Titel	Moonlight Peaks
	7. Juli 2026
	Marvelous, XSEED
	7. Juli 2026
	Marvelous USA, XSEED
	7. Juli 2026
	Marvelous Europe, XSEED
System	Switch (2), PC-Steam, Mobile
Getestet für	Nintendo Switch 2
Versionsnummer	1.1.41
Entwickler	Little Chicken
Genres	Farming-Simulation
Texte
Vertonung	–

Von Harvest Moon zu Story of Seasons bis hin zu Stardew Valley: Farming-Simulationen erfreuen sich seit jeher großer Beliebtheit und sind eine der tragenden Säulen sogenannter Cozy-Games. Allerdings leidet das Genre seit einigen Jahren an Gleichförmigkeit.

Helle Pastelltöne, niedliche Chibis und eine immer gleiche Prämisse sind altbekannte Formeln, durch die den meisten Spielen mittlerweile eine eigene Identität fehlt. Moonlight Peaks scheint hierfür mit seiner besonderen Atmosphäre Abhilfe zu schaffen, indem es auf düstere Halloween-Stimmung abzielt. Ob es tatsächlich frischen Wind ins Genre bringt, erfahrt ihr im Test.

Ein Vampir kommt selten allein

Der Haussegen hängt schief in Schloss Dracula. Nach einem heftigen Streit mit der Berühmtheit, die auch gleichzeitig unser Vater ist, packen wir unsere Sachen und ziehen gemeinsam mit unserem Höllenkätzchen nach Moonlight Peaks. In diesem kleinen Örtchen für magische Wesen hat früher unsere Mutter gelebt. Wir kommen also direkt in einem kleinen Häuschen auf einem eigenen Grundstück unter.

Die umgebenden Wälder, Sümpfe, Strände und Höhlen laden uns direkt zum Erkunden ein. Da wir als Vampir tagsüber verbrennen würden, gehen wir unserer Arbeit erst nach Sonnenuntergang nach. Neben Erkundungen darf natürlich auch ein Besuch in der Stadt nicht fehlen. Hier tummeln sich Vampire, Werwölfe, Hexen und Seher und gehen ihrem routinierten Nachtwerk nach. Dabei stellen wir schnell fest, dass in Moonlight Peaks nicht alles eitel Mondenschein ist, denn die Stadt scheint das ein oder andere Problem zu beherbergen.

Gärtnern will gelernt sein

Das erste von vielen liegt auch direkt vor unserer Haustür und nennt sich Orlock. Dieser mürrische Vampir ist ein echter Trunkenbold und nicht gut auf Dracula zu sprechen. Um ihn also von uns zu überzeugen, stimmen wir seinem Vorschlag zu, Wein für ihn anzubauen und herzustellen. Unser Onkel Viktor, der ganz in der Nähe in einer Gruft wohnt, hilft uns bei unseren ersten Schritten in die Selbstständigkeit und erklärt uns die Grundlagen der Landwirtschaft.

Hier fällt schnell auf, dass Moonlight Peaks nicht allzu aufdringlich mit seinen Tutorials ist. Das meiste ist in einem kurzen Satz erklärt. Dinge wie Boden pflügen und Saatgut pflanzen werden uns auch erst nach direktem Nachfragen über eine Dialogoption erklärt. Das erspart allen, die schon mal ein Farming-Game gespielt haben, unnötige Einstiegszeit. Denn es gibt wenig Neues zu lernen. Felder bestellen, Bäume fällen und Erze abbauen dürften mittlerweile altbekannte Tätigkeiten sein.

Über ein Werkzeugrad haben wir schnellen Zugriff auf Optionen wie beispielsweise Spitzhacke und Gießkanne, wobei die Steuerung manchmal etwas friemelig erscheint und das gewählte Werkzeug nicht immer sofort angelegt wird. Anders als bei Stardew Valley verbrauchen die Werkzeuge keinen Platz im Inventar, sodass wir noch mehr Objekte auf einmal horten können.

Aller Anfang ist schwer

Der Gebrauch von Werkzeugen verbraucht Ausdauer, die wir über Nahrung wiederherstellen können. Allerdings können wir als Vampir nicht aus allem Nährstoffe ziehen. Viele Lebensmittel geben uns nur zwei oder vier Ausdauerpunkte zurück. Beim Anbau können wir daher berücksichtigen, dass wir beispielsweise Bluttrauben anbauen, aus deren gewonnenem Traubensaft wir ordentlich Energie tanken können.

Alternativ schlendern wir rüber in die Stadt und gönnen uns bei Tote Torten ein Häppchen. Happig sind hier allerdings auch die Preise. Die Umsätze aus unseren unverarbeiteten Feldfrüchten fallen eher gering aus, daher ist es gerade am Anfang des Spieles gar nicht so einfach, genug Geld für Annehmlichkeiten zusammenzukratzen. Für ein erstes Rucksack-Upgrade brauchen wir 2000 Goldmünzen, auch für bessere Werkzeuge müssen wir neben Materialien einen vierstelligen Betrag blechen. Nach und nach lernen wir aber, wie man Schmelzöfen, Käsepressen und Mana-Extraktoren herstellt, um lukrativere Geschäfte zu machen.

Fleißig ackern für Gute-Nudel-Sterne

Bei unseren nächtlichen Ausflügen stolpern wir hin und wieder über kleinere Ereignisse, bei denen einzelne Figuren im Fokus stehen. So erfahren wir, wie die Bewohner zueinander stehen und welche Charaktereigenschaften sie haben. Von der stets hilfsbereiten Luna über den frechen Ludo bis hin zur ernsten Alina oder dem insgeheim sorgengeplagten Dragan lernen wir allerlei unterschiedliche Persönlichkeiten kennen. Alternativ können wir auch aktiv nach Ereignissen über die Karte Ausschau halten, wo relevante Orte durch Symbole oder ein Glitzern hervorgehoben werden.

So gibt es neben der Hauptgeschichte, die sich mit Konflikten zwischen den Familien beschäftigt, auch viele kleinere Handlungsstränge, durch die wir eine Verbundenheit zu den Figuren aufbauen. Gelegentliche Erledigungen über das Auftragsbrett, tägliche Gespräche und Geschenke verbessern die Beziehungen noch weiter, sodass auch Romanzen und Eheschließungen möglich werden. Auf eigenen Nachwuchs müssen wir allerdings verzichten, dieser wird laut Entwicklern wohl auch nicht mehr implementiert.

Jetzt wird’s magisch

Bis auf die magischen Spezies klingt Moonlight Peaks soweit noch wie ein normales Farming-Spiel. Dabei bietet es allerdings Optionen, die uns das Leben erleichtern, wie das bereits genannte Werkzeugrad, aber auch ein unendliches Lager, das wir übers Haus verwalten können, sowie die Möglichkeit im Laufe des Spiels die Länge der Nächte anzupassen. Leider fehlt hier noch die Möglichkeit, das Spiel jederzeit zu speichern.

Was das angeht, ist es genauso streng wie andere Genrevertreter und speichert nur, wenn wir uns schlafen legen. Wir müssen also immer einen kompletten Tag spielen, wenn wir keine Zeit verschwenden wollen. Da ein Tag standardmäßig circa fünfzehn Minuten lang ist, fällt dies nicht allzu sehr ins Gewicht. Es sei denn, das Spiel stürzt ab, was in der ganzen Testzeit (in der allerersten Version vor Updates) nur ein Mal vorkam.

Was ist nun anders? Auf den ersten Blick reißt die Atmosphäre einiges raus, um sich abzuheben. Die vielen dunklen Farbtöne lassen schöne Halloween-Stimmung aufkommen. Auch Tiere und Pflanzen sind eher ungewöhnlich. Kühe mit Flügelchen, einäugige Schweineziegen, herumfliegende Totenschädel oder Augenknoblauch geben der Spielwelt die nötige Würze. Mit einem Zauberstab können wir zudem Objekte bewegen, das Feld bewässern und ansonsten die Arbeit allgemein leichter machen. Schön ist dabei, dass jeder Zauber ein eigenes Muster hat, das wir lernen und mit dem Analogstick nachzeichnen. Fühlt sich gleich so viel magischer an!

Das Tüpfelchen auf dem magischen Paket sind schließlich die Verwandlungen, von denen wir insgesamt drei erlernen können. So flitzen wir im Laufe der Geschichte beispielsweise als Höllenkätzchen durch die Gegend, schlüpfen in kleine Löcher und kommen schneller von einem Ort zum anderen. Wobei schnell hier relativ zu betrachten ist, da uns die Ladezeiten an jeder Ecke ausbremsen.

Technisch noch Luft nach oben

Beim Betreten von Häusern und bei Gebietswechseln begrüßt uns erst einmal sekundenlange Schwärze. Die einzelnen Gebiete sind zügig abgelaufen, wodurch sich die Ladezeiten häufen und da wir in einer Nacht viel hin und her laufen, stören sie den Spielfluss extrem. Dazu gesellen sich gelegentliche Framerate-Einbrüche, die sich vor allem innerhalb der Stadt bemerkbar machen. Alles keine weltbewegenden Probleme, die den Entwicklern auch bekannt sind und durch zukünftige Updates ausgebessert werden sollen.

Immerhin wird unsere Ladezeit durch Musik überbrückt, die währenddessen weiterläuft. Sanfte Streichinstrumente streicheln unser Ohr, begleitet von langsamen Klaviertönen. Dazu gesellen sich gelegentlich Glockentöne, die genau das richtige Maß an Mysterium und magischer Stimmung aufbauen. Leider ist die Musik nicht dauerhaft zu hören. Öfters werden wir auch nur von Grillenzirpen und Eulengeheul beim Erkunden begleitet. Aber auch hier gehen Optik und Ton Hand in Hand. Moonlight Peaks bietet genau das, was man erwartet, wenn man an Halloween, Zauber und Geister denkt.

Vampirsein ist Nebensache, aber das ist nebensächlich

Bildmaterial: Moonlight Peaks, Marvelous, XSEED Games, Little Chicken

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Titel	Blue Reflection Quartet
	30. Juli 2026
	Koei Tecmo Games
	30. Juli 2026
	Koei Tecmo Games
	30. Juli 2026
	Koei Tecmo Games
System	PlayStation 5, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2, PCs
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	1.000.000
Entwickler	Gust
Genres	Character-Focused RPG
Texte
Vertonung

Die Blue-Reflection-Reihe ist eine unkonventionelle JRPG-Reihe vom Entwicklerstudio Gust, das man primär für die Atelier-Spiele kennt. Unkonventionell daher, da man vor allem den Erstling weder mit der üblichen Atelier-Kost noch mit einem klassischen JRPG vergleichen kann.

Gust selbst und vor allem Atelier-Illustrator Mel Kishida schufen mit Blue Reflection seinerzeit einen ambitionierten Titel, der atmosphärisch stark war und Gameplay sowie Story gänzlich auf die Beziehungen zwischen Schulmädchen und ihrer Gefühlswelt aufbaute.

Auch wenn der erste Titel mehr als nischig war, konnte dieser dennoch eine beachtliche Fanbase aufbauen. So folgte dem noch sehr ausbaufähigen ersten Teil eine Anime-Serie, ein technisch um Welten besseres Sequel und sogar ein Ableger für Smartphones, welcher jedoch weder den Weg außerhalb Japans fand noch seine eigenständige Geschichte zu Ende erzählen konnte.

Mit Blue Reflection Quartet bringt man nun alle verschiedenen Ableger des Franchises zusammen in einer Kollektion mit vier Spielen. Der Anime und das Spiel für Smartphones erhalten hierbei eine spielerische Umsetzung im Stile der bestehenden Blue-Reflection-Teile.

Quartet nutzt hier auch die Chance, alle vier Ableger in einer Zeitlinie zusammenzubringen und versucht Plotlöcher entsprechend aufzufüllen. Inwieweit Blue Reflection Quartet auch Nicht-Fans ansprechen kann, schauen wir uns nun im folgenden Test genauer an.

Das Stachelschweinsyndrom

Das erste Blue Reflection dreht sich um die Protagonistin Hinako Shirai, die nach einer Verletzung ihre Karriere als Balletttänzerin an den Nagel hängen muss. Sie wechselt an die Hoshinomiya-Mädchenschule, was auch den Beginn der Handlung widerspiegelt. Hinakos Gefühlswelt ist zu Beginn äußerst desolat. Sie fühlt sich leer, isoliert und hat ihre Zukunft praktisch aufgegeben. Als sie aber nun auf die mysteriösen Zwillinge Yuzu und Lime trifft, die ihr die Kraft einer sogenannten Reflector – einer Magical-Girl-Kämpferin – verleihen, wird ihr bisheriges Leben auf den Kopf gestellt.

Als Reflector bewegt sich unsere Protagonistin zwischen zwei Welten. Die normale Schulwelt, die dazu dient Freundschaften zu schließen und Schülerinnen zu helfen, mit ihren Gefühlen im Einklang zu leben; und die metaphysische Welt des sogenannten Common, in der die Gefühle der Menschen Gestalt annehmen. Die Interaktion zwischen den Schulkameraden und auch Kämpfe im Common sind schlussendlich eine große Selbstfindungsreise für Hinako auf ihrem Weg, sich wieder mehr zu öffnen, mit Selbstzweifeln umzugehen und auch Gefühle anderer in ihrer Welt zu akzeptieren.

Blue Reflection wählt hier bewusst einen eher langsamen, melancholischen und introspektiven Weg des Erzählstils und hebt sich somit auch von typischen JRPGs oder klassischen Heldenerzählungen ab. Die wichtigsten Aspekte sind eine atmosphärische Umsetzung der Gefühlswelt, der Umgang mit Selbstzweifeln und eigene Emotionen einzuordnen. Eigene sowie gegenseitige Akzeptanz und Neuanfang sind Themen, die nicht nur die Story bestimmen, sondern auch Gameplay-technisch verwendet werden.

Gefühlsknecht

Den kreativsten Ansatz liefert Blue Reflection mit seinem Gameplay. Zwar sind Kämpfe im Grunde rundenbasiert und wenig komplex, aber kreativ ist das System, über das die Charaktere aufleveln. In Blue Reflection geht es nämlich nicht darum, Kampferfahrung zu sammeln und physisch stärker zu werden. Vielmehr fließen hier die Hauptthematiken zwischenmenschliche Beziehungen, Gefühle und Emotionen auch ins Gameplay mit ein. So steigt man nur im Level auf, wenn man die Beziehungen zu den Schulkameradinnen über Quests, Unterhaltungen oder Dates pflegt.

Kämpfe sind im Grunde also ein Aspekt, dem man weniger Aufmerksamkeit schenken kann. Eine Umsetzung, die mir hier persönlich sehr gefällt, da sich das Gameplay hier perfekt atmosphärisch in die Story und Thematiken einwebt. Kämpfe gegen Monster sind nur metaphorischer Natur; wahre Größe erlangt man darüber, mental und emotional zu wachsen. Die Art, wie man Blue Reflection mit diesen Kernthematiken bis ins letzte Detail füllt, hat damals sicherlich auch einige Interessenten trotz technischer Mängel hier und da aufhorchen lassen.

Anime-Zusammenfassung mit minimalem Aufwand

Blue Reflection Ray übernimmt viele Konzepte des ersten Spiels, setzt aber neue Figuren in den Mittelpunkt. Hiori Hirahara und die introvertierte Ruka Hanari werden zu Reflectors und geraten in einen Konflikt zwischen zwei Weltanschauungen: Die blauen Reflectors bewahren Gefühle, die roten wollen belastende Emotionen entfernen, um Leid zu verhindern. Dadurch entwickelt sich Ray weniger zu einer Heldengeschichte als zu einer Diskussion über den Wert menschlicher Emotionen.

Im Zentrum steht die Gegenspielerin Shino, die den Common öffnen und die Menschheit von Schmerz, Einsamkeit und Verzweiflung befreien möchte. In Blue Reflection Quartet wird nun die vormals düstere Handlung des Animes in eine spielerische Zusammenfassung gepresst. Die beiden Protagonistinnen verlieren zu Beginn durch Shino ihren Antrieb und denken, dass Shinos Idee vielleicht doch keine so schlechte ist, doch Yuzu und Lime begleiten sie durch das Common und frischen ihre Erinnerungen auf.

Spielerisch ist das nicht viel mehr als eine Visual Novel mit animierten Szenen, zwar bewegt man sich aktiv durch das Common, begegnet aber keinen Gegnern. Es geht hier nur darum, die Erinnerungsfragmente einzusammeln und am Ende Shino zu stellen. Die Handlung des Animes ist hier sehr gestrafft und minimalistisch präsentiert, um Charakteren, die in späteren Spielen auftauchen, eine Einleitung zu geben. Grafisch wählt man hierfür den eher schwächeren Stil des ersten Teils, der doch sehr in die Jahre gekommen ist.

Asche zu Asche

Blue Reflection Sun nimmt innerhalb des Franchises eine besondere Rolle ein. Das ursprünglich nur in Japan veröffentlichte Mobile-RPG stellt die Verbindung zwischen Ray und Second Light dar und führt mit dem Ash-Phänomen eine neue Bedrohung ein. Diese geheimnisvolle Asche greift nicht den Körper, sondern Erinnerungen, Gefühle und Identität an und lässt die Welt langsam ihre emotionale Grundlage verlieren.

Im Gegensatz zu den Vorgängern liegt der Schwerpunkt nun weniger auf einzelnen emotionalen Krisen als auf einer schleichenden globalen Katastrophe. Die neuen Reflectors kämpfen weiterhin mit Einsamkeit, Verlust und Selbstzweifeln, doch diese persönlichen Geschichten sind direkt mit dem Zerfall der Welt verbunden. Leider ist der Erzählstil in der Blue-Reflection-Quartet-Umsetzung zu Sun mehr als konfus. Durch den Wegfall des ursprünglichen Spielaufbaus bleibt eine Art Zusammenfassung mit Bosskämpfen. Die Story wird ohne Übergänge heruntererzählt.

Szenen springen hin und her in Zeit und Raum und ein sinnvoller Erzählfluss ist nicht vorhanden. Zwar kriegt man möglichst viele Szenen aus dem Mobil-Spiel vermittelt, aber der Preis dafür ist ein Gebilde, das kaum Sinn ergibt und auch keinerlei Spielspaß vermittelt. Gelegentlich wird der Handlungserguss durch Bosskämpfe unterbrochen, die ein abgespecktes Format des neuen Kampfsystems aus Blue Reflection: Second Light präsentieren. Eine nette Einführung, aber auch kaum herausfordernd. Quartet liefert allerdings nun ein Ende für Sun, welches nun maßgeschneidert den Übergang zu Second Light schlägt.

Eine neue Welt aus Erinnerungen

Blue Reflection: Second Light bildet den Höhepunkt der gesamten Reihe und verbindet die Ereignisse aus dem ersten Spiel, Ray und Sun zu einer gemeinsamen Geschichte. Diesmal steht Ao Hoshizaki im Mittelpunkt, die in die geheimnisvolle Welt Oasis versetzt wird. Gemeinsam mit anderen Mädchen erkundet sie sogenannte Heartscapes, in denen verlorene Erinnerungen, Wünsche und Ängste verborgen liegen. Aus dem anfänglichen Schulalltag entwickelt sich dabei nach und nach ein großes Mysterium um die Vergangenheit der Figuren und das Schicksal der Welt.

Second Light ist technisch sowie spielerisch ein riesiger Schritt nach vorne zum ersten Titel. Nicht nur visuell hat sich hier viel getan, denn auch Gameplay-Mechaniken sind nun viel mehr an typische JRPGs angelehnt. Die Engine, die auch schon bei Atelier Ryza zum Einsatz kam, zeigt hier ebenso ihre positiven Aspekte. Das Gameplay und vor allem die Kämpfe sind nun viel dynamischer und bringen mehr Spaß. Ein standardmäßiges Level-System über Erfahrungspunkte ist zurück, allerdings spielen die zwischenmenschlichen Beziehungen weiterhin auch eine Rolle, die Charaktere zu verbessern.

Blue Reflection: Second Light ist definitiv das Highlight in der Kollektion und macht hier absolut die eher schlechten Umsetzungen von Ray und Sun mehr als wett. Ebenso bekommt Second Light durch die Verknüpfung aller Ableger neue Charaktere spendiert, die man sowohl im Kampf als auch nebenher näher kennenlernen darf.

Der Vierte wird’s richten

Die Atmosphäre der Blue-Reflection-Reihe ist besonders durch die Designs von Mel Kishida geprägt, der für seine pastellenen Artworks und hübschen Kleider bekannt ist. Die visuelle Atmosphäre ist seit dem ersten Teil ein wichtiger Bestandteil und wurde damals schon mit wenigen technischen Möglichkeiten umzusetzen versucht . Die Herangehensweise, Bilder sprechen zu lassen und das Gameplay eher ruhig im Hintergrund mitlaufen zu lassen, war definitiv ein kreativer Ansatz.

Besonders in Blue Reflection: Second Light sieht man das in seiner Vollendung. Die Charaktere sind Kishidas Illustrationen eins zu eins nachempfunden und mit Leben gefüllt. Emotionen werden perfekt in Szene gesetzt und jedes Mädchen mit seinen Eigenheiten im Detail umgesetzt. Zwar dreht man dem künstlerischen Ansatz des Erstlings ein wenig den Rücken zu, indem man mehr in Richtung solides JRPG geht, aber das war auch eine Entscheidung der Fans, die man seitens Gust in Second Light hat einfließen lassen.

Leider hat man sich bei der Umsetzung zu Ray und Sun für die Quartet-Kollektion weniger solche Gedanken gemacht. Diese wirken zu den ursprünglichen Spielen eher wie eine Pflichtarbeit eines Praktikanten. Visuell nutzt man hier nur das Minimum, obwohl man das exzellente Second Light als Vorlage hatte. Letztlich sind die beiden Teile aber auch nur schnödes Beiwerk, was man leider auch gänzlich ignorieren kann. Schade, aber das tut den beiden echten Spielen keinen Abbruch.

Für Historiker waren sie gute Freunde

Bildmaterial: Blue Reflection Quartet, Koei Tecmo, Gust

Der Beitrag Im Test! Blue Reflection Quartet ist eine Sammlung mit zwei Gesichtern erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Granblue Fantasy: Relink – Endless Ragnarok
	9. Juli 2026
	Cygames
	9. Juli 2026
	Cygames
	9. Juli 2026
	Cygames
System	PlayStation 5, PlayStation 4, Nintendo Switch 2, PCs
Getestet für	PC
Versionsnummer	1.000.000
Entwickler	Cygames
Genres	Action-RPG
Texte
Vertonung

Vor knapp 2,5 Jahren erschien mit Granblue Fantasy: Relink ein lang ersehnter Titel. Er überzeugte mit einer gut inszenierten (aber eher oberflächlichen) Story, toller Grafik und massig Content nach dem Durchspielen der Geschichte. In unserem Review schnitt das Spiel äußerst gut ab.

Nach der Veröffentlichung gab es noch weitere Missionen, neue DLC-Charaktere und generell neue Inhalte für das Spiel. Mit dem Endless-Ragnarok-DLC gibt es sechs neue Charaktere und zahlreiche Quests und Boss-Kämpfe sowie einen neuen Modus.

Wir haben uns die neuen Inhalte mal ganz kurz angeschaut (40 Stunden) und uns einen kleinen Eindruck verschafft (ich habe kaum geschlafen). Wenn ihr ein allgemeines Bild vom Grundspiel haben wollt, schaut euch gern unser oben verlinktes Review an!

Der neue Konflux-Modus

Mit diesem leichten Roguelike-Modus bringt Cygames einen neuen Modus in Granblue Fantasy: Relink, welcher euch vor allem eines erleichtern soll: das Sammeln von Materialien für Waffen. Mehrere Schwierigkeitsgrade, welche in mehrere Stages unterteilt sind, warten auf euch.

In diesen Leveln gibt es unterschiedliche Arten von Herausforderungen. Normale Gegner-Mengen, mehrere Wellen, ein Boss-Kampf oder ihr müsst einen gigantischen Fisch besiegen. Aber auch „Reichtums“-Räume gibt es, in welchen ihr Schätze oder Unterstützung für euren Run erhalten könnt.

In Rätsel-Räumen könnt ihr Kämpfe umgehen. Dafür müsst ihr dann wie bei einem Hütchen-Spiel den richtigen Mann herausfinden, habt ein „Finde den Unterschied in dem Gebiet“-Minispiel (welches sehr schwer wird) oder jagt ein Schleim-Monster. All das, um dann die Unterstützungs-Buffs zu bekommen. Diese gelten nur für den aktuellen Run und erhöhen eure Stärke, ermöglichen es Gegner zu vergiften, verstärken eure Burst-Angriffe oder vieles mehr. Ist ein Run vorbei, könnt ihr einen von mehreren Schätzen auswählen.

Diese Schätze bieten euch vor allem Materialien zum Schmieden oder Verbessern von Waffen. Dadurch wird vor allem im Base-Game das Aufleveln von Waffen deutlich einfacher gemacht und beschleunigt. Ich hatte einen Reddit-Post gesehen, in welchem die Person damals knapp 500 Stunden brauchte, um im Base-Game alle Endgame-Waffen zu schmieden. Dies sollte mit dem Konflux-Modus nun sehr, sehr viel schneller gehen. In kurzer Zeit hatte ich bereits für drei Figuren komplett aufgelevelte Terminus-Waffen und hätte noch mehr machen können, wenn ich gewollt hätte.

Alte Waffen, neu aufgelegt

Doch was vor dem DLC eine tolle Endgame-Waffe war, wird nun schnell zum schwachen Stock. Um den DLC zu betreten, müssen zahlreiche Missionen des ehemalig höchsten Schwierigkeitsgrads bewältigt werden. Die neuen Missionen setzen noch einmal ordentlich einen drauf und ballern euch die Effekte um die Ohren. Damit ihr nun weiter damit klarkommen könnt, gibt es die Möglichkeit, alte Waffen nun weiter zu verstärken. Da wird aus einer Waffe mit 2000 ATK dann schnell mal eine Waffe mit über 16.000 ATK-Stärke, auf noch nicht einmal höchster Stufe. Die neue Transzendenz-Funktion bringt neues Leben in alte Waffen und erhöht eure Zahlen ganz ordentlich.

Außerdem erhalten die Waffen austauschbare Merkmale. Ihr wollt anstatt erhöhtem kritischen Trefferschaden lieber mehr Schaden während Overdrive machen? Ist möglich, tauscht die Merkmale der Waffe einfach aus! Es gibt auch zahlreiche neue Siegel-Arten, die neue Möglichkeiten aufstellen und eure Charaktere noch stärker werden lassen. Und das braucht ihr auch: Die neuen Quests haben es in sich.

Die Aufgaben der Chaos-Schwierigkeitsstufe bringen euch zahlreiche bekannte Gesichter. Viele Monster, die ihr aus dem Base-Game kennt, haben ein etwas angepasstes Aussehen und vor allem neue Fähigkeiten. Ein Flammdil kann sich dann plötzlich in einen Meteorit-ähnlichen Stein verwandeln und volle Kanne auf die Arena knallen. Wer also denkt, man kenne ja alle Monster bereits auswendig, wird sich dann ordentlich umschauen.

Endlich Astralbestien zu Hilfe rufen!

Komplett neu ist im Kampf nun die Möglichkeit, eine Beschwörung durchzuführen. Dafür könnt ihr zahlreiche Beschwörungssteine erhalten, welche nicht nur im Kampf genutzt werden können, sondern euch auch zusätzliche Boni geben. Verstärkt eure Himmlischen Kräfte oder gebt euch mehr Lebenspunkte. Im Kampf selbst füllt sich dann eine Leiste auf, welche euch das Beschwören der Monster ermöglicht.

Manche tauchen auf und machen einen kurzen Effekt, andere greifen flott an – und die richtig fetten Klopper lassen sich von euch für kurze Zeit steuern. Ich habe zum Beispiel eine richtig starke Variante der Astralbestie Volkan Bolla als Drop erhalten. Nach Beschwörung hat der Gute dann einfach mal knapp 40 % der Lebenspunkte eines Bosses weggeknallt, was in diesen Missionen wirklich sehr viel ist.

Die Beschwörungen fügen sich wirklich gut in den Spielfluss ein, aber es ist schade, dass man sie erst ab der Endless-Ragnarok-Story bekommt. Ich verstehe, man wollte die Balance im Grundspiel nicht zerstören – dennoch schade, dass man diese Funktion nicht vorher in schwächerer Form bekommt. Abseits von den Beschwörungen an sich erhöht sich auch der Schaden eines Full Burst.

Habt ihr einen davon im Kampf genutzt, werden die nächsten dann zum Primal Burst. Der große Kombinations-Knall aller Charaktere bleibt gleich, aber danach gibt es einen Angriff einer von verschiedenen Astralbestien. Leider sind die Animationen hier vorgerendert und somit deutlich langsamer animiert. Das fällt halt auf, wenn man in 120 FPS spielt und dann plötzlich mit deutlich weniger FPS eine Animation läuft.

Auch alte Charaktere werden verbessert

Ist einer eurer Kämpfer auf Level 100, dann war das Leveln bisher vorbei. Das bleibt auch so. Allerdings könnt ihr nun eure Meisterschaftspunkte dafür verwenden, die Meisterfähigkeiten freizuschalten. Dies verbessert eure Charaktere noch einmal drastisch und macht damit auch Charaktere stärker, welche vielleicht gegen manch andere ein wenig alt aussehen.

Dabei könnt ihr zwischen unterschiedlichen Stilen wählen, je nachdem, wie ihr am liebsten mit dem jeweiligen Charakter spielt. Bei Zeta könnt ihr zum Beispiel die Konter-Fähigkeiten verbessern oder den endlosen Angriffs-Loop verbessern und erleichtern. Cagliostro kann zu einem besseren Support werden oder ihre eigenen Angriffe verstärken.

Je weiter ihr die Meisterfähigkeiten verstärkt, desto höher und besser werden die Werte der Charaktere. Ihr erhaltet mit den Level-ups dann Stil-Punkte, welche ihr zum Ausrüsten gewünschter Verbesserungen nutzen könnt. Ihr könnt diese jederzeit neu verteilen, falls ihr den Spielstil doch anders haben wollt. Die Meisterfähigkeiten sind eine tolle Möglichkeit, um eure liebsten Charaktere stärker zu machen und mehr zu individualisieren als bisher.

Eine Handvoll neue Charaktere (wenn ihr sechs Finger an einer Hand habt)

Mit dem Endless-Ragnarok-DLC erhaltet ihr Zugriff auf sechs neue Figuren. Diese könnt ihr jederzeit mit den Crewkarten eher erhalten – ihr könnt die neuen Charaktere aber auch einfach beim Spielen des DLC erhalten. So könnt ihr aber das Base-Game bereits mit ihnen absolvieren, bis auf Maglielle und Gallanza. Die beiden können erst nach dem Absolvieren der Story freigeschaltet werden. Und genau das habe ich gemacht und dutzende Stunden als Maglielle Schwerter durch die Gegend geworfen.

Da die Charaktere einen großen Teil des DLC ausmachen, möchte ich kurz auf alle eingehen!

Maglielle:

Die Harvin kennt man bereits aus der Hauptgeschichte von Granblue Fantasy: Relink und es ist eigentlich schon komisch, dass sie nun erst spielbar wird. Sie spezialisiert sich auf den Fernkampf, in welchem sie in einer endlosen Kombo ihre Schwerter auf den Feind wirft. Dabei kann sie mit dem Knopf für starke Angriffe verschiedene Kombo-Finisher durchführen.

Eine Leiste füllt sich neben ihr auf, welche den Einsatz des Schwertschleiers ermöglicht. Nutzt ihr diesen, gibt es ein kleines Fadenkreuz und eine riesige Schlange an Schwertern stürzt auf den Feind ein. Dabei wird noch ein weiterer Finisher aufgeladen, welcher dann auf den Gegner herabprasselt. Ihre Fähigkeiten können sich auf Schaden konzentrieren, aber auch auf Support. So kann sie Charaktere heilen und Unantastbar verleihen, was sämtlichen Schaden negiert. Ich habe sie aber meistens als puren Damage Dealer gespielt – ob das gut war oder nicht, sei dahingestellt.

Gallanza:

Bei diesem riesigen Draphen könnte man meinen, er sei ein langsamer, aber kraftvoller Tank-Charakter. Und das stimmt auch, größtenteils! Seine Angriffe sind aber gar nicht so langsam, haben aber ordentlich Wumms und eine gute Reichweite, dank seiner langen Waffe. Angriffe füllen seine persönliche Leiste auf.

Ist sie gefüllt, wechselt Gallanza in seinen Zermalmen-Modus. Dabei verliert er seine Rüstung, wird deutlich schneller und springt auf die Feinde. Sein komplettes Fähigkeiten-Arsenal ist auf ordentlichen Schaden ausgelegt. Wer also gern ordentlich harte Treffer austeilen möchte und trotzdem mobil sein will, sollte sich Gallanza genauer anschauen.

Beatrix:

Im Beta-Test durften wir bereits Beatrix anschauen. Sie hat eine spezielle Mechanik, welche auf ihrer Waffe basiert. Die Embrasque-Leiste füllt sich mit Angriffen und kann auf Knopfdruck zwischen drei Modi wechseln. Im Zwölf-Uhr-Modus erhöhen sich ihre Angriffe, sie erhält aber konstant selbst Schaden. Auf Vier Uhr heilt sich Beatrix regelmäßig und Acht Uhr erhöht ihre Abwehr.

Ist die Embrasque-Leiste voll, wechselt sie in den Kausalitätsfresser-Modus und alle Modi werden stärker, so wie Beatrix selbst. Ihr kompletter Spielstil wirkt auf den ersten Blick komplex und ehrlich gesagt ist er das auch beim Ausprobieren. Aber nach kurzer Zeit gewöhnt man sich daran, weiß, wann man wechseln sollte, und kann in den richtigen Momenten den richtigen Modus wählen.

Eustace:

Mit diesem Erune könnt ihr aus der Entfernung ordentlich Schaden ausrichten. Sein Magazin ist mit mehreren Kugeln geladen, die auf eure Feinde gefeuert werden. Normalerweise macht die letzte Kugel etwas mehr Schaden – aber mit seinen Fähigkeiten könnt ihr alle Kugeln verstärken oder ihr ladet sie per Knopfdruck auf. Seine Fähigkeiten ermöglichen auch Konter und schnelles Ausweichen. Wer Fernkampf mag, so wie ich, der wird in Eustace einen soliden Kämpfer finden.

Fraux:

Die schelmische Katze ist ein absolutes Kombo-Monster! Sie hat zwei verschiedene Modi, welche unterschiedliche Kombos ermöglichen. Und wenn ihr sie korrekt aneinanderreiht, hat man das Gefühl, dass die Kombos gar nicht mehr aufhören! Sind ihre beiden Leisten aufgefüllt, ermöglicht das sogar das Einsetzen von Fähigkeiten völlig unabhängig des Aufladungs-Status. Ihre Fähigkeiten und Angriffe erinnern ein wenig an Bayonetta, denn auch sie beschwört Arme für den Angriff aus Portalen. Ein sehr schneller und starker Charakter, außerdem ist sie unfassbar cute.

Fediel:

Diese nette Drachendame ist ein Mid-Range-Charakter, mit der ich erst nicht so richtig warm geworden bin. Aber mit ihren Fähigkeiten kann sie das Team verstärken, sich selbst einen Schild geben, Feinde versteinern und einen riesigen Energie-Ball auf die Gegner werfen. Nach einigen Runden habe ich mich dann auch in ihren Spielstil verliebt und echt viel Freude am Kämpfen mit Fediel. Außerdem hilft es, dass sie nett anzusehen ist.

Im Großen und Ganzen muss man sagen, dass sich alle neuen Charaktere perfekt einfügen und tolle neue Spielarten sowie Abwechslung bringen. Doch bisher hatte Granblue Fantasy: Relink generell einen guten Job dabei gemacht, unterschiedliche Spielstile einzubringen.

Allgemeine Updates zum Spiel

Neu mit dem Endless-Ragnarok-Update ist Crossplay zwischen den Plattformen. Dies hilft euch dabei, andere Spielende für Quests zu finden. Dafür benötigt ihr aber nicht den DLC – dieses Update gilt für alle! Auch neu ist die Möglichkeit, den vierten Platz im Team mit einem geliehenen Charakter zu füllen. Leiht euch einen Kämpfer eines anderen Spielenden aus oder nutzt einen der vom Spiel vorgegebenen Charaktere. Und ehrlich: MACHT DAS! Dies hilft euch massiv beim Vorankommen mit den Quests, denn dann müsst ihr erst einmal nur drei Charaktere ausbauen!

Es gibt noch andere Verbesserungen im Spiel. Beim Matchmaking müsst ihr nun nicht mehr herumstehen und seht den Status der anderen Spieler. Im Spiel selbst gibt es auch noch Verbesserungen: Ihr könnt den Himmlische-Kraft-Modus im Kampf jederzeit wechseln und müsst dafür nicht mehr in das Menü gehen. So habt ihr eine bessere Kontrolle über die NPCs. Außerdem könnt ihr schneller aus dem Kritischen Modus heraus, indem ihr einen Knopf gedrückt haltet! Es gibt noch zahlreiche kleine Verbesserungen, welche das Spielerlebnis verbessern und beschleunigen. Man hat sich hier wirklich Gedanken gemacht.

Ein toller DLC für ein tolles Spiel

Bildmaterial: Granblue Fantasy: Relink, Cygames

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Titel	Beast of Reincarnation
	4. August 2026
	Fictions
	4. August 2026
	Fictions
	4. August 2026
	Fictions
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Game Freak
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Dass Entwickler durchaus auch andere, gewagtere Wege bestreiten können, ist jetzt nicht unbedingt eine Seltenheit. Im Falle des japanischen Entwicklers „Game Freak“ jedoch schon ein kleines Novum in Sachen Gaming-Vielfalt.

Denn der japanische Entwickler mit Sitz in Chiyoda, Tokio, war zuvor vor allem für die zuletzt erschienenen Pokémon-Titel bekannt und möchte uns nun mit Beast of Reincarnation in gänzlich neue Gefilde entführen.

Das spezielle Setting mit exotischen und durchaus interessant gestalteten monsterähnlichen Kreaturen bleibt uns jedoch erhalten und so mag manch einer wohl direkt an ein erwachseneres Pokémon denken. Beast of Reincarnation ist jedoch weit mehr als das und vor allem eine ganze Ecke düsterer und melancholischer.

Erstmals offiziell angekündigt wurde der Titel erst im Jahre 2025 während eines Xbox Games Showcase. Erst zu diesem Zeitpunkt erfuhr man den eigentlichen Titel des Spiels, denn bis zu diesem Showcase war Beast of Reincarnation lediglich als „Project Bloom“ bekannt. Beast of Reincarnation ist außerdem der erste Titel, den Game Freak für PS5 und Xbox Series veröffentlicht, da man vorher lediglich für Nintendo entwickelte.

Beast of Reincarnation erscheint nach vielen Jahren der Warterei nun endlich am 4. August für PS5, Xbox Series und PCs und wird auf der Microsoft-Plattform sogar als Day-1-Titel im Xbox Game Pass vertreten sein. Ob uns das vielversprechende Monster-Abenteuer aus Fernost begeistern kann und ob sich ein Kauf lohnt, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Test.

Das Japan der fernen Zukunft wird von einer pflanzlichen Plage heimgesucht

Die tragische Geschichte von Beast of Reincarnation spielt im Jahre 4026. Wir übernehmen die Rolle von Emma, einer sogenannten „Versieglerin“, und ihrem treuen Begleiter, dem Wolfshund „Kuu“. Die Beziehung zwischen den beiden Abenteurern kann wohl am ehesten als „Synergie“ bezeichnet werden, denn Emma und Kuu verbindet mehr als nur der Drang nach Gerechtigkeit.

Emma ist mit der sogenannten „Plage“ geboren. Eine Art pflanzliches Virus, welches den Körper nach und nach einnimmt und beherrscht. Emma macht sich diese Gabe allerdings zu Nutze und kann mit Hilfe der Plage sogar Pflanzen kontrollieren und diese geschickt im Kampf oder zur Überwindung diverser Hindernisse nutzen. Aufgrund dieser Gabe wird Emma aber natürlich auch gemieden und als eine Art Außenseiterin angesehen.

Die Aufgabe eines Versieglers besteht außerdem darin, finstere und bedrohliche Kreaturen zu jagen und zu erlegen und deren Plage in sich aufzunehmen. Folglich kann die Plage dann keinen weiteren Schaden mehr anrichten und wird von den Versieglern sozusagen beherbergt. Hier kommt unser Begleiter Kuu wieder ins Spiel, denn auch Kuu ist eine Kreatur, welche die Plage in sich trägt. Genau dieser Umstand ist es jedoch auch, der die Beziehung zwischen Emma und Kuu so besonders macht. Die beiden teilen ein tragisches Schicksal.

Eines Tages erhalten Emma und Kuu die Aufgabe, in den Westen des Landes zu reisen, um das sogenannte „Beast of Reincarnation“ zu erlegen und die Plage ein für allemal in den Griff zu bekommen. Denn diese finstere Kreatur gilt als der Ursprung der Plage. Ein spannendes und gefährliches Abenteuer steht den beiden also nun bevor und am Ende geht es um nichts Geringeres als die Zukunft Japans.

Halboffene Spielwelt mit viel zum Entdecken und dystopischem Japan-Flair

Die Spielwelt von Beast of Reincarnation ist keine Open World im eigentlichen Sinne. Vielmehr sind die Areale zwar frei begehbar, untereinander aber dennoch in unterschiedliche Level beziehungsweise Kapitel unterteilt. Im Klartext heißt das, am Ende eines jeden Areals wartet ein Bosskampf, der das jeweilige Level beziehungsweise Kapitel abschließt. Danach wechseln wir in das nächste Kapitel und den neuen Abschnitt. In den Arealen selbst können wir uns also frei bewegen, haben aber dennoch stets einen roten Faden, der uns durch die Story leitet.

Mein einziger Kritikpunkt an dieser Art von Leveldesign ist die Tatsache, dass wenn man frühzeitig bestimmte Schlüsselorte im jeweiligen Areal besucht, noch keine Interaktion stattfinden kann, da die eine oder andere vorhergehende Aufgabe noch nicht erledigt wurde. So geht man den Weg quasi wieder zurück, erledigt die ursprüngliche Aufgabe und kommt dann an den bereits besuchten Ort zurück und kann die Story dann fortführen. Mir ist natürlich bewusst, dass die Levelstrukturen irgendeinen logischen Aufbau haben müssen, dennoch geht für mich damit auch ein Teil der Immersion verloren.

Nichtsdestotrotz bietet Beast of Reincarnation eine interessante Spielwelt, in der es auch immer wieder das ein oder andere Geheimnis zu finden gibt und die auch wirklich zum Erkunden einlädt. Spieler, die Lust auf eine melancholisch angehauchte, dystopische Spielwelt im Japan-Setting haben, sind hier also goldrichtig. Auch optisch verändern sich die Areale natürlich im weiteren Spielverlauf und so hat man auch nach mehreren Spielstunden nicht das Gefühl, stets das gleiche Areal mit leicht unterschiedlichem Aufbau zu spielen.

Skills lernen und verstehen ist enorm wichtig

Ein weiterer wichtiger Punkt ist außerdem die Tatsache, dass man sich wirklich gut mit dem Skillbaum und dessen Möglichkeiten beschäftigen sollte. Der Skillbaum, der sich nach und nach erweitert und neue Möglichkeiten bietet, ist enorm wichtig, da wir so wichtige Angriffe und Attribute erlernen können, die uns vor allem die hektischen Bosskämpfe deutlich erleichtern. Neben Emma hat auch Kuu einen eigenen Skillbaum mit eigenen Möglichkeiten.

Speziell in höheren Schwierigkeitsgraden werden die Bosskämpfe wirklich richtig anspruchsvoll und so möchte man natürlich auf keinerlei Hilfe verzichten, um die gigantischen Kreaturen effektiv erlegen zu können. Die Skillpunkte, die man im Skillbaum einsetzt, verdient man sich nach den Bosskämpfen und auch beim Levelaufstieg selbst. Beim Levelaufstieg kann man außerdem Punkte für Gesundheit, Stärke und die Fähigkeit, die Pflanzen-Energie effektiv zu nutzen, vergeben.

Im weiteren Spielverlauf findet man außerdem immer wieder neue Waffen und Rüstungsteile, die unterschiedliche Attribute aufweisen wie beispielsweise Giftschaden und dergleichen. Bei den unterschiedlichen Schwertern beispielsweise sieht man noch einen optischen Unterschied. Bei den Rüstungen jedoch handelt es sich um reine Punkte-Upgrades, die sich optisch nicht an der Spielfigur bemerkbar machen. Diese Rüstungen haben jedoch unterschiedlich viele Slots für diverse Upgrades.

Technisch ist da noch viel Luft nach oben

Das größte Manko an Beast of Reincarnation ist definitiv die durchwachsene Technik, mit der das Spiel quasi pausenlos zu kämpfen hat. Der Titel wurde auf Basis der Unreal Engine 5 entwickelt und sieht alles in allem auch wirklich schön aus. Speziell die Spielwelt selbst kann optisch durchaus überzeugen. Die zu häufig einbrechende Performance ist es allerdings, die den technischen Eindruck dann doch enorm trübt.

Wo die Charaktermodelle und die Umgebungen noch wirklich recht ansehnlich daherkommen, wird das Ganze einfach viel zu häufig durch ständig abfallende FPS zunichte gemacht. Egal ob man sich gerade außerhalb eines Kampfes in der Spielwelt herumtreibt oder sich gerade in einem hitzigen Kampf mit einem oder mehreren Feinden befindet, die FPS sind leider oft instabil und so fühlen sich vor allem die Kämpfe häufig chaotischer an, als sie eigentlich sein müssten. Gerade die Bosskämpfe gegen die gigantischen Kreaturen fallen so noch chaotischer und unübersichtlicher aus. Hier wäre definitiv mehr drin gewesen. Aber vielleicht kann der Entwickler Game Freak hier mit einem Day-1-Update noch etwas in Sachen Performance richten. In Arealen in denen wenig los ist und die Flora und Fauna auch eher mager ausfällt, kann das Spiel die 60 FPS natürlich meist schon halten.

Immer wieder sind mir außerdem, gerade in den Innenräumen, falsch beleuchtete Areale aufgefallen. Hier wusste die Engine manchmal nicht so recht, welche Lichtquelle jetzt gerade eigentlich wohin gehört. Bei einem Titel dieser Budgetklasse sollte so etwas wirklich nicht passieren. Trotz der eigentlich relativ schön anzusehenden Optik wird Beast of Reincarnation also immer wieder durch technische Unzulänglichkeiten gebremst und das ist sehr schade, da der Titel vor allem technisch so viel runder hätte sein können.

Gespielt habe ich Beast of Reincarnation auf einer Standard-PS5. Hier bietet der Titel außerdem die Möglichkeit, in einen Qualitäts-Modus mit 30 Frames und etwas höherer Auflösung oder einen Performance-Modus mit 60 FPS zu schalten.

Durchschnittlicher Soundtrack trifft auf durchaus ordentliche Effekte

Der Soundtrack von Beast of Reincarnation kann am ehesten als guter Durchschnitt bezeichnet werden. Mit fernöstlichen Klängen werden wir abseits der Kämpfe beschallt und speziell während der hektischen Bosskämpfe bekommen wir dann orchestralen Stress-Sound, ganz im Stile eines FromSoftware-Titels, auf die Ohren geballert. So steigt das Stress-Level deutlich an und die Kämpfe werden mental noch anstrengender. Aber irgendwie ist das ja auch so gewollt.

Die Soundeffekte hingegen wirken wirklich durchdacht und sauber umgesetzt. Hier gibt es eigentlich nichts zu bemängeln und tontechnisch macht der Titel einen wirklich ordentlichen Eindruck. Auch die Synchronisation ist durchaus gelungen. Ich habe den Titel mit japanischer Synchronisation gespielt und kann diese Einstellung auch empfehlen. Wie auch bei anderen Titeln mit Fernost-Setting trägt das einfach nochmal zusätzlich zur Atmosphäre bei.

Ein spannendes Abenteuer, welches von durchwachsener Technik ausgebremst wird

Bildmaterial: Beast of Reincarnation, Fictions, Game Freak

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Titel	Digimon Story: Time Stranger
	10. Juli 2026
	Bandai Namco
	10. Juli 2026
	Bandai Namco
	10. Juli 2026
	Bandai Namco
System	Nintendo Switch, Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Media.Vision
Genres	[J]RPG
Texte
Vertonung

Im vergangenen Oktober machten Bandai Namco und Media.Vision Digimon-Fans eine Freude und veröffentlichten Digimon Story: Time Stranger. Doch bis dato fehlten eine bzw. zwei Versionen. Während das Spiel ursprünglich für PlayStation 5, Xbox Series und PCs erschien, folgten kürzlich die Versionen für Nintendo Switch und Switch 2.

Wie gut sich die digitalen Monster auf der Hybrid-Konsole unter anderem unterwegs spielen lassen, wollten wir uns natürlich ansehen. Zumal ich mir persönlich diese Version besonders gewünscht hatte.

Zu Beginn jedoch ein kleiner Hinweis: In diesem Test werde ich nicht zu sehr auf die Handlung, das Gameplay und weitere Details eingehen. Diese Aspekte wurden bereits in dem Test für PlayStation 5 ausführlich behandelt und in den meisten Fällen hat sich an meinem Urteil sowie den Spielinhalten nichts geändert. Durch ein kostenloses Update, welches für alle Plattformen verfügbar ist, steigt dennoch der Komfort im Spiel.

Eine Welt vor dem Abgrund

Mit Digimon Story: Time Stranger erwartet euch ein Spiel, welches nicht nur Fans erfreut, sondern auch die Einstiegshürde für Neulinge niedrig hält. Dieses Mal steht kein Cyber-Detektiv, sondern ein Agent bzw. eine Agentin des geheimen Anomaliesonderermittlungsbüros „ADAMAS“ im Mittelpunkt. Die Organisation untersucht rätselhafte Phänomene.

Schnell erhärtet sich der Verdacht, dass sogenannte Phasenelektronen-Lebensformen – besser bekannt als Digimon – mit diesen mysteriösen Ereignissen in Verbindung stehen. Nach einer Explosion wird die Hauptfigur acht Jahre in die Vergangenheit geschleudert und in eine Geschichte um digitale Wesen, die Welt Iliad, Titanen und einen drohenden Krieg hineingezogen.

Erzählerisch bewegt sich das Spiel zunächst auf bekanntem (J)RPG-Terrain. Die Anfangsphase wird erklärungsreich erzählt und wiederholt einzelne Informationen etwas zu häufig. Hat die Handlung diese Hürde jedoch genommen, entwickelt sie spürbar mehr Zugkraft: Die Inszenierung wird emotionaler und stellenweise düsterer. Sie profitiert vor allem von den gelungenen Zwischensequenzen.

Besonders überzeugend ist das zentrale Motiv der Handlung, das sich um die Bindung zwischen Mensch und Digimon dreht. Dies wird etwa in der Beziehung zwischen Inori und Aegiomon spürbar. Ein kleiner Wermutstropfen ist allerdings, dass der Hauptcharakter nicht vertont ist. Dadurch verlieren einzelne dramatische Momente manchmal an Wirkung. Generell wirken wenige Stellen im Spiel seltsam, wenn diese – im Gegensatz zum restlichen Spiel und den meisten Dialogen – nicht vertont sind. Da stellt sich schon die Frage, ob diese Stellen vergessen wurden beim Vertonen.

Eine verbesserte Digifarm

Time Stranger setzt spielerisch auf ein rundenbasiertes Kampfsystem mit Digimon-Typen, Elementen und einer Zugleiste. Der Einstieg gelingt unkompliziert, doch gerade Bosskämpfe verlangen ein größeres taktisches Gespür: Schwächen, Resistenzen und Phasenwechsel müssen aufmerksam berücksichtigt werden. Komfortfunktionen wie der automatische Regenerationsmodus, das flexible Wechseln der Digimon zwischen Team und Box sowie frei anpassbare Fähigkeiten sorgen für ein angenehm flüssiges Spielgefühl.

Auch in der neuen Version bleibt das Sammeln, Trainieren und Digitieren von mehr als 450 Digimon das zentrale Spielelement. Aus den Daten besiegter Gegner entstehen eigene Partner, die im Team, in der Box oder auf der Digifarm eingesetzt werden können.

Letztere wurde mit dem bereits erwähnten kostenlosen Update komfortabel erweitert. Spielerinnen und Spieler können die Bedingungen für die Digitation nun direkt in der Farm in einem Menüfenster einsehen. Zwar muss man sich ein wenig bis zu diesem Fenster durchklicken. Generell wird dadurch die Verwaltung der Digimon innerhalb der Farm jedoch deutlich einfacher und übersichtlicher.

Dies war eines der Features, die von Fans bemängelt wurden, und es ist schön zu sehen, dass die EntwicklerInnen darauf gehört haben. So lassen sich die unterschiedlichen Werte, die trainiert werden müssen, direkt in der Farm einsehen.

Ein weiterer Wunsch der Fans war die Einführung des Digimon-Maskottchens Terriermon-Assistent, welches nun seinen Weg ins Spiel gefunden hat. Mithilfe der Reit-Funktion im Spiel kann Terriermon-Assistent sogar auf der Schulter des Agenten oder der Agentin Platz nehmen. Das Einzige, was dabei stören könnte, ist, dass die Spielfigur dann nicht mehr laufen kann und man sich nur im Schritttempo fortbewegen kann.

Verbesserte Präsentation

Wie die vorherigen Versionen kann sich auch die „Switch 2“-Version sehen lassen. In puncto Präsentation überzeugen erneut vor allem die Digimon selbst. Ihre 3D-Modelle, Animationen und individuellen Bewegungen sind sehr detailreich und tragen spürbar zur Lebendigkeit der Städte und Gebiete bei. Optisch unterscheidet sich die „Switch 2“-Version meiner Meinung nach kaum von der getesteten PS5-Version.

Neben den neuen Spielversionen erhalten Spielende nun die Wahl zwischen einem Qualitäts- und einem Leistungsmodus. Während der Qualitätsmodus eine Auflösung von 4K mit HDR und bis zu 30 FPS ermöglicht, priorisiert der Leistungsmodus die Bildrate und erreicht bis zu 60 FPS. Beide Modi liefen im Testzeitraum gut und ohne Komplikationen.

Zusätzlich steht ein neuer Fotomodus bei der Erkundung zur Verfügung, der sich ganz einfach per Schultertaste aktivieren lässt. Dadurch lassen sich Situationen und Umgebungen, die zwar nicht das Niveau aktueller Genregrößen erreichen, aber dennoch durch einen stimmigen Stil überzeugen, ideal fotografieren. So können beispielsweise die sichtbaren Gegner bei der Felderkundung oder die eigene Figur beim Digi-Ritt durch die Landschaft fotografiert und somit für immer festgehalten werden.

Das perfekte Spiel für unterwegs und die Couch

Bildmaterial: Digimon Story: Time Stranger, Bandai Namco, Media.Vision

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Titel	Halo: Campaign Evolved
	28. Juli 2026
	Xbox Game Studios
	28. Juli 2026
	Xbox Game Studios
	28. Juli 2026
	Xbox Game Studios
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Halo Studios
Genres	Ego-Shooter
Texte
Vertonung

Um die Halo-Reihe wurde es speziell in den letzten Jahren sehr still. „Halo Infinite“, der letzte große Ableger der traditionsreichen Shooter-Reihe aus dem Hause Microsoft, ist bereits im Jahre 2021 erschienen. Anschließend hielt man sich bei Microsoft, zum Ärger vieler Fans, ziemlich bedeckt, was die Zukunft der Reihe rund um den grünen Supersoldaten Master Chief anbelangt.

Erst im Oktober des Jahres 2024, als der bisherige Entwickler „343 Industries“ bekanntgab, dass man fortan unter dem neuen Namen „Halo Studios“ weiterhin an zukünftigen Titeln der Reihe arbeiten möchte, wurden Spekulationen rund um neue Halo-Titel lauter. Als ein Remake des ersten Teils, welcher ursprünglich im Jahre 2001 für die erste Xbox erschienen war, immer konkreter wurde, waren die Fans natürlich völlig aus dem Häuschen und hofften auf ein großes Comeback des Master Chiefs.

Am 28. Juli ist es nun endlich so weit und das vollwertige Remake des ersten Teils, welches auf Basis der leistungsstarken Unreal Engine 5 entwickelt wurde, erscheint für Xbox Series und PCs.

Das wohl mit Abstand größte Highlight ist jedoch die Tatsache, dass das Remake nun sogar zum allerersten Mal auf einer Sony-Konsole erscheint. Denn nun dürfen wir Halo: Campaign Evolved, wie das Remake nun heißt, sogar auf PlayStation 5 genießen. Ein Meilenstein in Sachen Halo-Geschichte und ein großer Schritt für Microsoft.

Ob das vielversprechende Remake auch heute noch so viel Spaß macht wie damals im Jahre 2001, erläutern wir euch natürlich wie immer in unserem ausführlichen Test.

Ein erbitterter Konflikt gerät völlig aus den Fugen

Die Geschichte von Halo: Campaign Evolved spielt in einer fernen Zukunft, in welcher die Menschheit bereits die Technologie für Lichtsprünge erforscht hat. Auch zuvor weit entfernte Ziele in der Galaxis sind nun binnen weniger Sekunden zu erreichen. Dies ermöglicht es der menschlichen Rasse, auch andere Planeten zu bereisen und zu kolonisieren.

Als die „Covenant“, eine den Menschen feindlich gesinnte Alienrasse, einen heiligen Krieg gegen die Menschheit ausruft, setzen die Menschen die sogenannten „Spartans“, eine in jeder Hinsicht überlegene Kampfeinheit von Supersoldaten, gegen die Covenant ein, um letztendlich überhaupt eine Chance gegen die schier übermächtigen Gegner zu haben.

Im Jahre 2552 greifen die Covenant schließlich den Planeten „Reach“ an, ein zentraler militärischer Stützpunkt der Menschen. Durch diesen fatalen Angriff wurde die Kolonie der Menschheit fast vollständig ausgelöscht. Das Sternenschiff, die „Pillar of Autumn“, konnte jedoch im letzten Moment fliehen und mit ihm der letzte Hoffnungsschimmer der Menschheit – der letzte verbliebene Spartan. Dieser trägt den Namen „Master Chief Petty Officer John-117“ und ist quasi unser Hauptcharakter und der wichtigste Charakter im gesamten Halo-Universum. Von hier aus beginnt die tragische Geschichte rund um einen erbitterten Kampf zwischen zwei Rassen und den letzten Hoffnungsschimmer der gesamten Menschheit, den Master Chief.

Wegweisender Shooter, der dem Genre viele Türen und Tore öffnete

Halo: Campaign Evolved ist die logische Weiterentwicklung von Halo: Combat Evolved, dem Original aus dem Jahre 2001. Halo: Combat Evolved öffnete schon damals viele Türen und Tore und machte das Shooter-Genre speziell auf Konsolen überhaupt erst so richtig salonfähig.

Viele Features wie beispielsweise Autoaiming wurden durch den Microsoft-Shooter überhaupt erst so richtig im Genre etabliert und zeitgleich auch quasi schon fast perfektioniert. Also ein großer Titel für das Shooter-Genre, sowohl was technische Features als auch die optische und atmosphärische Präsentation im Allgemeinen betrifft.

Das grundlegende Gameplay von Halo: Campaign Evolved ist dabei jedoch eigentlich recht simpel gehalten. In, zumindest für einen Shooter, relativ großen Arealen kämpfen wir uns von Areal zu Areal, stets auf der Suche nach dem nächsten markierten Missionspunkt. Auf unserem Weg dorthin dürfen wir uns auch hinter das Steuer von allerlei Fahrzeugen klemmen.

Neben dem „Warthog“, einem gepanzerten Geländefahrzeug, können wir auch diverse Raumgleiter kapern und steuern. Erstmals kombinierte Halo die Genrezüge eines Shooters mit typischen Open-World-Elementen, wie beispielsweise der Übernahme von Fahrzeugen. Dass dies einwandfrei funktionierte und auch äußerst gut von der Spielerschaft aufgenommen wurde, zeigt der enorme Erfolg, den die Halo-Reihe bis heute vorweisen kann.

Auf der Höhe der Zeit

Auch in Sachen Vielfalt, was die Locations anbelangt, braucht sich Halo: Campaign Evolved nicht vor der neuzeitigen Genrekonkurrenz verstecken. Alles in allem wirkt der Titel also auch heute noch sehr gut spielbar und bis auf die etwas angestaubte Levelstruktur, die heutzutage eben anders gemacht wird als damals, kann man Halo: Campaign Evolved nur wenig Negatives vorwerfen.

Im Kern ist und bleibt Halo: Campaign Evolved ein Shooter, wie man es von einem Vertreter dieses Genres auch erwarten würde. Es wird viel geballert, viele Granaten geworfen und speziell dem Hauptaugenmerk der Halo-Reihe, dem Nahkampf, wird ordentlich gefrönt. Der Nahkampf war und ist ein fester Bestandteil der Kampfmechanik eines jeden Halo-Titels und schon fast unverzichtbar, um den Covenant in hitzigen Situationen den letzten Rest zu geben. Einfach befriedigend und erfüllend.

Grafisch nun in die Moderne transportiert – ein Augenschmaus

Speziell die aufgebohrte Optik liegt bei einem Remake dieser Art und Klasse natürlich absolut im Fokus. Halo: Campaign Evolved setzt daher auf die Unreal Engine 5. Diese ermöglicht es den Entwicklern, unglaublich detaillierte Landschaften mit schier endloser Weitsicht auf den Bildschirm zu zaubern. Dennoch bleibt das hektische Kampfgeschehen stets flüssig und sieht dabei auch noch verdammt gut aus. So muss sich ein Remake anfühlen und aussehen.

Die schönen Landschaften werden zudem von tollen Licht- und Partikeleffekten abgerundet. Das Gesamtbild stimmt hier einfach absolut und durch die neue Optik hat man schon fast das Gefühl, man würde einen Shooter der Neuzeit spielen.

Im Performance-Modus hält Halo: Campaign Evolved außerdem stets die flüssigen 60 Frames. Einbrüche habe ich während der Testsession auf einer Standard-PS5-Konsole nie feststellen können. Der Qualitäts-Modus mit verbesserten Raytracing-Effekten senkt die Frames auf magere 30 ab. Auch PS5-Pro-Nutzer müssen im Qualitäts-Modus mit niedrigeren Frames leben, erhalten dafür im Gegenzug aber noch bessere Raytracing-Effekte.

Gänsehaut-Soundtrack gepaart mit tollen Effekten und stabiler Synchronisation

Neben dem klassischen und absolut kultigen Halo-Soundtrack, den wohl jeder Gamer kennen wird, gibt es auch schmetternde Soundeffekte und eine absolut ordentliche Synchronisation auf die Ohren. Speziell während der brachialen und stets hämmernden Feuergefechte dreht der Sound so richtig auf und man fühlt sich schon fast, als würde man gerade selbst auf dem intergalaktischen Schlachtfeld stehen und um die Zukunft der gesamten Menschheit kämpfen.

Allen voran die Waffensounds wurden wirklich toll überarbeitet. Die ohnehin schon wuchtigen Schießeisen haben nun nochmal eine ganze Ecke mehr Power. Zumindest akustisch. Ein Fest für die Sinne, könnte man sagen, und auch für Hardcore-Halo-Fans eine erneute Runde wert.

Online-Multiplayer leider nur in abgespeckter Form enthalten

Der für mich mit Abstand größte Negativpunkt ist das Fehlen eines konkreten Online-Mehrspielermodus. Den hatte das Original aus dem Jahre 2001 zwar auch nicht, aber im Jahre 2026 könnte man so etwas von einem Remake dieser Art schon erwarten.

Lediglich ein Online-Koop-Modus, der wahlweise auch auf der heimischen Couch spielbar ist, ist vorhanden. Hier hat man dann quasi die Möglichkeit, die Kampagne mit einem Freund oder Bekannten zu erleben. Besser als nichts, möchte man meinen, aber dennoch weit hinter den eigentlichen Möglichkeiten. Da der Mehrspielermodus für jeden Halo-Teil quasi essenziell ist, muss dieser Umstand auf jeden Fall deutlich erwähnt werden.

Der Master Chief ist zurück und lässt es ordentlich krachen

Bildmaterial: Halo: Campaign Evolved, Xbox Game Studios, Halo Studios

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Titel	Assassin’s Creed Black Flag Resynced
	9. Juli 2026
	Ubisoft
	9. Juli 2026
	Ubisoft
	9. Juli 2026
	Ubisoft
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Ubisoft
Genres	Open-World-Abenteuer
Texte
Vertonung

Der wohl mit Abstand beliebteste Ableger der weltweit gefeierten und enorm erfolgreichen Assassin’s-Creed-Reihe aus dem Hause Ubisoft dürfte zweifelsohne das spektakuläre Piraten-Abenteuer „Assassin’s Creed IV: Black Flag“ aus dem Jahre 2013 sein.

Ursprünglich erschien das actiongeladene Abenteuer mit dem wunderschönen Karibik-Setting für PlayStation 3/4, Xbox 360/One, Nintendo Wii U und Windows. Da Black Flag ein Schwellentitel war, also ein Titel, der sozusagen zwischen den Konsolen-Generationen erschien, entschied man sich bei Ubisoft dafür, den Titel auch auf den zum damaligen Zeitpunkt frisch erschienenen Next-Gen-Konsolen PlayStation 4 und Xbox One zu veröffentlichen. Für diese Konsolen erschien der Titel natürlich in technisch aufgebohrter Form und war somit schlussendlich eine ganze Ecke ansehnlicher als die Last-Gen-Versionen der PS3 und Xbox 360.

Viele Fans äußerten über die Jahre immer wieder den Wunsch nach einem Remake ihres Lieblingsablegers der Reihe. Nach vielen Jahren der Warterei war es nun endlich so weit und das gefeierte Piraten-Abenteuer erschien am 9. Juli als vollwertiges Remake für PlayStation 5, Xbox Series und PCs. Dieses vollständig überarbeitete Remake trägt den Titel Assassin’s Creed Black Flag Resynced. Man wollte bei Ubisoft wohl sicherstellen, dass sich das Remake auch namenstechnisch klar vom Original abgrenzt, um Verwechslungen zu vermeiden.

Ob sich das von vielen Fans der Reihe so herbeigesehnte Remake auch heutzutage noch gut spielt und ob das Piraten-Abenteuer auch heute noch den gewissen Charme hat, den es damals im Jahre 2013 versprühen konnte, erfahrt ihr in unserem ausführlichen Review.

Das goldene Zeitalter der Piraterie und der Traum von einem besseren Leben

Die Geschichte von Assassin’s Creed Black Flag Resynced beginnt im Jahre 1715 zur Zeit des „goldenen Zeitalters der Piraterie“. Wir übernehmen die Rolle des Edward Kenway, einem britischen Piraten, der auf der Suche nach einer besseren Zukunft ist und daher auch bereit ist, jede noch so kleine Chance zu nutzen, um dieses Ziel zu erreichen.

Als Edward nach einer Auseinandersetzung mit einem Assassinen an dessen Uniform gelangt, verspricht er sich dadurch neue Möglichkeiten und vielleicht eine Chance auf eine rosigere Zukunft in dieser erbarmungslosen Welt. Unter den Besitztümern des Assassinen findet Edward unter anderem auch ein seltsames Kristallgefäß sowie einen Brief des spanischen Gouverneurs Laureano Torres, der in Havanna eine hohe Belohnung verspricht. Edward nutzt diese Chance natürlich und nimmt die Identität des getöteten Assassinen an, um sich diese vielversprechende Belohnung abzuholen. Als Edward dann auch noch dem Händler „Stede Bonnet“ aus der Klemme hilft und dieser unseren Helden mit seinem Schiff zum Dank nach Havanna bringt, beginnt das Abenteuer rund um glorreiche Piraterie, Reichtum und die weite See, die geradezu nach Abenteuern ruft. Ein waschechtes Piraten-Abenteuer der Oberklasse, könnte man sagen.

Leinen los, ihr Landratten!

Assassin’s Creed Black Flag Resynced ist im Kern ein klassisches Assassin’s-Creed-Abenteuer, wie es im Buche steht. So hat man neben den spannenden und actiongeladenen Hauptquests auch allerlei nebenbei zu tun. Neben unzähligen Nebenquests können wir uns also auch mit einer wahren Flut an weiteren Nebenaktivitäten beschäftigen. Neben äußerst vielen Synchronisations-Türmen, die typisch für die Reihe sind, warten auch andere Aktivitäten wie beispielsweise diverse Minispiele darauf, von uns entdeckt zu werden. Die Spielwelt von Black Flag fühlt sich also durchaus lebendig und voll an und geizt nicht mit Aktivitäten, die euch regelmäßig von der eigentlichen Hauptstory ablenken und auf andere Pfade führen.

Speziell beim Design der Hauptquests spürt man dann allerdings einfach doch die Jahre, die der Titel mittlerweile auf dem Buckel hat. Wenn man die großen Quests mit denen eines Assassin’s Creed Shadows vergleicht, spürt man deutlich, wie weit sich Gaming, speziell im Open-World-Genre, in diesen Jahren weiterentwickelt hat. Die Quests wirken bei Shadows beispielsweise einfach umfangreicher und somit noch immersiver.

Man kann Ubisoft sicher viel vorwerfen, aber der Entwickler und Publisher verstand es schon immer, eine immersive Open-World zu erschaffen, die sich wirklich realistisch und glaubwürdig anfühlt und das kann man keinesfalls von jedem Entwicklerstudio behaupten. Hier muss man nach dem, zumindest für meinen Geschmack, phänomenalen Assassin’s Creed Shadows erneut ein großes Lob in Sachen immersive Spielwelt aussprechen. Durch die nun in die Moderne transportierte Technik von Black Flag wirkt die Welt jetzt noch realistischer und glaubwürdiger, als es bereits zuvor der Fall war.

Spannende Seeschlachten lockern das serientypische Stealth-Gameplay auf

Ein großes Highlight ist neben dem bereits aus vergangenen Ablegern typischen Assassin’s-Creed-Gameplay, das vor allem auf Stealth-Mechaniken setzt, auf jeden Fall die Schifffahrt, die in diesem Ableger eine noch größere Rolle einnimmt, als es noch bei Assassin’s Creed III der Fall war. Schließlich fühlt man sich doch erst wie ein richtiger Pirat, wenn man endlich hinter dem Steuerrad eines riesigen Schiffes Platz nehmen darf.

Während der spektakulären Seeschlachten haben wir sogar die Möglichkeit, die gegnerischen Schiffe zu entern und zu übernehmen. Natürlich können wir auch deren Fracht an uns reißen und das neu eroberte Schiff unserer Piratenflotte hinzufügen. Speziell während größerer Stürme sind die Seeschlachten in Sachen Atmosphäre kaum zu überbieten. Das ist Action auf Hollywood-Niveau und daher halte ich Black Flag bis zum heutigen Tag für ungeschlagen in Sachen Piraten-Setting.

Fantastische Optik mit modernisierter Engine lässt die Karibik erstrahlen

Das Remake von Black Flag basiert auf Ubisofts hauseigener „Anvil Engine“. Diese kam in ihrer Ursprungsform bereits beim ersten Assassin’s-Creed-Ableger aus dem Jahre 2007 zum Einsatz. Die aktuell genutzte Engine trägt den Namen „Anvil Pipeline“ und wurde zuvor für Assassin’s Creed Shadows verwendet und das sieht man dem Remake von Black Flag auch an. Im positiven Sinne, versteht sich.

Diese in die moderne transportierte Engine vermag es gekonnt, spektakuläre Landschaften darzustellen, denen es keinesfalls an Details mangelt. Neben einer unglaublichen Weitsicht glänzt die Engine außerdem mit fantastischen Lichteffekten und knackigen Texturen. Die Animationen fallen wie auch bei Shadows wirklich fantastisch aus. Auch wenn der Japan-Ableger vielleicht hier und da noch eine Ecke ausgereifter und vor allem in Sachen Animationen noch eine Ecke geschmeidiger war, zumindest für meinen Geschmack.

Auch in hitzigen Situationen kommt die neue Variante der Anvil Engine absolut nicht ins Stocken und so dürfen wir zu jeder Zeit flüssige 60 Frames im Performance-Modus genießen. Liebhaber höherer Auflösungen dürfen wahlweise in den Qualitäts-Modus schalten. Hier muss man sich dann allerdings wieder mit 30 Frames begnügen. Auch auf der PS5 Pro läuft der Titel im Qualitäts-Modus lediglich mit 30 Frames. Auf Sonys Flagschiff-Konsole verbessert sich im Endeffekt also lediglich der Raytracing-Effekt etwas, die niedrigen Frames bleiben uns jedoch leider erhalten. Kein wirklicher Zugewinn in Sachen Performance.

Durchweg eingängiger Soundtrack mit tollen Effekten und fantastischer Synchronisation

In Sachen Soundtrack und Effekte gibt es ebenfalls absolut nichts zu bemängeln. Der eingängige Soundtrack passt perfekt zum Karibik-Setting und rundet das Flair gekonnt ab. Abgerundet wird das Ganze zudem von den knackigen Soundeffekten, die gerade während der bereits erwähnten Seeschlachten erst so richtig aufdrehen und das Spielgeschehen in eine absolut spektakuläre Schlacht auf Hollywood-Level verwandeln. Wirklich beeindruckend und ein Fest für die Sinne.

Aber auch die Synchronisation kann sich sehen beziehungsweise hören lassen. Die englischen Sprecher leisten einen fantastischen Job, aber auch die deutschen Gegenparts liefern ordentliche Arbeit ab und ausnahmsweise hatte ich sogar Freude mit der deutschen Synchronisation. Denn eigentlich bin ich ja absoluter O-Ton-Verfechter, der Videospiele meist nur im Originalton genießt.

Ein immer noch beeindruckendes Piraten-Abenteuer nun in die Moderne transportiert

Bildmaterial: Assassin’s Creed Black Flag Resynced, Ubisoft

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Titel	Splatoon Raiders
	23. Juli 2026
	Nintendo
	23. Juli 2026
	Nintendo
	23. Juli 2026
	Nintendo
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Nintendo
Genres	Action, Shooter
Texte
Vertonung	–

Als Splatoon 2015 auf der Wii U erschien, ahnte wohl kaum jemand, dass sich Nintendo damit eine seiner erfolgreichsten neuen Marken der vergangenen Jahre aufbauen würde. Vor allem in Japan entwickelte sich die Reihe schnell zu einem riesigen Erfolg, doch auch im Westen gewann sie mit jedem Ableger mehr Fans hinzu. Entsprechend folgten 2017 und 2022 mit Splatoon 2 und Splatoon 3 zwei Nachfolger für die Nintendo Switch. Eines hatten allerdings alle Teile gemeinsam: Der Multiplayer stand stets klar im Mittelpunkt.

Zwar besaß jeder Serienteil auch einen Story-Modus, dieser war jedoch meist nach wenigen Stunden abgeschlossen. Das war allerdings nie wirklich ein Problem. Im Gegenteil: Viele SpielerInnen freuten sich sogar auf diese kurzweiligen Einzelspieler-Kampagnen. Kleine Rätsel, abwechslungsreiche Level, das spielerische Heranführen an die wichtigsten Mechaniken, spektakuläre Bosskämpfe und natürlich die gewohnt mitreißende Musik machten den Reiz aus.

Nintendo wusste offenbar selbst, wie beliebt dieser Teil der Reihe war. Nicht umsonst spendierte man Splatoon 2: Octo Expansion und Splatoon 3: Side Order jeweils umfangreiche Einzelspieler-Erweiterungen – insbesondere die Octo Expansion zählt für viele Fans bis heute zu den besten DLCs, die Nintendo je veröffentlicht hat.

Mehr als nur ein Tutorial?

Mit Splatoon Raiders wagen die Inklinge und Oktolinge nun ihren ersten großen Auftritt auf Nintendos neuer Hardware – und erstmals scheint sich ein Ableger vollständig dem Einzelspieler zu verschreiben. Auf dem Papier klingt das nach genau dem Spiel, das sich viele Fans der Kampagnen seit Jahren gewünscht haben.

Ob Nintendo den besonderen Charme der bisherigen Story-Modi tatsächlich auf ein vollwertiges Abenteuer übertragen kann und ob der Geist vergangener Splatoon-Einzelspieler-Abenteuer auch diesmal wieder eingefangen wird, klären wir in diesem Test.

Schatzsuche im Salmoniden-Revier

Gemeinsam mit dem Surimi Syndicate – bestehend aus Mako, Muri und Mantaro – macht sich unsere Spielfigur als Mechaniker beziehungsweise Mechanikerin auf die Jagd nach wertvollen Schätzen. Das Ziel sind die geheimnisvollen Spiralit-Inseln, doch schon kurz nach der Ankunft nimmt das Abenteuer eine unerwartete Wendung. Das Team stürzt ab und strandet auf einer zunächst idyllisch wirkenden Inselgruppe.

Ganz so verlassen, wie sie auf den ersten Blick erscheinen, sind die Inseln allerdings nicht. Die Region wird von den Salmoniden bewohnt, die wenig Interesse daran haben, Fremde ungestört ihre Schätze bergen zu lassen. Fans der Reihe dürften die unterschiedlichen Kreaturen sofort wiedererkennen, schließlich spielten sie bereits im kooperativen Salmon Run aus Splatoon 2 und 3 eine zentrale Rolle.

Mehr Lore statt großer Dramatik

Unser Ziel ist es, möglichst viele Schätze zu bergen und gleichzeitig einen Weg zurück in die Zivilisation zu finden. Die eigentliche Handlung bleibt dabei allerdings eher Nebensache. Im Verlauf der Reise erfährt man zwar mehr über die drei Mitglieder des Surimi Syndicates und stößt auf eine geheimnisvolle Bedrohung, die sich im Auge des Sturms über den Spiralit-Inseln zusammenbraut, echte Überraschungen bleiben jedoch aus.

Eine tiefgründige Geschichte sollte hier ohnehin niemand erwarten. Stattdessen erzählt Raiders seine Hintergrundgeschichte überwiegend über versteckte Hinweise in der Spielwelt selbst, die immer wieder interessante Details liefern und stellenweise Verbindungen zu den vorherigen Spielen herstellen. Wer sich aufmerksam umschaut, entdeckt hierbei einige spannende Lore-Häppchen – der eigentliche Grund, warum man Raiders spielt, ist die Geschichte am Ende aber trotzdem nicht.

Bewährte Stärken mit überraschend viel Tiefe

Spielerisch läuft Splatoon Raiders zur Höchstform auf. Das bewährte Gunplay und die einzigartige Fortbewegung der Reihe kehren in Bestform zurück. Mit zahlreichen Waffen und Waffentypen sowie dem fließenden Wechsel zwischen „menschlicher“ Gestalt und Tintenfischform fühlen sich Veteranen sofort zuhause. Durch die eigene Tinte zu schwimmen, blitzschnell Positionen zu wechseln und Gegner einzufärben funktioniert auch auf Nintendos neuer Hardware gewohnt hervorragend.

Eigentlich bin ich kein großer Fan von Bewegungssteuerung, das war bei Splatoon aber schon immer anders. Auch in Raiders war es für mich das Mittel der Wahl und hat sehr gut funktioniert.

Neu hinzu kommen die sogenannten Gimmicks – eine Art Sekundärwaffe, die an drei unterschiedliche Tank-Typen gebunden ist: Tempo, Kraft und Technik. Je nach Wahl stehen völlig unterschiedliche Fähigkeiten zur Verfügung. Ob stationärer Geschützturm, schneller Dash, mächtige Schockwelle oder schützende Farbblasen – die Möglichkeiten unterscheiden sich deutlich und eröffnen zahlreiche Spielstile. Über zusätzliche Gimmick-Mods lassen sich diese Fähigkeiten weiter anpassen, wodurch überraschend viele Build-Kombinationen entstehen.

Ein Gameplay-Loop mit Suchtpotenzial

Auf den Missionen ist man außerdem nie allein unterwegs. Stets begleitet euch ein frei wählbares Mitglied des Surimi Syndicates, das euch im Kampf unterstützt und außerhalb der Gefechte besondere Fähigkeiten beisteuert. So ermöglichen die Begleiter beispielsweise besonders hohe Sprünge oder helfen dabei, Gegner unter Druck zu setzen. Dadurch fühlen sich die Ausflüge angenehm dynamisch an und lockern das Gameplay zusätzlich auf.

Einen großen Anteil am Spielspaß hat außerdem die motivierende Progression. Waffen, Gimmicks, Tanks und sogar die eigenen Charakterwerte lassen sich nach und nach verbessern. Jeder Durchlauf bringt neue Materialien und Erfahrungspunkte, sodass man selbst nach einer Niederlage das Gefühl hat, dauerhaft stärker zu werden. Genau dieser Gameplay-Loop entwickelt einen enormen Sog. Kaum ist ein Run beendet, möchte man direkt den nächsten starten, um weitere Upgrades freizuschalten oder eine neue Kombination auszuprobieren.

Wer bereits viele Stunden im Salmon Run verbracht hat, wird sich in Raiders sofort heimisch fühlen. Das gilt allerdings sowohl für die Stärken als auch für die Schwächen. Die Kämpfe können mitunter ausgesprochen hektisch und unübersichtlich werden, wenn sich Gegner aus allen Richtungen auf einen stürzen. Mich persönlich störte das kaum, da die Balance insgesamt gelungen wirkt und die Gefechte dauerhaft ein angenehmes Maß an Spannung erzeugen, ohne unfair zu werden.

Inselhopping mit gewohntem Splatoon-Charme

Auf eine offene Spielwelt verzichtet Splatoon Raiders. Stattdessen wählt man von einer Oberwelt aus verschiedene Missionen an und springt von Insel zu Insel, stets auf der Suche nach neuen Schätzen. Neben klassischen Erkundungsmissionen warten auch Rätselräume, die sich jeweils um ein bestimmtes Gimmick drehen und mit überraschend kreativen Ideen aufwarten.

In den Tiefenruinen stehen dagegen mehrere Gegnerwellen unter Zeitdruck auf dem Programm, ehe am Ende stets ein Bosskampf wartet. Gerade diese Abschnitte können den Schwierigkeitsgrad ordentlich anziehen. Zusätzlich verstecken sich in einigen Leveln Sammelobjekte, mit denen weitere Herausforderungen freigeschaltet werden. Wer also gerne jeden Winkel absucht, kommt ebenfalls auf seine Kosten.

Technisch ein Volltreffer

Technisch hinterlässt das Spiel einen sehr guten Eindruck. Während des gesamten Tests lief Splatoon Raiders auf der Nintendo Switch 2 mit konstanten 60 Bildern pro Sekunde. Selbst in besonders chaotischen Gefechten mit zahlreichen Gegnern und Farbeffekten bleibt das Geschehen angenehm flüssig – ein großer Pluspunkt für das schnelle Gameplay. Zwar gehört Raiders nicht zu den detailreichsten Spielen auf der Konsole, den unverwechselbaren Splatoon-Look fängt Nintendo aber erneut hervorragend ein. Bugs, Abstürze oder andere technische Probleme sind mir während der gesamten Testphase nicht begegnet.

Auch musikalisch bleibt sich die Reihe treu. Der Soundtrack reicht von experimentellen Klängen bis hin zu treibenden Rock- und Elektro-Stücken, die die Gefechte perfekt untermalen. Fans der Serie wissen zudem, dass Splatoon seine größten musikalischen Highlights traditionell für das Finale aufspart – und auch Raiders bildet hier keine Ausnahme. Gerade die letzten Spielstunden werden von einem spektakulären Soundtrack begleitet, der den ohnehin gelungenen Abschluss noch einmal deutlich aufwertet.

Kompakter Umfang, gelungener Koop

Insgesamt stehen drei Schwierigkeitsgrade zur Auswahl, zwischen denen jederzeit gewechselt werden kann. Auf der normalen Stufe, die den Namen Raider trägt, bleibt das Abenteuer über weite Strecken angenehm ausbalanciert und gut machbar. Erst kurz vor dem Finale fällt ein kleiner Balancing-Ausreißer auf: Die Gegner werden plötzlich deutlich stärker, sodass ein paar zusätzliche Runden zum Sammeln von Materialien und Erfahrungspunkten fast schon notwendig sind. Kein großes Problem, aber ein kleiner Makel auf einer ansonsten sehr sauberen Paintball-Weste.

Mit rund zehn Stunden Spielzeit fällt die Kampagne vergleichsweise kompakt aus. Wer wirklich jede Mission, alle Sammelobjekte und optionalen Herausforderungen mitnimmt, dürfte nach etwa zwölf bis vierzehn Stunden alles gesehen haben. Vermutlich auch deshalb verlangt Nintendo zumindest digital nicht den vollen Kaufpreis. Wer ein riesiges Adventure erwartet, wird hier also nicht fündig – Fans kurzweiliger Action-Abenteuer hingegen schon.

Obwohl Splatoon Raiders klar als Einzelspieler-Erlebnis konzipiert wurde, lassen sich fast alle Missionen auch gemeinsam mit bis zu drei weiteren SpielerInnen absolvieren. Die Gegner passen sich dabei automatisch an die Gruppengröße an. Zusätzlich kann jederzeit Hilfe angefordert oder anderen SpielerInnen unter die Arme gegriffen werden, falls eine Mission einmal zu knifflig wird.

Mehr davon, bitte!

Bildmaterial: Splatoon Raiders, Nintendo

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Titel	Saros
	30. April 2026
	Sony Interactive Entertainment
	30. April 2026
	Sony Interactive Entertainment
	30. April 2026
	Sony Interactive Entertainment
System	PlayStation 5
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Housemarque
Genres	Roguelite-Shooter
Texte
Vertonung

Vor einiger Zeit erschien Housemarques neuer Vorzeigetitel Saros in unseren Gefilden. Es hat lange gedauert, sehr lange. Das Spiel hat kein gutes Haar an mir gelassen. Es hat mich zu Boden geworfen und angespuckt, aber ich wollte mehr. Gefleht habe ich weiterzukommen. Tränen wurden vergossen.

Wie sich Housemarques Wahnsinn, entlehnt von den Kurzgeschichten von Robert William Chambers, in mir ausgebreitet hat und welchen Einfluss das auf die Wertung haben wird, erfahrt ihr bei uns. Behaltet die Nerven, lehnt euch zurück, ignoriert für einen Moment die Stimmen, die ihn glorifizieren, und hört mir zu. Hört mir zu, es mag das Letzte sein.

Wie vom Erdboden verschluckt

Carcosa, ein Planet, der von der Soltari Corporation ausgesucht wurde, um ihn zu besiedeln, vordergründig aber um die reichen Lucenit-Vorkommen abzubauen. Drei Expeditionen wurden nach Carcosa geschickt. Forscher, Kolonisten, militärisches Personal. Viele Seelen, die dem Fortschrittsgeist folgen.

Nun sind sie alle verstummt. Kein Wort erreicht mehr die Ohren, die sie einst in die Finsternis schickten. Was ist geschehen, was ist zu tun? Soltari hat entschieden, euch und eine Handvoll Leute auf eine Rettungsmission zu schicken.

Nur: Was sollt ihr retten? Die Siedler, wenn es denn noch welche seit dem Funkabbruch gibt, oder doch eher Soltaris Finanzen, die es auf Carcosa einzusammeln gilt? Unermessliche Reichtümer, doch zu welchem Preis …

In der Person des Vollstreckers Arjun macht ihr euch auf den Weg, auch um euren eigenen Zielen nachzugehen, jemanden zu finden, den ihr verloren zu glauben scheint. Immer tiefer und tiefer dringt ihr durch die Ruinen von Carcosa. Bemerkt seit geraumer Zeit Veränderungen, an euch, den anderen. Etwas ist hier, etwas beobachtet, spricht zu euch. Ein leises Flüstern, eine Frage, welche immer eindringlicher euren Geist zu betören versucht.

Auch eure Crewmitglieder verändern sich. Werden stiller, verhalten sich seltsam. Ihr Blick in weite Ferne gerichtet, an einen Ort, der nicht da zu sein scheint. Murmelnd und betend. Auch ihr fragt euch mit der Zeit: Was ist Realität, was ist Fiktion? Dieser Planet, er kehrt das Innerste nach außen, tiefste Begierden, die in den Wahn führen und euch Wahrheiten vorführen, die ihr längst vergessen hattet. Die Sonne ist ewig, könnt ihr ihr trotzen oder vergeht ihr in ihrem strahlenden Antlitz?

Wundersame Rätsel

Die Geschichte von Saros ist kryptisch und zugleich faszinierend. Zu Beginn werdet ihr einfach ins Spiel geworfen. Ihr erlebt einen tragischen Disput und man erzählt euch, dass ihr mehrere Tage lang fort gewesen seid. Wie ihr zurückgekommen seid, könnt ihr nicht erklären, nicht ihnen, nicht euch. Ein Mysterium, das sich euch erst langsam und nur in Teilen offenbart.

Die Welt, die Charaktere, sie erzählen verworrene Fragmente einer Geschichte, deren Wahrheit sich euch nur langsam öffnet. Scan-Daten von Gegnern, Logs verschiedenster Art und natürlich Gespräche mit einer sich langsam dem Wahn hingebenden Crew füllen Teil um Teil des Puzzles, das ihr lösen müsst. Um diese Geheimnisse zu lüften, müsst ihr auf eure Fähigkeiten ver- und eurem Geist misstrauen.

Wuchtige Kugelhölle

Saros, wie schon einst Returnal, ist ein Rogue-Shooter, der auf eure Talente als Schütze und eure Reflexe setzt, denn Gegnerhorden werden euch mit massig Projektilen zusetzen, mehr als noch in Returnal. Springen, ausweichen und im richtigen Moment euren Energieschild einsetzen sind eure überlebenswichtigen Grundfertigkeiten und dazu ballern, ballern, ballern, was das Zeug hält. Denn ihr werdet nicht selten aus allen Richtungen angegriffen.

Doch fangen wir in aller Ruhe an. Bevor ihr euch ins Getümmel stürzt und die einzelnen Welten von Carcosa erforscht, startet ihr zunächst in einem Außenposten. Hier besprecht ihr euch mit den einzelnen Crewmitgliedern und legt fest, wie es weitergeht, und kümmert euch um eure Ausrüstung. Am Anfang habt ihr allerdings nicht wirklich die Wahl oder etwas zum Ausrüsten und so steht euch nur die erste Welt zur Verfügung.

Carcosa besteht zu großen Teilen aus Schlauchleveln bepackt mit kleineren bis mittleren Kampfarealen, welche sich auch in der Vertikalen ausdehnen. In diesen bewegt ihr euch gerade am Anfang nur laufend und springend. Immer wieder begegnet ihr dabei den Lebensformen des Planeten, garstigen Biomonstern oder Cyborgs, die sich aus dem Nichts vor, aber besonders gern hinter euch materialisieren.

Jedes dieser Monster hat eigene Angriffsparadigmen, die es von euch zu lernen gilt. So gibt es statische Gegner, die euch aus ihrer Position heraus mit Energiekugeln beschießen. Agile Kreaturen, die von einer Ecke zur nächsten springen, um euch dann aus einem nicht einsehbaren Winkel heraus anzuspringen. Die Vielfalt an Gegnern ist riesig und nicht selten explodiert vor euch ein Feuerwerk aus Energiekugeln, die euch nur wenig Spielraum zum Überleben lassen. Gerade die Zusammensetzung verschiedener Kreaturen endet meist tödlich. Über die Biome hinweg können sich Gegner auch weiterentwickeln und neue Angriffe gegen euch einsetzen.

Für den Gewinn nur das Beste

Natürlich seid ihr nicht wehrlos. Eure Firma Soltari stattet euch mit den besten Waffen des Unternehmens aus, welche die Forschung der menschlichen Rasse hergibt. Wuchtige Schrotflinten, Handfeuerwaffen mit Abprallgeschossen, Sturmgewehre mit intelligenter Munition und, und, und … Jede dieser Waffen gibt es zusätzlich in verschiedenen Ausführungen mit eigenen Feuermodi.

Das Gunplay bleibt also das gesamte Spiel über interessant und vor allem wuchtig. Da ihr die Waffen an Schreinen immer neu gewürfelt bekommt, müsst ihr euch entscheiden, ob ihr bei eurer jetzigen Waffe bleibt oder eine Waffe wählt, die eventuell ein höheres Level hat, mit der ihr aber nicht so gut umgehen könnt.

Neben den verschiedenen Waffen ist auch euer Anzug eine mächtige Waffe. Sowohl im Angriff als auch in der Verteidigung absorbiert ihr Energiekugeln und ladet dabei das Sekundärfeuer eurer Waffen auf. Der Schild erhöht neben euren Reflexen die Wahrscheinlichkeit, dass ihr überleben werdet und vielleicht das Ende des Spieles erlebt. Neben Waffen findet ihr auch Upgrades, die euch verschiedene Boni verleihen. Wie zum Beispiel mehr Lucenit oder mehr Schaden, solange ihr volle HP habt. Man lässt euch also nicht völlig wehrlos, wenn ihr allerdings glaubt, dass es nicht schwerer geht, dann weit gefehlt.

Die Welt in gelb

Das Spiel wird vor allem nochmal eine ganze Ecke aggressiver, wenn die Sonnenfinsternis von euch beschworen wird, und das Spiel zwingt euch von Zeit zu Zeit in diese Parallelwelt zu wechseln. Die Welt wird in gelb getaucht, die Gegner werden unberechenbarer, bekommen neue Energiekugeln, mit denen sie eure Lebenskraft reduzieren können, und wirken generell gefährlicher. Dabei hängt euer Leben an einem seidenen Faden. Sterbt ihr, geht der Zyklus von vorne los und ihr müsst euch wieder durch das Areal kämpfen.

Die Areale haben im Gegensatz zu Returnal Checkpoints. Diese gibt es immer zu Beginn eines neuen Areals. Ihr könnt euch also entscheiden, ob ihr vom Checkpoint aus startet oder lieber wieder ganz von vorne, die Areale sind miteinander verbunden. Letzteres bringt euch mehr Lucenit, Waffen mit höherem Level und vielleicht auch bessere passive Ausrüstung.

Der Tod ist erst der Anfang

Sterbt ihr jedoch, ist hier nicht alles gleich verloren, ihr könnt einiges an Fortschritt in den nächsten Durchgang mitnehmen. Saros bringt dieses Mal einen recht großen Skilltree mit. Dieser bietet euch viele Verbesserungen, die ihr für Lucenit eintauschen könnt. Beispielsweise, dass ihr direkt mit Waffen startet, die ein höheres Ausgangslevel haben oder eure Heilung effektiver gestalten, auch ein zweites Leben ist möglich. Der Skilltree ist in mehrere Abschnitte unterteilt, ein noch nicht erledigter Boss ist eine interne Sperre, die sich erst mit eurem Sieg auflöst.

Um das Ganze noch etwas schwerer zu machen, gibt es in den verschiedenen Biomen rund um Carcosa noch deutlich finsterere Orte. Hierbei handelt es sich um kleinere Kampfareale mit äußerst harten Gegnern, aber auch seltenen Belohnungen, die eure Statuswerte permanent erhöhen.

Habt ihr trotzdem irgendwo ein Level erreicht, wo ihr an den Gegnern mal um mal scheitert, liefert euch Saros auch hier eine Lösung. Eine Hilfe in Form von Modifikatoren. Diese können euch das Spielen deutlich erleichtern. Je mehr ihr allerdings davon nutzt, desto mehr müsst ihr das Ganze mit Strafmodifikatoren ausgleichen. Sprich: weniger Schaden durch die Gegner, dafür aber weniger Lucenit-Drops. Ist euch das Spiel dann immer noch zu schwer, kann man diese Regulation über das Optionsmenü deaktivieren. Das hat auch keine Auswirkungen auf eventuelle Trophys, es macht das Spielen nur angenehmer.

In den Staub

Dennoch werdet ihr, gerade wenn ihr neu in diesem Genre seid, relativ oft sterben. Die Kämpfe in Saros bleiben das ganze Spiel über wuchtig, spannend, nicht selten auch äußerst frustrierend. Wenn man ein Areal allerdings geschafft hat, fühlt man sich so mächtig, dass man gleich weitermachen möchte.

Nur um sich dann gleich wieder ganz klein im Adrenalinrausch zu befinden. Das Gameplay von Saros ist anspruchsvoll, nervenaufreibend und macht unglaublich süchtig. Vom simplen Sprung bis hin zu Kontermechaniken müssen die Fähigkeiten in Fleisch und Blut übergehen, wenn ihr das Geheimnis von Carcosa erfahren möchtet.

Zerklüftete Gebirge und uralte Ruinen

Die Welt in Saros ist alles andere als ein Paradies und wirkt dennoch prachtvoll. Eine unwirtliche Gegend bestehend aus Sümpfen, tiefen Schluchten und alten, erhabenen Ruinen. Über euch thront stets die Sonnenfinsternis und ermahnt euch, dass ihr nichts seid in einer Welt aus Fels und Gewalt. Saros wirkt in all seiner Detailverliebtheit einfach beängstigend schön. Saros gibt ein Gefühl der Verlorenheit mit seinen Ruinen einer Zivilisation, die es scheinbar schon seit Jahrhunderten nicht mehr zu geben scheint.

Die Welt erdrückt euch durch die gefühlt monolithischen Bauten und die hohen Gebirge. Schon das erste Level mit verschlungenen Bergpfaden, in denen seltsam mit Gewalt gepresste, hochtechnologische Konstrukte irgendwie fehl am Platz wirken. Umschlungen von wunderschönen alten Ruinen, die einst einen erhabenen Anblick geliefert haben müssen.

Diese Kombination aus nicht zusammenpassenden Elementen wirkt bizarr und trotzdem harmonisch. Maschinen und Überreste dieser längst vergangenen Zivilisation jagen euch mit all ihrer Präsenz, während vogelähnliche Schwärme die weite Welt Carcosas durchströmen. Tod und Leben, Schönheit und Verfall, all das spiegelt sich in der Welt von Saros wider. Gepaart mit einem unwirklichen Gefühl, das euch sagt, dass ihr nicht und doch willkommen seid.

Die Sonne ist ewig

Dieses Gefühl der Bedrängnis verstärkt sich, sobald sich die Welt verschiebt und ihr die volle Pracht der Sonne erlebt. Eine Welt getaucht in Flammen und Wahnsinn. Tentakel, die sich über den Boden erstrecken und unwirklich im goldgelben Glanz der Welt erstrahlen. Im gleichen Glanz erstrahlen auch die Lebewesen. Gefährlich und erhaben trachten sie in bizarren Formen nach eurem Leben.

Housemarque hat ein groteskes Bild der Faszination und des Grauens erschaffen, ohne dabei gruselig zu sein. Der Wahnsinn dringt mit der Zeit aus jeder Ecke und ihr lasst euch einfach mit dem Strom dahingleiten. Der Entwickler beherrscht es wunderbar, eine zerbrochene Welt visuell umzusetzen. Dabei läuft das Spiel butterweich, selbst auf einer Standard-PS5. Framedrops in einem Spiel, das auf Geschwindigkeit und Geschicklichkeit setzt, wären fatal, tauchen über das gesamte Spiel aber auch nicht auf.

Der Wahnsinn hat eine Melodie

Dazu gesellt sich eine Soundkulisse, die euch das Blut in den Adern gefrieren lässt. Wuchtig metallisch und doch nachgiebig. Dann wieder schneidend und durchdringend kreieren die einzelnen Stücke ein eindringliches, pulsierendes Erlebnis. Sie hinterlassen einen spürbaren Eindruck, was um euch herum und mit den Charakteren passiert. Leise lässt euch das Spiel der Gefahr gewahr werden, nur um dann in einem lauten Crescendo über euch herzufallen.

Auch die verschiedenen Figuren tragen mit ihren Dialogen zur verzweifelten Situation bei. Einer Situation, in der nicht alles nach Plan läuft, aber immer noch irgendwo so etwas wie Hoffnung besteht. Die in etwas umkehrt, das monströs wirkt. Housemarque hat insgesamt mit einer bizarren Geschichte, grenzwertigen Welten, einem unwirklichen Soundtrack und hervorragenden Sprechern ein Gesamtkunstwerk geschaffen, das seinen Vorgänger noch übertrifft.

Unterm Strich

Bildmaterial: Saros, Sony Interactive Entertainment, Housemarque

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Titel	Denshattack!
	15. Juli 2026
	Fireshine Games, Boltray Games
	15. Juli 2026
	Fireshine Games, Boltray Games
	15. Juli 2026
	Fireshine Games, Boltray Games
System	PS5, Xbox Series, Switch 2, Steam
Getestet für	PC (Steam)
Entwickler	Undercoders
Genres	Action, Abenteuer
Texte
Vertonung

Denshattack! ist so bunt und verrückt, dass das Spiel sogar während einer Nintendo Direct auffällt. Ein Zug, der quer durch Japan rast, gegen Gundam-style Transformer-Züge kämpft, dabei Riesenräder als Behelfsgleise nimmt und zwischendurch bessere Trickjumps hinlegt, als es Tony Hawk zu seinen besten Zeiten gekonnt hätte, fällt einfach sofort ins Auge.

Kein Wunder war das „Rail-Action-Adventure“ sofort bekannt wie ein bunter Zug mit Katzenohren und war für uns das Signal, den Test mit Maximalgeschwindigkeit durchzuführen. Um die unvermeidliche Frage direkt vorab zu beantworten: Ja, der Zug hat eine Bremse. Er setzt sie aber nur selten ein.

Clear the tracks, I’m a train!

Die Story ist schnell erzählt: Nach einer Klimakatastrophe leben die Reichen in luftreinigenden Kuppelstädten; außerhalb herrscht Verfall und Gesetzlosigkeit. In dieser Welt ist Hauptcharakter Emi eine Lieferantin – bei einer Ramen-Lieferung (was auch sonst?!) erfährt sie von Denshattack – einer Gruppe von Gesetzlosen, die auf stillgelegten Gleisen ihre Konflikte austrägt und so die Hoheit über Gebiete Japans erlangt. Denn die eigentlichen Gleise werden von der mächtigen Miraido‑Corporation kontrolliert, sodass Personen und Waren schnell an ihr Ziel kommen.

Also wird der eigene Zug aufgemotzt, mit Graffiti gestylt und die Gebiete von Kyūshū bis Hokkaidō bereist. Währenddessen gibt es Auseinandersetzungen mit den jeweiligen Gangs, um die Gleise in Zukunft nutzen zu dürfen.

Auf der Reise freundet ihr euch mit vielen Leuten an, macht Denshattack-Fans zu Guides, ehemalige Diplomatensöhne zu Freunden und verbündet euch mit anderen Gangs, um am Ende gewappnet zu sein für die Liberalisierung des Gleisverkehrs – und vielleicht sogar noch viel mehr. Denn wer die Gleise nicht frei macht, wird einfach weggerammt.

Grinden über die Rainbow Rail

Das Spielprinzip ist so einfach wie fesselnd: Mit einem ordentlichen Grundstock an Fähigkeiten startet ihr den Zug – springen, bremsen, hupen, driften, Trickjumps, grinden, stampfen – und das alles am besten als lange Kombo.

Am Anfang ist das etwas überfordernd, besonders wenn man die frühen 2000er mit Jet Set Radio und Tony Hawk’s Pro Skater nicht miterlebt hat. Doch nach ein bis zwei Stunden geht es durch ständige Wiederholungen langsam in Fleisch und Blut über.

Durch die rasante Raserei durch das stilisierte Japan verliert man auch schon mal die Übersicht. Zum Glück helfen hier Anzeigen im Stile von Quick-Time-Events, die nötigen Eingaben nicht zu verpassen. Manche Strecken übertreiben es damit ein wenig – es fühlt sich dann fast so an, als ob man mehrere Minuten hintereinander Quick-Time-Events aneinanderreiht, unterbrochen von verrückten Grafiken, Animationen und wilden Grinds. Wer sich bei den Kombos geschickt anstellt, schaltet eine zusätzliche Gleisspur in Regenbogenfarben frei.

Treffen sich ein Zug, eine Unterwasser-Bahn, eine Monorail, eine Hängehochbahn und ein Vakuumzug in der Halfpipe zum Grinden …

Denshattack! ist wie ein nicht enden wollender Fiebertraum. Die Riesenräder als Behelfsgleise wurden bereits erwähnt, aber ein echter Denshattack-Zug lässt sich auch von Seen nicht aufhalten und kann auch wunderbar auf Schienen in der Luft fahren.

Im Notfall hängt er sich eben in eine Schiene in der Luft und schwingt sich von Seite zu Seite, um Hindernissen auszuweichen. Wenn das nicht reicht, muss eine Hauswand für einen Wallride herhalten, von der man geschickt auf das nächste Gleis springt. Wenn in Großstädten die Glaskuppel im Weg ist, wird diese in bester Actionfilm-Manier durchbrochen, nur um die lokalen Züge von der Schiene zu rammen und den Anwohnern spektakuläre Tricks zu präsentieren – gerne auch während einer Kabuki-Theatervorstellung.

Gelegentlich ist es auch nötig, den Zug gezielt zum Entgleisen zu bringen – etwa, wenn ein Gang-Vorsteher seinen Zug mit hunderten Flammenwerfern aufgemotzt hat und im Tunnel aus eurem Zug eine Ersatzteilsammlung machen möchte.

Spielerisch zwischen Jet Set Radio, 3D-Sonic und Mobile-Games

Die Zwischenbosse werden in reinster Sonic-Manier präsentiert. Wegrennen vor großen Hindernissen, gefühlt endloses Rail-Grinden, wechseln zwischen den Spuren, Weichen aktivieren, Trickjumps durchführen und vieles mehr ist nötig, um die Zwischenbosse zu beseitigen.

Oft geht es auch in Richtung des Mobile-Spiels Sonic Dash: Mehrere Spuren, viele Hindernisse und der Boss wirft Objekte nach euch, die ihr durch gut getimte Tricks auf ihn zurückschlagen müsst. Mit der Zeit wird es jedoch etwas repetitiv – die verrückte Story und die hübsch gestaltete Umgebung trösten jedoch darüber hinweg, dass die klassische Arcade-Action nicht in jedem einzelnen Level begeistern kann.

Dazu kommt, dass manche Spielabschnitte – insbesondere diejenigen mit vielen Quick-Time-Events – etwas hektisch werden und daher die entsprechenden 10–30 Sekunden häufiger wiederholt werden müssen.

Weniger reden, mehr Denshattack!

Manches an Denshattack! ist fast schon schmerzhaft Retro. Nicht nur die Highscorejagd und die versteckten Sammelelemente im Level erinnern an die alten Zeiten. Auch die Oberwelt mit ihren einzelnen Leveln wird dargestellt, wie wir sie seit langer Zeit aus den 2D-Mario-Spielen kennen.

Die Hauptstory-Abschnitte werden in kleinen, im Anime-Stil gehaltenen Sequenzen gehalten, die Nebenabschnitte dagegen im Visual-Novel-Stil mit den für die späten 90er typischen, kurzen Sprachsamples und Geräuschen.

Anderes ist voll auf der Höhe der Zeit: Die vertonten Sequenzen haben bekannte Synchronsprecher, dazu wird man zum Start Kollaborationen mit bekannten VTubern wie Ironmouse starten, die Besonderheiten im Spiel freischalten. Die Musik passt sehr gut zu den actiongeladenen Rennen und motiviert für die nächste Runde.

Was für ein wilder Ritt!

Bildmaterial: Denshattack!, Fireshine Games, Boltray Games, Undercoders

Der Beitrag Im Test! Denshattack! – dieses verrückte Zug-Abenteuer ist ein Muss für Fans der Dreamcast-Ära erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Echoes of Aincrad: Sword Art Online
	09. Juli 2026
	Bandai Namco Entertainment
	10. Juli 2026
	Bandai Namco Entertainment
	10. Juli 2026
	Bandai Namco Entertainment
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC/Steam
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Game Studio, Inc.
Genres	Action-JRPG, Anime
Texte
Vertonung

Es gibt nur wenige Anime- und Light-Novel-Reihen, die das Medium so nachhaltig geprägt haben wie Sword Art Online. Angefangen bei den ursprünglichen Web Novels, später den erfolgreichen Light Novels, über zahlreiche Anime-Staffeln und Filme bis hin zu einer ganzen Flut an Videospielen. Und das durchaus mit Erfolg: Bis März 2026 konnten sich die verschiedenen Konsolenspiele zusammen bereits über zehn Millionen Mal verkaufen.

Mit Echoes of Aincrad: Sword Art Online wagt Game Studio gemeinsam mit Bandai Namco Entertainment nun den nächsten Anlauf. Schon bei der ersten Vorstellung wurde deutlich, dass diesmal vieles anders laufen soll. Weg vom Koop- und Live-Service-Ansatz des Vorgängers Sword Art Online: Fractured Daydream, zurück an den Ort, an dem alles begann: Aincrad.

Statt Multiplayer steht diesmal wieder eine reine Einzelspieler-Erfahrung im Mittelpunkt. Auch erzählerisch schlägt das Spiel neue Wege ein. Statt sofort auf bekannte Gesichter zu setzen, rückt zunächst die eigene Spielfigur ins Zentrum.

Während des Tests entstand bei mir immer mehr der Eindruck, dass die Entwickler bewusst einen Neustart wagen und gleichzeitig neue Spielerinnen und Spieler abholen möchten. Ein Ansatz, der auf dem Papier durchaus vielversprechend klingt.

Das kommt der Reihe durchaus zugute. Die bisherigen Spiele galten selten als wirkliche Kritikerlieblinge und selbst innerhalb der Fangemeinde gingen die Meinungen häufig auseinander. Zu viel Grind, zu viel Kirito im Mittelpunkt und natürlich der obligatorische Harem, der ihn auf Schritt und Tritt begleitet. Gerade Letzteres geht Echoes of Aincrad erfreulicherweise deutlich anders an. Das fühlt sich angenehm frisch an. Warum am Ende aber trotzdem nicht alles Gold ist, was glänzt, erfahrt ihr in diesem Test.

Kirito? Nie gehört.

Es geht zurück an den Anfang – allerdings aus einer völlig neuen Perspektive. Statt erneut in die Rolle von Kirito zu schlüpfen, erstellen wir unsere eigene Spielfigur und gehören zu den Beta-TesterInnen des neuen VRMMORPGs Sword Art Online. Eigentlich als Solo-SpielerIn unterwegs, kämpfen wir uns durch die ersten Ebenen der schwebenden Festung Aincrad.

Ganz allein sind wir dabei allerdings nicht. Mit Saayu, Wyzeman und dem stoischen, aber herzensguten Iori begleiten uns weitere Beta-TesterInnen auf unserer Reise. Auch bekannte Gesichter wie Argo stoßen schon früh zur Gruppe. Genau diesen Einstieg konnten Fans übrigens bereits in der Demo erleben.

Willkommen in Aincrad

Mit dem offiziellen Start des Spiels nehmen die Ereignisse dann ihren bekannten Lauf. Plötzlich sind sämtliche SpielerInnen in Sword Art Online gefangen. Aus einem harmlosen Spiel wird tödlicher Ernst: Wer in Aincrad stirbt, stirbt auch in der Realität. Fans der Reihe wissen natürlich längst, worauf das hinausläuft – dennoch funktioniert dieser Moment auch hier erstaunlich gut.

Als ehemalige Beta-TesterInnen genießen wir gegenüber vielen anderen einen kleinen Wissensvorsprung. Wir kennen einige Mechaniken, wissen, was uns erwartet, und besitzen dadurch Vorteile. Genau das macht uns allerdings nicht unbedingt beliebt. Schnell geraten wir ins Visier anderer SpielerInnen, die uns Misstrauen entgegenbringen und uns für ihre aussichtslose Lage mitverantwortlich machen.

Wenn SAO seine stärksten Geschichten erzählt

Von hier an entwickelt sich die Handlung langsam zu einem größeren Ganzen. Das Ziel ist klar: Ebene für Ebene erklimmen, das Spiel abschließen und Aincrad endlich entkommen. Bis die Geschichte allerdings wirklich Fahrt aufnimmt, braucht sie etwas Geduld. Nach dem Beta-Test vergeht vergleichsweise viel Zeit, bevor größere Wendungen folgen oder weitere bekannte Figuren aus der Vorlage ihren Auftritt bekommen.

Ihre stärksten Momente hat die Handlung ohnehin an ganz anderer Stelle. Besonders eindrucksvoll sind die vielen kleinen menschlichen Schicksale innerhalb dieser aussichtslosen Situation. Immer wieder erleben wir mit, wie Menschen an der neuen Realität zerbrechen, die Hoffnung verlieren oder verzweifelt versuchen weiterzumachen.

Gerade weil jeder Fehler tödliche Konsequenzen haben kann, entwickeln viele dieser Geschichten eine überraschend emotionale Wucht. Hier zeigt Echoes of Aincrad seine stärkste Seite. Schade nur, dass einige Abschnitte die Handlung unnötig strecken. Das Tempo leidet darunter gelegentlich, insgesamt bleibt die Geschichte aber spannend genug, um bis zum Ende bei der Stange zu halten.

Endlich die Hauptrolle

Kirito, Asuna und Co. bleiben zunächst erstaunlich weit im Hintergrund – schließlich geht es diesmal um uns selbst. Mit der Gefangenschaft in Sword Art Online sind alle SpielerInnen gezwungen, ihre wahre Gestalt aus der realen Welt anzunehmen. So auch wir.

Den generischen Beta-Tester-Avatar lassen wir hinter uns und erstellen in einem Charaktereditor unseren eigenen Helden oder unsere eigene Heldin. Der fällt zwar recht rudimentär aus und hätte durchaus mehr Möglichkeiten vertragen können, trotzdem ist es eine willkommene Abwechslung, endlich einmal die Hauptrolle selbst übernehmen zu dürfen.

Ein Held ohne Stimme

Leider bestätigt sich dabei auch eine meiner größten Befürchtungen. Unser eigener Charakter besitzt ungefähr so viel Charisma wie ein Ziegelstein – und ähnlich viel hat er auch zu sagen. Die wenigen Entscheidungsmöglichkeiten beschränken sich meist auf Optionen wie „nicken“ oder „verwirrt schauen“. Kein Witz.

Andere Spiele mit selbstgebastelten ProtagonistInnen haben das deutlich eleganter gelöst. Monster Hunter Stories 3 schaffte es zum Beispiel zuletzt, seiner Hauptfigur eine richtige Persönlichkeit zu verleihen. Dagegen wirkt unser eigener Avatar hier stellenweise eher wie einer der NPCs, die wir unterwegs treffen, statt wie die eigentliche Hauptfigur der Geschichte.

Viel Routine, wenig Überraschung

Auch die Nebenaufgaben hinterlassen einen eher gemischten Eindruck. Die meisten davon sind klassische Fetch-Quests, wie sie im Lehrbuch stehen. Anfangs dachte ich noch, das Ganze wäre vielleicht als augenzwinkernder Kommentar auf typische MMORPG-Aufgaben gedacht – schließlich passt das zum Setting. Doch leider steckt dahinter keine Meta-Ebene. Stattdessen erledigen wir und unsere BegleiterInnen bereitwillig eine erstaunlich repetitive Aufgabe nach der nächsten. Das ist schade und verschenkt einiges an Potenzial.

Eine angenehme Ausnahme bilden die Charakter-Quests. Diese erzählen kleinere Geschichten rund um die Figuren, bieten gelungenen Fan-Service und belohnen langjährige Fans mit zahlreichen bekannten Gesichtern aus dem SAO-Kosmos. Neben Argo begegnen wir unter anderem auch Agil, Diavel, Lisbeth und Silica. Gerade für Fans der Reihe sind diese Begegnungen ein echtes Highlight.

Die Stadt als Dreh- und Angelpunkt

Unsere Reise beginnt in der Stadt der Anfänge, die gleichzeitig als zentrale Basis dient. Hier finden wir Truhe, Schmied und Händler, bereiten uns auf die nächsten Missionen vor und verbessern unsere Ausrüstung. Etwas seltsam ist allerdings, dass sich Ausrüstung ausschließlich hier wechseln lässt. Positiv fällt dagegen das Transmog-System auf. Kleidung kann unabhängig von ihren Werten frei angepasst und sogar eingefärbt werden – ein kleines, aber sehr willkommenes Detail.

Auch das Aufleveln orientiert sich an bekannten Genre-Größen. Ähnlich wie in Elden Ring verteilen wir unsere Attributspunkte selbst, wodurch Waffen entsprechend ihrer Skalierung stärker werden. Das sorgt für genügend Freiheiten beim eigenen Build, auch wenn das System insgesamt eher klassisch ausfällt.

The Running (Wo)man

Quests starten wir über ein Terminal in der Stadt und werden anschließend in einen fest definierten Quest-Bereich teleportiert. Eine frei zusammenhängende Welt gibt es dadurch also nicht. Selbst Nebenaufgaben müssen separat ausgewählt und unabhängig von der Hauptgeschichte abgeschlossen werden. Das ist schade und kratzt spürbar an der Immersion einer eigentlich zusammenhängenden Welt.

Innerhalb dieser Gebiete erwarten uns dafür durchaus weitläufige Landschaften. Allerdings müssen wir sämtliche der sehr langen Strecken zu Fuß zurücklegen. Immerhin warten unterwegs Schatztruhen mit Ausrüstung, Materialien oder gelegentlich auch Bauplänen für neue Waffen und Rüstungen.

Eine Welt mit vielen Grenzen

Daneben finden sich kleinere Points of Interest, die etwas Hintergrundwissen zur Welt liefern. Was allerdings auffällt: Andere SpielerInnen oder In-Game-NPCs sucht man nahezu vergeblich. Gerade für ein MMORPG-Setting fühlt sich Aincrad dadurch stellenweise erstaunlich leer an.

Auch die Fortbewegung selbst sorgt nicht immer für Freude. Weder klettern noch schwimmen sind möglich und schon kleinere Höhenunterschiede führen dazu, dass der Bildschirm schwarz wird und wir an sicherer Stelle wieder auftauchen. Gerade beim Erkunden wirkt das unnötig einschränkend und holt einen regelmäßig aus der Atmosphäre heraus.

„Oh look, it’s a boar!“

Während unserer Reise verbringen wir naturgemäß einen Großteil der Zeit im Kampf. Leider zeigt sich hier auch schnell eines der größten Probleme des Spiels: die Gegner-Vielfalt. Gefühlt habe ich auf meinem Abenteuer mindestens 50.000 Ebern den Garaus gemacht. Natürlich ist das leicht überspitzt formuliert, doch mehr Abwechslung hätte dem Spiel definitiv gutgetan.

Ähnlich sieht es bei den Bosskämpfen aus. Viele bekannte Gegner tauchen lediglich als größere Varianten normaler Monster wieder auf und wir kämpfen wieder und wieder gegen die gleichen Bosse.

Gemeinsam in die Schlacht

Zur Auswahl stehen insgesamt sechs verschiedene Waffengattungen – vom Einhandschwert über den Rapier bis hin zum Kriegshammer. Für ein Spiel dieser Größe hätte ich mir allerdings noch etwas mehr Vielfalt gewünscht. Die Auswahl konzentriert sich fast ausschließlich auf Nahkampfwaffen, was zwar gut zum Setting passt – wir befinden uns schließlich in SAO und nicht in GGO –, dennoch wäre etwas mehr Abwechslung willkommen gewesen.

Gemeinsam mit mindestens einem von über zehn möglichen BegleiterInnen stellen wir uns den Monstern entgegen. Standard- und Spezialangriffe, Kombos sowie verschiedene Skills sorgen grundsätzlich für flotte Gefechte, während die KI unsere MitstreiterInnen über das Switch-System steuert. Das klappt allerdings mal besser und mal schlechter.

Spaß machen die Kämpfe dennoch, auch wenn die teilweise schwammige Steuerung und die oft unübersichtlichen Schlachten den Spielfluss etwas beeinträchtigen. Wie in Soulslikes sollte man außerdem stets die Ausdauer im Auge behalten – wer sie komplett aufbraucht, wird schnell bestraft.

Die bislang schönste Reise nach Aincrad

Optisch dürfte Echoes of Aincrad ohne Zweifel das bislang schönste Spiel des gesamten Franchise sein. Getestet wurde auf der PlayStation 5 Pro, wo das Spiel mit durchgängig flüssigen 60 FPS überzeugte. Beleuchtung, Weitsicht und die Größe der Spielwelt bewegen sich auf einem hohen Niveau und machen Aincrad zu einem echten Hingucker.

Besonders die Animationen während der Kämpfe wissen zu gefallen. Und ja – das ikonische Zerspringen besiegter Gegner in unzählige Pixel ist auch nach vielen Stunden noch erstaunlich befriedigend.

Ganz ohne technische Probleme lief die Testversion allerdings nicht. Während meiner Spielzeit kam es zu zwei Freezes und einem vollständigen Absturz. Da es sich um eine Version vor der Veröffentlichung handelte, bleibt zu hoffen, dass diese Probleme bis zum Verkaufsstart noch per Update behoben werden.

Gelungene Atmosphäre mit kleinen Schwächen

Auch musikalisch hinterlässt das Spiel einen positiven Eindruck. Der Soundtrack untermalt das Abenteuer stimmungsvoll und trägt viel dazu bei, die Atmosphäre von Aincrad einzufangen. Die Stücke passen hervorragend zur Spielwelt und wecken die Lust auf die Erkundung der nächsten Ebene. Wirkliche Ohrwürmer sollte man allerdings nicht erwarten – dafür bleiben die Kompositionen etwas zu unauffällig.

Bei der Sprachausgabe kann zwischen einer englischen und einer japanischen Synchronisation gewählt werden. Fans dürfen sich freuen, dass bekannte Stimmen wie Bryce Papenbrook und Yoshitsugu Matsuoka als Kirito erneut mit von der Partie sind. Insgesamt bewegt sich die Vertonung jedoch eher auf solidem Niveau. Vor allem die vielen wiederkehrenden Voice-Lines fallen schnell auf. Gerade in längeren Kämpfen oder während der Erkundung hört man dieselben Sprüche so häufig, dass sie mit der Zeit etwas ermüdend wirken.

Weniger Ebenen, trotzdem jede Menge Inhalt

Wer die Vorlage kennt, weiß: Aincrad besteht eigentlich aus 100 riesigen Ebenen, von denen viele fast schon die Größe einer eigenen kleinen Welt erreichen. So weit geht Echoes of Aincrad allerdings nicht. Bereits im Vorfeld machten die Entwickler deutlich, dass sich das Abenteuer hauptsächlich auf die ersten beiden Ebenen konzentriert – und genau so ist es auch.

Am Umfang ändert das allerdings erstaunlich wenig. Allein für die Hauptgeschichte sollte man mindestens 50 Stunden einplanen. Wer zusätzlich sämtliche Nebenaufgaben erledigt und optionale Inhalte mitnimmt, kann problemlos 70 bis 80 Stunden in Aincrad verbringen.

Groß beworben wurde außerdem der sogenannte Death-Game-Modus. Hier gilt: Ein einziger Tod und der komplette Spielstand ist verloren – ganz wie im Anime. Diese Variante richtet sich klar an besonders hartgesottene SpielerInnen. Freigeschaltet wird sie nach dem ersten Durchspielen oder direkt zu Beginn, sofern man die Ultimate Edition besitzt. Davon abgesehen stehen mehrere klassische Schwierigkeitsgrade zur Auswahl, sodass für nahezu jeden Geschmack etwas dabei sein dürfte.

Echoes of Aincrad ist eine reine Einzelspieler-Erfahrung. Koop- oder Online-Funktionen sucht man ebenso vergeblich wie Live-Service-Elemente, die den Vorgänger Sword Art Online: Fractured Daydream noch geprägt haben. Wer sich einfach auf ein klassisches SAO-Abenteuer konzentrieren möchte, dürfte genau das zu schätzen wissen.

Gelungener Neuanfang mit Luft nach oben

Bildmaterial: Echoes of Aincrad: Sword Art Online, Bandai Namco, Game Studio

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Titel	Rhythm Paradise Groove
	2. Juli 2026
	Nintendo
	2. Juli 2026
	Nintendo
	2. Juli 2026
	Nintendo
System	Nintendo Switch
Getestet für	Nintendo Switch
Entwickler	Nintendo
Genres	Rhythmusspiel
Texte
Vertonung

Nach einem Jahrzehnt Pause liefert Nintendo mit Rhythm Paradise Groove endlich den neuesten Teil der Rhythm-Paradise-Serie für die Nintendo Switch – kompatibel auch mit der Nintendo Switch 2.

Seit 2006 begeistert die Rhythmus-Minispiele-Sammlung Fans auf der ganzen Welt – in Japan ging es auf dem Game Boy Advance los und mit einer Arcade-Umsetzung weiter, im Westen startete die Serie auf dem Nintendo DS und fand auch auf der Wii mit ihrem simplen, aber charmanten Gameplay viele Fans.

Die beiden Konsolen waren auch ideal für eine Casual-Zielgruppe, die man mit kleinen, kreativen Spielen einfach abholen konnte. Man könnte auch sagen, die Rhythm-Paradise-Spiele trafen damals den Zeitgeist zwischen Wii Sports und Osu!.

Nach dem 3DS-Teil gab es nun eine längere kreative Pause, bevor es die Reihe nun endlich mit einiger Verzögerung ins HD-Zeitalter schafft. Wir waren daher gespannt, wie sich der neueste Ableger spielen wird, nachdem Nintendo den Titel in der letzten Direct stark in den Fokus gerückt hatte, indem sie diese mit Rhythm Paradise Groove eröffneten. Beep.

Retro-Fans fühlen sich sofort zu Hause

Der Einstieg wirkt für Fans der Reihe besonders vertraut – die Minispiele wählt man klassisch in einem simpel gehaltenen Menü, das an die früheren Rhythm-Paradise-Titel erinnert, eins nach dem anderen aus. Vielleicht ist das sogar ein Vorteil: Die Storyline mit einem nicht unbedingt beliebten Sidekick war nicht gerade die Stärke des Vorgängers auf dem 3DS.

Ganz klassisch gibt es nach vier Minispielen einen Remix, der von einem vollständigen Song geführt wird. Die Minispiele mit der simplen Meistens-2-Knopf-Steuerung sind dabei so simpel und verrückt wie immer – und auch auf die Grafik trifft „so simpel wie immer“ zu.

Ein einheitlicher Stil fehlt

Einige Minispiele wurden dabei ordentlich aufgehübscht. Mehrere davon sehen in HD wirklich gut aus, mit hübschen, handgezeichneten Hintergründen und interessanten Animationen. Die eingängigen Melodien und eigens produzierten Songs sind auch wieder am Start.

Leider ergibt die Aufwertung einiger Minispiele am Ende einen echten Stilbruch – insbesondere die Minispiele, die sich am DS-Teil orientieren, fallen negativ auf. Auch andere Stellen des Spiels sind inkonsistent: Manchmal sind hübsche Effekte zu sehen, andere Male gibt es 8-Bit-Grafiken oder extrem simple Charakterzeichnungen, die sich nicht gut ins Gesamtspiel einfügen.

Der wiederholte Stilbruch und die schwankende Qualität lassen nicht so einfach „in den Flow“ kommen, wie es in den früheren Spielen der Rhythm-Paradise-Reihe der Fall war. Die Qualität der einzelnen Minispiele passt zwar – vereinzelte Ausnahmen bestätigen die Regel – aber gemeinsam harmonieren sie nur selten.

Die wenigen größeren Neuerungen sind etwas durchwachsen. Ein neues Minispiel mit drei Knöpfen hat gleichzeitig einen herausfordernden, wechselnden Takt und dürfte daher mit zu den schwersten der Serie gehören. Das Text-Vorlesen per Voice Synthesizer („Stimmlinchen“) ist tendenziell störend und ohne echten Charme, die Beatspell-Kämpfe im RPG-Stil zwar nett und eine willkommene Abwechslung, aber leicht hektisch.

Viel Mittelmaß mit genialen Momenten

Dabei hat das Spiel wirklich mehrere starke Abschnitte. Das „Scheibenfangen“ mit dem Hund direkt zu Beginn ist kreativ und herausfordernd, ebenso die Fütterungszeit des Dinos. Abschnitt 3 ist voller kreativer Minispiele, die stilistisch dazu noch recht einheitlich sind. Leider zeigen Abschnitt 2 und 4 alle angesprochenen Negativpunkte. Ab Abschnitt 6 pendelt sich die Qualität langsam ein. Hier gibt es erneut einzelne kreative Highlights, die zeigen, warum die Rhythm-Paradise-Reihe so beliebt wurde.

Gut, aber nicht mehr herausragend

Sonstiges: Bildmaterial: Rhythm Paradise Groove, Nintendo

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Titel	Star Fox
	25. Juni 2026
	Nintendo Co., Ltd
	25. Juni 2026
	Nintendo of America
	25. Juni 2026
	Nintendo of Europe
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Velan Studios
Genres	Shooter
Texte
Vertonung

Vor 29 Jahren erschien Star Fox 64 für den Nintendo 64, in Europa als Lylat Wars bekannt. Dieses Spiel war bereits quasi ein Reimagining von Star Fox auf dem SNES, welches in Europa als Starwing bekannt war. Auf dem Nintendo 3DS erschien mit Star Fox 64 3D ein Port des Klassikers. Und nun erhalten wir exklusiv für Nintendo Switch 2 ein komplettes Remake des N64-Klassikers! Ob sich das lohnt, haben wir uns für euch einmal angeschaut.

Hilfe, Star Fox!

Die Geschichte des Remakes von Star Fox ist die gleiche wie im Original. Dr. Andross und der Rest des Lylat-Sternensystems befinden sich seit vielen Jahren im Krieg. Der Versuch von James McCloud, den verbannten Wissenschaftler zur Rechenschaft zu ziehen, endete in einem regelrechten Desaster. Sein Sohn, Fox McCloud, hat dann die Truppe seines Vaters übernommen. Diese gibt dem Spiel ihren Namen: Star Fox.

General Pepper, der Befehlshaber der Armee von Corneria, bittet nun Star Fox um Hilfe. Der Krieg soll endlich beendet werden und Star Fox soll sich als unabhängige Streitkraft um die Streitkräfte von Andross und anschließend auch um den Bösewicht selbst kümmern.

Im originalen Spiel gab es recht kurze Gespräche, welche die Story erzählten, in Form von Funksprüchen. Im Remake von Star Fox gibt es nun komplett animierte Zwischensequenzen. Diese zeigen wunderbar die Dynamik des Teams und bauen die Story des Spieles ein wenig aus. Dabei hilft auch der Holoviewer: Eine Option im Hauptmenü, in welcher ihr euch mehr Infos zu Schauplätzen, Charakteren und anderen Sachen anschauen könnt.

Die Zwischensequenzen sind sehr detailliert gestaltet und als Fan der Reihe seit Kindheitstagen hat es mir viel Freude bereitet, diese Helden aus meiner Kindheit in so hübschen Sequenzen zu sehen. Leider gibt es auch ein Aber, welches hoffentlich mit einem Update adressiert wird.

Die Zwischensequenzen spielen immer ab, auch wenn ihr das Spiel zum zwanzigsten Mal durchspielen wollt, um auf Highscorejagd zu gehen. Auch im Herausforderungs-Modus, wo man ja einfach nur die Challenges absolvieren möchte, kommen sie vor. Ihr könnt sie natürlich überspringen, dennoch fände ich es schöner, wenn die Stage einfach direkt losgehen würde, wenn ich das möchte. Star Fox ist im Grunde ein sehr Arcade-lastiges Spiel, weshalb die Zwischensequenzen einen dann doch auch aus dem Flow herausziehen könnten.

Ganz viel Pew Pew Pew!

In Star Fox übernehmt ihr die Kontrolle von Fox McCloud, welcher meist in seinem Arwing sitzt. Hierbei handelt es sich um ein sehr wendiges Raumfahrzeug. Dieses ist voll mit hochwertiger Technologie, sodass ein talentierter Pilot damit auch große Raumschiffe angreifen und gewinnen kann.

Euer Fahrzeug bewegt sich in den 16 Level alleine nach vorn. Ihr könnt auf Knopfdruck bremsen oder beschleunigen. Ganz berühmt ist die Barrel Roll – ein Flugmanöver, in welchem sich der Arwing schnell um die eigene Trommel dreht. Dies wird im Spiel genutzt, um gegnerische Geschosse abzuwehren. Außerdem könnt ihr einen Looping fliegen, um Gegenstände einzusammeln oder Feinde abzuschütteln.

In manchen Stages oder Boss-Kämpfen seid ihr frei in einem Gebiet. Dann könnt ihr sogar eine Wende fliegen. Dies und der Looping wurden auf das Steuerkreuz gelegt, um es einfach zu machen. Veteranen können aber auch die Tasten-Kombination aus dem Original einstellen.

Während ihr durch die Level fliegt, werden euch zahlreiche verschiedene Gegner entgegengeworfen. Diese bekämpft ihr mit dem Laser des Arwing. Der Laser lässt sich durch Aufsammeln von Power-ups verstärken. Doch Vorsicht! Wird euch ein oder beide Flügel zerstört, verliert ihr auch das Power-up.

Haltet ihr den Schuss-Knopf gedrückt, lädt sich ein Power-Schuss auf. Dieser kommt mit einer Lock-on-Funktion auf den nächsten Gegner, über den ihr das Fadenkreuz führt. Schießt nun den aufgeladenen Schuss los und ihr könnt somit direkt mehrere Feinde auf einmal besiegen. Dies bringt zusätzliche Punkte – und wir alle LIEBEN Extra-Punkte!

Viele Explosionen im All

Doch der Laser ist nicht die einzige Waffe im Repertoire von Star Fox. Ihr habt eine begrenzte Anzahl an B-Bomben. Diese könnt ihr in den Leveln finden und bei Gelegenheit auf eure Feinde abfeuern. Nutzt sie um eine große Menge an Feinden zu zerstören für mehr Punkte oder um einen Boss-Gegner schneller zu besiegen.

Die großen Boss-Feinde erwarten euch meist am Ende einer Stage. Jeder davon hat seine eigenen Angriffsmanöver und eigene Art, wie er besiegt werden muss. Am Anfang ist es noch recht einfach; schießt die Beine des Roboters weg und ballert ihm ordentlich was in den Rücken. Doch manch anderer Boss-Gegner benötigt mehr Finesse von euch. Die Boss-Kämpfe sind auch heute noch meine Highlights, da sie nicht nur pures Geballer benötigen für den Sieg.

Auf dem Weg zu den Bossen stellen sich euch Raumschiffe, ganze Flotten, merkwürdige Schmetterling-Roboter, Kampfjets oder sogar Meteoriten in den Weg. Für jeden Abschuss erhaltet ihr einen Punkt, manche Feinde geben mehr. Jede Stage vergibt eine Medaille, wenn ihr eine bestimmte Anzahl an Punkten habt. Ist eure Truppe jedoch nicht komplett, weil einer von den drei Gefährten von Star Fox abgeschossen wurde, bekommt ihr keine Medaille.

Es müssen schon alle Mitglieder des Teams anwesend sein! Achtet also auf deren Hilferufe und reagiert schnell. Sonst fällt derjenige für den Rest der Mission und die nächste Stage aus. Habt ihr in allen Leveln die Medaille erhalten, schaltet ihr einen höheren Schwierigkeitsgrad frei. Im einfachen Modus kommen eure Kameraden nach einem Abschuss im nächsten Level direkt zurück.

Es geht nicht nur geradeaus!

Das Besondere an Star Fox war und ist auch weiterhin die Möglichkeit, unterschiedliche Pfade durch das Lylat-System zu nehmen. Direkt schon im ersten Level gibt es zwei Ausgänge. Wie ihr den zweiten Boss findet, verrate ich euch nicht. Aber ich rate euch, auf Falcos Herausforderung einzugehen. Generell ist es durch die Gespräche der Kameraden ein wenig einfacher, die Konditionen für den alternativen Weg zu finden.

Um alle Pfade zu befliegen und alle Planeten zu sehen, benötigt ihr mehrere Spieldurchläufe. Und da sitzt dann auch der Kern von Star Fox: Spielt die Kampagne immer wieder durch, geht auf Highscorejagd und habt einfach Spaß. Das bedeutet aber auch: Die Kampagne ist nicht sehr lang. An einem Nachmittag bis Abend habe ich schon alle Planeten gesehen und mehrere Durchläufe gemacht, auch wenn ich nicht alle Kombinationen und Pfade bestritten habe. Wer also auf eine lange Kampagne in Star Fox hofft, welche emotional mitnimmt, der wird enttäuscht.

Die Kampagne, sowie den Herausforderungs-Modus, könnt ihr im Koop lokal oder über GameShare zusammen spielen. Dabei übernimmt eine Person die Rolle des Piloten und die andere dann das Geballer. Das ist eine spaßige Art und Weise, den Multiplayer einzubauen – meins ist es jedoch nicht so. Außerdem kann der Maus-Modus des Switch-2-Joy-Con verwendet werden. Das fand ich persönlich ganz grausig, aber vielleicht findet da jemand seinen Spaß mit. Für mich ein eher unnötiges Gimmick.

Nehmt ihr die Herausforderung an?

Habt ihr die Kampagne beendet, dann könnt ihr in den Herausforderungs-Modus und ich möchte mal ganz stark behaupten, dass Fans hier eine ganze Menge Spaß haben werden. Die Challenges beginnen auf Corneria recht einfach, schießt alle Ski-Bots ab oder zerstört alle Teile des Bosses.

Ihr müsst nicht alle Aufgaben in einem Run machen und habt ihr sie absolviert, schaltet ihr für die Stage die Experten-Herausforderungen frei. Dort haben mir schon bei der ersten Stage ganz schön die Ohren geschlackert. Den Boss in zehn Sekunden besiegen oder verhindern, dass Gebäude umfallen. Viel Spaß, liebe Experten! Ich bin dann da mal raus!

Das heißt: In allen 16 Leveln habt ihr zwölf Herausforderungen, die ihr meistern könnt. Wie bereits erwähnt, wäre es deswegen schön, wenn man die Intro-Cutscenes einfach ausschalten könnte. Seid ihr mit dem Herausforderungs-Modus fertig oder habt erstmal keine Lust, könnt ihr euch in den Schlacht-Modus stürzen! In diesem könnt ihr entweder mit anderen Spielenden gegen eine feindliche Gruppe antreten oder, so wie ich für den Test, gegen Bots spielen.

Im Schlacht-Modus gibt es drei Level. Auf Corneria gibt es ein bisschen King-of-the-Hill-Gameplay. Sprich: Ihr müsst für eine gewisse Zeit alleine in einem Gebiet sein, um Punkte zu erhalten. Betritt ein Gegner das Gebiet, hält die Progress-Leiste an und ihr müsst den Feind ausschalten. Generell solltet ihr das machen, denn es gibt dafür natürlich Punkte – und wer am Ende des Matches die meisten davon hat, gewinnt.

Spannende Dogfights?

Ihr könnt hier sogar, anders als in der Kampagne, einen Piloten aussuchen. Spielt Fox, Falco, Slippy oder Peppy von Star Fox oder schlüpft in die Rolle der Bösewichte von Star Wolf; Pigma, Leon, Andrew und der namensgebende Wolf. Ihr könnt noch verschiedene Einstellungen vornehmen wie Spielzeit, ob die Events wie der King-of-the-Hill-Modus überhaupt vorkommen, das Tempo der Flugzeuge und vieles mehr. Wenn hier mehrere Freunde das Spiel haben und man so gegeneinander oder miteinander Flugzeuge wegfetzt, ist das sicherlich ein spaßiges Erlebnis.

Auf der zweiten Stage, Fichina, kämpft ihr mit dem gegnerischen Team um Meteoriten und deren Energie. Ballert die Steine aus dem All ab und sammelt deren Energie auf! Wer als Erstes die Leiste füllt, erhält Punkte. Mein liebster Modus war aber im Sektor Y. Dort tauchen während der Kämpfe Piraten auf, welche Fracht klauen. Diese müsst ihr euch schnappen und in euer Mutterschiff bringen. Als Star Fox rettet ihr die Fracht natürlich, während Star Wolf diese stehlen möchte. Im Großen und Ganzen wird man sicherlich, wenn man Bock darauf hat, im Schlacht-Modus noch einiges an Zeit verbringen können.

In allen Modi könnt ihr Symbole und Hintergründe für euren Schlacht-Banner freischalten und diesen gestalten. Ein … sehr interessantes Gimmick ist außerdem die Möglichkeit, Avatare für eure Kamera im GameShare freizuschalten. Ihr wolltet schon immer das Gesicht von Fox McCloud tragen? Das geht nun! Die Kamera erfasst eure Kopf-, Augen- und Mundbewegungen und stellt diese mit dem jeweiligen Avatar dar. Dafür, dass es nur eine Spielerei für GameShare ist, gibt es echt viele Avatare!

Ein grafisches Update, das für Kontroverse sorgt

Star Fox auf Nintendo Switch 2 ist ein richtig hübsches Spiel. Am TV sieht es knallig aus, die Explosionen sind top, es läuft butterweich und flüssig. Besonders Solar hat mich mit seinen tollen Lava-Effekten überzeugt. Im Handheld-Modus ist das Spiel dann nochmal eine Ecke beeindruckender. Wie schön so ein Spiel mobil aussehen kann!

Dank der Leveldauer ist das Spiel auch perfekt für die ein oder andere Runde unterwegs. Vor allem die Planeten, auf denen Dogfights stattfinden, die früher total karg und langweilig waren, sind nun richtig hübsch und detailliert. Es ist beeindruckend, was das vergleichsweise unbekannte und kleine Velan Studios da mit einer eigenen Engine auf die Beine gestellt hat.

Doch die Kontroverse um die Designs der Charaktere hat online für einiges an Gesprächsstoff gesorgt. Diese haben einen etwas „realistischeren“ Stil und orientieren sich ein wenig an den Stoffpuppen, welche zu SNES-Zeiten auf dem Cover und in Werbebeiträgen waren. Die Charaktere sind wirklich sehr toll animiert, sind detailreich und Slippy sieht einfach, wie der Name es sagt, slippery aus! Ich persönlich bin ein riesiger Fan der Designs, aber es ist wohl wirklich Geschmackssache.

Der Soundtrack von Star Fox ist wie immer richtig gut. Die Level beinhalten natürlich oft das bekannte Star-Fox-Main-Theme und bringen dann ihre eigenen, tollen Melodien mit sich. Die deutsche Sprachausgabe ist äußerst gut gelungen und die Art und Weise, wie so mancher Gag herübergebracht wurde, hat mich wirklich schmunzeln lassen.

Ein gelungenes Remake!

Bildmaterial: Star Fox, Nintendo

Der Beitrag Im Test! Star Fox überzeugt auch heute – trotz kontroverser Designänderungen erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	The Adventures of Elliot: The Millennium Tales
	18. Juni 2026
	Square Enix
	18. Juni 2026
	Square Enix
	18. Juni 2026
	Square Enix
System	PlayStation 5, Xbox Series, Switch 2, PC/Steam
Getestet für	Playstation 5
Entwickler	Claytechworks Co. Ltd. & SQUARE ENIX Team Asano
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Seit der ersten Enthüllung auf der Nintendo Direct: Partner Showcase im Juli 2025, gab es von uns bereits zahlreiche Berichte über das neue Action-RPG The Adventures of Elliot: The Millennium Tales von Square Enix. Wir warfen, unter anderem, bereits einen Blick in eine Vorschau-Version, des Weiteren haben wir ein Interview veröffentlicht, wo Producer Naofumi Matsushita einige Einblicke in die Entwicklung gewährte.

Nun hatten wir auch die Ehre und durften die Vollversion des fertigen Spiels für euch testen und ich möchte euch natürlich sehr gerne meine Erfahrungen und Eindrücke zum neuen Action-RPG mitteilen. An dieser Stelle möchte ich erwähnen, dass wir eine Vorab-Vollversion vor der Veröffentlichung des Spiels getestet haben. Getestet wurde die Version für PlayStation 5.

„The Legend of Elliot: A Link to the Past“

So könnte der Titel auch lauten, aber Moment, da war ja was. Legen wir den Humor etwas beiseite. Die Geschichte von unserem Abenteurer Elliot beginnt in der Welt von Philabieldia, im Königreich Huther, im Zeitalter der Obhut, welches die aktuelle Gegenwart und den Ursprung unserer Helden-Geschichte darstellt.

Es ist bekannt, dass die Geschichte in vier Zeitaltern spielt. Das Zeitalter der Obhut, das Zeitalter des Wiederaufbaus, das Zeitalter der Magie und das Zeitalter des Anbeginns. Zu viel möchte ich aber diesbezüglich gar nicht verraten. Kurzgefasst beschreiben diese Zeitalter die Entstehung der Zivilisation, den Höhepunkt der technologischen bzw. magischen Kultur bis hin zu deren Fall und Wiederaufbau über mehrere tausend Jahre hinweg. Ein zentraler Faktor stellen die feindlich gesinnten Biestlinge dar. Je nach Zeitalter ist deren Bekämpfung und Erforschung mal mehr und mal weniger erfolgreich.

Mehrschichtige Story abseits der bekannten Klischees

Spulen wir wieder etwas zurück: In der Gegenwart (Zeitalter der Obhut) wird Elliot zum König von Huther berufen. Im Norden wurden neue Ruinen entdeckt, die es zu erkunden gilt. Und wer eignet sich besser hierfür als unser abenteuerlustiger Protagonist Elliot, der bereits Erfahrungen im Erkunden der Welt außerhalb der sicheren Stadtmauern von Huther hat? Das sehen allerdings nicht alle so.

Nachdem bekannt wurde, dass es sich bei der Ruine vermutlich um ein Zeitportal einer alten Zivilisation handelt, wittert der Minister des Königs die Chance auf eigene Initiative loszuziehen, um seine persönlichen Pläne zu verfolgen. Hier beginnt unsere erste Verfolgungsjagd durch die Zeit. Story-technisch handelt es sich hier nur um einen Teil des Prologs aus der Demo. An dieser Stelle möchte ich aber auch gar nicht mehr verraten als nötig.

Der Prolog ist tatsächlich nur der Anfang einer mehrstufigen Geschichte, die tief mit den unterschiedlichen Zeitaltern verwoben ist. Die Geschichte erfindet das Rad zwar nicht neu, aber geht dennoch über das klassische „Held rettet Prinzessin“-Klischee hinaus. Freut euch auf spannende Plot-Twists, die ihr vermutlich bis kurz vor dem Ende nicht kommen sehen werdet.

Das Ende hat mich durchaus berührt. Es gibt insgesamt drei Enden, die ihr freischalten könnt. Diese könnt ihr theoretisch auch alle nacheinander erspielen, es wird jeweils ein Savegame erstellt, sodass ihr diese chronologisch abarbeiten könnt. Ob ihr euch die ersten beiden Enden ansehen möchtet, ist euch überlassen, aber ich kann euch nur ans Herz legen, das „wahre Ende“ zu erspielen. Denn nur hier werden wirklich alle offenen Fragen und Hintergründe aufgeklärt und der Weg dorthin ist inhaltlich ein echtes Highlight des Spiels.

Eine Welt, die zum Erkunden einlädt

In der Welt von Philabieldia gibt es viel zu entdecken. Mit dem Fortschreiten der Handlung schaltet ihr immer mehr Areale auf der Weltkarte frei. Im ersten Moment wirkt diese überschaubar, aber bedenkt, dass es vier Zeitalter gibt, die ihr in eurem Abenteuer bereisen werdet. In jedem Zeitalter trefft ihr auf besondere Charaktere, die eine wichtige Rolle in der Geschichte spielen oder gespielt haben. Neben der grob detaillierten Weltkarte gibt es innerhalb von Dungeons auch eine ziemlich detaillierte Karte, die ihr zoomen könnt.

Während eurer Reise entdeckt ihr eine Vielzahl von Dungeons, einige sind Story-relevant, einige völlig optional. So könnt ihr auch außerhalb der Hauptgeschichte auf Entdeckungsreise gehen, für manche Dungeons benötigt ihr aber bestimmte Fähigkeiten, um diese vollständig zu erkunden. Dazu später mehr. Des Weiteren sei gesagt: Je nach Zeitalter trefft ihr auf verschiedene Iterationen eines Dungeons. So kommt es häufiger vor, dass ihr nur eine Truhe findet und in einem anderen Zeitalter viel tiefer in den Dungeon eindringen könnt und euch einem Boss-Kampf stellen müsst.

In den größeren Dungeons müsst ihr zuvor blaue und rote Türen passieren, um den Boss zu erreichen. Die entsprechenden Schlüssel findet ihr in Truhen innerhalb des Dungeons. Oft gibts kleinere Rätsel zu lösen, welche aber nicht allzu fordernd sind. Die meisten wichtigen Gegenstände und Truhen werden euch im späteren Verlauf auf der Weltkarte angezeigt, sodass ihr diese auch gezielt einsammeln könnt. Auf der Weltkarte und in den Dungeons gibt es regelmäßig Speicherpunkte, die ihr für die Schnellreise und zum Heilen nutzen könnt.

Actionreiches Kampfsystem

Auf der Weltkarte sowie in den Dungeons müsst ihr euch den unterschiedlichsten Arten von Biestlingen entgegenstellen. Um gegen diese gerüstet zu sein, steht euch ein breit gefächertes Repertoire an Waffen zur Verfügung, mit denen ihr euren Gegnern ordentlich zusetzt. Zunächst starten wir mit einer klassischen Schwert-und-Schild-Kombo. Später gesellen sich noch Bogen, Bumerang, Bomben, Speer, Hammer und eine Kettensichel hinzu. Ihr könnt immer zwei Waffen gleichzeitig ausrüsten, plus Schild. Die Anzahl an Pfeilen und Bomben ist zunächst etwas beschränkt, lässt sich aber im Laufe des Abenteuers erweitern.

Wenn ihr Gegner besiegt ohne Schaden zu nehmen, startet eine Serie. Umso mehr Gegner ihr besiegt, desto höher steigt eure Serie. Dadurch verdient ihr Tul, das ist die Währung im Spiel, sowie Maginit-Splitter, dazu später mehr. Umso höher eure Serie, desto mehr Beute könnt ihr erlangen. Bei der Vielfalt an Waffen sollte eigentlich für jeden Spielstil etwas dabei sein. Zudem kann Elliot mit dem Schild blocken und bei richtigem Timing Angriffe auch parieren.

Spannende Boss-Kämpfe

Selbstverständlich gibt es auch zahlreiche Boss-Gegner, denen ihr euch stellen werdet. Hier würde ich zwischen kleineren Zwischenbossen, die meist keine besondere Strategie erfordern, außer vielleicht ausweichen, blocken und springen, und größeren Boss-Gegnern unterscheiden. Größere Bosse haben meist einen speziell designten Boss-Raum und erfordern schon mal eine bestimmte Strategie, zum Beispiel das Setzen von oder Zurückwerfen von Bomben, Angriff auf einen bestimmten Körperteil, gezieltes Parieren und mehr.

Es gibt insgesamt vier Schwierigkeitsgrade, von leicht bis extrem. Ich habe das Spiel auf „Normal“ gespielt. Die meisten Gegner stellten keine Probleme für mich dar, wer aber noch eine größere Herausforderung sucht, kann sich an die höheren Schwierigkeitsgrade wagen.

Mit genügend Tul in der Tasche könnt ihr euch sofort wiederbeleben, wodurch gerade Boss-Kämpfe bedeutend einfacher werden. Aber Achtung, auf höheren Schwierigkeitsgraden steigen die Kosten. Als eine etwas ungewöhnliche Design-Entscheidung empfand ich, dass auf „Leicht“ jeder Speicherpunkt euch automatisch heilt, ansonsten nur deutlich seltener, und Waren beim Händler in der Stadt günstiger sind. Da man den Schwierigkeitsgrad aber jederzeit wechseln kann, an einem Speicherpunkt, könnte man kurzfristig umstellen, um sich zu heilen oder wenn man günstig einkaufen möchte.

Faie, eure magische Begleiterin

Ab einem gewissen Punkt in der Handlung gesellt sich die Fee Faie an Elliots Seite. Die kleine Fee sorgt nicht nur für Unterhaltung, sondern steht euch auch als verlässliche Partnerin zur Seite. Sie hat ihre Erinnerungen verloren und weiß nur noch, dass sie mit Elliot das Königreich vor einer Bedrohung retten soll. Zudem ist nur Elliot in der Lage sie zu sehen und mit ihr zu interagieren. Ihr könnt sie zudem mit dem rechten Analog-Stick frei steuern.

Faie kann euch gegen Bezahlung wiederbeleben und besitzt zudem magische Fähigkeiten, die ihr sowohl im Kampf als auch in der Umgebung einsetzen könnt. Unter anderem sind das zum Beispiel Fähigkeiten zum Sprinten, Teleportieren oder Anzünden von Fackeln. Ihr schaltet diese nach und nach frei. Diese Fähigkeiten verbrauchen magische Energie, die sich aber mit der Zeit wieder auflädt.

An bestimmten Stellen im Spiel benötigt ihr entweder spezielle Waffen, wie Bomben oder Hammer, oder eine bestimmte Fähigkeit, um diverse Wege freizuschalten oder um an Schätze zu gelangen. Wenn ihr also mal nicht weiterkommt, meist weist Faie auch darauf hin, dann solltet ihr zu einem späteren Zeitpunkt wiederkommen, wenn die entsprechende Fähigkeit erlernt wurde.

Wie bereits bekannt gegeben wurde, kann Faie auch im lokalen Koop von einem zweiten Spieler gesteuert werden. Wobei der Hauptfokus aber auf Elliot liegt, Faie ist lediglich eine Unterstützung, das kann aber in stressigen Situationen oder beim Lösen von Rätseln sicherlich eine Erleichterung sein.

Charakterentwicklung und Maginite

Elliots Lebenspunkte werden in Tropfen-Form am oberen linken Rand des Bildschirms dargestellt, diese könnt ihr durch das Lösen kleinerer Rätsel an diversen Schreinen auf der Weltkarte und in Dungeons erweitern. Hierzu sammelt ihr vier Teile ein, um einen weiteren Lebenspunkt zu erhalten. Sicherlich eine bekannte Mechanik aus anderen Genre-Vertretern. Das Inventar ist überschaubar, neben wichtigen Gegenständen kann sich Elliot mit Items heilen, Angriff und Verteidigung kurzzeitig verbessern oder Faies Magie etwas auffüllen. Für die Tränke werden leere Phiolen benötigt, deren Anzahl sich auch erweitern lässt.

Elliot kann mit einer Vielzahl an Accessoires ausgerüstet werden, die indirekte oder direkte Auswirkungen haben. Am Anfang steht euch nur ein Slot zur Verfügung, dieser kann auf bis zu drei ausgeweitet werden, sodass ihr drei Accessoires gleichzeitig ausrüsten könnt. Die Boni sind sehr unterschiedlich; ein Mantel, mit dem ihr nach dem Sprung etwas gleiten könnt, was in diversen Leveln und Passagen eine deutliche Erleichterung bietet, passive Boni wie mehr Tul/Maginit-Splitter oder dass ihr bei einem Treffer eure Kampf-Serie nicht gleich verliert.

Mit Maginiten lassen sich eure Waffen verstärken oder mit verschedenen Effekten ausstatten, wie zum Beispiel Zusatzschaden durch die Elemente, Feuer, Eis oder Blitz, mehr Schaden unter bestimmten Bedingungen, erhöhte Reichweite von Angriffen und vieles mehr. Hier kann man sich wirklich austoben und seinen ganz individuellen „Build“ erstellen.

Am Anfang könnt ihr nur wenige Maginite ausrüsten. Gegen Tul könnt ihr die Kapazitäten erweitern, um mehrere mächtige Effekte gleichzeitig auszurüsten. Um Maginite herzustellen, nutzt ihr Maginit-Splitter. Wenn ihr eine gewisse Anzahl an Maginiten hergestellt habt, steigt euer Synthese-Level und ihr könnt höherwertige Maginite erstellen, deren Boni stärker sind. Hin und wieder lassen sich Maginite auch in Truhen finden.

Sidequests und Minispiele

In The Adventures of Elliot könnt ihr euch neben der Hauptgeschichte zahlreichen Nebenaufgaben, Sammel-Items und optionalen Herausforderungen sowie Mini-Games widmen. Im Menü gibt es einen eigenen Punkt für Aufträge, dort seht ihr auch, ab wann diese bei welchem NPC in welchem Zeitalter verfügbar sind. Diese Aufträge belohnen euch nicht nur mit Tul, Accessoires oder Erweiterungen, sondern erzählen auch ihre ganz eigene Geschichte. Diese Sidequests bestehen meist aus Kämpfen oder ein NPC bittet euch etwas zu beschaffen. Diese erstrecken sich manchmal auch über die unterschiedlichen Zeitalter hinweg, was dem Ganzen noch eine ganz besondere Note verleiht.

Katzenfreunde kommen voll auf ihre Kosten, eine Nebenaufgabe besteht darin, Katzen, die über die ganze Welt verteilt sind, einzusammeln und in das Dorf zu bringen. Ein kleiner Fun-Fact ist, dass diese auch visuell im Dorf dargestellt werden und ihr mit diesen interagieren könnt. Zudem warten Belohnungen, je mehr ihr findet. Eventuell haben diese aber noch eine ganz besondere Bedeutung im Spiel, aber das müsst ihr schon selbst herausfinden. In der ganzen Welt findet ihr immer wieder an funkelnden Stellen Manuskripte, die euch die Lore der Welt etwas näherbringen.

Mit dem Erhalt einer Fähigkeit von Faie könnt ihr im Fähigkeiten-Menü eine Art Minispiel absolvieren, wo die entsprechende Fähigkeit eingesetzt wird, um eine bestimmte Punktzahl zu erreichen. Dies ist allerdings völlig optional und belohnt euch nur mit Musikstücken aus dem Spiel, die ihr euch anhören könnt. Im Tempel der Prüfungen warten knackige Herausforderungen, wo ihr euch Gegner-Wellen stellen müsst. Dies ist der einzige Weg, um eure Accessoire-Slots zu erhöhen. Mit Fortschreiten der Geschichte schaltet ihr hier weitere Herausforderungen frei. Vor allem die letzte hat es in sich.

Nostalgischer HD-2D-Look und unauffälliger Soundtrack

Dem kann ich schon fast nichts mehr hinzufügen. Wer sich noch nicht an dem HD-2D-Look sattgesehen hat, bekommt eine nostalgische, aber im modernen Gewand gestaltete Pixel-Look-Welt zu Gesicht. Wichtige Charaktere haben zudem ein eigenes Charakter-Porträt neben der Text-Box spendiert bekommen, das sogar lippensynchron animiert ist, was nochmal einen gewissen Teil zur Atmosphäre beiträgt. Die englischen und japanischen Sprecher leisten hervorragende Arbeit. Der Soundtrack – versteht mich nicht falsch, aber hin und wieder habe ich vergessen, dass er existiert – ist für mich persönlich kein Highlight. Lediglich das Boss-Theme hatte für mich einen kleinen Wiedererkennungswert, alles andere fügte sich eher neutral im Hintergrund ein. Am Ende ist dies vielleicht aber auch einfach Geschmackssache.

Ein einzigartiges Erlebnis

Bildmaterial: The Adventures of Elliot: The Millennium Tales, Square Enix, Claytechworks

Der Beitrag Im Test! The Adventures of Elliot ist ein einzigartiges Erlebnis für Nostalgiker und RPG-Fans erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Tales of Arise: Beyond the Dawn Edition
	22. Mai 2026
	Bandai Namco
	22. Mai 2026
	Bandai Namco
	22. Mai 2026
	Bandai Namco
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Bandai Namco
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Es ist knapp fünf Jahre her, dass Tales of Arise für zahlreiche Plattformen erschienen ist. Im Jahr 2023 erschien dann recht überraschend mit Beyond the Dawn eine Erweiterung für das JRPG, welche die Ereignisse nach dem Ende des Titels zeigt.

Nun hat Bandai Namco das Spiel in der Tales of Arise: Beyond the Dawn Edition auf Nintendo Switch 2 veröffentlicht. Diese beinhaltet die namensgebende Erweiterung direkt. Doch kann der Port überzeugen?

Die Frau mit Dornen und der Mann mit der eisernen Maske

Die Story beginnt mit dem Charakter Eisenmaske – ein Name, den der Hauptcharakter hat, weil er halt eben eine solche Maske trägt. Warum, weiß niemand, auch er selbst nicht. Seine Erinnerungen sind weg! Er lebt als Sklave unter den Renäern, welche von einem anderen Planeten stammen und die Bevölkerung namens Dahnäer unterworfen haben. Zumindest ist dies der Eindruck, den unser Hauptcharakter anfangs hat.

Natürlich überschlagen sich zeitnah die Ereignisse und er trifft auf Shionne. Was danach folgt, ist ein größtenteils tolles Abenteuer, mit interessanten Konflikten und tollen Charakteren. Leider verfällt Tales of Arise dem üblichen Tales-of-Fluch und verliert im letzten Drittel einiges an Fahrt. Der letzte Dungeon zieht sich mehr als ein Kaugummi an eurem Schuh. Dennoch ist es ein großartiges Abenteuer, welches nicht nur Fans der Reihe packen wird.

Beyond the Dawn ist eine tolle Erweiterung der Story, auch wenn sich dort gameplaytechnisch nicht viel ändert und der Fokus stark auf der Geschichte liegt. Interessant ist, dass ihr in der Erweiterung direkt alle Kostüme und Accessoires aus dem Basegame freigeschaltet habt. Wie auf anderen Plattformen könnt ihr diese unabhängig vom Hauptspiel starten. Es ist aber natürlich empfohlen das Basegame vorher zu spielen.

Je weiter ihr dort seid, desto mehr Boni gibt es dann in der zusätzlichen Geschichte. Apropos DLC: Oft gibt es in dieser Art von erweiterten Ports alle bisher erschienenen zusätzlich kaufbaren Inhalte. Dies ist bei der Tales of Arise: Beyond the Dawn Edition nicht der Fall.

Sprich: Badeklamotten und andere zusätzliche Outfits müsst ihr kaufen. Ebenfalls den erschienenen Sword-Art-Online-Crossover-DLC. Natürlich kann man von einem Port nicht direkt erwarten, alle Inhalte direkt zu beinhalten – aber es wäre ein netter Bonus gewesen.

In den Kämpfen selbst befinden sich bis zu vier Charaktere auf dem Feld, zwei weitere in der Reserve. Ihr könnt jede der spielbaren Figuren steuern und sie spielen sich auch allesamt auf ihre Art und Weise ein wenig anders. Während der Hauptcharakter ordentlich reinhaut, macht er sich selbst konstant Schaden. Dadurch muss man ordentliches HP-Management betreiben.

Rinwell hingegen kann Zauber abfeuern und diese sogar kombinieren, um noch größere Magie zu wirken. Währenddessen ballert Shionne mit ihrem Gewehr auf die Feinde, wirft Granaten und heilt das Team als Support-Charakter. Schade, dass in Tales of Arise kein Multiplayer mehr vorhanden ist. Dies war immer ein spaßiger Aspekt der Reihe.

Da der Titel sich im Inhalt nicht zum Original unterscheidet und wir hier eher auf den Port an sich schauen wollen, empfehlen wir einen Blick auf den originalen Test zu Tales of Arise und unser Review zur „Beyond the Dawn“-Erweiterung zu werfen.

Ein technisch solider Port

Auf Nintendo Switch 2 sieht Tales of Arise wirklich klasse aus. Dies ist sicher auch dem beeindruckenden Anime-Stil zu verdanken, in dem gerade in der Umgebung durch das Shading einiges kaschiert werden kann. Die Charaktere sind auch auf Nintendos aktuellem Handheld sehr detailliert und die Effekte in den Kämpfen sind weiterhin bildschirmfüllend und knallig.

Im TV-Modus sieht der Titel gut aus – wenn er auch hinter einer PS5-Fassung steht. Als jemand, der viel im Handheld-Modus zockt, war aber natürlich die mobile Variante für mich besonders interessant. Hier sieht das Spiel absolut großartig aus und auf dem Bildschirm der Nintendo Switch 2 kommen die Anime-Farben richtig gut rüber.

Einziges Manko: Nach etwas mehr als einer Stunde Spielzeit ist der Akku der Konsole einfach leer. Ob man nun dafür das Spiel kritisieren sollte oder vielleicht doch eher die Akku-Leistung der Konsole, bleibt da natürlich dahingestellt. Wenn ihr also plant, den Titel auf einer Reise zu zocken, dann hofft auf eine Steckdose in der Nähe.

Was mich persönlich am meisten verwirrt hat, ist der Wechsel zwischen 30 und 60 Bildern pro Sekunde in Tales of Arise: Beyond the Dawn Edition. Das normale Gameplay auf der Oberwelt ist in 30 FPS, ebenso die Kämpfe. Allerdings könnt ihr in Zwischensequenzen angenehme 60 FPS genießen. Einen Performance- oder Qualitäts-Modus gibt es nicht. Gerade Ersteres hätte ich mir dann gegen ein wenig schlechtere Texturen durchaus vorstellen können.

Ein ständiger FPS-Wechsel?

Ein Spiel in flüssigen 30 Bildern pro Sekunde stört mich nicht, man gewöhnt sich dran, auch wenn man viel mit 60 FPS spielt. Ein Spiel in konstanten 60 FPS ist natürlich toll! Doch dieser komische Mix aus beidem ist so gar nichts für mich. Durch die Zwischensequenzen, welche besser aussehen als das Gameplay durch flüssigeres Bild, wirkt das eigentliche Gameplay dann weniger hübsch. Irgendwie wirkt das Spiel dann langsamer – was es ja auch durch die weniger Bilder ist.

Auch bin ich persönlich davon enttäuscht, dass nicht einmal die Kämpfe in 60 Bildern pro Sekunde funktionieren. Wäre das hier möglich, dann hätte ich über die 30 FPS in der Oberwelt eher hinwegsehen können. Denn durch die teils riesigen Gebiete verstehe ich dann eher, wenn es weniger Bilder pro Sekunde rendern kann. Hinzu kommt, dass mir in den Kämpfen das Gefühl kam, wir hätten da manchmal nicht einmal stabile 30 FPS. Aber zu 100 % kann ich es nicht sagen, da es nur wenige Momente gab, wo es mir so vorkam, als würde die Bildrate einbrechen.

Ein tolles Spiel, nun auch unterwegs spielbar

Bildmaterial: Tales of Arise, Bandai Namco

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