Titel	Death Stranding 2: On the Beach
	19. März 2026
	PlayStation Publishing LLC
	19. März 2026
	PlayStation Publishing LLC
	19. März 2026
	PlayStation Publishing LLC
System	PlayStation 5, PC
Getestet für	PC (Steam)
Entwickler	Kojima Productions, Nixxes
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Ich muss gestehen, dass Death Stranding nicht mein Spiel war. Womöglich hatte ich nach dem wirklich starken und durchdachten Gameplay des letzten Metal Gear Solid unter der Führung von Hideo Kojima einfach etwas anderes erwartet. Die meditative Reise über menschliche Verbindung hatte durchaus ihre Höhen, aber auch viel zu lange Talfahrten.

Meine Erwartungen für das Sequel waren also nicht sehr hoch. Da dieser Teil nun, wie nicht anders zu erwarten war, ebenfalls auf der beliebtesten Plattform der Welt erscheint, gibt es keinen besseren Zeitpunkt für mich, herauszufinden, ob Kojima seine Formel konsequent weiterentwickelt hat. Und natürlich, ob das Team von Kojima Productions das nötige Know-how besitzt, um dem Spiel eine ordentliche Optimierung auf PCs zu spendieren. Dank des Review-Musters von PlayStation gibt es nun die Antworten darauf.

Not so dead

Ähnlich wie der Vorgänger beginnt auch Death Stranding 2 mit einer Wanderung, untermalt von Kojimas persönlicher Spotify-Playlist. Das ist ein effektiver Anfang, um sowohl Ton als auch Stil der Geschichte und des Gameplays einzuführen.

Doch lange hält die Idylle nicht an. Nachdem der erste Teil genutzt wurde, um die Beziehung zwischen Sam Porter Bridges und seinem BB Lou aufzubauen und zu vertiefen, wird eben diese Verbindung zu Beginn zerrissen. Das ist einer der emotionalen Höhepunkte, von dem sich Spieler und Sam erholen müssen. Und ähnlich wie in der echten Welt geht das nicht ohne Verdrängung, Depression und den Sturz in die Arbeit.

Zusammen mit alten und neuen Freunden (von Kojima) zieht es Sam nach Mexiko und Australien. Dort muss er wieder wichtige Knotenpunkte mit dem chiralen Netzwerk verbinden. Dabei werden ihm jedoch mehrmals Steine in den Weg gelegt. Wer ist der Geldgeber dieser Mission? Wieso kann man sich von Mexiko nach Australien teleportieren? Was ist das Nirvana?

Erneut ist das Thema Verbindungen. Aber dieses Mal geht es mehr darum, welche Konsequenzen diese haben und wie sie einem mehr schaden als helfen können.

Evolution

Es handelt sich also tatsächlich um eine konsequente Entwicklung der Erzählung aus dem ersten Teil. Thematisch bleibt der Kern erhalten, aber die Sichtweise ändert sich. Sehr clever. Das führt trotz des üblichen Kojima-Nonsens zu einer runderen Geschichte mit besserem Pacing und am Ende zu einem epischen Finale, das alleine die Reise schon wert ist.

Getragen wird diese emotionale Reise von den starken Performances der Schauspieler. Allen voran Troy Baker, der als Higgs absolut jedem die Show stiehlt und mit seinem puren Charisma alle seine Szenen dominiert. Jedes Mal, wenn dieser Charakter auf dem Bildschirm erscheint, wird jede langgezogene Talfahrt sofort vergessen. Was für eine starke Performance. Auch dafür allein lohnt sich das Spiel. Obwohl die anderen Charaktere hier teils weit abfallen, sind sie dennoch interessanter als beim Vorgänger, obwohl Cliff Unger sehnlichst vermisst wird.

Leider versteht der gute Kojima-san weiterhin nicht, wie sich normale Menschen unterhalten. Anstatt normale Konversationen zu führen, ergießt sich praktisch nur schwallartige Exposition aus dem Mund der Charaktere. Je besser die Technik und somit die Optik wird, desto negativer fällt das auf. Auch die typischen Logik-Lücken sind natürlich mit von der Partie. Hier wird Logik gegen Coolness eingetauscht, aber anderes hätte man vom Schöpfer von Metal Gear Solid nicht erwartet.

Wer sich also durch die Exposition und das mal wieder sehr passive Gameplay kämpfen kann, wird dafür mit einer interessanten und verrückten Geschichte belohnt, die eine sinnvolle Entwicklung zum Original darstellt.

Alphabet

Warum bin ich länger als nötig auf der Geschichte herumgeritten? Weil sich zum Vorgänger in Sachen Gameplay nicht allzu viel getan hat. Den Großteil der Zeit wird man weiterhin damit verbringen, von A nach B zu kommen und dabei sein Gepäck zu managen.

Wer diesem System beim Vorgänger gar nichts abgewinnen konnte, der wird hier nicht glücklich werden. Diejenigen, die sich zumindest etwas mehr Abwechslung erhofft hatten, werden jedoch belohnt. Es gibt mehr und dynamischere Auseinandersetzungen mit den verschiedensten Feinden sowie abwechslungsreichere Methoden der Fortbewegung und vielfältigere Nebenmissionen. Hier also auch mehr Entwicklung statt Revolution.

Selbiges gilt für die Optik, die beim ersten Teil schon begeistern konnte. Was Kojima Productions mit der Decima-Engine aus dem Hause Guerrilla Games auf den Bildschirm zaubert, ist wahrlich brachial. Sowohl Charaktere als auch Umgebungen kommen immer näher an die Realität heran und das sorgt für wesentlich mehr Emotionen und Gänsehaut während der Zwischensequenzen und des Gameplays. Selten war eine triste Einöde so schön wie bei Death Stranding 2. Und jetzt, auf dem PC, wird noch einmal eine Schippe draufgelegt.

Ultra

Mit den gängigsten Methoden der Frame-Generation ist ein unglaublich flüssiges Spielerlebnis bei einer Auflösung von 4K möglich. Zudem gibt es Super-Ultrawide-Support. Diese technischen Details richten sich natürlich an Spieler mit einem entsprechenden Setup von starkem Rechner und gigantischem Bildschirm. Teuer, aber mehr Immersion geht nicht. Besonders mit einem entsprechenden Monitor wird klar, dass so schöne Umgebungen vielleicht noch nie auf den Bildschirm gezaubert wurden. Dabei hilft auch die Tatsache, dass man auch auf PCs nicht auf die vielen Funktionen des DualSense verzichten muss. Immersion pur.

Und halleluja: Die zweifelsohne talentierten Entwickler von Kojima Productions und Nixxes haben ein extra Preset für tragbare PCs wie Steam Deck programmiert. Was sagt uns das? Hier hat sich jemand extra die Mühe gemacht, für schwache PCs eine ordentliche Performance zu garantieren. Diesen Schritt gehen nicht mehr so viele Entwickler, vor allem nicht, wenn sie aus dem fernen Osten kommen. Viel mehr kann man von einem „einfachen“ PC-Port nicht erwarten.

Doch leider sind nicht alle tragbaren PCs gleich. Das Steam Deck muss zum Beispiel selbst bei der passenden Einstellung viel zu hart mit dem Spiel kämpfen und ohne Frame-Generation kratzt es allenfalls an den 30 FPS. So kann ich das Sequel leider nicht auf Valves Handheld empfehlen. Death Stranding 2 lebt von seiner Optik und das kann der kleine Rechner eben nicht leisten.

Entwicklung statt Revolution

Bildmaterial: Death Stranding 2: On the Beach, Sony Interactive Entertainment, Kojima Productions

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Titel	Darwin’s Paradox
	02. April 2026
	Konami
	02. April 2026
	Konami
	02. April 2026
	Konami
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC, Nintendo Switch 2
Getestet für	PC (Steam)
Entwickler	ZDT Studio
Genres	Puzzle-Plattformer
Texte
Vertonung

Die letzte State of Play im Februar dieses Jahres war schon beeindruckend. Mehrere neue Ankündigungen und das ausgerechnet von Konami. Nicht viele haben mit so einem Comeback gerechnet. Inmitten von Metal Gear Solid und neuen JRPGs hat auch ein kleiner Oktopus seine Trailer-Premiere gefeiert.

Darwin’s Paradox ist das erste Spiel von ZDT Studio. Einem Pariser Studio, das von ehemaligen Branchenveteranen gegründet wurde. Eine Aussage, die aus offensichtlichen Gründen für Aufsehen sorgt. Nun konnten wir den Puzzle-Plattformer genauer unter die Lupe nehmen und entscheiden, ob Oktopoden sich als Helden eignen.

Ebbe

Nicht viele Puzzle-Plattformer glänzen mit ihrer tiefen Erzählung und genau hier reiht sich Darwin’s Paradox eindeutig ein. Die Geschichte ist zeitgleich simpel und abstrakt, da der Held eben ein Oktopus ist und nicht ordentlich kommunizieren kann. Kurz gesagt: Aliens wollen die Erde mittels grünem Gehirnwäsche-Schleim erobern und entführen dabei den Partner unseres achtarmigen Protagonisten. Um diesen zu befreien, muss der kleine Oktopus tief in das Herz der humoristischen Invasion eintauchen und dabei alle möglichen terrestrischen und extraterrestrischen Hindernisse umgehen.

Dank der tollen Animationen der humorvollen Invasion und der Dialog-freien Erzählung trifft der ein oder andere Lacher mitten ins Schwarze, aber die Geschichte an sich wird von den vielen geskripteten Sequenzen in den Hintergrund gerückt. Von einer Verpackungsfabrik über düstere Labore bis hin zu einem Karatezentrum zum Training der außerirdischen Roboter – hier wird die wahre Geschichte erzählt.

Leider dauert das Ganze dabei keine fünf Stunden. Der ominöse Soundtrack passt zwar gut, ist aber generisch und absolut unmemorabel. So bleibt hier nur die Optik als einzige große Stärke. Das gilt sowohl für das Art-Design, das teilweise an große Studio-Produktionen erinnert, als auch für die grafische Qualität an sich, die das mal mehr und mal weniger maritime Thema mittels Unreal Engine 5 schön umsetzt.

Oktopussy

Spielerisch überzeugt das Oktopus-Abenteuer nur teilweise. Auf einer strengen 2D-Ebene kann der Oktopus zwar an jeder Oberfläche haften, was viele Möglichkeiten eröffnet, aber die kleinen Areale nutzen dieses Potenzial nicht voll aus.

Hinzu kommt eine Tarnfunktion, die auf Knopfdruck angewandt werden kann, sowie die Möglichkeit, Tinte zu verspritzen, um sich darin zu verstecken. Das passt zum Stealth-Kern des Gameplays, ist für das kurze Spiel jedoch zu wenig und nur in bestimmten Situationen einsetzbar.

Weder die Rätsel noch die Stealth-Einlagen sind besonders komplex und am Ende ist es eher die unpräzise und teils träge Steuerung, die für die meisten Neustarts und Frustrationen verantwortlich ist. Letzteres kommt dabei für ein Spiel dieser Länge viel zu häufig vor. Trial-and-Error gehört bei Plattformern zwar dazu, hilft aber hier nicht.

Lieber das Steak

Die klassischen Bosskämpfe, sofern man sie so nennen kann, sind nur kleine Fluchteinlagen, die man in so vielen anderen Puzzle-Plattformern schon viel besser gesehen hat. Generell fasst das Darwin’s Paradox ganz gut zusammen. Praktisch jedes Element hat man im übersättigten Genre schon mal genauso oder besser gesehen. Ob Limbo, Ori oder eine der vielen anderen Genre-Koryphäen, Darwin’s Paradox kommt an diese nicht einmal annähernd heran. Sehr schade.

Trotz der überschaubaren Dauer bietet das Spiel kaum Wiederspielwert. Es gibt nur 20 lustige Werbungen/Zeitungs-Ausschnitte zu finden, die sonst nichts Intrinsisches bieten und an offensichtlichen Orten versteckt sind. Ansonsten bleibt es, was Erkundung angeht, eher mau.

Technisch gibt es nicht viel zu bemängeln. Selbst ein schwacher PC wird mit dem Spiel keine Probleme haben, aber eben auf niedrigen/mittleren Grafikeinstellungen und nur in 30 FPS. Für die beste Optik und stabile 60 FPS braucht es schon einen sehr starken Rechner, was wohl kaum für die Optimierung dieses kleinen Plattformers spricht. Dennoch bin ich immer froh darüber, wenn ein neues Spiel auch auf dem Steam Deck stabil läuft, auch wenn es optisch deutliche Einbußen gibt.

Weniger saugstark

Der Beitrag Im Test! Darwin’s Paradox hat es schwer in einem vor Koryphäen strotzenden Genre erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Super Mario Bros. Wonder – Nintendo Switch 2 Edition + Gemeinsam im Bellabel-Park
	26. März 2026
	Nintendo
	26. März 2026
	Nintendo
	26. März 2026
	Nintendo
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Nintendo
Genres	Jump ’n’ Run
Texte
Vertonung

Als Nintendo im Oktober 2023 das erste brandneue 2D-Abenteuer des hauseigenen Super-Klempners nach rund zehn Jahren veröffentlicht, hagelt es Bestnoten von der Presse. Auch wir empfinden Super Mario Bros. Wonder seinerzeit als „Spielspaß- und Ideen-Feuerwerk“ – und verleihen den goldenen Herausragend-Award.

Gute zweieinhalb Jahre später wird die großartige Hüpferei nun mit einer Frischzellenkur für Switch 2 bedacht. Die schraubt nicht nur an der ohnehin gelungenen Technik, sondern ergänzt das Abenteuer um neue Inhalte. Der Ausflug in den Bellabel-Park lässt sich allerdings etwas kosten: Für das Upgrade bittet Nintendo Besitzer des Hauptspiels mit durchaus ansehnlichen 19,99 Euro zur Kasse. Wer mit Switch 2 erstmals in „Wonder“ einsteigt, darf gar stolze 79,99 Euro locker machen. Lohnt sich das?

Über jeden Zweifel erhaben

Am Grundspiel hat sich mit der Switch-2-Fassung nichts verändert. „Wonder“ bleibt auch zweieinhalb Jahre nach seiner ursprünglichen Veröffentlichung spielerisch über jeden Zweifel erhaben. Markiert die Neuauflage euren Erstkontakt mit dem Spiel, sei euch ein Blick in unseren ausführlichen Test des Originals ans Herz gelegt. Trotzdem wollen wir im Folgenden einen kurzen Überblick darüber geben, was euch in „Wonder“ erwartet.

Für ihr jüngstes Abenteuer verschlägt es Mario, Luigi und Co. nicht wie gewohnt auf die mittlerweile abgetrampelten Pfade des Pilzkönigreichs. Stattdessen folgt die bunte Truppe einer Einladung von Prinz Florian ins benachbarte Blumenkönigreich. Es kommt, wie es kommen muss: Serienschurke Bowser crasht die Party und reißt sich das Schloss des Prinzen unter den Nagel.

Wir begeben uns also auf eine Reise durch das farbenfrohe Königreich, um der lästigen Chefkröte einmal mehr das Handwerk zu legen. Dazu arbeiten wir uns wie gewohnt durch verspielte, wenngleich selten fordernde Jump-’n’-Run-Level, die gerade dank der neuen „Wunderblumen“ herrlich kreativ ausfallen.

Einmal einverleibt, verzaubern diese unsere Umgebung auf … wundersame Weise. Mal verselbstständigt sich die Level-Architektur, mal beeinflussen wir sie auf eigene Faust. Mal spielen uns Kamera und Beleuchtung einen Streich, mal schlüpfen wir in ungeahnte Rollen. Bis zum Ende präsentiert sich „Wonder“ als charmant-kreative Spielspaß-Quelle, die nie Gefahr läuft, zu versiegen.

Und vor diesem Hintergrund lässt sich auch schon ein Zwischenfazit ziehen: Solltet ihr „Wonder“ bis dato noch nicht gespielt haben und bringt ihr eine Vorliebe für den heldenhaften Klempner oder durchdachte Plattformer im Allgemeinen mit, sei euch der Kauf der Switch-2-Fassung wärmstens ans Herz gelegt. 

Großer Spaß für Multiplayer-Fans

Aber wie steht es um die Rückkehrer unter euch? Klar, es spricht nichts dagegen, Marios blumiges Abenteuer einfach ein zweites Mal zu erleben. Im TV-Modus profitiert die Neuauflage von einer messerscharfen 4K-Auflösung; eine bombenfeste Bildrate und verkürzte Ladezeiten runden die technische Präsentation vorbildlich ab.

Allerdings machte „Wonder“ schon auf der Switch eine tolle Figur. Für das Hauptspiel allein lohnt sich der erneute Griff in den Geldbeutel kaum – da tuts auch das Original. Rechtfertigt der Bellabel-Park mit seinen neuen Inhalten also den Upgrade-Kauf? Die diplomatische Antwort: Es kommt ganz darauf an. Und zwar darauf, wie ihr zum Thema „Multiplayer“ steht.

Die Attraktionenwelt des Bellabel-Parks steht ganz im Zeichen des gemeinsamen Spaßes. Wir toben uns lokal und online mit mindestens zwei (und bis zu zwölf) Spielern in zahlreichen Disziplinen aus – insgesamt winken über 15 Minispiele. So sammeln wir etwa wild um die Wette Münzen, verharren aber auf der Stelle, sobald König Buh-Huh erwacht.

Erwischt er uns in der Bewegung, reißt er nämlich unsere erkämpften Taler an sich. Im Rahmen der Phanto-Fangjagd verschmelzen wir, so gut es geht, mit der Umgebung, um uns möglichst lang vor unseren Kontrahenten zu verstecken. Und in der Rolle des Nimmersatts Yoshi futtern wir unter Zeitdruck so viel, wie in unsere Bäuche passt.

Auch für Leute, die lieber mit- statt gegeneinander spielen, hält die Attraktionenwelt viele Minispiele bereit. Beim Bob-omb-Bibbersprint ist der Name Programm: Ein Spieler ebnet in Echtzeit den wackligen Pfad, den der Partner beschreitet – nur mit guter Abstimmung schafft man es ins Ziel. In den Rollen von Kapitän Toad und Piepmatz Picki teilen sich Spieler derweil die Steuerung – einer läuft, der andere hüpft. Die Minispiele sind allesamt kurzweilig und charmant präsentiert und bieten eine tolle Grundlage für spaßige Spielabende mit Familie oder Freunden.

Kurzer Spaß für Solo-Hüpfer

Aber was ist mit den Solo-Hüpfern unter euch? Die werden auch bedient, wenngleich weniger prominent als Mehrspieler-Enthusiasten. Auf der Zeltwiese vor dem Bellabel-Park versuchen wir uns etwa an den spielerischen Herausforderungen des Toad-Trupps und steigen so munter im Quasi-Pfadfinder-Rang auf. Darüber hinaus werden unsere Mühen mit Bellabel-Wasser belohnt, mit dem wir das Grün der Umgebung wieder zum Strahlen bringen. Alternativ investieren wir in Dekorationen und Blumensamen, um die Zeltwiese nach unseren Wünschen zu verschönern. Das ist alles zweifellos süß umgesetzt und bereitet durchaus Spaß, geht in Sachen Komplexität aber kaum über einen netten Zeitvertreib hinaus.

Spannender gestaltet sich da schon die Rückkehr der Koopalinge. Die garstige Geschwisterbande hat die Bellabel-Blumen an sich gerissen – wir greifen dem Toad-Trupp bei ihrer Wiederbeschaffung unter die Arme. Die Koopalinge verschanzen sich jeweils in den verschiedenen Regionen des Blumenkönigreichs und wollen auf der Karte ausfindig gemacht werden, ehe sie uns im Zuge eines Duell-Levels konfrontieren.

Mit ihrer abermals kreativen Präsentation sind diese Keilereien ein gelungener, aber auch äußerst kurzer Spaß. Steigt ihr nachträglich in euren alten Spielstand ein, sind die sieben Kröten in unter einer Stunde erledigt. Ist es hingegen euer erstes Mal mit „Wonder“, lockern die Duelle das Abenteuer in regelmäßigen Abständen gelungen auf.

Weitere willkommene Neuerungen: „Wonder“ war zwar bereits im Original nicht besonders fordernd, der neue Hilfe-Modus garantiert nun aber, dass auch die Kleinsten in eurem Kreis gemeinsam mit euch abenteuern können. Der neue Modus bewahrt Nachwuchs-Spieler vor sämtlichem Schaden; auch Abgründe beherbergen nicht länger die Gefahr eines „Game Over“. Mit Rosalina gesellt sich zudem ein weiterer Charakter zur Heldenriege. Mit dabei ist folgerichtig auch Luna, die von Videospiel-Neulingen per Maus-Steuerung navigiert wird, um mühelos Gegner zu besiegen und Münzen zu sammeln.

Für alle Neulinge und manch einen Rückkehrer

Bildmaterial: Super Mario Bros. Wonder – Nintendo Switch 2 Edition + Gemeinsam im Bellabel-Park, Nintendo

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Titel	Fallout 4: Anniversary Edition
	24. Februar 2026
	Bethesda Softworks
	24. Februar 2026
	Bethesda Softworks
	24. Februar 2026
	Bethesda Softworks
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Bethesda Game Studios
Genres	Action-RPG
Texte
Vertonung

Lange war es nur ein Gerücht, doch nun hat Bethesda endlich das Schweigen rund um den Switch-2-Port des Endzeit-Rollenspiels Fallout 4 gelüftet. Nach langer Wartezeit kommen Fans und natürlich auch Serien-Neulinge nun endlich in den Genuss des gefeierten Bethesda-Rollenspiels – und nun sogar auch unterwegs.

Bethesda schnürt uns hier ein perfektes Paket bestehend aus dem Hauptspiel, allen veröffentlichten DLC-Paketen und sogar dem neuen Anniversary-Update, welches neben etlichen neuen Gegenständen auch diverse Gameplay-Erweiterungen beinhaltet. Ein tolles Rundumpaket also und auch für Langzeit-Fans vielleicht nochmal einen Spieldurchgang wert.

Erstmals angekündigt hatte Bethesda die Portierung von Fallout 4 im Oktober des Jahres 2025. Zu diesem Zeitpunkt waren viele Fans und Kenner des Originals allerdings noch recht skeptisch, da die ersten Gameplay-Enthüllungen einen noch recht hakeligen Eindruck machten, was die technische Umsetzung der Switch-2-Portierung anbelangt, und es wurde schnell daran gezweifelt, ob die Switch 2 denn wirklich die nötige Power besitzt, um den Titel in seiner vollen Pracht darzustellen – speziell im Handheld-Modus.

Ob die Umsetzung von Fallout 4 für Nintendos neue Konsole an die Qualitäten des Originals aus dem Jahre 2015 heranreicht oder dieses sogar noch toppen kann, erfahrt ihr natürlich wie immer in unserem ausführlichen Test.

War never changes

Die Geschichte von Fallout 4 handelt von einem von uns zu Beginn des Spiels selbst erstellten Vault-Bewohner, der nach einem tragischen Vorfall dazu gezwungen ist, in einem Vault-Tec-Bunker Schutz vor der drohenden atomaren Katastrophe zu suchen. Zusammen mit der Familie überstehen wir diesen verheerenden Angriff also nur knapp.

Kurz darauf ereilt uns allerdings schon der nächste Schicksalsschlag und wir finden uns in der Zukunft wieder. Die Welt ist nicht mehr, wie sie einmal war und nun muss sich unser eigens erstellter Hauptcharakter auf die beschwerliche Suche nach seiner Familie begeben – oder was davon noch übrig ist.

Wir befinden uns nun im Jahre 2287 und die Gegend rund um Boston im US-Bundesstaat Massachusetts und weitere Teile rund um New England haben sich in ein atomares Ödland verwandelt. Dieses Ödland wird nun allerdings nicht mehr nur von Menschen bewohnt und so müssen wir uns nicht nur anderer feindlich gesinnten menschlichen Gegner erwehren. Auch allerlei scheußliche Kreaturen warten darauf, mit unserem durchaus beachtlichen Waffenarsenal Bekanntschaft zu machen.

Ein Rollenspiel ganz nach Bethesda-Art

Fallout 4 ist ein Bethesda-Spiel, wie es im Buche steht. Neben eher gewöhnungsbedürftigen Menüs, die auch hier ganz Fallout-typisch über den Pip-Boy, eine Art mobiler Computer, den wir am Arm tragen, gesteuert werden, fallen auch die Kämpfe selbst etwas spezieller aus und sind, speziell für Neulinge, erstmal gewöhnungsbedürftig.

Denn statt einem reinen Shooter erwartet uns hier eine Art Rollenspiel-Shooter. Denn eine große Besonderheit, welche die Fallout-Reihe doch etwas vom Mainstream-Shooter-Gameplay abhebt, ist die für die Reihe typische „VATS“-Mechanik. Mit der VATS-Mechanik können wir den aktuellen Kampf fast schon in Zeitlupe ablaufen lassen und den Zielpunkt, den wir am Gegner treffen möchten, auswählen. Nach dem Bestätigen dieses Angriffs führt unser Charakter den Angriff durch. Mit einer Prozent-Anzeige veranschaulicht uns das Spiel, wie hoch die Wahrscheinlichkeit auf einen erfolgreichen Treffer aktuell ist. Jeder Angriff im VATS-System benötigt sogenannte „AP“-Punkte. Sind diese Punkte verbraucht, kann aktuell kein Angriff im VATS-System erfolgen und wir müssen uns auf altbekannte Shooter-Mechaniken verlassen. Im ersten Moment klingt das VATS-System zwar nicht sonderlich spektakulär, dennoch ist genau diese Mechanik dafür verantwortlich, dass sich die Fallout-Titel doch irgendwie besonders anfühlen. Das gewisse Etwas, könnte man sagen.

Die weitläufige und abwechslungsreiche offene Spielwelt ist natürlich ein weiterer großer Pluspunkt von Fallout 4. Die Welt fühlt sich stets nach verlassenem und tristem Ödland an und kann immer wieder mit interessanten Locations begeistern. Der Entdeckertrieb wird also auf jeden Fall gefördert und mit etlichen nützlichen Waffen und Gegenständen, die es zu finden gilt, auch belohnt.

Im Ödland gibt es einiges zu tun

An Quests und allerlei Nebenquests mangelt es Fallout 4 übrigens keinesfalls. Die Hauptstory erlebt man primär innerhalb der Hauptquests, wohingegen die Nebenquests eher zum Aufleveln und Entdecken der Spielwelt gedacht sind. Aber auch die Nebenmissionen belohnen uns immer wieder mit zusätzlichen Infos und kleineren Storyschnipseln, welche am Ende ein großes Ganzes ergeben.

Storyseitig fällt Fallout 4 aber doch etwas wirr aus und so bleibt am Ende vor allem die weitläufige, schön gestaltete Spielwelt der Star dieses Abenteuers. Speziell der gekonnte Mix aus schwarzem Humor und brachialer und äußerst brutaler Endzeit-Action ist es aber, der Fallout 4 und die gesamte Fallout-Reihe zu etwas Besonderem macht.

Dialogsystem mit Pfiff

Auch das aus früheren Fallout-Teilen bekannte Dialogsystem hat es ins Spiel geschafft. Dieses Dialogsystem ermöglicht es uns oft die Gespräche in gewisse Richtungen zu lenken. Im Optimalfall natürlich zu unseren Gunsten. So können teilweise sogar ganze Kämpfe vermieden und die Quests auf verschiedene Art und Weise abgeschlossen werden. Ein Rollenspiel, wie man es sich vorstellt.

Die Skills, die uns zu einem positiven Ausgang eines Gesprächs verhelfen, wollen aber natürlich per Skillbaum erlernt werden. Sollte man während seiner Reise allerdings mehr Wert auf körperliche Skills wie Waffenbeherrschung oder Ausdauer legen, zieht man dafür während der zahlreichen Gespräche mit den NPCs den Kürzeren und kann somit oft weniger Einfluss auf einen positiven Ausgang des Gesprächs nehmen. Ein ausgeglichenes Skillset ist also das A und O um im Ödland zu überleben und sich das digitale Leben etwas einfacher zu machen.

Auch auf Nintendos neuem Handheld hübsch anzusehen

Die Optik von Fallout 4 mag nach heutigen Verhältnissen zwar etwas angestaubt wirken, kann sich aber auf jeden Fall immer noch sehen lassen. Gerade die weitläufigen Steppen im Ödland können wirklich begeistern und mit einer beeindruckenden Weitsicht glänzen.

Fallout 4 ist, anders als es noch bei Fallout 3 und New Vegas der Fall war, nun in einem eher comicartigen Look gehalten. Vielen Fans mag dieser Look nach wie vor etwas suspekt vorkommen, für mich war diese Designentscheidung allerdings die absolut richtige. Denn auch wenn der Titel mittlerweile mehr als zehn Jahre auf dem Buckel hat, ist Fallout 4 nach wie vor sehr ansehnlich und wirklich weit entfernt von einem optischen Fiasko.

Die Switch-2-Portierung bietet neben einem 30-Frames-Modus mit höherer Auflösung und schärferen Texturen auch einen 60-Frames-Modus, der die Auflösung etwas verringert und das ganze Bild etwas unschärfer wirken lässt. Dafür lief der Titel während unserer Testphase jedoch fast immer mit butterweichen 60 FPS über den Bildschirm. Sowohl im Handheld- als auch im Docked-Modus konnte uns die Portierung des Endzeit-Rollenspiels überzeugen. Spieler, die über ein 120-Hz-Display verfügen, können sogar in einen 40-FPS-Modus schalten. Dieser soll eine optimale Balance aus Grafik und Geschwindigkeit bieten.

Speziell im Handheld-Modus fällt die etwas verringerte Bildqualität im 60-FPS-Modus jedoch kaum auf und daher wäre dieser Modus, zumindest für mich, stets die einzige Option die Portierung von Fallout 4 auf der Switch 2 zu genießen.

Kult-Soundtrack sorgt für einmalige Atmosphäre

Was Fallout 4 und auch die gesamte Fallout-Reihe zu etwas Besonderem macht, ist der fantastische Soundtrack, den die Titel aus dem Hause Bethesda bieten. Mit Hilfe des Pip-Boy an unserem Arm haben wir ganz Fallout-typisch stets die Möglichkeit, die eintönigen Klangteppiche, die wir ansonsten auf die Ohren geschmettert bekommen, mit einem fetzigen Soundtrack, der an die Zeit der 30er- und 50er-Jahre erinnert, zu ersetzen. Das Radiosignal legt sich bei Aktivierung quasi über den eigentlichen „Soundtrack“ des Spiels und wertet das Spielgefühl damit ungemein auf. Auf Wunsch können die Radiosender aber natürlich auch jederzeit wieder deaktiviert werden.

Natürlich können sich aber auch die Soundeffekte hören lassen. Die Waffen wirken wuchtig, die Gegner schluchzend und auch die Dialoge können sich hören lassen. Was will man als Fallout-Fan denn mehr?

Zurück ins Ödland – dieses Mal auch mobil

Bildmaterial: Fallout 4, Bethesda

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Titel	Honkai: Star Rail – Kein Aha bei Vollmond
	13. Februar 2026
	HoYoverse
	13. Februar 2026
	HoYoverse
	13. Februar 2026
	HoYoverse
System	PlayStation 5, Mobile, PC
Getestet für	PC
Entwickler	HoYoverse
Genres	RPG
Texte
Vertonung

Mit dem Update 4.0 hat Honkai: Star Rail eine neue Storyline begonnen. Nachdem die von uns mit hohen Erwartungen gefüllte Amphoreus-Saga mittlerweile (zufriedenstellend) endete, sind wir natürlich mega auf die neuen Charaktere, Gameplay-Mechaniken und vor allem Story auf Planarcadia gespannt! Nun ist der Patch in seinen letzten Zügen und wir wollen einmal schauen, ob sich der Live-Service-Titel nach einer kleinen Flaute wieder gefangen hat.

Auf nach Planarcadia

Nachdem das Universum dank dem Trailblazer und dessen Gefährten nur knapp der Zerstörung entkam, wird es Zeit für ein wenig Entspannung! Dies denkt zumindest die Crew des Astralexpresses, als man sich auf den Weg zu Himekos Heimatort Ahatopia macht. Wie der Name es schon sagt, ist dies ein Himmelskörper, auf welchem der Äon des Hochgefühls, Aha, eine große Rolle spielt. Die Phantasmond-Spiele beginnen bald und natürlich wird die Truppe des Astralexpresses direkt darin verwickelt – und könnte die Chance auf eine Audienz mit dem Äon Aha gewinnen.

Der Story-Auftakt des neuen Arc ist dabei deutlich entspannter, als er es auf Amphoreus war. Während man dort direkt in einen Krieg gezogen wurde und sofort die epischen Ausmaße der kommenden Patches sehen konnte, geht es in Planarcadia nun etwas unbeschwerter zu. Zumindest auf den ersten Blick. Die Welt ist bunt, es sind zahlreiche Memes versteckt oder offensichtlich platziert und der Plot um Sparxie und Sparkle ist chaotisch aber irgendwie spannend. Das passt zu Sparkle, welche ja bisher als ein Charakter des Chaos und der Intrigen bekannt war. Es hat aber auch seine ernsten Momente, vor allem wenn es um die Vergangenheit von Himeko geht, und das Ende hat mich laut „HÄ?“ rufen lassen.

Ich mochte den Story-Auftakt tatsächlich sehr und ich bin sehr gespannt, in welche Richtung es dieses Mal gehen wird. Auch toll: Zahlreiche alte Charaktere tauchen auf, da man nicht wie in Amphoreus ein eigenes Charakter-Ökosystem aufbaut und nun wieder mehr bekannte Figuren auftauchen. Dies war nun vor allem in dem Event zum neuen Minispiel Kosmikon-Kollektiv der Fall.

Darin trefft ihr auf Charaktere aus Belobog und müsst das neue Würfelspiel meistern. Darin wählt ihr eine Figurenkarte, wobei jede davon ihre eigenen Fähigkeiten mit sich bringt. Das Ziel ist das Abziehen aller Lebenspunkte eures Gegners. Nutzt die Effekte der Karten, verteidigt euch und habt auch ein wenig Glück – und schon ist der Sieg nah! Das neue Würfelspiel macht Spaß und kann auch gegen andere Trailblazer online gespielt werden. Auf der gesamten Map sind außerdem NPCs verteilt, welche auf eure Herausforderung warten.

Der neue Pfad des Hochgefühls

Mit der neuen Patch-Reihe gibt es auch einen neuen Charakter-Pfad, den die spielbaren Figuren bestreiten. Mit Sparxie und Yao Guang bringt HoYoverse direkt zwei neue Mitglieder des neuen Spielstiles. Dabei bleibt zu hoffen, dass bei der neuen Mechanik nicht wieder nur weibliche Charaktere dabei sein werden, so wie es beim Pfad des Gedenkens bereits war. (Dieser hat abseits vom männlichen Trailblazer keinerlei Männer als Charaktere erhalten. Schade!)

Das Hochgefühl bringt Aha selbst in den Kampf. Charaktere des Hochgefühl-Pfades können Lachpunkte generieren, welche dann Aha zur Aktionsleiste hinzufügen. Je mehr anwesende Charaktere davon, desto schneller wird Aha. Ist der Äon an der Reihe, werden gewisse Debuffs bei Hochgefühl-Charakteren entfernt und alle Figuren des Pfads greifen mit einer speziellen Attacke an. Je mehr Lachpunkte vorher gesammelt wurden, desto mehr Schaden machen die Angriffe. Außerdem erhalten die KämpferInnen alle zusätzliche Buffs.

Es ist also recht schnell klar: Bei diesem Pfad wollt ihr möglichst viele Charaktere davon im Team haben, um mehr Schaden in Zukunft anzurichten. Zwei davon gibt es bereits, der Trailblazer wird auch eine Form dafür erhalten. Dies ist aber ehrlich schon fast schade, da so das Team-Building in Honkai: Star Rail irgendwie fast schon redundant wird. Denn ein wenig wie beim Pfad des Gedenkens wird es wohl darauf hinauslaufen, dass die Hochgefühl-Figuren einfach alle Klassen irgendwie abdecken werden.

Da fragt man sich dann schon, wozu es überhaupt die Mechanik der Pfade gibt, welche anfänglich die Charaktere in verschiedene Rollen eingeteilt hatte. Außerdem muss ich sagen, ist der Aha-Angriff mega stark, aber visuell doch irgendwie ein wenig anstrengend und ich benötige auch nicht immer am Ende der Angriffsfolge eine Info darüber, wie viel Schaden ich gemacht habe.

Die neuen Charaktere im Detail

Mit Yao Guang hat Honkai: Star Rail den Auftakt im Patch 4.0 gemacht und bringt einen Mix aus Damage Dealer und Buff-Einheit. Sie kann die Feinde in den Status „Flüstern des Unheils“ bringen, womit diese mehr Schaden erhalten. Außerdem kann sie den Hochgefühl-Schaden des Teams erhöhen. Dieser erhöht sich, je mehr Lachpunkte vorhanden sind. Das klingt alles ein wenig wirr und ich habe auch ein wenig gebraucht, bis ich die Zusammenhänge wirklich verstanden habe. Letztendlich ist sie aber auch für Charaktere ohne Pfad des Hochgefühls ein guter Support, zum Beispiel in einem Archer-Team macht sie eine gute Figur.

Allerdings ist sie für Sparxie ein viel besserer Unterstützungs-Charakter. Bei der neuen Form von Sparkle handelt es sich um einen neuen Damage Dealer, welcher sich natürlich auf den neuen Hochgefühl-Schaden konzentriert. Sie wird außerdem stärker, je mehr Charaktere des Hochgefühl-Pfades im Team sind – was meine frühere Aussage bezüglich Team-Building unterstreicht. Ihre Animationen und Angriffe bauen stark auf dem ganzen Streamer-Setting von ihrem Charakter auf und sehen chaotisch und lustig aus. Sie ist ein Charakter, welcher viele SP verbraucht, weshalb ihre originale Version aktuell ein super Support für sie ist. Interessante Herangehensweise.

Beide Charaktere wirken auf jeden Fall bereits sehr stark und sind auch im noch recht frischen Währungskrieg-Modus vorhanden. Dort habe ich mit den beiden tatsächlich den bisher größten Erfolg gehabt und Sparxie macht unfassbar viel Schaden. Durch Aha greifen die beiden auch unfassbar viel an, was dann zu großen Schadenssummen führt. Ich bin gespannt, wie dies dann mit einem vollen Hochgefühl-Team aussieht – aber auch ein wenig skeptisch. Denn so richtig gefällt mir diese Fixierung auf einen einzigen Pfad nicht, auch wenn ich es aus der Sicht des Geldeinnehmens natürlich verstehen kann …

Spannender Auftakt mit coolen Charakteren

Bildmaterial: Honkai: Star Rail, miHoYo

Der Beitrag Im Test! Honkai: Star Rail – Version 4.0 ist ein spaßiger Auftakt einer neuen Ära erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße
	13. November 2025
	Level-5
	13. November 2025
	Level-5
	13. November 2025
	Level 5
System	NSW/2, PS4/5, Xbox Series, PC
Getestet für	PS5
Entwickler	Level-5
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Mit Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße ist vor einiger Zeit der neueste Ableger der Reihe erschienen. Praktisch ein Revival bzw. Comeback der Reihe seit Teil 3 für den 3DS. Es ist gleichzeitig für Level-5 die Ausrichtung einer neuen Vermarktungsstrategie. Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße ist der erste Teil der Reihe, welcher nicht mehr exklusiv für Nintendos Plattformen (DS, 3DS, Wii) erscheint, sondern breit auf allen derzeitigen Konsolen und PCs verfügbar ist.

Ein Neuanfang, der gleichzeitig mit Details aus den vorherigen Spielen der Saga auch alteingesessene Fans zufriedenstellen soll, ohne Neulinge mit sperrigen Infos zu überfordern. Ob dieser Spagat funktioniert, könnt ihr bei uns nachlesen.

Zwischen Hass und Liebe für den Fußball

Unser Held der Geschichte ist Unmei Sasanami. Ein in seiner Kindheit begeisterter Fußballspieler, der den Sport lebt bis zu jenem schicksalhaften Tag, als er auf dem Spielfeld zusammenbricht. Die Ärzte verbieten ihm das Spiel. Ein kleiner Junge, der seine Liebe zum Fußball nicht mehr ausleben konnte. Er vergräbt sich, schiebt seine Fußballfreunde von sich und beginnt sein Schicksal zu verdammen.

Viele Jahre später betritt er nun den Grund und Boden seiner neuen Schule. Die Nagumohara Junior High ist eine Schule ohne Fußballclub. Vielleicht findet ihr endlich Ruhe vor dem Sport, der euch im Geist immer noch verfolgt und an dem ihr im Inneren noch so sehr hängt, obwohl ihr das nicht wahrhaben wollt.

Doch eure Leidenschaft holt euch wieder ein, als ihr ein Schlüsselereignis mit dem jungen Raufbold Joji erlebt. Es weckt in euch wieder die Leidenschaft, die ihr so lange begraben habt. Auch wenn ihr selbst nicht spielen könnt, so wollt ihr, dass andere Talente dies können.

Ihr beschließt an der Nagumohara einen Fußballclub zu gründen. Ein Unterfangen, dem sich die Schule entgegenstellt. So startet ihr in ein neues Abenteuer. Deckt die Geheimnisse um den Skandal des alten Fußballclubs auf um letztlich am Football Frontier teilzunehmen, dem Fußballjugendturnier, von dem ihr schon immer geträumt habt.

Eine wundervolle Geschichte

Level-5 weiß eine wunderschöne Geschichte rund um das Runde zu erzählen. Ihr beginnt dabei ganz von vorne mit der Gründung eures Clubs. Müsst dabei neue Spieler rekrutieren, diese trainieren und gleichzeitig die Vergangenheit des Fußballclubs der Nagumohara Junior High reinwaschen. Es vergehen also einige Stunden in der Storykampagne, bevor ihr überhaupt das erste richtige Spiel mit elf Spielern auf dem Feld bestreiten werdet. Das Pacing ist anfangs recht gemächlich, nimmt aber deutlich an Fahrt auf, je näher ihr dem Turnier kommt.

Wer zusätzlich über den Season-Pass verfügt, kann über die Hauptkampagne noch etwaige weitere Storystränge spielen, aber selbst ohne werdet ihr vermutlich einige Zeit brauchen, bis ihr die Hauptkampagne abgeschlossen habt. Selbst danach bietet euch Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße einen Umfang, der seinesgleichen sucht.

Auf zum Football Frontier

Bevor ihr allerdings überhaupt startet, baut ihr euch euren eigenen Spieler zusammen und wählt eure eigene Startmannschaft aus. Diese könnt ihr in den verschiedenen Modi nutzen und auch euer Avatar ist später in der Hauptgeschichte von Inazuma Eleven rekrutierbar. Doch was bietet euch Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße eigentlich alles an? Einiges.

In der Hauptkampagne spielt ihr die neueste Story des Franchise. Ihr gründet – wie erwähnt – euren Club und rekrutiert nach und nach Spieler für eure Mannschaft. Dabei ist der erste Part der Geschichte mehr wie eine kleine Detektivgeschichte aufgebaut. Ihr erlebt kleinere Miniquests und trainiert eure Mannschaft in Mini- und Testspielen, bis eure Attribute hoch genug sind um das nächste Hauptspiel zu bestreiten.

Fokuskämpfe und Drachenschuss

Anders als in regulären Fußballspielen liegt hier der Fokus etwas anders. Das merkt man schon an der eher taktischen Steuerung, bei der ihr mit Richtungspfeilen unterstützt werdet. Eure Figuren verfügen über übermenschliche Angriffs- und Verteidigungstechniken. Ihr könnt Keshins, eine Form von Avataren, und weitere im Spiel beschwören.

Darüber hinaus gibt es viele weitere Effekte wie Miximorph – zu viele, um diese alle hier zu erklären. Auch könnt ihr Taktiken einsetzen, die euch stärken oder die Gegner schwächen. Natürlich gibt es auch noch die regulären Regeln eines Fußballspiels, an die ihr euch halten müsst. Zu harte Aktionen werden mit Fouls und Karten, ein zu weiter Pass mit Abseits belohnt. Verschiedene Energieanzeigen säumen zusätzlich den Bildschirm.

Nach einem absolvierten Spiel verdienen eure Spieler Erfahrung und steigen im Level auf. Nicht nur eure Grundattribute können sich dabei erhöhen, nein, ihr könnt von Zeit zu Zeit auch neue Fähigkeiten erlernen. Jeder Spieler verfügt nämlich über einen eigenen Fähigkeitenbaum.

Fähigkeiten können hier erlernt, ausgetauscht oder verstärkt werden. Auch zwischen zwei Fähigkeitenrouten könnt ihr wählen – alles um eure Mannschaft zu stärken. Das gilt auf wie auch neben dem Platz. Neben euren elf Spielern plus Ersatzspielern könnt ihr auch einen Coach und weitere Manager benennen, die ebenfalls neue Fähigkeiten lernen können und das Team indirekt unterstützen.

Die Spiele innerhalb der Hauptkampagne setzen euch auch gerne mal mit gescripteten Events unter Druck, wie beispielsweise Toren, die ihr nicht verhindern könnt. Auch die Geschwindigkeit auf dem Spielfeld ist eher gemächlich. Das tut dem Spielvergnügen aber keinen Abbruch. Wahr ist aber auch, dass gerade Anfänger von der Vielfalt an Möglichkeiten geradezu erschlagen werden können.

Das Spiel nimmt euch zwar an die Hand und erklärt in wenigen Dialogen, wie etwas funktioniert, aber eine wirklich tiefe Erklärung für manche Funktionen fehlt dann doch. Es macht dennoch extrem viel Spaß die Geschichte von Unmei zu verfolgen. Die Mannschaft zusammenwachsen zu sehen, neue Techniken zu entdecken, zu verbessern und dem einen ersehnten Ziel, dem Sieg beim Football Frontier entgegenzufiebern. Neben der Hauptkampagne gibt es aber noch das ein oder andere zu entdecken.

Zurück in die Vergangenheit

So gibt es mit dem Chronikmodus eine Art weiteren „Storymodus“, mit dem ihr per Zeitreise die wichtigsten Ereignisse von Inazuma Eleven nachspielen könnt. In Anbetracht dessen, dass Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße als erster Titel des Franchise auch auf anderen Plattformen vertrieben wird, ist dies eine gute Idee gewesen um alte und neue Spieler auf ungefähr denselben Stand zu bringen. Das Ganze wird aber in einer eigenen Rahmenhandlung zusammengefasst und bietet gleichzeitig etwas Neues. Denn in der Zukunft ist die Welt ein Desaster und wird von unbekannten Bestien angegriffen.

Ihr reist mit der Figur Vic zurück in der Zeit und erlebt die Geschichte von Inazuma Eleven von Neuem, indem ihr wichtige Ereignisse nachspielt. Das Ganze findet auf einer isometrischen Karte statt, die wie ein Spielbrett aufgebaut ist. Auf den jeweiligen Feldern könnt ihr dann in Kurzfassung die Story nachspielen, zum einen mit der damaligen Mannschaft und zum anderen mit eurer eigenen Mannschaft um das nächste Feld freizuschalten.

Nach erfolgreich absolvierten Spielen bekommt ihr Belohnungen, die ihr durch Aktionen während des Spiels verdient habt. Im Chronikmodus können das neben etwaigen Items auch Geister sein. Geister sind Abbilder von Spielern aus den verschiedenen Mannschaften und Geschichten des Inazuma-Eleven-Franchise. Diese können beschworen und für eure Mannschaft rekrutiert werden.

Bindungen müssen aufgebaut werden

Neben dem Chronikmodus gibt es auch noch die Kizuna-Station. Ein Modus, in dem ihr eine kleine Stadt erbaut um eure Bindungen weiter zu stärken. Bindungen können einen Einfluss auf die Statuswerte der Spieler haben. Bis zu sieben Bindungen können zwischen Spielern hergestellt werden. Das Ganze spielt sich auf einer Pinnwand ab, mit Fäden zieht ihr Verbindungen zwischen den Spielern.

Fotos, auf denen die Spieler abgebildet werden und die von einer Linie gekreuzt werden, geben einen Bonus. Zusätzlich kann das Ganze mit Stickern noch ausgeschmückt werden. Die Kizuna-Station erweitert das quasi, indem ihr auf einem kleinen Areal Gebäude, Menschen und etwaige andere Objekte platziert. Ihr könnt auch die Städte anderer Mitspieler besuchen.

Online oder gegen die CPU

Natürlich gibt es auch den obligatorischen Wettkampfmodus. Hier könnt ihr offline weitere Matches gegen CPU-Gegner führen oder euch online mit anderen messen. Ranked-Spiele sind dabei das Frustrierendste, was einem Neuling passieren kann, der nur mal eben hineinschnuppern möchte. Das liegt daran, dass ihr auf Rang 0 trotzdem auf andere Rang-0-Spieler treffen könnt, die aber bereits ein viel höheres Teamlevel haben. Level-5 hat hier schon leicht reagiert und das Teamlevel auf maximal 50 beschränkt, dennoch können gerade solche Partien mehr als frustrierend sein, da euer Gegner nur mit euch spielt.

Ein wirkliches Matchmakingsystem gibt es hier nicht. Verbindungsabbrüche, ob mutwillig verursacht oder aufgrund eurer instabilen Leitung, werden recht hart sanktioniert. Ansonsten funktionieren die Spiele genauso wie die regulären CPU-Kämpfe, allerdings mit dem Unterschied, dass ihr auch in den Commandermodus wechseln könnt. Der Commandermodus ist eine Art Taktikmodus aus der Sicht des Trainers. Eure Figuren spielen nach den von euch vorgegebenen Rollen.

Zu guter Letzt gibt es noch die Battle Bay. Dies ist ein Modus mit vorgefertigten Teams aus der Geschichte des Inazuma-Eleven-Franchise. Mit diesen tretet ihr gegen mehrere Teams in Folge an. Der Modus lässt sich sowohl gegen eine CPU als auch online gegen andere Spieler bestreiten. Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße ist ein wahres Umfangmonster, in das ihr wahrlich viel Zeit investieren könnt um euer Team an die Spitze zu führen. Dabei bietet das Spiel nicht nur viele verschiedene Modi an, es sieht darüber hinaus auch recht schick aus.

Grafisch ein ordentlicher Sprung nach vorn

Die meisten Spiele des Franchise erschienen für Nintendo DS und 3DS. Abseits davon erschien noch die Strikers-Reihe für die Wii. Der Sprung in der Grafik war also demzufolge irgendwo erwartbar und Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße sieht im Vergleich zu seinen Vorgängern deutlich polierter aus. Die Sequenzen sind gewohnt von besonders hoher Qualität. Die Figuren-Designs sind in der Neuzeit angekommen und die grafischen Effekte wie die einzelnen Schuss- und Verteidigungstechniken sind wunderschön in Szene gesetzt.

Die Beschwörungen sind kleine Farbexplosionen auf dem sonst so grünen Spielfeld. Sicherlich ginge auch hier noch deutlich mehr gerade im Hinblick auf die Umgebung und Szenerie, welche etwas altbacken wirkt, aber das Hauptgeschehen findet eben auch auf dem Platz statt. Man sieht aber, dass es auch grafisch mit der Reihe ein ordentliches Stück nach vorne gegangen ist. Dazu gibt es wieder einen wunderschönen Soundtrack, der die Emotionen der Spiele und der Geschichte perfekt unterstreicht. Auch der ein oder andere Ohrwurm ist wieder mit dabei.

Unterm Strich

Bildmaterial: Inazuma Eleven: Victory Road, Level-5

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Titel	Maid Cafe on Electric Street
	26. Februar 2026 (Switch)
	Playism
	26. Februar 2026 (Switch)
	Playism
	26. Februar 2026 (Switch)
	Playism
System	Switch, Steam (nicht in Deutschland)
Getestet für	Switch
Entwickler	Adventurer’s Tavern
Genres	Adventure
Texte
Vertonung

Manchmal wählt man sich ein Spiel nur anhand des Titels aus. Als ich angefragt wurde, in Maid Cafe on Electric Street das „Fuwa Fuwa Cafe“ in „Nipponbashi, Osaka“ zu testen, war ich direkt dabei – besonders interessiert hat mich, ob der Pixel-Art-Stil, der mich immer wieder an die EGA-PC-Spiele der frühen 90er erinnert, überzeugen kann. Aber ein Maid-Café managen in einer stark an Nipponbashi angelehnten Stadt, in der es auch noch Nekos, Gachas, Arcades, Figuren und verschiedene Videogame-Stores gibt – was soll da schon schiefgehen?

Diese Frage beantwortet leider schon vor dem Test die Steam-Version des Spiels, welche in Deutschland nicht verfügbar ist. Hintergrund ist hier, dass in der Onsen-Szene die Kostüme der minderjährig wirkenden, gezeichneten Charaktere im Pixel-Art-Stil für die deutschen Gesetze etwas zu freizügig sind. Also testen wir hier die minimal angepasste Version des Spiels für die Nintendo Switch. Kurios: In Deutschland ist das Spiel aufgrund dieser Tatsache daher ein vollständiger Switch-Exklusivtitel!

Job ade, Geld aber auch

Das Spiel startet, indem wir als erste Aktion den virtuellen Job vor dem Computer mit einem äußerst unsympathischen Chef kündigen, nur um nach vielen Überstunden in einem heruntergewirtschafteten Maid-Café ohne Geld und Gäste einzuschlafen.

Geweckt werde ich von Shiro, die einzige Maid, die dem Café geblieben ist – der Manager ist seit Monaten im Ausland, die anderen Maids zur Konkurrenz abgewandert, das Inventar zum Teil kaputt und das Geld reicht nicht für weitere Angestellte. Und hiervon soll ich nach der Bitte von Shiro wirklich Manager werden? Nach viel Überzeugungsarbeit und dem Angebot einer voll ausgestatteten Wohnung über dem Maid-Café nehme ich den Posten als neuer Manager an.

Dafür, dass so viel Arbeit ansteht, legt das Spiel erst einmal sehr gemütlich los – und bleibt auch den Rest des Spiels überwiegend in diesem gemütlichen Tempo. Das Wichtigste ist die Kaffeemaschine, deren Bedienung und Rezepterweiterung sind das A und O. Nachdem Shiro eine Freundin davon überzeugen konnte, im Maid-Café mitzuhelfen, nimmt das Spiel langsam an Fahrt auf.

Der Management-Part bleibt aber zu simpel und ist vielleicht auch gerade deshalb etwas frustrierend. Nach etwa zwei In-Game-Wochen ist das Café ausgebaut und randvoll, aber im Café mit 20 Sitzplätzen können an einem guten Tag nur etwa zehn Bestellungen abgearbeitet werden, da die Küche nicht hinterherkommt.

Etwa zu dieser Zeit wird auch klar, dass wir es bei Maid Cafe on Electric Street mit einer storygetriebenen Visual Novel in einem ungewöhnlichen Format zu tun haben. Der Fokus wechselt zunehmend vom Aufbau des Maid-Cafés zu den zwischenmenschlichen Beziehungen, den Interaktionen zu den Maids, MitarbeiterInnen anderer Läden, den Geschenken, den wegweisenden Entscheidungen und den Nebenaufgaben.

Fokuswechsel

Der Charme der vertonten Story gehört zu den Stärken des Spiels. Mein persönlicher Favorit ist die charakterstarke Katze im virtuellen Wohnzimmer inklusive Balkon. Es werden zudem auch liebenswerte, verpeilte, geheimnisvolle und mysteriöse Charaktere aufgebaut, die sich um die Geheimnisse eines Schreins drehen, in dem es wegen unerfüllter Wünsche und Träume spukt. Die Story motiviert auch, das Spiel weiterzuspielen, das ansonsten an einigen Punkten die selbst geweckten Erwartungen enttäuscht.

Die Pixel-Art-Grafik hat zwar einen gewissen Charme, hält das Spiel aber auch an vielen Punkten zurück. Sie ist teilweise doch sehr grobpixelig und überdeckt die zum Teil liebevollen Animationen. Auch die Outfits der Maids wirken gegenüber aktuellen Designs in modernen Videospielen und auch den realen Outfits in Maid-Cafés grob und wenig verspielt.

Immer wieder erwische ich mich dabei, wie ich mir einen Umschalter wie in den „Monkey Island“-Remakes wünsche, damit ich auf Knopfdruck zwischen den klassischen Pixel-Designs und hoch detaillierten Grafiken hin- und herwechseln kann, um die Details zu bewundern – aber es gibt ihn leider nicht.

Knallig nur auf der OLED

Dazu kommen auch noch kleinere technische Schwächen. Auf der Switch OLED sieht das Spiel wirklich großartig aus und die knalligen Farben kommen top zur Geltung – die neonbeleuchteten Straßen bei Nacht und im Regen überzeugen. Auf der normalen Switch, der Switch 2 und am TV fehlt das jedoch, die Grafik bleibt hier zweckmäßig. Dabei hat die Switch 2 ein farbstarkes HDR-Display und auch am TV könnte man HDR aktivieren.

Nach kurzer Zeit fällt mir auch ein mysteriöses Ruckeln im Spiel auf, dessen Ursache auf den „dynamischen“ Side-Scrolling-Effekt zurückzuführen ist. Er wirkt nicht immer sauber und ein leichtes Ruckeln tritt nach längerer Spielzeit auf. Auf dem großen TV hat dieser Side-Scrolling-Effekt noch einen weiteren Nachteil: Da das Scrolling sich nicht an den großen Pixeln des Spiels, sondern an der vollen Auflösung orientiert, gibt es häufiger ein unruhiges Bild. Die Pixel müssen sich hier ständig neu ausrichten. Wer in der Stadt zur Seite läuft und plötzlich stehen bleibt, sieht, wie sich das Bild zwei Sekunden lang neu ordnet und Kanten anfangen zu „wabern“.

Auch an anderen Stellen fehlt mir persönlich der Polish eines hochwertigen 2D-Side-Scrolling-Spiels. Es muss ja nicht jeder Charakter ausgearbeitet und mit einer Persönlichkeit ausgestattet sein wie beispielsweise in einem Shantae, aber warum die farbenfrohen Charaktere mit auffälligen Animationen vor dem Laden die Nebencharaktere sind, während die beiden unauffälligen nebendran tatsächlich etwas verkaufen, ist aus Gamedesign-Sicht schwer nachzuvollziehen.

Haben die denn kein Leben?

Allgemein wirkt es oft so, als ob einige NPCs einfach nur da sind, um diese Art von Charakter auch im Spiel zu haben – denn eine Funktion abseits zwei nichtssagender Sätze scheinen sie nicht zu haben. Dafür stehen diese funktionslosen Charaktere wochenlang jeden Tag an der gleichen Stelle des Spiels und wiederholen die gleichen Sätze. Haben sie denn kein Leben?

Diese vielen kleinen Störfaktoren ziehen sich leider durchs gesamte Spiel und ziehen den positiven Eindruck der Geschichte mit besonderer Prämisse deutlich runter. Je mehr ich versuche, das Spiel zu mögen, desto mehr enttäuscht es. Vielleicht liegt es auch daran, dass es an vielen Stellen Erwartungen weckt, die es am Ende nicht halten kann.

Ein Spiel mit „Maid Café“ im Titel, dessen Maid-Café-Management-Part und Maid-Kostüme nicht überzeugen. Die Electric Street, die statt zu elektrisieren gelegentlich verwirrt und ihre Design-Stärken nur auf der Switch OLED ausspielt.

Ein moderner 2D-Side-Scrolling-Pixel-Art-Stil, der die Stärken des Stils nicht zu nutzen weiß und stattdessen wiederholt detaillierte HD-Zeichnungen wünschen lässt. Der Sammelaspekt an vielen Stellen des Spiels ist eine nette Idee – aber welchen Sinn hat das Sammeln abstrakter Dinge, außer virtuelles Geld auszugeben und diese gesammelten, detailarmen Dinge in einen ebenso detailarmen Schrank zu stellen und ein Achievement zu bekommen? Da helfen leider auch die zahlreichen Kollaborationen mit real existierenden Läden nicht mehr, deren Design man passend ins Spiel überträgt.

Eher ein Spiel für Visual-Novel-Fans

Bildmaterial: Maid Cafe on Electric Street, Playism, Adventurer’s Tavern

Der Beitrag Im Test! Maid Cafe on Electric Street – ein spezieller Switch-Exklusivtitel, der etwas zu viel verspricht erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake
	12. März 2026
	Koei Tecmo Ltd
	12. März 2026
	Koei Tecmo America
	12. März 2026
	Koei Tecmo Europe
System	PlayStation 5, Xbox Series, Nintendo Switch 2, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Team Ninja
Genres	Survival-Horror
Texte
Vertonung

Die Project-Zero-Reihe liegt mir seit dem ersten Teil am Herzen. Kein anderes Spiel des Horror-Genres kann mich so gut in ein kleines ängstliches Kind verwandeln wie diese Serie. Mittlerweile heißt es auch bei uns Fatal Frame und bringt mit Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake den zweiten Teil der Serie nun zum dritten Mal in neuer Form auf den Markt. Dabei behält es den Kern der Reihe und lässt die Unterhose schmutzig werden, bringt aber auch unnötige Neuerungen mit sich.

Auf in das wortwörtliche Geisterdorf

In Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake übernehmt ihr die Kontrolle über Mio, welche gemeinsam mit ihrer Schwester Mayu in einem Wald spaziert. Geplagt von Kindheitserinnerungen über einen Unfall ihrer Schwester bekommt Mio zu spät mit, dass ihre Schwester einem roten Schmetterling folgt. Plötzlich befinden sich die Zwillinge in einem verlassenen Dorf, welches dauerhaft in die Nacht gehüllt ist.

Dort wird schnell klar: Hier spukt es! Außerdem wirkt Mayu plötzlich wie besessen, spricht von einem Ritual und verschwindet in den Schatten des Dorfes. Dieses ist gefüllt mit Geistern und Nachtmahren, wobei Letztere euch regelmäßig angreifen. Hierbei handelt es sich um aggressive Geister. Eure einzige Methode zur Abwehr ist eine Kamera, welche die spektralen Angreifer exorzieren kann.

Die Story von Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake bleibt im Kern gleich zum Original. Doch es gibt dank neuen Nebenmissionen die Möglichkeit über die Verstorbenen des Dorfes mehr zu erfahren. Dies hilft dabei, neue Details zu lernen und lässt die Geschehnisse in Minakami noch grausamer erscheinen.

Und jetzt: „Cheese!“

Fatal Frame II ist ein Survival-Horror-Spiel, in dem ihr das Dorf nach und nach erkundet, euch gegen Geister wehrt und kleine Rätsel löst. Durch das Sammeln von Dokumenten lernt ihr über die Geschichte von Minakami und erfahrt nach und nach, was passiert ist. Kleine Jumpscares hier und da dürfen natürlich nicht fehlen. Ich bin für gewöhnlich kein Fan von billigen Schock-Momenten. Aber hier wurde selbst ich teilweise in bestimmten Momenten aus der Reserve gelockt und ein zierliches „HUCH“ entfleuchte meinen sonst so starken und maskulinen Lippen.

Dabei sind es oft die „normalen“ Geister, welche euch einen kurzen Schreck-Moment geben können. Diese können von euch mit der Camera Obscura fotografiert werden, um im Akten-Menü zusätzliche Informationen zu erhalten. Doch besonders viel zum Einsatz kommt die Kamera dann bei der Begegnung mit einem der gefährlichen Nachtmahre.

Das Hauptaugenmerk der Fatal-Frame-Reihe ist genau dieses Feature: die Kamera! Anders als in vergleichbaren Spielen seid ihr nur ein junges Mädchen, welches Fotos von Geistern knipst um sich zu wehren. Dies macht die Reihe aus und hilft beim „Hilflos“-Gefühl. In Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake wollte man aber diesen Aspekt revolutionieren und hat dabei völlig daneben gelangt.

Unnötige Neuerungen mit wenig Impact

Um einen Geist zu exorzieren, müsst ihr die Kamera anheben und den Sucher so platzieren, dass ihr ein ordentliches Bild knipsen könnt. Dabei gibt es Fokuspunkte, die zusätzlichen Schaden verursachen, wenn der Nachtmahr beim Fotografieren damit in Berührung kommt. Knipst ihr im Moment eines Angriffs, könnt ihr noch mehr Schaden verursachen: das namensgebende Fatal Frame! Richtig eingesetzt könnt ihr anschließend für kurze Zeit mehrere Fotos hintereinander machen und dem Geist so richtig zusetzen.

Bis hier hin ist alles wie gehabt. Doch mit den verschiedenen Filtern ersetzt das Remake die bisherigen Objektive und bietet euch das Äquivalent zwischen der Auswahl einer Pistole und einer Schrotflinte. Während der Standardfilter in allen Bereichen ausgeglichen ist, so hat der Strahlfilter eine kürzere Reichweite, aber macht mehr Schaden bei einem Foto. Ich muss aber zugeben, dass ich dennoch fast immer den Standardfilter verwendet habe – dieser wirkt auf Dauer für mich am besten.

Die Filter haben auch andere Funktionen: Seht die Spuren von Geistern, um ihnen folgen zu können, enthüllt bisher ungesehene Dinge oder exorziert verfluchte Gegenstände und Türen. Mithilfe von Spezialfotos könnt ihr außerdem Geister kurz erblinden lassen oder von euch wegstoßen. Diese benötigen Geisterkraft, was eine neue Ressource im Remake ist. Diese lädt sich außerhalb von Kämpfen von alleine auf, im Kampf durch Fotos. Allerdings verbraucht Mio diese Kraft auch beim Ausweichen oder Rennen im Kampf, Treffer von Geistern verbrauchen die Leiste ebenfalls und manchmal ziehen euch die Geister mit speziellen Angriffen die komplette Geisterkraft aus dem Körper.

„Ich liege hilflos auf dem Boden und ich entscheide mich, nicht aufzustehen!“

Ist eure Geisterkraft komplett leer, könnt ihr die Spezialfotos nicht einsetzen. In den Kämpfen war dies leider dann nahezu fast immer der Fall, weshalb ich die besonderen Fotos vor allem am Anfang kaum genutzt habe. Immerhin verbrauchen sie keinen Film – vor allem am Anfang eine rare Ressource. Diese gibt es in verschiedenen Versionen, mit unterschiedlichen Vor- und Nachteilen. Wenn ihr keine Kraft mehr habt, verliert ihr bei einem Angriff deutlich mehr Lebensenergie, könnt aber vor allem auch umgeschubst werden.

Dann liegt ihr auf dem Boden und Mio braucht verdammt lang, um wieder aufzustehen. Meist werfen sich die Geister dann auf euch, würgen euch und ihr müsst mit einem Foto schnell den Geist wieder von euch abschütteln. Das klappt auch, aber irgendwie nervt diese neue Mechanik mehr, als dass sie mich in Bedrängnis bringt oder mich fürchten lässt. Wirklich viele Vorteile für Spielende hat die Geisterkraft nicht und wirkt eher wie ein nicht komplett durchdachtes Konzept, um irgendwie die Kämpfe unnötig komplexer zu machen.

Doch im Vergleich zum „Wütend“-Modus der Nachtmahre ist die Geisterkraft eine geniale Innovation. Es kann passieren, dass ein Geist zufällig nach einem Angriff von euch wütend wird und in einen speziellen Zustand gerät. Dann leuchten sie rot, machen mehr Schaden und ihr könnt ihnen weniger Lebenspunkte abziehen. So weit, so gut. Aber sie heilen sich auch, und das nicht zu knapp! Um den Nachtmahr aus diesem Modus zu ziehen, müsst ihr ausreichend Schaden ausrichten.

Aber es kann auch passieren, dass er dann noch einmal wütend wird, sich wieder heilt und ein eigentlich kurzer Kampf gegen einen gewöhnlichen Geist sich dann sinnlos zieht und eure Ressourcen verschwendet. Schon nach kurzer Zeit war ich von dieser Mechanik einfach nur genervt. Vor allem dann, wenn man mehr als einen Nachtmahr vor sich hat und dann plötzlich beide der Meinung sind, nun wütend zu sein und sich zu heilen. Diese neue Funktion reißt mich als Spieler völlig aus der Gruselspannung heraus und frustriert unnötig. Schade.

Das Aufrüsten der Kamera

Gerade zu Beginn des Spieles erfüllt sich das Konzept „Hilflos mit einer Kamera“ noch komplett. Denn ohne Upgrades kann das Ding halt nicht viel – macht aber die erzürnten Feinde noch frustrierender. Im Original konntet ihr die Kamera mithilfe von gesammelten Geisterpunkten aufrüsten. Diese erhaltet ihr beim Fotografieren von Geistern. Nun könnt ihr Perlen einsammeln, welche die Kamera verstärken. Erhöht die Anzahl der Fokuspunkte, verstärkt die maximale Angriffskraft oder verbessert den automatischen Fokus der Kamera. Übrigens auch neu: Die Kamera muss sich erst auf einen Feind justieren, um möglichst viel Schaden zu machen. Zudem könnt ihr nun auch auf Knopfdruck an die Feinde heranzoomen.

Die Geisterpunkte könnt ihr weiterhin sammeln und an einem Speicherpunkt gegen Talismane, Heilitems oder Sticker für den Foto-Modus eintauschen. Die Talismane bieten euch unterschiedliche Boni wie mehr Schaden, eine höhere Geisterkrafterholung im Kampf oder mehr Heilung beim Händchenhalten mit Mio. Letzteres ist auch neu: Seid ihr mit eurer Zwillingsschwester unterwegs, könnt ihr auf Knopfdruck ihre Hand halten. Dies hilft dabei vor Nachtmahren zu entkommen oder sie besser zu platzieren. Denn auch sie kann angegriffen und getötet werden. Dann heißt es: Game Over!

Apropos: Es gibt Momente im Spiel, wo ihr wirklich machtlos seid und fliehen müsst, da ihr einen Geist nicht wegknipsen könnt. Hier hilft nur in Schränken oder im hohen Gras verstecken. Das kann aber durchaus zu kurzen Frustmomenten führen, da das Bild dann komplett schwarz-weiß wird und dadurch auch noch einmal deutlich dunkler. Rennt ihr durch ein unbekanntes Gebiet, wird es schwierig auf Anhieb ein Versteck zu finden. Werdet ihr erwischt, stirbt Mio direkt.

Die Ladezeiten sind leider unverständlich lang und man starrt dann gut zehn bis 15 Sekunden auf den schwarzen Bildschirm, bevor man die Flucht erneut angehen kann. Während diese Momente eigentlich ein Höhepunkt der Angst sein sollten, so kann das dann leider eher schnell frustrieren.

Eine dichte und gruselige Atmosphäre

Trotz der fragwürdigen Neuerungen schafft es Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake eine gruselige Spannung aufzubauen. Packt euch ordentliche Kopfhörer, dunkelt den Raum ab und ihr werdet die ganze Zeit ein mulmiges Gefühl im Magen haben. Das Sound-Design ist wirklich großartig gelungen. Da ein Knacken, dort ein Ächzen – eine Geräuschkulisse, welche euch nie so richtig sicher fühlen lässt. An einem Punkt hört man im Spiel in einem Raum gewaltiges Gepolter, um zu wissen, dass man da hin soll.

Wenn man da aber so vorbeiläuft, wird einem erst einmal schon mulmig, wenn man plötzlich die lauten Geräusche vernimmt. Auch die englische Sprachausgabe macht hier einen großartigen Job und vermittelt euch das Gefühl von leidenden Seelen, die Schreckliches erlebt haben. Ihr könnt aber auch die japanischen Stimmen auswählen, falls ihr es aufgrund des Schauplatzes „authentischer“ haben wollt.

Visuell ist das Remake auf jeden Fall auch gelungen. Das Dorf wirkt noch schmutziger, noch verfallener und irgendwie grusliger als zuvor. Lediglich die Geister sehen mir teilweise schon fast „zu gut“ aus und verlieren ein wenig diesen schmuddeligen, grusligen Charme, den sie im PS2-Original aufgrund der gröberen Grafik hatten. Das ist aber nun keine wirkliche Kritik, einfach eine Vorliebe meinerseits.

Was zum Glück dank eines Patches nun abgestellt werden kann, ist der körnige Filter, welcher die ganze Zeit auf dem Bildschirm ist. Dieser sorgt eigentlich nur für ein schlechteres Bild und soll wahrscheinlich den von mir angesprochenen gröberen Stil des Originales einfangen, ist aber so stark, dass er eher nervt und von der eigentlich tollen Optik des Remakes ablenkt. Generell musste ich die Helligkeit im Spiel ziemlich erhöhen, weil ich sonst teilweise einfach gar nichts gesehen hätte.

Ein gelungenes Remake mit nervigen Neuerungen

Im Großen und Ganzen hat mich Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake zum mittlerweile dritten Mal nach Minakami geworfen und trotzdem wieder gepackt. Die Atmosphäre zieht einen in den Bann, die Story ist klasse (und tragisch) und das Erkunden macht trotz ständigem Backtracking und erneutem Betreten bekannter Gebiete Spaß. Dank dem Filter, welcher euch ein wenig beim Navigieren unterstützt, und der Minimap ist das Umherirren nicht mehr so schlimm wie früher. Nur die Neuerungen im Kampf gegen Nachtmahre versauern den Gruselspaß ein wenig, da diese so in der Form nicht hätten sein müssen und mehr zu Frust führen als für Angst zu sorgen.

Bildmaterial: Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake, Koei Tecmo, Team Ninja

Der Beitrag Im Test! Das Fatal Frame II Remake ist gut, aber ausgerechnet die Neuerungen nerven erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Monster Hunter Stories 3: Twisted Reflection
	13. März 2026
	Capcom
	13. März 2026
	Capcom
	13. März 2026
	Capcom
System	Nintendo Switch 2, PlayStation 5, PC, Xbox Series X/S
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Capcom
Genres	RPG
Texte
Vertonung

Erst Jäger, dann Rider und nun Ranger. Das „Monster Hunter“-Franchise hat mich bereits in verschiedene Rollen geworfen. Nicht alle dieser Rollen resultierten mit einer positiven Resonanz. Einige hatten mehr gute Elemente, andere weniger. Bislang gab es für mich jedoch immer viele positive Ansätze in den bisherigen Stories-Teilen.

Dafür sorgten die charmanten Charaktere und die weitestgehend stressfreie Handlung, die mich immer bestens unterhielten. Warum mich das Spielen als Ranger in Monster Hunter Stories 3: Twisted Reflection besonders überzeugt hat und der erwachsenere Ansatz gut zum Spiel passt, verrate ich euch in den nächsten Zeilen.

Königliche Pflichten und Ranger

Ich bin Prinz (oder wahlweise Prinzessin) aus dem Königreich Azuria. Meine königliche Stellung kann ich zwar nicht ignorieren, doch ich konzentriere mich lieber auf mein Dasein als Ranger. Als Kapitän der Ranger-Gruppe beschütze und erforsche ich zeitgleich das Ökosystem der Monster, wobei ich Informationen zu den sogenannten Ei-Quarzen sammle. Dabei handelt es sich um eiförmige Kristallformationen, die Monster und Eier umschließen. Sie finden sich im ganzen Land, doch niemand weiß, woher sie stammen.

Die Ranger-Gruppe wurde ursprünglich von meiner Mutter, Königin Amara, mit dem Ziel gegründet, die natürlichen Lebensräume zu schützen und zu erhalten. Da sie jedoch vor einigen Jahren aus dem Königreich floh, liegt es nun an mir, ihre Aufgaben zu übernehmen und die Natur zu bewahren.

Grund für ihre Flucht war der Fund eines besonderen Monster-Eis. Aus diesem schlüpfte ein Rathalos, eine Monsterart, die wie viele andere in diesem Reich vom Aussterben bedroht ist. Doch dann geschah etwas Unvorhergesehenes. Ein weiteres Rathalos schlüpfte aus dem Ei.

Beide trugen das Mal der Himmelsschuppen, das unweigerlich an den schrecklichen Bürgerkrieg vor 200 Jahren erinnerte. Mit diesem dunklen Zeichen als Vorahnung beschloss mein Vater, der König, eines der beiden Rathalos hinrichten zu lassen. Bei diesem Versuch wurde er von meiner Mutter aufgehalten. Sie floh mit dem Rathalos und seitdem fehlt von den beiden jede Spur.

Nicht nur Rider, sondern Ranger

Zwar sind seitdem einige Jahre vergangen, dennoch frage ich mich bis heute, was mit ihr passiert ist und warum sie diese Strapazen auf sich genommen hat. Glücklicherweise fühle ich mich nicht allein. An meiner Seite befindet sich unter anderem Ratha, eines der beiden Himmelsschuppen-Rathalos. Er ist mein „Monstie“, mit dem ich eine besondere Bindung eingegangen bin. Zusammen untersuchen wir die Gebiete in Azuria. Diese besondere Beziehung und der Bindungsstein machen mich zu einem Rider.

Doch unser Ranger-Trupp besteht aus noch mehr Leuten: Da wären Simon, ein stets freundlicher Mann und mein engster Freund, Ogden, ein wandelndes Monsterlexikon, sowie Kora, die bereits als Gründungsmitglied meine Mutter unterstützt hat. Hinzu kommen Gaul, der stellvertretende Kommandant der Ranger, und Thea, ein energiegeladener Frischling mit einer besonderen Vorliebe für Poogies.

Nicht zu vergessen ist Rudy, ein königlicher Felyne, dessen Familie seit Generationen dem Königtum von Azuria dient. Er ist mein Palico-Partner und begleitet mich seit meiner Jugend. Dabei ist er nicht nur der königlichen Familie von Azuria gegenüber loyal, sondern steht mir in brenzligen Situationen ebenso als Freund zur Seite.

Was befindet sich hinter dem Meridian?

Am liebsten bin ich mit den anderen Rangern unterwegs und erforsche Gebiete nach Informationen zum Ei-Quarz und den Kristallisationen, welche die einheimischen Lebewesen und sogar große Monster in Kristalle verwandeln. Letztere sorgen dafür, dass aus normalen Monstern unbändige Monster werden, die besonders aggressiv in dem Land ihr Unwesen treiben. Allerdings verschlechtern sich in letzter Zeit die Beziehungen zu unserem Nachbarkönigreich Vermeil.

Dies führt zu einer eskalierten Auseinandersetzung, die uns dazu bringt, den Meridian zu überqueren und ins verbotene Land aufzubrechen. Eigentlich besteht ein jahrhundertealter Pakt mit den Wyverianern, der es unserem Königreich verbietet, diesen zu überqueren. Wir wissen jedoch so gut wie nichts über die Ereignisse in dieser Welt und die Beteiligung der Menschen daran.

Was genau hat es mit den Kristallisationen auf sich? Warum ist es uns untersagt, das verbotene Land zu betreten? Was hat das alles mit dem Sakrosanktum zu tun? Um die gesamte Wahrheit zu ergründen, müssen wir uns auf den Weg über den Meridian machen.

Auf in eine unbekannte Abenteuerreise!

Monster Hunter Stories 3 versprüht von Beginn an eine herzerwärmende Handlung, die gespickt ist mit klischeehaften Charakterzügen, leicht vorhersehbaren Handlungssträngen und mit Überraschungen besticht, die selbst der Hauptcharakter im Vorfeld logisch erahnt. Was sich nun eher negativ anhört, stört im Spiel allerdings so gut wie gar nicht. Der Grund dafür ist einfach: Die Kombination aus allem schafft eine Atmosphäre, die genügend Spannung und Handlungsstränge aufbaut, gleichzeitig aber nicht zu komplex wird, sodass man der Geschichte immer angenehm folgen kann.

Dabei werden die Themen nicht oberflächlich behandelt, sondern erhalten genügend Spielzeit für die Erklärung. Sei es die Entwicklung der persönlichen Charakterzüge des Hauptcharakters, der nicht nur mehr über die Welt, sondern auch über sein eigenes Weltverständnis lernt. Dabei wird man als SpielerIn leicht in die Welt hineingezogen. Es wird unter anderem erklärt, was Ranger von klassischen Ridern unterscheidet, wie eine Bindung zu einem Monstie aufgebaut wird und warum es wichtig ist, das Ökosystem zu schützen.

Gleichzeitig präsentiert sich die Geschichte von ihrer schönsten Seite und die Handlungsstränge werden in nachvollziehbarer Reihenfolge aufgebaut. Nach und nach werden die wesentlichen Punkte erforscht und die Geheimnisse gelüftet. So erfährt man beispielsweise schnell, dass das verbotene Land gar nicht so unbewohnt ist, wie die Charaktere glauben, warum es den Pakt gibt und der Meridian nicht überquert werden darf. Je tiefer ich in die Spielwelt eintauchte, desto besser gefiel mir die Handlung und ich wollte, wie der Hauptcharakter, mehr über die Welt und die einzelnen Personen erfahren.

Das Spiel kommt jedoch nicht ohne einige genretypische Klischees aus. Wer der Handlung aufmerksam folgt, erkennt einige Muster und kann daraus mehr oder weniger auf zukünftige Handlungsstränge schließen. Dadurch wird das Spiel keineswegs schlechter, sondern hält immer noch einige schöne Überraschungen parat, die es in emotionalen und mitreißenden Zwischensequenzen präsentiert. Während meiner über 40-stündigen Spielzeit habe ich mich so gut wie nie gelangweilt.

Nicht allein unterwegs

Neben der Beziehung zwischen dem Hauptcharakter und seinem Ratha steht insbesondere die Gruppendynamik innerhalb der Ranger-Gruppe im Mittelpunkt. Diese wird in der Haupthandlung anhand verschiedener Unterhaltungen und Zwischensequenzen anschaulich in Szene gesetzt. Dabei spielt der Umstand, dass der Hauptcharakter der Prinz (oder die Prinzessin) ist, eine Rolle. Die anderen Gruppenmitglieder machen sich oft Sorgen, wenn dieser sich waghalsig ins Abenteuer stürzt. Eine richtige zwischenmenschliche Beziehung entwickelt sich eher in den Nebengeschichten.

Letztere sind zusätzliche Handlungen, die sich um den Hauptcharakter und seine Rangergefährten und -gefährtinnen drehen. In diesen Geschichten stehen die Gefährten des Protagonisten im Vordergrund, sodass diese besser kennengelernt werden können. Dadurch baut sich als SpielerIn eine bessere Beziehung zu den Figuren auf und man versteht nicht nur, warum sie sich den Rangern angeschlossen haben, sondern auch ihre persönlichen Motivationen und ihre Vergangenheit. Auf diese Weise erhalten die Charaktere eine tiefere Bedeutung und wirken nicht nur wie bloße Nebencharaktere. Zusätzlich lassen sich damit weitere Belohnungen und Fähigkeiten für die Ranger freischalten.

Eine etwas besondere Stellung haben Rudy und Eleanor. Beide werden im Verlauf der Handlung ausgiebiger dargestellt. Bei Eleanor liegt es daran, dass sie aus Vermeil stammt und sich eigentlich für den Frieden der beiden Königreiche einsetzen möchte. Als die Spannungen zwischen den Königreichen jedoch eskalieren, entscheidet sie sich, den Rangern auf ihrer Reise zum Meridian zu folgen, um wie der Hauptcharakter mehr über die Geschichte des Landes in Erfahrung zu bringen.

Gerade während der fortlaufenden Geschichte wächst die Beziehung zwischen Rudy und dem Hauptcharakter immer weiter. Der königliche Palico-Partner ist dem Königreich treu ergeben und steht daher dem Prinzen bzw. der Prinzessin treu zur Seite. Durch die ans Licht kommenden Geheimnisse wird dessen Welt jedoch etwas auf den Kopf gestellt. Infolgedessen wird die Beziehung zwischen Rudy und dem Hauptcharakter noch enger, was für herzerwärmende Momente im Spiel sorgt.

Klassisch rundenbasiert

Im Gegensatz zur Hauptreihe konzentriert sich Monster Hunter Stories nicht nur auf eine Geschichte, sondern bietet zudem ein rundenbasiertes Kampfsystem. Neben dem bekannten Schere-Stein-Papier-Prinzip – Geschwindigkeit schlägt Kraft, Kraft schlägt Technik und Technik schlägt Geschwindigkeit – gibt es weitere Elemente, auf die geachtet werden sollte. Letzteres ist wörtlich zu nehmen. So können Wasser-, Feuer- oder Donnerangriffe als weiteres Element für zusätzlichen Schaden sorgen.

Gleiches gilt für die richtige Waffe mit unterschiedlichen Fähigkeiten. Je nachdem, ob ihr mit Schnitt-, Schlag- oder Stichwaffen angreift, könnt ihr einzelne Monsterteile brechen und das Monster sogar umwerfen. Zur besseren Veranschaulichung wurde in Twisted Reflection der Wyvernseelen-Balken eingeführt.

Dieser steht für den Kampfgeist eines Monsters. Sinkt der Balken auf null, gerät das Monster ins Taumeln. Taumelnde Monster verlieren ihren Wyvernseelen-Vorrat und gehen in einen ermüdeten Zustand über. Das macht es nicht nur leichter, ihren Angriffen auszuweichen, sondern ist der Balken vollständig aufgebraucht, wird das Monster umgeworfen.

Einmal umgeworfen, geht es zu viert mit einem Synchronansturm auf das Monster. Dabei wird nicht nur enormer Schaden verursacht, sondern der Angriff füllt ebenfalls die Bindungsanzeige schnell auf. Ist diese aufgefüllt – was auch bei normalen Angriffen und Fähigkeiten passiert –, kann eine mächtige Bindungsfähigkeit entfesselt werden. Das sind spezielle Fähigkeiten, die immer wieder für ein kleines Highlight während des Kampfes sorgen, denn jedes Monstie besitzt eine individuelle Bindungsfähigkeit.

Explosive Angriffe

Diese Animationen sehen nicht nur spektakulär aus und wirken etwas übertrieben, sondern richten außerdem sehr viel Schaden an. So führt beispielsweise Ratha mächtige Feuerangriffe aus und stürzt mit Überschallgeschwindigkeit vom Himmel auf das gegnerische Monster. Beim Pukei-Pukei entsteht eine gewaltige Giftwelle, auf die ein Giftregen folgt. Beim Brachydios gibt es erneut eine gut inszenierte Rückblende mit Trainingsmontage.

Man könnte glatt meinen, bei einem solchen Angriff würde ein komplettes Gebiet zerstört werden. Erst recht, wenn die doppelte Bindungsfähigkeit eingesetzt wird. Diese sind noch pompöser und enden in der Regel in einer gewaltigen Explosion. Allerdings wirken die doppelt ausgeführten Bindungsfähigkeiten nach einiger Zeit etwas eintönig, da diese immer in einer gewaltigen Explosion enden.

Weniger eintönig sind die anderen Ranger, die einen begleiten. Sie lassen sich im Menü ganz einfach als MitstreiterIn auswählen, sodass man beispielsweise mit Eleanor und ihrem Anjanath, Thea und ihrem Tobi-Kadachi oder Ogden und seinem Pukei-Pukei unterwegs sein kann. Das macht die Erkundung etwas abwechslungsreicher, wenngleich es keinen direkten Einfluss auf die Umgebung hat.

Unbändige Gefahren

Abwechslungsreicher werden damit dagegen die Kämpfe zwischen den wilden Monstern gemacht. Je nach Waffe und Monster des Partners oder der Partnerin können diese mal mehr und mal weniger im Kampf unterstützen. Sie greifen die Monster und deren Teile an oder heilen den eigenen Charakter. In den Einstellungen lässt sich ebenfalls festlegen, wie sie sich im Kampf am besten verhalten sollen. Das ist insoweit hilfreich, da die meisten Monster im Laufe des Kampfes ihr Angriffsmuster ändern.

Dadurch verändern sich ihr Verhalten und ihre Angriffstypen. Manche Monster erhalten dadurch sogar stärkere Fertigkeiten. Das macht die Kämpfe variantenreicher, weshalb man immer eine passende Gegenstrategie haben sollte. Gleiches gilt für die unbändigen Monster, die neu in der Reihe erscheinen. Diese mysteriösen, mit Kristallen übersäten Monster verfügen nicht nur über die gewöhnlichen Angriffsmuster normaler Monster, sondern sind durch die Kristallisation ebenfalls besonders aggressiv.

So ist die grüne Hautfarbe eines unbändigen Chatacabra beispielsweise nicht nur ein wenig heller, sondern das Monster kann plötzlich Donner-Angriffe schleudern. Zwar lassen sich die mit sogenannten Seuchensteinen übersäten Körperteile angreifen. Darauf folgt jedoch prompt ein Abwehrmechanismus und das Monster kontert mit einem Angriff oder einer Statusveränderung. Damit ist nicht zu spaßen. Das sorgt nicht nur für eine größere Herausforderung, sondern lässt einen auch mal die eigene Strategie überdenken.

Invasiv und bedroht

Apropos Strategie. Noch wichtiger ist diese bei den Kämpfen gegen invasive Monster. Diese mächtigen Monster übernehmen die Behausungen bedrohter Monsterarten. Invasive Monster tummeln sich nur nachts in den Gebieten. Neben den generell größeren Herausforderungen in der Nacht, in der die Monster stärker werden und ungewöhnliche Erscheinungen auftreten, sollten sie bekämpft werden. So gelangt man in die Monsterbauten, in denen sich die Eier bedrohter Arten befinden und kann diese in die Wildnis zurückführen.

Da es zu den Aufgaben der Ranger gehört, das bedrohte Ökosystem zu schützen, sollte sich diesen Monstern entgegengestellt werden, um die Gefahr für andere Monster zu senken. Allerdings gestaltet sich dies als durchaus anspruchsvolle Aufgabe. Da sie äußerst kräftig sind, können sie vorerst nicht besiegt werden, sondern müssen zum Rückzug gezwungen werden.

Dies gelingt nur, wenn die Rückzugsbedingungen des jeweiligen Monsters bekannt sind. Diese lassen sich durch die invasiven Monsterspuren in deren Revier aufdecken. Dabei unterscheiden sich die Rückzugsbedingungen der einzelnen Monster voneinander. Mal sind bestimmte Waffen- oder Monsterfähigkeiten erforderlich, ein anderes Mal muss ein bestimmtes Teil zerstört werden.

Das macht die Kämpfe zwar teilweise sehr kurz, führt aber zu einer guten taktischen Komponente. Gelegentlich fiel es mir jedoch schwer zu erkennen, was genau die Rückzugsbedingung ist, beispielsweise wenn ich die jeweilige Waffe noch nicht ausreichend genutzt hatte und entsprechend die Fähigkeit noch nicht kannte. Wer noch eine größere Herausforderung sucht, kann die Monster in ihrem Bau herausfordern.

Das Ökosystem wiederherstellen

Mit dem Ei eines bedrohten Monsters in den Händen machen wir uns anschließend auf den Weg ins Lager, um es auszubrüten und die jungen Monster wieder auszuwildern. Diese Habitat-Restauration ist es, die die Ranger von den klassischen Ridern unterscheidet. Damit soll die Population der Monster wiederhergestellt werden. Praktischerweise können so auch diese Monster eure Monstie-Partner werden. Übrigens kann die Habitat-Restauration nicht nur bei bedrohten Monsterarten durchgeführt werden.

Mit der Auswilderung der Monster steigt jeweils die Anzahl der Monster im Ökosystem und dessen Rang. So lassen sich Monsties mit anderen oder besseren Spezialfähigkeiten sowie Genen finden. Das geht sogar so weit, dass Monster mehr als ein Element in sich tragen können, je nachdem in welchem Bereich das Monster-Ei gefunden wird.

Jedes Gebiet ist in mehrere Bereiche unterteilt, die unterschiedliche Grundelemente aufweisen. Wenn der Ökosystem-Rang im jeweiligen Gebiet hoch genug ist und ihr euch auf die Suche nach neuen Eiern macht, findet ihr zwar die gewöhnlichen Eier, zum Beispiel die eines Tobi-Kadachi oder eines Anjanath, jedoch besitzen die Monster mehr als nur ihr ursprüngliches Element und haben eine andere Farbe beim Ausbrüten. So wird ein Tobi-Kadachi rötlich, wenn dessen Ei im Feuerbereich gefunden wird, und ein Anjanath grün, wenn es aus dem Blitz-Gebiet stammt. Da stellt sich doch die Frage, wie gut die Auswilderung wirklich für das Ökosystem ist.

Doppelte Elemente und besondere Gene

Zwar sind Doppel-Element-Monster im Kampf sehr praktisch, wenn sie mit den neuen Elementfähigkeiten geboren werden, jedoch lassen sich die Farben nicht ändern. Dadurch erhalten einige Monster ein etwas kurioseres Aussehen, was – wenn einem das Originaldesign gefällt – nicht immer von Vorteil sein kann. Glücklicherweise gibt es zu diesem Zweck erneut den Ritus der Überlieferung aus den vorherigen Teilen. Mit dieser Rider-Technik können die Gene von Monsties übertragen werden.

Im Gegensatz zu den vorherigen Teilen geht das Monster bei der Übertragung von Genen dieses Mal nicht mehr verloren. Auf diese Weise entstehen viele mögliche Genkombinationen und es lassen sich sehr starke Monster heranzüchten. Wenn ihr beispielsweise Gene der gleichen Farbe oder des gleichen Musters in einer Dreierreihe platziert, könnt ihr zusätzliche Boni für das Monster freischalten. Zusätzlich besitzen Monster ab einem bestimmten Rang Feld-Fähigkeiten, die mit den richtigen Genen aktiviert werden können und die bestimmte Angriffe verbessern oder erlittenen Schaden verringern können.

Zeit für Parcours

Wer den Kontakt mit Monstern in der Wildnis vermeiden möchte, sollte auf die gelben und roten Symbole über den Monstern achten. Sie vermitteln einen Eindruck von deren Stärke. Andere Monster, die man bereits besiegt hat und die ein niedrigeres Level aufweisen, können einfach per Nahkampf erlegt werden. Das macht das Erkunden deutlich angenehmer, da nicht gegen jedes Monster gekämpft werden muss, sondern es einfach beim Vorbeilaufen besiegt werden kann, wodurch anschließend Monsterteile für neue Ausrüstung und Erfahrungspunkte erlangt werden.

Eine nette Spielerei ist auch, dass Monster ihren Atem einsetzen können, sofern sie über diese Fähigkeit verfügen. Damit lassen sich große Sammelpunkte oder Mauern zerstören. All das vermittelt das Gefühl, auf einem kleinen Parcours unterwegs zu sein, auf dem mal ein Monster erlegt, mal ein Luftstrom zum Fliegen genutzt und mal durch Gewässer geschwommen wird. Praktischerweise lassen sich die Monsties, die einen begleiten, leicht und unkompliziert per Radialmenü wechseln. Dies sorgt für ein stets leichtfüßiges Spielgefühl beim Erkunden.

An manchen Stellen fehlte mir jedoch noch etwas der letzte Feinschliff, um die Landschaft noch mehr genießen zu können. Ein gutes Beispiel sind die freilebenden einheimischen Wesen, die es auch im Haupttitel gibt und die man dort einsammeln kann. Diese sieht man zwar auch in Stories, leider lassen sie sich dort hingegen nicht selbst einsammeln. Gäbe es ein ähnliches System in Stories, könnte sich das Erkunden noch belohnender anfühlen und ein noch tieferes Eintauchen in die Natur ermöglichen.

Immerhin findet man Informationen über einige einheimische Wesen sowie die Monster in der Monsterklopädie. Dort werden sie nicht nur wunderschön präsentiert, sondern ihr erfahrt auch als SpielerIn etwas über das Verhalten der Monster und darüber, wie ihr an die Unterarten in einem Habitat herankommt. So werdet ihr zu richtigen Rangern und lernt das Ökosystem zu verstehen.

Vielfältige und detailreiche Monsterarten

Da wir gerade beim Schlagwort „wunderschöne Präsentation“ sind: Monster Hunter Stories 3 präsentiert sich in den meisten Fällen von seiner Schokoladenseite. An jeder Ecke finden sich Details, welche die Gebiete lebendig wirken lassen. Dazu zählen die vielfältigen Monsterarten, die Anzahl an Monster, die in den Gebieten leben, die sammelbaren Gegenstände und auch der parcoursähnliche Aufbau der Gebiete. Während meiner vielen Spielstunden war ich immer gerne in den Gebieten unterwegs, um auch den letzten Winkel zu erkunden und jedes Geheimnis zu lüften.

Dabei scheint sich Capcom einige Kritik aus den beiden vorherigen Teilen zu Herzen genommen zu haben. Die Welt wirkt nicht mehr so leer, sondern deutlich lebendiger. Das liegt unter anderem an den besagten vielfältigen Monsterarten. Neben klassischen Monstern wie Rathian oder Velocidrome haben es auch Monster aus jüngeren Spielen wie „Sunbreak” und „Wilds” in die natürlichen Lebensräume geschafft. Fans dürfen sich etwa auf Magnamalo, Ajarakan und Malzeno freuen. Generell gibt es eine gute Mischung der unterschiedlichen Arten, sodass es mir manchmal schwerfiel, nur sechs Monster für mein Team auszuwählen.

Selbst die Monsterbauten sind nicht mehr so eintönig. Zwar sind diese in den jeweiligen Gebieten immer gleich aufgebaut, jedoch wirken sie im Vergleich zu früher lebendiger, da es viel mehr Details zu sehen gibt und nicht nur einen farblichen Einheitsbrei. Manchmal lassen sich sogar Monsterbauten mit zwei Nestern finden, was wiederum das Heranzüchten bestimmter Monster beschleunigt. Gleiches gilt für die Höhlen, die durch eine entsprechende Lichtstimmung aufgewertet werden und nicht mehr nur trübe, braunfarbige Höhlen sind.

Ghibli-eske Figurenmodelle

Ganz ohne Probleme kommt das Spiel jedoch nicht aus. So werden die Bodentexturen des Öfteren nachgeladen, wenn sich das Gebiet oder der Ort ändert. Verlässt man beispielsweise das Lager, sieht man für einen Augenblick, wie sich die Bodentexturen erst kurz aufbauen müssen. Das ist leider auch bei den ansonsten sehr sehenswerten Zwischensequenzen zu sehen.

Es wirkt dann manchmal so, als würde man ein YouTube-Video anschauen, bei dem die HD-Qualität des Bodens noch buffern muss. Auch die große Weitsicht lässt an der einen oder anderen Stelle Monster pixeliger wirken. Letzteres fällt jedoch nicht so stark ins Gewicht, da Personen oder große Objekte in der realen Welt aus weiter Entfernung schließlich genauso schwer erkennbar sind.

Die Charaktere und Monsties hingegen haben diese Problematik nie, selbst in den Zwischensequenzen nicht. Sie sind immer gestochen scharf und detailliert. Diese Ghibli-esken Figurenmodelle sehen einfach sehr eindrucksvoll und detailreich aus. Gleichzeitig hat das Spiel für mich einen zeitlosen Cel-Shading-Look, der die Umgebungen stilvoll präsentiert. Während des Spielens sind mir zudem keine technischen Probleme untergekommen. Selbst in größeren Gebieten oder Städten lief das Spiel flüssig.

Emotionaler Ton

Neben dem eindrucksvollen grafischen Eindruck verfügt das Spiel über eine ebenso gute Synchronisation. Diese gibt es zwar leider nur auf Englisch und Japanisch, jedoch ist sie gut gelungen und unterstreicht die Zwischensequenzen noch einmal auf emotionaler Ebene. Nun hat sogar der Hauptcharakter eine Stimme erhalten. Das verleiht ihm eine persönlichere Ebene, wenn die Figur sich zum Beispiel mit den Rangern unterhält oder inbrünstig nach Ratha ruft.

Auch musikalisch kann sich das Spiel wieder hören lassen. Die allgemeine Grundstimmung wirkt erneut sehr freundlich und entspannt, während man die Gebiete erkundet. Gleichzeitig unterstützt ein orchestraler Soundtrack die Zwischensequenzen in den passenden emotionalen Momenten, wodurch man noch tiefer in die Welt hineingezogen wird.

Auf ins herzerwärmende Abenteuer!

Bildmaterial: Monster Hunter Stories 3: Twisted Reflection, Capcom

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Titel	Tales of Berseria Remastered
	27. Februar 2026
	Bandai Namco Entertainment Inc.
	27. Februar 2026
	Bandai Namco Entertainment Inc.
	27. Februar 2026
	Bandai Namco Entertainment Inc.
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC, Switch
Getestet für	PC (Steam)
Entwickler	D.A.G Inc.
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Als ich vor einigen Monaten das Remaster zu Tales of Xillia testen durfte, hätte ich nun wirklich nicht damit gerechnet, wer der nächste Kandidat für eine Neuauflage werden würde.

Anstatt des weiterhin auf der PlayStation 3 gefangenen Sequels erfreut sich Tales of Berseria aus dem Jahr 2017 einer Modernisierung. Obwohl das Spiel bereits auf PlayStation 4/5 und sogar PCs verfügbar ist, sind es natürlich die Neuerungen und vor allem die vielen Quality-of-Life-Updates, die das Remaster dennoch interessant machen.

Ob sich Tales of Berseria in die Riege gelungener Remaster von Bandai Namco Entertainment einreiht, erfahrt ihr hier. Eine große Überraschung erwartet euch allerdings nicht. Viel spannender ist jedoch die Frage, ob sich das Update für 39,99 Euro lohnt, wo das nicht allzu alte Original wesentlich günstiger und weit verbreiteter ist.

Vogue

Im Zentrum von Tales of Berseria steht die junge Dame, die das Cover schmückt: Velvet Crowe. Vom etwas fragwürdigen Namen und der noch fragwürdigeren Garderobe einmal abgesehen, handelt es sich hier nicht um eine typische JRPG-Heldin. Das Verlangen nach Rache für ihren ermordeten Bruder und ihre langjährige Freiheitsberaubung treibt sie und damit auch die gesamte Geschichte an.

Wie bei vielen anderen JRPGs, besonders bei Ablegern der Tales-of-Reihe, geht es um Spiritualität, negative Emotionen, verlorene Seelen und eine gute Portion Kitsch. Letzteres ist bei diesem Teil jedoch deutlich weniger prominent, was der eher düsteren Geschichte geschuldet ist. Damit reiht sich Tales of Berseria in die obere Riege seiner Namensvettern ein. Genre-Fans, die dieses Spiel noch nicht kennen, sollten sich dennoch schnell heimisch fühlen.

Um die wortwörtlich verfluchte Antiheldin gesellt sich ein illustrer Cast an Charakteren, der tatsächlich interessanter ist als in vielen anderen Tales-of-Spielen. Während diese anfangs noch blass erscheinen, erhält jeder eine eigene Hintergrundgeschichte, die sich im Lauf des Spiels immer weiter entfaltet. Hinzu kommt, dass die konträren Persönlichkeiten gut miteinander harmonieren, zweifellos eine der größten Stärken von Tales of Berseria.

Es mangelt

Die Geschichte ist unterhaltsam, wagt sich in düsteres Terrain und hält dadurch bis zum Ende bei Laune. Leider werden diese dunklen Themen nicht konsequent zu Ende gedacht und es endet, wie in so vielen anderen JRPGs, damit, dass eine Gruppe Jugendlicher gegen ein gottgleiches Wesen kämpft, um die Welt zu retten. Warum japanische Szenario-Schreiber auf diesem abgenutzten Finale beharren, werde ich wohl nie verstehen.

Erzählt wird die Geschichte, wie in allen anderen Teilen, in vollständig animierten Sequenzen, dieses Mal von Ufotable, mit Ingame-Engine und den bekannten Skits. Alles also beim Alten. Das ist auch der Grund, warum es an einer natürlichen, dynamischen Inszenierung mangelt. Selbst die neuesten Tales-of-Spiele hadern damit. Wieso JRPGs aus der ersten Dekade des Jahrtausends teilweise so viel besser inszenierte Zwischensequenzen hatten als moderne Rollenspiele, bleibt wohl ebenfalls ein Rätsel.

Was Tales of Berseria diesen Spielen jedoch voraushat, ist eine sehr gute englische und – wie immer – fantastische japanische Synchronisation. Die Sprecher, allen voran Christina Valenzuela als Velvet, geben wirklich alles, um die ganze Bandbreite an Emotionen beim Spieler auszulösen. Sehr stark. Punktabzüge gibt es wie immer für die Anime-typisch schwachen Dialoge, ein weiteres Feld, in dem sich japanische Szenario-Schreiber dringend weiterbilden sollten.

(Un)angetastet

Motoi Sakuraba! Eigentlich müsste ich zum Soundtrack gar nichts mehr sagen. Dieser Name steht mittlerweile leider für austauschbares Hintergrundgedudel ohne Herz, Seele oder hörbares Engagement. Ich gebe zu, das Thema von Velvet überzeugt, aber alle anderen Stücke heben sich in keiner Weise von den unzähligen schwachen OSTs dieses einst so inspirierten Komponisten ab. Schade.

Nun aber weg von den unangetasteten Arealen, hin zu den überarbeiteten Elementen des Remasters. Dank der Cel-Shading-Optik ist das Original erstaunlich gut gealtert und viel ändert die Neuauflage daran nicht. Abgesehen von einer verbesserten Auflösung, in diesem Fall 4K, bleibt alles beim Alten. Selbst das Original bot auf PlayStation 4 und PCs bereits 60 FPS. Hier lohnt sich das preislich hoch angesetzte Upgrade also kaum. Zumal man optisch immer noch sieht, dass die Wurzeln in der siebten Konsolengeneration liegen: Unansehnliche Texturen und eintönige Dungeon-Designs sind nämlich weiterhin präsent.

Als optischen Leckerbissen gibt es jedoch alle DLC-Kostüme des Originals (mit Ausnahme der lizenzierten Outfits). Bei den Quality-of-Life-Updates wird hingegen fast alles geboten, was man erwarten kann: Autosave, frühere Schnellreisen, Zielmarkierung, direktes Aufheben von Items sowie eine erhöhte Bewegungsgeschwindigkeit. Diese Verbesserungen machen das Spielerlebnis spürbar angenehmer. Hinzu kommt, wie schon beim letzten Remaster, die frühere Freischaltung des Grade-Shops, mit dem man das Spiel optimal an den eigenen Stil anpassen kann.

Offensive vs. Defensive

Das Kampfsystem ging bei Tales of Berseria bereits in eine moderne Richtung. Dank der freien Bewegung, schnellerem Blocken, Ausweichen und Kontern wirkt es deutlich dynamischer als noch bei Tales of Xillia. Mit den Aktionstasten lassen sich zahlreiche Kombinationen erstellen, die fließend ineinander übergehen. Zudem spielen sich die per Knopfdruck wechselbaren Charaktere spürbar unterschiedlich.

Im Zentrum steht das altbekannte Dilemma: Offensive vs. Defensive. Dieses wird über das Seelen-System ausbalanciert. Je mehr Seelen man durch das Besiegen von Feinden und bestimmte Aktionen erhält, desto stärker wird die Offensive und desto einfacher bricht man gegnerische Verteidigungen. Umgekehrt werden eigene Angriffe bei wenigen Seelen leichter geblockt oder umgangen. Besonders starke Angriffe und eine schlechte Verteidigung sorgen für den Verlust von Seelen, also ist Obacht geboten.

Das System funktioniert gut und macht Spaß, ist aber durch viele Elemente etwas überladen. Noch nach Stunden tauchen teils wenig hilfreiche Tutorials zu Kampfaktionen auf. Hat man sich jedoch eingearbeitet, entfaltet sich der Spielspaß deutlich, bis zu dem Punkt, an dem man so vertraut mit dem System ist, dass jeder Kampf schnell erledigt ist.

Balancieren auf Deck

Wie so oft bei komplexen Systemen wird das Balancing dabei zum Problem: Mit Velvet kann man am Ende fast alles im Alleingang besiegen. Trotzdem macht es Spaß, neue Skills über Ausrüstung zu erlernen und mit allen Charakteren zu experimentieren.

Neben dem leicht eingeschränkten Erkunden und den Kämpfen gibt es eine Handvoll weniger spannender Nebenquests sowie ein Piratenschiff, das weniger Freiheiten bietet, als man zunächst vermuten würde. Es lässt sich etwa passiv auf Reisen schicken, um nützliche Items zu erhalten.

Technisch läuft das Spiel sauber und auch das Steam Deck hatte keinerlei Probleme, die 60 FPS zu halten – immer ein Pluspunkt, besonders bei Titeln, die ich zuvor schon auf Konsolen gespielt habe.

Next one

Bildmaterial: Tales of Berseria Remastered, Bandai Namco, D.A.G Inc.

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Titel	Code Vein II
	30. Januar 2026
	Bandai Namco Entertainment Inc.
	30. Januar 2026
	Bandai Namco Entertainment Inc.
	30. Januar 2026
	Bandai Namco Entertainment Inc.
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PC (Steam)
Entwickler	Bandai Namco Studios Inc.
Genres	Soulslike
Texte
Vertonung

Nach unserem ausführlichen Test zur PS5-Version von Code Vein II haben wir ein PC-Testmuster für das Anime-Soulslike erhalten. Das erlaubt es uns, das Spiel auch auf einer stärkeren Plattform auf Herz und Nieren zu prüfen. Hat auch die PC-Version mit den teils gravierenden technischen Schwierigkeiten zu kämpfen?

Um die Spannung ein wenig vorwegzunehmen: Code Vein II läuft auf einem starken Rechner tatsächlich merklich besser als im Performance-Modus der Basis-PlayStation 5. Das sollte keine große Überraschung sein. Aber auch auf dem PC ist das Spiel kein Musterbeispiel für eine gute Optimierung.

Test lesen

Wer eine Zusammenfassung von Story und Gameplay will, den verweisen wir auf unseren vorangegangenen Test. Hier soll es hauptsächlich um die PC-Performance gehen. Es soll nur so viel gesagt sein: Code Vein II hat viele Aspekte des Vorgängers zugunsten einer weniger überzeugenden offenen Welt geopfert.

Das Kampfsystem und der außergewöhnlich gigantische Charaktereditor gehören zum Glück jedoch nicht dazu. Das ausgearbeitete Kampfsystem funktioniert sehr gut und macht nach einigen schweren Stunden der Eingewöhnung richtig Spaß. Hier gibt es viel aufzuleveln und zu optimieren. Außerdem ist es angenehm, in einem knallharten Soulslike einmal schnell übermächtig zu sein. Dennoch kann das Spiel mit seiner gehaltarmen und optisch weniger stimulierenden offenen Welt mit vielen Genre-Kollegen nicht mithalten. Sehr schade.

Auf dem PC bietet Code Vein II natürlich weitaus mehr Anpassungsmöglichkeiten als auf den Konsolen. Hier kann die Grafik nach Belieben angepasst werden.

Alles dabei

Von allen relevanten Post-Processing-Optionen über die üblichen Qualitätsregler bis hin zu den wichtigen Upscalern (FSR, DLSS, TSR) ist alles dabei, was man braucht, um das Spiel dem jeweiligen PC oder Laptop anzupassen. Dazu gibt es Ultra-Wide-Support für diejenigen, mit entsprechenden Bildschirmen und die Option die Bildrate über 60 FPS zu treiben.

Doch selbst auf den niedrigsten Grafikeinstellungen läuft Code Vein II noch nicht rund. Immer wieder bricht die Bildrate trotz wirklich heruntergeschraubter Optik ein und Mikroruckler stehen weiterhin an der Tagesordnung. Auch die Pop-ins verschwinden nicht auf einem starken Rechner. Das Problem liegt also definitiv nicht an meinem PC.

Nichtsdestotrotz performt das Spiel deutlich besser als auf PlayStation 5 und sieht bei mittelhohen Einstellungen bereits besser aus als auf der Basis-Konsole.

Nicht real

Das ist an sich zunächst keine Überraschung, aber es läuft trotzdem nicht gut. Die vielen Pop-ins, Ruckler, Einbrüche der Bildrate und Bugs machen klar, dass es sich hier nicht um ein Ressourcen-, sondern um ein Optimierungsproblem handelt. Das macht ein spielbares Erlebnis auf Steam Deck leider zu einem Ding der Unmöglichkeit.

Das fällt in letzter Zeit immer häufiger auf und ist in den meisten Fällen mit der auch hier genutzten Unreal Engine 5 assoziiert. Es scheint also noch große Defizite bei der noch recht jungen Engine zu geben. Aber der Fehler ist auch beim Entwicklerteam zu suchen, da es durchaus positive Beispiele für Spiele mit dieser Engine gibt.

Einige Monate hätten sich die Entwickler mindestens noch nehmen müssen, um zumindest die groben Schnitzer zu entfernen. Ein Soulslike MUSS bei Bosskämpfen flüssig laufen, ob mit oder ohne Anime-Brüste.

Besser auf einem mittelstarken PC

Bildmaterial: Code Vein II, Bandai Namco

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Titel	Resident Evil Requiem
	27. Februar 2026
	Capcom
	27. Februar 2026
	Capcom
	27. Februar 2026
	Capcom
System	PlayStation 5, Xbox Series, Switch 2, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Capcom
Genres	Survival-Horror
Texte
Vertonung

Mit der weltweit äußerst erfolgreichen und beliebten Resident-Evil-Reihe lehrt uns der japanische Entwickler und Publisher Capcom bereits seit Mitte der 90er-Jahre regelmäßig das Fürchten. Neben etlichen Ablegern und Spin-offs hat es die Reihe mit einigen mehr oder weniger erfolgreichen Filmen sogar bis nach Hollywood geschafft. Die Resident-Evil-Reihe gilt daher bis heute als das wohl erfolgreichste Horror-Franchise im Gaming-Segment und Wegbereiter im Survival-Horror-Genre.

Erstmals angekündigt wurde der neueste Ableger der Reihe, Resident Evil Requiem, im Zuge eines Capcom-Showcase-Events im Juli des Jahres 2024. Bereits zu diesem noch recht frühen Zeitpunkt war die Euphorie der Resident-Evil-Gemeinde schier ungebrochen und die Vorfreude auf den neuesten Ableger der Zombie-Reihe kannte keine Grenzen.

Mit Resident Evil Requiem möchte Capcom nun wieder zu den Wurzeln der Reihe zurückkehren und vor allem das Horror-Element, für das die Reihe so gefeiert wird, wieder deutlicher zur Geltung bringen. Ob dem traditionsreichen japanischen Entwickler und Publisher dieses Vorhaben gelungen ist, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Review.

Resident Evil Requiem ist seit dem 27. Februar für PlayStation 5, Xbox Series, Switch 2 und PCs erhältlich. Getestet haben wir die PS5-Version des Horror-Blockbusters.

Finstere Experimente, eine zerstörte Stadt und ein tödliches Virus

Die Geschichte von Resident Evil Requiem spielt im Oktober des Jahres 2026. Ganze 28 Jahre nach den tragischen Ereignissen, die sich im eigentlich recht beschaulichen Örtchen Raccoon City zugetragen haben. Wir übernehmen die Rolle von Grace Ashcroft, einer FBI-Analystin. Grace ist die Tochter von Alyssa Ashcroft, einem spielbaren Charakter aus dem Spin-off Resident Evil Outbreak aus dem Jahre 2003.

Grace wird nach und nach in die finsteren und tragischen Machenschaften der Umbrella Corporation hineingezogen und findet sich schon bald selbst in einer schier ausweglosen Situation wieder, in der nur noch das nackte Überleben zählt. Auch Grace hat eine dunkle Vergangenheit, die sie schon bald einholen wird.

Natürlich darf auch der Serien-Liebling und Fan-Favorit Leon S. Kennedy nicht fehlen. Bereits seit dem zweiten Teil aus dem Jahre 1998 gehört Leon zur absoluten Top-Besetzung im Resident-Evil-Charakter-Cast. Auch Leon hat noch eine Rechnung mit der Umbrella Corporation offen und kehrt in diesem Teil sogar zu den Anfängen der Reihe zurück. Ein absolutes Highlight für Fans der Reihe und ein Gänsehaut-Moment der Spitzenklasse. Aber jedes weitere Wort würde hier die Spoiler-Front sprengen. Hier heißt es einfach spielen und genießen.

Eine Prise Survival-Horror gepaart mit fetzigen Action-Elementen

Gameplaytechnisch bleibt sich auch Resident Evil Requiem recht treu. Spannende und nervenzerreißende Horror-Sequenzen wechseln sich gekonnt mit actiongeladenen Zombie-Metzelschlachten ab und ergeben letztlich ein absolut schmackhaftes Gesamtbild, das jederzeit Spaß macht und zu begeistern weiß. Typisch Resident Evil erwartet uns hier Survival-Horror-Kost vom Feinsten.

Neben schier endlosen engen, fast schon klaustrophobisch anmutenden Gängen bekommen wir auch die Möglichkeit die völlig zerstörte Stadt von Raccoon City zu erkunden. Fan-Service erster Güte, könnte man sagen, und meiner Meinung nach genau das, was die Serie jetzt nötig hatte.

Auch in Sachen Gegnertypen orientierte sich Capcom bei Teil neun der Zombie-Reihe nun wieder an den Anfängen des Franchise und wir bekommen es wieder mit waschechten Zombies zu tun. Denn anders als bei den Vorgängern der Reihe sind die Zombies nun sogar nur teilweise mutiert, haben also noch menschliche Züge, die sich in teils skurrilen Verhaltensmustern widerspiegeln. Wenn ein Zombie vor einem Lichtschalter steht und diesen hin- und herbewegt, weil ihm das Licht gerade zu hell erscheint, ist das schon ein Stück weit skurril, aber dennoch auch äußerst lustig. Der schwarze Humor kommt also auch dieses Mal nicht zu kurz.

Großes Waffenarsenal um den Zombies Feuer unterm Hintern zu machen

Wie auch schon bei den Vorgängern haben wir auch bei Requiem nun wieder die Möglichkeit unser vielseitiges Waffenarsenal zu erweitern und aufzuwerten. Neben allerlei Modifikationen, die wir an unseren Schießeisen vornehmen können, haben wir auch die Möglichkeit die Waffen zu verkaufen und das erwirtschaftete Geld in neue Ausrüstung zu investieren. In Sachen Waffenvielfalt ist man also relativ frei und kann sich neben unterschiedlichen Pistolen auch diverse Schrotflinten, Sturmgewehre und Snipergewehre zu Nutze machen. Auch Granaten und Molotow-Cocktails dürfen natürlich nicht fehlen. Genug Bewaffnung, um den Zombies den digitalen Hintern wegzubrennen, gibt es also allemal.

Aber auch das im Survival-Horror-Genre mittlerweile recht beliebte Crafting-Element hat es ins Spiel geschafft und lockert die Munitions- und Heilungsbeschaffung ordentlich auf. Mit diversen Schrottteilen, die es in der Spielwelt zu finden gibt, haben wir also die Möglichkeit, Munition und auch diverse Wurfgegenstände wie beispielsweise Granaten herzustellen. Grace hat hierfür sogar die Möglichkeit Blutproben zu sammeln um mit deren Hilfe diverse Gegenstände herzustellen. Natürlich darf auch das für die Resident-Evil-Reihe typische grüne Kraut nicht fehlen. Mit diesem kann sich unser Charakter heilen.

Optisch absolut auf der Höhe und ein wahrer Augenschmaus

Speziell grafisch macht Resident Evil Requiem wirklich einiges her. Gerade die fantastischen Charaktermodelle versetzen einen nicht selten ins Staunen. Aber auch die Texturen der Spielwelt selbst können sich sehen lassen. Auch die spektakuläre Weitsicht kann gerade im Raccoon-City-Areal wirklich begeistern. Die hauseigene RE Engine ist quasi wie gemacht für das Franchise.

Der absolute Star in Sachen Optik ist hier allerdings die Beleuchtung. Selten habe ich ein so perfekt ausgeleuchtetes Horror-Erlebnis spielen dürfen, wie es hier der Fall ist. Vor allem in dunklen und nur spärlich beleuchteten Arealen spürt man, wie viel Arbeit hier in eine äußerst düstere und beklemmende Inszenierung geflossen ist. Ein absoluter Top-Vertreter im Horror-Genre, wenn es um Atmosphäre und Beleuchtung geht, und ein weiterer Meilenstein im Genre. Noch unheimlicher waren für mich lediglich Titel wie das Dead Space Remake und das Remake von Resident Evil 2 aus dem Jahre 2019.

Obendrein lief der Titel während unserer Testsession auf PlayStation 5 eigentlich immer mit stabilen 60 Frames über den Bildschirm. Nur ganz selten kam es beim Betreten von neuen Gebieten zu kurzen Rucklern. Wahrscheinlich musste die Engine hier diverse Texturen und Elemente nachladen.

Im Vergleich zur PC-Version müssen Konsolenspieler aber vor allem in Sachen Bildschärfe etwas zurückstecken. Auf einem potenten PC sieht der Titel nochmals eine ganze Ecke schärfer und knackiger aus. Ein PC in dieser Leistungsklasse kostet aber auch gerne mal das Dreifache einer aktuellen Konsole. Die Konsolenversionen bieten also einen guten Kompromiss aus ordentlicher Optik und stabiler Leistung.

Auch tonal ein Horror-Erlebnis der ganz besonderen Art

Tontechnisch bietet Resident Evil Requiem ebenfalls alles, was man von einem ordentlichen Survival-Horror-Erlebnis erwarten würde. Die unglaublich unheimlichen, ruhigen Passagen werden gekonnt zurückhaltend untermalt. Typisch Resident Evil, könnte man schon fast sagen. Wohingegen die actionorientierten Sequenzen mit treibenden, fast schon pumpenden Klängen untermalt werden. Stets die perfekte tontechnische Begleitung gepaart mit extrem wuchtigen und durchschlagenden Waffengeräuschen ergeben am Ende ein extrem rundes Gesamtbild.

Wenn man denkt, es ginge nicht noch unheimlicher, setzt das Spiel noch einen drauf und untermalt das Geschehen zusätzlich mit unglaublich unheimlich wirkenden Gegnergeräuschen. Schlürfende Zombies, monströse Kreaturen und unheimliche Nebengeräusche non-stop fordern dem eigenen Nervenkostüm wirklich einiges ab. Horror in Reinform und ein unheimliches Fest für die Sinne.

Resident Evil ist endlich zurück und setzt auf Nostalgie

Bildmaterial: Resident Evil Requiem, Capcom

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Titel	Pokémon Pokopia
	5. März 2026
	The Pokémon Company
	5. März 2026
	Nintendo
	5. März 2026
	Nintendo
System	Switch 2
Getestet für	Switch 2
Entwickler	Game Freak, Koei Tecmo
Genres	Sandbox, Life-Sim
Texte
Vertonung	–

Das erste vollständig exklusive Pokémon-Abenteuer auf Nintendos neuer Konsole ist – und das dürfte einige überrascht haben – ausgerechnet ein Cozy-Aufbauspiel. Ein Genre, das man nicht unbedingt sofort mit Pokémon verbindet.

Und natürlich stellt sich da schnell die Frage: Wurde hier einfach Pokémon über ein bekanntes Spielprinzip gestülpt, frei nach dem Motto „Das verkauft sich sowieso“? Ganz so simpel ist es dann aber doch nicht. Denn hinter Pokopia steckt mehr Substanz, als man auf den ersten Blick vermuten würde. Trotz großer Vorbilder am Horizont entfaltet das Spiel einen Sog, der seinesgleichen sucht – doch dazu später mehr.

Seine Premiere feierte das Spiel während einer Nintendo Direct im September 2025 – eine Ankündigung, die durchaus überraschte. Entwickelt wird das Projekt von Omega Force, einem Entwicklungsteam von Koei Tecmo, das zuvor bereits mit Square Enix an Dragon Quest Builders 2 gearbeitet hat. Dessen Einfluss ist deutlich spürbar. Auch Parallelen zu Spielen wie Viva Piñata, Minecraft und vor allem Animal Crossing lassen sich nicht von der Hand weisen.

Und dennoch gelingt es Pokopia erstaunlich schnell, eine eigene Identität aufzubauen. Die vielen Inspirationsquellen sind sichtbar, doch sie überdecken nicht den eigenen Charakter des Spiels. Mehr noch: Sollte alles zusammenpassen, könnte Pokémon Pokopia zu einem der größten Hits der noch jungen „Switch 2“-Generation avancieren.

Eine Welt ohne Menschen – und voller Fragen

Wir wachen eines Tages in einer fremden, nicht näher benannten Welt auf – allerdings nicht als Mensch, sondern als Ditto. Und dieses Ditto war offenbar einst unser eigenes Pokémon und so vernarrt in uns, dass es kurzerhand beschließt, sich in ein Ebenbild unserer selbst zu verwandeln. Das Ergebnis ist ebenso drollig wie charmant: In unserer leicht „dittohaften“ Form ziehen wir durch die Landschaft und versuchen, die Lage zu verstehen.

Ganz allein sind wir dabei nicht. Schon früh begegnen wir Professor Tangoloss, der eine Art Mentorenrolle übernimmt und uns erklärt, was hier eigentlich vor sich geht. Die Welt ist nämlich wortwörtlich menschenleer – kahl, ausgetrocknet und verlassen. Der Name der ersten Region, Welkwüstia, ist dabei Programm. Ein erschöpftes Schiggy, das am Wegesrand liegt, ist eines der ersten Pokémon, denen wir begegnen – und natürlich helfen wir.

Die erste Region fällt noch recht übersichtlich aus, doch spätere Gebiete werden deutlich größer und verschachtelter. Unterschiedliche Biome sorgen dabei für Abwechslung: Von kargen Graslandschaften über bergige Minenregionen bis hin zu Küstenabschnitten ist einiges vertreten.

Die Handlung selbst bleibt eher seicht und stellt vor allem eine Frage in den Mittelpunkt: Was ist hier geschehen – und wo sind all die Menschen geblieben, die dieses doch sehr vertraute Land einst bevölkert haben? Immer wieder stoßen wir auf Notizen und Hinweise, die das Puzzle langsam zusammensetzen. Bekannte Namen aus dem Pokémon-Universum tauchen ebenfalls auf und wir treffen zahlreiche andere Pokémon, die wir befragen – mal mit mehr, mal mit weniger Erfolg. Neben vertrauten Gesichtern begegnen uns auch neue Arten wie das schläfrige Mooslaxo oder das putzige Schlappchu, die uns auf unserer Reise begleiten.

Ergänzend zur eher ruhigen Rahmenhandlung wagt das Spiel dabei durchaus einen kleinen Schritt nach vorn. Im Hintergrund scheint etwas „Ernstes“ vorgefallen zu sein und Themen wie Umweltverschmutzung, der Umgang mit der Natur oder deren schleichende Zerstörung spielen hier eine Rolle. Das ist eine willkommene Abwechslung, die man im Pokémon-Universum nicht immer in dieser Form erlebt.

Bauen, befreunden, belohnen

Das Gameplay ist ohne Frage das große Highlight von Pokémon Pokopia. Zwar sind wir technisch gesehen ein Ditto, doch wir nehmen eine humanoide Form an, bewegen uns auf zwei Beinen fort und können theoretisch alles tun, was auch ein Mensch könnte – plus die Fähigkeiten anderer Pokémon nutzen. Und davon gibt es hier wirklich sehr, sehr viele.

Das Herzstück bildet das Habitat-System. Durch das Platzieren bestimmter Elemente – etwa vier Grasbüschel in einem Gebiet – erschaffen wir neue Lebensräume, in denen neue Pokémon auftauchen können. Mit ihnen schließen wir schnell Freundschaft, erledigen ihre Aufgaben und schalten dadurch neue Fähigkeiten frei. Diese orientieren sich an bekannten Attacken: Mit der Aquaknarre gießen wir Blumen, mit Blattwerk lassen wir Pflanzen sprießen und mit Zertrümmerer räumen wir Hindernisse aus dem Weg. Für andere Aufgaben suchen wir uns einfach ein befreundetes Pokémon, das uns hilft. Dieses System fügt sich herrlich organisch ins Pokémon-Universum ein.

Zusätzlich erweitern mit der Zeit neue Bewegungsmöglichkeiten unser Repertoire spürbar: Verwandeln wir uns etwa in Lapras, gleiten wir elegant über das Wasser, während wir als Dragoran für begrenzte Zeit durch die Lüfte segeln können. Das sorgt für mehr Freiheit bei der Erkundung und macht unsere Insel Schritt für Schritt zugänglicher.

Besonders motivierend ist das Experimentieren. Neben einer Vielzahl an Pokémon existieren unzählige unterschiedliche Habitat-Kombinationen, die es zu entdecken gilt. Oft muss man erst durch Hinweise oder eigenes Ausprobieren herausfinden, welche Voraussetzungen erfüllt sein müssen. Pflanze ich etwa eine Wiese unter einem Baum, kann es gut sein, dass sich später ein Sichlor dort niederlässt. Erst wenn das passende Habitat existiert, besteht die Chance, dass ein Pokémon einzieht. Zum Glück behalten wir dank Pokédex und Habitatdex den Überblick – beide sammeln sämtliche Informationen zu entdeckten Pokémon und Lebensräumen.

Die Tageszeit im Spiel ist dabei an die reale Uhr gekoppelt. Größere Bauprojekte benötigen echte Zeit – manchmal sogar über Nacht. Unzählige Dekorations-Items sorgen zusätzlich für kreative Freiheit, auch wenn das Platzieren per Controller gelegentlich fummelig ist. Glücklicherweise hilft der Maus-Modus der Switch 2 beim präzisen Positionieren.

Mit steigendem Wohlbefinden der Pokémon wächst auch das Level unserer Region. Den Status prüfen wir am PC neben dem anfangs kaputten Pokémon-Center. Dort warten auch tägliche Herausforderungen, die Münzen einbringen. Mit jedem Levelaufstieg schalten wir neue Werkbank-Anleitungen und Shop-Items frei. Man muss also nicht alles selbst craften, sondern kann Daily Quests farmen und sich bequem im Laden mit frischer Deko eindecken. Das Ganze erinnert natürlich sehr an das Meilen-System aus Animal Crossing: New Horizons. Langweilig wird es hier eigentlich nie – es gibt immer etwas zu tun.

Für Sammelwütige bietet das Spiel ebenfalls reichlich Futter. Neben den unzähligen Pokémon warten verschiedenste Collectibles wie Artefakte oder Fossilien darauf, entdeckt zu werden. Herrscht einmal Materialflaute, hilft ein Ausflug mit Driftlon auf sogenannte Wunderinseln, wo wir alles einsacken dürfen, was nicht niet- und nagelfest ist. Alternativ kochen wir uns Gerichte, die unsere Fähigkeiten temporär verbessern. Und wer seine Kreativität nicht nur beim Bauen ausleben möchte, findet im umfangreichen Fotomodus zahlreiche Möglichkeiten, das eigene Pokémon-Paradies perfekt in Szene zu setzen.

Zwischen Nostalgie und Nebelschwaden

Optisch präsentiert sich Pokémon Pokopia stimmig bis solide. Manchmal wirkt das Gezeigte etwas flach und detailarm, ein Grafik-Wunder ist das Spiel definitiv nicht. Trotzdem fügt sich alles zu einem harmonischen Gesamtbild zusammen. Besonders die Animationen der Pokémon und unserer Spielfigur können sich sehen lassen und verleihen der Welt spürbar Leben.

Technisch läuft das Ganze erfreulich rund: Auf der Nintendo Switch 2 werden konstante 60 FPS geboten – ohne nennenswerte Einbrüche. Das sorgt sowohl am Fernseher als auch im Handheld-Modus für ein angenehm flüssiges Spielgefühl. Einzig der relativ früh einsetzende Nebel auf größere Distanz trübt die Weitsicht etwas, ist aber verschmerzbar.

Bugs oder größere Fehler sind mir während der Testzeit nicht begegnet. Trotz der vielen Gestaltungsmöglichkeiten, Anpassungen und Systeme wirkt das Spiel überraschend stabil und sauber umgesetzt.

Ein echtes Highlight ist der Sound bzw. die Musik. Zahlreiche kleine Anspielungen auf frühere Pokémon-Titel – vom typischen Pokémon-Center-Jingle bis hin zu nostalgisch angehauchten Musikstücken – sorgen für wohlige Erinnerungen. Gleichzeitig überzeugen auch neue Kompositionen mit ruhiger, gemächlicher Atmosphäre, die perfekt zum Cozy-Charakter des Spiels passt. Hier trifft Nostalgie auf frische Leichtigkeit – und das funktioniert hervorragend.

Ein Spiel für Monate, nicht für Tage

Wer sich strikt an die Haupthandlung hält, dürfte nach etwa 30 bis 40 Stunden den Abspann sehen. Realistisch betrachtet wird das aber auf die wenigsten zutreffen, denn Pokémon Pokopia ist klar darauf ausgelegt, über viele, viele Stunden zu fesseln. Und das fühlt sich nie wie stumpfer Grind an – im Gegenteil: Es motiviert ungemein, die eigene Pokémon-Welt wachsen und gedeihen zu sehen. Für das perfekte, persönliche Pokémon-Paradies können problemlos mehrere hundert Stunden ins Land ziehen. Umfang ist hier definitiv kein Problem.

Pokopia schreibt sich das Wort „Cozy“ groß auf die Fahne – und trifft den Nagel damit auf den Kopf. Große Hürden oder ernsthafte Herausforderungen sucht man vergeblich, braucht es aber auch nicht. Nach einem langen Arbeits- oder Schultag einfach abschalten, ein paar Habitate bauen und Pokémon glücklich machen – genau dafür eignet sich das Spiel hervorragend.

Die Mehrspieler-Möglichkeiten

Besitzer eines „Nintendo Switch Online“-Abos dürfen sich zudem über einen Online-Koop für bis zu vier Personen freuen. Man besucht die Insel eines Hosts, baut gemeinsam, sammelt und gestaltet. Besonders spannend: Ähnlich wie in Minecraft entsteht eine Art Server-Struktur, an der alle weiterarbeiten können, selbst wenn der Host nicht online ist. Zu Beginn trägt die Region noch den Namen „Neulandia“ – eine flache, offene Fläche mit viel Raum zum Austoben und Experimentieren.

Bei aller Begeisterung muss jedoch das Donphan im Raum angesprochen werden. Die physische Version erscheint lediglich als „Game Key Card“. In der Box steckt zwar ein Modul für die Nintendo Switch 2, darauf befinden sich jedoch keinerlei Spieldaten. Stattdessen dient die Cartridge lediglich dazu, den Download der digitalen Version auszulösen.

Wer also Wert auf eine echte physische Sammlung legt, sollte das unbedingt bedenken – gerade angesichts des Vollpreises von 70 Euro. Besonders für Sammler ist das sehr schade und ehrlich gesagt kaum zu entschuldigen, zumal das Spiel mit rund 6 GB problemlos auf eine normale Game Card gepasst hätte.

Ein Sog, dem man sich schwer entziehen kann

Bildmaterial: Pokémon Pokopia, The Pokémon Company, Nintendo, Game Freak, Koei Tecmo

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Titel	Demonschool
	19. November 2025
	Ysbryd Games
	19. November 2025
	Ysbryd Games
	19. November 2025
	Ysbryd Games
System	PS4, PS5, Xbox, PC, NSW
Getestet für	PS5
Entwickler	Necrosoft Games
Genres	RPG
Texte
Vertonung

Vor einiger Zeit kam nun das Projekt Demonschool auf den Markt. Es machte keine Geheimnisse, dass es sich bei Titeln wie der Persona-Reihe hat inspirieren lassen. JPGames hat sich lange mit dem Spiel beschäftigt und es auf Herz und Nieren getestet. Steckt wirklich Persona in dem Spiel, hat man sich nur entfernt inspirieren lassen oder ist das alles nur Unsinn gewesen? Erfahrt es nun bei uns.

In einer finsteren Nacht

Ihr seid die Schülerin Faye, die in eine Schule für Spiritisten, Dämonenjäger und dergleichen auf Hemsk Island aufgenommen wurde. In einer düsteren Nacht fahrt ihr mit der Fähre auf die Insel, neben euch sind weitere Schüler mit an Bord und ihr kommt mit ihnen ins Gespräch. Als ihr schon die Umrisse der Insel ausmachen könnt, seid ihr aufgeregt wie nie, doch schon am Pier erlebt ihr den ersten Dämpfer.

Eine Gruppe von Schlägern, welche scheinbar im Auftrag der Direktorin handelt, siebt direkt aus, eure kurz zuvor kennengelernte Bekanntschaft gehört zu den Glücklichen. Wer bleibt und wer geht, das entscheidet nicht ihr, denkt ihr euch und legt euch mit den Schlägern an. Es kommt zum Kampf, dem Auftakt einer langen Reihe von Herausforderungen, denen ihr euch stellen müsst.

Die Geschichte von Demonschool fängt gemächlich an und braucht einige Zeit, bis sie in Fahrt kommt. Langsam werdet ihr in die Geheimnisse eingeweiht und fallt immer tiefer in eine dämonische Welt. Gelenkt werdet ihr von einer Prophezeiung, die ihr nicht versteht, und so verfolgt ihr zunächst die Ziele, die euch euer Lehrer vorgibt. Seltsame Ziele, die mit eurem Schulplan nichts gemein haben. So jagt ihr Zombies und versucht das Mysterium ihrer Entstehung herauszufinden, während andere einen ganz normalen Alltag zu verbringen scheinen.

Doch von Kapitel zu Kapitel wird die Geschichte düsterer und verrückter. Es verschwinden ständig Charaktere, an die sich niemand mehr zu erinnern scheint. Auf der Suche nach der Ergründung schließen sich euch zahlreiche Figuren an. Deren Persönlichkeiten fallen dabei sehr unterschiedlich aus und nicht jeder der Charaktere gewinnt mit der Zeit an Tiefe. Manche bleiben einfach flach dimensioniert.

Die Charaktere dürften für den Spieler auch die größte Hemmschwelle sein, das Spiel bis zum Ende zu verfolgen. Entweder man mag sie oder eben nicht. Die Geschichte von Demonschool wartet mit ein paar Überraschungen auf, hat ein angenehmes Pacing und eine interessante Rahmenhandlung, ist aber auch nichts allzu Besonderes. Gefüllt wird das Ganze mit interessanten Spielmechaniken und jeder Menge Minispiele.

Persona? Eher nur am Rande

Ja, Demonschool hat ein paar erkennbare Merkmale der früheren Persona und neueren Titel, aber hier wird sich nur leicht beim Genreprimus bedient. Man nimmt sich etwas, macht aber trotzdem eher etwas Eigenes. So gibt es zwar einen Kalender, aber ihr habt nicht wirklich Einfluss auf diesen. Er ist nichts anderes als eine piktographische Darstellung der Ereignisse.

Der Tagesablauf ist in drei Tagesabschnitte unterteilt, ein Menü zeigt euch, wo ihr hingehen könnt. Symbole zeigen euch Haupt- oder Nebenaufgaben an. Darüber hinaus lassen sich aber auch in den einzelnen Abschnitten Dinge finde, die im Menü nicht gleich mit dem Holzhammer angezeigt werden. Die Areale sind kleine isometrisch dargestellte „Räume“, in denen ihr euch bewegen und mit Personen oder Minispielen interagieren könnt oder Kämpfe austragt. Gerade beim Kampfsystem haben sich die Entwickler viel Mühe gegeben und etwas Interessantes geschaffen.

Wie beschreibt man aber die Kämpfe in Demonschool am besten? Trotz der klassischen Taktik-RPG-Elemente, die Demonschool besitzt, wirken die Kämpfe mehr wie filigrane kleine Puzzles. Jeder eurer Züge will wohlüberlegt sein. Welche Charaktere setzt ihr ein, welche Fähigkeiten möchtet ihr nutzen? Eure Wahl ist begrenzt und eure Möglichkeiten recht groß. Aus einem recht umfangreichen Pool an Charakteren wählt ihr vor dem Kampf die vier, mit denen ihr in die Schlacht ziehen möchtet. Auf einem länglichen Raster spielt sich das Ganze rundenbasiert ab. Alle eure Charaktere nutzen dieselbe begrenzte Aktionsleiste. Jede eurer Aktionen kostet Ausdauer und je öfter ihr denselben Charakter einplant, desto teurer werden eure Aktionen.

Mit jeder Figur in eurer Party plant ihr so eure begrenzten Aktionen auf dem Schlachtfeld. Sei es nun ein normaler Angriff, Buffs oder das Heilen eurer Partymitglieder. Ihr reiht jede dieser Aktionen pro Charakter an und spielt diese am Ende eurer Planung ab. Ihr erkennt also erst, wenn ihr am Ende eurer Planung das Ganze abspielt, ob eure Strategie sich in größere Kombos verkettet. Wie erwähnt wirkt das Ganze mehr wie ein Puzzle. Runde um Runde agiert ihr und eure Gegner. Verschiedene Elemente, die euch und euren Gegnern zugeschrieben sind, führen zu Stärken und Schwächen.

Gewonnen habt ihr, wenn ihr die beschriebenen Kampfziele erreicht habt. Das kann eine Mindestanzahl an besiegten Gegnern sein, kann aber auch bedeuten eine bestimmte Anzahl an Runden zu überleben. Sind diese Ziele erfüllt, müsst ihr mit einem Charakter am gegenüberliegenden Ende der Karte sein, um den Kampf abzuschließen. Gleiches gilt für eure Gegner. Sind eure Charaktere alle besiegt oder haben eure Gegner sich bis zu eurer Startlinie durchgekämpft und diese nach ein paar Angriffen durchbrochen, heißt es für euch Game over.

Besonders die Bosskämpfe bieten den sonst schon taktischen Kämpfen nochmal eine besondere Note, da diese immer mit einem besonderen Muster verbunden sind. Vor dem einen Boss müsst ihr fliehen und dabei Schaden verursachen, während ihr von seinen Untergebenen angegriffen werdet. Bei einem anderen müsst ihr eine Schutzbarriere aufrechterhalten und eine bestimmte Anzahl an Zügen überleben. Dabei ist das Spiel nie unfair, aber auch nicht zu leicht. Der Schlüssel liegt in der richtigen Taktik, die sich von Boss zu Boss immer ändert und für ordentlich Abwechslung sorgt.

Eure Charaktere haben am Anfang dabei nur eine recht eingeschränkte Wahl an Fähigkeiten. Einen Standardangriff und eine Spezialattacke, mehr steht euch über die gesamte Geschichte nicht zur Verfügung, aber ihr könnt die Kämpfe mittels passiver Fähigkeiten zu euren Gunsten verändern. Es können bis zu drei Fähigkeiten pro Charakter genutzt werden, wobei diese nochmal in zwei Kategorien unterschieden werden, in Standardfähigkeiten und speziellere auf einen Charakter zugeschnittene. Fähigkeiten sammelt ihr dabei zumeist über Nebenquests, Minispiele oder kauft diese auf dem Markt ein. Bevor ihr Fähigkeiten nutzen könnt, müsst ihr diese dann noch erlernen. Dafür weist ihr Charaktere zu, die den Skill studieren sollen um diesen nutzen zu können.

Eine Menge Minispiele

Wie schon erwähnt werdet ihr einige Minispiele finden. Meist zum Zweck um neue Fähigkeiten zu finden oder um die Verbindung zwischen euren Charakteren zu stärken. Dabei können das recht rudimentäre Spiele sein, wie Schere, Stein, Papier oder das Erkennen bestimmter Posen anhand einer Silhouette, aber auch größere Minispiele wie Karaoke, Angeln oder eine witzige Version von Outrun. Es gibt einiges zu entdecken und die Spiele sind mal mehr, mal weniger komplex, wissen aber für kurze Zeit zu unterhalten. Nett fand ich die Idee, dass einer eurer Charaktere sich Filme ausleihen kann und darüber am Ende des Kapitels kleine Zeitungsrezensionen schreibt. Die dabei genutzten Filme sind real und bieten kleinere Anekdoten aus unserer Filmgeschichte.

Einige dieser Unternehmungen sind im Datingsystem von Demonschool mit eingebunden, beispielsweise Karaoke. Die Dates erzählen kleine Geschichten und sollen euch die Charaktere näherbringen. Ungeachtet des Geschlechts könnt ihr jeden daten und mit jedem anbandeln ohne dabei Konsequenzen erwarten zu müssen. Es ist eher eine Dreingabe als ein wirkliches Feature. Am Ende erhaltet ihr immer eine kleine Szene.

Pixels in Action

Demonschool bedient sich einer charmanten Pixelgrafik, die entfernt tatsächlich an die alten Persona-Titel erinnert, auch hinsichtlich einiger Animationen. Die Räume wirken sehr detailliert und sprühen vor Ideen. Besonders das Einrichten des eigenen Hauptquartiers hat mich zum Schmunzeln gebracht, aber auch die kleineren Portraits der zu angelnden Fische. Die Designs der Charaktere sind abwechslungsreich, teilweise gewöhnungsbedürftig. Die Monster und gerade die Bosse sehen besonders eklig aus. Je weiter ihr in der Geschichte fortschreitet, desto mehr wandelt sich die Welt in einen H.-P.-Lovecraft-Horrortrip. Trotz der begrenzten grafischen Mittel, die dieser Stil mit sich bringt, hat man hier etwas Unterhaltsames geschaffen. Das Ganze wird mit einem schaurigen bis melancholischen Soundtrack untermalt.

Unterm Strich

Bildmaterial: Demonschool, Ysbryd Games, Necrosoft Games

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Titel	Mario Tennis Fever
	12. Februar 2026
	Nintendo
	12. Februar 2026
	Nintendo
	12. Februar 2026
	Nintendo
System	Switch 2
Getestet für	Switch 2
Entwickler	Camelot, Nintendo
Genres	Arcade-Sport
Texte
Vertonung

Gern erinnere ich mich an die Zeiten zurück, in denen ich mit meiner Schwester tagelang Mario Tennis auf dem Nintendo 64 gesuchtet habe. Anders kann man es wirklich nicht nennen. Es war eine Sucht. Seitdem ist viel Zeit vergangen und zahlreiche Mario-Tennis-Spiele sind gekommen und gegangen.

Der neueste Streich von Camelot und Nintendo ist nun mit Mario Tennis Fever exklusiv für Nintendo Switch 2 erschienen und bringt die namensgebende Fever-Mechanik mit sich. Doch konnte Mario Tennis Fever dasselbe Gefühl in mir auslösen wie das originale Mario Tennis, dessen Sucht-High ich seitdem suche?

Ein Spiel für Babys – warte, halt … MIT Babys!

In Mario Tennis Fever steht, das kommt nun überraschend, der Tennis-Sport im Mittelpunkt. Damit ihr nicht nur einzelne Matches oder Turniere spielt, was eventuell schnell langweilig werden könnte, gibt es andere Modi. Einer davon ist der Abenteuer-Modus, in welchem ihr eine kurzweilige Story erlebt und welche vor allem als ausführliches Tutorial dient.

Die Geschichte selbst ist eher zweitrangig, aber man hat sich immerhin ein wenig Mühe gegeben, überhaupt eine Story rund um das Spielen von Tennis zu spinnen. Prinzessin Daisy ist schwer krank und nichts kann sie heilen! Dann kommen Wario und Waluigi daher, welche von einer geheimnisvollen Frucht erzählen, welche alle Krankheiten heilen kann. Kurz gesagt reisen Mario, Luigi und Peach mit ihnen auf eine geheimnisvolle Insel und werden dort von Monstern in Babys verwandelt.

Die einzige Lösung ist nun logischerweise die Babys auf eine Tennis-Akademie anzumelden, damit diese dann die Monster besiegen und ihre ursprüngliche Form zurückerlangen können. Klar. Die Akademie dient als langgezogenes Tutorial, in welchem ihr auf spielerische Art mit Minispielen und Übungen die unterschiedlichen Schlag-Arten im Tennis erlernen könnt.

Lob, Straight, Slice, was?

Im Tennis gibt es verschiedene Möglichkeiten den Ball zu eurem Kontrahenten zu befördern. Diese werden euch nicht nur in einem kurzen Tutorial beim ersten Spielstart erklärt, sondern noch einmal ausführlich im Abenteuer-Modus. Die erste Stunde verbringt ihr auf der Tennis-Akademie, indem ihr die ganze Zeit zwischen Trainings mit eurem Toad-Lehrer und Minispielen umherlauft.

In diesen Trainings-Einlagen lernt ihr, wie ihr die unterschiedlichen Schläge im Spiel verwendet. Mit einem Lob könnt ihr den Ball über euer Gegenüber an den Spielfeldrand befördern, mit einem Straight ballert ihr das Runde geradewegs in Richtung eures Gegners. Oder macht einen Stoppball und lasst euren Mitspieler schnell zum Netz rennen, um den Ball noch zu bekommen.

Tennis ist nicht nur mechanisches Beherrschen der unterschiedlichen Schlagarten, sondern auch viel Psychologie! Dabei muss ich aber sagen, dass das Einsetzen der Stoppbälle und Lobs ein wenig fummelig ist. Denn ihr müsst zwei verschiedene Tasten in kurzer Zeit nacheinander drücken, was vor allem im hektischen Online-Modus für mich echt ein kleines Problem war. Aber vielleicht ist das einfach nur Gewöhnungssache.

Letzteres benötigt ihr im Spiel gegen die CPU im Story-Modus aber nicht. Habt ihr das ausführliche Tutorial beendet, welches sich ehrlich gesagt echt ganz schön zieht und 1/3 der gesamten Zeit in diesem Modus einnimmt, geht es auf die Reise zur Insel. Dort landet ihr nach einem Angriff von Bowser mit einer Bruchlandung und nun wird der Titel kreativ!

Bekämpft Monster wie Piranha-Pflanzen oder Cheap-Cheap, indem ihr andere Wesen als Tennis-Bälle verwendet und ihnen an den Kopf werft oder fällt Bäume mithilfe von Stachel-Bällen. Nach dem viel zu langen Lernen der Schläge hat mich das Spiel für gute 2 ½ weitere Stunden gut unterhalten, mit den verschiedenen Ideen und Mechaniken, welche man für die Matches und „Boss-Kämpfe“ bereithielt. Leider ging das viel zu schnell rum und nach knapp 3 ½ Stunden war der Spaß auch schon vorbei. Schade!

Das Abenteuer ist beendet – was nun?

Abseits vom wirklich sehr kurzen Story-Modus gibt es noch weitere Modi, um euch ein wenig bei der Stange zu halten. Im Turnier-Modus könnt ihr im Einzel- oder Doppel-Spiel mehrere Turniere bewältigen, mit Charakteren eurer Wahl. Diesen Modus könnt ihr auch mit einer weiteren Person spielen. Etwas spielerischer ist da der Spezialmix-Modus, in welchem bis zu vier Spielende gemeinsam und gegeneinander antreten können.

Dabei gibt es dann beispielsweise das Ringeschießen. Schießt euren Tennisball durch die zahlreichen über dem Netz erscheinenden Ringe. Je mehr ihr auf einmal trefft, desto mehr Punkte gibt es. Ein wenig abgefahrener ist da der Waldplatz. Dort habt ihr erst ein ganz kleines Feld. Piranha-Pflanzen können aber euren Ball fressen und das Feld des Gegners vergrößern – was es dann schwerer macht, den Ball zurückzuspielen. Auf dem Flipperplatz könnt ihr mit einem Jackpot das totale Chaos auslösen, denn dann fliegen mehrere Bälle umher und ihr müsst diese alle im Auge behalten.

In der Schlägerfabrik tauchen unterschiedliche Tennisschläger auf, welche euch die namensgebenden Fever-Fähigkeiten geben. Dazu gleich mehr im Detail. Der Wunderplatz ist an Super Mario Bros. Wonder angelehnt und anstatt Punkten sammelt ihr Wundersamen. Ab einem gewissen Punkt erscheint eine Wunderblume, verwandelt das Spielfeld und bringt mehrere Samen. Hier gibt es verschiedene Effekte, welche euch dann je nach Bedingung weitere Wundersamen geben. Es bricht also wie in Super Mario Bros. Wonder ein wenig das Chaos aus.

Wenn das Fever einen packt!

Abseits davon könnt ihr im Freien Spiel einfach gegen andere Leute oder die CPU spielen. Ob im Doppel oder Einzel, die Spieldauer, mit oder ohne Fever-Schläger, all das könnt ihr einstellen. Apropos Schläger, es wird Zeit, kurz auf diese zu schauen! Es gibt zahlreiche Versionen und es können einige von euch freigeschaltet werden. In jedem Match sammelt ihr Fever-Energie, welche ihr auf Knopfdruck mit einem Fever-Schlag entfesseln könnt. Die Effekte hängen dann vom jeweiligen Schläger ab.

Der Orkoschi-Schläger erzeugt beim Aufprall einen Wirbelwind, welcher für einige Zeit auf dem Feld verweilt. Berührt ein Charakter diesen, erhält er Schaden und ist kurz unfähig zu laufen. Die HP-Leiste zeigt euch an, wie viel Schaden ihr noch aushalten könnt. Im Doppel fliegt ihr bei einer leeren Leiste für eine Weile aus dem Spiel. Im Einzel wird euer Charakter einfach langsamer und schwächer. Andere Schläger platzieren Elektro-Fäden auf dem Feld, lassen Feuer entflammen, ein riesiges Eisfeld entstehen oder erschaffen Schatten-Doppelgänger. Insgesamt 24 Schläger könnt ihr freischalten.

Apropos freischalten: Schon direkt nach dem Beginn des Spieles könnt ihr einsehen, was und wie ihr Dinge erhalten könnt. Neue Charaktere, Farb-Varianten mancher Figuren, Schläger, Tennisplätze – ihr könnt alles direkt einsehen. Das finde ich persönlich zwar nett, aber auch ein wenig schade, denn es nimmt sämtliche Überraschung direkt weg. Wirklich schwer ist das Freischalten der Sachen auch nicht. Immerhin gibt es zum Release direkt 36 Charaktere, wovon alle ihre eigenen kleinen Vor- und Nachteile haben. Das ist stark!

Auf in die Türme!

Abseits der genannten Spielmodi gibt es noch zwei weitere. In den Missionstürmen müsst ihr unterschiedliche Herausforderungen nacheinander bewältigen, ohne zu verlieren. Schafft ihr eine Aufgabe nicht, verliert ihr ein Herz. Habt ihr alle Herzen verloren, müsst ihr wieder neu anfangen. Den jeweiligen Charakter und Schläger bekommt ihr für die Aufgaben vorgesetzt. So müsst ihr zum Beispiel mit drei Babys gegen Bowser kämpfen oder gegen Mario mit Feuerschläger spielen, während ihr nur einen normalen Schläger habt. Manche der Aufgaben sind dann echt ganz schön knifflig und können euch ordentlich fordern.

Mehr Spielerei ist dann der Realmodus, der nun auch nicht wirklich neu ist. In diesem nutzt ihr die Bewegungssteuerung des Joy-Con um den Ball zu schlagen, während euer Charakter sich von alleine bewegt. Dies lässt sich ebenfalls mit bis zu vier Leuten spielen. Passt aber dabei bitte auf, euch den Joy-Con nicht gegenseitig ins Gesicht zu hauen.

Das war es dann auch schon mit Spielmodi – abseits des Online-Modus und der Möglichkeit, lokale Switch-2-Konsolen zu verbinden und mit anderen Leuten per GameShare zu spielen.

Schnell ernüchternde Menge an Inhalt

Viele Worte, um eigentlich wenig zu beschreiben. Der Abenteuer-Modus ist an einem halben Abend durchgespielt, die Turniere und Missionstürme unterhalten für kurze Zeit, aber dann war es das auch schon für Singleplayer. Der Spezialmix-Modus hält nicht länger als ein bis zwei Runden mit Freunden bei Laune. Abseits davon könnt ihr euch dann natürlich ewig lang die Bälle im Freien Spiel um die Ohren hauen.

Wer dann Bock auf richtig knackige Matches hat, der kann sich im Rang-Modus online auf andere Spielende freuen. Hier verstehe ich jedoch nicht, wieso man Spielende mitten in den B-Rang wirft. Ihr sammelt pro Sieg Punkte oder verliert diese bei einer Niederlage, um im Rang aufzusteigen oder eben auch zu fallen. Als ich online das erste Mal einstieg, habe ich so eine harte Klatsche bekommen, weil die Spielenden dort erst einmal viel zu gut waren für mich als Online-Newbie, der bisher nur gegen die CPU gespielt hatte. Das war ein wenig demotivierend.

Wer aber wirklich Bock darauf hat, spannende Online-Matches zu erleben, der wird hier immerhin im Singleplayer (oder im Doppel) auf jeden Fall auf seine Kosten kommen. Hier könnt ihr auch entscheiden, ob ihr mit oder ohne Fever-Schläge spielt. Jedoch sucht ihr online etwas Wichtiges vergebens: freischaltbare Sachen. Denn recht flott sind alle Charaktere, Schläger und Tennisplätze freigeschaltet und dann gibt es keinerlei Anreiz mehr, das Spiel zu spielen. Hier hätte ich mir ein Kostüm-System gewünscht, bei dem man Klamotten und Accessoires für die Charaktere freischalten kann. Immerhin hatte Mario Tennis Aces durch die Online-Modi die Möglichkeit Kostüme freizuschalten. Vielleicht kommt das nachträglich auch noch in Mario Tennis Fever.

Ein grafisch solides Mario Tennis

Worüber man am Ende des Tages bei Mario Tennis Fever nicht meckern kann, ist der grafische Aspekt des Spieles. Die Charaktere sind so detailliert, wie es bei einem Spiel in diesem Grafik-Stil sein kann. Bei den Klamotten der Figuren kann man die einzelnen Fasern sehen, die Augen und Haare sind detailliert, die Animationen ausschweifend und flüssig.

Die Effekte der Fever-Schläger sind hübsch, aber nicht störend. Im Story-Modus sind die Gegenden detailliert gestaltet mit schicken Texturen. Ich kann tatsächlich nicht viel meckern – Nintendo (und Camelot) hat den Stil der Mario-Spiele einfach mittlerweile sehr gut in die heutige Zeit gebracht und das wird auch bei Mario Tennis Fever deutlich.

Beim Sound-Design hatte ich mir anfangs gewünscht, dass die Bälle noch wuchtiger klingen. Nach einiger Spielzeit habe ich mich daran gewöhnt und es gibt immerhin unterschiedliche Soundstärken, je nachdem wie perfekt ein Schlag erfolgt. Eine Sprachausgabe gibt es grundsätzlich nicht. Abseits von der Plauderblume, welche euch während der Matches die ganze Zeit volllabert. Immerhin kann man sie ausschalten. Dann ist es aber schon fast wieder zu ruhig.

Ein lauwarmes Fieber, das schnell abklingt

Bildmaterial: Mario Tennis Fever, Nintendo

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