Titel	Xenoblade Chronicles 2
	30. Juli 2026
	Nintendo
	30. Juli 2026
	Nintendo
	30. Juli 2026
	Nintendo
System	Switch 2
Getestet für	Switch 2
Versionsnummer	3.00
Entwickler	Monolith Soft
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Xenoblade Chronicles 2 – Nintendo Switch 2 Edition ist eine der meisterwarteten Switch 2 Editionen. Es handelt sich dabei um quasi kostenpflichtige Upgrades alter Switch-Spiele mit mal kleineren, mal größeren „Quality of Life“- Verbesserungen und neuen Inhalten.

Mit der „Nintendo Switch 2 Edition“ von Xenoblade Chronicles 2 kündigen Nintendo und Monolithsoft einiges an Verbesserungen an, darunter einen 4K‑Modus mit 60 FPS am TV. Besonders stark sollen die Verbesserungen im Handheldmodus sein: 1080p bei 60 FPS sind mobil angesagt. Der Handheldmodus des 2017 auf der Nintendo Switch erschienenen Spiels war ein Kritikpunkt, da er notorisch schlecht lief.

Dichtere Atmosphäre

Xenoblade Chronicles 2 zeigt ziemlich direkt zu Anfang, wo sie Stärken der Nintendo Switch 2 Edition liegen: Die Feuer- und Raucheffekte des ersten großen Kampfes sind trotz ihres sichtbaren Alters hübsch in Szene gesetzt, auch die überarbeitete Beleuchtung hat durch die Blitzeffekte durchaus starke Momente im ersten epischen Kampf um die „Aegis“ Pyra. Die indirekten Kämpfe des kettenbasierten Kampfsystems wirken durch die 60 FPS auch etwas flüssiger und dynamischer – allerdings brechen sie in hektischen, effektreichen Situationen und aufwendigen Zwischensequenzen gerne mal ein.

Nach etwa zwei Stunden Spielzeit geht es weiter zur Stadt Gormott durch den dicht bewachsenen Dschungel mit atmosphärischen Schatten- und Nebeleffekten, üppiger Vegetation sowie äußerst simplen Lichtspiegelungen im Wasser. Es war der erste Bereich im Spiel, welcher die Switch sichtbar überforderte und die Framerate wiederholt unter 20 FPS zwang. Die Switch 2 Edition schlägt sich hier deutlich besser und liefert durch die höhere Auflösung und kleine Grafikverbesserungen mehr Details, welche die Atmosphäre noch einmal dichter wirken lassen.

Jedoch muss sie die Auflösung in manchen Gebieten des Spiels reduzieren, so auch in diesem. Die Bildskalierung macht ihre Arbeit zwar gut, dennoch gibt es in diesen Situationen sichtbare, ungewöhnliche Bildartefakte, die sich auch die Technik-Experten von Digitalfoundry nur schwer erklären können. Dazu ist in seltenen Fällen das Anti-Aliasing erneut etwas zu aggressiv und feine Details verschwimmen. Im Handheldmodus ist das kaum wahrzunehmen – auf dem 4K TV allerdings schon.

Wirkt fast schon „Retro“ – auch im Positiven

Ein positiver Aspekt sind die Ladezeiten. Xenoblade Chronicles 2 – Nintendo Switch 2 Edition lädt in Sekundenschnelle, wenn man es auf dem internen Speicher installiert. Fast schon beeindruckend für so eine riesige Spielwelt – und toll, dass man auch hieran gedacht hat bei der Optimierung.

Die Xenoblade-Reihe geht zwar gerne ihre eigenen Wege, bleibt aber in vielen Elementen sehr traditionell und legt in der Regel wenig Fokus auf Nebensächliches. Auch Xenoblade Chronicles 2 ist da keine Ausnahme. Dadurch kommt fast schon ein Retro-JRPG-Feeling auf – im positiven wie im negativen Sinne. So charmant es ist, dass die Gegner in Wänden hängen bleiben oder Begleiter enthusiastisch im vollen Lauf die Klippe hinunterspringen, so frustrierend ist es an anderer Stelle.

Spielmechanik-Frust wird leicht abgefedert

Die Schwächen des Spiels, die bereits vor neun Jahren schon angekreidet wurden, sind besonders für Neulinge unangenehm. Beispiel: Xenoblade Chronicles 2 ist in vielen Situationen schmerzhaft textlastig – Nebenmissionen, Tutorials, Erklärungen und selbst Questbelohnungen werden zum Teil unglaublich trocken in Textform präsentiert.

Dazu kommen die Animationen – sie wirken teilweise extrem steif. Das Gacha-System beim Ziehen der Klingen ist im Gegensatz zu modernen Gacha-Spielen pures Glücksspiel ohne jedes Auffangnetz für bereits investierte Ressourcen.

Hier hat man mit der zusätzlichen Klinge Momo, welche man bereits früh im Spiel findet, etwas Abhilfe geschaffen. Mit ihrem Licht-Dunkelheit-Typ lassen sich nun weitere Ketten abseits der bekannten Pyra / Dromarch Feuer-Wasser-Kette ab Kapitel 2 realisieren – auch ohne übermäßiges Glück beim Resonieren der Klingen. Dazu bekommt man in den neuen Söldnerkommando-Missionen weitere Kernkristalle – also weitere Pulls für Klingen.

Die Zufallselemente in der offenen Welt sind ebenfalls etwas altmodisch, aber auch hier hat man angesetzt: Wer zum Beispiel pflanzliche Zutaten sucht, pflückt sich nicht die ganze Pflanze am entsprechenden Ort, sondern tritt an einen leuchtenden Punkt und levelt die „Pflanzenkunde“ seiner Begleiter, um am Ende hoffentlich zufällig die richtigen Zutaten zu erhalten. In der Switch 2 Edition können jetzt auch Begleiter außerhalb des Teams ihre Fähigkeiten anwenden. Im Original wurden nur die Fähigkeiten der Teammitglieder berücksichtigt und es gab keine Möglichkeit, weitere Teams zu erstellen und dynamisch nach Bedarf zu wechseln, wie es heutzutage üblich ist. So war man häufiger damit beschäftigt, das Team umzustellen.

Neu sind die Söldnerkommando-Missionen, in welchen ihr die Kontrolle über die Klingen und ihre Fähigkeiten direkt übernehmen könnt. Im Grunde sind sie damit direkt steuerbare Söldnertruppe-Missionen, welche im Hintergrund automatisch ablaufen. In diesem Modus gilt es, Gegnerwellen zu besiegen und Ressourcen zu sammeln. Zur Belohnung gibt es Gold, Erfahrung, Kernkristalle und Bonus-Kostüme für Pyra und Myrtha.

Ein zeitloses Abenteuer

Glücklicherweise sind die Stärken von Xenoblade Chronicles 2 absolut zeitlos und wissen auch ein knappes Jahrzehnt später noch zu begeistern. Die mitreißende Story mit vielen interessanten Wendungen hat uns auch diesmal wieder gefesselt und die Zeit (und Hitze!) vergessen lassen. Auch die Nebenmissionen rund um Freundschaft, Nachbarschaftshilfe, Gutherzigkeit, Positivität und “Harmoniegespräche” wissen trotz der hölzernen Präsentation nach wie vor zu gefallen.

Der Soundtrack von Xenoblade Chronicles 2 gehörte seinerzeit mit zum Besten, was die Spielebranche zu bieten hatte, und ist auch heute noch top. Die Spielwelt ist ebenfalls großartig. Auch wenn das „Absperren“ von Gebieten durch überlevelte Gegner heute nicht mehr als gelungenes Gamedesign gilt, weiß die lebendige Spielwelt nach wie vor sehr zu gefallen.

Nahezu überall wuseln die Monster im Hintergrund, in den Städten des Spiels ist trotz des postapokalyptischen Settings immer etwas los und den farbstarken, fast schon malerischen Stil der riesigen, offenen Spielwelt bekommen bis heute nur wenige Spiele so auf den Punkt hin wie Xenoblade Chronicles 2. Dazu kommen nach wie vor stark geschriebene Charaktere mit auffälligen Charakterdesigns, welche seinerzeit wegen der übermäßigen Freizügigkeit kontrovers diskutiert wurden. Heutzutage passen sie wunderbar zu den anderen vielfältigen, auffälligen Asia-RPG-Charakteren.

Sinnvoll verbessert und überwiegend gut gealtert

Bildmaterial: Xenoblade Chronicles 2: Definitive Edition – Nintendo Switch 2 Edition, Nintendo, Monolith Soft

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Titel	Ace Combat 8: Wings of Theve
	2. Oktober 2026
	Bandai Namco
	2. Oktober 2026
	Bandai Namco
	2. Oktober 2026
	Bandai Namco
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	1.05
Entwickler	Bandai Namco Aces
Genres	Flug-Action
Texte
Vertonung

Mit der Ace-Combat-Reihe schaffte es der japanische Entwickler und Publisher Namco Mitte der 90er-Jahre, eine wahrhaft traditionsreiche Reihe im Gaming zu etablieren. Die Kampfflug-Simulation im Arcade-Stil schaffte es quasi aus dem Stand, das Flug-Genre zu revolutionieren.

Der erste Teil der Reihe trug damals allerdings noch den Titel „Air Combat“. Da der erste Teil auf dem gleichnamigen Arcade-Automaten aus dem Jahre 1993 basierte, entschied man sich bei Namco dafür den Titel beizubehalten. Erst ab dem zweiten Teil der Reihe erhielt die Reihe den Namen „Ace Combat“.

Dank des großen Erfolgs der Ace-Combat-Reihe sorgte man bei Namco natürlich für reichlich Nachschub in Form von etlichen Nachfolgern und Spin-offs für die unterschiedlichsten Plattformen. Sogar Handhelds wie Game Boy Advance oder Nintendo 3DS wurden hier bedient.

Der letzte Teil der Reihe war „Ace Combat 7: Skies Unknown“ aus dem Jahre 2019. Still war es allerdings nicht sonderlich lange um die Reihe. Denn schon im Jahre 2021 wurde bekanntgegeben, dass man sich bei Bandai Namco um einen Nachfolger zu Ace Combat 7: Skies Unknown kümmern möchte.

Offiziell angekündigt wurde der neueste Ableger der Reihe Ace Combat 8: Wings of Theve im Dezember des Jahres 2025 während der Game Awards. Ace Combat 8: Wings of Theve erscheint am 2. Oktober für PS5, Xbox Series und PC und in unserem ausführlichen Test erfahrt ihr nun, ob ihr euch auf das kommende Action-Flug-Spektakel aus dem Hause Bandai Namco freuen dürft.

Kriegerische Auseinandersetzungen und ein ruhmreicher Pilot

Ace Combat 8: Wings of Theve spielt im fiktiven Universum „Strangereal“. In dieser fiktiven Welt gibt es andere Nationen und auch eine andere Geografie als in der uns bekannten Welt. Die Handlung von Wings of Theve dreht sich um einen tragischen Konflikt, der im Jahre 2029 stattfindet. Ungefähr zehn Jahre nach dem sogenannten „Lighthouse War“, welcher im Vorgänger Ace Combat 7: Skies Unknown Thema war.

Der neu entfachte Konflikt wird nun auf dem Kontinent „Usea“ zwischen der Republik Sotoa und der Föderation von Zentral-Usea (FZU) ausgetragen. Sotoa startet diesen Konflikt als Blitzkrieg und erobert innerhalb kürzester Zeit das Land und legt demzufolge auch die militärischen Strukturen lahm. Auch die Marine gehört mit zu den geschwächten Einheiten. Diese verlagert den Kriegsschauplatz jedoch auf das offene Meer und setzt den Kampf auf den Ozeanen dieser Welt fort.

Hier kommen wir nun ins Spiel, denn als Waffensystemoffizier Jan „Rex“ Cope übernehmen wir als ruhmreicher Marine-Pilot das Steuer der unterschiedlichsten Kampfjets und sollen diesen Konflikt zu einem guten Ende bringen. Als Rex jedoch im Einsatz fällt, übernehmen wir als namenloser Charakter das Rufzeichen von Rex und sollen nun in dessen Fußstapfen treten.

Anschließend erhalten wir das Kommando über das Joker-Geschwader der FZU. Unsere Aufgabe ist es nun, das Geschwader heil durch diesen erbarmungslosen Krieg zu bekommen und diesen Konflikt zu einem guten Ende für die Föderation von Zentral-Usea zu bringen.

Pfeilschnelle Dogfights treffen auf umfassende Anpassungsmöglichkeiten

Das Hauptaugenmerk von Ace Combat 8: Wings of Theve stellen auf jeden Fall die ausufernden Luftkämpfe dar. Mit schier unglaublicher Geschwindigkeit jagen wir mit unserem Kampfjet durch die Lüfte, stets auf der Suche nach dem nächsten möglichen Ziel und dem hoffentlich damit einhergehenden erfolgreichen Abschuss.

Neben den unterschiedlichsten Flugmanövern haben wir natürlich auch ein weitreichendes Waffenarsenal im Gepäck beziehungsweise im Jet. Abseits der relativ gewöhnlichen Gatling-Gun können wir auch auf alle mögliche Arten von Boden- und Luftraketen zurückgreifen. Die Bewaffnung unterscheidet sich jedoch nicht nur in puncto Durchschlagskraft. Auch die Zielsuch-Möglichkeit ändert sich je nach gewählter Bewaffnung. Ebenso sollte man bei Missionen, in denen Bodenziele bombardiert werden sollen, auch entsprechend die Bewaffnung anpassen und umstellen, um für die jeweilige Mission optimal gerüstet zu sein.

Wir haben außerdem die Möglichkeit, unsere Flügelmänner entsprechend anzupassen. So obliegt es uns, auszuwählen, welches Fluggerät und welche Bewaffnung die einzelnen Flügelmänner in den jeweiligen Missionen nutzen sollen. Taktische Finesse spielt hier also durchaus eine Rolle und kann hin und wieder sogar der Schlüssel zu einem erfolgreichen Abschluss der Mission sein.

Anspruchsvolle Steuerung muss erst erlernt und gemeistert werden

Zu Beginn des Abenteuers gibt uns das Spiel die Möglichkeit, wahlweise die vereinfachte oder die anspruchsvolle Steuerungsmethode auszuwählen. Entscheiden wir uns für die einfachere Variante, spielt sich das Spiel sehr arcadelastig und fast schon etwas primitiv. Auch schnellere Manöver erfordern so kein großes Umdenken und man hat sein Kampfgefährt recht schnell und einfach da, wo man es haben möchte.

Bei der anspruchsvolleren Variante sieht das Ganze jedoch etwas anders aus. Denn hier will das Fluggefährt wirklich erst erlernt werden und gerade schnelle und hektische Manöver erfordern hier schon einen kühlen Kopf, um in den hektischen Momenten die richtigen Entscheidungen zu treffen. Speziell das Ausweichen im letzten Moment, wenn man gerade von einer gegnerischen Zielsuche erfasst wird, treibt einem regelmäßig den Schweiß auf die Stirn. Dennoch kann man getrost sagen, dass sich das Spielgefühl von Ace Combat 8: Wings of Theve enorm spaßig und belohnend anfühlt, besonders wenn man die Steuerung erst einmal verinnerlicht hat.

Etwas weniger Zwischensequenzen hätten dem Titel gutgetan

Ein großer Faktor, der mich am Spiel gestört hat, war die Tatsache, dass es einfach zu viele und vor allem zu lange Zwischensequenzen zwischen den Missionen gibt. Hier versuchen die Entwickler, eine Geschichte rund um die Charaktere des Geschwaders aufzubauen, die es, zumindest meiner Meinung nach, überhaupt nicht gebraucht hätte. Wenn ich eine ausufernde Story haben will, spiele ich schließlich kein Flugspiel.

Ständig hangelt man sich also von einer Sequenz zur nächsten und kann es eigentlich schon gar nicht mehr erwarten, endlich wieder im Cockpit des Jets zu sitzen und Gegner durch die Wolken zu jagen. Hier wurde also für meinen Geschmack etwas zu viel Aufwand in eine eigentlich nicht so wirklich benötigte Story gesteckt, die nach einiger Zeit eigentlich sogar eher lästig und aufgedrängt wirkt. Etwas vergebene Mühe, könnte man schon fast sagen.

Technischer Leckerbissen, der sauber und ordentlich umgesetzt wurde

Speziell die Optik von Ace Combat 8: Wings of Theve konnte mich auf ganzer Linie überzeugen. Wunderschön anzusehen und wirklich beeindruckend wirken die Himmelslandschaften, speziell bei malerischem Sonnenuntergang. Dank der leistungsstarken Unreal Engine 5 bekommen wir beeindruckende Lichteffekte auf die Augen geschmettert, welche die actiongeladenen Luftkämpfe geradezu erstrahlen lassen.

Aber auch in düsteren, verregneten Missionen kann die Optik glänzen und schaffte es regelmäßig, mich ins Staunen zu versetzen. Auch die wunderbar voluminös wirkenden Wolkenlandschaften sehen sehr realistisch aus und wirken teils schon fast fotorealistisch.

Die unzähligen Kampfjets mit ihren etlichen Details kommen ebenfalls gut zur Geltung und stehen ihren realen Gegenstücken in nichts nach. Gerade Genre-Fans dürfte hier regelmäßig das Herz aufgehen, denn die Entwickler haben sich wirklich größte Mühe bei der möglichst realitätsgetreuen Umsetzung der Kampfmaschinen gegeben.

Ace Combat 8: Wings of Theve lief während unserer Testphase zudem stets mit absolut flüssigen 60 Frames und geriet dabei auch zu keiner Zeit ins Stocken. Nicht mal während der hektischsten Missionen, in denen der Himmel geradezu explodiert, gerieten die Frames ins Stocken. Wirklich sauber umgesetzt und auf jeden Fall ein großes Lob wert.

Ordentlicher Soundtrack und umwerfende Effekte bestimmen das tonale Bild

Auch auf soundtechnischer Seite gibt es nichts zu bemängeln. Der recht eingängige und eher simpel gehaltene Soundtrack passt stets zum Spielgeschehen und auch die Synchronisation kann sich durchaus hören lassen. So richtig glänzen können aber vor allem die durchschlagenden und überzeugenden Soundeffekte. Jeder Jet klingt etwas anders und vor allem die kraftvollen Waffensysteme bringen die Gehörgänge erst so richtig in Schwung. Toll abgemischt und passend für einen Titel dieser Art.

Groß angelegter Online-Modus mit vielen Möglichkeiten

Eine große Besonderheit von Ace Combat 8: Wings of Theve ist der enthaltene Online-Mehrspielermodus. Dieser läuft strikt getrennt von der Hauptkampagne ab und verfügt über eigenen Fortschritt und eigene Speicherdaten.

Hier beginnt man das Abenteuer als Söldnerpilot auf einem Stützpunkt und erstellt sich zuerst einen Avatar, bevor es dann ins hektische Gefecht geht. Hier haben wir außerdem die Möglichkeit, weitere Flugmaschinen zu sammeln und nach und nach im Rang aufzusteigen. Der Stützpunkt dient außerdem als Hub für bis zu 100 Spieler.

Bei den Modi konzentrieren sich die Entwickler auf die beiden Modi „Koop-Angriff“ und „Koop-Kriegsführung“. Wo es sich beim Koop-Angriffs-Modus um einen eher klassischen 4-gegen-4-PVE-Modus handelt, geht es beim Koop-Kriegsführungs-Modus um das Bedrohungsstufen-System.

Hier haben wir die Möglichkeit, höhere Belohnungen bei höherer Bedrohungsstufe zu erhalten. In diesem Modus spielt auch die Art der jeweiligen Flugzeuge in einem Match eine große Rolle. Denn hier ist es extrem wichtig, wer die Rollen des Jägers, Angriffsflugzeugs, Mehrzweckjets oder der Flugmaschinen für die elektronische Kampfführung übernimmt und beherrscht. Denn nur wer perfekt zusammenarbeitet, kann am Ende siegreich aus den durchaus fordernden Herausforderungen gehen.

Weitere zeitlich begrenzte Missionen sorgen für noch mehr Langzeitspaß

Als wäre dieser ausufernde Online-Modus noch nicht spannend genug, haben sich die Entwickler außerdem dazu entschieden, im weiteren Spielverlauf sogenannte „Notfallmissionen“ einzubauen. Diese sind allerdings nur für begrenzte Zeit verfügbar. Notfall-Flugmissionen lassen eine Vierergruppe gegen eine Staffel bedrohlicher NPC-Luftstreitkräfte antreten, während Notfalleinsätze acht Piloten gegen die mächtigsten großen Gegner aus der Geschichte der Ace-Combat-Reihe antreten lassen. Für Langzeitmotivation ist also bestens gesorgt.

Die traditionsreiche Ace-Combat-Reihe ist zurück in der Luft

Bildmaterial: Ace Combat 8: Wings of Theve, Bandai Namco

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Da ich sehr gerne koche und einige Kochbücher besitze, war ich als ehemaliger Spieler des MMORPGs gespannt, was sich mir hier bieten würde. Eines ist auf jeden Fall gewiss: Das ist eines der abwechslungsreichsten Kochbücher, die ich habe.

Von japanischen, Ramen-ähnlichen Suppen über arabisches Baba Ghanoush und einer Variante von chinesischem Bao zi, bis hin zu sogar bayrischen Brezeln und österreichischem Einspänner, ist eine kunterbunte Auswahl an Gerichten aus aller realer und Fantasie-Welt dabei. Warum der Schlagobers (die Schlagsahne) aber mit Vanille kredenzt wird, ist mir als Wiener ein Rätsel. Das ist dann der „Fantasy“-Teil des Kochbuchs!

Die Gerichte sind dabei mehr oder minder klassisch aufgeteilt in Frühstück, Vorspeisen, Brote, Suppen & Eintöpfe, Hauptgerichte, Beilagen, Nachspeisen und schließlich Getränke. Die mehr als 70 Gerichte sind dabei relativ gleichmäßig auf alle Kategorien verteilt, auch wenn Freunde des Frühstücks und der Beilagen ein wenig den Kürzeren ziehen.

Da Geschmäcker wie bekannt verschieden sind, vor allem beim Essen und bei Getränken, verzichte ich auf jede Art von Bewertung, ob die Speisen gut schmecken oder nicht. Es sind Nahrungsmittel, man kann alles essen, und ob jemandem etwas schmeckt oder nicht, hängt von der Person ab. Was viel wichtiger für ein Kochbuch ist, ist aber die Verständlichkeit der Rezepte, ihr Schwierigkeitsgrad und die Anzahl und Art der Zutaten.

Aufgetischt ist

Eines muss man dem Kochbuch lassen: Die Rezepte sind sehr genau beschrieben. Ein Beispiel gleich aus dem ersten Rezept: Hier muss man zwei Brotscheiben von beiden Seiten goldbraun in Butter anbraten. Der ganze Prozess nimmt mehr als die Hälfte der elf Schritte eines Rezepts für einen Frühstückstoast ein. Es wird wirklich ausführlich beschrieben, inklusive des Anhebens der Brotscheiben mit einem Küchenspatel.

Wer schon einiges an Kocherfahrung gesammelt hat, wird darüber etwas schmunzeln müssen. Anfänger freuen sich eventuell über diese detaillierten Beschreibungen. Jedoch würde ich das Kochbuch keinem Anfänger empfehlen, da viele der Rezepte doch etwas involvierter sind und schon, meiner Meinung nach, etwas Kocherfahrung voraussetzen.

Zum Beispiel beschreibt ein Rezept für Kartoffelpuffer die Herstellung des dazugehörigen Apfelmus, anstatt dass es einfach als Beilage gekauft wird. Das erhöht natürlich den Aufwand und kann eventuell für totale Anfänger demotivierend wirken, im Sinne von „Wow, Kochen ist so viel Aufwand“.

Aus der Raritätenecke

Die Rezepte sind dabei, und das muss man dem Buch auch lassen, kreativ und teilweise fragt man sich, woher man die Zutaten bekommen soll. So verlangt ein Rezept Tintenfischtinte für ein Brot, das danach schwarz gefärbt ist. Ich habe meine lokalen Supermärkte durchforstet, aber finde das einfach nicht.

Leichter zu finden, aber ungewöhnlicher, ist zum Beispiel Amaretto. „Amaretto?“, fragt ihr euch vielleicht, „Das ist doch nicht ungewöhnlich!“ Stimmt, aber in einem Frühstücks-Müsli? Ich weiß nicht, wie es euch geht, aber meinen Alkohol konsumiere ich etwas später als 8:00 Uhr.

So rar wie manche Zutaten ist jedoch auch die Gestaltung des Kochbuchs. Die Gerichte sind nicht nur in schönen Fotos in Szene gesetzt, Bilder aus dem Spiel, Zeichnungen, sowie kurze Dialoge zwischen drei Charakteren, die auf kulinarischer Entdeckungsreise durch Aetheris sind, geben dem Kochbuch noch einmal einen besonderen Touch.

Spotz!

Als Fazit bleibt mir zu sagen, dass das Buch durchaus interessante Rezeptideen bietet, die auf Gerichten aus Final Fantasy XIV basieren, und es nicht unbedingt für Anfänger geeignet ist, es sei denn, diese wollen gar nicht kochen, sondern das Kochbuch nur als Sammlerobjekt besitzen. Die Rezepte sind kreativ und verlangen teilweise rare und viele Zutaten. Wenn ich eines an dem Kochbuch noch verbessern wollen würde, wäre es ein Band als Lesezeichen, wie das viele Kochbücher anbieten. Ihr findet das hier besprochene Kochbuch bei Amazon*.

Bildmaterial: Square Enix, Panini

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Titel	Silent Hill: Townfall
	24. September 2026
	Konami, Annapurna Interactive
	24. September 2026
	Konami, Annapurna Interactive
	24. September 2026
	Konami, Annapurna Interactive
System	PlayStation 5, PC
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	2.02
Entwickler	Screen Burn Interactive
Genres	Survival-Horror
Texte
Vertonung

Neben der allseits bekannten und extrem erfolgreichen Resident-Evil-Reihe gehört auch die Silent-Hill-Reihe aus dem Hause Konami zum festen Bestandteil des Survival-Horror-Genres im Gaming-Segment.

Ihren Ursprung hatte die mittlerweile recht umfangreiche Reihe bereits im Jahre 1999 auf der ersten PlayStation. Schon damals war klar, dass Silent Hill nicht einfach nur ein weiterer Horror-Titel auf Sonys Debüt-Konsole ist. Denn neben der extrem unheimlichen und beklemmenden Atmosphäre war es allen voran auch der fantastische Soundtrack des allseits bekannten japanischen Komponisten Akira Yamaoka, der dem Titel eine noch unheimlichere Atmosphäre verlieh. Eine Blaupause in Sachen Horror-Gaming, könnte man sagen, und absolut wegweisend für viele kommende Titel in diesem Genre.

Nach dem recht großen Erfolg des ersten Ablegers der Reihe, folgten daraufhin natürlich unzählige Fortsetzungen und Spin-offs für die unterschiedlichsten Plattformen. Mit dem zuletzt erschienenen Ableger „Silent Hill f“ schlug Konami erstmals neue Wege in Hinblick auf das Setting ein. Denn zum ersten Mal durften wir hier ein Silent-Hill-Abenteuer mit düsterem Japan-Setting genießen. Dass dies nicht jedem Silent-Hill-Fan unbedingt auf Anhieb gefiel, braucht man an dieser Stelle wohl nicht weiter zu erwähnen.

Mit dem kommenden Silent Hill: Townfall möchten uns die Entwickler von Screen Burn Interactive erneut in die düstere Welt von Silent Hill entführen. Den vielversprechenden Titel konnten wir bereits während der diesjährigen Gamescom ausgiebig Probe spielen und nun verraten wir euch in unserem ausführlichen Review, ob sich die Vorfreude auf das neueste Silent-Hill-Abenteuer gelohnt hat. Silent Hill: Townfall wird am 24. September für PlayStation 5 und PCs erscheinen.

Gedächtnisverlust und ein anscheinend verlassener Küstenort – ist alles so, wie es scheint?

Die Geschichte von Silent Hill: Townfall spielt im Jahre 1996. Wir übernehmen die Rolle des Simon Ordell. Dieser leidet an einer Art Gedächtnisverlust und findet sich eines Tages an der Küste des beschaulichen Hafenorts „St. Amelia“ in Schottland wieder.

Nach und nach müssen wir uns unseren Weg durch die extrem dicken Nebelschwaden bahnen und uns auf die Suche nach unserer Vergangenheit machen. Ist der Küstenort St. Amelia wirklich das, was er im ersten Moment zu sein scheint, oder verbirgt sich hinter diesem dunklen Ort vielleicht doch mehr?

Ein düsteres und extrem bedrückendes Abenteuer voller Gefahren und Überraschungen erwartet unseren noch unwissenden Helden und wir stecken mittendrin in diesem wahr gewordenen Albtraum. Typisch Silent Hill eben und ein Abenteuer, welches uns quasi im Sekundentakt die Haare zu Berge stehen lässt.

Spannendes Horror-Gameplay vom Feinsten

Gespielt wird Silent Hill: Townfall ausschließlich in der Ego-Perspektive. Eingefleischten Silent-Hill-Fans mag das im ersten Moment vielleicht etwas seltsam vorkommen, da die Reihe ja eigentlich schon immer in der Third-Person-Perspektive gespielt wurde. Eins kann man jedoch getrost sagen: Die Ego-Perspektive trägt hier ungemein zur Spannung und zum Mittendrin-Gefühl bei und sorgt so, zumindest für meinen Geschmack, für noch unheimlichere Momente.

Anders als bei den meisten anderen Ablegern der Reihe geht es bei Silent Hill: Townfall primär um das Vermeiden von Konfrontationen mit den Gegnern. Wir versuchen also stets, den Widersachern aus dem Weg zu gehen, statt rohe Waffengewalt anzuwenden. Der Einsatz einer Waffe ist also das allerletzte Mittel der Verteidigung, welches nur im absoluten Notfall genutzt werden sollte.

Um den zahlreichen Gegnern aus dem Weg zu gehen, haben wir beispielsweise die Möglichkeit, diese mit diversen Gegenständen, wie beispielsweise alten Flaschen oder Ziegelsteinen, abzulenken. Auch haben wir die Möglichkeit, uns in Gänge oder Flure hineinzulehnen, um so einen noch besseren Blick auf das, was vor uns liegt, zu erhaschen. Taktisches und überlegtes Vorgehen ist also das A und O, um heil aus der jeweiligen Situation zu kommen und die Konfrontation mit den düsteren Kreaturen zu vermeiden.

Rätsel gehören zur Silent-Hill-Reihe wie die Faust aufs Auge

Fast schon eine Tradition sind die Rätsel, die von Tag eins an ein großer Teil der Silent-Hill-Reihe waren und immer noch sind. Diese fallen bei Silent Hill: Townfall dieses Mal sogar etwas spezieller aus, da sich die Entwickler von Screen Burn Interactive einen besonderen Kniff haben einfallen lassen.

Unser Held Simon Ordell findet zu Beginn des Abenteuers eine Art Mini-Fernseher, den er bei sich trägt. Mit diesem TV-Gerät können wir nun also verschiedene Frequenzen empfangen. Zum einen können wir so nun drohende Gefahren ausmachen, frühzeitig erkennen und somit sogar geschickt umgehen. Zum anderen dient dieses tragbare TV-Gerät auch dazu, diverse Hilfestellungen und zusätzliche Informationen zu erhalten, die uns das Lösen der Rätsel erst ermöglichen.

Diese Hilfestellungen werden anhand kurzer, wirr zusammengeschnittener Schnipsel präsentiert. Anhand dieser kryptischen Schnipsel müssen wir nun die benötigten Informationen herausziehen, um das jeweilige Rätsel lösen zu können. Für das ein oder andere Rätsel ist also durchaus etwas Hirnschmalz gefordert, um die dargebotenen Informationen irgendwie sinnvoll zu einem großen Ganzen zusammensetzen zu können. Alles in allem sind die Rätsel aber jederzeit lösbar und mit etwas Denkarbeit absolut stemmbar. Immer wenn man an einer Schlüsselstelle im Spiel angekommen ist, rauscht das Gerät kurz und gibt somit zu erkennen, dass es aktuell eine interessante Frequenz gibt, die man sich ansehen sollte.

Die größte Neuerung und damit auch das, zumindest für mich, interessanteste Feature von Silent Hill: Townfall ist also definitiv dieses tragbare TV-Gerät. Denn mit diesem Feature verändern die Entwickler nicht nur den Spielablauf selbst, sondern auch die Art und Weise, wie man im Spielareal voranschreitet, um herannahende Gegner beispielsweise früh zu erkennen. Dieses Feature hat mich also durchaus positiv überrascht und ist die, meiner Meinung nach, wichtigste Neuerung, die Silent Hill: Townfall in die Reihe einbringt.

Optisches Gruselfest und nichts für schwache Nerven

Auch optisch kann Silent Hill: Townfall auf ganzer Linie überzeugen. Dank der Unreal Engine 5 kann der Titel mit wunderbar unheimlichen Bildern glänzen und die scharfen und schön anzusehenden Texturen gepaart mit den fantastischen Nebeleffekten erzeugen eine wunderbar unheimliche Stimmung, die auch hartgesottenen Horror-Veteranen das Fürchten lehrt.

Das Design der Monster ist, typisch für die Silent-Hill-Reihe, wieder absolut fantastisch und äußerst gelungen. Nur selten sieht man so grotesk anmutende Kreaturen auf dem heimischen Bildschirm. Wirklich schön umgesetzt und toll präsentiert. Aber auch der allgemeine Look des Spiels lässt keine Wünsche offen und speziell Horror-Fans kommen hier voll auf ihre Kosten.

Während unserer gesamten Testphase lief der Titel außerdem stets mit butterweichen 60 FPS über den Bildschirm. Wir haben natürlich im Performance-Modus gespielt. Wahlweise gibt es auch einen Qualitäts-Modus mit höherer Auflösung und 30 Frames.

Auf Wunsch kann Silent Hill: Townfall sogar in einem Letterbox-Modus gespielt werden. Hier haben wir dann am oberen und unteren Bildschirmrand schwarze Balken und somit eine Art Kino-Ansicht. Diese Letterbox-Ansicht, von welcher ich für gewöhnlich kein Freund bin, passt bei Silent Hill: Townfall jedoch wie die Faust aufs Auge. Denn dank dieser recht einschränkenden Perspektive wirkt das Horror-Abenteuer noch beklemmender und vor allem cineastischer. Probiert diese Einstellung also unbedingt mal aus.

Beklemmender Soundtrack trifft auf stabile Synchronisation

Neben den wunderbar unheimlichen Soundeffekten sind es allen voran auch der extrem beklemmende Soundtrack und die immer wieder eingestreuten Klangteppiche, die dieses Abenteuer so unheimlich wirken lassen. Ganz typisch für die Silent-Hill-Reihe spielt also auch hier der Soundtrack wieder eine enorm wichtige Rolle und hilft dem ohnehin schon beklemmenden Abenteuer, noch unheimlicher zu wirken.

Auch die Synchronisation konnte mich vollstens überzeugen und die Sprecher leisten ganze Arbeit und verhelfen diesem fast schon kinoreifen Abenteuer, noch authentischer zu wirken. Ein Horror-Erlebnis der besonderen Art und ein Abenteuer, welches man nicht verpassen sollte, speziell als Horror-Fan.

Manchmal etwas verwirrende Zielführung macht es einem hin und wieder schwer

Der einzige wirkliche Kritikpunkt, den ich dem neuen Silent-Hill-Ableger ankreiden würde, ist die Tatsache, dass ich oft nicht so genau wusste, was das Spiel denn jetzt eigentlich gerade von mir will und wo ich als nächstes hingehen sollte.

Das Spiel bietet einem zwar die Möglichkeit, zu jeder Zeit eine Karte des aktuellen Areals aufzurufen. Darüber hinaus werden die für uns interessanten Bereiche sogar auf dieser Karte markiert. Dennoch hatte ich oft das Gefühl, dass ich mich irgendwie nicht immer gleich zurechtgefunden habe und oft nicht wusste, was ich als nächstes tun soll. Hier wäre eine klarere Aufgabenführung doch etwas angenehmer gewesen. Das kann aber natürlich auch nur persönliche Präferenz sein und andere Spieler stören sich vielleicht an dieser Mechanik nicht unbedingt.

Ein Horror-Abenteuer mit besonderem Kniff und einer tollen Atmosphäre

Bildmaterial: Silent Hill: Townfall, Konami, Annapurna Interactive, Screen Burn Interactive

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Titel	Dead or Alive 6 Last Round
	25. Juni 2026
	Koei Tecmo Games
	25. Juni 2026
	Koei Tecmo Games
	25. Juni 2026
	Koei Tecmo Games
System	PlayStation 5, Xbox Series X, PC
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	1.10
Entwickler	Team Ninja
Genres	Beat ’em up
Texte
Vertonung

Vor einiger Zeit erschien mit Dead or Alive 6 Last Round Koei Tecmos neueste Version des Ablegers. Die Beat-’em-up-Reihe, die mit schnellen Kämpfen, einem anspruchsvollen Kombosystem und den berüchtigten Jiggle Physics berühmt geworden ist, will euch mit Last Round eine Upgrade-Version liefern, wie sie es schon so oft in der Vergangenheit gemacht hat.

Ist es eine Complete Edition geworden, welche alte Schwächen ausbügeln konnte und alte Stärken weiter ausbaut, oder ist es nur ein halbherziges Skelett, das den sechsten Teil verschlimmbessert? Wir haben uns Last Round angesehen und liefern euch das Ergebnis.

Hat man schon mal gehört, irgendwas Neues?

Nachdem die Organisation DOATEC unter der Führung von Donovan zerschlagen, aber nicht vollends zerstört wurde, wurde es ruhiger. Helena Douglas baute die Firma von Grund auf neu und setzte die Ressourcen für friedliche Zwecke ein. Projekte wie Alpha, welches Klone von Kasumi erschaffen hatte, um hörige Supersoldaten auf die Welt zu lassen, wurden eingestellt.

Nachdem die Umstrukturierung beendet war, entschloss sich die Erbin des DOATEC-Imperiums, die Tradition des „Dead or Alive“-Turniers fortzusetzen. Zack, einstiger Teilnehmer, unterstützt sie dabei und fliegt um die Welt, um alte wie auch neue Kämpfer für das Turnier zu rekrutieren. Nun also stehen wir vor dem Beginn des sechsten Turniers. Ein Ereignis, das viele Kämpfer aus alten Tagen wieder zusammenführen soll. Jedoch wird das Ereignis von finsteren Plänen getrübt. Nicht alle Suborganisationen von Donovan wurden komplett zerstört und so entfaltet sich im Hintergrund eine neue Intrige, welche die freudigen Ereignisse stören könnte.

Nicht viel Neues in der letzten Runde?

An der Geschichte hat sich auch in Last Round nicht wirklich etwas geändert, wie sollte es auch? Allerdings sind DLC-Figuren wie Nyotengu direkt vom Start an in den Storymodus eingebunden und müssen nicht extra gekauft werden. So stehen euch direkt 29 Charaktere zur Verfügung. Für die beiden Kollaborationen mit SNK, Kula und Mai Shiranui, gilt dies leider nicht.

Wollt ihr beide Charaktere in der neuen Version spielen und hattet diese bereits in der alten Version, werdet ihr trotzdem erneut zur Kasse gebeten. Es ist auch zu hinterfragen, wie lange die beiden dieses Mal zur Verfügung stehen, wurden sie doch schon beim Grundspiel nach Ablauf der Lizenzen aus den Stores entfernt. Insofern ist es schade, dass sie nicht im Hauptspiel direkt zum Start zur Verfügung gestellt wurden.

Schlag, Abwehr, Konter!

Die Kämpfe in Dead or Alive sind nach wie vor schnell, manchmal zu schnell, um richtig zu reagieren. So könnt ihr schnell in einer Kombo gefangen sein, die euch die Hälfte der Lebensanzeige kostet. Dennoch ist Dead or Alive 6 relativ einsteigerfreundlich. Schon mit ein wenig Übung lassen sich längere Kombos spielen. Erst mit dem Kontersystem wird es aufgrund der Geschwindigkeit hektisch in den Kämpfen. Nach dem Motto „einfach zu lernen, hart zu meistern“ tastet ihr euch an die unterschiedlichen Charaktere und Kampfstile im Spiel heran.

In den verschiedenen Modi wie beispielsweise Arcade, Story oder den Prüfungen tastet ihr euch mittels der CPU-Gegner so langsam an das Spielgeschehen heran. Neue Kampfmodi sucht ihr übrigens in Last Round vergebens. Man hat mehr am Visuellen gearbeitet, als wirklich neuen Inhalt zu liefern. Einzige Ausnahme, wenn man so will, ist der neu integrierte Fotomodus.

Online laggt es wie eh und je

Habt ihr euch in den verschiedenen bewährten Offlinemodi genug aufgehalten, könnt ihr euch auch online gegen menschliche Gegner beweisen. Rangstufenkämpfe oder einfache Spaßkämpfe stehen euch hier zur Verfügung. Schon wie im Basisspiel hängt ein gutes Match von einer stabilen Verbindung ab und wie so oft ist das hier nicht gegeben gewesen.

Selbst wenn man nach der besten Verbindung sucht, sobald es bei einem der Spieler zu Schwankungen kommt, merkt ihr das deutlich. Eingabeverzögerungen und Lags trüben auch bei Last Round den Spielspaß ordentlich. Auch lassen sich nicht unbedingt Spieler finden, gegen die ihr Matches bestreiten könnt. Die Wartezeiten können, wenn ihr Pech habt, schon einige Minuten lang sein.

Bis der Schweiß rinnt

Visuell hat man bei Dead or Alive 6 Last Round dagegen nochmal eine Schippe draufgelegt. Die Umgebung, Lichteffekte, Wasserspiegelungen und der Schweiß, der den Kämpfern von den Körpern rinnt, sehen noch einmal um einiges detaillierter und schöner aus. Waren die Areale schon vorher schön designt gewesen, wird hier abermals nachgelegt. Das Ganze läuft auch nahezu flüssig im Performancemodus, in einer Stage gab es mal einen Aussetzer, das konnte ich aber nicht replizieren.

Auch einen neuen Grafikmodus spendiert euch das Spiel, den Oboromodus, welcher alles insgesamt nochmal visuell verbessert. Leider gibt’s den Modus derzeit nur mit großen Einschränkungen. Es gibt ihn nämlich derzeit nur für eine einzige Stage. Weitere Stages sollen über die Zeit hinweg noch geupdatet werden. Es ist aber ziemlich schade, dass es das zum Start nicht schon für alle Arenen gibt, sondern nur für eine einzige.

Die Charaktere sehen in der grafisch überarbeiteten Version mit ihren vielen verschiedenen Kostümen ziemlich schick aus. Männliche Charaktere haben allerdings auch in Last Round wieder deutlich weniger Anpassungsmöglichkeiten als ihre weiblichen Gegenparts. Macht ja nichts, gibt ja genügend DLCs zum Erweitern, außer für die Herren. Soundtechnisch gibt es eigentlich wenig zu meckern. Die Musik war schon im Grundspiel stark, ebenso die Soundeffekte in den Stages.

Musikalisch eine Konstante

Musikalisch warten überwiegend elektronische Beats und Gitarrenstücke. An allen Ecken und Stellen explodiert etwas, Elektroschocks werden verteilt oder ihr werdet von irgendetwas oder irgendjemandem wieder brüllend in den Ring geworfen. Einzig bei der Synchronisation kann man beanstanden, dass diese bei manchen Figuren zum Teil nicht lippensynchron ist. Gut, das ist sie bei der englischen Sprachausgabe selten, aber gerade bei Figuren wie Helena fühlt es sich ein wenig komisch an. Trotzdem, im Großen und Ganzen hat man bei Grafik und Sound die meiste Arbeit in Last Round gesteckt.

Eigentlich ist es schade, dass man so wenige, eigentlich gar keine, neue spielerische Inhalte präsentieren kann. Dazu gibt es für eine neu aufgearbeitete Version erstaunlich viele neue DLCs. Die alten gekauften Kostüme kann man zwar aus der Basisversion transferieren, wobei das nicht mit der Basisversion 1.0 funktioniert, sondern erst ab einem bereits veröffentlichten Patch.

Es wäre allerdings schöner gewesen, wenn in dieser Version auch die alten DLC-Kostüme zur Verfügung gestanden wären, es hätte schon eine Auswahl gereicht. Kaufen könnt ihr diese nämlich nicht über den Store der PS5, ihr müsst dies über den Store der PS4 machen. Kostüme kaufen könnt ihr nur die neuen, die bereits in Scharen im Store platziert werden, und das wieder für einige Goldstücke.

Unterm Strich

Bildmaterial: Dead or Alive 6 Last Round, Koei Tecmo, Team Ninja

Der Beitrag Im Test! Dead or Alive 6 Last Round – für Fans der Serie gibt es kaum einen Grund zum Upgrade erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Fire Emblem: Fortune’s Weave
	17. September 2026
	Nintendo
	17. September 2026
	Nintendo
	17. September 2026
	Nintendo
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Versionsnummer	1.0.0
Entwickler	Intelligent Systems
Genres	Strategie; JRPG
Texte
Vertonung

In unserer Vorschau zu Fire Emblem: Fortune’s Weave schrieb ich, dass der neueste Teil der Reihe umfangreicher zu sein scheint als gedacht. Zu diesem Zeitpunkt hatte ich noch keine genaue Vorstellung davon, was das wirklich bedeutet. Fortune’s Weave bietet eine umfangreiche Handlung, eine Vielzahl von Charakteren und deren Beziehungsverflechtungen sowie eine Haupthandlung, in der sich böse Mächte über das Land ausbreiten.

All das unter einen Hut zu bringen, ist eine große Herausforderung. Ob sich Intelligent Systems nicht etwas zu viel vorgenommen hat, diese Herausforderung gemeistert hat oder womöglich sogar am Ende am eigenen großen Umfang gescheitert ist, erfahrt ihr in den kommenden Zeilen.

Die Legende im weißen Gewand

Wir schreiben das Jahr 1454: Das Kaiserreich Dagda und die Überreste der Menschheit stehen durch den wiedererweckten Dämonengott Balor kurz vor dem Untergang. Um diese Katastrophe abzuwenden und die Finsternis aus dem Land zu vertreiben, steigt auf Anweisung der Göttin Sothis eine einzelne Seele vom Himmel herab. Dabei handelt es sich um die Protagonistin bzw. den Protagonisten. Diese Seele soll das Reich vor dem Untergang schützen. Doch selbst eine von der Erschafferin Sothis eingesetzte Seele hat allein keine Chance gegen den Dämonengott.

Angesichts dieser großen Aufgabe unterbreitet Fortuna, eine Göttin mit der Fähigkeit, die Zeit zu manipulieren, dieser Seele einen Vorschlag: Sie soll den Heldinnen und Helden, die einst an den Heroenspielen teilgenommen haben, dabei helfen, ihr Schicksal zu ändern und sie in die finale Schlacht führen. Das ist keine leichte Aufgabe, denn niemand weiß Genaueres über das Schicksal der Heldinnen und Helden.

So reist die Seele fünf Jahre in die Vergangenheit, ins Jahr 1449, in dem in der Hauptstadt Dagsion zu Ehren des Landesgründers Dagda die Heroenspiele stattfinden. Unter den Teilnehmenden befinden sich vier wackere Charaktere, die siegreich aus den Kämpfen hervorgehen wollen, um sich einen persönlichen Wunsch erfüllen zu lassen.

Der Strudel der Kausalität

Nun stehen wir als Hauptfigur vor der schweren Entscheidung, welchen Helden oder welche Heldin wir als Erstes aufsuchen. Fortuna nennt diese Personen „die Flammenfürsten von Dagda”. Sie hat sie im Strudel der Kausalität gefunden und dafür das Gewölbe der Obelisken geschaffen, um uns die freie Entscheidung zu geben, welche Flammenfürsten wir zuerst aufsuchen.

Somit geht es in die Vergangenheit und wir begegnen unter anderem Cai, einem jungen, tierlieben Jungen mit reinem Herzen. Als sein Vater in den Kerkern von Dagsion eingesperrt wird, meldet er sich mit seinen Freunden bei den Heroenspielen an, um für dessen Freiheit zu kämpfen.

Ebenfalls an den Spielen nimmt Dietrich teil, ein mächtiger Schwertkämpfer und Krieger. Durch einen Schiffbruch strandet er an den Ufern Dagdas. Da er zum Vergnügen kämpft und seinen Kampfdurst stillen will, beschließt er, mit gleichgesinnten Verbündeten an den Wettkämpfen teilzunehmen.

Theodora ist eigentlich die Königin von Saramis. Doch angesichts schrecklicher Ereignisse sieht sie keinen anderen Ausweg, als an den Spielen teilzunehmen. Dabei ist sie bereit, alles zu tun, um ihre Göttin zu ehren, den Glauben ihres Volkes zu verteidigen und den Frieden in ihrem Königreich zu bewahren.

Als junges Mädchen erleidet Leda ein tragisches Schicksal, als ihr Vater gemeuchelt wird. Seitdem ist sie auf einem Rachefeldzug und will jeden zur Strecke bringen, der daran beteiligt war. Als sie erfährt, dass der Mörder plant, an den Kämpfen teilzunehmen, begibt sie sich nach Dagsion.

Die Qual der Wahl

Zunächst muss ich festhalten, dass ich es im Testzeitraum leider nicht geschafft habe, alle vier Obelisken komplett durchzuspielen. Ich habe mich vorwiegend mit den Pfaden von Cai und Leda befasst. Das liegt unter anderem daran, dass allein die Obelisken der vier Flammenfürsten überaus umfangreich sind.

Für einen Obelisken habe ich ca. 20 bis 25 Stunden benötigt, um mich bis zu den Heroenspielen durchzuspielen, Charaktere kennenzulernen, Quests zu erfüllen, Gebiete zu erkunden, Schlachten zu kämpfen und sonstige Aktivitäten durchzuführen. Je nachdem, wie viel Zeit bei diesen Aktivitäten investiert wird oder ob bei einem weiteren Durchgang Dinge übersprungen werden, verändert sich die Stundenanzahl entsprechend.

Letzteres wird unter anderem von den generellen Erzählungen beeinflusst. Dazu zählen beispielsweise Erzählungen von historischen Ereignissen, Vorstellungen von Gebieten oder NPC-Charakteren, die eine tragende Rolle in der Geschichte spielen. Diese unterscheiden sich in den jeweiligen Pfaden verständlicherweise nicht und können, wenn man einen Pfad bereits durchlaufen hat, einfach übersprungen werden.

Nichtsdestotrotz dreht sich das Spiel nicht nur um die Heroenspiele, sondern darum, den wiedererweckten Dämonengott Balor aufzuhalten. Dementsprechend endet die Handlung nicht mit dem Ende der Spiele, sondern gliedert sich in mehrere Teile auf. Allein das sorgte dafür, dass ich, obwohl ich nur zwei Flammenfürsten-Pfade durchgespielt habe, am Ende bei über 100 Spielstunden herauskam. Fire Emblem: Fortune’s Weave hat wirklich einen beachtlichen Umfang.

Flammenfürsten versammelt euch

Gehen wir aber erst einmal der Reihe nach vor. Wenn man sich für einen der Obelisken entschieden hat, erlebt man, wie die Heldinnen und Helden nach Dagsion kamen und was ihre Motivation ist, an den Heroenspielen teilzunehmen. Die Handlungsstränge sind dabei auf die jeweiligen Hauptfiguren zugeschnitten, erzählen im Hintergrund jedoch eine übergreifende Geschichte, die sich im Kaiserreich Dagda abspielt.

Gerade zu Beginn wird man mit einer Fülle an Informationen konfrontiert, was durchaus überwältigend sein kann, da man sich parallel fragt, wie die Charaktere und Handlungsstränge zusammenhängen. Wenn man einen Pfad zum ersten Mal spielt, kommen einem viele Fragen in den Sinn: Welcher Charakter ist das noch gleich? In welcher Beziehung steht dieser zu mir? Was hat das mit der Geschichte des Landes zu tun bzw. warum ist dieser Held oder diese Heldin darin involviert? Wie muss ich die Aussage von Charakter XY nun einordnen?

Ab und zu habe ich mich wie das „Pepe Silvia“-Meme gefühlt und mir eine imaginäre Wand mit Bildern und roten Fäden vorgestellt, um die jeweiligen Beziehungen und zeitlichen Ereignisse zusammenzubringen. Ein wenig helfen dabei die Charakterprofile der Personen, doch ich habe einige Stunden mit dem Spiel verbracht, bis ich die wesentlichen Informationen verbunden hatte.

Zudem lassen sich diese Zusammenhänge nur zu einem gewissen Grad bzw. nur aus der Sichtweise der Flammenfürsten aufklären. Um einen besseren Überblick zu erhalten, sind die Informationen aus den jeweils anderen Pfaden notwendig. Da in diesen zum Glück auch die generellen Informationen über das Land und ähnliche Inhalte wiederholt werden, werden die Zusammenhänge immer klarer und ich habe sie besser verstanden. Das führte zu einem besseren Gesamtbild. Ansonsten gibt es außerdem die Möglichkeit, zwischen den Handlungen der Flammenfürsten hin und her zu wechseln. Das kann für mehr Abwechslung sorgen.

Erzählung mit Lücken und Tücken

Nun habe ich geschrieben, dass es sich gut anfühlt, die einzelnen Pfade zu spielen, obwohl sich die allgemeinen Informationen wiederholen. Sicherlich stellt sich nun als Leser bzw. Leserin die Frage, inwieweit sich das Spiel wiederholt, wie oft bestimmte Ereignisse mehrmals erledigt werden müssen oder ob das Spiel damit einfach Inhalte streckt.

Die Antwort darauf ist nicht ganz einfach. Da die Pfade von Cai, Dietrich, Saramis und Leda parallel stattfinden, wiederholen sich einige Ereignisse zwangsläufig. Bei Cai und Leda passiert dies beispielsweise bei den Heroenspielen, bei denen sie in der Qualifikationsphase als Team in der Arena gegen ein anderes Team antreten müssen. In beiden Pfaden spielte ich die Schlacht in der Arena. Einzig die Einheiten waren andere – je nachdem, wen ich bis dahin als Cai oder Leda rekrutiert hatte.

Allerdings lernte ich im Vorfeld und im Nachgang eine andere Perspektive kennen und konnte daher alternative Eindrücke, unterschiedliche Motivationen und andere Schlussfolgerungen kennenlernen. Dadurch wurde ein besseres Verständnis für bestimmte Charaktere generiert und ich konnte deren Handlungen einfacher nachvollziehen. Dennoch wiederholten sich Unterhaltungen oder Zwischensequenzen, die zwischen beiden Charakteren vorkamen. Das ließ sich nicht vermeiden. Im Zweifel klickt man sich in solchen Situationen beim zweiten Mal ein wenig schneller durch die Dialoge.

Anders sieht es aus, wenn Flammenfürsten in den Spielen gegeneinander antreten. Da nur einer gewinnen kann, ändert sich ab einem bestimmten Punkt der Handlungsstrang und der Fokus liegt auf dem jeweiligen Charakter. An dieser Stelle muss jeder für sich entscheiden, ob ihm oder ihr das gefällt.

Ich kann verstehen, dass jeder der vier Flammenfürsten vom Entwicklerstudio in den Mittelpunkt gestellt wurde und bei den Heroenspielen glänzen soll. Letztendlich wird jedoch die Geschichte von Dagda erzählt und Stück für Stück erschließt sich die Welt mehr. Insofern kann es seltsam wirken, wenn sich ein Teil der Geschichte rund um die Heroenspiele – die einen wesentlichen Teil ausmachen – etwas ändert. Nichtsdestotrotz wirken die vier Pfade ebenso individuell genug, um einen bei Laune zu halten.

Was ist eigentlich mit Balor?

Wer den Test bis hierhin gelesen hat, stellt sich vielleicht die Frage: Was ist eigentlich mit Balor? Ihr erinnert euch: der wiedererweckte Dämonengott, der anfangs erwähnt wurde und der die Welt in Finsternis hüllen möchte. Eine ähnliche Frage stellt sich ebenfalls, während ihr die Pfade der Flammenfürsten spielt.

Fortune’s Weave ist neben den Pfaden ebenfalls in mehrere Teile untergliedert. Hat man die Heroenspiele hinter sich gelassen, wartet der zweite Teil. Dieser gliedert sich ebenfalls auf die vier wackeren Heldinnen und Helden, erzählt jedoch eine größere Gesamthandlung, die auf die finsteren Machenschaften hinarbeitet.

Dieser Teil hat mich zwiegespaltener zurückgelassen. Einerseits wird dieser spielerisch anspruchsvoller und gewährt Schlachten, die mehr taktisches Geschick erfordern. Andererseits kann ich die Aufteilung nur schwer nachvollziehen. Für den späteren Verlauf der Handlung ergibt diese Aufteilung durchaus Sinn, bei den Charakteren verläuft sie aufgrund des größeren Handlungszusammenhangs jedoch nahezu identisch.

Deshalb ist der Wiederspielwert im Vergleich zu den Obelisken eher gering. Das hat sich für mich eher spielstreckend angefühlt, obwohl es nicht so lange dauert. Mit fortschreitender Handlung und darauffolgenden Ereignissen wird es im Kampf gegen die finsteren Mächte zum Glück wieder besser und das Spiel kehrt zu einer gewohnten, strukturierteren Form zurück. Gerade ab diesem Zeitpunkt zeigt das Spiel noch einmal, was in ihm steckt, und entfaltet dabei sein Repertoire an spielerischen Möglichkeiten für viele Stunden.

Zu viel des Guten?

Meine Haltung zur Geschichte von Fire Emblem: Fortune’s Weave bleibt bis zum Ende gemischt. Es ist eine gut geschriebene Handlung, die durch eine ausführliche Erzählung, viele kleine zusammenhängende Details und ein glaubhaftes, historisch durchdachtes Kaiserreich mit einer lebendigen Geschichte überzeugt. Ich konnte richtig in die Welt eintauchen.

Besonders im letzten Teil des Spiels, wenn die Schicksalsfäden der einzelnen Flammenfürsten zusammenlaufen und Lücken aufgeklärt werden, wirkt die Erzählung stimmig, wobei dies auch über die einzelnen Pfade geschrieben werden kann. An vielen Stellen hat mich das Spiel an eine Serie erinnert, bei der ich den Dialogen gerne gelauscht habe und bei der ich unbedingt wissen wollte, wie es in der nächsten Folge weitergeht.

Wie bei jeder guten Serie muss man jedoch die Motivation aufbringen, immer wieder die nächste Folge einzuschalten. Das kann schwierig werden, wenn das Gefühl aufkommt, dass Informationen fehlen. Nach dem Motto: Habe ich nicht richtig aufgepasst, etwas überlesen oder wird diese Information noch preisgegeben?

Beim Spielen habe ich mir öfter die Frage gestellt, ob die Erzählung nicht ein wenig komprimierter hätte erzählt werden können. Muss wirklich noch eine kleine Nebengeschichte in die Haupthandlung eingebaut werden, um die Motivationen einzelner Charaktere zu verdeutlichen, oder reicht dafür nicht eine Zwischensequenz mit einer emotionalen Szene aus? Gleiches gilt für optionale spezielle Nebenquests, die jedoch für den späteren Verlauf von Bedeutung sind. Es kann dann nur frustrierend sein, wenn diese verpasst wurden.

Wer sich in die Schicksale von Fortune’s Weave begibt, wird sicherlich keine schlechte Zeit erleben und gewiss keine langweilige Handlung. Man sollte jedoch genügend Zeit einplanen und die einzelnen Pfade genießen, um ein vollumfängliches Erlebnis zu erhalten, welches aus meiner Sicht bislang kein Fire Emblem vorweisen kann. Dazu gesellt sich nämlich erneut ein gutes taktisches Erlebnis.

Neu-klassisches Fire Emblem

Intelligent Systems hat am grundlegenden Gameplay nicht viel gerüttelt. Auf einem schachbrettartigen Feld bewegt ihr eure Einheiten und versucht siegreich aus der Schlacht zu gehen. Dazu gehören die üblichen Aktionen wie normale oder spezielle Angriffe, Heilung und teilweise Interaktionen mit besonderen Gegenständen auf dem Feld. Um die Übersicht auf dem Schlachtfeld nicht zu verlieren, gibt es neben vielen Anzeigen eine gute Kontrolle über die Kamera.

Generell sind die Anzeigen und Menüs strukturiert gestaltet, was einen guten Überblick über das Geschehen verschafft. Eine Ausnahme bildet hierbei die Kampfanzeige, wenn Gegner mit der eigenen Einheit anvisiert werden. In Fortune’s Weave hat sich das Entwicklerstudio dazu entschlossen, die Werte etwas umzustellen. Gerade in den ersten Spielstunden habe ich dadurch immer auf die falschen Werte geschaut.

Nun werden die eigenen Angriffsschadenswerte unterhalb des Gegners angezeigt, während die Trefferwahrscheinlichkeit weiterhin unterhalb der eigenen Einheit steht. Für die gegnerischen Werte gilt dasselbe. Wenn die Einheiten in unterschiedlicher Reihenfolge angreifen, fiel es mir anfangs schwer, zu erkennen, welche Werte zu mir und welche zum Gegner gehören, da diese in den bisherigen Teilen anders dargestellt wurden. Nach ein paar Stunden gewöhnt man sich aber daran.

Es wird brandgefährlich

Wie schon bei anderen neueren Teilen gibt es auch hier kein Waffendreieck mehr. Eure Waffen richten je nach Einheit sowie Werten unterschiedlichen Schaden an. Items wie Schilde verbessern ihre Werte oder paralysieren unter bestimmten Wahrscheinlichkeiten sogar Gegner. Dabei besitzen Waffen eine Haltbarkeit, die sich jedoch bei normalen Angriffen nicht verringert, sondern nur, wenn ihr die Kampffähigkeiten einsetzt. Letztere sind starke Angriffe, die unter anderem die Reichweite erhöhen und die Angriffskraft verbessern. Anders sieht es mit Magie aus. Allgemein kann diese nur begrenzt während eines Kampfes eingesetzt werden.

Neu ins Spielgeschehen hinzugekommen sind die sogenannten Brandtechniken. Diese Spezialtechniken sind besonders machtvolle Angriffsmethoden, welche die Flammenfürsten beherrschen. Sie sind zwar mächtig, allerdings kostet deren Einsatz Gesundheit. So kann Leda mit ihrer Vihuela (ein spanisches Zupfinstrument) beispielsweise Lieder spielen, die ihren Verbündeten bessere Statuswerte verleihen. Dietrich kann sich derweil über mehrere Felder teleportieren und Cai kann schwarz-violette Flammen aus seiner Hand schießen.

Wenn eine Einheit während des Kampfes mehrere Brandtechniken einsetzt und dadurch die eigene Brandleiste erhöht, verfällt sie in den sogenannten Großbrand, wodurch sich alle Statuswerte verstärken. Dadurch lassen sich stärkere Brandtechniken ausführen. Das hat jedoch einen Haken: Bei voller Brandleiste endet der Großbrandmodus und die Einheit verfällt in den Modus „Bersten”, der die eigenen HP senkt.

Somit sollte beim Einsatz mit Bedacht vorgegangen werden. Dennoch fügen sich die Brandtechniken gut in das Spielsetting ein. Sie wirken nicht übermächtig, da sie einen Malus mit sich bringen, können durch ihre Stärke und einen geschickten Einsatz aber durchaus kampfentscheidend sein. Gleichzeitig passen die Techniken gut zu den jeweiligen Persönlichkeiten der Charaktere.

Fluch und Segen

Die eigenen Einheiten und deren Fähigkeiten sind zudem nicht die einzigen Faktoren, die über den Ausgang eines Kampfes entscheiden können. Es gibt verfluchte Waffen, die eure Brandleiste beeinflussen können und über mächtige Fähigkeiten verfügen. Gleichzeitig könnt ihr während des Kampfes göttlichen Segen erhalten. Während der Segen von Fortuna euch stets begleitet und das Spielgeschehen um einige Züge zurückspult, können die Segnungen anderer Götter andere Effekte auslösen.

Um den Segen zu erhalten, müsst ihr in eurer wöchentlichen Freizeit in den unterschiedlichen Tempeln euren Dienst anbieten. Dadurch erhöht sich das Segenlevel bei der jeweiligen Gottheit. Ist dieses hoch genug, könnt ihr es im Kampf mit göttlichem Sand einsetzen. Da sich dadurch besondere Effekte wie die Halbierung von Schaden während eines Zuges einsetzen lassen, ist dies besonders hilfreich in herausfordernden Schlachten.

Auf dem Schlachtfeld wird es selten eintönig …

Für mich waren die unterschiedlichen Möglichkeiten, mit seinen Einheiten ein Schlachtfeld zu betreten und siegreich daraus hervorzugehen, bis zum Ende hin ein Höhepunkt im Spiel. Dazu tragen die verschiedenen Siegbedingungen während eines Kampfes bei. Zwar läuft es in den meisten Fällen darauf hinaus, dass der gegnerische General oder die gegnerische Generalin ausgeschaltet werden muss. Es gibt jedoch Ausnahmen, bei denen beispielsweise Feuerschalen angezündet und gehalten werden müssen.

Selbst die Arena in den Heroenspielen, die öfter betreten wird, sieht jedes Mal anders aus. Sie hat unterschiedliche Umgebungen und Herausforderungen parat, denen ich mich stellen muss, um den Gegner zu bezwingen. Hinzu kommen unterschiedliche Mechaniken wie Artillerie auf dem Spielfeld, die während einer Schlacht genutzt werden können, sowie besondere Felder, die die Werte einer Einheit beeinflussen.

Auch die Umgebung sollte man im Auge behalten. Diese kann beispielsweise brennen, mit Miasma verseucht sein oder anderweitig beeinflusst sein. Dadurch sieht keine Schlacht wie die andere aus und man muss sein taktisches Wissen und die jeweiligen Einheiten immer wieder neu kombinieren. Dadurch bleiben die Schlachten bis zum Ende und selbst nach ungefähr 100 Stunden frisch.

Einzig die Mischung zwischen den Schlachten und den Erzählungen ist zu Beginn etwas unausgeglichen, da die Erzählungen überwiegen. Das ändert sich im Laufe des Spiels jedoch. Des Weiteren beginnen die Schlachten im späteren Verlauf öfter damit, dass die Gegner viele Reserveeinheiten auf dem Feld von den Seiten erhalten. Dadurch entsteht in einigen dieser Schlachten der Eindruck, dass die Herausforderung nur darin besteht, viele Einheiten zu bekämpfen, statt sich taktisch klug zum Sieg zu manövrieren.

… in der Freizeit manchmal schon.

Abseits des harten Alltags auf dem Schlachtfeld können Dagda und seine Hauptstadt Dagsion erkundet werden. Beim Erkunden der Hauptstadt gibt es allerhand zu entdecken: die Arena, in der die Einheiten trainieren können, unterschiedliche HändlerInnen, bei denen die eigenen Vorräte aufgefüllt werden können, Tempel für göttlichen Segen und Orte wie das Gasthaus. Letzteres ermöglicht die Aktivierung automatischer Aktivitäten, die unter anderem zum Training der eigenen Einheiten verwendet werden können. Doch Vorsicht: Für diese Aktivitäten werden Züge benötigt.

Während des Spielens läuft die Zeit mit und nach einer gewissen Anzahl an Tagen muss die Hauptgeschichte weitergeführt werden. In Fortune’s Weave wird dieser zeitliche Abstand in Zügen gemessen. Ein Zug entspricht dabei sechs Stunden. Wenn ihr die automatischen Aktivitäten nutzt, kostet das Züge. Gleiches gilt für das Reisen durch das Kaiserreich, um beispielsweise Quests zu erfüllen, die eigene Reputation zu verbessern oder die verschiedenen Gebiete und ihre Schätze zu erkunden.

Dabei werden in der Freizeit nach einem Kampf Gesundheit und Magie nicht wiederhergestellt. Dafür muss man ins Gasthaus gehen und dort eine Nacht verbringen oder im Freien campen, wodurch sich auch die Bindung zu einigen Teampartnern verbessern lässt. Glücklicherweise findet man auf den Wegen jede Menge Gemüse und Fische, die sich für das Essen beim Campen verwenden lassen.

Mit Cai können sogar Felder angebaut und nach einigen Zügen geerntet werden. Da Cai gut mit Tieren umgehen kann, lassen sich auf bestimmten Wegpunkten ebenfalls Fallen legen und Tiere fangen, die später in der Stadt gefüttert werden. Mit Leda laufen die Erkundungen in Dagda anders ab. Als Tänzerin begibt sie sich in die Städte des Kaiserreichs, führt dort Tänze auf, erhöht damit ihre Reputation und erhält dafür Ressourcen. Dietrich hingegen spürt versteckte Gegner auf und macht sie sichtbar. Dadurch wird jede Erkundung in jedem Pfad individueller.

Rekrutiere sich, wer kann

Wie schon beim Anwerben der Studierenden in Fire Emblem: Three Houses lassen sich Personen aus anderen Clans für eure Zwecke und Kämpfe rekrutieren. An dieser Stelle sind mit Clans die Gruppen der anderen Flammenfürsten gemeint. Die zukünftigen Gruppenmitglieder wollen zunächst beschenkt oder zum Essen eingeladen werden. Dadurch steigt die Bindung und irgendwann lassen sich diese Charaktere rekrutieren. Dafür muss aber auch ein passender Ruf vorausgehen, welcher mit der Erledigung von Quests steigt.

Wer diese Mechanik in Three Houses mochte, wird sich dieses Mal wieder darüber freuen, denn es kann unterhaltsam sein, das passende Geschenk für einen Charakter zu finden. Persönlich bin ich allerdings kein großer Freund des Rekrutierungssystems, speziell in diesem Spiel. Da vier Pfade zur Auswahl stehen, müssen in jedem dieser Pfade Charaktere angeworben werden, ganz gleich, ob dies bereits in einem anderen Pfad geschehen ist.

Ein kleiner Lichtblick ist, dass die Anforderungen für eine Rekrutierung in den Pfaden unterschiedlich ausfallen. So kann es sein, dass in einem Pfad eine Reputation von 9 und ein Unterstützungslevel von 3 benötigt werden, während es in einem anderen Pfad nur eine Reputation von 6 und ein Unterstützungslevel von 2 sein müssen. Einige Charaktere wie die Flammenfürsten lassen sich im jeweiligen Pfad nicht rekrutieren.

Irgendwann bin ich bei den wöchentlichen Aktivitäten nur noch per Schnellreisefunktion zu den Personen innerhalb der Stadt gereist, habe ihnen irgendein Geschenk in die Hand gedrückt und bin dann gegebenenfalls noch schnell zum Gasthaus, um das Unterstützungslevel mittels einer Mahlzeit zu verbessern. Im Endeffekt wurde es zur Abarbeitung von To-dos, um bestimmte Charaktere ins eigene Team zu holen. Dieses Gefühl hat sich vor allem beim zweiten Pfad eingestellt, nachdem ich im ersten Pfad dem Ganzen noch mehr Aufmerksamkeit schenken konnte.

Ich hätte mir eine Funktion gewünscht, die mir das Rekrutieren in einem anderen Pfad erleichtert, wenn ich eine bestimmte Person bereits in einem anderen Pfad rekrutiert habe. So hat sich im weiteren Spielverlauf leider immer mehr das Gefühl der „Fleißarbeit“ vertieft, sodass ich andere Spielfiguren eher ignoriert habe, anstatt sie in mein Team zu holen.

Noch schnell ein Kampf

Für etwas mehr Abwechslung sorgen die Orte, die in Dagda erkundet werden können. Neben den Städten mit ihren örtlichen Händlerinnen und Händlern tauchen unter anderem Verliese auf. Dabei handelt es sich um Dungeons, wie man sie aus Fire Emblem Echoes: Shadows of Valentia kennt. Allerdings wurde das Konzept angepasst.

Die Erkundungsmöglichkeiten in den Verliesen sind größer als im vorherigen Teil. Neben Materialien zur Verbesserung von Waffen und anderen Schätzen trifft man dort auf herumlaufende Gegner. Beim Zusammenstoß beginnt ein spezieller rundenbasierter Schlagabtausch, der sich von den normalen Schlachten unterscheidet.

Diese sogenannten Schnellkämpfe werden nicht aus der Vogelperspektive gespielt, sondern die Parteien stehen sich gegenüber. Dabei wird abwechselnd mit einer entsprechenden Aktion wie Angriff, Heilung oder einem verbündeten Angriff agiert. Letztere Aktion kostet Verbindungspunkte. Eine Besonderheit ist, dass die KP aller Einheiten zusammengerechnet werden. Wer als Erstes null KP erreicht, hat verloren.

Sowohl das Erkunden von Verliesen als auch die Schnellkämpfe wirken erfrischend und fügen sich gut ins Gameplay ein. Vor allem beim Erkunden der Karte wirken sie als auflockerndes Element und werten es auf. Die Verliese sind zwar grafisch nicht anspruchsvoll, für eine kurze Erkundung reicht es aber aus, da sie nicht nur aus Höhlenumgebungen, sondern auch aus anderen Landschaften bestehen. Die Schnellkämpfe sind zudem nicht so komplex wie die großen Schlachten. Sie lassen sich gut wegspielen, da sie ebenfalls automatisch im Autokampf ablaufen.

Nur das generelle Erkunden von Dagda wird im Laufe der Spielzeit leicht eintönig. Die Karte bietet zwar viel, da das Kaiserreich groß ist. Irgendwann habe ich jedoch das Gefühl gehabt, alles gesehen zu haben, und habe nur noch die automatischen Aktivitäten genutzt, um die Zeit verstreichen zu lassen und schneller mit der Hauptgeschichte weiterzumachen.

Es geht in die Antike

Fire Emblem: Fortune’s Weave sieht großartig aus. Die Zwischensequenzen sind wie gewohnt geschmeidig animiert und eindrucksvoll in Szene gesetzt, besonders in actionreichen Szenen. Die Charaktermodelle sind schön ausmodelliert und versprühen einen individuellen Charme. Gleichzeitig muss ich aber erwähnen, dass ich mich zu Beginn erst an einige Charaktermodelle gewöhnen musste. Diese orientieren sich mehr an Three Houses und passen hervorragend in das stimmige Konzept des Spiels, welches den Charme eines antiken oder römischen Zeitalters einfängt.

Im Vergleich zu Fire Emblem Engage wirken die Charaktermodelle stellenweise dennoch etwas blass – so kontrovers der Rest des letzten Teils auch diskutiert werden kann. Das änderte sich im Laufe des Spiels, als ich mehr über deren Motivationen und Persönlichkeiten erfahren habe. Zudem gilt die zuvor angesprochene Blässe nicht für alle Charaktere, erst recht nicht für die vier Heldinnen und Helden oder andere relevantere Persönlichkeiten.

Dennoch bin ich der Auffassung, dass Fortune’s Weave nicht das stärkste Charakterdesign der Reihe aufweist und ältere Teile eindrucksvollere Figuren enthielten. So sind mir beispielsweise viele Charaktere aus Engage deutlich stärker im Gedächtnis geblieben.

Wo der Titel hingegen ein konsistentes Bild vermittelt, ist bei der allgemeinen Präsentation und Farbgestaltung. Die Hauptstadt Dagsion wirkt einigermaßen lebhaft und nicht so trist wie das Kloster Garreg Mach aus Three Houses. So bunt und farbenfroh wie Engage ist Fortune’s Weave trotzdem nicht. Das muss es aber auch nicht sein. Es wurde ein schlüssiges Konzept gefunden, das den Flair eines antiken Kaiserreichs einfängt. Dazu gesellen sich die verschiedenen Designs der Einheiten und der grundsätzliche Kleidungsstil, auch wenn sich viele NPCs ähneln.

Super Synchronisation

Was man hingegen nicht genug loben kann, ist die Vertonung. Diese gibt es in einer englischen und japanischen Variante. Die Synchronisation ist wirklich eines der Highlights im Spiel, denn nahezu jedes Gespräch ist vertont. Dadurch wird der gesprochene Text, der hin und wieder etwas länger ausfällt, nicht monoton. Seltsam sind nur die Dialogoptionen, die ab und an aufploppen. In manchen Fällen bieten sie nur eine Option an und man stellt sich die Frage, warum es diese gibt, wenn der Charakter es einfach aussprechen könnte.

Das generelle „Fire Emblem“-Thema wurde erneut überzeugend ins Spiel eingebaut und unterscheidet sich bei den vier unterschiedlichen Heldinnen und Helden, sodass es individueller wirkt und für den Charakter angepasst. Das sorgt gerade bei heroischen Momenten und ein paar Schlachten für Spannung.

Vollwertige Erzählung mit kleinen Stolpersteinen

Bildmaterial: Fire Emblem: Fortune’s Weave, Nintendo, Intelligent Systems

Der Beitrag Im Test! Fire Emblem: Fortune’s Weave hebt sich vor allem in einer Sache von seinen Vorgängern ab erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Trails in the Sky 2nd Chapter
	17. September 2026
	Nihon Falcom
	17. September 2026
	GungHo Online Entertainment
	17. September 2026
	Clear River Games
System	Nintendo Switch, Nintendo Switch 2, PlayStation 5, PC
Getestet für	PlayStation 5 Pro
Versionsnummer	1.03
Entwickler	Nihon Falcom
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Trails in the Sky 1st Chapter hat es vor ziemlich genau einem Jahr geschafft, das bis dahin doch recht komplexe und vielschichtige Trails-Universum einer deutlich breiteren Masse zugänglich zu machen und gleichzeitig langjährige Fans glücklich zu stellen – zumindest größtenteils. Das Remake kam bei KritikerInnen und Fans hervorragend an und entwickelte sich auch für Falcom zu einem großen finanziellen Erfolg.

Jetzt, ziemlich genau ein Jahr später, wartet mit Trails in the Sky 2nd Chapter der direkte Nachfolger auf uns. Und „direkter Nachfolger“ ist hier wirklich das Stichwort. An dieser Stelle könnten wir wahrscheinlich auch einfach große Teile unserer letztjährigen Review zitieren, so ähnlich sind sich die beiden Spiele. Es fühlt sich tatsächlich so an, als würde man wortwörtlich das zweite Kapitel desselben Buches aufschlagen. Wer 1st Chapter gespielt hat, dürfte sich also innerhalb weniger Minuten wieder heimisch fühlen.

Wie schon beim ersten Teil gibt es auch diesmal eine sehr umfangreiche Demo, die euch bis zu zehn Stunden spielen lässt. Den dabei erzielten Fortschritt könnt ihr anschließend in die Vollversion übertragen. Das ist schlichtweg eine tolle Sache und wer noch mit einem Kauf hadert: Probiert es einfach aus.

Dass 2nd Chapter seinem Vorgänger derart ähnlich ist, soll übrigens keineswegs negativ gemeint sein. Schließlich gehörte das letztjährige Remake zu den großen Kritiker- und Fanlieblingen und konnte auch kommerziell überzeugen. Warum also etwas grundlegend verändern, das bereits hervorragend funktioniert? Was euch im zweiten Kapitel – oder besser gesagt in SC – erwartet und ob Falcom noch einmal an die Qualität des Vorgängers anknüpfen kann, klären wir jetzt in unserem Test.

„Auf Wiedersehen, Estelle.“

Bevor wir anfangen, eine kleine, aber wichtige Warnung: Dieser Abschnitt enthält deutliche Spoiler zum Ende von Trails in the Sky 1st Chapter. Wer den ersten Teil noch nicht beendet hat, sollte am besten direkt zum nächsten Abschnitt springen.

2nd Chapter setzt praktisch unmittelbar nach den Ereignissen des Vorgängers ein. Dort begleiteten wir Estelle Bright und ihren Adoptivbruder Joshua Bright als junge Bracer auf ihrer Reise durch das Königreich Liberl. Was zunächst noch ziemlich normal begann, entwickelte sich langsam zu einer großen politischen Verschwörung, die schließlich das gesamte Land bedrohte.

Am Ende gelang es Estelle, Joshua und ihren zahlreichen Verbündeten, die Krise in Liberl abzuwenden. Eigentlich könnte danach endlich etwas Ruhe einkehren. Eigentlich. Denn Joshua erfährt, dass seine Vergangenheit eng mit der geheimnisvollen Organisation Ouroboros verbunden ist. Aus Angst, Estelle durch seine Vergangenheit in Gefahr zu bringen, verlässt er sie heimlich und macht sich allein auf den Weg.

Wo bist du, Joshua?

Genau hier beginnt 2nd Chapter. Estelle möchte stärker werden und vor allem Joshua wiederfinden. Gleichzeitig wird Ouroboros in Liberl aktiv und verfolgt einen geheimnisvollen Plan, dessen Ausmaße zunächst noch völlig unklar sind.

Also geht es mit unserer Truppe erneut quer durch Liberl. Dabei kommen wir der sogenannten „Gesellschaft“ und ihren Machenschaften immer näher. Besonders deren sogenannte Vollstrecker sorgen in den verschiedenen Regionen für ordentlich Unruhe. Als Bracer liegt es natürlich an uns, herauszufinden, was dahintersteckt.

Dabei besuchen wir nahezu alle Gebiete erneut, die wir bereits aus dem ersten Teil kennen. Und seien wir ehrlich: Die dürften vielen noch ziemlich gut im Gedächtnis sein, schließlich liegt das erste Abenteuer gerade einmal ein Jahr zurück. Auf einiges an Recycling muss man sich entsprechend einstellen. Gleichzeitig hat sich in Liberl aber auch einiges getan. NPCs erinnern sich an uns, reagieren auf vergangene Ereignisse und vermitteln dadurch wunderbar das Gefühl, tatsächlich in eine bekannte Welt zurückzukehren. Später warten außerdem komplett neue Gebiete auf uns.

Diese Figuren muss man einfach lieben

Die Geschichte selbst ist erneut fantastisch und für mich phasenweise sogar noch emotionaler als im Vorgänger. Da kann es durchaus passieren, dass man hier und da mal ein kleines Tränchen verdrückt. Egal ob Trails-VeteranInnen oder Leute, die erst mit den Remakes eingestiegen sind: Es ist einfach schön, diese Geschichte noch einmal beziehungsweise erstmals in dieser Form zu erleben.

Und dann wären da natürlich die Figuren. Schon damals waren Estelle und ihre WeggefährtInnen fantastisch geschrieben, interessant, lustig und hatten allesamt das Herz am rechten Fleck. Im Remake funktioniert das mindestens genauso gut. Sie sind ein entscheidender Grund dafür, warum sich dieses Abenteuer trotz aller dramatischen Ereignisse so unglaublich geerdet und irgendwie mollig warm anfühlt.

Ich werde dabei einen Gedanken einfach nicht los: Diese Figuren sind teilweise genau so, wie ich mir meine eigenen FreundInnen und meine Familie immer gewünscht hätte. Vielleicht ist es genau dieses Gefühl, das Trails in the Sky 2nd Chapter für mich weit über seine eigentliche Geschichte hinaus so besonders macht.

Altbewährt und immer noch richtig gut

Beim Gameplay beziehungsweise Kampfsystem macht Trails in the Sky 2nd Chapter genau dort weiter, wo 1st Chapter aufgehört hat. Seid ihr außerhalb der Städte oder in Dungeons unterwegs, könnt ihr Gegner wie gewohnt direkt in Echtzeit vermöbeln. Mit Angriffen und Ausweichrollen lassen sich kleinere Feinde teilweise komplett erledigen, ohne überhaupt in den klassischen Rundenkampf wechseln zu müssen.

Alternativ verschafft man sich auf diese Weise lediglich einen Vorteil, haut zunächst in Echtzeit auf den Gegner ein und wechselt anschließend auf Wunsch in den taktischen Rundenkampf. Dort darf man es dann deutlich ruhiger und strategischer angehen lassen. Bei Bossen und wichtigen Schlüsselsituationen wird dagegen ausschließlich rundenbasiert gekämpft.

Das hybride Kampfsystem macht weiterhin eine Menge Spaß – sofern man sich natürlich grundsätzlich damit anfreunden kann. Große Neuerungen gegenüber dem Vorgänger sollte man allerdings nicht erwarten. 2nd Chapter übernimmt das funktionierende Grundgerüst nahezu unverändert.

Tja, dieses Orbment ist leider veraltet

Auch die bekannten Quarze sind wieder mit dabei. Ganz dem ursprünglichen Spiel entsprechend kombiniert ihr deren verschiedene Elemente, um immer mächtigere Zauber bzw. Künste freizuschalten. Im Grunde also genau wie in 1st Chapter.

Natürlich gibt es dabei ein kleines Problem: Wir waren am Ende des Vorgängers schließlich schon ziemlich gut ausgestattet. Praktischerweise findet das Spiel dafür eine zweckmäßige Erklärung – unser alter Orbment ist mittlerweile veraltet und wir brauchen einen neuen. Also geht der Aufbau wieder von vorne los. Ein wenig offensichtlich ist das natürlich schon, aber irgendwie musste man dieses Problem wohl lösen.

Sehr erfreulich ist dagegen erneut der praktisch nicht vorhandene Grind. Schon 1st Chapter löste das hervorragend und auch diesmal schließt man sehr schnell zum Level der aktuellen Gegner auf. Wer zusätzlich den optionalen High-Speed-Modus einschaltet, kann ohnehin in Windeseile durch bekannte Gebiete und kleinere Kämpfe düsen. Gerade angesichts des enormen Umfangs ist das Gold wert.

Poker, Ermittlungen und … ein Schaf-Mecha?!

Abseits der Haupthandlung warten wieder zahlreiche Nebenaufgaben. Einige davon sind zugegebenermaßen ziemlich basic und können durchaus repetitiv ausfallen. Andere überraschen dagegen mit enormer Abwechslung oder werden einfach herrlich absurd. Poker? Ermittlungen? Ein Schaf-Mecha?! Ja, genau. Gerade diese kleinen Geschichten tragen viel dazu bei, Liberl und seinen BewohnerInnen noch mehr Persönlichkeit zu verleihen. Eine kleine Lanze breche ich auch nochmal für das überarbeitete Angeln. Das bringt mir persönlich wieder eine Menge Spaß, und was wäre schon ein JRPG ohne vernünftiges Angel-Minispiel?

Ein Thema, das bereits beim ersten Remake für einige Diskussionen sorgte, sind die deutschen Texte. Die gibt es erfreulicherweise auch in 2nd Chapter wieder – und davon eine ganze Menge. Trails war schließlich noch nie dafür bekannt, sparsam mit Textboxen umzugehen. Eine solche Textmenge zu lokalisieren, dürfte entsprechend keine kleine Aufgabe gewesen sein.

Umso erfreulicher ist es, dass die deutsche Übersetzung erneut einen guten Eindruck hinterlässt. Größere Rechtschreibfehler oder logische Ungereimtheiten sind mir während des Tests nicht aufgefallen. Einzelne Begriffe und die korrekte Terminologie innerhalb der Trails-Reihe sind natürlich noch einmal eine Wissenschaft für sich.

Schön ist deshalb, dass Falcom sich dieser Problematik offenbar bewusst ist und sogar nachträglich Texte sowie einzelne Voice-Lines im Vorgänger angepasst hat. Damit werden vor allem langjährige Trails-Fans abgeholt, während NeueinsteigerInnen, die erst mit den Remakes zur Reihe gefunden haben, von diesen Feinheiten vermutlich kaum etwas bemerken werden. Genau so sollte es eigentlich sein.

Anime-Charme in Bestform

Trails in the Sky 2nd Chapter sieht mindestens genauso fantastisch aus wie der erste Teil des Remakes. Die detailreichen Charaktermodelle, herrlich übertriebenen Anime-Expressions, wunderschönen Zwischensequenzen und spektakulären Angriffsanimationen können sich erneut sehen lassen. Das Gesamtbild wirkt unglaublich stimmig und vor allem die Figuren profitieren enorm von der liebevollen Präsentation.

Getestet wurde auf der PlayStation 5 Pro, wo das Spiel absolut butterweich läuft. Jenseits der ohnehin flüssigen 60 FPS sind sogar theoretisch bis zu 120 FPS möglich – und während meines Tests konnte ich keine nennenswerten Einbrüche feststellen. Technisch ist 2nd Chapter damit eine sehr runde Sache, die zusammen mit der tollen Optik einen hervorragenden Gesamteindruck hinterlässt.

Diese Stimmen gehören einfach zu den Figuren

Einen entscheidenden Anteil an der Immersion haben erneut die fantastischen SprecherInnen. Zur Auswahl stehen eine englische und eine japanische Synchronisation, die beide auf einem sehr hohen Niveau liegen.

Für meinen Geschmack werden die Figuren in der englischen Fassung hervorragend getroffen. Selbst kleinere Nebenrollen sind stark besetzt, sodass hier kaum ein qualitativer Abfall gegenüber den Hauptfiguren auffällt. Natürlich ist gerade das Thema Synchronisation immer sehr subjektiv – aber für mich gehören diese Stimmen mittlerweile einfach zu Estelle, Scherazard und Co. Auch die japanische Vertonung braucht sich allerdings keineswegs zu verstecken.

Diese Evergreens werden einfach nicht alt

Ähnlich fantastisch fällt erneut der Soundtrack aus. Viele Stücke kennen wir zwar bereits aus 1st Chapter, aber seien wir ehrlich: Bei solchen Evergreens beschwert man sich darüber wohl kaum. Diese Musik kann und will ich einfach immer wieder hören.

Dazu kommen natürlich auch Stücke, die besonders mit dem zweiten Kapitel verbunden sind. Allen voran das fantastische Opening „Silver Will, Golden Wings“, das schon nach wenigen Sekunden wieder dieses unverwechselbare Trails-Gefühl auslöst. Musikalisch bleibt die Reihe damit auch im zweiten Kapitel eine absolute Bank.

80 Stunden? Gerne doch!

Trails in the Sky 2nd Chapter ist ein langes Spiel. Ein sehr langes sogar. Wer wirklich alles mitnehmen möchte, sollte mindestens 70 Stunden einplanen – realistischer dürften es für viele aber eher 80 Stunden oder mehr werden. Das ist in diesem Fall allerdings keineswegs negativ gemeint.

Denn 2nd Chapter nimmt sich bewusst Zeit. Zeit für seine Geschichte, seine Welt und vor allem für seine Figuren. Charaktere bekommen Raum, Beziehungen dürfen sich entwickeln und selbst kleinere Geschichten werden nicht einfach schnell abgefrühstückt. Gerade davon lebt Trails schließlich seit jeher – und wer sich darauf einlässt, bekommt entsprechend viel geboten.

Kein Spaziergang durch Liberl

Ein paar Worte müssen wir auch noch über den Schwierigkeitsgrad verlieren. Hier stehen verschiedene Einstellungen zur Auswahl, wodurch sich das Abenteuer gut an die eigenen Vorlieben anpassen lässt und insgesamt ausgesprochen fair bleibt.

Unterschätzen sollte man 2nd Chapter trotzdem nicht. Bereits auf dem normalen Schwierigkeitsgrad ist die Reise durch Liberl alles andere als ein Zuckerschlecken. Wer insbesondere bei stärkeren Gegnern und Bossen einfach nur blind draufhaut, beißt schnell ins Gras. Die richtige Taktik, passende Quarze und ein sinnvoll zusammengestelltes Team machen hier einen spürbaren Unterschied.

Das zweite Kapitel steht dem ersten in nichts nach

Bildmaterial: Trails in the Sky 2nd Chapter, GungHo Online Entertainment, Falcom

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Titel	Marvel’s Wolverine
	15. September 2026
	Sony Interactive Entertainment
	15. September 2026
	Sony Interactive Entertainment
	15. September 2026
	Sony Interactive Entertainment
System	PlayStation 5
Getestet für	PlayStation 5 Pro
Versionsnummer	1.001.003
Entwickler	Insomniac Games
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Als 2018 Marvel’s Spider-Man von Insomniac Games erschien, musste man richtig gute Comicbuch-Adaptionen im Spielebereich noch fast mit der Lupe suchen. Batman war mit der Arkham-Reihe bis dahin das Maß aller Dinge. Spider-Man füllte diese Lücke seinerzeit hervorragend und legte auch gleichzeitig einen wichtigen Grundstein für die starken Singleplayer-Abenteuer, für die PlayStation in den folgenden Jahren bekannt werden sollte.

Es folgten zwei durchaus respektable Nachfolger und zwischendrin mit Ratchet & Clank: Rift Apart noch ein fantastisches Abenteuer abseits des Marvel-Kosmos. Es lief also für das Studio. Eigentlich war klar, dass diese Reise weitergehen würde – und so kündigte Insomniac bereits 2021 das nächste Spiel rund um einen mindestens ebenso großen Fanliebling an: Wolverine. Und wenn sich jemand dieser Figur annehmen kann, dann doch wohl die talentierten EntwicklerInnen aus Kalifornien.

Trotzdem sollte es ganze fünf Jahre dauern, bis das Spiel tatsächlich erscheint. Am 15. September ist es nun endlich so weit und die PlayStation 5 bekommt einen weiteren der wenigen echten Exklusivtitel – zumindest vorerst. Mit Wolverine schlägt Insomniac allerdings eine deutlich andere Richtung ein als noch mit Spider-Man.

Weg von der großen Open World, hin zu einer lineareren und erbarmungslosen Action-Erfahrung. Schon die bisherigen Trailer machten vor allem mit ihrem ziemlich exzessiven Einsatz von Gewalt auf sich aufmerksam.

Abgetrennte Gliedmaßen statt freundlicher Netzschwingerei – Wolverine macht schnell klar, dass hier ein anderer Wind weht. Wir konnten selbst die Krallen ausfahren und verraten euch in diesem Test, ob auch Wolverine zum nächsten Glanzstück in der ohnehin schon beeindruckenden Vita von Insomniac Games wird.

Narben heilen nicht immer

Wolverine kennen wir vor allem als festen Bestandteil der X-Men. Die X-Men, wie wir sie kennen, existieren hier allerdings nicht. An ihre Stelle tritt das sogenannte Team X, das vor vielen Jahren von Nathaniel Essex gegründet wurde. Am ehesten könnte man ihn als deutlich radikalere Version eines Charles Xavier beziehungsweise Professor X beschreiben. Sein erklärtes Ziel: Mutanten ein Zuhause und eine Zukunft geben – und gleichzeitig den Mutationen und dem mysteriösen X-Gen auf den Grund gehen.

Vor rund 30 Jahren war es auch Essex, der Logan alias Wolverine aus der Wildnis holte und ihm ein neues Zuhause gab. Dumm nur, dass Logan seine Erinnerungen verlor und sich an praktisch nichts aus seinem früheren Leben erinnern kann. Vielleicht ist das aber auch besser so.

Denn obwohl sein Körper dank seiner unglaublichen Regenerationsfähigkeiten nahezu jede Verletzung heilt, ist Logans Seele von Narben übersät, gegen die selbst sein Heilungsfaktor machtlos ist. Seine Vergangenheit lässt ihn nicht los – und im Laufe der Handlung beginnen wir Stück für Stück herauszufinden, was damals tatsächlich passiert ist.

Team X gegen Trask

Halt und einen gewissen Sinn findet Logan im Team X. Zu Beginn ist er gemeinsam mit Mystique und Sabretooth unterwegs. Ihr Ziel ist Bolivar Trask, der es sich zur Aufgabe gemacht hat, sämtliche Individuen mit dem X-Gen auszulöschen. In seinen Augen sind Mutanten eine Gefahr für die Menschheit – und er selbst derjenige, der sie davor beschützen muss.

Dafür unterhält Trask unter anderem seine eigene kleine Söldnertruppe: die Reaver. Ausgestattet mit futuristischer Technologie machen sie Logan und anderen Mutanten das Leben schwer und sorgen gleichzeitig dafür, dass Wolverine seine Krallen ziemlich regelmäßig ausfahren darf.

Wer sind hier eigentlich die Guten?

Anders als noch in den Spider-Man-Spielen steht die eigentliche Geschichte deutlich stärker im Mittelpunkt. Während man sich dort gerne stundenlang in den Aktivitäten der Open World verlieren und die Handlung auch einmal links liegen lassen konnte, folgt Wolverine einem wesentlich geradlinigeren Ansatz. Die Story wird dadurch prominenter inszeniert und wartet mit einigen Überraschungen auf, die sowohl Comic-Fans als auch Leute außerhalb der Marvel-Bubble abholen können.

Besonders interessant wird es, wenn das Spiel seine moralischen Fragen aufmacht. Wie weit darf man gehen, um die eigenen Ideale durchzusetzen? Heiligt der Zweck wirklich jedes Mittel? Und wer sind am Ende überhaupt die Guten und die Bösen?

Wolverine liefert darauf nicht immer einfache Antworten und bringt uns durchaus dazu, Logans eigene Taten und Entscheidungen zu hinterfragen. Gerade diese Grauzonen stehen der Figur hervorragend und verleihen der Geschichte deutlich mehr Gewicht, als man angesichts der ganzen fliegenden Körperteile zunächst vielleicht erwarten würde.

Krallen raus und rein ins Getümmel

Beim Gameplay und insbesondere beim Kampfsystem glänzt Wolverine mit am meisten. Logan ist ein klassischer Nahkämpfer und entsprechend direkt geht es zur Sache. Mit seinen Adamantium-Klingen malträtiert er alles, was sich ihm in den Weg stellt. Das Grundgerüst bleibt dabei relativ simpel: normale Angriffe, Sprintattacken zum nächsten Gegner, Spezialangriffe sowie Parieren und Ausweichen. Mehr braucht es aber auch gar nicht, denn das alles geht hervorragend von der Hand und fühlt sich extrem befriedigend an.

Und Wolverine wäre natürlich nicht Wolverine, wenn die Kämpfe zimperlich ausfallen würden. Blut fließt eimerweise, Gliedmaßen fliegen durch die Gegend und Logan schnetzelt sich teilweise regelrecht durch ganze Gegnerhorden. Gerade hier spielt Insomniac seine große Stärke aus. Fantastische Animationen, fließende Übergänge zwischen den Attacken und die enorme Wucht hinter jedem Treffer sorgen für unglaublich flüssige und fast schon süchtig machende Kämpfe.

Alternativ kann Logan auch seine leisere Seite zeigen und sich an Gegner anschleichen. Das funktioniert grundsätzlich ordentlich, wirkt neben dem hervorragenden Nahkampfsystem aber fast ein wenig wie die langweiligere Alternative. Warum lange verstecken, wenn man dem Gegner auch einfach direkt auf die Mütze geben kann?

Einmal um die halbe Welt

Abseits der Kämpfe fällt die Erkundung ausgesprochen linear aus. Dafür führen uns die einzelnen Abschnitte durch überraschend abwechslungsreiche Schauplätze. Vom fiktiven Insel-Stadtstaat Madripoor über die verschneiten Landschaften Kanadas bis in die verregneten Gassen Tokios bekommt das Auge einiges geboten. Eine Open World sollte man allerdings nicht erwarten – Wolverine führt uns ziemlich geradlinig von einem Schauplatz zum nächsten.

Sammelobjekte gibt es ebenfalls, sie bleiben aber eher Beiwerk. Übersehen kann man sie ohnehin kaum, schließlich blinken und leuchten sie teilweise so auffällig, als würden sie förmlich darum betteln, eingesammelt zu werden. Und damit wären wir bei einem Punkt, über den bei modernen Action-Adventures gerne diskutiert wird: Wolverine nimmt uns ziemlich stark an die Hand.

Eine Duftspur zeigt sehr häufig den Weg zum nächsten Ziel, während weiße Markierungen kaum Zweifel daran lassen, an welcher Wand geklettert oder über welche Kante gesprungen werden soll. Ganz so schlimm, wie die Hilfen hier teilweise dargestellt werden, empfand ich es allerdings nicht. Die Level sind ohnehin derart linear aufgebaut, dass es meistens sowieso nur eine sinnvolle Richtung gibt.

Quick-Time-Events sind auch interessant, diese lösen sich quasi von selbst und bei keiner oder falscher Eingabe werden sie auch „gelöst“. Und nein, die Option für automatische QTEs war natürlich deaktiviert.

Viel Hilfe – wenn man sie möchte

Darüber hinaus lassen sich zahlreiche weitere visuelle Hilfen optional aktivieren. Ob man solche Anzeigen mag oder nicht, bleibt natürlich Geschmackssache. Wer sie benötigt, bekommt hier allerdings viele Möglichkeiten geboten.

Generell verdient Insomniac für die umfangreichen Barrierefreiheitseinstellungen ein großes Lob. Die Auswahl ist wirklich hervorragend und ermöglicht es, zahlreiche Aspekte des Spiels an die eigenen Bedürfnisse anzupassen. Produktionen dieser Größenordnung dürfen sich davon gerne eine große Scheibe abschneiden.

Etwas zusätzliche Abwechslung bringen schließlich die sogenannten Albtraumtüren. Dahinter warten kleinere optionale Herausforderungen, meistens in Form von Kämpfen gegen besondere Gegner oder mehrere Wellen. Gelegentlich steht stattdessen ein kleiner Parcours auf dem Programm. Das ist eine nette Ergänzung für zwischendurch, mehr aber auch nicht.

Hollywood lässt grüßen

Neben den hervorragenden Kämpfen punktet Marvel’s Wolverine vor allem bei seiner Inszenierung. Die bewegt sich über weite Strecken tatsächlich auf Hollywood-Niveau. Besonders die spektakulären Verfolgungsjagden gehören zu den optischen Highlights und lassen es regelmäßig ordentlich krachen. Auch die wenigen Bosskämpfe sind dafür umso aufwendiger inszeniert und bleiben entsprechend im Gedächtnis.

Getestet wurde auf der PlayStation 5 Pro, wo das Spiel im Leistungsmodus konstant die angepeilten 60 FPS hält. Ähnlich soll es auch auf der normalen PlayStation 5 aussehen. Gerade bei den schnellen und teilweise völlig chaotischen Kämpfen ist die stabile Bildrate Gold wert. Diesen Modus würde ich auch im Vergleich zum „Wiedergabetreue“-Modus empfehlen, der nur 30 FPS anpeilt. Alternativ kann noch ein 120-Hz-Anzeigemodus gewählt werden. Mit eingeschalteten „VRR” können Spitzenwerte von 100 fps, in der Regel aber zwischen 70 und 80 fps, auf der PlayStation 5 Pro erreicht werden. Ein entsprechender Monitor oder Fernseher ist natürlich Voraussetzung.

Schön, brutal und butterweich

Auch grafisch zeigt Insomniac erneut, was das Studio aus der PlayStation 5 herausholen kann. Beleuchtung, Reflexionen und insbesondere die Gesichtsanimationen bewegen sich auf einem hervorragenden Niveau. Dazu gesellt sich schickes Raytracing, das gerade die ohnehin beeindruckenden Schauplätze noch einmal aufwertet.

Besonders Logan selbst sieht fantastisch aus. Haare, Bart und natürlich seine ikonischen Koteletten sind derart detailliert dargestellt, dass man gefühlt jedes einzelne Haar zählen könnte. Insomniac hat hier sichtbar viel Arbeit in seine Hauptfigur gesteckt – und das Ergebnis kann sich wirklich sehen lassen.

Technisch hinterließ das Spiel während meines gesamten Testzeitraums ebenfalls einen hervorragenden Eindruck. Bugs, Abstürze oder andere größere Probleme? Fehlanzeige. Kleinere Problemchen sollen laut Entwickler zusätzlich noch mit einem Day-One-Patch behoben werden.

Musikalisch bewegt sich Wolverine ebenfalls auf einem hohen Niveau. Der Soundtrack ist treibend, passend und unterstützt insbesondere die Action hervorragend. Ganz so stark im Gedächtnis wie einige Stücke aus Spider-Man bleibt er für mich allerdings nicht. Seinen Zweck erfüllt er trotzdem mehr als ordentlich.

Grummelig, direkt und irgendwie sympathisch

Die deutsche Synchronisation ist ein zweischneidiges Schwert. Besonders Logan und die anderen Mitglieder von Team X sind gut getroffen, während einige Nebenfiguren qualitativ doch merklich abfallen. Trotzdem ist es schön, dass überhaupt eine vollständige deutsche Vertonung vorhanden ist – bei einer Produktion dieser Größenordnung durfte man das allerdings auch erwarten.

Gerade Logans grummelige Art, wie wir sie aus Filmen, Serien und Comics kennen, fängt die deutsche Stimme erstaunlich gut ein. Der Mann hat nun einmal seine Laster, allen voran den Alkohol, trägt das Herz auf der Zunge und hält mit seiner Meinung selten hinterm Berg. Trotzdem – oder vielleicht gerade deshalb – bleibt Logan genauso sympathisch beziehungsweise unsympathisch, wie wir ihn kennen und lieben.

Fanservice bis in die Koteletten

Generell verneigt sich Insomniac vor zahlreichen Stationen aus Wolverines langer Geschichte. Unzählige Kostüme lassen sich freischalten und Comic-Fans dürften an jeder Ecke kleinere und größere Anspielungen entdecken. Selbst Verweise auf Spider-Man fehlen nicht. Gleichzeitig findet sogar die zeitgenössische Meme-Kultur ihren Platz. Stichwort: „Wolverine Remember“. Wer tief im Marvel-Kosmos steckt, bekommt hier einiges zu entdecken.

Beim Schwierigkeitsgrad stehen insgesamt fünf Stufen zur Auswahl, zusätzlich lassen sich einzelne Parameter noch einmal separat anpassen. Damit sollte für nahezu alle SpielerInnen etwas Passendes dabei sein. Auf dem normalen Schwierigkeitsgrad fällt das Abenteuer allerdings stellenweise sogar etwas zu leicht aus – gerade angesichts dessen, wie erbarmungslos Logan auf dem Bildschirm eigentlich zu Werke geht.

Kürzer, dafür ohne große Umwege

Wer in einem normalen Tempo spielt, sollte nach etwa 15 bis 17 Stunden den Abspann erreichen. Damit fällt Wolverine etwas kürzer aus als die Spider-Man-Abenteuer von Insomniac, wobei der Vergleich natürlich etwas hinkt: Schließlich verzichtet Logan komplett auf eine Open World und setzt stattdessen auf ein deutlich lineareres Erlebnis.

Für meinen Geschmack geht der Umfang damit vollkommen in Ordnung. Wer nach dem Abspann noch nicht genug vom Krallenschwingen hat, bekommt außerdem ein New Game+ spendiert und kann sich ein weiteres Mal durch Logans Abenteuer schnetzeln.

Diese Krallen hinterlassen Eindruck

Bildmaterial: Marvel’s Wolverine, Sony, Insomniac Games

Der Beitrag Im Test! Marvel’s Wolverine ist messerscharf, aber nicht ohne Kratzer erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Star Wars Zero Company
	27. August 2026
	Electronic Arts
	27. August 2026
	Electronic Arts
	27. August 2026
	Electronic Arts
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	1.1
Entwickler	Bit Reactor, Respawn Entertainment
Genres	Rundenbasierte Taktik-Strategie
Texte
Vertonung

Das Star-Wars-Franchise erfreut sich nach wie vor extrem großer Beliebtheit, speziell unter Sci-Fi-Fans. Neben der Racer-Variante „Star Wars: Galactic Racer“, welche am 6. Oktober dieses Jahres erscheinen soll, haben wir mit der kürzlich erschienenen Taktik-Strategie-Variante Star Wars Zero Company erstmals sogar ein taktisches Star-Wars-Abenteuer im Stile eines XCOM erhalten.

Der US-amerikanische Entwickler und Strategie-Experte „Bit Reactor“ fungierte als Entwickler bei diesem vielversprechenden Projekt. Innerhalb dieses begabten Entwicklerteams befinden sich unter anderem auch ehemalige XCOM-, Gears-of-War- und Civilization-Entwickler. Für genügend Expertise, vor allem im Taktik-Genre, ist also bestens gesorgt.

Das auf Basis der leistungsstarken Unreal Engine 5 entwickelte Taktik-Strategiespiel erschien am 27. August für PS5, Xbox Series und PCs und in unserem ausführlichen Test verraten wir euch nun, ob sich ein Ausflug in taktische Star-Wars-Gefilde lohnt oder ob man sich diesen intergalaktischen Trip besser sparen sollte.

Das Ende der Klonkriege und die Ausrufung des Imperiums stehen bevor

In Star Wars Zero Company übernehmen wir die Rolle eines ehemaligen Offiziers der Republik, „Hawks“. Dieser befehligt nun eine Söldnertruppe gegen Ende der Klonkriege. Die Ausrufung des galaktischen Imperiums steht kurz bevor und unsere Spezialeinheit, die „Zero Company“, muss alles dafür tun, den Ausgang dieses verheerenden Krieges vielleicht doch noch zum Guten zu wenden.

Eines Tages erhält die Zero Company den Auftrag eine Separatistensekte aufzuspüren. Diese geheimnisvolle Sekte ist jedoch nicht das Einzige, mit dem sich unsere Gruppe aus Spezialisten herumschlagen muss. Auch eine geheimnisvolle Krankheit, die sogenannte „Schattenplage“, macht es unserem Trupp nicht gerade einfach, diese waghalsige Mission zu einem guten Abschluss zu bringen.

Unzählige waghalsige und äußerst gefährliche Missionen quer durch die Galaxis erwarten die Mitglieder der Zero Company. Aber genau dafür wurde diese Gruppierung ja schließlich auch gegründet.

Taktisches Vorgehen steht an erster Stelle

Bei Star Wars Zero Company handelt es sich um ein Taktik-Strategie-Abenteuer im Stile eines XCOM. Im Klartext heißt das, das Spiel wird in der Top-Down-Perspektive gespielt und die Spielrunden selbst laufen rundenbasiert ab.

Am Anfang einer jeden Runde hat man also eine bestimmte Anzahl an Zügen pro Charakter zur Verfügung. Sind diese Züge aufgebraucht, beendet man die Runde per Knopfdruck. Anschließend absolviert die KI, also die gegnerischen Einheiten, die zur Verfügung stehenden Züge.

Je nach Situation fallen diese mal mehr und mal weniger intelligent gewählt aus. Hier entscheidet natürlich auch der ausgewählte Schwierigkeitsgrad über die gewählten Entscheidungen, die die KI trifft. Hat man einen niedrigeren Schwierigkeitsgrad ausgewählt, fallen die Züge recht oft weniger geschickt aus, um es uns etwas leichter zu machen.

Speziell für das Star-Wars-Franchise ist ein Titel in diesem Genre also ein absolutes Novum. Viele Jahre träumten Star-Wars- und XCOM-Fans jedoch bereits von einer Kreuzung des Franchise und des Genres und nun haben wir diese Wunschfantasie mit Star Wars Zero Company endlich erfüllt bekommen. Und eines kann man getrost sagen: Diese Kombination passt wirklich wie die Faust aufs Auge.

Viele Upgrademöglichkeiten schaffen Raum für taktische Finesse

Zum ohnehin schon sehr taktisch ausgelegten Gameplay-System kommen noch eine Vielzahl an Upgrade- und Anpassungsmöglichkeiten hinzu. Zum einen haben wir natürlich stets die Möglichkeit, unseren Trupp anzupassen, verschiedene neue Agenten zu rekrutieren und sogar deren Beziehungen untereinander zu stärken, um den Zusammenhalt in der Gruppe noch weiter auszubauen. Das stärkt nicht nur jeden einzelnen Mitstreiter, sondern am Ende die gesamte Gruppe.

Obendrein haben wir jedoch auch die Möglichkeit, die Fähigkeiten unserer Crewmitglieder und sogar deren Bewaffnung anzupassen. Neben verschiedenen Waffenmodifizierungen können wir ebenfalls die Outfits unserer Gruppenmitglieder anpassen. Den kreativen und taktischen Entfaltungsmöglichkeiten sind also kaum Grenzen gesetzt.

Zwischen den fordernden Kämpfen schaltet das Spiel außerdem in die Third-Person-Perspektive. So fühlt sich das Spielgeschehen dann gleich noch eine Spur immersiver an. In diesem Third-Person-Modus können wir uns dann bis zum nächsten Kampfschauplatz durch das jeweilige Areal bewegen. Treffen wir allerdings wieder auf feindlich gesinnte Einheiten, schaltet das Spiel wieder in die Taktik-Perspektive. Ein interessanter Kniff, der den recht starren Taktik-Ansatz von Zero Company etwas auflockert und uns das Abenteuer nicht nur in der Taktik-Perspektive erleben lässt.

Zwischen den Missionen finden wir uns im Hub wieder

Unser Hauptquartier ist der Dreh- und Angelpunkt der Zero Company. Denn hier entscheiden wir wohlüberlegt, auf welche Mission wir uns als Nächstes begeben oder welche Mitstreiter wir auf diverse Zusatzmissionen aussenden, um weitere Ressourcen zu erhalten.

Sollte ein Mitstreiter während einer Mission mal schwerer verletzt werden, wird dieser auf unsere hauseigene Krankenstation geschickt. Die nun anstehende Genesungszeit können wir auf Wunsch und mit Hilfe des Einsatzes von Ressourcen sogar beschleunigen und somit abkürzen. Ein weiterer taktischer Kniff, den es jederzeit zu bedenken gilt.

Ebenso werden alle Anpassungsmöglichkeiten innerhalb des Hubs erledigt und ausgewählt. Auch halten sich unsere Crewmitglieder in diesem Hub auf. Zwischen den Missionen kann man mit diesen Mitgliedern dann sogar hin und wieder ein Pläuschen halten. Diese kurzen Unterhaltungen treiben die Geschichte teils weiter voran und verschaffen uns auch zusätzliche Informationen über die Mitglieder selbst.

Permadeath-Modus für hartgesottene Taktik-Fans

Für absolute Hardcore-XCOM- und Taktik-Fans haben die Entwickler von Bit Reactor etwas Besonderes eingebaut. Denn der sogenannte „Permadeath“-Modus sorgt nämlich dafür, dass verstorbene Charaktere unserer Gruppe auch tot bleiben. Das heißt: Verliert man einen Charakter auf und während einer Mission, ist dieser unwiderruflich ausgelöscht und kann auch nicht mehr wiederbelebt werden. Jede Entscheidung kann also weitreichende und einschneidende Folgen haben, die das zukünftige Spielgeschehen maßgeblich beeinflussen.

Dieser Modus sollte allerdings mit Bedacht gewählt werden, da man sich, speziell bei zu unüberlegtem Vorgehen, schnell den gesamten Spielverlauf ruinieren kann und theoretisch von Neuem beginnen muss, wenn man einen bestimmten Charakter am digitalen Leben erhalten möchte. Auf Wunsch kann der Permadeath-Modus aber natürlich auch deaktiviert werden.

Detaillierte und schön anzusehende Optik trifft auf störende Nachladeruckler

Die technische Seite von Star Wars Zero Company ist leider ein recht zweischneidiges Schwert. Zum einen sieht die Optik, die auf der Unreal Engine 5 basiert, wirklich toll und sehr detailreich aus. Die Spielwelten und Areale strotzen regelrecht vor kleinen Details. Die Liebe zum Detail merkt man dem Titel also quasi pausenlos an und die typische Star-Wars-Atmosphäre wird auch wunderbar transportiert.

Zum anderen wäre da allerdings noch die eher durchwachsene Performance, die das Spielgeschehen hin und wieder doch mal etwas ruckelig wirken lässt. Die Performance-Einbrüche sind allerdings keine typischen FPS-Drops, wie man im ersten Moment vielleicht meinen würde. Vielmehr handelt es sich um eine Art Nachladeruckler, wenn man beispielsweise im Spielareal voranschreitet. Interessant ist hierbei die Tatsache, dass wir die PS5- und die PC-Version testen konnten und beide Versionen dieselben Verhaltensmuster diesbezüglich an den Tag legen. Man kann also definitiv ausschließen, dass es sich um Ruckler aufgrund von eventuellen Hardwaredefiziten handelt.

Alles in allem sieht Star Wars Zero Company aber toll aus und spielt sich auch so. Die immer mal wieder auftretenden Ruckler müssten zwar nicht sein, stören den eigentlichen Gameplay-Ablauf aber im Endeffekt nicht. Dieses Problem könnten die Entwickler mit einem zukünftigen Patch natürlich auch noch verbessern oder sogar komplett in den Griff bekommen.

Kultiger Soundtrack, knallige Effekte und ordentliche Synchronisation ergeben ein ordentliches akustisches Gesamtbild

Wie üblich für ein Star-Wars-Videospiel darf natürlich auch bei Zero Company der absolut kultige und äußerst beliebte Star-Wars-Soundtrack nicht fehlen. Dieser untermalt die actionreichen Szenen stets wunderbar und lässt zu jeder Sekunde pures Star-Wars-Feeling aufkommen. So muss es sein.

Aber auch die toll abgemischten, knalligen und stets passenden Soundeffekte runden das Spielgeschehen stets wunderbar ab. Obendrauf gibt es noch eine ordentliche und sauber umgesetzte Synchronisation, die auch größeren Projekten in nichts nachsteht. Was will man als eingefleischter Star-Wars-Fan denn auch mehr?

Star Wars ist erfolgreich im Taktik-Strategie-Genre angekommen

Bildmaterial: Star Wars Zero Company, Electronic Arts, Bit Reactor, Respawn Entertainment

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Titel	Orbitals
	3. September 2026
	Kepler Interactive
	3. September 2026
	Kepler Interactive
	3. September 2026
	Kepler Interactive
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Versionsnummer	1.1.0.0-166471
Entwickler	Shapefarm
Genres	Puzzle-Adventure, Koop-Spiel
Texte
Vertonung

Bereits im Juli konnte uns Orbitals beim Anspiel-Event begeistern. Uns war ein kurzer Einblick vergönnt, der vor allem auf optischer Seite begeisterte und Nostalgie zu alten Anime-Serien aufkommen ließ. Das exklusiv für Switch 2 erscheinende Koop-Erlebnis von Kepler Interactive und Shapefarm lädt endlich dynamische Duos weltweit zu einem Abenteuer ein. Wir haben uns die Vollversion noch einmal vorgeknöpft und geprüft, ob es über den ersten Eindruck hinaus weiterhin begeistern kann. Was dabei herauskam, erfahrt ihr hier im Test.

Eine galaktische Heldengeschichte

Gleich zu Beginn sind wir mitten im Geschehen. Wo auch immer wir sind, es geht drunter und drüber. Erschütterungen und Explosionen lassen vermuten, dass wir gerade in einer heiklen Situation stecken. Ein Mann namens Togen steckt die beiden Protagonisten Maki und Omura, in deren Rollen wir schlüpfen, in eine mysteriöse Vorrichtung.

Wie sich herausstellt, handelt es sich dabei um I.M., Maschinen, die das Bewusstsein von Personen speichern. Über ein weiteres Gerät können die Körper beliebig oft wiederhergestellt werden, solange das Bewusstsein im I.M. unbeschädigt bleibt. Eine clevere Erklärung für die zahlreichen Tode, die wir zukünftig noch sterben werden!

Fünfzehn Jahre später ist aus Maki eine chaotische Mechanikerin und aus Omura ein besonnener Kartograph geworden. Gemeinsam brechen die beiden mit ihrem Raumschiff auf, um im All nach wertvollen Ressourcen zu suchen. Sie wollen zu Helden werden, die alle in der Raumstation schützen, die den schweren kosmischen Sturm damals überlebt haben. Und dabei bleibt ihnen nicht viel Zeit, denn die nächste Bedrohung scheint schon unmittelbar bevorzustehen.

Detailverliebtheit over 9000

Der Übergang von Zwischensequenzen zu Gameplay ist so fließend, dass wir erst einmal ein paar Sekunden brauchen, um uns aufs Spielen einzustellen. Eben haben wir noch einen traditionell handgezeichneten Anime im klassischen 80er-Jahre-Look geschaut und schon dürfen wir selbst erkunden. Bereits nach den ersten Schritten zeigt sich der hohe Grad an Detailverliebtheit.

Obwohl die Spielumgebung aus 3D-Modellen besteht, fühlt sich das gesamte Spiel handgezeichnet an. Das liegt vor allem an den cleveren Methoden, durch die ein echtes Retrofeeling entsteht. Die Charaktere bewegen sich mit zwölf bis vierundzwanzig Bildern die Sekunde, genau wie es bei alten Animationen der Fall war. Dazu kommen noch optische Effekte wie pastellige Farben, Körnungsfilter und chromatische Aberrationen, also leichte farbliche Verzerrungen, die alte Röhrenfernseher simulieren.

Aber nicht nur die Grafik haut uns bei Orbitals vom Hocker. Die Spielwelt strotzt nur so vor Leben. Überall wuseln Personen und Tiere herum und gehen ihrem Tagwerk nach. An jeder Ecke gibt es für uns kleinere Interaktionen wie Katze streicheln, Geräte begutachten oder auf einem Sofa lümmeln, die zum Erkunden und genauen Betrachten der Umgebung einladen.

Auch die ein oder andere Anspielung auf bekannte Serien und Spiele darf nicht fehlen. Im Laufe des Spiels wird auch unser Raumschiff immer belebter und die zahlreichen freischaltbaren Minispiele sind willkommene Verschnaufpausen zwischen den einzelnen Episoden.

Ein gutes Spieltempo

Orbitals ist nämlich wie ein Anime in mundgerechte Häppchen aufgeteilt, wobei jede Episode einem Abenteuer mit einer neuen Umgebung entspricht. Mal erkunden wir Asteroidenfelder, dann verschlägt es uns in eine Mine oder in eine von Eis überzogene Station. Dabei haben wir unterschiedliche Werkzeuge wie Greifhaken, Wasserwerfer oder Laserkanone dabei, um die zahlreichen Rätseleinlagen zu lösen.

Die Steuerung beschränkt sich dabei auf wenige Tasten und durch den Splitscreen können wir jederzeit sehen, was die jeweils andere Person gerade macht, ohne unser eigenes Sichtfeld beim Erkunden einzuschränken oder räumlich aneinander gebunden zu sein. Allerdings gibt es auch nicht viel Spielraum sich voneinander zu entfernen, da die Level sehr linear aufgebaut sind.

Dies fällt allerdings nicht negativ ins Gewicht, da die Aufgabendichte sehr hoch ist. Gelegentlich wird der Weg auch durch Perspektivwechsel aufgelockert, bei denen wir unter anderem von einer 3D-Umgebung zu einer 2D-Sidescroller-Perspektive wechseln.

Zusätzlich gibt es noch die Raumschiffpassagen, bei denen wir durchs All fliegen und auf Hindernisse und Geschütze schießen. In diesen Momenten wird die Einschränkung beim Erkunden wesentlich deutlicher. Allgemein sind die Raumschiffabschnitte schwächer als die einzelnen Level am Boden. Das Schießen fühlt sich nicht sehr genau an, beziehungsweise ist die Treffertoleranz sehr niedrig. Vor allem, weil die andere Person parallel das Raumschiff steuert und durch Ausweichmanöver das Zielen erschwert. Auch fehlt uns dieser gewisse Wumms hinter den Angriffen.

Kreative Knobelaufgaben

Als langjährige Fans von Zelda und Professor Layton kommen wir meist recht schnell auf die Lösung der Rätsel. Wer nicht so rätselversiert ist, könnte etwas länger brauchen. Bis auf eine Stelle fanden wir die Rätsel aber immer sehr gut konzipiert, nach kurzem Herumprobieren war eigentlich immer klar, was zu tun ist.

Bei der Umsetzung sieht es dann schon etwas anders aus. Manche Stellen sind wirklich knifflig, denn gutes Timing und Absprache sind entscheidend. So leiten wir beispielsweise den jeweils anderen mit dem Wasserwerfer durch Gänge voller Lava oder aktivieren mit dem Laser Plattformen, damit die andere Person über Abgründe springen kann.

Auch wenn wir teils mehrere Anläufe brauchen, kommt niemals Frust auf. Denn jedes Rätsel hat gut platzierte, unsichtbare Checkpoints, durch die wir schnell wieder einsteigen können. So sind auch längere Rätseleinlagen gut machbar. Leider gibt es keine Möglichkeit manuell zu speichern, falls man spontan einmal unterbrechen möchte oder muss. Das Spiel speichert bei größeren Meilensteinen oder am Ende einer Episode immer automatisch. Beim lokalen Spiel fällt dies weniger ins Gewicht, nur beim Online-Koop oder über Gameshare sollte man sich entsprechend Zeit einteilen.

Freunde gesucht

Hier liegt auch die Krux des Spiels: Orbitals bietet bewusst keinen Solomodus an, das Spiel ist explizit für zwei Spieler konzipiert worden. Begründet wurde diese Entscheidung damit, dass die Entwickler das nostalgische Gefühl replizieren wollten, als Kind gemeinsam mit Freunden eine Serie geschaut oder nebeneinander ein Spiel erlebt zu haben. Um das gemeinsame Spielen zu ermöglichen, stehen einige Optionen zur Verfügung. An sich braucht nur eine Person die Vollversion.

Im lokalen Koop wird gemeinsam an einem Gerät gespielt. Über Gameshare kann lokal oder online mitgespielt werden, hierbei wird die Vollversion auf das Gerät der mitspielenden Person gestreamt. Das funktioniert sowohl mit der originalen Switch als auch mit der Switch 2.

Zu guter Letzt gibt es online auch noch die Option über die Freunde-Pass-App zu spielen. Diese Version ist exklusiv für Switch 2 und funktioniert wie Gameshare, enthält aber den zusätzlichen Bonus einer Demoversion. Bis auf geringfügig längere Ladezeiten spielt sich Orbitals in allen Varianten gleich gut und läuft durchweg flüssig.

Da wird gerne hingehört

An dieser Stelle wollen wir noch auf die grandiose Vertonung von Orbitals eingehen. Für jede der acht verfügbaren Sprachen gibt es auch eine vollständige Vertonung. Für euch haben wir in die japanische, englische und deutsche Synchronfassung reingehört. Dabei ist uns die durchweg hohe Qualität aufgefallen. Darunter sind hochkarätige Sprecher und Sprecherinnen aus der Branche, die ihr vermutlich bereits aus Anime oder Spielen kennt.

Im Japanischen wäre das beispielsweise Ryota Osaka als Omura, der zuletzt Elliot aus The Adventures of Elliot: The Millennium Tales oder Gyutaro aus Demon Slayer gesprochen hat. Im Englischen könnt ihr Rebecca Wang als Maki hören, die unter anderem Mary aus Trails in the Sky 1st Chapter oder Carina aus Fire Emblem Shadows ihre Stimme lieh. Oder auch Stephen Fu als Togen, der die englische Stimme von Doma aus Demon Slayer oder dem männlichen Spielercharakter aus Code Vein II ist.

Deutsche Fans können sich über Franciska Friede als Maki freuen, die unter anderem auch Killjoy in Valorant oder Irelia aus League of Legends gesprochen hat. Tim Knauer als Omura ist auch für seine Sprechrollen als Loid Forger aus Spy x Family, Tengen Uzui aus Demon Slayer und Benimaru aus Fire Force bekannt. Vincent Fallow als Togen dürfte den meisten als Clive Rosfield aus Final Fantasy XVI oder als Twice aus My Hero Academia begegnet sein. Durchweg hervorragende Besetzungen, die den Charakteren viel Leben und Persönlichkeit einhauchen.

Macht echt Laune und Lust auf mehr

Bildmaterial: Orbitals, Kepler Interactive, Shapefarm

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Titel	The Blood of Dawnwalker
	3. September 2026
	Bandai Namco
	3. September 2026
	Bandai Namco
	3. September 2026
	Bandai Namco
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	1.002
Entwickler	Rebel Wolves
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Das vielversprechende Vampir-Action-Rollenspiel The Blood of Dawnwalker aus dem Hause Rebel Wolves beziehungsweise Bandai Namco ist das neueste Projekt ehemaliger CD-Projekt-RED-Mitarbeiter. Denn der leitende Produzent des Titels ist kein Geringerer als Konrad Tomaszkiewicz, der auch schon bei „The Witcher 3: Wild Hunt“ das Heft in der Hand hatte. Dementsprechend hoch sind auch die Erwartungen an das neueste Projekt.

Aufgrund verschiedener Umstände hatte sich Tomaszkiewicz von seinem ehemaligen Studio CD Projekt RED getrennt. Mit ihm verließen auch weitere ehemalige Mitarbeiter des Witcher- und Cyberpunk-Studios ihren Arbeitgeber und fanden sich im 2022 neu gegründeten, ebenfalls in Polen ansässigen, Entwicklerstudio Rebel Wolves wieder.

Der erste Trailer zu The Blood of Dawnwalker erschien im Januar des Jahres 2025. Das Dark-Fantasy-Rollenspiel im Sandbox-Stil mit Mittelalter-Setting fand sofort großen Anklang bei der Spielerschaft und so war das Interesse am Debüt-Titel von Rebel Wolves direkt sehr groß. The Blood of Dawnwalker wurde außerdem auf Basis der Unreal Engine 5 entwickelt. Um eine opulente und eindrucksvolle grafische Präsentation braucht man sich daher jedenfalls keine Sorgen zu machen.

Das Vampir-Abenteuer The Blood of Dawnwalker erscheint am 3. September für PS5, Xbox Series und PCs. Was wir vom Erstlingswerk des polnischen Entwicklers Rebel Wolves halten und ob sich ein Kauf direkt zum Launch lohnt, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Review.

Eine grausame Plage und die einzige Rettung in Form von Blut

Die Geschichte von The Blood of Dawnwalker spielt im 14. Jahrhundert im fiktiven Königreich „Vale Sangora“ in den Karpaten. Das Setting von The Blood of Dawnwalker ist außerdem sehr von Mythen, archäologischen Funden und altertümlichen Gebäuden und Strukturen von Ungarn, Rumänien und den Karpaten inspiriert.

Inmitten dieser dunklen Zeit der Menschheitsgeschichte wird die menschliche Rasse von einer Plage heimgesucht. Daraufhin befiehlt der König des Reichs die Exekution aller betroffenen und infizierten Menschen. Der uralte Vampir „Brencis“ übernimmt daraufhin die Kontrolle über das Königreich und regiert fortan mit seiner vampirischen Gefolgschaft das Reich.

Der furchteinflößende Vampir-Clan herrscht nun über Vale Sangora und hält die Menschen sozusagen als Untertanen. Als Geschenk erlässt Brencis den Menschen alle Steuern und sonstigen Verpflichtungen, um diese etwas zu entlasten, so scheint es im ersten Moment. Allerdings verspricht er ihnen auch, etwas vom vampirischen Blut zu erhalten. Denn dieses besagte Vampirblut ist in der Lage, die Menschen vor der sich ausbreitenden Plage zu schützen. Durch das Einnehmen des Bluts wird man sozusagen immun gegen die Krankheit.

Im Zuge dessen fordert der neue König des Reichs allerdings die sogenannte „Blutsteuer“ ein. Bei einer feierlichen Zeremonie, die monatlich stattfindet, werden alle erwachsenen Bürger des Reichs zu einer „Blutspende“ gezwungen. Bei dieser Zeremonie sterben allerdings regelmäßig die Alten und Schwachen aufgrund des doch recht hohen Blutverlusts. Nach und nach macht sich allerdings Aufruhr unter den menschlichen Bewohnern des Reichs bemerkbar und nun wollen sie diese Tyrannei unter der vampirischen Herrschaft nicht länger dulden und explizit dagegen vorgehen.

Unter diesen Bürgern befindet sich auch der junge „Coen“. Coen hat, zusammen mit seinem Vater und seinen Geschwistern, Angst um seine Mutter, da diese unter einer seltenen Krankheit leidet und früher oder später durch besagtes Ritual sterben wird. Nach einem tragischen Vorfall wird Coen jedoch selbst zu einem Vampir – einem sogenannten „Dawnwalker“. Halb Vampir und halb Mensch wandelt Coen nun zwischen den Rassen und muss sich fortan beider Stärken und Schwächen bewusst werden, um am Ende dem Vampirkönig Brencis und seiner vampirischen Gefolgschaft das Handwerk zu legen.

Action-Rollenspiel mit dem gewissen vampirischen Biss

The Blood of Dawnwalker ist im Kern ein Action-Rollenspiel, wie man es zum Beispiel von „The Witcher“ her kennt. In einer relativ großen Spielwelt erledigen wir neben den wirklich toll inszenierten Hauptquests auch allerlei Nebenquests und andere Aktivitäten. Langeweile ist hier also definitiv ein Fremdwort, da es wirklich enorm viel zu tun gibt.

Auch der Spielablauf selbst erinnert sehr an The Witcher 3: Wild Hunt, was keinesfalls negativ gemeint ist. Immer wieder finden wir uns auch in hektischen Kämpfen wieder. Diese laufen allerdings ein ganzes Stück taktischer ab, als es noch bei der Witcher-Reihe der Fall war. Denn blindes Button-Mashing führt hier leider nur selten zum Erfolg. Stattdessen müssen wir uns mit dem, speziell am Anfang, etwas ungewöhnlichen, aber dennoch irgendwie auch genialen Kampfsystem vertraut machen. Neben unterschiedlichen Angriffsmöglichkeiten will auch die Block-Mechanik zuerst mal verstanden und erlernt werden. Ein ganz neuer Ansatz im Genre und definitiv gelungen, möchte ich behaupten.

Aber auch andere Spezial-Moves wie etliche vampirische Fähigkeiten können nach und nach erlernt und effektiv genutzt werden. Gerade diese vampirischen Fähigkeiten sind es, die das Kampfsystem dann doch noch mal deutlich von anderen Genrekollegen abheben und besonders wirken lassen. Alles in allem macht The Blood of Dawnwalker also wirklich Spaß und speziell die Erkundung der weitläufigen Spielwelt ist wirklich äußerst immersiv und toll zu spielen.

Eine weitere Besonderheit ist außerdem die Tatsache, dass sich die Spielwelt um uns herum je nach den Entscheidungen, die wir treffen, an unseren Spielstil anpasst. Trifft man beispielsweise während eines Dialogs eine negative Entscheidung, kann sich das auch auf den späteren Spielablauf auswirken. Immersiv und auf jeden Fall toll eingebunden.

Etwas wirre Inventargestaltung machte mir zu schaffen

Einzig und allein der Umstand, dass sich die Gestaltung der Menüs und des Inventars, zumindest für mich, etwas wirr und unnötig kompliziert anfühlt, hätte ich als ernsthaften negativen Aspekt anzumerken. Wie auch schon bei The Witcher 3: Wild Hunt überfordert mich das Inventar und dessen Gestaltung bei The Blood of Dawnwalker etwas. Das kann natürlich auch persönliche Präferenz sein, dennoch hätte ich mir hier und da vielleicht etwas mehr Anpassungsmöglichkeiten dafür gewünscht.

Technisch nicht immer Spitze, aber auch nie wirklich schlecht

Entwickelt wurde The Blood of Dawnwalker auf Basis der Unreal Engine 5. Aufgrund der großen Spielwelt und der vielen Details, die das Spiel zu bieten hat, rackert sich die Engine bei diesem Titel aber ganz schön einen ab. Bemerkbar macht sich das vor allem im Performance-Modus, hier „ausgeglichener Modus“ genannt. Denn die 60 FPS werden hier nur relativ selten und nur in relativ ruhigen Szenen dauerhaft gehalten. Ansonsten bewegen sich die Frames wohl eher im Bereich zwischen 45 und 55 Frames, möchte ich behaupten.

Im Qualitäts-Modus setzt das Spiel die 30-FPS-Marke ein und wie man es von diesem Modus gewohnt ist, erhöht sich dann zwar die Auflösung etwas, dennoch fühlt sich das Spiel aufgrund der verringerten Frames auch deutlich langsamer an.

Unabhängig von den Frames sieht der Titel jedoch stets fantastisch aus und kann mit unheimlich vielen Details, schönen Charaktermodellen und beeindruckenden Licht- und Schatteneffekten glänzen. Allen voran ist es aber die spektakuläre Weitsicht, die wirklich zu begeistern weiß. Optisch ist das Spiel also durchaus gelungen, hätte aber hier und da vielleicht noch etwas Zeit für die finale Optimierung gebraucht. Von einem technischen Desaster sind wir aber dennoch meilenweit entfernt.

Die hochkarätige Präsentation, angefangen beim Charakterdesign bis hin zum Design der Spielwelt selbst, wirkt sehr hochwertig. Man merkt dem Titel definitiv an, dass hier Veteranen der Games-Branche am Werk waren. Das Spiel strotzt nur so vor kleinen Details, die es zu entdecken gilt. Gerade Spieler, die wirklich Lust auf ein umfangreiches Action-Fantasy-Abenteuer haben, können hier wirklich darin versinken.

Auch tonal ein düsteres Erlebnis, das zu begeistern weiß

Akustisch kann The Blood of Dawnwalker ebenfalls begeistern. Neben dem epochalen Soundtrack können auch die Effekte und die Synchronsprecher auf ganzer Linie überzeugen. Man merkt hier deutlich, dass großer Wert auf eine hochwertige Vertonung gelegt wurde und gerade die Synchronsprecher machen einen fantastischen Job und verleihen dem Titel den nötigen Biss. Tonal gibt es also nichts auszusetzen.

Ein düsteres Vampir-Spektakel mit dem gewissen Biss

Bildmaterial: The Blood of Dawnwalker, Bandai Namco, Rebel Wolves

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Titel	Onimusha: Way of the Sword
	4. September 2026
	Capcom
	4. September 2026
	Capcom
	4. September 2026
	Capcom
System	PlayStation 5, Xbox Series, Nintendo Switch 2, PC
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	1.000.001
Entwickler	Capcom
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Mit der Onimusha-Reihe schuf der japanische Publisher und Entwickler Capcom Anfang der 2000er-Jahre das bis dato Unerreichte. Denn die talentierten Entwickler kombinierten die bewährte Survival-Horror-Formel der Resident-Evil-Reihe mit einem feudalen Japan-Setting. Das Ergebnis war ein packendes Samurai-Abenteuer mit Horror-Elementen, einem coolen Hauptcharakter und ordentlich Monster-Gemetzel.

Onimusha: Warlords war seinerzeit sogar einer der ersten größeren Blockbuster-Titel, der auf Sonys damaliger neuen Konsole, der PlayStation 2, erschien. Durch den enormen Erfolg von Onimusha: Warlords war ein Fortbestehen der Reihe quasi gesichert und schon im Jahre 2002 folgte mit Onimusha 2: Samurai’s Destiny der Nachfolger. Hier übernahmen wir allerdings die Rolle eines neuen Hauptcharakters und folgten einem anderen Story-Strang.

In den folgenden Jahren erschienen mit „Onimusha Blade Warriors“, „Onimusha Tactics“ und „Onimusha 3: Demon Siege“ gleich zwei Spin-offs und ein vollwertiger Nachfolger der Reihe. Im Jahre 2006 fand die Reihe dann leider mit „Onimusha: Dawn of Dreams“ ihr vorzeitiges Ende. Grund hierfür waren wohl in erster Linie die eher durchwachsenen Kritiken, die dieser Titel erhielt.

Erst im Zuge der Game Awards 2024 wurde bekanntgegeben, dass sich ein neuer Onimusha-Ableger in der Entwicklung befindet. Ursprünglich sollte der vielversprechende Titel am 25. September für PS5, Xbox Series, Nintendo Switch 2 und PCs erscheinen. Das Erscheinungsdatum wurde dann allerdings aufgrund nicht näher genannter Umstände auf den 4. September vorverlegt.

Der neueste Teil der Reihe hört auf den Namen Onimusha: Way of the Sword und wurde auf Basis der Capcom-hauseigenen „RE Engine“ entwickelt. Neben dem Überraschungshit „Pragmata“ wurden beispielsweise auch die letzten Resident-Evil-Ableger inklusive der beiden Remakes von Teil zwei und drei auf Basis dieser Engine entwickelt.

Ob uns das hochkarätige Samurai-Abenteuer begeistern konnte und wie weit sich der neueste Ableger von der ursprünglichen Reihe entfernt hat, erfahrt ihr natürlich wie immer in unserem ausführlichen Review.

Der größte Schwertkämpfer der Geschichte auf einem dämonischen Höllentrip

In Onimusha: Way of the Sword übernehmen wir die Rolle des Miyamoto Musashi, des wohl legendärsten Schwertkämpfers des feudalen Japans. Musashi befindet sich auf dem Weg, der beste Schwertkämpfer des Landes zu werden, und bereist daher ganz Japan, um die Meister der talentiertesten Schwertkampf-Schulen zu einem Duell herauszufordern und sein Können unter Beweis zu stellen.

Eines Tages gerät unser Held Musashi jedoch zwischen die Fronten eines dämonischen Konflikts und findet sich schon bald in einer äußerst misslichen Lage wieder. Denn nun muss sich Musashi nicht nur mit menschlichen Widersachern auseinandersetzen, sondern auch mit den finsteren Kreaturen der Unterwelt. Diese Ausgeburten der Hölle werden „Genma“ genannt und stellen eine massive Bedrohung für die menschliche Rasse dar.

Als ein tragischer Vorfall Musashi quasi dazu zwingt, den schier endlosen Kampf mit diesen Kreaturen der Unterwelt aufzunehmen, da er sonst selbst sterben würde, nimmt er allen Mut zusammen und stellt sich dieser übermenschlichen Herausforderung. Auf seinem beschwerlichen Weg stehen Musashi jedoch allerlei Gefährten zur Seite. Ein Konflikt, der über das Fortbestehen der Menschheit entscheidet, beginnt.

Neues Kampfsystem unterscheidet sich komplett von den Vorgängern

Speziell in Sachen Kampfsystem unterscheidet sich der neueste Ableger der Reihe quasi komplett von seinen Vorgängern. Wo die damaligen Onimusha-Ableger noch sehr Resident-Evil-artig ausfielen, spielt sich Onimusha: Way of the Sword logischerweise deutlich moderner und flexibler. Natürlich gibt es nun auch keinen Bild-in-Bild-Levelaufbau mehr. Das relativ starre Kampfsystem der Vorgänger ist also Geschichte.

Die Kämpfe laufen durch verschiedene Kombo-Möglichkeiten nun deutlich taktischer ab und je nach Gegnertyp, der uns gerade gegenübersteht, müssen wir uns im Kampf natürlich sofort an die jeweilige Situation anpassen. Richtig interessant wird es dann, wenn wir mehrere verschiedene Gegnertypen vor uns haben. Denn dann müssen wir während des Kampfes schnell adaptieren und uns den jeweiligen Gegebenheiten anpassen. Genau das ist es jedoch auch, was das Kampfsystem von Onimusha: Way of the Sword so speziell und gleichzeitig auch so spaßig macht. Denn kaum ein Kampf läuft gleich ab. Vorbereitung ist also nur in gewissem Maße möglich.

Obendrauf bietet uns der Oni-Handschuh einen weiteren taktischen Kniff. Denn jeder gefallene Gegner, so klein er auch sein mag, hinterlässt nach seinem digitalen Tod ein paar Seelen. Diese Seelen können wir mit Hilfe unseres Oni-Handschuhs einsaugen und uns später sogar zunutze machen. Denn mit diesen gesammelten Seelen können wir an den unzähligen Spiegelschreinen, die in der Spielwelt verstreut sind, diverse Upgrades vornehmen.

Geschickte Charakteranpassung kann über Leben und Tod entscheiden

Ein tolles Feature ist die Möglichkeit, die verschiedenen Attribute Musashis an den eigenen Spielstil anzupassen. Man hat also die Möglichkeit neben unterschiedlichen Talismanen, die unterschiedlichste Attributsverstärkungen bescheren, auch andere Werte wie beispielsweise das Katana, die Kleidung und den Oni-Handschuh selbst aufzuleveln und zu verstärken.

Je nach eigenem Fokus kann man sich so seinen eigenen Spielstil zusammenbasteln und je nach Bosskampf sogar mit entsprechenden Talismanen auf dessen Fähigkeiten und Stärken reagieren, um so den entscheidenden Vorteil im Kampf zu erhalten. Bekämpft man aktuell beispielsweise einen Boss, der Feuermagie nutzt, kann man sich mit einem entsprechenden Talisman gegen diese Magie rüsten und sich so einen Vorteil erhaschen. Verschiedene Schwert- und Rüstungs-Designs lassen sich ebenfalls im Spielverlauf freischalten. Diese sind allerdings rein kosmetischer Natur und verändern nicht die Fähigkeiten oder Attribute von Musashi selbst.

Neben diesen Features gibt es auch eine Fülle an unterschiedlichen Items, die man sich zunutze machen kann. Neben Ausdauer-Boosts und diversen Widerstands-Upgrades, die allerdings nur von kurzer Dauer sind, gibt es auch die, speziell im Souls-Genre, üblichen Heil-Items. Diese füllen sich beim Aktivieren eines Spiegelschreins jedes Mal neu auf. Allerdings tauchen dann auch bereits erledigte Gegner wieder auf. Hier ließ man sich bei Capcom also definitiv vom Souls-Genre inspirieren. Immer wieder findet man das ein oder andere Feature, welches man bereits von diesen Titeln her kennt. Schlecht ist dies allerdings nicht, denn wieso sollte man das Rad jedes Mal neu erfinden, wenn andere es bereits fast perfektioniert haben?

Immersiv und spannend umgesetzte Spielwelt zieht uns direkt in ihren Bann

Speziell für mich ist die Spielwelt eines der besten Features von Onimusha: Way of the Sword. Das von Dämonen heimgesuchte Kyoto strotzt nur so vor liebevollen Details und man kann, gerade zu Beginn des Abenteuers, kaum entscheiden, welche Ecke des digitalen Kyotos man zuerst erkunden möchte. Die Spielwelt wirkt von Sekunde eins an absolut immersiv und wunderschön anzusehen. Im weiteren Spielverlauf vergrößert sich außerdem das begehbare Areal Kyotos etwas und nach und nach nimmt das Spiel in puncto Atmosphäre sogar Resident-Evil-artige Züge an. Aber weitere Details würden hier Spoiler-Gefahr bedeuten.

Neben den Hauptquests gibt es auch allerlei Nebenquests, die uns in noch entlegenere Ecken Kyotos entführen und uns für den erfolgreichen Abschluss dieser Missionen sogar mit diversen Spezial-Items belohnen. Mit diesen speziellen Gegenständen können wir unseren Helden und dessen Equipment dann wieder stärker machen und uns den weiteren Spielverlauf so etwas erleichtern.

Auch lohnt es sich, bereits besuchte Gebiete erneut zu erkunden. Denn nach und nach schalten wir auch spezielle Fähigkeiten frei, die es uns erlauben, zuvor versperrte Wege nun zu passieren. Auch hängt der Nebel des Miasmas über Kyoto. Dieser rote Schleier verhindert eine sofortige und vollständige Erkundung, da dieser zuerst nach und nach zurückgedrängt werden muss.

Die fordernden Bosskämpfe sind die Kirsche auf der Torte

Das größte Highlight von Onimusha: Way of the Sword dürften aber zweifelsohne die ausufernden und extrem actionreichen Bosskämpfe gegen die Genma sein. Durch geschicktes Kontern und Blocken behält man in den ausufernden Bosskämpfen die Oberhand und kann so siegreich aus den zahllosen Duellen gehen. Manche Bosskämpfe haben zwei Phasen, andere wiederum nur eine. Gerade die zweiphasigen Kämpfe sind es aber, die einem wirklich alles abverlangen und eine nachlassende Konzentration des Spielers sofort bestrafen. Fordernd, aber zugleich auch unheimlich belohnend.

Die völlig unterschiedlichen Bosse sind allesamt wunderbar und toll umgesetzt und da die Genma auch sprechen können, wirken diese teilweise sogar sympathisch und liefern sich zum Teil sogar relativ witzige Konversationen mit unserem Helden Musashi. Speziell bei den Bosskämpfen kann man also sagen, dass Capcom hier wirklich alles richtig gemacht und genau ins Schwarze getroffen hat.

Etwas mehr Nebenquests wären wünschenswert gewesen

Der einzige negative Aspekt, den ich am neuesten Onimusha-Ableger zu bemängeln habe, ist die Tatsache, dass die Spielwelt hier und da vielleicht noch ein wenig mehr Nebenaktivitäten vertragen hätte. Immer wieder ertappte ich mich dabei, wie ich etwas ziellos in der Spielwelt umherstreifte, quasi ohne wirklichen Plan. Nebenquests sind zwar vorhanden, aber gemessen an der Größe des Areals vielleicht doch etwas mager in ihrer Anzahl.

Etwas mehr zu tun hier und da hätte dem Spiel sicher gut getan. Alles in allem fühlt man sich aber nur selten wirklich ziellos oder ohne Motivation in der Story voranzuschreiten.

Ein umwerfend schönes Abenteuer dank hauseigener Engine

Dank der hauseigenen RE Engine schafft es Capcom, eine unheimlich stimmige Welt zu erschaffen, die obendrein auch noch verdammt gut aussieht. Die tollen und wundervoll gestalteten Charaktermodelle gepaart mit den knackigen Texturen und tollen Licht- und Schatteneffekten erwecken diese Spielwelt wahrlich zum Leben.

Bereits bei den letzten Resident-Evil-Ablegern und dem Sci-Fi-Hit Pragmata konnte Capcom eindrucksvoll beweisen, was alles in der hauseigenen Engine steckt. Speziell der Schattenwurf macht wirklich viel aus in Sachen Atmosphäre und so sieht Onimusha: Way of the Sword am Ende wirklich super und äußerst stimmig aus.

Auch in Sachen Performance ist der Titel wirklich mehr als gelungen. Absolut runde 60 Frames konnte der Titel während unserer Testsession stets halten. Egal, wie viel gerade auf dem Bildschirm los war. Auf Wunsch kann man den Titel auch in einem Qualitätsmodus mit 30 Frames genießen. Das Bild wird somit zwar deutlich schärfer, die Performance aber auch deutlich schlechter. Der Performance-Modus ist in diesem Fall also vorzuziehen.

Abstürze oder Ruckler konnte ich während der gesamten Testphase nicht feststellen und auch ohne Day-1-Patch lief Onimusha: Way of the Sword also stets perfekt. So wünscht man sich den Launch eines solchen Titels doch. Vorbildlich und typisch Capcom-Oberklasse eben.

Auch akustisch ein Fest für die Sinne

Die bombastischen Soundeffekte, die jedes Kampfgeräusch bis ins Kleinste gekonnt untermalen, treffen auf einen epischen Soundtrack und hitzige Boss-Melodien, die das hektische und treibende Kampfgeschehen noch pulsierender wirken lassen. Wirklich toll umgesetzt und absolut passend für einen Titel dieser Art.

Die Synchronisation ist ebenfalls mehr als gelungen und kann sich in jeder Variante hören lassen. Vorzugsweise spiele ich solche Titel aber natürlich mit japanischer Original-Synchronisation und deutschen Untertiteln.

Die actiongeladene Onimusha-Reihe ist endlich zurück!

Bildmaterial: Onimusha: Way of the Sword, Capcom

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Titel	Elden Ring – Tarnished Edition
	28. August 2026
	Bandai Namco Entertainment
	28. August 2026
	Bandai Namco Entertainment America Inc.
	28. August 2026
	Bandai Namco Entertainment Europe
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Versionsnummer	1.01
Entwickler	FromSoftware
Genres	Open World Action RPG
Texte
Vertonung

Ich liebe Elden Ring. Zu sagen, ich hätte meine Zeit mit dem Spiel auf der Xbox Series X genossen, wäre schon fast eine Untertreibung. Deswegen war ich also sehr neugierig bei der Ankündigung einer Portierung auf Nintendo Switch 2, aber auch ein wenig skeptisch.

Mittlerweile weiß ich dank Portierungen wie Final Fantasy XIV, dass es klappen kann, aber ein massiver Titel wie Elden Ring auf dieser mobilen Konsole?! Erste Berichte aus dem letzten Jahr zur Gamescom ließen nichts Gutes erahnen.

Nun ist die Portierung hier und ich habe mich über 40 Stunden lang durch die mobile Variante der Zwischenlande gekämpft. Bei diesem Text geht es rein um die Technik der Switch-2-Version. Tests zum Grundspiel und DLC findet ihr hier und hier!

Achtung, Wurfgefahr!

Die Switch-2-Variante von Elden Ring bringt ein riesiges, aber vor allem auch herausforderndes Spiel auf die mobile Konsole. Bei meinem Spieldurchlauf, bei welchem ich es aber aus Zeitgründen nicht in den DLC geschafft habe, konnte ich einige Abenteuer im Handheld-Modus auf der Couch erleben.

Am TV zu spielen war dank Pro Controller ähnlich wie auf der Xbox. Aber im Handheld-Modus fühlte sich das Spiel anfangs ungewohnt fummelig an. Aber das war nur der erste Eindruck und man gewöhnt sich schnell an die Handhabe.

Auf dem Bildschirm der Switch 2 sieht Elden Ring wirklich toll aus. Nur ein wenig dunkel ist es, hatte ich manchmal in Dungeons das Gefühl. Vielleicht lag es aber auch an dem großen Feuerball am Himmel, wenn die Sonne schien. In einem nicht komplett erhellten Raum ist so weit alles gut erkennbar.

Auch auf anderen Konsolen glänzt Elden Ring zwar mit einer tollen Optik, aber das liegt vor allem an dem atmosphärischen Zusammenbau aller Bausteine. Schaut man auf Xbox genauer hin, fallen auch flott etwas schwammigere Texturen auf. Dies setzt sich auf Switch 2 fort. Im Handheld-Modus fällt das aber noch einmal deutlich weniger auf als am TV.

Aber immerhin: Dank HDR sticht das Bild euch mit tollen Farben entgegen. Egal ob im Handheld-Modus oder an einem größeren TV, welcher das Feature unterstützt. Ich habe nie die PC-Version an einem großen TV gespielt, ich kann das nun also schlecht damit vergleichen. Das wäre aber auch ungerecht. Dafür kann ich es gut mit einer anderen Konsolen-Fassung vergleichen und ich hätte nun als „Laie“, der nicht genau ins Detail geht, visuell keine Unterschiede zwischen Xbox Series X und Switch-2-Version feststellen können. Zumindest nichts, was mir direkt ins Auge stechen würde.

Der mögliche Genickbruch: Die FPS!

Doch das Wichtigste ist letztendlich, wie flüssig das Spiel läuft. Dafür steht FPS: Flüssiges Pild Score. Oder so. Auf jeden Fall kann man alle Sorgen über Bord werfen, welche durch die vor der Öffentlichkeit versteckte Preview-Version von der Gamescom 2025 aufkamen. Die Switch-2-Fassung läuft mit 30 Bildern pro Sekunde meist flüssig. Ja, meist. Ich befürchte, komplett ohne Probleme ist die Version nicht.

Während ihr die offene Welt durchlauft oder reitet, habt ihr eigentlich fast immer flüssige 30 FPS, auch meist in Kämpfen. Es gab ein paar Momente, wo dies ein wenig einbrach. Nach dem Kampf gegen Godrick, welcher ohne Probleme flüssig lief, geht es in das Seenland Liurnia.

Einer der schönsten Momente in Elden Ring ist es, wenn man ein neues Gebiet betritt und von der schönen kommenden Landschaft erschlagen wird. Hier wurde aber eher die Konsole erschlagen, denn die Framerate brach kurz für ein bis zwei Sekunden ein. Interessanterweise aber nur beim ersten Betreten der Gegend. Als ich versuchte es nachzustellen, passierte es nicht mehr.

Ein paar andere Momente, in denen die Framerate nachgab, blieben auch im Kopf. In einem Kampf relativ zu Beginn des Spieles habe ich die Aschen-Wölfe herbeigerufen. Ein Troll-Boss zerschlug diese mit einem großen Angriff, was alle drei Wölfe gleichzeitig zum Platzen brachte.

Hier krachte aufgrund der vielen Effekte und Dinge, die passierten, die Framerate ebenfalls ein. Auch das aber nur für einen sehr kurzen Moment, danach war alles wieder gut. Schwenkt ihr die Kamera schnell in größeren Gebieten oder in Kämpfen mit vielen Effekten, dann ist ein Stottern ebenfalls leicht merkbar. Nicht schlimm oder störend – aber durchaus bemerkbar.

Keine 120 FPS, absolut unspielbar?!

Als großer Fan von Bloodborne bin ich FromSoftware-Spiele mit 30 FPS gewohnt. Es stört mich also nicht, wenn es nicht ganz so flüssig läuft wie an einem High-End-PC und es in über 40 Stunden Spielzeit mal zum Einbruch der Framerate beim Erkunden kam.

Doch das Wichtigste für mich: In fast keinem der Bosskämpfe kam es zum Stottern. (Zum Beispiel beim erwähnten Troll gab es das, interessanterweise.) Ich hatte keine Probleme im Kampf gegen Radahn, auch der effektvolle Kampf mit Rykard verlief ohne Ruckeln. Wenn Morgott zahlreiche Schwerter in den Boden schießt, bleibt das Spiel flüssig.

Gerade der Radahn-Kampf war interessant, da dort ja noch andere Charaktere mitkämpfen können und dieser gigantische Boss den Bildschirm mit seinem Körper und Attacken füllt. Wie es im DLC beim finalen Boss aussieht, der selbst in anderen Versionen teils zu Performance-Problemen geführt hat, kann ich leider nicht sagen. Ich versuche aber, es in den Kommentaren irgendwann nachzureichen. Gebt mir aber bitte ein bisschen Zeit, so gut bin ich dann auch wieder nicht …

Nach wenig Zeit gewöhnt man sich an die Performance und 30 FPS der Konsole. Das ist der Preis für das mobile Spielen. Einen Großteil meiner Spielzeit mit der Switch-2-Fassung habe ich im Handheld-Modus verbracht. Gerade das Erkunden der Welt oder von Dungeons ist dort wirklich angenehm und entspannt. Anfangs fiel es mir schwer, bei Boss-Gegnern mental in den „Serious Gamer“-Mode zu wechseln.

Doch auch das ist nur eine Frage der Gewöhnung und somit war auch eine Rennala kein Problem. (Wobei sie sowieso kein Problem darstellt). Aber auch am TV habe ich einige Zeit mit der Portierung verbracht und kann von keinerlei Unterschieden berichten, außer dass der Titel am TV dann halt in 4K läuft. Das kann ich zwar nun technisch nicht zu 100 % belegen und es gibt seitens Bandai Namco keine Angabe dazu, aber das sagen mir zumindest meine schönen Äuglein.

Die Ladezeiten haben sicherlich Verbesserungspotenzial. Knapp zehn Sekunden dauert es durchschnittlich, bis ihr nicht mehr den Ladebildschirm seht. Teilweise kann das sogar noch länger dauern, wenn ihr euch zum Beispiel in die Hauptstadt Leyndell portiert. Innerhalb der Stadt geht das dann schneller. Generell gilt ein wenig: Je weiter weg, desto länger dauert die Schnellreise. Somit hatte ich beim Testen Zeiten zwischen fünf und zwölf Sekunden. Haut euch ein Boss um, habt ihr ungefähr eine Wartezeit von knapp sechs bis sieben Sekunden.

Das ist noch verkraftbar, aber in einem Spiel, wo man oft stirbt, kann das doch durchaus ein wenig nervig werden. Kann – mich hat es nicht gestört, aber auch da wieder: Ich bin halt lange Wartezeiten von Bloodborne gewohnt. Damit sind die Ladezeiten länger als auf einer PS5 oder Xbox Series X, aber deutlich kürzer als auf einer PS4 oder Xbox One. (Das liegt dort aber auch an der fehlenden SSD.)

Neue Inhalte braucht das Zwischenland?

Mit der Tarnished Edition von Elden Ring bringt FromSoftware zwei neue Klassen mit ins Spiel. Mit dem Idus-Ritter erhaltet ihr eine Startklasse, welche eine gute Defensive bietet, aber dennoch agil ist und euch eine interessante Hybrid-Klasse bietet. Abseits davon bringt FromSoftware hier ein komplett neues Land in die Lore des Spieles ein, welches uns sicherlich zahlreiche neue Lore-Videos auf YouTube bringen wird.

Der Schwere Ritter bietet genau das, was er verspricht: Ihr startet als Ritter mit einem hohen Tragegewicht, welcher dementsprechend langsam rollt. Das ist persönlich gar nicht meins, aber wer Bock auf hohe Defensive mit einem fetten Krummsäbel hat, dem könnte diese Startklasse gut gefallen. Fans von FromSoftware freuen sich sicherlich, denn es gibt neue Rüstungssets, welche wohl Anspielungen auf ältere Spiele des Entwicklers bieten.

Auch das Spektralross Sturmwind bekommt nun die Möglichkeit, sich ein wenig umzuziehen! Drei Rüstungen könnt ihr für euren treuen Gefährten finden. Falls ihr dachtet, ihr erhaltet die einfach so, dann habt ihr euch getäuscht. Die Ausrüstungen müsst ihr in der Welt finden. Diese haben aber rein optische Auswirkungen. Das gespenstische Pferd hat dadurch keine besseren Werte.

Diese neuen Inhalte können für einen schmalen Taler von 4,99 Euro auf anderen Plattformen erworben werden. Ob sich das lohnt, muss man natürlich mit sich selbst ausmachen. Generell wirkt der Preis von der Switch-2-Fassung mit 79,99 Euro ganz schön hoch. Die Version beinhaltet das Grundspiel, den „Shadow of the Erdtree“-DLC sowie nun das „Tarnished Edition“-Pack.

Der DLC ist scheinbar nie auf Steam im Angebot, das Grundspiel auch recht selten, aber das kam auf jeden Fall schon vor. Dennoch wäre da der günstigste Kombi-Preis noch über 70 Euro gewesen, laut SteamDB. So betrachtet muss man gar nicht so viel tiefer in die Tasche greifen als auf anderen Plattformen. Daher geht das schon so weit in Ordnung – aber wer auf einen Sale warten möchte, dem sei dies natürlich auch geraten.

Auch mobil ein Meisterwerk

Bildmaterial: Elden Ring, Bandai Namco, FromSoftware

Der Beitrag Im Test! Elden Ring Tarnished Edition auf Switch 2 – auch mobil ein Meisterwerk erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2
	27. August 2026
	Konami
	27. August 2026
	Konami
	27. August 2026
	Konami
System	PlayStation 5, Xbox Series, Nintendo Switch 1&2, PC
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	1.000.3
Entwickler	Konami
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Die erste Ausgabe der Metal Gear Solid: Master Collection erhielt vor allem zum Release im Jahre 2023 eher mäßige Kritiken. Neben der durchwachsenen Technik und den eher dürftigen technischen Anpassungen war es vor allem auch die Tatsache, dass die Collection für viele Metal-Gear-Fans schlicht und ergreifend einfach unvollständig war und wichtige Titel der Reihe fehlten.

Einer dieser, für viele Metal-Gear-Fans, wichtigsten Titel ist zweifelsohne „Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots“. Dieser PS3-exklusive Titel erschien ursprünglich im Jahre 2008 und wurde bisher noch nicht auf eine andere Plattform portiert. Vielen Fans stieß das Fehlen dieses Titels in der Collection Vol. 1 daher ganz besonders sauer auf.

Konami versprach jedoch schon bald nach dem Release der ersten Collection diesen Fehler mit der kommenden Collection auszubessern. Die Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2 soll die bisher fehlenden Titel nun, zumindest teilweise, in technisch verbesserter und angepasster Form nachreichen.

Am 27. August ist es nun endlich so weit und die zweite Ausgabe der heiß ersehnten Metal-Gear-Collection erscheint für PS5, Xbox Series, Switch 1&2 und PCs. Ob die neue Collection endlich die große Lücke schließen kann und ob dieses Mal auch der technische Aspekt der Collection direkt zum Launch passt, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Test.

Drei schlagkräftige Titel bieten die volle Metal-Gear-Dröhnung

Neben dem bereits erwähnten Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots sind auch Metal Gear Solid: Peace Walker in der HD-Version und der Game-Boy-Color-Ableger Metal Gear: Ghost Babel aus dem Jahre 2000 enthalten. Metal Gear: Ghost Babel erhielt außerhalb des asiatischen Markts den eingängigeren Titel „Metal Gear Solid“.

Langzeit-Fans freuen sich natürlich am meisten auf die moderne Portierung von Guns of the Patriots. Der Titel ist bis zum heutigen Tag lediglich auf der Original-Hardware, der PlayStation 3, spielbar und daher für viele Fans und Interessierte nicht mehr so leicht zugänglich und spielbar. Umso erfreulicher ist es natürlich nun, dass man sich bei Konami für eine moderne Portierung des Titels für die zweite Master Collection entschied.

Dennoch muss man natürlich festhalten, dass es sich bei allen Spielen dieser Collection um relativ alte Titel handelt. Gameplaytechnisch merkt man den Spielen ihr Alter also definitiv an. Wer also nichts mit dem Retro-Charme der Spiele anfangen kann, sollte sich die Collection vor dem Kauf auf jeden Fall nochmals genauer ansehen, um einschätzen zu können, was hier auf einen zukommt.

Guns of the Patriots – eine letzte Mission, die das Schicksal der Welt entscheiden soll

Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots spielt fünf Jahre nach dem Manhattan-Zwischenfall von Metal Gear Solid 2: Sons of Liberty. Die Welt wird nun sozusagen von privaten Militärkonzernen gesteuert. Die Einheiten dieser Konzerne sind mit Nanomaschinen ausgerüstet und werden mit deren Hilfe gesteuert. Als klar wird, dass Liquid Ocelot sich dieses System zunutze machen möchte, wird Snake auf eine letzte Mission geschickt, um diesem Schrecken ein für allemal ein Ende zu bereiten und Liquid Ocelot das Handwerk zu legen.

Snake bleibt nichts anderes übrig, als sich in das Kriegsgebiet im Nahen Osten zu begeben. Denn hier hält sich Liquid Ocelot wahrscheinlich versteckt. Unterstützt wird Snake von Dr. Hal „Otacon“ Emmerich und Olga Gurlukovichs Tochter Sunny. Ein actiongeladenes Abenteuer erwartet unseren Helden.

Peace Walker – kriegerische Auseinandersetzungen in Costa Rica

Die Geschichte von Metal Gear Solid: Peace Walker spielt im Jahre 1974 in Costa Rica. Wir übernehmen die Rolle von „Big Boss“, dem legendären Agenten, aus dem der aus den neueren Ablegern bekannte Held „Solid Snake“ entstand.

Dieser geht mit seiner Söldnereinheit „Militaires sans Frontières“ gegen die amerikanische CIA vor, da diese im Land geheime Waffensysteme testet. Unter diesen Waffensystemen befindet sich unter anderem auch der sogenannte „Peace Walker“. Eine Art Metal-Gear-Mech, welcher ebenfalls mit zerstörerischen Waffensystemen ausgestattet ist. Auch eine Atomwaffe befindet sich im Arsenal des Kampfroboters. Dieser Umstand allein genügt Big Boss und seinen Unterstützern, dieses bedrohliche Kriegswerkzeug aus der Welt zu schaffen. Ein allumfassender Konflikt entfaltet sich, in welchem es um nichts Geringeres geht, als den Frieden im Land und der Welt zu wahren. Notfalls auch mit Waffengewalt.

Ghost Babel – eine bewaffnete Terrorgruppe ist im Besitz eines Metal Gear und muss gestoppt werden

Metal Gear: Ghost Babel spielt drei Jahre vor den Ereignissen von Metal Gear Solid aus dem Jahre 1998. Die Handlung ist im Jahre 2002 angesiedelt und Snake muss die Terrorgruppe „Black Chamber“ stoppen. Diese ist im Besitz eines Metal-Gear-Mechs und bedroht nicht nur die USA, sondern auch die gesamte Welt.

Auch hier erwarten uns wieder die unterschiedlichsten Widersacher und neben dem Bumerang-schwingenden „Slasher Hawk“ treffen wir auch auf die Puppenspielerin „Marionette Owl“, den Pyromanen „Pyro Bison“ und den geheimnisvollen Kämpfer „Viper“. Eine bunte Mischung, die typisch für die Metal-Gear-Reihe ist.

Technisch sehr ordentlich umgesetzt und an die Moderne angepasst

Aus technischer Hinsicht kann man der Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2 wahrlich nichts Negatives anhaften. Alle enthaltenen Titel laufen einwandfrei und mit flüssigen 60 Frames über den Bildschirm. Auch hatten wir zu keiner Zeit mit größeren technischen Schwierigkeiten wie beispielsweise Freezes oder gar Abstürzen zu kämpfen. Alles in allem also ein technisch wirklich rundes Erlebnis.

Die Texturen und Effekte wurden, zumindest für mein Empfinden, sogar noch etwas aufgehübscht und an die Moderne angepasst. Allgemein wirkt das Bild nun deutlich ruhiger, als es noch bei den Original-Titeln damals der Fall war. Hier kann man Konami also definitiv ein Lob aussprechen. Die Umsetzung wirkt allgemein sehr ordentlich und durchdacht. Metal-Gear-Fans dürfen getrost aufatmen.

Legendärer Soundtrack trifft auf tolle Effekte und eine fantastische Synchronisation

Zum Metal-Gear-Soundtrack braucht man wohl keine Worte zu verlieren, denn dieser ist nach wie vor einfach fantastisch. Gepaart dazu gibt es knackige Soundeffekte und eine Synchronisation, die sich wirklich hören lassen kann. Speziell David Hayter, der Snake beziehungsweise Big Boss spricht, sticht hier erneut positiv hervor.

Die Effekte wurden wohl ebenfalls leicht überarbeitet, denn diese klingen nun deutlich klarer und sauberer. Speziell bei Peace Walker war dies auch bitter nötig, da dieses Spiel seine Premiere ja auf der PSP feierte und ein technisches Makeover daher am nötigsten hatte.

Die komplette Metal-Gear-Erfahrung, auf die Fans schon lange warten

Bildmaterial: Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2, Konami

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Titel	Final Fantasy XIV – Switch 2 Edition
	04. August 2026
	Square Enix
	04. August 2026
	Square Enix
	04. August 2026
	Square Enix
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Versionsnummer	20260811
Entwickler	Square Enix
Genres	MMO
Texte
Vertonung

Lange mussten Fans der mobilen Unterhaltung warten, doch endlich gibt es Final Fantasy XIV auf einem Nintendo-Handheld! Mit dem Release auf Nintendo Switch 2 können Fans der Reihe oder Neueinsteiger in den Genuss einer mobilen Version des beliebten MMOs kommen. Doch taugt der Port etwas? Wir haben uns durch Limsa Lominsa, diverse Dungeons und Allianz-Raids geschlagen, um diese Frage zu beantworten.

Verschiedene Versionen und wenig Durchsicht

Eine Sache vorab: Wenn ihr in den eShop schaut, gibt es zahlreiche Versionen von Final Fantasy XIV. Seid ihr neu, entscheidet euch auf jeden Fall für die Free Trial! Diese beinhaltet nicht nur das Grundspiel, sondern auch die Erweiterungen Heavensward, Stormblood und das großartige Shadowbringers.

Ihr könnt zahlreiche Jobs bis Level 80 spielen und das mit nur geringen Einschränkungen. Es warten hunderte Stunden gratis Spielspaß auf euch. Kauft ihr das Spiel und beginnt die monatliche Abo-Version, könnt ihr aber nicht mehr zurück!

Ein gigantisches Spiel wie Final Fantasy XIV auf Nintendo Switch 2 zu bringen, klingt erst einmal wie ein krasses Unterfangen. Allerdings erschien A Realm Reborn vor 13 Jahren und war sogar auf PlayStation 3 verfügbar. Seitdem gab es zwar zahlreiche Updates und das Spiel hat stärkere Anforderungen, auch dank grafischen Verbesserungen. Aber hier sollte ein Port gar kein großes Problem sein, oder?

Und ich muss sagen, Square Enix hat das Spiel erfolgreich portiert. Ich habe nun eine ganze Weile (eigentlich fast schon zu viel Zeit) mit der portablen Version verbracht. Dabei sei gesagt, dass ich fast ausschließlich im Handheld-Modus gespielt habe. Als eigentlicher PC-FFXIVler war für mich die Umgewöhnung auf Controller die größte Hürde. Aber man fuchst sich da schnell rein und nach kleinen Umstellungen funktioniert das alles ganz wunderbar.

Ein visuell … größtenteils flüssiges Erlebnis

Im Vorfeld wurde beworben, Final Fantasy XIV würde auf Nintendos Handheld stabile 30 Bilder pro Sekunde anpeilen. Da hat man sich aber tatsächlich schlechter verkauft, als es eigentlich ist. Aber es ist ehrlich. Denn die Framerate in FFXIV auf Switch 2 schwankt durchaus.

Es gibt Gebiete und Instanzen wie Dungeons, Trials und Raids, in denen das Spiel durchaus mit 60 Bildern pro Sekunde läuft. Wirklich realistisch ist es aber eher zu sagen, wir haben durchschnittlich beim Spielen einen Mix aus 30 und 60 FPS – ohne nun genauere Technik gemessen zu haben, würde ich einen Schnitt von 40–45 Bildern geben.

Das klingt jetzt aber auch irgendwie schlimmer, als es eigentlich ist. Man kann das Spiel auch direkt auf 30 FPS locken, wenn man es konsistent haben möchte. Aber auch ohne diese Funktion läuft das Spiel flüssig und sieht vor allem im Handheld-Modus wirklich gut aus.

Ich würde aber lügen, würde ich behaupten, ich hätte nicht auch mal einen krassen Einbruch gehabt. Im Valigarmanda-Kampf aus Dawntrail, wo es einen Szenen-Wechsel gibt, hatte das Spiel einen sehr kurzen, aber bemerkbaren Einbruch. Auch in Allianz-Raids läuft der Titel aufgrund der ganzen Effekte und zahlreichen Charaktere nicht ansatzweise mit 60 Bildern pro Sekunde. Ich schaue über so etwas hinweg, das ist für mich der „Preis“, das Game mobil spielen zu können.

Generell kann man sagen, dass die Switch-2-Variante die schwächste Konsolen-Version von FFXIV ist. Die Texturen sind schwammiger als auf einer PlayStation 5 oder Xbox Series X. Wenn ich es mit dem PC vergleichen müsste, würde ich sagen, es sieht aus, als würde man es auf mittleren Einstellungen spielen. Wenn ihr also Interesse habt, aber eher am TV spielen wollt und gar keinen Bock auf Handheld-Gaming habt, greift auf keinen Fall zu. Reizt euch aber, wie mich, die Möglichkeit mobil zu spielen, dann ist die Switch-2-Variante ein echt spannendes Ding.

Exklusive Switch-2-Funktionen

Natürlich ist ein Highlight dieser Variante, Final Fantasy XIV überall spielen zu können. Zumindest, solange ihr eine flüssige Internetverbindung habt. Das heißt, in deutschen Zügen wird es schwierig zu spielen. Wobei ich vielleicht bei meinem Versuch auch ein wenig Glück hatte und ein wenig unterwegs spielen konnte. In Gebieten mit besserem Netz hilft sicher ein guter Hotspot. Oder bei gutem Wetter auf dem Balkon liegen und ein wenig grinden – ganz ehrlich, das bockt.

Das für mich beste Feature, wenn man im Handheld-Modus spielt, ist jedoch der Touchscreen. Dieser hilft euch bei der Navigation durch Menüs! Bisher war das immer mein größter Turn-off bei der Controller-Steuerung. Aber so drücke ich einfach auf die Karte und habe sie offen.

Ich habe mir auch manche Sachen, die ich gar nicht so oft brauche, aber dennoch gern verfügbar habe, in eine extra Kommandoleiste gepackt. Ein kurzes Betätigen mit dem Daumen aktiviert dann halt den Sprint und ich muss nicht extra mit dem Controller durchschalten. Natürlich könnt ihr das auch in die Kreuz-Menüs packen. Aber so fand ich das eigentlich ganz schön. Aber vor allem als Heiler hilft der Touchscreen! Ihr wollt jemanden heilen? Einfach in der Party-Liste antippen und los geht es. Ich wüsste gar nicht, wie ich das mit der normalen Controller-Steuerung machen sollte, um ehrlich zu sein.

Ihr könnt auch den Maus-Modus des Joy-Con verwenden. Diesen habe ich aber persönlich nur verwendet, um Menüs zu arrangieren oder Kommandos in die Leiste zu ziehen. Direkt so zu spielen kann ich mir nicht vorstellen, aber das liegt auch eher an meiner persönlichen Abneigung zum Maus-Modus der Switch 2.

Apropos Abneigung: Der Akku der Konsole ist bekannterweise stark genug, um die Leistung der Konsole zu stemmen, aber bringt je nach Spiel unterschiedliche Laufzeiten mit sich. Bei Final Fantasy XIV habe ich gut anderthalb Stunden gespielt, bevor ich dann doch mal das Kabel anstecken musste. Das ist okay – aber wer einen ganzen Abend auf dem Sofa in Raids verbringen möchte, der sollte sich ein Ladekabel bereitlegen.

Bugs? Welche Bugs?

Was mich persönlich beeindruckte, war das Fehlen von Bugs. Ich hatte gar keine Probleme in meinen zahlreichen Stunden. Das heißt nicht, dass es keine gibt. Direkt zur Veröffentlichung der Switch-2-Variante klagten Spielende über lange Ladezeiten und einen Bug beim Wiederbeleben. Beides wurde behoben.

Besonders die Ladezeiten sind nun unfassbar schnell und selbst mein High-End-Gaming-PC kann nicht so schnell die Gegend wechseln wie die Switch-2-Variante. Respekt an das, was hier geliefert wurde. Das gibt auch Hoffnung darauf, dass man die Framerate vielleicht in Zukunft auch noch ein wenig nachbessert.

Ein Dorn in meinem glubschigen Auge, und von vielen anderen auch, ist die zusätzliche Abo-Gebühr für die mobile Variante. Spielt ihr nur auf der mobilen Konsole, zahlt ihr auch nur die Variante. Wollt ihr gleichzeitig auf anderen Plattformen spielen, müsst ihr draufzahlen. Dabei zahlt man „nur“ die Hälfte drauf und muss nicht noch einmal die komplette Abo-Gebühr zahlen. Aber es fühlt sich schon ein wenig schade an, wenn man als Besitzer der PS5- und PC-Variante nur für ein Abo zahlen muss, bei der Switch-2- und PC-Kombo jedoch tiefer in die Tasche greift.

Das heißt für mich also, ich werde nur in „Downtimes“, wenn ich mal Relic-Waffen grinden sollte oder meine Handwerker-Klassen aufleveln möchte, ein Abo haben. Generell übrigens sind die Crafting-Klassen durch den Touchscreen ein ebenfalls sehr angenehmes Erlebnis. Oder wenn ihr eine der Sammler-Klassen spielt und auf dem Sofa gemütlich sammelt, während ihr irgendwelche Serien guckt. Für so „Casual“-Runden ist die Switch-2-Version wirklich perfekt und man kann auf dem Sofa chillen, während man grindet.

Auch mobil ein Meisterwerk?

Bildmaterial: Square Enix

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