiner Hand schießen.

Wenn eine Einheit während des Kampfes mehrere Brandtechniken einsetzt und dadurch die eigene Brandleiste erhöht, verfällt sie in den sogenannten Großbrand, wodurch sich alle Statuswerte verstärken. Dadurch lassen sich stärkere Brandtechniken ausführen. Das hat jedoch einen Haken: Bei voller Brandleiste endet der Großbrandmodus und die Einheit verfällt in den Modus „Bersten”, der die eigenen HP senkt.

Somit sollte beim Einsatz mit Bedacht vorgegangen werden. Dennoch fügen sich die Brandtechniken gut in das Spielsetting ein. Sie wirken nicht übermächtig, da sie einen Malus mit sich bringen, können durch ihre Stärke und einen geschickten Einsatz aber durchaus kampfentscheidend sein. Gleichzeitig passen die Techniken gut zu den jeweiligen Persönlichkeiten der Charaktere.

Fluch und Segen

Die eigenen Einheiten und deren Fähigkeiten sind zudem nicht die einzigen Faktoren, die über den Ausgang eines Kampfes entscheiden können. Es gibt verfluchte Waffen, die eure Brandleiste beeinflussen können und über mächtige Fähigkeiten verfügen. Gleichzeitig könnt ihr während des Kampfes göttlichen Segen erhalten. Während der Segen von Fortuna euch stets begleitet und das Spielgeschehen um einige Züge zurückspult, können die Segnungen anderer Götter andere Effekte auslösen.

Um den Segen zu erhalten, müsst ihr in eurer wöchentlichen Freizeit in den unterschiedlichen Tempeln euren Dienst anbieten. Dadurch erhöht sich das Segenlevel bei der jeweiligen Gottheit. Ist dieses hoch genug, könnt ihr es im Kampf mit göttlichem Sand einsetzen. Da sich dadurch besondere Effekte wie die Halbierung von Schaden während eines Zuges einsetzen lassen, ist dies besonders hilfreich in herausfordernden Schlachten.

Auf dem Schlachtfeld wird es selten eintönig …

Für mich waren die unterschiedlichen Möglichkeiten, mit seinen Einheiten ein Schlachtfeld zu betreten und siegreich daraus hervorzugehen, bis zum Ende hin ein Höhepunkt im Spiel. Dazu tragen die verschiedenen Siegbedingungen während eines Kampfes bei. Zwar läuft es in den meisten Fällen darauf hinaus, dass der gegnerische General oder die gegnerische Generalin ausgeschaltet werden muss. Es gibt jedoch Ausnahmen, bei denen beispielsweise Feuerschalen angezündet und gehalten werden müssen.

Selbst die Arena in den Heroenspielen, die öfter betreten wird, sieht jedes Mal anders aus. Sie hat unterschiedliche Umgebungen und Herausforderungen parat, denen ich mich stellen muss, um den Gegner zu bezwingen. Hinzu kommen unterschiedliche Mechaniken wie Artillerie auf dem Spielfeld, die während einer Schlacht genutzt werden können, sowie besondere Felder, die die Werte einer Einheit beeinflussen.

Auch die Umgebung sollte man im Auge behalten. Diese kann beispielsweise brennen, mit Miasma verseucht sein oder anderweitig beeinflusst sein. Dadurch sieht keine Schlacht wie die andere aus und man muss sein taktisches Wissen und die jeweiligen Einheiten immer wieder neu kombinieren. Dadurch bleiben die Schlachten bis zum Ende und selbst nach ungefähr 100 Stunden frisch.

Einzig die Mischung zwischen den Schlachten und den Erzählungen ist zu Beginn etwas unausgeglichen, da die Erzählungen überwiegen. Das ändert sich im Laufe des Spiels jedoch. Des Weiteren beginnen die Schlachten im späteren Verlauf öfter damit, dass die Gegner viele Reserveeinheiten auf dem Feld von den Seiten erhalten. Dadurch entsteht in einigen dieser Schlachten der Eindruck, dass die Herausforderung nur darin besteht, viele Einheiten zu bekämpfen, statt sich taktisch klug zum Sieg zu manövrieren.

… in der Freizeit manchmal schon.

Abseits des harten Alltags auf dem Schlachtfeld können Dagda und seine Hauptstadt Dagsion erkundet werden. Beim Erkunden der Hauptstadt gibt es allerhand zu entdecken: die Arena, in der die Einheiten trainieren können, unterschiedliche HändlerInnen, bei denen die eigenen Vorräte aufgefüllt werden können, Tempel für göttlichen Segen und Orte wie das Gasthaus. Letzteres ermöglicht die Aktivierung automatischer Aktivitäten, die unter anderem zum Training der eigenen Einheiten verwendet werden können. Doch Vorsicht: Für diese Aktivitäten werden Züge benötigt.

Während des Spielens läuft die Zeit mit und nach einer gewissen Anzahl an Tagen muss die Hauptgeschichte weitergeführt werden. In Fortune’s Weave wird dieser zeitliche Abstand in Zügen gemessen. Ein Zug entspricht dabei sechs Stunden. Wenn ihr die automatischen Aktivitäten nutzt, kostet das Züge. Gleiches gilt für das Reisen durch das Kaiserreich, um beispielsweise Quests zu erfüllen, die eigene Reputation zu verbessern oder die verschiedenen Gebiete und ihre Schätze zu erkunden.

Dabei werden in der Freizeit nach einem Kampf Gesundheit und Magie nicht wiederhergestellt. Dafür muss man ins Gasthaus gehen und dort eine Nacht verbringen oder im Freien campen, wodurch sich auch die Bindung zu einigen Teampartnern verbessern lässt. Glücklicherweise findet man auf den Wegen jede Menge Gemüse und Fische, die sich für das Essen beim Campen verwenden lassen.

Mit Cai können sogar Felder angebaut und nach einigen Zügen geerntet werden. Da Cai gut mit Tieren umgehen kann, lassen sich auf bestimmten Wegpunkten ebenfalls Fallen legen und Tiere fangen, die später in der Stadt gefüttert werden. Mit Leda laufen die Erkundungen in Dagda anders ab. Als Tänzerin begibt sie sich in die Städte des Kaiserreichs, führt dort Tänze auf, erhöht damit ihre Reputation und erhält dafür Ressourcen. Dietrich hingegen spürt versteckte Gegner auf und macht sie sichtbar. Dadurch wird jede Erkundung in jedem Pfad individueller.

Rekrutiere sich, wer kann

Wie schon beim Anwerben der Studierenden in Fire Emblem: Three Houses lassen sich Personen aus anderen Clans für eure Zwecke und Kämpfe rekrutieren. An dieser Stelle sind mit Clans die Gruppen der anderen Flammenfürsten gemeint. Die zukünftigen Gruppenmitglieder wollen zunächst beschenkt oder zum Essen eingeladen werden. Dadurch steigt die Bindung und irgendwann lassen sich diese Charaktere rekrutieren. Dafür muss aber auch ein passender Ruf vorausgehen, welcher mit der Erledigung von Quests steigt.

Wer diese Mechanik in Three Houses mochte, wird sich dieses Mal wieder darüber freuen, denn es kann unterhaltsam sein, das passende Geschenk für einen Charakter zu finden. Persönlich bin ich allerdings kein großer Freund des Rekrutierungssystems, speziell in diesem Spiel. Da vier Pfade zur Auswahl stehen, müssen in jedem dieser Pfade Charaktere angeworben werden, ganz gleich, ob dies bereits in einem anderen Pfad geschehen ist.

Ein kleiner Lichtblick ist, dass die Anforderungen für eine Rekrutierung in den Pfaden unterschiedlich ausfallen. So kann es sein, dass in einem Pfad eine Reputation von 9 und ein Unterstützungslevel von 3 benötigt werden, während es in einem anderen Pfad nur eine Reputation von 6 und ein Unterstützungslevel von 2 sein müssen. Einige Charaktere wie die Flammenfürsten lassen sich im jeweiligen Pfad nicht rekrutieren.

Irgendwann bin ich bei den wöchentlichen Aktivitäten nur noch per Schnellreisefunktion zu den Personen innerhalb der Stadt gereist, habe ihnen irgendein Geschenk in die Hand gedrückt und bin dann gegebenenfalls noch schnell zum Gasthaus, um das Unterstützungslevel mittels einer Mahlzeit zu verbessern. Im Endeffekt wurde es zur Abarbeitung von To-dos, um bestimmte Charaktere ins eigene Team zu holen. Dieses Gefühl hat sich vor allem beim zweiten Pfad eingestellt, nachdem ich im ersten Pfad dem Ganzen noch mehr Aufmerksamkeit schenken konnte.

Ich hätte mir eine Funktion gewünscht, die mir das Rekrutieren in einem anderen Pfad erleichtert, wenn ich eine bestimmte Person bereits in einem anderen Pfad rekrutiert habe. So hat sich im weiteren Spielverlauf leider immer mehr das Gefühl der „Fleißarbeit“ vertieft, sodass ich andere Spielfiguren eher ignoriert habe, anstatt sie in mein Team zu holen.

Noch schnell ein Kampf

Für etwas mehr Abwechslung sorgen die Orte, die in Dagda erkundet werden können. Neben den Städten mit ihren örtlichen Händlerinnen und Händlern tauchen unter anderem Verliese auf. Dabei handelt es sich um Dungeons, wie man sie aus Fire Emblem Echoes: Shadows of Valentia kennt. Allerdings wurde das Konzept angepasst.

Die Erkundungsmöglichkeiten in den Verliesen sind größer als im vorherigen Teil. Neben Materialien zur Verbesserung von Waffen und anderen Schätzen trifft man dort auf herumlaufende Gegner. Beim Zusammenstoß beginnt ein spezieller rundenbasierter Schlagabtausch, der sich von den normalen Schlachten unterscheidet.

Diese sogenannten Schnellkämpfe werden nicht aus der Vogelperspektive gespielt, sondern die Parteien stehen sich gegenüber. Dabei wird abwechselnd mit einer entsprechenden Aktion wie Angriff, Heilung oder einem verbündeten Angriff agiert. Letztere Aktion kostet Verbindungspunkte. Eine Besonderheit ist, dass die KP aller Einheiten zusammengerechnet werden. Wer als Erstes null KP erreicht, hat verloren.

Sowohl das Erkunden von Verliesen als auch die Schnellkämpfe wirken erfrischend und fügen sich gut ins Gameplay ein. Vor allem beim Erkunden der Karte wirken sie als auflockerndes Element und werten es auf. Die Verliese sind zwar grafisch nicht anspruchsvoll, für eine kurze Erkundung reicht es aber aus, da sie nicht nur aus Höhlenumgebungen, sondern auch aus anderen Landschaften bestehen. Die Schnellkämpfe sind zudem nicht so komplex wie die großen Schlachten. Sie lassen sich gut wegspielen, da sie ebenfalls automatisch im Autokampf ablaufen.

Nur das generelle Erkunden von Dagda wird im Laufe der Spielzeit leicht eintönig. Die Karte bietet zwar viel, da das Kaiserreich groß ist. Irgendwann habe ich jedoch das Gefühl gehabt, alles gesehen zu haben, und habe nur noch die automatischen Aktivitäten genutzt, um die Zeit verstreichen zu lassen und schneller mit der Hauptgeschichte weiterzumachen.

Es geht in die Antike

Fire Emblem: Fortune’s Weave sieht großartig aus. Die Zwischensequenzen sind wie gewohnt geschmeidig animiert und eindrucksvoll in Szene gesetzt, besonders in actionreichen Szenen. Die Charaktermodelle sind schön ausmodelliert und versprühen einen individuellen Charme. Gleichzeitig muss ich aber erwähnen, dass ich mich zu Beginn erst an einige Charaktermodelle gewöhnen musste. Diese orientieren sich mehr an Three Houses und passen hervorragend in das stimmige Konzept des Spiels, welches den Charme eines antiken oder römischen Zeitalters einfängt.

Im Vergleich zu Fire Emblem Engage wirken die Charaktermodelle stellenweise dennoch etwas blass – so kontrovers der Rest des letzten Teils auch diskutiert werden kann. Das änderte sich im Laufe des Spiels, als ich mehr über deren Motivationen und Persönlichkeiten erfahren habe. Zudem gilt die zuvor angesprochene Blässe nicht für alle Charaktere, erst recht nicht für die vier Heldinnen und Helden oder andere relevantere Persönlichkeiten.

Dennoch bin ich der Auffassung, dass Fortune’s Weave nicht das stärkste Charakterdesign der Reihe aufweist und ältere Teile eindrucksvollere Figuren enthielten. So sind mir beispielsweise viele Charaktere aus Engage deutlich stärker im Gedächtnis geblieben.

Wo der Titel hingegen ein konsistentes Bild vermittelt, ist bei der allgemeinen Präsentation und Farbgestaltung. Die Hauptstadt Dagsion wirkt einigermaßen lebhaft und nicht so trist wie das Kloster Garreg Mach aus Three Houses. So bunt und farbenfroh wie Engage ist Fortune’s Weave trotzdem nicht. Das muss es aber auch nicht sein. Es wurde ein schlüssiges Konzept gefunden, das den Flair eines antiken Kaiserreichs einfängt. Dazu gesellen sich die verschiedenen Designs der Einheiten und der grundsätzliche Kleidungsstil, auch wenn sich viele NPCs ähneln.

Super Synchronisation

Was man hingegen nicht genug loben kann, ist die Vertonung. Diese gibt es in einer englischen und japanischen Variante. Die Synchronisation ist wirklich eines der Highlights im Spiel, denn nahezu jedes Gespräch ist vertont. Dadurch wird der gesprochene Text, der hin und wieder etwas länger ausfällt, nicht monoton. Seltsam sind nur die Dialogoptionen, die ab und an aufploppen. In manchen Fällen bieten sie nur eine Option an und man stellt sich die Frage, warum es diese gibt, wenn der Charakter es einfach aussprechen könnte.

Das generelle „Fire Emblem“-Thema wurde erneut überzeugend ins Spiel eingebaut und unterscheidet sich bei den vier unterschiedlichen Heldinnen und Helden, sodass es individueller wirkt und für den Charakter angepasst. Das sorgt gerade bei heroischen Momenten und ein paar Schlachten für Spannung.

Vollwertige Erzählung mit kleinen Stolpersteinen

Bildmaterial: Fire Emblem: Fortune’s Weave, Nintendo, Intelligent Systems

Der Beitrag Im Test! Fire Emblem: Fortune’s Weave hebt sich vor allem in einer Sache von seinen Vorgängern ab erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Trails in the Sky 2nd Chapter
	17. September 2026
	Nihon Falcom
	17. September 2026
	GungHo Online Entertainment
	17. September 2026
	Clear River Games
System	Nintendo Switch, Nintendo Switch 2, PlayStation 5, PC
Getestet für	PlayStation 5 Pro
Versionsnummer	1.03
Entwickler	Nihon Falcom
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Trails in the Sky 1st Chapter hat es vor ziemlich genau einem Jahr geschafft, das bis dahin doch recht komplexe und vielschichtige Trails-Universum einer deutlich breiteren Masse zugänglich zu machen und gleichzeitig langjährige Fans glücklich zu stellen – zumindest größtenteils. Das Remake kam bei KritikerInnen und Fans hervorragend an und entwickelte sich auch für Falcom zu einem großen finanziellen Erfolg.

Jetzt, ziemlich genau ein Jahr später, wartet mit Trails in the Sky 2nd Chapter der direkte Nachfolger auf uns. Und „direkter Nachfolger“ ist hier wirklich das Stichwort. An dieser Stelle könnten wir wahrscheinlich auch einfach große Teile unserer letztjährigen Review zitieren, so ähnlich sind sich die beiden Spiele. Es fühlt sich tatsächlich so an, als würde man wortwörtlich das zweite Kapitel desselben Buches aufschlagen. Wer 1st Chapter gespielt hat, dürfte sich also innerhalb weniger Minuten wieder heimisch fühlen.

Wie schon beim ersten Teil gibt es auch diesmal eine sehr umfangreiche Demo, die euch bis zu zehn Stunden spielen lässt. Den dabei erzielten Fortschritt könnt ihr anschließend in die Vollversion übertragen. Das ist schlichtweg eine tolle Sache und wer noch mit einem Kauf hadert: Probiert es einfach aus.

Dass 2nd Chapter seinem Vorgänger derart ähnlich ist, soll übrigens keineswegs negativ gemeint sein. Schließlich gehörte das letztjährige Remake zu den großen Kritiker- und Fanlieblingen und konnte auch kommerziell überzeugen. Warum also etwas grundlegend verändern, das bereits hervorragend funktioniert? Was euch im zweiten Kapitel – oder besser gesagt in SC – erwartet und ob Falcom noch einmal an die Qualität des Vorgängers anknüpfen kann, klären wir jetzt in unserem Test.

„Auf Wiedersehen, Estelle.“

Bevor wir anfangen, eine kleine, aber wichtige Warnung: Dieser Abschnitt enthält deutliche Spoiler zum Ende von Trails in the Sky 1st Chapter. Wer den ersten Teil noch nicht beendet hat, sollte am besten direkt zum nächsten Abschnitt springen.

2nd Chapter setzt praktisch unmittelbar nach den Ereignissen des Vorgängers ein. Dort begleiteten wir Estelle Bright und ihren Adoptivbruder Joshua Bright als junge Bracer auf ihrer Reise durch das Königreich Liberl. Was zunächst noch ziemlich normal begann, entwickelte sich langsam zu einer großen politischen Verschwörung, die schließlich das gesamte Land bedrohte.

Am Ende gelang es Estelle, Joshua und ihren zahlreichen Verbündeten, die Krise in Liberl abzuwenden. Eigentlich könnte danach endlich etwas Ruhe einkehren. Eigentlich. Denn Joshua erfährt, dass seine Vergangenheit eng mit der geheimnisvollen Organisation Ouroboros verbunden ist. Aus Angst, Estelle durch seine Vergangenheit in Gefahr zu bringen, verlässt er sie heimlich und macht sich allein auf den Weg.

Wo bist du, Joshua?

Genau hier beginnt 2nd Chapter. Estelle möchte stärker werden und vor allem Joshua wiederfinden. Gleichzeitig wird Ouroboros in Liberl aktiv und verfolgt einen geheimnisvollen Plan, dessen Ausmaße zunächst noch völlig unklar sind.

Also geht es mit unserer Truppe erneut quer durch Liberl. Dabei kommen wir der sogenannten „Gesellschaft“ und ihren Machenschaften immer näher. Besonders deren sogenannte Vollstrecker sorgen in den verschiedenen Regionen für ordentlich Unruhe. Als Bracer liegt es natürlich an uns, herauszufinden, was dahintersteckt.

Dabei besuchen wir nahezu alle Gebiete erneut, die wir bereits aus dem ersten Teil kennen. Und seien wir ehrlich: Die dürften vielen noch ziemlich gut im Gedächtnis sein, schließlich liegt das erste Abenteuer gerade einmal ein Jahr zurück. Auf einiges an Recycling muss man sich entsprechend einstellen. Gleichzeitig hat sich in Liberl aber auch einiges getan. NPCs erinnern sich an uns, reagieren auf vergangene Ereignisse und vermitteln dadurch wunderbar das Gefühl, tatsächlich in eine bekannte Welt zurückzukehren. Später warten außerdem komplett neue Gebiete auf uns.

Diese Figuren muss man einfach lieben

Die Geschichte selbst ist erneut fantastisch und für mich phasenweise sogar noch emotionaler als im Vorgänger. Da kann es durchaus passieren, dass man hier und da mal ein kleines Tränchen verdrückt. Egal ob Trails-VeteranInnen oder Leute, die erst mit den Remakes eingestiegen sind: Es ist einfach schön, diese Geschichte noch einmal beziehungsweise erstmals in dieser Form zu erleben.

Und dann wären da natürlich die Figuren. Schon damals waren Estelle und ihre WeggefährtInnen fantastisch geschrieben, interessant, lustig und hatten allesamt das Herz am rechten Fleck. Im Remake funktioniert das mindestens genauso gut. Sie sind ein entscheidender Grund dafür, warum sich dieses Abenteuer trotz aller dramatischen Ereignisse so unglaublich geerdet und irgendwie mollig warm anfühlt.

Ich werde dabei einen Gedanken einfach nicht los: Diese Figuren sind teilweise genau so, wie ich mir meine eigenen FreundInnen und meine Familie immer gewünscht hätte. Vielleicht ist es genau dieses Gefühl, das Trails in the Sky 2nd Chapter für mich weit über seine eigentliche Geschichte hinaus so besonders macht.

Altbewährt und immer noch richtig gut

Beim Gameplay beziehungsweise Kampfsystem macht Trails in the Sky 2nd Chapter genau dort weiter, wo 1st Chapter aufgehört hat. Seid ihr außerhalb der Städte oder in Dungeons unterwegs, könnt ihr Gegner wie gewohnt direkt in Echtzeit vermöbeln. Mit Angriffen und Ausweichrollen lassen sich kleinere Feinde teilweise komplett erledigen, ohne überhaupt in den klassischen Rundenkampf wechseln zu müssen.

Alternativ verschafft man sich auf diese Weise lediglich einen Vorteil, haut zunächst in Echtzeit auf den Gegner ein und wechselt anschließend auf Wunsch in den taktischen Rundenkampf. Dort darf man es dann deutlich ruhiger und strategischer angehen lassen. Bei Bossen und wichtigen Schlüsselsituationen wird dagegen ausschließlich rundenbasiert gekämpft.

Das hybride Kampfsystem macht weiterhin eine Menge Spaß – sofern man sich natürlich grundsätzlich damit anfreunden kann. Große Neuerungen gegenüber dem Vorgänger sollte man allerdings nicht erwarten. 2nd Chapter übernimmt das funktionierende Grundgerüst nahezu unverändert.

Tja, dieses Orbment ist leider veraltet

Auch die bekannten Quarze sind wieder mit dabei. Ganz dem ursprünglichen Spiel entsprechend kombiniert ihr deren verschiedene Elemente, um immer mächtigere Zauber bzw. Künste freizuschalten. Im Grunde also genau wie in 1st Chapter.

Natürlich gibt es dabei ein kleines Problem: Wir waren am Ende des Vorgängers schließlich schon ziemlich gut ausgestattet. Praktischerweise findet das Spiel dafür eine zweckmäßige Erklärung – unser alter Orbment ist mittlerweile veraltet und wir brauchen einen neuen. Also geht der Aufbau wieder von vorne los. Ein wenig offensichtlich ist das natürlich schon, aber irgendwie musste man dieses Problem wohl lösen.

Sehr erfreulich ist dagegen erneut der praktisch nicht vorhandene Grind. Schon 1st Chapter löste das hervorragend und auch diesmal schließt man sehr schnell zum Level der aktuellen Gegner auf. Wer zusätzlich den optionalen High-Speed-Modus einschaltet, kann ohnehin in Windeseile durch bekannte Gebiete und kleinere Kämpfe düsen. Gerade angesichts des enormen Umfangs ist das Gold wert.

Poker, Ermittlungen und … ein Schaf-Mecha?!

Abseits der Haupthandlung warten wieder zahlreiche Nebenaufgaben. Einige davon sind zugegebenermaßen ziemlich basic und können durchaus repetitiv ausfallen. Andere überraschen dagegen mit enormer Abwechslung oder werden einfach herrlich absurd. Poker? Ermittlungen? Ein Schaf-Mecha?! Ja, genau. Gerade diese kleinen Geschichten tragen viel dazu bei, Liberl und seinen BewohnerInnen noch mehr Persönlichkeit zu verleihen. Eine kleine Lanze breche ich auch nochmal für das überarbeitete Angeln. Das bringt mir persönlich wieder eine Menge Spaß, und was wäre schon ein JRPG ohne vernünftiges Angel-Minispiel?

Ein Thema, das bereits beim ersten Remake für einige Diskussionen sorgte, sind die deutschen Texte. Die gibt es erfreulicherweise auch in 2nd Chapter wieder – und davon eine ganze Menge. Trails war schließlich noch nie dafür bekannt, sparsam mit Textboxen umzugehen. Eine solche Textmenge zu lokalisieren, dürfte entsprechend keine kleine Aufgabe gewesen sein.

Umso erfreulicher ist es, dass die deutsche Übersetzung erneut einen guten Eindruck hinterlässt. Größere Rechtschreibfehler oder logische Ungereimtheiten sind mir während des Tests nicht aufgefallen. Einzelne Begriffe und die korrekte Terminologie innerhalb der Trails-Reihe sind natürlich noch einmal eine Wissenschaft für sich.

Schön ist deshalb, dass Falcom sich dieser Problematik offenbar bewusst ist und sogar nachträglich Texte sowie einzelne Voice-Lines im Vorgänger angepasst hat. Damit werden vor allem langjährige Trails-Fans abgeholt, während NeueinsteigerInnen, die erst mit den Remakes zur Reihe gefunden haben, von diesen Feinheiten vermutlich kaum etwas bemerken werden. Genau so sollte es eigentlich sein.

Anime-Charme in Bestform

Trails in the Sky 2nd Chapter sieht mindestens genauso fantastisch aus wie der erste Teil des Remakes. Die detailreichen Charaktermodelle, herrlich übertriebenen Anime-Expressions, wunderschönen Zwischensequenzen und spektakulären Angriffsanimationen können sich erneut sehen lassen. Das Gesamtbild wirkt unglaublich stimmig und vor allem die Figuren profitieren enorm von der liebevollen Präsentation.

Getestet wurde auf der PlayStation 5 Pro, wo das Spiel absolut butterweich läuft. Jenseits der ohnehin flüssigen 60 FPS sind sogar theoretisch bis zu 120 FPS möglich – und während meines Tests konnte ich keine nennenswerten Einbrüche feststellen. Technisch ist 2nd Chapter damit eine sehr runde Sache, die zusammen mit der tollen Optik einen hervorragenden Gesamteindruck hinterlässt.

Diese Stimmen gehören einfach zu den Figuren

Einen entscheidenden Anteil an der Immersion haben erneut die fantastischen SprecherInnen. Zur Auswahl stehen eine englische und eine japanische Synchronisation, die beide auf einem sehr hohen Niveau liegen.

Für meinen Geschmack werden die Figuren in der englischen Fassung hervorragend getroffen. Selbst kleinere Nebenrollen sind stark besetzt, sodass hier kaum ein qualitativer Abfall gegenüber den Hauptfiguren auffällt. Natürlich ist gerade das Thema Synchronisation immer sehr subjektiv – aber für mich gehören diese Stimmen mittlerweile einfach zu Estelle, Scherazard und Co. Auch die japanische Vertonung braucht sich allerdings keineswegs zu verstecken.

Diese Evergreens werden einfach nicht alt

Ähnlich fantastisch fällt erneut der Soundtrack aus. Viele Stücke kennen wir zwar bereits aus 1st Chapter, aber seien wir ehrlich: Bei solchen Evergreens beschwert man sich darüber wohl kaum. Diese Musik kann und will ich einfach immer wieder hören.

Dazu kommen natürlich auch Stücke, die besonders mit dem zweiten Kapitel verbunden sind. Allen voran das fantastische Opening „Silver Will, Golden Wings“, das schon nach wenigen Sekunden wieder dieses unverwechselbare Trails-Gefühl auslöst. Musikalisch bleibt die Reihe damit auch im zweiten Kapitel eine absolute Bank.

80 Stunden? Gerne doch!

Trails in the Sky 2nd Chapter ist ein langes Spiel. Ein sehr langes sogar. Wer wirklich alles mitnehmen möchte, sollte mindestens 70 Stunden einplanen – realistischer dürften es für viele aber eher 80 Stunden oder mehr werden. Das ist in diesem Fall allerdings keineswegs negativ gemeint.

Denn 2nd Chapter nimmt sich bewusst Zeit. Zeit für seine Geschichte, seine Welt und vor allem für seine Figuren. Charaktere bekommen Raum, Beziehungen dürfen sich entwickeln und selbst kleinere Geschichten werden nicht einfach schnell abgefrühstückt. Gerade davon lebt Trails schließlich seit jeher – und wer sich darauf einlässt, bekommt entsprechend viel geboten.

Kein Spaziergang durch Liberl

Ein paar Worte müssen wir auch noch über den Schwierigkeitsgrad verlieren. Hier stehen verschiedene Einstellungen zur Auswahl, wodurch sich das Abenteuer gut an die eigenen Vorlieben anpassen lässt und insgesamt ausgesprochen fair bleibt.

Unterschätzen sollte man 2nd Chapter trotzdem nicht. Bereits auf dem normalen Schwierigkeitsgrad ist die Reise durch Liberl alles andere als ein Zuckerschlecken. Wer insbesondere bei stärkeren Gegnern und Bossen einfach nur blind draufhaut, beißt schnell ins Gras. Die richtige Taktik, passende Quarze und ein sinnvoll zusammengestelltes Team machen hier einen spürbaren Unterschied.

Das zweite Kapitel steht dem ersten in nichts nach

Bildmaterial: Trails in the Sky 2nd Chapter, GungHo Online Entertainment, Falcom

Der Beitrag Im Test! Trails in the Sky 2nd Chapter ist erneut ein JRPG zum Verlieben erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Marvel’s Wolverine
	15. September 2026
	Sony Interactive Entertainment
	15. September 2026
	Sony Interactive Entertainment
	15. September 2026
	Sony Interactive Entertainment
System	PlayStation 5
Getestet für	PlayStation 5 Pro
Versionsnummer	1.001.003
Entwickler	Insomniac Games
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Als 2018 Marvel’s Spider-Man von Insomniac Games erschien, musste man richtig gute Comicbuch-Adaptionen im Spielebereich noch fast mit der Lupe suchen. Batman war mit der Arkham-Reihe bis dahin das Maß aller Dinge. Spider-Man füllte diese Lücke seinerzeit hervorragend und legte auch gleichzeitig einen wichtigen Grundstein für die starken Singleplayer-Abenteuer, für die PlayStation in den folgenden Jahren bekannt werden sollte.

Es folgten zwei durchaus respektable Nachfolger und zwischendrin mit Ratchet & Clank: Rift Apart noch ein fantastisches Abenteuer abseits des Marvel-Kosmos. Es lief also für das Studio. Eigentlich war klar, dass diese Reise weitergehen würde – und so kündigte Insomniac bereits 2021 das nächste Spiel rund um einen mindestens ebenso großen Fanliebling an: Wolverine. Und wenn sich jemand dieser Figur annehmen kann, dann doch wohl die talentierten EntwicklerInnen aus Kalifornien.

Trotzdem sollte es ganze fünf Jahre dauern, bis das Spiel tatsächlich erscheint. Am 15. September ist es nun endlich so weit und die PlayStation 5 bekommt einen weiteren der wenigen echten Exklusivtitel – zumindest vorerst. Mit Wolverine schlägt Insomniac allerdings eine deutlich andere Richtung ein als noch mit Spider-Man.

Weg von der großen Open World, hin zu einer lineareren und erbarmungslosen Action-Erfahrung. Schon die bisherigen Trailer machten vor allem mit ihrem ziemlich exzessiven Einsatz von Gewalt auf sich aufmerksam.

Abgetrennte Gliedmaßen statt freundlicher Netzschwingerei – Wolverine macht schnell klar, dass hier ein anderer Wind weht. Wir konnten selbst die Krallen ausfahren und verraten euch in diesem Test, ob auch Wolverine zum nächsten Glanzstück in der ohnehin schon beeindruckenden Vita von Insomniac Games wird.

Narben heilen nicht immer

Wolverine kennen wir vor allem als festen Bestandteil der X-Men. Die X-Men, wie wir sie kennen, existieren hier allerdings nicht. An ihre Stelle tritt das sogenannte Team X, das vor vielen Jahren von Nathaniel Essex gegründet wurde. Am ehesten könnte man ihn als deutlich radikalere Version eines Charles Xavier beziehungsweise Professor X beschreiben. Sein erklärtes Ziel: Mutanten ein Zuhause und eine Zukunft geben – und gleichzeitig den Mutationen und dem mysteriösen X-Gen auf den Grund gehen.

Vor rund 30 Jahren war es auch Essex, der Logan alias Wolverine aus der Wildnis holte und ihm ein neues Zuhause gab. Dumm nur, dass Logan seine Erinnerungen verlor und sich an praktisch nichts aus seinem früheren Leben erinnern kann. Vielleicht ist das aber auch besser so.

Denn obwohl sein Körper dank seiner unglaublichen Regenerationsfähigkeiten nahezu jede Verletzung heilt, ist Logans Seele von Narben übersät, gegen die selbst sein Heilungsfaktor machtlos ist. Seine Vergangenheit lässt ihn nicht los – und im Laufe der Handlung beginnen wir Stück für Stück herauszufinden, was damals tatsächlich passiert ist.

Team X gegen Trask

Halt und einen gewissen Sinn findet Logan im Team X. Zu Beginn ist er gemeinsam mit Mystique und Sabretooth unterwegs. Ihr Ziel ist Bolivar Trask, der es sich zur Aufgabe gemacht hat, sämtliche Individuen mit dem X-Gen auszulöschen. In seinen Augen sind Mutanten eine Gefahr für die Menschheit – und er selbst derjenige, der sie davor beschützen muss.

Dafür unterhält Trask unter anderem seine eigene kleine Söldnertruppe: die Reaver. Ausgestattet mit futuristischer Technologie machen sie Logan und anderen Mutanten das Leben schwer und sorgen gleichzeitig dafür, dass Wolverine seine Krallen ziemlich regelmäßig ausfahren darf.

Wer sind hier eigentlich die Guten?

Anders als noch in den Spider-Man-Spielen steht die eigentliche Geschichte deutlich stärker im Mittelpunkt. Während man sich dort gerne stundenlang in den Aktivitäten der Open World verlieren und die Handlung auch einmal links liegen lassen konnte, folgt Wolverine einem wesentlich geradlinigeren Ansatz. Die Story wird dadurch prominenter inszeniert und wartet mit einigen Überraschungen auf, die sowohl Comic-Fans als auch Leute außerhalb der Marvel-Bubble abholen können.

Besonders interessant wird es, wenn das Spiel seine moralischen Fragen aufmacht. Wie weit darf man gehen, um die eigenen Ideale durchzusetzen? Heiligt der Zweck wirklich jedes Mittel? Und wer sind am Ende überhaupt die Guten und die Bösen?

Wolverine liefert darauf nicht immer einfache Antworten und bringt uns durchaus dazu, Logans eigene Taten und Entscheidungen zu hinterfragen. Gerade diese Grauzonen stehen der Figur hervorragend und verleihen der Geschichte deutlich mehr Gewicht, als man angesichts der ganzen fliegenden Körperteile zunächst vielleicht erwarten würde.

Krallen raus und rein ins Getümmel

Beim Gameplay und insbesondere beim Kampfsystem glänzt Wolverine mit am meisten. Logan ist ein klassischer Nahkämpfer und entsprechend direkt geht es zur Sache. Mit seinen Adamantium-Klingen malträtiert er alles, was sich ihm in den Weg stellt. Das Grundgerüst bleibt dabei relativ simpel: normale Angriffe, Sprintattacken zum nächsten Gegner, Spezialangriffe sowie Parieren und Ausweichen. Mehr braucht es aber auch gar nicht, denn das alles geht hervorragend von der Hand und fühlt sich extrem befriedigend an.

Und Wolverine wäre natürlich nicht Wolverine, wenn die Kämpfe zimperlich ausfallen würden. Blut fließt eimerweise, Gliedmaßen fliegen durch die Gegend und Logan schnetzelt sich teilweise regelrecht durch ganze Gegnerhorden. Gerade hier spielt Insomniac seine große Stärke aus. Fantastische Animationen, fließende Übergänge zwischen den Attacken und die enorme Wucht hinter jedem Treffer sorgen für unglaublich flüssige und fast schon süchtig machende Kämpfe.

Alternativ kann Logan auch seine leisere Seite zeigen und sich an Gegner anschleichen. Das funktioniert grundsätzlich ordentlich, wirkt neben dem hervorragenden Nahkampfsystem aber fast ein wenig wie die langweiligere Alternative. Warum lange verstecken, wenn man dem Gegner auch einfach direkt auf die Mütze geben kann?

Einmal um die halbe Welt

Abseits der Kämpfe fällt die Erkundung ausgesprochen linear aus. Dafür führen uns die einzelnen Abschnitte durch überraschend abwechslungsreiche Schauplätze. Vom fiktiven Insel-Stadtstaat Madripoor über die verschneiten Landschaften Kanadas bis in die verregneten Gassen Tokios bekommt das Auge einiges geboten. Eine Open World sollte man allerdings nicht erwarten – Wolverine führt uns ziemlich geradlinig von einem Schauplatz zum nächsten.

Sammelobjekte gibt es ebenfalls, sie bleiben aber eher Beiwerk. Übersehen kann man sie ohnehin kaum, schließlich blinken und leuchten sie teilweise so auffällig, als würden sie förmlich darum betteln, eingesammelt zu werden. Und damit wären wir bei einem Punkt, über den bei modernen Action-Adventures gerne diskutiert wird: Wolverine nimmt uns ziemlich stark an die Hand.

Eine Duftspur zeigt sehr häufig den Weg zum nächsten Ziel, während weiße Markierungen kaum Zweifel daran lassen, an welcher Wand geklettert oder über welche Kante gesprungen werden soll. Ganz so schlimm, wie die Hilfen hier teilweise dargestellt werden, empfand ich es allerdings nicht. Die Level sind ohnehin derart linear aufgebaut, dass es meistens sowieso nur eine sinnvolle Richtung gibt.

Quick-Time-Events sind auch interessant, diese lösen sich quasi von selbst und bei keiner oder falscher Eingabe werden sie auch „gelöst“. Und nein, die Option für automatische QTEs war natürlich deaktiviert.

Viel Hilfe – wenn man sie möchte

Darüber hinaus lassen sich zahlreiche weitere visuelle Hilfen optional aktivieren. Ob man solche Anzeigen mag oder nicht, bleibt natürlich Geschmackssache. Wer sie benötigt, bekommt hier allerdings viele Möglichkeiten geboten.

Generell verdient Insomniac für die umfangreichen Barrierefreiheitseinstellungen ein großes Lob. Die Auswahl ist wirklich hervorragend und ermöglicht es, zahlreiche Aspekte des Spiels an die eigenen Bedürfnisse anzupassen. Produktionen dieser Größenordnung dürfen sich davon gerne eine große Scheibe abschneiden.

Etwas zusätzliche Abwechslung bringen schließlich die sogenannten Albtraumtüren. Dahinter warten kleinere optionale Herausforderungen, meistens in Form von Kämpfen gegen besondere Gegner oder mehrere Wellen. Gelegentlich steht stattdessen ein kleiner Parcours auf dem Programm. Das ist eine nette Ergänzung für zwischendurch, mehr aber auch nicht.

Hollywood lässt grüßen

Neben den hervorragenden Kämpfen punktet Marvel’s Wolverine vor allem bei seiner Inszenierung. Die bewegt sich über weite Strecken tatsächlich auf Hollywood-Niveau. Besonders die spektakulären Verfolgungsjagden gehören zu den optischen Highlights und lassen es regelmäßig ordentlich krachen. Auch die wenigen Bosskämpfe sind dafür umso aufwendiger inszeniert und bleiben entsprechend im Gedächtnis.

Getestet wurde auf der PlayStation 5 Pro, wo das Spiel im Leistungsmodus konstant die angepeilten 60 FPS hält. Ähnlich soll es auch auf der normalen PlayStation 5 aussehen. Gerade bei den schnellen und teilweise völlig chaotischen Kämpfen ist die stabile Bildrate Gold wert. Diesen Modus würde ich auch im Vergleich zum „Wiedergabetreue“-Modus empfehlen, der nur 30 FPS anpeilt. Alternativ kann noch ein 120-Hz-Anzeigemodus gewählt werden. Mit eingeschalteten „VRR” können Spitzenwerte von 100 fps, in der Regel aber zwischen 70 und 80 fps, auf der PlayStation 5 Pro erreicht werden. Ein entsprechender Monitor oder Fernseher ist natürlich Voraussetzung.

Schön, brutal und butterweich

Auch grafisch zeigt Insomniac erneut, was das Studio aus der PlayStation 5 herausholen kann. Beleuchtung, Reflexionen und insbesondere die Gesichtsanimationen bewegen sich auf einem hervorragenden Niveau. Dazu gesellt sich schickes Raytracing, das gerade die ohnehin beeindruckenden Schauplätze noch einmal aufwertet.

Besonders Logan selbst sieht fantastisch aus. Haare, Bart und natürlich seine ikonischen Koteletten sind derart detailliert dargestellt, dass man gefühlt jedes einzelne Haar zählen könnte. Insomniac hat hier sichtbar viel Arbeit in seine Hauptfigur gesteckt – und das Ergebnis kann sich wirklich sehen lassen.

Technisch hinterließ das Spiel während meines gesamten Testzeitraums ebenfalls einen hervorragenden Eindruck. Bugs, Abstürze oder andere größere Probleme? Fehlanzeige. Kleinere Problemchen sollen laut Entwickler zusätzlich noch mit einem Day-One-Patch behoben werden.

Musikalisch bewegt sich Wolverine ebenfalls auf einem hohen Niveau. Der Soundtrack ist treibend, passend und unterstützt insbesondere die Action hervorragend. Ganz so stark im Gedächtnis wie einige Stücke aus Spider-Man bleibt er für mich allerdings nicht. Seinen Zweck erfüllt er trotzdem mehr als ordentlich.

Grummelig, direkt und irgendwie sympathisch

Die deutsche Synchronisation ist ein zweischneidiges Schwert. Besonders Logan und die anderen Mitglieder von Team X sind gut getroffen, während einige Nebenfiguren qualitativ doch merklich abfallen. Trotzdem ist es schön, dass überhaupt eine vollständige deutsche Vertonung vorhanden ist – bei einer Produktion dieser Größenordnung durfte man das allerdings auch erwarten.

Gerade Logans grummelige Art, wie wir sie aus Filmen, Serien und Comics kennen, fängt die deutsche Stimme erstaunlich gut ein. Der Mann hat nun einmal seine Laster, allen voran den Alkohol, trägt das Herz auf der Zunge und hält mit seiner Meinung selten hinterm Berg. Trotzdem – oder vielleicht gerade deshalb – bleibt Logan genauso sympathisch beziehungsweise unsympathisch, wie wir ihn kennen und lieben.

Fanservice bis in die Koteletten

Generell verneigt sich Insomniac vor zahlreichen Stationen aus Wolverines langer Geschichte. Unzählige Kostüme lassen sich freischalten und Comic-Fans dürften an jeder Ecke kleinere und größere Anspielungen entdecken. Selbst Verweise auf Spider-Man fehlen nicht. Gleichzeitig findet sogar die zeitgenössische Meme-Kultur ihren Platz. Stichwort: „Wolverine Remember“. Wer tief im Marvel-Kosmos steckt, bekommt hier einiges zu entdecken.

Beim Schwierigkeitsgrad stehen insgesamt fünf Stufen zur Auswahl, zusätzlich lassen sich einzelne Parameter noch einmal separat anpassen. Damit sollte für nahezu alle SpielerInnen etwas Passendes dabei sein. Auf dem normalen Schwierigkeitsgrad fällt das Abenteuer allerdings stellenweise sogar etwas zu leicht aus – gerade angesichts dessen, wie erbarmungslos Logan auf dem Bildschirm eigentlich zu Werke geht.

Kürzer, dafür ohne große Umwege

Wer in einem normalen Tempo spielt, sollte nach etwa 15 bis 17 Stunden den Abspann erreichen. Damit fällt Wolverine etwas kürzer aus als die Spider-Man-Abenteuer von Insomniac, wobei der Vergleich natürlich etwas hinkt: Schließlich verzichtet Logan komplett auf eine Open World und setzt stattdessen auf ein deutlich lineareres Erlebnis.

Für meinen Geschmack geht der Umfang damit vollkommen in Ordnung. Wer nach dem Abspann noch nicht genug vom Krallenschwingen hat, bekommt außerdem ein New Game+ spendiert und kann sich ein weiteres Mal durch Logans Abenteuer schnetzeln.

Diese Krallen hinterlassen Eindruck

Bildmaterial: Marvel’s Wolverine, Sony, Insomniac Games

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