Titel	Final Fantasy Resonance
	22. Oktober 2026
	Square Enix
	22. Oktober 2026
	Square Enix
	22. Oktober 2026
	Square Enix
System	PlayStation 5, Xbox Series, Nintendo Switch 1/2, PC
Getestet für	PC (Steam)
Versionsnummer	1.0.1.0.
Entwickler	Square Enix, LANCARSE Ltd.
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Entschuldigt bitte meine Umgangssprache, aber: Was für ein absoluter No-Brainer! Jahrelang begeistert Square Enix JRPG-Fans weltweit mit einem fantastischen Grafikstil, der klassische Pixelkunst mit modernen Texturen und Animationen zu einem puren Augenschmaus verbindet.

Star Ocean hat davon profitiert, Octopath Traveler hat davon profitiert, Live A Live hat davon profitiert und ganz besonders Dragon Quest hat davon profitiert. Doch die eine Marke, die das Unternehmen auf die Weltbühne katapultiert hat und tiefe Wurzeln im klassischen 2D-Stil besitzt, wurde bislang übergangen.

Nicht mehr! Es hat zwar den Verlust eines Mobile-Gacha-Spiels gebraucht, aber die Belohnung ist ein wahr gewordener Traum für junge und alte Fans des Genres. Final Fantasy Resonance ist das erste Spiel der wohl bekanntesten JRPG-Reihe im patentierten HD-2D-Look und begeistert auf sämtlichen Ebenen.

Gespaltene Gemüter, wie sie bei den großen Serienteilen fast immer zu erwarten sind, dürfte es hier wahrscheinlich nicht geben. Aus der Asche von Final Fantasy Brave Exvius erhebt sich, wie der Phönix selbst, ein grandioses Rollenspiel.

Crystals Are a Girl’s Best Friend

Es beginnt, wie es immer beginnen muss: Die elementaren Kristalle, welche die Balance der Welt bewahren und seit unzähligen Jahren gut geschützt werden, sind in Gefahr. Die Geschworenen Sechs, eine kleine Gruppe schier übermächtig erscheinender Gegner, tauchen wortwörtlich aus dem Nichts auf und machen es sich zur Aufgabe, ebendiese Kristalle zu zerstören.

Vorhang auf für unsere Protagonisten Rain und Lasswell. Ersterer ist ein junger Luftschiffkommandant des Königreichs Grandshelt, letzterer sein Stellvertreter. Die seit ihrer Kindheit befreundeten Kameraden versuchen, sich den Bösewichten, die nicht ganz zufällig an die Richter aus Final Fantasy XII erinnern, in den Weg zu stellen.

Doch vergebens: Der Erdkristall fällt und die beiden entkommen nur knapp mit dem Leben.

Zusammen mit Fina, einem mysteriösen Mädchen, das selbstverständlich an Amnesie leidet, sowie einer hoch motivierten Mechanikerin, deren Name sich auf Cid reimt und die nicht auf den Mund gefallen ist, geht es anschließend los. Kristalle müssen gerettet und Feinde vernichtet werden.

Herzklopfen

Schon anhand dieser kurzen Einführung wird klar, dass sich Final Fantasy Resonance zahlreicher vertrauter Stilmittel bedient. Fans des Genres können mittlerweile ein Lied davon singen. Zu behaupten, die Geschichte sei eine Achterbahnfahrt aus unvorhersehbaren Wendungen und komplexen, tiefgründigen Charakteren, wäre wahrlich übertrieben.

Passend zum Look bietet das Spiel vielmehr eine geradlinige Erzählung, die trotz einiger Klischees von Anfang bis Ende mitreißt, die eine oder andere unerwartete Wendung bereithält und für Tränen der Freude wie auch der Trauer sorgt.

Trotz ihrer fehlenden Komplexität wächst die Heldengruppe schnell ans Herz und hält bis zur letzten Sekunde bei Laune. Selbst die ebenfalls eher einfach gehaltenen Nebenmissionen führen neue Charaktere ein und liefern stets interessante Informationen über die Welt. Langeweile kommt so kaum auf.

Die Geschichte wird in gut inszenierten Sequenzen erzählt, in denen die Pixelfiguren trotz ihrer begrenzten Darstellung eine erstaunliche Bandbreite an Emotionen vermitteln. Selbst schwere Körbchen schwingen liebevoll daher. Unterstützt werden sie von den schönen Charakter-Artworks von Yusuke Naora. Schade nur, dass sich während der Dialoge maximal die Mimik der Artworks verändert, die Körperdarstellung bleibt statisch.

Hexerei

Auch die unglaublich starke japanische und englische Synchronisation trägt zur gelungenen Präsentation bei. Einen kleinen Wermutstropfen gibt es aber: Nicht alle Dialoge sind vertont.

Besonders dramatische oder wichtige Storysequenzen erhalten sogar ein zusätzliches Upgrade. Diese sind grandios inszeniert und kombinieren 2D- mit 3D-Effekten auf beeindruckende Weise. Hier haben die Entwickler alles gegeben und das merkt man in jedem Pixel. Wenn die Kamera dramatisch über die Szenerie schwingt, die Pixelcharaktere verheerende magische 3D-Angriffe entfesseln und sich sogar CGI-Sequenzen dazumischen, wirkt das fast wie Hexerei. Absolut überwältigend.

Davon können sich nicht nur andere HD-2D-Titel eine Scheibe abschneiden, sondern moderne JRPGs im Allgemeinen. Hut ab.

Nostalgische Töne

Wenn Final Fantasy draufsteht, muss natürlich auch ein starker Soundtrack her und den gibt es hier. Ebenso wie bei Story und Optik wird Altes gekonnt mit Neuem verwoben. Bekannte Melodien mischen sich mit neuen, treibenden Kompositionen von Noriyasu Agematsu, die stark an eine Zeit vor den 2000er-Jahren erinnern.

Zugegeben: Das Niveau von Nobuo Uematsu, Takeharu Ishimoto oder Yoko Shimomura wird nicht ganz erreicht und gerne hätten es wesentlich mehr Stücke sein dürfen. Dennoch rundet der starke Soundtrack die Klangkulisse wunderbar ab.

Taktik statt Leerlauf

Gekämpft wird selbstverständlich in einem rundenbasierten Kampfsystem. Und ebenso wie bei allen anderen Aspekten des Spiels ist auch hier eine beachtliche Menge Leidenschaft und Wissen aus der langen Seriengeschichte hineingeflossen. Die Zugreihenfolge wird jederzeit gut sichtbar angezeigt, das Kampftempo lässt sich nach Belieben einstellen, die Kampfanimationen sind klasse und jeder Charakter übernimmt eine spezifische Rolle.

Viele Zahnräder greifen harmonisch ineinander und sorgen für ein ausgesprochen rundes und spaßiges Spielerlebnis. Es gibt kaum Wartezeiten, stattdessen sind die Kämpfe schnell, taktisch und unheimlich belohnend.

Die Stärken und Schwächen der Gegner müssen stets beachtet werden, denn neben einer HP-Leiste besitzen sie auch eine Schockleiste, die Fans bereits aus Final Fantasy XIII oder Final Fantasy XVI kennen dürften. Greift man gezielt die Schwachstellen der Feinde an, leert sich diese Schockleiste schneller.

Ist sie vollständig geleert, wird nicht nur der nächste Angriff des Gegners verhindert, der angreifende Charakter erhält zudem einen zusätzlichen Angriff und kann verheerenden Schaden verursachen. Das genaue Timing eines Schocks muss also immer im Blick behalten werden.

Pump it

Mit bis zu vier Charakteren stürzt man sich in diese hoch motivierenden Kämpfe. Doch sie kämpfen nicht allein: Jeder Charakter kann eine Vision ausrüsten. Dabei handelt es sich um die prominent beworbenen, altbekannten Final-Fantasy-Charaktere, die ihre Kräfte mit den Helden von Final Fantasy Resonance teilen.

Kurz gesagt: Es handelt sich um ein erweitertes Job-System. Während die ursprünglichen Charaktere ihre festen Rollen wie Heiler oder Tank im Kampf einnehmen, verleihen die Visionen ihnen einen Zweitjob. Kombiniert man etwa Fina als Heilerin mit Terra aus Final Fantasy VI, kann die Magierin plötzlich vernichtende schwarzmagische Attacken verschiedener Elemente nutzen.

Dabei teilen die Visionen nicht nur aktive, sondern auch zahlreiche passive Fähigkeiten. Über eine separate EP-Leiste steigen Visionen bis Level 9 auf und verleihen dem Charakter, der sie ausgerüstet hat, permanente passive Boni. Neue aktive Fähigkeiten kommen ebenfalls hinzu. Wechselt man die Vision, etwa nachdem sie vollständig aufgelevelt wurde, behält der Charakter alle permanenten Verbesserungen. Nicht-permanente Fähigkeiten können anschließend zusätzlich neben einer neuen Vision ausgerüstet werden.

Das kostet allerdings FP, von denen jeder Charakter nur ein begrenztes Kontingent besitzt. Dieses steigt wiederum, je mehr Visionen mit ihm aufgelevelt werden. So ist man ständig motiviert, möglichst viele verschiedene Visionen zu finden, vollständig aufzuleveln und regelmäßig zu wechseln. Das Experimentieren und der Aufbau der eigenen Gruppe machen unglaublich viel Spaß und sorgen für eine extrem hohe Motivation.

Schockierend

Wer sein Team richtig aufstellt und gezielt einsetzt, kann sogar schnell ganze Gegnergruppen schocken. Das löst einen sogenannten Radikalschock aus. Dadurch erhält nicht nur jeder Charakter einen Zusatzzug, sondern auch eine der ausgerüsteten Visionen kann ihren ultimativen Angriff entfesseln.

In fantastisch inszenierten und butterweich eingefügten CGI-Sequenzen nutzen bekannte Pro- und Antagonisten der Final-Fantasy-Reihe ihre ikonischen Spezialangriffe. Diese richten entweder gewaltigen Schaden an oder erholen die Gruppe. Plant man geschickt um diesen Umstand herum, kann man selbst aus einem schweren Kampf mit vollen HP hervorgehen.

Beendet man einen Kampf im Schockzustand, mit einem übermächtigen Angriff oder ohne Schaden genommen zu haben, winken zudem nicht unerhebliche Boni auf Erfahrungspunkte und Geld.

Esper, Ekstase und Erkundung

Das war noch nicht alles: Hinzu kommen die ikonischen Esper, die man auf der Weltkarte findet und die fast immer eine kleine Prüfung bereithalten. Fina kann eine dieser beliebten Beschwörungen im Kampf an ihre Seite rufen. Als unabhängige Teilnehmer unterstützen sie die Gruppe für drei Runden und beenden ihren Auftritt ebenfalls mit einem ultimativen Angriff.

Auch die Limitrausch-Attacken sind wieder an Bord. Je nach passiver Fähigkeit, ausgerüsteter Vision oder eingesetzter Fertigkeit füllt sich die Limit-Leiste und ermöglicht schließlich einen fantastisch inszenierten Angriff, der im Schockzustand natürlich besonders hohen Schaden verursacht. Bei jedem Element wurde aus der langen Final-Fantasy-Historie geschöpft und das funktioniert einfach hervorragend.

Noch ein kleiner Tipp: Als erfahrener JRPG-Fan würde ich einen höheren Schwierigkeitsgrad empfehlen. Die Kämpfe machen so viel Spaß und man möchte Charaktere sowie Visionen möglichst schnell aufleveln, sodass Story-Dungeons auf der Standardstufe rasch trivial werden können.

Falls es dann doch zu viel wird, lässt sich der Schwierigkeitsgrad jederzeit anpassen.

Wie jedes klassische Final Fantasy bietet auch Resonance eine schön designte Weltkarte, malerische Städte und dunkle Dungeons. Letztere kommen oft mit einem kleinen Kniff daher, sind aber, ebenso wie die Weltkarte selbst, ein wenig zu klein geraten. An den liebevoll gestalteten Umgebungen gibt es ansonsten nichts auszusetzen. So sieht Leidenschaft für das Genre aus.

Wer die Weltkarte erkundet, wird stets belohnt: mit optionalen Bossen, Esper oder neuen Visionen. Die Motivation bleibt dadurch hoch. Puristen sollten jedoch aufhorchen, denn das Spiel nimmt den Spieler stark an die Hand. Questmarker sind jederzeit eindeutig, auch unbekannte Orte sind auf der Weltkarte bereits markiert und Schnellreisen sind von Anfang an möglich. Etwas mehr Freiheit hätte dem Abenteuer gutgetan.

Performing fine

Abschließend noch ein kurzes Wort zur Performance: stark. Selbst auf dem vergleichsweise leistungsschwachen Steam Deck läuft das Spiel bei maximalen Grafikeinstellungen butterweich mit 60 FPS, bis die Weltkarte gegen Ende noch zugänglicher wird. Dann wird der schwache Pocket-PC in seine Knie gezwungen, dennoch macht es Freude, dass auch moderne Spiele noch eine überzeugende Performance abliefern.

Die Ladezeiten sind kurz, das Bild ist scharf und das Gesamtpaket wirkt technisch sehr überzeugend. Mit größeren Problemen dürfte keine Plattform zu kämpfen haben, auch wenn Nintendos erste Generation der Nintendo Switch anscheinend nur die 30 FPS knackt.

Praise Be

Bildmaterial: Final Fantasy Resonance, Square Enix, Team Asano, Lancarse

Der Beitrag Im Test! Final Fantasy Resonance kombiniert 40 Jahre der Serie zu grandiosem Gesamtpaket erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Trails in the Sky 2nd Chapter
	17. September 2026
	Nihon Falcom
	17. September 2026
	GungHo Online Entertainment
	17. September 2026
	Clear River Games
System	Nintendo Switch, Nintendo Switch 2, PlayStation 5, PC
Getestet für	PlayStation 5 Pro
Versionsnummer	1.03
Entwickler	Nihon Falcom
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Trails in the Sky 1st Chapter hat es vor ziemlich genau einem Jahr geschafft, das bis dahin doch recht komplexe und vielschichtige Trails-Universum einer deutlich breiteren Masse zugänglich zu machen und gleichzeitig langjährige Fans glücklich zu stellen – zumindest größtenteils. Das Remake kam bei KritikerInnen und Fans hervorragend an und entwickelte sich auch für Falcom zu einem großen finanziellen Erfolg.

Jetzt, ziemlich genau ein Jahr später, wartet mit Trails in the Sky 2nd Chapter der direkte Nachfolger auf uns. Und „direkter Nachfolger“ ist hier wirklich das Stichwort. An dieser Stelle könnten wir wahrscheinlich auch einfach große Teile unserer letztjährigen Review zitieren, so ähnlich sind sich die beiden Spiele. Es fühlt sich tatsächlich so an, als würde man wortwörtlich das zweite Kapitel desselben Buches aufschlagen. Wer 1st Chapter gespielt hat, dürfte sich also innerhalb weniger Minuten wieder heimisch fühlen.

Wie schon beim ersten Teil gibt es auch diesmal eine sehr umfangreiche Demo, die euch bis zu zehn Stunden spielen lässt. Den dabei erzielten Fortschritt könnt ihr anschließend in die Vollversion übertragen. Das ist schlichtweg eine tolle Sache und wer noch mit einem Kauf hadert: Probiert es einfach aus.

Dass 2nd Chapter seinem Vorgänger derart ähnlich ist, soll übrigens keineswegs negativ gemeint sein. Schließlich gehörte das letztjährige Remake zu den großen Kritiker- und Fanlieblingen und konnte auch kommerziell überzeugen. Warum also etwas grundlegend verändern, das bereits hervorragend funktioniert? Was euch im zweiten Kapitel – oder besser gesagt in SC – erwartet und ob Falcom noch einmal an die Qualität des Vorgängers anknüpfen kann, klären wir jetzt in unserem Test.

„Auf Wiedersehen, Estelle.“

Bevor wir anfangen, eine kleine, aber wichtige Warnung: Dieser Abschnitt enthält deutliche Spoiler zum Ende von Trails in the Sky 1st Chapter. Wer den ersten Teil noch nicht beendet hat, sollte am besten direkt zum nächsten Abschnitt springen.

2nd Chapter setzt praktisch unmittelbar nach den Ereignissen des Vorgängers ein. Dort begleiteten wir Estelle Bright und ihren Adoptivbruder Joshua Bright als junge Bracer auf ihrer Reise durch das Königreich Liberl. Was zunächst noch ziemlich normal begann, entwickelte sich langsam zu einer großen politischen Verschwörung, die schließlich das gesamte Land bedrohte.

Am Ende gelang es Estelle, Joshua und ihren zahlreichen Verbündeten, die Krise in Liberl abzuwenden. Eigentlich könnte danach endlich etwas Ruhe einkehren. Eigentlich. Denn Joshua erfährt, dass seine Vergangenheit eng mit der geheimnisvollen Organisation Ouroboros verbunden ist. Aus Angst, Estelle durch seine Vergangenheit in Gefahr zu bringen, verlässt er sie heimlich und macht sich allein auf den Weg.

Wo bist du, Joshua?

Genau hier beginnt 2nd Chapter. Estelle möchte stärker werden und vor allem Joshua wiederfinden. Gleichzeitig wird Ouroboros in Liberl aktiv und verfolgt einen geheimnisvollen Plan, dessen Ausmaße zunächst noch völlig unklar sind.

Also geht es mit unserer Truppe erneut quer durch Liberl. Dabei kommen wir der sogenannten „Gesellschaft“ und ihren Machenschaften immer näher. Besonders deren sogenannte Vollstrecker sorgen in den verschiedenen Regionen für ordentlich Unruhe. Als Bracer liegt es natürlich an uns, herauszufinden, was dahintersteckt.

Dabei besuchen wir nahezu alle Gebiete erneut, die wir bereits aus dem ersten Teil kennen. Und seien wir ehrlich: Die dürften vielen noch ziemlich gut im Gedächtnis sein, schließlich liegt das erste Abenteuer gerade einmal ein Jahr zurück. Auf einiges an Recycling muss man sich entsprechend einstellen. Gleichzeitig hat sich in Liberl aber auch einiges getan. NPCs erinnern sich an uns, reagieren auf vergangene Ereignisse und vermitteln dadurch wunderbar das Gefühl, tatsächlich in eine bekannte Welt zurückzukehren. Später warten außerdem komplett neue Gebiete auf uns.

Diese Figuren muss man einfach lieben

Die Geschichte selbst ist erneut fantastisch und für mich phasenweise sogar noch emotionaler als im Vorgänger. Da kann es durchaus passieren, dass man hier und da mal ein kleines Tränchen verdrückt. Egal ob Trails-VeteranInnen oder Leute, die erst mit den Remakes eingestiegen sind: Es ist einfach schön, diese Geschichte noch einmal beziehungsweise erstmals in dieser Form zu erleben.

Und dann wären da natürlich die Figuren. Schon damals waren Estelle und ihre WeggefährtInnen fantastisch geschrieben, interessant, lustig und hatten allesamt das Herz am rechten Fleck. Im Remake funktioniert das mindestens genauso gut. Sie sind ein entscheidender Grund dafür, warum sich dieses Abenteuer trotz aller dramatischen Ereignisse so unglaublich geerdet und irgendwie mollig warm anfühlt.

Ich werde dabei einen Gedanken einfach nicht los: Diese Figuren sind teilweise genau so, wie ich mir meine eigenen FreundInnen und meine Familie immer gewünscht hätte. Vielleicht ist es genau dieses Gefühl, das Trails in the Sky 2nd Chapter für mich weit über seine eigentliche Geschichte hinaus so besonders macht.

Altbewährt und immer noch richtig gut

Beim Gameplay beziehungsweise Kampfsystem macht Trails in the Sky 2nd Chapter genau dort weiter, wo 1st Chapter aufgehört hat. Seid ihr außerhalb der Städte oder in Dungeons unterwegs, könnt ihr Gegner wie gewohnt direkt in Echtzeit vermöbeln. Mit Angriffen und Ausweichrollen lassen sich kleinere Feinde teilweise komplett erledigen, ohne überhaupt in den klassischen Rundenkampf wechseln zu müssen.

Alternativ verschafft man sich auf diese Weise lediglich einen Vorteil, haut zunächst in Echtzeit auf den Gegner ein und wechselt anschließend auf Wunsch in den taktischen Rundenkampf. Dort darf man es dann deutlich ruhiger und strategischer angehen lassen. Bei Bossen und wichtigen Schlüsselsituationen wird dagegen ausschließlich rundenbasiert gekämpft.

Das hybride Kampfsystem macht weiterhin eine Menge Spaß – sofern man sich natürlich grundsätzlich damit anfreunden kann. Große Neuerungen gegenüber dem Vorgänger sollte man allerdings nicht erwarten. 2nd Chapter übernimmt das funktionierende Grundgerüst nahezu unverändert.

Tja, dieses Orbment ist leider veraltet

Auch die bekannten Quarze sind wieder mit dabei. Ganz dem ursprünglichen Spiel entsprechend kombiniert ihr deren verschiedene Elemente, um immer mächtigere Zauber bzw. Künste freizuschalten. Im Grunde also genau wie in 1st Chapter.

Natürlich gibt es dabei ein kleines Problem: Wir waren am Ende des Vorgängers schließlich schon ziemlich gut ausgestattet. Praktischerweise findet das Spiel dafür eine zweckmäßige Erklärung – unser alter Orbment ist mittlerweile veraltet und wir brauchen einen neuen. Also geht der Aufbau wieder von vorne los. Ein wenig offensichtlich ist das natürlich schon, aber irgendwie musste man dieses Problem wohl lösen.

Sehr erfreulich ist dagegen erneut der praktisch nicht vorhandene Grind. Schon 1st Chapter löste das hervorragend und auch diesmal schließt man sehr schnell zum Level der aktuellen Gegner auf. Wer zusätzlich den optionalen High-Speed-Modus einschaltet, kann ohnehin in Windeseile durch bekannte Gebiete und kleinere Kämpfe düsen. Gerade angesichts des enormen Umfangs ist das Gold wert.

Poker, Ermittlungen und … ein Schaf-Mecha?!

Abseits der Haupthandlung warten wieder zahlreiche Nebenaufgaben. Einige davon sind zugegebenermaßen ziemlich basic und können durchaus repetitiv ausfallen. Andere überraschen dagegen mit enormer Abwechslung oder werden einfach herrlich absurd. Poker? Ermittlungen? Ein Schaf-Mecha?! Ja, genau. Gerade diese kleinen Geschichten tragen viel dazu bei, Liberl und seinen BewohnerInnen noch mehr Persönlichkeit zu verleihen. Eine kleine Lanze breche ich auch nochmal für das überarbeitete Angeln. Das bringt mir persönlich wieder eine Menge Spaß, und was wäre schon ein JRPG ohne vernünftiges Angel-Minispiel?

Ein Thema, das bereits beim ersten Remake für einige Diskussionen sorgte, sind die deutschen Texte. Die gibt es erfreulicherweise auch in 2nd Chapter wieder – und davon eine ganze Menge. Trails war schließlich noch nie dafür bekannt, sparsam mit Textboxen umzugehen. Eine solche Textmenge zu lokalisieren, dürfte entsprechend keine kleine Aufgabe gewesen sein.

Umso erfreulicher ist es, dass die deutsche Übersetzung erneut einen guten Eindruck hinterlässt. Größere Rechtschreibfehler oder logische Ungereimtheiten sind mir während des Tests nicht aufgefallen. Einzelne Begriffe und die korrekte Terminologie innerhalb der Trails-Reihe sind natürlich noch einmal eine Wissenschaft für sich.

Schön ist deshalb, dass Falcom sich dieser Problematik offenbar bewusst ist und sogar nachträglich Texte sowie einzelne Voice-Lines im Vorgänger angepasst hat. Damit werden vor allem langjährige Trails-Fans abgeholt, während NeueinsteigerInnen, die erst mit den Remakes zur Reihe gefunden haben, von diesen Feinheiten vermutlich kaum etwas bemerken werden. Genau so sollte es eigentlich sein.

Anime-Charme in Bestform

Trails in the Sky 2nd Chapter sieht mindestens genauso fantastisch aus wie der erste Teil des Remakes. Die detailreichen Charaktermodelle, herrlich übertriebenen Anime-Expressions, wunderschönen Zwischensequenzen und spektakulären Angriffsanimationen können sich erneut sehen lassen. Das Gesamtbild wirkt unglaublich stimmig und vor allem die Figuren profitieren enorm von der liebevollen Präsentation.

Getestet wurde auf der PlayStation 5 Pro, wo das Spiel absolut butterweich läuft. Jenseits der ohnehin flüssigen 60 FPS sind sogar theoretisch bis zu 120 FPS möglich – und während meines Tests konnte ich keine nennenswerten Einbrüche feststellen. Technisch ist 2nd Chapter damit eine sehr runde Sache, die zusammen mit der tollen Optik einen hervorragenden Gesamteindruck hinterlässt.

Diese Stimmen gehören einfach zu den Figuren

Einen entscheidenden Anteil an der Immersion haben erneut die fantastischen SprecherInnen. Zur Auswahl stehen eine englische und eine japanische Synchronisation, die beide auf einem sehr hohen Niveau liegen.

Für meinen Geschmack werden die Figuren in der englischen Fassung hervorragend getroffen. Selbst kleinere Nebenrollen sind stark besetzt, sodass hier kaum ein qualitativer Abfall gegenüber den Hauptfiguren auffällt. Natürlich ist gerade das Thema Synchronisation immer sehr subjektiv – aber für mich gehören diese Stimmen mittlerweile einfach zu Estelle, Scherazard und Co. Auch die japanische Vertonung braucht sich allerdings keineswegs zu verstecken.

Diese Evergreens werden einfach nicht alt

Ähnlich fantastisch fällt erneut der Soundtrack aus. Viele Stücke kennen wir zwar bereits aus 1st Chapter, aber seien wir ehrlich: Bei solchen Evergreens beschwert man sich darüber wohl kaum. Diese Musik kann und will ich einfach immer wieder hören.

Dazu kommen natürlich auch Stücke, die besonders mit dem zweiten Kapitel verbunden sind. Allen voran das fantastische Opening „Silver Will, Golden Wings“, das schon nach wenigen Sekunden wieder dieses unverwechselbare Trails-Gefühl auslöst. Musikalisch bleibt die Reihe damit auch im zweiten Kapitel eine absolute Bank.

80 Stunden? Gerne doch!

Trails in the Sky 2nd Chapter ist ein langes Spiel. Ein sehr langes sogar. Wer wirklich alles mitnehmen möchte, sollte mindestens 70 Stunden einplanen – realistischer dürften es für viele aber eher 80 Stunden oder mehr werden. Das ist in diesem Fall allerdings keineswegs negativ gemeint.

Denn 2nd Chapter nimmt sich bewusst Zeit. Zeit für seine Geschichte, seine Welt und vor allem für seine Figuren. Charaktere bekommen Raum, Beziehungen dürfen sich entwickeln und selbst kleinere Geschichten werden nicht einfach schnell abgefrühstückt. Gerade davon lebt Trails schließlich seit jeher – und wer sich darauf einlässt, bekommt entsprechend viel geboten.

Kein Spaziergang durch Liberl

Ein paar Worte müssen wir auch noch über den Schwierigkeitsgrad verlieren. Hier stehen verschiedene Einstellungen zur Auswahl, wodurch sich das Abenteuer gut an die eigenen Vorlieben anpassen lässt und insgesamt ausgesprochen fair bleibt.

Unterschätzen sollte man 2nd Chapter trotzdem nicht. Bereits auf dem normalen Schwierigkeitsgrad ist die Reise durch Liberl alles andere als ein Zuckerschlecken. Wer insbesondere bei stärkeren Gegnern und Bossen einfach nur blind draufhaut, beißt schnell ins Gras. Die richtige Taktik, passende Quarze und ein sinnvoll zusammengestelltes Team machen hier einen spürbaren Unterschied.

Das zweite Kapitel steht dem ersten in nichts nach

Bildmaterial: Trails in the Sky 2nd Chapter, GungHo Online Entertainment, Falcom

Der Beitrag Im Test! Trails in the Sky 2nd Chapter ist erneut ein JRPG zum Verlieben erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Orbitals
	3. September 2026
	Kepler Interactive
	3. September 2026
	Kepler Interactive
	3. September 2026
	Kepler Interactive
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Versionsnummer	1.1.0.0-166471
Entwickler	Shapefarm
Genres	Puzzle-Adventure, Koop-Spiel
Texte
Vertonung

Bereits im Juli konnte uns Orbitals beim Anspiel-Event begeistern. Uns war ein kurzer Einblick vergönnt, der vor allem auf optischer Seite begeisterte und Nostalgie zu alten Anime-Serien aufkommen ließ. Das exklusiv für Switch 2 erscheinende Koop-Erlebnis von Kepler Interactive und Shapefarm lädt endlich dynamische Duos weltweit zu einem Abenteuer ein. Wir haben uns die Vollversion noch einmal vorgeknöpft und geprüft, ob es über den ersten Eindruck hinaus weiterhin begeistern kann. Was dabei herauskam, erfahrt ihr hier im Test.

Eine galaktische Heldengeschichte

Gleich zu Beginn sind wir mitten im Geschehen. Wo auch immer wir sind, es geht drunter und drüber. Erschütterungen und Explosionen lassen vermuten, dass wir gerade in einer heiklen Situation stecken. Ein Mann namens Togen steckt die beiden Protagonisten Maki und Omura, in deren Rollen wir schlüpfen, in eine mysteriöse Vorrichtung.

Wie sich herausstellt, handelt es sich dabei um I.M., Maschinen, die das Bewusstsein von Personen speichern. Über ein weiteres Gerät können die Körper beliebig oft wiederhergestellt werden, solange das Bewusstsein im I.M. unbeschädigt bleibt. Eine clevere Erklärung für die zahlreichen Tode, die wir zukünftig noch sterben werden!

Fünfzehn Jahre später ist aus Maki eine chaotische Mechanikerin und aus Omura ein besonnener Kartograph geworden. Gemeinsam brechen die beiden mit ihrem Raumschiff auf, um im All nach wertvollen Ressourcen zu suchen. Sie wollen zu Helden werden, die alle in der Raumstation schützen, die den schweren kosmischen Sturm damals überlebt haben. Und dabei bleibt ihnen nicht viel Zeit, denn die nächste Bedrohung scheint schon unmittelbar bevorzustehen.

Detailverliebtheit over 9000

Der Übergang von Zwischensequenzen zu Gameplay ist so fließend, dass wir erst einmal ein paar Sekunden brauchen, um uns aufs Spielen einzustellen. Eben haben wir noch einen traditionell handgezeichneten Anime im klassischen 80er-Jahre-Look geschaut und schon dürfen wir selbst erkunden. Bereits nach den ersten Schritten zeigt sich der hohe Grad an Detailverliebtheit.

Obwohl die Spielumgebung aus 3D-Modellen besteht, fühlt sich das gesamte Spiel handgezeichnet an. Das liegt vor allem an den cleveren Methoden, durch die ein echtes Retrofeeling entsteht. Die Charaktere bewegen sich mit zwölf bis vierundzwanzig Bildern die Sekunde, genau wie es bei alten Animationen der Fall war. Dazu kommen noch optische Effekte wie pastellige Farben, Körnungsfilter und chromatische Aberrationen, also leichte farbliche Verzerrungen, die alte Röhrenfernseher simulieren.

Aber nicht nur die Grafik haut uns bei Orbitals vom Hocker. Die Spielwelt strotzt nur so vor Leben. Überall wuseln Personen und Tiere herum und gehen ihrem Tagwerk nach. An jeder Ecke gibt es für uns kleinere Interaktionen wie Katze streicheln, Geräte begutachten oder auf einem Sofa lümmeln, die zum Erkunden und genauen Betrachten der Umgebung einladen.

Auch die ein oder andere Anspielung auf bekannte Serien und Spiele darf nicht fehlen. Im Laufe des Spiels wird auch unser Raumschiff immer belebter und die zahlreichen freischaltbaren Minispiele sind willkommene Verschnaufpausen zwischen den einzelnen Episoden.

Ein gutes Spieltempo

Orbitals ist nämlich wie ein Anime in mundgerechte Häppchen aufgeteilt, wobei jede Episode einem Abenteuer mit einer neuen Umgebung entspricht. Mal erkunden wir Asteroidenfelder, dann verschlägt es uns in eine Mine oder in eine von Eis überzogene Station. Dabei haben wir unterschiedliche Werkzeuge wie Greifhaken, Wasserwerfer oder Laserkanone dabei, um die zahlreichen Rätseleinlagen zu lösen.

Die Steuerung beschränkt sich dabei auf wenige Tasten und durch den Splitscreen können wir jederzeit sehen, was die jeweils andere Person gerade macht, ohne unser eigenes Sichtfeld beim Erkunden einzuschränken oder räumlich aneinander gebunden zu sein. Allerdings gibt es auch nicht viel Spielraum sich voneinander zu entfernen, da die Level sehr linear aufgebaut sind.

Dies fällt allerdings nicht negativ ins Gewicht, da die Aufgabendichte sehr hoch ist. Gelegentlich wird der Weg auch durch Perspektivwechsel aufgelockert, bei denen wir unter anderem von einer 3D-Umgebung zu einer 2D-Sidescroller-Perspektive wechseln.

Zusätzlich gibt es noch die Raumschiffpassagen, bei denen wir durchs All fliegen und auf Hindernisse und Geschütze schießen. In diesen Momenten wird die Einschränkung beim Erkunden wesentlich deutlicher. Allgemein sind die Raumschiffabschnitte schwächer als die einzelnen Level am Boden. Das Schießen fühlt sich nicht sehr genau an, beziehungsweise ist die Treffertoleranz sehr niedrig. Vor allem, weil die andere Person parallel das Raumschiff steuert und durch Ausweichmanöver das Zielen erschwert. Auch fehlt uns dieser gewisse Wumms hinter den Angriffen.

Kreative Knobelaufgaben

Als langjährige Fans von Zelda und Professor Layton kommen wir meist recht schnell auf die Lösung der Rätsel. Wer nicht so rätselversiert ist, könnte etwas länger brauchen. Bis auf eine Stelle fanden wir die Rätsel aber immer sehr gut konzipiert, nach kurzem Herumprobieren war eigentlich immer klar, was zu tun ist.

Bei der Umsetzung sieht es dann schon etwas anders aus. Manche Stellen sind wirklich knifflig, denn gutes Timing und Absprache sind entscheidend. So leiten wir beispielsweise den jeweils anderen mit dem Wasserwerfer durch Gänge voller Lava oder aktivieren mit dem Laser Plattformen, damit die andere Person über Abgründe springen kann.

Auch wenn wir teils mehrere Anläufe brauchen, kommt niemals Frust auf. Denn jedes Rätsel hat gut platzierte, unsichtbare Checkpoints, durch die wir schnell wieder einsteigen können. So sind auch längere Rätseleinlagen gut machbar. Leider gibt es keine Möglichkeit manuell zu speichern, falls man spontan einmal unterbrechen möchte oder muss. Das Spiel speichert bei größeren Meilensteinen oder am Ende einer Episode immer automatisch. Beim lokalen Spiel fällt dies weniger ins Gewicht, nur beim Online-Koop oder über Gameshare sollte man sich entsprechend Zeit einteilen.

Freunde gesucht

Hier liegt auch die Krux des Spiels: Orbitals bietet bewusst keinen Solomodus an, das Spiel ist explizit für zwei Spieler konzipiert worden. Begründet wurde diese Entscheidung damit, dass die Entwickler das nostalgische Gefühl replizieren wollten, als Kind gemeinsam mit Freunden eine Serie geschaut oder nebeneinander ein Spiel erlebt zu haben. Um das gemeinsame Spielen zu ermöglichen, stehen einige Optionen zur Verfügung. An sich braucht nur eine Person die Vollversion.

Im lokalen Koop wird gemeinsam an einem Gerät gespielt. Über Gameshare kann lokal oder online mitgespielt werden, hierbei wird die Vollversion auf das Gerät der mitspielenden Person gestreamt. Das funktioniert sowohl mit der originalen Switch als auch mit der Switch 2.

Zu guter Letzt gibt es online auch noch die Option über die Freunde-Pass-App zu spielen. Diese Version ist exklusiv für Switch 2 und funktioniert wie Gameshare, enthält aber den zusätzlichen Bonus einer Demoversion. Bis auf geringfügig längere Ladezeiten spielt sich Orbitals in allen Varianten gleich gut und läuft durchweg flüssig.

Da wird gerne hingehört

An dieser Stelle wollen wir noch auf die grandiose Vertonung von Orbitals eingehen. Für jede der acht verfügbaren Sprachen gibt es auch eine vollständige Vertonung. Für euch haben wir in die japanische, englische und deutsche Synchronfassung reingehört. Dabei ist uns die durchweg hohe Qualität aufgefallen. Darunter sind hochkarätige Sprecher und Sprecherinnen aus der Branche, die ihr vermutlich bereits aus Anime oder Spielen kennt.

Im Japanischen wäre das beispielsweise Ryota Osaka als Omura, der zuletzt Elliot aus The Adventures of Elliot: The Millennium Tales oder Gyutaro aus Demon Slayer gesprochen hat. Im Englischen könnt ihr Rebecca Wang als Maki hören, die unter anderem Mary aus Trails in the Sky 1st Chapter oder Carina aus Fire Emblem Shadows ihre Stimme lieh. Oder auch Stephen Fu als Togen, der die englische Stimme von Doma aus Demon Slayer oder dem männlichen Spielercharakter aus Code Vein II ist.

Deutsche Fans können sich über Franciska Friede als Maki freuen, die unter anderem auch Killjoy in Valorant oder Irelia aus League of Legends gesprochen hat. Tim Knauer als Omura ist auch für seine Sprechrollen als Loid Forger aus Spy x Family, Tengen Uzui aus Demon Slayer und Benimaru aus Fire Force bekannt. Vincent Fallow als Togen dürfte den meisten als Clive Rosfield aus Final Fantasy XVI oder als Twice aus My Hero Academia begegnet sein. Durchweg hervorragende Besetzungen, die den Charakteren viel Leben und Persönlichkeit einhauchen.

Macht echt Laune und Lust auf mehr

Bildmaterial: Orbitals, Kepler Interactive, Shapefarm

Der Beitrag Im Test! Orbitals ist das Koop-Erlebnis des Jahres erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Onimusha: Way of the Sword
	4. September 2026
	Capcom
	4. September 2026
	Capcom
	4. September 2026
	Capcom
System	PlayStation 5, Xbox Series, Nintendo Switch 2, PC
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	1.000.001
Entwickler	Capcom
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Mit der Onimusha-Reihe schuf der japanische Publisher und Entwickler Capcom Anfang der 2000er-Jahre das bis dato Unerreichte. Denn die talentierten Entwickler kombinierten die bewährte Survival-Horror-Formel der Resident-Evil-Reihe mit einem feudalen Japan-Setting. Das Ergebnis war ein packendes Samurai-Abenteuer mit Horror-Elementen, einem coolen Hauptcharakter und ordentlich Monster-Gemetzel.

Onimusha: Warlords war seinerzeit sogar einer der ersten größeren Blockbuster-Titel, der auf Sonys damaliger neuen Konsole, der PlayStation 2, erschien. Durch den enormen Erfolg von Onimusha: Warlords war ein Fortbestehen der Reihe quasi gesichert und schon im Jahre 2002 folgte mit Onimusha 2: Samurai’s Destiny der Nachfolger. Hier übernahmen wir allerdings die Rolle eines neuen Hauptcharakters und folgten einem anderen Story-Strang.

In den folgenden Jahren erschienen mit „Onimusha Blade Warriors“, „Onimusha Tactics“ und „Onimusha 3: Demon Siege“ gleich zwei Spin-offs und ein vollwertiger Nachfolger der Reihe. Im Jahre 2006 fand die Reihe dann leider mit „Onimusha: Dawn of Dreams“ ihr vorzeitiges Ende. Grund hierfür waren wohl in erster Linie die eher durchwachsenen Kritiken, die dieser Titel erhielt.

Erst im Zuge der Game Awards 2024 wurde bekanntgegeben, dass sich ein neuer Onimusha-Ableger in der Entwicklung befindet. Ursprünglich sollte der vielversprechende Titel am 25. September für PS5, Xbox Series, Nintendo Switch 2 und PCs erscheinen. Das Erscheinungsdatum wurde dann allerdings aufgrund nicht näher genannter Umstände auf den 4. September vorverlegt.

Der neueste Teil der Reihe hört auf den Namen Onimusha: Way of the Sword und wurde auf Basis der Capcom-hauseigenen „RE Engine“ entwickelt. Neben dem Überraschungshit „Pragmata“ wurden beispielsweise auch die letzten Resident-Evil-Ableger inklusive der beiden Remakes von Teil zwei und drei auf Basis dieser Engine entwickelt.

Ob uns das hochkarätige Samurai-Abenteuer begeistern konnte und wie weit sich der neueste Ableger von der ursprünglichen Reihe entfernt hat, erfahrt ihr natürlich wie immer in unserem ausführlichen Review.

Der größte Schwertkämpfer der Geschichte auf einem dämonischen Höllentrip

In Onimusha: Way of the Sword übernehmen wir die Rolle des Miyamoto Musashi, des wohl legendärsten Schwertkämpfers des feudalen Japans. Musashi befindet sich auf dem Weg, der beste Schwertkämpfer des Landes zu werden, und bereist daher ganz Japan, um die Meister der talentiertesten Schwertkampf-Schulen zu einem Duell herauszufordern und sein Können unter Beweis zu stellen.

Eines Tages gerät unser Held Musashi jedoch zwischen die Fronten eines dämonischen Konflikts und findet sich schon bald in einer äußerst misslichen Lage wieder. Denn nun muss sich Musashi nicht nur mit menschlichen Widersachern auseinandersetzen, sondern auch mit den finsteren Kreaturen der Unterwelt. Diese Ausgeburten der Hölle werden „Genma“ genannt und stellen eine massive Bedrohung für die menschliche Rasse dar.

Als ein tragischer Vorfall Musashi quasi dazu zwingt, den schier endlosen Kampf mit diesen Kreaturen der Unterwelt aufzunehmen, da er sonst selbst sterben würde, nimmt er allen Mut zusammen und stellt sich dieser übermenschlichen Herausforderung. Auf seinem beschwerlichen Weg stehen Musashi jedoch allerlei Gefährten zur Seite. Ein Konflikt, der über das Fortbestehen der Menschheit entscheidet, beginnt.

Neues Kampfsystem unterscheidet sich komplett von den Vorgängern

Speziell in Sachen Kampfsystem unterscheidet sich der neueste Ableger der Reihe quasi komplett von seinen Vorgängern. Wo die damaligen Onimusha-Ableger noch sehr Resident-Evil-artig ausfielen, spielt sich Onimusha: Way of the Sword logischerweise deutlich moderner und flexibler. Natürlich gibt es nun auch keinen Bild-in-Bild-Levelaufbau mehr. Das relativ starre Kampfsystem der Vorgänger ist also Geschichte.

Die Kämpfe laufen durch verschiedene Kombo-Möglichkeiten nun deutlich taktischer ab und je nach Gegnertyp, der uns gerade gegenübersteht, müssen wir uns im Kampf natürlich sofort an die jeweilige Situation anpassen. Richtig interessant wird es dann, wenn wir mehrere verschiedene Gegnertypen vor uns haben. Denn dann müssen wir während des Kampfes schnell adaptieren und uns den jeweiligen Gegebenheiten anpassen. Genau das ist es jedoch auch, was das Kampfsystem von Onimusha: Way of the Sword so speziell und gleichzeitig auch so spaßig macht. Denn kaum ein Kampf läuft gleich ab. Vorbereitung ist also nur in gewissem Maße möglich.

Obendrauf bietet uns der Oni-Handschuh einen weiteren taktischen Kniff. Denn jeder gefallene Gegner, so klein er auch sein mag, hinterlässt nach seinem digitalen Tod ein paar Seelen. Diese Seelen können wir mit Hilfe unseres Oni-Handschuhs einsaugen und uns später sogar zunutze machen. Denn mit diesen gesammelten Seelen können wir an den unzähligen Spiegelschreinen, die in der Spielwelt verstreut sind, diverse Upgrades vornehmen.

Geschickte Charakteranpassung kann über Leben und Tod entscheiden

Ein tolles Feature ist die Möglichkeit, die verschiedenen Attribute Musashis an den eigenen Spielstil anzupassen. Man hat also die Möglichkeit neben unterschiedlichen Talismanen, die unterschiedlichste Attributsverstärkungen bescheren, auch andere Werte wie beispielsweise das Katana, die Kleidung und den Oni-Handschuh selbst aufzuleveln und zu verstärken.

Je nach eigenem Fokus kann man sich so seinen eigenen Spielstil zusammenbasteln und je nach Bosskampf sogar mit entsprechenden Talismanen auf dessen Fähigkeiten und Stärken reagieren, um so den entscheidenden Vorteil im Kampf zu erhalten. Bekämpft man aktuell beispielsweise einen Boss, der Feuermagie nutzt, kann man sich mit einem entsprechenden Talisman gegen diese Magie rüsten und sich so einen Vorteil erhaschen. Verschiedene Schwert- und Rüstungs-Designs lassen sich ebenfalls im Spielverlauf freischalten. Diese sind allerdings rein kosmetischer Natur und verändern nicht die Fähigkeiten oder Attribute von Musashi selbst.

Neben diesen Features gibt es auch eine Fülle an unterschiedlichen Items, die man sich zunutze machen kann. Neben Ausdauer-Boosts und diversen Widerstands-Upgrades, die allerdings nur von kurzer Dauer sind, gibt es auch die, speziell im Souls-Genre, üblichen Heil-Items. Diese füllen sich beim Aktivieren eines Spiegelschreins jedes Mal neu auf. Allerdings tauchen dann auch bereits erledigte Gegner wieder auf. Hier ließ man sich bei Capcom also definitiv vom Souls-Genre inspirieren. Immer wieder findet man das ein oder andere Feature, welches man bereits von diesen Titeln her kennt. Schlecht ist dies allerdings nicht, denn wieso sollte man das Rad jedes Mal neu erfinden, wenn andere es bereits fast perfektioniert haben?

Immersiv und spannend umgesetzte Spielwelt zieht uns direkt in ihren Bann

Speziell für mich ist die Spielwelt eines der besten Features von Onimusha: Way of the Sword. Das von Dämonen heimgesuchte Kyoto strotzt nur so vor liebevollen Details und man kann, gerade zu Beginn des Abenteuers, kaum entscheiden, welche Ecke des digitalen Kyotos man zuerst erkunden möchte. Die Spielwelt wirkt von Sekunde eins an absolut immersiv und wunderschön anzusehen. Im weiteren Spielverlauf vergrößert sich außerdem das begehbare Areal Kyotos etwas und nach und nach nimmt das Spiel in puncto Atmosphäre sogar Resident-Evil-artige Züge an. Aber weitere Details würden hier Spoiler-Gefahr bedeuten.

Neben den Hauptquests gibt es auch allerlei Nebenquests, die uns in noch entlegenere Ecken Kyotos entführen und uns für den erfolgreichen Abschluss dieser Missionen sogar mit diversen Spezial-Items belohnen. Mit diesen speziellen Gegenständen können wir unseren Helden und dessen Equipment dann wieder stärker machen und uns den weiteren Spielverlauf so etwas erleichtern.

Auch lohnt es sich, bereits besuchte Gebiete erneut zu erkunden. Denn nach und nach schalten wir auch spezielle Fähigkeiten frei, die es uns erlauben, zuvor versperrte Wege nun zu passieren. Auch hängt der Nebel des Miasmas über Kyoto. Dieser rote Schleier verhindert eine sofortige und vollständige Erkundung, da dieser zuerst nach und nach zurückgedrängt werden muss.

Die fordernden Bosskämpfe sind die Kirsche auf der Torte

Das größte Highlight von Onimusha: Way of the Sword dürften aber zweifelsohne die ausufernden und extrem actionreichen Bosskämpfe gegen die Genma sein. Durch geschicktes Kontern und Blocken behält man in den ausufernden Bosskämpfen die Oberhand und kann so siegreich aus den zahllosen Duellen gehen. Manche Bosskämpfe haben zwei Phasen, andere wiederum nur eine. Gerade die zweiphasigen Kämpfe sind es aber, die einem wirklich alles abverlangen und eine nachlassende Konzentration des Spielers sofort bestrafen. Fordernd, aber zugleich auch unheimlich belohnend.

Die völlig unterschiedlichen Bosse sind allesamt wunderbar und toll umgesetzt und da die Genma auch sprechen können, wirken diese teilweise sogar sympathisch und liefern sich zum Teil sogar relativ witzige Konversationen mit unserem Helden Musashi. Speziell bei den Bosskämpfen kann man also sagen, dass Capcom hier wirklich alles richtig gemacht und genau ins Schwarze getroffen hat.

Etwas mehr Nebenquests wären wünschenswert gewesen

Der einzige negative Aspekt, den ich am neuesten Onimusha-Ableger zu bemängeln habe, ist die Tatsache, dass die Spielwelt hier und da vielleicht noch ein wenig mehr Nebenaktivitäten vertragen hätte. Immer wieder ertappte ich mich dabei, wie ich etwas ziellos in der Spielwelt umherstreifte, quasi ohne wirklichen Plan. Nebenquests sind zwar vorhanden, aber gemessen an der Größe des Areals vielleicht doch etwas mager in ihrer Anzahl.

Etwas mehr zu tun hier und da hätte dem Spiel sicher gut getan. Alles in allem fühlt man sich aber nur selten wirklich ziellos oder ohne Motivation in der Story voranzuschreiten.

Ein umwerfend schönes Abenteuer dank hauseigener Engine

Dank der hauseigenen RE Engine schafft es Capcom, eine unheimlich stimmige Welt zu erschaffen, die obendrein auch noch verdammt gut aussieht. Die tollen und wundervoll gestalteten Charaktermodelle gepaart mit den knackigen Texturen und tollen Licht- und Schatteneffekten erwecken diese Spielwelt wahrlich zum Leben.

Bereits bei den letzten Resident-Evil-Ablegern und dem Sci-Fi-Hit Pragmata konnte Capcom eindrucksvoll beweisen, was alles in der hauseigenen Engine steckt. Speziell der Schattenwurf macht wirklich viel aus in Sachen Atmosphäre und so sieht Onimusha: Way of the Sword am Ende wirklich super und äußerst stimmig aus.

Auch in Sachen Performance ist der Titel wirklich mehr als gelungen. Absolut runde 60 Frames konnte der Titel während unserer Testsession stets halten. Egal, wie viel gerade auf dem Bildschirm los war. Auf Wunsch kann man den Titel auch in einem Qualitätsmodus mit 30 Frames genießen. Das Bild wird somit zwar deutlich schärfer, die Performance aber auch deutlich schlechter. Der Performance-Modus ist in diesem Fall also vorzuziehen.

Abstürze oder Ruckler konnte ich während der gesamten Testphase nicht feststellen und auch ohne Day-1-Patch lief Onimusha: Way of the Sword also stets perfekt. So wünscht man sich den Launch eines solchen Titels doch. Vorbildlich und typisch Capcom-Oberklasse eben.

Auch akustisch ein Fest für die Sinne

Die bombastischen Soundeffekte, die jedes Kampfgeräusch bis ins Kleinste gekonnt untermalen, treffen auf einen epischen Soundtrack und hitzige Boss-Melodien, die das hektische und treibende Kampfgeschehen noch pulsierender wirken lassen. Wirklich toll umgesetzt und absolut passend für einen Titel dieser Art.

Die Synchronisation ist ebenfalls mehr als gelungen und kann sich in jeder Variante hören lassen. Vorzugsweise spiele ich solche Titel aber natürlich mit japanischer Original-Synchronisation und deutschen Untertiteln.

Die actiongeladene Onimusha-Reihe ist endlich zurück!

Bildmaterial: Onimusha: Way of the Sword, Capcom

Der Beitrag Im Test! Onimusha: Way of the Sword war die lange Wartezeit definitiv wert erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Elden Ring – Tarnished Edition
	28. August 2026
	Bandai Namco Entertainment
	28. August 2026
	Bandai Namco Entertainment America Inc.
	28. August 2026
	Bandai Namco Entertainment Europe
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Versionsnummer	1.01
Entwickler	FromSoftware
Genres	Open World Action RPG
Texte
Vertonung

Ich liebe Elden Ring. Zu sagen, ich hätte meine Zeit mit dem Spiel auf der Xbox Series X genossen, wäre schon fast eine Untertreibung. Deswegen war ich also sehr neugierig bei der Ankündigung einer Portierung auf Nintendo Switch 2, aber auch ein wenig skeptisch.

Mittlerweile weiß ich dank Portierungen wie Final Fantasy XIV, dass es klappen kann, aber ein massiver Titel wie Elden Ring auf dieser mobilen Konsole?! Erste Berichte aus dem letzten Jahr zur Gamescom ließen nichts Gutes erahnen.

Nun ist die Portierung hier und ich habe mich über 40 Stunden lang durch die mobile Variante der Zwischenlande gekämpft. Bei diesem Text geht es rein um die Technik der Switch-2-Version. Tests zum Grundspiel und DLC findet ihr hier und hier!

Achtung, Wurfgefahr!

Die Switch-2-Variante von Elden Ring bringt ein riesiges, aber vor allem auch herausforderndes Spiel auf die mobile Konsole. Bei meinem Spieldurchlauf, bei welchem ich es aber aus Zeitgründen nicht in den DLC geschafft habe, konnte ich einige Abenteuer im Handheld-Modus auf der Couch erleben.

Am TV zu spielen war dank Pro Controller ähnlich wie auf der Xbox. Aber im Handheld-Modus fühlte sich das Spiel anfangs ungewohnt fummelig an. Aber das war nur der erste Eindruck und man gewöhnt sich schnell an die Handhabe.

Auf dem Bildschirm der Switch 2 sieht Elden Ring wirklich toll aus. Nur ein wenig dunkel ist es, hatte ich manchmal in Dungeons das Gefühl. Vielleicht lag es aber auch an dem großen Feuerball am Himmel, wenn die Sonne schien. In einem nicht komplett erhellten Raum ist so weit alles gut erkennbar.

Auch auf anderen Konsolen glänzt Elden Ring zwar mit einer tollen Optik, aber das liegt vor allem an dem atmosphärischen Zusammenbau aller Bausteine. Schaut man auf Xbox genauer hin, fallen auch flott etwas schwammigere Texturen auf. Dies setzt sich auf Switch 2 fort. Im Handheld-Modus fällt das aber noch einmal deutlich weniger auf als am TV.

Aber immerhin: Dank HDR sticht das Bild euch mit tollen Farben entgegen. Egal ob im Handheld-Modus oder an einem größeren TV, welcher das Feature unterstützt. Ich habe nie die PC-Version an einem großen TV gespielt, ich kann das nun also schlecht damit vergleichen. Das wäre aber auch ungerecht. Dafür kann ich es gut mit einer anderen Konsolen-Fassung vergleichen und ich hätte nun als „Laie“, der nicht genau ins Detail geht, visuell keine Unterschiede zwischen Xbox Series X und Switch-2-Version feststellen können. Zumindest nichts, was mir direkt ins Auge stechen würde.

Der mögliche Genickbruch: Die FPS!

Doch das Wichtigste ist letztendlich, wie flüssig das Spiel läuft. Dafür steht FPS: Flüssiges Pild Score. Oder so. Auf jeden Fall kann man alle Sorgen über Bord werfen, welche durch die vor der Öffentlichkeit versteckte Preview-Version von der Gamescom 2025 aufkamen. Die Switch-2-Fassung läuft mit 30 Bildern pro Sekunde meist flüssig. Ja, meist. Ich befürchte, komplett ohne Probleme ist die Version nicht.

Während ihr die offene Welt durchlauft oder reitet, habt ihr eigentlich fast immer flüssige 30 FPS, auch meist in Kämpfen. Es gab ein paar Momente, wo dies ein wenig einbrach. Nach dem Kampf gegen Godrick, welcher ohne Probleme flüssig lief, geht es in das Seenland Liurnia.

Einer der schönsten Momente in Elden Ring ist es, wenn man ein neues Gebiet betritt und von der schönen kommenden Landschaft erschlagen wird. Hier wurde aber eher die Konsole erschlagen, denn die Framerate brach kurz für ein bis zwei Sekunden ein. Interessanterweise aber nur beim ersten Betreten der Gegend. Als ich versuchte es nachzustellen, passierte es nicht mehr.

Ein paar andere Momente, in denen die Framerate nachgab, blieben auch im Kopf. In einem Kampf relativ zu Beginn des Spieles habe ich die Aschen-Wölfe herbeigerufen. Ein Troll-Boss zerschlug diese mit einem großen Angriff, was alle drei Wölfe gleichzeitig zum Platzen brachte.

Hier krachte aufgrund der vielen Effekte und Dinge, die passierten, die Framerate ebenfalls ein. Auch das aber nur für einen sehr kurzen Moment, danach war alles wieder gut. Schwenkt ihr die Kamera schnell in größeren Gebieten oder in Kämpfen mit vielen Effekten, dann ist ein Stottern ebenfalls leicht merkbar. Nicht schlimm oder störend – aber durchaus bemerkbar.

Keine 120 FPS, absolut unspielbar?!

Als großer Fan von Bloodborne bin ich FromSoftware-Spiele mit 30 FPS gewohnt. Es stört mich also nicht, wenn es nicht ganz so flüssig läuft wie an einem High-End-PC und es in über 40 Stunden Spielzeit mal zum Einbruch der Framerate beim Erkunden kam.

Doch das Wichtigste für mich: In fast keinem der Bosskämpfe kam es zum Stottern. (Zum Beispiel beim erwähnten Troll gab es das, interessanterweise.) Ich hatte keine Probleme im Kampf gegen Radahn, auch der effektvolle Kampf mit Rykard verlief ohne Ruckeln. Wenn Morgott zahlreiche Schwerter in den Boden schießt, bleibt das Spiel flüssig.

Gerade der Radahn-Kampf war interessant, da dort ja noch andere Charaktere mitkämpfen können und dieser gigantische Boss den Bildschirm mit seinem Körper und Attacken füllt. Wie es im DLC beim finalen Boss aussieht, der selbst in anderen Versionen teils zu Performance-Problemen geführt hat, kann ich leider nicht sagen. Ich versuche aber, es in den Kommentaren irgendwann nachzureichen. Gebt mir aber bitte ein bisschen Zeit, so gut bin ich dann auch wieder nicht …

Nach wenig Zeit gewöhnt man sich an die Performance und 30 FPS der Konsole. Das ist der Preis für das mobile Spielen. Einen Großteil meiner Spielzeit mit der Switch-2-Fassung habe ich im Handheld-Modus verbracht. Gerade das Erkunden der Welt oder von Dungeons ist dort wirklich angenehm und entspannt. Anfangs fiel es mir schwer, bei Boss-Gegnern mental in den „Serious Gamer“-Mode zu wechseln.

Doch auch das ist nur eine Frage der Gewöhnung und somit war auch eine Rennala kein Problem. (Wobei sie sowieso kein Problem darstellt). Aber auch am TV habe ich einige Zeit mit der Portierung verbracht und kann von keinerlei Unterschieden berichten, außer dass der Titel am TV dann halt in 4K läuft. Das kann ich zwar nun technisch nicht zu 100 % belegen und es gibt seitens Bandai Namco keine Angabe dazu, aber das sagen mir zumindest meine schönen Äuglein.

Die Ladezeiten haben sicherlich Verbesserungspotenzial. Knapp zehn Sekunden dauert es durchschnittlich, bis ihr nicht mehr den Ladebildschirm seht. Teilweise kann das sogar noch länger dauern, wenn ihr euch zum Beispiel in die Hauptstadt Leyndell portiert. Innerhalb der Stadt geht das dann schneller. Generell gilt ein wenig: Je weiter weg, desto länger dauert die Schnellreise. Somit hatte ich beim Testen Zeiten zwischen fünf und zwölf Sekunden. Haut euch ein Boss um, habt ihr ungefähr eine Wartezeit von knapp sechs bis sieben Sekunden.

Das ist noch verkraftbar, aber in einem Spiel, wo man oft stirbt, kann das doch durchaus ein wenig nervig werden. Kann – mich hat es nicht gestört, aber auch da wieder: Ich bin halt lange Wartezeiten von Bloodborne gewohnt. Damit sind die Ladezeiten länger als auf einer PS5 oder Xbox Series X, aber deutlich kürzer als auf einer PS4 oder Xbox One. (Das liegt dort aber auch an der fehlenden SSD.)

Neue Inhalte braucht das Zwischenland?

Mit der Tarnished Edition von Elden Ring bringt FromSoftware zwei neue Klassen mit ins Spiel. Mit dem Idus-Ritter erhaltet ihr eine Startklasse, welche eine gute Defensive bietet, aber dennoch agil ist und euch eine interessante Hybrid-Klasse bietet. Abseits davon bringt FromSoftware hier ein komplett neues Land in die Lore des Spieles ein, welches uns sicherlich zahlreiche neue Lore-Videos auf YouTube bringen wird.

Der Schwere Ritter bietet genau das, was er verspricht: Ihr startet als Ritter mit einem hohen Tragegewicht, welcher dementsprechend langsam rollt. Das ist persönlich gar nicht meins, aber wer Bock auf hohe Defensive mit einem fetten Krummsäbel hat, dem könnte diese Startklasse gut gefallen. Fans von FromSoftware freuen sich sicherlich, denn es gibt neue Rüstungssets, welche wohl Anspielungen auf ältere Spiele des Entwicklers bieten.

Auch das Spektralross Sturmwind bekommt nun die Möglichkeit, sich ein wenig umzuziehen! Drei Rüstungen könnt ihr für euren treuen Gefährten finden. Falls ihr dachtet, ihr erhaltet die einfach so, dann habt ihr euch getäuscht. Die Ausrüstungen müsst ihr in der Welt finden. Diese haben aber rein optische Auswirkungen. Das gespenstische Pferd hat dadurch keine besseren Werte.

Diese neuen Inhalte können für einen schmalen Taler von 4,99 Euro auf anderen Plattformen erworben werden. Ob sich das lohnt, muss man natürlich mit sich selbst ausmachen. Generell wirkt der Preis von der Switch-2-Fassung mit 79,99 Euro ganz schön hoch. Die Version beinhaltet das Grundspiel, den „Shadow of the Erdtree“-DLC sowie nun das „Tarnished Edition“-Pack.

Der DLC ist scheinbar nie auf Steam im Angebot, das Grundspiel auch recht selten, aber das kam auf jeden Fall schon vor. Dennoch wäre da der günstigste Kombi-Preis noch über 70 Euro gewesen, laut SteamDB. So betrachtet muss man gar nicht so viel tiefer in die Tasche greifen als auf anderen Plattformen. Daher geht das schon so weit in Ordnung – aber wer auf einen Sale warten möchte, dem sei dies natürlich auch geraten.

Auch mobil ein Meisterwerk

Bildmaterial: Elden Ring, Bandai Namco, FromSoftware

Der Beitrag Im Test! Elden Ring Tarnished Edition auf Switch 2 – auch mobil ein Meisterwerk erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Saros
	30. April 2026
	Sony Interactive Entertainment
	30. April 2026
	Sony Interactive Entertainment
	30. April 2026
	Sony Interactive Entertainment
System	PlayStation 5
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Housemarque
Genres	Roguelite-Shooter
Texte
Vertonung

Vor einiger Zeit erschien Housemarques neuer Vorzeigetitel Saros in unseren Gefilden. Es hat lange gedauert, sehr lange. Das Spiel hat kein gutes Haar an mir gelassen. Es hat mich zu Boden geworfen und angespuckt, aber ich wollte mehr. Gefleht habe ich weiterzukommen. Tränen wurden vergossen.

Wie sich Housemarques Wahnsinn, entlehnt von den Kurzgeschichten von Robert William Chambers, in mir ausgebreitet hat und welchen Einfluss das auf die Wertung haben wird, erfahrt ihr bei uns. Behaltet die Nerven, lehnt euch zurück, ignoriert für einen Moment die Stimmen, die ihn glorifizieren, und hört mir zu. Hört mir zu, es mag das Letzte sein.

Wie vom Erdboden verschluckt

Carcosa, ein Planet, der von der Soltari Corporation ausgesucht wurde, um ihn zu besiedeln, vordergründig aber um die reichen Lucenit-Vorkommen abzubauen. Drei Expeditionen wurden nach Carcosa geschickt. Forscher, Kolonisten, militärisches Personal. Viele Seelen, die dem Fortschrittsgeist folgen.

Nun sind sie alle verstummt. Kein Wort erreicht mehr die Ohren, die sie einst in die Finsternis schickten. Was ist geschehen, was ist zu tun? Soltari hat entschieden, euch und eine Handvoll Leute auf eine Rettungsmission zu schicken.

Nur: Was sollt ihr retten? Die Siedler, wenn es denn noch welche seit dem Funkabbruch gibt, oder doch eher Soltaris Finanzen, die es auf Carcosa einzusammeln gilt? Unermessliche Reichtümer, doch zu welchem Preis …

In der Person des Vollstreckers Arjun macht ihr euch auf den Weg, auch um euren eigenen Zielen nachzugehen, jemanden zu finden, den ihr verloren zu glauben scheint. Immer tiefer und tiefer dringt ihr durch die Ruinen von Carcosa. Bemerkt seit geraumer Zeit Veränderungen, an euch, den anderen. Etwas ist hier, etwas beobachtet, spricht zu euch. Ein leises Flüstern, eine Frage, welche immer eindringlicher euren Geist zu betören versucht.

Auch eure Crewmitglieder verändern sich. Werden stiller, verhalten sich seltsam. Ihr Blick in weite Ferne gerichtet, an einen Ort, der nicht da zu sein scheint. Murmelnd und betend. Auch ihr fragt euch mit der Zeit: Was ist Realität, was ist Fiktion? Dieser Planet, er kehrt das Innerste nach außen, tiefste Begierden, die in den Wahn führen und euch Wahrheiten vorführen, die ihr längst vergessen hattet. Die Sonne ist ewig, könnt ihr ihr trotzen oder vergeht ihr in ihrem strahlenden Antlitz?

Wundersame Rätsel

Die Geschichte von Saros ist kryptisch und zugleich faszinierend. Zu Beginn werdet ihr einfach ins Spiel geworfen. Ihr erlebt einen tragischen Disput und man erzählt euch, dass ihr mehrere Tage lang fort gewesen seid. Wie ihr zurückgekommen seid, könnt ihr nicht erklären, nicht ihnen, nicht euch. Ein Mysterium, das sich euch erst langsam und nur in Teilen offenbart.

Die Welt, die Charaktere, sie erzählen verworrene Fragmente einer Geschichte, deren Wahrheit sich euch nur langsam öffnet. Scan-Daten von Gegnern, Logs verschiedenster Art und natürlich Gespräche mit einer sich langsam dem Wahn hingebenden Crew füllen Teil um Teil des Puzzles, das ihr lösen müsst. Um diese Geheimnisse zu lüften, müsst ihr auf eure Fähigkeiten ver- und eurem Geist misstrauen.

Wuchtige Kugelhölle

Saros, wie schon einst Returnal, ist ein Rogue-Shooter, der auf eure Talente als Schütze und eure Reflexe setzt, denn Gegnerhorden werden euch mit massig Projektilen zusetzen, mehr als noch in Returnal. Springen, ausweichen und im richtigen Moment euren Energieschild einsetzen sind eure überlebenswichtigen Grundfertigkeiten und dazu ballern, ballern, ballern, was das Zeug hält. Denn ihr werdet nicht selten aus allen Richtungen angegriffen.

Doch fangen wir in aller Ruhe an. Bevor ihr euch ins Getümmel stürzt und die einzelnen Welten von Carcosa erforscht, startet ihr zunächst in einem Außenposten. Hier besprecht ihr euch mit den einzelnen Crewmitgliedern und legt fest, wie es weitergeht, und kümmert euch um eure Ausrüstung. Am Anfang habt ihr allerdings nicht wirklich die Wahl oder etwas zum Ausrüsten und so steht euch nur die erste Welt zur Verfügung.

Carcosa besteht zu großen Teilen aus Schlauchleveln bepackt mit kleineren bis mittleren Kampfarealen, welche sich auch in der Vertikalen ausdehnen. In diesen bewegt ihr euch gerade am Anfang nur laufend und springend. Immer wieder begegnet ihr dabei den Lebensformen des Planeten, garstigen Biomonstern oder Cyborgs, die sich aus dem Nichts vor, aber besonders gern hinter euch materialisieren.

Jedes dieser Monster hat eigene Angriffsparadigmen, die es von euch zu lernen gilt. So gibt es statische Gegner, die euch aus ihrer Position heraus mit Energiekugeln beschießen. Agile Kreaturen, die von einer Ecke zur nächsten springen, um euch dann aus einem nicht einsehbaren Winkel heraus anzuspringen. Die Vielfalt an Gegnern ist riesig und nicht selten explodiert vor euch ein Feuerwerk aus Energiekugeln, die euch nur wenig Spielraum zum Überleben lassen. Gerade die Zusammensetzung verschiedener Kreaturen endet meist tödlich. Über die Biome hinweg können sich Gegner auch weiterentwickeln und neue Angriffe gegen euch einsetzen.

Für den Gewinn nur das Beste

Natürlich seid ihr nicht wehrlos. Eure Firma Soltari stattet euch mit den besten Waffen des Unternehmens aus, welche die Forschung der menschlichen Rasse hergibt. Wuchtige Schrotflinten, Handfeuerwaffen mit Abprallgeschossen, Sturmgewehre mit intelligenter Munition und, und, und … Jede dieser Waffen gibt es zusätzlich in verschiedenen Ausführungen mit eigenen Feuermodi.

Das Gunplay bleibt also das gesamte Spiel über interessant und vor allem wuchtig. Da ihr die Waffen an Schreinen immer neu gewürfelt bekommt, müsst ihr euch entscheiden, ob ihr bei eurer jetzigen Waffe bleibt oder eine Waffe wählt, die eventuell ein höheres Level hat, mit der ihr aber nicht so gut umgehen könnt.

Neben den verschiedenen Waffen ist auch euer Anzug eine mächtige Waffe. Sowohl im Angriff als auch in der Verteidigung absorbiert ihr Energiekugeln und ladet dabei das Sekundärfeuer eurer Waffen auf. Der Schild erhöht neben euren Reflexen die Wahrscheinlichkeit, dass ihr überleben werdet und vielleicht das Ende des Spieles erlebt. Neben Waffen findet ihr auch Upgrades, die euch verschiedene Boni verleihen. Wie zum Beispiel mehr Lucenit oder mehr Schaden, solange ihr volle HP habt. Man lässt euch also nicht völlig wehrlos, wenn ihr allerdings glaubt, dass es nicht schwerer geht, dann weit gefehlt.

Die Welt in gelb

Das Spiel wird vor allem nochmal eine ganze Ecke aggressiver, wenn die Sonnenfinsternis von euch beschworen wird, und das Spiel zwingt euch von Zeit zu Zeit in diese Parallelwelt zu wechseln. Die Welt wird in gelb getaucht, die Gegner werden unberechenbarer, bekommen neue Energiekugeln, mit denen sie eure Lebenskraft reduzieren können, und wirken generell gefährlicher. Dabei hängt euer Leben an einem seidenen Faden. Sterbt ihr, geht der Zyklus von vorne los und ihr müsst euch wieder durch das Areal kämpfen.

Die Areale haben im Gegensatz zu Returnal Checkpoints. Diese gibt es immer zu Beginn eines neuen Areals. Ihr könnt euch also entscheiden, ob ihr vom Checkpoint aus startet oder lieber wieder ganz von vorne, die Areale sind miteinander verbunden. Letzteres bringt euch mehr Lucenit, Waffen mit höherem Level und vielleicht auch bessere passive Ausrüstung.

Der Tod ist erst der Anfang

Sterbt ihr jedoch, ist hier nicht alles gleich verloren, ihr könnt einiges an Fortschritt in den nächsten Durchgang mitnehmen. Saros bringt dieses Mal einen recht großen Skilltree mit. Dieser bietet euch viele Verbesserungen, die ihr für Lucenit eintauschen könnt. Beispielsweise, dass ihr direkt mit Waffen startet, die ein höheres Ausgangslevel haben oder eure Heilung effektiver gestalten, auch ein zweites Leben ist möglich. Der Skilltree ist in mehrere Abschnitte unterteilt, ein noch nicht erledigter Boss ist eine interne Sperre, die sich erst mit eurem Sieg auflöst.

Um das Ganze noch etwas schwerer zu machen, gibt es in den verschiedenen Biomen rund um Carcosa noch deutlich finsterere Orte. Hierbei handelt es sich um kleinere Kampfareale mit äußerst harten Gegnern, aber auch seltenen Belohnungen, die eure Statuswerte permanent erhöhen.

Habt ihr trotzdem irgendwo ein Level erreicht, wo ihr an den Gegnern mal um mal scheitert, liefert euch Saros auch hier eine Lösung. Eine Hilfe in Form von Modifikatoren. Diese können euch das Spielen deutlich erleichtern. Je mehr ihr allerdings davon nutzt, desto mehr müsst ihr das Ganze mit Strafmodifikatoren ausgleichen. Sprich: weniger Schaden durch die Gegner, dafür aber weniger Lucenit-Drops. Ist euch das Spiel dann immer noch zu schwer, kann man diese Regulation über das Optionsmenü deaktivieren. Das hat auch keine Auswirkungen auf eventuelle Trophys, es macht das Spielen nur angenehmer.

In den Staub

Dennoch werdet ihr, gerade wenn ihr neu in diesem Genre seid, relativ oft sterben. Die Kämpfe in Saros bleiben das ganze Spiel über wuchtig, spannend, nicht selten auch äußerst frustrierend. Wenn man ein Areal allerdings geschafft hat, fühlt man sich so mächtig, dass man gleich weitermachen möchte.

Nur um sich dann gleich wieder ganz klein im Adrenalinrausch zu befinden. Das Gameplay von Saros ist anspruchsvoll, nervenaufreibend und macht unglaublich süchtig. Vom simplen Sprung bis hin zu Kontermechaniken müssen die Fähigkeiten in Fleisch und Blut übergehen, wenn ihr das Geheimnis von Carcosa erfahren möchtet.

Zerklüftete Gebirge und uralte Ruinen

Die Welt in Saros ist alles andere als ein Paradies und wirkt dennoch prachtvoll. Eine unwirtliche Gegend bestehend aus Sümpfen, tiefen Schluchten und alten, erhabenen Ruinen. Über euch thront stets die Sonnenfinsternis und ermahnt euch, dass ihr nichts seid in einer Welt aus Fels und Gewalt. Saros wirkt in all seiner Detailverliebtheit einfach beängstigend schön. Saros gibt ein Gefühl der Verlorenheit mit seinen Ruinen einer Zivilisation, die es scheinbar schon seit Jahrhunderten nicht mehr zu geben scheint.

Die Welt erdrückt euch durch die gefühlt monolithischen Bauten und die hohen Gebirge. Schon das erste Level mit verschlungenen Bergpfaden, in denen seltsam mit Gewalt gepresste, hochtechnologische Konstrukte irgendwie fehl am Platz wirken. Umschlungen von wunderschönen alten Ruinen, die einst einen erhabenen Anblick geliefert haben müssen.

Diese Kombination aus nicht zusammenpassenden Elementen wirkt bizarr und trotzdem harmonisch. Maschinen und Überreste dieser längst vergangenen Zivilisation jagen euch mit all ihrer Präsenz, während vogelähnliche Schwärme die weite Welt Carcosas durchströmen. Tod und Leben, Schönheit und Verfall, all das spiegelt sich in der Welt von Saros wider. Gepaart mit einem unwirklichen Gefühl, das euch sagt, dass ihr nicht und doch willkommen seid.

Die Sonne ist ewig

Dieses Gefühl der Bedrängnis verstärkt sich, sobald sich die Welt verschiebt und ihr die volle Pracht der Sonne erlebt. Eine Welt getaucht in Flammen und Wahnsinn. Tentakel, die sich über den Boden erstrecken und unwirklich im goldgelben Glanz der Welt erstrahlen. Im gleichen Glanz erstrahlen auch die Lebewesen. Gefährlich und erhaben trachten sie in bizarren Formen nach eurem Leben.

Housemarque hat ein groteskes Bild der Faszination und des Grauens erschaffen, ohne dabei gruselig zu sein. Der Wahnsinn dringt mit der Zeit aus jeder Ecke und ihr lasst euch einfach mit dem Strom dahingleiten. Der Entwickler beherrscht es wunderbar, eine zerbrochene Welt visuell umzusetzen. Dabei läuft das Spiel butterweich, selbst auf einer Standard-PS5. Framedrops in einem Spiel, das auf Geschwindigkeit und Geschicklichkeit setzt, wären fatal, tauchen über das gesamte Spiel aber auch nicht auf.

Der Wahnsinn hat eine Melodie

Dazu gesellt sich eine Soundkulisse, die euch das Blut in den Adern gefrieren lässt. Wuchtig metallisch und doch nachgiebig. Dann wieder schneidend und durchdringend kreieren die einzelnen Stücke ein eindringliches, pulsierendes Erlebnis. Sie hinterlassen einen spürbaren Eindruck, was um euch herum und mit den Charakteren passiert. Leise lässt euch das Spiel der Gefahr gewahr werden, nur um dann in einem lauten Crescendo über euch herzufallen.

Auch die verschiedenen Figuren tragen mit ihren Dialogen zur verzweifelten Situation bei. Einer Situation, in der nicht alles nach Plan läuft, aber immer noch irgendwo so etwas wie Hoffnung besteht. Die in etwas umkehrt, das monströs wirkt. Housemarque hat insgesamt mit einer bizarren Geschichte, grenzwertigen Welten, einem unwirklichen Soundtrack und hervorragenden Sprechern ein Gesamtkunstwerk geschaffen, das seinen Vorgänger noch übertrifft.

Unterm Strich

Bildmaterial: Saros, Sony Interactive Entertainment, Housemarque

Der Beitrag Im Test! Saros ist herausragend vom Gunplay bis zur letzten Note erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Final Fantasy VII Rebirth
	3. Juni 2026
	Square Enix
	3. Juni 2026
	Square Enix
	3. Juni 2026
	Square Enix
System	PlayStation 5, Xbox Series, Switch 2, PC
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Square Enix
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Mit dem Remake von Final Fantasy VII schuf Square Enix im Jahre 2020 ein wahrhaftiges Meisterwerk und damit auch einen weiteren Meilenstein im JRPG-Genre. Recht schnell nach dem Release wurden dann auch schon Stimmen laut, die nach einer Fortsetzung des ohnehin auf drei Etappen aufgeteilten Rollenspiels riefen.

Mit „Final Fantasy VII Rebirth“ kam Square Enix diesem Wunsch am 29. Februar 2024 schließlich nach. Vorerst erschien der Titel allerdings lediglich exklusiv für Sonys PlayStation 5. Eine angepasste und vor allem optisch etwas verbesserte Variante erschien am 23. Januar 2025 für PCs. Xbox- und Switch-Spieler gingen also erst mal leer aus. Square Enix gab allerdings schon recht früh zu verstehen, dass auch Microsoft- und Nintendo-Jünger früher oder später in den Genuss des Titels kommen würden.

Am 3. Juni ist es nun also endlich so weit, womit auch Switch-2- und Xbox-Nutzer in die zweite Episode des Remake-Meisterwerks starten. Ob der Titel immer noch so faszinierend ausfällt, nach wie vor begeistern kann und ob auch die technische Seite entsprechend angepasst wurde, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Test.

Nahtlose Fortsetzung des epochalen Meisterwerks

Die Story von Final Fantasy VII Rebirth setzt quasi genau da an, wo der erste Teil der Remake-Trilogie geendet hatte. Nach wie vor wird die Bevölkerung der Mega-Metropole „Midgar“ von der machtbesessenen Shinra Corporation tyrannisiert. Doch nicht nur die Tyrannei durch den Megakonzern macht den Menschen zu schaffen, auch der stetige Abbau der sogenannten „Mako-Energie“, sozusagen dem Lebensstrom des Planeten, belastet vor allem die Umwelt und den Planeten selbst.

Die Öko-Terroristengruppierung „Avalanche“ hat es sich zur Aufgabe gemacht, der Shinra Corporation das Handwerk zu legen und sowohl den Planeten als auch die Gesellschaft von der Tyrannei zu befreien. Dieser Gruppierung gehört auch unser Held „Cloud Strife“ an.

Wie auch im Original übernehmen wir die meiste Zeit die Rolle des furchtlosen, blonden Helden und Ex-Soldaten. Cloud diente ehemals als angestellter Söldner bei der Shinra Corporation, verließ diese jedoch auf eigenen Wunsch hin um eigenen Interessen nachzugehen. Doch Shinra bleibt am Ende nicht die einzige Bedrohung, mit der wir es zu tun bekommen, und am Ende steht vielleicht sogar das Schicksal der gesamten Welt auf dem Spiel.

Auf der beschwerlichen Reise treffen wir außerdem auf allerlei Mitstreiter, die unterschiedlicher nicht hätten ausfallen können. Gerade in Sachen Charakterdesign macht Square Enix, speziell im Rollenspiel-Genre, absolut niemand etwas vor. Die Charaktere wirken auch heute noch absolut fantastisch gezeichnet und durchdacht.

Gerade für die Story der Remake-Trilogie bedient sich der Entwickler und Publisher Square Enix vor allem einer bestimmten Mechanik – die der alternativen Zeitlinien. Denn so umschifft Square Enix gekonnt diverse Hürden der ursprünglichen Story und kann diese so gekonnt weiter auskleiden, ohne dass das Ganze am Ende zu wirr oder nicht durchdacht genug wirkt.

Die Remake-Trilogie hält sich also im Großen und Ganzen schon an die Story des Originals aus dem Jahre 1997, dichtet hier und da aber auch mal mehr und mal weniger hinzu. Um aus ursprünglich einem Titel nun drei zu machen, bedarf es eben doch etwas mehr Story-Material, als es das Original zu bieten hatte. Alles in allem wirken die beiden bisher veröffentlichten Remake-Episoden aber stets stimmig und keinesfalls völlig überzogen.

Original erfolgreich in die Moderne transportiert

Wie auch schon beim ersten Teil der Remake-Trilogie setzt Square Enix auch bei Rebirth auf das neue, deutlich actionorientiertere Kampfsystem der neuen Final-Fantasy-Ableger. Gekämpft wird also in einem aktiven Kampfsystem, bei dem jeder Tastendruck auch eine direkte Auswirkung auf den Kampf hat. Auch Blocken und Ausweichen steht also an der Tagesordnung. Per Tastendruck lässt sich das Kampfgeschehen in eine Art Taktik-Modus schalten, hier läuft der Kampf dann quasi in Zeitlupe im Hintergrund weiter.

Nun haben wir die Möglichkeit, diverse Aktionen wie beispielsweise verschiedene Zauber, Items und andere Angriffe zu bestimmen, welche beim Fortsetzen des regulären Kampfgeschehens dann direkt von den Mitstreitern unserer Gruppe umgesetzt werden. In Sachen Kampfsystem hat man sich bei Square Enix also wirklich Gedanken gemacht und sich für ein fast schon perfektes Kampfsystem für die Remake-Trilogie entschieden. Auch wenn viele Hardcore-Fans des Originals das sicher anders sehen.

Auch in Sachen Bewegungsfreiheit hat sich beim zweiten Teil der Remake-Trilogie einiges getan. Wir können uns ab einem bestimmten Punkt im Spiel nun deutlich freier fortbewegen und die Spielwelt fast schon nach eigenem Belieben erkunden. Der rote Faden der Story bleibt natürlich nach wie vor bestehen, dennoch haben wir die Möglichkeit, auch zu bereits besuchten Schauplätzen zurückzukehren, um eventuell vergessene Items einzusammeln oder Nebenquests nachträglich noch zu absolvieren.

Die Entwickler schaffen es mit den beiden Remake-Teilen gekonnt, den Spirit und das Spielgefühl des Originals in die Moderne zu transportieren, ohne dabei gekünstelt oder gestreckt zu wirken. Allein dafür muss man Square Enix wirklich loben, denn ein so durchdachtes und toll umgesetztes Remake eines der wohl einflussreichsten JRPGs überhaupt auf die Beine zu stellen, ist schon eine wahrhaftige Mammutaufgabe.

Zahlreiche Nebenquests kleiden Story weiter aus

Gerade für die zahlreichen Nebenquests sollte man sich genügend Zeit nehmen. Denn diese kleiden die Story weiter aus und verleihen sogar dem ein oder anderen Charakter nochmals ein ganz neues Level von Tiefgang in Sachen Charakterentwicklung.

Allgemein legt Square Enix bei der Remake-Trilogie enormen Wert darauf die einzelnen Charaktere in ihrer Tiefe zu vermitteln und somit ein einprägsames Bild eines jeden Charakters zu schaffen. Beim Original von 1997 war dies aufgrund diverser Limitierungen natürlich noch nicht in diesem Umfang möglich.

Grafisch eine absolute Augenweide und perfekt optimiert

Vor allem optisch ist Final Fantasy VII Rebirth eine wahre Augenweide. Neben den fantastischen Charaktermodellen sind es vor allem auch die knackigen Texturen und die wundervoll gestaltete Spielwelt, die dieses Abenteuer regelrecht erstrahlen lassen. Man erkennt jede Location des Originals sofort wieder, jedoch sieht das Ganze nun deutlich beeindruckender aus. Das alles schafft Square Enix ohne dabei die Identität und das Feeling des Originals von 1997 zu verlieren.

Auch die technische Umsetzung, speziell für Switch 2, ist über jeden Zweifel erhaben. Denn der Titel sieht auch auf der deutlich schwächeren Switch 2 immer noch wirklich fantastisch aus und läuft mit 30 Frames zudem auch noch ziemlich flüssig über den Bildschirm. Natürlich musste Square Enix hier von den 60 Frames der PS5-, Xbox- und PC-Versionen abweichen, das ist aber auch einfach der geringeren Hardware-Leistung der Switch 2 geschuldet.

Speziell bei der Auflösung macht sich die doch schwächere Hardware der aktuellen Nintendo-Konsole bemerkbar, denn diese fällt eine ganze Ecke niedriger aus als bei den anderen Versionen. Dennoch weiß der Titel auch auf der Nintendo-Konsole zu begeistern und speziell für die doch etwas abgespeckte Mobile-Hardware der Switch 2 ist das Gebotene wirklich absolut beeindruckend. Wer hätte schließlich noch vor ein paar Jahren gedacht, dass ein solch technisch beeindruckender Titel auf einem Handheld-Gerät spielbar sein würde?

Perfekte Synchronisation trifft auf Kult-Soundtrack

Die durchweg fantastische Synchronisation fusioniert wunderbar mit dem kultigen Soundtrack, den man bereits aus dem Original von 1997 kennt. Doch alles wirkt nun deutlich moderner und angepasster. Gerade der Soundtrack dürfte vielen Fans des Originals noch bis heute in den Gehörgängen hängen und zählt wohl bis heute mit zu den ikonischsten Soundtracks der Videospielgeschichte. Ein akustisches Fest für Fans und alle, die es werden wollen.

Legendäres Abenteuer geht in die nächste Runde – nun auch mobil

Bildmaterial: Final Fantasy VII Rebirth, Square Enix

Der Beitrag Im Test! Final Fantasy VII Rebirth ist auch auf Switch 2 ein absolutes Muss für jeden RPG-Liebhaber erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Forza Horizon 6
	19. Mai 2026 (Early Access 15. Mai)
	Xbox Game Studios
	19. Mai 2026 (Early Access 15. Mai)
	Xbox Game Studios
	19. Mai 2026 (Early Access 15. Mai)
	Xbox Game Studios
System	Xbox Series X/S, PC, Cloud
Getestet für	PC, Geforce Now
Entwickler	Playground Games
Genres	Rennspiel
Texte
Vertonung

Seit über einem Jahrzehnt begeistert die Festival-Rennspiel-Serie Forza Horizon Fans weltweit und erhält mit jedem neuen Eintrag Top-Wertungen. Nachdem es zu Beginn der aktuellen Konsolengeneration in Forza Horizon 5 quer durch Mexiko gegangen war, wurden wir hellhörig, als es hieß, Forza Horizon 6 solle Japan als „Horizon Festival“-Austragungsort haben. Ob ein ambitioniertes Rennspiel den Flair des vielfältigen Landes wirklich ausreichend einfangen kann?

Einen kleinen Dämpfer der Vorfreude gab es vorab, denn Microsoft kündigte an, die Landkarte im Spiel stark an die Anforderungen anzupassen – das heißt, die Karte wurde geschrumpft und nur die wichtigsten Orte verbleiben im Spiel. Am Ende ist diese Entscheidung vielleicht sogar eine Stärke des Titels.

Forza Horizon 6 orientiert sich zwar stark an Tokio und beinhaltet auch alle wichtigen Stadtteile und Wahrzeichen, diese wurden aber bewusst angepasst und dichter zusammengeführt – so befindet sich der Tokio Tower direkt in der Nähe des Shibuya Scramble und ist von dort in weniger als 30 Sekunden erreichbar, was im echten Stadtbild so natürlich nicht möglich wäre.

Außerdem ist man auf diese Weise in wenigen Minuten bereits in den Bergen, um an den vielzähligen Drift-Events teilnehmen zu können. Die Fahrzeuge verfügen übrigens über einen Autopiloten, womit ihr euch zu den nächsten Events fahren lassen und die virtuelle Landschaft genießen könnt. Von den Außenbezirken die Skyline von Tokio und im Hintergrund die weltbekannten Gebirge Japans zu sehen, ist zu jeder Jahreszeit und bei jedem Wetter ein Hingucker.

Japanische Autokultur im Vordergrund

Wie Deutschland hat auch Japan eine starke Autokultur, welche in Forza Horizon 6 zum Ausdruck kommt. Über hundert Fahrzeuge bekannter Marken wie Toyota, Honda, Nissan, Mitsubishi, Mazda, Subaru und Suzuki sind im Spiel vorhanden – insgesamt sind es über 550 Fahrzeuge. Leider fehlen bislang die dazugehörigen Motorradmarken – vielleicht eine Möglichkeit für zukünftigen DLC.

Ein echtes Highlight ist nicht nur die detailgetreu nachgebaute Innenstadt, sondern auch die authentischen Gameplay-Elemente wie die Drift-Herausforderungen, die regelmäßigen Autotreffen an legendären Orten wie dem Daikoku-Parkplatz in Tokio sowie das Aftermarket-Car-System, das die ausgeprägte japanische Tuning-Szene mit echten japanischen Tuning-Marken zeigt. Nicht nur auf dem Berg Haruna und an der bekannten Bandai Azuma Skyline gibt es Drift-Events  – etwas, das Fans der „Initial D“-Serie bereits länger bekannt ist.

Das Spiel würdigt insbesondere die Vielfalt japanischer Fahrzeugtypen: von einzigartigen Kei-Cars wie dem Autozam AZ-1 und dem Honda Beat über JDM-Ikonen wie Nissan Skyline GT-R, Toyota Supra MK4 und Mazda RX-5 bis hin zu den Japan-spezifischen Antriebstechnologien.

Japanische Kultur über Fahrzeuge transportiert

Ein weiteres Highlight ist das Livery-System, mit dem SpielerInnen aus aller Welt ihre Fahrzeuge mit eigenen Motiven lackieren können. Das neue Japan-Thema brachte Fans bereits auf einige kreative Kreationen im farbenfrohen japanischen Stil, auch einige Elemente der japanischen Popkultur wie Hatsune Mikus Goodsmile Racing Team oder Hololive durch dessen kürzliche Kollaboration mit Asphalt Legends Unite sind immer wieder zu sehen.

Aber auch die japanische Servicekultur wird mit dem Lieferwagen „RakuRaku Express“ abgebildet. In den zeitkritischen Liefermissionen holt ihr die Lieferung in einer Seitengasse bei einem Restaurant ab und driftet präzise durch die engen Gassen der Großstadt. Ein stilvolles Versenken des Lieferwagens in der Tokio Bay während der Sushilieferung ist übrigens nicht erwünscht. Gomen nasai!

Electric City, Electric Music

In Forza Horizon 6 ist Gacha City Radio ein eigenständiger Radiosender, der perfekt in das japanische Spielsetting integriert ist und die Atmosphäre des Stadtviertels Akihabara und dessen Anime- und Gaming-Kultur einfängt. Der auf japanisch moderierte Radiosender spielt J-pop, J-rock, City Pop sowie Anime- und Future-Core-Tracks.

Populäre Songs sind Bling-Bang-Bang-Born von Creepy Nuts (Mashle-Opening) und New Genesis von UTA aus dem One-Piece-Film – unsere Favoriten sind jedoch IDOL von YOASOBI (Oshi no Ko – Opening), Miku ft. Hatsune Miku von Anamanaguchi, Snail’s House (Kawaii Future Bass) mit dem Track „CatJammer“ und natürlich die Stücke von Babymetal.

Tagestouren führen durch das vielfältige Land

Ein weiteres Highlight abseits der Rennen sind die gemütlichen Tagestouren und Entdeckungstouren, die euch ohne Stress und mit einem geführten Guide die Hintergründe der besuchten Orte und auch der verwendeten Fahrzeuge erzählen.

Jede der im Spiel enthaltenen Regionen, von der pulsierenden Metropole Tokio über die Küste mit weiten Stränden bis zu den Highlands mit kurvigen Bergpässen, wird so detailliert beleuchtet, oft mit kulturellen Hintergrundinformationen zu den Gebäuden und den genutzten Fahrzeugen. Jede Region besitzt ein eigenes Wahrzeichen und Maskottchen. Als Teil der Story führen sie euch auch an abgelegenere Orte und bringen euch das Phänomen der verlassenen Häuser auf dem Land, die sogenannten Akiya, näher.

Spielerisch gab es eher vorsichtige Erweiterungen und Verbesserungen, was allerdings nichts Negatives ist. Der Drohnenmodus ist präsenter und hilft beim Auffinden der versteckten Scheunen. Dazu kommt die häufig besser ausgearbeitete Landkarte mit den viel befahrenen und zum Teil engen Straßen der Großstadt Tokio als Highlight, ein verbessertes Progressionssystem, eine stärkere Atmosphäre durch verbesserte Präsentation und Raytracing-Beleuchtung im Spiel, die auch das wechselnde Wetter und die wechselnden Jahreszeiten überzeugender darstellt.

Auch am Sound wurde nochmals ordentlich Hand angelegt, zum Teil sind die Fahrzeuge rein durch ihre überzeugenden Motorengeräusche unterscheidbar. In Kombination führt das alles dazu, dass man gerne zurück ins Spiel kommt, um „nur noch eine Runde“ zu fahren – wir wissen alle, wie das ausgeht.

Ein gelungener Roadtrip in Japan

Bildmaterial: Forza Horizon 6, Xbox Game Studios, Playground Games, Turn 10 Studios

Der Beitrag Im Test! Forza Horizon 6 ist ein Roadtrip-Rennfestival und die Kultur kommt auch nicht zu kurz erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	OPUS: Prism Peak
	16. April 2026
	Shueisha Games
	16. April 2026
	Shueisha Games
	16. April 2026
	Shueisha Games
System	PC, Switch, Switch 2
Getestet für	PC
Entwickler	Sigono
Genres	Adventure
Texte
Vertonung

Etwas unverhofft tauchte im „Persönlichen Kalender“ in Steam (Experiment 16 der Steam Labs) ein Spiel auf, dessen Namen geheimnisvoll genug war, um im Gedächtnis zu bleiben. OPUS: Prism Peak versprach, ein spirituell angehauchtes Spiel im Anime-Cel-Shading-Look zu werden, dessen Gameplay an das altbekannte Life is Strange erinnert.

Als uns Sigono und Shueisha Games einen Test anboten, da das Spiel zu unserer Seite passen würde, waren wir daher sofort an Bord. Wenige Stunden im Spiel war bereits klar: Wir haben es hier mit einem Top-Titel zu tun. Aber erst mal der Reihe nach!

Gescheiterte Träume und Verlust – und die Suche nach einem Sinn

Im Spiel übernehmen wir die Rolle des 40-jährigen ehemaligen Fotojournalisten Eugene, der auf dem Weg war, sich sein perfektes Leben aufzubauen. Nach dem Aufwachsen in einer etwas eigensinnigen Familie mit starken Charakteren fand er sein Glück in der Fotografie und seiner selbst gegründeten Familie – in seinem Fotocafé servierte er nicht nur Getränke, sondern Lebensgeschichten, Gemeinschaft und Zusammenhalt.

Doch all das ging nach und nach aufgrund unglücklicher Umstände in die Brüche. Als gescheiterte Existenz entschließt er sich, nach längerer Abwesenheit in seine Heimat zurückzukehren – einen Anlass dazu gibt es auch, denn sein Großvater ist gestorben.

Zu allem Überfluss baut er auf dem Weg zur Beerdigung einen Unfall, der ihn in eine dunkle Parallelwelt bringt. In dieser Welt vermischt sich die reale Ebene mit einer mystischen, spirituellen Welt, in der Geister existieren. Hier muss er sich wohl oder übel mit seinen Erinnerungen, Verlusten und der Frage auseinandersetzen, ob er seine eigenen gescheiterten Träume loslassen kann – und wie es ab sofort weitergeht, so ganz ohne großes Lebensziel.

Der Weg ist das Ziel – aber laufen wir auf etwas zu, oder von etwas weg?

In der Parallelwelt leben viele Geister – meist Tiere mit einer starken Bindung an eine Realität, in der der sogenannte „Seher“ ein guter Freund war. Auch der Seher war ein sehr guter Fotograf, seine Bilder konnten verblasste Geister wieder erwecken, ihnen einen besonderen Namen geben und ihnen ihren Lebenswillen zurückgeben. Eines Tages verschwand der Seher hoch oben auf einem Berg, was die Geister wieder verblassen ließ. Sie sind nun auf sich alleine gestellt in einer Welt, in der die mysteriösen Schatten sie jederzeit auslöschen können.

In dieser düsteren, desillusionierten Welt trifft Eugene auf ein vorlautes Mädchen am Ende des Tunnels, in dem er sein Auto schrottreif gefahren hat. Auch sie ist bereits am Verblassen und fürchtet sich vor den Schatten, die wie ein Fluch alles zu verschlingen drohen. Eugene ist zwar emotional orientierungslos, aber kein Unmensch.

So nimmt er dieses Mädchen an die Hand und leitet es hinaus aus dem Tunnel, rein in den Wald. Nach wenigen Stunden fangen beide an, sich einander zu öffnen. Das Mädchen hat sich verirrt – ihre Heimat ist der Berg in der Ferne. Also begeben wir uns zusammen auf eine emotionale Reise, denn ein anderes, wichtiges Ziel haben wir aktuell sowieso nicht.

Alles Fremde wirkt vertraut, alles Vertraute fremd

Auf dem Weg begegnen wir vielen Tieren, die fremd, aber doch gleichzeitig vertraut wirken. Ein freundlicher Hirschgeist bringt uns im Wald unsere alte Kamera wieder, die wir erst vor wenigen Tagen verkauft hatten. Ein Kumpel im „echten Leben“ faltete uns dafür noch wenige Stunden vorher zusammen – was uns denn einfallen würde, die Kamera zu verkaufen, an der so viele Erinnerungen und Lebensträume hingen.

Vielleicht wollten wir sie aber gerade deswegen loswerden. Nun ist sie wieder da – halb kaputt wie unser Leben, aber mit besonderen Fähigkeiten in der Geisterwelt. Diese besonderen Fähigkeiten sind hilfreich bei der Erkundung und dem Festhalten besonderer Momente, aber auch nützlich für die Geister. Die Fotos dienen als Leitfaden in unserem Notizbuch, in dem wir die Reise festhalten und uns so immer wieder etwas mehr an die wirklich wichtigen Dinge erinnern.

Allzu tief möchten wir an dieser Stelle aber nicht in die Story eintauchen. Jede Begegnung mit einem verblassenden Tier ist mysteriös, aber auch gleichzeitig bedeutungsvoll. Der Eber ist im Streit mit seinem Freund auseinandergegangen, würde ihm aber am liebsten sagen, wie leid ihm alles tut und sich mit ihm versöhnen – eine Situation, in die sich Eugene nur zu gut hineinversetzen kann.

Am Bahnhof wartet eine Hundedame seit langer Zeit auf jemanden – hat Eugene etwa bei der Erfüllung seines Lebenstraums jemanden vernachlässigt, der ihn sehr vermisst? So geht es Stück für Stück weiter auf der Reise – selbst das Mädchen, das wir in ihre Heimat begleiten, hat einen Namen, mit dem wir schmerzhafte Erinnerungen verbinden. Und der Berg, auf dem der Seher verschwunden ist – ist das etwa … nein, das kann nicht sein.

Erinnerungen an die besten Anime-Filme werden wach

Die Anlehnungen an viele Meisterwerke der japanischen Anime-Kunst sind ab diesem Punkt nicht mehr zu leugnen. Der Grafikstil erinnert an die legendären Filme des Studio Ghibli, die Erzählung spiritueller Geschichten durch sprechende Tiere in einer Welt mit einem alles verschlingenden Schatten an das Meisterwerk Prinzessin Mononoke.

Aber auch die Anlehnungen an moderne Werke von Shinkai Makoto sind deutlich sichtbar. Wer die Filme im japanischen Originalton gesehen hat, dem können wir die japanische Sprachausgabe des Spiels mit deutschen Untertiteln ans Herz legen.

OPUS: Prism Peak lehnt sich zwar stark an viele Kunstwerke an, behält aber dabei eine eigene Identität, die sowohl als Videospiel, als Kunstwerk als auch als spirituelle Reise in multimedialer Form funktioniert.

Spiritualität hilft auf der Suche nach dem Sinn – Albträume aber auch

Eine magische Feuerschale gilt als Erdungspunkt auf der Reise. Sie gibt Hinweise auf die Ziele, gibt Tipps und gegen ein entsprechendes Opfer – meist Fotos – auch wichtige Items. Gleichzeitig gibt sie auch Zugriff auf die Totems der Tiere, die ihr getroffen habt. Hier könnt ihr Fotos zu wichtigen Momenten im Leben der Tiere einlösen und bekommt dadurch mehr Klarheit in der Story.

Eine wichtige Rolle spielen die Schnappschüsse eurer Retro-Kamera aber auch in euren nächtlichen Albträumen, die euch über die gesamte Spielzeit hinweg verfolgen. Hier setzen sich die Erfahrungen der vergangenen Tage neu zusammen, während die kürzlich geschossenen Fotos bei der Einordnung helfen. Sie schalten wichtige Storysequenzen frei, die Hintergrundinformationen in kurzen Videosequenzen enthalten. Ein zweiter Spieldurchgang ist zwingend notwendig, um den gesamten Umfang der Story zu erleben – und damit auch ihr gesamtes Gewicht.

Technik: Ausreichend Plus

Die Technik gerät bei einem narrativen Meisterwerk wie OPUS: Prism Peak schnell in den Hintergrund. Wie bereits erwähnt, ist der Grafikstil im Cel-Shading-Look gehalten, mit etwas realistischeren, stark stilisierten Umgebungen. Er erinnert so an die Filme von Studio Ghibli und bricht nicht die Immersion. Der Sound ist zurückhaltend, aber stets passend. Er gibt der Reise eine gute Untermalung und die nötige Ernsthaftigkeit, ohne besonders aufzufallen.

Die Charaktere sind sympathisch und komplett in mehreren Sprachen vertont – wir haben uns für die japanische Sprachausgabe entschieden, aber auch eine englische Sprachausgabe steht zur Auswahl. Die Grafik selbst ist zweckmäßig – nichts, was nicht auch auf einer zwölf Jahre alten PlayStation 4 möglich wäre. Wer in der Vergangenheit Life is Strange oder Spiele von Telltale Games gespielt hat, weiß aber auch, dass das völlig ausreichend ist.

Ein Abenteuer wie ein Ghibli-Film

Bildmaterial: OPUS: Prism Peak, Shueisha Games, Sigono

Der Beitrag Im Test! OPUS: Prism Peak ist ein Abenteuer wie ein Ghibli-Film erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße
	13. November 2025
	Level-5
	13. November 2025
	Level-5
	13. November 2025
	Level 5
System	NSW/2, PS4/5, Xbox Series, PC
Getestet für	PS5
Entwickler	Level-5
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Mit Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße ist vor einiger Zeit der neueste Ableger der Reihe erschienen. Praktisch ein Revival bzw. Comeback der Reihe seit Teil 3 für den 3DS. Es ist gleichzeitig für Level-5 die Ausrichtung einer neuen Vermarktungsstrategie. Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße ist der erste Teil der Reihe, welcher nicht mehr exklusiv für Nintendos Plattformen (DS, 3DS, Wii) erscheint, sondern breit auf allen derzeitigen Konsolen und PCs verfügbar ist.

Ein Neuanfang, der gleichzeitig mit Details aus den vorherigen Spielen der Saga auch alteingesessene Fans zufriedenstellen soll, ohne Neulinge mit sperrigen Infos zu überfordern. Ob dieser Spagat funktioniert, könnt ihr bei uns nachlesen.

Zwischen Hass und Liebe für den Fußball

Unser Held der Geschichte ist Unmei Sasanami. Ein in seiner Kindheit begeisterter Fußballspieler, der den Sport lebt bis zu jenem schicksalhaften Tag, als er auf dem Spielfeld zusammenbricht. Die Ärzte verbieten ihm das Spiel. Ein kleiner Junge, der seine Liebe zum Fußball nicht mehr ausleben konnte. Er vergräbt sich, schiebt seine Fußballfreunde von sich und beginnt sein Schicksal zu verdammen.

Viele Jahre später betritt er nun den Grund und Boden seiner neuen Schule. Die Nagumohara Junior High ist eine Schule ohne Fußballclub. Vielleicht findet ihr endlich Ruhe vor dem Sport, der euch im Geist immer noch verfolgt und an dem ihr im Inneren noch so sehr hängt, obwohl ihr das nicht wahrhaben wollt.

Doch eure Leidenschaft holt euch wieder ein, als ihr ein Schlüsselereignis mit dem jungen Raufbold Joji erlebt. Es weckt in euch wieder die Leidenschaft, die ihr so lange begraben habt. Auch wenn ihr selbst nicht spielen könnt, so wollt ihr, dass andere Talente dies können.

Ihr beschließt an der Nagumohara einen Fußballclub zu gründen. Ein Unterfangen, dem sich die Schule entgegenstellt. So startet ihr in ein neues Abenteuer. Deckt die Geheimnisse um den Skandal des alten Fußballclubs auf um letztlich am Football Frontier teilzunehmen, dem Fußballjugendturnier, von dem ihr schon immer geträumt habt.

Eine wundervolle Geschichte

Level-5 weiß eine wunderschöne Geschichte rund um das Runde zu erzählen. Ihr beginnt dabei ganz von vorne mit der Gründung eures Clubs. Müsst dabei neue Spieler rekrutieren, diese trainieren und gleichzeitig die Vergangenheit des Fußballclubs der Nagumohara Junior High reinwaschen. Es vergehen also einige Stunden in der Storykampagne, bevor ihr überhaupt das erste richtige Spiel mit elf Spielern auf dem Feld bestreiten werdet. Das Pacing ist anfangs recht gemächlich, nimmt aber deutlich an Fahrt auf, je näher ihr dem Turnier kommt.

Wer zusätzlich über den Season-Pass verfügt, kann über die Hauptkampagne noch etwaige weitere Storystränge spielen, aber selbst ohne werdet ihr vermutlich einige Zeit brauchen, bis ihr die Hauptkampagne abgeschlossen habt. Selbst danach bietet euch Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße einen Umfang, der seinesgleichen sucht.

Auf zum Football Frontier

Bevor ihr allerdings überhaupt startet, baut ihr euch euren eigenen Spieler zusammen und wählt eure eigene Startmannschaft aus. Diese könnt ihr in den verschiedenen Modi nutzen und auch euer Avatar ist später in der Hauptgeschichte von Inazuma Eleven rekrutierbar. Doch was bietet euch Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße eigentlich alles an? Einiges.

In der Hauptkampagne spielt ihr die neueste Story des Franchise. Ihr gründet – wie erwähnt – euren Club und rekrutiert nach und nach Spieler für eure Mannschaft. Dabei ist der erste Part der Geschichte mehr wie eine kleine Detektivgeschichte aufgebaut. Ihr erlebt kleinere Miniquests und trainiert eure Mannschaft in Mini- und Testspielen, bis eure Attribute hoch genug sind um das nächste Hauptspiel zu bestreiten.

Fokuskämpfe und Drachenschuss

Anders als in regulären Fußballspielen liegt hier der Fokus etwas anders. Das merkt man schon an der eher taktischen Steuerung, bei der ihr mit Richtungspfeilen unterstützt werdet. Eure Figuren verfügen über übermenschliche Angriffs- und Verteidigungstechniken. Ihr könnt Keshins, eine Form von Avataren, und weitere im Spiel beschwören.

Darüber hinaus gibt es viele weitere Effekte wie Miximorph – zu viele, um diese alle hier zu erklären. Auch könnt ihr Taktiken einsetzen, die euch stärken oder die Gegner schwächen. Natürlich gibt es auch noch die regulären Regeln eines Fußballspiels, an die ihr euch halten müsst. Zu harte Aktionen werden mit Fouls und Karten, ein zu weiter Pass mit Abseits belohnt. Verschiedene Energieanzeigen säumen zusätzlich den Bildschirm.

Nach einem absolvierten Spiel verdienen eure Spieler Erfahrung und steigen im Level auf. Nicht nur eure Grundattribute können sich dabei erhöhen, nein, ihr könnt von Zeit zu Zeit auch neue Fähigkeiten erlernen. Jeder Spieler verfügt nämlich über einen eigenen Fähigkeitenbaum.

Fähigkeiten können hier erlernt, ausgetauscht oder verstärkt werden. Auch zwischen zwei Fähigkeitenrouten könnt ihr wählen – alles um eure Mannschaft zu stärken. Das gilt auf wie auch neben dem Platz. Neben euren elf Spielern plus Ersatzspielern könnt ihr auch einen Coach und weitere Manager benennen, die ebenfalls neue Fähigkeiten lernen können und das Team indirekt unterstützen.

Die Spiele innerhalb der Hauptkampagne setzen euch auch gerne mal mit gescripteten Events unter Druck, wie beispielsweise Toren, die ihr nicht verhindern könnt. Auch die Geschwindigkeit auf dem Spielfeld ist eher gemächlich. Das tut dem Spielvergnügen aber keinen Abbruch. Wahr ist aber auch, dass gerade Anfänger von der Vielfalt an Möglichkeiten geradezu erschlagen werden können.

Das Spiel nimmt euch zwar an die Hand und erklärt in wenigen Dialogen, wie etwas funktioniert, aber eine wirklich tiefe Erklärung für manche Funktionen fehlt dann doch. Es macht dennoch extrem viel Spaß die Geschichte von Unmei zu verfolgen. Die Mannschaft zusammenwachsen zu sehen, neue Techniken zu entdecken, zu verbessern und dem einen ersehnten Ziel, dem Sieg beim Football Frontier entgegenzufiebern. Neben der Hauptkampagne gibt es aber noch das ein oder andere zu entdecken.

Zurück in die Vergangenheit

So gibt es mit dem Chronikmodus eine Art weiteren „Storymodus“, mit dem ihr per Zeitreise die wichtigsten Ereignisse von Inazuma Eleven nachspielen könnt. In Anbetracht dessen, dass Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße als erster Titel des Franchise auch auf anderen Plattformen vertrieben wird, ist dies eine gute Idee gewesen um alte und neue Spieler auf ungefähr denselben Stand zu bringen. Das Ganze wird aber in einer eigenen Rahmenhandlung zusammengefasst und bietet gleichzeitig etwas Neues. Denn in der Zukunft ist die Welt ein Desaster und wird von unbekannten Bestien angegriffen.

Ihr reist mit der Figur Vic zurück in der Zeit und erlebt die Geschichte von Inazuma Eleven von Neuem, indem ihr wichtige Ereignisse nachspielt. Das Ganze findet auf einer isometrischen Karte statt, die wie ein Spielbrett aufgebaut ist. Auf den jeweiligen Feldern könnt ihr dann in Kurzfassung die Story nachspielen, zum einen mit der damaligen Mannschaft und zum anderen mit eurer eigenen Mannschaft um das nächste Feld freizuschalten.

Nach erfolgreich absolvierten Spielen bekommt ihr Belohnungen, die ihr durch Aktionen während des Spiels verdient habt. Im Chronikmodus können das neben etwaigen Items auch Geister sein. Geister sind Abbilder von Spielern aus den verschiedenen Mannschaften und Geschichten des Inazuma-Eleven-Franchise. Diese können beschworen und für eure Mannschaft rekrutiert werden.

Bindungen müssen aufgebaut werden

Neben dem Chronikmodus gibt es auch noch die Kizuna-Station. Ein Modus, in dem ihr eine kleine Stadt erbaut um eure Bindungen weiter zu stärken. Bindungen können einen Einfluss auf die Statuswerte der Spieler haben. Bis zu sieben Bindungen können zwischen Spielern hergestellt werden. Das Ganze spielt sich auf einer Pinnwand ab, mit Fäden zieht ihr Verbindungen zwischen den Spielern.

Fotos, auf denen die Spieler abgebildet werden und die von einer Linie gekreuzt werden, geben einen Bonus. Zusätzlich kann das Ganze mit Stickern noch ausgeschmückt werden. Die Kizuna-Station erweitert das quasi, indem ihr auf einem kleinen Areal Gebäude, Menschen und etwaige andere Objekte platziert. Ihr könnt auch die Städte anderer Mitspieler besuchen.

Online oder gegen die CPU

Natürlich gibt es auch den obligatorischen Wettkampfmodus. Hier könnt ihr offline weitere Matches gegen CPU-Gegner führen oder euch online mit anderen messen. Ranked-Spiele sind dabei das Frustrierendste, was einem Neuling passieren kann, der nur mal eben hineinschnuppern möchte. Das liegt daran, dass ihr auf Rang 0 trotzdem auf andere Rang-0-Spieler treffen könnt, die aber bereits ein viel höheres Teamlevel haben. Level-5 hat hier schon leicht reagiert und das Teamlevel auf maximal 50 beschränkt, dennoch können gerade solche Partien mehr als frustrierend sein, da euer Gegner nur mit euch spielt.

Ein wirkliches Matchmakingsystem gibt es hier nicht. Verbindungsabbrüche, ob mutwillig verursacht oder aufgrund eurer instabilen Leitung, werden recht hart sanktioniert. Ansonsten funktionieren die Spiele genauso wie die regulären CPU-Kämpfe, allerdings mit dem Unterschied, dass ihr auch in den Commandermodus wechseln könnt. Der Commandermodus ist eine Art Taktikmodus aus der Sicht des Trainers. Eure Figuren spielen nach den von euch vorgegebenen Rollen.

Zu guter Letzt gibt es noch die Battle Bay. Dies ist ein Modus mit vorgefertigten Teams aus der Geschichte des Inazuma-Eleven-Franchise. Mit diesen tretet ihr gegen mehrere Teams in Folge an. Der Modus lässt sich sowohl gegen eine CPU als auch online gegen andere Spieler bestreiten. Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße ist ein wahres Umfangmonster, in das ihr wahrlich viel Zeit investieren könnt um euer Team an die Spitze zu führen. Dabei bietet das Spiel nicht nur viele verschiedene Modi an, es sieht darüber hinaus auch recht schick aus.

Grafisch ein ordentlicher Sprung nach vorn

Die meisten Spiele des Franchise erschienen für Nintendo DS und 3DS. Abseits davon erschien noch die Strikers-Reihe für die Wii. Der Sprung in der Grafik war also demzufolge irgendwo erwartbar und Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße sieht im Vergleich zu seinen Vorgängern deutlich polierter aus. Die Sequenzen sind gewohnt von besonders hoher Qualität. Die Figuren-Designs sind in der Neuzeit angekommen und die grafischen Effekte wie die einzelnen Schuss- und Verteidigungstechniken sind wunderschön in Szene gesetzt.

Die Beschwörungen sind kleine Farbexplosionen auf dem sonst so grünen Spielfeld. Sicherlich ginge auch hier noch deutlich mehr gerade im Hinblick auf die Umgebung und Szenerie, welche etwas altbacken wirkt, aber das Hauptgeschehen findet eben auch auf dem Platz statt. Man sieht aber, dass es auch grafisch mit der Reihe ein ordentliches Stück nach vorne gegangen ist. Dazu gibt es wieder einen wunderschönen Soundtrack, der die Emotionen der Spiele und der Geschichte perfekt unterstreicht. Auch der ein oder andere Ohrwurm ist wieder mit dabei.

Unterm Strich

Bildmaterial: Inazuma Eleven: Victory Road, Level-5

Der Beitrag Im Test! Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße kann Fans für Monate bei der Stange halten erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Monster Hunter Stories 3: Twisted Reflection
	13. März 2026
	Capcom
	13. März 2026
	Capcom
	13. März 2026
	Capcom
System	Nintendo Switch 2, PlayStation 5, PC, Xbox Series X/S
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Capcom
Genres	RPG
Texte
Vertonung

Erst Jäger, dann Rider und nun Ranger. Das „Monster Hunter“-Franchise hat mich bereits in verschiedene Rollen geworfen. Nicht alle dieser Rollen resultierten mit einer positiven Resonanz. Einige hatten mehr gute Elemente, andere weniger. Bislang gab es für mich jedoch immer viele positive Ansätze in den bisherigen Stories-Teilen.

Dafür sorgten die charmanten Charaktere und die weitestgehend stressfreie Handlung, die mich immer bestens unterhielten. Warum mich das Spielen als Ranger in Monster Hunter Stories 3: Twisted Reflection besonders überzeugt hat und der erwachsenere Ansatz gut zum Spiel passt, verrate ich euch in den nächsten Zeilen.

Königliche Pflichten und Ranger

Ich bin Prinz (oder wahlweise Prinzessin) aus dem Königreich Azuria. Meine königliche Stellung kann ich zwar nicht ignorieren, doch ich konzentriere mich lieber auf mein Dasein als Ranger. Als Kapitän der Ranger-Gruppe beschütze und erforsche ich zeitgleich das Ökosystem der Monster, wobei ich Informationen zu den sogenannten Ei-Quarzen sammle. Dabei handelt es sich um eiförmige Kristallformationen, die Monster und Eier umschließen. Sie finden sich im ganzen Land, doch niemand weiß, woher sie stammen.

Die Ranger-Gruppe wurde ursprünglich von meiner Mutter, Königin Amara, mit dem Ziel gegründet, die natürlichen Lebensräume zu schützen und zu erhalten. Da sie jedoch vor einigen Jahren aus dem Königreich floh, liegt es nun an mir, ihre Aufgaben zu übernehmen und die Natur zu bewahren.

Grund für ihre Flucht war der Fund eines besonderen Monster-Eis. Aus diesem schlüpfte ein Rathalos, eine Monsterart, die wie viele andere in diesem Reich vom Aussterben bedroht ist. Doch dann geschah etwas Unvorhergesehenes. Ein weiteres Rathalos schlüpfte aus dem Ei.

Beide trugen das Mal der Himmelsschuppen, das unweigerlich an den schrecklichen Bürgerkrieg vor 200 Jahren erinnerte. Mit diesem dunklen Zeichen als Vorahnung beschloss mein Vater, der König, eines der beiden Rathalos hinrichten zu lassen. Bei diesem Versuch wurde er von meiner Mutter aufgehalten. Sie floh mit dem Rathalos und seitdem fehlt von den beiden jede Spur.

Nicht nur Rider, sondern Ranger

Zwar sind seitdem einige Jahre vergangen, dennoch frage ich mich bis heute, was mit ihr passiert ist und warum sie diese Strapazen auf sich genommen hat. Glücklicherweise fühle ich mich nicht allein. An meiner Seite befindet sich unter anderem Ratha, eines der beiden Himmelsschuppen-Rathalos. Er ist mein „Monstie“, mit dem ich eine besondere Bindung eingegangen bin. Zusammen untersuchen wir die Gebiete in Azuria. Diese besondere Beziehung und der Bindungsstein machen mich zu einem Rider.

Doch unser Ranger-Trupp besteht aus noch mehr Leuten: Da wären Simon, ein stets freundlicher Mann und mein engster Freund, Ogden, ein wandelndes Monsterlexikon, sowie Kora, die bereits als Gründungsmitglied meine Mutter unterstützt hat. Hinzu kommen Gaul, der stellvertretende Kommandant der Ranger, und Thea, ein energiegeladener Frischling mit einer besonderen Vorliebe für Poogies.

Nicht zu vergessen ist Rudy, ein königlicher Felyne, dessen Familie seit Generationen dem Königtum von Azuria dient. Er ist mein Palico-Partner und begleitet mich seit meiner Jugend. Dabei ist er nicht nur der königlichen Familie von Azuria gegenüber loyal, sondern steht mir in brenzligen Situationen ebenso als Freund zur Seite.

Was befindet sich hinter dem Meridian?

Am liebsten bin ich mit den anderen Rangern unterwegs und erforsche Gebiete nach Informationen zum Ei-Quarz und den Kristallisationen, welche die einheimischen Lebewesen und sogar große Monster in Kristalle verwandeln. Letztere sorgen dafür, dass aus normalen Monstern unbändige Monster werden, die besonders aggressiv in dem Land ihr Unwesen treiben. Allerdings verschlechtern sich in letzter Zeit die Beziehungen zu unserem Nachbarkönigreich Vermeil.

Dies führt zu einer eskalierten Auseinandersetzung, die uns dazu bringt, den Meridian zu überqueren und ins verbotene Land aufzubrechen. Eigentlich besteht ein jahrhundertealter Pakt mit den Wyverianern, der es unserem Königreich verbietet, diesen zu überqueren. Wir wissen jedoch so gut wie nichts über die Ereignisse in dieser Welt und die Beteiligung der Menschen daran.

Was genau hat es mit den Kristallisationen auf sich? Warum ist es uns untersagt, das verbotene Land zu betreten? Was hat das alles mit dem Sakrosanktum zu tun? Um die gesamte Wahrheit zu ergründen, müssen wir uns auf den Weg über den Meridian machen.

Auf in eine unbekannte Abenteuerreise!

Monster Hunter Stories 3 versprüht von Beginn an eine herzerwärmende Handlung, die gespickt ist mit klischeehaften Charakterzügen, leicht vorhersehbaren Handlungssträngen und mit Überraschungen besticht, die selbst der Hauptcharakter im Vorfeld logisch erahnt. Was sich nun eher negativ anhört, stört im Spiel allerdings so gut wie gar nicht. Der Grund dafür ist einfach: Die Kombination aus allem schafft eine Atmosphäre, die genügend Spannung und Handlungsstränge aufbaut, gleichzeitig aber nicht zu komplex wird, sodass man der Geschichte immer angenehm folgen kann.

Dabei werden die Themen nicht oberflächlich behandelt, sondern erhalten genügend Spielzeit für die Erklärung. Sei es die Entwicklung der persönlichen Charakterzüge des Hauptcharakters, der nicht nur mehr über die Welt, sondern auch über sein eigenes Weltverständnis lernt. Dabei wird man als SpielerIn leicht in die Welt hineingezogen. Es wird unter anderem erklärt, was Ranger von klassischen Ridern unterscheidet, wie eine Bindung zu einem Monstie aufgebaut wird und warum es wichtig ist, das Ökosystem zu schützen.

Gleichzeitig präsentiert sich die Geschichte von ihrer schönsten Seite und die Handlungsstränge werden in nachvollziehbarer Reihenfolge aufgebaut. Nach und nach werden die wesentlichen Punkte erforscht und die Geheimnisse gelüftet. So erfährt man beispielsweise schnell, dass das verbotene Land gar nicht so unbewohnt ist, wie die Charaktere glauben, warum es den Pakt gibt und der Meridian nicht überquert werden darf. Je tiefer ich in die Spielwelt eintauchte, desto besser gefiel mir die Handlung und ich wollte, wie der Hauptcharakter, mehr über die Welt und die einzelnen Personen erfahren.

Das Spiel kommt jedoch nicht ohne einige genretypische Klischees aus. Wer der Handlung aufmerksam folgt, erkennt einige Muster und kann daraus mehr oder weniger auf zukünftige Handlungsstränge schließen. Dadurch wird das Spiel keineswegs schlechter, sondern hält immer noch einige schöne Überraschungen parat, die es in emotionalen und mitreißenden Zwischensequenzen präsentiert. Während meiner über 40-stündigen Spielzeit habe ich mich so gut wie nie gelangweilt.

Nicht allein unterwegs

Neben der Beziehung zwischen dem Hauptcharakter und seinem Ratha steht insbesondere die Gruppendynamik innerhalb der Ranger-Gruppe im Mittelpunkt. Diese wird in der Haupthandlung anhand verschiedener Unterhaltungen und Zwischensequenzen anschaulich in Szene gesetzt. Dabei spielt der Umstand, dass der Hauptcharakter der Prinz (oder die Prinzessin) ist, eine Rolle. Die anderen Gruppenmitglieder machen sich oft Sorgen, wenn dieser sich waghalsig ins Abenteuer stürzt. Eine richtige zwischenmenschliche Beziehung entwickelt sich eher in den Nebengeschichten.

Letztere sind zusätzliche Handlungen, die sich um den Hauptcharakter und seine Rangergefährten und -gefährtinnen drehen. In diesen Geschichten stehen die Gefährten des Protagonisten im Vordergrund, sodass diese besser kennengelernt werden können. Dadurch baut sich als SpielerIn eine bessere Beziehung zu den Figuren auf und man versteht nicht nur, warum sie sich den Rangern angeschlossen haben, sondern auch ihre persönlichen Motivationen und ihre Vergangenheit. Auf diese Weise erhalten die Charaktere eine tiefere Bedeutung und wirken nicht nur wie bloße Nebencharaktere. Zusätzlich lassen sich damit weitere Belohnungen und Fähigkeiten für die Ranger freischalten.

Eine etwas besondere Stellung haben Rudy und Eleanor. Beide werden im Verlauf der Handlung ausgiebiger dargestellt. Bei Eleanor liegt es daran, dass sie aus Vermeil stammt und sich eigentlich für den Frieden der beiden Königreiche einsetzen möchte. Als die Spannungen zwischen den Königreichen jedoch eskalieren, entscheidet sie sich, den Rangern auf ihrer Reise zum Meridian zu folgen, um wie der Hauptcharakter mehr über die Geschichte des Landes in Erfahrung zu bringen.

Gerade während der fortlaufenden Geschichte wächst die Beziehung zwischen Rudy und dem Hauptcharakter immer weiter. Der königliche Palico-Partner ist dem Königreich treu ergeben und steht daher dem Prinzen bzw. der Prinzessin treu zur Seite. Durch die ans Licht kommenden Geheimnisse wird dessen Welt jedoch etwas auf den Kopf gestellt. Infolgedessen wird die Beziehung zwischen Rudy und dem Hauptcharakter noch enger, was für herzerwärmende Momente im Spiel sorgt.

Klassisch rundenbasiert

Im Gegensatz zur Hauptreihe konzentriert sich Monster Hunter Stories nicht nur auf eine Geschichte, sondern bietet zudem ein rundenbasiertes Kampfsystem. Neben dem bekannten Schere-Stein-Papier-Prinzip – Geschwindigkeit schlägt Kraft, Kraft schlägt Technik und Technik schlägt Geschwindigkeit – gibt es weitere Elemente, auf die geachtet werden sollte. Letzteres ist wörtlich zu nehmen. So können Wasser-, Feuer- oder Donnerangriffe als weiteres Element für zusätzlichen Schaden sorgen.

Gleiches gilt für die richtige Waffe mit unterschiedlichen Fähigkeiten. Je nachdem, ob ihr mit Schnitt-, Schlag- oder Stichwaffen angreift, könnt ihr einzelne Monsterteile brechen und das Monster sogar umwerfen. Zur besseren Veranschaulichung wurde in Twisted Reflection der Wyvernseelen-Balken eingeführt.

Dieser steht für den Kampfgeist eines Monsters. Sinkt der Balken auf null, gerät das Monster ins Taumeln. Taumelnde Monster verlieren ihren Wyvernseelen-Vorrat und gehen in einen ermüdeten Zustand über. Das macht es nicht nur leichter, ihren Angriffen auszuweichen, sondern ist der Balken vollständig aufgebraucht, wird das Monster umgeworfen.

Einmal umgeworfen, geht es zu viert mit einem Synchronansturm auf das Monster. Dabei wird nicht nur enormer Schaden verursacht, sondern der Angriff füllt ebenfalls die Bindungsanzeige schnell auf. Ist diese aufgefüllt – was auch bei normalen Angriffen und Fähigkeiten passiert –, kann eine mächtige Bindungsfähigkeit entfesselt werden. Das sind spezielle Fähigkeiten, die immer wieder für ein kleines Highlight während des Kampfes sorgen, denn jedes Monstie besitzt eine individuelle Bindungsfähigkeit.

Explosive Angriffe

Diese Animationen sehen nicht nur spektakulär aus und wirken etwas übertrieben, sondern richten außerdem sehr viel Schaden an. So führt beispielsweise Ratha mächtige Feuerangriffe aus und stürzt mit Überschallgeschwindigkeit vom Himmel auf das gegnerische Monster. Beim Pukei-Pukei entsteht eine gewaltige Giftwelle, auf die ein Giftregen folgt. Beim Brachydios gibt es erneut eine gut inszenierte Rückblende mit Trainingsmontage.

Man könnte glatt meinen, bei einem solchen Angriff würde ein komplettes Gebiet zerstört werden. Erst recht, wenn die doppelte Bindungsfähigkeit eingesetzt wird. Diese sind noch pompöser und enden in der Regel in einer gewaltigen Explosion. Allerdings wirken die doppelt ausgeführten Bindungsfähigkeiten nach einiger Zeit etwas eintönig, da diese immer in einer gewaltigen Explosion enden.

Weniger eintönig sind die anderen Ranger, die einen begleiten. Sie lassen sich im Menü ganz einfach als MitstreiterIn auswählen, sodass man beispielsweise mit Eleanor und ihrem Anjanath, Thea und ihrem Tobi-Kadachi oder Ogden und seinem Pukei-Pukei unterwegs sein kann. Das macht die Erkundung etwas abwechslungsreicher, wenngleich es keinen direkten Einfluss auf die Umgebung hat.

Unbändige Gefahren

Abwechslungsreicher werden damit dagegen die Kämpfe zwischen den wilden Monstern gemacht. Je nach Waffe und Monster des Partners oder der Partnerin können diese mal mehr und mal weniger im Kampf unterstützen. Sie greifen die Monster und deren Teile an oder heilen den eigenen Charakter. In den Einstellungen lässt sich ebenfalls festlegen, wie sie sich im Kampf am besten verhalten sollen. Das ist insoweit hilfreich, da die meisten Monster im Laufe des Kampfes ihr Angriffsmuster ändern.

Dadurch verändern sich ihr Verhalten und ihre Angriffstypen. Manche Monster erhalten dadurch sogar stärkere Fertigkeiten. Das macht die Kämpfe variantenreicher, weshalb man immer eine passende Gegenstrategie haben sollte. Gleiches gilt für die unbändigen Monster, die neu in der Reihe erscheinen. Diese mysteriösen, mit Kristallen übersäten Monster verfügen nicht nur über die gewöhnlichen Angriffsmuster normaler Monster, sondern sind durch die Kristallisation ebenfalls besonders aggressiv.

So ist die grüne Hautfarbe eines unbändigen Chatacabra beispielsweise nicht nur ein wenig heller, sondern das Monster kann plötzlich Donner-Angriffe schleudern. Zwar lassen sich die mit sogenannten Seuchensteinen übersäten Körperteile angreifen. Darauf folgt jedoch prompt ein Abwehrmechanismus und das Monster kontert mit einem Angriff oder einer Statusveränderung. Damit ist nicht zu spaßen. Das sorgt nicht nur für eine größere Herausforderung, sondern lässt einen auch mal die eigene Strategie überdenken.

Invasiv und bedroht

Apropos Strategie. Noch wichtiger ist diese bei den Kämpfen gegen invasive Monster. Diese mächtigen Monster übernehmen die Behausungen bedrohter Monsterarten. Invasive Monster tummeln sich nur nachts in den Gebieten. Neben den generell größeren Herausforderungen in der Nacht, in der die Monster stärker werden und ungewöhnliche Erscheinungen auftreten, sollten sie bekämpft werden. So gelangt man in die Monsterbauten, in denen sich die Eier bedrohter Arten befinden und kann diese in die Wildnis zurückführen.

Da es zu den Aufgaben der Ranger gehört, das bedrohte Ökosystem zu schützen, sollte sich diesen Monstern entgegengestellt werden, um die Gefahr für andere Monster zu senken. Allerdings gestaltet sich dies als durchaus anspruchsvolle Aufgabe. Da sie äußerst kräftig sind, können sie vorerst nicht besiegt werden, sondern müssen zum Rückzug gezwungen werden.

Dies gelingt nur, wenn die Rückzugsbedingungen des jeweiligen Monsters bekannt sind. Diese lassen sich durch die invasiven Monsterspuren in deren Revier aufdecken. Dabei unterscheiden sich die Rückzugsbedingungen der einzelnen Monster voneinander. Mal sind bestimmte Waffen- oder Monsterfähigkeiten erforderlich, ein anderes Mal muss ein bestimmtes Teil zerstört werden.

Das macht die Kämpfe zwar teilweise sehr kurz, führt aber zu einer guten taktischen Komponente. Gelegentlich fiel es mir jedoch schwer zu erkennen, was genau die Rückzugsbedingung ist, beispielsweise wenn ich die jeweilige Waffe noch nicht ausreichend genutzt hatte und entsprechend die Fähigkeit noch nicht kannte. Wer noch eine größere Herausforderung sucht, kann die Monster in ihrem Bau herausfordern.

Das Ökosystem wiederherstellen

Mit dem Ei eines bedrohten Monsters in den Händen machen wir uns anschließend auf den Weg ins Lager, um es auszubrüten und die jungen Monster wieder auszuwildern. Diese Habitat-Restauration ist es, die die Ranger von den klassischen Ridern unterscheidet. Damit soll die Population der Monster wiederhergestellt werden. Praktischerweise können so auch diese Monster eure Monstie-Partner werden. Übrigens kann die Habitat-Restauration nicht nur bei bedrohten Monsterarten durchgeführt werden.

Mit der Auswilderung der Monster steigt jeweils die Anzahl der Monster im Ökosystem und dessen Rang. So lassen sich Monsties mit anderen oder besseren Spezialfähigkeiten sowie Genen finden. Das geht sogar so weit, dass Monster mehr als ein Element in sich tragen können, je nachdem in welchem Bereich das Monster-Ei gefunden wird.

Jedes Gebiet ist in mehrere Bereiche unterteilt, die unterschiedliche Grundelemente aufweisen. Wenn der Ökosystem-Rang im jeweiligen Gebiet hoch genug ist und ihr euch auf die Suche nach neuen Eiern macht, findet ihr zwar die gewöhnlichen Eier, zum Beispiel die eines Tobi-Kadachi oder eines Anjanath, jedoch besitzen die Monster mehr als nur ihr ursprüngliches Element und haben eine andere Farbe beim Ausbrüten. So wird ein Tobi-Kadachi rötlich, wenn dessen Ei im Feuerbereich gefunden wird, und ein Anjanath grün, wenn es aus dem Blitz-Gebiet stammt. Da stellt sich doch die Frage, wie gut die Auswilderung wirklich für das Ökosystem ist.

Doppelte Elemente und besondere Gene

Zwar sind Doppel-Element-Monster im Kampf sehr praktisch, wenn sie mit den neuen Elementfähigkeiten geboren werden, jedoch lassen sich die Farben nicht ändern. Dadurch erhalten einige Monster ein etwas kurioseres Aussehen, was – wenn einem das Originaldesign gefällt – nicht immer von Vorteil sein kann. Glücklicherweise gibt es zu diesem Zweck erneut den Ritus der Überlieferung aus den vorherigen Teilen. Mit dieser Rider-Technik können die Gene von Monsties übertragen werden.

Im Gegensatz zu den vorherigen Teilen geht das Monster bei der Übertragung von Genen dieses Mal nicht mehr verloren. Auf diese Weise entstehen viele mögliche Genkombinationen und es lassen sich sehr starke Monster heranzüchten. Wenn ihr beispielsweise Gene der gleichen Farbe oder des gleichen Musters in einer Dreierreihe platziert, könnt ihr zusätzliche Boni für das Monster freischalten. Zusätzlich besitzen Monster ab einem bestimmten Rang Feld-Fähigkeiten, die mit den richtigen Genen aktiviert werden können und die bestimmte Angriffe verbessern oder erlittenen Schaden verringern können.

Zeit für Parcours

Wer den Kontakt mit Monstern in der Wildnis vermeiden möchte, sollte auf die gelben und roten Symbole über den Monstern achten. Sie vermitteln einen Eindruck von deren Stärke. Andere Monster, die man bereits besiegt hat und die ein niedrigeres Level aufweisen, können einfach per Nahkampf erlegt werden. Das macht das Erkunden deutlich angenehmer, da nicht gegen jedes Monster gekämpft werden muss, sondern es einfach beim Vorbeilaufen besiegt werden kann, wodurch anschließend Monsterteile für neue Ausrüstung und Erfahrungspunkte erlangt werden.

Eine nette Spielerei ist auch, dass Monster ihren Atem einsetzen können, sofern sie über diese Fähigkeit verfügen. Damit lassen sich große Sammelpunkte oder Mauern zerstören. All das vermittelt das Gefühl, auf einem kleinen Parcours unterwegs zu sein, auf dem mal ein Monster erlegt, mal ein Luftstrom zum Fliegen genutzt und mal durch Gewässer geschwommen wird. Praktischerweise lassen sich die Monsties, die einen begleiten, leicht und unkompliziert per Radialmenü wechseln. Dies sorgt für ein stets leichtfüßiges Spielgefühl beim Erkunden.

An manchen Stellen fehlte mir jedoch noch etwas der letzte Feinschliff, um die Landschaft noch mehr genießen zu können. Ein gutes Beispiel sind die freilebenden einheimischen Wesen, die es auch im Haupttitel gibt und die man dort einsammeln kann. Diese sieht man zwar auch in Stories, leider lassen sie sich dort hingegen nicht selbst einsammeln. Gäbe es ein ähnliches System in Stories, könnte sich das Erkunden noch belohnender anfühlen und ein noch tieferes Eintauchen in die Natur ermöglichen.

Immerhin findet man Informationen über einige einheimische Wesen sowie die Monster in der Monsterklopädie. Dort werden sie nicht nur wunderschön präsentiert, sondern ihr erfahrt auch als SpielerIn etwas über das Verhalten der Monster und darüber, wie ihr an die Unterarten in einem Habitat herankommt. So werdet ihr zu richtigen Rangern und lernt das Ökosystem zu verstehen.

Vielfältige und detailreiche Monsterarten

Da wir gerade beim Schlagwort „wunderschöne Präsentation“ sind: Monster Hunter Stories 3 präsentiert sich in den meisten Fällen von seiner Schokoladenseite. An jeder Ecke finden sich Details, welche die Gebiete lebendig wirken lassen. Dazu zählen die vielfältigen Monsterarten, die Anzahl an Monster, die in den Gebieten leben, die sammelbaren Gegenstände und auch der parcoursähnliche Aufbau der Gebiete. Während meiner vielen Spielstunden war ich immer gerne in den Gebieten unterwegs, um auch den letzten Winkel zu erkunden und jedes Geheimnis zu lüften.

Dabei scheint sich Capcom einige Kritik aus den beiden vorherigen Teilen zu Herzen genommen zu haben. Die Welt wirkt nicht mehr so leer, sondern deutlich lebendiger. Das liegt unter anderem an den besagten vielfältigen Monsterarten. Neben klassischen Monstern wie Rathian oder Velocidrome haben es auch Monster aus jüngeren Spielen wie „Sunbreak” und „Wilds” in die natürlichen Lebensräume geschafft. Fans dürfen sich etwa auf Magnamalo, Ajarakan und Malzeno freuen. Generell gibt es eine gute Mischung der unterschiedlichen Arten, sodass es mir manchmal schwerfiel, nur sechs Monster für mein Team auszuwählen.

Selbst die Monsterbauten sind nicht mehr so eintönig. Zwar sind diese in den jeweiligen Gebieten immer gleich aufgebaut, jedoch wirken sie im Vergleich zu früher lebendiger, da es viel mehr Details zu sehen gibt und nicht nur einen farblichen Einheitsbrei. Manchmal lassen sich sogar Monsterbauten mit zwei Nestern finden, was wiederum das Heranzüchten bestimmter Monster beschleunigt. Gleiches gilt für die Höhlen, die durch eine entsprechende Lichtstimmung aufgewertet werden und nicht mehr nur trübe, braunfarbige Höhlen sind.

Ghibli-eske Figurenmodelle

Ganz ohne Probleme kommt das Spiel jedoch nicht aus. So werden die Bodentexturen des Öfteren nachgeladen, wenn sich das Gebiet oder der Ort ändert. Verlässt man beispielsweise das Lager, sieht man für einen Augenblick, wie sich die Bodentexturen erst kurz aufbauen müssen. Das ist leider auch bei den ansonsten sehr sehenswerten Zwischensequenzen zu sehen.

Es wirkt dann manchmal so, als würde man ein YouTube-Video anschauen, bei dem die HD-Qualität des Bodens noch buffern muss. Auch die große Weitsicht lässt an der einen oder anderen Stelle Monster pixeliger wirken. Letzteres fällt jedoch nicht so stark ins Gewicht, da Personen oder große Objekte in der realen Welt aus weiter Entfernung schließlich genauso schwer erkennbar sind.

Die Charaktere und Monsties hingegen haben diese Problematik nie, selbst in den Zwischensequenzen nicht. Sie sind immer gestochen scharf und detailliert. Diese Ghibli-esken Figurenmodelle sehen einfach sehr eindrucksvoll und detailreich aus. Gleichzeitig hat das Spiel für mich einen zeitlosen Cel-Shading-Look, der die Umgebungen stilvoll präsentiert. Während des Spielens sind mir zudem keine technischen Probleme untergekommen. Selbst in größeren Gebieten oder Städten lief das Spiel flüssig.

Emotionaler Ton

Neben dem eindrucksvollen grafischen Eindruck verfügt das Spiel über eine ebenso gute Synchronisation. Diese gibt es zwar leider nur auf Englisch und Japanisch, jedoch ist sie gut gelungen und unterstreicht die Zwischensequenzen noch einmal auf emotionaler Ebene. Nun hat sogar der Hauptcharakter eine Stimme erhalten. Das verleiht ihm eine persönlichere Ebene, wenn die Figur sich zum Beispiel mit den Rangern unterhält oder inbrünstig nach Ratha ruft.

Auch musikalisch kann sich das Spiel wieder hören lassen. Die allgemeine Grundstimmung wirkt erneut sehr freundlich und entspannt, während man die Gebiete erkundet. Gleichzeitig unterstützt ein orchestraler Soundtrack die Zwischensequenzen in den passenden emotionalen Momenten, wodurch man noch tiefer in die Welt hineingezogen wird.

Auf ins herzerwärmende Abenteuer!

Bildmaterial: Monster Hunter Stories 3: Twisted Reflection, Capcom

Der Beitrag Im Test! Monster Hunter Stories 3 bietet viele Stunden Spaß und einen fesselnden Gameplay-Loop erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Final Fantasy VII Remake Intergrade
	22. Januar 2026
	Square Enix
	22. Januar 2026
	Square Enix
	22. Januar 2026
	Square Enix
System	PlayStation 4/5, Xbox Series, Nintendo Switch 2, PC
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Square Enix
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Im Jahre 2020 veröffentlichte der japanische Entwickler und Publisher Square Enix erstmals das Remake eines der wohl einflussreichsten JRPGs der Videospielgeschichte. Denn mit Final Fantasy VII Remake bekamen die Fans nach einer jahrelangen Odyssee des Wartens endlich die technisch modernisierte Neuauflage ihres Lieblingsrollenspiels serviert.

Was ursprünglich als PlayStation-3-Tech-Demo im Jahre 2005 umgesetzt und auf der Spielemesse „E3“ anschließend auch gezeigt wurde, wurde auf Wunsch vieler Fans hin viele Jahre später zu einem vollwertigen Remake für Sonys nächste Konsole, die PlayStation 4, in die Tat umgesetzt.

Dank den fantastischen Verkaufszahlen der Neuauflage fackelte man bei Square Enix nicht lange und legte mit dem Yuffie-DLC „INTERmission“ im Jahre 2021 sogar noch einen drauf. Dieser DLC erschien durch technische Veränderungen und die daraus resultierenden höheren Hardware-Ansprüche allerdings nur für die ebenfalls im Jahre 2021 erschienene PS5-Portierung des Remakes.

Diese PS5-Version trägt den Titel „Final Fantasy VII Remake Intergrade“ und enthält neben dem Hauptspiel selbst auch den Yuffie-DLC und andere technische Verbesserungen und Anpassungen an die Features der damals neuen Sony-Konsole PlayStation 5. Aber auch PC-Spieler kamen zu diesem Zeitpunkt bereits in den Genuss des Remakes. Denn dieses erschien zeitgleich mit der PS5-Portierung auch für Steam und im Epic Games Store.

Bereits zum ursprünglichen Release des Remakes im Jahre 2020 gab es erste Mutmaßungen über eine eventuelle zeitliche Exklusivität des Titels. Hierzu hielt man sich bei Square Enix jedoch lange bedeckt. Erst Ende des Jahres 2025 gab Square Enix dann endlich das Erscheinungsdatum der Switch-2- und der Xbox-Version des Remakes bekannt. Bereits am 22. Januar dieses Jahres wird es nun so weit sein und dann dürfen endlich auch Nintendo- und Xbox-Fans in den Genuss des fantastischen Rollenspiels kommen.

Ob das Remake von Final Fantasy VII auch heute noch begeistern kann und ob es seinem extrem hohen Ruf als eines der wohl einflussreichsten und bedeutendsten Rollenspiele der Gaming-Welt nun auch auf Nintendos neuem Handheld, der Switch 2, gerecht werden kann, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Test.

Ein alles entscheidender Kampf um die Zukunft des Planeten

Final Fantasy VII Remake ist bekanntermaßen der erste von drei Teilen der Remake-Trilogie. In diesem ersten Part geht es primär um den Ex-Soldier Cloud Strife, der sich der Umweltaktivisten-Gruppierung „Avalanche“ anschließt um den Planeten vor der völligen Zerstörung zu bewahren. Denn der mächtige und allumfassende Shinra-Konzern, der den Planeten für eigene Zwecke und sozusagen als Energiequelle geradezu aussaugt und missbraucht, ist die größte Bedrohung für die Welt und deren Bewohner. Diese Bedrohung gilt es auszuschalten, koste es, was es wolle.

Nach und nach entfaltet sich aber zudem eine tragische Geschichte, die sich speziell um die Vergangenheit des ehemaligen Soldaten Cloud Strife dreht. Im Groben hält sich das Remake also an die Handlung des Originals aus dem Jahre 1997. Verändert hier und da aber auch mal das ein oder andere wichtige Kernelement der Story und dichtet hier und da auch mal eine Kleinigkeit hinzu. Hardcore-Fans des Originals wird das sicher ab und zu mal sauer aufstoßen, ich für meinen Teil hatte und habe aber immer noch extrem viel Spaß mit der neuen Umsetzung und den neuen Story-Ansätzen, die das Remake zu bieten hat.

Neues Kampfsystem und deutlich mehr Action im Remake

Das wohl bedeutendste neue Element des Remakes dürfte zweifelsohne das neue, deutlich actionorientiertere Kampfsystem sein. Wo das Original von 1997 noch auf ein für japanische Rollenspiele typisches rundenbasiertes Kampfsystem setzte, setzt das Remake nun auf ein actionorientiertes und direktes Kampfsystem. Man greift die Gegner also direkt an und beharkt diese regelrecht mit unterschiedlichen Tastenkombinationen.

Auch das Blocken und das Ausweichen funktionieren direkt und ohne separate Kommandos. Auf Wunsch kann man außerdem zwischen den verschiedenen Charakteren der aktuellen Party hin- und herwechseln. So fühlen sich die Kämpfe deutlich direkter an und man hat das Gefühl etwas mehr Kontrolle über das Kampfgeschehen zu haben.

Das klassische rundenbasierte Kampfsystem hat natürlich ebenso seine Vorzüge, wirkt aber heutzutage doch recht angestaubt und nicht mehr zeitgemäß. Aber das ist wie so vieles eben auch immer Geschmackssache. Ich für meinen Teil bin jedenfalls froh, dass man sich bei Square Enix für dieses neue Kampfsystem entschieden hat.

Charme des Originals wird wunderbar transportiert

Durch die Möglichkeiten der aktuellen Technik im Gaming-Segment ist es nun natürlich auch möglich die heutzutage schon recht unscharf und extrem pixelig wirkenden Areale des Originals in neuem Glanz erstrahlen zu lassen. Die altbekannten Areale wirken nun regelrecht gigantisch und hinterlassen richtig Eindruck, speziell wenn man eben das mittlerweile schon recht in die Jahre gekommene Original kennt.

Natürlich liegen viele Jahre zwischen dem Remake und dem Original von 1997, dennoch ist es absolut nicht einfach diese oft so ikonischen Areale und Szenen des Originals in die Moderne zu transportieren, ohne dass diese den von vielen Fans so geliebten Charme verlieren. Doch Square Enix ist das zweifelsohne gelungen. Nicht selten schwelgt man beim Betrachten der Locations regelrecht in Erinnerungen an die Kindheit oder eben die frühen Tage, als 3D-Gaming noch in den Kinderschuhen steckte. Ein Stück Gaming-Nostalgie zum neu Erleben, könnte man sagen, und für viele Spieler sicher mehr als nur ein Rollenspiel. Es war der Anfang einer Liebe für ein Genre, das speziell im westlichen Raum noch in den absoluten Startlöchern stand und zur damaligen Zeit kaum Beachtung bekam.

Auch optisch eine fantastische Neuauflage

Remakes werden generell gerne nur auf die bessere und modernisierte Optik reduziert. Beim Remake von Final Fantasy VII ist dies allerdings nur die Krönung einer ohnehin schon toll inszenierten und perfekt umgesetzten Neuauflage.

Entstanden ist das Remake auf Basis der Unreal Engine 4, die auch heute noch zu gefallen weiß. Mit scharfen Texturen, fantastischen Charaktermodellen und stets beeindruckenden Partikel- und Beleuchtungseffekten macht das Remake auch heute noch eine extrem gute Figur. Obendrein läuft das Ganze auch noch stets flüssig mit 60 Frames über den heimischen Bildschirm. Was will man mehr von einem Remake dieser Güteklasse?

Speziell die nun von uns getestete Switch-2-Version ist hier wirklich ein absolutes Brett in Sachen technische Umsetzung. Denn wer hätte noch vor ein paar Jahren gedacht so ein grafisches Brett von Spiel auf so einem relativ kleinen Handheld spielen zu können ohne größere grafische Einbußen hinnehmen zu müssen? Einzig und allein mit der Darstellung von Clouds Haarpracht scheint die Nintendo-Konsole aktuell noch ein Problem zu haben. Diese verpixeln aus irgendeinem Grund hin und wieder. Dieses Problem könnte aber noch per zukünftigem Update behoben werden und mindert den Spielspaß in keinster Weise.

Im Docked-Modus der Switch 2 läuft der Titel mit 1080p und stets stabilen 30 FPS. Das klingt im ersten Moment zwar nicht nach viel verglichen mit der PS5-Portierung, genügt im Falle des Remakes von Final Fantasy VII aber vollstens, da sich die 30 FPS in diesem Fall keineswegs störend anfühlen. Im Handheld-Modus läuft das Spiel dann mit einer 720p-Auflösung. Die Auflösung wird dann per DLSS-Variante auf 1080p hochgerechnet.

Perfekt modernisierter Soundtrack trifft auf eindrucksvolle Effekte, die es in sich haben

Aber auch der fantastische Soundtrack mit seinen vielen tollen Tracks liegt vielen Spielern immer noch eingängig in den Ohren. Diese wurden liebevoll remastert und klingen nun deutlich knackiger und moderner. Ohrwurm-Garantie, die ihresgleichen sucht. Auch die durchschlagenden Soundeffekte leisten sich keine Patzer und runden das ohnehin schon einwandfreie tontechnische Gesamtbild weiter ab.

Yuffies Vorgeschichte ist ebenfalls mit an Bord

Auch der fantastische Yuffie-DLC, der ursprünglich der PS5- und PC-Portierung blieb, ist hier mit von der Partie. Hier übernehmen wir die Rolle der äußerst wendigen und taffen Shinobi Yuffie und erleben die Vorgeschichte dieses Charakters, bevor Yuffie Teil der Gruppierung Avalanche wurde.

Die Spielzeit des Yuffie-Abenteuers beträgt ca. vier bis sechs Stunden und erweitert die Hintergrundgeschichte gekonnt. Ich hatte zum damaligen Release nicht viel vom DLC erwartet, wurde dann aber doch äußerst positiv überrascht.

Ein Meilenstein jetzt auch für unterwegs

Bildmaterial: Final Fantasy VII Remake, © 1997, 2020 SQUARE ENIX CO., LTD. All Rights Reserved. CHARACTER DESIGN: TETSUYA NOMURA / ROBERTO FERRARI. LOGO ILLUSTRATION: ©1997 YOSHITAKA AMANO

Der Beitrag Im Test! Final Fantasy VII Remake für Switch 2 – ein Meilenstein, jetzt auch für unterwegs erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Once Upon a Katamari
	24. Oktober 2025
	Bandai Namco Entertainment
	24. Oktober 2025
	Bandai Namco Entertainment
	24. Oktober 2025
	Bandai Namco Entertainment
System	PS5, Xbox Series, Switch, Windows
Getestet für	PS5
Entwickler	Rengame
Genres	Roll(en)spiel
Texte
Vertonung	–

Obwohl die Katamari-Serie mit Ports und Remastern in den letzten Jahren viel Liebe erfahren hat, war die Ankündigung von Once Upon a Katamari für viele eine große Überraschung, da es seit mehr als 15 Jahren keinen neuen Hauptteil mehr gab. Ist das neue Spiel das große Comeback, das die Serie verdient hat?

Es war einmal …

Der König des Kosmos hat aus Versehen die Erde zerstört – ups! Nun muss der Prinz seinen Katamari durch verschiedene Zeitalter der Erdgeschichte rollen, um unseren Heimatplaneten wiederherzustellen.

Oberflächlich hat sich nicht viel verändert. Noch immer besteht das Kerngameplay darin, mit einem Ball, den namensgebenden Katamari, in einer 3D-Umgebung Dinge aufzurollen. Diese wiederum lassen den Ball anwachsen, wodurch er noch größere Objekte aufrollen kann. Katamari wie wir es kennen und lieben!

Neu sind Objekte wie Magnete, die Gegenstände in unmittelbarer Nähe direkt ansaugen, oder ein Radar, der uns die Position von Sammelgegenständen verrät. Zudem können wir nun Wände hinaufrollen, wenn wir senkrecht gegen sie rollen – das ist allerdings ein langsamer Prozess.

Die größte Neuerung in Once Upon a Katamari ist jedoch das Setting. Wie der Titel des Spiels es bereits andeutet, reist man in „Es war einmal“-Manier durch verschiedene Zeitepochen der Erdgeschichte, um die Erinnerungen der Erde zu sammeln und diese letztlich wiederherzustellen.

Und dafür müsst ihr – ihr ahnt es schon – Dinge aufrollen. Im Wilden Westen rollen wir etwa Cowboys und Revolver, in der Jurazeit Dinosaurier und Megafauna, im edozeitlichen Japan Samurais und in der Gegenwart Süßigkeiten und Autos.

Once Upon a Katamari verbindet die verlässliche Grundformel der Serie also mit allerlei neuen Schauplätzen, die genauso charmant und detailverliebt umgesetzt sind, wie wir es von der Serie kennen. Jede Zeitepoche hat eine eigene kleine Weltkarte mit je einer Handvoll Levels. Sind die geschafft, geht es weiter in die nächste Epoche.

Mehr Varianten denn je

Auch in spielerischer Hinsicht glänzt Once Upon a Katamari mit großer Vielfalt. Zwar geht es immer ums Rollen, doch in vielen verschiedenen Geschmacksrichtungen: Mal rollen wir ganz klassisch möglichst viel auf, mal müssen wir eine bestimmte Größe möglichst schnell erreichen. Mal gilt es, eine bestimmte Anzahl spezifischer Objekte (z. B. Dinosaurier) aufzurollen, mal rollen wir als Wasserball durch die Wüste, um sie in eine Blumenwiese zu verwandeln.

Once Upon a Katamari nutzt dabei so ziemlich alle Varianten, die es bereits in den Vorgängern gab, und fügt noch eine ganze Menge neuer Ideen hinzu. Die Levels selbst sind jedoch alle gänzlich neu – im Gegensatz zu einigen der älteren Katamari-Titel, die gerne Material aus den Vorgängern recycelt haben.

Aufsammeln und Sammeln

Neu ist außerdem, dass es in jedem Level nun drei Kronen zu sammeln gibt, die teils gut versteckt sind. Bei genug Kronen werden neue Orte und Levels freigeschaltet und oft wird eine bestimmte Zahl vorausgesetzt, um ein neues Zeitalter zu erreichen.

Weitere Collectibles in den Levels sind Geschenke (Accessoires) und eure zahlreichen Cousins, die quasi neue Skins für die Spielfigur sind. Apropos Skins, zum ersten Mal können wir uns in einem Charaktereditor eine ganz eigene Figur erstellen. Auch hier müssen die Bestandteile in den Levels gesammelt oder an einem Kapselautomaten gezogen werden.

Detailverliebt und voller albernem Charme

Eine der größten Stärken des Spiels ist der Humor. Die albernen Gebärden des Königs sind bereits bestens bekannt, aber auch die vielen Zeitalter bieten viel Fläche für mal mehr, mal weniger subtilen Humor. So müssen wir im alten Griechenland in einer Mission Philosophen aufrollen, von Pythagoras bis Platon, und erhalten auf einem Weg einen kleinen Einblick in ihre Philosophien.

Im Edo-Japan rollen wir den Sohn eines Kriegsherren von mickrigen 50 auf 180 Kilogramm, damit er in seiner Rüstung einen stattlichen Krieger abgibt. Und in einer Küche gilt es, einen Teigball durch möglichst viele andere Köstlichkeiten zu rollen, bevor er in der Fritteuse landet.

Besonders lustig ist ein Level, in dem wir in einem Krieg von Kühen gegen Bären teilnehmen. Welche Seite wir einnehmen, ist dabei uns überlassen. Hier müssen wir die größtmögliche Kuh oder den größtmöglichen Bären aufrollen – aber aufgepasst, wir dürfen nämlich nur eine einzige Kuh bzw. einen Bären aufrollen!

Dabei ist das Spiel in jedem Zeitalter so detailverliebt, wie wir Katamari gewohnt sind. Beispielsweise erwartet uns nicht eine Art von Dinos, sondern zahllose Vertreter nebst anderen urzeitlichen Wesen.

Jedes Level ist sein eigener kleiner Mikrokosmos, mit Menschen, Tieren und anderen Wesen, die ihrem Tagesgeschäft nachgehen, und unzähligen verschiedenen Objekten, die alle eine kulturelle Geschichte erzählen.

Garniert wird das alles von der herrlich albernen Präsentation, die hier liebevoller denn je ist. Jedes Level wird nach einem Monolog unseres Königs durch eine individuelle Zwischensequenz präsentiert, die eine kleine Geschichte erzählt, die mit charmanten Klischees das jeweilige Zeitalter aufs Korn nimmt.

Groß oder klein?

Sehr gefallen hat mir auch, dass man selbst bestimmen kann, wie intensiv man das Spiel spielen möchte. Es ist meist relativ einfach, ein Level zu bestehen – leichter als in vielen der Vorgänger. Doch möchte man alle Sammelgegenstände finden oder die beste Bewertung erreichen, so wird man meist mehrere Anläufe benötigen.

Es gibt auch zahlreiche Levels, die komplett optional sind. Oft werden nach dem Bestehen eines Levels auch Varianten mit anderen Bedingungen freigeschaltet. Vom Umfang her muss sich das Spiel also nicht verstecken, doch es zwingt euch auch nicht, dutzende Stunden darin zu versenken.

Mein größter Kritikpunkt ist, dass der König innerhalb der Levels viel zu geschwätzig ist und seine Dialogboxen auch immer mitten im Bild platziert, sodass man sie schnell wegdrücken muss, denn schließlich bleibt die Zeit nicht stehen. Dieses Problem hatten auch die Vorgänger bereits. Hier wäre eine Vertonung aus rein praktischen Gründen ein großer Vorteil gewesen, denn in der Hektik des Rollens kommen die vielen humorvollen Texte leider nicht zur Geltung.

In zeitlosem Stil durch die Zeitalter

Die Grafik hat stark PS2-Vibes und setzt auf den bekannt farbenfrohen Voxel-Stil, der hier jedoch detailverliebter denn je ist, besonders bei den ausdrucksstarken Figuren, die alle unglaublich charmant sind. Der Look von Katamari ist definitiv ein Teil des Reizes und absolut zeitlos.

Das Gleiche lässt sich über die Musik sagen, die sich mal wieder durch diverse Genres bewegt und für ein Videospiel absolut unkonventionell ist. Viele Stücke enthalten Gesang mit sehr kreativ-humorvollen Texten, die jedoch zumeist der Sprachbarriere zum Opfer fallen. Für die Ohren sind sie dennoch ein Hochgenuss. Auch das bekannte Katamari-Thema (daaaa dadadadada dada da dadada) wurde wieder in mehreren Varianten neu aufgelegt. Wem das alles nicht genug ist, der kann sich per DLC Musik aus den älteren Spielen dazuladen.

Jetzt auch gegen NPCs und Freunde

In einem neuen Spielmodus namens KatamariBall können wir nun auch gegen NPCs und Freunde rollen. Bis zu vier Spieler rollen um die Wette. Dabei geht es nicht nur darum, den größeren Katamari zu rollen, wir können unsere Mitspieler dabei auch aufrollen, rammen und sabotieren. Am Ende wird anhand verschiedener Kategorien eine Gesamtpunktzahl ermittelt und ein Sieger gekrönt.

Wir konnten diesen Spielmodus leider nicht gegen echte Mitspieler testen, aber gegen Computergegner hat er viel Spaß gemacht. Eine schnelle Runde mit Freunden und Familie könnte allerdings schwierig werden, da die Steuerung von Katamari ein wenig Gewöhnung erfordert und es sich daher als Partyspiel nur bedingt eignet.

Katamari stärker denn je!

Mit Once Upon a Katamari spendiert Bandai Namco uns nach all den Jahren einen mehr als würdigen Nachfolger. Das süchtig machende Spielprinzip und der charmant-verrückte Humor kommen auf dieser Reise durch die vielen Zeitalter der Erdgeschichte besser zur Geltung denn je. Besonders erfreulich ist dabei, wie viel Abwechslung das Spiel bietet, ohne seine Kerntugenden aus den Augen zu verlieren. Ein Erfolg auf ganzer Linie!

Bildmaterial: Once Upon A Katamari, Bandai Namco, Rengame

Der Beitrag Im Test! Once Upon a Katamari ist das Comeback, das die Serie verdient erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Ghost of Yōtei
	02. Oktober 2025
	Sony
	02. Oktober 2025
	Sony
	02. Oktober 2025
	Sony
System	PlayStation 5
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Sucker Punch
Genres	Open-World-Action-Adventure
Texte
Vertonung

Die „Samurai-Ära“ Japans ist popkulturell gerade wieder voll im Trend. Auch die Gaming-Welt bleibt von diesem Phänomen natürlich nicht verschont und neben Titeln wie Rise of the Ronin, Assassin’s Creed Shadows und dem bereits im Jahre 2020 erschienenen Ghost of Tsushima scheint das Interesse der geneigten Spielerschaft an diesem Thema schier ungebrochen.

Zur Überraschung vieler japanischer Entwickler und Publisher schaffte das weltweit von den Kritikern und auch von den Fans gefeierte Samurai-Abenteuer Ghost of Tsushima vom US-amerikanischen Entwickler Sucker Punch das bisher unmöglich Geglaubte. Denn mit diesem Samurai-Spektakel erschufen sie ein episches Abenteuer, welches den Spirit und das Gefühl dieser in Japan so bedeutenden Ära fast perfekt in Spieleform vermitteln konnte und das alles aus der Feder eines US-amerikanischen Entwicklers. Mit „Iki Island“ bekam der ohnehin schon fantastische Titel ungefähr ein Jahr später noch eine äußerst gelungene DLC-Erweiterung spendiert.

Dem enormen Erfolg von Ghost of Tsushima ist es außerdem zu verdanken, dass es das lang erwartete und heiß ersehnte Remake von Like a Dragon: Ishin! aus dem Hause Sega überhaupt in einer übersetzten Version in westliche Gefilde geschafft hat. Denn vor dem Verkaufserfolg von Ghost of Tsushima galten Titel die in dieser Ära Japans angesiedelt waren nur als Ladenhüter für westliche Märkte.

Im Zuge einer State-of-Play-Ausgabe im September des Jahres 2024 kündigten Sony und der Entwickler Sucker Punch dann endlich das Nachfolgeprojekt zu Ghost of Tsushima an. Der bereits von vielen Fans heiß erwartete und lang ersehnte Titel trägt den Namen Ghost of Yōtei und soll uns erneut in das von vielen kriegerischen Auseinandersetzungen geplagte Japan versetzen.

Am 2. Oktober war es dann endlich so weit und das exklusiv für PlayStation 5 erhältliche Samurai-Abenteuer erschien endlich. Ob sich der erneute Ausflug in das von blutigen Konflikten geplagte Japan lohnt oder ob man sich ruhig auch mal eine Pause von den unzähligen Samurai-Abenteuern nehmen kann, erfahrt ihr in unserem ausführlichen Test.

Blutige Rache und unbeschreibliches Leid

Die tragische Geschichte von Ghost of Yōtei spielt im Jahre 1603, ganze 329 Jahre nach den Geschehnissen des ersten Teils. Wir befinden uns in der Gegend rund um den stattlichen Berg Yōtei in der Region Ezo, dem heutigen Hokkaido in Japan. Die einsame und von blutiger Rache getriebene Heldin „Atsu“ befindet sich nach einem tragischen Vorfall auf einem dunklen und äußerst blutigen Pfad, der ihr endlich Rechenschaft und Genugtuung bringen soll.

Dieser tragische Vorfall kostete Atsu ihre Familie und damit auch ihre Zukunft. Als letzte Überlebende dieses Massakers entschließt sich Atsu dazu den Verantwortlichen dieses Überfalls das Handwerk zu legen und ihrer rechtmäßigen Strafe zuzuführen. Dem Tod. Fortan wird Atsu von den Bewohnern dieser Region als „Onryō“ bezeichnet. Ein rachsüchtiger Geist, der die Lebenden ihrer gerechten Strafe zuführen will. Da in der Bevölkerung davon ausgegangen wird, dass Atsu dieses Massaker nicht überlebte, ist der Öffentlichkeit lange Zeit nicht klar, dass es sich in Wahrheit um die letzte Überlebende dieser abscheulichen Tat handelt.

Die Gruppierung der Drahtzieher des Überfalls trägt den Namen „Yōtei Sechs“ und wird in der gesamten Region Ezo gefürchtet. Atsu hat sich nun zum Ziel gesetzt die gesamte Gruppe der Yōtei Sechs dem Tod zuzuführen und trägt dabei die Todesliste jederzeit offen und sichtbar bei sich. Doch auf diesem Weg der blutigen Rache finden sich nicht nur Feinde. Von hier aus entspinnt sich nun also die tragische Geschichte rund um eine von blutiger Rache getriebene Heldin, deren Geist einfach nicht zur Ruhe kommen kann und die ihren endgültigen Frieden in einem Racheakt sieht, den dieses Land bisher noch nicht erlebt hat.

Wundervolle Spielwelt und fantastische Kämpfe geben sich die Klinke in die Hand

Speziell die wundervoll gestaltete Spielwelt ist es, was Ghost of Yōtei so besonders macht. Die harmonisch gestalteten Landschaften versetzen einen nicht selten ins Staunen und sorgen dafür, dass man sich regelmäßig in der fantastischen Aussicht über die weiten Landschaften von Ezo verliert. Der mächtige und unglaublich malerische Mount Yōtei lässt die Szenerie oft fast schon unwirklich und teils einfach fast schon zu schön wirken. Als würde man eine Tech-Demo spielen quasi.

Wie auch schon bei Ghost of Tsushima sind die äußerst spannenden Bosskämpfe ein absolutes Highlight von Ghost of Yōtei. Neben den Hauptmissionen die oft in die bereits erwähnten Bosskämpfe münden, erwarten uns auch allerlei Nebenbeschäftigungen wie Bambusstände, Fuchs-Schreine, heiße Quellen und sogar spannende Samurai-Duelle außerhalb der Story sind möglich. Diese Duelle werden an sogenannten „Duellbäumen“ gestartet und bringen die ein oder andere zusätzliche Belohnung mit sich. Man bekommt also einiges geboten und der Entdeckertrieb wird gefördert.

Vor allem die Hauptmissionen laufen zwar mehr oder weniger immer nach demselben Prinzip ab, schaffen es aber dennoch, den Spieler stets bei Laune und interessiert zu halten. Das fantastische Setting und die spektakuläre Umsetzung sind dafür auf jeden Fall mitverantwortlich. Die Nebenaktivitäten dienen, wie auch schon bei Ghost of Tsushima, in erster Linie dazu die Attribute und Fähigkeiten von Atsu weiter auszubauen und zu verstärken und den typischen Spielfluss etwas aufzulockern. Denn nur Bombast ist auf Dauer auch etwas zermürbend.

Im allgemeinen Spielverlauf ist man jedoch weitestgehend frei in seinen Möglichkeiten. Ob man zwischen den Hauptmissionen lieber frei erkundet oder seine Zeit mit den unzähligen Nebenaktivitäten verbringt, bleibt jedem selbst überlassen. Über die übersichtliche Weltkarte kann man sich gezielt sein nächstes Ziel aussuchen und diesem nachgehen.

Auf dem Weg zu diesem Ziel finden sich allerdings immer wieder andere Aktivitäten, die einen regelrecht ablenken. Aber genau das ist es ja auch, was eine gute und interessant gestaltete offene Spielwelt auszeichnet. Geleitet wird Atsu, wie auch schon bei Ghost of Tsushima, vom Wind selbst. Per Touch-Wischer auf dem Controller setzt sind der Wind in Gang und leitet uns so in die richtige Richtung.

Größere Waffenauswahl sorgt für mehr Flexibilität im Kampf

Neben allerlei Nahkampfwaffen wie Katana, Doppel-Katana, Kusarigama, Yari und Odachi gibt es auch unzählige Fernkampfwaffen wie Bögen, Kunai, Rauch- und Explosionsbomben und auch Flinte und Pistole dürfen genutzt werden. An Waffenvielfalt mangelt es Ghost of Yōtei also keinesfalls. Aber auch dutzende Rüstungen und Kopfbedeckungen gibt es zu finden.

Diese haben nicht nur kosmetischen Nutzen, sondern bringen auch das ein oder andere Attribut mit sich. Doch als wäre dies noch nicht genug, gibt es außerdem die Möglichkeit die Rüstungen zu färben. Dazu kann man verschiedene Färbereien, die in der Spielwelt verstreut sind, aufsuchen. Rein kosmetisch versteht sich, aber dennoch eine nette Idee die für den ein oder anderen Spieler vielleicht einen zusätzliche Anreiz bietet.

Anders als im Vorgänger Ghost of Tsushima gibt es bei Ghost of Yōtei nun keine unterschiedlichen Kampfhaltungen mehr. Stattdessen setzten die Entwickler von Sucker Punch jetzt auf geballte Waffenvielfalt. Wo man sich bei Tsushima noch je nach Gegnertyp mit der entsprechenden Kampfhaltung auf die jeweilige Situation einstellen musste, ändert man bei Yōtei nun geschickt die entsprechende Bewaffnung um sich so bestmöglich auf die jeweilige Situation einzustellen. Ein vermeintlich kleiner Kniff, der sich durch die nun größere Waffenvielfalt aber unglaublich stark und positiv auf das Spielgefühl auswirkt.

Optisch ein Augenschmaus wie kein zweiter

Vor allem optisch lässt Ghost of Yōtei die Konkurrenz absolut im Regen stehen. Die fantastische Grafik lässt die unglaublich farbenfrohe Welt von Ezo förmlich erstrahlen. Die Lichteffekte untermalen die toll gestalteten Locations zusätzlich und auch die Charaktermodelle sind fast perfekt ausgefallen. Der Titel lief während unserer Testsession außerdem stets mit flüssigen 60 Frames und sah stets perfekt aus. Ein Augenschmaus für die Sinne, könnte man sagen und einer der schönsten Titel die ich in meiner Gaming-Karriere je spielen durfte.

Selten gab es einen Titel, vor allem im Open-World-Genre, der es schaffte so ein fast schon perfekt anmutendes optisches Bild zu vermitteln, wie es bei Ghost of Yōtei der Fall ist. Man möchte fast schon sekündlich auf die Screenshot-Taste drücken um den jeweiligen Moment einzufangen.

Toller Soundtrack trifft auf gewaltige Soundeffekte

Auch soundtechnisch zieht Ghost of Yōtei alle Register. Der fantastische Soundtrack ist perfekt gewählt und auch die Soundeffekte und die Klangteppiche ergänzen sich wunderbar. Vor allem die Synchronisation kann sich sehen lassen und speziell die japanische verleiht dem Titel das gewisse Etwas und die letzte Prise Atmosphäre. Ein rundes Gesamtpaket, an dem es absolut nichts zu mäkeln gibt.

Spielwelt augenscheinlich größer, als sie tatsächlich ist

Der einzige Punkt, der mich dann am Ende doch etwas gestört hat, ist die Tatsache, dass einem das Spiel eine größere Spielwelt über die Weltkarte vorgaukelt, als man dann am Ende wirklich zu sehen bekommt. Große Teile der Karte können nicht besucht werden und hinterließen bei mir zumindest manchmal ein Gefühl der Unfertigkeit. Schade, aber vielleicht halten sich die Entwickler von Sucker Punch hier ja noch Möglichkeiten für einen DLC offen. Man hat jedoch nie das Gefühl, dass die Spielwelt zu klein oder kleiner als bei Ghost of Tsushima ausgefallen ist.

Rache-Meisterwerk mit dem ein oder anderen Story-Twist

Bildmaterial: Ghost of Yōtei, Sony, Sucker Punch

Der Beitrag Im Test! Ghost of Yōtei ist ein Abenteuer, das praktisch keine Wünsche offenlässt erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Digimon Story: Time Stranger
	03. Oktober 2025
	Bandai Namco
	03. Oktober 2025
	Bandai Namco
	03. Oktober 2025 / 02. Oktober 2025 (DE)
	Bandai Namco
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC (Steam)
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Media.Vision
Genres	[J]RPG
Texte
Vertonung

Wenn ich an Digimon denke, fallen mir sofort Songs wie „Leb‘ deinen Traum“, „Wir drehen auf“ oder „Die Hyper-Spirit-Digitation“ ein. Letzteres stammt aus Digimon Frontier und selbst diese Staffel flimmerte vor mehr als 20 Jahren über die deutschen Fernseher. Die Digimon-Marke und ihre Fangemeinde sind also in gewisser Weise NostalgikerInnen bzw. erwachsen geworden.

Zwar kommen immer wieder jüngere Fans hinzu, doch dem Entwicklerteam von Digimon Story: Time Stranger war bewusst, dass die Fangemeinde auch „ältere Semester“ wie mich beinhaltet. Wie man diese Fans abholen und unterhalten kann, wurde bereits eindrucksvoll in den Vorgängern Digimon Story: Cyber Sleuth und Hacker’s Memory gezeigt. Die Handlung bot düstere Elemente und mit den Eater wurden kuriose Wesen erschaffen, mit denen man nicht unbedingt eine sehr junge Zielgruppe erreicht.

Wie sich der neueste Ableger in diesem Zusammenhang schlägt und ob sich der Titel sowohl für alteingesessene Fans als auch für Neulinge lohnt, erfahrt ihr in den nächsten Zeilen.

Das geheime Anomaliesonderermittlungsbüro

In Digimon Story: Time Stranger geht es nicht als Cyber-Detektiv gegen kriminelle Hackergruppen, sondern als Agent bin ich Teil des Anomaliesonderermittlungsbüros, kurz „ADAMAS“. Unser Ziel ist es, die Bürgerinnen und Bürger vor Anomalien zu schützen. Diese geheimnisvollen und wissenschaftlich unerklärlichen Phänomene nehmen zu und führen regelmäßig zu gesellschaftlichen Krisen. Wir sind daher stets auf weltweiten Missionen unterwegs, sammeln unter strikter Geheimhaltung Informationen und analysieren diese in unserer Datenbank.

Dazu gehören die Phasenelektronen-Lebensformen in Tokio. Diese digitalen Lebensformen, die sowohl organische als auch elektrische Teile in sich tragen, befinden sich vor allem hinter der „Mauer der Hoffnung“ in Nishi-Shinjuku. Da es sich um digitale Wesen handelt, bezeichnen wir sie als „Digimon“. Sie scheinen mit den kürzlich immer häufiger auftretenden Anomalien in Verbindung zu stehen. Als guter Agent ist es meine Aufgabe, Informationen zu sammeln, damit meine Operatorin diese mit unserer Datenbank vergleichen kann und wir den Anomalien auf den Grund gehen können.

Zurück in die Zukunft

Was zunächst wie eine gewöhnliche Felduntersuchung aussieht, entpuppt sich schnell als brenzlige Angelegenheit. Durch eine mysteriöse Explosion werde ich aus unerklärlichen Gründen acht Jahre in die Vergangenheit versetzt. Zwar habe ich noch immer Kontakt zu meiner Operatorin, jedoch treten immer wieder seltsame Anomalien auf. So tauchen beispielsweise Phasenelektronen-Lebensformen auf, die sich im Untergrund von Shinjuku sammeln.

Ich kann zwar bei Inori Misono – einee gutherzigen Highschool-Schülerin – unterkommen, doch dann überschlagen sich die Geschehnisse mehrfach. Plötzlich taucht Aegiomon auf, das quasi Inoris Partner wird. Anschließend kommt es zu einer weiteren Überraschung: Aus einem digitalen Tor in der Stadt erscheint Minervamon. Gefolgt von einem bösartigen Digimon bzw. Titanen? Irgendwie schaffen wir es, die Situation zu bewältigen, doch zum Verschnaufen bleibt kaum Zeit.

Nach einem harten Kampf gelangen wir durch ein weiteres Tor in die digitale Welt „Iliad”. Als wäre das nicht genug, erfahren wir dort von einem bevorstehenden Krieg, inwieweit wir darin involviert sind und was es mit den Titanen auf sich hat. So beginnt meine Reise durch die Zeit und die digitale Welt, auf der Suche nach Informationen über die Anomalien und im Kampf gegen die Titanen. Wie soll ein einfacher Agent das bloß alles schaffen?

Klassisches (J)RPG mit schöner Erzählweise

Die Erzählung von Digimon Story: Time Stranger kann als klassisches japanisches Rollenspiel bezeichnet werden, mit ihren Vorzügen und Nachteilen. Letztere zeichnen sich vor allem dadurch aus, dass die Geschichte einige Zeit benötigt, um richtig in Fahrt zu kommen. In den ersten Stunden wird natürlich viel erklärt. Diese Erklärungen ufern jedoch teilweise etwas aus oder werden sehr oft in Erinnerung gerufen.

Es kommt nicht selten vor, dass sich der Operator bzw. die Operatorin über das Digivice meldet und mir mitteilt, wie wichtig es ist, Informationen über die Anomalien zu sammeln und dass die grausame Zukunft in acht Jahren aufgehalten werden muss. Gefühlt passiert das in den ersten Stunden alle paar Minuten, als würde ich als Protagonist unter Gedächtnisverlust leiden.

Haben wir die meisten Erklärungen erst einmal hinter uns gelassen, können die Vorzüge eines JRPGs genossen werden. Das bedeutet emotionale Passagen in der Handlung, die unter anderem mit gut inszenierten Zwischensequenzen animiert sind. Dabei wird nicht alles durch eine rosarote Brille betrachtet, sondern es werden ebenso düstere und ernstere Themen behandelt, ähnlich wie in den Vorgängern. So kommt es nicht selten zu inneren Konflikten oder mehrschichtigen Handlungen. Diese gehen zwar nicht immer besonders tief, reichen meiner Meinung nach aber aus, um die Geschichte bis zum Schluss spannend zu erzählen.

Dazu tragen auch die unterschiedlichen Erzählweisen bei. Bereits in der Eröffnungssequenz wird euch ein Stil mit düsteren, grafischen Pop-Art-Elementen in Comic-Ästhetik und limitierter Farbpalette präsentiert. Ohne zu sehr ins Detail gehen zu wollen, kann ich sagen, dass dieser Stil im späteren Verlauf noch einmal vorkommt. Das wertet die doch sehr gradlinige Erzählung auf und gibt ihr an der einen oder anderen Stelle eine besondere Note.

Bindung zwischen Mensch und Digimon

In einem Interview sprach der Produzent, Ryosuke Hara, davon, dass das Ziel des Entwicklerteams darin bestand, das zentrale Thema „die Bindung zwischen Menschen und Digimon“ hervorzuheben. Ich finde, das ist dem Team gelungen. Besonders schön sieht man dies an der Beziehung zwischen Inori und Aegiomon, die sich im Laufe der Zeit verändert und vertieft.

Leider wirkt der eigene Hauptcharakter hin und wieder mehr wie ein Statist in einer Nebenrolle. Zwar ist er in die Handlungen komplett eingebunden, jedoch wurde der Charakter nicht synchronisiert. Dadurch wirken manche Situationen etwas befremdlich. So gibt es beispielsweise emotionale Situationen, in denen dieser seine Motivationen gegenüber Inori und Aegiomon in einem spannenden Umfeld preisgibt.

Da der Charakter jedoch keinen Ton von sich gibt, obwohl sich der Mund bewegt, und man stattdessen lediglich die jeweiligen Sätze auswählen kann, ging für mich etwas von der Stimmung verloren. Schließlich haben die Hauptcharaktere theoretisch eine Synchronstimme. Diese ist zu hören, wenn der jeweilige Gegenpart als Operator bzw. Operatorin mit ihm Kontakt aufnimmt. Ein sprechender Hauptcharakter wäre also möglich gewesen. Immerhin wird die Beziehung zu den Partner-Digimon mittels entsprechendem Bindungswert angezeigt. Doch wie erhält man eigentlich die passenden Digimon?

Du bist dran: Phasenelektronen-Lebensform

Da Digimon unter anderem aus elektrischen Teilen bestehen, ist es vergleichsweise einfach, eigene zu „züchten“ bzw. diese Daten in eine Lebensform umzuwandeln. Dazu müssen lediglich gegnerische Digimon besiegt werden. Mit jedem besiegten Digimon erhaltet ihr Daten in eurem Digivice. Habt ihr genügend Daten gesammelt, könnt ihr diese zu einem echten Digimon umwandeln und in euer Team aufnehmen oder sie in die Digifarm zum Trainieren platzieren.

Das Schöne daran ist, dass euer Digivice scheinbar so viel Speicherplatz aufweist, dass ihr quasi all eure Digimon gleichzeitig mit euch tragen könnt. Euer Team besteht aus drei aktiven Digimon, drei als wechselbare Reserve und drei Gast-Digimon, die euch auf eurer Reise hin und wieder begleiten. Während die Gast-Slots für externe Digimon stets reserviert sind, können Digimon ganz bequem immer und überall vom Team zur Box und umgekehrt gewechselt werden. Das ist ziemlich praktisch und erhöht den Komfort erheblich.

Klassisches (J)RPG die zweite

Wie bei der Handlung erwartet euch ebenfalls ein klassisches, rundenbasiertes Kampfsystem. Jedes Digimon besitzt einen Geschwindigkeitswert, aus dem sich die Zugleiste berechnet. Anschließend folgen die jeweiligen Aktionen, wobei ein Angriff einen Zug kostet. Digimon können jederzeit von der Reservebank eingewechselt werden, ohne dass dies einen Zug kostet. Gleiches gilt für die Nutzung von Items und Kreuzungskünsten.

Digimon werden in mehrere Typen unterteilt. So sind Digimon des Virus-Typs beispielsweise schwach gegenüber dem Serum-Typ, der wiederum schwach gegenüber dem Datei-Typ ist. Daneben gibt es unter anderem noch freie und unbekannte Typen, die nicht in dieses Schere-Stein-Papier-Schema integriert sind. Zudem besitzt jedes Digimon und jeder Angriff unterschiedliche elementare Attribute mit jeweils eigenen Stärken und Schwächen. Je besser man diese kombiniert, desto mehr Schaden kann man bei Gegnern erzeugen.

Das Kampfsystem wirkt auf den ersten Blick sehr überschaubar, doch durch die unterschiedlichen Digimon-Typen und elementaren Attribute entsteht eine gewisse Spieltiefe, die besonders in den Bosskämpfen zum Tragen kommt. Im Gegensatz zu den gewöhnlichen Standardkämpfen auf der Abenteuerreise können diese sehr anspruchsvoll werden, selbst wenn man nur auf dem ausgewogenen Schwierigkeitsgrad spielt.

Aufgrund der unterschiedlichen Phasen und Eigenschaften dieser besonderen Gegner, die ihre Fähigkeiten gerne mal während des Kampfes ändern, kann es etwas dauern, bis sie besiegt sind. Wenn man nicht aufpasst, kann das komplette Team auf einen Schlag besiegt werden. Glücklicherweise lassen sich die Zwischensequenzen überspringen, sodass man sich nicht alles noch einmal anschauen muss, wenn man den Bosskampf erneut startet.

Regenerieren und ausrüsten

Nach einem Kampf ist der Regenerationsmodus sehr komfortabel. Dieser heilt das Team automatisch, wenn ihr kurz stillsteht. Das machte das Erkunden und Item-Management für mich deutlich angenehmer, weil ich nicht ständig darauf achten musste, auch außerhalb der Kämpfe genügend Heilitems bei mir zu tragen. Dadurch bleibt die Spielgeschwindigkeit beim Erkunden schön dynamisch.

Ebenso komfortabel und dynamisch lassen sich die Fähigkeiten der Digimon anpassen. Jedes Digimon besitzt eigene Spezialfähigkeiten, mit denen es die Gegner angreifen kann. Zusätzlich besitzt es Ausrüstungsfähigkeiten, mit denen es durch die Fähigkeiten-Disks nach Belieben Fähigkeiten wechseln kann. So lassen sich beispielsweise schnell Wasserangriffe ablegen und gegen Feuerangriffe tauschen, weil die Digimon in einer Region eher anfällig dafür sind.

Fähigkeiten-Disks können auf verschiedenen Wegen erlangt werden: durch den Erwerb im Laden von Gwappamon, durch das Finden in Schatztruhen oder durch Digitationen. So verfügt man nach einer gewissen Spielzeit über einen großen Fundus an Ausrüstungsfähigkeiten, zwischen denen man immer wieder wechseln kann.

Die Persönlichkeit macht den Unterschied

Neben den klassischen Elementen spielen in Time Stranger die Persönlichkeiten der Digimon eine wichtige Rolle. Eine Persönlichkeit beeinflusst ein Digimon auf vielfältige Weise. So steigert eine tapfere Persönlichkeit etwa die Angriffskraft bei physischen Angriffen, während gütige Digimon eine gute Verteidigung aufweisen. Die ursprüngliche Persönlichkeit eines Digimons ist zwar bei der Umwandlung festgelegt, können jedoch im Laufe der Zeit geändert werden.

Diese Persönlichkeiten lassen sich durch das Training auf der Digifarm sowie durch Unterhaltungen während der Reise ändern. Hierbei tauchen des Öfteren Sprechblasen bei den mitgeführten Digimon auf. Sie erzählen kurz etwas, das ihrer aktuellen Persönlichkeit entspricht. Je nachdem, wie ihr antwortet, ändert sich mit der Zeit die Persönlichkeit des Digimons. Besonders mit Blick auf spezielle Digitationen sollte man hin und wieder ein Auge darauf haben.

Zusätzlich gibt es Persönlichkeitsfähigkeiten. Das sind passive Fähigkeiten, die von der Persönlichkeit eures Digimons abhängen. Je nach Persönlichkeit werden unter anderem die Kosten für Kampffähigkeiten verringert, die Statuswerte zu Beginn eines Kampfes verbessert oder die FP der Digimon höher geheilt.

Was sich wie eine Nebensache anhört, hat mich nach vielen Spielstunden irgendwie genervt. Die Digimon machen zwar nicht besonders auf sich aufmerksam. Gefühlt wollen sie jedoch ständig mit einem reden, sodass ich die Sprechblasen nach einer gewissen Zeit ignoriert habe, da es meine Erkundung unterbrochen hätte. Die Persönlichkeitsfähigkeiten sind nicht schlecht, aber die Intensität, mit der die Digimon reden wollen, ist etwas zu hoch. Besser fände ich es, wenn die Sprechblasen seltener auftauchen würden und ich dafür bessere Antworten für einen Wechsel geben könnte.

Selbst ist der Agent bzw. die Agentin

Für jede abgeschlossene Mission, einschließlich Nebenmissionen, erhaltet ihr Anomaliepunkte. Diese könnt ihr in die Agentenfähigkeiten investieren. Diese umfassen zum einen die Fähigkeiten des eigenen Agenten bzw. der eigenen Agentin sowie Verbesserungen für Digimon mit den entsprechenden Persönlichkeiten. Kurz gesagt sind es Fähigkeitenbäume, mit denen ihr unter anderem die Werte entsprechend der Persönlichkeiten verbessern könnt.

Die Agentenfähigkeiten sind da schon etwas interessanter. Bei genügend Anomaliepunkten lassen sich dort neue Kreuzungskünste freischalten. Das sind Kampfhandlungen, die vom Agenten bzw. der Agentin eingesetzt werden können. Dafür werden in einem Kampf mit jeder verwendeten Aktion im Digivice KP (Kritische Punkte) gesammelt. Sind genügend KP vorhanden, kann eine Kreuzungskunst entfesselt werden.

Je nachdem, welche Kreuzungskunst ihr aktiviert habt, kann der Effekt unterschiedlich ausfallen. Mal feuert der Hauptcharakter einen elektrischen Strahl auf die Gegner ab und richtet großen Schaden an, mal ändern sich die Statuswerte der gegnerischen Digimon oder die des eigenen Teams werden für ein paar Runden verbessert. Die Kreuzungskünste sind eine gute Erweiterung des Kampfsystems und fügen sich gut in das bestehende System ein, da der eigene Charakter während eines Kampfes nicht nur am Seitenrand steht und zusieht.

Digitiere sich, wer kann

Habt ihr eure Anomaliepunkte in die entsprechenden Agentenfähigkeiten investiert, steigt ebenfalls euer Agentenrang. Dieser ist wichtig, wenn ihr eure Digimon auf eine höhere Evolutionsstufe digitieren wollt. Je höher euer Agentenrang ist, desto höher können eure Digimon digitieren. Wie in den Vorgängertiteln sind dabei ebenfalls bestimmte Werte zu beachten, ebenso die Persönlichkeit. Natürlich lassen sich die Digimon auch wieder de-digitieren.

Eine bestimmte Stufenbezeichnung hat dabei bei mir Verwunderung ausgelöst. Die Stufe, die allgemein als „Rookie“ bezeichnet wird, wurde in Time Stranger als „Anfänger“ übersetzt. Das ist insofern etwas kurios, da in der deutschen Übersetzung von Cyber Sleuth noch der Begriff „Rookie” verwendet wurde. Gleiches gilt für den Typus „Datei“, der nun „Daten“ heißt.

Demgegenüber stehen dem Spiel jedoch deutsche Texte zur Verfügung, auf die man beim PS-Vita-Release von Cyber Sleuth noch verzichtet hat und die erst mit Hacker’s Memory bzw. der Complete Edition für Switch nachgeliefert wurden. Beim Spielen sind mir in den Textboxen keine Fehler untergekommen, die auf eine schlechte Übersetzung hindeuten. Dennoch stellt sich die Frage, wieso man sich in den genannten Fällen für wörtliche Übersetzungen entschieden hat.

Pflege und Stärkung ist wichtig

In Time Stranger ist die Digifarm erneut eine zentrale Einrichtung. Sie dient als Anlaufstelle für die Pflege und Stärkung der eigenen Digimon. Die digitalen Begleiter können dort selbstständig trainieren, was eine kontinuierliche Entwicklung außerhalb aktiver Kämpfe ermöglicht. Trotzdem erhalten sie dieselben Erfahrungspunkte wie Digimon in der Box. Mit Farm-Items kann die Digifarm zudem nach Belieben gestaltet werden.

Leider lassen sich Digimon in der Digifarm nicht digitieren. Dadurch wird das Training für die jeweiligen Werte manchmal komplizierter als nötig. Wenn man sich – so wie ich – nicht unbedingt immer merken kann, welcher Wert gesteigert werden muss, muss man immer zwischen Farm und Box wechseln, um nachzuschauen. Da der Titel in vielen Bereichen komfortable Lösungen bietet, beispielsweise beim Wechsel zwischen Box und Team, hätte ich mir hier zumindest gewünscht, dass man Digitationen direkt in der Farm durchführen oder zumindest nachschauen kann, welche Werte benötigt werden.

Die Digifarm selbst kann bei Mirei Mikagura angesprochen werden. Sie leitet das Dazwischen-Theater, einen besonderen Ort, der zwischen verschiedenen Raumzeitdimensionen liegt. Das Theater ist irgendwie seltsam und mittels einer leuchtenden Tür an unterschiedlichen Orten der Welt erreichbar. Was es wohl damit auf sich hat?

Vielleicht hat es etwas mit den Äußeren Labyrinthen zu tun, die ebenfalls von dort aus erreicht werden können. Dieser Begriff wird für Gebiete verwendet, die innerhalb des Phasenelektronenraums existieren und über die ganze Welt verstreut sind. Dort warten herausfordernde Prüfungen oder kleine Minispiele auf euch, wie beispielsweise das Peckmon-Rennen. In diesem Wettkampf reitet ihr auf einem Peckmon und versucht, vor allen anderen im Ziel anzukommen. Diese optionalen Aktivitäten, welche in sehr fragwürdig aussehenden Umgebungen stattfinden, bieten abseits der Hauptgeschichte nette Belohnungen.

Mich JUKS in den Fingern

Wer seine Freizeit mit anderen Aktivitäten verbringen möchte, sollte das Spiel „Jogmon Ultimatives Kartenspiel“ (JUKS) im Auge behalten. Dabei handelt es sich um ein kleines, aber feines Sammelkartenspiel, das optisch ansprechend ins Spiel integriert wurde. Als SpielerIn legt ihr abwechselnd Karten auf einem Digivice aus. Anschließend werden die ausgewählten Pixelmonster generiert und kämpfen gegeneinander. Eine nette Abwechslung für zwischendurch, zumal es gut ins Spiel passt.

So schön das Kartenspiel aussieht, so wunderschön sind ebenso die Modelle der über 450 Digimon, denen ihr im Spiel begegnen könnt. Damit hat dieser Titel nicht nur mehr Digimon als jeder andere Titel der Reihe bislang, sondern die neuen 3D-Modelle und Animationen bei Angriffen sehen zudem einfach fantastisch aus. Das erkennt man nicht nur an den eigenen Digimon im Team, sondern ebenfalls an den NPC-Digimon, die in der Zentralstadt von Iliad leben. Jedes Digimon hat individuelle Bewegungen. Es gibt welche, die ihrer Arbeit nachgehen, durch die Stadt laufen, und welche, die imposant über der Stadt schweben.

Dadurch wirkt nicht nur die Stadt, in der man öfter unterwegs ist, lebendiger, sondern auch viele andere Orte und die dort wohnhaften Digimon. Durch die Vielzahl an Digimon, die auf dem Bildschirm dargestellt werden, und vor allem die vielen unterschiedlichen Digimon hat mein Fanherz nicht nur einmal höhergeschlagen. Bei den Charaktermodellen ist wirklich viel Liebe zum Detail erkennbar.

Ein Ritt durch die Landschaft

Leider lässt sich das nicht über die Umgebungen und Orte an sich sagen. Zwar sind diese bunter und imposanter gestaltet als in Cyber Sleuth, mit anderen Spielen dieser Konsolengeneration können sie jedoch nicht ganz mithalten. Zudem fühlen sich viele Gebiete in ihrer Größe etwas gestreckt an und ähneln sich innerhalb ihres Aufbaus. Wenn man beispielsweise durch einen Turm im Industriegebiet läuft, beinhaltet jede Etage mehr oder weniger dieselben Objekte und gegnerischen Digimon.

Das bedeutet nicht, dass das Spiel nicht hübsch aussieht. Spielerinnen und Spieler sind heutzutage jedoch anderes gewohnt. Grafik ist jedoch nicht alles und vieles kommt über den Stil. Dieser ist über das ganze Spiel hinweg stimmig und kommt besonders in der digitalen Welt Iliad zum Vorschein, in der sich die Orte mit der Zeit sogar verändern. Ein wenig mehr Abwechslung innerhalb der Gebiete hätte dem Spiel jedoch gutgetan.

Ein besonderes Schmankerl ist dabei der Digi-Ritt durch die verschiedenen Umgebungen. Zwar laufen euch immer eure ersten drei Digimon hinterher. Aber ist es nicht schöner, wenn man auf einem Digimon reiten kann? Das kann allerdings komischer aussehen, als man vermutet. Es gibt vierbeinige Digimon, auf denen das ganz normal aussieht. Andere Digimon tragen euch hingegen mit einem Arm durch die Gegend, was man auf den ersten Blick nicht unbedingt als Ritt bezeichnen würde.

Und wenn man so durch die Gegend reitet, fällt einem noch eines auf: Es gibt in dem Spiel keine Zufallsbegegnungen (Random Encounters). Ihr seht jedes gegnerische Digimon in der Welt herumlaufen, schwimmen oder durch die Luft fliegen. Das lässt die Welt zum einen noch lebendiger wirken und macht zeitgleich das Gameplay angenehmer, da man sich auf Kämpfe vorbereiten oder ihnen aus dem Weg gehen kann.

Der Soundtrack beim Erkunden ist genauso schön wie die Charaktermodelle. Fans werden sicherlich das eine oder andere Geräusch aus den Vorgängern wiedererkennen und Ähnlichkeiten im gesamten Soundtrack feststellen. Verantwortlich dafür ist erneut Masafumi Takada, der bereits die atmosphärische Musik zu Cyber Sleuth und Hacker’s Memory erstellt hat. Selbst nach dem Ausschalten des Spiels bleiben die Melodien im Kopf.

Öffne dich, Tor nach Iliad!

Bildmaterial: Digimon Story: Time Stranger, Bandai Namco, Media.Vision

Der Beitrag Im Test! Digimon Story: Time Stranger entzückt Fans und ist auch für Neulinge geeignet erschien zuerst auf JPGAMES.DE.