Titel	Yunyun Syndrome!? Rhythm Psychosis
	24. April 2026
	Alliance Arts, WSS playground
	24. April 2026
	Alliance Arts, WSS playground
	24. April 2026
	Alliance Arts, WSS playground
System	PC
Getestet für	PC
Entwickler	Alliance Arts, WHO YOU
Genres	Rhythmus, Abenteuer
Texte
Vertonung

Rhythmusspiele sind seit Jahrzehnten nicht mehr aus der japanischen Popkultur wegzudenken und haben aus der Arcade nach und nach die ganze Welt erobert. Jedoch zogen sich nach der Rhythmus-Spielflut der 2000er die großen Publisher aus dem Genre weitestgehend zurück.

Dennoch haben sie uns bereits in der Vergangenheit Musikstücke nähergebracht, die wir so nie entdeckt hätten. Neben den K-Pop-Beats in Djmax und Pump it Up, den J-Pop-Songs der Bemani-Reihe oder klassischen Rock-Songs der 80er in Guitar Hero bringt uns jetzt das Indie-Spiel Yunyun Syndrome!? Rhythm Psychosis das Denpa-Genre näher.

Denpa wird allgemein beschrieben als Unterkategorie von J-Pop mit simplen, niedlichen Lovesongs, während Fans es eher als „so süß, dass es Karies gibt – und wenn du es nicht behandelst, wandert es in den Kopf und macht Brainrot“ beschreiben würden.

Shitposts für die Welt, Internet-Fame für Qtie

Die Protagonistin von Yunyun Syndrome, Qtie, ist diesem „Brainrot“ bereits verfallen und verbreitet liebliches Dokidoki und Ekstase mit ihren Denpa-Shitposts. Wenn ihr im Rhythmusspiel in die Tasten haut, tut sie es auch – je besser ihr seid, desto besser ist Qtie. Oder Yunyun. Oder beide. Existiert Yunyun eigentlich wirklich? Auch egal, oder?

Hauptsache das Internet bekommt hochwertigen Garbo und wir bekommen ganz viel Dokidoki, Yunyun-Liebe, Charisma und Fame. Vereint ihr im späteren Spielverlauf Yunyun und Qtie, gibt es 15 Minuten Power-Denpa. Je nach Art, was ihr levelt und welche Shitposts und Verschwörungstheorien dadurch bekannt werden, führt das Spiel zu unterschiedlichen Enden. Wusstet ihr schon, dass Kängurus nur australische Hunde auf Steroiden sind? Das steht im Internet!

Mit jedem abgesetzten Shitpost, aka gespielten Song, gibt es Shitpost-Karten, mit denen ihr die unterschiedlichen Werte erhöhen und die Art des Shitposts bestimmen könnt. Ziel ist es, die Werte auf 100 Prozent zu bekommen, um die besten Shitposts der Welt abzusetzen und so berühmt zu werden. Aber dabei gibt es mehrere Hindernisse: Andere Shitposter, eure eigene Psychose und nicht zuletzt eure Mutter, die euch befiehlt das total vermüllte Neet-Zimmer aufzuräumen – und euch damit das Dokidoki ruiniert.

4-Panel-Rhythmusspiel bringt euch in den Flow

Das Rhythmusspiel, das mit seiner quietschigen japanischen Denpa-Musik die Story befeuert, macht Spaß, hat aber kleinere Schwächen. Das Positive zuerst: Das 4-Panel-Spiel im Stile von Dance Dance Revolution, Stepmania und In the Groove versetzt Fans glatt um 20 Jahre zurück in eine Zeit, als Röhrenfernseher noch die Norm waren.

Sowohl für Einsteiger als auch für Profis hat Yunyun Syndrome hochwertige „Step-Charts“. Dazu bietet es alle nötigen Einstellungen und Anpassungsmöglichkeiten für ein gutes Spielgefühl. Die Songs sind allgemein sehr flüssig zu spielen und „Stream“-lastig, das heißt in der Regel angenehm im Beat und locker aus dem Handgelenk zu tippen, während sich die Muster in unterschiedlichen Geschwindigkeiten und Formen wiederholen, um sie gut zu lernen.

Die Entwickler nehmen das mit dem „in die Tasten hauen“ recht ernst, denn es ist üblich, dass auch mal drei oder vier Tasten gleichzeitig gedrückt werden müssen. Eine Ultra-Budget-Tastatur für 20 Euro kann das schon mal überfordern – ihr solltet daher gegebenenfalls testen, ob eure Tastatur einen entsprechenden „n-key-rollover“ unterstützt.

Die 30 Songs sind alle aus dem gleichen quietschigen, hoch-gepitchten Denpa-Genre, was für mehrere ähnlich klingende Songs sorgt. Auch sind 30 Songs heutzutage eine eher niedrige Anzahl für ein Rhythmusspiel – für den fairen Preis von ca. 17 Euro aber ein Punkt, den wir nur anmerken statt ankreiden möchten.

Wer mehr möchte: Kurz vor Testende haben die Entwickler weitere kostenpflichtige DLC-Pakete hinzugefügt. Die Songs sind hierzulande eher unbekannt – außer ihr gehört zu den Weebs, die schon unter Brainrot litten, bevor es cool war. Marisa Stole the Precious Thing, Internet Yamero und True My Heart dürften dem ein oder anderen hier trotzdem bekannt sein. Eins, zwei, guten Morgen!

Kleinere Abzüge beim Rhythmusspiel-Part

Über ein paar Probleme sind wir im Test auch gestolpert. Zum Beispiel gab es bei uns – trotz 120-Hz-Modus – einen extrem hohen „Visual Input Lag“ von etwa 210 ms. Das zweite ist das Spielfeld selbst. Bei Rhythmusspielen hat es durchaus einen Grund, warum die herabfallenden Noten den gesamten mittleren Bereich einnehmen.

Bei Yunyun Syndrome!? Rhythm Psychosis ist aber der untere Teil des Bildschirms durch die live entstehenden Shitposts von Qtie blockiert, wodurch sehr hohe Fallgeschwindigkeiten etwas schwerer zu lesen sind als üblich. Das kompensiert das Spiel zwar durch ein recht großzügiges Timing, trotzdem zeigt es klar, dass das Rhythmusspiel eher Mittel zum Zweck ist.

Ein kleinerer Kritikpunkt: Das Spiel bietet keinen Noteskin an, der mit Farben unterschiedliche Rhythmen und Takte kodiert und diese so optisch deutlich hervorhebt und unterscheidet. Ein weiterer Hinweis: Die deutsche Übersetzung wirkt trotz mehrerer Patches bis kurz vor Testende unvollständig und zum Teil schlicht falsch. Wir raten daher dringend, die englischen Texte zu nutzen.

Ein rhythmischer Fiebertraum

Bildmaterial: Yunyun Syndrome!? Rhythm Psychosis, Alliance Arts, WSS playground, WHO YOU

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Titel	OPUS: Prism Peak
	16. April 2026
	Shueisha Games
	16. April 2026
	Shueisha Games
	16. April 2026
	Shueisha Games
System	PC, Switch, Switch 2
Getestet für	PC
Entwickler	Sigono
Genres	Adventure
Texte
Vertonung

Etwas unverhofft tauchte im „Persönlichen Kalender“ in Steam (Experiment 16 der Steam Labs) ein Spiel auf, dessen Namen geheimnisvoll genug war, um im Gedächtnis zu bleiben. OPUS: Prism Peak versprach, ein spirituell angehauchtes Spiel im Anime-Cel-Shading-Look zu werden, dessen Gameplay an das altbekannte Life is Strange erinnert.

Als uns Sigono und Shueisha Games einen Test anboten, da das Spiel zu unserer Seite passen würde, waren wir daher sofort an Bord. Wenige Stunden im Spiel war bereits klar: Wir haben es hier mit einem Top-Titel zu tun. Aber erst mal der Reihe nach!

Gescheiterte Träume und Verlust – und die Suche nach einem Sinn

Im Spiel übernehmen wir die Rolle des 40-jährigen ehemaligen Fotojournalisten Eugene, der auf dem Weg war, sich sein perfektes Leben aufzubauen. Nach dem Aufwachsen in einer etwas eigensinnigen Familie mit starken Charakteren fand er sein Glück in der Fotografie und seiner selbst gegründeten Familie – in seinem Fotocafé servierte er nicht nur Getränke, sondern Lebensgeschichten, Gemeinschaft und Zusammenhalt.

Doch all das ging nach und nach aufgrund unglücklicher Umstände in die Brüche. Als gescheiterte Existenz entschließt er sich, nach längerer Abwesenheit in seine Heimat zurückzukehren – einen Anlass dazu gibt es auch, denn sein Großvater ist gestorben.

Zu allem Überfluss baut er auf dem Weg zur Beerdigung einen Unfall, der ihn in eine dunkle Parallelwelt bringt. In dieser Welt vermischt sich die reale Ebene mit einer mystischen, spirituellen Welt, in der Geister existieren. Hier muss er sich wohl oder übel mit seinen Erinnerungen, Verlusten und der Frage auseinandersetzen, ob er seine eigenen gescheiterten Träume loslassen kann – und wie es ab sofort weitergeht, so ganz ohne großes Lebensziel.

Der Weg ist das Ziel – aber laufen wir auf etwas zu, oder von etwas weg?

In der Parallelwelt leben viele Geister – meist Tiere mit einer starken Bindung an eine Realität, in der der sogenannte „Seher“ ein guter Freund war. Auch der Seher war ein sehr guter Fotograf, seine Bilder konnten verblasste Geister wieder erwecken, ihnen einen besonderen Namen geben und ihnen ihren Lebenswillen zurückgeben. Eines Tages verschwand der Seher hoch oben auf einem Berg, was die Geister wieder verblassen ließ. Sie sind nun auf sich alleine gestellt in einer Welt, in der die mysteriösen Schatten sie jederzeit auslöschen können.

In dieser düsteren, desillusionierten Welt trifft Eugene auf ein vorlautes Mädchen am Ende des Tunnels, in dem er sein Auto schrottreif gefahren hat. Auch sie ist bereits am Verblassen und fürchtet sich vor den Schatten, die wie ein Fluch alles zu verschlingen drohen. Eugene ist zwar emotional orientierungslos, aber kein Unmensch.

So nimmt er dieses Mädchen an die Hand und leitet es hinaus aus dem Tunnel, rein in den Wald. Nach wenigen Stunden fangen beide an, sich einander zu öffnen. Das Mädchen hat sich verirrt – ihre Heimat ist der Berg in der Ferne. Also begeben wir uns zusammen auf eine emotionale Reise, denn ein anderes, wichtiges Ziel haben wir aktuell sowieso nicht.

Alles Fremde wirkt vertraut, alles Vertraute fremd

Auf dem Weg begegnen wir vielen Tieren, die fremd, aber doch gleichzeitig vertraut wirken. Ein freundlicher Hirschgeist bringt uns im Wald unsere alte Kamera wieder, die wir erst vor wenigen Tagen verkauft hatten. Ein Kumpel im „echten Leben“ faltete uns dafür noch wenige Stunden vorher zusammen – was uns denn einfallen würde, die Kamera zu verkaufen, an der so viele Erinnerungen und Lebensträume hingen.

Vielleicht wollten wir sie aber gerade deswegen loswerden. Nun ist sie wieder da – halb kaputt wie unser Leben, aber mit besonderen Fähigkeiten in der Geisterwelt. Diese besonderen Fähigkeiten sind hilfreich bei der Erkundung und dem Festhalten besonderer Momente, aber auch nützlich für die Geister. Die Fotos dienen als Leitfaden in unserem Notizbuch, in dem wir die Reise festhalten und uns so immer wieder etwas mehr an die wirklich wichtigen Dinge erinnern.

Allzu tief möchten wir an dieser Stelle aber nicht in die Story eintauchen. Jede Begegnung mit einem verblassenden Tier ist mysteriös, aber auch gleichzeitig bedeutungsvoll. Der Eber ist im Streit mit seinem Freund auseinandergegangen, würde ihm aber am liebsten sagen, wie leid ihm alles tut und sich mit ihm versöhnen – eine Situation, in die sich Eugene nur zu gut hineinversetzen kann.

Am Bahnhof wartet eine Hundedame seit langer Zeit auf jemanden – hat Eugene etwa bei der Erfüllung seines Lebenstraums jemanden vernachlässigt, der ihn sehr vermisst? So geht es Stück für Stück weiter auf der Reise – selbst das Mädchen, das wir in ihre Heimat begleiten, hat einen Namen, mit dem wir schmerzhafte Erinnerungen verbinden. Und der Berg, auf dem der Seher verschwunden ist – ist das etwa … nein, das kann nicht sein.

Erinnerungen an die besten Anime-Filme werden wach

Die Anlehnungen an viele Meisterwerke der japanischen Anime-Kunst sind ab diesem Punkt nicht mehr zu leugnen. Der Grafikstil erinnert an die legendären Filme des Studio Ghibli, die Erzählung spiritueller Geschichten durch sprechende Tiere in einer Welt mit einem alles verschlingenden Schatten an das Meisterwerk Prinzessin Mononoke.

Aber auch die Anlehnungen an moderne Werke von Shinkai Makoto sind deutlich sichtbar. Wer die Filme im japanischen Originalton gesehen hat, dem können wir die japanische Sprachausgabe des Spiels mit deutschen Untertiteln ans Herz legen.

OPUS: Prism Peak lehnt sich zwar stark an viele Kunstwerke an, behält aber dabei eine eigene Identität, die sowohl als Videospiel, als Kunstwerk als auch als spirituelle Reise in multimedialer Form funktioniert.

Spiritualität hilft auf der Suche nach dem Sinn – Albträume aber auch

Eine magische Feuerschale gilt als Erdungspunkt auf der Reise. Sie gibt Hinweise auf die Ziele, gibt Tipps und gegen ein entsprechendes Opfer – meist Fotos – auch wichtige Items. Gleichzeitig gibt sie auch Zugriff auf die Totems der Tiere, die ihr getroffen habt. Hier könnt ihr Fotos zu wichtigen Momenten im Leben der Tiere einlösen und bekommt dadurch mehr Klarheit in der Story.

Eine wichtige Rolle spielen die Schnappschüsse eurer Retro-Kamera aber auch in euren nächtlichen Albträumen, die euch über die gesamte Spielzeit hinweg verfolgen. Hier setzen sich die Erfahrungen der vergangenen Tage neu zusammen, während die kürzlich geschossenen Fotos bei der Einordnung helfen. Sie schalten wichtige Storysequenzen frei, die Hintergrundinformationen in kurzen Videosequenzen enthalten. Ein zweiter Spieldurchgang ist zwingend notwendig, um den gesamten Umfang der Story zu erleben – und damit auch ihr gesamtes Gewicht.

Technik: Ausreichend Plus

Die Technik gerät bei einem narrativen Meisterwerk wie OPUS: Prism Peak schnell in den Hintergrund. Wie bereits erwähnt, ist der Grafikstil im Cel-Shading-Look gehalten, mit etwas realistischeren, stark stilisierten Umgebungen. Er erinnert so an die Filme von Studio Ghibli und bricht nicht die Immersion. Der Sound ist zurückhaltend, aber stets passend. Er gibt der Reise eine gute Untermalung und die nötige Ernsthaftigkeit, ohne besonders aufzufallen.

Die Charaktere sind sympathisch und komplett in mehreren Sprachen vertont – wir haben uns für die japanische Sprachausgabe entschieden, aber auch eine englische Sprachausgabe steht zur Auswahl. Die Grafik selbst ist zweckmäßig – nichts, was nicht auch auf einer zwölf Jahre alten PlayStation 4 möglich wäre. Wer in der Vergangenheit Life is Strange oder Spiele von Telltale Games gespielt hat, weiß aber auch, dass das völlig ausreichend ist.

Ein Abenteuer wie ein Ghibli-Film

Bildmaterial: OPUS: Prism Peak, Shueisha Games, Sigono

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Titel	Tomodachi Life: Wo Träume wahr werden
	16. April 2026
	Nintendo
	16. April 2026
	Nintendo
	16. April 2026
	Nintendo
System	Switch
Getestet für	Switch 2
Entwickler	Nintendo
Genres	Simulation, Lifestyle
Texte
Vertonung	–

Nintendos Veröffentlichungsstrategie muss man manchmal wirklich erst einmal verstehen. Nicht einmal zwei Monate nach dem Überraschungserfolg von Pokémon Pokopia steht schon das nächste Spiel vor der Tür, das auf den ersten Blick in eine ähnliche Kerbe schlägt. Zumindest wirkt es so – bei genauerem Hinsehen zeigen sich dann aber doch deutliche Unterschiede.

Rund 13 Jahre ist es inzwischen her, dass Tomodachi Life auf dem Nintendo 3DS erschien und dort ein beachtlicher Erfolg wurde. Entsprechend groß ist die Vorfreude: Viele Fans warten seit Jahren auf eine Fortsetzung. Ganz so einfach ist die Sache aber nicht, denn streng genommen handelt es sich hier gar nicht um den zweiten Teil der Reihe. Bereits 2009 erschien mit Tomodachi Collection ein erster Ableger – allerdings ausschließlich in Japan und damit nie offiziell im Westen.

Wir hatten nun die Möglichkeit, das neue Spiel bereits ausführlich vorab zu testen. Erste Eindrücke haben wir schon in unserer Preview geschildert, jetzt können wir uns jedoch ein deutlich klareres Gesamtbild machen.

Miis feiern ihr Comeback

Wisst ihr eigentlich noch, was Miis sind? Auf der Switch fast schon in Vergessenheit geraten, feiern sie hier ihr großes Comeback. Bevor es losgeht, erstellen wir unseren ersten eigenen Bewohner bzw. Bewohnerin – und genau hier zeigt sich schon eine der großen Stärken des Spiels.

Der bekannte Mii-Maker dient erneut als Werkzeug, wurde aber um neue Funktionen und Anpassungsmöglichkeiten erweitert. Der Kreativität sind damit kaum noch Grenzen gesetzt: Ob man sich selbst, Freunde, Familie, Promis oder komplett fiktive Figuren erschaffen möchte – alles ist möglich.

Eine Einschränkung gibt es allerdings: Das Importieren von Mii-Designs aus externen Quellen ist nicht mehr möglich, was gerade für weniger kreative bzw. talentierte SpielerInnen schade sein dürfte. Lokal lassen sich Designs weiterhin übertragen.

Mit der neuen „Schminke“-Funktion sind dafür deutlich detailliertere Miis möglich – vorausgesetzt, man bringt das nötige künstlerische Talent mit. Glücklicherweise existieren bereits erste Websites, die als Inspirationsquelle dienen und sogar konkrete Einstellungen für bestimmte Designs zeigen.

Nintendo nimmt Neulinge zudem stärker an die Hand: Über ein Fragen-System lässt sich automatisch ein Mii generieren, das anschließend noch angepasst werden kann. Auch bei den Beziehungen gibt es Fortschritte. Gleichgeschlechtliche Partnerschaften sind nun möglich und die Partnerpräferenzen lassen sich individuell festlegen – inklusive Optionen wie „Nicht-binär“. Ein Schritt, der besonders im Vergleich zum 3DS-Vorgänger positiv auffällt, der damals genau dafür Kritik einstecken musste.

Inselleben, Alltag und Wachstum

Mit zunehmender Anzahl an Bewohnern wächst auch die Insel. Bis zu 70 Miis können gleichzeitig einziehen und schalten nach und nach neue Einrichtungen frei – vom Supermarkt über Boutiquen bis hin zu Möbel- und Einrichtungsläden. Auch die bebaubare Fläche erweitert sich stetig, wodurch immer mehr Möglichkeiten entstehen, die eigene Insel zu gestalten.

Gestaltung ist ein gutes Stichwort. Über das „Inseldesignzentrum“ lässt sich eure Insel nach Belieben umdekorieren. Ob Wege, Straßenlaternen, Getränkeautomaten oder eine Wagenladung verschiedener Deko-Elemente in zig Farben. Hier sollte für jeden was dabei sein. Ein großer Pluspunkt im Vergleich zu Tomodachi Life auf dem 3DS damals.

Neuigkeiten werden regelmäßig über die MNN-Nachrichtensender präsentiert, begleitet von der typischen Tomodachi-Sprachausgabe, die inzwischen fast schon Kultstatus erreicht hat. Sie klingt nach wie vor etwas gewöhnungsbedürftig, versprüht aber gleichzeitig ihren ganz eigenen Charme. Auch hier gibt es viele Anpassungsmöglichkeiten für die Stimmen.

Eine klassische Story sucht man hier allerdings vergebens. Stattdessen geht es darum, das Inselleben zu beobachten und aktiv mitzugestalten. Wir kümmern uns um die kleinen und großen Probleme unserer Miis, sorgen für Nahrung, Kleidung, Einrichtung oder knüpfen Beziehungen zwischen ihnen. All das läuft dabei in Echtzeit ab. Langfristige Events, die reale Zeit benötigen, sind mir aber nicht untergekommen.

Zwischen Wahnsinn, Wohlfühlfaktor und … Fischen?

Die wahren Highlights sind jedoch die oft völlig absurden Situationen, in die unsere Miis geraten. Genau dieser Mix aus Weirdness und trockenem Humor fängt den Charme der Vorgänger perfekt ein. Manche Szenen sind so skurril, dass man einfach nur schmunzeln kann – oder sich ernsthaft fragt, was man da gerade erlebt hat. Das Spiel nimmt sich selbst nie zu ernst und liefert regelmäßig herrlich schräge Momente, die einen auch mal laut auflachen lassen.

Trotz all dieser Stärken bleibt eine entscheidende Frage: Trägt das Konzept auch langfristig? Schon während der Preview kam dieser Gedanke auf. Die Antwort darauf muss letztlich jeder für sich selbst finden. Einige werden problemlos hunderte Stunden investieren, andere verlieren vielleicht schneller das Interesse. Wichtig ist vor allem, zu wissen, worauf man sich hier einlässt.

Längere Gaming-Sessions haben sich bei mir auch nicht eingeschlichen. Vielmehr vergleiche ich die Erfahrung gerne mit einem Aquarium. Ich schaue jeden Tag kurz vorbei, um zu sehen, wie es allen so ergeht. Im Zweifel füttere ich oder helfe bei Problemen aus. Gegebenenfalls muss ich das Aquarium mal sauber machen oder erweitern, manchmal kommt auch ein neuer „Fisch“ hinzu. Das war zumindest meine Spielweise. Jeder bzw. jede wird hier wohl anders an die Sache herangehen.

Miis so „lebendig“ wie nie

Tomodachi Life erscheint auf der Nintendo Switch – eine dedizierte Version für die Nintendo Switch 2 gibt es nicht. Die Fassungen sind weitgehend identisch, getestet wurde jedoch auf der neuen Hardware. Laut Nintendo profitieren wir hier von kleineren Verbesserungen wie leicht schnelleren Ladezeiten und einer etwas höheren Auflösung im Docked- sowie Handheld-Modus. Den speziellen Handheld-Boost-Modus unterstützt das Spiel allerdings nicht.

Optisch präsentiert sich der Titel solide. Kein Grafikfeuerwerk, aber natürlich ein deutlicher Sprung im Vergleich zum 3DS-Vorgänger. Besonders die neuen Animationen wissen zu gefallen: Die Miis wirken plastischer und lebendiger als je zuvor. Technisch läuft das Ganze stabil, allerdings ist die Bildrate auf 30 FPS begrenzt – gerade auf der Switch 2 hätte man sich hier etwas mehr gewünscht. Bei einem so statischen Spiel wie diesem ist das aber auch nicht so wild.

Beim Sound bleibt sich die Reihe treu. Die Musik plätschert entspannt vor sich hin, wirkt locker und leicht. Einige Tracks bleiben durchaus im Ohr und tragen gut zur typischen Tomodachi-Atmosphäre bei.

Für Diskussionen sorgte bereits vorher der Umgang mit geteilten Inhalten. Screenshots lassen sich weiterhin direkt auf der Konsole speichern und auch teilen – sofern man sich an Nintendos Richtlinien hält. Das direkte Übertragen der Bilder auf ein Smart-Device ist jedoch nicht mehr möglich.

Angesichts der vielen kreativen Möglichkeiten im Spiel will Nintendo hier offenbar stärker kontrollieren, was mit den Inhalten passiert. Da über kleine Umwege früher oder später ohnehin jeder Inhalt in den sozialen Medien landen kann, kann auch die Sinnhaftigkeit dieser Maßnahme bezweifelt werden.

Tomodachi Life: Wo Träume wahr werden ist dabei klar als Einzelspieler-Erfahrung ausgelegt. Einen klassischen Online-Multiplayer, bei dem man die Inseln anderer Spieler in Echtzeit besucht – ähnlich wie etwa bei Animal Crossing – sucht man vergeblich.

Schräge Insel, zeitloser Charme

Bildmaterial: Tomodachi Life: Wo Träume wahr werden, Nintendo

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Titel	Pragmata
	17. April 2026
	Capcom
	17. April 2026
	Capcom
	17. April 2026
	Capcom
System	PlayStation 5, Xbox Series, Switch 2, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Capcom
Genres	Third-Person-Action-Adventure
Texte
Vertonung

Neue IPs haben es heutzutage immer schwerer Fuß zu fassen in einem schier endlosen Meer aus altbekannten und etablierten Marken oder Indie-Titeln, die ohnehin in einer eigenen Kategorie zuhause sind und oft mit einem gänzlich anderen Auge betrachtet werden. Speziell im Triple-A-Bereich, in dem die Budgets mittlerweile extrem hoch angesetzt werden, sind immer weniger Publisher bereit, viel Geld in ein noch unbekanntes Franchise oder eine neue Marke zu investieren.

Umso erfreulicher ist es daher, dass sich doch immer wieder große Publisher und Entwickler wie Capcom an neue Marken herantrauen und obendrein auch bereit sind, ein ordentliches Budget für die Entwicklung ebenjener Titel springen zu lassen.

Eine dieser gänzlich neuen IPs des japanischen Publishers und Entwicklers Capcom ist das Sci-Fi-Abenteuer Pragmata. Pragmata mag auf den ersten Blick zwar aussehen wie ein typischer Third-Person-Shooter, wie es sie schon zur Genüge gibt, dennoch versteckt sich hinter der scheinbar altbekannten Fassade ein spannendes Hacking-Abenteuer, welches mit einem einfachen, aber doch irgendwie genialen Gameplay-Kniff frischen Wind in das angestaubte Genre bringt.

Pragmata erscheint am 17. April für PS5, Xbox Series, Switch 2 und PCs. Ob sich das Warten auf den vielversprechenden Titel gelohnt hat, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Review.

Eine von der Außenwelt abgeschnittene Forschungsstation und ein neuartiges Material

Die Geschichte von Pragmata spielt in einer gar nicht mal so weit entfernten Zukunft. Die Menschheit hat einen gänzlich neuen Rohstoff entdeckt, das sogenannte „Lunum“. Mit Hilfe von Lunum konnte nach einiger Forschungsarbeit das neuartige Material „Lunafilment“ erschaffen werden.

Eine Art Material, welches dazu benutzt wird, mit teils gigantischen „Druckanlagen“ verschiedenste Gegenstände, Gebäude oder auch andere Dinge zu erschaffen. Einzig eine Vorlage dessen, was man kreieren möchte, ist notwendig, um der Druckanlage vorzuschreiben, was sie zu bauen hat. Wie bei einem 3D-Drucker der aktuellen Zeit, könnte man sagen.

Eines Tages ging der Kontakt zwischen der Erde und dieser Forschungsstation, die sich auf dem Mond befindet, jedoch verloren. Ein Team aus Spezialisten wurde umgehend entsandt um sich diesem Problem anzunehmen und dem merkwürdigen Kontaktabbruch auf den Grund zu gehen.

Kurz nach dem Eintreffen dieses Teams gab es jedoch ein Mondbeben. Also eine Erschütterung des Mondes. Hugh Williams, unser Hauptcharakter, wurde durch ebendieses Mondbeben von seinem Team getrennt. Im bewusstlosen Zustand wird Hugh jedoch von einem kleinen Mädchen, einem mysteriösen Androiden, gerettet und wiederhergestellt. Sie ist ein Pragmata, ein Geschöpf, welches mit Hilfe von Lunafilment erschaffen wurde und eine künstliche Intelligenz besitzt. Speziell die sehr emotional präsentierte Beziehung zwischen Hugh und dem Mädchen wurde wirklich toll umgesetzt.

Von hier aus nimmt die spannende Geschichte rund um die Erkundung dieser gigantischen Mondbasis nun ihren Lauf. Seite an Seite mit dem äußerst menschlich anmutenden Androiden muss Hugh die seltsamen Vorkommnisse auf der Basis nun also ohne die Hilfe seines Teams untersuchen.

Third-Person-Action mit dem besonderen Etwas lockert das Genre auf

Pragmata ist im Kern ein Third-Person-Shooter, wie man ihn erwarten würde. Actiongeladene Kämpfe wechseln sich mit ruhigeren Erkundungsphasen ab. Die Story wird mit Hilfe vieler Cutscenes, aber auch anhand vieler in der Welt verstreuter Schriftstücke wie E-Mails und andere Dokumente erzählt. So weit, so gewöhnlich, könnte man sagen.

Dann kommt jedoch die größte Besonderheit von Pragmata zum Tragen. Das ausgefeilte Hacking-System, das die Kämpfe auflockert und ihnen einen völlig neuen Touch verleiht. Greift man die unzähligen Gegner beispielsweise einfach auf normalem Wege an, nehmen diese kaum Schaden. Man muss die Schutzmechaniken der mechanischen Gegner per Hacking-Tool erst umgehen und verschafft sich somit ein kurzes Zeitfenster, in welchem die Gegner deutlich verwundbarer sind.

Gerade am Anfang des Abenteuers empfindet man das Hacken noch als recht einfach umsetzbar. Interessant und fordernd wird das Ganze aber im weiteren Spielverlauf, wenn man sich mehrerer Gegner gleichzeitig erwehren muss und diese ganz nebenbei ja auch immer erst noch hacken muss. Multitasking wird bei Pragmata also großgeschrieben und man muss während der teils wirklich hektischen Situationen stets einen kühlen Kopf bewahren um Herr über die jeweilige Situation zu bleiben. Die Hacking-Mechanik ist also definitiv das große und herausstechende Feature von Pragmata.

Anders als man im ersten Moment vielleicht denken möchte, erwartet uns mit Pragmata also alles andere als ein typischer 08/15-Third-Person-Shooter. Das Zusammenspiel aus Atmosphäre, den toll geschriebenen Dialogen zwischen Hugh und dem Androiden-Mädchen und der neu eingeführten Hacking-Mechanik runden das Gesamtpaket gekonnt ab und machen Pragmata zu einem wirklich tollen Titel, den man auf jeden Fall gespielt haben sollte.

Auch optisch ein außerirdischer Leckerbissen der Oberklasse

Speziell die optische Präsentation von Pragmata kann sich wirklich sehen lassen. Wunderbar kühl und steril fühlt sich die Mondbasis in den ersten Spielminuten an. Im weiteren Spielverlauf verändern sich die Locations natürlich auch etwas, was zusätzliche optische Abwechslung mit sich bringt und den äußerst sterilen Look etwas auflockert.

Neben den tollen Texturen und Modellen sind es speziell die fantastischen Lichteffekte, die dem Abenteuer nicht selten die optische Krone aufsetzen und das grafische Erlebnis abrunden. Vor allem die Animationen der Charaktere konnten mich vollstens überzeugen, denn diese fühlen sich fast schon butterweich und geschmeidig an.

Pragmata lief während unserer Testsession im Performance-Modus auf PlayStation 5 außerdem stets mit flüssigen 60 Frames über den Bildschirm und auch mit lästigen Vsync-Störungen mussten wir uns zu keiner Sekunde beschäftigen. Auf Wunsch kann Pragmata auch in einem Qualitätsmodus mit höherer Auflösung gespielt werden. Hier muss man sich dann allerdings mit 30 Frames begnügen.

Ein wirklich rundes grafisches Erlebnis, welches einmal mehr beweist, dass sich technische Optimierung eben doch auszahlt. Nicht selten erscheinen Spiele heutzutage ja vor allem technisch in unsauberem Zustand und erst nach vielen Updates werden die Titel dann überhaupt erst richtig spielbar. Das ist bei Pragmata jedoch keinesfalls der Fall und sollte auf jeden Fall löblich erwähnt werden.

Durchschlagende Soundeffekte und eine fantastische Synchronisation verwöhnen die Ohren

Auch tontechnisch feuert Pragmata aus allen Rohren. Neben den eher ruhigen und atmosphärischen Klangteppichen dreht der Sound vor allem in den hitzigen und fordernden Kämpfen auf und verleiht der jeweiligen Situation somit noch mehr Durchschlagskraft. Die fantastisch umgesetzten Soundeffekte wirken zudem wuchtig und stets passend und untermauern das Actiongeladene zusätzlich gekonnt.

Auch die gesprochenen Dialoge sind absolut hochwertig umgesetzt und speziell die englischen und japanischen Sprecher geben wirklich alles um dieses Sci-Fi-Abenteuer so authentisch wie möglich wirken zu lassen. Wirklich vorbildlich und absolut auf Triple-A-Niveau.

Auch die deutschen Sprecher wirken durchaus kompetent, kommen meiner Meinung nach aber keineswegs an die englischen oder japanischen Sprecher heran. Ich bin aber im Allgemeinen überhaupt kein Fan deutscher Synchronisierungen.

Spannendes Space-Abenteuer mit besonderem Gameplay-Kniff und toller Atmosphäre

Bildmaterial: Pragmata, Capcom

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Titel	Mega Man Star Force Legacy Collection
	27. März 2026
	Capcom
	27. März 2026
	Capcom
	27. März 2026
	Capcom
System	PlayStation 4/5, Xbox Series, Xbox One, Nintendo Switch, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Capcom
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Die Mega-Man-Reihe erfreut sich auch nach fast 40 Jahren immer noch großer Beliebtheit. Nicht weiter verwunderlich ist es daher, dass natürlich auch der Publisher und Entwickler Capcom weitere Projekte mit dem blauen Bomber plant. Mit Mega Man: Dual Override befindet sich beispielsweise sogar ein gänzlich neues Mega-Man-Abenteuer in der Capcom-Pipeline, welches 2027 erscheinen soll.

Ein weiteres dieser neuen Projekte ist unter anderem auch die Mega Man Star Force Legacy Collection, welche ganze sieben Titel der Star-Force-Reihe enthält. Die Star-Force-Reihe, die speziell für Nintendo DS entwickelt wurde, nutzt vor allem die Vorteile eines zweiten Bildschirms der Handheld-Konsole aus und schafft somit ein für die Mega-Man-Reihe bisher nie dagewesenes Gameplay-Gefühl.

Jedoch handelt es sich dabei auch um ein sehr spezielles Feature, welches folglich für diese brandneue Collection entsprechend umgesetzt und an die Moderne angepasst werden musste. Durchaus eine große Herausforderung für die japanischen Entwickler aus dem Hause Capcom.

Die Star-Force-Reihe erfreute sich speziell in Japan großer Beliebtheit und nun kommen endlich auch jüngere Spieler-Generationen und Spieler, die damals vielleicht keine Berührungspunkte mit dieser Spin-off-Reihe des Mega-Man-Franchise hatten, in den Genuss dieser Titel.

Mega Man Star Force Legacy Collection erschien am 27. März für PlayStation 4 & 5, Xbox Series S/X, Xbox One, Switch und PCs. Ob sich die an die Moderne angepasste Sammlung der Nintendo-DS-Titel bewährt, erfahrt ihr natürlich wie immer in unserem ausführlichen Test.

Stolze sieben Star-Force-Titel sind enthalten

Die Mega Man Star Force Legacy Collection beinhaltet ganze sieben Titel der Spin-off-Reihe. Neben den Titeln Pegasus, Leo, Dragon, Zerker x Ninja, Zerker x Saurian, Black Ace und Red Joker kommt die Star Force Legacy Collection auch mit zusätzlichen Features wie beispielsweise einer Galerie und einem Soundtrack-Archiv daher. Das Gesamtpaket für alle Fans der Reihe, könnte man also sagen, und die definitive Ausführung der Star-Force-Reihe.

Die enthaltenen Star-Force-Titel sind im Endeffekt Remastered-Versionen der Originale. Hier und da mussten jedoch vor allem technische Anpassungen gemacht werden. Zum einen in Sachen Auflösung und Tonqualität und zum anderen in Sachen zweites Display. Da bei einer modernen Konsole schließlich nur ein Monitor genutzt wird, musste sich Capcom eine Lösung für das Zwei-Display-Feature der Originale einfallen lassen.

Dieses zweite Display wird nun im Kleinformat neben unserem eigentlichen Haupt-Display abgebildet und kann auf Knopfdruck jederzeit vergrößert werden. Das ursprünglich für zwei Displays ausgelegte Feature wird nun also gleichzeitig zusammen auf einem Monitor dargestellt. Eine optimale Lösung in jeglicher Hinsicht und im Endeffekt auch die einzige Möglichkeit dieses Feature so originalgetreu wie möglich einzubinden, ohne die Titel gameplaytechnisch verändern zu müssen.

In allen Star-Force-Titeln übernehmen wir die Rolle des jungen Helden Geo Stelar, welcher sich immer mehr von seinem Alltag und Mitmenschen distanziert. Eine Art Schutzreaktion, die auf das Verschwinden seines Vaters in den Weiten des Weltraums zurückzuführen ist. Eines Tages verschmilzt Geo jedoch mit dem Alien Omega-Xis, woraufhin Geo zu Mega Man wird. Nun muss er sein Schicksal selbst in die Hand nehmen und die Welt vor den bedrohlichen EM-Wellen schützen. Unser Held wächst also über sich hinaus und muss sich in vielen spannenden Abenteuern behaupten.

Taktisch orientierte Kämpfe weichen vom serientypischen Gameplay ab

Anders als bei allen anderen Ablegern und Spin-offs der Mega-Man-Reihe verlaufen die Kämpfe bei den Star-Force-Titeln deutlich Taktik-orientierter und etwas weniger hektisch. Wir bekämpfen unsere Widersacher dieses Mal nicht direkt, sondern greifen diese auf einer Art Spielfeld mit drei Rastern an.

Mit zusätzlichen Power-Chips, welche über das Zusatz-Display ausgewählt werden, haben wir die Möglichkeit die Kämpfe zu beeinflussen. Diese Power-Chips funktionieren quasi wie kleine Power-ups, die uns beispielsweise einen Angriffs-Bonus verleihen oder einen bestimmten Spezialangriff ausführen lassen.

Unterm Strich bekommt man es bei den Star-Force-Titeln also mit einem wirklich ungewöhnlichen Kampfsystem zu tun. Auf den ersten Blick sieht das Ganze natürlich eher unspektakulär aus, unterm Strich erwartet uns aber ein recht ausgefeiltes Kampfsystem, welches dank des Einsatzes der vielen unterschiedlichen Chips durchaus Tiefe vorweisen kann. Am Ende des Tages ist dies aber natürlich wieder Geschmackssache.

Optisch liebevoll präsentiert, aber natürlich nicht mehr zeitgemäß

Aus grafischer und allgemein technischer Sicht darf man sich bei der Star Force Legacy Collection aber natürlich nichts vormachen. Wir haben es hier natürlich immer noch mit alten Nintendo-DS-Titeln zu tun, die schon zum Release nicht unbedingt optische Highlights waren. Dementsprechend sehen die Titel auf heutigen, deutlich größeren Monitoren auch nicht unbedingt ansprechender aus. Dennoch können die Titel mit vielen liebevollen Details begeistern und die Optik hat auch heutzutage durchaus noch ihren Charme. Hier muss man aber auf jeden Fall aufgeschlossen für technisch angestaubte Retro-Titel sein.

Die enthaltenen Spiele liefen aber allesamt äußerst rund und ohne technische Mängel über den Bildschirm, technisch liefert die Star Force Legacy Collection also ein durchaus ordentliches Gesamtbild ab.

Tontechnisches Retro-Feeling ohne Patzer

Auch soundtechnisch kann die Collection überzeugen und die überarbeiteten Klangteppiche und Melodien klingen auch für heutige Verhältnisse noch sehr passabel. Wie auch schon bei der Optik muss man auch beim Sound immer im Hinterkopf behalten, dass man es hier eben mit alten DS-Titeln zu tun hat.

Dafür ist die technische Seite aber voll zufriedenstellend und eben genau das, was man von einer technisch an die Moderne angepassten Collection erwarten würde.

Mehrspielermodus für noch taktischere Duelle enthalten

Eine große Überraschung ist hingegen der enthaltene Mehrspielermodus. In diesem haben wir die Möglichkeit, wahlweise in Ranked oder Unranked Matches zu spielen und unser Können mit anderen Spielern aus der ganzen Welt zu messen. Der einzige Kritikpunkt an diesem Mehrspielermodus ist die Tatsache, dass die Entwickler von Capcom leider keinen Crossplay-Modus verbaut haben. PlayStation-Spieler bleiben also ebenso wie Xbox-, Switch- und PC-Spieler jeweils unter sich.

Auf lange Sicht könnte dies durchaus der Spielerbasis schaden und – speziell wenn der große Launch-Run vorbei ist – für schwache Spielerzahlen im Multiplayermodus sorgen. Die Spielersuche würde dann also bedeutend länger dauern.

Die beliebte Spin-off-Reihe nun endlich in einer Collection vereint

Bildmaterial: Mega Man Star Force Legacy Collection, Capcom

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Titel	Screamer
	26. März 2026
	Plaion
	26. März 2026
	Plaion
	26. März 2026
	Plaion
System	PS5, Xbox Series, PC
Getestet für	PC-Steam
Entwickler	Milestone, Polygon Pictures
Genres	Arcade-Racer
Texte
Vertonung

Große Rennspielmarken gibt es nur noch wenige. Viele erinnern sich an die goldenen Zeiten der frühen 2000er mit Arcade-lastigen Rennspielen wie Need for Speed Underground, Burnout und Blur, aber auch nischigeren Titeln wie Auto Modellista oder Initial D Special Stage. Entwickler Milestone und Publisher Plaion knüpfen mit Screamer an diese alten Zeiten an.

Dem ein oder anderen älteren Semester werden die Namen vielleicht bekannt vorkommen, und richtig – hier ist tatsächlich das ursprüngliche Team hinter der Bleifuss-Reihe (international damals schon Screamer genannt) am Werk.

Mit den ursprünglichen Bleifuss-Titeln hat das aktuelle Screamer aber wenig gemein. Man könnte sogar von einem Reboot der Reihe sprechen – und ehrlich gesagt hoffen wir auf eine Verlängerung der Reihe, denn Screamer (2026) macht viel richtig, leidet aber an seiner schwankenden Qualität.

Karriere-Modus im Visual-Novel-Stil mit Anime-Sequenzen

Herzstück des Spiels ist der Turniermodus mit einem von „Screamern“ aus aller Welt ausgetragenen Turnier, in dem es um das enorme Preisgeld von 100 Milliarden Dollar und die Geheimnisse einer mysteriösen Maschine mit dem Namen „Echo“ geht. Sie kann nicht nur die Zeit zurückdrehen, sobald ein Wagen explodiert – wenn dabei Menschen sterben, kann sie sogar Tote wiederauferstehen lassen.

Jedes der fünf Teams hat ganz eigene Gründe am Rennen teilzunehmen, welche ihr im Laufe der 70 Episoden umfassenden Story kennenlernt – während der etwa zehn Stunden werden die Rivalitäten immer stärker und die Kämpfe immer erbitterter.

Die Story selbst ist dabei sehr interessant, aber manchmal etwas zu ausführlich. Insbesondere die „Zwischenepisoden“ im Visual-Novel-Stil ziehen sich manchmal ganz schön in die Länge. Dagegen wirken die Hauptsequenzen im Anime-Stil hochwertig. Schade, dass man es hier verpasst hat, eine gewisse Konsistenz herzustellen. Eine kürzere, knackiger präsentierte Story in einem stilistisch passenderen Manga-Panel-Style hätte zum Beispiel deutlich besser gepasst. Weniger wäre hier mehr gewesen.

Etwas eigenwillig ist auch das ständige Hin- und Herspringen zwischen den verschiedenen Teams. Selten sitzt man zwei Rennen in Folge im gleichen Wagen, ständig wird gewechselt. Es ist nicht nur schwer, der Story zu folgen – auch das Eingewöhnen auf ein Fahrzeug fällt schwer. Die Fahrzeuge heben sich allerdings hauptsächlich optisch ab, spielerisch wirken sie alle recht ähnlich und unterscheiden sich bevorzugt in der Höchstgeschwindigkeit und den Spezialattacken.

Die Vollvertonung der Story weiß zu gefallen: Die TeilnehmerInnen sprechen in unterschiedlichsten Sprachen, von Deutsch über Spanisch bis Holländisch und Japanisch. Das bringt den internationalen Charakter der hochgetunten Wagen mit 350 km/h Spitzengeschwindigkeit sehr gut in die Wohnzimmer – auch wenn Holländisch für uns Deutsche manchmal einfach unfreiwillig lustig klingt. Oder wie man im Spiel sagen würde: „Waarom zou iemand respect voor jou hebben?“

Ansonsten bietet Screamer das, was man von einem Arcade-Racer erwartet: Mehrere Spielmodi wie Einzelrennen, Teamrennen, Zeitrennen sowie Punkteherausforderungen, Overdrive-Herausforderungen und Kontrollpunkte-Rennen sind vorhanden – auch im lokalen Splitscreen und als „Mixtape“ im Online-Modus. Tuning ist leider nur optisch vorhanden, das jedoch sehr umfangreich. Ein Schadensmodell ist quasi nicht vorhanden – ab und zu fliegt ein Heckflügel ab, was nur optische Auswirkungen hat.

Drifte um dein Leben

Die Rennen auf den über 30 Strecken machen nach wenigen Stunden Eingewöhnungsphase richtig Spaß. Die Lernkurve ist dabei aber ziemlich steil. Nicht nur ist das Driftverhalten der Boliden äußerst gewöhnungsbedürftig und erinnert mit seinen ständigen Heckausbrüchen und etwas verzögertem Einlenken stark an Wipeout. Auch die KI-Gegner sind teilweise wirklich unerbittlich. Schon auf mittlerer Schwierigkeitsstufe („ausgeglichen“) braucht man für manche Teamrennen sowohl viel Glück als auch Können, was zu mehrfachen Wiederholungen eines Events führt. Da hilft nur ein Zurückschrauben auf den einfachen Schwierigkeitsgrad.

Trotzdem: Hat man das Driftgefühl erst einmal verinnerlicht, gerät man schnell in einen sehr befriedigenden Flow, welchen man sonst nur von Future-Racern kennt. Das gezielte Antippen der Bremse vor und während eines Drifts, während man die tonnenschwere Karosse nur wenige Zentimeter von der Bande entfernt um die schwierige Kurvenpassage schwingt, sorgt für ein Gefühl, das nur wenige Rennspiele so perfekt hinbekommen wie Screamer.

Auf der ein oder anderen Strecke wird es jedoch zu viel des Guten, denn auf den Serpentinen des „Nebelhügels“ oder „Falkenpfads“ gibt es kaum Verschnaufpausen zwischen den anspruchsvollen Drifts. Alle fünf Sekunden erneut anbremsen, um im zweiten Gang die nächste Kurve zu nehmen, artet schon fast in Arbeit aus und ist ermüdend.

Doch Driften ist nicht die einzige Spielmechanik, die perfektioniert werden möchte. Auch die Boosts, oder besser gesagt das passende „aus der Kurve boosten“, entscheidet oft über Sieg und Niederlage in den erbitterten Straßenrennen. Dazu kommen die tödlichen Explosionsangriffe des „Echos“ à la Burnout und Blur, die gar nicht so einfach zu timen und auszurichten sind. Mit etwas Geschick lassen sich diese mit einem wenige Sekunden anhaltenden Schild abblocken.

Stilistisch Weltklasse, Sound sehr gut

Technisch weiß Screamer (2026) auf ganzer Linie zu überzeugen, besonders in epischen Einstellungen auf dem PC. Die Grafik ist sehr gut und bringt das Geschwindigkeitsgefühl überzeugend rüber. Wirklich herausragend ist das Spiel jedoch an anderer Stelle: Die Städte im Cyberpunk-Stil sind hervorragend getroffen, der Stil ist ähnlich überzeugend und zeitlos wie damals bei Need for Speed Underground. Die umfangreichen Einstellungsmöglichkeiten der PC-Version lassen auch kaum Wünsche offen.

Die Entwickler wissen offenbar genau, wie gut ihnen der in Neonfarben leuchtende Stil ihrer Städte gelungen ist und liefern einen Weltklasse-HDR-Effekt mit, der zudem noch auf den eigenen Fernseher angepasst werden kann. Ohne Übertreibung: Wer einen leuchtstarken HDR-TV oder gar einen OLED-TV besitzt, muss Screamer (2026) erlebt haben. Der HDR-Effekt ist nahezu ebenbürtig mit den besten in dieser Disziplin, etwa Tetris Effect und Ori and the Will of the Wisps.

Auch der Sound ist sehr gut gelungen. Er ist nicht so kultig wie ein F-Zero GX, Wipeout oder der ein oder andere „Need for Speed“-Teil, trotzdem überzeugt der Metal- und Electronic-lastige Soundtrack. Die Motorengeräusche sind kernig, die Soundeffekte sind ebenso passend.

Ein Wechselbad der Gefühle

Bildmaterial: Screamer, Plaion, Milestone

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Titel	Death Stranding 2: On the Beach
	19. März 2026
	PlayStation Publishing LLC
	19. März 2026
	PlayStation Publishing LLC
	19. März 2026
	PlayStation Publishing LLC
System	PlayStation 5, PC
Getestet für	PC (Steam)
Entwickler	Kojima Productions, Nixxes
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Ich muss gestehen, dass Death Stranding nicht mein Spiel war. Womöglich hatte ich nach dem wirklich starken und durchdachten Gameplay des letzten Metal Gear Solid unter der Führung von Hideo Kojima einfach etwas anderes erwartet. Die meditative Reise über menschliche Verbindung hatte durchaus ihre Höhen, aber auch viel zu lange Talfahrten.

Meine Erwartungen für das Sequel waren also nicht sehr hoch. Da dieser Teil nun, wie nicht anders zu erwarten war, ebenfalls auf der beliebtesten Plattform der Welt erscheint, gibt es keinen besseren Zeitpunkt für mich, herauszufinden, ob Kojima seine Formel konsequent weiterentwickelt hat. Und natürlich, ob das Team von Kojima Productions das nötige Know-how besitzt, um dem Spiel eine ordentliche Optimierung auf PCs zu spendieren. Dank des Review-Musters von PlayStation gibt es nun die Antworten darauf.

Not so dead

Ähnlich wie der Vorgänger beginnt auch Death Stranding 2 mit einer Wanderung, untermalt von Kojimas persönlicher Spotify-Playlist. Das ist ein effektiver Anfang, um sowohl Ton als auch Stil der Geschichte und des Gameplays einzuführen.

Doch lange hält die Idylle nicht an. Nachdem der erste Teil genutzt wurde, um die Beziehung zwischen Sam Porter Bridges und seinem BB Lou aufzubauen und zu vertiefen, wird eben diese Verbindung zu Beginn zerrissen. Das ist einer der emotionalen Höhepunkte, von dem sich Spieler und Sam erholen müssen. Und ähnlich wie in der echten Welt geht das nicht ohne Verdrängung, Depression und den Sturz in die Arbeit.

Zusammen mit alten und neuen Freunden (von Kojima) zieht es Sam nach Mexiko und Australien. Dort muss er wieder wichtige Knotenpunkte mit dem chiralen Netzwerk verbinden. Dabei werden ihm jedoch mehrmals Steine in den Weg gelegt. Wer ist der Geldgeber dieser Mission? Wieso kann man sich von Mexiko nach Australien teleportieren? Was ist das Nirvana?

Erneut ist das Thema Verbindungen. Aber dieses Mal geht es mehr darum, welche Konsequenzen diese haben und wie sie einem mehr schaden als helfen können.

Evolution

Es handelt sich also tatsächlich um eine konsequente Entwicklung der Erzählung aus dem ersten Teil. Thematisch bleibt der Kern erhalten, aber die Sichtweise ändert sich. Sehr clever. Das führt trotz des üblichen Kojima-Nonsens zu einer runderen Geschichte mit besserem Pacing und am Ende zu einem epischen Finale, das alleine die Reise schon wert ist.

Getragen wird diese emotionale Reise von den starken Performances der Schauspieler. Allen voran Troy Baker, der als Higgs absolut jedem die Show stiehlt und mit seinem puren Charisma alle seine Szenen dominiert. Jedes Mal, wenn dieser Charakter auf dem Bildschirm erscheint, wird jede langgezogene Talfahrt sofort vergessen. Was für eine starke Performance. Auch dafür allein lohnt sich das Spiel. Obwohl die anderen Charaktere hier teils weit abfallen, sind sie dennoch interessanter als beim Vorgänger, obwohl Cliff Unger sehnlichst vermisst wird.

Leider versteht der gute Kojima-san weiterhin nicht, wie sich normale Menschen unterhalten. Anstatt normale Konversationen zu führen, ergießt sich praktisch nur schwallartige Exposition aus dem Mund der Charaktere. Je besser die Technik und somit die Optik wird, desto negativer fällt das auf. Auch die typischen Logik-Lücken sind natürlich mit von der Partie. Hier wird Logik gegen Coolness eingetauscht, aber anderes hätte man vom Schöpfer von Metal Gear Solid nicht erwartet.

Wer sich also durch die Exposition und das mal wieder sehr passive Gameplay kämpfen kann, wird dafür mit einer interessanten und verrückten Geschichte belohnt, die eine sinnvolle Entwicklung zum Original darstellt.

Alphabet

Warum bin ich länger als nötig auf der Geschichte herumgeritten? Weil sich zum Vorgänger in Sachen Gameplay nicht allzu viel getan hat. Den Großteil der Zeit wird man weiterhin damit verbringen, von A nach B zu kommen und dabei sein Gepäck zu managen.

Wer diesem System beim Vorgänger gar nichts abgewinnen konnte, der wird hier nicht glücklich werden. Diejenigen, die sich zumindest etwas mehr Abwechslung erhofft hatten, werden jedoch belohnt. Es gibt mehr und dynamischere Auseinandersetzungen mit den verschiedensten Feinden sowie abwechslungsreichere Methoden der Fortbewegung und vielfältigere Nebenmissionen. Hier also auch mehr Entwicklung statt Revolution.

Selbiges gilt für die Optik, die beim ersten Teil schon begeistern konnte. Was Kojima Productions mit der Decima-Engine aus dem Hause Guerrilla Games auf den Bildschirm zaubert, ist wahrlich brachial. Sowohl Charaktere als auch Umgebungen kommen immer näher an die Realität heran und das sorgt für wesentlich mehr Emotionen und Gänsehaut während der Zwischensequenzen und des Gameplays. Selten war eine triste Einöde so schön wie bei Death Stranding 2. Und jetzt, auf dem PC, wird noch einmal eine Schippe draufgelegt.

Ultra

Mit den gängigsten Methoden der Frame-Generation ist ein unglaublich flüssiges Spielerlebnis bei einer Auflösung von 4K möglich. Zudem gibt es Super-Ultrawide-Support. Diese technischen Details richten sich natürlich an Spieler mit einem entsprechenden Setup von starkem Rechner und gigantischem Bildschirm. Teuer, aber mehr Immersion geht nicht. Besonders mit einem entsprechenden Monitor wird klar, dass so schöne Umgebungen vielleicht noch nie auf den Bildschirm gezaubert wurden. Dabei hilft auch die Tatsache, dass man auch auf PCs nicht auf die vielen Funktionen des DualSense verzichten muss. Immersion pur.

Und halleluja: Die zweifelsohne talentierten Entwickler von Kojima Productions und Nixxes haben ein extra Preset für tragbare PCs wie Steam Deck programmiert. Was sagt uns das? Hier hat sich jemand extra die Mühe gemacht, für schwache PCs eine ordentliche Performance zu garantieren. Diesen Schritt gehen nicht mehr so viele Entwickler, vor allem nicht, wenn sie aus dem fernen Osten kommen. Viel mehr kann man von einem „einfachen“ PC-Port nicht erwarten.

Doch leider sind nicht alle tragbaren PCs gleich. Das Steam Deck muss zum Beispiel selbst bei der passenden Einstellung viel zu hart mit dem Spiel kämpfen und ohne Frame-Generation kratzt es allenfalls an den 30 FPS. So kann ich das Sequel leider nicht auf Valves Handheld empfehlen. Death Stranding 2 lebt von seiner Optik und das kann der kleine Rechner eben nicht leisten.

Entwicklung statt Revolution

Bildmaterial: Death Stranding 2: On the Beach, Sony Interactive Entertainment, Kojima Productions

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Titel	Darwin’s Paradox
	02. April 2026
	Konami
	02. April 2026
	Konami
	02. April 2026
	Konami
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC, Nintendo Switch 2
Getestet für	PC (Steam)
Entwickler	ZDT Studio
Genres	Puzzle-Plattformer
Texte
Vertonung

Die letzte State of Play im Februar dieses Jahres war schon beeindruckend. Mehrere neue Ankündigungen und das ausgerechnet von Konami. Nicht viele haben mit so einem Comeback gerechnet. Inmitten von Metal Gear Solid und neuen JRPGs hat auch ein kleiner Oktopus seine Trailer-Premiere gefeiert.

Darwin’s Paradox ist das erste Spiel von ZDT Studio. Einem Pariser Studio, das von ehemaligen Branchenveteranen gegründet wurde. Eine Aussage, die aus offensichtlichen Gründen für Aufsehen sorgt. Nun konnten wir den Puzzle-Plattformer genauer unter die Lupe nehmen und entscheiden, ob Oktopoden sich als Helden eignen.

Ebbe

Nicht viele Puzzle-Plattformer glänzen mit ihrer tiefen Erzählung und genau hier reiht sich Darwin’s Paradox eindeutig ein. Die Geschichte ist zeitgleich simpel und abstrakt, da der Held eben ein Oktopus ist und nicht ordentlich kommunizieren kann. Kurz gesagt: Aliens wollen die Erde mittels grünem Gehirnwäsche-Schleim erobern und entführen dabei den Partner unseres achtarmigen Protagonisten. Um diesen zu befreien, muss der kleine Oktopus tief in das Herz der humoristischen Invasion eintauchen und dabei alle möglichen terrestrischen und extraterrestrischen Hindernisse umgehen.

Dank der tollen Animationen der humorvollen Invasion und der Dialog-freien Erzählung trifft der ein oder andere Lacher mitten ins Schwarze, aber die Geschichte an sich wird von den vielen geskripteten Sequenzen in den Hintergrund gerückt. Von einer Verpackungsfabrik über düstere Labore bis hin zu einem Karatezentrum zum Training der außerirdischen Roboter – hier wird die wahre Geschichte erzählt.

Leider dauert das Ganze dabei keine fünf Stunden. Der ominöse Soundtrack passt zwar gut, ist aber generisch und absolut unmemorabel. So bleibt hier nur die Optik als einzige große Stärke. Das gilt sowohl für das Art-Design, das teilweise an große Studio-Produktionen erinnert, als auch für die grafische Qualität an sich, die das mal mehr und mal weniger maritime Thema mittels Unreal Engine 5 schön umsetzt.

Oktopussy

Spielerisch überzeugt das Oktopus-Abenteuer nur teilweise. Auf einer strengen 2D-Ebene kann der Oktopus zwar an jeder Oberfläche haften, was viele Möglichkeiten eröffnet, aber die kleinen Areale nutzen dieses Potenzial nicht voll aus.

Hinzu kommt eine Tarnfunktion, die auf Knopfdruck angewandt werden kann, sowie die Möglichkeit, Tinte zu verspritzen, um sich darin zu verstecken. Das passt zum Stealth-Kern des Gameplays, ist für das kurze Spiel jedoch zu wenig und nur in bestimmten Situationen einsetzbar.

Weder die Rätsel noch die Stealth-Einlagen sind besonders komplex und am Ende ist es eher die unpräzise und teils träge Steuerung, die für die meisten Neustarts und Frustrationen verantwortlich ist. Letzteres kommt dabei für ein Spiel dieser Länge viel zu häufig vor. Trial-and-Error gehört bei Plattformern zwar dazu, hilft aber hier nicht.

Lieber das Steak

Die klassischen Bosskämpfe, sofern man sie so nennen kann, sind nur kleine Fluchteinlagen, die man in so vielen anderen Puzzle-Plattformern schon viel besser gesehen hat. Generell fasst das Darwin’s Paradox ganz gut zusammen. Praktisch jedes Element hat man im übersättigten Genre schon mal genauso oder besser gesehen. Ob Limbo, Ori oder eine der vielen anderen Genre-Koryphäen, Darwin’s Paradox kommt an diese nicht einmal annähernd heran. Sehr schade.

Trotz der überschaubaren Dauer bietet das Spiel kaum Wiederspielwert. Es gibt nur 20 lustige Werbungen/Zeitungs-Ausschnitte zu finden, die sonst nichts Intrinsisches bieten und an offensichtlichen Orten versteckt sind. Ansonsten bleibt es, was Erkundung angeht, eher mau.

Technisch gibt es nicht viel zu bemängeln. Selbst ein schwacher PC wird mit dem Spiel keine Probleme haben, aber eben auf niedrigen/mittleren Grafikeinstellungen und nur in 30 FPS. Für die beste Optik und stabile 60 FPS braucht es schon einen sehr starken Rechner, was wohl kaum für die Optimierung dieses kleinen Plattformers spricht. Dennoch bin ich immer froh darüber, wenn ein neues Spiel auch auf dem Steam Deck stabil läuft, auch wenn es optisch deutliche Einbußen gibt.

Weniger saugstark

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Titel	Super Mario Bros. Wonder – Nintendo Switch 2 Edition + Gemeinsam im Bellabel-Park
	26. März 2026
	Nintendo
	26. März 2026
	Nintendo
	26. März 2026
	Nintendo
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Nintendo
Genres	Jump ’n’ Run
Texte
Vertonung

Als Nintendo im Oktober 2023 das erste brandneue 2D-Abenteuer des hauseigenen Super-Klempners nach rund zehn Jahren veröffentlicht, hagelt es Bestnoten von der Presse. Auch wir empfinden Super Mario Bros. Wonder seinerzeit als „Spielspaß- und Ideen-Feuerwerk“ – und verleihen den goldenen Herausragend-Award.

Gute zweieinhalb Jahre später wird die großartige Hüpferei nun mit einer Frischzellenkur für Switch 2 bedacht. Die schraubt nicht nur an der ohnehin gelungenen Technik, sondern ergänzt das Abenteuer um neue Inhalte. Der Ausflug in den Bellabel-Park lässt sich allerdings etwas kosten: Für das Upgrade bittet Nintendo Besitzer des Hauptspiels mit durchaus ansehnlichen 19,99 Euro zur Kasse. Wer mit Switch 2 erstmals in „Wonder“ einsteigt, darf gar stolze 79,99 Euro locker machen. Lohnt sich das?

Über jeden Zweifel erhaben

Am Grundspiel hat sich mit der Switch-2-Fassung nichts verändert. „Wonder“ bleibt auch zweieinhalb Jahre nach seiner ursprünglichen Veröffentlichung spielerisch über jeden Zweifel erhaben. Markiert die Neuauflage euren Erstkontakt mit dem Spiel, sei euch ein Blick in unseren ausführlichen Test des Originals ans Herz gelegt. Trotzdem wollen wir im Folgenden einen kurzen Überblick darüber geben, was euch in „Wonder“ erwartet.

Für ihr jüngstes Abenteuer verschlägt es Mario, Luigi und Co. nicht wie gewohnt auf die mittlerweile abgetrampelten Pfade des Pilzkönigreichs. Stattdessen folgt die bunte Truppe einer Einladung von Prinz Florian ins benachbarte Blumenkönigreich. Es kommt, wie es kommen muss: Serienschurke Bowser crasht die Party und reißt sich das Schloss des Prinzen unter den Nagel.

Wir begeben uns also auf eine Reise durch das farbenfrohe Königreich, um der lästigen Chefkröte einmal mehr das Handwerk zu legen. Dazu arbeiten wir uns wie gewohnt durch verspielte, wenngleich selten fordernde Jump-’n’-Run-Level, die gerade dank der neuen „Wunderblumen“ herrlich kreativ ausfallen.

Einmal einverleibt, verzaubern diese unsere Umgebung auf … wundersame Weise. Mal verselbstständigt sich die Level-Architektur, mal beeinflussen wir sie auf eigene Faust. Mal spielen uns Kamera und Beleuchtung einen Streich, mal schlüpfen wir in ungeahnte Rollen. Bis zum Ende präsentiert sich „Wonder“ als charmant-kreative Spielspaß-Quelle, die nie Gefahr läuft, zu versiegen.

Und vor diesem Hintergrund lässt sich auch schon ein Zwischenfazit ziehen: Solltet ihr „Wonder“ bis dato noch nicht gespielt haben und bringt ihr eine Vorliebe für den heldenhaften Klempner oder durchdachte Plattformer im Allgemeinen mit, sei euch der Kauf der Switch-2-Fassung wärmstens ans Herz gelegt. 

Großer Spaß für Multiplayer-Fans

Aber wie steht es um die Rückkehrer unter euch? Klar, es spricht nichts dagegen, Marios blumiges Abenteuer einfach ein zweites Mal zu erleben. Im TV-Modus profitiert die Neuauflage von einer messerscharfen 4K-Auflösung; eine bombenfeste Bildrate und verkürzte Ladezeiten runden die technische Präsentation vorbildlich ab.

Allerdings machte „Wonder“ schon auf der Switch eine tolle Figur. Für das Hauptspiel allein lohnt sich der erneute Griff in den Geldbeutel kaum – da tuts auch das Original. Rechtfertigt der Bellabel-Park mit seinen neuen Inhalten also den Upgrade-Kauf? Die diplomatische Antwort: Es kommt ganz darauf an. Und zwar darauf, wie ihr zum Thema „Multiplayer“ steht.

Die Attraktionenwelt des Bellabel-Parks steht ganz im Zeichen des gemeinsamen Spaßes. Wir toben uns lokal und online mit mindestens zwei (und bis zu zwölf) Spielern in zahlreichen Disziplinen aus – insgesamt winken über 15 Minispiele. So sammeln wir etwa wild um die Wette Münzen, verharren aber auf der Stelle, sobald König Buh-Huh erwacht.

Erwischt er uns in der Bewegung, reißt er nämlich unsere erkämpften Taler an sich. Im Rahmen der Phanto-Fangjagd verschmelzen wir, so gut es geht, mit der Umgebung, um uns möglichst lang vor unseren Kontrahenten zu verstecken. Und in der Rolle des Nimmersatts Yoshi futtern wir unter Zeitdruck so viel, wie in unsere Bäuche passt.

Auch für Leute, die lieber mit- statt gegeneinander spielen, hält die Attraktionenwelt viele Minispiele bereit. Beim Bob-omb-Bibbersprint ist der Name Programm: Ein Spieler ebnet in Echtzeit den wackligen Pfad, den der Partner beschreitet – nur mit guter Abstimmung schafft man es ins Ziel. In den Rollen von Kapitän Toad und Piepmatz Picki teilen sich Spieler derweil die Steuerung – einer läuft, der andere hüpft. Die Minispiele sind allesamt kurzweilig und charmant präsentiert und bieten eine tolle Grundlage für spaßige Spielabende mit Familie oder Freunden.

Kurzer Spaß für Solo-Hüpfer

Aber was ist mit den Solo-Hüpfern unter euch? Die werden auch bedient, wenngleich weniger prominent als Mehrspieler-Enthusiasten. Auf der Zeltwiese vor dem Bellabel-Park versuchen wir uns etwa an den spielerischen Herausforderungen des Toad-Trupps und steigen so munter im Quasi-Pfadfinder-Rang auf. Darüber hinaus werden unsere Mühen mit Bellabel-Wasser belohnt, mit dem wir das Grün der Umgebung wieder zum Strahlen bringen. Alternativ investieren wir in Dekorationen und Blumensamen, um die Zeltwiese nach unseren Wünschen zu verschönern. Das ist alles zweifellos süß umgesetzt und bereitet durchaus Spaß, geht in Sachen Komplexität aber kaum über einen netten Zeitvertreib hinaus.

Spannender gestaltet sich da schon die Rückkehr der Koopalinge. Die garstige Geschwisterbande hat die Bellabel-Blumen an sich gerissen – wir greifen dem Toad-Trupp bei ihrer Wiederbeschaffung unter die Arme. Die Koopalinge verschanzen sich jeweils in den verschiedenen Regionen des Blumenkönigreichs und wollen auf der Karte ausfindig gemacht werden, ehe sie uns im Zuge eines Duell-Levels konfrontieren.

Mit ihrer abermals kreativen Präsentation sind diese Keilereien ein gelungener, aber auch äußerst kurzer Spaß. Steigt ihr nachträglich in euren alten Spielstand ein, sind die sieben Kröten in unter einer Stunde erledigt. Ist es hingegen euer erstes Mal mit „Wonder“, lockern die Duelle das Abenteuer in regelmäßigen Abständen gelungen auf.

Weitere willkommene Neuerungen: „Wonder“ war zwar bereits im Original nicht besonders fordernd, der neue Hilfe-Modus garantiert nun aber, dass auch die Kleinsten in eurem Kreis gemeinsam mit euch abenteuern können. Der neue Modus bewahrt Nachwuchs-Spieler vor sämtlichem Schaden; auch Abgründe beherbergen nicht länger die Gefahr eines „Game Over“. Mit Rosalina gesellt sich zudem ein weiterer Charakter zur Heldenriege. Mit dabei ist folgerichtig auch Luna, die von Videospiel-Neulingen per Maus-Steuerung navigiert wird, um mühelos Gegner zu besiegen und Münzen zu sammeln.

Für alle Neulinge und manch einen Rückkehrer

Bildmaterial: Super Mario Bros. Wonder – Nintendo Switch 2 Edition + Gemeinsam im Bellabel-Park, Nintendo

Der Beitrag Im Test! Der neue Bellabel-Park von Super Mario Bros. Wonder ist ein zweischneidiges Schwert erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Fallout 4: Anniversary Edition
	24. Februar 2026
	Bethesda Softworks
	24. Februar 2026
	Bethesda Softworks
	24. Februar 2026
	Bethesda Softworks
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Bethesda Game Studios
Genres	Action-RPG
Texte
Vertonung

Lange war es nur ein Gerücht, doch nun hat Bethesda endlich das Schweigen rund um den Switch-2-Port des Endzeit-Rollenspiels Fallout 4 gelüftet. Nach langer Wartezeit kommen Fans und natürlich auch Serien-Neulinge nun endlich in den Genuss des gefeierten Bethesda-Rollenspiels – und nun sogar auch unterwegs.

Bethesda schnürt uns hier ein perfektes Paket bestehend aus dem Hauptspiel, allen veröffentlichten DLC-Paketen und sogar dem neuen Anniversary-Update, welches neben etlichen neuen Gegenständen auch diverse Gameplay-Erweiterungen beinhaltet. Ein tolles Rundumpaket also und auch für Langzeit-Fans vielleicht nochmal einen Spieldurchgang wert.

Erstmals angekündigt hatte Bethesda die Portierung von Fallout 4 im Oktober des Jahres 2025. Zu diesem Zeitpunkt waren viele Fans und Kenner des Originals allerdings noch recht skeptisch, da die ersten Gameplay-Enthüllungen einen noch recht hakeligen Eindruck machten, was die technische Umsetzung der Switch-2-Portierung anbelangt, und es wurde schnell daran gezweifelt, ob die Switch 2 denn wirklich die nötige Power besitzt, um den Titel in seiner vollen Pracht darzustellen – speziell im Handheld-Modus.

Ob die Umsetzung von Fallout 4 für Nintendos neue Konsole an die Qualitäten des Originals aus dem Jahre 2015 heranreicht oder dieses sogar noch toppen kann, erfahrt ihr natürlich wie immer in unserem ausführlichen Test.

War never changes

Die Geschichte von Fallout 4 handelt von einem von uns zu Beginn des Spiels selbst erstellten Vault-Bewohner, der nach einem tragischen Vorfall dazu gezwungen ist, in einem Vault-Tec-Bunker Schutz vor der drohenden atomaren Katastrophe zu suchen. Zusammen mit der Familie überstehen wir diesen verheerenden Angriff also nur knapp.

Kurz darauf ereilt uns allerdings schon der nächste Schicksalsschlag und wir finden uns in der Zukunft wieder. Die Welt ist nicht mehr, wie sie einmal war und nun muss sich unser eigens erstellter Hauptcharakter auf die beschwerliche Suche nach seiner Familie begeben – oder was davon noch übrig ist.

Wir befinden uns nun im Jahre 2287 und die Gegend rund um Boston im US-Bundesstaat Massachusetts und weitere Teile rund um New England haben sich in ein atomares Ödland verwandelt. Dieses Ödland wird nun allerdings nicht mehr nur von Menschen bewohnt und so müssen wir uns nicht nur anderer feindlich gesinnten menschlichen Gegner erwehren. Auch allerlei scheußliche Kreaturen warten darauf, mit unserem durchaus beachtlichen Waffenarsenal Bekanntschaft zu machen.

Ein Rollenspiel ganz nach Bethesda-Art

Fallout 4 ist ein Bethesda-Spiel, wie es im Buche steht. Neben eher gewöhnungsbedürftigen Menüs, die auch hier ganz Fallout-typisch über den Pip-Boy, eine Art mobiler Computer, den wir am Arm tragen, gesteuert werden, fallen auch die Kämpfe selbst etwas spezieller aus und sind, speziell für Neulinge, erstmal gewöhnungsbedürftig.

Denn statt einem reinen Shooter erwartet uns hier eine Art Rollenspiel-Shooter. Denn eine große Besonderheit, welche die Fallout-Reihe doch etwas vom Mainstream-Shooter-Gameplay abhebt, ist die für die Reihe typische „VATS“-Mechanik. Mit der VATS-Mechanik können wir den aktuellen Kampf fast schon in Zeitlupe ablaufen lassen und den Zielpunkt, den wir am Gegner treffen möchten, auswählen. Nach dem Bestätigen dieses Angriffs führt unser Charakter den Angriff durch. Mit einer Prozent-Anzeige veranschaulicht uns das Spiel, wie hoch die Wahrscheinlichkeit auf einen erfolgreichen Treffer aktuell ist. Jeder Angriff im VATS-System benötigt sogenannte „AP“-Punkte. Sind diese Punkte verbraucht, kann aktuell kein Angriff im VATS-System erfolgen und wir müssen uns auf altbekannte Shooter-Mechaniken verlassen. Im ersten Moment klingt das VATS-System zwar nicht sonderlich spektakulär, dennoch ist genau diese Mechanik dafür verantwortlich, dass sich die Fallout-Titel doch irgendwie besonders anfühlen. Das gewisse Etwas, könnte man sagen.

Die weitläufige und abwechslungsreiche offene Spielwelt ist natürlich ein weiterer großer Pluspunkt von Fallout 4. Die Welt fühlt sich stets nach verlassenem und tristem Ödland an und kann immer wieder mit interessanten Locations begeistern. Der Entdeckertrieb wird also auf jeden Fall gefördert und mit etlichen nützlichen Waffen und Gegenständen, die es zu finden gilt, auch belohnt.

Im Ödland gibt es einiges zu tun

An Quests und allerlei Nebenquests mangelt es Fallout 4 übrigens keinesfalls. Die Hauptstory erlebt man primär innerhalb der Hauptquests, wohingegen die Nebenquests eher zum Aufleveln und Entdecken der Spielwelt gedacht sind. Aber auch die Nebenmissionen belohnen uns immer wieder mit zusätzlichen Infos und kleineren Storyschnipseln, welche am Ende ein großes Ganzes ergeben.

Storyseitig fällt Fallout 4 aber doch etwas wirr aus und so bleibt am Ende vor allem die weitläufige, schön gestaltete Spielwelt der Star dieses Abenteuers. Speziell der gekonnte Mix aus schwarzem Humor und brachialer und äußerst brutaler Endzeit-Action ist es aber, der Fallout 4 und die gesamte Fallout-Reihe zu etwas Besonderem macht.

Dialogsystem mit Pfiff

Auch das aus früheren Fallout-Teilen bekannte Dialogsystem hat es ins Spiel geschafft. Dieses Dialogsystem ermöglicht es uns oft die Gespräche in gewisse Richtungen zu lenken. Im Optimalfall natürlich zu unseren Gunsten. So können teilweise sogar ganze Kämpfe vermieden und die Quests auf verschiedene Art und Weise abgeschlossen werden. Ein Rollenspiel, wie man es sich vorstellt.

Die Skills, die uns zu einem positiven Ausgang eines Gesprächs verhelfen, wollen aber natürlich per Skillbaum erlernt werden. Sollte man während seiner Reise allerdings mehr Wert auf körperliche Skills wie Waffenbeherrschung oder Ausdauer legen, zieht man dafür während der zahlreichen Gespräche mit den NPCs den Kürzeren und kann somit oft weniger Einfluss auf einen positiven Ausgang des Gesprächs nehmen. Ein ausgeglichenes Skillset ist also das A und O um im Ödland zu überleben und sich das digitale Leben etwas einfacher zu machen.

Auch auf Nintendos neuem Handheld hübsch anzusehen

Die Optik von Fallout 4 mag nach heutigen Verhältnissen zwar etwas angestaubt wirken, kann sich aber auf jeden Fall immer noch sehen lassen. Gerade die weitläufigen Steppen im Ödland können wirklich begeistern und mit einer beeindruckenden Weitsicht glänzen.

Fallout 4 ist, anders als es noch bei Fallout 3 und New Vegas der Fall war, nun in einem eher comicartigen Look gehalten. Vielen Fans mag dieser Look nach wie vor etwas suspekt vorkommen, für mich war diese Designentscheidung allerdings die absolut richtige. Denn auch wenn der Titel mittlerweile mehr als zehn Jahre auf dem Buckel hat, ist Fallout 4 nach wie vor sehr ansehnlich und wirklich weit entfernt von einem optischen Fiasko.

Die Switch-2-Portierung bietet neben einem 30-Frames-Modus mit höherer Auflösung und schärferen Texturen auch einen 60-Frames-Modus, der die Auflösung etwas verringert und das ganze Bild etwas unschärfer wirken lässt. Dafür lief der Titel während unserer Testphase jedoch fast immer mit butterweichen 60 FPS über den Bildschirm. Sowohl im Handheld- als auch im Docked-Modus konnte uns die Portierung des Endzeit-Rollenspiels überzeugen. Spieler, die über ein 120-Hz-Display verfügen, können sogar in einen 40-FPS-Modus schalten. Dieser soll eine optimale Balance aus Grafik und Geschwindigkeit bieten.

Speziell im Handheld-Modus fällt die etwas verringerte Bildqualität im 60-FPS-Modus jedoch kaum auf und daher wäre dieser Modus, zumindest für mich, stets die einzige Option die Portierung von Fallout 4 auf der Switch 2 zu genießen.

Kult-Soundtrack sorgt für einmalige Atmosphäre

Was Fallout 4 und auch die gesamte Fallout-Reihe zu etwas Besonderem macht, ist der fantastische Soundtrack, den die Titel aus dem Hause Bethesda bieten. Mit Hilfe des Pip-Boy an unserem Arm haben wir ganz Fallout-typisch stets die Möglichkeit, die eintönigen Klangteppiche, die wir ansonsten auf die Ohren geschmettert bekommen, mit einem fetzigen Soundtrack, der an die Zeit der 30er- und 50er-Jahre erinnert, zu ersetzen. Das Radiosignal legt sich bei Aktivierung quasi über den eigentlichen „Soundtrack“ des Spiels und wertet das Spielgefühl damit ungemein auf. Auf Wunsch können die Radiosender aber natürlich auch jederzeit wieder deaktiviert werden.

Natürlich können sich aber auch die Soundeffekte hören lassen. Die Waffen wirken wuchtig, die Gegner schluchzend und auch die Dialoge können sich hören lassen. Was will man als Fallout-Fan denn mehr?

Zurück ins Ödland – dieses Mal auch mobil

Bildmaterial: Fallout 4, Bethesda

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Titel	Honkai: Star Rail – Kein Aha bei Vollmond
	13. Februar 2026
	HoYoverse
	13. Februar 2026
	HoYoverse
	13. Februar 2026
	HoYoverse
System	PlayStation 5, Mobile, PC
Getestet für	PC
Entwickler	HoYoverse
Genres	RPG
Texte
Vertonung

Mit dem Update 4.0 hat Honkai: Star Rail eine neue Storyline begonnen. Nachdem die von uns mit hohen Erwartungen gefüllte Amphoreus-Saga mittlerweile (zufriedenstellend) endete, sind wir natürlich mega auf die neuen Charaktere, Gameplay-Mechaniken und vor allem Story auf Planarcadia gespannt! Nun ist der Patch in seinen letzten Zügen und wir wollen einmal schauen, ob sich der Live-Service-Titel nach einer kleinen Flaute wieder gefangen hat.

Auf nach Planarcadia

Nachdem das Universum dank dem Trailblazer und dessen Gefährten nur knapp der Zerstörung entkam, wird es Zeit für ein wenig Entspannung! Dies denkt zumindest die Crew des Astralexpresses, als man sich auf den Weg zu Himekos Heimatort Ahatopia macht. Wie der Name es schon sagt, ist dies ein Himmelskörper, auf welchem der Äon des Hochgefühls, Aha, eine große Rolle spielt. Die Phantasmond-Spiele beginnen bald und natürlich wird die Truppe des Astralexpresses direkt darin verwickelt – und könnte die Chance auf eine Audienz mit dem Äon Aha gewinnen.

Der Story-Auftakt des neuen Arc ist dabei deutlich entspannter, als er es auf Amphoreus war. Während man dort direkt in einen Krieg gezogen wurde und sofort die epischen Ausmaße der kommenden Patches sehen konnte, geht es in Planarcadia nun etwas unbeschwerter zu. Zumindest auf den ersten Blick. Die Welt ist bunt, es sind zahlreiche Memes versteckt oder offensichtlich platziert und der Plot um Sparxie und Sparkle ist chaotisch aber irgendwie spannend. Das passt zu Sparkle, welche ja bisher als ein Charakter des Chaos und der Intrigen bekannt war. Es hat aber auch seine ernsten Momente, vor allem wenn es um die Vergangenheit von Himeko geht, und das Ende hat mich laut „HÄ?“ rufen lassen.

Ich mochte den Story-Auftakt tatsächlich sehr und ich bin sehr gespannt, in welche Richtung es dieses Mal gehen wird. Auch toll: Zahlreiche alte Charaktere tauchen auf, da man nicht wie in Amphoreus ein eigenes Charakter-Ökosystem aufbaut und nun wieder mehr bekannte Figuren auftauchen. Dies war nun vor allem in dem Event zum neuen Minispiel Kosmikon-Kollektiv der Fall.

Darin trefft ihr auf Charaktere aus Belobog und müsst das neue Würfelspiel meistern. Darin wählt ihr eine Figurenkarte, wobei jede davon ihre eigenen Fähigkeiten mit sich bringt. Das Ziel ist das Abziehen aller Lebenspunkte eures Gegners. Nutzt die Effekte der Karten, verteidigt euch und habt auch ein wenig Glück – und schon ist der Sieg nah! Das neue Würfelspiel macht Spaß und kann auch gegen andere Trailblazer online gespielt werden. Auf der gesamten Map sind außerdem NPCs verteilt, welche auf eure Herausforderung warten.

Der neue Pfad des Hochgefühls

Mit der neuen Patch-Reihe gibt es auch einen neuen Charakter-Pfad, den die spielbaren Figuren bestreiten. Mit Sparxie und Yao Guang bringt HoYoverse direkt zwei neue Mitglieder des neuen Spielstiles. Dabei bleibt zu hoffen, dass bei der neuen Mechanik nicht wieder nur weibliche Charaktere dabei sein werden, so wie es beim Pfad des Gedenkens bereits war. (Dieser hat abseits vom männlichen Trailblazer keinerlei Männer als Charaktere erhalten. Schade!)

Das Hochgefühl bringt Aha selbst in den Kampf. Charaktere des Hochgefühl-Pfades können Lachpunkte generieren, welche dann Aha zur Aktionsleiste hinzufügen. Je mehr anwesende Charaktere davon, desto schneller wird Aha. Ist der Äon an der Reihe, werden gewisse Debuffs bei Hochgefühl-Charakteren entfernt und alle Figuren des Pfads greifen mit einer speziellen Attacke an. Je mehr Lachpunkte vorher gesammelt wurden, desto mehr Schaden machen die Angriffe. Außerdem erhalten die KämpferInnen alle zusätzliche Buffs.

Es ist also recht schnell klar: Bei diesem Pfad wollt ihr möglichst viele Charaktere davon im Team haben, um mehr Schaden in Zukunft anzurichten. Zwei davon gibt es bereits, der Trailblazer wird auch eine Form dafür erhalten. Dies ist aber ehrlich schon fast schade, da so das Team-Building in Honkai: Star Rail irgendwie fast schon redundant wird. Denn ein wenig wie beim Pfad des Gedenkens wird es wohl darauf hinauslaufen, dass die Hochgefühl-Figuren einfach alle Klassen irgendwie abdecken werden.

Da fragt man sich dann schon, wozu es überhaupt die Mechanik der Pfade gibt, welche anfänglich die Charaktere in verschiedene Rollen eingeteilt hatte. Außerdem muss ich sagen, ist der Aha-Angriff mega stark, aber visuell doch irgendwie ein wenig anstrengend und ich benötige auch nicht immer am Ende der Angriffsfolge eine Info darüber, wie viel Schaden ich gemacht habe.

Die neuen Charaktere im Detail

Mit Yao Guang hat Honkai: Star Rail den Auftakt im Patch 4.0 gemacht und bringt einen Mix aus Damage Dealer und Buff-Einheit. Sie kann die Feinde in den Status „Flüstern des Unheils“ bringen, womit diese mehr Schaden erhalten. Außerdem kann sie den Hochgefühl-Schaden des Teams erhöhen. Dieser erhöht sich, je mehr Lachpunkte vorhanden sind. Das klingt alles ein wenig wirr und ich habe auch ein wenig gebraucht, bis ich die Zusammenhänge wirklich verstanden habe. Letztendlich ist sie aber auch für Charaktere ohne Pfad des Hochgefühls ein guter Support, zum Beispiel in einem Archer-Team macht sie eine gute Figur.

Allerdings ist sie für Sparxie ein viel besserer Unterstützungs-Charakter. Bei der neuen Form von Sparkle handelt es sich um einen neuen Damage Dealer, welcher sich natürlich auf den neuen Hochgefühl-Schaden konzentriert. Sie wird außerdem stärker, je mehr Charaktere des Hochgefühl-Pfades im Team sind – was meine frühere Aussage bezüglich Team-Building unterstreicht. Ihre Animationen und Angriffe bauen stark auf dem ganzen Streamer-Setting von ihrem Charakter auf und sehen chaotisch und lustig aus. Sie ist ein Charakter, welcher viele SP verbraucht, weshalb ihre originale Version aktuell ein super Support für sie ist. Interessante Herangehensweise.

Beide Charaktere wirken auf jeden Fall bereits sehr stark und sind auch im noch recht frischen Währungskrieg-Modus vorhanden. Dort habe ich mit den beiden tatsächlich den bisher größten Erfolg gehabt und Sparxie macht unfassbar viel Schaden. Durch Aha greifen die beiden auch unfassbar viel an, was dann zu großen Schadenssummen führt. Ich bin gespannt, wie dies dann mit einem vollen Hochgefühl-Team aussieht – aber auch ein wenig skeptisch. Denn so richtig gefällt mir diese Fixierung auf einen einzigen Pfad nicht, auch wenn ich es aus der Sicht des Geldeinnehmens natürlich verstehen kann …

Spannender Auftakt mit coolen Charakteren

Bildmaterial: Honkai: Star Rail, miHoYo

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Titel	Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße
	13. November 2025
	Level-5
	13. November 2025
	Level-5
	13. November 2025
	Level 5
System	NSW/2, PS4/5, Xbox Series, PC
Getestet für	PS5
Entwickler	Level-5
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Mit Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße ist vor einiger Zeit der neueste Ableger der Reihe erschienen. Praktisch ein Revival bzw. Comeback der Reihe seit Teil 3 für den 3DS. Es ist gleichzeitig für Level-5 die Ausrichtung einer neuen Vermarktungsstrategie. Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße ist der erste Teil der Reihe, welcher nicht mehr exklusiv für Nintendos Plattformen (DS, 3DS, Wii) erscheint, sondern breit auf allen derzeitigen Konsolen und PCs verfügbar ist.

Ein Neuanfang, der gleichzeitig mit Details aus den vorherigen Spielen der Saga auch alteingesessene Fans zufriedenstellen soll, ohne Neulinge mit sperrigen Infos zu überfordern. Ob dieser Spagat funktioniert, könnt ihr bei uns nachlesen.

Zwischen Hass und Liebe für den Fußball

Unser Held der Geschichte ist Unmei Sasanami. Ein in seiner Kindheit begeisterter Fußballspieler, der den Sport lebt bis zu jenem schicksalhaften Tag, als er auf dem Spielfeld zusammenbricht. Die Ärzte verbieten ihm das Spiel. Ein kleiner Junge, der seine Liebe zum Fußball nicht mehr ausleben konnte. Er vergräbt sich, schiebt seine Fußballfreunde von sich und beginnt sein Schicksal zu verdammen.

Viele Jahre später betritt er nun den Grund und Boden seiner neuen Schule. Die Nagumohara Junior High ist eine Schule ohne Fußballclub. Vielleicht findet ihr endlich Ruhe vor dem Sport, der euch im Geist immer noch verfolgt und an dem ihr im Inneren noch so sehr hängt, obwohl ihr das nicht wahrhaben wollt.

Doch eure Leidenschaft holt euch wieder ein, als ihr ein Schlüsselereignis mit dem jungen Raufbold Joji erlebt. Es weckt in euch wieder die Leidenschaft, die ihr so lange begraben habt. Auch wenn ihr selbst nicht spielen könnt, so wollt ihr, dass andere Talente dies können.

Ihr beschließt an der Nagumohara einen Fußballclub zu gründen. Ein Unterfangen, dem sich die Schule entgegenstellt. So startet ihr in ein neues Abenteuer. Deckt die Geheimnisse um den Skandal des alten Fußballclubs auf um letztlich am Football Frontier teilzunehmen, dem Fußballjugendturnier, von dem ihr schon immer geträumt habt.

Eine wundervolle Geschichte

Level-5 weiß eine wunderschöne Geschichte rund um das Runde zu erzählen. Ihr beginnt dabei ganz von vorne mit der Gründung eures Clubs. Müsst dabei neue Spieler rekrutieren, diese trainieren und gleichzeitig die Vergangenheit des Fußballclubs der Nagumohara Junior High reinwaschen. Es vergehen also einige Stunden in der Storykampagne, bevor ihr überhaupt das erste richtige Spiel mit elf Spielern auf dem Feld bestreiten werdet. Das Pacing ist anfangs recht gemächlich, nimmt aber deutlich an Fahrt auf, je näher ihr dem Turnier kommt.

Wer zusätzlich über den Season-Pass verfügt, kann über die Hauptkampagne noch etwaige weitere Storystränge spielen, aber selbst ohne werdet ihr vermutlich einige Zeit brauchen, bis ihr die Hauptkampagne abgeschlossen habt. Selbst danach bietet euch Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße einen Umfang, der seinesgleichen sucht.

Auf zum Football Frontier

Bevor ihr allerdings überhaupt startet, baut ihr euch euren eigenen Spieler zusammen und wählt eure eigene Startmannschaft aus. Diese könnt ihr in den verschiedenen Modi nutzen und auch euer Avatar ist später in der Hauptgeschichte von Inazuma Eleven rekrutierbar. Doch was bietet euch Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße eigentlich alles an? Einiges.

In der Hauptkampagne spielt ihr die neueste Story des Franchise. Ihr gründet – wie erwähnt – euren Club und rekrutiert nach und nach Spieler für eure Mannschaft. Dabei ist der erste Part der Geschichte mehr wie eine kleine Detektivgeschichte aufgebaut. Ihr erlebt kleinere Miniquests und trainiert eure Mannschaft in Mini- und Testspielen, bis eure Attribute hoch genug sind um das nächste Hauptspiel zu bestreiten.

Fokuskämpfe und Drachenschuss

Anders als in regulären Fußballspielen liegt hier der Fokus etwas anders. Das merkt man schon an der eher taktischen Steuerung, bei der ihr mit Richtungspfeilen unterstützt werdet. Eure Figuren verfügen über übermenschliche Angriffs- und Verteidigungstechniken. Ihr könnt Keshins, eine Form von Avataren, und weitere im Spiel beschwören.

Darüber hinaus gibt es viele weitere Effekte wie Miximorph – zu viele, um diese alle hier zu erklären. Auch könnt ihr Taktiken einsetzen, die euch stärken oder die Gegner schwächen. Natürlich gibt es auch noch die regulären Regeln eines Fußballspiels, an die ihr euch halten müsst. Zu harte Aktionen werden mit Fouls und Karten, ein zu weiter Pass mit Abseits belohnt. Verschiedene Energieanzeigen säumen zusätzlich den Bildschirm.

Nach einem absolvierten Spiel verdienen eure Spieler Erfahrung und steigen im Level auf. Nicht nur eure Grundattribute können sich dabei erhöhen, nein, ihr könnt von Zeit zu Zeit auch neue Fähigkeiten erlernen. Jeder Spieler verfügt nämlich über einen eigenen Fähigkeitenbaum.

Fähigkeiten können hier erlernt, ausgetauscht oder verstärkt werden. Auch zwischen zwei Fähigkeitenrouten könnt ihr wählen – alles um eure Mannschaft zu stärken. Das gilt auf wie auch neben dem Platz. Neben euren elf Spielern plus Ersatzspielern könnt ihr auch einen Coach und weitere Manager benennen, die ebenfalls neue Fähigkeiten lernen können und das Team indirekt unterstützen.

Die Spiele innerhalb der Hauptkampagne setzen euch auch gerne mal mit gescripteten Events unter Druck, wie beispielsweise Toren, die ihr nicht verhindern könnt. Auch die Geschwindigkeit auf dem Spielfeld ist eher gemächlich. Das tut dem Spielvergnügen aber keinen Abbruch. Wahr ist aber auch, dass gerade Anfänger von der Vielfalt an Möglichkeiten geradezu erschlagen werden können.

Das Spiel nimmt euch zwar an die Hand und erklärt in wenigen Dialogen, wie etwas funktioniert, aber eine wirklich tiefe Erklärung für manche Funktionen fehlt dann doch. Es macht dennoch extrem viel Spaß die Geschichte von Unmei zu verfolgen. Die Mannschaft zusammenwachsen zu sehen, neue Techniken zu entdecken, zu verbessern und dem einen ersehnten Ziel, dem Sieg beim Football Frontier entgegenzufiebern. Neben der Hauptkampagne gibt es aber noch das ein oder andere zu entdecken.

Zurück in die Vergangenheit

So gibt es mit dem Chronikmodus eine Art weiteren „Storymodus“, mit dem ihr per Zeitreise die wichtigsten Ereignisse von Inazuma Eleven nachspielen könnt. In Anbetracht dessen, dass Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße als erster Titel des Franchise auch auf anderen Plattformen vertrieben wird, ist dies eine gute Idee gewesen um alte und neue Spieler auf ungefähr denselben Stand zu bringen. Das Ganze wird aber in einer eigenen Rahmenhandlung zusammengefasst und bietet gleichzeitig etwas Neues. Denn in der Zukunft ist die Welt ein Desaster und wird von unbekannten Bestien angegriffen.

Ihr reist mit der Figur Vic zurück in der Zeit und erlebt die Geschichte von Inazuma Eleven von Neuem, indem ihr wichtige Ereignisse nachspielt. Das Ganze findet auf einer isometrischen Karte statt, die wie ein Spielbrett aufgebaut ist. Auf den jeweiligen Feldern könnt ihr dann in Kurzfassung die Story nachspielen, zum einen mit der damaligen Mannschaft und zum anderen mit eurer eigenen Mannschaft um das nächste Feld freizuschalten.

Nach erfolgreich absolvierten Spielen bekommt ihr Belohnungen, die ihr durch Aktionen während des Spiels verdient habt. Im Chronikmodus können das neben etwaigen Items auch Geister sein. Geister sind Abbilder von Spielern aus den verschiedenen Mannschaften und Geschichten des Inazuma-Eleven-Franchise. Diese können beschworen und für eure Mannschaft rekrutiert werden.

Bindungen müssen aufgebaut werden

Neben dem Chronikmodus gibt es auch noch die Kizuna-Station. Ein Modus, in dem ihr eine kleine Stadt erbaut um eure Bindungen weiter zu stärken. Bindungen können einen Einfluss auf die Statuswerte der Spieler haben. Bis zu sieben Bindungen können zwischen Spielern hergestellt werden. Das Ganze spielt sich auf einer Pinnwand ab, mit Fäden zieht ihr Verbindungen zwischen den Spielern.

Fotos, auf denen die Spieler abgebildet werden und die von einer Linie gekreuzt werden, geben einen Bonus. Zusätzlich kann das Ganze mit Stickern noch ausgeschmückt werden. Die Kizuna-Station erweitert das quasi, indem ihr auf einem kleinen Areal Gebäude, Menschen und etwaige andere Objekte platziert. Ihr könnt auch die Städte anderer Mitspieler besuchen.

Online oder gegen die CPU

Natürlich gibt es auch den obligatorischen Wettkampfmodus. Hier könnt ihr offline weitere Matches gegen CPU-Gegner führen oder euch online mit anderen messen. Ranked-Spiele sind dabei das Frustrierendste, was einem Neuling passieren kann, der nur mal eben hineinschnuppern möchte. Das liegt daran, dass ihr auf Rang 0 trotzdem auf andere Rang-0-Spieler treffen könnt, die aber bereits ein viel höheres Teamlevel haben. Level-5 hat hier schon leicht reagiert und das Teamlevel auf maximal 50 beschränkt, dennoch können gerade solche Partien mehr als frustrierend sein, da euer Gegner nur mit euch spielt.

Ein wirkliches Matchmakingsystem gibt es hier nicht. Verbindungsabbrüche, ob mutwillig verursacht oder aufgrund eurer instabilen Leitung, werden recht hart sanktioniert. Ansonsten funktionieren die Spiele genauso wie die regulären CPU-Kämpfe, allerdings mit dem Unterschied, dass ihr auch in den Commandermodus wechseln könnt. Der Commandermodus ist eine Art Taktikmodus aus der Sicht des Trainers. Eure Figuren spielen nach den von euch vorgegebenen Rollen.

Zu guter Letzt gibt es noch die Battle Bay. Dies ist ein Modus mit vorgefertigten Teams aus der Geschichte des Inazuma-Eleven-Franchise. Mit diesen tretet ihr gegen mehrere Teams in Folge an. Der Modus lässt sich sowohl gegen eine CPU als auch online gegen andere Spieler bestreiten. Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße ist ein wahres Umfangmonster, in das ihr wahrlich viel Zeit investieren könnt um euer Team an die Spitze zu führen. Dabei bietet das Spiel nicht nur viele verschiedene Modi an, es sieht darüber hinaus auch recht schick aus.

Grafisch ein ordentlicher Sprung nach vorn

Die meisten Spiele des Franchise erschienen für Nintendo DS und 3DS. Abseits davon erschien noch die Strikers-Reihe für die Wii. Der Sprung in der Grafik war also demzufolge irgendwo erwartbar und Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße sieht im Vergleich zu seinen Vorgängern deutlich polierter aus. Die Sequenzen sind gewohnt von besonders hoher Qualität. Die Figuren-Designs sind in der Neuzeit angekommen und die grafischen Effekte wie die einzelnen Schuss- und Verteidigungstechniken sind wunderschön in Szene gesetzt.

Die Beschwörungen sind kleine Farbexplosionen auf dem sonst so grünen Spielfeld. Sicherlich ginge auch hier noch deutlich mehr gerade im Hinblick auf die Umgebung und Szenerie, welche etwas altbacken wirkt, aber das Hauptgeschehen findet eben auch auf dem Platz statt. Man sieht aber, dass es auch grafisch mit der Reihe ein ordentliches Stück nach vorne gegangen ist. Dazu gibt es wieder einen wunderschönen Soundtrack, der die Emotionen der Spiele und der Geschichte perfekt unterstreicht. Auch der ein oder andere Ohrwurm ist wieder mit dabei.

Unterm Strich

Bildmaterial: Inazuma Eleven: Victory Road, Level-5

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Titel	Maid Cafe on Electric Street
	26. Februar 2026 (Switch)
	Playism
	26. Februar 2026 (Switch)
	Playism
	26. Februar 2026 (Switch)
	Playism
System	Switch, Steam (nicht in Deutschland)
Getestet für	Switch
Entwickler	Adventurer’s Tavern
Genres	Adventure
Texte
Vertonung

Manchmal wählt man sich ein Spiel nur anhand des Titels aus. Als ich angefragt wurde, in Maid Cafe on Electric Street das „Fuwa Fuwa Cafe“ in „Nipponbashi, Osaka“ zu testen, war ich direkt dabei – besonders interessiert hat mich, ob der Pixel-Art-Stil, der mich immer wieder an die EGA-PC-Spiele der frühen 90er erinnert, überzeugen kann. Aber ein Maid-Café managen in einer stark an Nipponbashi angelehnten Stadt, in der es auch noch Nekos, Gachas, Arcades, Figuren und verschiedene Videogame-Stores gibt – was soll da schon schiefgehen?

Diese Frage beantwortet leider schon vor dem Test die Steam-Version des Spiels, welche in Deutschland nicht verfügbar ist. Hintergrund ist hier, dass in der Onsen-Szene die Kostüme der minderjährig wirkenden, gezeichneten Charaktere im Pixel-Art-Stil für die deutschen Gesetze etwas zu freizügig sind. Also testen wir hier die minimal angepasste Version des Spiels für die Nintendo Switch. Kurios: In Deutschland ist das Spiel aufgrund dieser Tatsache daher ein vollständiger Switch-Exklusivtitel!

Job ade, Geld aber auch

Das Spiel startet, indem wir als erste Aktion den virtuellen Job vor dem Computer mit einem äußerst unsympathischen Chef kündigen, nur um nach vielen Überstunden in einem heruntergewirtschafteten Maid-Café ohne Geld und Gäste einzuschlafen.

Geweckt werde ich von Shiro, die einzige Maid, die dem Café geblieben ist – der Manager ist seit Monaten im Ausland, die anderen Maids zur Konkurrenz abgewandert, das Inventar zum Teil kaputt und das Geld reicht nicht für weitere Angestellte. Und hiervon soll ich nach der Bitte von Shiro wirklich Manager werden? Nach viel Überzeugungsarbeit und dem Angebot einer voll ausgestatteten Wohnung über dem Maid-Café nehme ich den Posten als neuer Manager an.

Dafür, dass so viel Arbeit ansteht, legt das Spiel erst einmal sehr gemütlich los – und bleibt auch den Rest des Spiels überwiegend in diesem gemütlichen Tempo. Das Wichtigste ist die Kaffeemaschine, deren Bedienung und Rezepterweiterung sind das A und O. Nachdem Shiro eine Freundin davon überzeugen konnte, im Maid-Café mitzuhelfen, nimmt das Spiel langsam an Fahrt auf.

Der Management-Part bleibt aber zu simpel und ist vielleicht auch gerade deshalb etwas frustrierend. Nach etwa zwei In-Game-Wochen ist das Café ausgebaut und randvoll, aber im Café mit 20 Sitzplätzen können an einem guten Tag nur etwa zehn Bestellungen abgearbeitet werden, da die Küche nicht hinterherkommt.

Etwa zu dieser Zeit wird auch klar, dass wir es bei Maid Cafe on Electric Street mit einer storygetriebenen Visual Novel in einem ungewöhnlichen Format zu tun haben. Der Fokus wechselt zunehmend vom Aufbau des Maid-Cafés zu den zwischenmenschlichen Beziehungen, den Interaktionen zu den Maids, MitarbeiterInnen anderer Läden, den Geschenken, den wegweisenden Entscheidungen und den Nebenaufgaben.

Fokuswechsel

Der Charme der vertonten Story gehört zu den Stärken des Spiels. Mein persönlicher Favorit ist die charakterstarke Katze im virtuellen Wohnzimmer inklusive Balkon. Es werden zudem auch liebenswerte, verpeilte, geheimnisvolle und mysteriöse Charaktere aufgebaut, die sich um die Geheimnisse eines Schreins drehen, in dem es wegen unerfüllter Wünsche und Träume spukt. Die Story motiviert auch, das Spiel weiterzuspielen, das ansonsten an einigen Punkten die selbst geweckten Erwartungen enttäuscht.

Die Pixel-Art-Grafik hat zwar einen gewissen Charme, hält das Spiel aber auch an vielen Punkten zurück. Sie ist teilweise doch sehr grobpixelig und überdeckt die zum Teil liebevollen Animationen. Auch die Outfits der Maids wirken gegenüber aktuellen Designs in modernen Videospielen und auch den realen Outfits in Maid-Cafés grob und wenig verspielt.

Immer wieder erwische ich mich dabei, wie ich mir einen Umschalter wie in den „Monkey Island“-Remakes wünsche, damit ich auf Knopfdruck zwischen den klassischen Pixel-Designs und hoch detaillierten Grafiken hin- und herwechseln kann, um die Details zu bewundern – aber es gibt ihn leider nicht.

Knallig nur auf der OLED

Dazu kommen auch noch kleinere technische Schwächen. Auf der Switch OLED sieht das Spiel wirklich großartig aus und die knalligen Farben kommen top zur Geltung – die neonbeleuchteten Straßen bei Nacht und im Regen überzeugen. Auf der normalen Switch, der Switch 2 und am TV fehlt das jedoch, die Grafik bleibt hier zweckmäßig. Dabei hat die Switch 2 ein farbstarkes HDR-Display und auch am TV könnte man HDR aktivieren.

Nach kurzer Zeit fällt mir auch ein mysteriöses Ruckeln im Spiel auf, dessen Ursache auf den „dynamischen“ Side-Scrolling-Effekt zurückzuführen ist. Er wirkt nicht immer sauber und ein leichtes Ruckeln tritt nach längerer Spielzeit auf. Auf dem großen TV hat dieser Side-Scrolling-Effekt noch einen weiteren Nachteil: Da das Scrolling sich nicht an den großen Pixeln des Spiels, sondern an der vollen Auflösung orientiert, gibt es häufiger ein unruhiges Bild. Die Pixel müssen sich hier ständig neu ausrichten. Wer in der Stadt zur Seite läuft und plötzlich stehen bleibt, sieht, wie sich das Bild zwei Sekunden lang neu ordnet und Kanten anfangen zu „wabern“.

Auch an anderen Stellen fehlt mir persönlich der Polish eines hochwertigen 2D-Side-Scrolling-Spiels. Es muss ja nicht jeder Charakter ausgearbeitet und mit einer Persönlichkeit ausgestattet sein wie beispielsweise in einem Shantae, aber warum die farbenfrohen Charaktere mit auffälligen Animationen vor dem Laden die Nebencharaktere sind, während die beiden unauffälligen nebendran tatsächlich etwas verkaufen, ist aus Gamedesign-Sicht schwer nachzuvollziehen.

Haben die denn kein Leben?

Allgemein wirkt es oft so, als ob einige NPCs einfach nur da sind, um diese Art von Charakter auch im Spiel zu haben – denn eine Funktion abseits zwei nichtssagender Sätze scheinen sie nicht zu haben. Dafür stehen diese funktionslosen Charaktere wochenlang jeden Tag an der gleichen Stelle des Spiels und wiederholen die gleichen Sätze. Haben sie denn kein Leben?

Diese vielen kleinen Störfaktoren ziehen sich leider durchs gesamte Spiel und ziehen den positiven Eindruck der Geschichte mit besonderer Prämisse deutlich runter. Je mehr ich versuche, das Spiel zu mögen, desto mehr enttäuscht es. Vielleicht liegt es auch daran, dass es an vielen Stellen Erwartungen weckt, die es am Ende nicht halten kann.

Ein Spiel mit „Maid Café“ im Titel, dessen Maid-Café-Management-Part und Maid-Kostüme nicht überzeugen. Die Electric Street, die statt zu elektrisieren gelegentlich verwirrt und ihre Design-Stärken nur auf der Switch OLED ausspielt.

Ein moderner 2D-Side-Scrolling-Pixel-Art-Stil, der die Stärken des Stils nicht zu nutzen weiß und stattdessen wiederholt detaillierte HD-Zeichnungen wünschen lässt. Der Sammelaspekt an vielen Stellen des Spiels ist eine nette Idee – aber welchen Sinn hat das Sammeln abstrakter Dinge, außer virtuelles Geld auszugeben und diese gesammelten, detailarmen Dinge in einen ebenso detailarmen Schrank zu stellen und ein Achievement zu bekommen? Da helfen leider auch die zahlreichen Kollaborationen mit real existierenden Läden nicht mehr, deren Design man passend ins Spiel überträgt.

Eher ein Spiel für Visual-Novel-Fans

Bildmaterial: Maid Cafe on Electric Street, Playism, Adventurer’s Tavern

Der Beitrag Im Test! Maid Cafe on Electric Street – ein spezieller Switch-Exklusivtitel, der etwas zu viel verspricht erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake
	12. März 2026
	Koei Tecmo Ltd
	12. März 2026
	Koei Tecmo America
	12. März 2026
	Koei Tecmo Europe
System	PlayStation 5, Xbox Series, Nintendo Switch 2, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Team Ninja
Genres	Survival-Horror
Texte
Vertonung

Die Project-Zero-Reihe liegt mir seit dem ersten Teil am Herzen. Kein anderes Spiel des Horror-Genres kann mich so gut in ein kleines ängstliches Kind verwandeln wie diese Serie. Mittlerweile heißt es auch bei uns Fatal Frame und bringt mit Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake den zweiten Teil der Serie nun zum dritten Mal in neuer Form auf den Markt. Dabei behält es den Kern der Reihe und lässt die Unterhose schmutzig werden, bringt aber auch unnötige Neuerungen mit sich.

Auf in das wortwörtliche Geisterdorf

In Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake übernehmt ihr die Kontrolle über Mio, welche gemeinsam mit ihrer Schwester Mayu in einem Wald spaziert. Geplagt von Kindheitserinnerungen über einen Unfall ihrer Schwester bekommt Mio zu spät mit, dass ihre Schwester einem roten Schmetterling folgt. Plötzlich befinden sich die Zwillinge in einem verlassenen Dorf, welches dauerhaft in die Nacht gehüllt ist.

Dort wird schnell klar: Hier spukt es! Außerdem wirkt Mayu plötzlich wie besessen, spricht von einem Ritual und verschwindet in den Schatten des Dorfes. Dieses ist gefüllt mit Geistern und Nachtmahren, wobei Letztere euch regelmäßig angreifen. Hierbei handelt es sich um aggressive Geister. Eure einzige Methode zur Abwehr ist eine Kamera, welche die spektralen Angreifer exorzieren kann.

Die Story von Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake bleibt im Kern gleich zum Original. Doch es gibt dank neuen Nebenmissionen die Möglichkeit über die Verstorbenen des Dorfes mehr zu erfahren. Dies hilft dabei, neue Details zu lernen und lässt die Geschehnisse in Minakami noch grausamer erscheinen.

Und jetzt: „Cheese!“

Fatal Frame II ist ein Survival-Horror-Spiel, in dem ihr das Dorf nach und nach erkundet, euch gegen Geister wehrt und kleine Rätsel löst. Durch das Sammeln von Dokumenten lernt ihr über die Geschichte von Minakami und erfahrt nach und nach, was passiert ist. Kleine Jumpscares hier und da dürfen natürlich nicht fehlen. Ich bin für gewöhnlich kein Fan von billigen Schock-Momenten. Aber hier wurde selbst ich teilweise in bestimmten Momenten aus der Reserve gelockt und ein zierliches „HUCH“ entfleuchte meinen sonst so starken und maskulinen Lippen.

Dabei sind es oft die „normalen“ Geister, welche euch einen kurzen Schreck-Moment geben können. Diese können von euch mit der Camera Obscura fotografiert werden, um im Akten-Menü zusätzliche Informationen zu erhalten. Doch besonders viel zum Einsatz kommt die Kamera dann bei der Begegnung mit einem der gefährlichen Nachtmahre.

Das Hauptaugenmerk der Fatal-Frame-Reihe ist genau dieses Feature: die Kamera! Anders als in vergleichbaren Spielen seid ihr nur ein junges Mädchen, welches Fotos von Geistern knipst um sich zu wehren. Dies macht die Reihe aus und hilft beim „Hilflos“-Gefühl. In Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake wollte man aber diesen Aspekt revolutionieren und hat dabei völlig daneben gelangt.

Unnötige Neuerungen mit wenig Impact

Um einen Geist zu exorzieren, müsst ihr die Kamera anheben und den Sucher so platzieren, dass ihr ein ordentliches Bild knipsen könnt. Dabei gibt es Fokuspunkte, die zusätzlichen Schaden verursachen, wenn der Nachtmahr beim Fotografieren damit in Berührung kommt. Knipst ihr im Moment eines Angriffs, könnt ihr noch mehr Schaden verursachen: das namensgebende Fatal Frame! Richtig eingesetzt könnt ihr anschließend für kurze Zeit mehrere Fotos hintereinander machen und dem Geist so richtig zusetzen.

Bis hier hin ist alles wie gehabt. Doch mit den verschiedenen Filtern ersetzt das Remake die bisherigen Objektive und bietet euch das Äquivalent zwischen der Auswahl einer Pistole und einer Schrotflinte. Während der Standardfilter in allen Bereichen ausgeglichen ist, so hat der Strahlfilter eine kürzere Reichweite, aber macht mehr Schaden bei einem Foto. Ich muss aber zugeben, dass ich dennoch fast immer den Standardfilter verwendet habe – dieser wirkt auf Dauer für mich am besten.

Die Filter haben auch andere Funktionen: Seht die Spuren von Geistern, um ihnen folgen zu können, enthüllt bisher ungesehene Dinge oder exorziert verfluchte Gegenstände und Türen. Mithilfe von Spezialfotos könnt ihr außerdem Geister kurz erblinden lassen oder von euch wegstoßen. Diese benötigen Geisterkraft, was eine neue Ressource im Remake ist. Diese lädt sich außerhalb von Kämpfen von alleine auf, im Kampf durch Fotos. Allerdings verbraucht Mio diese Kraft auch beim Ausweichen oder Rennen im Kampf, Treffer von Geistern verbrauchen die Leiste ebenfalls und manchmal ziehen euch die Geister mit speziellen Angriffen die komplette Geisterkraft aus dem Körper.

„Ich liege hilflos auf dem Boden und ich entscheide mich, nicht aufzustehen!“

Ist eure Geisterkraft komplett leer, könnt ihr die Spezialfotos nicht einsetzen. In den Kämpfen war dies leider dann nahezu fast immer der Fall, weshalb ich die besonderen Fotos vor allem am Anfang kaum genutzt habe. Immerhin verbrauchen sie keinen Film – vor allem am Anfang eine rare Ressource. Diese gibt es in verschiedenen Versionen, mit unterschiedlichen Vor- und Nachteilen. Wenn ihr keine Kraft mehr habt, verliert ihr bei einem Angriff deutlich mehr Lebensenergie, könnt aber vor allem auch umgeschubst werden.

Dann liegt ihr auf dem Boden und Mio braucht verdammt lang, um wieder aufzustehen. Meist werfen sich die Geister dann auf euch, würgen euch und ihr müsst mit einem Foto schnell den Geist wieder von euch abschütteln. Das klappt auch, aber irgendwie nervt diese neue Mechanik mehr, als dass sie mich in Bedrängnis bringt oder mich fürchten lässt. Wirklich viele Vorteile für Spielende hat die Geisterkraft nicht und wirkt eher wie ein nicht komplett durchdachtes Konzept, um irgendwie die Kämpfe unnötig komplexer zu machen.

Doch im Vergleich zum „Wütend“-Modus der Nachtmahre ist die Geisterkraft eine geniale Innovation. Es kann passieren, dass ein Geist zufällig nach einem Angriff von euch wütend wird und in einen speziellen Zustand gerät. Dann leuchten sie rot, machen mehr Schaden und ihr könnt ihnen weniger Lebenspunkte abziehen. So weit, so gut. Aber sie heilen sich auch, und das nicht zu knapp! Um den Nachtmahr aus diesem Modus zu ziehen, müsst ihr ausreichend Schaden ausrichten.

Aber es kann auch passieren, dass er dann noch einmal wütend wird, sich wieder heilt und ein eigentlich kurzer Kampf gegen einen gewöhnlichen Geist sich dann sinnlos zieht und eure Ressourcen verschwendet. Schon nach kurzer Zeit war ich von dieser Mechanik einfach nur genervt. Vor allem dann, wenn man mehr als einen Nachtmahr vor sich hat und dann plötzlich beide der Meinung sind, nun wütend zu sein und sich zu heilen. Diese neue Funktion reißt mich als Spieler völlig aus der Gruselspannung heraus und frustriert unnötig. Schade.

Das Aufrüsten der Kamera

Gerade zu Beginn des Spieles erfüllt sich das Konzept „Hilflos mit einer Kamera“ noch komplett. Denn ohne Upgrades kann das Ding halt nicht viel – macht aber die erzürnten Feinde noch frustrierender. Im Original konntet ihr die Kamera mithilfe von gesammelten Geisterpunkten aufrüsten. Diese erhaltet ihr beim Fotografieren von Geistern. Nun könnt ihr Perlen einsammeln, welche die Kamera verstärken. Erhöht die Anzahl der Fokuspunkte, verstärkt die maximale Angriffskraft oder verbessert den automatischen Fokus der Kamera. Übrigens auch neu: Die Kamera muss sich erst auf einen Feind justieren, um möglichst viel Schaden zu machen. Zudem könnt ihr nun auch auf Knopfdruck an die Feinde heranzoomen.

Die Geisterpunkte könnt ihr weiterhin sammeln und an einem Speicherpunkt gegen Talismane, Heilitems oder Sticker für den Foto-Modus eintauschen. Die Talismane bieten euch unterschiedliche Boni wie mehr Schaden, eine höhere Geisterkrafterholung im Kampf oder mehr Heilung beim Händchenhalten mit Mio. Letzteres ist auch neu: Seid ihr mit eurer Zwillingsschwester unterwegs, könnt ihr auf Knopfdruck ihre Hand halten. Dies hilft dabei vor Nachtmahren zu entkommen oder sie besser zu platzieren. Denn auch sie kann angegriffen und getötet werden. Dann heißt es: Game Over!

Apropos: Es gibt Momente im Spiel, wo ihr wirklich machtlos seid und fliehen müsst, da ihr einen Geist nicht wegknipsen könnt. Hier hilft nur in Schränken oder im hohen Gras verstecken. Das kann aber durchaus zu kurzen Frustmomenten führen, da das Bild dann komplett schwarz-weiß wird und dadurch auch noch einmal deutlich dunkler. Rennt ihr durch ein unbekanntes Gebiet, wird es schwierig auf Anhieb ein Versteck zu finden. Werdet ihr erwischt, stirbt Mio direkt.

Die Ladezeiten sind leider unverständlich lang und man starrt dann gut zehn bis 15 Sekunden auf den schwarzen Bildschirm, bevor man die Flucht erneut angehen kann. Während diese Momente eigentlich ein Höhepunkt der Angst sein sollten, so kann das dann leider eher schnell frustrieren.

Eine dichte und gruselige Atmosphäre

Trotz der fragwürdigen Neuerungen schafft es Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake eine gruselige Spannung aufzubauen. Packt euch ordentliche Kopfhörer, dunkelt den Raum ab und ihr werdet die ganze Zeit ein mulmiges Gefühl im Magen haben. Das Sound-Design ist wirklich großartig gelungen. Da ein Knacken, dort ein Ächzen – eine Geräuschkulisse, welche euch nie so richtig sicher fühlen lässt. An einem Punkt hört man im Spiel in einem Raum gewaltiges Gepolter, um zu wissen, dass man da hin soll.

Wenn man da aber so vorbeiläuft, wird einem erst einmal schon mulmig, wenn man plötzlich die lauten Geräusche vernimmt. Auch die englische Sprachausgabe macht hier einen großartigen Job und vermittelt euch das Gefühl von leidenden Seelen, die Schreckliches erlebt haben. Ihr könnt aber auch die japanischen Stimmen auswählen, falls ihr es aufgrund des Schauplatzes „authentischer“ haben wollt.

Visuell ist das Remake auf jeden Fall auch gelungen. Das Dorf wirkt noch schmutziger, noch verfallener und irgendwie grusliger als zuvor. Lediglich die Geister sehen mir teilweise schon fast „zu gut“ aus und verlieren ein wenig diesen schmuddeligen, grusligen Charme, den sie im PS2-Original aufgrund der gröberen Grafik hatten. Das ist aber nun keine wirkliche Kritik, einfach eine Vorliebe meinerseits.

Was zum Glück dank eines Patches nun abgestellt werden kann, ist der körnige Filter, welcher die ganze Zeit auf dem Bildschirm ist. Dieser sorgt eigentlich nur für ein schlechteres Bild und soll wahrscheinlich den von mir angesprochenen gröberen Stil des Originales einfangen, ist aber so stark, dass er eher nervt und von der eigentlich tollen Optik des Remakes ablenkt. Generell musste ich die Helligkeit im Spiel ziemlich erhöhen, weil ich sonst teilweise einfach gar nichts gesehen hätte.

Ein gelungenes Remake mit nervigen Neuerungen

Im Großen und Ganzen hat mich Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake zum mittlerweile dritten Mal nach Minakami geworfen und trotzdem wieder gepackt. Die Atmosphäre zieht einen in den Bann, die Story ist klasse (und tragisch) und das Erkunden macht trotz ständigem Backtracking und erneutem Betreten bekannter Gebiete Spaß. Dank dem Filter, welcher euch ein wenig beim Navigieren unterstützt, und der Minimap ist das Umherirren nicht mehr so schlimm wie früher. Nur die Neuerungen im Kampf gegen Nachtmahre versauern den Gruselspaß ein wenig, da diese so in der Form nicht hätten sein müssen und mehr zu Frust führen als für Angst zu sorgen.

Bildmaterial: Fatal Frame II: Crimson Butterfly Remake, Koei Tecmo, Team Ninja

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Titel	Monster Hunter Stories 3: Twisted Reflection
	13. März 2026
	Capcom
	13. März 2026
	Capcom
	13. März 2026
	Capcom
System	Nintendo Switch 2, PlayStation 5, PC, Xbox Series X/S
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Capcom
Genres	RPG
Texte
Vertonung

Erst Jäger, dann Rider und nun Ranger. Das „Monster Hunter“-Franchise hat mich bereits in verschiedene Rollen geworfen. Nicht alle dieser Rollen resultierten mit einer positiven Resonanz. Einige hatten mehr gute Elemente, andere weniger. Bislang gab es für mich jedoch immer viele positive Ansätze in den bisherigen Stories-Teilen.

Dafür sorgten die charmanten Charaktere und die weitestgehend stressfreie Handlung, die mich immer bestens unterhielten. Warum mich das Spielen als Ranger in Monster Hunter Stories 3: Twisted Reflection besonders überzeugt hat und der erwachsenere Ansatz gut zum Spiel passt, verrate ich euch in den nächsten Zeilen.

Königliche Pflichten und Ranger

Ich bin Prinz (oder wahlweise Prinzessin) aus dem Königreich Azuria. Meine königliche Stellung kann ich zwar nicht ignorieren, doch ich konzentriere mich lieber auf mein Dasein als Ranger. Als Kapitän der Ranger-Gruppe beschütze und erforsche ich zeitgleich das Ökosystem der Monster, wobei ich Informationen zu den sogenannten Ei-Quarzen sammle. Dabei handelt es sich um eiförmige Kristallformationen, die Monster und Eier umschließen. Sie finden sich im ganzen Land, doch niemand weiß, woher sie stammen.

Die Ranger-Gruppe wurde ursprünglich von meiner Mutter, Königin Amara, mit dem Ziel gegründet, die natürlichen Lebensräume zu schützen und zu erhalten. Da sie jedoch vor einigen Jahren aus dem Königreich floh, liegt es nun an mir, ihre Aufgaben zu übernehmen und die Natur zu bewahren.

Grund für ihre Flucht war der Fund eines besonderen Monster-Eis. Aus diesem schlüpfte ein Rathalos, eine Monsterart, die wie viele andere in diesem Reich vom Aussterben bedroht ist. Doch dann geschah etwas Unvorhergesehenes. Ein weiteres Rathalos schlüpfte aus dem Ei.

Beide trugen das Mal der Himmelsschuppen, das unweigerlich an den schrecklichen Bürgerkrieg vor 200 Jahren erinnerte. Mit diesem dunklen Zeichen als Vorahnung beschloss mein Vater, der König, eines der beiden Rathalos hinrichten zu lassen. Bei diesem Versuch wurde er von meiner Mutter aufgehalten. Sie floh mit dem Rathalos und seitdem fehlt von den beiden jede Spur.

Nicht nur Rider, sondern Ranger

Zwar sind seitdem einige Jahre vergangen, dennoch frage ich mich bis heute, was mit ihr passiert ist und warum sie diese Strapazen auf sich genommen hat. Glücklicherweise fühle ich mich nicht allein. An meiner Seite befindet sich unter anderem Ratha, eines der beiden Himmelsschuppen-Rathalos. Er ist mein „Monstie“, mit dem ich eine besondere Bindung eingegangen bin. Zusammen untersuchen wir die Gebiete in Azuria. Diese besondere Beziehung und der Bindungsstein machen mich zu einem Rider.

Doch unser Ranger-Trupp besteht aus noch mehr Leuten: Da wären Simon, ein stets freundlicher Mann und mein engster Freund, Ogden, ein wandelndes Monsterlexikon, sowie Kora, die bereits als Gründungsmitglied meine Mutter unterstützt hat. Hinzu kommen Gaul, der stellvertretende Kommandant der Ranger, und Thea, ein energiegeladener Frischling mit einer besonderen Vorliebe für Poogies.

Nicht zu vergessen ist Rudy, ein königlicher Felyne, dessen Familie seit Generationen dem Königtum von Azuria dient. Er ist mein Palico-Partner und begleitet mich seit meiner Jugend. Dabei ist er nicht nur der königlichen Familie von Azuria gegenüber loyal, sondern steht mir in brenzligen Situationen ebenso als Freund zur Seite.

Was befindet sich hinter dem Meridian?

Am liebsten bin ich mit den anderen Rangern unterwegs und erforsche Gebiete nach Informationen zum Ei-Quarz und den Kristallisationen, welche die einheimischen Lebewesen und sogar große Monster in Kristalle verwandeln. Letztere sorgen dafür, dass aus normalen Monstern unbändige Monster werden, die besonders aggressiv in dem Land ihr Unwesen treiben. Allerdings verschlechtern sich in letzter Zeit die Beziehungen zu unserem Nachbarkönigreich Vermeil.

Dies führt zu einer eskalierten Auseinandersetzung, die uns dazu bringt, den Meridian zu überqueren und ins verbotene Land aufzubrechen. Eigentlich besteht ein jahrhundertealter Pakt mit den Wyverianern, der es unserem Königreich verbietet, diesen zu überqueren. Wir wissen jedoch so gut wie nichts über die Ereignisse in dieser Welt und die Beteiligung der Menschen daran.

Was genau hat es mit den Kristallisationen auf sich? Warum ist es uns untersagt, das verbotene Land zu betreten? Was hat das alles mit dem Sakrosanktum zu tun? Um die gesamte Wahrheit zu ergründen, müssen wir uns auf den Weg über den Meridian machen.

Auf in eine unbekannte Abenteuerreise!

Monster Hunter Stories 3 versprüht von Beginn an eine herzerwärmende Handlung, die gespickt ist mit klischeehaften Charakterzügen, leicht vorhersehbaren Handlungssträngen und mit Überraschungen besticht, die selbst der Hauptcharakter im Vorfeld logisch erahnt. Was sich nun eher negativ anhört, stört im Spiel allerdings so gut wie gar nicht. Der Grund dafür ist einfach: Die Kombination aus allem schafft eine Atmosphäre, die genügend Spannung und Handlungsstränge aufbaut, gleichzeitig aber nicht zu komplex wird, sodass man der Geschichte immer angenehm folgen kann.

Dabei werden die Themen nicht oberflächlich behandelt, sondern erhalten genügend Spielzeit für die Erklärung. Sei es die Entwicklung der persönlichen Charakterzüge des Hauptcharakters, der nicht nur mehr über die Welt, sondern auch über sein eigenes Weltverständnis lernt. Dabei wird man als SpielerIn leicht in die Welt hineingezogen. Es wird unter anderem erklärt, was Ranger von klassischen Ridern unterscheidet, wie eine Bindung zu einem Monstie aufgebaut wird und warum es wichtig ist, das Ökosystem zu schützen.

Gleichzeitig präsentiert sich die Geschichte von ihrer schönsten Seite und die Handlungsstränge werden in nachvollziehbarer Reihenfolge aufgebaut. Nach und nach werden die wesentlichen Punkte erforscht und die Geheimnisse gelüftet. So erfährt man beispielsweise schnell, dass das verbotene Land gar nicht so unbewohnt ist, wie die Charaktere glauben, warum es den Pakt gibt und der Meridian nicht überquert werden darf. Je tiefer ich in die Spielwelt eintauchte, desto besser gefiel mir die Handlung und ich wollte, wie der Hauptcharakter, mehr über die Welt und die einzelnen Personen erfahren.

Das Spiel kommt jedoch nicht ohne einige genretypische Klischees aus. Wer der Handlung aufmerksam folgt, erkennt einige Muster und kann daraus mehr oder weniger auf zukünftige Handlungsstränge schließen. Dadurch wird das Spiel keineswegs schlechter, sondern hält immer noch einige schöne Überraschungen parat, die es in emotionalen und mitreißenden Zwischensequenzen präsentiert. Während meiner über 40-stündigen Spielzeit habe ich mich so gut wie nie gelangweilt.

Nicht allein unterwegs

Neben der Beziehung zwischen dem Hauptcharakter und seinem Ratha steht insbesondere die Gruppendynamik innerhalb der Ranger-Gruppe im Mittelpunkt. Diese wird in der Haupthandlung anhand verschiedener Unterhaltungen und Zwischensequenzen anschaulich in Szene gesetzt. Dabei spielt der Umstand, dass der Hauptcharakter der Prinz (oder die Prinzessin) ist, eine Rolle. Die anderen Gruppenmitglieder machen sich oft Sorgen, wenn dieser sich waghalsig ins Abenteuer stürzt. Eine richtige zwischenmenschliche Beziehung entwickelt sich eher in den Nebengeschichten.

Letztere sind zusätzliche Handlungen, die sich um den Hauptcharakter und seine Rangergefährten und -gefährtinnen drehen. In diesen Geschichten stehen die Gefährten des Protagonisten im Vordergrund, sodass diese besser kennengelernt werden können. Dadurch baut sich als SpielerIn eine bessere Beziehung zu den Figuren auf und man versteht nicht nur, warum sie sich den Rangern angeschlossen haben, sondern auch ihre persönlichen Motivationen und ihre Vergangenheit. Auf diese Weise erhalten die Charaktere eine tiefere Bedeutung und wirken nicht nur wie bloße Nebencharaktere. Zusätzlich lassen sich damit weitere Belohnungen und Fähigkeiten für die Ranger freischalten.

Eine etwas besondere Stellung haben Rudy und Eleanor. Beide werden im Verlauf der Handlung ausgiebiger dargestellt. Bei Eleanor liegt es daran, dass sie aus Vermeil stammt und sich eigentlich für den Frieden der beiden Königreiche einsetzen möchte. Als die Spannungen zwischen den Königreichen jedoch eskalieren, entscheidet sie sich, den Rangern auf ihrer Reise zum Meridian zu folgen, um wie der Hauptcharakter mehr über die Geschichte des Landes in Erfahrung zu bringen.

Gerade während der fortlaufenden Geschichte wächst die Beziehung zwischen Rudy und dem Hauptcharakter immer weiter. Der königliche Palico-Partner ist dem Königreich treu ergeben und steht daher dem Prinzen bzw. der Prinzessin treu zur Seite. Durch die ans Licht kommenden Geheimnisse wird dessen Welt jedoch etwas auf den Kopf gestellt. Infolgedessen wird die Beziehung zwischen Rudy und dem Hauptcharakter noch enger, was für herzerwärmende Momente im Spiel sorgt.

Klassisch rundenbasiert

Im Gegensatz zur Hauptreihe konzentriert sich Monster Hunter Stories nicht nur auf eine Geschichte, sondern bietet zudem ein rundenbasiertes Kampfsystem. Neben dem bekannten Schere-Stein-Papier-Prinzip – Geschwindigkeit schlägt Kraft, Kraft schlägt Technik und Technik schlägt Geschwindigkeit – gibt es weitere Elemente, auf die geachtet werden sollte. Letzteres ist wörtlich zu nehmen. So können Wasser-, Feuer- oder Donnerangriffe als weiteres Element für zusätzlichen Schaden sorgen.

Gleiches gilt für die richtige Waffe mit unterschiedlichen Fähigkeiten. Je nachdem, ob ihr mit Schnitt-, Schlag- oder Stichwaffen angreift, könnt ihr einzelne Monsterteile brechen und das Monster sogar umwerfen. Zur besseren Veranschaulichung wurde in Twisted Reflection der Wyvernseelen-Balken eingeführt.

Dieser steht für den Kampfgeist eines Monsters. Sinkt der Balken auf null, gerät das Monster ins Taumeln. Taumelnde Monster verlieren ihren Wyvernseelen-Vorrat und gehen in einen ermüdeten Zustand über. Das macht es nicht nur leichter, ihren Angriffen auszuweichen, sondern ist der Balken vollständig aufgebraucht, wird das Monster umgeworfen.

Einmal umgeworfen, geht es zu viert mit einem Synchronansturm auf das Monster. Dabei wird nicht nur enormer Schaden verursacht, sondern der Angriff füllt ebenfalls die Bindungsanzeige schnell auf. Ist diese aufgefüllt – was auch bei normalen Angriffen und Fähigkeiten passiert –, kann eine mächtige Bindungsfähigkeit entfesselt werden. Das sind spezielle Fähigkeiten, die immer wieder für ein kleines Highlight während des Kampfes sorgen, denn jedes Monstie besitzt eine individuelle Bindungsfähigkeit.

Explosive Angriffe

Diese Animationen sehen nicht nur spektakulär aus und wirken etwas übertrieben, sondern richten außerdem sehr viel Schaden an. So führt beispielsweise Ratha mächtige Feuerangriffe aus und stürzt mit Überschallgeschwindigkeit vom Himmel auf das gegnerische Monster. Beim Pukei-Pukei entsteht eine gewaltige Giftwelle, auf die ein Giftregen folgt. Beim Brachydios gibt es erneut eine gut inszenierte Rückblende mit Trainingsmontage.

Man könnte glatt meinen, bei einem solchen Angriff würde ein komplettes Gebiet zerstört werden. Erst recht, wenn die doppelte Bindungsfähigkeit eingesetzt wird. Diese sind noch pompöser und enden in der Regel in einer gewaltigen Explosion. Allerdings wirken die doppelt ausgeführten Bindungsfähigkeiten nach einiger Zeit etwas eintönig, da diese immer in einer gewaltigen Explosion enden.

Weniger eintönig sind die anderen Ranger, die einen begleiten. Sie lassen sich im Menü ganz einfach als MitstreiterIn auswählen, sodass man beispielsweise mit Eleanor und ihrem Anjanath, Thea und ihrem Tobi-Kadachi oder Ogden und seinem Pukei-Pukei unterwegs sein kann. Das macht die Erkundung etwas abwechslungsreicher, wenngleich es keinen direkten Einfluss auf die Umgebung hat.

Unbändige Gefahren

Abwechslungsreicher werden damit dagegen die Kämpfe zwischen den wilden Monstern gemacht. Je nach Waffe und Monster des Partners oder der Partnerin können diese mal mehr und mal weniger im Kampf unterstützen. Sie greifen die Monster und deren Teile an oder heilen den eigenen Charakter. In den Einstellungen lässt sich ebenfalls festlegen, wie sie sich im Kampf am besten verhalten sollen. Das ist insoweit hilfreich, da die meisten Monster im Laufe des Kampfes ihr Angriffsmuster ändern.

Dadurch verändern sich ihr Verhalten und ihre Angriffstypen. Manche Monster erhalten dadurch sogar stärkere Fertigkeiten. Das macht die Kämpfe variantenreicher, weshalb man immer eine passende Gegenstrategie haben sollte. Gleiches gilt für die unbändigen Monster, die neu in der Reihe erscheinen. Diese mysteriösen, mit Kristallen übersäten Monster verfügen nicht nur über die gewöhnlichen Angriffsmuster normaler Monster, sondern sind durch die Kristallisation ebenfalls besonders aggressiv.

So ist die grüne Hautfarbe eines unbändigen Chatacabra beispielsweise nicht nur ein wenig heller, sondern das Monster kann plötzlich Donner-Angriffe schleudern. Zwar lassen sich die mit sogenannten Seuchensteinen übersäten Körperteile angreifen. Darauf folgt jedoch prompt ein Abwehrmechanismus und das Monster kontert mit einem Angriff oder einer Statusveränderung. Damit ist nicht zu spaßen. Das sorgt nicht nur für eine größere Herausforderung, sondern lässt einen auch mal die eigene Strategie überdenken.

Invasiv und bedroht

Apropos Strategie. Noch wichtiger ist diese bei den Kämpfen gegen invasive Monster. Diese mächtigen Monster übernehmen die Behausungen bedrohter Monsterarten. Invasive Monster tummeln sich nur nachts in den Gebieten. Neben den generell größeren Herausforderungen in der Nacht, in der die Monster stärker werden und ungewöhnliche Erscheinungen auftreten, sollten sie bekämpft werden. So gelangt man in die Monsterbauten, in denen sich die Eier bedrohter Arten befinden und kann diese in die Wildnis zurückführen.

Da es zu den Aufgaben der Ranger gehört, das bedrohte Ökosystem zu schützen, sollte sich diesen Monstern entgegengestellt werden, um die Gefahr für andere Monster zu senken. Allerdings gestaltet sich dies als durchaus anspruchsvolle Aufgabe. Da sie äußerst kräftig sind, können sie vorerst nicht besiegt werden, sondern müssen zum Rückzug gezwungen werden.

Dies gelingt nur, wenn die Rückzugsbedingungen des jeweiligen Monsters bekannt sind. Diese lassen sich durch die invasiven Monsterspuren in deren Revier aufdecken. Dabei unterscheiden sich die Rückzugsbedingungen der einzelnen Monster voneinander. Mal sind bestimmte Waffen- oder Monsterfähigkeiten erforderlich, ein anderes Mal muss ein bestimmtes Teil zerstört werden.

Das macht die Kämpfe zwar teilweise sehr kurz, führt aber zu einer guten taktischen Komponente. Gelegentlich fiel es mir jedoch schwer zu erkennen, was genau die Rückzugsbedingung ist, beispielsweise wenn ich die jeweilige Waffe noch nicht ausreichend genutzt hatte und entsprechend die Fähigkeit noch nicht kannte. Wer noch eine größere Herausforderung sucht, kann die Monster in ihrem Bau herausfordern.

Das Ökosystem wiederherstellen

Mit dem Ei eines bedrohten Monsters in den Händen machen wir uns anschließend auf den Weg ins Lager, um es auszubrüten und die jungen Monster wieder auszuwildern. Diese Habitat-Restauration ist es, die die Ranger von den klassischen Ridern unterscheidet. Damit soll die Population der Monster wiederhergestellt werden. Praktischerweise können so auch diese Monster eure Monstie-Partner werden. Übrigens kann die Habitat-Restauration nicht nur bei bedrohten Monsterarten durchgeführt werden.

Mit der Auswilderung der Monster steigt jeweils die Anzahl der Monster im Ökosystem und dessen Rang. So lassen sich Monsties mit anderen oder besseren Spezialfähigkeiten sowie Genen finden. Das geht sogar so weit, dass Monster mehr als ein Element in sich tragen können, je nachdem in welchem Bereich das Monster-Ei gefunden wird.

Jedes Gebiet ist in mehrere Bereiche unterteilt, die unterschiedliche Grundelemente aufweisen. Wenn der Ökosystem-Rang im jeweiligen Gebiet hoch genug ist und ihr euch auf die Suche nach neuen Eiern macht, findet ihr zwar die gewöhnlichen Eier, zum Beispiel die eines Tobi-Kadachi oder eines Anjanath, jedoch besitzen die Monster mehr als nur ihr ursprüngliches Element und haben eine andere Farbe beim Ausbrüten. So wird ein Tobi-Kadachi rötlich, wenn dessen Ei im Feuerbereich gefunden wird, und ein Anjanath grün, wenn es aus dem Blitz-Gebiet stammt. Da stellt sich doch die Frage, wie gut die Auswilderung wirklich für das Ökosystem ist.

Doppelte Elemente und besondere Gene

Zwar sind Doppel-Element-Monster im Kampf sehr praktisch, wenn sie mit den neuen Elementfähigkeiten geboren werden, jedoch lassen sich die Farben nicht ändern. Dadurch erhalten einige Monster ein etwas kurioseres Aussehen, was – wenn einem das Originaldesign gefällt – nicht immer von Vorteil sein kann. Glücklicherweise gibt es zu diesem Zweck erneut den Ritus der Überlieferung aus den vorherigen Teilen. Mit dieser Rider-Technik können die Gene von Monsties übertragen werden.

Im Gegensatz zu den vorherigen Teilen geht das Monster bei der Übertragung von Genen dieses Mal nicht mehr verloren. Auf diese Weise entstehen viele mögliche Genkombinationen und es lassen sich sehr starke Monster heranzüchten. Wenn ihr beispielsweise Gene der gleichen Farbe oder des gleichen Musters in einer Dreierreihe platziert, könnt ihr zusätzliche Boni für das Monster freischalten. Zusätzlich besitzen Monster ab einem bestimmten Rang Feld-Fähigkeiten, die mit den richtigen Genen aktiviert werden können und die bestimmte Angriffe verbessern oder erlittenen Schaden verringern können.

Zeit für Parcours

Wer den Kontakt mit Monstern in der Wildnis vermeiden möchte, sollte auf die gelben und roten Symbole über den Monstern achten. Sie vermitteln einen Eindruck von deren Stärke. Andere Monster, die man bereits besiegt hat und die ein niedrigeres Level aufweisen, können einfach per Nahkampf erlegt werden. Das macht das Erkunden deutlich angenehmer, da nicht gegen jedes Monster gekämpft werden muss, sondern es einfach beim Vorbeilaufen besiegt werden kann, wodurch anschließend Monsterteile für neue Ausrüstung und Erfahrungspunkte erlangt werden.

Eine nette Spielerei ist auch, dass Monster ihren Atem einsetzen können, sofern sie über diese Fähigkeit verfügen. Damit lassen sich große Sammelpunkte oder Mauern zerstören. All das vermittelt das Gefühl, auf einem kleinen Parcours unterwegs zu sein, auf dem mal ein Monster erlegt, mal ein Luftstrom zum Fliegen genutzt und mal durch Gewässer geschwommen wird. Praktischerweise lassen sich die Monsties, die einen begleiten, leicht und unkompliziert per Radialmenü wechseln. Dies sorgt für ein stets leichtfüßiges Spielgefühl beim Erkunden.

An manchen Stellen fehlte mir jedoch noch etwas der letzte Feinschliff, um die Landschaft noch mehr genießen zu können. Ein gutes Beispiel sind die freilebenden einheimischen Wesen, die es auch im Haupttitel gibt und die man dort einsammeln kann. Diese sieht man zwar auch in Stories, leider lassen sie sich dort hingegen nicht selbst einsammeln. Gäbe es ein ähnliches System in Stories, könnte sich das Erkunden noch belohnender anfühlen und ein noch tieferes Eintauchen in die Natur ermöglichen.

Immerhin findet man Informationen über einige einheimische Wesen sowie die Monster in der Monsterklopädie. Dort werden sie nicht nur wunderschön präsentiert, sondern ihr erfahrt auch als SpielerIn etwas über das Verhalten der Monster und darüber, wie ihr an die Unterarten in einem Habitat herankommt. So werdet ihr zu richtigen Rangern und lernt das Ökosystem zu verstehen.

Vielfältige und detailreiche Monsterarten

Da wir gerade beim Schlagwort „wunderschöne Präsentation“ sind: Monster Hunter Stories 3 präsentiert sich in den meisten Fällen von seiner Schokoladenseite. An jeder Ecke finden sich Details, welche die Gebiete lebendig wirken lassen. Dazu zählen die vielfältigen Monsterarten, die Anzahl an Monster, die in den Gebieten leben, die sammelbaren Gegenstände und auch der parcoursähnliche Aufbau der Gebiete. Während meiner vielen Spielstunden war ich immer gerne in den Gebieten unterwegs, um auch den letzten Winkel zu erkunden und jedes Geheimnis zu lüften.

Dabei scheint sich Capcom einige Kritik aus den beiden vorherigen Teilen zu Herzen genommen zu haben. Die Welt wirkt nicht mehr so leer, sondern deutlich lebendiger. Das liegt unter anderem an den besagten vielfältigen Monsterarten. Neben klassischen Monstern wie Rathian oder Velocidrome haben es auch Monster aus jüngeren Spielen wie „Sunbreak” und „Wilds” in die natürlichen Lebensräume geschafft. Fans dürfen sich etwa auf Magnamalo, Ajarakan und Malzeno freuen. Generell gibt es eine gute Mischung der unterschiedlichen Arten, sodass es mir manchmal schwerfiel, nur sechs Monster für mein Team auszuwählen.

Selbst die Monsterbauten sind nicht mehr so eintönig. Zwar sind diese in den jeweiligen Gebieten immer gleich aufgebaut, jedoch wirken sie im Vergleich zu früher lebendiger, da es viel mehr Details zu sehen gibt und nicht nur einen farblichen Einheitsbrei. Manchmal lassen sich sogar Monsterbauten mit zwei Nestern finden, was wiederum das Heranzüchten bestimmter Monster beschleunigt. Gleiches gilt für die Höhlen, die durch eine entsprechende Lichtstimmung aufgewertet werden und nicht mehr nur trübe, braunfarbige Höhlen sind.

Ghibli-eske Figurenmodelle

Ganz ohne Probleme kommt das Spiel jedoch nicht aus. So werden die Bodentexturen des Öfteren nachgeladen, wenn sich das Gebiet oder der Ort ändert. Verlässt man beispielsweise das Lager, sieht man für einen Augenblick, wie sich die Bodentexturen erst kurz aufbauen müssen. Das ist leider auch bei den ansonsten sehr sehenswerten Zwischensequenzen zu sehen.

Es wirkt dann manchmal so, als würde man ein YouTube-Video anschauen, bei dem die HD-Qualität des Bodens noch buffern muss. Auch die große Weitsicht lässt an der einen oder anderen Stelle Monster pixeliger wirken. Letzteres fällt jedoch nicht so stark ins Gewicht, da Personen oder große Objekte in der realen Welt aus weiter Entfernung schließlich genauso schwer erkennbar sind.

Die Charaktere und Monsties hingegen haben diese Problematik nie, selbst in den Zwischensequenzen nicht. Sie sind immer gestochen scharf und detailliert. Diese Ghibli-esken Figurenmodelle sehen einfach sehr eindrucksvoll und detailreich aus. Gleichzeitig hat das Spiel für mich einen zeitlosen Cel-Shading-Look, der die Umgebungen stilvoll präsentiert. Während des Spielens sind mir zudem keine technischen Probleme untergekommen. Selbst in größeren Gebieten oder Städten lief das Spiel flüssig.

Emotionaler Ton

Neben dem eindrucksvollen grafischen Eindruck verfügt das Spiel über eine ebenso gute Synchronisation. Diese gibt es zwar leider nur auf Englisch und Japanisch, jedoch ist sie gut gelungen und unterstreicht die Zwischensequenzen noch einmal auf emotionaler Ebene. Nun hat sogar der Hauptcharakter eine Stimme erhalten. Das verleiht ihm eine persönlichere Ebene, wenn die Figur sich zum Beispiel mit den Rangern unterhält oder inbrünstig nach Ratha ruft.

Auch musikalisch kann sich das Spiel wieder hören lassen. Die allgemeine Grundstimmung wirkt erneut sehr freundlich und entspannt, während man die Gebiete erkundet. Gleichzeitig unterstützt ein orchestraler Soundtrack die Zwischensequenzen in den passenden emotionalen Momenten, wodurch man noch tiefer in die Welt hineingezogen wird.

Auf ins herzerwärmende Abenteuer!

Bildmaterial: Monster Hunter Stories 3: Twisted Reflection, Capcom

Der Beitrag Im Test! Monster Hunter Stories 3 bietet viele Stunden Spaß und einen fesselnden Gameplay-Loop erschien zuerst auf JPGAMES.DE.