Titel	Orbitals
	3. September 2026
	Kepler Interactive
	3. September 2026
	Kepler Interactive
	3. September 2026
	Kepler Interactive
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Versionsnummer	1.1.0.0-166471
Entwickler	Shapefarm
Genres	Puzzle-Adventure, Koop-Spiel
Texte
Vertonung

Bereits im Juli konnte uns Orbitals beim Anspiel-Event begeistern. Uns war ein kurzer Einblick vergönnt, der vor allem auf optischer Seite begeisterte und Nostalgie zu alten Anime-Serien aufkommen ließ. Das exklusiv für Switch 2 erscheinende Koop-Erlebnis von Kepler Interactive und Shapefarm lädt endlich dynamische Duos weltweit zu einem Abenteuer ein. Wir haben uns die Vollversion noch einmal vorgeknöpft und geprüft, ob es über den ersten Eindruck hinaus weiterhin begeistern kann. Was dabei herauskam, erfahrt ihr hier im Test.

Eine galaktische Heldengeschichte

Gleich zu Beginn sind wir mitten im Geschehen. Wo auch immer wir sind, es geht drunter und drüber. Erschütterungen und Explosionen lassen vermuten, dass wir gerade in einer heiklen Situation stecken. Ein Mann namens Togen steckt die beiden Protagonisten Maki und Omura, in deren Rollen wir schlüpfen, in eine mysteriöse Vorrichtung.

Wie sich herausstellt, handelt es sich dabei um I.M., Maschinen, die das Bewusstsein von Personen speichern. Über ein weiteres Gerät können die Körper beliebig oft wiederhergestellt werden, solange das Bewusstsein im I.M. unbeschädigt bleibt. Eine clevere Erklärung für die zahlreichen Tode, die wir zukünftig noch sterben werden!

Fünfzehn Jahre später ist aus Maki eine chaotische Mechanikerin und aus Omura ein besonnener Kartograph geworden. Gemeinsam brechen die beiden mit ihrem Raumschiff auf, um im All nach wertvollen Ressourcen zu suchen. Sie wollen zu Helden werden, die alle in der Raumstation schützen, die den schweren kosmischen Sturm damals überlebt haben. Und dabei bleibt ihnen nicht viel Zeit, denn die nächste Bedrohung scheint schon unmittelbar bevorzustehen.

Detailverliebtheit over 9000

Der Übergang von Zwischensequenzen zu Gameplay ist so fließend, dass wir erst einmal ein paar Sekunden brauchen, um uns aufs Spielen einzustellen. Eben haben wir noch einen traditionell handgezeichneten Anime im klassischen 80er-Jahre-Look geschaut und schon dürfen wir selbst erkunden. Bereits nach den ersten Schritten zeigt sich der hohe Grad an Detailverliebtheit.

Obwohl die Spielumgebung aus 3D-Modellen besteht, fühlt sich das gesamte Spiel handgezeichnet an. Das liegt vor allem an den cleveren Methoden, durch die ein echtes Retrofeeling entsteht. Die Charaktere bewegen sich mit zwölf bis vierundzwanzig Bildern die Sekunde, genau wie es bei alten Animationen der Fall war. Dazu kommen noch optische Effekte wie pastellige Farben, Körnungsfilter und chromatische Aberrationen, also leichte farbliche Verzerrungen, die alte Röhrenfernseher simulieren.

Aber nicht nur die Grafik haut uns bei Orbitals vom Hocker. Die Spielwelt strotzt nur so vor Leben. Überall wuseln Personen und Tiere herum und gehen ihrem Tagwerk nach. An jeder Ecke gibt es für uns kleinere Interaktionen wie Katze streicheln, Geräte begutachten oder auf einem Sofa lümmeln, die zum Erkunden und genauen Betrachten der Umgebung einladen.

Auch die ein oder andere Anspielung auf bekannte Serien und Spiele darf nicht fehlen. Im Laufe des Spiels wird auch unser Raumschiff immer belebter und die zahlreichen freischaltbaren Minispiele sind willkommene Verschnaufpausen zwischen den einzelnen Episoden.

Ein gutes Spieltempo

Orbitals ist nämlich wie ein Anime in mundgerechte Häppchen aufgeteilt, wobei jede Episode einem Abenteuer mit einer neuen Umgebung entspricht. Mal erkunden wir Asteroidenfelder, dann verschlägt es uns in eine Mine oder in eine von Eis überzogene Station. Dabei haben wir unterschiedliche Werkzeuge wie Greifhaken, Wasserwerfer oder Laserkanone dabei, um die zahlreichen Rätseleinlagen zu lösen.

Die Steuerung beschränkt sich dabei auf wenige Tasten und durch den Splitscreen können wir jederzeit sehen, was die jeweils andere Person gerade macht, ohne unser eigenes Sichtfeld beim Erkunden einzuschränken oder räumlich aneinander gebunden zu sein. Allerdings gibt es auch nicht viel Spielraum sich voneinander zu entfernen, da die Level sehr linear aufgebaut sind.

Dies fällt allerdings nicht negativ ins Gewicht, da die Aufgabendichte sehr hoch ist. Gelegentlich wird der Weg auch durch Perspektivwechsel aufgelockert, bei denen wir unter anderem von einer 3D-Umgebung zu einer 2D-Sidescroller-Perspektive wechseln.

Zusätzlich gibt es noch die Raumschiffpassagen, bei denen wir durchs All fliegen und auf Hindernisse und Geschütze schießen. In diesen Momenten wird die Einschränkung beim Erkunden wesentlich deutlicher. Allgemein sind die Raumschiffabschnitte schwächer als die einzelnen Level am Boden. Das Schießen fühlt sich nicht sehr genau an, beziehungsweise ist die Treffertoleranz sehr niedrig. Vor allem, weil die andere Person parallel das Raumschiff steuert und durch Ausweichmanöver das Zielen erschwert. Auch fehlt uns dieser gewisse Wumms hinter den Angriffen.

Kreative Knobelaufgaben

Als langjährige Fans von Zelda und Professor Layton kommen wir meist recht schnell auf die Lösung der Rätsel. Wer nicht so rätselversiert ist, könnte etwas länger brauchen. Bis auf eine Stelle fanden wir die Rätsel aber immer sehr gut konzipiert, nach kurzem Herumprobieren war eigentlich immer klar, was zu tun ist.

Bei der Umsetzung sieht es dann schon etwas anders aus. Manche Stellen sind wirklich knifflig, denn gutes Timing und Absprache sind entscheidend. So leiten wir beispielsweise den jeweils anderen mit dem Wasserwerfer durch Gänge voller Lava oder aktivieren mit dem Laser Plattformen, damit die andere Person über Abgründe springen kann.

Auch wenn wir teils mehrere Anläufe brauchen, kommt niemals Frust auf. Denn jedes Rätsel hat gut platzierte, unsichtbare Checkpoints, durch die wir schnell wieder einsteigen können. So sind auch längere Rätseleinlagen gut machbar. Leider gibt es keine Möglichkeit manuell zu speichern, falls man spontan einmal unterbrechen möchte oder muss. Das Spiel speichert bei größeren Meilensteinen oder am Ende einer Episode immer automatisch. Beim lokalen Spiel fällt dies weniger ins Gewicht, nur beim Online-Koop oder über Gameshare sollte man sich entsprechend Zeit einteilen.

Freunde gesucht

Hier liegt auch die Krux des Spiels: Orbitals bietet bewusst keinen Solomodus an, das Spiel ist explizit für zwei Spieler konzipiert worden. Begründet wurde diese Entscheidung damit, dass die Entwickler das nostalgische Gefühl replizieren wollten, als Kind gemeinsam mit Freunden eine Serie geschaut oder nebeneinander ein Spiel erlebt zu haben. Um das gemeinsame Spielen zu ermöglichen, stehen einige Optionen zur Verfügung. An sich braucht nur eine Person die Vollversion.

Im lokalen Koop wird gemeinsam an einem Gerät gespielt. Über Gameshare kann lokal oder online mitgespielt werden, hierbei wird die Vollversion auf das Gerät der mitspielenden Person gestreamt. Das funktioniert sowohl mit der originalen Switch als auch mit der Switch 2.

Zu guter Letzt gibt es online auch noch die Option über die Freunde-Pass-App zu spielen. Diese Version ist exklusiv für Switch 2 und funktioniert wie Gameshare, enthält aber den zusätzlichen Bonus einer Demoversion. Bis auf geringfügig längere Ladezeiten spielt sich Orbitals in allen Varianten gleich gut und läuft durchweg flüssig.

Da wird gerne hingehört

An dieser Stelle wollen wir noch auf die grandiose Vertonung von Orbitals eingehen. Für jede der acht verfügbaren Sprachen gibt es auch eine vollständige Vertonung. Für euch haben wir in die japanische, englische und deutsche Synchronfassung reingehört. Dabei ist uns die durchweg hohe Qualität aufgefallen. Darunter sind hochkarätige Sprecher und Sprecherinnen aus der Branche, die ihr vermutlich bereits aus Anime oder Spielen kennt.

Im Japanischen wäre das beispielsweise Ryota Osaka als Omura, der zuletzt Elliot aus The Adventures of Elliot: The Millennium Tales oder Gyutaro aus Demon Slayer gesprochen hat. Im Englischen könnt ihr Rebecca Wang als Maki hören, die unter anderem Mary aus Trails in the Sky 1st Chapter oder Carina aus Fire Emblem Shadows ihre Stimme lieh. Oder auch Stephen Fu als Togen, der die englische Stimme von Doma aus Demon Slayer oder dem männlichen Spielercharakter aus Code Vein II ist.

Deutsche Fans können sich über Franciska Friede als Maki freuen, die unter anderem auch Killjoy in Valorant oder Irelia aus League of Legends gesprochen hat. Tim Knauer als Omura ist auch für seine Sprechrollen als Loid Forger aus Spy x Family, Tengen Uzui aus Demon Slayer und Benimaru aus Fire Force bekannt. Vincent Fallow als Togen dürfte den meisten als Clive Rosfield aus Final Fantasy XVI oder als Twice aus My Hero Academia begegnet sein. Durchweg hervorragende Besetzungen, die den Charakteren viel Leben und Persönlichkeit einhauchen.

Macht echt Laune und Lust auf mehr

Bildmaterial: Orbitals, Kepler Interactive, Shapefarm

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Titel	The Blood of Dawnwalker
	3. September 2026
	Bandai Namco
	3. September 2026
	Bandai Namco
	3. September 2026
	Bandai Namco
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	1.002
Entwickler	Rebel Wolves
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Das vielversprechende Vampir-Action-Rollenspiel The Blood of Dawnwalker aus dem Hause Rebel Wolves beziehungsweise Bandai Namco ist das neueste Projekt ehemaliger CD-Projekt-RED-Mitarbeiter. Denn der leitende Produzent des Titels ist kein Geringerer als Konrad Tomaszkiewicz, der auch schon bei „The Witcher 3: Wild Hunt“ das Heft in der Hand hatte. Dementsprechend hoch sind auch die Erwartungen an das neueste Projekt.

Aufgrund verschiedener Umstände hatte sich Tomaszkiewicz von seinem ehemaligen Studio CD Projekt RED getrennt. Mit ihm verließen auch weitere ehemalige Mitarbeiter des Witcher- und Cyberpunk-Studios ihren Arbeitgeber und fanden sich im 2022 neu gegründeten, ebenfalls in Polen ansässigen, Entwicklerstudio Rebel Wolves wieder.

Der erste Trailer zu The Blood of Dawnwalker erschien im Januar des Jahres 2025. Das Dark-Fantasy-Rollenspiel im Sandbox-Stil mit Mittelalter-Setting fand sofort großen Anklang bei der Spielerschaft und so war das Interesse am Debüt-Titel von Rebel Wolves direkt sehr groß. The Blood of Dawnwalker wurde außerdem auf Basis der Unreal Engine 5 entwickelt. Um eine opulente und eindrucksvolle grafische Präsentation braucht man sich daher jedenfalls keine Sorgen zu machen.

Das Vampir-Abenteuer The Blood of Dawnwalker erscheint am 3. September für PS5, Xbox Series und PCs. Was wir vom Erstlingswerk des polnischen Entwicklers Rebel Wolves halten und ob sich ein Kauf direkt zum Launch lohnt, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Review.

Eine grausame Plage und die einzige Rettung in Form von Blut

Die Geschichte von The Blood of Dawnwalker spielt im 14. Jahrhundert im fiktiven Königreich „Vale Sangora“ in den Karpaten. Das Setting von The Blood of Dawnwalker ist außerdem sehr von Mythen, archäologischen Funden und altertümlichen Gebäuden und Strukturen von Ungarn, Rumänien und den Karpaten inspiriert.

Inmitten dieser dunklen Zeit der Menschheitsgeschichte wird die menschliche Rasse von einer Plage heimgesucht. Daraufhin befiehlt der König des Reichs die Exekution aller betroffenen und infizierten Menschen. Der uralte Vampir „Brencis“ übernimmt daraufhin die Kontrolle über das Königreich und regiert fortan mit seiner vampirischen Gefolgschaft das Reich.

Der furchteinflößende Vampir-Clan herrscht nun über Vale Sangora und hält die Menschen sozusagen als Untertanen. Als Geschenk erlässt Brencis den Menschen alle Steuern und sonstigen Verpflichtungen, um diese etwas zu entlasten, so scheint es im ersten Moment. Allerdings verspricht er ihnen auch, etwas vom vampirischen Blut zu erhalten. Denn dieses besagte Vampirblut ist in der Lage, die Menschen vor der sich ausbreitenden Plage zu schützen. Durch das Einnehmen des Bluts wird man sozusagen immun gegen die Krankheit.

Im Zuge dessen fordert der neue König des Reichs allerdings die sogenannte „Blutsteuer“ ein. Bei einer feierlichen Zeremonie, die monatlich stattfindet, werden alle erwachsenen Bürger des Reichs zu einer „Blutspende“ gezwungen. Bei dieser Zeremonie sterben allerdings regelmäßig die Alten und Schwachen aufgrund des doch recht hohen Blutverlusts. Nach und nach macht sich allerdings Aufruhr unter den menschlichen Bewohnern des Reichs bemerkbar und nun wollen sie diese Tyrannei unter der vampirischen Herrschaft nicht länger dulden und explizit dagegen vorgehen.

Unter diesen Bürgern befindet sich auch der junge „Coen“. Coen hat, zusammen mit seinem Vater und seinen Geschwistern, Angst um seine Mutter, da diese unter einer seltenen Krankheit leidet und früher oder später durch besagtes Ritual sterben wird. Nach einem tragischen Vorfall wird Coen jedoch selbst zu einem Vampir – einem sogenannten „Dawnwalker“. Halb Vampir und halb Mensch wandelt Coen nun zwischen den Rassen und muss sich fortan beider Stärken und Schwächen bewusst werden, um am Ende dem Vampirkönig Brencis und seiner vampirischen Gefolgschaft das Handwerk zu legen.

Action-Rollenspiel mit dem gewissen vampirischen Biss

The Blood of Dawnwalker ist im Kern ein Action-Rollenspiel, wie man es zum Beispiel von „The Witcher“ her kennt. In einer relativ großen Spielwelt erledigen wir neben den wirklich toll inszenierten Hauptquests auch allerlei Nebenquests und andere Aktivitäten. Langeweile ist hier also definitiv ein Fremdwort, da es wirklich enorm viel zu tun gibt.

Auch der Spielablauf selbst erinnert sehr an The Witcher 3: Wild Hunt, was keinesfalls negativ gemeint ist. Immer wieder finden wir uns auch in hektischen Kämpfen wieder. Diese laufen allerdings ein ganzes Stück taktischer ab, als es noch bei der Witcher-Reihe der Fall war. Denn blindes Button-Mashing führt hier leider nur selten zum Erfolg. Stattdessen müssen wir uns mit dem, speziell am Anfang, etwas ungewöhnlichen, aber dennoch irgendwie auch genialen Kampfsystem vertraut machen. Neben unterschiedlichen Angriffsmöglichkeiten will auch die Block-Mechanik zuerst mal verstanden und erlernt werden. Ein ganz neuer Ansatz im Genre und definitiv gelungen, möchte ich behaupten.

Aber auch andere Spezial-Moves wie etliche vampirische Fähigkeiten können nach und nach erlernt und effektiv genutzt werden. Gerade diese vampirischen Fähigkeiten sind es, die das Kampfsystem dann doch noch mal deutlich von anderen Genrekollegen abheben und besonders wirken lassen. Alles in allem macht The Blood of Dawnwalker also wirklich Spaß und speziell die Erkundung der weitläufigen Spielwelt ist wirklich äußerst immersiv und toll zu spielen.

Eine weitere Besonderheit ist außerdem die Tatsache, dass sich die Spielwelt um uns herum je nach den Entscheidungen, die wir treffen, an unseren Spielstil anpasst. Trifft man beispielsweise während eines Dialogs eine negative Entscheidung, kann sich das auch auf den späteren Spielablauf auswirken. Immersiv und auf jeden Fall toll eingebunden.

Etwas wirre Inventargestaltung machte mir zu schaffen

Einzig und allein der Umstand, dass sich die Gestaltung der Menüs und des Inventars, zumindest für mich, etwas wirr und unnötig kompliziert anfühlt, hätte ich als ernsthaften negativen Aspekt anzumerken. Wie auch schon bei The Witcher 3: Wild Hunt überfordert mich das Inventar und dessen Gestaltung bei The Blood of Dawnwalker etwas. Das kann natürlich auch persönliche Präferenz sein, dennoch hätte ich mir hier und da vielleicht etwas mehr Anpassungsmöglichkeiten dafür gewünscht.

Technisch nicht immer Spitze, aber auch nie wirklich schlecht

Entwickelt wurde The Blood of Dawnwalker auf Basis der Unreal Engine 5. Aufgrund der großen Spielwelt und der vielen Details, die das Spiel zu bieten hat, rackert sich die Engine bei diesem Titel aber ganz schön einen ab. Bemerkbar macht sich das vor allem im Performance-Modus, hier „ausgeglichener Modus“ genannt. Denn die 60 FPS werden hier nur relativ selten und nur in relativ ruhigen Szenen dauerhaft gehalten. Ansonsten bewegen sich die Frames wohl eher im Bereich zwischen 45 und 55 Frames, möchte ich behaupten.

Im Qualitäts-Modus setzt das Spiel die 30-FPS-Marke ein und wie man es von diesem Modus gewohnt ist, erhöht sich dann zwar die Auflösung etwas, dennoch fühlt sich das Spiel aufgrund der verringerten Frames auch deutlich langsamer an.

Unabhängig von den Frames sieht der Titel jedoch stets fantastisch aus und kann mit unheimlich vielen Details, schönen Charaktermodellen und beeindruckenden Licht- und Schatteneffekten glänzen. Allen voran ist es aber die spektakuläre Weitsicht, die wirklich zu begeistern weiß. Optisch ist das Spiel also durchaus gelungen, hätte aber hier und da vielleicht noch etwas Zeit für die finale Optimierung gebraucht. Von einem technischen Desaster sind wir aber dennoch meilenweit entfernt.

Die hochkarätige Präsentation, angefangen beim Charakterdesign bis hin zum Design der Spielwelt selbst, wirkt sehr hochwertig. Man merkt dem Titel definitiv an, dass hier Veteranen der Games-Branche am Werk waren. Das Spiel strotzt nur so vor kleinen Details, die es zu entdecken gilt. Gerade Spieler, die wirklich Lust auf ein umfangreiches Action-Fantasy-Abenteuer haben, können hier wirklich darin versinken.

Auch tonal ein düsteres Erlebnis, das zu begeistern weiß

Akustisch kann The Blood of Dawnwalker ebenfalls begeistern. Neben dem epochalen Soundtrack können auch die Effekte und die Synchronsprecher auf ganzer Linie überzeugen. Man merkt hier deutlich, dass großer Wert auf eine hochwertige Vertonung gelegt wurde und gerade die Synchronsprecher machen einen fantastischen Job und verleihen dem Titel den nötigen Biss. Tonal gibt es also nichts auszusetzen.

Ein düsteres Vampir-Spektakel mit dem gewissen Biss

Bildmaterial: The Blood of Dawnwalker, Bandai Namco, Rebel Wolves

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Titel	Onimusha: Way of the Sword
	4. September 2026
	Capcom
	4. September 2026
	Capcom
	4. September 2026
	Capcom
System	PlayStation 5, Xbox Series, Nintendo Switch 2, PC
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	1.000.001
Entwickler	Capcom
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Mit der Onimusha-Reihe schuf der japanische Publisher und Entwickler Capcom Anfang der 2000er-Jahre das bis dato Unerreichte. Denn die talentierten Entwickler kombinierten die bewährte Survival-Horror-Formel der Resident-Evil-Reihe mit einem feudalen Japan-Setting. Das Ergebnis war ein packendes Samurai-Abenteuer mit Horror-Elementen, einem coolen Hauptcharakter und ordentlich Monster-Gemetzel.

Onimusha: Warlords war seinerzeit sogar einer der ersten größeren Blockbuster-Titel, der auf Sonys damaliger neuen Konsole, der PlayStation 2, erschien. Durch den enormen Erfolg von Onimusha: Warlords war ein Fortbestehen der Reihe quasi gesichert und schon im Jahre 2002 folgte mit Onimusha 2: Samurai’s Destiny der Nachfolger. Hier übernahmen wir allerdings die Rolle eines neuen Hauptcharakters und folgten einem anderen Story-Strang.

In den folgenden Jahren erschienen mit „Onimusha Blade Warriors“, „Onimusha Tactics“ und „Onimusha 3: Demon Siege“ gleich zwei Spin-offs und ein vollwertiger Nachfolger der Reihe. Im Jahre 2006 fand die Reihe dann leider mit „Onimusha: Dawn of Dreams“ ihr vorzeitiges Ende. Grund hierfür waren wohl in erster Linie die eher durchwachsenen Kritiken, die dieser Titel erhielt.

Erst im Zuge der Game Awards 2024 wurde bekanntgegeben, dass sich ein neuer Onimusha-Ableger in der Entwicklung befindet. Ursprünglich sollte der vielversprechende Titel am 25. September für PS5, Xbox Series, Nintendo Switch 2 und PCs erscheinen. Das Erscheinungsdatum wurde dann allerdings aufgrund nicht näher genannter Umstände auf den 4. September vorverlegt.

Der neueste Teil der Reihe hört auf den Namen Onimusha: Way of the Sword und wurde auf Basis der Capcom-hauseigenen „RE Engine“ entwickelt. Neben dem Überraschungshit „Pragmata“ wurden beispielsweise auch die letzten Resident-Evil-Ableger inklusive der beiden Remakes von Teil zwei und drei auf Basis dieser Engine entwickelt.

Ob uns das hochkarätige Samurai-Abenteuer begeistern konnte und wie weit sich der neueste Ableger von der ursprünglichen Reihe entfernt hat, erfahrt ihr natürlich wie immer in unserem ausführlichen Review.

Der größte Schwertkämpfer der Geschichte auf einem dämonischen Höllentrip

In Onimusha: Way of the Sword übernehmen wir die Rolle des Miyamoto Musashi, des wohl legendärsten Schwertkämpfers des feudalen Japans. Musashi befindet sich auf dem Weg, der beste Schwertkämpfer des Landes zu werden, und bereist daher ganz Japan, um die Meister der talentiertesten Schwertkampf-Schulen zu einem Duell herauszufordern und sein Können unter Beweis zu stellen.

Eines Tages gerät unser Held Musashi jedoch zwischen die Fronten eines dämonischen Konflikts und findet sich schon bald in einer äußerst misslichen Lage wieder. Denn nun muss sich Musashi nicht nur mit menschlichen Widersachern auseinandersetzen, sondern auch mit den finsteren Kreaturen der Unterwelt. Diese Ausgeburten der Hölle werden „Genma“ genannt und stellen eine massive Bedrohung für die menschliche Rasse dar.

Als ein tragischer Vorfall Musashi quasi dazu zwingt, den schier endlosen Kampf mit diesen Kreaturen der Unterwelt aufzunehmen, da er sonst selbst sterben würde, nimmt er allen Mut zusammen und stellt sich dieser übermenschlichen Herausforderung. Auf seinem beschwerlichen Weg stehen Musashi jedoch allerlei Gefährten zur Seite. Ein Konflikt, der über das Fortbestehen der Menschheit entscheidet, beginnt.

Neues Kampfsystem unterscheidet sich komplett von den Vorgängern

Speziell in Sachen Kampfsystem unterscheidet sich der neueste Ableger der Reihe quasi komplett von seinen Vorgängern. Wo die damaligen Onimusha-Ableger noch sehr Resident-Evil-artig ausfielen, spielt sich Onimusha: Way of the Sword logischerweise deutlich moderner und flexibler. Natürlich gibt es nun auch keinen Bild-in-Bild-Levelaufbau mehr. Das relativ starre Kampfsystem der Vorgänger ist also Geschichte.

Die Kämpfe laufen durch verschiedene Kombo-Möglichkeiten nun deutlich taktischer ab und je nach Gegnertyp, der uns gerade gegenübersteht, müssen wir uns im Kampf natürlich sofort an die jeweilige Situation anpassen. Richtig interessant wird es dann, wenn wir mehrere verschiedene Gegnertypen vor uns haben. Denn dann müssen wir während des Kampfes schnell adaptieren und uns den jeweiligen Gegebenheiten anpassen. Genau das ist es jedoch auch, was das Kampfsystem von Onimusha: Way of the Sword so speziell und gleichzeitig auch so spaßig macht. Denn kaum ein Kampf läuft gleich ab. Vorbereitung ist also nur in gewissem Maße möglich.

Obendrauf bietet uns der Oni-Handschuh einen weiteren taktischen Kniff. Denn jeder gefallene Gegner, so klein er auch sein mag, hinterlässt nach seinem digitalen Tod ein paar Seelen. Diese Seelen können wir mit Hilfe unseres Oni-Handschuhs einsaugen und uns später sogar zunutze machen. Denn mit diesen gesammelten Seelen können wir an den unzähligen Spiegelschreinen, die in der Spielwelt verstreut sind, diverse Upgrades vornehmen.

Geschickte Charakteranpassung kann über Leben und Tod entscheiden

Ein tolles Feature ist die Möglichkeit, die verschiedenen Attribute Musashis an den eigenen Spielstil anzupassen. Man hat also die Möglichkeit neben unterschiedlichen Talismanen, die unterschiedlichste Attributsverstärkungen bescheren, auch andere Werte wie beispielsweise das Katana, die Kleidung und den Oni-Handschuh selbst aufzuleveln und zu verstärken.

Je nach eigenem Fokus kann man sich so seinen eigenen Spielstil zusammenbasteln und je nach Bosskampf sogar mit entsprechenden Talismanen auf dessen Fähigkeiten und Stärken reagieren, um so den entscheidenden Vorteil im Kampf zu erhalten. Bekämpft man aktuell beispielsweise einen Boss, der Feuermagie nutzt, kann man sich mit einem entsprechenden Talisman gegen diese Magie rüsten und sich so einen Vorteil erhaschen. Verschiedene Schwert- und Rüstungs-Designs lassen sich ebenfalls im Spielverlauf freischalten. Diese sind allerdings rein kosmetischer Natur und verändern nicht die Fähigkeiten oder Attribute von Musashi selbst.

Neben diesen Features gibt es auch eine Fülle an unterschiedlichen Items, die man sich zunutze machen kann. Neben Ausdauer-Boosts und diversen Widerstands-Upgrades, die allerdings nur von kurzer Dauer sind, gibt es auch die, speziell im Souls-Genre, üblichen Heil-Items. Diese füllen sich beim Aktivieren eines Spiegelschreins jedes Mal neu auf. Allerdings tauchen dann auch bereits erledigte Gegner wieder auf. Hier ließ man sich bei Capcom also definitiv vom Souls-Genre inspirieren. Immer wieder findet man das ein oder andere Feature, welches man bereits von diesen Titeln her kennt. Schlecht ist dies allerdings nicht, denn wieso sollte man das Rad jedes Mal neu erfinden, wenn andere es bereits fast perfektioniert haben?

Immersiv und spannend umgesetzte Spielwelt zieht uns direkt in ihren Bann

Speziell für mich ist die Spielwelt eines der besten Features von Onimusha: Way of the Sword. Das von Dämonen heimgesuchte Kyoto strotzt nur so vor liebevollen Details und man kann, gerade zu Beginn des Abenteuers, kaum entscheiden, welche Ecke des digitalen Kyotos man zuerst erkunden möchte. Die Spielwelt wirkt von Sekunde eins an absolut immersiv und wunderschön anzusehen. Im weiteren Spielverlauf vergrößert sich außerdem das begehbare Areal Kyotos etwas und nach und nach nimmt das Spiel in puncto Atmosphäre sogar Resident-Evil-artige Züge an. Aber weitere Details würden hier Spoiler-Gefahr bedeuten.

Neben den Hauptquests gibt es auch allerlei Nebenquests, die uns in noch entlegenere Ecken Kyotos entführen und uns für den erfolgreichen Abschluss dieser Missionen sogar mit diversen Spezial-Items belohnen. Mit diesen speziellen Gegenständen können wir unseren Helden und dessen Equipment dann wieder stärker machen und uns den weiteren Spielverlauf so etwas erleichtern.

Auch lohnt es sich, bereits besuchte Gebiete erneut zu erkunden. Denn nach und nach schalten wir auch spezielle Fähigkeiten frei, die es uns erlauben, zuvor versperrte Wege nun zu passieren. Auch hängt der Nebel des Miasmas über Kyoto. Dieser rote Schleier verhindert eine sofortige und vollständige Erkundung, da dieser zuerst nach und nach zurückgedrängt werden muss.

Die fordernden Bosskämpfe sind die Kirsche auf der Torte

Das größte Highlight von Onimusha: Way of the Sword dürften aber zweifelsohne die ausufernden und extrem actionreichen Bosskämpfe gegen die Genma sein. Durch geschicktes Kontern und Blocken behält man in den ausufernden Bosskämpfen die Oberhand und kann so siegreich aus den zahllosen Duellen gehen. Manche Bosskämpfe haben zwei Phasen, andere wiederum nur eine. Gerade die zweiphasigen Kämpfe sind es aber, die einem wirklich alles abverlangen und eine nachlassende Konzentration des Spielers sofort bestrafen. Fordernd, aber zugleich auch unheimlich belohnend.

Die völlig unterschiedlichen Bosse sind allesamt wunderbar und toll umgesetzt und da die Genma auch sprechen können, wirken diese teilweise sogar sympathisch und liefern sich zum Teil sogar relativ witzige Konversationen mit unserem Helden Musashi. Speziell bei den Bosskämpfen kann man also sagen, dass Capcom hier wirklich alles richtig gemacht und genau ins Schwarze getroffen hat.

Etwas mehr Nebenquests wären wünschenswert gewesen

Der einzige negative Aspekt, den ich am neuesten Onimusha-Ableger zu bemängeln habe, ist die Tatsache, dass die Spielwelt hier und da vielleicht noch ein wenig mehr Nebenaktivitäten vertragen hätte. Immer wieder ertappte ich mich dabei, wie ich etwas ziellos in der Spielwelt umherstreifte, quasi ohne wirklichen Plan. Nebenquests sind zwar vorhanden, aber gemessen an der Größe des Areals vielleicht doch etwas mager in ihrer Anzahl.

Etwas mehr zu tun hier und da hätte dem Spiel sicher gut getan. Alles in allem fühlt man sich aber nur selten wirklich ziellos oder ohne Motivation in der Story voranzuschreiten.

Ein umwerfend schönes Abenteuer dank hauseigener Engine

Dank der hauseigenen RE Engine schafft es Capcom, eine unheimlich stimmige Welt zu erschaffen, die obendrein auch noch verdammt gut aussieht. Die tollen und wundervoll gestalteten Charaktermodelle gepaart mit den knackigen Texturen und tollen Licht- und Schatteneffekten erwecken diese Spielwelt wahrlich zum Leben.

Bereits bei den letzten Resident-Evil-Ablegern und dem Sci-Fi-Hit Pragmata konnte Capcom eindrucksvoll beweisen, was alles in der hauseigenen Engine steckt. Speziell der Schattenwurf macht wirklich viel aus in Sachen Atmosphäre und so sieht Onimusha: Way of the Sword am Ende wirklich super und äußerst stimmig aus.

Auch in Sachen Performance ist der Titel wirklich mehr als gelungen. Absolut runde 60 Frames konnte der Titel während unserer Testsession stets halten. Egal, wie viel gerade auf dem Bildschirm los war. Auf Wunsch kann man den Titel auch in einem Qualitätsmodus mit 30 Frames genießen. Das Bild wird somit zwar deutlich schärfer, die Performance aber auch deutlich schlechter. Der Performance-Modus ist in diesem Fall also vorzuziehen.

Abstürze oder Ruckler konnte ich während der gesamten Testphase nicht feststellen und auch ohne Day-1-Patch lief Onimusha: Way of the Sword also stets perfekt. So wünscht man sich den Launch eines solchen Titels doch. Vorbildlich und typisch Capcom-Oberklasse eben.

Auch akustisch ein Fest für die Sinne

Die bombastischen Soundeffekte, die jedes Kampfgeräusch bis ins Kleinste gekonnt untermalen, treffen auf einen epischen Soundtrack und hitzige Boss-Melodien, die das hektische und treibende Kampfgeschehen noch pulsierender wirken lassen. Wirklich toll umgesetzt und absolut passend für einen Titel dieser Art.

Die Synchronisation ist ebenfalls mehr als gelungen und kann sich in jeder Variante hören lassen. Vorzugsweise spiele ich solche Titel aber natürlich mit japanischer Original-Synchronisation und deutschen Untertiteln.

Die actiongeladene Onimusha-Reihe ist endlich zurück!

Bildmaterial: Onimusha: Way of the Sword, Capcom

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Titel	Elden Ring – Tarnished Edition
	28. August 2026
	Bandai Namco Entertainment
	28. August 2026
	Bandai Namco Entertainment America Inc.
	28. August 2026
	Bandai Namco Entertainment Europe
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Versionsnummer	1.01
Entwickler	FromSoftware
Genres	Open World Action RPG
Texte
Vertonung

Ich liebe Elden Ring. Zu sagen, ich hätte meine Zeit mit dem Spiel auf der Xbox Series X genossen, wäre schon fast eine Untertreibung. Deswegen war ich also sehr neugierig bei der Ankündigung einer Portierung auf Nintendo Switch 2, aber auch ein wenig skeptisch.

Mittlerweile weiß ich dank Portierungen wie Final Fantasy XIV, dass es klappen kann, aber ein massiver Titel wie Elden Ring auf dieser mobilen Konsole?! Erste Berichte aus dem letzten Jahr zur Gamescom ließen nichts Gutes erahnen.

Nun ist die Portierung hier und ich habe mich über 40 Stunden lang durch die mobile Variante der Zwischenlande gekämpft. Bei diesem Text geht es rein um die Technik der Switch-2-Version. Tests zum Grundspiel und DLC findet ihr hier und hier!

Achtung, Wurfgefahr!

Die Switch-2-Variante von Elden Ring bringt ein riesiges, aber vor allem auch herausforderndes Spiel auf die mobile Konsole. Bei meinem Spieldurchlauf, bei welchem ich es aber aus Zeitgründen nicht in den DLC geschafft habe, konnte ich einige Abenteuer im Handheld-Modus auf der Couch erleben.

Am TV zu spielen war dank Pro Controller ähnlich wie auf der Xbox. Aber im Handheld-Modus fühlte sich das Spiel anfangs ungewohnt fummelig an. Aber das war nur der erste Eindruck und man gewöhnt sich schnell an die Handhabe.

Auf dem Bildschirm der Switch 2 sieht Elden Ring wirklich toll aus. Nur ein wenig dunkel ist es, hatte ich manchmal in Dungeons das Gefühl. Vielleicht lag es aber auch an dem großen Feuerball am Himmel, wenn die Sonne schien. In einem nicht komplett erhellten Raum ist so weit alles gut erkennbar.

Auch auf anderen Konsolen glänzt Elden Ring zwar mit einer tollen Optik, aber das liegt vor allem an dem atmosphärischen Zusammenbau aller Bausteine. Schaut man auf Xbox genauer hin, fallen auch flott etwas schwammigere Texturen auf. Dies setzt sich auf Switch 2 fort. Im Handheld-Modus fällt das aber noch einmal deutlich weniger auf als am TV.

Aber immerhin: Dank HDR sticht das Bild euch mit tollen Farben entgegen. Egal ob im Handheld-Modus oder an einem größeren TV, welcher das Feature unterstützt. Ich habe nie die PC-Version an einem großen TV gespielt, ich kann das nun also schlecht damit vergleichen. Das wäre aber auch ungerecht. Dafür kann ich es gut mit einer anderen Konsolen-Fassung vergleichen und ich hätte nun als „Laie“, der nicht genau ins Detail geht, visuell keine Unterschiede zwischen Xbox Series X und Switch-2-Version feststellen können. Zumindest nichts, was mir direkt ins Auge stechen würde.

Der mögliche Genickbruch: Die FPS!

Doch das Wichtigste ist letztendlich, wie flüssig das Spiel läuft. Dafür steht FPS: Flüssiges Pild Score. Oder so. Auf jeden Fall kann man alle Sorgen über Bord werfen, welche durch die vor der Öffentlichkeit versteckte Preview-Version von der Gamescom 2025 aufkamen. Die Switch-2-Fassung läuft mit 30 Bildern pro Sekunde meist flüssig. Ja, meist. Ich befürchte, komplett ohne Probleme ist die Version nicht.

Während ihr die offene Welt durchlauft oder reitet, habt ihr eigentlich fast immer flüssige 30 FPS, auch meist in Kämpfen. Es gab ein paar Momente, wo dies ein wenig einbrach. Nach dem Kampf gegen Godrick, welcher ohne Probleme flüssig lief, geht es in das Seenland Liurnia.

Einer der schönsten Momente in Elden Ring ist es, wenn man ein neues Gebiet betritt und von der schönen kommenden Landschaft erschlagen wird. Hier wurde aber eher die Konsole erschlagen, denn die Framerate brach kurz für ein bis zwei Sekunden ein. Interessanterweise aber nur beim ersten Betreten der Gegend. Als ich versuchte es nachzustellen, passierte es nicht mehr.

Ein paar andere Momente, in denen die Framerate nachgab, blieben auch im Kopf. In einem Kampf relativ zu Beginn des Spieles habe ich die Aschen-Wölfe herbeigerufen. Ein Troll-Boss zerschlug diese mit einem großen Angriff, was alle drei Wölfe gleichzeitig zum Platzen brachte.

Hier krachte aufgrund der vielen Effekte und Dinge, die passierten, die Framerate ebenfalls ein. Auch das aber nur für einen sehr kurzen Moment, danach war alles wieder gut. Schwenkt ihr die Kamera schnell in größeren Gebieten oder in Kämpfen mit vielen Effekten, dann ist ein Stottern ebenfalls leicht merkbar. Nicht schlimm oder störend – aber durchaus bemerkbar.

Keine 120 FPS, absolut unspielbar?!

Als großer Fan von Bloodborne bin ich FromSoftware-Spiele mit 30 FPS gewohnt. Es stört mich also nicht, wenn es nicht ganz so flüssig läuft wie an einem High-End-PC und es in über 40 Stunden Spielzeit mal zum Einbruch der Framerate beim Erkunden kam.

Doch das Wichtigste für mich: In fast keinem der Bosskämpfe kam es zum Stottern. (Zum Beispiel beim erwähnten Troll gab es das, interessanterweise.) Ich hatte keine Probleme im Kampf gegen Radahn, auch der effektvolle Kampf mit Rykard verlief ohne Ruckeln. Wenn Morgott zahlreiche Schwerter in den Boden schießt, bleibt das Spiel flüssig.

Gerade der Radahn-Kampf war interessant, da dort ja noch andere Charaktere mitkämpfen können und dieser gigantische Boss den Bildschirm mit seinem Körper und Attacken füllt. Wie es im DLC beim finalen Boss aussieht, der selbst in anderen Versionen teils zu Performance-Problemen geführt hat, kann ich leider nicht sagen. Ich versuche aber, es in den Kommentaren irgendwann nachzureichen. Gebt mir aber bitte ein bisschen Zeit, so gut bin ich dann auch wieder nicht …

Nach wenig Zeit gewöhnt man sich an die Performance und 30 FPS der Konsole. Das ist der Preis für das mobile Spielen. Einen Großteil meiner Spielzeit mit der Switch-2-Fassung habe ich im Handheld-Modus verbracht. Gerade das Erkunden der Welt oder von Dungeons ist dort wirklich angenehm und entspannt. Anfangs fiel es mir schwer, bei Boss-Gegnern mental in den „Serious Gamer“-Mode zu wechseln.

Doch auch das ist nur eine Frage der Gewöhnung und somit war auch eine Rennala kein Problem. (Wobei sie sowieso kein Problem darstellt). Aber auch am TV habe ich einige Zeit mit der Portierung verbracht und kann von keinerlei Unterschieden berichten, außer dass der Titel am TV dann halt in 4K läuft. Das kann ich zwar nun technisch nicht zu 100 % belegen und es gibt seitens Bandai Namco keine Angabe dazu, aber das sagen mir zumindest meine schönen Äuglein.

Die Ladezeiten haben sicherlich Verbesserungspotenzial. Knapp zehn Sekunden dauert es durchschnittlich, bis ihr nicht mehr den Ladebildschirm seht. Teilweise kann das sogar noch länger dauern, wenn ihr euch zum Beispiel in die Hauptstadt Leyndell portiert. Innerhalb der Stadt geht das dann schneller. Generell gilt ein wenig: Je weiter weg, desto länger dauert die Schnellreise. Somit hatte ich beim Testen Zeiten zwischen fünf und zwölf Sekunden. Haut euch ein Boss um, habt ihr ungefähr eine Wartezeit von knapp sechs bis sieben Sekunden.

Das ist noch verkraftbar, aber in einem Spiel, wo man oft stirbt, kann das doch durchaus ein wenig nervig werden. Kann – mich hat es nicht gestört, aber auch da wieder: Ich bin halt lange Wartezeiten von Bloodborne gewohnt. Damit sind die Ladezeiten länger als auf einer PS5 oder Xbox Series X, aber deutlich kürzer als auf einer PS4 oder Xbox One. (Das liegt dort aber auch an der fehlenden SSD.)

Neue Inhalte braucht das Zwischenland?

Mit der Tarnished Edition von Elden Ring bringt FromSoftware zwei neue Klassen mit ins Spiel. Mit dem Idus-Ritter erhaltet ihr eine Startklasse, welche eine gute Defensive bietet, aber dennoch agil ist und euch eine interessante Hybrid-Klasse bietet. Abseits davon bringt FromSoftware hier ein komplett neues Land in die Lore des Spieles ein, welches uns sicherlich zahlreiche neue Lore-Videos auf YouTube bringen wird.

Der Schwere Ritter bietet genau das, was er verspricht: Ihr startet als Ritter mit einem hohen Tragegewicht, welcher dementsprechend langsam rollt. Das ist persönlich gar nicht meins, aber wer Bock auf hohe Defensive mit einem fetten Krummsäbel hat, dem könnte diese Startklasse gut gefallen. Fans von FromSoftware freuen sich sicherlich, denn es gibt neue Rüstungssets, welche wohl Anspielungen auf ältere Spiele des Entwicklers bieten.

Auch das Spektralross Sturmwind bekommt nun die Möglichkeit, sich ein wenig umzuziehen! Drei Rüstungen könnt ihr für euren treuen Gefährten finden. Falls ihr dachtet, ihr erhaltet die einfach so, dann habt ihr euch getäuscht. Die Ausrüstungen müsst ihr in der Welt finden. Diese haben aber rein optische Auswirkungen. Das gespenstische Pferd hat dadurch keine besseren Werte.

Diese neuen Inhalte können für einen schmalen Taler von 4,99 Euro auf anderen Plattformen erworben werden. Ob sich das lohnt, muss man natürlich mit sich selbst ausmachen. Generell wirkt der Preis von der Switch-2-Fassung mit 79,99 Euro ganz schön hoch. Die Version beinhaltet das Grundspiel, den „Shadow of the Erdtree“-DLC sowie nun das „Tarnished Edition“-Pack.

Der DLC ist scheinbar nie auf Steam im Angebot, das Grundspiel auch recht selten, aber das kam auf jeden Fall schon vor. Dennoch wäre da der günstigste Kombi-Preis noch über 70 Euro gewesen, laut SteamDB. So betrachtet muss man gar nicht so viel tiefer in die Tasche greifen als auf anderen Plattformen. Daher geht das schon so weit in Ordnung – aber wer auf einen Sale warten möchte, dem sei dies natürlich auch geraten.

Auch mobil ein Meisterwerk

Bildmaterial: Elden Ring, Bandai Namco, FromSoftware

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Titel	Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2
	27. August 2026
	Konami
	27. August 2026
	Konami
	27. August 2026
	Konami
System	PlayStation 5, Xbox Series, Nintendo Switch 1&2, PC
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	1.000.3
Entwickler	Konami
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Die erste Ausgabe der Metal Gear Solid: Master Collection erhielt vor allem zum Release im Jahre 2023 eher mäßige Kritiken. Neben der durchwachsenen Technik und den eher dürftigen technischen Anpassungen war es vor allem auch die Tatsache, dass die Collection für viele Metal-Gear-Fans schlicht und ergreifend einfach unvollständig war und wichtige Titel der Reihe fehlten.

Einer dieser, für viele Metal-Gear-Fans, wichtigsten Titel ist zweifelsohne „Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots“. Dieser PS3-exklusive Titel erschien ursprünglich im Jahre 2008 und wurde bisher noch nicht auf eine andere Plattform portiert. Vielen Fans stieß das Fehlen dieses Titels in der Collection Vol. 1 daher ganz besonders sauer auf.

Konami versprach jedoch schon bald nach dem Release der ersten Collection diesen Fehler mit der kommenden Collection auszubessern. Die Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2 soll die bisher fehlenden Titel nun, zumindest teilweise, in technisch verbesserter und angepasster Form nachreichen.

Am 27. August ist es nun endlich so weit und die zweite Ausgabe der heiß ersehnten Metal-Gear-Collection erscheint für PS5, Xbox Series, Switch 1&2 und PCs. Ob die neue Collection endlich die große Lücke schließen kann und ob dieses Mal auch der technische Aspekt der Collection direkt zum Launch passt, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Test.

Drei schlagkräftige Titel bieten die volle Metal-Gear-Dröhnung

Neben dem bereits erwähnten Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots sind auch Metal Gear Solid: Peace Walker in der HD-Version und der Game-Boy-Color-Ableger Metal Gear: Ghost Babel aus dem Jahre 2000 enthalten. Metal Gear: Ghost Babel erhielt außerhalb des asiatischen Markts den eingängigeren Titel „Metal Gear Solid“.

Langzeit-Fans freuen sich natürlich am meisten auf die moderne Portierung von Guns of the Patriots. Der Titel ist bis zum heutigen Tag lediglich auf der Original-Hardware, der PlayStation 3, spielbar und daher für viele Fans und Interessierte nicht mehr so leicht zugänglich und spielbar. Umso erfreulicher ist es natürlich nun, dass man sich bei Konami für eine moderne Portierung des Titels für die zweite Master Collection entschied.

Dennoch muss man natürlich festhalten, dass es sich bei allen Spielen dieser Collection um relativ alte Titel handelt. Gameplaytechnisch merkt man den Spielen ihr Alter also definitiv an. Wer also nichts mit dem Retro-Charme der Spiele anfangen kann, sollte sich die Collection vor dem Kauf auf jeden Fall nochmals genauer ansehen, um einschätzen zu können, was hier auf einen zukommt.

Guns of the Patriots – eine letzte Mission, die das Schicksal der Welt entscheiden soll

Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots spielt fünf Jahre nach dem Manhattan-Zwischenfall von Metal Gear Solid 2: Sons of Liberty. Die Welt wird nun sozusagen von privaten Militärkonzernen gesteuert. Die Einheiten dieser Konzerne sind mit Nanomaschinen ausgerüstet und werden mit deren Hilfe gesteuert. Als klar wird, dass Liquid Ocelot sich dieses System zunutze machen möchte, wird Snake auf eine letzte Mission geschickt, um diesem Schrecken ein für allemal ein Ende zu bereiten und Liquid Ocelot das Handwerk zu legen.

Snake bleibt nichts anderes übrig, als sich in das Kriegsgebiet im Nahen Osten zu begeben. Denn hier hält sich Liquid Ocelot wahrscheinlich versteckt. Unterstützt wird Snake von Dr. Hal „Otacon“ Emmerich und Olga Gurlukovichs Tochter Sunny. Ein actiongeladenes Abenteuer erwartet unseren Helden.

Peace Walker – kriegerische Auseinandersetzungen in Costa Rica

Die Geschichte von Metal Gear Solid: Peace Walker spielt im Jahre 1974 in Costa Rica. Wir übernehmen die Rolle von „Big Boss“, dem legendären Agenten, aus dem der aus den neueren Ablegern bekannte Held „Solid Snake“ entstand.

Dieser geht mit seiner Söldnereinheit „Militaires sans Frontières“ gegen die amerikanische CIA vor, da diese im Land geheime Waffensysteme testet. Unter diesen Waffensystemen befindet sich unter anderem auch der sogenannte „Peace Walker“. Eine Art Metal-Gear-Mech, welcher ebenfalls mit zerstörerischen Waffensystemen ausgestattet ist. Auch eine Atomwaffe befindet sich im Arsenal des Kampfroboters. Dieser Umstand allein genügt Big Boss und seinen Unterstützern, dieses bedrohliche Kriegswerkzeug aus der Welt zu schaffen. Ein allumfassender Konflikt entfaltet sich, in welchem es um nichts Geringeres geht, als den Frieden im Land und der Welt zu wahren. Notfalls auch mit Waffengewalt.

Ghost Babel – eine bewaffnete Terrorgruppe ist im Besitz eines Metal Gear und muss gestoppt werden

Metal Gear: Ghost Babel spielt drei Jahre vor den Ereignissen von Metal Gear Solid aus dem Jahre 1998. Die Handlung ist im Jahre 2002 angesiedelt und Snake muss die Terrorgruppe „Black Chamber“ stoppen. Diese ist im Besitz eines Metal-Gear-Mechs und bedroht nicht nur die USA, sondern auch die gesamte Welt.

Auch hier erwarten uns wieder die unterschiedlichsten Widersacher und neben dem Bumerang-schwingenden „Slasher Hawk“ treffen wir auch auf die Puppenspielerin „Marionette Owl“, den Pyromanen „Pyro Bison“ und den geheimnisvollen Kämpfer „Viper“. Eine bunte Mischung, die typisch für die Metal-Gear-Reihe ist.

Technisch sehr ordentlich umgesetzt und an die Moderne angepasst

Aus technischer Hinsicht kann man der Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2 wahrlich nichts Negatives anhaften. Alle enthaltenen Titel laufen einwandfrei und mit flüssigen 60 Frames über den Bildschirm. Auch hatten wir zu keiner Zeit mit größeren technischen Schwierigkeiten wie beispielsweise Freezes oder gar Abstürzen zu kämpfen. Alles in allem also ein technisch wirklich rundes Erlebnis.

Die Texturen und Effekte wurden, zumindest für mein Empfinden, sogar noch etwas aufgehübscht und an die Moderne angepasst. Allgemein wirkt das Bild nun deutlich ruhiger, als es noch bei den Original-Titeln damals der Fall war. Hier kann man Konami also definitiv ein Lob aussprechen. Die Umsetzung wirkt allgemein sehr ordentlich und durchdacht. Metal-Gear-Fans dürfen getrost aufatmen.

Legendärer Soundtrack trifft auf tolle Effekte und eine fantastische Synchronisation

Zum Metal-Gear-Soundtrack braucht man wohl keine Worte zu verlieren, denn dieser ist nach wie vor einfach fantastisch. Gepaart dazu gibt es knackige Soundeffekte und eine Synchronisation, die sich wirklich hören lassen kann. Speziell David Hayter, der Snake beziehungsweise Big Boss spricht, sticht hier erneut positiv hervor.

Die Effekte wurden wohl ebenfalls leicht überarbeitet, denn diese klingen nun deutlich klarer und sauberer. Speziell bei Peace Walker war dies auch bitter nötig, da dieses Spiel seine Premiere ja auf der PSP feierte und ein technisches Makeover daher am nötigsten hatte.

Die komplette Metal-Gear-Erfahrung, auf die Fans schon lange warten

Bildmaterial: Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2, Konami

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Titel	Final Fantasy XIV – Switch 2 Edition
	04. August 2026
	Square Enix
	04. August 2026
	Square Enix
	04. August 2026
	Square Enix
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Versionsnummer	20260811
Entwickler	Square Enix
Genres	MMO
Texte
Vertonung

Lange mussten Fans der mobilen Unterhaltung warten, doch endlich gibt es Final Fantasy XIV auf einem Nintendo-Handheld! Mit dem Release auf Nintendo Switch 2 können Fans der Reihe oder Neueinsteiger in den Genuss einer mobilen Version des beliebten MMOs kommen. Doch taugt der Port etwas? Wir haben uns durch Limsa Lominsa, diverse Dungeons und Allianz-Raids geschlagen, um diese Frage zu beantworten.

Verschiedene Versionen und wenig Durchsicht

Eine Sache vorab: Wenn ihr in den eShop schaut, gibt es zahlreiche Versionen von Final Fantasy XIV. Seid ihr neu, entscheidet euch auf jeden Fall für die Free Trial! Diese beinhaltet nicht nur das Grundspiel, sondern auch die Erweiterungen Heavensward, Stormblood und das großartige Shadowbringers.

Ihr könnt zahlreiche Jobs bis Level 80 spielen und das mit nur geringen Einschränkungen. Es warten hunderte Stunden gratis Spielspaß auf euch. Kauft ihr das Spiel und beginnt die monatliche Abo-Version, könnt ihr aber nicht mehr zurück!

Ein gigantisches Spiel wie Final Fantasy XIV auf Nintendo Switch 2 zu bringen, klingt erst einmal wie ein krasses Unterfangen. Allerdings erschien A Realm Reborn vor 13 Jahren und war sogar auf PlayStation 3 verfügbar. Seitdem gab es zwar zahlreiche Updates und das Spiel hat stärkere Anforderungen, auch dank grafischen Verbesserungen. Aber hier sollte ein Port gar kein großes Problem sein, oder?

Und ich muss sagen, Square Enix hat das Spiel erfolgreich portiert. Ich habe nun eine ganze Weile (eigentlich fast schon zu viel Zeit) mit der portablen Version verbracht. Dabei sei gesagt, dass ich fast ausschließlich im Handheld-Modus gespielt habe. Als eigentlicher PC-FFXIVler war für mich die Umgewöhnung auf Controller die größte Hürde. Aber man fuchst sich da schnell rein und nach kleinen Umstellungen funktioniert das alles ganz wunderbar.

Ein visuell … größtenteils flüssiges Erlebnis

Im Vorfeld wurde beworben, Final Fantasy XIV würde auf Nintendos Handheld stabile 30 Bilder pro Sekunde anpeilen. Da hat man sich aber tatsächlich schlechter verkauft, als es eigentlich ist. Aber es ist ehrlich. Denn die Framerate in FFXIV auf Switch 2 schwankt durchaus.

Es gibt Gebiete und Instanzen wie Dungeons, Trials und Raids, in denen das Spiel durchaus mit 60 Bildern pro Sekunde läuft. Wirklich realistisch ist es aber eher zu sagen, wir haben durchschnittlich beim Spielen einen Mix aus 30 und 60 FPS – ohne nun genauere Technik gemessen zu haben, würde ich einen Schnitt von 40–45 Bildern geben.

Das klingt jetzt aber auch irgendwie schlimmer, als es eigentlich ist. Man kann das Spiel auch direkt auf 30 FPS locken, wenn man es konsistent haben möchte. Aber auch ohne diese Funktion läuft das Spiel flüssig und sieht vor allem im Handheld-Modus wirklich gut aus.

Ich würde aber lügen, würde ich behaupten, ich hätte nicht auch mal einen krassen Einbruch gehabt. Im Valigarmanda-Kampf aus Dawntrail, wo es einen Szenen-Wechsel gibt, hatte das Spiel einen sehr kurzen, aber bemerkbaren Einbruch. Auch in Allianz-Raids läuft der Titel aufgrund der ganzen Effekte und zahlreichen Charaktere nicht ansatzweise mit 60 Bildern pro Sekunde. Ich schaue über so etwas hinweg, das ist für mich der „Preis“, das Game mobil spielen zu können.

Generell kann man sagen, dass die Switch-2-Variante die schwächste Konsolen-Version von FFXIV ist. Die Texturen sind schwammiger als auf einer PlayStation 5 oder Xbox Series X. Wenn ich es mit dem PC vergleichen müsste, würde ich sagen, es sieht aus, als würde man es auf mittleren Einstellungen spielen. Wenn ihr also Interesse habt, aber eher am TV spielen wollt und gar keinen Bock auf Handheld-Gaming habt, greift auf keinen Fall zu. Reizt euch aber, wie mich, die Möglichkeit mobil zu spielen, dann ist die Switch-2-Variante ein echt spannendes Ding.

Exklusive Switch-2-Funktionen

Natürlich ist ein Highlight dieser Variante, Final Fantasy XIV überall spielen zu können. Zumindest, solange ihr eine flüssige Internetverbindung habt. Das heißt, in deutschen Zügen wird es schwierig zu spielen. Wobei ich vielleicht bei meinem Versuch auch ein wenig Glück hatte und ein wenig unterwegs spielen konnte. In Gebieten mit besserem Netz hilft sicher ein guter Hotspot. Oder bei gutem Wetter auf dem Balkon liegen und ein wenig grinden – ganz ehrlich, das bockt.

Das für mich beste Feature, wenn man im Handheld-Modus spielt, ist jedoch der Touchscreen. Dieser hilft euch bei der Navigation durch Menüs! Bisher war das immer mein größter Turn-off bei der Controller-Steuerung. Aber so drücke ich einfach auf die Karte und habe sie offen.

Ich habe mir auch manche Sachen, die ich gar nicht so oft brauche, aber dennoch gern verfügbar habe, in eine extra Kommandoleiste gepackt. Ein kurzes Betätigen mit dem Daumen aktiviert dann halt den Sprint und ich muss nicht extra mit dem Controller durchschalten. Natürlich könnt ihr das auch in die Kreuz-Menüs packen. Aber so fand ich das eigentlich ganz schön. Aber vor allem als Heiler hilft der Touchscreen! Ihr wollt jemanden heilen? Einfach in der Party-Liste antippen und los geht es. Ich wüsste gar nicht, wie ich das mit der normalen Controller-Steuerung machen sollte, um ehrlich zu sein.

Ihr könnt auch den Maus-Modus des Joy-Con verwenden. Diesen habe ich aber persönlich nur verwendet, um Menüs zu arrangieren oder Kommandos in die Leiste zu ziehen. Direkt so zu spielen kann ich mir nicht vorstellen, aber das liegt auch eher an meiner persönlichen Abneigung zum Maus-Modus der Switch 2.

Apropos Abneigung: Der Akku der Konsole ist bekannterweise stark genug, um die Leistung der Konsole zu stemmen, aber bringt je nach Spiel unterschiedliche Laufzeiten mit sich. Bei Final Fantasy XIV habe ich gut anderthalb Stunden gespielt, bevor ich dann doch mal das Kabel anstecken musste. Das ist okay – aber wer einen ganzen Abend auf dem Sofa in Raids verbringen möchte, der sollte sich ein Ladekabel bereitlegen.

Bugs? Welche Bugs?

Was mich persönlich beeindruckte, war das Fehlen von Bugs. Ich hatte gar keine Probleme in meinen zahlreichen Stunden. Das heißt nicht, dass es keine gibt. Direkt zur Veröffentlichung der Switch-2-Variante klagten Spielende über lange Ladezeiten und einen Bug beim Wiederbeleben. Beides wurde behoben.

Besonders die Ladezeiten sind nun unfassbar schnell und selbst mein High-End-Gaming-PC kann nicht so schnell die Gegend wechseln wie die Switch-2-Variante. Respekt an das, was hier geliefert wurde. Das gibt auch Hoffnung darauf, dass man die Framerate vielleicht in Zukunft auch noch ein wenig nachbessert.

Ein Dorn in meinem glubschigen Auge, und von vielen anderen auch, ist die zusätzliche Abo-Gebühr für die mobile Variante. Spielt ihr nur auf der mobilen Konsole, zahlt ihr auch nur die Variante. Wollt ihr gleichzeitig auf anderen Plattformen spielen, müsst ihr draufzahlen. Dabei zahlt man „nur“ die Hälfte drauf und muss nicht noch einmal die komplette Abo-Gebühr zahlen. Aber es fühlt sich schon ein wenig schade an, wenn man als Besitzer der PS5- und PC-Variante nur für ein Abo zahlen muss, bei der Switch-2- und PC-Kombo jedoch tiefer in die Tasche greift.

Das heißt für mich also, ich werde nur in „Downtimes“, wenn ich mal Relic-Waffen grinden sollte oder meine Handwerker-Klassen aufleveln möchte, ein Abo haben. Generell übrigens sind die Crafting-Klassen durch den Touchscreen ein ebenfalls sehr angenehmes Erlebnis. Oder wenn ihr eine der Sammler-Klassen spielt und auf dem Sofa gemütlich sammelt, während ihr irgendwelche Serien guckt. Für so „Casual“-Runden ist die Switch-2-Version wirklich perfekt und man kann auf dem Sofa chillen, während man grindet.

Auch mobil ein Meisterwerk?

Bildmaterial: Square Enix

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Titel	Moonlight Peaks
	7. Juli 2026
	Marvelous, XSEED
	7. Juli 2026
	Marvelous USA, XSEED
	7. Juli 2026
	Marvelous Europe, XSEED
System	Switch (2), PC-Steam, Mobile
Getestet für	Nintendo Switch 2
Versionsnummer	1.1.41
Entwickler	Little Chicken
Genres	Farming-Simulation
Texte
Vertonung	–

Von Harvest Moon zu Story of Seasons bis hin zu Stardew Valley: Farming-Simulationen erfreuen sich seit jeher großer Beliebtheit und sind eine der tragenden Säulen sogenannter Cozy-Games. Allerdings leidet das Genre seit einigen Jahren an Gleichförmigkeit.

Helle Pastelltöne, niedliche Chibis und eine immer gleiche Prämisse sind altbekannte Formeln, durch die den meisten Spielen mittlerweile eine eigene Identität fehlt. Moonlight Peaks scheint hierfür mit seiner besonderen Atmosphäre Abhilfe zu schaffen, indem es auf düstere Halloween-Stimmung abzielt. Ob es tatsächlich frischen Wind ins Genre bringt, erfahrt ihr im Test.

Ein Vampir kommt selten allein

Der Haussegen hängt schief in Schloss Dracula. Nach einem heftigen Streit mit der Berühmtheit, die auch gleichzeitig unser Vater ist, packen wir unsere Sachen und ziehen gemeinsam mit unserem Höllenkätzchen nach Moonlight Peaks. In diesem kleinen Örtchen für magische Wesen hat früher unsere Mutter gelebt. Wir kommen also direkt in einem kleinen Häuschen auf einem eigenen Grundstück unter.

Die umgebenden Wälder, Sümpfe, Strände und Höhlen laden uns direkt zum Erkunden ein. Da wir als Vampir tagsüber verbrennen würden, gehen wir unserer Arbeit erst nach Sonnenuntergang nach. Neben Erkundungen darf natürlich auch ein Besuch in der Stadt nicht fehlen. Hier tummeln sich Vampire, Werwölfe, Hexen und Seher und gehen ihrem routinierten Nachtwerk nach. Dabei stellen wir schnell fest, dass in Moonlight Peaks nicht alles eitel Mondenschein ist, denn die Stadt scheint das ein oder andere Problem zu beherbergen.

Gärtnern will gelernt sein

Das erste von vielen liegt auch direkt vor unserer Haustür und nennt sich Orlock. Dieser mürrische Vampir ist ein echter Trunkenbold und nicht gut auf Dracula zu sprechen. Um ihn also von uns zu überzeugen, stimmen wir seinem Vorschlag zu, Wein für ihn anzubauen und herzustellen. Unser Onkel Viktor, der ganz in der Nähe in einer Gruft wohnt, hilft uns bei unseren ersten Schritten in die Selbstständigkeit und erklärt uns die Grundlagen der Landwirtschaft.

Hier fällt schnell auf, dass Moonlight Peaks nicht allzu aufdringlich mit seinen Tutorials ist. Das meiste ist in einem kurzen Satz erklärt. Dinge wie Boden pflügen und Saatgut pflanzen werden uns auch erst nach direktem Nachfragen über eine Dialogoption erklärt. Das erspart allen, die schon mal ein Farming-Game gespielt haben, unnötige Einstiegszeit. Denn es gibt wenig Neues zu lernen. Felder bestellen, Bäume fällen und Erze abbauen dürften mittlerweile altbekannte Tätigkeiten sein.

Über ein Werkzeugrad haben wir schnellen Zugriff auf Optionen wie beispielsweise Spitzhacke und Gießkanne, wobei die Steuerung manchmal etwas friemelig erscheint und das gewählte Werkzeug nicht immer sofort angelegt wird. Anders als bei Stardew Valley verbrauchen die Werkzeuge keinen Platz im Inventar, sodass wir noch mehr Objekte auf einmal horten können.

Aller Anfang ist schwer

Der Gebrauch von Werkzeugen verbraucht Ausdauer, die wir über Nahrung wiederherstellen können. Allerdings können wir als Vampir nicht aus allem Nährstoffe ziehen. Viele Lebensmittel geben uns nur zwei oder vier Ausdauerpunkte zurück. Beim Anbau können wir daher berücksichtigen, dass wir beispielsweise Bluttrauben anbauen, aus deren gewonnenem Traubensaft wir ordentlich Energie tanken können.

Alternativ schlendern wir rüber in die Stadt und gönnen uns bei Tote Torten ein Häppchen. Happig sind hier allerdings auch die Preise. Die Umsätze aus unseren unverarbeiteten Feldfrüchten fallen eher gering aus, daher ist es gerade am Anfang des Spieles gar nicht so einfach, genug Geld für Annehmlichkeiten zusammenzukratzen. Für ein erstes Rucksack-Upgrade brauchen wir 2000 Goldmünzen, auch für bessere Werkzeuge müssen wir neben Materialien einen vierstelligen Betrag blechen. Nach und nach lernen wir aber, wie man Schmelzöfen, Käsepressen und Mana-Extraktoren herstellt, um lukrativere Geschäfte zu machen.

Fleißig ackern für Gute-Nudel-Sterne

Bei unseren nächtlichen Ausflügen stolpern wir hin und wieder über kleinere Ereignisse, bei denen einzelne Figuren im Fokus stehen. So erfahren wir, wie die Bewohner zueinander stehen und welche Charaktereigenschaften sie haben. Von der stets hilfsbereiten Luna über den frechen Ludo bis hin zur ernsten Alina oder dem insgeheim sorgengeplagten Dragan lernen wir allerlei unterschiedliche Persönlichkeiten kennen. Alternativ können wir auch aktiv nach Ereignissen über die Karte Ausschau halten, wo relevante Orte durch Symbole oder ein Glitzern hervorgehoben werden.

So gibt es neben der Hauptgeschichte, die sich mit Konflikten zwischen den Familien beschäftigt, auch viele kleinere Handlungsstränge, durch die wir eine Verbundenheit zu den Figuren aufbauen. Gelegentliche Erledigungen über das Auftragsbrett, tägliche Gespräche und Geschenke verbessern die Beziehungen noch weiter, sodass auch Romanzen und Eheschließungen möglich werden. Auf eigenen Nachwuchs müssen wir allerdings verzichten, dieser wird laut Entwicklern wohl auch nicht mehr implementiert.

Jetzt wird’s magisch

Bis auf die magischen Spezies klingt Moonlight Peaks soweit noch wie ein normales Farming-Spiel. Dabei bietet es allerdings Optionen, die uns das Leben erleichtern, wie das bereits genannte Werkzeugrad, aber auch ein unendliches Lager, das wir übers Haus verwalten können, sowie die Möglichkeit im Laufe des Spiels die Länge der Nächte anzupassen. Leider fehlt hier noch die Möglichkeit, das Spiel jederzeit zu speichern.

Was das angeht, ist es genauso streng wie andere Genrevertreter und speichert nur, wenn wir uns schlafen legen. Wir müssen also immer einen kompletten Tag spielen, wenn wir keine Zeit verschwenden wollen. Da ein Tag standardmäßig circa fünfzehn Minuten lang ist, fällt dies nicht allzu sehr ins Gewicht. Es sei denn, das Spiel stürzt ab, was in der ganzen Testzeit (in der allerersten Version vor Updates) nur ein Mal vorkam.

Was ist nun anders? Auf den ersten Blick reißt die Atmosphäre einiges raus, um sich abzuheben. Die vielen dunklen Farbtöne lassen schöne Halloween-Stimmung aufkommen. Auch Tiere und Pflanzen sind eher ungewöhnlich. Kühe mit Flügelchen, einäugige Schweineziegen, herumfliegende Totenschädel oder Augenknoblauch geben der Spielwelt die nötige Würze. Mit einem Zauberstab können wir zudem Objekte bewegen, das Feld bewässern und ansonsten die Arbeit allgemein leichter machen. Schön ist dabei, dass jeder Zauber ein eigenes Muster hat, das wir lernen und mit dem Analogstick nachzeichnen. Fühlt sich gleich so viel magischer an!

Das Tüpfelchen auf dem magischen Paket sind schließlich die Verwandlungen, von denen wir insgesamt drei erlernen können. So flitzen wir im Laufe der Geschichte beispielsweise als Höllenkätzchen durch die Gegend, schlüpfen in kleine Löcher und kommen schneller von einem Ort zum anderen. Wobei schnell hier relativ zu betrachten ist, da uns die Ladezeiten an jeder Ecke ausbremsen.

Technisch noch Luft nach oben

Beim Betreten von Häusern und bei Gebietswechseln begrüßt uns erst einmal sekundenlange Schwärze. Die einzelnen Gebiete sind zügig abgelaufen, wodurch sich die Ladezeiten häufen und da wir in einer Nacht viel hin und her laufen, stören sie den Spielfluss extrem. Dazu gesellen sich gelegentliche Framerate-Einbrüche, die sich vor allem innerhalb der Stadt bemerkbar machen. Alles keine weltbewegenden Probleme, die den Entwicklern auch bekannt sind und durch zukünftige Updates ausgebessert werden sollen.

Immerhin wird unsere Ladezeit durch Musik überbrückt, die währenddessen weiterläuft. Sanfte Streichinstrumente streicheln unser Ohr, begleitet von langsamen Klaviertönen. Dazu gesellen sich gelegentlich Glockentöne, die genau das richtige Maß an Mysterium und magischer Stimmung aufbauen. Leider ist die Musik nicht dauerhaft zu hören. Öfters werden wir auch nur von Grillenzirpen und Eulengeheul beim Erkunden begleitet. Aber auch hier gehen Optik und Ton Hand in Hand. Moonlight Peaks bietet genau das, was man erwartet, wenn man an Halloween, Zauber und Geister denkt.

Vampirsein ist Nebensache, aber das ist nebensächlich

Bildmaterial: Moonlight Peaks, Marvelous, XSEED Games, Little Chicken

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Titel	Blue Reflection Quartet
	30. Juli 2026
	Koei Tecmo Games
	30. Juli 2026
	Koei Tecmo Games
	30. Juli 2026
	Koei Tecmo Games
System	PlayStation 5, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2, PCs
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	1.000.000
Entwickler	Gust
Genres	Character-Focused RPG
Texte
Vertonung

Die Blue-Reflection-Reihe ist eine unkonventionelle JRPG-Reihe vom Entwicklerstudio Gust, das man primär für die Atelier-Spiele kennt. Unkonventionell daher, da man vor allem den Erstling weder mit der üblichen Atelier-Kost noch mit einem klassischen JRPG vergleichen kann.

Gust selbst und vor allem Atelier-Illustrator Mel Kishida schufen mit Blue Reflection seinerzeit einen ambitionierten Titel, der atmosphärisch stark war und Gameplay sowie Story gänzlich auf die Beziehungen zwischen Schulmädchen und ihrer Gefühlswelt aufbaute.

Auch wenn der erste Titel mehr als nischig war, konnte dieser dennoch eine beachtliche Fanbase aufbauen. So folgte dem noch sehr ausbaufähigen ersten Teil eine Anime-Serie, ein technisch um Welten besseres Sequel und sogar ein Ableger für Smartphones, welcher jedoch weder den Weg außerhalb Japans fand noch seine eigenständige Geschichte zu Ende erzählen konnte.

Mit Blue Reflection Quartet bringt man nun alle verschiedenen Ableger des Franchises zusammen in einer Kollektion mit vier Spielen. Der Anime und das Spiel für Smartphones erhalten hierbei eine spielerische Umsetzung im Stile der bestehenden Blue-Reflection-Teile.

Quartet nutzt hier auch die Chance, alle vier Ableger in einer Zeitlinie zusammenzubringen und versucht Plotlöcher entsprechend aufzufüllen. Inwieweit Blue Reflection Quartet auch Nicht-Fans ansprechen kann, schauen wir uns nun im folgenden Test genauer an.

Das Stachelschweinsyndrom

Das erste Blue Reflection dreht sich um die Protagonistin Hinako Shirai, die nach einer Verletzung ihre Karriere als Balletttänzerin an den Nagel hängen muss. Sie wechselt an die Hoshinomiya-Mädchenschule, was auch den Beginn der Handlung widerspiegelt. Hinakos Gefühlswelt ist zu Beginn äußerst desolat. Sie fühlt sich leer, isoliert und hat ihre Zukunft praktisch aufgegeben. Als sie aber nun auf die mysteriösen Zwillinge Yuzu und Lime trifft, die ihr die Kraft einer sogenannten Reflector – einer Magical-Girl-Kämpferin – verleihen, wird ihr bisheriges Leben auf den Kopf gestellt.

Als Reflector bewegt sich unsere Protagonistin zwischen zwei Welten. Die normale Schulwelt, die dazu dient Freundschaften zu schließen und Schülerinnen zu helfen, mit ihren Gefühlen im Einklang zu leben; und die metaphysische Welt des sogenannten Common, in der die Gefühle der Menschen Gestalt annehmen. Die Interaktion zwischen den Schulkameraden und auch Kämpfe im Common sind schlussendlich eine große Selbstfindungsreise für Hinako auf ihrem Weg, sich wieder mehr zu öffnen, mit Selbstzweifeln umzugehen und auch Gefühle anderer in ihrer Welt zu akzeptieren.

Blue Reflection wählt hier bewusst einen eher langsamen, melancholischen und introspektiven Weg des Erzählstils und hebt sich somit auch von typischen JRPGs oder klassischen Heldenerzählungen ab. Die wichtigsten Aspekte sind eine atmosphärische Umsetzung der Gefühlswelt, der Umgang mit Selbstzweifeln und eigene Emotionen einzuordnen. Eigene sowie gegenseitige Akzeptanz und Neuanfang sind Themen, die nicht nur die Story bestimmen, sondern auch Gameplay-technisch verwendet werden.

Gefühlsknecht

Den kreativsten Ansatz liefert Blue Reflection mit seinem Gameplay. Zwar sind Kämpfe im Grunde rundenbasiert und wenig komplex, aber kreativ ist das System, über das die Charaktere aufleveln. In Blue Reflection geht es nämlich nicht darum, Kampferfahrung zu sammeln und physisch stärker zu werden. Vielmehr fließen hier die Hauptthematiken zwischenmenschliche Beziehungen, Gefühle und Emotionen auch ins Gameplay mit ein. So steigt man nur im Level auf, wenn man die Beziehungen zu den Schulkameradinnen über Quests, Unterhaltungen oder Dates pflegt.

Kämpfe sind im Grunde also ein Aspekt, dem man weniger Aufmerksamkeit schenken kann. Eine Umsetzung, die mir hier persönlich sehr gefällt, da sich das Gameplay hier perfekt atmosphärisch in die Story und Thematiken einwebt. Kämpfe gegen Monster sind nur metaphorischer Natur; wahre Größe erlangt man darüber, mental und emotional zu wachsen. Die Art, wie man Blue Reflection mit diesen Kernthematiken bis ins letzte Detail füllt, hat damals sicherlich auch einige Interessenten trotz technischer Mängel hier und da aufhorchen lassen.

Anime-Zusammenfassung mit minimalem Aufwand

Blue Reflection Ray übernimmt viele Konzepte des ersten Spiels, setzt aber neue Figuren in den Mittelpunkt. Hiori Hirahara und die introvertierte Ruka Hanari werden zu Reflectors und geraten in einen Konflikt zwischen zwei Weltanschauungen: Die blauen Reflectors bewahren Gefühle, die roten wollen belastende Emotionen entfernen, um Leid zu verhindern. Dadurch entwickelt sich Ray weniger zu einer Heldengeschichte als zu einer Diskussion über den Wert menschlicher Emotionen.

Im Zentrum steht die Gegenspielerin Shino, die den Common öffnen und die Menschheit von Schmerz, Einsamkeit und Verzweiflung befreien möchte. In Blue Reflection Quartet wird nun die vormals düstere Handlung des Animes in eine spielerische Zusammenfassung gepresst. Die beiden Protagonistinnen verlieren zu Beginn durch Shino ihren Antrieb und denken, dass Shinos Idee vielleicht doch keine so schlechte ist, doch Yuzu und Lime begleiten sie durch das Common und frischen ihre Erinnerungen auf.

Spielerisch ist das nicht viel mehr als eine Visual Novel mit animierten Szenen, zwar bewegt man sich aktiv durch das Common, begegnet aber keinen Gegnern. Es geht hier nur darum, die Erinnerungsfragmente einzusammeln und am Ende Shino zu stellen. Die Handlung des Animes ist hier sehr gestrafft und minimalistisch präsentiert, um Charakteren, die in späteren Spielen auftauchen, eine Einleitung zu geben. Grafisch wählt man hierfür den eher schwächeren Stil des ersten Teils, der doch sehr in die Jahre gekommen ist.

Asche zu Asche

Blue Reflection Sun nimmt innerhalb des Franchises eine besondere Rolle ein. Das ursprünglich nur in Japan veröffentlichte Mobile-RPG stellt die Verbindung zwischen Ray und Second Light dar und führt mit dem Ash-Phänomen eine neue Bedrohung ein. Diese geheimnisvolle Asche greift nicht den Körper, sondern Erinnerungen, Gefühle und Identität an und lässt die Welt langsam ihre emotionale Grundlage verlieren.

Im Gegensatz zu den Vorgängern liegt der Schwerpunkt nun weniger auf einzelnen emotionalen Krisen als auf einer schleichenden globalen Katastrophe. Die neuen Reflectors kämpfen weiterhin mit Einsamkeit, Verlust und Selbstzweifeln, doch diese persönlichen Geschichten sind direkt mit dem Zerfall der Welt verbunden. Leider ist der Erzählstil in der Blue-Reflection-Quartet-Umsetzung zu Sun mehr als konfus. Durch den Wegfall des ursprünglichen Spielaufbaus bleibt eine Art Zusammenfassung mit Bosskämpfen. Die Story wird ohne Übergänge heruntererzählt.

Szenen springen hin und her in Zeit und Raum und ein sinnvoller Erzählfluss ist nicht vorhanden. Zwar kriegt man möglichst viele Szenen aus dem Mobil-Spiel vermittelt, aber der Preis dafür ist ein Gebilde, das kaum Sinn ergibt und auch keinerlei Spielspaß vermittelt. Gelegentlich wird der Handlungserguss durch Bosskämpfe unterbrochen, die ein abgespecktes Format des neuen Kampfsystems aus Blue Reflection: Second Light präsentieren. Eine nette Einführung, aber auch kaum herausfordernd. Quartet liefert allerdings nun ein Ende für Sun, welches nun maßgeschneidert den Übergang zu Second Light schlägt.

Eine neue Welt aus Erinnerungen

Blue Reflection: Second Light bildet den Höhepunkt der gesamten Reihe und verbindet die Ereignisse aus dem ersten Spiel, Ray und Sun zu einer gemeinsamen Geschichte. Diesmal steht Ao Hoshizaki im Mittelpunkt, die in die geheimnisvolle Welt Oasis versetzt wird. Gemeinsam mit anderen Mädchen erkundet sie sogenannte Heartscapes, in denen verlorene Erinnerungen, Wünsche und Ängste verborgen liegen. Aus dem anfänglichen Schulalltag entwickelt sich dabei nach und nach ein großes Mysterium um die Vergangenheit der Figuren und das Schicksal der Welt.

Second Light ist technisch sowie spielerisch ein riesiger Schritt nach vorne zum ersten Titel. Nicht nur visuell hat sich hier viel getan, denn auch Gameplay-Mechaniken sind nun viel mehr an typische JRPGs angelehnt. Die Engine, die auch schon bei Atelier Ryza zum Einsatz kam, zeigt hier ebenso ihre positiven Aspekte. Das Gameplay und vor allem die Kämpfe sind nun viel dynamischer und bringen mehr Spaß. Ein standardmäßiges Level-System über Erfahrungspunkte ist zurück, allerdings spielen die zwischenmenschlichen Beziehungen weiterhin auch eine Rolle, die Charaktere zu verbessern.

Blue Reflection: Second Light ist definitiv das Highlight in der Kollektion und macht hier absolut die eher schlechten Umsetzungen von Ray und Sun mehr als wett. Ebenso bekommt Second Light durch die Verknüpfung aller Ableger neue Charaktere spendiert, die man sowohl im Kampf als auch nebenher näher kennenlernen darf.

Der Vierte wird’s richten

Die Atmosphäre der Blue-Reflection-Reihe ist besonders durch die Designs von Mel Kishida geprägt, der für seine pastellenen Artworks und hübschen Kleider bekannt ist. Die visuelle Atmosphäre ist seit dem ersten Teil ein wichtiger Bestandteil und wurde damals schon mit wenigen technischen Möglichkeiten umzusetzen versucht . Die Herangehensweise, Bilder sprechen zu lassen und das Gameplay eher ruhig im Hintergrund mitlaufen zu lassen, war definitiv ein kreativer Ansatz.

Besonders in Blue Reflection: Second Light sieht man das in seiner Vollendung. Die Charaktere sind Kishidas Illustrationen eins zu eins nachempfunden und mit Leben gefüllt. Emotionen werden perfekt in Szene gesetzt und jedes Mädchen mit seinen Eigenheiten im Detail umgesetzt. Zwar dreht man dem künstlerischen Ansatz des Erstlings ein wenig den Rücken zu, indem man mehr in Richtung solides JRPG geht, aber das war auch eine Entscheidung der Fans, die man seitens Gust in Second Light hat einfließen lassen.

Leider hat man sich bei der Umsetzung zu Ray und Sun für die Quartet-Kollektion weniger solche Gedanken gemacht. Diese wirken zu den ursprünglichen Spielen eher wie eine Pflichtarbeit eines Praktikanten. Visuell nutzt man hier nur das Minimum, obwohl man das exzellente Second Light als Vorlage hatte. Letztlich sind die beiden Teile aber auch nur schnödes Beiwerk, was man leider auch gänzlich ignorieren kann. Schade, aber das tut den beiden echten Spielen keinen Abbruch.

Für Historiker waren sie gute Freunde

Bildmaterial: Blue Reflection Quartet, Koei Tecmo, Gust

Der Beitrag Im Test! Blue Reflection Quartet ist eine Sammlung mit zwei Gesichtern erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Granblue Fantasy: Relink – Endless Ragnarok
	9. Juli 2026
	Cygames
	9. Juli 2026
	Cygames
	9. Juli 2026
	Cygames
System	PlayStation 5, PlayStation 4, Nintendo Switch 2, PCs
Getestet für	PC
Versionsnummer	1.000.000
Entwickler	Cygames
Genres	Action-RPG
Texte
Vertonung

Vor knapp 2,5 Jahren erschien mit Granblue Fantasy: Relink ein lang ersehnter Titel. Er überzeugte mit einer gut inszenierten (aber eher oberflächlichen) Story, toller Grafik und massig Content nach dem Durchspielen der Geschichte. In unserem Review schnitt das Spiel äußerst gut ab.

Nach der Veröffentlichung gab es noch weitere Missionen, neue DLC-Charaktere und generell neue Inhalte für das Spiel. Mit dem Endless-Ragnarok-DLC gibt es sechs neue Charaktere und zahlreiche Quests und Boss-Kämpfe sowie einen neuen Modus.

Wir haben uns die neuen Inhalte mal ganz kurz angeschaut (40 Stunden) und uns einen kleinen Eindruck verschafft (ich habe kaum geschlafen). Wenn ihr ein allgemeines Bild vom Grundspiel haben wollt, schaut euch gern unser oben verlinktes Review an!

Der neue Konflux-Modus

Mit diesem leichten Roguelike-Modus bringt Cygames einen neuen Modus in Granblue Fantasy: Relink, welcher euch vor allem eines erleichtern soll: das Sammeln von Materialien für Waffen. Mehrere Schwierigkeitsgrade, welche in mehrere Stages unterteilt sind, warten auf euch.

In diesen Leveln gibt es unterschiedliche Arten von Herausforderungen. Normale Gegner-Mengen, mehrere Wellen, ein Boss-Kampf oder ihr müsst einen gigantischen Fisch besiegen. Aber auch „Reichtums“-Räume gibt es, in welchen ihr Schätze oder Unterstützung für euren Run erhalten könnt.

In Rätsel-Räumen könnt ihr Kämpfe umgehen. Dafür müsst ihr dann wie bei einem Hütchen-Spiel den richtigen Mann herausfinden, habt ein „Finde den Unterschied in dem Gebiet“-Minispiel (welches sehr schwer wird) oder jagt ein Schleim-Monster. All das, um dann die Unterstützungs-Buffs zu bekommen. Diese gelten nur für den aktuellen Run und erhöhen eure Stärke, ermöglichen es Gegner zu vergiften, verstärken eure Burst-Angriffe oder vieles mehr. Ist ein Run vorbei, könnt ihr einen von mehreren Schätzen auswählen.

Diese Schätze bieten euch vor allem Materialien zum Schmieden oder Verbessern von Waffen. Dadurch wird vor allem im Base-Game das Aufleveln von Waffen deutlich einfacher gemacht und beschleunigt. Ich hatte einen Reddit-Post gesehen, in welchem die Person damals knapp 500 Stunden brauchte, um im Base-Game alle Endgame-Waffen zu schmieden. Dies sollte mit dem Konflux-Modus nun sehr, sehr viel schneller gehen. In kurzer Zeit hatte ich bereits für drei Figuren komplett aufgelevelte Terminus-Waffen und hätte noch mehr machen können, wenn ich gewollt hätte.

Alte Waffen, neu aufgelegt

Doch was vor dem DLC eine tolle Endgame-Waffe war, wird nun schnell zum schwachen Stock. Um den DLC zu betreten, müssen zahlreiche Missionen des ehemalig höchsten Schwierigkeitsgrads bewältigt werden. Die neuen Missionen setzen noch einmal ordentlich einen drauf und ballern euch die Effekte um die Ohren. Damit ihr nun weiter damit klarkommen könnt, gibt es die Möglichkeit, alte Waffen nun weiter zu verstärken. Da wird aus einer Waffe mit 2000 ATK dann schnell mal eine Waffe mit über 16.000 ATK-Stärke, auf noch nicht einmal höchster Stufe. Die neue Transzendenz-Funktion bringt neues Leben in alte Waffen und erhöht eure Zahlen ganz ordentlich.

Außerdem erhalten die Waffen austauschbare Merkmale. Ihr wollt anstatt erhöhtem kritischen Trefferschaden lieber mehr Schaden während Overdrive machen? Ist möglich, tauscht die Merkmale der Waffe einfach aus! Es gibt auch zahlreiche neue Siegel-Arten, die neue Möglichkeiten aufstellen und eure Charaktere noch stärker werden lassen. Und das braucht ihr auch: Die neuen Quests haben es in sich.

Die Aufgaben der Chaos-Schwierigkeitsstufe bringen euch zahlreiche bekannte Gesichter. Viele Monster, die ihr aus dem Base-Game kennt, haben ein etwas angepasstes Aussehen und vor allem neue Fähigkeiten. Ein Flammdil kann sich dann plötzlich in einen Meteorit-ähnlichen Stein verwandeln und volle Kanne auf die Arena knallen. Wer also denkt, man kenne ja alle Monster bereits auswendig, wird sich dann ordentlich umschauen.

Endlich Astralbestien zu Hilfe rufen!

Komplett neu ist im Kampf nun die Möglichkeit, eine Beschwörung durchzuführen. Dafür könnt ihr zahlreiche Beschwörungssteine erhalten, welche nicht nur im Kampf genutzt werden können, sondern euch auch zusätzliche Boni geben. Verstärkt eure Himmlischen Kräfte oder gebt euch mehr Lebenspunkte. Im Kampf selbst füllt sich dann eine Leiste auf, welche euch das Beschwören der Monster ermöglicht.

Manche tauchen auf und machen einen kurzen Effekt, andere greifen flott an – und die richtig fetten Klopper lassen sich von euch für kurze Zeit steuern. Ich habe zum Beispiel eine richtig starke Variante der Astralbestie Volkan Bolla als Drop erhalten. Nach Beschwörung hat der Gute dann einfach mal knapp 40 % der Lebenspunkte eines Bosses weggeknallt, was in diesen Missionen wirklich sehr viel ist.

Die Beschwörungen fügen sich wirklich gut in den Spielfluss ein, aber es ist schade, dass man sie erst ab der Endless-Ragnarok-Story bekommt. Ich verstehe, man wollte die Balance im Grundspiel nicht zerstören – dennoch schade, dass man diese Funktion nicht vorher in schwächerer Form bekommt. Abseits von den Beschwörungen an sich erhöht sich auch der Schaden eines Full Burst.

Habt ihr einen davon im Kampf genutzt, werden die nächsten dann zum Primal Burst. Der große Kombinations-Knall aller Charaktere bleibt gleich, aber danach gibt es einen Angriff einer von verschiedenen Astralbestien. Leider sind die Animationen hier vorgerendert und somit deutlich langsamer animiert. Das fällt halt auf, wenn man in 120 FPS spielt und dann plötzlich mit deutlich weniger FPS eine Animation läuft.

Auch alte Charaktere werden verbessert

Ist einer eurer Kämpfer auf Level 100, dann war das Leveln bisher vorbei. Das bleibt auch so. Allerdings könnt ihr nun eure Meisterschaftspunkte dafür verwenden, die Meisterfähigkeiten freizuschalten. Dies verbessert eure Charaktere noch einmal drastisch und macht damit auch Charaktere stärker, welche vielleicht gegen manch andere ein wenig alt aussehen.

Dabei könnt ihr zwischen unterschiedlichen Stilen wählen, je nachdem, wie ihr am liebsten mit dem jeweiligen Charakter spielt. Bei Zeta könnt ihr zum Beispiel die Konter-Fähigkeiten verbessern oder den endlosen Angriffs-Loop verbessern und erleichtern. Cagliostro kann zu einem besseren Support werden oder ihre eigenen Angriffe verstärken.

Je weiter ihr die Meisterfähigkeiten verstärkt, desto höher und besser werden die Werte der Charaktere. Ihr erhaltet mit den Level-ups dann Stil-Punkte, welche ihr zum Ausrüsten gewünschter Verbesserungen nutzen könnt. Ihr könnt diese jederzeit neu verteilen, falls ihr den Spielstil doch anders haben wollt. Die Meisterfähigkeiten sind eine tolle Möglichkeit, um eure liebsten Charaktere stärker zu machen und mehr zu individualisieren als bisher.

Eine Handvoll neue Charaktere (wenn ihr sechs Finger an einer Hand habt)

Mit dem Endless-Ragnarok-DLC erhaltet ihr Zugriff auf sechs neue Figuren. Diese könnt ihr jederzeit mit den Crewkarten eher erhalten – ihr könnt die neuen Charaktere aber auch einfach beim Spielen des DLC erhalten. So könnt ihr aber das Base-Game bereits mit ihnen absolvieren, bis auf Maglielle und Gallanza. Die beiden können erst nach dem Absolvieren der Story freigeschaltet werden. Und genau das habe ich gemacht und dutzende Stunden als Maglielle Schwerter durch die Gegend geworfen.

Da die Charaktere einen großen Teil des DLC ausmachen, möchte ich kurz auf alle eingehen!

Maglielle:

Die Harvin kennt man bereits aus der Hauptgeschichte von Granblue Fantasy: Relink und es ist eigentlich schon komisch, dass sie nun erst spielbar wird. Sie spezialisiert sich auf den Fernkampf, in welchem sie in einer endlosen Kombo ihre Schwerter auf den Feind wirft. Dabei kann sie mit dem Knopf für starke Angriffe verschiedene Kombo-Finisher durchführen.

Eine Leiste füllt sich neben ihr auf, welche den Einsatz des Schwertschleiers ermöglicht. Nutzt ihr diesen, gibt es ein kleines Fadenkreuz und eine riesige Schlange an Schwertern stürzt auf den Feind ein. Dabei wird noch ein weiterer Finisher aufgeladen, welcher dann auf den Gegner herabprasselt. Ihre Fähigkeiten können sich auf Schaden konzentrieren, aber auch auf Support. So kann sie Charaktere heilen und Unantastbar verleihen, was sämtlichen Schaden negiert. Ich habe sie aber meistens als puren Damage Dealer gespielt – ob das gut war oder nicht, sei dahingestellt.

Gallanza:

Bei diesem riesigen Draphen könnte man meinen, er sei ein langsamer, aber kraftvoller Tank-Charakter. Und das stimmt auch, größtenteils! Seine Angriffe sind aber gar nicht so langsam, haben aber ordentlich Wumms und eine gute Reichweite, dank seiner langen Waffe. Angriffe füllen seine persönliche Leiste auf.

Ist sie gefüllt, wechselt Gallanza in seinen Zermalmen-Modus. Dabei verliert er seine Rüstung, wird deutlich schneller und springt auf die Feinde. Sein komplettes Fähigkeiten-Arsenal ist auf ordentlichen Schaden ausgelegt. Wer also gern ordentlich harte Treffer austeilen möchte und trotzdem mobil sein will, sollte sich Gallanza genauer anschauen.

Beatrix:

Im Beta-Test durften wir bereits Beatrix anschauen. Sie hat eine spezielle Mechanik, welche auf ihrer Waffe basiert. Die Embrasque-Leiste füllt sich mit Angriffen und kann auf Knopfdruck zwischen drei Modi wechseln. Im Zwölf-Uhr-Modus erhöhen sich ihre Angriffe, sie erhält aber konstant selbst Schaden. Auf Vier Uhr heilt sich Beatrix regelmäßig und Acht Uhr erhöht ihre Abwehr.

Ist die Embrasque-Leiste voll, wechselt sie in den Kausalitätsfresser-Modus und alle Modi werden stärker, so wie Beatrix selbst. Ihr kompletter Spielstil wirkt auf den ersten Blick komplex und ehrlich gesagt ist er das auch beim Ausprobieren. Aber nach kurzer Zeit gewöhnt man sich daran, weiß, wann man wechseln sollte, und kann in den richtigen Momenten den richtigen Modus wählen.

Eustace:

Mit diesem Erune könnt ihr aus der Entfernung ordentlich Schaden ausrichten. Sein Magazin ist mit mehreren Kugeln geladen, die auf eure Feinde gefeuert werden. Normalerweise macht die letzte Kugel etwas mehr Schaden – aber mit seinen Fähigkeiten könnt ihr alle Kugeln verstärken oder ihr ladet sie per Knopfdruck auf. Seine Fähigkeiten ermöglichen auch Konter und schnelles Ausweichen. Wer Fernkampf mag, so wie ich, der wird in Eustace einen soliden Kämpfer finden.

Fraux:

Die schelmische Katze ist ein absolutes Kombo-Monster! Sie hat zwei verschiedene Modi, welche unterschiedliche Kombos ermöglichen. Und wenn ihr sie korrekt aneinanderreiht, hat man das Gefühl, dass die Kombos gar nicht mehr aufhören! Sind ihre beiden Leisten aufgefüllt, ermöglicht das sogar das Einsetzen von Fähigkeiten völlig unabhängig des Aufladungs-Status. Ihre Fähigkeiten und Angriffe erinnern ein wenig an Bayonetta, denn auch sie beschwört Arme für den Angriff aus Portalen. Ein sehr schneller und starker Charakter, außerdem ist sie unfassbar cute.

Fediel:

Diese nette Drachendame ist ein Mid-Range-Charakter, mit der ich erst nicht so richtig warm geworden bin. Aber mit ihren Fähigkeiten kann sie das Team verstärken, sich selbst einen Schild geben, Feinde versteinern und einen riesigen Energie-Ball auf die Gegner werfen. Nach einigen Runden habe ich mich dann auch in ihren Spielstil verliebt und echt viel Freude am Kämpfen mit Fediel. Außerdem hilft es, dass sie nett anzusehen ist.

Im Großen und Ganzen muss man sagen, dass sich alle neuen Charaktere perfekt einfügen und tolle neue Spielarten sowie Abwechslung bringen. Doch bisher hatte Granblue Fantasy: Relink generell einen guten Job dabei gemacht, unterschiedliche Spielstile einzubringen.

Allgemeine Updates zum Spiel

Neu mit dem Endless-Ragnarok-Update ist Crossplay zwischen den Plattformen. Dies hilft euch dabei, andere Spielende für Quests zu finden. Dafür benötigt ihr aber nicht den DLC – dieses Update gilt für alle! Auch neu ist die Möglichkeit, den vierten Platz im Team mit einem geliehenen Charakter zu füllen. Leiht euch einen Kämpfer eines anderen Spielenden aus oder nutzt einen der vom Spiel vorgegebenen Charaktere. Und ehrlich: MACHT DAS! Dies hilft euch massiv beim Vorankommen mit den Quests, denn dann müsst ihr erst einmal nur drei Charaktere ausbauen!

Es gibt noch andere Verbesserungen im Spiel. Beim Matchmaking müsst ihr nun nicht mehr herumstehen und seht den Status der anderen Spieler. Im Spiel selbst gibt es auch noch Verbesserungen: Ihr könnt den Himmlische-Kraft-Modus im Kampf jederzeit wechseln und müsst dafür nicht mehr in das Menü gehen. So habt ihr eine bessere Kontrolle über die NPCs. Außerdem könnt ihr schneller aus dem Kritischen Modus heraus, indem ihr einen Knopf gedrückt haltet! Es gibt noch zahlreiche kleine Verbesserungen, welche das Spielerlebnis verbessern und beschleunigen. Man hat sich hier wirklich Gedanken gemacht.

Ein toller DLC für ein tolles Spiel

Bildmaterial: Granblue Fantasy: Relink, Cygames

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Titel	Beast of Reincarnation
	4. August 2026
	Fictions
	4. August 2026
	Fictions
	4. August 2026
	Fictions
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Game Freak
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Dass Entwickler durchaus auch andere, gewagtere Wege bestreiten können, ist jetzt nicht unbedingt eine Seltenheit. Im Falle des japanischen Entwicklers „Game Freak“ jedoch schon ein kleines Novum in Sachen Gaming-Vielfalt.

Denn der japanische Entwickler mit Sitz in Chiyoda, Tokio, war zuvor vor allem für die zuletzt erschienenen Pokémon-Titel bekannt und möchte uns nun mit Beast of Reincarnation in gänzlich neue Gefilde entführen.

Das spezielle Setting mit exotischen und durchaus interessant gestalteten monsterähnlichen Kreaturen bleibt uns jedoch erhalten und so mag manch einer wohl direkt an ein erwachseneres Pokémon denken. Beast of Reincarnation ist jedoch weit mehr als das und vor allem eine ganze Ecke düsterer und melancholischer.

Erstmals offiziell angekündigt wurde der Titel erst im Jahre 2025 während eines Xbox Games Showcase. Erst zu diesem Zeitpunkt erfuhr man den eigentlichen Titel des Spiels, denn bis zu diesem Showcase war Beast of Reincarnation lediglich als „Project Bloom“ bekannt. Beast of Reincarnation ist außerdem der erste Titel, den Game Freak für PS5 und Xbox Series veröffentlicht, da man vorher lediglich für Nintendo entwickelte.

Beast of Reincarnation erscheint nach vielen Jahren der Warterei nun endlich am 4. August für PS5, Xbox Series und PCs und wird auf der Microsoft-Plattform sogar als Day-1-Titel im Xbox Game Pass vertreten sein. Ob uns das vielversprechende Monster-Abenteuer aus Fernost begeistern kann und ob sich ein Kauf lohnt, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Test.

Das Japan der fernen Zukunft wird von einer pflanzlichen Plage heimgesucht

Die tragische Geschichte von Beast of Reincarnation spielt im Jahre 4026. Wir übernehmen die Rolle von Emma, einer sogenannten „Versieglerin“, und ihrem treuen Begleiter, dem Wolfshund „Kuu“. Die Beziehung zwischen den beiden Abenteurern kann wohl am ehesten als „Synergie“ bezeichnet werden, denn Emma und Kuu verbindet mehr als nur der Drang nach Gerechtigkeit.

Emma ist mit der sogenannten „Plage“ geboren. Eine Art pflanzliches Virus, welches den Körper nach und nach einnimmt und beherrscht. Emma macht sich diese Gabe allerdings zu Nutze und kann mit Hilfe der Plage sogar Pflanzen kontrollieren und diese geschickt im Kampf oder zur Überwindung diverser Hindernisse nutzen. Aufgrund dieser Gabe wird Emma aber natürlich auch gemieden und als eine Art Außenseiterin angesehen.

Die Aufgabe eines Versieglers besteht außerdem darin, finstere und bedrohliche Kreaturen zu jagen und zu erlegen und deren Plage in sich aufzunehmen. Folglich kann die Plage dann keinen weiteren Schaden mehr anrichten und wird von den Versieglern sozusagen beherbergt. Hier kommt unser Begleiter Kuu wieder ins Spiel, denn auch Kuu ist eine Kreatur, welche die Plage in sich trägt. Genau dieser Umstand ist es jedoch auch, der die Beziehung zwischen Emma und Kuu so besonders macht. Die beiden teilen ein tragisches Schicksal.

Eines Tages erhalten Emma und Kuu die Aufgabe, in den Westen des Landes zu reisen, um das sogenannte „Beast of Reincarnation“ zu erlegen und die Plage ein für allemal in den Griff zu bekommen. Denn diese finstere Kreatur gilt als der Ursprung der Plage. Ein spannendes und gefährliches Abenteuer steht den beiden also nun bevor und am Ende geht es um nichts Geringeres als die Zukunft Japans.

Halboffene Spielwelt mit viel zum Entdecken und dystopischem Japan-Flair

Die Spielwelt von Beast of Reincarnation ist keine Open World im eigentlichen Sinne. Vielmehr sind die Areale zwar frei begehbar, untereinander aber dennoch in unterschiedliche Level beziehungsweise Kapitel unterteilt. Im Klartext heißt das, am Ende eines jeden Areals wartet ein Bosskampf, der das jeweilige Level beziehungsweise Kapitel abschließt. Danach wechseln wir in das nächste Kapitel und den neuen Abschnitt. In den Arealen selbst können wir uns also frei bewegen, haben aber dennoch stets einen roten Faden, der uns durch die Story leitet.

Mein einziger Kritikpunkt an dieser Art von Leveldesign ist die Tatsache, dass wenn man frühzeitig bestimmte Schlüsselorte im jeweiligen Areal besucht, noch keine Interaktion stattfinden kann, da die eine oder andere vorhergehende Aufgabe noch nicht erledigt wurde. So geht man den Weg quasi wieder zurück, erledigt die ursprüngliche Aufgabe und kommt dann an den bereits besuchten Ort zurück und kann die Story dann fortführen. Mir ist natürlich bewusst, dass die Levelstrukturen irgendeinen logischen Aufbau haben müssen, dennoch geht für mich damit auch ein Teil der Immersion verloren.

Nichtsdestotrotz bietet Beast of Reincarnation eine interessante Spielwelt, in der es auch immer wieder das ein oder andere Geheimnis zu finden gibt und die auch wirklich zum Erkunden einlädt. Spieler, die Lust auf eine melancholisch angehauchte, dystopische Spielwelt im Japan-Setting haben, sind hier also goldrichtig. Auch optisch verändern sich die Areale natürlich im weiteren Spielverlauf und so hat man auch nach mehreren Spielstunden nicht das Gefühl, stets das gleiche Areal mit leicht unterschiedlichem Aufbau zu spielen.

Skills lernen und verstehen ist enorm wichtig

Ein weiterer wichtiger Punkt ist außerdem die Tatsache, dass man sich wirklich gut mit dem Skillbaum und dessen Möglichkeiten beschäftigen sollte. Der Skillbaum, der sich nach und nach erweitert und neue Möglichkeiten bietet, ist enorm wichtig, da wir so wichtige Angriffe und Attribute erlernen können, die uns vor allem die hektischen Bosskämpfe deutlich erleichtern. Neben Emma hat auch Kuu einen eigenen Skillbaum mit eigenen Möglichkeiten.

Speziell in höheren Schwierigkeitsgraden werden die Bosskämpfe wirklich richtig anspruchsvoll und so möchte man natürlich auf keinerlei Hilfe verzichten, um die gigantischen Kreaturen effektiv erlegen zu können. Die Skillpunkte, die man im Skillbaum einsetzt, verdient man sich nach den Bosskämpfen und auch beim Levelaufstieg selbst. Beim Levelaufstieg kann man außerdem Punkte für Gesundheit, Stärke und die Fähigkeit, die Pflanzen-Energie effektiv zu nutzen, vergeben.

Im weiteren Spielverlauf findet man außerdem immer wieder neue Waffen und Rüstungsteile, die unterschiedliche Attribute aufweisen wie beispielsweise Giftschaden und dergleichen. Bei den unterschiedlichen Schwertern beispielsweise sieht man noch einen optischen Unterschied. Bei den Rüstungen jedoch handelt es sich um reine Punkte-Upgrades, die sich optisch nicht an der Spielfigur bemerkbar machen. Diese Rüstungen haben jedoch unterschiedlich viele Slots für diverse Upgrades.

Technisch ist da noch viel Luft nach oben

Das größte Manko an Beast of Reincarnation ist definitiv die durchwachsene Technik, mit der das Spiel quasi pausenlos zu kämpfen hat. Der Titel wurde auf Basis der Unreal Engine 5 entwickelt und sieht alles in allem auch wirklich schön aus. Speziell die Spielwelt selbst kann optisch durchaus überzeugen. Die zu häufig einbrechende Performance ist es allerdings, die den technischen Eindruck dann doch enorm trübt.

Wo die Charaktermodelle und die Umgebungen noch wirklich recht ansehnlich daherkommen, wird das Ganze einfach viel zu häufig durch ständig abfallende FPS zunichte gemacht. Egal ob man sich gerade außerhalb eines Kampfes in der Spielwelt herumtreibt oder sich gerade in einem hitzigen Kampf mit einem oder mehreren Feinden befindet, die FPS sind leider oft instabil und so fühlen sich vor allem die Kämpfe häufig chaotischer an, als sie eigentlich sein müssten. Gerade die Bosskämpfe gegen die gigantischen Kreaturen fallen so noch chaotischer und unübersichtlicher aus. Hier wäre definitiv mehr drin gewesen. Aber vielleicht kann der Entwickler Game Freak hier mit einem Day-1-Update noch etwas in Sachen Performance richten. In Arealen in denen wenig los ist und die Flora und Fauna auch eher mager ausfällt, kann das Spiel die 60 FPS natürlich meist schon halten.

Immer wieder sind mir außerdem, gerade in den Innenräumen, falsch beleuchtete Areale aufgefallen. Hier wusste die Engine manchmal nicht so recht, welche Lichtquelle jetzt gerade eigentlich wohin gehört. Bei einem Titel dieser Budgetklasse sollte so etwas wirklich nicht passieren. Trotz der eigentlich relativ schön anzusehenden Optik wird Beast of Reincarnation also immer wieder durch technische Unzulänglichkeiten gebremst und das ist sehr schade, da der Titel vor allem technisch so viel runder hätte sein können.

Gespielt habe ich Beast of Reincarnation auf einer Standard-PS5. Hier bietet der Titel außerdem die Möglichkeit, in einen Qualitäts-Modus mit 30 Frames und etwas höherer Auflösung oder einen Performance-Modus mit 60 FPS zu schalten.

Durchschnittlicher Soundtrack trifft auf durchaus ordentliche Effekte

Der Soundtrack von Beast of Reincarnation kann am ehesten als guter Durchschnitt bezeichnet werden. Mit fernöstlichen Klängen werden wir abseits der Kämpfe beschallt und speziell während der hektischen Bosskämpfe bekommen wir dann orchestralen Stress-Sound, ganz im Stile eines FromSoftware-Titels, auf die Ohren geballert. So steigt das Stress-Level deutlich an und die Kämpfe werden mental noch anstrengender. Aber irgendwie ist das ja auch so gewollt.

Die Soundeffekte hingegen wirken wirklich durchdacht und sauber umgesetzt. Hier gibt es eigentlich nichts zu bemängeln und tontechnisch macht der Titel einen wirklich ordentlichen Eindruck. Auch die Synchronisation ist durchaus gelungen. Ich habe den Titel mit japanischer Synchronisation gespielt und kann diese Einstellung auch empfehlen. Wie auch bei anderen Titeln mit Fernost-Setting trägt das einfach nochmal zusätzlich zur Atmosphäre bei.

Ein spannendes Abenteuer, welches von durchwachsener Technik ausgebremst wird

Bildmaterial: Beast of Reincarnation, Fictions, Game Freak

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Titel	Digimon Story: Time Stranger
	10. Juli 2026
	Bandai Namco
	10. Juli 2026
	Bandai Namco
	10. Juli 2026
	Bandai Namco
System	Nintendo Switch, Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Media.Vision
Genres	[J]RPG
Texte
Vertonung

Im vergangenen Oktober machten Bandai Namco und Media.Vision Digimon-Fans eine Freude und veröffentlichten Digimon Story: Time Stranger. Doch bis dato fehlten eine bzw. zwei Versionen. Während das Spiel ursprünglich für PlayStation 5, Xbox Series und PCs erschien, folgten kürzlich die Versionen für Nintendo Switch und Switch 2.

Wie gut sich die digitalen Monster auf der Hybrid-Konsole unter anderem unterwegs spielen lassen, wollten wir uns natürlich ansehen. Zumal ich mir persönlich diese Version besonders gewünscht hatte.

Zu Beginn jedoch ein kleiner Hinweis: In diesem Test werde ich nicht zu sehr auf die Handlung, das Gameplay und weitere Details eingehen. Diese Aspekte wurden bereits in dem Test für PlayStation 5 ausführlich behandelt und in den meisten Fällen hat sich an meinem Urteil sowie den Spielinhalten nichts geändert. Durch ein kostenloses Update, welches für alle Plattformen verfügbar ist, steigt dennoch der Komfort im Spiel.

Eine Welt vor dem Abgrund

Mit Digimon Story: Time Stranger erwartet euch ein Spiel, welches nicht nur Fans erfreut, sondern auch die Einstiegshürde für Neulinge niedrig hält. Dieses Mal steht kein Cyber-Detektiv, sondern ein Agent bzw. eine Agentin des geheimen Anomaliesonderermittlungsbüros „ADAMAS“ im Mittelpunkt. Die Organisation untersucht rätselhafte Phänomene.

Schnell erhärtet sich der Verdacht, dass sogenannte Phasenelektronen-Lebensformen – besser bekannt als Digimon – mit diesen mysteriösen Ereignissen in Verbindung stehen. Nach einer Explosion wird die Hauptfigur acht Jahre in die Vergangenheit geschleudert und in eine Geschichte um digitale Wesen, die Welt Iliad, Titanen und einen drohenden Krieg hineingezogen.

Erzählerisch bewegt sich das Spiel zunächst auf bekanntem (J)RPG-Terrain. Die Anfangsphase wird erklärungsreich erzählt und wiederholt einzelne Informationen etwas zu häufig. Hat die Handlung diese Hürde jedoch genommen, entwickelt sie spürbar mehr Zugkraft: Die Inszenierung wird emotionaler und stellenweise düsterer. Sie profitiert vor allem von den gelungenen Zwischensequenzen.

Besonders überzeugend ist das zentrale Motiv der Handlung, das sich um die Bindung zwischen Mensch und Digimon dreht. Dies wird etwa in der Beziehung zwischen Inori und Aegiomon spürbar. Ein kleiner Wermutstropfen ist allerdings, dass der Hauptcharakter nicht vertont ist. Dadurch verlieren einzelne dramatische Momente manchmal an Wirkung. Generell wirken wenige Stellen im Spiel seltsam, wenn diese – im Gegensatz zum restlichen Spiel und den meisten Dialogen – nicht vertont sind. Da stellt sich schon die Frage, ob diese Stellen vergessen wurden beim Vertonen.

Eine verbesserte Digifarm

Time Stranger setzt spielerisch auf ein rundenbasiertes Kampfsystem mit Digimon-Typen, Elementen und einer Zugleiste. Der Einstieg gelingt unkompliziert, doch gerade Bosskämpfe verlangen ein größeres taktisches Gespür: Schwächen, Resistenzen und Phasenwechsel müssen aufmerksam berücksichtigt werden. Komfortfunktionen wie der automatische Regenerationsmodus, das flexible Wechseln der Digimon zwischen Team und Box sowie frei anpassbare Fähigkeiten sorgen für ein angenehm flüssiges Spielgefühl.

Auch in der neuen Version bleibt das Sammeln, Trainieren und Digitieren von mehr als 450 Digimon das zentrale Spielelement. Aus den Daten besiegter Gegner entstehen eigene Partner, die im Team, in der Box oder auf der Digifarm eingesetzt werden können.

Letztere wurde mit dem bereits erwähnten kostenlosen Update komfortabel erweitert. Spielerinnen und Spieler können die Bedingungen für die Digitation nun direkt in der Farm in einem Menüfenster einsehen. Zwar muss man sich ein wenig bis zu diesem Fenster durchklicken. Generell wird dadurch die Verwaltung der Digimon innerhalb der Farm jedoch deutlich einfacher und übersichtlicher.

Dies war eines der Features, die von Fans bemängelt wurden, und es ist schön zu sehen, dass die EntwicklerInnen darauf gehört haben. So lassen sich die unterschiedlichen Werte, die trainiert werden müssen, direkt in der Farm einsehen.

Ein weiterer Wunsch der Fans war die Einführung des Digimon-Maskottchens Terriermon-Assistent, welches nun seinen Weg ins Spiel gefunden hat. Mithilfe der Reit-Funktion im Spiel kann Terriermon-Assistent sogar auf der Schulter des Agenten oder der Agentin Platz nehmen. Das Einzige, was dabei stören könnte, ist, dass die Spielfigur dann nicht mehr laufen kann und man sich nur im Schritttempo fortbewegen kann.

Verbesserte Präsentation

Wie die vorherigen Versionen kann sich auch die „Switch 2“-Version sehen lassen. In puncto Präsentation überzeugen erneut vor allem die Digimon selbst. Ihre 3D-Modelle, Animationen und individuellen Bewegungen sind sehr detailreich und tragen spürbar zur Lebendigkeit der Städte und Gebiete bei. Optisch unterscheidet sich die „Switch 2“-Version meiner Meinung nach kaum von der getesteten PS5-Version.

Neben den neuen Spielversionen erhalten Spielende nun die Wahl zwischen einem Qualitäts- und einem Leistungsmodus. Während der Qualitätsmodus eine Auflösung von 4K mit HDR und bis zu 30 FPS ermöglicht, priorisiert der Leistungsmodus die Bildrate und erreicht bis zu 60 FPS. Beide Modi liefen im Testzeitraum gut und ohne Komplikationen.

Zusätzlich steht ein neuer Fotomodus bei der Erkundung zur Verfügung, der sich ganz einfach per Schultertaste aktivieren lässt. Dadurch lassen sich Situationen und Umgebungen, die zwar nicht das Niveau aktueller Genregrößen erreichen, aber dennoch durch einen stimmigen Stil überzeugen, ideal fotografieren. So können beispielsweise die sichtbaren Gegner bei der Felderkundung oder die eigene Figur beim Digi-Ritt durch die Landschaft fotografiert und somit für immer festgehalten werden.

Das perfekte Spiel für unterwegs und die Couch

Bildmaterial: Digimon Story: Time Stranger, Bandai Namco, Media.Vision

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Titel	Halo: Campaign Evolved
	28. Juli 2026
	Xbox Game Studios
	28. Juli 2026
	Xbox Game Studios
	28. Juli 2026
	Xbox Game Studios
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Halo Studios
Genres	Ego-Shooter
Texte
Vertonung

Um die Halo-Reihe wurde es speziell in den letzten Jahren sehr still. „Halo Infinite“, der letzte große Ableger der traditionsreichen Shooter-Reihe aus dem Hause Microsoft, ist bereits im Jahre 2021 erschienen. Anschließend hielt man sich bei Microsoft, zum Ärger vieler Fans, ziemlich bedeckt, was die Zukunft der Reihe rund um den grünen Supersoldaten Master Chief anbelangt.

Erst im Oktober des Jahres 2024, als der bisherige Entwickler „343 Industries“ bekanntgab, dass man fortan unter dem neuen Namen „Halo Studios“ weiterhin an zukünftigen Titeln der Reihe arbeiten möchte, wurden Spekulationen rund um neue Halo-Titel lauter. Als ein Remake des ersten Teils, welcher ursprünglich im Jahre 2001 für die erste Xbox erschienen war, immer konkreter wurde, waren die Fans natürlich völlig aus dem Häuschen und hofften auf ein großes Comeback des Master Chiefs.

Am 28. Juli ist es nun endlich so weit und das vollwertige Remake des ersten Teils, welches auf Basis der leistungsstarken Unreal Engine 5 entwickelt wurde, erscheint für Xbox Series und PCs.

Das wohl mit Abstand größte Highlight ist jedoch die Tatsache, dass das Remake nun sogar zum allerersten Mal auf einer Sony-Konsole erscheint. Denn nun dürfen wir Halo: Campaign Evolved, wie das Remake nun heißt, sogar auf PlayStation 5 genießen. Ein Meilenstein in Sachen Halo-Geschichte und ein großer Schritt für Microsoft.

Ob das vielversprechende Remake auch heute noch so viel Spaß macht wie damals im Jahre 2001, erläutern wir euch natürlich wie immer in unserem ausführlichen Test.

Ein erbitterter Konflikt gerät völlig aus den Fugen

Die Geschichte von Halo: Campaign Evolved spielt in einer fernen Zukunft, in welcher die Menschheit bereits die Technologie für Lichtsprünge erforscht hat. Auch zuvor weit entfernte Ziele in der Galaxis sind nun binnen weniger Sekunden zu erreichen. Dies ermöglicht es der menschlichen Rasse, auch andere Planeten zu bereisen und zu kolonisieren.

Als die „Covenant“, eine den Menschen feindlich gesinnte Alienrasse, einen heiligen Krieg gegen die Menschheit ausruft, setzen die Menschen die sogenannten „Spartans“, eine in jeder Hinsicht überlegene Kampfeinheit von Supersoldaten, gegen die Covenant ein, um letztendlich überhaupt eine Chance gegen die schier übermächtigen Gegner zu haben.

Im Jahre 2552 greifen die Covenant schließlich den Planeten „Reach“ an, ein zentraler militärischer Stützpunkt der Menschen. Durch diesen fatalen Angriff wurde die Kolonie der Menschheit fast vollständig ausgelöscht. Das Sternenschiff, die „Pillar of Autumn“, konnte jedoch im letzten Moment fliehen und mit ihm der letzte Hoffnungsschimmer der Menschheit – der letzte verbliebene Spartan. Dieser trägt den Namen „Master Chief Petty Officer John-117“ und ist quasi unser Hauptcharakter und der wichtigste Charakter im gesamten Halo-Universum. Von hier aus beginnt die tragische Geschichte rund um einen erbitterten Kampf zwischen zwei Rassen und den letzten Hoffnungsschimmer der gesamten Menschheit, den Master Chief.

Wegweisender Shooter, der dem Genre viele Türen und Tore öffnete

Halo: Campaign Evolved ist die logische Weiterentwicklung von Halo: Combat Evolved, dem Original aus dem Jahre 2001. Halo: Combat Evolved öffnete schon damals viele Türen und Tore und machte das Shooter-Genre speziell auf Konsolen überhaupt erst so richtig salonfähig.

Viele Features wie beispielsweise Autoaiming wurden durch den Microsoft-Shooter überhaupt erst so richtig im Genre etabliert und zeitgleich auch quasi schon fast perfektioniert. Also ein großer Titel für das Shooter-Genre, sowohl was technische Features als auch die optische und atmosphärische Präsentation im Allgemeinen betrifft.

Das grundlegende Gameplay von Halo: Campaign Evolved ist dabei jedoch eigentlich recht simpel gehalten. In, zumindest für einen Shooter, relativ großen Arealen kämpfen wir uns von Areal zu Areal, stets auf der Suche nach dem nächsten markierten Missionspunkt. Auf unserem Weg dorthin dürfen wir uns auch hinter das Steuer von allerlei Fahrzeugen klemmen.

Neben dem „Warthog“, einem gepanzerten Geländefahrzeug, können wir auch diverse Raumgleiter kapern und steuern. Erstmals kombinierte Halo die Genrezüge eines Shooters mit typischen Open-World-Elementen, wie beispielsweise der Übernahme von Fahrzeugen. Dass dies einwandfrei funktionierte und auch äußerst gut von der Spielerschaft aufgenommen wurde, zeigt der enorme Erfolg, den die Halo-Reihe bis heute vorweisen kann.

Auf der Höhe der Zeit

Auch in Sachen Vielfalt, was die Locations anbelangt, braucht sich Halo: Campaign Evolved nicht vor der neuzeitigen Genrekonkurrenz verstecken. Alles in allem wirkt der Titel also auch heute noch sehr gut spielbar und bis auf die etwas angestaubte Levelstruktur, die heutzutage eben anders gemacht wird als damals, kann man Halo: Campaign Evolved nur wenig Negatives vorwerfen.

Im Kern ist und bleibt Halo: Campaign Evolved ein Shooter, wie man es von einem Vertreter dieses Genres auch erwarten würde. Es wird viel geballert, viele Granaten geworfen und speziell dem Hauptaugenmerk der Halo-Reihe, dem Nahkampf, wird ordentlich gefrönt. Der Nahkampf war und ist ein fester Bestandteil der Kampfmechanik eines jeden Halo-Titels und schon fast unverzichtbar, um den Covenant in hitzigen Situationen den letzten Rest zu geben. Einfach befriedigend und erfüllend.

Grafisch nun in die Moderne transportiert – ein Augenschmaus

Speziell die aufgebohrte Optik liegt bei einem Remake dieser Art und Klasse natürlich absolut im Fokus. Halo: Campaign Evolved setzt daher auf die Unreal Engine 5. Diese ermöglicht es den Entwicklern, unglaublich detaillierte Landschaften mit schier endloser Weitsicht auf den Bildschirm zu zaubern. Dennoch bleibt das hektische Kampfgeschehen stets flüssig und sieht dabei auch noch verdammt gut aus. So muss sich ein Remake anfühlen und aussehen.

Die schönen Landschaften werden zudem von tollen Licht- und Partikeleffekten abgerundet. Das Gesamtbild stimmt hier einfach absolut und durch die neue Optik hat man schon fast das Gefühl, man würde einen Shooter der Neuzeit spielen.

Im Performance-Modus hält Halo: Campaign Evolved außerdem stets die flüssigen 60 Frames. Einbrüche habe ich während der Testsession auf einer Standard-PS5-Konsole nie feststellen können. Der Qualitäts-Modus mit verbesserten Raytracing-Effekten senkt die Frames auf magere 30 ab. Auch PS5-Pro-Nutzer müssen im Qualitäts-Modus mit niedrigeren Frames leben, erhalten dafür im Gegenzug aber noch bessere Raytracing-Effekte.

Gänsehaut-Soundtrack gepaart mit tollen Effekten und stabiler Synchronisation

Neben dem klassischen und absolut kultigen Halo-Soundtrack, den wohl jeder Gamer kennen wird, gibt es auch schmetternde Soundeffekte und eine absolut ordentliche Synchronisation auf die Ohren. Speziell während der brachialen und stets hämmernden Feuergefechte dreht der Sound so richtig auf und man fühlt sich schon fast, als würde man gerade selbst auf dem intergalaktischen Schlachtfeld stehen und um die Zukunft der gesamten Menschheit kämpfen.

Allen voran die Waffensounds wurden wirklich toll überarbeitet. Die ohnehin schon wuchtigen Schießeisen haben nun nochmal eine ganze Ecke mehr Power. Zumindest akustisch. Ein Fest für die Sinne, könnte man sagen, und auch für Hardcore-Halo-Fans eine erneute Runde wert.

Online-Multiplayer leider nur in abgespeckter Form enthalten

Der für mich mit Abstand größte Negativpunkt ist das Fehlen eines konkreten Online-Mehrspielermodus. Den hatte das Original aus dem Jahre 2001 zwar auch nicht, aber im Jahre 2026 könnte man so etwas von einem Remake dieser Art schon erwarten.

Lediglich ein Online-Koop-Modus, der wahlweise auch auf der heimischen Couch spielbar ist, ist vorhanden. Hier hat man dann quasi die Möglichkeit, die Kampagne mit einem Freund oder Bekannten zu erleben. Besser als nichts, möchte man meinen, aber dennoch weit hinter den eigentlichen Möglichkeiten. Da der Mehrspielermodus für jeden Halo-Teil quasi essenziell ist, muss dieser Umstand auf jeden Fall deutlich erwähnt werden.

Der Master Chief ist zurück und lässt es ordentlich krachen

Bildmaterial: Halo: Campaign Evolved, Xbox Game Studios, Halo Studios

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Titel	Assassin’s Creed Black Flag Resynced
	9. Juli 2026
	Ubisoft
	9. Juli 2026
	Ubisoft
	9. Juli 2026
	Ubisoft
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Ubisoft
Genres	Open-World-Abenteuer
Texte
Vertonung

Der wohl mit Abstand beliebteste Ableger der weltweit gefeierten und enorm erfolgreichen Assassin’s-Creed-Reihe aus dem Hause Ubisoft dürfte zweifelsohne das spektakuläre Piraten-Abenteuer „Assassin’s Creed IV: Black Flag“ aus dem Jahre 2013 sein.

Ursprünglich erschien das actiongeladene Abenteuer mit dem wunderschönen Karibik-Setting für PlayStation 3/4, Xbox 360/One, Nintendo Wii U und Windows. Da Black Flag ein Schwellentitel war, also ein Titel, der sozusagen zwischen den Konsolen-Generationen erschien, entschied man sich bei Ubisoft dafür, den Titel auch auf den zum damaligen Zeitpunkt frisch erschienenen Next-Gen-Konsolen PlayStation 4 und Xbox One zu veröffentlichen. Für diese Konsolen erschien der Titel natürlich in technisch aufgebohrter Form und war somit schlussendlich eine ganze Ecke ansehnlicher als die Last-Gen-Versionen der PS3 und Xbox 360.

Viele Fans äußerten über die Jahre immer wieder den Wunsch nach einem Remake ihres Lieblingsablegers der Reihe. Nach vielen Jahren der Warterei war es nun endlich so weit und das gefeierte Piraten-Abenteuer erschien am 9. Juli als vollwertiges Remake für PlayStation 5, Xbox Series und PCs. Dieses vollständig überarbeitete Remake trägt den Titel Assassin’s Creed Black Flag Resynced. Man wollte bei Ubisoft wohl sicherstellen, dass sich das Remake auch namenstechnisch klar vom Original abgrenzt, um Verwechslungen zu vermeiden.

Ob sich das von vielen Fans der Reihe so herbeigesehnte Remake auch heutzutage noch gut spielt und ob das Piraten-Abenteuer auch heute noch den gewissen Charme hat, den es damals im Jahre 2013 versprühen konnte, erfahrt ihr in unserem ausführlichen Review.

Das goldene Zeitalter der Piraterie und der Traum von einem besseren Leben

Die Geschichte von Assassin’s Creed Black Flag Resynced beginnt im Jahre 1715 zur Zeit des „goldenen Zeitalters der Piraterie“. Wir übernehmen die Rolle des Edward Kenway, einem britischen Piraten, der auf der Suche nach einer besseren Zukunft ist und daher auch bereit ist, jede noch so kleine Chance zu nutzen, um dieses Ziel zu erreichen.

Als Edward nach einer Auseinandersetzung mit einem Assassinen an dessen Uniform gelangt, verspricht er sich dadurch neue Möglichkeiten und vielleicht eine Chance auf eine rosigere Zukunft in dieser erbarmungslosen Welt. Unter den Besitztümern des Assassinen findet Edward unter anderem auch ein seltsames Kristallgefäß sowie einen Brief des spanischen Gouverneurs Laureano Torres, der in Havanna eine hohe Belohnung verspricht. Edward nutzt diese Chance natürlich und nimmt die Identität des getöteten Assassinen an, um sich diese vielversprechende Belohnung abzuholen. Als Edward dann auch noch dem Händler „Stede Bonnet“ aus der Klemme hilft und dieser unseren Helden mit seinem Schiff zum Dank nach Havanna bringt, beginnt das Abenteuer rund um glorreiche Piraterie, Reichtum und die weite See, die geradezu nach Abenteuern ruft. Ein waschechtes Piraten-Abenteuer der Oberklasse, könnte man sagen.

Leinen los, ihr Landratten!

Assassin’s Creed Black Flag Resynced ist im Kern ein klassisches Assassin’s-Creed-Abenteuer, wie es im Buche steht. So hat man neben den spannenden und actiongeladenen Hauptquests auch allerlei nebenbei zu tun. Neben unzähligen Nebenquests können wir uns also auch mit einer wahren Flut an weiteren Nebenaktivitäten beschäftigen. Neben äußerst vielen Synchronisations-Türmen, die typisch für die Reihe sind, warten auch andere Aktivitäten wie beispielsweise diverse Minispiele darauf, von uns entdeckt zu werden. Die Spielwelt von Black Flag fühlt sich also durchaus lebendig und voll an und geizt nicht mit Aktivitäten, die euch regelmäßig von der eigentlichen Hauptstory ablenken und auf andere Pfade führen.

Speziell beim Design der Hauptquests spürt man dann allerdings einfach doch die Jahre, die der Titel mittlerweile auf dem Buckel hat. Wenn man die großen Quests mit denen eines Assassin’s Creed Shadows vergleicht, spürt man deutlich, wie weit sich Gaming, speziell im Open-World-Genre, in diesen Jahren weiterentwickelt hat. Die Quests wirken bei Shadows beispielsweise einfach umfangreicher und somit noch immersiver.

Man kann Ubisoft sicher viel vorwerfen, aber der Entwickler und Publisher verstand es schon immer, eine immersive Open-World zu erschaffen, die sich wirklich realistisch und glaubwürdig anfühlt und das kann man keinesfalls von jedem Entwicklerstudio behaupten. Hier muss man nach dem, zumindest für meinen Geschmack, phänomenalen Assassin’s Creed Shadows erneut ein großes Lob in Sachen immersive Spielwelt aussprechen. Durch die nun in die Moderne transportierte Technik von Black Flag wirkt die Welt jetzt noch realistischer und glaubwürdiger, als es bereits zuvor der Fall war.

Spannende Seeschlachten lockern das serientypische Stealth-Gameplay auf

Ein großes Highlight ist neben dem bereits aus vergangenen Ablegern typischen Assassin’s-Creed-Gameplay, das vor allem auf Stealth-Mechaniken setzt, auf jeden Fall die Schifffahrt, die in diesem Ableger eine noch größere Rolle einnimmt, als es noch bei Assassin’s Creed III der Fall war. Schließlich fühlt man sich doch erst wie ein richtiger Pirat, wenn man endlich hinter dem Steuerrad eines riesigen Schiffes Platz nehmen darf.

Während der spektakulären Seeschlachten haben wir sogar die Möglichkeit, die gegnerischen Schiffe zu entern und zu übernehmen. Natürlich können wir auch deren Fracht an uns reißen und das neu eroberte Schiff unserer Piratenflotte hinzufügen. Speziell während größerer Stürme sind die Seeschlachten in Sachen Atmosphäre kaum zu überbieten. Das ist Action auf Hollywood-Niveau und daher halte ich Black Flag bis zum heutigen Tag für ungeschlagen in Sachen Piraten-Setting.

Fantastische Optik mit modernisierter Engine lässt die Karibik erstrahlen

Das Remake von Black Flag basiert auf Ubisofts hauseigener „Anvil Engine“. Diese kam in ihrer Ursprungsform bereits beim ersten Assassin’s-Creed-Ableger aus dem Jahre 2007 zum Einsatz. Die aktuell genutzte Engine trägt den Namen „Anvil Pipeline“ und wurde zuvor für Assassin’s Creed Shadows verwendet und das sieht man dem Remake von Black Flag auch an. Im positiven Sinne, versteht sich.

Diese in die moderne transportierte Engine vermag es gekonnt, spektakuläre Landschaften darzustellen, denen es keinesfalls an Details mangelt. Neben einer unglaublichen Weitsicht glänzt die Engine außerdem mit fantastischen Lichteffekten und knackigen Texturen. Die Animationen fallen wie auch bei Shadows wirklich fantastisch aus. Auch wenn der Japan-Ableger vielleicht hier und da noch eine Ecke ausgereifter und vor allem in Sachen Animationen noch eine Ecke geschmeidiger war, zumindest für meinen Geschmack.

Auch in hitzigen Situationen kommt die neue Variante der Anvil Engine absolut nicht ins Stocken und so dürfen wir zu jeder Zeit flüssige 60 Frames im Performance-Modus genießen. Liebhaber höherer Auflösungen dürfen wahlweise in den Qualitäts-Modus schalten. Hier muss man sich dann allerdings wieder mit 30 Frames begnügen. Auch auf der PS5 Pro läuft der Titel im Qualitäts-Modus lediglich mit 30 Frames. Auf Sonys Flagschiff-Konsole verbessert sich im Endeffekt also lediglich der Raytracing-Effekt etwas, die niedrigen Frames bleiben uns jedoch leider erhalten. Kein wirklicher Zugewinn in Sachen Performance.

Durchweg eingängiger Soundtrack mit tollen Effekten und fantastischer Synchronisation

In Sachen Soundtrack und Effekte gibt es ebenfalls absolut nichts zu bemängeln. Der eingängige Soundtrack passt perfekt zum Karibik-Setting und rundet das Flair gekonnt ab. Abgerundet wird das Ganze zudem von den knackigen Soundeffekten, die gerade während der bereits erwähnten Seeschlachten erst so richtig aufdrehen und das Spielgeschehen in eine absolut spektakuläre Schlacht auf Hollywood-Level verwandeln. Wirklich beeindruckend und ein Fest für die Sinne.

Aber auch die Synchronisation kann sich sehen beziehungsweise hören lassen. Die englischen Sprecher leisten einen fantastischen Job, aber auch die deutschen Gegenparts liefern ordentliche Arbeit ab und ausnahmsweise hatte ich sogar Freude mit der deutschen Synchronisation. Denn eigentlich bin ich ja absoluter O-Ton-Verfechter, der Videospiele meist nur im Originalton genießt.

Ein immer noch beeindruckendes Piraten-Abenteuer nun in die Moderne transportiert

Bildmaterial: Assassin’s Creed Black Flag Resynced, Ubisoft

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Titel	Splatoon Raiders
	23. Juli 2026
	Nintendo
	23. Juli 2026
	Nintendo
	23. Juli 2026
	Nintendo
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Nintendo
Genres	Action, Shooter
Texte
Vertonung	–

Als Splatoon 2015 auf der Wii U erschien, ahnte wohl kaum jemand, dass sich Nintendo damit eine seiner erfolgreichsten neuen Marken der vergangenen Jahre aufbauen würde. Vor allem in Japan entwickelte sich die Reihe schnell zu einem riesigen Erfolg, doch auch im Westen gewann sie mit jedem Ableger mehr Fans hinzu. Entsprechend folgten 2017 und 2022 mit Splatoon 2 und Splatoon 3 zwei Nachfolger für die Nintendo Switch. Eines hatten allerdings alle Teile gemeinsam: Der Multiplayer stand stets klar im Mittelpunkt.

Zwar besaß jeder Serienteil auch einen Story-Modus, dieser war jedoch meist nach wenigen Stunden abgeschlossen. Das war allerdings nie wirklich ein Problem. Im Gegenteil: Viele SpielerInnen freuten sich sogar auf diese kurzweiligen Einzelspieler-Kampagnen. Kleine Rätsel, abwechslungsreiche Level, das spielerische Heranführen an die wichtigsten Mechaniken, spektakuläre Bosskämpfe und natürlich die gewohnt mitreißende Musik machten den Reiz aus.

Nintendo wusste offenbar selbst, wie beliebt dieser Teil der Reihe war. Nicht umsonst spendierte man Splatoon 2: Octo Expansion und Splatoon 3: Side Order jeweils umfangreiche Einzelspieler-Erweiterungen – insbesondere die Octo Expansion zählt für viele Fans bis heute zu den besten DLCs, die Nintendo je veröffentlicht hat.

Mehr als nur ein Tutorial?

Mit Splatoon Raiders wagen die Inklinge und Oktolinge nun ihren ersten großen Auftritt auf Nintendos neuer Hardware – und erstmals scheint sich ein Ableger vollständig dem Einzelspieler zu verschreiben. Auf dem Papier klingt das nach genau dem Spiel, das sich viele Fans der Kampagnen seit Jahren gewünscht haben.

Ob Nintendo den besonderen Charme der bisherigen Story-Modi tatsächlich auf ein vollwertiges Abenteuer übertragen kann und ob der Geist vergangener Splatoon-Einzelspieler-Abenteuer auch diesmal wieder eingefangen wird, klären wir in diesem Test.

Schatzsuche im Salmoniden-Revier

Gemeinsam mit dem Surimi Syndicate – bestehend aus Mako, Muri und Mantaro – macht sich unsere Spielfigur als Mechaniker beziehungsweise Mechanikerin auf die Jagd nach wertvollen Schätzen. Das Ziel sind die geheimnisvollen Spiralit-Inseln, doch schon kurz nach der Ankunft nimmt das Abenteuer eine unerwartete Wendung. Das Team stürzt ab und strandet auf einer zunächst idyllisch wirkenden Inselgruppe.

Ganz so verlassen, wie sie auf den ersten Blick erscheinen, sind die Inseln allerdings nicht. Die Region wird von den Salmoniden bewohnt, die wenig Interesse daran haben, Fremde ungestört ihre Schätze bergen zu lassen. Fans der Reihe dürften die unterschiedlichen Kreaturen sofort wiedererkennen, schließlich spielten sie bereits im kooperativen Salmon Run aus Splatoon 2 und 3 eine zentrale Rolle.

Mehr Lore statt großer Dramatik

Unser Ziel ist es, möglichst viele Schätze zu bergen und gleichzeitig einen Weg zurück in die Zivilisation zu finden. Die eigentliche Handlung bleibt dabei allerdings eher Nebensache. Im Verlauf der Reise erfährt man zwar mehr über die drei Mitglieder des Surimi Syndicates und stößt auf eine geheimnisvolle Bedrohung, die sich im Auge des Sturms über den Spiralit-Inseln zusammenbraut, echte Überraschungen bleiben jedoch aus.

Eine tiefgründige Geschichte sollte hier ohnehin niemand erwarten. Stattdessen erzählt Raiders seine Hintergrundgeschichte überwiegend über versteckte Hinweise in der Spielwelt selbst, die immer wieder interessante Details liefern und stellenweise Verbindungen zu den vorherigen Spielen herstellen. Wer sich aufmerksam umschaut, entdeckt hierbei einige spannende Lore-Häppchen – der eigentliche Grund, warum man Raiders spielt, ist die Geschichte am Ende aber trotzdem nicht.

Bewährte Stärken mit überraschend viel Tiefe

Spielerisch läuft Splatoon Raiders zur Höchstform auf. Das bewährte Gunplay und die einzigartige Fortbewegung der Reihe kehren in Bestform zurück. Mit zahlreichen Waffen und Waffentypen sowie dem fließenden Wechsel zwischen „menschlicher“ Gestalt und Tintenfischform fühlen sich Veteranen sofort zuhause. Durch die eigene Tinte zu schwimmen, blitzschnell Positionen zu wechseln und Gegner einzufärben funktioniert auch auf Nintendos neuer Hardware gewohnt hervorragend.

Eigentlich bin ich kein großer Fan von Bewegungssteuerung, das war bei Splatoon aber schon immer anders. Auch in Raiders war es für mich das Mittel der Wahl und hat sehr gut funktioniert.

Neu hinzu kommen die sogenannten Gimmicks – eine Art Sekundärwaffe, die an drei unterschiedliche Tank-Typen gebunden ist: Tempo, Kraft und Technik. Je nach Wahl stehen völlig unterschiedliche Fähigkeiten zur Verfügung. Ob stationärer Geschützturm, schneller Dash, mächtige Schockwelle oder schützende Farbblasen – die Möglichkeiten unterscheiden sich deutlich und eröffnen zahlreiche Spielstile. Über zusätzliche Gimmick-Mods lassen sich diese Fähigkeiten weiter anpassen, wodurch überraschend viele Build-Kombinationen entstehen.

Ein Gameplay-Loop mit Suchtpotenzial

Auf den Missionen ist man außerdem nie allein unterwegs. Stets begleitet euch ein frei wählbares Mitglied des Surimi Syndicates, das euch im Kampf unterstützt und außerhalb der Gefechte besondere Fähigkeiten beisteuert. So ermöglichen die Begleiter beispielsweise besonders hohe Sprünge oder helfen dabei, Gegner unter Druck zu setzen. Dadurch fühlen sich die Ausflüge angenehm dynamisch an und lockern das Gameplay zusätzlich auf.

Einen großen Anteil am Spielspaß hat außerdem die motivierende Progression. Waffen, Gimmicks, Tanks und sogar die eigenen Charakterwerte lassen sich nach und nach verbessern. Jeder Durchlauf bringt neue Materialien und Erfahrungspunkte, sodass man selbst nach einer Niederlage das Gefühl hat, dauerhaft stärker zu werden. Genau dieser Gameplay-Loop entwickelt einen enormen Sog. Kaum ist ein Run beendet, möchte man direkt den nächsten starten, um weitere Upgrades freizuschalten oder eine neue Kombination auszuprobieren.

Wer bereits viele Stunden im Salmon Run verbracht hat, wird sich in Raiders sofort heimisch fühlen. Das gilt allerdings sowohl für die Stärken als auch für die Schwächen. Die Kämpfe können mitunter ausgesprochen hektisch und unübersichtlich werden, wenn sich Gegner aus allen Richtungen auf einen stürzen. Mich persönlich störte das kaum, da die Balance insgesamt gelungen wirkt und die Gefechte dauerhaft ein angenehmes Maß an Spannung erzeugen, ohne unfair zu werden.

Inselhopping mit gewohntem Splatoon-Charme

Auf eine offene Spielwelt verzichtet Splatoon Raiders. Stattdessen wählt man von einer Oberwelt aus verschiedene Missionen an und springt von Insel zu Insel, stets auf der Suche nach neuen Schätzen. Neben klassischen Erkundungsmissionen warten auch Rätselräume, die sich jeweils um ein bestimmtes Gimmick drehen und mit überraschend kreativen Ideen aufwarten.

In den Tiefenruinen stehen dagegen mehrere Gegnerwellen unter Zeitdruck auf dem Programm, ehe am Ende stets ein Bosskampf wartet. Gerade diese Abschnitte können den Schwierigkeitsgrad ordentlich anziehen. Zusätzlich verstecken sich in einigen Leveln Sammelobjekte, mit denen weitere Herausforderungen freigeschaltet werden. Wer also gerne jeden Winkel absucht, kommt ebenfalls auf seine Kosten.

Technisch ein Volltreffer

Technisch hinterlässt das Spiel einen sehr guten Eindruck. Während des gesamten Tests lief Splatoon Raiders auf der Nintendo Switch 2 mit konstanten 60 Bildern pro Sekunde. Selbst in besonders chaotischen Gefechten mit zahlreichen Gegnern und Farbeffekten bleibt das Geschehen angenehm flüssig – ein großer Pluspunkt für das schnelle Gameplay. Zwar gehört Raiders nicht zu den detailreichsten Spielen auf der Konsole, den unverwechselbaren Splatoon-Look fängt Nintendo aber erneut hervorragend ein. Bugs, Abstürze oder andere technische Probleme sind mir während der gesamten Testphase nicht begegnet.

Auch musikalisch bleibt sich die Reihe treu. Der Soundtrack reicht von experimentellen Klängen bis hin zu treibenden Rock- und Elektro-Stücken, die die Gefechte perfekt untermalen. Fans der Serie wissen zudem, dass Splatoon seine größten musikalischen Highlights traditionell für das Finale aufspart – und auch Raiders bildet hier keine Ausnahme. Gerade die letzten Spielstunden werden von einem spektakulären Soundtrack begleitet, der den ohnehin gelungenen Abschluss noch einmal deutlich aufwertet.

Kompakter Umfang, gelungener Koop

Insgesamt stehen drei Schwierigkeitsgrade zur Auswahl, zwischen denen jederzeit gewechselt werden kann. Auf der normalen Stufe, die den Namen Raider trägt, bleibt das Abenteuer über weite Strecken angenehm ausbalanciert und gut machbar. Erst kurz vor dem Finale fällt ein kleiner Balancing-Ausreißer auf: Die Gegner werden plötzlich deutlich stärker, sodass ein paar zusätzliche Runden zum Sammeln von Materialien und Erfahrungspunkten fast schon notwendig sind. Kein großes Problem, aber ein kleiner Makel auf einer ansonsten sehr sauberen Paintball-Weste.

Mit rund zehn Stunden Spielzeit fällt die Kampagne vergleichsweise kompakt aus. Wer wirklich jede Mission, alle Sammelobjekte und optionalen Herausforderungen mitnimmt, dürfte nach etwa zwölf bis vierzehn Stunden alles gesehen haben. Vermutlich auch deshalb verlangt Nintendo zumindest digital nicht den vollen Kaufpreis. Wer ein riesiges Adventure erwartet, wird hier also nicht fündig – Fans kurzweiliger Action-Abenteuer hingegen schon.

Obwohl Splatoon Raiders klar als Einzelspieler-Erlebnis konzipiert wurde, lassen sich fast alle Missionen auch gemeinsam mit bis zu drei weiteren SpielerInnen absolvieren. Die Gegner passen sich dabei automatisch an die Gruppengröße an. Zusätzlich kann jederzeit Hilfe angefordert oder anderen SpielerInnen unter die Arme gegriffen werden, falls eine Mission einmal zu knifflig wird.

Mehr davon, bitte!

Bildmaterial: Splatoon Raiders, Nintendo

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Titel	Saros
	30. April 2026
	Sony Interactive Entertainment
	30. April 2026
	Sony Interactive Entertainment
	30. April 2026
	Sony Interactive Entertainment
System	PlayStation 5
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Housemarque
Genres	Roguelite-Shooter
Texte
Vertonung

Vor einiger Zeit erschien Housemarques neuer Vorzeigetitel Saros in unseren Gefilden. Es hat lange gedauert, sehr lange. Das Spiel hat kein gutes Haar an mir gelassen. Es hat mich zu Boden geworfen und angespuckt, aber ich wollte mehr. Gefleht habe ich weiterzukommen. Tränen wurden vergossen.

Wie sich Housemarques Wahnsinn, entlehnt von den Kurzgeschichten von Robert William Chambers, in mir ausgebreitet hat und welchen Einfluss das auf die Wertung haben wird, erfahrt ihr bei uns. Behaltet die Nerven, lehnt euch zurück, ignoriert für einen Moment die Stimmen, die ihn glorifizieren, und hört mir zu. Hört mir zu, es mag das Letzte sein.

Wie vom Erdboden verschluckt

Carcosa, ein Planet, der von der Soltari Corporation ausgesucht wurde, um ihn zu besiedeln, vordergründig aber um die reichen Lucenit-Vorkommen abzubauen. Drei Expeditionen wurden nach Carcosa geschickt. Forscher, Kolonisten, militärisches Personal. Viele Seelen, die dem Fortschrittsgeist folgen.

Nun sind sie alle verstummt. Kein Wort erreicht mehr die Ohren, die sie einst in die Finsternis schickten. Was ist geschehen, was ist zu tun? Soltari hat entschieden, euch und eine Handvoll Leute auf eine Rettungsmission zu schicken.

Nur: Was sollt ihr retten? Die Siedler, wenn es denn noch welche seit dem Funkabbruch gibt, oder doch eher Soltaris Finanzen, die es auf Carcosa einzusammeln gilt? Unermessliche Reichtümer, doch zu welchem Preis …

In der Person des Vollstreckers Arjun macht ihr euch auf den Weg, auch um euren eigenen Zielen nachzugehen, jemanden zu finden, den ihr verloren zu glauben scheint. Immer tiefer und tiefer dringt ihr durch die Ruinen von Carcosa. Bemerkt seit geraumer Zeit Veränderungen, an euch, den anderen. Etwas ist hier, etwas beobachtet, spricht zu euch. Ein leises Flüstern, eine Frage, welche immer eindringlicher euren Geist zu betören versucht.

Auch eure Crewmitglieder verändern sich. Werden stiller, verhalten sich seltsam. Ihr Blick in weite Ferne gerichtet, an einen Ort, der nicht da zu sein scheint. Murmelnd und betend. Auch ihr fragt euch mit der Zeit: Was ist Realität, was ist Fiktion? Dieser Planet, er kehrt das Innerste nach außen, tiefste Begierden, die in den Wahn führen und euch Wahrheiten vorführen, die ihr längst vergessen hattet. Die Sonne ist ewig, könnt ihr ihr trotzen oder vergeht ihr in ihrem strahlenden Antlitz?

Wundersame Rätsel

Die Geschichte von Saros ist kryptisch und zugleich faszinierend. Zu Beginn werdet ihr einfach ins Spiel geworfen. Ihr erlebt einen tragischen Disput und man erzählt euch, dass ihr mehrere Tage lang fort gewesen seid. Wie ihr zurückgekommen seid, könnt ihr nicht erklären, nicht ihnen, nicht euch. Ein Mysterium, das sich euch erst langsam und nur in Teilen offenbart.

Die Welt, die Charaktere, sie erzählen verworrene Fragmente einer Geschichte, deren Wahrheit sich euch nur langsam öffnet. Scan-Daten von Gegnern, Logs verschiedenster Art und natürlich Gespräche mit einer sich langsam dem Wahn hingebenden Crew füllen Teil um Teil des Puzzles, das ihr lösen müsst. Um diese Geheimnisse zu lüften, müsst ihr auf eure Fähigkeiten ver- und eurem Geist misstrauen.

Wuchtige Kugelhölle

Saros, wie schon einst Returnal, ist ein Rogue-Shooter, der auf eure Talente als Schütze und eure Reflexe setzt, denn Gegnerhorden werden euch mit massig Projektilen zusetzen, mehr als noch in Returnal. Springen, ausweichen und im richtigen Moment euren Energieschild einsetzen sind eure überlebenswichtigen Grundfertigkeiten und dazu ballern, ballern, ballern, was das Zeug hält. Denn ihr werdet nicht selten aus allen Richtungen angegriffen.

Doch fangen wir in aller Ruhe an. Bevor ihr euch ins Getümmel stürzt und die einzelnen Welten von Carcosa erforscht, startet ihr zunächst in einem Außenposten. Hier besprecht ihr euch mit den einzelnen Crewmitgliedern und legt fest, wie es weitergeht, und kümmert euch um eure Ausrüstung. Am Anfang habt ihr allerdings nicht wirklich die Wahl oder etwas zum Ausrüsten und so steht euch nur die erste Welt zur Verfügung.

Carcosa besteht zu großen Teilen aus Schlauchleveln bepackt mit kleineren bis mittleren Kampfarealen, welche sich auch in der Vertikalen ausdehnen. In diesen bewegt ihr euch gerade am Anfang nur laufend und springend. Immer wieder begegnet ihr dabei den Lebensformen des Planeten, garstigen Biomonstern oder Cyborgs, die sich aus dem Nichts vor, aber besonders gern hinter euch materialisieren.

Jedes dieser Monster hat eigene Angriffsparadigmen, die es von euch zu lernen gilt. So gibt es statische Gegner, die euch aus ihrer Position heraus mit Energiekugeln beschießen. Agile Kreaturen, die von einer Ecke zur nächsten springen, um euch dann aus einem nicht einsehbaren Winkel heraus anzuspringen. Die Vielfalt an Gegnern ist riesig und nicht selten explodiert vor euch ein Feuerwerk aus Energiekugeln, die euch nur wenig Spielraum zum Überleben lassen. Gerade die Zusammensetzung verschiedener Kreaturen endet meist tödlich. Über die Biome hinweg können sich Gegner auch weiterentwickeln und neue Angriffe gegen euch einsetzen.

Für den Gewinn nur das Beste

Natürlich seid ihr nicht wehrlos. Eure Firma Soltari stattet euch mit den besten Waffen des Unternehmens aus, welche die Forschung der menschlichen Rasse hergibt. Wuchtige Schrotflinten, Handfeuerwaffen mit Abprallgeschossen, Sturmgewehre mit intelligenter Munition und, und, und … Jede dieser Waffen gibt es zusätzlich in verschiedenen Ausführungen mit eigenen Feuermodi.

Das Gunplay bleibt also das gesamte Spiel über interessant und vor allem wuchtig. Da ihr die Waffen an Schreinen immer neu gewürfelt bekommt, müsst ihr euch entscheiden, ob ihr bei eurer jetzigen Waffe bleibt oder eine Waffe wählt, die eventuell ein höheres Level hat, mit der ihr aber nicht so gut umgehen könnt.

Neben den verschiedenen Waffen ist auch euer Anzug eine mächtige Waffe. Sowohl im Angriff als auch in der Verteidigung absorbiert ihr Energiekugeln und ladet dabei das Sekundärfeuer eurer Waffen auf. Der Schild erhöht neben euren Reflexen die Wahrscheinlichkeit, dass ihr überleben werdet und vielleicht das Ende des Spieles erlebt. Neben Waffen findet ihr auch Upgrades, die euch verschiedene Boni verleihen. Wie zum Beispiel mehr Lucenit oder mehr Schaden, solange ihr volle HP habt. Man lässt euch also nicht völlig wehrlos, wenn ihr allerdings glaubt, dass es nicht schwerer geht, dann weit gefehlt.

Die Welt in gelb

Das Spiel wird vor allem nochmal eine ganze Ecke aggressiver, wenn die Sonnenfinsternis von euch beschworen wird, und das Spiel zwingt euch von Zeit zu Zeit in diese Parallelwelt zu wechseln. Die Welt wird in gelb getaucht, die Gegner werden unberechenbarer, bekommen neue Energiekugeln, mit denen sie eure Lebenskraft reduzieren können, und wirken generell gefährlicher. Dabei hängt euer Leben an einem seidenen Faden. Sterbt ihr, geht der Zyklus von vorne los und ihr müsst euch wieder durch das Areal kämpfen.

Die Areale haben im Gegensatz zu Returnal Checkpoints. Diese gibt es immer zu Beginn eines neuen Areals. Ihr könnt euch also entscheiden, ob ihr vom Checkpoint aus startet oder lieber wieder ganz von vorne, die Areale sind miteinander verbunden. Letzteres bringt euch mehr Lucenit, Waffen mit höherem Level und vielleicht auch bessere passive Ausrüstung.

Der Tod ist erst der Anfang

Sterbt ihr jedoch, ist hier nicht alles gleich verloren, ihr könnt einiges an Fortschritt in den nächsten Durchgang mitnehmen. Saros bringt dieses Mal einen recht großen Skilltree mit. Dieser bietet euch viele Verbesserungen, die ihr für Lucenit eintauschen könnt. Beispielsweise, dass ihr direkt mit Waffen startet, die ein höheres Ausgangslevel haben oder eure Heilung effektiver gestalten, auch ein zweites Leben ist möglich. Der Skilltree ist in mehrere Abschnitte unterteilt, ein noch nicht erledigter Boss ist eine interne Sperre, die sich erst mit eurem Sieg auflöst.

Um das Ganze noch etwas schwerer zu machen, gibt es in den verschiedenen Biomen rund um Carcosa noch deutlich finsterere Orte. Hierbei handelt es sich um kleinere Kampfareale mit äußerst harten Gegnern, aber auch seltenen Belohnungen, die eure Statuswerte permanent erhöhen.

Habt ihr trotzdem irgendwo ein Level erreicht, wo ihr an den Gegnern mal um mal scheitert, liefert euch Saros auch hier eine Lösung. Eine Hilfe in Form von Modifikatoren. Diese können euch das Spielen deutlich erleichtern. Je mehr ihr allerdings davon nutzt, desto mehr müsst ihr das Ganze mit Strafmodifikatoren ausgleichen. Sprich: weniger Schaden durch die Gegner, dafür aber weniger Lucenit-Drops. Ist euch das Spiel dann immer noch zu schwer, kann man diese Regulation über das Optionsmenü deaktivieren. Das hat auch keine Auswirkungen auf eventuelle Trophys, es macht das Spielen nur angenehmer.

In den Staub

Dennoch werdet ihr, gerade wenn ihr neu in diesem Genre seid, relativ oft sterben. Die Kämpfe in Saros bleiben das ganze Spiel über wuchtig, spannend, nicht selten auch äußerst frustrierend. Wenn man ein Areal allerdings geschafft hat, fühlt man sich so mächtig, dass man gleich weitermachen möchte.

Nur um sich dann gleich wieder ganz klein im Adrenalinrausch zu befinden. Das Gameplay von Saros ist anspruchsvoll, nervenaufreibend und macht unglaublich süchtig. Vom simplen Sprung bis hin zu Kontermechaniken müssen die Fähigkeiten in Fleisch und Blut übergehen, wenn ihr das Geheimnis von Carcosa erfahren möchtet.

Zerklüftete Gebirge und uralte Ruinen

Die Welt in Saros ist alles andere als ein Paradies und wirkt dennoch prachtvoll. Eine unwirtliche Gegend bestehend aus Sümpfen, tiefen Schluchten und alten, erhabenen Ruinen. Über euch thront stets die Sonnenfinsternis und ermahnt euch, dass ihr nichts seid in einer Welt aus Fels und Gewalt. Saros wirkt in all seiner Detailverliebtheit einfach beängstigend schön. Saros gibt ein Gefühl der Verlorenheit mit seinen Ruinen einer Zivilisation, die es scheinbar schon seit Jahrhunderten nicht mehr zu geben scheint.

Die Welt erdrückt euch durch die gefühlt monolithischen Bauten und die hohen Gebirge. Schon das erste Level mit verschlungenen Bergpfaden, in denen seltsam mit Gewalt gepresste, hochtechnologische Konstrukte irgendwie fehl am Platz wirken. Umschlungen von wunderschönen alten Ruinen, die einst einen erhabenen Anblick geliefert haben müssen.

Diese Kombination aus nicht zusammenpassenden Elementen wirkt bizarr und trotzdem harmonisch. Maschinen und Überreste dieser längst vergangenen Zivilisation jagen euch mit all ihrer Präsenz, während vogelähnliche Schwärme die weite Welt Carcosas durchströmen. Tod und Leben, Schönheit und Verfall, all das spiegelt sich in der Welt von Saros wider. Gepaart mit einem unwirklichen Gefühl, das euch sagt, dass ihr nicht und doch willkommen seid.

Die Sonne ist ewig

Dieses Gefühl der Bedrängnis verstärkt sich, sobald sich die Welt verschiebt und ihr die volle Pracht der Sonne erlebt. Eine Welt getaucht in Flammen und Wahnsinn. Tentakel, die sich über den Boden erstrecken und unwirklich im goldgelben Glanz der Welt erstrahlen. Im gleichen Glanz erstrahlen auch die Lebewesen. Gefährlich und erhaben trachten sie in bizarren Formen nach eurem Leben.

Housemarque hat ein groteskes Bild der Faszination und des Grauens erschaffen, ohne dabei gruselig zu sein. Der Wahnsinn dringt mit der Zeit aus jeder Ecke und ihr lasst euch einfach mit dem Strom dahingleiten. Der Entwickler beherrscht es wunderbar, eine zerbrochene Welt visuell umzusetzen. Dabei läuft das Spiel butterweich, selbst auf einer Standard-PS5. Framedrops in einem Spiel, das auf Geschwindigkeit und Geschicklichkeit setzt, wären fatal, tauchen über das gesamte Spiel aber auch nicht auf.

Der Wahnsinn hat eine Melodie

Dazu gesellt sich eine Soundkulisse, die euch das Blut in den Adern gefrieren lässt. Wuchtig metallisch und doch nachgiebig. Dann wieder schneidend und durchdringend kreieren die einzelnen Stücke ein eindringliches, pulsierendes Erlebnis. Sie hinterlassen einen spürbaren Eindruck, was um euch herum und mit den Charakteren passiert. Leise lässt euch das Spiel der Gefahr gewahr werden, nur um dann in einem lauten Crescendo über euch herzufallen.

Auch die verschiedenen Figuren tragen mit ihren Dialogen zur verzweifelten Situation bei. Einer Situation, in der nicht alles nach Plan läuft, aber immer noch irgendwo so etwas wie Hoffnung besteht. Die in etwas umkehrt, das monströs wirkt. Housemarque hat insgesamt mit einer bizarren Geschichte, grenzwertigen Welten, einem unwirklichen Soundtrack und hervorragenden Sprechern ein Gesamtkunstwerk geschaffen, das seinen Vorgänger noch übertrifft.

Unterm Strich

Bildmaterial: Saros, Sony Interactive Entertainment, Housemarque

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