Im Prinzip ist eine Toniebox nur ein Audioplayer. Das Erfolgsgeheimnis liegt in der stabilen und stoßfesten Bauart, in der sehr intuitiven Bedienung, der Tragbarkeit und vor allem den vielen Lizenzen der sogenannten Tonies.

Tonies sind die Figuren, die man auf die Toniebox stellt und die dann über einen NFC-Chip dafür sorgen, dass wie von Geisterhand (beziehungsweise über’s WLAN) eine passende Geschichte oder Musik abgespielt wird. Dass die Tonies dann auch noch aussehen wie Spielzeug, spielt auch mit hinein.

Nun noch einmal zum Anfang: Noch lange bevor es die Toniebox gab, fand man Pikachu in Kinderzimmern. The Pokémon Company hat es wie kaum ein anderes Unternehmen verstanden, die Marke Pokémon ans Kind zu bringen, noch bevor selbiges überhaupt weiß, was ein Videospiel ist – geschweige denn, dass es Pokémon-Videospiele gibt.

Es gehört nicht viel dazu, um zu erahnen, dass Tonies und Pokémon ein traumhaftes Match sind. Umso erstaunlicher, dass es erst seit diesem Jahr Pokémon-Tonies gibt. Den Lizenz-Deal feiert Hersteller tonies SE mit einer gelben Auflage der ebenfalls noch recht neuen Toniebox 2 sowie drei Tonies: Pikachu, Glumanda, Bisasam und Schiggy. Die Produkte sind seit August erhältlich – und wir haben sie uns näher angesehen.

Was beinhalten die Pokémon-Tonies?

Vielleicht fragt ihr euch, ob es unbedingt eine Toniebox 2 sein muss. Genügt nicht auch der ältere Würfel? Grundsätzlich schon, aber wenn ihr euch die erste Box holt, dann sollte es schon das moderne Modell sein. Die alte Toniebox, die inzwischen in die Restbestände läuft, ist auch keineswegs deutlich günstiger.

Die Toniebox 2 hingegen bietet eine längere Akkulaufzeit, einen viermal größeren, internen Speicher (die Tonie-Musik wird auf das Gerät heruntergeladen) und einige neue Lichtfunktionen. Eine erweiterte App-Steuerung, eine bessere Funkverbindung und ein grundsätzlich besserer Klang runden das Paket ab.

Da es die alte Toniebox oftmals ohnehin nur noch als B-Ware gibt, würde ich auf jeden Fall zur neuen Toniebox 2 raten, die in puncto Technik und auch Haptik die Pikachu-Nase deutlich vorn hat.

Aber wahrscheinlich seid ihr eher hier gelandet, um zu erfahren, ob sich die Pokémon-Tonies lohnen. Werden bekannte Geschichten erzählt? Aus dem Anime? Aus den Spielen? Nein, weder noch. Die Tonies bieten eine Mischung aus anfänglichen Erklärungen rund um das jeweilige Pokémon, wissenswerten Fakten zu Pokéball oder Typen und ihren Vorteilen sowie anschließenden Geschichten.

Die kleinen Geschichten sind unterhaltsam und extra für die Tonies erschaffen. Es handelt sich also nicht um eingesprochene Anime-Folgen oder bekannte Hörspiele. Laut Herstellerangaben sollen die Geschichten unter anderem lösungsorientiertes Denken, Teamgeist und Mut (Bisasam) oder Empathie und Freundschaft (Glumanda) fördern. Schiggy soll Kinder in Selbstvertrauen, Freundlichkeit und Neugier stärken und Pikachu schließlich den Entdeckergeist wecken.

Hörspiel oder Einschlafhilfe

Apropos Wecken: Tonies eignen sich hervorragend als Hörspiel, zum Beispiel beim Spielen. Aber vielen Kindern dienen sie auch als Einschlafhilfe. Es stehen weniger übergreifende Geschichten im Mittelpunkt, sondern vielmehr in sich abgeschlossene, kleine Erlebnisse.

Die Arbeit der SprecherInnen ist wirklich fantastisch. Der Erzähler hat eine beruhigende Stimme, die passenderweise an Tierdokus erinnert. Mit einer Laufzeit von 66 bis 80 Minuten geraten Eltern nicht in Gefahr, die Tonies neu starten zu müssen. Sie dürften die Einschlafzeit (wie die allermeisten Tonies) überdauern.

Vielleicht noch einige Worte zu den Figuren an sich. Als die Zusammenarbeit bekannt wurde, brach ein regelrechter Ansturm auf die Tonies aus. Wie eigentlich alles, was mit Pokémon zu tun hat, setzte die Sammelwut bei Fans ein.

Dabei handelt es sich nicht um Sammelfiguren. Für’s Regal sind sie nicht gemacht, auch wenn die Verarbeitung angesichts des Preises wirklich gut ist. Die Figuren fühlen sich wertig an und sind ordentlich bemalt. Aber zum Sammeln gibt es dann doch Alternativen. Inzwischen ist das Sammelfieber auch vorbei und ihr erhaltet alle Tonies nach anfänglichen Engpässen wieder zum normalen Preis von 16,99 Euro oder ggf. schon in einem Angebot.

Wenn Pikachu und Co. ohnehin schon eure Kinderzimmer bevölkern, werden eure Kinder auch die Pokémon-Tonies lieben, daran gibt es kaum einen Zweifel. Die 8-jährige Testerin ist jedenfalls zufrieden. Für alle anderen Kids eignen sich die Tonies als Einstieg in die Welt der Pokémon. Wenn ihr das denn wollt. Denn ist die Pokémon-Magie erst einmal entfesselt …

Bildmaterial: tonies

Der Beitrag Im Test! Die meisterhafte Pokémon-Taktik geht auch mit den Tonie-Figuren auf erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	High Times
	23. Juli 2026
	Yangyang Mobile
	23. Juli 2026
	Yangyang Mobile
	23. Juli 2026
	Yangyang Mobile
System	PS5, Xbox, PC, Switch
Getestet für	PC
Versionsnummer	2.006
Entwickler	Yangyang Mobile
Genres	Cozy-Visual-Novel-Dating-Sim
Texte
Vertonung

Erstens kommt alles anders und zweitens anders, als man denkt – das gilt nicht nur für die Entstehungsgeschichte von High Times, sondern auch für dessen Story. Das philippinische Indie-Team Yangyang Mobile schaffte es, den Kickstarter zur Donut-Dating-Sim High Times mit 52.471 US-Dollar und 1.041 Backern erfolgreich abzuschließen und seine Stretch Goals zu übertreffen.

Internationale Magazine scheinen ganz angetan von dem Spiel, das gar nicht versucht, seine Andersartigkeit zu verstecken. Zum Steam Cooking Fest im Oktober gab es für JPGAMES ein Angebot zum ganz besonderen Donut-Spiel. Eine Bestellung für das Spiel haben wir nicht aufgegeben – bekommen haben wir einen Donut mit einer dicken Humor-Glasur, der mit vielen Emotionen gefüllt ist und mit Weirdness und Chaos als Streusel daherkommt.

Plötzlich Donutladen-Besitzer

Der Protagonist des Spiels arbeitet seit längerer Zeit nebenbei in einem Donut-Laden, wo er ebenso nebenbei die Lizenz zum Donutbäcker erhalten hat. Doch statt neu durchzustarten, bringt euch der Chef der „Hotbox“ – dem Donut-Café mit ganz besonderen Donuts – in Zugzwang.

Denn er ist mit seiner neuen Freundin in die Flitterwochen geflogen und hat dazu alles „unnötige“ Inventar verkauft, um möglichst viel Geld für die Reise zur Verfügung zu haben. Um genau zu sein: Er hat das Lager komplett geleert – bis auf ein paar Teigreste, ein bisschen Vanilleglasur und eine Donut-Form.

Aus falschen Verantwortungsgefühlen – oder vielleicht auch aus Schuldgefühlen, denn schließlich hat eure Punkrocker-Ex den Laden fast niedergebrannt – übernehmt ihr also notgedrungen den Laden und führt ihn nach und nach wieder zum Erfolg. Gleichzeitig hat der Laden aber auch eine eigenartige Anziehungskraft auf die merkwürdigsten Menschen. Und Enten. Und auf Menschen, die Hühner und Enten lieben.

Das alles ist für euch zu verrückt? Dann eine Warnung vorab: Diese Story-Inhalte gehören definitiv zu den harmloseren Story-Strängen. Für alle anderen gilt: Schnallt euch an – hier erlebt ihr eine der absurdesten Visual-Novel-Dating-Sims der letzten Jahre. Zum Teil geht es in die absurden Abgründe der Online-Subkulturen. Die Alterseinstufung ab 16 sollte als Warnung verstanden werden – oder vielleicht ist das für euch eher ein Anreiz?

Besondere Donuts mit stimmungsverändernden Zutaten

Warum braucht man in der Welt von High Times eine Donutbäcker-Lizenz? Nun, jeder Donut, der in der Hotbox verkauft wird, hat mindestens eine besondere Zutat, die die Stimmung verändert. Die Vanilleglasur macht eure Kunden zum Beispiel glücklich, während die Schokoglasur bei der Konzentration hilft. Und das sind nur die gängigsten Sorten – von Erdbeere, Blaubeere, Matcha und Ube wollen wir gar nicht erst anfangen. Vielleicht ist auch Schokolade mit Kürbisfüllung und Marshmallows genau richtig in der Halloween-Saison.

Das Ganze funktioniert auch halb/halb, in verschiedenen Formen, gefüllt und mit verschiedenen Toppings und Streuseln. Auch die Dosierung ist wichtig: Ein Donut ist top, zwei Donuts noch okay, beim dritten Donut hat euer Flitterwochen-Chef eurer zweiten Ex-Freundin quasi den Donut aus der Hand gerissen.

Denn auch wenn die Donut-Zutaten legal sind, ist noch nicht abschließend geklärt, wie sie sich ab einer höheren Menge auf die Gesundheit auswirken. Prof. Char forscht aber eifrig – und hält auch gerne Vorträge. Und über die ganzen Ex-Freundinnen des Protagonisten halten wir euch im Folgenden einen Vortrag.

Die emotionsverstärkenden Donuts sind eine Kernkomponente des Spiels. Denn manche KundInnen wollen keinen Donut, sondern einfach nur reden und einen guten Ratschlag hören. Mit dem richtigen Donut, der sie in die passende Stimmung versetzt, kommen sie aber auf ganz andere Lösungen ihrer Probleme – manche öffnen sich sogar, was neue Story-Abschnitte freischaltet. Eine Kundin hat sich beispielsweise mit ihrer Schwester zerstritten. Was ist hier der richtige Ansatz: ein Donut zum Aufheitern, ein Donut für Ehrlichkeit oder doch einer für Geduld? Vielleicht ist auch Nostalgie der richtige Weg – denn mit der richtigen Erinnerung lässt sich die Bindung vertiefen.

Ohne die Kunden wäre es langweilig

Der einfache Management-Teil und das Glasieren der Donuts – besonders toll mit Touchscreen auf der Switch 2 oder auf PC-ähnlichen Geräten – geraten bei so vielen wundervoll bekloppten Kunden in den Hintergrund. Wenn ihr denkt, eine überdrehte Hühnerfarm-Touristin im Hühnerkostüm („Hühnchen sind Freunde – und Futter!“) sei das Ende der Überdrehtheit, irrt ihr euch. Eure viel zu überdrehte, von LilyPichu synchronisierte, bunte Ex-Freundin Lucy Dee übertrifft das deutlich und erzählt beim Gedanken an einen Donut mit weißer Vanillefüllung ohne jede Vorwarnung von ihren Online-Fanfictions – und noch tieferen Füllungen.

Ab diesem Zeitpunkt zählen nur noch die wildesten Dating-Geschichten, viele kleine Referenzen auf Popkultur, verschiedenste Online-Subkulturen und zum Teil sehr schlechte Witze. Aber keine Sorge: Wenn ein Witz nicht zündet, trifft der nächste wahrscheinlich genau das Humorzentrum. Dieses Spiel ist ein Sammelsurium verrückter Ideen, die verschiedenste Gefühle in euch auslösen werden – auch ganz ohne Donuts.

30 Charaktere zum Verkuppeln, sechs zum Daten

Wer es emotional verkraftet, kann von den rund 30 Charakteren bis zu sechs Charaktere daten – ob gleichzeitig oder bisexuell, ist dann fast schon Nebensache. Jede Romanze führt zu verschiedenen Enden: romantische, neutrale und negative Enden sind eingebaut.

Bestimmte Zutaten und Donuts sind nötig, um weitere Handlungsstränge freizuschalten oder bestimmte Charaktere häufiger in den Laden zu locken, um sie auf diese Weise daten zu können. Es liegt an euch, die zum Teil wilde Vergangenheit neu aufleben zu lassen, mit ihr Frieden zu schließen oder sie ruhen zu lassen und euch ganz entspannt auf das Tagesgeschäft zu konzentrieren.

Am Ende bleibt noch der obligatorische Absatz über die Schwächen des Spiels – und hier muss man ehrlich sagen, dass vieles wirklich Geschmackssache ist (Ha! Wegen der Donuts, versteht ihr?). Nicht jedem wird der „besondere“, oft ins Sexuelle abdriftende Humor des Spiels zusagen; für andere ist es genau dieser Punkt, der dem Spiel die besondere Note verleiht. Manche Charaktere reden vielleicht etwas viel und etwas vage für ein Videospiel; andere finden genau das „echt“, glaubwürdig und charmant. Dazu kommen noch viele schlechte Wortspiele, die ebenfalls Geschmackssache sein dürften.

Technisch springt High Times nur so hoch, wie es muss. Die Zeichnungen sind detailliert und hübsch anzusehen; bei den Animationen konzentriert sich das Spiel allerdings nur auf das Nötigste. Die Musik ist selbst komponiert und tendiert zu entspannten Beats, bleibt aber bis auf die kurzen Gesangseinlagen der englischsprachigen Voice-Acting-Darsteller nicht lange im Gedächtnis.

Positiv: Das Spiel ist auch auf dem Steam Deck und auf Android-Geräten via Proton vollständig spielbar, wenn auch mit vereinzelten Problemen bei der Textgröße auf kleinen Bildschirmen. Auch das Verzieren der Donuts auf kleinen Touchscreens benötigt etwas mehr Konzentration. Der Spielfokus verschiebt sich ab der Hälfte des Spiels auch eher vom Donuts backen auf die Möglichkeiten, eure Lieblingscharaktere häufiger in die Hotbox zu bekommen – bis zu diesem Zeitpunkt sind aber bereits dreistellig Donuts über die Theke gegangen, was etwas repetitiv sein kann.

Erfreulich: Die deutsche Übersetzung ist bis auf sehr wenige kleinere Mängel gut gelungen – in Zeiten von KI-Übersetzungen ein Punkt, den wir loben möchten, insbesondere bei einem Indie-Spiel.

High Times sorgt für ein gutes Gefühl

Bildmaterial: High Times, Yangyang Mobile

Der Beitrag Im Test! High Times ist eine Donut-Dating-Novel mit ganz viel Humor, Emotionen und Chaos erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	The Legend of Zelda: Ocarina of Time
	05. November 2026
	Nintendo
	05. November 2026
	Nintendo
	05. November 2026
	Nintendo
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Versionsnummer	1.0.0
Entwickler	Nintendo
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

The Legend of Zelda: Ocarina of Time gehört ohne jeden Zweifel zu den wichtigsten und einflussreichsten Videospielen aller Zeiten. Was Nintendo 1998 aus dem Nintendo 64 herausholte, genießt bis heute absoluten Kultstatus. Kaum ein anderes Spiel hat das Medium derart nachhaltig geprägt.

Noch heute finden sich Anspielungen auf den Klassiker in zahlreichen anderen Werken, aber auch innerhalb der eigenen Reihe ist sein Einfluss kaum zu übersehen. Und wenn mal wieder die besten Videospiele aller Zeiten gekürt werden, landet Ocarina of Time zuverlässig ganz weit oben. Nicht selten sogar auf dem ersten Platz.

Gleichzeitig ist Ocarina of Time für viele Menschen weit mehr als nur ein großartiges Videospiel. Es ist ein Stück Kindheit, eine Sammlung unvergesslicher Erinnerungen und für manche vielleicht sogar der Grund, warum sie Videospiele heute so sehr lieben.

Kaum ein anderes Abenteuer dürfte den persönlichen Geschmack und den Blick auf das Medium bei so vielen SpielerInnen nachhaltig geprägt haben. Und genau darin liegt auch die Schwierigkeit: Wie legt man ein Spiel neu auf, das für viele längst als nahezu unantastbar gilt?

40 Jahre Zelda und Erwartungen bis zum Mond

Zum 40. Jubiläum der Reihe wagt Nintendo nun also eine weitere Neuauflage des legendären Abenteuers. Nach der 2011 erschienenen Nintendo-3DS-Version ist es bereits der zweite große Anlauf, den Klassiker einer neuen Generation zugänglich zu machen – wenn man die Versionen für den GameCube und Virtual Console mal außer Acht lässt. Und seien wir ehrlich: Die Erwartungen könnten kaum größer sein.

Seit der ersten offiziellen Ankündigung überschlagen sich die Meldungen. Neue Informationen, vermeintliche Leaks, Gameplay-Schnipsel und natürlich unzählige Diskussionen darüber, was Nintendo verändern könnte, sollte oder bloß nicht anfassen darf. Ob zusätzliche Inhalte, überarbeitete Spielmechaniken, Designentscheidungen oder schlicht die grafische Neugestaltung – gefühlt wird jedes noch so kleine Detail unter die Lupe genommen.

Geschichte wiederholt sich also. Schließlich sind hitzige Diskussionen über Veränderungen und kreative Entscheidungen der Zelda-Reihe alles andere als fremd. Gleichzeitig zeigen sie aber auch, wie viel den Menschen an diesen Spielen liegt. Und welchen gewaltigen Stellenwert gerade Ocarina of Time noch immer besitzt.

Für Nintendo ist das Ganze deshalb eine echte Mammutaufgabe. Einerseits soll die Magie des Originals erhalten bleiben, andererseits erwartet man von einer modernen Neuauflage natürlich mehr als nur ein hübscheres Gesicht. Und so viel sei schon einmal verraten: Auch diese Version wird nicht alle glücklich machen. Aber mal ehrlich: Wäre das bei einem Spiel mit einer derart großen Fangemeinde überhaupt möglich?

Ein alter Bekannter in neuem Gewand

Doch fangen wir von vorn an. Am 5. November erscheint The Legend of Zelda: Ocarina of Time exklusiv für die Nintendo Switch 2. Ganz ohne zusätzlichen Namenszusatz schickt Nintendo seinen Klassiker erneut ins Rennen. Ob Remake, Neuinterpretation, Retake oder einfach Neuauflage – nennt es, wie ihr wollt.

Ob Nintendo dem legendären Original gerecht wird, welche Veränderungen uns erwarten und ob uns Links Abenteuer auch nach all den Jahren noch genauso verzaubern kann, verraten wir euch in unserem Test. Also, Okarina eingepackt, Schwert und Schild geschnappt und auf nach Hyrule!

Der Junge ohne Fee

Wir befinden uns im Königreich Hyrule und schlüpfen in die Rolle des jungen Link. Obwohl er eigentlich ein Hylianer ist, wächst er bei den friedfertigen Kokiri im Kokiri-Wald auf. Anders als die übrigen Waldbewohner besitzt er allerdings keine eigene Fee. Zumindest noch nicht.

Denn eines Tages ändert sich sein Leben schlagartig. Der mächtige Deku-Baum, Wächter des Waldes, schickt ihm die kleine Fee Navi und betraut Link mit einer Aufgabe, die größer kaum sein könnte: Er soll das Königreich Hyrule vor einer drohenden Katastrophe bewahren. Dahinter steckt der finstere Ganondorf, der die Macht im Königreich an sich reißen und das legendäre Triforce für seine eigenen Machenschaften nutzen will.

Also verlassen wir unsere vertraute Heimat und machen uns auf den Weg nach Schloss Hyrule, wo wir Prinzessin Zelda kennenlernen. Gemeinsam wollen wir Ganondorfs Pläne durchkreuzen und das Königreich retten. Was folgt, ist eine ebenso bekannte wie ikonische Geschichte, die nicht nur Ocarina of Time selbst, sondern die gesamte Zelda-Reihe nachhaltig geprägt und beeinflusst hat.

Dabei folgt Links Abenteuer ziemlich exemplarisch der klassischen Heldenreise. Ein unscheinbarer Junge wird aus seiner vertrauten Welt gerissen, wächst über sich hinaus und muss sich schließlich einem übermächtigen Bösen stellen. Das klingt auf dem Papier vielleicht nicht sonderlich originell, funktioniert aber auch nach fast 30 Jahren noch erstaunlich gut.

Mehr noch: Die Geschichte hat mich tatsächlich wieder ähnlich gepackt wie damals, als ich Ocarina of Time zum ersten Mal gespielt habe. Die Reise ist episch, spannend, unterhaltsam und stellenweise überraschend emotional. Dazu kommen unzählige ikonische Charaktere und Begegnungen, die sich über all die Jahre ins Gedächtnis eingebrannt haben.

Eine vertraute Geschichte, die sich wieder neu anfühlt

An der eigentlichen Handlung hat Nintendo praktisch nichts verändert. Und das ist auch gut so. Statt die Geschichte künstlich aufzublähen oder umzuschreiben, setzt die Neuauflage auf eine deutlich aufwendigere Inszenierung.

Allen voran die überarbeiteten und teilweise neuen Zwischensequenzen verleihen vielen bekannten Momenten noch einmal eine ganz andere Wirkung. Dazu kommen die fantastische musikalische Untermalung und natürlich die Vertonung, die den Figuren und ihren Begegnungen zusätzliche Persönlichkeit verleiht.

Das Ergebnis ist schon ein wenig kurios: Ich kenne diese Geschichte seit Jahren in- und auswendig und hatte trotzdem stellenweise das Gefühl, sie noch einmal zum ersten Mal zu erleben. Ich hoffe, ihr versteht, was ich meine. Es ist diese besondere Mischung aus vertrauten Erinnerungen und einer frischen Präsentation, die für mich einen großen Teil des Reizes dieser Neuauflage ausmacht.

Die Spuren der Zeit

Eine der interessantesten Neuerungen hört auf den Namen „Spuren der Zeit“. Dahinter verbirgt sich im Grunde eine Art Quest-Log, das uns die bisherigen Ereignisse noch einmal vor Augen führt. Auch größere Nebenaufgaben werden hier übersichtlich festgehalten.

Besonders schön ist allerdings die Aufmachung. Nintendo präsentiert den Fortschritt auch auf einem kunstvoll gestalteten Wandteppich, der mit jeder neuen Etappe unserer Reise weitergewoben wird. Das sieht nicht nur schön aus, sondern passt auch wunderbar zum märchenhaften Charakter des Spiels.

Apropos Nebenaufgaben: Tatsächlich hat Nintendo hier und da ein paar neue Beschäftigungen eingebaut. Eine davon führt uns beispielsweise zu einer fünften Flasche, die es im Original noch nicht gab. Allzu große Überraschungen solltet ihr allerdings nicht erwarten.

Nach wie vor stehen die bekannten Nebenaufgaben im Mittelpunkt. Wir sammeln goldene Skulltulas, kümmern uns um die Maskenquest oder arbeiten uns durch die berühmt-berüchtigte Tauschquest. Wer das Original kennt, wird sich hier sofort zurechtfinden, denn die meisten dieser Aufgaben funktionieren noch immer weitgehend genauso wie früher.

Neue Geheimnisse in einem alten Hyrule

Komplett neu sind hingegen die kleinen Feen-Notizen, die überall in der Hyrule-Ebene und an anderen Orten verstreut liegen. Sie liefern auf kryptische Weise Hinweise zu verschiedenen Geheimnissen und Spielmechaniken. Zusätzliche Hintergrundgeschichten oder größere Lore-Happen solltet ihr euch davon allerdings nicht erhoffen.

Am ehesten erinnern mich die Notizen an die Shiekah-Steine aus dem Original, zumindest was den praktischen Nutzen ihrer Hinweise betrifft. Darüber hinaus gibt es in der Oberwelt noch ein paar weitere Geheimnisse zu entdecken. Welche das genau sind, möchte ich an dieser Stelle allerdings nicht verraten. Ein bisschen Überraschung muss schließlich bleiben.

Mit dem Monstersaal hält außerdem eine weitere Neuerung Einzug. Wobei „neu“ hier vielleicht etwas übertrieben ist. Eine Sammlung bereits besiegter Gegner kennen Zelda-Fans schließlich schon aus anderen Ablegern, etwa The Wind Waker. Auch die Möglichkeit, bereits besiegte Bosse erneut herauszufordern oder sich an einem Boss-Rush zu versuchen, gab es schon in der 3DS-Version. Schön ist es trotzdem, dass beide Funktionen nun auch hier ihren Platz finden.

Darüber hinaus hat Nintendo die Fundorte einiger goldener Skulltulas und Herzteile verändert. Gerade Letztere sind nun teilweise etwas organischer in die Spielwelt eingebettet, statt an irgendwelchen völlig obskuren Orten versteckt zu sein. Das macht die Suche nachvollziehbarer, ohne ihr gleich den gesamten Entdeckerreiz zu nehmen.

Eine besonders willkommene Komfortverbesserung gibt es schließlich nach dem Abschluss der Geschichte. Dann lässt sich nämlich einsehen, welche Sammelgegenstände noch fehlen und wo beziehungsweise wie viele noch fehlen. Gerade für alle, die Hyrule möglichst vollständig erkunden möchten, ist das eine echte Erleichterung. Das teilweise mühsame Backtracking wird dadurch deutlich angenehmer.

Altbekannt und trotzdem erstaunlich frisch

Schon das ursprüngliche Ocarina of Time setzte 1998 spielerische Maßstäbe, an denen sich zahlreiche spätere Action-Adventures orientierten. Die Neuauflage überträgt dieses Fundament nun in die Moderne und schafft dabei einen bemerkenswerten Spagat: Alles fühlt sich deutlich zeitgemäßer an, ohne dabei den vertrauten Charakter des Originals zu verlieren.

Die wohl größten Veränderungen betreffen die Kamera und Links Bewegungsfreiheit. Endlich lässt sich die Kamera völlig frei steuern und unser Held kann nun auch ganz manuell springen. Klingt nach Selbstverständlichkeiten, oder? Tatsächlich machen gerade diese beiden Neuerungen einen erstaunlich großen Unterschied. Die Erkundung fühlt sich dadurch viel natürlicher und flüssiger an, während die Steuerung insgesamt wunderbar eingängig bleibt.

Dazu kommt, dass Link jetzt etwas schneller unterwegs ist. Wer früher regelmäßig einen Purzelbaum nach dem anderen geschlagen hat, um möglichst flott durch Hyrule zu kommen, darf sich also freuen. Unser Held hat offenbar endlich gelernt, dass man auch einfach schneller laufen kann. Eine kleine, aber ausgesprochen willkommene Verbesserung.

Mit dem Master-Schwert in die Moderne

Auch das überarbeitete Kampfsystem macht richtig Laune. Im Kern bleibt alles beim Alten: Wir visieren unsere Gegner an und verpassen ihnen anschließend mit dem Schwert eine ordentliche Abreibung. Allerdings fühlt sich Link jetzt deutlich agiler und beweglicher an, ohne dass die Angriffe an Direktheit verlieren.

Besonders das hervorragende Trefferfeedback sorgt dafür, dass sich praktisch jeder Schwertstreich befriedigend anfühlt. Treffer haben ordentlich Wucht und selbst kleinere Auseinandersetzungen machen dadurch überraschend viel Spaß.

Dabei bleibt das Kampfsystem seinen klassischen Zelda-Wurzeln treu. Jeder Gegner besitzt bestimmte Angriffsmuster, die es zunächst zu erkennen gilt. Anschließend müssen wir die Bewegungen richtig lesen, im passenden Moment ausweichen, blocken oder selbst zum Angriff übergehen. Keine übermäßig komplizierten Tastenkombinationen, sondern ein angenehm direktes Kampfsystem, bei dem Beobachtung und Timing entscheidend sind. Ganz typisch Zelda eben.

Schluss mit dem Menü-Marathon!

Eine weitere große Verbesserung betrifft die Menüführung. Wer das Original kennt, dürfte sich noch bestens daran erinnern, wie häufig man zwischen Spiel und Inventar hin- und herwechseln musste. Besonders beim Ausrüsten verschiedener Gegenstände konnte das auf Dauer ziemlich nervig werden.

Damit ist jetzt glücklicherweise Schluss. Pfeile, Deku-Nüsse und andere nützliche Gadgets lassen sich bequem über ein Auswahlrad anwählen. Für weitere Ausrüstungsgegenstände wie Masken oder Stiefel gibt es zudem eine Schnellauswahl über das Steuerkreuz. Das funktioniert hervorragend und sorgt dafür, dass wir deutlich seltener aus dem eigentlichen Spielfluss gerissen werden.

Auch die Bewegungssteuerung ist eine willkommene Ergänzung. Ähnlich wie in Splatoon lässt sich das Zielen damit wunderbar präzise und intuitiv gestalten. Gerade beim Einsatz von Fernkampfwaffen ist das eine echte Erleichterung.

Davon profitieren natürlich auch bestimmte Minispiele, etwa die Schießbude. Schön ist deshalb, dass Nintendo hier beim Anspruch etwas nachgelegt hat. Schließlich soll uns das präzisere Zielen nicht gleich sämtliche Herausforderungen abnehmen.

Wenn selbst Gekrächze zur Melodie wird

Eine meiner liebsten Neuerungen ist allerdings das Summen-Feature für die Okarina. Statt die bekannten Melodien ausschließlich über Tastenkombinationen zu spielen, können wir sie nun einfach ins Mikrofon der Switch 2 summen. Und was soll ich sagen? Es funktioniert fantastisch!

Selbst mein völlig unmelodisches Gekrächze wurde in zehn von zehn Versuchen korrekt erkannt. Das hat mich tatsächlich ziemlich beeindruckt. Gerade wenn man die richtige Tastenkombination einmal nicht mehr im Kopf hat, kann das Summen sogar die schnellere Alternative sein.

Natürlich ist das keine spielerische Revolution. Aber es ist wieder eines dieser kleinen Details, bei denen man unweigerlich schmunzeln muss. Ein bisschen Nintendo-Magie eben, die man in dieser Form irgendwie nur dort findet.

Die vielleicht besten Dungeons aller Zeiten?

Kommen wir zum eigentlichen Herzstück eines klassischen Zelda-Abenteuers: den Dungeons. Und hier muss ich Nintendo beziehungsweise dem ursprünglichen Ocarina of Time ein riesiges Kompliment machen. Denn obwohl die Tempel in ihrem grundsätzlichen Aufbau weitgehend unverändert geblieben sind, suchen sie auch heute noch ihresgleichen. Und nein, ich übertreibe nicht.

Ich habe das Original mittlerweile unzählige Male durchgespielt, sowohl auf dem Nintendo 64 als auch auf dem Nintendo 3DS. Trotzdem war ich erneut begeistert davon, wie unglaublich durchdacht diese Dungeons sind. Schon damals wirkten sie erstaunlich ausgereift und in sich stimmig. Und fast 30 Jahre später hat sich daran praktisch nichts geändert.

Gut, über den Wassertempel kann man natürlich streiten. Wobei ich gestehen muss, dass ich sogar den eigentlich ziemlich gerne mag. Was die Dungeons allerdings wirklich unvergesslich macht, ist ihre Atmosphäre. Für mich gehören einige davon bis heute zu den besten Rätsel-Dungeons der Videospielgeschichte.

Nehmen wir nur den Waldtempel, der mit seinem verwunschenen Herrenhaus und der geheimnisvollen Stimmung einen ganz eigenen Charakter besitzt. Oder den Schattentempel, der uns in eine düstere, von Geistern heimgesuchte Folterkammer entführt. Das sind einfach Orte, die sich regelrecht ins Gedächtnis brennen.

Durch die zusätzlichen technischen Möglichkeiten und die deutlich aufwendigere Inszenierung entfalten diese ohnehin schon fantastischen Schauplätze jetzt sogar noch mehr Wirkung. Die Dungeons waren damals bereits verdammt nah an der Perfektion. Und irgendwie hat Nintendo es geschafft, sie noch ein kleines Stück besser zu machen. Wenn das überhaupt möglich ist.

Besonders erfreulich finde ich außerdem, dass die Neuauflage auch die etwas obskure und stellenweise regelrecht verstörende Seite des Originals bewahrt. Ocarina of Time war schließlich nie ausschließlich ein fröhliches Fantasy-Abenteuer. Manche Orte, Gegner und Situationen konnten einem damals durchaus einen gehörigen Schrecken einjagen, Stichwort: Grund des Brunnens in Kakariko oder eben der Schattentempel. Ja, Zelda kann manchmal auch Horror. Und das ist gut so!

Manchmal darf Zelda auch wieder linear sein

Zum Abschluss möchte ich noch etwas hervorheben, das mir während des Spielens immer wieder durch den Kopf ging: Wie schön es doch ist, endlich wieder ein großes 3D-Zelda mit der klassischen Formel zu erleben.

Versteht mich nicht falsch. Ich liebe auch Breath of the Wild und Tears of the Kingdom und die enorme Freiheit, die mir diese beiden Abenteuer bieten. Die offene Spielwelt, die zahlreichen Möglichkeiten und das Gefühl, praktisch überall hingehen zu können, haben ihren ganz eigenen Reiz.

Aber nach all den Jahren tut eine vergleichsweise lineare Zelda-Erfahrung einfach unglaublich gut. Eine Reise mit einer klaren Struktur, sorgfältig gestalteten Dungeons und einem bewusst aufgebauten Spannungsbogen.

Gerade SpielerInnen, die mit der neuen Open-World-Formel der Reihe weniger anfangen können, dürften sich hier sofort wieder zu Hause fühlen. Und auch ich habe einmal mehr gemerkt, wie sehr ich diese klassische Art von Zelda vermisst habe.

Manchmal braucht es eben keine grenzenlose Freiheit. Manchmal reicht ein fantastischer Dungeon, ein cleveres Rätsel und das gute Gefühl, endlich den richtigen Schlüssel gefunden zu haben.

Das vielleicht schönste Nintendo-Spiel aller Zeiten?

Stichwort Inszenierung und Atmosphäre. Während meiner Test-Session kam mir tatsächlich immer wieder ein Gedanke: Könnte The Legend of Zelda: Ocarina of Time vielleicht das schönste Nintendo-Spiel überhaupt sein? Eine ziemlich gewagte Aussage, ich weiß. Aber wenn man erst einmal durch dieses neue, alte Hyrule streift, fällt es schwer, nicht ins Schwärmen zu geraten.

Besonders die Umgebungen haben es mir angetan. Angefangen beim Kokiri-Wald über die weiten Ebenen von Hyrule bis hin zur Stadt, Kakariko, oder den Heimatgebieten der Goronen und Zora – teilweise sieht das Spiel schlicht atemberaubend aus. Überall warten unglaublich detailreiche Landschaften und Innenräume, wunderschöne Lichtstimmungen und eine Plastizität der einzelnen Objekte, an der ich mich kaum sattsehen konnte.

Man merkt einfach, wie viel Arbeit in die Neugestaltung dieser Welt geflossen ist. Selbst Orte, die ich mittlerweile praktisch auswendig kenne, haben mich immer wieder zum Staunen gebracht. Dazu kommen deutlich weniger Ladezonen als damals. Wer beispielsweise ein Haus betritt oder die Zitadelle der Zeit besucht, muss nicht mehr ständig kurze Ladepausen über sich ergehen lassen. Das sorgt für eine deutlich zusammenhängendere Spielwelt.

Und dann gibt es diese ganz besonderen Momente. Wenn die Sonne langsam über der Hyrule-Ebene untergeht, wir auf Epona durch die Steppe galoppieren und das Gras sanft im Wind hin und her wiegt. Dazu die passende musikalische Untermalung. Ganz ehrlich: Das hat einfach etwas Magisches.

Es ist dieses merkwürdige Gefühl, eine Welt zu besuchen, die man seit Jahrzehnten kennt, und trotzdem das Gefühl zu haben, sie gerade erst zu entdecken. Alles wirkt vertraut und gleichzeitig wunderbar neu.

Ganz ohne kleinere Schönheitsfehler kommt die Neuauflage allerdings nicht aus. Besonders der stellenweise recht auffällige Nebel fällt ins Auge. Ob dieser nun bewusst als Stilmittel eingesetzt wird oder doch technischen Einschränkungen geschuldet ist, lässt sich schwer sagen. Hinzu kommen gelegentlich leichtes Kantenflimmern rund um die Figuren und vereinzelt flackernde Schatten.

Das sind allerdings eher kleinere Makel in einer ansonsten fantastischen Präsentation. Für mich gehört Ocarina of Time jedenfalls zu den beeindruckendsten Titeln, die Nintendo bislang auf die Beine gestellt hat, und ist ein echter Vorzeigetitel für die Switch 2.

Butterweich durch Hyrule

Auch technisch gibt es erfreulich wenig zu meckern. Während meiner gesamten Spielzeit lief das Abenteuer mit gefühlt konstanten 60 Bildern pro Sekunde. Spürbare Einbrüche konnte ich weder im TV-Modus noch im Handheld-Modus feststellen.

Ebenso erfreulich: Bugs oder Glitches sind mir während des Tests nicht begegnet. Das gesamte Spielerlebnis wirkte angenehm sauber und ausgereift. So muss das sein!

Über Geschmack lässt sich bekanntlich streiten

Neben den wunderschönen Umgebungen müssen wir natürlich auch über die Charakterdesigns sprechen. Denn kaum ein anderes Thema hat seit der ersten Präsentation für derart viele Diskussionen gesorgt.

Die neuen Interpretationen der bekannten Figuren gefallen längst nicht allen. Manche mögen sie, andere können mit ihnen überhaupt nichts anfangen. Und wisst ihr was? Das ist auch völlig in Ordnung. Ich möchte mich hier weder hinstellen und jede Designentscheidung bis aufs Blut verteidigen noch alles grundsätzlich schlechtreden.

Mir persönlich gefallen die neuen Designs insgesamt ziemlich gut. Und tatsächlich habe ich während des Spielens irgendwann kaum noch darüber nachgedacht. Anfangs fallen die Veränderungen natürlich auf, aber sobald man wieder mitten im Abenteuer steckt, rücken sie zumindest für mich ziemlich schnell in den Hintergrund.

Einen Kritikpunkt kann ich allerdings durchaus nachvollziehen: Die Qualität der Charaktermodelle wirkt stellenweise etwas inkonsequent. Während Link gefühlt als hochdetaillierter „8K-Charakter“ durch Hyrule stapft, sehen manche weniger wichtigen NPCs fast so aus, als hätte man ihre alten Nintendo-64-Modelle lediglich hochskaliert.

Das ist natürlich ziemlich überspitzt formuliert, aber der Unterschied fällt durchaus auf. Gerade im direkten Vergleich wirken einige Figuren deutlich weniger aufwendig gestaltet als andere. Wen das stört, der hat also durchaus einen berechtigten Kritikpunkt. Mich persönlich hat es letztlich aber nur selten bis nie aus dem Spiel gerissen.

Wenn selbst ein zerbrochener Krug fantastisch klingt

Ein Aspekt, der bei der Diskussion über Grafik und Inszenierung gerne etwas untergeht, ist das Sounddesign. Dabei verdient es hier mindestens genauso viel Aufmerksamkeit wie die wunderschöne Optik.

Denn was Nintendo in dieser Hinsicht abliefert, ist wirklich beeindruckend. Links Schritte auf unterschiedlichen Untergründen, das Zerbrechen eines Tontopfes, das mechanische Rattern des Enterhakens oder das Spannen einer Bogensehne – all diese kleinen Geräusche besitzen eine erstaunliche Präsenz.

Und genau das macht den Unterschied. Die Spielwelt wirkt dadurch nicht nur lebendiger, sondern beinahe greifbar. Manchmal habe ich mich tatsächlich dabei ertappt, wie ich ganz bewusst auf einzelne Geräusche geachtet habe, weil sie einfach so gut klangen.

Gleichzeitig drängt sich das Sounddesign nie unangenehm in den Vordergrund. Vielmehr verschmilzt es wunderbar mit dem Geschehen auf dem Bildschirm und trägt so entscheidend zur dichten Atmosphäre bei. Ein großes Kompliment an dieser Stelle.

Musik, die Videospielgeschichte geschrieben hat

Und dann wäre da natürlich noch die Musik. Wie könnte man bei einem Spiel namens Ocarina of Time auch nicht darüber sprechen?

Musik spielt innerhalb der gesamten Zelda-Reihe seit jeher eine gewaltige Rolle. In Ocarina of Time geht ihre Bedeutung allerdings noch einen Schritt weiter, schließlich ist sie nicht nur atmosphärische Begleitung, sondern auch ein zentraler Bestandteil der Geschichte und des Gameplays.

Für die Neuauflage hat Nintendo den legendären Soundtrack neu eingespielt, bleibt dabei aber erfreulich nah am Original. Die vertrauten Melodien sind sofort wiederzuerkennen, entfalten durch die neue musikalische Umsetzung aber noch einmal eine ganz eigene Wirkung.

Ob die sanften Klänge des Kokiri-Waldes, die Musik der Hyrule-Ebene oder die zahlreichen unvergesslichen Melodien, die uns durch das Abenteuer begleiten: Hier reiht sich ein musikalischer Klassiker an den nächsten.

Und ich gebe gerne zu, dass mir dabei mehr als einmal eine Gänsehaut über den Rücken gelaufen ist. Manchmal hatte ich sogar ein kleines Tränchen im Auge. Natürlich spielt da auch eine ordentliche Portion Nostalgie mit hinein. Aber diese Musik besitzt einfach eine zeitlose Qualität, die weit über schöne Kindheitserinnerungen hinausgeht.

Es sind einige der ikonischsten Kompositionen der Videospielgeschichte. Das waren sie 1998 und das sind sie auch 2026 noch. Dass Nintendo es geschafft hat, diesen musikalischen Schatz so behutsam und gleichzeitig so wirkungsvoll in die Gegenwart zu übertragen, verdient ein riesiges Lob.

Eine kleine Herausforderung, aber kein Härtetest

Schon das ursprüngliche The Legend of Zelda: Ocarina of Time war hinsichtlich seines Schwierigkeitsgrades eigentlich ziemlich gut ausbalanciert. Wirklich schwer wurde das Abenteuer nur selten. Wenn überhaupt, waren es meist die Rätsel in den Dungeons, die einen gelegentlich etwas länger grübeln ließen.

Und genau daran knüpft auch die Neuauflage an. Die Kämpfe sind größtenteils gut machbar, während einige Rätsel durchaus ein wenig Köpfchen verlangen. Eine Möglichkeit, den Schwierigkeitsgrad individuell anzupassen, gibt es allerdings nicht.

Etwas schade finde ich außerdem, dass Nintendo weder einen zusätzlichen Hard- bzw. Hero-Mode noch die bekannte Master Quest integriert hat. Gerade für erfahrene SpielerInnen, die Ocarina of Time mittlerweile in- und auswendig kennen, wäre das eine schöne Gelegenheit gewesen, Hyrule noch einmal unter erschwerten Bedingungen zu erleben. Hier wurde meiner Meinung nach ein wenig Potenzial verschenkt.

Eine Reise mit genau der richtigen Länge

Bei der Spielzeit orientiert sich Nintendo ebenfalls stark am Original. Für die Hauptgeschichte solltet ihr ungefähr 25 bis 30 Stunden einplanen. Wer darüber hinaus sämtliche Herzteile, goldenen Skulltulas und andere Geheimnisse aufspüren möchte, darf natürlich noch einige Stunden drauflegen.

Damit bewegt sich die Neuauflage ungefähr im gleichen Rahmen wie das Abenteuer von 1998. Und ganz ehrlich: Für mich ist das eine nahezu perfekte Länge.

Ocarina of Time nimmt sich ausreichend Zeit, um seine Geschichte zu erzählen, die Welt zu entfalten und uns durch seine fantastischen Dungeons zu führen. Gleichzeitig wird das Abenteuer nie unnötig in die Länge gezogen. Gerade in einer Zeit, in der gefühlt jedes zweite große Spiel gleich 80 oder 100 Stunden beschäftigen möchte, empfinde ich das als ausgesprochen angenehm.

Ganondorf überzeugt, Navi muss man erst einmal verdauen

Ein paar Worte möchte ich noch zur deutschen Vertonung verlieren. Die bewegt sich nämlich durchweg auf einem erfreulich hohen Niveau. Die SprecherInnen machen ihre Sache hervorragend und verleihen den bekannten Figuren eine zusätzliche Portion Persönlichkeit.

Besonders der deutsche Sprecher von Ganondorf hat es mir angetan. Seine Darbietung passt wunderbar zum finsteren König der Gerudo und verleiht ihm genau die bedrohliche Präsenz, die ich mir von dieser Figur erhofft hatte.

Ein wenig schade ist allerdings die Tonabmischung. Die Stimmen wirken stellenweise etwas zu leise und lassen sich in den Einstellungen leider nicht separat lauter stellen. Gerade angesichts der ansonsten hervorragenden akustischen Präsentation hätte ich mir hier etwas mehr Flexibilität gewünscht.

Und dann wäre da natürlich noch Navi.

Nicht, dass ihre deutsche Sprecherin einen schlechten Job machen würde. Ganz im Gegenteil! Es ist einfach nur unglaublich ungewohnt, die kleine Fee plötzlich auf Deutsch sprechen zu hören. Aus dem ikonischen „Hey! Listen!“ wird nun eben ein „Hör zu!“

Nach all den Jahren muss man das erst einmal verdauen. Ich habe mich jedenfalls mehrfach dabei ertappt, wie ich innerlich auf das vertraute englische Kommando gewartet habe. Aber vielleicht spricht da auch einfach wieder die Nostalgie aus mir.

Schade ist allerdings, dass sich Navis Stimme nicht unabhängig von der restlichen Vertonung einstellen lässt. Die allgemeine Sprachausgabe kann zwar angepasst werden, eine separate Option für unsere kleine Begleiterin gibt es jedoch nicht. Schön ist immerhin, dass auch die ursprüngliche japanische Sprecherin wieder mit an Bord ist.

Bei der Barrierefreiheit bleibt Nintendo zurück

Einen Kritikpunkt möchte ich zum Abschluss allerdings noch gesondert ansprechen: die fehlenden Barrierefreiheitseinstellungen. Dass Nintendo in diesem Bereich traditionell eher zurückhaltend agiert, ist leider nichts Neues. Trotzdem hätte ich mir gerade bei einer Neuauflage von Ocarina of Time deutlich mehr gewünscht.

Wir sprechen hier schließlich von einem der bedeutendsten Videospiele aller Zeiten. Einem Klassiker, der ganze Generationen geprägt hat und nun einer neuen Spielerschaft zugänglich gemacht werden soll. Gerade deshalb wäre das doch die perfekte Gelegenheit gewesen, auch Menschen mit unterschiedlichen Einschränkungen stärker zu berücksichtigen.

Stattdessen sucht man umfangreichere Optionen zur individuellen Anpassung der Spielerfahrung vergeblich. Das ist nicht nur schade, sondern angesichts der Bedeutung dieses Remakes auch eine ziemlich verpasste Chance.

Eine Legende, die nichts von ihrer Magie verloren hat

Bildmaterial: The Legend of Zelda: Ocarina of Time, Nintendo

Der Beitrag Im Test! Das Remake von Zelda: Ocarina of Time ist ein Meisterwerk – aber kein sehr mutiges erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Ghost of Yōtei: Echos von Sekigahara
	1. Oktober 2026
	Sony
	1. Oktober 2026
	Sony
	1. Oktober 2026
	Sony
System	PlayStation 5
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	2.006
Entwickler	Sucker Punch
Genres	Open-World-Action-Adventure
Texte
Vertonung

Mit Ghost of Yōtei schaffte es der US-amerikanische Entwickler Sucker Punch im Jahre 2025 gekonnt, die äußerst erfolgreiche Samurai-Reihe auf ein neues Level zu hieven. Der Nachfolger des ursprünglich im Jahre 2019 erschienenen ersten Teils „Ghost of Tsushima“ schickte uns erneut in ein von kriegerischen Konflikten beherrschtes feudales Japan.

Die brandneue Story-Erweiterung Echos von Sekigahara möchte uns nun erneut in die Fußstapfen der taffen und tapferen Kriegerin „Atsu“ treten lassen und mit ganzen sieben neuen Haupt- und etlichen Nebenmissionen hat diese neue Erweiterung auch einiges zu bieten.

Echos von Sekigahara ist wahlweise einzeln als Upgrade zum Hauptspiel im PlayStation Store zum Preis von 14,99 Euro oder aber auch als Teil der „Ghost of Yōtei Complete Edition“ zum Preis von 79,99 Euro erhältlich. Mit der Complete Edition erhalten Käufer sozusagen das Komplettpaket mit Hauptspiel, Erweiterung und weiteren Spielmodi wie beispielsweise dem Onlinemodus „Legends“. Dieses Paket ist also vor allem für Spieler gedacht, die bisher noch keine Berührungspunkte mit dem Titel hatten.

Ob sich ein erneuter Ausflug in das feudale Japan lohnt und ob die Missionen der neuen Erweiterung qualitativ an die des Hauptspiels heranreichen können, erfahrt ihr natürlich wie immer in unserem ausführlichen Review.

Ein alter Freund und eine tragische Geschichte

Die Story der Erweiterung Echos von Sekigahara dreht sich primär um unsere bereits aus dem Hauptspiel bekannte Heldin „Atsu“. Nach dem Tod ihrer Eltern verbrachte Atsu einige Zeit im Süden auf dem Festland Japans. Dort verdiente sie sich als Söldnerin etwas dazu und nahm außerdem auch an der bis heute legendären Schlacht von Sekigahara teil. Bei dieser verheerenden Schlacht ging es primär darum, dass sich das Haus des Tokugawa-Clans seine mittlerweile bereits seit 250 Jahren bestehende Herrschaft weiterhin sichern konnte.

Der damals treue Begleiter „Nagato“ spielt in der neuen Erweiterung dabei eine tragende Rolle. Denn es sind vor allem Atsus Erinnerungen an Nagato, die sie erneut in die Region von Sekigahara führen. Nagato wird von Gerüchten von einem großen Goldschatz in die Region gelockt und gerät dabei auch zwischen die Fronten von Atsus Rachefeldzug gegen die Yōtei-Sechs.

Die Erweiterung ist zeitlich zwischen den Kämpfen mit Schlange, Oni und Kitsune und dem Ende der Hauptstory angesiedelt. Um die Region von Sekigahara betreten und die Erweiterung somit starten zu können, muss man an einem der Kopfgeld-Missionsausgabepunkte nach dem Steckbrief für Nagato Ausschau halten.

Region um Sekigahara nicht ganz so vielseitig wie die des Hauptspiels

Was man mit Gewissheit sagen kann, ist, dass die Region der Erweiterung deutlich weniger markant und vielseitig ausfällt, als es zum Beispiel damals bei der Erweiterung „Iki Island“ bei Ghost of Tsushima der Fall war. Die neue Insel-Landschaft der damals erschienenen DLC-Erweiterung hatte einen ganz eigenen Charme, der sich völlig von der Landschaft des Hauptspiels abheben konnte.

Bei Echos von Sekigahara erwartet uns hingegen eine neue Region, die optisch aber doch stark an bereits besuchte Regionen und Bereiche des Hauptspiels erinnert. Wer also eine, vor allem optisch, neue Spielerfahrung sucht, wird hier definitiv enttäuscht werden. Dennoch wurde auch diese neue Region liebevoll gestaltet und hat durchaus den ein oder anderen markanten Aussichtspunkt zu bieten, der einem wirklich für einige Zeit im Gedächtnis hängenbleiben wird.

Mit rund fünf Stunden Spielzeit fällt die neue Erweiterung aber durchaus ganz ordentlich aus. Vor allem, wenn man den recht günstigen Preis berücksichtigt, den der Entwickler Sucker Punch hier aufruft.

Gewohnt actionlastiges Gameplay mit der ein oder anderen Neuerung

Am Gameplay-Gefühl selbst wurde nur wenig verändert. Immer noch liegen das Erkunden und die damit einhergehenden actionlastigen Kämpfe im Vordergrund und immer noch ist das Spiel an Style kaum zu überbieten. Denn selten wurden Kämpfe im feudalen Japan so cineastisch und actiongeladen präsentiert, wie es bei der Ghost-Reihe der Fall ist.

Was hingegen neu hinzugekommen ist, sind einige neue Fähigkeiten, die unsere Heldin Atsu nun im Laufe der Erweiterung dazulernt. Zum einen wäre da ein fast schon filmreifer Pfeilangriff, der es Atsu nun ermöglicht, mehrere Ziele gleichzeitig anzuvisieren und mit Pfeilen zu attackieren. Zum anderen gibt es nun auch die sogenannten „gewaltigen Waffen“.

Diese Waffen sind extrem stark und nur eine Zeit lang nutzbar, bis diese zerbrechen und somit unbrauchbar werden. Speziell während der durchaus fordernden Bosskämpfe können diese gewaltigen Waffen das Zünglein an der Waage sein. Denn diese Waffen erleichtern die hektischen Kämpfe oft ungemein.

Optisch immer noch ein Leckerbissen mit Wohlfühl-Garantie

Vor allem aus grafischer Sicht sieht Ghost of Yōtei immer noch fantastisch aus. Speziell die weitläufigen Landschaften können nach wie vor begeistern und verleiten einen schon fast dazu, quasi sekündlich auf die Screenshot-Taste des Controllers zu drücken, weil die Spielumgebung einfach so fantastisch aussieht.

Neben den tollen Animationen können vor allem auch die Licht- und Partikeleffekte glänzen. Allen voran sind es nämlich genau diese, die den Hauptteil der grafischen Qualität von Ghost of Yōtei ausmachen und die malerischen Landschaften erst so richtig in Szene setzen.

Der Titel läuft außerdem nach wie vor mit extrem flüssigen 60 Frames über den Bildschirm und als sei das noch nicht genug, haben die Entwickler nun sogar das neue „QSSR-Upscaling“ implementiert. Diese neue Technik ermöglicht es uns nun, das Abenteuer noch schärfer und noch klarer zu erleben. Hier und da könnte man vielleicht mal auf einen kleinen Framedrop stoßen. Das ist in Anbetracht der grafischen Qualität des Titels aber durchaus verschmerzbar.

Auch akustisch ein Fest für die Sinne

Allen voran ist es die fantastische Synchronisation, die diese Spielwelt und die Charaktere selbst zum Leben erweckt. Speziell die japanische Synchronisation ist wirklich über jeden Zweifel erhaben und konnte mich, wie auch schon bei Ghost of Tsushima und dem Hauptspiel Ghost of Yōtei, zu jeder Zeit in ihren Bann ziehen. Wirklich toll umgesetzt und ein absoluter Maßstab für die Gaming-Branche.

Aber auch der stets eingängige und perfekt passende Soundtrack und die hochkarätigen Soundeffekte lassen keine Wünsche offen. Hier erwartet euch also nach wie vor ein Gaming-Erlebnis der Oberklasse.

Spannende Erweiterung mit ordentlicher Spielzeit zu einem günstigen Kurs

Bildmaterial: Ghost of Yōtei, Sony, Sucker Punch

Der Beitrag Im Test! Ghost of Yōtei: Echos von Sekigahara erweitert das tolle Spiel um eine neue Region erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Marvel Tōkon: Fighting Souls
	06. August 2026
	Sony Interactive Entertainment
	06. August 2026
	Sony Interactive Entertainment
	06. August 2026
	Sony Interactive Entertainment
System	PlayStation 5, PC
Getestet für	PlayStation 5, PC
Versionsnummer	1.003.000
Entwickler	Arc System Works
Genres	Beat em Up
Texte
Vertonung

Lasst uns die Welt im neuen Marvel Tōkon: Fighting Souls retten. Der Titel, der aus einer Kooperation von Marvel, Sony und Arc System Works vor einiger Zeit erschienen ist, lässt euch zum Retter der Menschheit werden.

Dabei tretet ihr in 4-vs.-4-Matches gegeneinander an, um letztlich gegen den ultimativen Kämpfer anzutreten. Ist das spannend? Das erfahrt ihr bei uns, lehnt euch zurück, schnappt euch etwas zu knabbern, der Kampf beginnt.

Das Kronjuwel Chandilar, eine Welt innerhalb der Shi’ar-Galaxie, hochentwickelt und die Hauptwelt der Shi’ar, liegt in Trümmern. Was einst der Stolz des Imperiums war, ist nun eine Welt, die von massiven Kratern überzogen ist. Ihre Krieger liegen zu hunderten im Staub.

Eine unbekannte Macht hat sie im Handstreich besiegt. Wo einst das Kronjuwel des Imperiums zu verzeichnen war, ist nun nichts mehr. Der Planet wurde ausgelöscht? Die Welt Chandilar war nicht das erste Opfer des Champions und wird nicht die letzte sein.

Währenddessen läuft auf der Erde noch alles wie gewohnt. Der Alltag der Menschen dreht sich um sich und weniger um das große Ganze. Helden wie Captain America oder Spider-Man halten das irdische Böse davon ab, sich allzu sehr in die Belange der unschuldigen Gesellschaft einzumischen.

So vergeht die Zeit, bis plötzlich eine seltsam gekleidete Person Einladungen an die Helden des Planeten Erde verteilt. Einladungen für ein Turnier, die Herausforderung des Champions.

Planeten verschwinden

Das Ende aller Tage?

Plötzlich verdunkelt sich die Welt, lilane Wolken treten an die Stelle des blau-weißen Paradieses. In großer Projektion taucht wieder die seltsame Frau auf, welche sich selbst nur als die Promoterin vorstellt. Mit viel Tam Tam macht sie auf die Herausforderung aufmerksam und stellt im gleichen Atemzug die Motivation zum Kampf heraus.

Sollten die Helden versagen, ist das Schicksal der Erde besiegelt. In einer großen Explosion sehen die Menschen am Boden, wie es die Erde auseinanderreißt. Schaffen es die Auserkorenen, eine bunte Mischung aus Helden, Antihelden und Bösewichtern, die Welt zu retten? Ein Preis steht für all jene im Raum, die dies bewerkstelligen können, doch sind alle auch bereit, den Preis des Versagens zu zahlen?

Die Geschichte in Marvel Tōkon: Fighting Souls ist recht zweckmäßig und nichts Besonderes. Mit Slapstick und großen Gefühlen werdet ihr durch die Kämpfe geführt, bis ihr letztlich gegen den ultimativen Kämpfer des Universums antreten dürft, um die Menschheit zu retten, aber auch um eure eigenen Ziele zu verwirklichen. Jeder Held und jeder Schurke handelt neben dem übergeordneten Ziel auch für seine eigene Motivation. Das Ganze wird in Panels wie in einem Comic erzählt und zwischendurch durch qualitativ hochwertige Zwischensequenzen aufgelockert.

4 vs. 4 Action

Wie bereits erwähnt, finden die Kämpfe in Marvel Tōkon: Fighting Souls mit Teams zu je vier Mitstreitern statt. Die Story führt euch dabei nach und nach heran. So startet ihr in jeder der fünf Kampagnen mit einer Figur, die sich nach und nach ihr Team zusammensucht. So staffelt sich das Ganze von 1 vs. 1 bis hoch zu 4 vs. 4.

Die vier Recken teilen sich dabei alle Anzeigen.  Sprich: Wenn ihr K. o. geht, ist das komplette Team ausgeknockt. Die Kämpfe haben eine recht simple und überschaubare Struktur. Es gibt drei Grundkombos, die ihr untereinander auch verknüpfen könnt. So könnt ihr mit einer Schlagkombo einen Gruppenangriff ausführen, bei dem euch eure an der Seitenlinie stehenden Helden unterstützen. Das Ganze kann mit euren Finishern verknüpft werden.

Jede Figur verfügt noch über eine Handvoll spezieller Angriffe abseits ihrer Finishing Moves. Einige basieren auf besonderen Bewegungen. So kann der grüne Kobold seinen Gleiter herbeirufen, während sich Magik teleportieren kann. Andere nutzen Fernangriffe, Schilde oder Ähnliches. Manche dieser Fertigkeiten sind zudem noch mit einer extra Energieleiste verbunden. Das individualisiert den Kampfstil ein wenig zu den sonst eher gleichen Kombinationsangriffen, die jedem zur Verfügung stehen.

Schön ist auch zu sehen, dass sich die Angriffe bei einigen wenigen Charakteren der Stage anpassen. Spider-Man wirft bei seinem Finisher beispielsweise je nach Stage Autos, Raumschiffe, Knochen oder Ähnliches mit seinen Netzen auf euch. Magnetos Finisher lässt kurzfristig in der gesamten Stage Stahl umherschweben.

Evergreen-Modi und die Arcadia Rumble

Neben dem Storymodus gibt es natürlich auch weitere Kampfmodi wie Versus, Survival oder den üblichen Trainingsmodus. Daneben könnt ihr euch online mit anderen Spielern messen. Dazu könnt ihr entweder direkt in die Casual-Matches springen oder euch über eine offene Lobby mit einem Heldenavatar mit anderen Spielern treffen und dort Matches austragen. Ranked-Matches gibt es natürlich auch, sind aber erst verfügbar, wenn ihr ein paar einfache Online-Matches absolviert habt. Diese laufen recht flüssig ab und während ihr auf das Matchmaking wartet, könnt ihr im Wartebereich trainieren.

Darüber hinaus werden regelmäßig kleinere Online-Turniere durchgeführt. Ein Modus der etwas anderen Art ist die Arcadia Rumble. Dieser kann wahlweise online oder offline gespielt werden und ist eine Mischung aus einem Minispiel mit euren Avataren und den eigentlichen Kämpfen.

In der ersten Phase rennt ihr mit eurem Avatar durch ein größeres Gebiet, das der Lobby ähnelt, und versucht einerseits, Upgrades einzusammeln, und andererseits, die gegnerischen Avatare auszuschalten. Dabei steigt ihr im Level auf und ergattert passive Booster, die euch im anschließenden Vier-gegen-vier-Kampf verstärken. Ein interessanter, erfrischender Modus, der das traditionelle Kampfgeschehen etwas auflockert.

Visuell einfach nur lecker

Eines muss man Arc System Works lassen. Das Marvel-Universum in eine japanische Kluft zu stecken, ist ihnen formidabel gelungen. Die Charaktere sehen einfach nur grandios aus. Ihre Finisher sprengen den Bildschirm und es macht einfach nur Spaß zuzusehen, wie man seinen Gegner durch die zwölf verschiedenen Arenen wirft. Jede Figur hat ihren eigenen Kombinations-Special abbekommen und bei jedem wird ein ordentliches Feuerwerk abgebrannt. Dazu liefert der Entwickler wirklich schöne Zwischensequenzen im Storymodus mit einer interessanten, nicht neuen, Erzählstruktur in Comicform.

Bei den Synchronisationen hat man sich hier auch nicht lumpen lassen. Neben Deutsch, Englisch und Japanisch gibt es sieben weitere Sprachen, die zur Wahl stehen. Ein nettes Gimmick: Wenn ihr mit dem Storymodus der jeweiligen Gruppierung durch seid, wird euch im Abschlussvideo zu jeder Sprachversion der Sprecher des jeweiligen Charakters in dieser Sprache angezeigt.

Eine nette Geste, den Synchronsprecher nochmal vor den eigentlichen Credits hervorzuheben. Auch musikalisch klingt alles recht hochwertig. Direkt der Introsong, gesungen von Keiko Terada und Mayu, macht einem direkt Lust, sich in das Kampfspektakel zu stürzen, und auch die Musik der Stages weiß zu unterhalten.

Unterm Strich

Bildmaterial: Marvel Tōkon: Fighting Souls, Sony Interactive Entertainment, Arc System Works, Marvel Games

Der Beitrag Im Test! Marvel Tōkon: Fighting Souls ist auch für Genre-Neulinge ein spannender Fighter erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Dragon Quest Heroes: Torneko’s Mystery Dungeon –Classic HD–
	09. September 2026
	Square Enix
	09. September 2026
	Square Enix
	09. September 2026
	Square Enix
System	Switch 2, Switch, PS5, Xbox Series, PC
Getestet für	Nintendo Switch 2
Versionsnummer	1.0.0
Entwickler	Square Enix
Genres	RPG, Roguelike
Texte
Vertonung	–

Fans von Dragon Quest IV erinnern sich vermutlich an Torneko Taloon, einen der auserwählten Charaktere des Spiels. Er besticht durch seine lockere Kleidung, seinen riesigen Rucksack, in dem er allerlei Waren verstaut, sowie seine blauen Haare und seinen Schnurrbart.

1993 erhielt Torneko mit Dragon Quest Heroes: Torneko’s Mystery Dungeon sein eigenes Spin-off. Darin durchstreift er als Händler einen Dungeon auf der Suche nach zahlreichen Schätzen.

Bislang war dieses Erlebnis nur Spielerinnen und Spielern in Japan vorbehalten. In einer HD-Neuauflage des beliebten Spin-offs schafft es Tornekos großes Abenteuer erstmals in den Westen und verspricht ein schatzreiches Spielerlebnis. Ob die Neuauflage diese Versprechungen halten kann, erfahrt ihr in den kommenden Zeilen.

Unglaubliche Schätze warten

Händler Torneko hat bereits einen erfolgreichen Laden und lebt glücklich mit seiner Frau sowie seinem Kind zusammen. Eines Tages hört er jedoch von einem mysteriösen Dungeon, in dem sich unglaubliche Schätze befinden sollen. Er beschließt, sich mit seiner Familie auf den Weg zu machen, um die sagenhaften Schätze zu bergen und den bekanntesten Laden der Welt zu eröffnen. Also auf in ein neues Abenteuer!

Bevor es jedoch richtig losgeht, schickt der König des Reiches Torneko auf eine Prüfung, um ein besonderes Item aus dem Dungeon zu holen. Dadurch lernt er den Dungeon, dessen Mechaniken und die Monster darin kennen. Glücklicherweise geben ihm der König und seine Untergebenen am Hof hilfreiche Tipps, worauf es zu achten gilt. Ist dieser Testlauf geschafft, gilt es, die eigenen Taschen mit Items und Gold zu füllen, um sich den Traum des Ladens zu erfüllen.

Das war es im Grunde schon mit der Handlung von Torneko’s Mystery Dungeon. Man merkt direkt zu Beginn, dass die Handlung nicht sehr tiefgründig ist und sich der Kern des Titels hauptsächlich um das Gameplay dreht. Immerhin handelt es sich um ein klassisches Roguelike. Als Aufmacher, um eigene Abenteuer zu erleben, reicht es aber völlig aus.

Klassisches Roguelike

Wie bereits angesprochen, handelt es sich bei Torneko’s Mystery Dungeon um ein klassisches Roguelike. Jedes Mal, wenn der Dungeon betreten wird, erhalten die einzelnen Ebenen eine andere Form, auch wenn die grundlegenden Eigenschaften der jeweiligen Ebenen, wie beispielsweise Eis-, Feuer- oder Höhlenumgebungen, in der Tiefe gleich bleiben.

Gleichzeitig ändern sich bei jeder neuen Expedition die Positionen, die Anzahl und das Vorkommen von Gegenständen sowie von Monstern. Wenn ihr in einem Spieldurchlauf scheitert, beginnt die Reise wieder auf Ebene 1 und ihr müsst erneut sammeln, kämpfen und erkunden. Das soll, wie bei jedem anderen Vertreter des Genres, den Wiederspielwert erhöhen.

Innerhalb des Dungeons ermöglicht jede von Torneko ausgeführte Aktion den Monstern, eine Gegenaktion auszuführen, beispielsweise eine Bewegung. Dies gilt für alle Arten von Tornekos Bewegungen, Angriffen oder dem Einsatz von Gegenständen. Man kann es sich dabei wie ein Echtzeit-rundenbasiertes Abenteuer vorstellen.

Trifft Torneko auf eines der Wesen im Dungeon und bezwingt es, sammelt er Erfahrungspunkte, steigt dabei im Level auf und wird stärker. Gleichzeitig können auf dem Weg Ausrüstungsgegenstände wie Waffen und Schilde eingesammelt werden, die ebenfalls dabei helfen, stärker zu werden, und bei der Schatzsuche nützlich sind. Je tiefer Torneko in den Dungeon vordringt, desto stärker werden die Monster.

Glück in der Erkundung, Pech im Beutel

Bei der großen Schatzsuche gilt es, nicht nur die eigene Gesundheit im Auge zu behalten, sondern ebenso auf den eigenen Magen zu hören. Dieser möchte während den langen Erkundungstouren durch den Dungeon gefüllt werden. Zum Glück liegen auf dem Weg nicht nur heilende Blätter für verlorene Lebenspunkte herum, sondern in der einen oder anderen Ecke findet sich ebenfalls mal ein Laib Brot, der verputzt werden kann. Ansonsten erholen sich Tornekos Lebenspunkte mit jedem Schritt, den er macht.

Apropos Items: Im Zuge der Dungeon-Erforschung liegen nicht nur Ausrüstungsgegenstände und Brote auf dem Weg herum, sondern auch allerlei magische Rollen. Diese können Gegnern Schaden zufügen, die Waffe verbessern oder die Karte der Ebene vollständig offenlegen.

Je nach Länge der Expedition können zahlreiche Items in Tornekos Beutel enden. So wird das Spiel ab einem gewissen Punkt nicht nur zu einem Überlebenskampf, sondern außerdem zu einer Art Item-Management-Spiel, da der Beutel nur begrenzt Platz bietet und permanent voll wird. Es sollte also gut überlegt werden, was benötigt wird und was lieber liegen gelassen werden kann.

Die Mischung aus Roguelike, den unterschiedlichen Ebenen und dem Item-Management macht Torneko’s Mystery Dungeon zu einem durchaus herausfordernden Abenteuer. Gerade zu Beginn, wenn noch nicht alle Mechaniken und Items vertraut sind, kann es etwas frustrierend werden. Aufgrund der zufallsgenerierten Ebenen wechseln sich somit Glück und Pech ab. Ist einem das Glück hold, macht die Suche nach Monstern und Gegenständen viel Spaß. Wenn man hingegen Pech mit den Ausrüstungsgegenständen hat, ist die Versuchung groß, das Spiel in die nächste Ecke zu werfen.

Textboxen des Grauens

Dabei habe ich das Gameplay jedoch nie als meinen Feind betrachtet, da ich in der Regel mit einigermaßen gut taktiertem Vorgehen entsprechende Fortschritte machte. Das größere Problem bei jedem Durchgang waren für mich irgendwann die Textboxen, so seltsam das klingen mag.

Die Texte während des Kampfes oder bei Aktionen im Dungeon erscheinen automatisch. Leider laufen die Textboxen immer mit einer gewissen Verzögerung ab und lassen sich nicht selbst wegklicken. Somit lässt sich ebenfalls nicht einschätzen, wie lange diese dauern. Nach einer gewissen Spielzeit hat mich das fast wahnsinnig gemacht, weil die Texte immer mit dieser kleinen Verzögerung weitergingen, ohne dass ich sie schnell wegklicken konnte.

Während moderne Vertreter des Genres neben dem eigentlichen Gameplay-Loop eines Roguelikes ebenso eine spannende Handlung bieten wollen, ist dies bei einem über 30 Jahre alten Titel verständlicherweise kaum möglich. Daher muss das Gameplay überzeugen.

Neben den bereits angesprochenen Textboxen konnte mich das Gameplay nicht gänzlich überzeugen, da zufallsgenerierte Räume mitunter frustrierend sein können. Ein Beispiel: Wenn man zweimal nacheinander in einem Raum voller Monster landet und der Durchlauf direkt als gescheitert gilt, obwohl man sich bis dahin gut angestellt hat.

Abseits des Dungeons

Hat man den anfänglichen Frust überwunden und bringt Gold und Items aus dem Dungeon zurück, lässt sich nicht nur Tornekos Laden vergrößern. Mit der Erweiterung des Ladens können zwischen den Abenteuern zum Glück irgendwann Gegenstände aufbewahrt werden. So entsteht ein Gefühl des Fortschritts und man gewinnt den Eindruck, dass das Spiel einem nicht nur Steine in den Weg stellt, auch wenn jede Reise auf Level 1 beginnt.

Falls einem das Spiel dennoch mal zu schwierig wird, bietet es einige Annehmlichkeiten, um es an den eigenen Spielstil anzupassen. So lässt sich beispielsweise die Anzahl der Monster erhöhen oder regulieren und mehr Items oder Gold zum Vorschein bringen. Wer gerne nur Pixelhöhlen erkunden möchte, kann die Monster und Fallen ebenso komplett ausschalten und sich auf eine kleine Erkundungsreise begeben, um herauszufinden, wie tief der Dungeon eigentlich geht.

Dabei bietet die aktualisierte HD-Grafik ein schönes Pixelabenteuer, dem man sein Alter zwar ein wenig ansehen kann, das aber nichtsdestotrotz durch ein märchenhaftes Intro-Video glänzt. Gleiches gilt für den Sound, der die typischen „Dragon Quest“-Soundeffekte bietet und dadurch nostalgische Gefühle wecken kann.

Kein Held, sondern Händler

Bildmaterial: Dragon Quest Heroes: Torneko’s Mystery Dungeon –Classic HD–, Square Enix

Der Beitrag Im Test! In Dragon Quest Heroes: Torneko’s Mystery Dungeon seid ihr kein Held, sondern Händler erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	One Piece: Grand Gourmet
	23. Oktober 2026
	Bandai Namco
	23. Oktober 2026
	Bandai Namco
	23. Oktober 2026
	Bandai Namco
System	Switch, Switch 2, Mobile, PC
Getestet für	PC (Steam)
Versionsnummer	1.0.4
Entwickler	Kairosoft Co.,Ltd
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Eine der erfreulichsten Neuankündigungen während der Nintendo Direct vom 9. Juni 2026 war für mich als großer Fan des Quellmaterials natürlich One Piece: Grand Gourmet. Ein Restaurant-Management-Spiel im One-Piece-Universum, in dem man sein eigenes Baratie auf hoher See managt und auf hunderte bekannte Charaktere trifft, klang wahrlich verlockend.

Dazu kam noch der charmante Pixel-Look und schon war ich hin und weg. Nachdem ich nun sehr viele Stunden mit dem Spiel verbracht habe, hätte ich statt mich von Prämisse und Optik hinreißen zu lassen, vielleicht doch das Kleingedruckte lesen sollen.

One Piece: Grand Gourmet ist ein Mobile-Spiel. Trotz Veröffentlichung auf Nintendo Switch und PC stehen nach meiner ausführlichen Testphase ganz klar die Android- und iOS-Versionen im Vordergrund. Trotz einiger Ausnahmen strotzt der Großteil der Spiele, die in den App-Stores erhältlich sind, nicht gerade vor komplexen Mechaniken und spannenden Erzählungen. Und in dieses Muster reiht sich leider auch dieses Spiel ein.

Als leidenschaftlicher Koch hat sich Sanji in viele Fanherzen gekämpft. Da überrascht es wenig, dass ein schmieriges Restaurant, das mit unlauteren Mitteln anderen das Leben schwer macht und seine Gäste förmlich abzockt, ein großer Dorn im Auge des Kochs ist. Um die Sache noch schlimmer zu machen, wird dieses unlautere Geschäft von Piraten geleitet, welche die Strohhutbande imitieren.

Also muss ein eigenes Restaurant her und der Ruf, sowohl auf kulinarischer als auch auf piratischer Seite, muss wiederhergestellt werden. Diese Reise führt die Strohhüte über alle bekannten Meere des One-Piece-Universums, sogar in den Himmel.

Essen auf Rädern … äh, Segeln

Mehr passiert storytechnisch allerdings nicht. Was simpel klingt, ist eben nur Mittel zum Zweck. Das ist schade, denn die Charaktere und die Welt von One Piece bieten hier unendlich viel Potenzial. Die wenigen hier und da eingestreuten Dialoge wissen sogar zu überzeugen und beweisen, dass man sich mit dem Quellmaterial auseinandergesetzt hat. Leider sind diese kleinen Lichtblicke zu kurz und zu selten. Sehr schade.

Video hui, Sound pfui

Ein großer Pluspunkt sind die charmant gestalteten Pixel-Charaktere. Trotz weniger Bildbausteine versprühen die Figuren viel Charme und sind sofort zu erkennen. Oftmals haben die vielen Charaktere auch eigene Animationen, die besonders für Fans eine schöne Überraschung darstellen.

Da das Design des Restaurants am Spieler selbst liegt, wird es hier viel Varianz geben; die einzelnen Elemente sind jedoch ordentlich modelliert und Extras wie der Seemonsterzoo oder das Aquarium sorgen für die richtige Stimmung. Auch die leckeren Speisen können sich durchaus sehen lassen. Das sollte bei einem Restaurant-Management-Spiel aber auch das Mindeste sein.

Leider sieht es bei der Soundkulisse ganz anders aus. Weder die Soundeffekte noch die wenigen Tracks, die im Hintergrund laufen, überzeugen. Die Effekte wirken lieblos und altbacken, während die Musik schon nach kurzer Zeit an den Nerven zehrt.

Besonders die Übergänge zwischen einzelnen Stücken sind abgehackt, sodass man merkt, dass einfach nur eine Tondatei endet und die nächste startet. Hier sind offensichtlich weder Leidenschaft noch viel Budget hineingeflossen. Sehr schade. Bei einem so „kleinen“ Spiel sollte man zwar keine Synchronisation erwarten, dennoch wäre es schön gewesen, wenigstens einen auditiven Leckerbissen zu bekommen.

Unterwegs

Da die Nutzung eines Touchscreens klar im Vordergrund steht, sollten auch gameplaytechnisch keine komplexen Gefilde erwartet werden, hier wird maximal seichtes Gewässer erreicht. Wie bei den meisten Genre-Konkurrenten kann man das Restaurant nach Lust und Laune gestalten. Mit genug Umsatz und Gästen kommen neue Sitzmöglichkeiten, Deko-Elemente und natürlich auch Beleuchtung hinzu.

Passend zum Thema gibt es die eine oder andere nautische Spielerei wie Piratenflaggen oder Steckbriefe. Mit neu entdeckten Orten kommen außerdem thematische Veränderungen vieler Bauelemente hinzu, etwa Objekte aus der Himmelsinsel Skypia oder dem Eiskönigreich Drum.

Wichtige Nebencharaktere bringen zudem ihre eigenen kleinen Läden oder Lieblingsorte mit. So eröffnet Okta seinen eigenen Takoyaki-Stand, Buggy bringt gleich eine ganze Bühne mit und der beliebte Mann mit dem Kleiderbügel auf dem Kopf verscherbelt seine hochwertigen Klamotten.

Das bringt natürlich Gäste und wesentlich mehr Gewinn. Leider bleibt es dabei jedoch über lange Zeit bei einem rein optischen Bonus. Vielfalt im Gameplay bringt das erst nicht, dafür aber mehr Komfort für die Gäste. Je höher dieser Wert ist, desto besser ist der Ruf und desto länger bleiben die Gäste. Erst spät kommen mehrere kleine Minispiele hinzu, die anfangs Spaß machen, aber schnell an Reiz verlieren.

Gameplay-Loop

Die Haupteinnahmequelle ist natürlich das Essen. Neben Sanji und den anderen Strohhüten bringen auch viele Gäste neue Rezeptideen mit sich, die mit bestimmten, in ihrer Menge allerdings überschaubaren Zutaten gekocht werden können. Jedes Gericht wird anschließend bewertet, erhält einen Preis und kann dann in Menüs aus Hauptspeise, Beilage, Dessert und Getränk nach Belieben kombiniert werden.

Es macht durchaus Spaß, sein eigenes Menü zu erstellen und dieses mit Deko-Elementen und Besteck zu individualisieren. Am Ende packt man aber doch das zusammen, was am meisten Geld bringt, und versucht dann, den Preis mithilfe kleiner Gästewünsche und dem Verbessern der Zutaten in die Höhe zu treiben.

Die Zutaten für die Gerichte findet man auf kleinen Exkursionen, auf welche man seine Piratenbande schicken kann. An sich nur ein Klick im Menü und anschließend eine längere Wartezeit mit netten Animationen am unteren Bildschirmrand.

Auf diesen Expeditionen findet man jedoch nicht nur Zutaten, sondern auch Trainingspunkte für die Strohhüte, die so im Level aufsteigen können, neue Gäste und Geschenke. Letztere kann man seinen Gästen übergeben, damit diese mehr und schneller essen. Übergibt man das richtige Geschenk an den passenden Gast, wird dieser zum Fan des Restaurants.

Kochduell

Fans gewinnt man auch durch das Entdecken diverser Gerichte oder das Erfüllen bestimmter Wünsche. Das Ziel sollte sein, jeden Gast zu einem Fan zu machen, denn sie sind besonders später eine notwendige Einnahmequelle. Wechselt man nach dem Sieg im Kochduell gegen die bösen Imitatoren das Gebiet, fallen natürlich auch alle Gäste dieses Gebiets weg, es sei denn, es handelt sich um Fans. Diese ziehen zu jeder neuen Location mit und bringen ihre schweren Brieftaschen mit. Das bringt ein Vielfaches an Kundschaft und somit Umsatz.

Als Währungen gibt es neben der klassischen Berry auch Spezialmünzen und Herzen, die man von zufriedenen Gästen erhält. Diese sind essenziell für die unzähligen Anforderungen der zahlenden Kundschaft und der Strohhüte. Einmal pro Tag kann Nami sogar den Preis eines Wunsches halbieren, was ziemlich sinnvoll ist, da die Kosten schnell in die Höhe schießen.

So hangelt man sich von Gebiet zu Gebiet, entdeckt neue Rezepte, fügt sie seinem Menü hinzu, erfüllt die Wünsche zahlender Gäste und vergrößert sein Business. Und das alles im Gewand von Eiichiro Odas Welt.

Steam Boat

Klingt verlockend, aber im Grunde klickt man sich in sehr altbackenen und klobigen Menüs nur von einem Ausrufezeichen zum nächsten. Selbst ohne Plan kommt man so stetig weiter. Gehirnschmalz oder besondere Aufmerksamkeit werden hier nicht wirklich benötigt, um den Umsatz in die Höhe zu treiben. Trotz vieler der oben genannten interessanten Ideen wird das gesamte Gameplay auf den kleinsten gemeinsamen Nenner heruntergebrochen.

Auch das Handling lässt zu wünschen übrig. Mit einem Controller zu spielen, wird nach kurzer Zeit bei einem überlaufenen Restaurant mit dutzenden eng aneinandergereihten Elementen zur Qual, weshalb Maus und Tastatur oder noch besser ein Touchscreen Pflicht sind. Doch selbst hier weigert sich die Kamera manchmal, das zu tun, was von ihr verlangt wird.

Diese haptischen Einschränkungen in Kombination mit dem schnell repetitiv werdenden Gameplay-Loop sorgen dafür, dass One Piece: Grand Gourmet im Genre-Vergleich leider keine Bestnoten erhält. Auch die Performance lässt zu wünschen übrig. Die maximale Bildrate liegt bei 30 FPS und wenn man gegen Ende Hunderte Charaktere auf dem Bildschirm hat, fängt das Ruckeln an. Sehr schade.

Keine Suppe für dich!

Bildmaterial: One Piece: Grand Gourmet, Bandai Namco, Kairosoft

Der Beitrag Im Test! One Piece: Grand Gourmet wird schnell monoton – und macht trotzdem süchtig erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Tales of Eternia Remastered
	16. Oktober 2026
	Bandai Namco
	16. Oktober 2026
	Bandai Namco
	16. Oktober 2026
	Bandai Namco
System	PS4, PS5, Switch, Switch 2, Xbox Series, PCs
Getestet für	Nintendo Switch
Versionsnummer	1.0.0
Entwickler	TOSE
Genres	Action-RPG
Texte
Vertonung

Die Tales-of-Reihe gehört längst zu den alteingesessenen Größen des JRPG-Genres. Während andere Rollenspielserien ihre Helden mit immer größeren Schwertern auf immer größere Weltuntergänge loslassen, setzt Tales seit Jahren auf sympathische Charaktere, actionreiche Kämpfe und unterhaltsame Gruppendialoge.

Doch nicht jeder Serienteil steht heute noch gleichermaßen im Rampenlicht. Mit Tales of Eternia Remastered holt Bandai Namco einen Klassiker aus der PlayStation-Ära zurück, der seinerzeit mit einer ungewöhnlichen Mischung aus Fantasy, Science-Fiction und einer Geschichte rund um zwei verfeindete Welten punkten konnte.

Das Original erschien 2000 in Japan und ein Jahr später im Westen. Nordamerikanische Spieler kennen das Abenteuer möglicherweise unter dem Namen Tales of Destiny II – eine Bezeichnung, die bis heute für Verwirrung sorgt. Mit dem gleichnamigen Serienteil hat Eternia nämlich herzlich wenig zu tun.

Hinter der Namensänderung steckten markenrechtliche Gründe und der Versuch, den Titel für den westlichen Markt besser zu positionieren. Das Ergebnis ist vor allem eines: unnötiges Verwirrungspotenzial für alle, die sich mit der Serienhistorie nicht auskennen.

Ein neuer Hauptteil lässt weiterhin auf sich warten. Stattdessen schickt Bandai Namco mit Eternia einen alten Bekannten zurück ins Rampenlicht. Das von TOSE entwickelte Remaster verspricht eine überarbeitete Präsentation und einige Komfortfunktionen, ohne das Original grundlegend umzubauen. Eine Neuinterpretation sieht anders aus. Hier wird eher der Staub vom alten Abenteuer gepustet, bevor es wieder auf Reisen geht.

Doch reicht eine technische Auffrischung, um den Klassiker auch heute noch glänzen zu lassen? Und sind moderne Quality-of-Life-Funktionen eine willkommene Erleichterung oder nehmen sie uns zu viel von dem ab, was klassische JRPGs einst ausgemacht hat? Finden wir es heraus.

Ein Sprachproblem namens Weltuntergang

Im Mittelpunkt von Tales of Eternia steht Reid Hershel, ein junger Schwertkämpfer, der gemeinsam mit seiner Freundin Farah Oersted ein vergleichsweise beschauliches Leben im Dorf Rasheans führt. Reids Zukunftsplanung scheint sich zunächst auf zwei wesentliche Fragen zu beschränken: Was passiert morgen und wann gibt es etwas zu essen? Viel mehr erwartet der gemütliche Schwertschwinger offenbar nicht vom Leben.

Doch die Dorfidylle findet ein jähes Ende, als Reid und Farah auf die mysteriöse Meredy treffen. Die junge Frau stammt aus einer fremden Welt und spricht eine Sprache, mit der ihre neuen Bekanntschaften zunächst herzlich wenig anfangen können. Bevor also das Schicksal der Welt auf dem Spiel steht, muss erst einmal geklärt werden, was der Neuankömmling überhaupt zu sagen hat.

Was als ungewöhnliche Begegnung beginnt, entwickelt sich zu einem Abenteuer, das die Gruppe weit über die Grenzen ihrer Heimat hinausführt. Im Mittelpunkt stehen die beiden Welten Inferia und Celestia, deren Bewohner von tief sitzenden Vorurteilen und einer langen Feindschaft geprägt sind. Gleichzeitig droht mit dem sogenannten Great Fall eine Katastrophe, die das Schicksal beider Welten besiegeln könnte. Aus einem zunächst überschaubaren Ausflug wird damit eine Reise, bei der deutlich mehr auf dem Spiel steht als Reids gefüllter Bauch.

Hinter der klassischen JRPG-Kulisse steckt dabei mehr als die übliche Rettung der Welt. Vorurteile, Verständigungsprobleme und der Umgang mit fremden Kulturen ziehen sich durch die Handlung. Gerade Meredys Herkunft liefert einen interessanten Ausgangspunkt, um die Konflikte zwischen den Welten nicht bloß als Auseinandersetzung zwischen Gut und Böse abzuhaken. Das Spiel macht daraus zwar keine tiefgründige gesellschaftliche Abhandlung, verleiht seiner Geschichte aber einen thematischen Kern, der über den nächsten großen Endgegner hinausgeht.

Die größte Stärke liegt ohnehin in der Gruppendynamik. Die Figuren necken sich, geraten aneinander und ergänzen sich auf eine Weise, die der Reise Persönlichkeit verleiht. Nicht jeder Dialog sitzt und manche Entwicklungen lassen sich früh erahnen. Wer eine moderne Charakterstudie mit psychologischer Tiefenschärfe erwartet, sollte seine Ansprüche daher etwas herunterschrauben. Eternia ist ein Kind seiner Zeit. Seine Figuren müssen nicht jede Gefühlsregung in einem langen Monolog erklären, um als Gruppe zu funktionieren. Manchmal reicht es, wenn sich die Truppe ordentlich in die Haare bekommt und danach trotzdem gemeinsam weiterzieht.

Schlag 1, 2, 3 Artes hinterher!

Das Herzstück von Tales of Eternia bildet das Aggressive Linear Motion Battle System, kurz A-LMBS. Gekämpft wird auf einer zweidimensionalen Ebene, auf der wir einen Charakter direkt steuern. Normale Angriffe, Spezialtechniken – die sogenannten Artes – und magische Fähigkeiten lassen sich miteinander kombinieren, während die übrigen Gruppenmitglieder eigenständig ins Geschehen eingreifen.

Das System ist schnell erklärt, verlangt auf Dauer aber mehr als stumpfes Knöpfchendrücken. Gerade in längeren Gefechten kommt es darauf an, die Fähigkeiten der Gruppe zu verstehen und die eigenen Ressourcen im Blick zu behalten. Die meisten Artes erlernt man durch wiederholte Nutzung, während Zauber über die großen Craymel-Geister verfügbar gemacht werden, denen wir im Laufe des Abenteuers begegnen. Auch die Ausrüstung sollte nicht zur Nebensache verkommen: Statusveränderungen und Elementschwächen können den Unterschied machen, wenn man sich nicht ausschließlich auf höhere Level und beherztes Button-Mashing verlassen möchte.

Das Kampfsystem verlangt allerdings auch ein wenig Geduld. Die Bewegungsfreiheit wirkt im Vergleich zu modernen Action-RPGs eingeschränkt und wer dynamische Ausweichmanöver oder ausgefeilte Kombosysteme gewohnt ist, dürfte die Kämpfe zunächst als steif empfinden. Sobald man sich jedoch auf den Rhythmus der Gefechte einlässt und die Fähigkeiten der Gruppe sinnvoll kombiniert, entfaltet das System seinen Reiz. Es ist nicht besonders flexibel, aber auch längst nicht so simpel, wie sein Alter zunächst vermuten lässt.

Am grundlegenden Kampfsystem ändert das Remaster nichts. Stattdessen gibt es eine Reihe von Komfortfunktionen, mit denen sich das Abenteuer an die eigenen Vorlieben anpassen lässt. Über verschiedene Boost-Optionen können wir unter anderem den Erhalt von Erfahrungspunkten und die Häufigkeit von Begegnungen beeinflussen.

Wer keine Lust mehr auf die nächste Zufallsbegegnung hat, darf Kämpfe bei Bedarf sogar vollständig deaktivieren. Ein Hochgeschwindigkeitsmodus für automatische Gefechte beschleunigt wiederkehrende Auseinandersetzungen, während Battle Retry und Quick Recovery dafür sorgen, dass Niederlagen weniger frustrierend ausfallen.

Das ist praktisch, nimmt dem Abenteuer aber auch einen Teil seiner ursprünglichen Reibung. Wer sich durch jede Begegnung kämpfen möchte, kann das weiterhin tun. Wer dagegen nur noch schnell zum nächsten Handlungspunkt will, muss sich nicht länger an jedem zufälligen Gegner aufhalten. Das Remaster zwingt niemanden dazu, das Spiel leichter zu machen. Es erspart einem lediglich die Diskussion mit dem eigenen Geduldsfaden.

Verlaufen ausdrücklich erwünscht

Abseits der Kämpfe setzt Tales of Eternia Remastered auf klassische JRPG-Erkundung. Städte, Dungeons und abgelegene Winkel laden dazu ein, nicht einfach nur dem nächsten Handlungspunkt hinterherzulaufen, sondern sich auch einmal umzusehen.

Das klingt selbstverständlich, ist heutzutage aber längst keine Selbstverständlichkeit mehr. Viele moderne Rollenspiele markieren jeden relevanten Gegenstand, zeigen den nächsten Gesprächspartner auf der Karte und führen uns mit einer digitalen Leine zum Ziel. Eternia stammt aus einer Zeit, in der man gelegentlich tatsächlich selbst herausfinden musste, wohin die Reise führt.

Das bedeutet nicht, dass hinter jeder Ecke eine Offenbarung wartet. Optionale Inhalte wie zusätzliche Titel für die Helden, Rezepte und andere Entdeckungen sorgen aber dafür, dass sich ein genauerer Blick in die Spielwelt lohnen kann. Nicht jede Nebenaktivität ist gleichermaßen spannend und manche Sucherei zieht sich länger als nötig.

Trotzdem fühlt es sich angenehm an, nicht ständig gesagt zu bekommen, wohin man als Nächstes laufen soll. Ein Dungeon darf hier noch ein Ort sein, den man erkundet, statt bloß ein hübsch dekorierter Korridor zwischen zwei Zwischensequenzen.

Genau an dieser Stelle kommen die neuen Quality-of-Life-Funktionen ins Spiel. Tales of Eternia Remastered bietet zusätzliche Marker, die bei der Orientierung helfen und wichtige Ziele leichter auffindbar machen. Das ist vor allem dann praktisch, wenn man nach einer längeren Pause zurückkehrt und nicht mehr genau weiß, welcher NPC eigentlich den nächsten Handlungsschritt auslöst.

Die entscheidende Frage ist allerdings, wie viel Führung man überhaupt möchte. Marker können verhindern, dass man ziellos durch bereits besuchte Gebiete irrt. Gleichzeitig nehmen sie einem einen Teil der Eigenständigkeit, die den Reiz klassischer JRPGs ausmacht. Glücklicherweise lassen sich die Hilfen vollständig deaktivieren. Das ist für mich die sinnvollste Lösung: Wer eine bequemere Reise bevorzugt, bekommt sie. Wer lieber selbst auf Spurensuche geht, kann die digitalen Wegweiser einfach abschalten.

So bleibt das Remaster zugänglich, ohne seine ursprüngliche Struktur über Bord zu werfen. Und ganz ehrlich: Sich in einem Spiel auch einmal zu verlaufen, ist nicht automatisch ein Designfehler. Manchmal gehört es schlicht zum Abenteuer.

Frisch poliert, aber noch dasselbe Gesicht

Grafisch bleibt Tales of Eternia Remastered seinen Wurzeln treu. Die farbenfrohen Umgebungen, die zweidimensionalen Charakter-Sprites und die liebevoll gestalteten Hintergründe versprühen den Charme eines JRPGs aus der PlayStation-Ära. Statt die Figuren mit modernen Polygonmodellen neu aufzulegen, bewahrt das Remaster die ursprüngliche Bildsprache und frischt die Darstellung behutsam auf.

Wer allerdings hofft, dass der Klassiker nach einer optischen Verjüngungskur kaum wiederzuerkennen ist, sollte die Erwartungen zügeln. Die Überarbeitung beschränkt sich größtenteils auf Kantenglättung und eine bessere Lesbarkeit der Texte. Zwar lässt sich auch die originale Darstellung aktivieren, doch zumindest in meinem Fall waren die Unterschiede nur minimal zu erkennen. Der neue Anstrich ist damit eher eine Frage des Feinschliffs als ein echter Blickfang.

Das ist nicht grundsätzlich schlecht. Der ursprüngliche Grafikstil hat seinen eigenen Charme und nicht jedes Remaster muss ein altes Spiel in eine vermeintlich zeitgemäße Optik pressen. Allerdings stellt sich schon die Frage, wie groß der Mehrwert für diejenigen ausfällt, die das Original bereits kennen und problemlos spielen können. Wer eine deutlich überarbeitete Präsentation erwartet, bekommt hier wenig Anlass zum Staunen. Wer dagegen einfach das bekannte Abenteuer auf einer aktuellen Plattform erleben möchte, dürfte mit der behutsamen Umsetzung gut zurechtkommen.

Akustisch setzt Eternia ebenfalls auf bewährte Stärken. Der Soundtrack begleitet die Reise mit abwechslungsreichen Melodien, die sowohl die heiteren Gruppenmomente als auch die dramatischen Ereignisse passend untermalen. Die Musik gibt den Schauplätzen einen eigenen Charakter und bleibt mit ihren eingängigen Stücken angenehm im Gedächtnis. Sie muss sich nicht ständig in den Vordergrund drängen, um die Atmosphäre zu unterstützen.

Auch die Sprachausgabe verdient eine Erwähnung. Sie gehört zu den markanten Merkmalen der Reihe und verleiht den Dialogen zusätzliche Persönlichkeit. Die überarbeitete Präsentation fällt dabei erfreulicher aus als die optischen Anpassungen. Insgesamt bleibt der audiovisuelle Eindruck jedoch eine behutsame Auffrischung des Bekannten und kein Grund, das Spiel allein wegen seiner technischen Neuerungen noch einmal zu kaufen.

Ein bisschen Facelift, kein neues Abenteuer

Bildmaterial: Tales of Eternia Remastered, Bandai Namco, TOSE

Der Beitrag Im Test! Tales of Eternia Remastered hat einen Charme, der auch nach Jahren nicht verblasst erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Final Fantasy Resonance
	22. Oktober 2026
	Square Enix
	22. Oktober 2026
	Square Enix
	22. Oktober 2026
	Square Enix
System	PlayStation 5, Xbox Series, Nintendo Switch 1/2, PC
Getestet für	PC (Steam)
Versionsnummer	1.0.1.0.
Entwickler	Square Enix, LANCARSE Ltd.
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Entschuldigt bitte meine Umgangssprache, aber: Was für ein absoluter No-Brainer! Jahrelang begeistert Square Enix JRPG-Fans weltweit mit einem fantastischen Grafikstil, der klassische Pixelkunst mit modernen Texturen und Animationen zu einem puren Augenschmaus verbindet.

Star Ocean hat davon profitiert, Octopath Traveler hat davon profitiert, Live A Live hat davon profitiert und ganz besonders Dragon Quest hat davon profitiert. Doch die eine Marke, die das Unternehmen auf die Weltbühne katapultiert hat und tiefe Wurzeln im klassischen 2D-Stil besitzt, wurde bislang übergangen.

Nicht mehr! Es hat zwar den Verlust eines Mobile-Gacha-Spiels gebraucht, aber die Belohnung ist ein wahr gewordener Traum für junge und alte Fans des Genres. Final Fantasy Resonance ist das erste Spiel der wohl bekanntesten JRPG-Reihe im patentierten HD-2D-Look und begeistert auf sämtlichen Ebenen.

Gespaltene Gemüter, wie sie bei den großen Serienteilen fast immer zu erwarten sind, dürfte es hier wahrscheinlich nicht geben. Aus der Asche von Final Fantasy Brave Exvius erhebt sich, wie der Phönix selbst, ein grandioses Rollenspiel.

Crystals Are a Girl’s Best Friend

Es beginnt, wie es immer beginnen muss: Die elementaren Kristalle, welche die Balance der Welt bewahren und seit unzähligen Jahren gut geschützt werden, sind in Gefahr. Die Geschworenen Sechs, eine kleine Gruppe schier übermächtig erscheinender Gegner, tauchen wortwörtlich aus dem Nichts auf und machen es sich zur Aufgabe, ebendiese Kristalle zu zerstören.

Vorhang auf für unsere Protagonisten Rain und Lasswell. Ersterer ist ein junger Luftschiffkommandant des Königreichs Grandshelt, letzterer sein Stellvertreter. Die seit ihrer Kindheit befreundeten Kameraden versuchen, sich den Bösewichten, die nicht ganz zufällig an die Richter aus Final Fantasy XII erinnern, in den Weg zu stellen.

Doch vergebens: Der Erdkristall fällt und die beiden entkommen nur knapp mit dem Leben.

Zusammen mit Fina, einem mysteriösen Mädchen, das selbstverständlich an Amnesie leidet, sowie einer hoch motivierten Mechanikerin, deren Name sich auf Cid reimt und die nicht auf den Mund gefallen ist, geht es anschließend los. Kristalle müssen gerettet und Feinde vernichtet werden.

Herzklopfen

Schon anhand dieser kurzen Einführung wird klar, dass sich Final Fantasy Resonance zahlreicher vertrauter Stilmittel bedient. Fans des Genres können mittlerweile ein Lied davon singen. Zu behaupten, die Geschichte sei eine Achterbahnfahrt aus unvorhersehbaren Wendungen und komplexen, tiefgründigen Charakteren, wäre wahrlich übertrieben.

Passend zum Look bietet das Spiel vielmehr eine geradlinige Erzählung, die trotz einiger Klischees von Anfang bis Ende mitreißt, die eine oder andere unerwartete Wendung bereithält und für Tränen der Freude wie auch der Trauer sorgt.

Trotz ihrer fehlenden Komplexität wächst die Heldengruppe schnell ans Herz und hält bis zur letzten Sekunde bei Laune. Selbst die ebenfalls eher einfach gehaltenen Nebenmissionen führen neue Charaktere ein und liefern stets interessante Informationen über die Welt. Langeweile kommt so kaum auf.

Die Geschichte wird in gut inszenierten Sequenzen erzählt, in denen die Pixelfiguren trotz ihrer begrenzten Darstellung eine erstaunliche Bandbreite an Emotionen vermitteln. Selbst schwere Körbchen schwingen liebevoll daher. Unterstützt werden sie von den schönen Charakter-Artworks von Yusuke Naora. Schade nur, dass sich während der Dialoge maximal die Mimik der Artworks verändert, die Körperdarstellung bleibt statisch.

Hexerei

Auch die unglaublich starke japanische und englische Synchronisation trägt zur gelungenen Präsentation bei. Einen kleinen Wermutstropfen gibt es aber: Nicht alle Dialoge sind vertont.

Besonders dramatische oder wichtige Storysequenzen erhalten sogar ein zusätzliches Upgrade. Diese sind grandios inszeniert und kombinieren 2D- mit 3D-Effekten auf beeindruckende Weise. Hier haben die Entwickler alles gegeben und das merkt man in jedem Pixel. Wenn die Kamera dramatisch über die Szenerie schwingt, die Pixelcharaktere verheerende magische 3D-Angriffe entfesseln und sich sogar CGI-Sequenzen dazumischen, wirkt das fast wie Hexerei. Absolut überwältigend.

Davon können sich nicht nur andere HD-2D-Titel eine Scheibe abschneiden, sondern moderne JRPGs im Allgemeinen. Hut ab.

Nostalgische Töne

Wenn Final Fantasy draufsteht, muss natürlich auch ein starker Soundtrack her und den gibt es hier. Ebenso wie bei Story und Optik wird Altes gekonnt mit Neuem verwoben. Bekannte Melodien mischen sich mit neuen, treibenden Kompositionen von Noriyasu Agematsu, die stark an eine Zeit vor den 2000er-Jahren erinnern.

Zugegeben: Das Niveau von Nobuo Uematsu, Takeharu Ishimoto oder Yoko Shimomura wird nicht ganz erreicht und gerne hätten es wesentlich mehr Stücke sein dürfen. Dennoch rundet der starke Soundtrack die Klangkulisse wunderbar ab.

Taktik statt Leerlauf

Gekämpft wird selbstverständlich in einem rundenbasierten Kampfsystem. Und ebenso wie bei allen anderen Aspekten des Spiels ist auch hier eine beachtliche Menge Leidenschaft und Wissen aus der langen Seriengeschichte hineingeflossen. Die Zugreihenfolge wird jederzeit gut sichtbar angezeigt, das Kampftempo lässt sich nach Belieben einstellen, die Kampfanimationen sind klasse und jeder Charakter übernimmt eine spezifische Rolle.

Viele Zahnräder greifen harmonisch ineinander und sorgen für ein ausgesprochen rundes und spaßiges Spielerlebnis. Es gibt kaum Wartezeiten, stattdessen sind die Kämpfe schnell, taktisch und unheimlich belohnend.

Die Stärken und Schwächen der Gegner müssen stets beachtet werden, denn neben einer HP-Leiste besitzen sie auch eine Schockleiste, die Fans bereits aus Final Fantasy XIII oder Final Fantasy XVI kennen dürften. Greift man gezielt die Schwachstellen der Feinde an, leert sich diese Schockleiste schneller.

Ist sie vollständig geleert, wird nicht nur der nächste Angriff des Gegners verhindert, der angreifende Charakter erhält zudem einen zusätzlichen Angriff und kann verheerenden Schaden verursachen. Das genaue Timing eines Schocks muss also immer im Blick behalten werden.

Pump it

Mit bis zu vier Charakteren stürzt man sich in diese hoch motivierenden Kämpfe. Doch sie kämpfen nicht allein: Jeder Charakter kann eine Vision ausrüsten. Dabei handelt es sich um die prominent beworbenen, altbekannten Final-Fantasy-Charaktere, die ihre Kräfte mit den Helden von Final Fantasy Resonance teilen.

Kurz gesagt: Es handelt sich um ein erweitertes Job-System. Während die ursprünglichen Charaktere ihre festen Rollen wie Heiler oder Tank im Kampf einnehmen, verleihen die Visionen ihnen einen Zweitjob. Kombiniert man etwa Fina als Heilerin mit Terra aus Final Fantasy VI, kann die Magierin plötzlich vernichtende schwarzmagische Attacken verschiedener Elemente nutzen.

Dabei teilen die Visionen nicht nur aktive, sondern auch zahlreiche passive Fähigkeiten. Über eine separate EP-Leiste steigen Visionen bis Level 9 auf und verleihen dem Charakter, der sie ausgerüstet hat, permanente passive Boni. Neue aktive Fähigkeiten kommen ebenfalls hinzu. Wechselt man die Vision, etwa nachdem sie vollständig aufgelevelt wurde, behält der Charakter alle permanenten Verbesserungen. Nicht-permanente Fähigkeiten können anschließend zusätzlich neben einer neuen Vision ausgerüstet werden.

Das kostet allerdings FP, von denen jeder Charakter nur ein begrenztes Kontingent besitzt. Dieses steigt wiederum, je mehr Visionen mit ihm aufgelevelt werden. So ist man ständig motiviert, möglichst viele verschiedene Visionen zu finden, vollständig aufzuleveln und regelmäßig zu wechseln. Das Experimentieren und der Aufbau der eigenen Gruppe machen unglaublich viel Spaß und sorgen für eine extrem hohe Motivation.

Schockierend

Wer sein Team richtig aufstellt und gezielt einsetzt, kann sogar schnell ganze Gegnergruppen schocken. Das löst einen sogenannten Radikalschock aus. Dadurch erhält nicht nur jeder Charakter einen Zusatzzug, sondern auch eine der ausgerüsteten Visionen kann ihren ultimativen Angriff entfesseln.

In fantastisch inszenierten und butterweich eingefügten CGI-Sequenzen nutzen bekannte Pro- und Antagonisten der Final-Fantasy-Reihe ihre ikonischen Spezialangriffe. Diese richten entweder gewaltigen Schaden an oder erholen die Gruppe. Plant man geschickt um diesen Umstand herum, kann man selbst aus einem schweren Kampf mit vollen HP hervorgehen.

Beendet man einen Kampf im Schockzustand, mit einem übermächtigen Angriff oder ohne Schaden genommen zu haben, winken zudem nicht unerhebliche Boni auf Erfahrungspunkte und Geld.

Esper, Ekstase und Erkundung

Das war noch nicht alles: Hinzu kommen die ikonischen Esper, die man auf der Weltkarte findet und die fast immer eine kleine Prüfung bereithalten. Fina kann eine dieser beliebten Beschwörungen im Kampf an ihre Seite rufen. Als unabhängige Teilnehmer unterstützen sie die Gruppe für drei Runden und beenden ihren Auftritt ebenfalls mit einem ultimativen Angriff.

Auch die Limitrausch-Attacken sind wieder an Bord. Je nach passiver Fähigkeit, ausgerüsteter Vision oder eingesetzter Fertigkeit füllt sich die Limit-Leiste und ermöglicht schließlich einen fantastisch inszenierten Angriff, der im Schockzustand natürlich besonders hohen Schaden verursacht. Bei jedem Element wurde aus der langen Final-Fantasy-Historie geschöpft und das funktioniert einfach hervorragend.

Noch ein kleiner Tipp: Als erfahrener JRPG-Fan würde ich einen höheren Schwierigkeitsgrad empfehlen. Die Kämpfe machen so viel Spaß und man möchte Charaktere sowie Visionen möglichst schnell aufleveln, sodass Story-Dungeons auf der Standardstufe rasch trivial werden können.

Falls es dann doch zu viel wird, lässt sich der Schwierigkeitsgrad jederzeit anpassen.

Wie jedes klassische Final Fantasy bietet auch Resonance eine schön designte Weltkarte, malerische Städte und dunkle Dungeons. Letztere kommen oft mit einem kleinen Kniff daher, sind aber, ebenso wie die Weltkarte selbst, ein wenig zu klein geraten. An den liebevoll gestalteten Umgebungen gibt es ansonsten nichts auszusetzen. So sieht Leidenschaft für das Genre aus.

Wer die Weltkarte erkundet, wird stets belohnt: mit optionalen Bossen, Esper oder neuen Visionen. Die Motivation bleibt dadurch hoch. Puristen sollten jedoch aufhorchen, denn das Spiel nimmt den Spieler stark an die Hand. Questmarker sind jederzeit eindeutig, auch unbekannte Orte sind auf der Weltkarte bereits markiert und Schnellreisen sind von Anfang an möglich. Etwas mehr Freiheit hätte dem Abenteuer gutgetan.

Performing fine

Abschließend noch ein kurzes Wort zur Performance: stark. Selbst auf dem vergleichsweise leistungsschwachen Steam Deck läuft das Spiel bei maximalen Grafikeinstellungen butterweich mit 60 FPS, bis die Weltkarte gegen Ende noch zugänglicher wird. Dann wird der schwache Pocket-PC in seine Knie gezwungen, dennoch macht es Freude, dass auch moderne Spiele noch eine überzeugende Performance abliefern.

Die Ladezeiten sind kurz, das Bild ist scharf und das Gesamtpaket wirkt technisch sehr überzeugend. Mit größeren Problemen dürfte keine Plattform zu kämpfen haben, auch wenn Nintendos erste Generation der Nintendo Switch anscheinend nur die 30 FPS knackt.

Praise Be

Bildmaterial: Final Fantasy Resonance, Square Enix, Team Asano, Lancarse

Der Beitrag Im Test! Final Fantasy Resonance kombiniert 40 Jahre der Serie zu grandiosem Gesamtpaket erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Nintendo Switch Sports Resort
	22. Oktober 2026
	Nintendo
	22. Oktober 2026
	Nintendo
	22. Oktober 2026
	Nintendo
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Versionsnummer	1.1.0
Entwickler	Nintendo EPD
Genres	Sportsimulation
Texte
Vertonung

Man mag es kaum glauben, aber Nintendos Sports-Reihe gehört zu den erfolgreichsten Marken des Unternehmens überhaupt. Zur Einordnung: Das ursprüngliche Wii Sports verkaufte sich über 80 Millionen Mal, wobei das Spiel in weiten Teilen der Welt natürlich direkt der Wii beilag.

Der Nachfolger Wii Sports Resort brachte es immerhin noch auf über 33 Millionen Einheiten. Damit belegten die beiden Spiele gleich zwei Podiumsplätze unter den meistverkauften Wii-Titeln aller Zeiten. Nicht schlecht für ein bisschen Bowling, Tennis und Schwertkampf im heimischen Wohnzimmer.

Auf der Wii U folgte mit Wii Sports Club eine Art Neuauflage des Originals, die allerdings ein wenig außer Konkurrenz läuft. Schließlich erschien das Spiel auf der ohnehin schwächelnden Wii U und sorgte mit seinem ziemlich merkwürdigen Abo- beziehungsweise Mietmodell damals für einiges Stirnrunzeln.

2022 ging die Reihe schließlich mit Nintendo Switch Sports in die nächste Runde. Mit rund 18 Millionen verkauften Einheiten war auch dieser Ableger kommerziell ein beachtlicher Erfolg. Um den Ruf der Reihe stand es allerdings weniger rosig. Zu wenige Inhalte zum Start und der Eindruck, dass Nintendo hier deutlich mehr Liebe hätte investieren können, sorgten für reichlich Kritik. Für viele Fans war ohnehin klar: Die ultimative Sports-Erfahrung hatte Nintendo bereits 2009 mit Wii Sports Resort abgeliefert.

Wuhu Island, wir haben dich vermisst!

Da überrascht es eigentlich kaum, dass Nintendo nach all den Jahren erneut die Koffer packt und uns zurück ins sonnige Urlaubsparadies rund um Wuhu Island schickt. Schließlich gibt es wohl kaum einen anderen Ort, der bei Fans der Reihe derart viele schöne Erinnerungen weckt. Sonne, Strand und jede Menge sportliche Aktivitäten – was will man eigentlich mehr?

Genau dorthin verschlägt es uns jetzt nämlich wieder. Am 22. Oktober erscheint mit Nintendo Switch Sports Resort der neueste Ableger der Reihe exklusiv für Nintendo Switch 2. Ob Nintendo den (Sport-)Geist vergangener Tage tatsächlich wieder einfangen konnte und wie uns der erneute Urlaub auf Wuhu Island gefallen hat, verraten wir euch in unserem Test. Also Sportschuhe an, Joy-Con geschnappt und ab in den Flieger!

Viel Nostalgie, wenig Neues

Es geht also zurück auf die Insel! Und für viele, mich eingeschlossen, ist dieser Ausflug mit einer gehörigen Portion Nostalgie verbunden. Was habe ich damals nicht sämtliche Sportarten bis zum Erbrechen gespielt, Highscores gejagt und Wuhu Island bis in den letzten Winkel erkundet? Irgendwann kannte ich die Insel vermutlich besser als meine eigene Heimatstadt. Vor allem aber hatte ich eine unvergessliche Zeit, an die ich mich bis heute gerne zurückerinnere.

Entsprechend gespannt war ich auf die Rückkehr. Kann Nintendo dieses Gefühl noch einmal einfangen? Natürlich bin auch ich inzwischen älter geworden und blicke heute etwas anders auf die Spiele meiner Kindheit und Jugend. Aber wenn es Nintendo gelingen würde, auch nur ein bisschen von der damaligen Magie zurückzubringen, wäre ich schon glücklich.

Doch fangen wir von vorne an. Insgesamt zwölf Sportarten stehen zur Auswahl. Dazu gesellt sich noch Seilspringen, das allerdings kaum mehr als ein kleines Minispiel ist. Moment mal … zwölf Sportarten? Sind das nicht exakt genauso viele wie damals in Wii Sports Resort von 2009? Na gut, dafür gibt es bestimmt jede Menge neue Disziplinen und Spielmodi, oder? Um es kurz zu machen: Nein.

Mit Tennis, Bowling, Boxen und Golf sind gleich vier Sportarten aus dem ursprünglichen Wii Sports vertreten. Dazu kommen Bogenschießen, Tischtennis, Basketball, Propellerflugzeug und Wasserscooter aus Wii Sports Resort sowie Volleyball aus Nintendo Switch Sports. Wirklich neu sind lediglich Daumenringen und Skateboard.

Und während Skateboard zumindest frischen Wind verspricht, ist beim Daumenringen nach ein, zwei Runden auch schon wieder die Luft raus. Dass Nintendo nach all den Jahren gerade einmal zwei komplett neue Sportarten auf die Beine stellt, finde ich schlicht enttäuschend. Ihr könnt mir doch nicht erzählen, dass den EntwicklerInnen in dieser ganzen Zeit nicht mehr eingefallen ist! Das ärgert mich tatsächlich mehr, als es vielleicht sollte.

Alles beim Alten – wirklich alles?

Nun könnte man natürlich argumentieren, dass die alten Sportarten auch heute noch Spaß machen. Und das stimmt sogar! Tennis, Bowling, Golf und Boxen funktionierten schon damals hervorragend und tun es auch heute noch. Gleiches gilt für Disziplinen wie Tischtennis oder Bogenschießen.

Das Problem ist nur: Teilweise spielen sich die Sportarten praktisch genauso wie vor fast 20 Jahren. Grundsätzlich ist das nichts Schlechtes, schließlich muss man ein funktionierendes Konzept nicht zwangsläufig neu erfinden. Ein bisschen mehr spielerische Tiefe, zusätzliche Möglichkeiten oder einfach etwas Abwechslung hätten den altbekannten Disziplinen aber wirklich gutgetan.

Abseits der eigentlichen Sportarten warten immerhin noch kleinere Herausforderungen. Beim Tischtennis gilt es beispielsweise, Dosen abzuräumen, während beim Bowling wieder einmal 100 Pins auf ihren großen Auftritt warten. Macht das Spaß? Klar, zumindest für ein paar Runden. Nur gab es diese Herausforderungen bereits auf der Wii. Dass Nintendo manche davon nahezu eins zu eins übernimmt, wirkt dann doch ziemlich einfallslos. Zwei, drei neue Minispiele gibt es zwar ebenfalls, aber auch die hat man meist nach wenigen Versuchen gesehen.

Ein wenig mehr Motivation bietet da schon der neue Inselkrone-Modus. Hier arbeitet ihr euch innerhalb der einzelnen Sportarten nach und nach nach oben, tretet gegen immer stärkere GegnerInnen an und fordert schließlich den jeweiligen Inselkönig beziehungsweise die Inselkönigin heraus. Das ist eine nette Ergänzung, die zumindest für eine Weile zum Weiterspielen motiviert. Allzu viel solltet ihr allerdings auch hier nicht erwarten.

Immerhin gibt es dabei ein Wiedersehen mit einer echten Legende: Matt ist zurück! Ja, genau der Matt. Wer damals auf der Wii regelmäßig die Boxhandschuhe geschnürt hat, dürfte sich noch bestens an ihn erinnern. Manche Gegner vergisst man eben nie.

Die Bewegung macht’s!

Nach all dem Gemecker wird es Zeit für etwas Positives. Denn bei der Steuerung macht Nintendo glücklicherweise vieles richtig. Sie ist angenehm eingängig und schon nach wenigen Sekunden hat man den Dreh raus. Viel erklären muss man hier wirklich nicht – Joy-Con schnappen und loslegen!

Die Joy-Con sind dabei Pflicht – entweder einzeln oder als Paar. Der Handheld-Modus wird entsprechend nicht unterstützt. Gespielt wird also entweder im Tischmodus oder ganz klassisch vor dem Fernseher, am besten im Stehen. Schließlich wollen wir uns beim Sport ja auch ein bisschen bewegen.

Die Bewegungssteuerung funktioniert dabei größtenteils richtig gut und reagiert teilweise erstaunlich präzise und direkt. Ein deutlicher Fortschritt gegenüber den Wii-Zeiten, als man die Wii-Fernbedienung gefühlt ständig auf eine ebene Fläche legen musste, um sie neu zu kalibrieren. Das bleibt uns hier glücklicherweise erspart. Hin und wieder gibt es zwar kleinere Aussetzer bei der Bewegungserkennung, im Großen und Ganzen funktioniert das Ganze aber in Ordnung.

Gemeinsam macht’s einfach mehr Spaß

Und tatsächlich machen auch fast alle Sportarten nach wie vor richtig Laune. Besonders dann, wenn man ein paar FreundInnen zusammentrommelt. Genau das würde ich euch auch empfehlen, denn hier spielt Nintendo Switch Sports Resort seine größten Stärken aus.

Ein gemütlicher Abend mit ein paar Leuten, dazu eine Runde Bowling, Tischtennis oder Tennis und schon ist der Spaß praktisch vorprogrammiert. Man lacht, ärgert sich über knapp verpasste Punkte und fordert natürlich sofort eine Revanche. Genau diese unkomplizierte Geselligkeit war schon immer das Herzstück der Sports-Reihe.

Und daran hat sich glücklicherweise auch nach all den Jahren nichts geändert.

Alte Miis und neue Gesichter

Natürlich feiern auch die sogenannten Sportsmates aus Nintendo Switch Sports ihre Rückkehr. Entweder man mag die neuen Figuren oder eben nicht. Zum Glück dürfen aber auch weiterhin die guten alten Miis auf den Sportplatz. Immerhin!

Was mir hingegen richtig gut gefällt, sind die unzähligen kosmetischen Gegenstände, mit denen sich die eigene Spielfigur individualisieren lässt. Hier hat Nintendo im Vergleich zum direkten Vorgänger ordentlich nachgelegt. Die Auswahl ist deutlich größer und bietet jede Menge Möglichkeiten, der eigenen Figur einen persönlichen Anstrich zu verpassen.

Für abgeschlossene Aktivitäten gibt es sogenannte Spocco-Punkte, die sich gegen neue Gegenstände eintauschen lassen. Zusätzlich warten in den einzelnen Sportarten kleinere Herausforderungen, die ein wenig an klassische Achievements erinnern. Wer diese Aufgaben erfüllt, darf sich über weitere Punkte und Outfits freuen. Eine nette Motivation, um auch abseits der normalen Partien noch ein paar Runden dranzuhängen.

Einen kleinen Haken gibt es allerdings: Die Gegenstände werden in rotierenden Kollektionen angeboten, im Oktober beispielsweise passend zu Halloween. Dazu kommt eine Art Gacha-Mechanik im Shop. Das klingt zunächst schlimmer, als es tatsächlich ist, denn Echtgeld spielt hier keine Rolle. Und nach einigen Runden hat man in der Regel auch die gewünschten kosmetischen Belohnungen zusammen.

Wuhu Island könnte schöner sein

Optisch hinterlässt Nintendo Switch Sports Resort dagegen einen eher durchwachsenen Eindruck. Grundsätzlich geht der bunte, freundliche Look völlig in Ordnung und auf der Switch 2 läuft das Spiel angenehm flüssig mit gefühlt 60 Bildern pro Sekunde. Trotzdem habe ich mich mehrfach gefragt, ob hier nicht deutlich mehr möglich gewesen wäre.

Gerade bei den freieren Aktivitäten, etwa beim Rundflug über Wuhu Island, fallen die grafischen Schwächen auf. Sowohl an Land als auch auf dem Wasser wirkt die Umgebung stellenweise erstaunlich schlicht. Kanten flimmern, der Landschaft fehlt es an Details und insgesamt vermisse ich ein wenig die räumliche Tiefe. So schön die Rückkehr auf die Insel auch ist, grafisch präsentiert sie sich leider nicht unbedingt von ihrer besten Seite.

Teilweise wirkt das Ganze sogar so, als hätte es problemlos auf der Wii U oder der ersten Switch erscheinen können. Für einen exklusiven Switch-2-Titel hätte ich mir hier einfach etwas mehr erwartet. Immerhin gibt es technisch ansonsten wenig zu meckern: Bugs oder Glitches sind mir während meiner Spielzeit nicht begegnet.

Musikalisch geht Nintendo ebenfalls auf Nummer sicher. Der Soundtrack ist angenehm, gelegentlich sogar etwas eigenwillig, aber insgesamt wenig spektakulär. Besonders schön wird es natürlich, wenn plötzlich die ikonischen Melodien aus Wii Sports Resort anklingen. Da kommen sofort Erinnerungen hoch!

Trotzdem hätte ich mir gewünscht, dass Nintendo nicht nur auf die musikalische Nostalgie setzt, sondern dem neuen Ableger auch ein paar wirklich eigene, unverwechselbare Stücke spendiert. Denn so schön die alten Melodien auch sind: Ein bisschen frischer Wind hätte Wuhu Island definitiv nicht geschadet.

Gemeinsam schwitzen – auch online

So gut wie jede Sportart lässt sich sowohl lokal als auch online spielen. Dabei habt ihr die Wahl, ob ihr euch ganz entspannt mit anderen messen oder lieber um Punkte und Ranglistenplätze kämpfen wollt. Eine schöne Sache, schließlich lebt die Sports-Reihe seit jeher davon, gemeinsam mit anderen ein paar sportliche Runden zu drehen.

Wuhu Island hat noch einiges zu bieten

Eine Sache möchte ich allerdings noch einmal gesondert hervorheben: die sogenannten Hobbysportarten. Dazu gehören Propellerflugzeug, Skateboard und Wasserscooter. Wie damals auf der Wii könnt ihr damit Wuhu Island auf eigene Faust erkunden. Diesmal allerdings nicht nur aus der Luft, sondern auch zu Land und auf dem Wasser.

Und das ist tatsächlich eine richtig tolle Sache! Schließlich habe ich mir schon damals gewünscht, die Insel auf möglichst viele verschiedene Arten erkunden zu können. Jetzt darf ich endlich auch mit dem Skateboard über Wuhu Island düsen oder mit dem Wasserscooter die Küsten abfahren. Und glaubt mir: Es lohnt sich!

Schon während unserer Preview fiel auf, dass sich die Insel ordentlich verändert hat. Hier und da erkennt man noch vertraute Orte wieder, vieles ist allerdings neu und lädt zum Entdecken ein. Gerade diese Mischung aus Nostalgie und frischen Eindrücken macht für mich einen großen Teil des Reizes aus.

Mit ziemlich großer Wahrscheinlichkeit werde ich deshalb auch diesmal wieder die meiste Zeit in diesen Modi verbringen. Schließlich warten noch zahlreiche Spocco-Fotos darauf, entdeckt zu werden. Dazu kommen die komplett neuen Insel-Missionen, die zusätzliche Beschäftigung bieten. Wer Wuhu Island gerne bis in den letzten Winkel erkundet, bekommt hier also einiges zu tun.

Tatsächlich waren es genau diese drei Aktivitäten, die mir während meines Tests am meisten Spaß gemacht haben. Einfach mal ohne großen Wettbewerbsdruck über die Insel zu streifen, neue Ecken zu entdecken und die Atmosphäre zu genießen – genau das habe ich an Wii Sports Resort damals so geliebt.

Wo ist mein „Nice Job“ geblieben?

Eine Kleinigkeit muss ich allerdings noch loswerden: Ich vermisse die motivierende Stimme aus Wii Sports und Wii Sports Resort! Dieses herrlich enthusiastische „Amazing!“ oder „Nice!“ nach einer gelungenen Runde hatte einfach etwas. Alles Lob der Welt geht hier an Josh Millman.

Stattdessen kommentiert nun eine deutsche Stimme das Geschehen, die ungefähr so viel Begeisterung versprüht wie ein Finanzbeamter beim Sortieren von Steuerunterlagen. Und nein, einfacher Sprachwechsel hilft hier nicht, das Gleiche trifft auf die neue englische Stimme zu.

Vielleicht spricht da wieder die Nostalgie aus mir, aber ein bisschen mehr Begeisterung hätte dem Ganzen wirklich gutgetan.

Der beste Ableger seit Resort – aber …

Bildmaterial: Nintendo Switch Sports Resort, Nintendo

Der Beitrag Im Test! Switch Sports Resort ist der beste Ableger seit 2009 – und enttäuscht trotzdem erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Dynasty Warriors 3: Complete Edition Remastered
	01. Oktober 2026
	KOEI TECMO GAMES CO., LTD.
	01. Oktober 2026
	KOEI TECMO GAMES CO., LTD.
	01. Oktober 2026
	KOEI TECMO GAMES CO., LTD.
System	PlayStation 5, Xbox Series, Nintendo Switch 2, PC
Getestet für	PC (Steam)
Versionsnummer	24984920 (Build-ID)
Entwickler	Omega Force
Genres	Musou
Texte
Vertonung

Dass ein Dynasty-Warriors-Spiel einmal in meinen persönlichen Top 3 des Jahres landen würde, hätte ich lange Zeit nicht für möglich gehalten. Dynasty Warriors: Origins hat es 2025 jedoch tatsächlich geschafft, mich mit seinem dynamischen Kampfsystem, den gewaltigen Schlachten und seinem Suchtfaktor absolut zu begeistern. Daher war ich auf Dynasty Warriors 3: Complete Edition Remastered natürlich sehr gespannt, auch wenn ich das Original von 2001 selbst nie gespielt habe.

Ich bin erst etwas später zur wohl beliebtesten Musou-Reihe gestoßen, aber der Einfluss von Dynasty Warriors 3 soll mit Abstand am prägendsten gewesen sein. Daher wollte ich nach dem großartigen Origins unbedingt wissen, wie sich einer DER Klassiker der Reihe heute spielt. Kann mich die großzügig überarbeitete Fassung genauso mitreißen wie der neueste Teil? Oder zeigen sich trotz neuer Technik und zusätzlicher Mechaniken noch immer die PlayStation-2-Wurzeln?

Mal was anderes?

Die Handlung von Dynasty Warriors 3 folgt dem mittlerweile zum dutzendsten Mal durchgekauten Three-Kingdoms-Epos. Drei große Fraktionen kämpfen mit ihren eigenen Helden, Motivationen und Intrigen um die Vorherrschaft in China. Der sogenannte Musou-Modus erzählt dabei die Geschichten der einzelnen Offiziere in den typischen kurzen Sequenzen zwischen den einzelnen Missionen.

Trotz der vielen Filmchen und der zusätzlichen Szenarien aus der Xtreme-Legends-Erweiterung bildet sich dennoch kein so richtig rundes Bild. Hier zeigt sich nämlich das Alter des Originals am stärksten. Immerhin ist es schon 25 Jahre alt und stammt aus den Anfängen der PlayStation-2-Ära. Daher fehlt es der Handlung an Tiefgang, Kohärenz und einem passenden Ton.

Hilfreich ist auch nicht, dass diese Geschichte in der Zwischenzeit von dutzenden Spielen deutlich besser erzählt wurde. Fans des Originals werden den nostalgischen Charme aber trotzdem zu schätzen wissen, denn hier geht es weniger um Pathos als um eine ordentliche Menge Humor. Die fast ausschließlich unfreiwillig komische englische Synchronisation sorgt für viel Spaß und oft auch für lautes Aufschreien. Da ich das Original nicht kannte, war das wohl die größte Überraschung für mich.

Jedes Mal, wenn ein neuer Charakter vorgestellt wurde oder das Schlachtfeld verließ, gab es eine kurze Sequenz, die von den Sprechern mit vollem Elan vorgetragen wurde und immer für einen Lacher gut war. Das Remaster bietet natürlich auch die originale japanische und die thematisch passende chinesische Synchronisation zur Auswahl. Die unfreiwillig humorvolle Vertonung aus den frühen 2000er-Jahren ist mittlerweile jedoch Gold wert, und darauf sollte man keinesfalls verzichten.

Unreale Engine

Eine optische Auffrischungskur gehört zu einem Remaster natürlich dazu. In diesem Fall wurde das Spiel vollständig in der Unreal Engine 5 überarbeitet. Matschige Texturen, Kantenflimmern und detailarme Charaktermodelle gehören somit der Vergangenheit an. Es ist durchaus beeindruckend, was das Team aus dem Grundgerüst von 2001 gemacht hat.

Technisch sind alle modernen Spielereien mit dabei. 4K-Auflösung, HDR-Unterstützung und die Kompatibilität mit Ultrawide-Monitoren gehören zum Gesamtpaket. Partikeleffekte, Schattenwurf und Beleuchtung befinden sich auf einem guten Niveau. Doch wie so oft bei rein optisch überarbeiteten Spielen lässt sich das Alter des Originals trotz aller modernen Technik nicht vollständig verbergen.

Das zeigt sich besonders beim eher kargen Design der großflächigen Schlachtfelder, bei den Kanonenfutter-Gegnern und den Animationen. Trotz der optischen Überarbeitung und vieler kleiner Neuerungen vergisst man zu keiner Zeit, dass es sich hier im Kern um ein PlayStation-2-Spiel handelt. Das wird im direkten Vergleich mit dem erwartungsgemäß in nahezu allen Belangen stärkeren Dynasty Warriors: Origins besonders deutlich.

Dadurch fällt es mir sehr schwer, Dynasty Warriors 3: Complete Edition Remastered denjenigen zu empfehlen, die bislang nur wenige Berührungspunkte mit der Musou-Reihe hatten.

Clunky

Das Gameplay ist leider ebenfalls ein großer Schwachpunkt des Remasters. Trotz aller Modernisierungen fühlt es sich überraschend schwerfällig an. Die Bewegungen wirken träge, die Kamera hängt manchmal hinterher und die Kollisionen zwischen und mit den Hunderten von Gegnern führen zu seltsamen Physikmomenten. Wirklich viel Abwechslung bietet letztlich nur der Charakterwechsel, denn die einzelnen Movesets der Charaktere halten sich stark in Grenzen und sorgen für ein ziemlich repetitives Spielgefühl.

Trotz neu eingebauter Mechaniken wie der Möglichkeit, gegnerischen Angriffen auszuweichen oder sie zu parieren, gelingt es dem Spiel nicht, dieselbe Dynamik aufzubauen wie das moderne Dynasty Warriors: Origins. Auch Konter, die im perfekten Timing nach diesen Mechaniken ausgeführt werden können, ändern daran nur wenig. Das ist zwar nicht überraschend, kratzt aber dennoch am Spielspaß.

Selbst die als Kanonenfutter dienenden Gegnerhorden verfügen über überraschend viel Lebensenergie und eine durchaus aggressive KI. Hier ist so viel mehr Arbeit nötig, tausende Gegner niederzumetzeln, als in den nachfolgenden Spielen.

Nach etwas Recherche war ich ziemlich überrascht, dass das Original sogar noch einen höheren Schwierigkeitsgrad bot. Erst nachdem sich mein Gehirn an die klobigere Mechanik gewöhnt und ich meine Prioritäten stärker auf das Besiegen der Offiziere und der übermächtigen Bogenschützen gelegt hatte, konnte ich die Missionen beenden, ohne den Game-over-Bildschirm zu sehen. Kaum zu glauben, dass ich das bei einem Musou-Spiel einmal erleben würde.

Waffen ahoi

Eine durchaus sinnvolle neue Mechanik ist das Waffensynthese-System. Im Lagermenü zwischen den einzelnen Missionen kann man nun schwächere Waffen verwenden, um deren Elementarattribute und Fähigkeiten auf eine andere Waffe zu übertragen. Dadurch freut man sich über jede neue Waffe, die man auf dem Schlachtfeld findet, selbst wenn die aktuell ausgerüstete Waffe eigentlich stärker ist. Das hält die Motivation hoch, die Areale zu erkunden und Gegner zu besiegen. Auch wenn das Zeitlimit hier für etwas Stress sorgt.

Um den Puristen jedoch nicht auf die Füße zu treten, bietet Dynasty Warriors 3: Complete Edition Remastered die Möglichkeit, all diese Features einzeln an- und auszuschalten. So kann man das Spielerlebnis ganz individuell an die eigenen Vorlieben anpassen. Wer es einfach und klassisch mag, wählt den Classic-Modus und darf das Original in all seiner klobigen, aber nostalgischen Pracht erleben.

Ich persönlich halte alle Modernisierungen für sinnvoll, da sie für ein deutlich runderes Spielerlebnis sorgen.

Das ist extrem

Wie bereits angedeutet, vereint das Remaster das Basisspiel mit der Xtreme-Legends-Erweiterung. Das bedeutet: über 40 spielbare Offiziere, darunter absolute Fanlieblinge wie Lu Bu und Yuan Shao. Neben dem Story- beziehungsweise Musou-Modus erlaubt der Free Mode, beliebige Offiziere in verschiedenen Szenarien einzusetzen. Dadurch sind auch hypothetische Konstellationen möglich, die im Original noch nicht zur Verfügung standen.

Dazu kommen Klassiker wie der Challenge Mode, Time Attack, der Versus Mode und Assault. Besonders überrascht hat mich die Tatsache, dass das Spiel einen lokalen Koop-Multiplayer bietet. Das ist heutzutage leider eine absolute Seltenheit. Hier kann man sich bei einem 25 Jahre alten Spiel noch immer mit Freunden und Familie auf die Couch setzen, gemeinsam kleine Horden von Feinden oder sich gegenseitig niedermetzeln. Stark!

Fans wird’s freuen

Dynasty Warriors 3: Complete Edition Remastered bietet als Gesamtpaket für 29,99 Euro einen ordentlichen Umfang. Über 40 Offiziere können im Musou-, Free-, Challenge- und Versus-Modus sowie im Splitscreen-Koop eingesetzt werden. Dazu kommen Classic- und Normal-Einstellungen, die Waffensynthese und sämtliche Szenarien. Das Paket richtet sich allerdings eher an Spieler, die das Original bereits kennen. Die altbackenen Menüs, die teils hakeligen Animationen und die fehlende Dynamik haben definitiv das Potenzial, Musou-Neulinge abzuschrecken.

Zum Schluss noch ein paar Worte zur Performance. Eigentlich sollte ein Remaster eines so alten Spiels auf aktuellen Plattformen keinerlei Schwierigkeiten bereiten. Doch diverse Bugs, etwa verschwindende Gegner oder fehlende Audiodateien, sowie eine nicht immer flüssige Performance sorgen für einen etwas getrübten Gesamteindruck.

Auf meinem geliebten Steam Deck läuft das Spiel beispielsweise maximal mit 40 FPS bei mittleren bis niedrigen Grafikeinstellungen. Für ein solches Remaster ist das eine ziemlich schwache Performance. Die Unreal Engine 5 dürfte daran nicht ganz unschuldig sein, da ihr Ruf auch hier mal wieder vorauseilt.

Alte Liebe

Bildmaterial: Dynasty Warriors 3: Complete Edition Remastered, Koei Tecmo, Omega Force

Der Beitrag Im Test! Dynasty Warriors 3: Remastered führt euch an die Wiege des Musou-Gameplays erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Xenoblade Chronicles 2
	30. Juli 2026
	Nintendo
	30. Juli 2026
	Nintendo
	30. Juli 2026
	Nintendo
System	Switch 2
Getestet für	Switch 2
Versionsnummer	3.00
Entwickler	Monolith Soft
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Xenoblade Chronicles 2 – Nintendo Switch 2 Edition ist eine der meisterwarteten Switch 2 Editionen. Es handelt sich dabei um quasi kostenpflichtige Upgrades alter Switch-Spiele mit mal kleineren, mal größeren „Quality of Life“- Verbesserungen und neuen Inhalten.

Mit der „Nintendo Switch 2 Edition“ von Xenoblade Chronicles 2 kündigen Nintendo und Monolithsoft einiges an Verbesserungen an, darunter einen 4K‑Modus mit 60 FPS am TV. Besonders stark sollen die Verbesserungen im Handheldmodus sein: 1080p bei 60 FPS sind mobil angesagt. Der Handheldmodus des 2017 auf der Nintendo Switch erschienenen Spiels war ein Kritikpunkt, da er notorisch schlecht lief.

Dichtere Atmosphäre

Xenoblade Chronicles 2 zeigt ziemlich direkt zu Anfang, wo sie Stärken der Nintendo Switch 2 Edition liegen: Die Feuer- und Raucheffekte des ersten großen Kampfes sind trotz ihres sichtbaren Alters hübsch in Szene gesetzt, auch die überarbeitete Beleuchtung hat durch die Blitzeffekte durchaus starke Momente im ersten epischen Kampf um die „Aegis“ Pyra. Die indirekten Kämpfe des kettenbasierten Kampfsystems wirken durch die 60 FPS auch etwas flüssiger und dynamischer – allerdings brechen sie in hektischen, effektreichen Situationen und aufwendigen Zwischensequenzen gerne mal ein.

Nach etwa zwei Stunden Spielzeit geht es weiter zur Stadt Gormott durch den dicht bewachsenen Dschungel mit atmosphärischen Schatten- und Nebeleffekten, üppiger Vegetation sowie äußerst simplen Lichtspiegelungen im Wasser. Es war der erste Bereich im Spiel, welcher die Switch sichtbar überforderte und die Framerate wiederholt unter 20 FPS zwang. Die Switch 2 Edition schlägt sich hier deutlich besser und liefert durch die höhere Auflösung und kleine Grafikverbesserungen mehr Details, welche die Atmosphäre noch einmal dichter wirken lassen.

Jedoch muss sie die Auflösung in manchen Gebieten des Spiels reduzieren, so auch in diesem. Die Bildskalierung macht ihre Arbeit zwar gut, dennoch gibt es in diesen Situationen sichtbare, ungewöhnliche Bildartefakte, die sich auch die Technik-Experten von Digitalfoundry nur schwer erklären können. Dazu ist in seltenen Fällen das Anti-Aliasing erneut etwas zu aggressiv und feine Details verschwimmen. Im Handheldmodus ist das kaum wahrzunehmen – auf dem 4K TV allerdings schon.

Wirkt fast schon „Retro“ – auch im Positiven

Ein positiver Aspekt sind die Ladezeiten. Xenoblade Chronicles 2 – Nintendo Switch 2 Edition lädt in Sekundenschnelle, wenn man es auf dem internen Speicher installiert. Fast schon beeindruckend für so eine riesige Spielwelt – und toll, dass man auch hieran gedacht hat bei der Optimierung.

Die Xenoblade-Reihe geht zwar gerne ihre eigenen Wege, bleibt aber in vielen Elementen sehr traditionell und legt in der Regel wenig Fokus auf Nebensächliches. Auch Xenoblade Chronicles 2 ist da keine Ausnahme. Dadurch kommt fast schon ein Retro-JRPG-Feeling auf – im positiven wie im negativen Sinne. So charmant es ist, dass die Gegner in Wänden hängen bleiben oder Begleiter enthusiastisch im vollen Lauf die Klippe hinunterspringen, so frustrierend ist es an anderer Stelle.

Spielmechanik-Frust wird leicht abgefedert

Die Schwächen des Spiels, die bereits vor neun Jahren schon angekreidet wurden, sind besonders für Neulinge unangenehm. Beispiel: Xenoblade Chronicles 2 ist in vielen Situationen schmerzhaft textlastig – Nebenmissionen, Tutorials, Erklärungen und selbst Questbelohnungen werden zum Teil unglaublich trocken in Textform präsentiert.

Dazu kommen die Animationen – sie wirken teilweise extrem steif. Das Gacha-System beim Ziehen der Klingen ist im Gegensatz zu modernen Gacha-Spielen pures Glücksspiel ohne jedes Auffangnetz für bereits investierte Ressourcen.

Hier hat man mit der zusätzlichen Klinge Momo, welche man bereits früh im Spiel findet, etwas Abhilfe geschaffen. Mit ihrem Licht-Dunkelheit-Typ lassen sich nun weitere Ketten abseits der bekannten Pyra / Dromarch Feuer-Wasser-Kette ab Kapitel 2 realisieren – auch ohne übermäßiges Glück beim Resonieren der Klingen. Dazu bekommt man in den neuen Söldnerkommando-Missionen weitere Kernkristalle – also weitere Pulls für Klingen.

Die Zufallselemente in der offenen Welt sind ebenfalls etwas altmodisch, aber auch hier hat man angesetzt: Wer zum Beispiel pflanzliche Zutaten sucht, pflückt sich nicht die ganze Pflanze am entsprechenden Ort, sondern tritt an einen leuchtenden Punkt und levelt die „Pflanzenkunde“ seiner Begleiter, um am Ende hoffentlich zufällig die richtigen Zutaten zu erhalten. In der Switch 2 Edition können jetzt auch Begleiter außerhalb des Teams ihre Fähigkeiten anwenden. Im Original wurden nur die Fähigkeiten der Teammitglieder berücksichtigt und es gab keine Möglichkeit, weitere Teams zu erstellen und dynamisch nach Bedarf zu wechseln, wie es heutzutage üblich ist. So war man häufiger damit beschäftigt, das Team umzustellen.

Neu sind die Söldnerkommando-Missionen, in welchen ihr die Kontrolle über die Klingen und ihre Fähigkeiten direkt übernehmen könnt. Im Grunde sind sie damit direkt steuerbare Söldnertruppe-Missionen, welche im Hintergrund automatisch ablaufen. In diesem Modus gilt es, Gegnerwellen zu besiegen und Ressourcen zu sammeln. Zur Belohnung gibt es Gold, Erfahrung, Kernkristalle und Bonus-Kostüme für Pyra und Myrtha.

Ein zeitloses Abenteuer

Glücklicherweise sind die Stärken von Xenoblade Chronicles 2 absolut zeitlos und wissen auch ein knappes Jahrzehnt später noch zu begeistern. Die mitreißende Story mit vielen interessanten Wendungen hat uns auch diesmal wieder gefesselt und die Zeit (und Hitze!) vergessen lassen. Auch die Nebenmissionen rund um Freundschaft, Nachbarschaftshilfe, Gutherzigkeit, Positivität und “Harmoniegespräche” wissen trotz der hölzernen Präsentation nach wie vor zu gefallen.

Der Soundtrack von Xenoblade Chronicles 2 gehörte seinerzeit mit zum Besten, was die Spielebranche zu bieten hatte, und ist auch heute noch top. Die Spielwelt ist ebenfalls großartig. Auch wenn das „Absperren“ von Gebieten durch überlevelte Gegner heute nicht mehr als gelungenes Gamedesign gilt, weiß die lebendige Spielwelt nach wie vor sehr zu gefallen.

Nahezu überall wuseln die Monster im Hintergrund, in den Städten des Spiels ist trotz des postapokalyptischen Settings immer etwas los und den farbstarken, fast schon malerischen Stil der riesigen, offenen Spielwelt bekommen bis heute nur wenige Spiele so auf den Punkt hin wie Xenoblade Chronicles 2. Dazu kommen nach wie vor stark geschriebene Charaktere mit auffälligen Charakterdesigns, welche seinerzeit wegen der übermäßigen Freizügigkeit kontrovers diskutiert wurden. Heutzutage passen sie wunderbar zu den anderen vielfältigen, auffälligen Asia-RPG-Charakteren.

Sinnvoll verbessert und überwiegend gut gealtert

Bildmaterial: Xenoblade Chronicles 2: Definitive Edition – Nintendo Switch 2 Edition, Nintendo, Monolith Soft

Der Beitrag Im Test! Xenoblade Chronicles 2 für Switch 2 – eine starke Überarbeitung des JRPG-Klassikers erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Ace Combat 8: Wings of Theve
	2. Oktober 2026
	Bandai Namco
	2. Oktober 2026
	Bandai Namco
	2. Oktober 2026
	Bandai Namco
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	1.05
Entwickler	Bandai Namco Aces
Genres	Flug-Action
Texte
Vertonung

Mit der Ace-Combat-Reihe schaffte es der japanische Entwickler und Publisher Namco Mitte der 90er-Jahre, eine wahrhaft traditionsreiche Reihe im Gaming zu etablieren. Die Kampfflug-Simulation im Arcade-Stil schaffte es quasi aus dem Stand, das Flug-Genre zu revolutionieren.

Der erste Teil der Reihe trug damals allerdings noch den Titel „Air Combat“. Da der erste Teil auf dem gleichnamigen Arcade-Automaten aus dem Jahre 1993 basierte, entschied man sich bei Namco dafür den Titel beizubehalten. Erst ab dem zweiten Teil der Reihe erhielt die Reihe den Namen „Ace Combat“.

Dank des großen Erfolgs der Ace-Combat-Reihe sorgte man bei Namco natürlich für reichlich Nachschub in Form von etlichen Nachfolgern und Spin-offs für die unterschiedlichsten Plattformen. Sogar Handhelds wie Game Boy Advance oder Nintendo 3DS wurden hier bedient.

Der letzte Teil der Reihe war „Ace Combat 7: Skies Unknown“ aus dem Jahre 2019. Still war es allerdings nicht sonderlich lange um die Reihe. Denn schon im Jahre 2021 wurde bekanntgegeben, dass man sich bei Bandai Namco um einen Nachfolger zu Ace Combat 7: Skies Unknown kümmern möchte.

Offiziell angekündigt wurde der neueste Ableger der Reihe Ace Combat 8: Wings of Theve im Dezember des Jahres 2025 während der Game Awards. Ace Combat 8: Wings of Theve erscheint am 2. Oktober für PS5, Xbox Series und PC und in unserem ausführlichen Test erfahrt ihr nun, ob ihr euch auf das kommende Action-Flug-Spektakel aus dem Hause Bandai Namco freuen dürft.

Kriegerische Auseinandersetzungen und ein ruhmreicher Pilot

Ace Combat 8: Wings of Theve spielt im fiktiven Universum „Strangereal“. In dieser fiktiven Welt gibt es andere Nationen und auch eine andere Geografie als in der uns bekannten Welt. Die Handlung von Wings of Theve dreht sich um einen tragischen Konflikt, der im Jahre 2029 stattfindet. Ungefähr zehn Jahre nach dem sogenannten „Lighthouse War“, welcher im Vorgänger Ace Combat 7: Skies Unknown Thema war.

Der neu entfachte Konflikt wird nun auf dem Kontinent „Usea“ zwischen der Republik Sotoa und der Föderation von Zentral-Usea (FZU) ausgetragen. Sotoa startet diesen Konflikt als Blitzkrieg und erobert innerhalb kürzester Zeit das Land und legt demzufolge auch die militärischen Strukturen lahm. Auch die Marine gehört mit zu den geschwächten Einheiten. Diese verlagert den Kriegsschauplatz jedoch auf das offene Meer und setzt den Kampf auf den Ozeanen dieser Welt fort.

Hier kommen wir nun ins Spiel, denn als Waffensystemoffizier Jan „Rex“ Cope übernehmen wir als ruhmreicher Marine-Pilot das Steuer der unterschiedlichsten Kampfjets und sollen diesen Konflikt zu einem guten Ende bringen. Als Rex jedoch im Einsatz fällt, übernehmen wir als namenloser Charakter das Rufzeichen von Rex und sollen nun in dessen Fußstapfen treten.

Anschließend erhalten wir das Kommando über das Joker-Geschwader der FZU. Unsere Aufgabe ist es nun, das Geschwader heil durch diesen erbarmungslosen Krieg zu bekommen und diesen Konflikt zu einem guten Ende für die Föderation von Zentral-Usea zu bringen.

Pfeilschnelle Dogfights treffen auf umfassende Anpassungsmöglichkeiten

Das Hauptaugenmerk von Ace Combat 8: Wings of Theve stellen auf jeden Fall die ausufernden Luftkämpfe dar. Mit schier unglaublicher Geschwindigkeit jagen wir mit unserem Kampfjet durch die Lüfte, stets auf der Suche nach dem nächsten möglichen Ziel und dem hoffentlich damit einhergehenden erfolgreichen Abschuss.

Neben den unterschiedlichsten Flugmanövern haben wir natürlich auch ein weitreichendes Waffenarsenal im Gepäck beziehungsweise im Jet. Abseits der relativ gewöhnlichen Gatling-Gun können wir auch auf alle mögliche Arten von Boden- und Luftraketen zurückgreifen. Die Bewaffnung unterscheidet sich jedoch nicht nur in puncto Durchschlagskraft. Auch die Zielsuch-Möglichkeit ändert sich je nach gewählter Bewaffnung. Ebenso sollte man bei Missionen, in denen Bodenziele bombardiert werden sollen, auch entsprechend die Bewaffnung anpassen und umstellen, um für die jeweilige Mission optimal gerüstet zu sein.

Wir haben außerdem die Möglichkeit, unsere Flügelmänner entsprechend anzupassen. So obliegt es uns, auszuwählen, welches Fluggerät und welche Bewaffnung die einzelnen Flügelmänner in den jeweiligen Missionen nutzen sollen. Taktische Finesse spielt hier also durchaus eine Rolle und kann hin und wieder sogar der Schlüssel zu einem erfolgreichen Abschluss der Mission sein.

Anspruchsvolle Steuerung muss erst erlernt und gemeistert werden

Zu Beginn des Abenteuers gibt uns das Spiel die Möglichkeit, wahlweise die vereinfachte oder die anspruchsvolle Steuerungsmethode auszuwählen. Entscheiden wir uns für die einfachere Variante, spielt sich das Spiel sehr arcadelastig und fast schon etwas primitiv. Auch schnellere Manöver erfordern so kein großes Umdenken und man hat sein Kampfgefährt recht schnell und einfach da, wo man es haben möchte.

Bei der anspruchsvolleren Variante sieht das Ganze jedoch etwas anders aus. Denn hier will das Fluggefährt wirklich erst erlernt werden und gerade schnelle und hektische Manöver erfordern hier schon einen kühlen Kopf, um in den hektischen Momenten die richtigen Entscheidungen zu treffen. Speziell das Ausweichen im letzten Moment, wenn man gerade von einer gegnerischen Zielsuche erfasst wird, treibt einem regelmäßig den Schweiß auf die Stirn. Dennoch kann man getrost sagen, dass sich das Spielgefühl von Ace Combat 8: Wings of Theve enorm spaßig und belohnend anfühlt, besonders wenn man die Steuerung erst einmal verinnerlicht hat.

Etwas weniger Zwischensequenzen hätten dem Titel gutgetan

Ein großer Faktor, der mich am Spiel gestört hat, war die Tatsache, dass es einfach zu viele und vor allem zu lange Zwischensequenzen zwischen den Missionen gibt. Hier versuchen die Entwickler, eine Geschichte rund um die Charaktere des Geschwaders aufzubauen, die es, zumindest meiner Meinung nach, überhaupt nicht gebraucht hätte. Wenn ich eine ausufernde Story haben will, spiele ich schließlich kein Flugspiel.

Ständig hangelt man sich also von einer Sequenz zur nächsten und kann es eigentlich schon gar nicht mehr erwarten, endlich wieder im Cockpit des Jets zu sitzen und Gegner durch die Wolken zu jagen. Hier wurde also für meinen Geschmack etwas zu viel Aufwand in eine eigentlich nicht so wirklich benötigte Story gesteckt, die nach einiger Zeit eigentlich sogar eher lästig und aufgedrängt wirkt. Etwas vergebene Mühe, könnte man schon fast sagen.

Technischer Leckerbissen, der sauber und ordentlich umgesetzt wurde

Speziell die Optik von Ace Combat 8: Wings of Theve konnte mich auf ganzer Linie überzeugen. Wunderschön anzusehen und wirklich beeindruckend wirken die Himmelslandschaften, speziell bei malerischem Sonnenuntergang. Dank der leistungsstarken Unreal Engine 5 bekommen wir beeindruckende Lichteffekte auf die Augen geschmettert, welche die actiongeladenen Luftkämpfe geradezu erstrahlen lassen.

Aber auch in düsteren, verregneten Missionen kann die Optik glänzen und schaffte es regelmäßig, mich ins Staunen zu versetzen. Auch die wunderbar voluminös wirkenden Wolkenlandschaften sehen sehr realistisch aus und wirken teils schon fast fotorealistisch.

Die unzähligen Kampfjets mit ihren etlichen Details kommen ebenfalls gut zur Geltung und stehen ihren realen Gegenstücken in nichts nach. Gerade Genre-Fans dürfte hier regelmäßig das Herz aufgehen, denn die Entwickler haben sich wirklich größte Mühe bei der möglichst realitätsgetreuen Umsetzung der Kampfmaschinen gegeben.

Ace Combat 8: Wings of Theve lief während unserer Testphase zudem stets mit absolut flüssigen 60 Frames und geriet dabei auch zu keiner Zeit ins Stocken. Nicht mal während der hektischsten Missionen, in denen der Himmel geradezu explodiert, gerieten die Frames ins Stocken. Wirklich sauber umgesetzt und auf jeden Fall ein großes Lob wert.

Ordentlicher Soundtrack und umwerfende Effekte bestimmen das tonale Bild

Auch auf soundtechnischer Seite gibt es nichts zu bemängeln. Der recht eingängige und eher simpel gehaltene Soundtrack passt stets zum Spielgeschehen und auch die Synchronisation kann sich durchaus hören lassen. So richtig glänzen können aber vor allem die durchschlagenden und überzeugenden Soundeffekte. Jeder Jet klingt etwas anders und vor allem die kraftvollen Waffensysteme bringen die Gehörgänge erst so richtig in Schwung. Toll abgemischt und passend für einen Titel dieser Art.

Groß angelegter Online-Modus mit vielen Möglichkeiten

Eine große Besonderheit von Ace Combat 8: Wings of Theve ist der enthaltene Online-Mehrspielermodus. Dieser läuft strikt getrennt von der Hauptkampagne ab und verfügt über eigenen Fortschritt und eigene Speicherdaten.

Hier beginnt man das Abenteuer als Söldnerpilot auf einem Stützpunkt und erstellt sich zuerst einen Avatar, bevor es dann ins hektische Gefecht geht. Hier haben wir außerdem die Möglichkeit, weitere Flugmaschinen zu sammeln und nach und nach im Rang aufzusteigen. Der Stützpunkt dient außerdem als Hub für bis zu 100 Spieler.

Bei den Modi konzentrieren sich die Entwickler auf die beiden Modi „Koop-Angriff“ und „Koop-Kriegsführung“. Wo es sich beim Koop-Angriffs-Modus um einen eher klassischen 4-gegen-4-PVE-Modus handelt, geht es beim Koop-Kriegsführungs-Modus um das Bedrohungsstufen-System.

Hier haben wir die Möglichkeit, höhere Belohnungen bei höherer Bedrohungsstufe zu erhalten. In diesem Modus spielt auch die Art der jeweiligen Flugzeuge in einem Match eine große Rolle. Denn hier ist es extrem wichtig, wer die Rollen des Jägers, Angriffsflugzeugs, Mehrzweckjets oder der Flugmaschinen für die elektronische Kampfführung übernimmt und beherrscht. Denn nur wer perfekt zusammenarbeitet, kann am Ende siegreich aus den durchaus fordernden Herausforderungen gehen.

Weitere zeitlich begrenzte Missionen sorgen für noch mehr Langzeitspaß

Als wäre dieser ausufernde Online-Modus noch nicht spannend genug, haben sich die Entwickler außerdem dazu entschieden, im weiteren Spielverlauf sogenannte „Notfallmissionen“ einzubauen. Diese sind allerdings nur für begrenzte Zeit verfügbar. Notfall-Flugmissionen lassen eine Vierergruppe gegen eine Staffel bedrohlicher NPC-Luftstreitkräfte antreten, während Notfalleinsätze acht Piloten gegen die mächtigsten großen Gegner aus der Geschichte der Ace-Combat-Reihe antreten lassen. Für Langzeitmotivation ist also bestens gesorgt.

Die traditionsreiche Ace-Combat-Reihe ist zurück in der Luft

Bildmaterial: Ace Combat 8: Wings of Theve, Bandai Namco

Der Beitrag Im Test! Ace Combat 8: Wings of Theve ist ein Flug-Action-Feuerwerk der Oberklasse erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Da ich sehr gerne koche und einige Kochbücher besitze, war ich als ehemaliger Spieler des MMORPGs gespannt, was sich mir hier bieten würde. Eines ist auf jeden Fall gewiss: Das ist eines der abwechslungsreichsten Kochbücher, die ich habe.

Von japanischen, Ramen-ähnlichen Suppen über arabisches Baba Ghanoush und einer Variante von chinesischem Bao zi, bis hin zu sogar bayrischen Brezeln und österreichischem Einspänner, ist eine kunterbunte Auswahl an Gerichten aus aller realer und Fantasie-Welt dabei. Warum der Schlagobers (die Schlagsahne) aber mit Vanille kredenzt wird, ist mir als Wiener ein Rätsel. Das ist dann der „Fantasy“-Teil des Kochbuchs!

Die Gerichte sind dabei mehr oder minder klassisch aufgeteilt in Frühstück, Vorspeisen, Brote, Suppen & Eintöpfe, Hauptgerichte, Beilagen, Nachspeisen und schließlich Getränke. Die mehr als 70 Gerichte sind dabei relativ gleichmäßig auf alle Kategorien verteilt, auch wenn Freunde des Frühstücks und der Beilagen ein wenig den Kürzeren ziehen.

Da Geschmäcker wie bekannt verschieden sind, vor allem beim Essen und bei Getränken, verzichte ich auf jede Art von Bewertung, ob die Speisen gut schmecken oder nicht. Es sind Nahrungsmittel, man kann alles essen, und ob jemandem etwas schmeckt oder nicht, hängt von der Person ab. Was viel wichtiger für ein Kochbuch ist, ist aber die Verständlichkeit der Rezepte, ihr Schwierigkeitsgrad und die Anzahl und Art der Zutaten.

Aufgetischt ist

Eines muss man dem Kochbuch lassen: Die Rezepte sind sehr genau beschrieben. Ein Beispiel gleich aus dem ersten Rezept: Hier muss man zwei Brotscheiben von beiden Seiten goldbraun in Butter anbraten. Der ganze Prozess nimmt mehr als die Hälfte der elf Schritte eines Rezepts für einen Frühstückstoast ein. Es wird wirklich ausführlich beschrieben, inklusive des Anhebens der Brotscheiben mit einem Küchenspatel.

Wer schon einiges an Kocherfahrung gesammelt hat, wird darüber etwas schmunzeln müssen. Anfänger freuen sich eventuell über diese detaillierten Beschreibungen. Jedoch würde ich das Kochbuch keinem Anfänger empfehlen, da viele der Rezepte doch etwas involvierter sind und schon, meiner Meinung nach, etwas Kocherfahrung voraussetzen.

Zum Beispiel beschreibt ein Rezept für Kartoffelpuffer die Herstellung des dazugehörigen Apfelmus, anstatt dass es einfach als Beilage gekauft wird. Das erhöht natürlich den Aufwand und kann eventuell für totale Anfänger demotivierend wirken, im Sinne von „Wow, Kochen ist so viel Aufwand“.

Aus der Raritätenecke

Die Rezepte sind dabei, und das muss man dem Buch auch lassen, kreativ und teilweise fragt man sich, woher man die Zutaten bekommen soll. So verlangt ein Rezept Tintenfischtinte für ein Brot, das danach schwarz gefärbt ist. Ich habe meine lokalen Supermärkte durchforstet, aber finde das einfach nicht.

Leichter zu finden, aber ungewöhnlicher, ist zum Beispiel Amaretto. „Amaretto?“, fragt ihr euch vielleicht, „Das ist doch nicht ungewöhnlich!“ Stimmt, aber in einem Frühstücks-Müsli? Ich weiß nicht, wie es euch geht, aber meinen Alkohol konsumiere ich etwas später als 8:00 Uhr.

So rar wie manche Zutaten ist jedoch auch die Gestaltung des Kochbuchs. Die Gerichte sind nicht nur in schönen Fotos in Szene gesetzt, Bilder aus dem Spiel, Zeichnungen, sowie kurze Dialoge zwischen drei Charakteren, die auf kulinarischer Entdeckungsreise durch Aetheris sind, geben dem Kochbuch noch einmal einen besonderen Touch.

Spotz!

Als Fazit bleibt mir zu sagen, dass das Buch durchaus interessante Rezeptideen bietet, die auf Gerichten aus Final Fantasy XIV basieren, und es nicht unbedingt für Anfänger geeignet ist, es sei denn, diese wollen gar nicht kochen, sondern das Kochbuch nur als Sammlerobjekt besitzen. Die Rezepte sind kreativ und verlangen teilweise rare und viele Zutaten. Wenn ich eines an dem Kochbuch noch verbessern wollen würde, wäre es ein Band als Lesezeichen, wie das viele Kochbücher anbieten. Ihr findet das hier besprochene Kochbuch bei Amazon*.

Bildmaterial: Square Enix, Panini

Der Beitrag Abgekocht! Das ultimative Final Fantasy XIV Kochbuch – Band 2 im Praxistest erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Silent Hill: Townfall
	24. September 2026
	Konami, Annapurna Interactive
	24. September 2026
	Konami, Annapurna Interactive
	24. September 2026
	Konami, Annapurna Interactive
System	PlayStation 5, PC
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	2.02
Entwickler	Screen Burn Interactive
Genres	Survival-Horror
Texte
Vertonung

Neben der allseits bekannten und extrem erfolgreichen Resident-Evil-Reihe gehört auch die Silent-Hill-Reihe aus dem Hause Konami zum festen Bestandteil des Survival-Horror-Genres im Gaming-Segment.

Ihren Ursprung hatte die mittlerweile recht umfangreiche Reihe bereits im Jahre 1999 auf der ersten PlayStation. Schon damals war klar, dass Silent Hill nicht einfach nur ein weiterer Horror-Titel auf Sonys Debüt-Konsole ist. Denn neben der extrem unheimlichen und beklemmenden Atmosphäre war es allen voran auch der fantastische Soundtrack des allseits bekannten japanischen Komponisten Akira Yamaoka, der dem Titel eine noch unheimlichere Atmosphäre verlieh. Eine Blaupause in Sachen Horror-Gaming, könnte man sagen, und absolut wegweisend für viele kommende Titel in diesem Genre.

Nach dem recht großen Erfolg des ersten Ablegers der Reihe, folgten daraufhin natürlich unzählige Fortsetzungen und Spin-offs für die unterschiedlichsten Plattformen. Mit dem zuletzt erschienenen Ableger „Silent Hill f“ schlug Konami erstmals neue Wege in Hinblick auf das Setting ein. Denn zum ersten Mal durften wir hier ein Silent-Hill-Abenteuer mit düsterem Japan-Setting genießen. Dass dies nicht jedem Silent-Hill-Fan unbedingt auf Anhieb gefiel, braucht man an dieser Stelle wohl nicht weiter zu erwähnen.

Mit dem kommenden Silent Hill: Townfall möchten uns die Entwickler von Screen Burn Interactive erneut in die düstere Welt von Silent Hill entführen. Den vielversprechenden Titel konnten wir bereits während der diesjährigen Gamescom ausgiebig Probe spielen und nun verraten wir euch in unserem ausführlichen Review, ob sich die Vorfreude auf das neueste Silent-Hill-Abenteuer gelohnt hat. Silent Hill: Townfall wird am 24. September für PlayStation 5 und PCs erscheinen.

Gedächtnisverlust und ein anscheinend verlassener Küstenort – ist alles so, wie es scheint?

Die Geschichte von Silent Hill: Townfall spielt im Jahre 1996. Wir übernehmen die Rolle des Simon Ordell. Dieser leidet an einer Art Gedächtnisverlust und findet sich eines Tages an der Küste des beschaulichen Hafenorts „St. Amelia“ in Schottland wieder.

Nach und nach müssen wir uns unseren Weg durch die extrem dicken Nebelschwaden bahnen und uns auf die Suche nach unserer Vergangenheit machen. Ist der Küstenort St. Amelia wirklich das, was er im ersten Moment zu sein scheint, oder verbirgt sich hinter diesem dunklen Ort vielleicht doch mehr?

Ein düsteres und extrem bedrückendes Abenteuer voller Gefahren und Überraschungen erwartet unseren noch unwissenden Helden und wir stecken mittendrin in diesem wahr gewordenen Albtraum. Typisch Silent Hill eben und ein Abenteuer, welches uns quasi im Sekundentakt die Haare zu Berge stehen lässt.

Spannendes Horror-Gameplay vom Feinsten

Gespielt wird Silent Hill: Townfall ausschließlich in der Ego-Perspektive. Eingefleischten Silent-Hill-Fans mag das im ersten Moment vielleicht etwas seltsam vorkommen, da die Reihe ja eigentlich schon immer in der Third-Person-Perspektive gespielt wurde. Eins kann man jedoch getrost sagen: Die Ego-Perspektive trägt hier ungemein zur Spannung und zum Mittendrin-Gefühl bei und sorgt so, zumindest für meinen Geschmack, für noch unheimlichere Momente.

Anders als bei den meisten anderen Ablegern der Reihe geht es bei Silent Hill: Townfall primär um das Vermeiden von Konfrontationen mit den Gegnern. Wir versuchen also stets, den Widersachern aus dem Weg zu gehen, statt rohe Waffengewalt anzuwenden. Der Einsatz einer Waffe ist also das allerletzte Mittel der Verteidigung, welches nur im absoluten Notfall genutzt werden sollte.

Um den zahlreichen Gegnern aus dem Weg zu gehen, haben wir beispielsweise die Möglichkeit, diese mit diversen Gegenständen, wie beispielsweise alten Flaschen oder Ziegelsteinen, abzulenken. Auch haben wir die Möglichkeit, uns in Gänge oder Flure hineinzulehnen, um so einen noch besseren Blick auf das, was vor uns liegt, zu erhaschen. Taktisches und überlegtes Vorgehen ist also das A und O, um heil aus der jeweiligen Situation zu kommen und die Konfrontation mit den düsteren Kreaturen zu vermeiden.

Rätsel gehören zur Silent-Hill-Reihe wie die Faust aufs Auge

Fast schon eine Tradition sind die Rätsel, die von Tag eins an ein großer Teil der Silent-Hill-Reihe waren und immer noch sind. Diese fallen bei Silent Hill: Townfall dieses Mal sogar etwas spezieller aus, da sich die Entwickler von Screen Burn Interactive einen besonderen Kniff haben einfallen lassen.

Unser Held Simon Ordell findet zu Beginn des Abenteuers eine Art Mini-Fernseher, den er bei sich trägt. Mit diesem TV-Gerät können wir nun also verschiedene Frequenzen empfangen. Zum einen können wir so nun drohende Gefahren ausmachen, frühzeitig erkennen und somit sogar geschickt umgehen. Zum anderen dient dieses tragbare TV-Gerät auch dazu, diverse Hilfestellungen und zusätzliche Informationen zu erhalten, die uns das Lösen der Rätsel erst ermöglichen.

Diese Hilfestellungen werden anhand kurzer, wirr zusammengeschnittener Schnipsel präsentiert. Anhand dieser kryptischen Schnipsel müssen wir nun die benötigten Informationen herausziehen, um das jeweilige Rätsel lösen zu können. Für das ein oder andere Rätsel ist also durchaus etwas Hirnschmalz gefordert, um die dargebotenen Informationen irgendwie sinnvoll zu einem großen Ganzen zusammensetzen zu können. Alles in allem sind die Rätsel aber jederzeit lösbar und mit etwas Denkarbeit absolut stemmbar. Immer wenn man an einer Schlüsselstelle im Spiel angekommen ist, rauscht das Gerät kurz und gibt somit zu erkennen, dass es aktuell eine interessante Frequenz gibt, die man sich ansehen sollte.

Die größte Neuerung und damit auch das, zumindest für mich, interessanteste Feature von Silent Hill: Townfall ist also definitiv dieses tragbare TV-Gerät. Denn mit diesem Feature verändern die Entwickler nicht nur den Spielablauf selbst, sondern auch die Art und Weise, wie man im Spielareal voranschreitet, um herannahende Gegner beispielsweise früh zu erkennen. Dieses Feature hat mich also durchaus positiv überrascht und ist die, meiner Meinung nach, wichtigste Neuerung, die Silent Hill: Townfall in die Reihe einbringt.

Optisches Gruselfest und nichts für schwache Nerven

Auch optisch kann Silent Hill: Townfall auf ganzer Linie überzeugen. Dank der Unreal Engine 5 kann der Titel mit wunderbar unheimlichen Bildern glänzen und die scharfen und schön anzusehenden Texturen gepaart mit den fantastischen Nebeleffekten erzeugen eine wunderbar unheimliche Stimmung, die auch hartgesottenen Horror-Veteranen das Fürchten lehrt.

Das Design der Monster ist, typisch für die Silent-Hill-Reihe, wieder absolut fantastisch und äußerst gelungen. Nur selten sieht man so grotesk anmutende Kreaturen auf dem heimischen Bildschirm. Wirklich schön umgesetzt und toll präsentiert. Aber auch der allgemeine Look des Spiels lässt keine Wünsche offen und speziell Horror-Fans kommen hier voll auf ihre Kosten.

Während unserer gesamten Testphase lief der Titel außerdem stets mit butterweichen 60 FPS über den Bildschirm. Wir haben natürlich im Performance-Modus gespielt. Wahlweise gibt es auch einen Qualitäts-Modus mit höherer Auflösung und 30 Frames.

Auf Wunsch kann Silent Hill: Townfall sogar in einem Letterbox-Modus gespielt werden. Hier haben wir dann am oberen und unteren Bildschirmrand schwarze Balken und somit eine Art Kino-Ansicht. Diese Letterbox-Ansicht, von welcher ich für gewöhnlich kein Freund bin, passt bei Silent Hill: Townfall jedoch wie die Faust aufs Auge. Denn dank dieser recht einschränkenden Perspektive wirkt das Horror-Abenteuer noch beklemmender und vor allem cineastischer. Probiert diese Einstellung also unbedingt mal aus.

Beklemmender Soundtrack trifft auf stabile Synchronisation

Neben den wunderbar unheimlichen Soundeffekten sind es allen voran auch der extrem beklemmende Soundtrack und die immer wieder eingestreuten Klangteppiche, die dieses Abenteuer so unheimlich wirken lassen. Ganz typisch für die Silent-Hill-Reihe spielt also auch hier der Soundtrack wieder eine enorm wichtige Rolle und hilft dem ohnehin schon beklemmenden Abenteuer, noch unheimlicher zu wirken.

Auch die Synchronisation konnte mich vollstens überzeugen und die Sprecher leisten ganze Arbeit und verhelfen diesem fast schon kinoreifen Abenteuer, noch authentischer zu wirken. Ein Horror-Erlebnis der besonderen Art und ein Abenteuer, welches man nicht verpassen sollte, speziell als Horror-Fan.

Manchmal etwas verwirrende Zielführung macht es einem hin und wieder schwer

Der einzige wirkliche Kritikpunkt, den ich dem neuen Silent-Hill-Ableger ankreiden würde, ist die Tatsache, dass ich oft nicht so genau wusste, was das Spiel denn jetzt eigentlich gerade von mir will und wo ich als nächstes hingehen sollte.

Das Spiel bietet einem zwar die Möglichkeit, zu jeder Zeit eine Karte des aktuellen Areals aufzurufen. Darüber hinaus werden die für uns interessanten Bereiche sogar auf dieser Karte markiert. Dennoch hatte ich oft das Gefühl, dass ich mich irgendwie nicht immer gleich zurechtgefunden habe und oft nicht wusste, was ich als nächstes tun soll. Hier wäre eine klarere Aufgabenführung doch etwas angenehmer gewesen. Das kann aber natürlich auch nur persönliche Präferenz sein und andere Spieler stören sich vielleicht an dieser Mechanik nicht unbedingt.

Ein Horror-Abenteuer mit besonderem Kniff und einer tollen Atmosphäre

Bildmaterial: Silent Hill: Townfall, Konami, Annapurna Interactive, Screen Burn Interactive

Der Beitrag Im Test! Silent Hill: Townfall ist ein Psycho-Horror-Erlebnis der besonderen Art erschien zuerst auf JPGAMES.DE.