Titel	Denshattack!
	15. Juli 2026
	Fireshine Games, Boltray Games
	15. Juli 2026
	Fireshine Games, Boltray Games
	15. Juli 2026
	Fireshine Games, Boltray Games
System	PS5, Xbox Series, Switch 2, Steam
Getestet für	PC (Steam)
Entwickler	Undercoders
Genres	Action, Abenteuer
Texte
Vertonung

Denshattack! ist so bunt und verrückt, dass das Spiel sogar während einer Nintendo Direct auffällt. Ein Zug, der quer durch Japan rast, gegen Gundam-style Transformer-Züge kämpft, dabei Riesenräder als Behelfsgleise nimmt und zwischendurch bessere Trickjumps hinlegt, als es Tony Hawk zu seinen besten Zeiten gekonnt hätte, fällt einfach sofort ins Auge.

Kein Wunder war das „Rail-Action-Adventure“ sofort bekannt wie ein bunter Zug mit Katzenohren und war für uns das Signal, den Test mit Maximalgeschwindigkeit durchzuführen. Um die unvermeidliche Frage direkt vorab zu beantworten: Ja, der Zug hat eine Bremse. Er setzt sie aber nur selten ein.

Clear the tracks, I’m a train!

Die Story ist schnell erzählt: Nach einer Klimakatastrophe leben die Reichen in luftreinigenden Kuppelstädten; außerhalb herrscht Verfall und Gesetzlosigkeit. In dieser Welt ist Hauptcharakter Emi eine Lieferantin – bei einer Ramen-Lieferung (was auch sonst?!) erfährt sie von Denshattack – einer Gruppe von Gesetzlosen, die auf stillgelegten Gleisen ihre Konflikte austrägt und so die Hoheit über Gebiete Japans erlangt. Denn die eigentlichen Gleise werden von der mächtigen Miraido‑Corporation kontrolliert, sodass Personen und Waren schnell an ihr Ziel kommen.

Also wird der eigene Zug aufgemotzt, mit Graffiti gestylt und die Gebiete von Kyūshū bis Hokkaidō bereist. Währenddessen gibt es Auseinandersetzungen mit den jeweiligen Gangs, um die Gleise in Zukunft nutzen zu dürfen.

Auf der Reise freundet ihr euch mit vielen Leuten an, macht Denshattack-Fans zu Guides, ehemalige Diplomatensöhne zu Freunden und verbündet euch mit anderen Gangs, um am Ende gewappnet zu sein für die Liberalisierung des Gleisverkehrs – und vielleicht sogar noch viel mehr. Denn wer die Gleise nicht frei macht, wird einfach weggerammt.

Grinden über die Rainbow Rail

Das Spielprinzip ist so einfach wie fesselnd: Mit einem ordentlichen Grundstock an Fähigkeiten startet ihr den Zug – springen, bremsen, hupen, driften, Trickjumps, grinden, stampfen – und das alles am besten als lange Kombo.

Am Anfang ist das etwas überfordernd, besonders wenn man die frühen 2000er mit Jet Set Radio und Tony Hawk’s Pro Skater nicht miterlebt hat. Doch nach ein bis zwei Stunden geht es durch ständige Wiederholungen langsam in Fleisch und Blut über.

Durch die rasante Raserei durch das stilisierte Japan verliert man auch schon mal die Übersicht. Zum Glück helfen hier Anzeigen im Stile von Quick-Time-Events, die nötigen Eingaben nicht zu verpassen. Manche Strecken übertreiben es damit ein wenig – es fühlt sich dann fast so an, als ob man mehrere Minuten hintereinander Quick-Time-Events aneinanderreiht, unterbrochen von verrückten Grafiken, Animationen und wilden Grinds. Wer sich bei den Kombos geschickt anstellt, schaltet eine zusätzliche Gleisspur in Regenbogenfarben frei.

Treffen sich ein Zug, eine Unterwasser-Bahn, eine Monorail, eine Hängehochbahn und ein Vakuumzug in der Halfpipe zum Grinden …

Denshattack! ist wie ein nicht enden wollender Fiebertraum. Die Riesenräder als Behelfsgleise wurden bereits erwähnt, aber ein echter Denshattack-Zug lässt sich auch von Seen nicht aufhalten und kann auch wunderbar auf Schienen in der Luft fahren.

Im Notfall hängt er sich eben in eine Schiene in der Luft und schwingt sich von Seite zu Seite, um Hindernissen auszuweichen. Wenn das nicht reicht, muss eine Hauswand für einen Wallride herhalten, von der man geschickt auf das nächste Gleis springt. Wenn in Großstädten die Glaskuppel im Weg ist, wird diese in bester Actionfilm-Manier durchbrochen, nur um die lokalen Züge von der Schiene zu rammen und den Anwohnern spektakuläre Tricks zu präsentieren – gerne auch während einer Kabuki-Theatervorstellung.

Gelegentlich ist es auch nötig, den Zug gezielt zum Entgleisen zu bringen – etwa, wenn ein Gang-Vorsteher seinen Zug mit hunderten Flammenwerfern aufgemotzt hat und im Tunnel aus eurem Zug eine Ersatzteilsammlung machen möchte.

Spielerisch zwischen Jet Set Radio, 3D-Sonic und Mobile-Games

Die Zwischenbosse werden in reinster Sonic-Manier präsentiert. Wegrennen vor großen Hindernissen, gefühlt endloses Rail-Grinden, wechseln zwischen den Spuren, Weichen aktivieren, Trickjumps durchführen und vieles mehr ist nötig, um die Zwischenbosse zu beseitigen.

Oft geht es auch in Richtung des Mobile-Spiels Sonic Dash: Mehrere Spuren, viele Hindernisse und der Boss wirft Objekte nach euch, die ihr durch gut getimte Tricks auf ihn zurückschlagen müsst. Mit der Zeit wird es jedoch etwas repetitiv – die verrückte Story und die hübsch gestaltete Umgebung trösten jedoch darüber hinweg, dass die klassische Arcade-Action nicht in jedem einzelnen Level begeistern kann.

Dazu kommt, dass manche Spielabschnitte – insbesondere diejenigen mit vielen Quick-Time-Events – etwas hektisch werden und daher die entsprechenden 10–30 Sekunden häufiger wiederholt werden müssen.

Weniger reden, mehr Denshattack!

Manches an Denshattack! ist fast schon schmerzhaft Retro. Nicht nur die Highscorejagd und die versteckten Sammelelemente im Level erinnern an die alten Zeiten. Auch die Oberwelt mit ihren einzelnen Leveln wird dargestellt, wie wir sie seit langer Zeit aus den 2D-Mario-Spielen kennen.

Die Hauptstory-Abschnitte werden in kleinen, im Anime-Stil gehaltenen Sequenzen gehalten, die Nebenabschnitte dagegen im Visual-Novel-Stil mit den für die späten 90er typischen, kurzen Sprachsamples und Geräuschen.

Anderes ist voll auf der Höhe der Zeit: Die vertonten Sequenzen haben bekannte Synchronsprecher, dazu wird man zum Start Kollaborationen mit bekannten VTubern wie Ironmouse starten, die Besonderheiten im Spiel freischalten. Die Musik passt sehr gut zu den actiongeladenen Rennen und motiviert für die nächste Runde.

Was für ein wilder Ritt!

Bildmaterial: Denshattack!, Fireshine Games, Boltray Games, Undercoders

Der Beitrag Im Test! Denshattack! – dieses verrückte Zug-Abenteuer ist ein Muss für Fans der Dreamcast-Ära erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Echoes of Aincrad: Sword Art Online
	09. Juli 2026
	Bandai Namco Entertainment
	10. Juli 2026
	Bandai Namco Entertainment
	10. Juli 2026
	Bandai Namco Entertainment
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC/Steam
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Game Studio, Inc.
Genres	Action-JRPG, Anime
Texte
Vertonung

Es gibt nur wenige Anime- und Light-Novel-Reihen, die das Medium so nachhaltig geprägt haben wie Sword Art Online. Angefangen bei den ursprünglichen Web Novels, später den erfolgreichen Light Novels, über zahlreiche Anime-Staffeln und Filme bis hin zu einer ganzen Flut an Videospielen. Und das durchaus mit Erfolg: Bis März 2026 konnten sich die verschiedenen Konsolenspiele zusammen bereits über zehn Millionen Mal verkaufen.

Mit Echoes of Aincrad: Sword Art Online wagt Game Studio gemeinsam mit Bandai Namco Entertainment nun den nächsten Anlauf. Schon bei der ersten Vorstellung wurde deutlich, dass diesmal vieles anders laufen soll. Weg vom Koop- und Live-Service-Ansatz des Vorgängers Sword Art Online: Fractured Daydream, zurück an den Ort, an dem alles begann: Aincrad.

Statt Multiplayer steht diesmal wieder eine reine Einzelspieler-Erfahrung im Mittelpunkt. Auch erzählerisch schlägt das Spiel neue Wege ein. Statt sofort auf bekannte Gesichter zu setzen, rückt zunächst die eigene Spielfigur ins Zentrum.

Während des Tests entstand bei mir immer mehr der Eindruck, dass die Entwickler bewusst einen Neustart wagen und gleichzeitig neue Spielerinnen und Spieler abholen möchten. Ein Ansatz, der auf dem Papier durchaus vielversprechend klingt.

Das kommt der Reihe durchaus zugute. Die bisherigen Spiele galten selten als wirkliche Kritikerlieblinge und selbst innerhalb der Fangemeinde gingen die Meinungen häufig auseinander. Zu viel Grind, zu viel Kirito im Mittelpunkt und natürlich der obligatorische Harem, der ihn auf Schritt und Tritt begleitet. Gerade Letzteres geht Echoes of Aincrad erfreulicherweise deutlich anders an. Das fühlt sich angenehm frisch an. Warum am Ende aber trotzdem nicht alles Gold ist, was glänzt, erfahrt ihr in diesem Test.

Kirito? Nie gehört.

Es geht zurück an den Anfang – allerdings aus einer völlig neuen Perspektive. Statt erneut in die Rolle von Kirito zu schlüpfen, erstellen wir unsere eigene Spielfigur und gehören zu den Beta-TesterInnen des neuen VRMMORPGs Sword Art Online. Eigentlich als Solo-SpielerIn unterwegs, kämpfen wir uns durch die ersten Ebenen der schwebenden Festung Aincrad.

Ganz allein sind wir dabei allerdings nicht. Mit Saayu, Wyzeman und dem stoischen, aber herzensguten Iori begleiten uns weitere Beta-TesterInnen auf unserer Reise. Auch bekannte Gesichter wie Argo stoßen schon früh zur Gruppe. Genau diesen Einstieg konnten Fans übrigens bereits in der Demo erleben.

Willkommen in Aincrad

Mit dem offiziellen Start des Spiels nehmen die Ereignisse dann ihren bekannten Lauf. Plötzlich sind sämtliche SpielerInnen in Sword Art Online gefangen. Aus einem harmlosen Spiel wird tödlicher Ernst: Wer in Aincrad stirbt, stirbt auch in der Realität. Fans der Reihe wissen natürlich längst, worauf das hinausläuft – dennoch funktioniert dieser Moment auch hier erstaunlich gut.

Als ehemalige Beta-TesterInnen genießen wir gegenüber vielen anderen einen kleinen Wissensvorsprung. Wir kennen einige Mechaniken, wissen, was uns erwartet, und besitzen dadurch Vorteile. Genau das macht uns allerdings nicht unbedingt beliebt. Schnell geraten wir ins Visier anderer SpielerInnen, die uns Misstrauen entgegenbringen und uns für ihre aussichtslose Lage mitverantwortlich machen.

Wenn SAO seine stärksten Geschichten erzählt

Von hier an entwickelt sich die Handlung langsam zu einem größeren Ganzen. Das Ziel ist klar: Ebene für Ebene erklimmen, das Spiel abschließen und Aincrad endlich entkommen. Bis die Geschichte allerdings wirklich Fahrt aufnimmt, braucht sie etwas Geduld. Nach dem Beta-Test vergeht vergleichsweise viel Zeit, bevor größere Wendungen folgen oder weitere bekannte Figuren aus der Vorlage ihren Auftritt bekommen.

Ihre stärksten Momente hat die Handlung ohnehin an ganz anderer Stelle. Besonders eindrucksvoll sind die vielen kleinen menschlichen Schicksale innerhalb dieser aussichtslosen Situation. Immer wieder erleben wir mit, wie Menschen an der neuen Realität zerbrechen, die Hoffnung verlieren oder verzweifelt versuchen weiterzumachen.

Gerade weil jeder Fehler tödliche Konsequenzen haben kann, entwickeln viele dieser Geschichten eine überraschend emotionale Wucht. Hier zeigt Echoes of Aincrad seine stärkste Seite. Schade nur, dass einige Abschnitte die Handlung unnötig strecken. Das Tempo leidet darunter gelegentlich, insgesamt bleibt die Geschichte aber spannend genug, um bis zum Ende bei der Stange zu halten.

Endlich die Hauptrolle

Kirito, Asuna und Co. bleiben zunächst erstaunlich weit im Hintergrund – schließlich geht es diesmal um uns selbst. Mit der Gefangenschaft in Sword Art Online sind alle SpielerInnen gezwungen, ihre wahre Gestalt aus der realen Welt anzunehmen. So auch wir.

Den generischen Beta-Tester-Avatar lassen wir hinter uns und erstellen in einem Charaktereditor unseren eigenen Helden oder unsere eigene Heldin. Der fällt zwar recht rudimentär aus und hätte durchaus mehr Möglichkeiten vertragen können, trotzdem ist es eine willkommene Abwechslung, endlich einmal die Hauptrolle selbst übernehmen zu dürfen.

Ein Held ohne Stimme

Leider bestätigt sich dabei auch eine meiner größten Befürchtungen. Unser eigener Charakter besitzt ungefähr so viel Charisma wie ein Ziegelstein – und ähnlich viel hat er auch zu sagen. Die wenigen Entscheidungsmöglichkeiten beschränken sich meist auf Optionen wie „nicken“ oder „verwirrt schauen“. Kein Witz.

Andere Spiele mit selbstgebastelten ProtagonistInnen haben das deutlich eleganter gelöst. Monster Hunter Stories 3 schaffte es zum Beispiel zuletzt, seiner Hauptfigur eine richtige Persönlichkeit zu verleihen. Dagegen wirkt unser eigener Avatar hier stellenweise eher wie einer der NPCs, die wir unterwegs treffen, statt wie die eigentliche Hauptfigur der Geschichte.

Viel Routine, wenig Überraschung

Auch die Nebenaufgaben hinterlassen einen eher gemischten Eindruck. Die meisten davon sind klassische Fetch-Quests, wie sie im Lehrbuch stehen. Anfangs dachte ich noch, das Ganze wäre vielleicht als augenzwinkernder Kommentar auf typische MMORPG-Aufgaben gedacht – schließlich passt das zum Setting. Doch leider steckt dahinter keine Meta-Ebene. Stattdessen erledigen wir und unsere BegleiterInnen bereitwillig eine erstaunlich repetitive Aufgabe nach der nächsten. Das ist schade und verschenkt einiges an Potenzial.

Eine angenehme Ausnahme bilden die Charakter-Quests. Diese erzählen kleinere Geschichten rund um die Figuren, bieten gelungenen Fan-Service und belohnen langjährige Fans mit zahlreichen bekannten Gesichtern aus dem SAO-Kosmos. Neben Argo begegnen wir unter anderem auch Agil, Diavel, Lisbeth und Silica. Gerade für Fans der Reihe sind diese Begegnungen ein echtes Highlight.

Die Stadt als Dreh- und Angelpunkt

Unsere Reise beginnt in der Stadt der Anfänge, die gleichzeitig als zentrale Basis dient. Hier finden wir Truhe, Schmied und Händler, bereiten uns auf die nächsten Missionen vor und verbessern unsere Ausrüstung. Etwas seltsam ist allerdings, dass sich Ausrüstung ausschließlich hier wechseln lässt. Positiv fällt dagegen das Transmog-System auf. Kleidung kann unabhängig von ihren Werten frei angepasst und sogar eingefärbt werden – ein kleines, aber sehr willkommenes Detail.

Auch das Aufleveln orientiert sich an bekannten Genre-Größen. Ähnlich wie in Elden Ring verteilen wir unsere Attributspunkte selbst, wodurch Waffen entsprechend ihrer Skalierung stärker werden. Das sorgt für genügend Freiheiten beim eigenen Build, auch wenn das System insgesamt eher klassisch ausfällt.

The Running (Wo)man

Quests starten wir über ein Terminal in der Stadt und werden anschließend in einen fest definierten Quest-Bereich teleportiert. Eine frei zusammenhängende Welt gibt es dadurch also nicht. Selbst Nebenaufgaben müssen separat ausgewählt und unabhängig von der Hauptgeschichte abgeschlossen werden. Das ist schade und kratzt spürbar an der Immersion einer eigentlich zusammenhängenden Welt.

Innerhalb dieser Gebiete erwarten uns dafür durchaus weitläufige Landschaften. Allerdings müssen wir sämtliche der sehr langen Strecken zu Fuß zurücklegen. Immerhin warten unterwegs Schatztruhen mit Ausrüstung, Materialien oder gelegentlich auch Bauplänen für neue Waffen und Rüstungen.

Eine Welt mit vielen Grenzen

Daneben finden sich kleinere Points of Interest, die etwas Hintergrundwissen zur Welt liefern. Was allerdings auffällt: Andere SpielerInnen oder In-Game-NPCs sucht man nahezu vergeblich. Gerade für ein MMORPG-Setting fühlt sich Aincrad dadurch stellenweise erstaunlich leer an.

Auch die Fortbewegung selbst sorgt nicht immer für Freude. Weder klettern noch schwimmen sind möglich und schon kleinere Höhenunterschiede führen dazu, dass der Bildschirm schwarz wird und wir an sicherer Stelle wieder auftauchen. Gerade beim Erkunden wirkt das unnötig einschränkend und holt einen regelmäßig aus der Atmosphäre heraus.

„Oh look, it’s a boar!“

Während unserer Reise verbringen wir naturgemäß einen Großteil der Zeit im Kampf. Leider zeigt sich hier auch schnell eines der größten Probleme des Spiels: die Gegner-Vielfalt. Gefühlt habe ich auf meinem Abenteuer mindestens 50.000 Ebern den Garaus gemacht. Natürlich ist das leicht überspitzt formuliert, doch mehr Abwechslung hätte dem Spiel definitiv gutgetan.

Ähnlich sieht es bei den Bosskämpfen aus. Viele bekannte Gegner tauchen lediglich als größere Varianten normaler Monster wieder auf und wir kämpfen wieder und wieder gegen die gleichen Bosse.

Gemeinsam in die Schlacht

Zur Auswahl stehen insgesamt sechs verschiedene Waffengattungen – vom Einhandschwert über den Rapier bis hin zum Kriegshammer. Für ein Spiel dieser Größe hätte ich mir allerdings noch etwas mehr Vielfalt gewünscht. Die Auswahl konzentriert sich fast ausschließlich auf Nahkampfwaffen, was zwar gut zum Setting passt – wir befinden uns schließlich in SAO und nicht in GGO –, dennoch wäre etwas mehr Abwechslung willkommen gewesen.

Gemeinsam mit mindestens einem von über zehn möglichen BegleiterInnen stellen wir uns den Monstern entgegen. Standard- und Spezialangriffe, Kombos sowie verschiedene Skills sorgen grundsätzlich für flotte Gefechte, während die KI unsere MitstreiterInnen über das Switch-System steuert. Das klappt allerdings mal besser und mal schlechter.

Spaß machen die Kämpfe dennoch, auch wenn die teilweise schwammige Steuerung und die oft unübersichtlichen Schlachten den Spielfluss etwas beeinträchtigen. Wie in Soulslikes sollte man außerdem stets die Ausdauer im Auge behalten – wer sie komplett aufbraucht, wird schnell bestraft.

Die bislang schönste Reise nach Aincrad

Optisch dürfte Echoes of Aincrad ohne Zweifel das bislang schönste Spiel des gesamten Franchise sein. Getestet wurde auf der PlayStation 5 Pro, wo das Spiel mit durchgängig flüssigen 60 FPS überzeugte. Beleuchtung, Weitsicht und die Größe der Spielwelt bewegen sich auf einem hohen Niveau und machen Aincrad zu einem echten Hingucker.

Besonders die Animationen während der Kämpfe wissen zu gefallen. Und ja – das ikonische Zerspringen besiegter Gegner in unzählige Pixel ist auch nach vielen Stunden noch erstaunlich befriedigend.

Ganz ohne technische Probleme lief die Testversion allerdings nicht. Während meiner Spielzeit kam es zu zwei Freezes und einem vollständigen Absturz. Da es sich um eine Version vor der Veröffentlichung handelte, bleibt zu hoffen, dass diese Probleme bis zum Verkaufsstart noch per Update behoben werden.

Gelungene Atmosphäre mit kleinen Schwächen

Auch musikalisch hinterlässt das Spiel einen positiven Eindruck. Der Soundtrack untermalt das Abenteuer stimmungsvoll und trägt viel dazu bei, die Atmosphäre von Aincrad einzufangen. Die Stücke passen hervorragend zur Spielwelt und wecken die Lust auf die Erkundung der nächsten Ebene. Wirkliche Ohrwürmer sollte man allerdings nicht erwarten – dafür bleiben die Kompositionen etwas zu unauffällig.

Bei der Sprachausgabe kann zwischen einer englischen und einer japanischen Synchronisation gewählt werden. Fans dürfen sich freuen, dass bekannte Stimmen wie Bryce Papenbrook und Yoshitsugu Matsuoka als Kirito erneut mit von der Partie sind. Insgesamt bewegt sich die Vertonung jedoch eher auf solidem Niveau. Vor allem die vielen wiederkehrenden Voice-Lines fallen schnell auf. Gerade in längeren Kämpfen oder während der Erkundung hört man dieselben Sprüche so häufig, dass sie mit der Zeit etwas ermüdend wirken.

Weniger Ebenen, trotzdem jede Menge Inhalt

Wer die Vorlage kennt, weiß: Aincrad besteht eigentlich aus 100 riesigen Ebenen, von denen viele fast schon die Größe einer eigenen kleinen Welt erreichen. So weit geht Echoes of Aincrad allerdings nicht. Bereits im Vorfeld machten die Entwickler deutlich, dass sich das Abenteuer hauptsächlich auf die ersten beiden Ebenen konzentriert – und genau so ist es auch.

Am Umfang ändert das allerdings erstaunlich wenig. Allein für die Hauptgeschichte sollte man mindestens 50 Stunden einplanen. Wer zusätzlich sämtliche Nebenaufgaben erledigt und optionale Inhalte mitnimmt, kann problemlos 70 bis 80 Stunden in Aincrad verbringen.

Groß beworben wurde außerdem der sogenannte Death-Game-Modus. Hier gilt: Ein einziger Tod und der komplette Spielstand ist verloren – ganz wie im Anime. Diese Variante richtet sich klar an besonders hartgesottene SpielerInnen. Freigeschaltet wird sie nach dem ersten Durchspielen oder direkt zu Beginn, sofern man die Ultimate Edition besitzt. Davon abgesehen stehen mehrere klassische Schwierigkeitsgrade zur Auswahl, sodass für nahezu jeden Geschmack etwas dabei sein dürfte.

Echoes of Aincrad ist eine reine Einzelspieler-Erfahrung. Koop- oder Online-Funktionen sucht man ebenso vergeblich wie Live-Service-Elemente, die den Vorgänger Sword Art Online: Fractured Daydream noch geprägt haben. Wer sich einfach auf ein klassisches SAO-Abenteuer konzentrieren möchte, dürfte genau das zu schätzen wissen.

Gelungener Neuanfang mit Luft nach oben

Bildmaterial: Echoes of Aincrad: Sword Art Online, Bandai Namco, Game Studio

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Titel	Rhythm Paradise Groove
	2. Juli 2026
	Nintendo
	2. Juli 2026
	Nintendo
	2. Juli 2026
	Nintendo
System	Nintendo Switch
Getestet für	Nintendo Switch
Entwickler	Nintendo
Genres	Rhythmusspiel
Texte
Vertonung

Nach einem Jahrzehnt Pause liefert Nintendo mit Rhythm Paradise Groove endlich den neuesten Teil der Rhythm-Paradise-Serie für die Nintendo Switch – kompatibel auch mit der Nintendo Switch 2.

Seit 2006 begeistert die Rhythmus-Minispiele-Sammlung Fans auf der ganzen Welt – in Japan ging es auf dem Game Boy Advance los und mit einer Arcade-Umsetzung weiter, im Westen startete die Serie auf dem Nintendo DS und fand auch auf der Wii mit ihrem simplen, aber charmanten Gameplay viele Fans.

Die beiden Konsolen waren auch ideal für eine Casual-Zielgruppe, die man mit kleinen, kreativen Spielen einfach abholen konnte. Man könnte auch sagen, die Rhythm-Paradise-Spiele trafen damals den Zeitgeist zwischen Wii Sports und Osu!.

Nach dem 3DS-Teil gab es nun eine längere kreative Pause, bevor es die Reihe nun endlich mit einiger Verzögerung ins HD-Zeitalter schafft. Wir waren daher gespannt, wie sich der neueste Ableger spielen wird, nachdem Nintendo den Titel in der letzten Direct stark in den Fokus gerückt hatte, indem sie diese mit Rhythm Paradise Groove eröffneten. Beep.

Retro-Fans fühlen sich sofort zu Hause

Der Einstieg wirkt für Fans der Reihe besonders vertraut – die Minispiele wählt man klassisch in einem simpel gehaltenen Menü, das an die früheren Rhythm-Paradise-Titel erinnert, eins nach dem anderen aus. Vielleicht ist das sogar ein Vorteil: Die Storyline mit einem nicht unbedingt beliebten Sidekick war nicht gerade die Stärke des Vorgängers auf dem 3DS.

Ganz klassisch gibt es nach vier Minispielen einen Remix, der von einem vollständigen Song geführt wird. Die Minispiele mit der simplen Meistens-2-Knopf-Steuerung sind dabei so simpel und verrückt wie immer – und auch auf die Grafik trifft „so simpel wie immer“ zu.

Ein einheitlicher Stil fehlt

Einige Minispiele wurden dabei ordentlich aufgehübscht. Mehrere davon sehen in HD wirklich gut aus, mit hübschen, handgezeichneten Hintergründen und interessanten Animationen. Die eingängigen Melodien und eigens produzierten Songs sind auch wieder am Start.

Leider ergibt die Aufwertung einiger Minispiele am Ende einen echten Stilbruch – insbesondere die Minispiele, die sich am DS-Teil orientieren, fallen negativ auf. Auch andere Stellen des Spiels sind inkonsistent: Manchmal sind hübsche Effekte zu sehen, andere Male gibt es 8-Bit-Grafiken oder extrem simple Charakterzeichnungen, die sich nicht gut ins Gesamtspiel einfügen.

Der wiederholte Stilbruch und die schwankende Qualität lassen nicht so einfach „in den Flow“ kommen, wie es in den früheren Spielen der Rhythm-Paradise-Reihe der Fall war. Die Qualität der einzelnen Minispiele passt zwar – vereinzelte Ausnahmen bestätigen die Regel – aber gemeinsam harmonieren sie nur selten.

Die wenigen größeren Neuerungen sind etwas durchwachsen. Ein neues Minispiel mit drei Knöpfen hat gleichzeitig einen herausfordernden, wechselnden Takt und dürfte daher mit zu den schwersten der Serie gehören. Das Text-Vorlesen per Voice Synthesizer („Stimmlinchen“) ist tendenziell störend und ohne echten Charme, die Beatspell-Kämpfe im RPG-Stil zwar nett und eine willkommene Abwechslung, aber leicht hektisch.

Viel Mittelmaß mit genialen Momenten

Dabei hat das Spiel wirklich mehrere starke Abschnitte. Das „Scheibenfangen“ mit dem Hund direkt zu Beginn ist kreativ und herausfordernd, ebenso die Fütterungszeit des Dinos. Abschnitt 3 ist voller kreativer Minispiele, die stilistisch dazu noch recht einheitlich sind. Leider zeigen Abschnitt 2 und 4 alle angesprochenen Negativpunkte. Ab Abschnitt 6 pendelt sich die Qualität langsam ein. Hier gibt es erneut einzelne kreative Highlights, die zeigen, warum die Rhythm-Paradise-Reihe so beliebt wurde.

Gut, aber nicht mehr herausragend

Sonstiges: Bildmaterial: Rhythm Paradise Groove, Nintendo

Der Beitrag Im Test! Rhythm Paradise Groove ist genau das verrückte Rhythmus-Spiel, das man erwartet erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Star Fox
	25. Juni 2026
	Nintendo Co., Ltd
	25. Juni 2026
	Nintendo of America
	25. Juni 2026
	Nintendo of Europe
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Velan Studios
Genres	Shooter
Texte
Vertonung

Vor 29 Jahren erschien Star Fox 64 für den Nintendo 64, in Europa als Lylat Wars bekannt. Dieses Spiel war bereits quasi ein Reimagining von Star Fox auf dem SNES, welches in Europa als Starwing bekannt war. Auf dem Nintendo 3DS erschien mit Star Fox 64 3D ein Port des Klassikers. Und nun erhalten wir exklusiv für Nintendo Switch 2 ein komplettes Remake des N64-Klassikers! Ob sich das lohnt, haben wir uns für euch einmal angeschaut.

Hilfe, Star Fox!

Die Geschichte des Remakes von Star Fox ist die gleiche wie im Original. Dr. Andross und der Rest des Lylat-Sternensystems befinden sich seit vielen Jahren im Krieg. Der Versuch von James McCloud, den verbannten Wissenschaftler zur Rechenschaft zu ziehen, endete in einem regelrechten Desaster. Sein Sohn, Fox McCloud, hat dann die Truppe seines Vaters übernommen. Diese gibt dem Spiel ihren Namen: Star Fox.

General Pepper, der Befehlshaber der Armee von Corneria, bittet nun Star Fox um Hilfe. Der Krieg soll endlich beendet werden und Star Fox soll sich als unabhängige Streitkraft um die Streitkräfte von Andross und anschließend auch um den Bösewicht selbst kümmern.

Im originalen Spiel gab es recht kurze Gespräche, welche die Story erzählten, in Form von Funksprüchen. Im Remake von Star Fox gibt es nun komplett animierte Zwischensequenzen. Diese zeigen wunderbar die Dynamik des Teams und bauen die Story des Spieles ein wenig aus. Dabei hilft auch der Holoviewer: Eine Option im Hauptmenü, in welcher ihr euch mehr Infos zu Schauplätzen, Charakteren und anderen Sachen anschauen könnt.

Die Zwischensequenzen sind sehr detailliert gestaltet und als Fan der Reihe seit Kindheitstagen hat es mir viel Freude bereitet, diese Helden aus meiner Kindheit in so hübschen Sequenzen zu sehen. Leider gibt es auch ein Aber, welches hoffentlich mit einem Update adressiert wird.

Die Zwischensequenzen spielen immer ab, auch wenn ihr das Spiel zum zwanzigsten Mal durchspielen wollt, um auf Highscorejagd zu gehen. Auch im Herausforderungs-Modus, wo man ja einfach nur die Challenges absolvieren möchte, kommen sie vor. Ihr könnt sie natürlich überspringen, dennoch fände ich es schöner, wenn die Stage einfach direkt losgehen würde, wenn ich das möchte. Star Fox ist im Grunde ein sehr Arcade-lastiges Spiel, weshalb die Zwischensequenzen einen dann doch auch aus dem Flow herausziehen könnten.

Ganz viel Pew Pew Pew!

In Star Fox übernehmt ihr die Kontrolle von Fox McCloud, welcher meist in seinem Arwing sitzt. Hierbei handelt es sich um ein sehr wendiges Raumfahrzeug. Dieses ist voll mit hochwertiger Technologie, sodass ein talentierter Pilot damit auch große Raumschiffe angreifen und gewinnen kann.

Euer Fahrzeug bewegt sich in den 16 Level alleine nach vorn. Ihr könnt auf Knopfdruck bremsen oder beschleunigen. Ganz berühmt ist die Barrel Roll – ein Flugmanöver, in welchem sich der Arwing schnell um die eigene Trommel dreht. Dies wird im Spiel genutzt, um gegnerische Geschosse abzuwehren. Außerdem könnt ihr einen Looping fliegen, um Gegenstände einzusammeln oder Feinde abzuschütteln.

In manchen Stages oder Boss-Kämpfen seid ihr frei in einem Gebiet. Dann könnt ihr sogar eine Wende fliegen. Dies und der Looping wurden auf das Steuerkreuz gelegt, um es einfach zu machen. Veteranen können aber auch die Tasten-Kombination aus dem Original einstellen.

Während ihr durch die Level fliegt, werden euch zahlreiche verschiedene Gegner entgegengeworfen. Diese bekämpft ihr mit dem Laser des Arwing. Der Laser lässt sich durch Aufsammeln von Power-ups verstärken. Doch Vorsicht! Wird euch ein oder beide Flügel zerstört, verliert ihr auch das Power-up.

Haltet ihr den Schuss-Knopf gedrückt, lädt sich ein Power-Schuss auf. Dieser kommt mit einer Lock-on-Funktion auf den nächsten Gegner, über den ihr das Fadenkreuz führt. Schießt nun den aufgeladenen Schuss los und ihr könnt somit direkt mehrere Feinde auf einmal besiegen. Dies bringt zusätzliche Punkte – und wir alle LIEBEN Extra-Punkte!

Viele Explosionen im All

Doch der Laser ist nicht die einzige Waffe im Repertoire von Star Fox. Ihr habt eine begrenzte Anzahl an B-Bomben. Diese könnt ihr in den Leveln finden und bei Gelegenheit auf eure Feinde abfeuern. Nutzt sie um eine große Menge an Feinden zu zerstören für mehr Punkte oder um einen Boss-Gegner schneller zu besiegen.

Die großen Boss-Feinde erwarten euch meist am Ende einer Stage. Jeder davon hat seine eigenen Angriffsmanöver und eigene Art, wie er besiegt werden muss. Am Anfang ist es noch recht einfach; schießt die Beine des Roboters weg und ballert ihm ordentlich was in den Rücken. Doch manch anderer Boss-Gegner benötigt mehr Finesse von euch. Die Boss-Kämpfe sind auch heute noch meine Highlights, da sie nicht nur pures Geballer benötigen für den Sieg.

Auf dem Weg zu den Bossen stellen sich euch Raumschiffe, ganze Flotten, merkwürdige Schmetterling-Roboter, Kampfjets oder sogar Meteoriten in den Weg. Für jeden Abschuss erhaltet ihr einen Punkt, manche Feinde geben mehr. Jede Stage vergibt eine Medaille, wenn ihr eine bestimmte Anzahl an Punkten habt. Ist eure Truppe jedoch nicht komplett, weil einer von den drei Gefährten von Star Fox abgeschossen wurde, bekommt ihr keine Medaille.

Es müssen schon alle Mitglieder des Teams anwesend sein! Achtet also auf deren Hilferufe und reagiert schnell. Sonst fällt derjenige für den Rest der Mission und die nächste Stage aus. Habt ihr in allen Leveln die Medaille erhalten, schaltet ihr einen höheren Schwierigkeitsgrad frei. Im einfachen Modus kommen eure Kameraden nach einem Abschuss im nächsten Level direkt zurück.

Es geht nicht nur geradeaus!

Das Besondere an Star Fox war und ist auch weiterhin die Möglichkeit, unterschiedliche Pfade durch das Lylat-System zu nehmen. Direkt schon im ersten Level gibt es zwei Ausgänge. Wie ihr den zweiten Boss findet, verrate ich euch nicht. Aber ich rate euch, auf Falcos Herausforderung einzugehen. Generell ist es durch die Gespräche der Kameraden ein wenig einfacher, die Konditionen für den alternativen Weg zu finden.

Um alle Pfade zu befliegen und alle Planeten zu sehen, benötigt ihr mehrere Spieldurchläufe. Und da sitzt dann auch der Kern von Star Fox: Spielt die Kampagne immer wieder durch, geht auf Highscorejagd und habt einfach Spaß. Das bedeutet aber auch: Die Kampagne ist nicht sehr lang. An einem Nachmittag bis Abend habe ich schon alle Planeten gesehen und mehrere Durchläufe gemacht, auch wenn ich nicht alle Kombinationen und Pfade bestritten habe. Wer also auf eine lange Kampagne in Star Fox hofft, welche emotional mitnimmt, der wird enttäuscht.

Die Kampagne, sowie den Herausforderungs-Modus, könnt ihr im Koop lokal oder über GameShare zusammen spielen. Dabei übernimmt eine Person die Rolle des Piloten und die andere dann das Geballer. Das ist eine spaßige Art und Weise, den Multiplayer einzubauen – meins ist es jedoch nicht so. Außerdem kann der Maus-Modus des Switch-2-Joy-Con verwendet werden. Das fand ich persönlich ganz grausig, aber vielleicht findet da jemand seinen Spaß mit. Für mich ein eher unnötiges Gimmick.

Nehmt ihr die Herausforderung an?

Habt ihr die Kampagne beendet, dann könnt ihr in den Herausforderungs-Modus und ich möchte mal ganz stark behaupten, dass Fans hier eine ganze Menge Spaß haben werden. Die Challenges beginnen auf Corneria recht einfach, schießt alle Ski-Bots ab oder zerstört alle Teile des Bosses.

Ihr müsst nicht alle Aufgaben in einem Run machen und habt ihr sie absolviert, schaltet ihr für die Stage die Experten-Herausforderungen frei. Dort haben mir schon bei der ersten Stage ganz schön die Ohren geschlackert. Den Boss in zehn Sekunden besiegen oder verhindern, dass Gebäude umfallen. Viel Spaß, liebe Experten! Ich bin dann da mal raus!

Das heißt: In allen 16 Leveln habt ihr zwölf Herausforderungen, die ihr meistern könnt. Wie bereits erwähnt, wäre es deswegen schön, wenn man die Intro-Cutscenes einfach ausschalten könnte. Seid ihr mit dem Herausforderungs-Modus fertig oder habt erstmal keine Lust, könnt ihr euch in den Schlacht-Modus stürzen! In diesem könnt ihr entweder mit anderen Spielenden gegen eine feindliche Gruppe antreten oder, so wie ich für den Test, gegen Bots spielen.

Im Schlacht-Modus gibt es drei Level. Auf Corneria gibt es ein bisschen King-of-the-Hill-Gameplay. Sprich: Ihr müsst für eine gewisse Zeit alleine in einem Gebiet sein, um Punkte zu erhalten. Betritt ein Gegner das Gebiet, hält die Progress-Leiste an und ihr müsst den Feind ausschalten. Generell solltet ihr das machen, denn es gibt dafür natürlich Punkte – und wer am Ende des Matches die meisten davon hat, gewinnt.

Spannende Dogfights?

Ihr könnt hier sogar, anders als in der Kampagne, einen Piloten aussuchen. Spielt Fox, Falco, Slippy oder Peppy von Star Fox oder schlüpft in die Rolle der Bösewichte von Star Wolf; Pigma, Leon, Andrew und der namensgebende Wolf. Ihr könnt noch verschiedene Einstellungen vornehmen wie Spielzeit, ob die Events wie der King-of-the-Hill-Modus überhaupt vorkommen, das Tempo der Flugzeuge und vieles mehr. Wenn hier mehrere Freunde das Spiel haben und man so gegeneinander oder miteinander Flugzeuge wegfetzt, ist das sicherlich ein spaßiges Erlebnis.

Auf der zweiten Stage, Fichina, kämpft ihr mit dem gegnerischen Team um Meteoriten und deren Energie. Ballert die Steine aus dem All ab und sammelt deren Energie auf! Wer als Erstes die Leiste füllt, erhält Punkte. Mein liebster Modus war aber im Sektor Y. Dort tauchen während der Kämpfe Piraten auf, welche Fracht klauen. Diese müsst ihr euch schnappen und in euer Mutterschiff bringen. Als Star Fox rettet ihr die Fracht natürlich, während Star Wolf diese stehlen möchte. Im Großen und Ganzen wird man sicherlich, wenn man Bock darauf hat, im Schlacht-Modus noch einiges an Zeit verbringen können.

In allen Modi könnt ihr Symbole und Hintergründe für euren Schlacht-Banner freischalten und diesen gestalten. Ein … sehr interessantes Gimmick ist außerdem die Möglichkeit, Avatare für eure Kamera im GameShare freizuschalten. Ihr wolltet schon immer das Gesicht von Fox McCloud tragen? Das geht nun! Die Kamera erfasst eure Kopf-, Augen- und Mundbewegungen und stellt diese mit dem jeweiligen Avatar dar. Dafür, dass es nur eine Spielerei für GameShare ist, gibt es echt viele Avatare!

Ein grafisches Update, das für Kontroverse sorgt

Star Fox auf Nintendo Switch 2 ist ein richtig hübsches Spiel. Am TV sieht es knallig aus, die Explosionen sind top, es läuft butterweich und flüssig. Besonders Solar hat mich mit seinen tollen Lava-Effekten überzeugt. Im Handheld-Modus ist das Spiel dann nochmal eine Ecke beeindruckender. Wie schön so ein Spiel mobil aussehen kann!

Dank der Leveldauer ist das Spiel auch perfekt für die ein oder andere Runde unterwegs. Vor allem die Planeten, auf denen Dogfights stattfinden, die früher total karg und langweilig waren, sind nun richtig hübsch und detailliert. Es ist beeindruckend, was das vergleichsweise unbekannte und kleine Velan Studios da mit einer eigenen Engine auf die Beine gestellt hat.

Doch die Kontroverse um die Designs der Charaktere hat online für einiges an Gesprächsstoff gesorgt. Diese haben einen etwas „realistischeren“ Stil und orientieren sich ein wenig an den Stoffpuppen, welche zu SNES-Zeiten auf dem Cover und in Werbebeiträgen waren. Die Charaktere sind wirklich sehr toll animiert, sind detailreich und Slippy sieht einfach, wie der Name es sagt, slippery aus! Ich persönlich bin ein riesiger Fan der Designs, aber es ist wohl wirklich Geschmackssache.

Der Soundtrack von Star Fox ist wie immer richtig gut. Die Level beinhalten natürlich oft das bekannte Star-Fox-Main-Theme und bringen dann ihre eigenen, tollen Melodien mit sich. Die deutsche Sprachausgabe ist äußerst gut gelungen und die Art und Weise, wie so mancher Gag herübergebracht wurde, hat mich wirklich schmunzeln lassen.

Ein gelungenes Remake!

Bildmaterial: Star Fox, Nintendo

Der Beitrag Im Test! Star Fox überzeugt auch heute – trotz kontroverser Designänderungen erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	The Adventures of Elliot: The Millennium Tales
	18. Juni 2026
	Square Enix
	18. Juni 2026
	Square Enix
	18. Juni 2026
	Square Enix
System	PlayStation 5, Xbox Series, Switch 2, PC/Steam
Getestet für	Playstation 5
Entwickler	Claytechworks Co. Ltd. & SQUARE ENIX Team Asano
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Seit der ersten Enthüllung auf der Nintendo Direct: Partner Showcase im Juli 2025, gab es von uns bereits zahlreiche Berichte über das neue Action-RPG The Adventures of Elliot: The Millennium Tales von Square Enix. Wir warfen, unter anderem, bereits einen Blick in eine Vorschau-Version, des Weiteren haben wir ein Interview veröffentlicht, wo Producer Naofumi Matsushita einige Einblicke in die Entwicklung gewährte.

Nun hatten wir auch die Ehre und durften die Vollversion des fertigen Spiels für euch testen und ich möchte euch natürlich sehr gerne meine Erfahrungen und Eindrücke zum neuen Action-RPG mitteilen. An dieser Stelle möchte ich erwähnen, dass wir eine Vorab-Vollversion vor der Veröffentlichung des Spiels getestet haben. Getestet wurde die Version für PlayStation 5.

„The Legend of Elliot: A Link to the Past“

So könnte der Titel auch lauten, aber Moment, da war ja was. Legen wir den Humor etwas beiseite. Die Geschichte von unserem Abenteurer Elliot beginnt in der Welt von Philabieldia, im Königreich Huther, im Zeitalter der Obhut, welches die aktuelle Gegenwart und den Ursprung unserer Helden-Geschichte darstellt.

Es ist bekannt, dass die Geschichte in vier Zeitaltern spielt. Das Zeitalter der Obhut, das Zeitalter des Wiederaufbaus, das Zeitalter der Magie und das Zeitalter des Anbeginns. Zu viel möchte ich aber diesbezüglich gar nicht verraten. Kurzgefasst beschreiben diese Zeitalter die Entstehung der Zivilisation, den Höhepunkt der technologischen bzw. magischen Kultur bis hin zu deren Fall und Wiederaufbau über mehrere tausend Jahre hinweg. Ein zentraler Faktor stellen die feindlich gesinnten Biestlinge dar. Je nach Zeitalter ist deren Bekämpfung und Erforschung mal mehr und mal weniger erfolgreich.

Mehrschichtige Story abseits der bekannten Klischees

Spulen wir wieder etwas zurück: In der Gegenwart (Zeitalter der Obhut) wird Elliot zum König von Huther berufen. Im Norden wurden neue Ruinen entdeckt, die es zu erkunden gilt. Und wer eignet sich besser hierfür als unser abenteuerlustiger Protagonist Elliot, der bereits Erfahrungen im Erkunden der Welt außerhalb der sicheren Stadtmauern von Huther hat? Das sehen allerdings nicht alle so.

Nachdem bekannt wurde, dass es sich bei der Ruine vermutlich um ein Zeitportal einer alten Zivilisation handelt, wittert der Minister des Königs die Chance auf eigene Initiative loszuziehen, um seine persönlichen Pläne zu verfolgen. Hier beginnt unsere erste Verfolgungsjagd durch die Zeit. Story-technisch handelt es sich hier nur um einen Teil des Prologs aus der Demo. An dieser Stelle möchte ich aber auch gar nicht mehr verraten als nötig.

Der Prolog ist tatsächlich nur der Anfang einer mehrstufigen Geschichte, die tief mit den unterschiedlichen Zeitaltern verwoben ist. Die Geschichte erfindet das Rad zwar nicht neu, aber geht dennoch über das klassische „Held rettet Prinzessin“-Klischee hinaus. Freut euch auf spannende Plot-Twists, die ihr vermutlich bis kurz vor dem Ende nicht kommen sehen werdet.

Das Ende hat mich durchaus berührt. Es gibt insgesamt drei Enden, die ihr freischalten könnt. Diese könnt ihr theoretisch auch alle nacheinander erspielen, es wird jeweils ein Savegame erstellt, sodass ihr diese chronologisch abarbeiten könnt. Ob ihr euch die ersten beiden Enden ansehen möchtet, ist euch überlassen, aber ich kann euch nur ans Herz legen, das „wahre Ende“ zu erspielen. Denn nur hier werden wirklich alle offenen Fragen und Hintergründe aufgeklärt und der Weg dorthin ist inhaltlich ein echtes Highlight des Spiels.

Eine Welt, die zum Erkunden einlädt

In der Welt von Philabieldia gibt es viel zu entdecken. Mit dem Fortschreiten der Handlung schaltet ihr immer mehr Areale auf der Weltkarte frei. Im ersten Moment wirkt diese überschaubar, aber bedenkt, dass es vier Zeitalter gibt, die ihr in eurem Abenteuer bereisen werdet. In jedem Zeitalter trefft ihr auf besondere Charaktere, die eine wichtige Rolle in der Geschichte spielen oder gespielt haben. Neben der grob detaillierten Weltkarte gibt es innerhalb von Dungeons auch eine ziemlich detaillierte Karte, die ihr zoomen könnt.

Während eurer Reise entdeckt ihr eine Vielzahl von Dungeons, einige sind Story-relevant, einige völlig optional. So könnt ihr auch außerhalb der Hauptgeschichte auf Entdeckungsreise gehen, für manche Dungeons benötigt ihr aber bestimmte Fähigkeiten, um diese vollständig zu erkunden. Dazu später mehr. Des Weiteren sei gesagt: Je nach Zeitalter trefft ihr auf verschiedene Iterationen eines Dungeons. So kommt es häufiger vor, dass ihr nur eine Truhe findet und in einem anderen Zeitalter viel tiefer in den Dungeon eindringen könnt und euch einem Boss-Kampf stellen müsst.

In den größeren Dungeons müsst ihr zuvor blaue und rote Türen passieren, um den Boss zu erreichen. Die entsprechenden Schlüssel findet ihr in Truhen innerhalb des Dungeons. Oft gibts kleinere Rätsel zu lösen, welche aber nicht allzu fordernd sind. Die meisten wichtigen Gegenstände und Truhen werden euch im späteren Verlauf auf der Weltkarte angezeigt, sodass ihr diese auch gezielt einsammeln könnt. Auf der Weltkarte und in den Dungeons gibt es regelmäßig Speicherpunkte, die ihr für die Schnellreise und zum Heilen nutzen könnt.

Actionreiches Kampfsystem

Auf der Weltkarte sowie in den Dungeons müsst ihr euch den unterschiedlichsten Arten von Biestlingen entgegenstellen. Um gegen diese gerüstet zu sein, steht euch ein breit gefächertes Repertoire an Waffen zur Verfügung, mit denen ihr euren Gegnern ordentlich zusetzt. Zunächst starten wir mit einer klassischen Schwert-und-Schild-Kombo. Später gesellen sich noch Bogen, Bumerang, Bomben, Speer, Hammer und eine Kettensichel hinzu. Ihr könnt immer zwei Waffen gleichzeitig ausrüsten, plus Schild. Die Anzahl an Pfeilen und Bomben ist zunächst etwas beschränkt, lässt sich aber im Laufe des Abenteuers erweitern.

Wenn ihr Gegner besiegt ohne Schaden zu nehmen, startet eine Serie. Umso mehr Gegner ihr besiegt, desto höher steigt eure Serie. Dadurch verdient ihr Tul, das ist die Währung im Spiel, sowie Maginit-Splitter, dazu später mehr. Umso höher eure Serie, desto mehr Beute könnt ihr erlangen. Bei der Vielfalt an Waffen sollte eigentlich für jeden Spielstil etwas dabei sein. Zudem kann Elliot mit dem Schild blocken und bei richtigem Timing Angriffe auch parieren.

Spannende Boss-Kämpfe

Selbstverständlich gibt es auch zahlreiche Boss-Gegner, denen ihr euch stellen werdet. Hier würde ich zwischen kleineren Zwischenbossen, die meist keine besondere Strategie erfordern, außer vielleicht ausweichen, blocken und springen, und größeren Boss-Gegnern unterscheiden. Größere Bosse haben meist einen speziell designten Boss-Raum und erfordern schon mal eine bestimmte Strategie, zum Beispiel das Setzen von oder Zurückwerfen von Bomben, Angriff auf einen bestimmten Körperteil, gezieltes Parieren und mehr.

Es gibt insgesamt vier Schwierigkeitsgrade, von leicht bis extrem. Ich habe das Spiel auf „Normal“ gespielt. Die meisten Gegner stellten keine Probleme für mich dar, wer aber noch eine größere Herausforderung sucht, kann sich an die höheren Schwierigkeitsgrade wagen.

Mit genügend Tul in der Tasche könnt ihr euch sofort wiederbeleben, wodurch gerade Boss-Kämpfe bedeutend einfacher werden. Aber Achtung, auf höheren Schwierigkeitsgraden steigen die Kosten. Als eine etwas ungewöhnliche Design-Entscheidung empfand ich, dass auf „Leicht“ jeder Speicherpunkt euch automatisch heilt, ansonsten nur deutlich seltener, und Waren beim Händler in der Stadt günstiger sind. Da man den Schwierigkeitsgrad aber jederzeit wechseln kann, an einem Speicherpunkt, könnte man kurzfristig umstellen, um sich zu heilen oder wenn man günstig einkaufen möchte.

Faie, eure magische Begleiterin

Ab einem gewissen Punkt in der Handlung gesellt sich die Fee Faie an Elliots Seite. Die kleine Fee sorgt nicht nur für Unterhaltung, sondern steht euch auch als verlässliche Partnerin zur Seite. Sie hat ihre Erinnerungen verloren und weiß nur noch, dass sie mit Elliot das Königreich vor einer Bedrohung retten soll. Zudem ist nur Elliot in der Lage sie zu sehen und mit ihr zu interagieren. Ihr könnt sie zudem mit dem rechten Analog-Stick frei steuern.

Faie kann euch gegen Bezahlung wiederbeleben und besitzt zudem magische Fähigkeiten, die ihr sowohl im Kampf als auch in der Umgebung einsetzen könnt. Unter anderem sind das zum Beispiel Fähigkeiten zum Sprinten, Teleportieren oder Anzünden von Fackeln. Ihr schaltet diese nach und nach frei. Diese Fähigkeiten verbrauchen magische Energie, die sich aber mit der Zeit wieder auflädt.

An bestimmten Stellen im Spiel benötigt ihr entweder spezielle Waffen, wie Bomben oder Hammer, oder eine bestimmte Fähigkeit, um diverse Wege freizuschalten oder um an Schätze zu gelangen. Wenn ihr also mal nicht weiterkommt, meist weist Faie auch darauf hin, dann solltet ihr zu einem späteren Zeitpunkt wiederkommen, wenn die entsprechende Fähigkeit erlernt wurde.

Wie bereits bekannt gegeben wurde, kann Faie auch im lokalen Koop von einem zweiten Spieler gesteuert werden. Wobei der Hauptfokus aber auf Elliot liegt, Faie ist lediglich eine Unterstützung, das kann aber in stressigen Situationen oder beim Lösen von Rätseln sicherlich eine Erleichterung sein.

Charakterentwicklung und Maginite

Elliots Lebenspunkte werden in Tropfen-Form am oberen linken Rand des Bildschirms dargestellt, diese könnt ihr durch das Lösen kleinerer Rätsel an diversen Schreinen auf der Weltkarte und in Dungeons erweitern. Hierzu sammelt ihr vier Teile ein, um einen weiteren Lebenspunkt zu erhalten. Sicherlich eine bekannte Mechanik aus anderen Genre-Vertretern. Das Inventar ist überschaubar, neben wichtigen Gegenständen kann sich Elliot mit Items heilen, Angriff und Verteidigung kurzzeitig verbessern oder Faies Magie etwas auffüllen. Für die Tränke werden leere Phiolen benötigt, deren Anzahl sich auch erweitern lässt.

Elliot kann mit einer Vielzahl an Accessoires ausgerüstet werden, die indirekte oder direkte Auswirkungen haben. Am Anfang steht euch nur ein Slot zur Verfügung, dieser kann auf bis zu drei ausgeweitet werden, sodass ihr drei Accessoires gleichzeitig ausrüsten könnt. Die Boni sind sehr unterschiedlich; ein Mantel, mit dem ihr nach dem Sprung etwas gleiten könnt, was in diversen Leveln und Passagen eine deutliche Erleichterung bietet, passive Boni wie mehr Tul/Maginit-Splitter oder dass ihr bei einem Treffer eure Kampf-Serie nicht gleich verliert.

Mit Maginiten lassen sich eure Waffen verstärken oder mit verschedenen Effekten ausstatten, wie zum Beispiel Zusatzschaden durch die Elemente, Feuer, Eis oder Blitz, mehr Schaden unter bestimmten Bedingungen, erhöhte Reichweite von Angriffen und vieles mehr. Hier kann man sich wirklich austoben und seinen ganz individuellen „Build“ erstellen.

Am Anfang könnt ihr nur wenige Maginite ausrüsten. Gegen Tul könnt ihr die Kapazitäten erweitern, um mehrere mächtige Effekte gleichzeitig auszurüsten. Um Maginite herzustellen, nutzt ihr Maginit-Splitter. Wenn ihr eine gewisse Anzahl an Maginiten hergestellt habt, steigt euer Synthese-Level und ihr könnt höherwertige Maginite erstellen, deren Boni stärker sind. Hin und wieder lassen sich Maginite auch in Truhen finden.

Sidequests und Minispiele

In The Adventures of Elliot könnt ihr euch neben der Hauptgeschichte zahlreichen Nebenaufgaben, Sammel-Items und optionalen Herausforderungen sowie Mini-Games widmen. Im Menü gibt es einen eigenen Punkt für Aufträge, dort seht ihr auch, ab wann diese bei welchem NPC in welchem Zeitalter verfügbar sind. Diese Aufträge belohnen euch nicht nur mit Tul, Accessoires oder Erweiterungen, sondern erzählen auch ihre ganz eigene Geschichte. Diese Sidequests bestehen meist aus Kämpfen oder ein NPC bittet euch etwas zu beschaffen. Diese erstrecken sich manchmal auch über die unterschiedlichen Zeitalter hinweg, was dem Ganzen noch eine ganz besondere Note verleiht.

Katzenfreunde kommen voll auf ihre Kosten, eine Nebenaufgabe besteht darin, Katzen, die über die ganze Welt verteilt sind, einzusammeln und in das Dorf zu bringen. Ein kleiner Fun-Fact ist, dass diese auch visuell im Dorf dargestellt werden und ihr mit diesen interagieren könnt. Zudem warten Belohnungen, je mehr ihr findet. Eventuell haben diese aber noch eine ganz besondere Bedeutung im Spiel, aber das müsst ihr schon selbst herausfinden. In der ganzen Welt findet ihr immer wieder an funkelnden Stellen Manuskripte, die euch die Lore der Welt etwas näherbringen.

Mit dem Erhalt einer Fähigkeit von Faie könnt ihr im Fähigkeiten-Menü eine Art Minispiel absolvieren, wo die entsprechende Fähigkeit eingesetzt wird, um eine bestimmte Punktzahl zu erreichen. Dies ist allerdings völlig optional und belohnt euch nur mit Musikstücken aus dem Spiel, die ihr euch anhören könnt. Im Tempel der Prüfungen warten knackige Herausforderungen, wo ihr euch Gegner-Wellen stellen müsst. Dies ist der einzige Weg, um eure Accessoire-Slots zu erhöhen. Mit Fortschreiten der Geschichte schaltet ihr hier weitere Herausforderungen frei. Vor allem die letzte hat es in sich.

Nostalgischer HD-2D-Look und unauffälliger Soundtrack

Dem kann ich schon fast nichts mehr hinzufügen. Wer sich noch nicht an dem HD-2D-Look sattgesehen hat, bekommt eine nostalgische, aber im modernen Gewand gestaltete Pixel-Look-Welt zu Gesicht. Wichtige Charaktere haben zudem ein eigenes Charakter-Porträt neben der Text-Box spendiert bekommen, das sogar lippensynchron animiert ist, was nochmal einen gewissen Teil zur Atmosphäre beiträgt. Die englischen und japanischen Sprecher leisten hervorragende Arbeit. Der Soundtrack – versteht mich nicht falsch, aber hin und wieder habe ich vergessen, dass er existiert – ist für mich persönlich kein Highlight. Lediglich das Boss-Theme hatte für mich einen kleinen Wiedererkennungswert, alles andere fügte sich eher neutral im Hintergrund ein. Am Ende ist dies vielleicht aber auch einfach Geschmackssache.

Ein einzigartiges Erlebnis

Bildmaterial: The Adventures of Elliot: The Millennium Tales, Square Enix, Claytechworks

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Titel	Tales of Arise: Beyond the Dawn Edition
	22. Mai 2026
	Bandai Namco
	22. Mai 2026
	Bandai Namco
	22. Mai 2026
	Bandai Namco
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Bandai Namco
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Es ist knapp fünf Jahre her, dass Tales of Arise für zahlreiche Plattformen erschienen ist. Im Jahr 2023 erschien dann recht überraschend mit Beyond the Dawn eine Erweiterung für das JRPG, welche die Ereignisse nach dem Ende des Titels zeigt.

Nun hat Bandai Namco das Spiel in der Tales of Arise: Beyond the Dawn Edition auf Nintendo Switch 2 veröffentlicht. Diese beinhaltet die namensgebende Erweiterung direkt. Doch kann der Port überzeugen?

Die Frau mit Dornen und der Mann mit der eisernen Maske

Die Story beginnt mit dem Charakter Eisenmaske – ein Name, den der Hauptcharakter hat, weil er halt eben eine solche Maske trägt. Warum, weiß niemand, auch er selbst nicht. Seine Erinnerungen sind weg! Er lebt als Sklave unter den Renäern, welche von einem anderen Planeten stammen und die Bevölkerung namens Dahnäer unterworfen haben. Zumindest ist dies der Eindruck, den unser Hauptcharakter anfangs hat.

Natürlich überschlagen sich zeitnah die Ereignisse und er trifft auf Shionne. Was danach folgt, ist ein größtenteils tolles Abenteuer, mit interessanten Konflikten und tollen Charakteren. Leider verfällt Tales of Arise dem üblichen Tales-of-Fluch und verliert im letzten Drittel einiges an Fahrt. Der letzte Dungeon zieht sich mehr als ein Kaugummi an eurem Schuh. Dennoch ist es ein großartiges Abenteuer, welches nicht nur Fans der Reihe packen wird.

Beyond the Dawn ist eine tolle Erweiterung der Story, auch wenn sich dort gameplaytechnisch nicht viel ändert und der Fokus stark auf der Geschichte liegt. Interessant ist, dass ihr in der Erweiterung direkt alle Kostüme und Accessoires aus dem Basegame freigeschaltet habt. Wie auf anderen Plattformen könnt ihr diese unabhängig vom Hauptspiel starten. Es ist aber natürlich empfohlen das Basegame vorher zu spielen.

Je weiter ihr dort seid, desto mehr Boni gibt es dann in der zusätzlichen Geschichte. Apropos DLC: Oft gibt es in dieser Art von erweiterten Ports alle bisher erschienenen zusätzlich kaufbaren Inhalte. Dies ist bei der Tales of Arise: Beyond the Dawn Edition nicht der Fall.

Sprich: Badeklamotten und andere zusätzliche Outfits müsst ihr kaufen. Ebenfalls den erschienenen Sword-Art-Online-Crossover-DLC. Natürlich kann man von einem Port nicht direkt erwarten, alle Inhalte direkt zu beinhalten – aber es wäre ein netter Bonus gewesen.

In den Kämpfen selbst befinden sich bis zu vier Charaktere auf dem Feld, zwei weitere in der Reserve. Ihr könnt jede der spielbaren Figuren steuern und sie spielen sich auch allesamt auf ihre Art und Weise ein wenig anders. Während der Hauptcharakter ordentlich reinhaut, macht er sich selbst konstant Schaden. Dadurch muss man ordentliches HP-Management betreiben.

Rinwell hingegen kann Zauber abfeuern und diese sogar kombinieren, um noch größere Magie zu wirken. Währenddessen ballert Shionne mit ihrem Gewehr auf die Feinde, wirft Granaten und heilt das Team als Support-Charakter. Schade, dass in Tales of Arise kein Multiplayer mehr vorhanden ist. Dies war immer ein spaßiger Aspekt der Reihe.

Da der Titel sich im Inhalt nicht zum Original unterscheidet und wir hier eher auf den Port an sich schauen wollen, empfehlen wir einen Blick auf den originalen Test zu Tales of Arise und unser Review zur „Beyond the Dawn“-Erweiterung zu werfen.

Ein technisch solider Port

Auf Nintendo Switch 2 sieht Tales of Arise wirklich klasse aus. Dies ist sicher auch dem beeindruckenden Anime-Stil zu verdanken, in dem gerade in der Umgebung durch das Shading einiges kaschiert werden kann. Die Charaktere sind auch auf Nintendos aktuellem Handheld sehr detailliert und die Effekte in den Kämpfen sind weiterhin bildschirmfüllend und knallig.

Im TV-Modus sieht der Titel gut aus – wenn er auch hinter einer PS5-Fassung steht. Als jemand, der viel im Handheld-Modus zockt, war aber natürlich die mobile Variante für mich besonders interessant. Hier sieht das Spiel absolut großartig aus und auf dem Bildschirm der Nintendo Switch 2 kommen die Anime-Farben richtig gut rüber.

Einziges Manko: Nach etwas mehr als einer Stunde Spielzeit ist der Akku der Konsole einfach leer. Ob man nun dafür das Spiel kritisieren sollte oder vielleicht doch eher die Akku-Leistung der Konsole, bleibt da natürlich dahingestellt. Wenn ihr also plant, den Titel auf einer Reise zu zocken, dann hofft auf eine Steckdose in der Nähe.

Was mich persönlich am meisten verwirrt hat, ist der Wechsel zwischen 30 und 60 Bildern pro Sekunde in Tales of Arise: Beyond the Dawn Edition. Das normale Gameplay auf der Oberwelt ist in 30 FPS, ebenso die Kämpfe. Allerdings könnt ihr in Zwischensequenzen angenehme 60 FPS genießen. Einen Performance- oder Qualitäts-Modus gibt es nicht. Gerade Ersteres hätte ich mir dann gegen ein wenig schlechtere Texturen durchaus vorstellen können.

Ein ständiger FPS-Wechsel?

Ein Spiel in flüssigen 30 Bildern pro Sekunde stört mich nicht, man gewöhnt sich dran, auch wenn man viel mit 60 FPS spielt. Ein Spiel in konstanten 60 FPS ist natürlich toll! Doch dieser komische Mix aus beidem ist so gar nichts für mich. Durch die Zwischensequenzen, welche besser aussehen als das Gameplay durch flüssigeres Bild, wirkt das eigentliche Gameplay dann weniger hübsch. Irgendwie wirkt das Spiel dann langsamer – was es ja auch durch die weniger Bilder ist.

Auch bin ich persönlich davon enttäuscht, dass nicht einmal die Kämpfe in 60 Bildern pro Sekunde funktionieren. Wäre das hier möglich, dann hätte ich über die 30 FPS in der Oberwelt eher hinwegsehen können. Denn durch die teils riesigen Gebiete verstehe ich dann eher, wenn es weniger Bilder pro Sekunde rendern kann. Hinzu kommt, dass mir in den Kämpfen das Gefühl kam, wir hätten da manchmal nicht einmal stabile 30 FPS. Aber zu 100 % kann ich es nicht sagen, da es nur wenige Momente gab, wo es mir so vorkam, als würde die Bildrate einbrechen.

Ein tolles Spiel, nun auch unterwegs spielbar

Bildmaterial: Tales of Arise, Bandai Namco

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Titel	Final Fantasy VII Rebirth
	3. Juni 2026
	Square Enix
	3. Juni 2026
	Square Enix
	3. Juni 2026
	Square Enix
System	PlayStation 5, Xbox Series, Switch 2, PC
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Square Enix
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Mit dem Remake von Final Fantasy VII schuf Square Enix im Jahre 2020 ein wahrhaftiges Meisterwerk und damit auch einen weiteren Meilenstein im JRPG-Genre. Recht schnell nach dem Release wurden dann auch schon Stimmen laut, die nach einer Fortsetzung des ohnehin auf drei Etappen aufgeteilten Rollenspiels riefen.

Mit „Final Fantasy VII Rebirth“ kam Square Enix diesem Wunsch am 29. Februar 2024 schließlich nach. Vorerst erschien der Titel allerdings lediglich exklusiv für Sonys PlayStation 5. Eine angepasste und vor allem optisch etwas verbesserte Variante erschien am 23. Januar 2025 für PCs. Xbox- und Switch-Spieler gingen also erst mal leer aus. Square Enix gab allerdings schon recht früh zu verstehen, dass auch Microsoft- und Nintendo-Jünger früher oder später in den Genuss des Titels kommen würden.

Am 3. Juni ist es nun also endlich so weit, womit auch Switch-2- und Xbox-Nutzer in die zweite Episode des Remake-Meisterwerks starten. Ob der Titel immer noch so faszinierend ausfällt, nach wie vor begeistern kann und ob auch die technische Seite entsprechend angepasst wurde, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Test.

Nahtlose Fortsetzung des epochalen Meisterwerks

Die Story von Final Fantasy VII Rebirth setzt quasi genau da an, wo der erste Teil der Remake-Trilogie geendet hatte. Nach wie vor wird die Bevölkerung der Mega-Metropole „Midgar“ von der machtbesessenen Shinra Corporation tyrannisiert. Doch nicht nur die Tyrannei durch den Megakonzern macht den Menschen zu schaffen, auch der stetige Abbau der sogenannten „Mako-Energie“, sozusagen dem Lebensstrom des Planeten, belastet vor allem die Umwelt und den Planeten selbst.

Die Öko-Terroristengruppierung „Avalanche“ hat es sich zur Aufgabe gemacht, der Shinra Corporation das Handwerk zu legen und sowohl den Planeten als auch die Gesellschaft von der Tyrannei zu befreien. Dieser Gruppierung gehört auch unser Held „Cloud Strife“ an.

Wie auch im Original übernehmen wir die meiste Zeit die Rolle des furchtlosen, blonden Helden und Ex-Soldaten. Cloud diente ehemals als angestellter Söldner bei der Shinra Corporation, verließ diese jedoch auf eigenen Wunsch hin um eigenen Interessen nachzugehen. Doch Shinra bleibt am Ende nicht die einzige Bedrohung, mit der wir es zu tun bekommen, und am Ende steht vielleicht sogar das Schicksal der gesamten Welt auf dem Spiel.

Auf der beschwerlichen Reise treffen wir außerdem auf allerlei Mitstreiter, die unterschiedlicher nicht hätten ausfallen können. Gerade in Sachen Charakterdesign macht Square Enix, speziell im Rollenspiel-Genre, absolut niemand etwas vor. Die Charaktere wirken auch heute noch absolut fantastisch gezeichnet und durchdacht.

Gerade für die Story der Remake-Trilogie bedient sich der Entwickler und Publisher Square Enix vor allem einer bestimmten Mechanik – die der alternativen Zeitlinien. Denn so umschifft Square Enix gekonnt diverse Hürden der ursprünglichen Story und kann diese so gekonnt weiter auskleiden, ohne dass das Ganze am Ende zu wirr oder nicht durchdacht genug wirkt.

Die Remake-Trilogie hält sich also im Großen und Ganzen schon an die Story des Originals aus dem Jahre 1997, dichtet hier und da aber auch mal mehr und mal weniger hinzu. Um aus ursprünglich einem Titel nun drei zu machen, bedarf es eben doch etwas mehr Story-Material, als es das Original zu bieten hatte. Alles in allem wirken die beiden bisher veröffentlichten Remake-Episoden aber stets stimmig und keinesfalls völlig überzogen.

Original erfolgreich in die Moderne transportiert

Wie auch schon beim ersten Teil der Remake-Trilogie setzt Square Enix auch bei Rebirth auf das neue, deutlich actionorientiertere Kampfsystem der neuen Final-Fantasy-Ableger. Gekämpft wird also in einem aktiven Kampfsystem, bei dem jeder Tastendruck auch eine direkte Auswirkung auf den Kampf hat. Auch Blocken und Ausweichen steht also an der Tagesordnung. Per Tastendruck lässt sich das Kampfgeschehen in eine Art Taktik-Modus schalten, hier läuft der Kampf dann quasi in Zeitlupe im Hintergrund weiter.

Nun haben wir die Möglichkeit, diverse Aktionen wie beispielsweise verschiedene Zauber, Items und andere Angriffe zu bestimmen, welche beim Fortsetzen des regulären Kampfgeschehens dann direkt von den Mitstreitern unserer Gruppe umgesetzt werden. In Sachen Kampfsystem hat man sich bei Square Enix also wirklich Gedanken gemacht und sich für ein fast schon perfektes Kampfsystem für die Remake-Trilogie entschieden. Auch wenn viele Hardcore-Fans des Originals das sicher anders sehen.

Auch in Sachen Bewegungsfreiheit hat sich beim zweiten Teil der Remake-Trilogie einiges getan. Wir können uns ab einem bestimmten Punkt im Spiel nun deutlich freier fortbewegen und die Spielwelt fast schon nach eigenem Belieben erkunden. Der rote Faden der Story bleibt natürlich nach wie vor bestehen, dennoch haben wir die Möglichkeit, auch zu bereits besuchten Schauplätzen zurückzukehren, um eventuell vergessene Items einzusammeln oder Nebenquests nachträglich noch zu absolvieren.

Die Entwickler schaffen es mit den beiden Remake-Teilen gekonnt, den Spirit und das Spielgefühl des Originals in die Moderne zu transportieren, ohne dabei gekünstelt oder gestreckt zu wirken. Allein dafür muss man Square Enix wirklich loben, denn ein so durchdachtes und toll umgesetztes Remake eines der wohl einflussreichsten JRPGs überhaupt auf die Beine zu stellen, ist schon eine wahrhaftige Mammutaufgabe.

Zahlreiche Nebenquests kleiden Story weiter aus

Gerade für die zahlreichen Nebenquests sollte man sich genügend Zeit nehmen. Denn diese kleiden die Story weiter aus und verleihen sogar dem ein oder anderen Charakter nochmals ein ganz neues Level von Tiefgang in Sachen Charakterentwicklung.

Allgemein legt Square Enix bei der Remake-Trilogie enormen Wert darauf die einzelnen Charaktere in ihrer Tiefe zu vermitteln und somit ein einprägsames Bild eines jeden Charakters zu schaffen. Beim Original von 1997 war dies aufgrund diverser Limitierungen natürlich noch nicht in diesem Umfang möglich.

Grafisch eine absolute Augenweide und perfekt optimiert

Vor allem optisch ist Final Fantasy VII Rebirth eine wahre Augenweide. Neben den fantastischen Charaktermodellen sind es vor allem auch die knackigen Texturen und die wundervoll gestaltete Spielwelt, die dieses Abenteuer regelrecht erstrahlen lassen. Man erkennt jede Location des Originals sofort wieder, jedoch sieht das Ganze nun deutlich beeindruckender aus. Das alles schafft Square Enix ohne dabei die Identität und das Feeling des Originals von 1997 zu verlieren.

Auch die technische Umsetzung, speziell für Switch 2, ist über jeden Zweifel erhaben. Denn der Titel sieht auch auf der deutlich schwächeren Switch 2 immer noch wirklich fantastisch aus und läuft mit 30 Frames zudem auch noch ziemlich flüssig über den Bildschirm. Natürlich musste Square Enix hier von den 60 Frames der PS5-, Xbox- und PC-Versionen abweichen, das ist aber auch einfach der geringeren Hardware-Leistung der Switch 2 geschuldet.

Speziell bei der Auflösung macht sich die doch schwächere Hardware der aktuellen Nintendo-Konsole bemerkbar, denn diese fällt eine ganze Ecke niedriger aus als bei den anderen Versionen. Dennoch weiß der Titel auch auf der Nintendo-Konsole zu begeistern und speziell für die doch etwas abgespeckte Mobile-Hardware der Switch 2 ist das Gebotene wirklich absolut beeindruckend. Wer hätte schließlich noch vor ein paar Jahren gedacht, dass ein solch technisch beeindruckender Titel auf einem Handheld-Gerät spielbar sein würde?

Perfekte Synchronisation trifft auf Kult-Soundtrack

Die durchweg fantastische Synchronisation fusioniert wunderbar mit dem kultigen Soundtrack, den man bereits aus dem Original von 1997 kennt. Doch alles wirkt nun deutlich moderner und angepasster. Gerade der Soundtrack dürfte vielen Fans des Originals noch bis heute in den Gehörgängen hängen und zählt wohl bis heute mit zu den ikonischsten Soundtracks der Videospielgeschichte. Ein akustisches Fest für Fans und alle, die es werden wollen.

Legendäres Abenteuer geht in die nächste Runde – nun auch mobil

Bildmaterial: Final Fantasy VII Rebirth, Square Enix

Der Beitrag Im Test! Final Fantasy VII Rebirth ist auch auf Switch 2 ein absolutes Muss für jeden RPG-Liebhaber erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	007 First Light
	27. Mai 2026
	IO Interactive
	27. Mai 2026
	IO Interactive
	27. Mai 2026
	IO Interactive
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	IO Interactive
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Das James-Bond-Franchise gehört nicht erst seit den in jüngerer Vergangenheit erschienenen Titeln zum festen Bestandteil der Gaming-Welt. Bereits im Jahre 1982 feierte der Doppelnull-Agent seinen Einstand im Gaming-Sektor. Mit „Shaken but Not Stirred“ erschien das erste James-Bond-Videospiel für ZX Spectrum von Sinclair, einem britischen Elektronik-Hersteller.

Daraufhin folgten unzählige weitere Ableger der Reihe für die verschiedensten Plattformen. Mal als Film-Adaption und mal als völlig neu interpretierte Variante des britischen Geheimagenten. Speziell die Titel, die in der jüngeren Vergangenheit erschienen sind, bekamen allerdings oft nur mittelmäßige Kritiken und verschwanden daher auch recht schnell wieder in der Versenkung. Zuletzt erschienene 007-Titel waren beispielsweise das GoldenEye-Remake oder James Bond 007: Blood Stone aus dem Jahre 2010 oder das 2012 erschienene 007 Legends. Dann war es lange Zeit still um den wohl bekanntesten Geheimagenten der Welt.

Im November des Jahres 2020 verkündete der in Dänemark ansässige Entwickler IO Interactive dann das neue „Project 007“. Dieser neue Titel soll eine bisher noch unbekannte Lebensphase von James Bond zeigen. Sozusagen ein Neuanfang des Agenten in der Gaming-Welt. Denn IO Interactive möchte mit diesem neuen Projekt die Vorgeschichte des MI6-Agenten näher beleuchten und den Werdegang von James Bond zu einem Doppelnull-Agenten hin veranschaulichen.

Das geheimnisvolle „Project 007“ wurde im Juni 2025 dann offiziell als „007 First Light“ vorgestellt. 007 First Light erscheint nach vielen Jahren der Warterei nun endlich am 27. Mai für PS5, Xbox Series und PCs. Eine Version für Switch 2 wird ebenfalls erscheinen. Aufgrund nicht näher genannter Umstände wurde diese Switch-2-Version jedoch auf Ende Sommer dieses Jahres verschoben.

Ob das neue Abenteuer rund um den smartesten Agenten der Welt begeistern kann und ob sich ein Kauf lohnt, erfahrt ihr natürlich wie immer in unserem ausführlichen Test.

Das Leben eines Doppelnull-Agenten ist verdammt schwer

In 007 First Light übernehmen wir die Rolle eines noch sehr jungen James Bond. Dieser ist gerade mal 26 Jahre alt und noch sehr unerfahren in der Welt der geheimen Operationen. Während eines brenzligen und eigentlich absolut aussichtslosen Auftrags, aus welchem sich Bond erfolgreich retten konnte, machte dieser mit äußerst mutigen und absolut heldenhaften Entscheidungen auf sich aufmerksam. Natürlich bleiben solche großen Taten nicht ungesehen und so wird auch der britische Geheimdienst „MI6“ auf den jungen Bond aufmerksam.

Da der MI6 stets auf der Suche nach neuen und talentierten Mitarbeitern ist, wird der junge James Bond kurzerhand in eine Art Ausbildungsprogramm für Doppelnull-Agenten aufgenommen. Hier beginnt unsere Reise voller geheimer Missionen, Intrigen und der stetigen Gefahr, die auf unseren Helden lauert.

Ein Spionage-Thriller der Sonderklasse, könnte man sagen, und speziell, was die Präsentation anbelangt, steht 007 First Light den großen Vorbildern der Kinoleinwand in nichts nach. Natürlich sind auch altbekannte James-Bond-Gesichter mit von der Partie. Neben Moneypenny geben sich auch „Q“ und „M“ die Klinke in die Hand. Hier wurden also alle Punkte abgehakt, die 007 First Light zu einem wahrhaftigen Bond-Abenteuer machen.

Berühmte Attentäter-Reihe als Blaupause

Den Hitman-Einfluss merkt man 007 First Light natürlich zu jeder Zeit an. Kein Wunder, denn gerade dieses Projekt war wohl das bisher größte für den dänischen Entwickler IO Interactive. Neben dem optischen Stil, der stark an den letzten Hitman-Teil erinnert, ist es vor allem der Aufbau der Missionen, der einen immer wieder an die Abenteuer des glatzköpfigen Attentäters erinnert.

Bei 007 First Light steht das Observieren und das leise Vorgehen stets an oberster Stelle. Natürlich kann man auf Wunsch auch auf pure Waffengewalt zurückgreifen. Ganz im Stile des britischen Agenten ist das aber natürlich nicht. Leises Vorgehen wird also belohnt und beschert uns am Ende auch das bessere Ergebnis beim Abschluss der Missionen. Die Missionen sind natürlich auch darauf ausgelegt, überlegt und leise angegangen zu werden.

Es gibt allerlei Gadgets und die „Q-Watch“, eine schicke Armbanduhr, ist eines unserer Hauptwerkzeuge. Mit dieser können wir beispielsweise Giftpfeile verschießen, mit dem Laser Gegenstände durchtrennen oder Personen ablenken oder sogar diverse Rauch- und Blendgranaten abfeuern. Ein absolutes Allzweck-Werkzeug und das wichtigste Werkzeug von James Bond. Gerade die Q-Watch ist es, die 007 First Light von einem Hitman abhebt. Denn genau hier kommt die Finesse eines James Bond zum Tragen und so haben wir die Möglichkeit, die Missionen noch vielseitiger und vor allem individueller zu lösen.

Hin und wieder werden die sehr actionlastigen Missionen auch von wilden Verfolgungsjagden mit diversen Vehikeln aufgelockert. Nichts schreit schließlich mehr James Bond als eine ordentliche Verfolgungsjagd, oder? Aber Spaß beiseite, auch diese Fahrmissionen sind spaßig und unterhaltsam ausgefallen und runden das ohnehin schon sehr gute Gesamtbild noch weiter ab.

Auch haben die Entwickler von IO Interactive an die Bond-typischen Ablenkungsmanöver gedacht. Wir können die Gegner beispielsweise verwirren, indem wir eine Aufgabe vortäuschen. Wenn der jeweilige Gegner dann in Reichweite ist, kann man zum finalen Takedown ansetzen um so siegreich aus einer brenzligen Situation zu gehen. Ein tolles Feature, welches Bond-typisch fast schon dazugehört.

Weitere anspruchsvolle Missionen warten im Simulator

Auf Wunsch kann man außerdem verschiedenste Missionen im Simulator des MI6-Hauptquartiers absolvieren. Hier werden dann vor allem die einzelnen Schwerpunkte wie beispielsweise diverse Schleichmechaniken gefordert.

Diese Simulator-Missionen können teilweise ganz schön knackig ausfallen und hier ist wirklich Beherrschung gefragt, um während der hektischen Missionen einen kühlen Kopf zu bewahren. Eine ganz besondere Extra-Herausforderung für alle, die nach dem Beenden der Story noch nicht genug Bond-Luft geschnuppert haben.

Manchmal etwas planlos unterwegs

Der einzige große Kritikpunkt, den ich speziell am Missionsdesign von 007 First Light habe, ist die Tatsache, dass ich oft nicht wusste, wo ich denn jetzt gerade hingehen soll oder was genau von mir verlangt wird. Zu oft bin ich minutenlang die Locations abgelaufen, nur um am Ende auf das eigentlich Offensichtliche zu stoßen. Hier wäre hier und da vielleicht ein Wink in die richtige Richtung gut gewesen.

Optischer Leckerbissen mit etwas angestaubter Engine

Im Großen und Ganzen kommt 007 First Light wirklich schick daher. Wunderschöne Locations treffen auf knackige Effekte, scharfe Texturen und mehr als ordentliche Charaktermodelle. Ein rundes Gesamtpaket also, an dem es wirklich wenig zu mäkeln gibt.

Das Spiel läuft auf der hauseigenen „Glacier“-Engine, auf welcher bereits Titel wie Deus Ex: Mankind Divided oder auch die letzten Hitman-Ableger liefen. Das merkt man 007 First Light auch ein wenig an. Denn hier und da merkt man deutlich, dass technisch heutzutage auch etwas mehr drin gewesen wäre in Sachen grafischer Präsentation. Nichtsdestotrotz sieht 007 First Light wirklich sehr gut aus und lässt optisch nur wenige Wünsche offen.

007 First Light lief während unserer Testphase außerdem stets mit flüssigen 60 FPS über den Bildschirm. Neben dem Performance-Modus gibt es auch einen Qualitäts-Modus mit 30 FPS und einer höheren Auflösung. Auch im Performance-Modus sieht 007 First Light allerdings sehr gut aus und die etwas geringere Auflösung fällt einem höchstens bei der etwas unschärferen Weitsicht auf.

Kultiger Soundtrack trifft auf Synchronisation auf Hollywood-Niveau

Der absolut kultige James-Bond-Soundtrack trifft auf knackige und ordentlich abgemischte Soundeffekte und eine fantastische Synchronisation auf Hollywood-Niveau. Gerade die englischen Sprecher geben wirklich alles und verleihen dem Titel das gewisse Etwas. Während des gesamten Abenteuers wird das extrem hohe Niveau in Sachen Synchronisation gehalten und somit kann man 007 First Light wirklich als ebenbürtig zu den Kino-Adaptionen bezeichnen. Qualitativ ist das hier Abgelieferte erste Güte.

Auch passt der gesamte Soundtrack stets zur jeweiligen Situation und verleiht den jeweiligen Situationen wahrhaftiges Kino-Feeling. Besser könnte man einen Soundtrack quasi nicht auswählen. Aber wir reden hier ja schließlich auch von einem James-Bond-Abenteuer. Das Beste ist also gerade gut genug.

Spannendes Agenten-Abenteuer auf Oberklasse-Niveau

Bildmaterial: 007 First Light, IO Interactive

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Eine kleine Marktlücke schließt jetzt AYN, eine Schwestermarke von Ayaneo mit dem AYN Thor. Das Gerät scheint eine besondere Fangemeinde und Nische anzusprechen – und ist seit der Veröffentlichung Ende 2025 nur schwer zu bekommen. Wir haben uns für die vierte Vorbesteller-Welle angemeldet, 340 Euro gezahlt – und nach 7 Wochen Wartezeit ist er endlich angekommen.

Kompaktes Gerät im 3DS-Stil mit Android 13

Das von uns getestete AYN Thor hat oben einen 6 Zoll AMOLED Touchscreen und unten einen 3.92″ AMOLED Touchscreen und läuft mit Android 13. Der 6000mAh Akku hält zwischen 3 und 12 Stunden, die Hall Sticks sollen lange ohne Stick Drift funktionieren. Dazu kommen in der „Rainbow Pro“ Variante ein Snapdragon 8 Gen2, 12 GB RAM und 256 GB interner Speicher.

Die Hardware überzeugt, hat aber auch ein paar Schwächen, denn der Formfaktor nötigt einige Kompromisse ab. Die 3D-Sticks sind – ähnlich wie bei der PlayStation Vita – ziemlich klein, ebenso die Buttons und auch das Griffgefühl ist weit weg von den komfortablen, aber wuchtigen Handhelds von heute.

Die Schulterbuttons sind eher zweckmäßig und werden von vielen mit Aufsätzen aus dem 3D-Drucker verbessert. Highlight ist aber der duale Screen. Der obere Bildschirm zeigt mit seinem Full-HD-OLED brillante Farben, während der untere weitere nützliche Inhalte anzeigen kann – oder gleich Dual-Screen-Inhalte.

Die Bildschirme können auch unabhängig voneinander genutzt werden, also zwei unabhängige Apps können parallel zueinander laufen – dazu später mehr. Nervig: Wer von den Sticks abrutscht, aktiviert leicht den Fokus auf den unteren Bildschirm und deaktiviert damit bei nicht auf das Gerät optimierte Programmen die Steuerung für den oberen Bildschirm.

Einen speziell erhöhten Rand des unteren Bildschirms wie beim 3DS oder 3DS XL gibt es hier nicht. Der mit Abstand größte Nachteil: Die Buttons sind im Nintendo-Layout, die allermeisten Android-, Steam- und Cloud-Spiele sind jedoch auf die Xbox-Belegung optimiert. AYN bietet an, die Buttonbelegeung per vorinstallierter App umzulegen.

Für viele dürfte der AYN Thor wegen seiner beiden Bildschirme ein Gerät für DS-, 3DS- und mit Abstrichen auch Wii-U-Emulation sein. Das eingebaute Gyroskop funktioniert in diesen Emulatoren, doch der untere Touchscreen (kapazitiv) hat eine leichte Verzögerung und neigt zum Tearing. Doch auf Emulation liegt unser Fokus nicht.

Die Community macht das Gerät spannend

Unser Kaufgrund war aber die Community, die sich bereits jetzt um das Gerät gebildet hat – ohne gute Software nutzt auch die beste Hardware nichts. Nicht nur gibt es Custom Roms auf Linux-Basis, welche einen experimentellen PS3-Emulator, Steam und diverse „Portmaster“-Games zum Laufen bringen, auch das standardmäßig installierte Android-13-System wird mit neu entwickelten, extra für das AYN Thor angepassten Apps ausgestattet – von Onboard-Performance-Tools von AYN selbst bis hin zu Tweaks für die Bildschirmhelligkeit und einer Ambilight-Funktion für die Stickbeleuchtung. Für uns war vor allem die native Performance des Androids sowie der Zustand der Android-Windows-Kompatibilitätsschicht interessant, die auf der Arbeit von Valve und dem Steam Deck aufbaut.

Native Android-Spiele: Eine tolle Handheld-Spielerfahrung mit einer entscheidenden Einschränkung

Wie zu erwarten ist die Performance für native Android-Spiele super. Man merkt jedoch oft, dass die Leistung künstlich begrenzt wird, denn selbst „extreme“ Einstellungen sind sehr konservativ gesetzt, um die Überhitzung von normalen Smartphones ohne Lüfter zu verhindern. Die grafische Qualität ist deshalb nur auf Nintendo-Switch-Niveau.

Die Spielwelt von Mongil: Star Dive wird weichgezeichnet wie ein Xenoblade Chronicles 2, während Neverness to Everness selbst mit Upscaling (SGSR) auffällig niedrig aufgelöst ist. Auf dem kleinen 6-Zoll-Bildschirm ist das kaum sichtbar, über ein USB-C-Dock am TV jedoch umso mehr.

Touchscreen-lastige Spiele wie Project Sekai: Colorful Stage feat. Hatsune Miku sind nicht zu empfehlen. Die Vorfreude auf für Handhelds passende Spiele wie Aniimo oder Petit Planet steigt mit dem kleinen Gerät allerdings deutlich.

PC-Kompatibilität: Überraschend komfortabel

Positiv überrascht waren wir davon, wie weit Apps wie „GameNative“ inzwischen fortgeschritten sind. Letztes Jahr waren Steam-Spiele auf Android noch ein Bastelprojekt für Enthusiasten, heute gibt es mit GameNative ein ziemlich benutzerfreundliches Produkt, was viele Einstellungen automatisiert und sogar Cloud-Speicherstände synchronisiert. Zusammen mit einem Gaming-Frontend wie Cocoon wirkt das Gerät fast wie eine moderne Neuauflage des 3DS XL, nur eben mit PC- und Android-Spielen.

Der ursprüngliche Plan, vor allem auf dem unteren Screen klassische Spiele der frühen 2000er im 4:3 Format und 800×600 Auflösung mit „Winlator“ laufen zu lassen, war daher schnell verworfen – auch wenn es die PC-Version von NFS Underground, NFS Most Wanted und Recettear mit ein wenig Bastelei auf das Gerät geschafft hat.

Die Automatisierung von GameNative lädt dagegen zum Ausprobieren und Spielen ein. Sonic Mania, Raccoin und Story of Seasons: Friends of Mineral Town sind sofort vom PC auf das Gerät gewandert. Das obere Ende der Möglichkeiten sind derzeit Spiele wie Dragon Quest Builders 2 und etwas unerwartet sogar Sonic Racing: Crossworlds.

Spielperformance zwischen Switch und Steam Deck

Auf Kompatibilität spezialisierte Apps listen Grand Theft Auto V, Hollow Knight: Silksong, Cuphead, Stardew Valley, Dispatch, Octopath Traveler, Celeste, Fallout: New Vegas, Mewgenics und Metaphor: ReFantazio als die beliebtesten Steam-Titel auf dem Gerät. Der Youtuber WiruDecko testet viele dieser Spiele ausführlich.

Die Community arbeitet aktuell daran, auch aufwändigere und aktuellere Spiele wie auch Final Fantasy VII Remake Intergrade, Cyberpunk 2077, Witcher 3 und auch Digimonstory: Time Stranger in den nächsten Wochen in einen flüssig spielbaren Zustand zu bekommen – bisher laufen diese Spiele trotz Optimierungen nur zwischen 20 und 30 FPS. Helfen sollen moderne KI-Funktionen wie FSR und Frame Generation. Allgemein scheint eine gute Faustregel zu sein: Was auf der Nintendo Switch gut lief, macht als Windows-Version auf dem AYN Thor in der Regel wenig Probleme. Steam-Deck-Performance erreicht man jedoch nicht ganz.

Einzigartige Spielerfahrung durch neu entwickelte Apps

Wer seine japanischen Klassiker gerne in der Originalsprache spielt, kann einige interessante Homebrew-Apps finden, welche die Spiele auf dem unteren Bildschirm übersetzen. Bisher scheint PlayTranslate der erfolgversprechendste Kandidat zu sein, der auch bei untertitelten Filmen und Anime funktioniert. Die App übersetzt damit quasi jedes Spiel, ohne dass ihr mühsam eine Fan-Übersetzung ins Spiel patchen müsst.

Weitere beliebte Apps sind normale KI-Apps wie ChatGPT für Spieletipps oder gleich der „Pixel Guide„, welcher euch einen guten alten Walkthrough zum Spiel auf dem unteren Bildschirm anzeigt. Witzig ist auch Bifrost, der die LED-Beleuchtung der Sticks in eine Art Ambilight umwandelt.

Damit sind eure Finger immer in der Farbe des aktuellen Bildschirminhalts beleuchtet. Wer ständig aktuell sein will, welche Spiele neu auf dem Gerät laufen und welche derzeit beliebt sind, für den ist EmuReady Lite ein Muss. Obtanium hilft, bei Vorabversionen von Programmen aktuell zu bleiben, bevor stabile Versionen in den Play Store kommen. Bei der aktuellen Entwicklungsgeschwindigkeit ist das empfehlenswert.

In-Home-Streaming und Cloud Gaming

Ein Blick auf das Datenblatt verrät: Der AYN Thor wurde mit WIFI 7 auch für Game Streaming mit GeForce Now, Xbox Cloud Gaming und Steam In-Home Streaming optimiert. Der Praxistest zeigt: Das funktioniert wunderbar. Das Bild und die Grafikqualität sind auf dem kleinen Gerät top und auch die Tasten werden problemlos erkannt. Bei guter Verbindung ist insbesondere bei Geforce Now nur wenig Latenz zu spüren.

Positiv überrascht waren wir von der Streaming-App CloudMoon, welche Mobile Games kostenlos, aber werbefinanziert und ohne lange Wartezeiten auf das Gerät bringt. 15 Minuten am Tag sind gratis, weitere 7 Spielminuten können per 2-minütiger Werbung freigeschaltet werden. Da Honkai: Star Rail inzwischen bei etwa 35 bis 50 GB Spielgröße angekommen ist, nutzten wir diese Möglichkeit für die täglichen Quests in Honkai: Star Rail. Leider wird der eingebaute Controller hier nicht unterstützt.

Bonus: Ein kompakter Mediastreamer

Der SD-Karten-Slot macht das Gerät auch zu einem idealen Medienstreamer für unterwegs. Neben Youtube, Youtube Music und Spotify gibt es auch die Möglichkeit, ein paar Folgen einer Anime-Serie auf die SD-Karte zu laden und diese auch per Netzwerkfreigabe auf den heimischen TV zu streamen. Nach wenigen Tagen fiel uns auch auf, dass der AYN Thor einen 3,5-mm-Audio-Anschluss besitzt. Seitdem ist er auch noch behelfsmäßiger MP3-Player und sieht ein wenig aus wie ein Walkman aus den 90ern.

Fazit: Vielseitiger als erwartet, aber nichts für jeden

In den 7 Wochen Lieferzeit ist aus dem Gerät mit viel Potenzial ein vielseitiges Gerät für jeden geworden, der kein Problem hat, auch mal ein Wiki zu durchstöbern oder Installationsanleitungen auf Github zu befolgen. Emulation, PC- und Steam-Kompatibilität sind in Rekordzeit gereift.

Inzwischen wird das Gerät zunehmend zu einer kompakten Steam-Deck-Alternative, erreicht aber nicht ganz dessen Leistung. Die Community um das Gerät wächst rasant, beinahe wöchentlich gibt es ein neues interessantes Projekt oder ein neues, großes Update eines bekannten Projekts zu entdecken.

In der frühen Beta befinden sich derzeit auch Apps, die das PC-Spielerlebnis noch mal ein Stück näher an die Steam-Deck-Erfahrung bringen sollen, indem sie komfortabel FSR und Frame Generation einbinden und damit selbst Titel lauffähig machen, die man nicht unbedingt auf einem 340-Euro-Handheld erwarten würde. Wir sind daher gespannt, ob der AYN Thor am Ende eine Welle von günstigen Handhelds lostritt, welche PC- und Android-Spiele abspielen.

Bildmaterial: AYN Thor, eigene Fotos

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Titel	LEGO Batman: Das Vermächtnis des Dunklen Ritters
	22. Mai 2026
	Warner Bros. Games
	22. Mai 2026
	Warner Bros. Games
	22. Mai 2026
	Warner Bros. Games
System	PS5, Xbox Series, PC
Getestet für	PS5
Entwickler	TT Games Studios
Genres	Open-Word, Action-Adventure
Texte
Vertonung

Der Dunkle Ritter kehrt zurück. Nach Batman: Arkham Knight von Rocksteady Studios aus dem Jahr 2015 bekommen wir tatsächlich elf Jahre später wieder ein großes Open-World-Abenteuer rund um den Dunklen Ritter spendiert. Die Arkham-Reihe gilt zwar längst als abgeschlossen, doch nun übernehmen TT Games gemeinsam mit Warner Bros. Games das Steuer – natürlich im typischen LEGO-Gewand.

Ganz neu ist die Kombination aus LEGO und Batman allerdings nicht. Mit LEGO Batman, LEGO Batman 2: DC Super Heroes und zuletzt LEGO Batman 3: Beyond Gotham existieren bereits drei Ableger rund um die ikonischen Klemmbausteine und den DC-Helden. Doch LEGO Batman: Das Vermächtnis des Dunklen Ritters wirkt diesmal deutlich größer gedacht.

Neben LEGO Star Wars: Die Skywalker Saga dürfte dieses neue Abenteuer problemlos als eines der ambitioniertesten – wenn nicht sogar das ambitionierteste – LEGO-Spiel überhaupt durchgehen. Ein riesiges Gotham, ein neues Kampfsystem, unzählige Figuren aus dem Batman-Universum und entsprechend hohe Erwartungen setzen die Messlatte gewaltig nach oben.

LEGO-Spiele gelten schließlich traditionell als eher leichte Kost und klar auf jüngere SpielerInnen zugeschnitten. Warum das hier aber nur bedingt zutrifft und weshalb ich mich den bisherigen Stimmen anschließen muss, die das Spiel als das beste LEGO-Spiel überhaupt – und gleichzeitig als eines der besten Spiele des Jahres – bezeichnen, klären wir in diesem Test.

Eine Liebeserklärung an Batman

Die Batman-Lore ist inzwischen gigantisch. Filme, Comics, Serien, Anime, Manga und natürlich Videospiele haben dem Dunklen Ritter über Jahrzehnte hinweg immer neue Interpretationen und Origin-Stories spendiert. LEGO Batman: Das Vermächtnis des Dunklen Ritters bedient sich dabei großzügig an den ikonischsten Momenten der jüngeren Batman-Geschichte.

Vor allem die „The Dark Knight“-Trilogie von Christopher Nolan mit Christian Bale als Batman dient spürbar als große Blaupause für Struktur und Atmosphäre. Doch auch Einflüsse aus „The Batman“ von Matt Reeves, dem Batman von Tim Burton, der legendären „Batman: The Animated Series“ und sogar der kultigen 60er-Serie mit Adam West werden ständig aufgegriffen und zitiert.

Zwischen Gotham und Gesellschaft der Schatten

Wie könnte es anders sein: Wir begleiten Bruce Wayne auf seinem Weg der Rache nach dem Mord an seinen Eltern. Bekanntes Terrain also. Bruce begegnet Ra’s al Ghul, tritt der Gesellschaft der Schatten bei und verfolgt weiter sein großes Ziel, Gotham aus den Händen der Kriminellen zu befreien. Die Geschichte fühlt sich dadurch fast wie ein „Best-of“ der Batman-Historie an.

Natürlich dürfen dabei auch die ikonischen Weggefährten nicht fehlen: Alfred Pennyworth, Jim Gordon, Catwoman und Robin stehen ebenso im Rampenlicht wie eine ganze Riege legendärer Gegenspieler – vom Penguin über den Riddler bis hin natürlich zum Joker, der Batman über all die Jahre erst zu dem gemacht hat, was er heute ist.

Zwischen Nostalgie und LEGO-Humor

Wenn man dem Spiel etwas vorwerfen möchte, dann vielleicht, dass sich TT Games extrem an die Vergangenheit klammert. Eine wirklich neue oder originelle Batman-Geschichte sucht man hier vergeblich. Dafür erlaubt sich das Spiel an anderer Stelle viele Freiheiten – vor allem dank des allgegenwärtigen LEGO-Humors. Der beschränkt sich glücklicherweise nicht nur auf Slapstick, sondern feuert ständig flotte Sprüche, Running Gags und Referenzen ab, die gerade ältere Batman-Fans sofort erkennen dürften. Denn jeder weiß schließlich: Es ist immer gut, das Anti-Hai-Spray griffbereit zu haben.

Man merkt dem Spiel in jeder Sekunde an, dass hier Menschen am Werk waren, die vermutlich seit Jahren in Batman-Bettwäsche schlafen. Videos mit sämtlichen Referenzen und Easter Eggs würden wahrscheinlich mehrere Tage Laufzeit erreichen. Genau dieser Umstand hat mir als Batman-Fan permanent ein Grinsen ins Gesicht gezaubert – dem Joker würde das vermutlich gefallen. Wer kein Problem damit hat, dass hier eher bestehende Batman-Geschichten gefeiert statt neu erfunden werden, dürfte mit dem Abenteuer extrem viel Spaß haben. Wer hingegen nach einer komplett neuen Interpretation sucht, wird hier eher enttäuscht sein.

„Ich bin Batman“

Oder zumindest fühlt es sich genau so an. Wer auch nur eine Stunde Batman: Arkham Knight gespielt hat, wird sich in LEGO Batman: Das Vermächtnis des Dunklen Ritters sofort zuhause fühlen. Gotham dient erneut als riesiger Spielplatz, der komplett frei erkundet werden darf. Wir schwingen uns mit dem Greifhaken durch die Häuserschluchten, gleiten mit dem Umhang durch das verregnete Gotham und jagen von Dach zu Dach. Die Parallelen zu Rocksteadys letztem Open-World-Batman sind dabei absolut unverkennbar.

Free-Flow trifft Klemmbaustein

Auch beim Kampfsystem hat sich TT Games ganz offensichtlich inspirieren lassen. Das berühmte Free-Flow-Kampfsystem kehrt erstmals im LEGO-Gewand zurück – und das war auch dringend nötig. Frühere LEGO-Spiele boten kämpferisch meist eher rudimentäre Kost. Jetzt kombinieren wir Angriffe, kontern Gegner und prügeln uns durch ganze Gegnerhorden. Natürlich dürfen dabei Batmans Gadgets wie Batarang oder Batclaw nicht fehlen.

Zusätzlich können wir jederzeit zwischen Batman und mindestens einem unterstützenden Mitstreiter wechseln. Das neue Kampfsystem ist für die LEGO-Reihe ein gewaltiger Schritt nach vorne, auch wenn es letztlich eher als „Free-Flow-Lite“ bezeichnet werden muss. Die volle Tiefe der Arkham-Spiele erreicht es nicht, dennoch fühlt sich das Ganze deutlich dynamischer und moderner an als alles, was die Reihe bisher geliefert hat.

Gotham als riesiger Spielplatz

Abseits der Kämpfe wartet ein gigantisches Gotham darauf, erkundet zu werden. Überall verstecken sich Sammelobjekte, kleine Nebenaufgaben und natürlich auch die berüchtigten Riddler-Trophäen. Allein bei diesem Namen dürfte es vielen Arkham-Fans bereits kalt den Rücken herunterlaufen.

Batman selbst kann zwar weder besonders hoch springen noch klettern, was manche Passagen etwas fummelig gestaltet, insgesamt spielt sich das Abenteuer aber hervorragend. Und natürlich steht auch wieder ein ganzes Arsenal ikonischer Fahrzeuge bereit. Vom modernen Batmobil aus The Batman über das legendäre Batmobil von 1989 bis hin zum Tumbler aus der „The Dark Knight“-Trilogie ist praktisch alles vertreten, was das Fanherz begehrt.

Die Bathöhle als Rückzugsort

Am Umfang mangelt es dem Spiel definitiv nicht. Wer möchte, kann problemlos dutzende Stunden in Gotham verbringen. Die größeren Story-Missionen finden meist in speziell gestalteten Bereichen statt, die mit viel Liebe zum Detail umgesetzt wurden. Dort kämpfen wir, lösen Rätsel und nutzen die individuellen Fähigkeiten der verschiedenen Charaktere – ganz so, wie man es aus klassischen LEGO-Spielen kennt.

Zwischen den Missionen dient die Bathöhle als zentrale Anlaufstelle. Hier verbessern wir unsere Ausrüstung, bestaunen unsere schicken Fahrzeuge oder werfen einen Blick auf die beeindruckende Sammlung an Batman-Anzügen. Und ja – allein damit könnte man vermutlich schon Stunden verbringen.

Das wohl schönste LEGO-Spiel bisher

Mit LEGO Batman: Das Vermächtnis des Dunklen Ritters hat TT Games meiner Meinung nach das bislang schönste LEGO-Spiel überhaupt auf die Beine gestellt. Getestet wurde auf der PlayStation 5, wo ein Performance- und ein Fidelity-Modus zur Auswahl stehen. Besonders im Performance-Modus überzeugt das Spiel mit konstanten 60 FPS und sieht dabei trotzdem hervorragend aus.

Vor allem die Beleuchtung, die Regeneffekte auf Batmans Cape und die allgemeine Atmosphäre fangen Gotham meisterhaft ein. Überraschend gut funktioniert dabei die Kombination aus semi-realistischer Spielwelt und klassischer LEGO-Optik. Die kleinen Plastikfiguren wirken keineswegs fehl am Platz – im Gegenteil. Gerade die Close-ups der Charaktere können sich sehen lassen. Mit sichtbaren Angussnähten und kleinen Unebenheiten sehen die Figuren tatsächlich so aus, als hätte man sie gerade frisch aus einer LEGO-Packung gekippt. Genau diese Details verleihen dem Ganzen noch mehr Charme und Plastizität.

Eine musikalische Reise durch Batmans Geschichte

Auch musikalisch fährt das Spiel schwere Geschütze auf. Statt komplett neuer Kompositionen greift man großzügig auf die ikonischen Batman-Soundtracks der vergangenen Jahrzehnte zurück – und genau das funktioniert hervorragend. Schon das berühmte Intro der Batman: The Animated Series löst sofort Nostalgie aus und dürfte vielen Fans direkt ein Grinsen ins Gesicht zaubern. Hier wird die DC-Lizenz voll ausgespielt und mit zahlreichen legendären Musikstücken zelebriert.

Leicht zugänglich, aber nie belanglos

Das neue LEGO Batman ist zu großen Teilen komplett auf Deutsch vertont. Die Qualität schwankt dabei allerdings etwas – besonders bei kleineren Nebenrollen merkt man Unterschiede. Die wichtigen Charaktere wie Batman selbst sind dagegen gelungen besetzt. Zwar erreicht der Sprecher nicht ganz die ikonische Präsenz von David Nathan, der vielen vor allem als deutsche Stimme von Christian Bale und Johnny Depp bekannt sein dürfte, dennoch macht er insgesamt einen guten Job. Natürlich stehen zusätzlich auch weitere Sprachoptionen zur Verfügung.

LEGO-Spiele wurden in der Vergangenheit häufig für ihren sehr niedrigen und repetitiven Schwierigkeitsgrad kritisiert – und auch das neue Batman-Abenteuer bleibt insgesamt eher leicht zugänglich. Immerhin gibt es diesmal drei auswählbare Schwierigkeitsgrade. Selbst der höchste davon stellt erfahrene SpielerInnen zwar kaum vor ernsthafte Probleme, die Option ist aber dennoch willkommen. Sehr positiv fallen außerdem die umfangreichen Barrierefreiheits-Einstellungen auf, die heutzutage bei Produktionen dieser Größenordnung eigentlich selbstverständlich sein sollten.

Natürlich darf auch der klassische lokale Koop-Modus nicht fehlen. Im Couch-Koop könnt ihr gemeinsam mit Freunden durch die dunklen Straßen Gothams ziehen, Verbrecher verprügeln und euch gemeinsam durch die Story kämpfen – genau so, wie man es von LEGO-Spielen erwartet.

Das Spiel erscheint am 22. Mai 2026 für PlayStation 5, Xbox Series X and Series S sowie PCs via Steam und Epic Games Store. Eine Version für die Nintendo Switch 2 soll noch im Laufe des Jahres kommen.

Gotham aus Klemmbausteinen war nie besser

Bildmaterial: LEGO Batman: Das Vermächtnis des Dunklen Ritters, Warner Bros, TT Games

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Titel	Yoshi and the Mysterious Book
	21. Mai 2026
	Nintendo
	21. Mai 2026
	Nintendo of America
	21. Mai 2026
	Nintendo
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Good-Feel
Genres	Platformer
Texte
Vertonung	–

Good-Feel ist bekannt dafür, eher seichte Wohlfühl-Unterhaltung zu liefern – zuletzt etwa mit dem von vielen kritisch beäugten Princess Peach: Showtime!. Jetzt rückt aber wieder Yoshi ins Rampenlicht. Ganze sieben Jahre nach Yoshi’s Crafted World geht es in Yoshi and the Mysterious Book auf Entdeckungstour durch ein farbenfrohes Bilderbuch-Abenteuer. Gleichzeitig markiert das Spiel Yoshis ersten Soloauftritt auf der Nintendo Switch 2.

Im Vorfeld gab es allerdings einige Sorgen. Zu leicht, zu anspruchslos, kein Vollpreis-Titel – diese Kritikpunkte schwirrten schon früh durchs Netz. Offenbar sah auch Nintendo selbst das ähnlich und senkte den Preis der physischen wie digitalen Version jeweils um zehn Euro.

Warum man das neue Yoshi-Abenteuer trotzdem keineswegs unterschätzen sollte, wie viel Charme und Spaß in dem Bilderbuch stecken und vor allem für wen sich das Ganze lohnt, klären wir in diesem Test.

Eine Bilderbuch-Geschichte

Eine gute Bilderbuch-Geschichte lebt eigentlich auch von einer spannenden Handlung … oder? Nun ja, genau das war bei der Yoshi-Reihe noch nie wirklich der Fokus – und auch das neue Abenteuer macht da keine Ausnahme.

Eines Tages landet die sprechende Enzyklopädie Enzo – ja, der Name ist durchaus Programm – auf der beschaulichen Yoshi-Insel. Gemeinsam mit den Yoshis machen wir uns daran, die verblassten Seiten des Buches wieder mit Leben zu füllen. Einst enthielten sie allerlei Informationen über die unterschiedlichsten Kreaturen dieser Welt, nun sind sie leer und müssen nach und nach erneut gefüllt werden. Natürlich dürfen auch bekannte Gesichter nicht fehlen: Bowser Jr. mischt wieder fleißig mit, unterstützt von Kamek.

Die Story bleibt letztlich aber klar Nebensache und dient eher als lockerer Aufhänger für das eigentliche Abenteuer. Das ist allerdings auch vollkommen okay, denn die Prioritäten liegen hier ganz woanders. Und seien wir ehrlich: Eine besonders tiefgründige oder emotionale Handlung hätte hier vermutlich ohnehin niemand erwartet.

Entdecken statt Durchrennen

Ganz klar im Mittelpunkt von Yoshi and the Mysterious Book steht das Erkunden und Entdecken – genau hier spielt das neue Abenteuer seine größten Stärken aus. Um die verblassten Seiten von Enzo wieder zu füllen, werden wir direkt in die Buchseiten hineingesogen und erkunden dort die Lebensräume unterschiedlichster Kreaturen.

Vor jedem Ausflug dürfen wir uns erst einmal einen beliebig farbigen Yoshi aussuchen. Stil muss schließlich auch im Bilderbuch-Abenteuer sein. Spielerisch steuert sich Yoshi dabei genauso, wie Fans ihn kennen und lieben: mit ikonischem Flattersprung, der typischen Fähigkeit Gegner zu verschlucken und allerlei Objekte auf dem Rücken zu transportieren.

Für nahezu jede Interaktion mit einer Kreatur erhalten wir kleine „Fleißsternchen“, die wiederum neue Seiten in Enzos Buch füllen. Manchmal reicht es schon aus, ein Wesen einfach zu verschlucken, nur um herauszufinden, wie es wohl schmeckt. Andere Aufgaben werden deutlich komplexer und motivieren dazu, mit möglichst vielen Elementen innerhalb der Level zu experimentieren. Und genau das ist der entscheidende Punkt: Das Spiel zwingt einen selten wirklich zu etwas, sondern ermutigt vielmehr zum Ausprobieren.

Die gesammelten Sterne schalten nach und nach neue Kapitel frei, wobei die benötigte Mindestanzahl angenehm fair ausfällt. Zusätzlich warten auch wieder die bekannten Grinseblumen in den Leveln, die diesmal besonders im späteren Spielverlauf wichtig werden können. Wer gründlich sucht, spart sich später einiges an Aufwand. Mit den sogenannten Glyphen existiert zudem eine weitere Währung, mit der zusätzliche Hinweise zu den Kreaturen freigeschaltet werden können.

Jede Seite birgt ein neues Geheimnis

Jede Kreatur besitzt ihre eigene große Hauptaufgabe. Ist diese abgeschlossen, können wir das Level verlassen oder weiter erkunden. Anschließend wird alles fein säuberlich in Enzos Enzyklopädie eingetragen – inklusive der Möglichkeit, den Kreaturen eigene Namen zu geben oder einen Vorschlag von Enzo anzunehmen. Dabei treffen wir sowohl auf komplett neue Wesen als auch auf bekannte Gesichter aus der Mario- und Yoshi-Historie.

Besonders spannend: Viele dieser Kreaturen erweitern Yoshis Fähigkeiten. Mal erzeugen wir Seifenblasen, um höhere Plattformen zu erreichen, mal rasen wir blitzschnell durchs Wasser oder schleudern einen Bumerang durch die Gegend. Teilweise verändert sich dadurch sogar die Steuerung grundlegend, was gelegentlich etwas fummelig werden kann. Insgesamt steuert sich Yoshi aber gewohnt hervorragend.

Die einzelnen Level bleiben zwar recht übersichtlich und das grundlegende Leveldesign eher simpel, dafür steckt das Spiel voller kreativer Ideen. Gerade in der zweiten Hälfte überraschen die Fähigkeiten und Einsatzmöglichkeiten der Kreaturen immer wieder aufs Neue. Man fragt sich regelmäßig: „Wie sind sie denn jetzt wieder auf diese Idee gekommen?“ Genau diese kreative Verspieltheit trägt das Abenteuer bis zum Schluss.

Kein Grafikbrett, aber voller Charme

Die Präsentation von Yoshi and the Mysterious Book ist genau das, was man von einem Yoshi-Abenteuer erwarten würde: bunt, verspielt und voller Bilderbuch-Charme. Wir bewegen uns förmlich durch die einzelnen Seiten des magischen Buches, was dem gesamten Abenteuer eine sehr eigene Atmosphäre verleiht.

Ein echtes Grafikbrett sollte man allerdings nicht erwarten. Optisch wirkt das Spiel zwar stimmig, hätte aber meiner Meinung nach auch problemlos noch auf der ersten Nintendo Switch laufen können. Technisch gibt es dagegen wenig zu meckern: Flüssige 60 FPS sorgen für ein angenehm rundes Spielgefühl, größere Bugs oder technische Probleme sind mir während der Testzeit nicht begegnet.

Die Reihe war schon immer für ihre eingängigen Melodien bekannt. Dieses Mal fällt das Ohrwurm-Potenzial allerdings etwas geringer aus. Die Musik bleibt zwar verspielt und teilweise angenehm experimentell, wirklich dauerhaft im Gedächtnis bleiben die Stücke jedoch eher selten.

Eine vertane Multiplayer-Chance

Wie bereits erwähnt, liegt der Fokus komplett auf dem Erkunden – und genau das zieht das Spiel konsequent durch. Leben gibt es keine, verletzt werden kann Yoshi ebenfalls nicht. Wir sind also praktisch unverwundbar und können uns voll und ganz auf das Entdecken konzentrieren. Das mag man als anspruchslos empfinden, für die Art von Spiel, die Yoshi and the Mysterious Book sein möchte, passt das aber erstaunlich gut.

Im ersten Durchgang ist es nahezu unmöglich, sämtliche Geheimnisse eines Levels oder alle Details der jeweiligen Kreaturen aufzudecken. Über die vielen Kapitel hinweg wartet reichlich Inhalt auf neugierige Spielerinnen und Spieler, die wirklich alles entdecken möchten.

Vor allem jüngere SpielerInnen dürften hier besonders viel Spaß haben. Für diese Zielgruppe bietet das Abenteuer viele Stunden entspannte Unterhaltung. Gleichzeitig schließt das erfahrenere Spieler keineswegs aus – man sollte nur wissen, worauf man sich einlässt. Für ein paar gemütliche Runden auf der Couch, vielleicht sogar gemeinsam mit den eigenen Kindern, eignet sich das Spiel eigentlich perfekt. Umso enttäuschender ist es, dass ein Multiplayer-Modus komplett fehlt. Weder zwei Yoshis gleichzeitig noch ein klassischer Rückenreiten-Koop sind vorhanden. Gerade hier wurde leider einiges an Potenzial verschenkt.

Unterstützt werden außerdem verschiedene amiibo-Figuren, darunter Yoshi-, Bowser-Jr.- und Schnuffel-amiibo. Darüber lassen sich zusätzliche Hinweise freischalten, falls man etwas Unterstützung möchte.

Mehr Couch als Competition

Bildmaterial: Yoshi and the Mysterious Book, Nintendo

Der Beitrag Im Test! Yoshi and the Mysterious Book bleibt bis zum Ende kreativ, hat aber ein Manko erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Forza Horizon 6
	19. Mai 2026 (Early Access 15. Mai)
	Xbox Game Studios
	19. Mai 2026 (Early Access 15. Mai)
	Xbox Game Studios
	19. Mai 2026 (Early Access 15. Mai)
	Xbox Game Studios
System	Xbox Series X/S, PC, Cloud
Getestet für	PC, Geforce Now
Entwickler	Playground Games
Genres	Rennspiel
Texte
Vertonung

Seit über einem Jahrzehnt begeistert die Festival-Rennspiel-Serie Forza Horizon Fans weltweit und erhält mit jedem neuen Eintrag Top-Wertungen. Nachdem es zu Beginn der aktuellen Konsolengeneration in Forza Horizon 5 quer durch Mexiko gegangen war, wurden wir hellhörig, als es hieß, Forza Horizon 6 solle Japan als „Horizon Festival“-Austragungsort haben. Ob ein ambitioniertes Rennspiel den Flair des vielfältigen Landes wirklich ausreichend einfangen kann?

Einen kleinen Dämpfer der Vorfreude gab es vorab, denn Microsoft kündigte an, die Landkarte im Spiel stark an die Anforderungen anzupassen – das heißt, die Karte wurde geschrumpft und nur die wichtigsten Orte verbleiben im Spiel. Am Ende ist diese Entscheidung vielleicht sogar eine Stärke des Titels.

Forza Horizon 6 orientiert sich zwar stark an Tokio und beinhaltet auch alle wichtigen Stadtteile und Wahrzeichen, diese wurden aber bewusst angepasst und dichter zusammengeführt – so befindet sich der Tokio Tower direkt in der Nähe des Shibuya Scramble und ist von dort in weniger als 30 Sekunden erreichbar, was im echten Stadtbild so natürlich nicht möglich wäre.

Außerdem ist man auf diese Weise in wenigen Minuten bereits in den Bergen, um an den vielzähligen Drift-Events teilnehmen zu können. Die Fahrzeuge verfügen übrigens über einen Autopiloten, womit ihr euch zu den nächsten Events fahren lassen und die virtuelle Landschaft genießen könnt. Von den Außenbezirken die Skyline von Tokio und im Hintergrund die weltbekannten Gebirge Japans zu sehen, ist zu jeder Jahreszeit und bei jedem Wetter ein Hingucker.

Japanische Autokultur im Vordergrund

Wie Deutschland hat auch Japan eine starke Autokultur, welche in Forza Horizon 6 zum Ausdruck kommt. Über hundert Fahrzeuge bekannter Marken wie Toyota, Honda, Nissan, Mitsubishi, Mazda, Subaru und Suzuki sind im Spiel vorhanden – insgesamt sind es über 550 Fahrzeuge. Leider fehlen bislang die dazugehörigen Motorradmarken – vielleicht eine Möglichkeit für zukünftigen DLC.

Ein echtes Highlight ist nicht nur die detailgetreu nachgebaute Innenstadt, sondern auch die authentischen Gameplay-Elemente wie die Drift-Herausforderungen, die regelmäßigen Autotreffen an legendären Orten wie dem Daikoku-Parkplatz in Tokio sowie das Aftermarket-Car-System, das die ausgeprägte japanische Tuning-Szene mit echten japanischen Tuning-Marken zeigt. Nicht nur auf dem Berg Haruna und an der bekannten Bandai Azuma Skyline gibt es Drift-Events  – etwas, das Fans der „Initial D“-Serie bereits länger bekannt ist.

Das Spiel würdigt insbesondere die Vielfalt japanischer Fahrzeugtypen: von einzigartigen Kei-Cars wie dem Autozam AZ-1 und dem Honda Beat über JDM-Ikonen wie Nissan Skyline GT-R, Toyota Supra MK4 und Mazda RX-5 bis hin zu den Japan-spezifischen Antriebstechnologien.

Japanische Kultur über Fahrzeuge transportiert

Ein weiteres Highlight ist das Livery-System, mit dem SpielerInnen aus aller Welt ihre Fahrzeuge mit eigenen Motiven lackieren können. Das neue Japan-Thema brachte Fans bereits auf einige kreative Kreationen im farbenfrohen japanischen Stil, auch einige Elemente der japanischen Popkultur wie Hatsune Mikus Goodsmile Racing Team oder Hololive durch dessen kürzliche Kollaboration mit Asphalt Legends Unite sind immer wieder zu sehen.

Aber auch die japanische Servicekultur wird mit dem Lieferwagen „RakuRaku Express“ abgebildet. In den zeitkritischen Liefermissionen holt ihr die Lieferung in einer Seitengasse bei einem Restaurant ab und driftet präzise durch die engen Gassen der Großstadt. Ein stilvolles Versenken des Lieferwagens in der Tokio Bay während der Sushilieferung ist übrigens nicht erwünscht. Gomen nasai!

Electric City, Electric Music

In Forza Horizon 6 ist Gacha City Radio ein eigenständiger Radiosender, der perfekt in das japanische Spielsetting integriert ist und die Atmosphäre des Stadtviertels Akihabara und dessen Anime- und Gaming-Kultur einfängt. Der auf japanisch moderierte Radiosender spielt J-pop, J-rock, City Pop sowie Anime- und Future-Core-Tracks.

Populäre Songs sind Bling-Bang-Bang-Born von Creepy Nuts (Mashle-Opening) und New Genesis von UTA aus dem One-Piece-Film – unsere Favoriten sind jedoch IDOL von YOASOBI (Oshi no Ko – Opening), Miku ft. Hatsune Miku von Anamanaguchi, Snail’s House (Kawaii Future Bass) mit dem Track „CatJammer“ und natürlich die Stücke von Babymetal.

Tagestouren führen durch das vielfältige Land

Ein weiteres Highlight abseits der Rennen sind die gemütlichen Tagestouren und Entdeckungstouren, die euch ohne Stress und mit einem geführten Guide die Hintergründe der besuchten Orte und auch der verwendeten Fahrzeuge erzählen.

Jede der im Spiel enthaltenen Regionen, von der pulsierenden Metropole Tokio über die Küste mit weiten Stränden bis zu den Highlands mit kurvigen Bergpässen, wird so detailliert beleuchtet, oft mit kulturellen Hintergrundinformationen zu den Gebäuden und den genutzten Fahrzeugen. Jede Region besitzt ein eigenes Wahrzeichen und Maskottchen. Als Teil der Story führen sie euch auch an abgelegenere Orte und bringen euch das Phänomen der verlassenen Häuser auf dem Land, die sogenannten Akiya, näher.

Spielerisch gab es eher vorsichtige Erweiterungen und Verbesserungen, was allerdings nichts Negatives ist. Der Drohnenmodus ist präsenter und hilft beim Auffinden der versteckten Scheunen. Dazu kommt die häufig besser ausgearbeitete Landkarte mit den viel befahrenen und zum Teil engen Straßen der Großstadt Tokio als Highlight, ein verbessertes Progressionssystem, eine stärkere Atmosphäre durch verbesserte Präsentation und Raytracing-Beleuchtung im Spiel, die auch das wechselnde Wetter und die wechselnden Jahreszeiten überzeugender darstellt.

Auch am Sound wurde nochmals ordentlich Hand angelegt, zum Teil sind die Fahrzeuge rein durch ihre überzeugenden Motorengeräusche unterscheidbar. In Kombination führt das alles dazu, dass man gerne zurück ins Spiel kommt, um „nur noch eine Runde“ zu fahren – wir wissen alle, wie das ausgeht.

Ein gelungener Roadtrip in Japan

Bildmaterial: Forza Horizon 6, Xbox Game Studios, Playground Games, Turn 10 Studios

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Titel	Directive 8020
	12. Mai 2026
	Supermassive Games
	12. Mai 2026
	Supermassive Games
	12. Mai 2026
	Bandai Namco
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Supermassive Games
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Videospiele, die ihren Fokus in erster Linie auf eine ausschweifende und extrem atmosphärische Erzählung der Story legen und andere Aspekte, wie beispielsweise ein komplexes Kampfsystem, außen vor lassen, liegen immer noch schwer im Trend.

Nicht erst seit Heavy Rain weiß man, dass eine gut erzählte Story so manche Actioneinlage ersetzen und vielleicht sogar toppen kann, speziell in emotionaler Hinsicht. So gab es neben weiteren Titeln aus dem Hause Quantic Dream, den Entwicklern hinter Heavy Rain, auch andere Publisher und Entwickler, die sich an diesem neu entdeckten Genre versuchen wollten.

Mit der „Dark Pictures“-Reihe schuf der britische Entwickler Supermassive Games gleich eine ganze Reihe solcher Titel und bewies somit erneut, dass eine gut geschriebene Story eben doch so manches Actionfeuerwerk ersetzen kann. Mit „Man of Medan“ startete die Reise des britischen Entwicklers.

In den folgenden Jahren folgten mit „Little Hope“, „House of Ashes“ und „The Devil in Me“ gleich mehrere Nachfolger und somit auch Ableger der „Dark Pictures“-Reihe. Mit „Switchback VR“ wagte man sich im Jahre 2023 sogar in Virtual-Reality-Gefilde auf PlayStation VR2.

Der neueste Streich des Entwicklers Supermassive Games hört auf den mysteriösen Titel „Directive 8020“ und ist ein Sci-Fi-Abenteuer, bei welchem der Hauptfokus erneut auf einer spannend erzählten Story liegt. Ob dem britischen Entwickler dieser Sci-Fi-Ausflug gelang und ob Directive 8020 an die Qualitäten früherer Dark-Pictures-Ableger anknüpfen kann, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Test.

Im Weltraum hört dich niemand schreien

Das Raumschiff „Cassiopeia“ wird auf eine Aufklärungsmission geschickt um Informationen und Daten über den Planeten „Tau Ceti f“ zu sammeln. Dieser vielversprechende Planet, der die letzte Hoffnung der Menschheit zu sein scheint, wird ungefähr zwölf Lichtjahre von der Erde entfernt vermutet. Aufgrund einer tragischen Katastrophe ist die Erde dem Untergang geweiht und folglich sucht die Menschheit nun nach einem neuen, bewohnbaren Planeten, welcher der Erde in Art und Lebensbedingungen ähnelt.

Nach einem tragischen Vorfall kommt es allerdings zu einem technischen Defekt des Schiffes und die fünfköpfige Besatzung der Cassiopeia sieht sich nun mit einer völlig neuen Art der Bedrohung konfrontiert. Eine spannende und durchaus unheimliche Geschichte entfaltet sich und wir müssen stets wachsam sein und immer wieder weitreichende Entscheidungen treffen, welche die Geschichte und auch das Schicksal der Crew maßgeblich beeinflussen könnten.

Spannend erzählte Story trifft auf leichte Gameplayeinlagen

Der Fokus von Directive 8020 liegt, wie auch schon bei anderen Ablegern der Dark-Pictures-Reihe, ganz klar auf der spannend erzählten Story. Mit seinen, oft extrem unheimlichen, Survival-Horror-Vibes weiß auch der neueste Teil der Reihe zu begeistern und schafft es gekonnt den Spieler innerhalb kürzester Zeit in seinen Bann zu ziehen.

Wir übernehmen im Verlauf des Spiels die Kontrolle über jeden der fünf Charaktere der Crew und steuern diese, wie man es von der Reihe gewohnt ist, aus der Third-Person-Perspektive. Die Gameplayeinlagen fallen, auch hier wieder typisch für die Reihe, eher simpler aus, da der Fokus ganz klar auf der Erzählung der Story liegt. Actionreiche Szenen werden oft per Quick-Time-Event gesteuert.

Hier verlangt das Spiel also eine schnelle Reaktion von uns, da wir innerhalb eines bestimmten Zeitfensters eine oder mehrere angedeutete Tasten zur richtigen Zeit drücken müssen. Schafft man dies nicht, bedeutet das oft den Tod des Charakters. Dieser ist fortan aus dem Spiel geschieden und die Geschichte läuft ohne diesen Charakter weiter. Je nach Spielstil und ob man während dieser entscheidenden Szenen erfolgreich oder nicht erfolgreich ist, ändert sich dann natürlich auch der Ablauf der Geschichte und somit natürlich auch das Ende.

Erstmals in der Geschichte der Dark-Pictures-Reihe haben wir nun jedoch auch die Möglichkeit, das Spielgeschehen zurückzuspulen, um bereits begangene Fehler zu korrigieren und die Geschichte in eine positivere Richtung zu lenken. Dieses Feature lässt sich zu Beginn des Abenteuers jedoch auch komplett deaktivieren, somit bleiben Entscheidungen und Fehler, die während eines Spieldurchgangs gemacht werden, dauerhaft bestehen. Eine zusätzliche Herausforderung vor allem für Kenner der Reihe. Speziell Serien-Neulingen kommt dieses neue Feature natürlich sehr gelegen.

Neu sind nun auch diverse Stealth-Passagen. Hier müssen wir uns gezielt bewegen und uns vor allem leise verhalten, damit die jeweilige Situation nicht eskaliert und unser Charakter die drohende Gefahr wohlbehalten übersteht. Ein nettes neues Feature, welches der Reihe etwas frischen Wind verleiht und das mittlerweile doch recht altbekannte Gameplay etwas auflockert.

Speziell in Sachen Spannung und Nervenkitzel sind es gerade diese Stealth-Passagen, die den Puls zum Ansteigen bringen. Mit der absolut beklemmenden Atmosphäre eines Little Hope kann Directive 8020 zwar nicht ganz mithalten, dennoch weiß der Titel durchaus mit spannenden und beklemmenden Situationen zu begeistern. Das Sci-Fi-Abenteuer konnte uns somit nicht nur ein Mal das Fürchten lehren.

Innovativer Mehrspielermodus wieder mit an Bord

Auch der aus den Vorgängern der Reihe bekannte Mehrspielermodus „Filmabend“ ist hier wieder mit an Bord. In diesem Modus können bis zu fünf Spieler im Koop-Modus oder erstmals in der Reihe auch online miteinander spielen.

Gerade in diesem Genre ist ein Multiplayer-Modus doch recht unüblich, daher ist es umso erfreulicher und löblicher, dass sich die Entwickler von Supermassive Games für die Implementierung eines solchen entschieden haben. Wegweisend für das Genre, könnte man sagen.

Optisch ansprechend, aber leider nicht atemberaubend

Aus grafischer Sicht wirkt Directive 8020 zwar durchaus ordentlich, aber leider nicht bahnbrechend umgesetzt. Gerade die Charaktermodelle und deren Gesichter wirken durchaus hochwertig. Speziell die Mimik der Charaktere ist hier positiv hervorzuheben, da diese auch extrem wichtig für die Atmosphäre eines solchen Titels ist.

Leider fehlt es dem Ganzen jedoch etwas an grafischem Bombast. Gerade im Sci-Fi-Sektor hat man schon deutlich schönere und eindrucksvollere Spielwelten gesehen. Hier wäre also definitiv mehr drin gewesen. Speziell die Texturen des Schiffes wirken oft etwas trist. Dafür ist die absolut stimmige Beleuchtung der Areale oft ein Augenschmaus. Hier wurde wirklich alles für eine beklemmende Lichtstimmung getan.

Der Titel lief außerdem stets mit absolut flüssigen 60 Frames über den Bildschirm und auch sonst stießen wir während unserer Testsession auf keinerlei technische Probleme. Handwerklich also durchaus gut und sauber gemacht lässt sich an den optischen Qualitäten des Titels nur recht wenig ankreiden.

Ordentliche Soundeffekte und eine gute Synchronisation runden das Bild ab

Neben den absolut sauber und gut umgesetzten Soundeffekten und stimmigen Klangteppichen ist es vor allem die Synchronisation, die dem Titel die nötige Atmosphäre verleiht. Diese Synchronisation fällt bei Directive 8020 meist gut bis ziemlich ordentlich aus. Hin und wieder gibt es auch mal kleinere Ausreißer nach unten.

Alles in allem erwartet uns hier aber ein durchaus stimmiges Abenteuer, welches mit etwas mehr Aufwand vielleicht noch einen Tick besser hätte werden können. Speziell in Sachen Synchronisation wäre hier noch deutlich Luft nach oben gewesen. Das ist aber wie so oft vielleicht auch einfach eine Sache des Budgets.

Spannendes und unheimliches Sci-Fi-Abenteuer mit Entscheidungsfreiheit

Bildmaterial: Directive 8020, Bandai Namco, Supermassive Games

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Titel	Life is Strange: Reunion
	27. März 2026
	Square Enix
	26. März 2026
	Square Enix
	26. März 2026
	Square Enix
System	PS5, Xbox Series, PC
Getestet für	PS5
Entwickler	Deck Nine Games
Genres	Adventure
Texte
Vertonung

Vor kurzem erschien Life is Strange: Reunion und es wurde gehofft, dass man die Serie nach dem etwas schwachen Vorgänger wieder auf Spur bringt. Bei Life is Strange: Double Exposure gab es damals ja einiges an Kritik hinsichtlich der Charaktere, Technik und der Geschichte. Unser Review war da noch recht positiv gehalten, ihr könnt es hier nochmals nachlesen.

Nun stellt man sich natürlich einige Fragen: Ist das nun das große Finale von Max Caulfield? Können alle Fragen beantwortet werden? Wie passt Chloe in diese Geschichte wieder rein und macht das überhaupt noch Sinn? Schafft es der Entwickler einen runden Abschluss zu liefern? Ist es ein Abschluss?

Ein Leben als Manager

Das Leben als Manager einer Band, es ist nicht einfach. Heute Abend ist der Gig und die Gruppe ist noch nicht da. Der Veranstalter wird langsam nervös, er sollte lieber nervös wegen des Zustandes seiner Bar sein. Ein echtes Rattenloch. Doch Chloe schafft es ihn zu besänftigen.

Doch bevor ihr eure Gedanken sammeln könnt, passiert es wieder. Die Zeit um euch herum beginnt sich zu verlangsamen. Um euch wird es nebulös. Ehe ihr euch verseht, verliert ihr euer Gleichgewicht und stürzt rücklings durch die Realität. Ihr befindet euch wieder an demselben freakigen Ort wie schon die Male zuvor.

Eine schneebedeckte Landschaft, die ihr nicht kennt. Einzelne Objekte aus ihrer gewohnten Umgebung und ihrem Zweck entrissen, umringen euch wie in einer Traumwelt. Das ist es doch, ein Traum? Anders könnt ihr es euch nicht erklären. Mit jedem Traum wird es verrückter und plötzlich seid ihr wieder in der verranzten Spelunke. Aus einem Impuls der Unsicherheit beschließt ihr Max aufzusuchen. Vielleicht um Antworten zu finden, oder Halt in einer sich plötzlich auf euch herabstürzenden Realität.

Ein aufstrebender Stern

Max Caulfield, Star-Fotografin, Dozentin an der Caledon-Universität, hatte wiederum ein berauschendes Wochenende in New York. Mit Ausstellungen, Interviews und dem ganzen Drumherum eben. Nun freut sie sich auf die Rückkehr zu ihren Freunden wie Moses und ihren Studenten. Doch was so umwerfend begann, entwickelt sich in einen Albtraum sondergleichen.

Eine neue Katastrophe stürzt über euch herein und wieder springt ihr in der Zeit zurück um die Katastrophe abzuwenden, doch wird es auch dieses Mal einen Preis geben, den Max bereit ist zu zahlen? Kann sie die Fehler der Vergangenheit so kitten, dass es ein Happy End geben wird oder fällt alles vor ihren Augen zusammen und verbrennt zu Asche?

Das große Finale?

Wer weiß das schon, aber man bemüht sich sowohl Neulinge als auch Fans der Reihe mitzunehmen. Bevor es losgeht, könnt ihr euch für die wesentlichen Ausgänge der vorherigen Teile entscheiden. Welche dann Auswirkungen auf die Art und Weise der Geschichte haben.

Auch eine Zusammenfassung der Geschehnisse seit Arcadia Bay bis hin zu Reunion zeigt euch nochmal die wesentlichen Ereignisse der Geschichte. Alles um euch sattelfest zu machen, man scheint sich also irgendwo bewusst gewesen zu sein, dass die bisherige Struktur der Geschichte etwas konfus war.

Auch die Fortsetzung der Geschichte rund um Max, Chloe und Safi, deren Kräfte und Konsequenzen wirkt etwas durchdachter als noch in Reunion. Für Freunde von Double Exposure gibt es auch einige witzige Referenzen im neuesten Ableger. Reunion erzählt wieder eine sehr emotionale Geschichte mit warmen, herzlichen Momenten, aber auch viel Drama. Die Geschichte ist mehr als solide, wenn sie auch an manchen Punkten etwas aufgesetzt in der Charakterentwicklung einiger weniger Figuren wirkt.

Hätte ich doch nur anders gehandelt …

Wie auch schon in den vorherigen Teilen ist Reunion ein storygetriebener Titel gespickt mit Dialogoptionen, die sich auf die Geschichte auswirken können. Mehrere Handlungsstellen haben Auswirkungen auf das Ende. Gefühlt ist der Fokus wieder etwas stärker auf die Wichtigkeit eurer Entscheidungen gesetzt, was in Double Exposure von vielen kritisiert wurde. In Reunion wechselt ihr zwischen Max und ihrer besten Freundin Chloe, ihr interagiert mit Personen, spult mit Max‘ Fähigkeiten die Zeit zurück und löst dabei Rätsel. Keine schweren Rätsel, aber glaubwürdige.

Es ist schade, dass man Safi hier nicht als spielbaren Charakter mit eingearbeitet hat. Man merkt, dass der Fokus des Spiels auf Chloe und Max liegt. Es wäre vermutlich aber noch spannender geworden, wenn man auch Safis Fähigkeiten zur Gestaltwandlung hätte einsetzen können. Da kann man leider nur von verschenktem Potenzial reden. Sie ist zwar immer noch ein wichtiger Charakter, aber der Fokus liegt eben auf Max und Chloe. So bewegt ihr euch mit den beiden durch eine wundervolle Szenerie, gespickt mit interaktivem Drama und Herzlichkeit.

Warme Bilder mit hervorragender Soundkulisse

Was Life is Strange: Reunion auf jeden Fall kann, ist starke Bilder zu liefern. Die besonderen Momente erscheinen durch die Grundstimmung, die Szenen und Kameraeinstellungen immer besonders. Diese Momente gibt es nicht am laufenden Band, weswegen diese auch nach dem Spielen in Erinnerung bleiben. Die Charaktere und die Umgebungen sind schön modelliert und durch passende Lichteffekte in Szene gesetzt. Schon die erste Szene mit Max gibt euch dieses warme Gefühl eines perfekten Sonnenuntergangs.

Trotzdem gibt es auch bei Reunion von Zeit zu Zeit unschöne Clippingfehler, gerade mit Haaren, die in den Gesichtern verschwinden, oder seltsame Ausleuchtungen, die Max‘ und Chloes Haare neon schillern lassen. Trotz alledem schaffen die Entwickler mit diesem Ableger wieder ein einzigartiges Ambiente, was nicht zuletzt auch wieder dem stimmungsvollen Soundtrack geschuldet ist. Eine Stärke der gesamten Reihe. Schade fand ich nur, dass NPCs wieder zu der stillen Sorte gehören. NPC-Gespräche im Freien zu hören war in Double Exposure eigentlich ein nettes Feature, was die Szenerie gefühlt lebendiger gemacht hat. Über die deutsche Synchronisation kann man nicht meckern, man muss sie hingegen wieder einmal loben. Hier wurde sehr gute Arbeit geleistet.

Unterm Strich

Bildmaterial: Life is Strange: Reunion, Square Enix, Deck Nine Games

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Titel	Neverness to Everness
	29. April 2026
	Perfect World Games
	29. April 2026
	Perfect World Games
	29. April 2026
	Perfect World Games
System	PS5, PC, Mobile
Getestet für	PC
Entwickler	Hotta Studio
Genres	Action-RPG
Texte
Vertonung

Neverness to Everness ist ab sofort für alle spielbar, auch für Fans mit chronisch leichtem Geldbeutel. Nach der tollen Beta blickten wir gespannt der Vollversion entgegen. Nicht nur Teile unserer Community konnten wir mit der Begeisterung für dieses überaus ambitionierte Free-to-play-Gacha-Game der Hotta Studios und Perfect World Games anstecken, sondern sogar mehrere tausend Fans im deutschsprachigen Raum, welche unseren Anspielbericht per Internetsuche fanden. Dazu kommen über 35 Millionen Vorregistrierungen weltweit durch eine massive Social-Media-Marketingkampagne zum Spiel, die wir in dieser Form noch selten erlebt haben.

Kann Neverness to Everness am Ende die Erwartungen der Fans erfüllen, oder geht es wie bei Nanally im Spiel nach einem ambitionierten Sprint an der Fassade der Hochhäuser schnell auf den Boden der Tatsachen zurück? Um eines vorwegzunehmen: Das Gameplay und die Story sind sehr gut. Doch es gibt auch mehrere Probleme, die sich bereits in der Beta abzeichneten.

Das vielleicht ambitionierteste F2P-Gacha-Spiel bisher

Das Gameplay von NTE ist vielfältig, die unzähligen Möglichkeiten in der Großstadt Hethereau fast schon überwältigend. Beginnend mit einer großen Schlacht, in der eine riesige Anomalie außer Kontrolle geraten ist und die imaginäre chinesische Großstadt „Hethereau“ zu übernehmen droht, seid ihr als Anomalie-JägerIn eines Antiquitätenladens dafür verantwortlich, auftauchende Anomalien zu bewerten und bei Bedarf auch zu bekämpfen.

Diese sind in NTE omnipräsent – an allen Orten entstehen sie, kreieren Monster im „Gravity Rush“-Stil, verursachen Raum-Zeit-Verschiebungen und verleihen Menschen, Tieren und Objekten übernatürliche Kräfte. Die von der Realität abgetrennten Orte erinnern häufig an die Dungeons der Persona-Reihe, sind jedoch im Gegensatz zu diesen nicht zufallsgeneriert. Wer mehr über die ersten Stunden der Story wissen möchte, dem sei unser Anspielbericht der Beta nahegelegt.

Die Präsentation der Story und Großstadt überzeugt

Die Story-Sequenzen werden aufwändig und beeindruckend präsentiert, oft garniert mit handgezeichneten 2D-Overlays oder gar komplett handgezeichneten Szenen. Auch bei der Musik wurde nicht gespart: Die orchestrale Musikuntermalung ist während der Hauptstory top und unterstützt die mysteriöse Atmosphäre des Spiels sehr gut. Kameraarbeit und Inszenierung wurden zum Start noch mal verbessert, auch an den Effekten wurde noch mal geschraubt. Dadurch wirkt die Großstadt inklusive angrenzender Regionen noch mal etwas runder und überzeugender.

Neverness to Everness ist im aktuellen Zustand ein Spiel, das es durchaus mit Vollpreis-Produktionen aufnehmen kann. Zu viel sollte man jedoch auch nicht erwarten – ein echter „GTA“-Konkurrent zum Nulltarif ist NTE nicht. Dennoch macht das vielleicht ambitionierteste F2P-Gacha-Spiel bisher sehr viel Spaß und bietet sehr viel Freiheit und Möglichkeiten abseits des roten Story-Fadens, vom Betreiben einer Café-Kette über den Kauf mehrerer Penthouse-Wohnungen bis hin zu Stadt-Lieferungen und Rennen mit sportlichen Motorrädern und Fahrzeugen. Dazu gibt es mehrere Minispiele, von Angeln über Mahjongg, Bandproben, bis hin zu Gacha-Sammlungen, Greifarm-Automaten und Multiplayer-Tetris in der Arcade.

Viele kleine Probleme im Detail

Bei der ungeheuren Masse an Spielinhalt bleibt es nicht aus, dass manche Bereiche nicht ganz optimal wirken. Vereinzelte Animationen sind ziemlich steif, was besonders in den Zwischensequenzen auffällt. Bei wichtigen Szenen wurde allerdings ordentlich an den Animationen gefeilt.

In den actionreichen Kämpfen könnte die Kamera gerne noch etwas flexibler und dynamischer sein, ebenso wirkt das Fahrgefühl mehrerer Fahrzeuge noch nicht wirklich gut. Viele amüsante Momente brachte die noch etwas unausgereifte Kollisionserkennung.

Unser Favorit war die ohne Fremdeinwirkung einknickende Straßenlampe auf der anderen Straßenseite, als wir einen Metallzaun überfuhren – offenbar eine schwer erklärbare Kettenreaktion der Physik-Engine des Spiels, denn die Straßenlampe war ebenfalls von Metallabsperrungen umgeben. Dazu kommt das bisher etwas vernachlässigte Autoradio, das nach mehreren Stunden Spielzeit etwas repetitiv wirkt. Doch das meiste davon ist zu verschmerzen, da der Kern des Spiels überzeugt.

Kritik aus China am Pacing

Die lobenswerte, spannende und mysteriöse Story bekommt nach wenigen Stunden einen leichten Dämpfer. Das Story-Pacing wird in der bereits spielbaren China-Version des Spiels kritisiert und das nicht zu Unrecht. Die Hauptquest des Anomalie-Otters Tageydo wirkt nach einer spannenden Anfangsphase fehl am Platz.

In dieser Mission müsst ihr eurem kleinen Freund beim Dating helfen. Ohne zu viel spoilern zu wollen wirkt die Story etwas konstruiert, führt euch aber währenddessen durch zentrale Bereiche von Hethereau und zeigt auf, dass auch kleine Anomalien in der Masse zum Problem werden können. Sowohl vor als auch nach dieser Questline geht es in den aufwändig und kreativ gestalteten Dungeons spannend und mysteriös zu – nur dieser Teil wirkt wie eine zu groß geratene Nebenquest, die sich in die Hauptquests verirrt hat.

Monetarisierung ins Gameplay eingebaut – Grind ist vorprogrammiert

Wie bei vielen F2P-Spielen ist die Monetarisierung ins Gameplay eingebaut. In den Kernpunkten orientiert man sich an anderen Genrevertretern, das Charakter-Gacha ist sogar auffällig fair und auch die Haupt-Storyline ist lange ohne Grind oder zusätzliche Ausgaben spielbar.

Jedoch ist das bereits im Anspielbericht angesprochene, süchtig machende multiple Level-System der verschiedensten Bereiche des Spiels ein Faktor, der wie befürchtet zum Problem wird. Die verschiedenen Level messen nicht nur die Progression in verschiedensten Bereichen des Spiels, sondern limitieren sie zum Teil auch. Solltet ihr also außerhalb der Hauptquests mehrere Bereiche der Stadt ausbauen wollen, stellt euch auf eine mühsame Progression ein – oder zahlt Echtgeld.

Nicht nur Echtgeld ist ein Thema in NTE, auch die virtuelle Ingame-Währung ist zum Teil nur schwer zu verdienen. Das liegt an den limitierten Energie-Ressourcen, die ihr für Ingame-Jobs nutzen könnt. Kurz: Um euch eine teure Penthouse-Wohnung im Stadtzentrums-Wolkenkratzer mit moderner Einrichtung inklusive sportlichem Flitzer leisten zu können, ist wochen-, wenn nicht sogar monatelanger Grind angesagt.

Es gibt im Spiel jedoch die Möglichkeit, mit illegalen Aktivitäten schnell reich zu werden. Denn wo Reichtum angehäuft ist, gibt es auch einen Tresor, der geknackt werden will. Die Community sammelt hierzu bereits die besten Optionen, die jedoch riskant werden können und euch im schlechtesten Fall ein oranges Jäckchen und eine kleine Gitterzelle einbringen. Auf der anderen Seite muss das auch nicht unbedingt negativ sein: Für Unterhaltung bis in den Herbst hinein ist damit gesorgt.

Spielperformance in den unteren Qualitätsstufen gut

Etwas zu viel versprochen haben die Hotta Studios und Perfect World bei den High-End-Grafikoptionen. Das volle Feature-Set von DLSS 4.5 inklusive Raytracing und Multi Frame Generation und die vielen Einstellungsmöglichkeiten der Unreal Engine 5 sind vorhanden. Doch die Performance bei den High-End-Optionen enttäuscht und führt zu wiederholten Framerate-Einbrüchen.

Ein exklusives PC-Problem ist die Shader-Kompilierung – schon die ersten Minuten von Neverness to Everness sind durchsetzt von kleinen Rucklern. Ebenso PC-exklusiv dürfte die schwache Implementierung von Raytracing und HDR sein, die vor allem bei der Beleuchtung deutlich sichtbare Probleme hervorrufen. Das Pop-in von Objekten ist etwas zu deutlich sichtbar und störend.

In niedrigen und mittleren Grafiksettings ist die Performance jedoch überraschend gut für ein derart ambitioniertes Spiel. Erste Berichte aus China stellen fest, dass das Spiel auch unter den ohnehin schon geringen Mindestanforderungen noch akzeptabel läuft – zum Beispiel auf Grafikkarten mit nur 4 GB VRAM oder diversen integrierten Grafikeinheiten.

Kurz zusammengefasst: Alles über mittleren Grafikeinstellungen benötigt noch Optimierung bei der Performance, darunter läuft das Spiel jedoch hervorragend. Auf den Smartphones, insbesondere dem iPhone, wird die Performance auf Social Media durchweg gelobt.

Beschäftigt über Monate, hat aber auch mit Problemen zu kämpfen

Bildmaterial: Neverness to Everness, Perfect World Games, Hotta Studio

Der Beitrag Im Test! Neverness to Everness überzeugt mit Story und Großstadt, doch der Teufel liegt im Detail erschien zuerst auf JPGAMES.DE.