Titel	Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße
	13. November 2025
	Level-5
	13. November 2025
	Level-5
	13. November 2025
	Level 5
System	NSW/2, PS4/5, Xbox Series, PC
Getestet für	PS5
Entwickler	Level-5
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Mit Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße ist vor einiger Zeit der neueste Ableger der Reihe erschienen. Praktisch ein Revival bzw. Comeback der Reihe seit Teil 3 für den 3DS. Es ist gleichzeitig für Level-5 die Ausrichtung einer neuen Vermarktungsstrategie. Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße ist der erste Teil der Reihe, welcher nicht mehr exklusiv für Nintendos Plattformen (DS, 3DS, Wii) erscheint, sondern breit auf allen derzeitigen Konsolen und PCs verfügbar ist.

Ein Neuanfang, der gleichzeitig mit Details aus den vorherigen Spielen der Saga auch alteingesessene Fans zufriedenstellen soll, ohne Neulinge mit sperrigen Infos zu überfordern. Ob dieser Spagat funktioniert, könnt ihr bei uns nachlesen.

Zwischen Hass und Liebe für den Fußball

Unser Held der Geschichte ist Unmei Sasanami. Ein in seiner Kindheit begeisterter Fußballspieler, der den Sport lebt bis zu jenem schicksalhaften Tag, als er auf dem Spielfeld zusammenbricht. Die Ärzte verbieten ihm das Spiel. Ein kleiner Junge, der seine Liebe zum Fußball nicht mehr ausleben konnte. Er vergräbt sich, schiebt seine Fußballfreunde von sich und beginnt sein Schicksal zu verdammen.

Viele Jahre später betritt er nun den Grund und Boden seiner neuen Schule. Die Nagumohara Junior High ist eine Schule ohne Fußballclub. Vielleicht findet ihr endlich Ruhe vor dem Sport, der euch im Geist immer noch verfolgt und an dem ihr im Inneren noch so sehr hängt, obwohl ihr das nicht wahrhaben wollt.

Doch eure Leidenschaft holt euch wieder ein, als ihr ein Schlüsselereignis mit dem jungen Raufbold Joji erlebt. Es weckt in euch wieder die Leidenschaft, die ihr so lange begraben habt. Auch wenn ihr selbst nicht spielen könnt, so wollt ihr, dass andere Talente dies können.

Ihr beschließt an der Nagumohara einen Fußballclub zu gründen. Ein Unterfangen, dem sich die Schule entgegenstellt. So startet ihr in ein neues Abenteuer. Deckt die Geheimnisse um den Skandal des alten Fußballclubs auf um letztlich am Football Frontier teilzunehmen, dem Fußballjugendturnier, von dem ihr schon immer geträumt habt.

Eine wundervolle Geschichte

Level-5 weiß eine wunderschöne Geschichte rund um das Runde zu erzählen. Ihr beginnt dabei ganz von vorne mit der Gründung eures Clubs. Müsst dabei neue Spieler rekrutieren, diese trainieren und gleichzeitig die Vergangenheit des Fußballclubs der Nagumohara Junior High reinwaschen. Es vergehen also einige Stunden in der Storykampagne, bevor ihr überhaupt das erste richtige Spiel mit elf Spielern auf dem Feld bestreiten werdet. Das Pacing ist anfangs recht gemächlich, nimmt aber deutlich an Fahrt auf, je näher ihr dem Turnier kommt.

Wer zusätzlich über den Season-Pass verfügt, kann über die Hauptkampagne noch etwaige weitere Storystränge spielen, aber selbst ohne werdet ihr vermutlich einige Zeit brauchen, bis ihr die Hauptkampagne abgeschlossen habt. Selbst danach bietet euch Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße einen Umfang, der seinesgleichen sucht.

Auf zum Football Frontier

Bevor ihr allerdings überhaupt startet, baut ihr euch euren eigenen Spieler zusammen und wählt eure eigene Startmannschaft aus. Diese könnt ihr in den verschiedenen Modi nutzen und auch euer Avatar ist später in der Hauptgeschichte von Inazuma Eleven rekrutierbar. Doch was bietet euch Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße eigentlich alles an? Einiges.

In der Hauptkampagne spielt ihr die neueste Story des Franchise. Ihr gründet – wie erwähnt – euren Club und rekrutiert nach und nach Spieler für eure Mannschaft. Dabei ist der erste Part der Geschichte mehr wie eine kleine Detektivgeschichte aufgebaut. Ihr erlebt kleinere Miniquests und trainiert eure Mannschaft in Mini- und Testspielen, bis eure Attribute hoch genug sind um das nächste Hauptspiel zu bestreiten.

Fokuskämpfe und Drachenschuss

Anders als in regulären Fußballspielen liegt hier der Fokus etwas anders. Das merkt man schon an der eher taktischen Steuerung, bei der ihr mit Richtungspfeilen unterstützt werdet. Eure Figuren verfügen über übermenschliche Angriffs- und Verteidigungstechniken. Ihr könnt Keshins, eine Form von Avataren, und weitere im Spiel beschwören.

Darüber hinaus gibt es viele weitere Effekte wie Miximorph – zu viele, um diese alle hier zu erklären. Auch könnt ihr Taktiken einsetzen, die euch stärken oder die Gegner schwächen. Natürlich gibt es auch noch die regulären Regeln eines Fußballspiels, an die ihr euch halten müsst. Zu harte Aktionen werden mit Fouls und Karten, ein zu weiter Pass mit Abseits belohnt. Verschiedene Energieanzeigen säumen zusätzlich den Bildschirm.

Nach einem absolvierten Spiel verdienen eure Spieler Erfahrung und steigen im Level auf. Nicht nur eure Grundattribute können sich dabei erhöhen, nein, ihr könnt von Zeit zu Zeit auch neue Fähigkeiten erlernen. Jeder Spieler verfügt nämlich über einen eigenen Fähigkeitenbaum.

Fähigkeiten können hier erlernt, ausgetauscht oder verstärkt werden. Auch zwischen zwei Fähigkeitenrouten könnt ihr wählen – alles um eure Mannschaft zu stärken. Das gilt auf wie auch neben dem Platz. Neben euren elf Spielern plus Ersatzspielern könnt ihr auch einen Coach und weitere Manager benennen, die ebenfalls neue Fähigkeiten lernen können und das Team indirekt unterstützen.

Die Spiele innerhalb der Hauptkampagne setzen euch auch gerne mal mit gescripteten Events unter Druck, wie beispielsweise Toren, die ihr nicht verhindern könnt. Auch die Geschwindigkeit auf dem Spielfeld ist eher gemächlich. Das tut dem Spielvergnügen aber keinen Abbruch. Wahr ist aber auch, dass gerade Anfänger von der Vielfalt an Möglichkeiten geradezu erschlagen werden können.

Das Spiel nimmt euch zwar an die Hand und erklärt in wenigen Dialogen, wie etwas funktioniert, aber eine wirklich tiefe Erklärung für manche Funktionen fehlt dann doch. Es macht dennoch extrem viel Spaß die Geschichte von Unmei zu verfolgen. Die Mannschaft zusammenwachsen zu sehen, neue Techniken zu entdecken, zu verbessern und dem einen ersehnten Ziel, dem Sieg beim Football Frontier entgegenzufiebern. Neben der Hauptkampagne gibt es aber noch das ein oder andere zu entdecken.

Zurück in die Vergangenheit

So gibt es mit dem Chronikmodus eine Art weiteren „Storymodus“, mit dem ihr per Zeitreise die wichtigsten Ereignisse von Inazuma Eleven nachspielen könnt. In Anbetracht dessen, dass Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße als erster Titel des Franchise auch auf anderen Plattformen vertrieben wird, ist dies eine gute Idee gewesen um alte und neue Spieler auf ungefähr denselben Stand zu bringen. Das Ganze wird aber in einer eigenen Rahmenhandlung zusammengefasst und bietet gleichzeitig etwas Neues. Denn in der Zukunft ist die Welt ein Desaster und wird von unbekannten Bestien angegriffen.

Ihr reist mit der Figur Vic zurück in der Zeit und erlebt die Geschichte von Inazuma Eleven von Neuem, indem ihr wichtige Ereignisse nachspielt. Das Ganze findet auf einer isometrischen Karte statt, die wie ein Spielbrett aufgebaut ist. Auf den jeweiligen Feldern könnt ihr dann in Kurzfassung die Story nachspielen, zum einen mit der damaligen Mannschaft und zum anderen mit eurer eigenen Mannschaft um das nächste Feld freizuschalten.

Nach erfolgreich absolvierten Spielen bekommt ihr Belohnungen, die ihr durch Aktionen während des Spiels verdient habt. Im Chronikmodus können das neben etwaigen Items auch Geister sein. Geister sind Abbilder von Spielern aus den verschiedenen Mannschaften und Geschichten des Inazuma-Eleven-Franchise. Diese können beschworen und für eure Mannschaft rekrutiert werden.

Bindungen müssen aufgebaut werden

Neben dem Chronikmodus gibt es auch noch die Kizuna-Station. Ein Modus, in dem ihr eine kleine Stadt erbaut um eure Bindungen weiter zu stärken. Bindungen können einen Einfluss auf die Statuswerte der Spieler haben. Bis zu sieben Bindungen können zwischen Spielern hergestellt werden. Das Ganze spielt sich auf einer Pinnwand ab, mit Fäden zieht ihr Verbindungen zwischen den Spielern.

Fotos, auf denen die Spieler abgebildet werden und die von einer Linie gekreuzt werden, geben einen Bonus. Zusätzlich kann das Ganze mit Stickern noch ausgeschmückt werden. Die Kizuna-Station erweitert das quasi, indem ihr auf einem kleinen Areal Gebäude, Menschen und etwaige andere Objekte platziert. Ihr könnt auch die Städte anderer Mitspieler besuchen.

Online oder gegen die CPU

Natürlich gibt es auch den obligatorischen Wettkampfmodus. Hier könnt ihr offline weitere Matches gegen CPU-Gegner führen oder euch online mit anderen messen. Ranked-Spiele sind dabei das Frustrierendste, was einem Neuling passieren kann, der nur mal eben hineinschnuppern möchte. Das liegt daran, dass ihr auf Rang 0 trotzdem auf andere Rang-0-Spieler treffen könnt, die aber bereits ein viel höheres Teamlevel haben. Level-5 hat hier schon leicht reagiert und das Teamlevel auf maximal 50 beschränkt, dennoch können gerade solche Partien mehr als frustrierend sein, da euer Gegner nur mit euch spielt.

Ein wirkliches Matchmakingsystem gibt es hier nicht. Verbindungsabbrüche, ob mutwillig verursacht oder aufgrund eurer instabilen Leitung, werden recht hart sanktioniert. Ansonsten funktionieren die Spiele genauso wie die regulären CPU-Kämpfe, allerdings mit dem Unterschied, dass ihr auch in den Commandermodus wechseln könnt. Der Commandermodus ist eine Art Taktikmodus aus der Sicht des Trainers. Eure Figuren spielen nach den von euch vorgegebenen Rollen.

Zu guter Letzt gibt es noch die Battle Bay. Dies ist ein Modus mit vorgefertigten Teams aus der Geschichte des Inazuma-Eleven-Franchise. Mit diesen tretet ihr gegen mehrere Teams in Folge an. Der Modus lässt sich sowohl gegen eine CPU als auch online gegen andere Spieler bestreiten. Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße ist ein wahres Umfangmonster, in das ihr wahrlich viel Zeit investieren könnt um euer Team an die Spitze zu führen. Dabei bietet das Spiel nicht nur viele verschiedene Modi an, es sieht darüber hinaus auch recht schick aus.

Grafisch ein ordentlicher Sprung nach vorn

Die meisten Spiele des Franchise erschienen für Nintendo DS und 3DS. Abseits davon erschien noch die Strikers-Reihe für die Wii. Der Sprung in der Grafik war also demzufolge irgendwo erwartbar und Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße sieht im Vergleich zu seinen Vorgängern deutlich polierter aus. Die Sequenzen sind gewohnt von besonders hoher Qualität. Die Figuren-Designs sind in der Neuzeit angekommen und die grafischen Effekte wie die einzelnen Schuss- und Verteidigungstechniken sind wunderschön in Szene gesetzt.

Die Beschwörungen sind kleine Farbexplosionen auf dem sonst so grünen Spielfeld. Sicherlich ginge auch hier noch deutlich mehr gerade im Hinblick auf die Umgebung und Szenerie, welche etwas altbacken wirkt, aber das Hauptgeschehen findet eben auch auf dem Platz statt. Man sieht aber, dass es auch grafisch mit der Reihe ein ordentliches Stück nach vorne gegangen ist. Dazu gibt es wieder einen wunderschönen Soundtrack, der die Emotionen der Spiele und der Geschichte perfekt unterstreicht. Auch der ein oder andere Ohrwurm ist wieder mit dabei.

Unterm Strich

Bildmaterial: Inazuma Eleven: Victory Road, Level-5

Der Beitrag Im Test! Inazuma Eleven: Helden der Siegesstraße kann Fans für Monate bei der Stange halten erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Monster Hunter Stories 3: Twisted Reflection
	13. März 2026
	Capcom
	13. März 2026
	Capcom
	13. März 2026
	Capcom
System	Nintendo Switch 2, PlayStation 5, PC, Xbox Series X/S
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Capcom
Genres	RPG
Texte
Vertonung

Erst Jäger, dann Rider und nun Ranger. Das „Monster Hunter“-Franchise hat mich bereits in verschiedene Rollen geworfen. Nicht alle dieser Rollen resultierten mit einer positiven Resonanz. Einige hatten mehr gute Elemente, andere weniger. Bislang gab es für mich jedoch immer viele positive Ansätze in den bisherigen Stories-Teilen.

Dafür sorgten die charmanten Charaktere und die weitestgehend stressfreie Handlung, die mich immer bestens unterhielten. Warum mich das Spielen als Ranger in Monster Hunter Stories 3: Twisted Reflection besonders überzeugt hat und der erwachsenere Ansatz gut zum Spiel passt, verrate ich euch in den nächsten Zeilen.

Königliche Pflichten und Ranger

Ich bin Prinz (oder wahlweise Prinzessin) aus dem Königreich Azuria. Meine königliche Stellung kann ich zwar nicht ignorieren, doch ich konzentriere mich lieber auf mein Dasein als Ranger. Als Kapitän der Ranger-Gruppe beschütze und erforsche ich zeitgleich das Ökosystem der Monster, wobei ich Informationen zu den sogenannten Ei-Quarzen sammle. Dabei handelt es sich um eiförmige Kristallformationen, die Monster und Eier umschließen. Sie finden sich im ganzen Land, doch niemand weiß, woher sie stammen.

Die Ranger-Gruppe wurde ursprünglich von meiner Mutter, Königin Amara, mit dem Ziel gegründet, die natürlichen Lebensräume zu schützen und zu erhalten. Da sie jedoch vor einigen Jahren aus dem Königreich floh, liegt es nun an mir, ihre Aufgaben zu übernehmen und die Natur zu bewahren.

Grund für ihre Flucht war der Fund eines besonderen Monster-Eis. Aus diesem schlüpfte ein Rathalos, eine Monsterart, die wie viele andere in diesem Reich vom Aussterben bedroht ist. Doch dann geschah etwas Unvorhergesehenes. Ein weiteres Rathalos schlüpfte aus dem Ei.

Beide trugen das Mal der Himmelsschuppen, das unweigerlich an den schrecklichen Bürgerkrieg vor 200 Jahren erinnerte. Mit diesem dunklen Zeichen als Vorahnung beschloss mein Vater, der König, eines der beiden Rathalos hinrichten zu lassen. Bei diesem Versuch wurde er von meiner Mutter aufgehalten. Sie floh mit dem Rathalos und seitdem fehlt von den beiden jede Spur.

Nicht nur Rider, sondern Ranger

Zwar sind seitdem einige Jahre vergangen, dennoch frage ich mich bis heute, was mit ihr passiert ist und warum sie diese Strapazen auf sich genommen hat. Glücklicherweise fühle ich mich nicht allein. An meiner Seite befindet sich unter anderem Ratha, eines der beiden Himmelsschuppen-Rathalos. Er ist mein „Monstie“, mit dem ich eine besondere Bindung eingegangen bin. Zusammen untersuchen wir die Gebiete in Azuria. Diese besondere Beziehung und der Bindungsstein machen mich zu einem Rider.

Doch unser Ranger-Trupp besteht aus noch mehr Leuten: Da wären Simon, ein stets freundlicher Mann und mein engster Freund, Ogden, ein wandelndes Monsterlexikon, sowie Kora, die bereits als Gründungsmitglied meine Mutter unterstützt hat. Hinzu kommen Gaul, der stellvertretende Kommandant der Ranger, und Thea, ein energiegeladener Frischling mit einer besonderen Vorliebe für Poogies.

Nicht zu vergessen ist Rudy, ein königlicher Felyne, dessen Familie seit Generationen dem Königtum von Azuria dient. Er ist mein Palico-Partner und begleitet mich seit meiner Jugend. Dabei ist er nicht nur der königlichen Familie von Azuria gegenüber loyal, sondern steht mir in brenzligen Situationen ebenso als Freund zur Seite.

Was befindet sich hinter dem Meridian?

Am liebsten bin ich mit den anderen Rangern unterwegs und erforsche Gebiete nach Informationen zum Ei-Quarz und den Kristallisationen, welche die einheimischen Lebewesen und sogar große Monster in Kristalle verwandeln. Letztere sorgen dafür, dass aus normalen Monstern unbändige Monster werden, die besonders aggressiv in dem Land ihr Unwesen treiben. Allerdings verschlechtern sich in letzter Zeit die Beziehungen zu unserem Nachbarkönigreich Vermeil.

Dies führt zu einer eskalierten Auseinandersetzung, die uns dazu bringt, den Meridian zu überqueren und ins verbotene Land aufzubrechen. Eigentlich besteht ein jahrhundertealter Pakt mit den Wyverianern, der es unserem Königreich verbietet, diesen zu überqueren. Wir wissen jedoch so gut wie nichts über die Ereignisse in dieser Welt und die Beteiligung der Menschen daran.

Was genau hat es mit den Kristallisationen auf sich? Warum ist es uns untersagt, das verbotene Land zu betreten? Was hat das alles mit dem Sakrosanktum zu tun? Um die gesamte Wahrheit zu ergründen, müssen wir uns auf den Weg über den Meridian machen.

Auf in eine unbekannte Abenteuerreise!

Monster Hunter Stories 3 versprüht von Beginn an eine herzerwärmende Handlung, die gespickt ist mit klischeehaften Charakterzügen, leicht vorhersehbaren Handlungssträngen und mit Überraschungen besticht, die selbst der Hauptcharakter im Vorfeld logisch erahnt. Was sich nun eher negativ anhört, stört im Spiel allerdings so gut wie gar nicht. Der Grund dafür ist einfach: Die Kombination aus allem schafft eine Atmosphäre, die genügend Spannung und Handlungsstränge aufbaut, gleichzeitig aber nicht zu komplex wird, sodass man der Geschichte immer angenehm folgen kann.

Dabei werden die Themen nicht oberflächlich behandelt, sondern erhalten genügend Spielzeit für die Erklärung. Sei es die Entwicklung der persönlichen Charakterzüge des Hauptcharakters, der nicht nur mehr über die Welt, sondern auch über sein eigenes Weltverständnis lernt. Dabei wird man als SpielerIn leicht in die Welt hineingezogen. Es wird unter anderem erklärt, was Ranger von klassischen Ridern unterscheidet, wie eine Bindung zu einem Monstie aufgebaut wird und warum es wichtig ist, das Ökosystem zu schützen.

Gleichzeitig präsentiert sich die Geschichte von ihrer schönsten Seite und die Handlungsstränge werden in nachvollziehbarer Reihenfolge aufgebaut. Nach und nach werden die wesentlichen Punkte erforscht und die Geheimnisse gelüftet. So erfährt man beispielsweise schnell, dass das verbotene Land gar nicht so unbewohnt ist, wie die Charaktere glauben, warum es den Pakt gibt und der Meridian nicht überquert werden darf. Je tiefer ich in die Spielwelt eintauchte, desto besser gefiel mir die Handlung und ich wollte, wie der Hauptcharakter, mehr über die Welt und die einzelnen Personen erfahren.

Das Spiel kommt jedoch nicht ohne einige genretypische Klischees aus. Wer der Handlung aufmerksam folgt, erkennt einige Muster und kann daraus mehr oder weniger auf zukünftige Handlungsstränge schließen. Dadurch wird das Spiel keineswegs schlechter, sondern hält immer noch einige schöne Überraschungen parat, die es in emotionalen und mitreißenden Zwischensequenzen präsentiert. Während meiner über 40-stündigen Spielzeit habe ich mich so gut wie nie gelangweilt.

Nicht allein unterwegs

Neben der Beziehung zwischen dem Hauptcharakter und seinem Ratha steht insbesondere die Gruppendynamik innerhalb der Ranger-Gruppe im Mittelpunkt. Diese wird in der Haupthandlung anhand verschiedener Unterhaltungen und Zwischensequenzen anschaulich in Szene gesetzt. Dabei spielt der Umstand, dass der Hauptcharakter der Prinz (oder die Prinzessin) ist, eine Rolle. Die anderen Gruppenmitglieder machen sich oft Sorgen, wenn dieser sich waghalsig ins Abenteuer stürzt. Eine richtige zwischenmenschliche Beziehung entwickelt sich eher in den Nebengeschichten.

Letztere sind zusätzliche Handlungen, die sich um den Hauptcharakter und seine Rangergefährten und -gefährtinnen drehen. In diesen Geschichten stehen die Gefährten des Protagonisten im Vordergrund, sodass diese besser kennengelernt werden können. Dadurch baut sich als SpielerIn eine bessere Beziehung zu den Figuren auf und man versteht nicht nur, warum sie sich den Rangern angeschlossen haben, sondern auch ihre persönlichen Motivationen und ihre Vergangenheit. Auf diese Weise erhalten die Charaktere eine tiefere Bedeutung und wirken nicht nur wie bloße Nebencharaktere. Zusätzlich lassen sich damit weitere Belohnungen und Fähigkeiten für die Ranger freischalten.

Eine etwas besondere Stellung haben Rudy und Eleanor. Beide werden im Verlauf der Handlung ausgiebiger dargestellt. Bei Eleanor liegt es daran, dass sie aus Vermeil stammt und sich eigentlich für den Frieden der beiden Königreiche einsetzen möchte. Als die Spannungen zwischen den Königreichen jedoch eskalieren, entscheidet sie sich, den Rangern auf ihrer Reise zum Meridian zu folgen, um wie der Hauptcharakter mehr über die Geschichte des Landes in Erfahrung zu bringen.

Gerade während der fortlaufenden Geschichte wächst die Beziehung zwischen Rudy und dem Hauptcharakter immer weiter. Der königliche Palico-Partner ist dem Königreich treu ergeben und steht daher dem Prinzen bzw. der Prinzessin treu zur Seite. Durch die ans Licht kommenden Geheimnisse wird dessen Welt jedoch etwas auf den Kopf gestellt. Infolgedessen wird die Beziehung zwischen Rudy und dem Hauptcharakter noch enger, was für herzerwärmende Momente im Spiel sorgt.

Klassisch rundenbasiert

Im Gegensatz zur Hauptreihe konzentriert sich Monster Hunter Stories nicht nur auf eine Geschichte, sondern bietet zudem ein rundenbasiertes Kampfsystem. Neben dem bekannten Schere-Stein-Papier-Prinzip – Geschwindigkeit schlägt Kraft, Kraft schlägt Technik und Technik schlägt Geschwindigkeit – gibt es weitere Elemente, auf die geachtet werden sollte. Letzteres ist wörtlich zu nehmen. So können Wasser-, Feuer- oder Donnerangriffe als weiteres Element für zusätzlichen Schaden sorgen.

Gleiches gilt für die richtige Waffe mit unterschiedlichen Fähigkeiten. Je nachdem, ob ihr mit Schnitt-, Schlag- oder Stichwaffen angreift, könnt ihr einzelne Monsterteile brechen und das Monster sogar umwerfen. Zur besseren Veranschaulichung wurde in Twisted Reflection der Wyvernseelen-Balken eingeführt.

Dieser steht für den Kampfgeist eines Monsters. Sinkt der Balken auf null, gerät das Monster ins Taumeln. Taumelnde Monster verlieren ihren Wyvernseelen-Vorrat und gehen in einen ermüdeten Zustand über. Das macht es nicht nur leichter, ihren Angriffen auszuweichen, sondern ist der Balken vollständig aufgebraucht, wird das Monster umgeworfen.

Einmal umgeworfen, geht es zu viert mit einem Synchronansturm auf das Monster. Dabei wird nicht nur enormer Schaden verursacht, sondern der Angriff füllt ebenfalls die Bindungsanzeige schnell auf. Ist diese aufgefüllt – was auch bei normalen Angriffen und Fähigkeiten passiert –, kann eine mächtige Bindungsfähigkeit entfesselt werden. Das sind spezielle Fähigkeiten, die immer wieder für ein kleines Highlight während des Kampfes sorgen, denn jedes Monstie besitzt eine individuelle Bindungsfähigkeit.

Explosive Angriffe

Diese Animationen sehen nicht nur spektakulär aus und wirken etwas übertrieben, sondern richten außerdem sehr viel Schaden an. So führt beispielsweise Ratha mächtige Feuerangriffe aus und stürzt mit Überschallgeschwindigkeit vom Himmel auf das gegnerische Monster. Beim Pukei-Pukei entsteht eine gewaltige Giftwelle, auf die ein Giftregen folgt. Beim Brachydios gibt es erneut eine gut inszenierte Rückblende mit Trainingsmontage.

Man könnte glatt meinen, bei einem solchen Angriff würde ein komplettes Gebiet zerstört werden. Erst recht, wenn die doppelte Bindungsfähigkeit eingesetzt wird. Diese sind noch pompöser und enden in der Regel in einer gewaltigen Explosion. Allerdings wirken die doppelt ausgeführten Bindungsfähigkeiten nach einiger Zeit etwas eintönig, da diese immer in einer gewaltigen Explosion enden.

Weniger eintönig sind die anderen Ranger, die einen begleiten. Sie lassen sich im Menü ganz einfach als MitstreiterIn auswählen, sodass man beispielsweise mit Eleanor und ihrem Anjanath, Thea und ihrem Tobi-Kadachi oder Ogden und seinem Pukei-Pukei unterwegs sein kann. Das macht die Erkundung etwas abwechslungsreicher, wenngleich es keinen direkten Einfluss auf die Umgebung hat.

Unbändige Gefahren

Abwechslungsreicher werden damit dagegen die Kämpfe zwischen den wilden Monstern gemacht. Je nach Waffe und Monster des Partners oder der Partnerin können diese mal mehr und mal weniger im Kampf unterstützen. Sie greifen die Monster und deren Teile an oder heilen den eigenen Charakter. In den Einstellungen lässt sich ebenfalls festlegen, wie sie sich im Kampf am besten verhalten sollen. Das ist insoweit hilfreich, da die meisten Monster im Laufe des Kampfes ihr Angriffsmuster ändern.

Dadurch verändern sich ihr Verhalten und ihre Angriffstypen. Manche Monster erhalten dadurch sogar stärkere Fertigkeiten. Das macht die Kämpfe variantenreicher, weshalb man immer eine passende Gegenstrategie haben sollte. Gleiches gilt für die unbändigen Monster, die neu in der Reihe erscheinen. Diese mysteriösen, mit Kristallen übersäten Monster verfügen nicht nur über die gewöhnlichen Angriffsmuster normaler Monster, sondern sind durch die Kristallisation ebenfalls besonders aggressiv.

So ist die grüne Hautfarbe eines unbändigen Chatacabra beispielsweise nicht nur ein wenig heller, sondern das Monster kann plötzlich Donner-Angriffe schleudern. Zwar lassen sich die mit sogenannten Seuchensteinen übersäten Körperteile angreifen. Darauf folgt jedoch prompt ein Abwehrmechanismus und das Monster kontert mit einem Angriff oder einer Statusveränderung. Damit ist nicht zu spaßen. Das sorgt nicht nur für eine größere Herausforderung, sondern lässt einen auch mal die eigene Strategie überdenken.

Invasiv und bedroht

Apropos Strategie. Noch wichtiger ist diese bei den Kämpfen gegen invasive Monster. Diese mächtigen Monster übernehmen die Behausungen bedrohter Monsterarten. Invasive Monster tummeln sich nur nachts in den Gebieten. Neben den generell größeren Herausforderungen in der Nacht, in der die Monster stärker werden und ungewöhnliche Erscheinungen auftreten, sollten sie bekämpft werden. So gelangt man in die Monsterbauten, in denen sich die Eier bedrohter Arten befinden und kann diese in die Wildnis zurückführen.

Da es zu den Aufgaben der Ranger gehört, das bedrohte Ökosystem zu schützen, sollte sich diesen Monstern entgegengestellt werden, um die Gefahr für andere Monster zu senken. Allerdings gestaltet sich dies als durchaus anspruchsvolle Aufgabe. Da sie äußerst kräftig sind, können sie vorerst nicht besiegt werden, sondern müssen zum Rückzug gezwungen werden.

Dies gelingt nur, wenn die Rückzugsbedingungen des jeweiligen Monsters bekannt sind. Diese lassen sich durch die invasiven Monsterspuren in deren Revier aufdecken. Dabei unterscheiden sich die Rückzugsbedingungen der einzelnen Monster voneinander. Mal sind bestimmte Waffen- oder Monsterfähigkeiten erforderlich, ein anderes Mal muss ein bestimmtes Teil zerstört werden.

Das macht die Kämpfe zwar teilweise sehr kurz, führt aber zu einer guten taktischen Komponente. Gelegentlich fiel es mir jedoch schwer zu erkennen, was genau die Rückzugsbedingung ist, beispielsweise wenn ich die jeweilige Waffe noch nicht ausreichend genutzt hatte und entsprechend die Fähigkeit noch nicht kannte. Wer noch eine größere Herausforderung sucht, kann die Monster in ihrem Bau herausfordern.

Das Ökosystem wiederherstellen

Mit dem Ei eines bedrohten Monsters in den Händen machen wir uns anschließend auf den Weg ins Lager, um es auszubrüten und die jungen Monster wieder auszuwildern. Diese Habitat-Restauration ist es, die die Ranger von den klassischen Ridern unterscheidet. Damit soll die Population der Monster wiederhergestellt werden. Praktischerweise können so auch diese Monster eure Monstie-Partner werden. Übrigens kann die Habitat-Restauration nicht nur bei bedrohten Monsterarten durchgeführt werden.

Mit der Auswilderung der Monster steigt jeweils die Anzahl der Monster im Ökosystem und dessen Rang. So lassen sich Monsties mit anderen oder besseren Spezialfähigkeiten sowie Genen finden. Das geht sogar so weit, dass Monster mehr als ein Element in sich tragen können, je nachdem in welchem Bereich das Monster-Ei gefunden wird.

Jedes Gebiet ist in mehrere Bereiche unterteilt, die unterschiedliche Grundelemente aufweisen. Wenn der Ökosystem-Rang im jeweiligen Gebiet hoch genug ist und ihr euch auf die Suche nach neuen Eiern macht, findet ihr zwar die gewöhnlichen Eier, zum Beispiel die eines Tobi-Kadachi oder eines Anjanath, jedoch besitzen die Monster mehr als nur ihr ursprüngliches Element und haben eine andere Farbe beim Ausbrüten. So wird ein Tobi-Kadachi rötlich, wenn dessen Ei im Feuerbereich gefunden wird, und ein Anjanath grün, wenn es aus dem Blitz-Gebiet stammt. Da stellt sich doch die Frage, wie gut die Auswilderung wirklich für das Ökosystem ist.

Doppelte Elemente und besondere Gene

Zwar sind Doppel-Element-Monster im Kampf sehr praktisch, wenn sie mit den neuen Elementfähigkeiten geboren werden, jedoch lassen sich die Farben nicht ändern. Dadurch erhalten einige Monster ein etwas kurioseres Aussehen, was – wenn einem das Originaldesign gefällt – nicht immer von Vorteil sein kann. Glücklicherweise gibt es zu diesem Zweck erneut den Ritus der Überlieferung aus den vorherigen Teilen. Mit dieser Rider-Technik können die Gene von Monsties übertragen werden.

Im Gegensatz zu den vorherigen Teilen geht das Monster bei der Übertragung von Genen dieses Mal nicht mehr verloren. Auf diese Weise entstehen viele mögliche Genkombinationen und es lassen sich sehr starke Monster heranzüchten. Wenn ihr beispielsweise Gene der gleichen Farbe oder des gleichen Musters in einer Dreierreihe platziert, könnt ihr zusätzliche Boni für das Monster freischalten. Zusätzlich besitzen Monster ab einem bestimmten Rang Feld-Fähigkeiten, die mit den richtigen Genen aktiviert werden können und die bestimmte Angriffe verbessern oder erlittenen Schaden verringern können.

Zeit für Parcours

Wer den Kontakt mit Monstern in der Wildnis vermeiden möchte, sollte auf die gelben und roten Symbole über den Monstern achten. Sie vermitteln einen Eindruck von deren Stärke. Andere Monster, die man bereits besiegt hat und die ein niedrigeres Level aufweisen, können einfach per Nahkampf erlegt werden. Das macht das Erkunden deutlich angenehmer, da nicht gegen jedes Monster gekämpft werden muss, sondern es einfach beim Vorbeilaufen besiegt werden kann, wodurch anschließend Monsterteile für neue Ausrüstung und Erfahrungspunkte erlangt werden.

Eine nette Spielerei ist auch, dass Monster ihren Atem einsetzen können, sofern sie über diese Fähigkeit verfügen. Damit lassen sich große Sammelpunkte oder Mauern zerstören. All das vermittelt das Gefühl, auf einem kleinen Parcours unterwegs zu sein, auf dem mal ein Monster erlegt, mal ein Luftstrom zum Fliegen genutzt und mal durch Gewässer geschwommen wird. Praktischerweise lassen sich die Monsties, die einen begleiten, leicht und unkompliziert per Radialmenü wechseln. Dies sorgt für ein stets leichtfüßiges Spielgefühl beim Erkunden.

An manchen Stellen fehlte mir jedoch noch etwas der letzte Feinschliff, um die Landschaft noch mehr genießen zu können. Ein gutes Beispiel sind die freilebenden einheimischen Wesen, die es auch im Haupttitel gibt und die man dort einsammeln kann. Diese sieht man zwar auch in Stories, leider lassen sie sich dort hingegen nicht selbst einsammeln. Gäbe es ein ähnliches System in Stories, könnte sich das Erkunden noch belohnender anfühlen und ein noch tieferes Eintauchen in die Natur ermöglichen.

Immerhin findet man Informationen über einige einheimische Wesen sowie die Monster in der Monsterklopädie. Dort werden sie nicht nur wunderschön präsentiert, sondern ihr erfahrt auch als SpielerIn etwas über das Verhalten der Monster und darüber, wie ihr an die Unterarten in einem Habitat herankommt. So werdet ihr zu richtigen Rangern und lernt das Ökosystem zu verstehen.

Vielfältige und detailreiche Monsterarten

Da wir gerade beim Schlagwort „wunderschöne Präsentation“ sind: Monster Hunter Stories 3 präsentiert sich in den meisten Fällen von seiner Schokoladenseite. An jeder Ecke finden sich Details, welche die Gebiete lebendig wirken lassen. Dazu zählen die vielfältigen Monsterarten, die Anzahl an Monster, die in den Gebieten leben, die sammelbaren Gegenstände und auch der parcoursähnliche Aufbau der Gebiete. Während meiner vielen Spielstunden war ich immer gerne in den Gebieten unterwegs, um auch den letzten Winkel zu erkunden und jedes Geheimnis zu lüften.

Dabei scheint sich Capcom einige Kritik aus den beiden vorherigen Teilen zu Herzen genommen zu haben. Die Welt wirkt nicht mehr so leer, sondern deutlich lebendiger. Das liegt unter anderem an den besagten vielfältigen Monsterarten. Neben klassischen Monstern wie Rathian oder Velocidrome haben es auch Monster aus jüngeren Spielen wie „Sunbreak” und „Wilds” in die natürlichen Lebensräume geschafft. Fans dürfen sich etwa auf Magnamalo, Ajarakan und Malzeno freuen. Generell gibt es eine gute Mischung der unterschiedlichen Arten, sodass es mir manchmal schwerfiel, nur sechs Monster für mein Team auszuwählen.

Selbst die Monsterbauten sind nicht mehr so eintönig. Zwar sind diese in den jeweiligen Gebieten immer gleich aufgebaut, jedoch wirken sie im Vergleich zu früher lebendiger, da es viel mehr Details zu sehen gibt und nicht nur einen farblichen Einheitsbrei. Manchmal lassen sich sogar Monsterbauten mit zwei Nestern finden, was wiederum das Heranzüchten bestimmter Monster beschleunigt. Gleiches gilt für die Höhlen, die durch eine entsprechende Lichtstimmung aufgewertet werden und nicht mehr nur trübe, braunfarbige Höhlen sind.

Ghibli-eske Figurenmodelle

Ganz ohne Probleme kommt das Spiel jedoch nicht aus. So werden die Bodentexturen des Öfteren nachgeladen, wenn sich das Gebiet oder der Ort ändert. Verlässt man beispielsweise das Lager, sieht man für einen Augenblick, wie sich die Bodentexturen erst kurz aufbauen müssen. Das ist leider auch bei den ansonsten sehr sehenswerten Zwischensequenzen zu sehen.

Es wirkt dann manchmal so, als würde man ein YouTube-Video anschauen, bei dem die HD-Qualität des Bodens noch buffern muss. Auch die große Weitsicht lässt an der einen oder anderen Stelle Monster pixeliger wirken. Letzteres fällt jedoch nicht so stark ins Gewicht, da Personen oder große Objekte in der realen Welt aus weiter Entfernung schließlich genauso schwer erkennbar sind.

Die Charaktere und Monsties hingegen haben diese Problematik nie, selbst in den Zwischensequenzen nicht. Sie sind immer gestochen scharf und detailliert. Diese Ghibli-esken Figurenmodelle sehen einfach sehr eindrucksvoll und detailreich aus. Gleichzeitig hat das Spiel für mich einen zeitlosen Cel-Shading-Look, der die Umgebungen stilvoll präsentiert. Während des Spielens sind mir zudem keine technischen Probleme untergekommen. Selbst in größeren Gebieten oder Städten lief das Spiel flüssig.

Emotionaler Ton

Neben dem eindrucksvollen grafischen Eindruck verfügt das Spiel über eine ebenso gute Synchronisation. Diese gibt es zwar leider nur auf Englisch und Japanisch, jedoch ist sie gut gelungen und unterstreicht die Zwischensequenzen noch einmal auf emotionaler Ebene. Nun hat sogar der Hauptcharakter eine Stimme erhalten. Das verleiht ihm eine persönlichere Ebene, wenn die Figur sich zum Beispiel mit den Rangern unterhält oder inbrünstig nach Ratha ruft.

Auch musikalisch kann sich das Spiel wieder hören lassen. Die allgemeine Grundstimmung wirkt erneut sehr freundlich und entspannt, während man die Gebiete erkundet. Gleichzeitig unterstützt ein orchestraler Soundtrack die Zwischensequenzen in den passenden emotionalen Momenten, wodurch man noch tiefer in die Welt hineingezogen wird.

Auf ins herzerwärmende Abenteuer!

Bildmaterial: Monster Hunter Stories 3: Twisted Reflection, Capcom

Der Beitrag Im Test! Monster Hunter Stories 3 bietet viele Stunden Spaß und einen fesselnden Gameplay-Loop erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Final Fantasy VII Remake Intergrade
	22. Januar 2026
	Square Enix
	22. Januar 2026
	Square Enix
	22. Januar 2026
	Square Enix
System	PlayStation 4/5, Xbox Series, Nintendo Switch 2, PC
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Square Enix
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Im Jahre 2020 veröffentlichte der japanische Entwickler und Publisher Square Enix erstmals das Remake eines der wohl einflussreichsten JRPGs der Videospielgeschichte. Denn mit Final Fantasy VII Remake bekamen die Fans nach einer jahrelangen Odyssee des Wartens endlich die technisch modernisierte Neuauflage ihres Lieblingsrollenspiels serviert.

Was ursprünglich als PlayStation-3-Tech-Demo im Jahre 2005 umgesetzt und auf der Spielemesse „E3“ anschließend auch gezeigt wurde, wurde auf Wunsch vieler Fans hin viele Jahre später zu einem vollwertigen Remake für Sonys nächste Konsole, die PlayStation 4, in die Tat umgesetzt.

Dank den fantastischen Verkaufszahlen der Neuauflage fackelte man bei Square Enix nicht lange und legte mit dem Yuffie-DLC „INTERmission“ im Jahre 2021 sogar noch einen drauf. Dieser DLC erschien durch technische Veränderungen und die daraus resultierenden höheren Hardware-Ansprüche allerdings nur für die ebenfalls im Jahre 2021 erschienene PS5-Portierung des Remakes.

Diese PS5-Version trägt den Titel „Final Fantasy VII Remake Intergrade“ und enthält neben dem Hauptspiel selbst auch den Yuffie-DLC und andere technische Verbesserungen und Anpassungen an die Features der damals neuen Sony-Konsole PlayStation 5. Aber auch PC-Spieler kamen zu diesem Zeitpunkt bereits in den Genuss des Remakes. Denn dieses erschien zeitgleich mit der PS5-Portierung auch für Steam und im Epic Games Store.

Bereits zum ursprünglichen Release des Remakes im Jahre 2020 gab es erste Mutmaßungen über eine eventuelle zeitliche Exklusivität des Titels. Hierzu hielt man sich bei Square Enix jedoch lange bedeckt. Erst Ende des Jahres 2025 gab Square Enix dann endlich das Erscheinungsdatum der Switch-2- und der Xbox-Version des Remakes bekannt. Bereits am 22. Januar dieses Jahres wird es nun so weit sein und dann dürfen endlich auch Nintendo- und Xbox-Fans in den Genuss des fantastischen Rollenspiels kommen.

Ob das Remake von Final Fantasy VII auch heute noch begeistern kann und ob es seinem extrem hohen Ruf als eines der wohl einflussreichsten und bedeutendsten Rollenspiele der Gaming-Welt nun auch auf Nintendos neuem Handheld, der Switch 2, gerecht werden kann, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Test.

Ein alles entscheidender Kampf um die Zukunft des Planeten

Final Fantasy VII Remake ist bekanntermaßen der erste von drei Teilen der Remake-Trilogie. In diesem ersten Part geht es primär um den Ex-Soldier Cloud Strife, der sich der Umweltaktivisten-Gruppierung „Avalanche“ anschließt um den Planeten vor der völligen Zerstörung zu bewahren. Denn der mächtige und allumfassende Shinra-Konzern, der den Planeten für eigene Zwecke und sozusagen als Energiequelle geradezu aussaugt und missbraucht, ist die größte Bedrohung für die Welt und deren Bewohner. Diese Bedrohung gilt es auszuschalten, koste es, was es wolle.

Nach und nach entfaltet sich aber zudem eine tragische Geschichte, die sich speziell um die Vergangenheit des ehemaligen Soldaten Cloud Strife dreht. Im Groben hält sich das Remake also an die Handlung des Originals aus dem Jahre 1997. Verändert hier und da aber auch mal das ein oder andere wichtige Kernelement der Story und dichtet hier und da auch mal eine Kleinigkeit hinzu. Hardcore-Fans des Originals wird das sicher ab und zu mal sauer aufstoßen, ich für meinen Teil hatte und habe aber immer noch extrem viel Spaß mit der neuen Umsetzung und den neuen Story-Ansätzen, die das Remake zu bieten hat.

Neues Kampfsystem und deutlich mehr Action im Remake

Das wohl bedeutendste neue Element des Remakes dürfte zweifelsohne das neue, deutlich actionorientiertere Kampfsystem sein. Wo das Original von 1997 noch auf ein für japanische Rollenspiele typisches rundenbasiertes Kampfsystem setzte, setzt das Remake nun auf ein actionorientiertes und direktes Kampfsystem. Man greift die Gegner also direkt an und beharkt diese regelrecht mit unterschiedlichen Tastenkombinationen.

Auch das Blocken und das Ausweichen funktionieren direkt und ohne separate Kommandos. Auf Wunsch kann man außerdem zwischen den verschiedenen Charakteren der aktuellen Party hin- und herwechseln. So fühlen sich die Kämpfe deutlich direkter an und man hat das Gefühl etwas mehr Kontrolle über das Kampfgeschehen zu haben.

Das klassische rundenbasierte Kampfsystem hat natürlich ebenso seine Vorzüge, wirkt aber heutzutage doch recht angestaubt und nicht mehr zeitgemäß. Aber das ist wie so vieles eben auch immer Geschmackssache. Ich für meinen Teil bin jedenfalls froh, dass man sich bei Square Enix für dieses neue Kampfsystem entschieden hat.

Charme des Originals wird wunderbar transportiert

Durch die Möglichkeiten der aktuellen Technik im Gaming-Segment ist es nun natürlich auch möglich die heutzutage schon recht unscharf und extrem pixelig wirkenden Areale des Originals in neuem Glanz erstrahlen zu lassen. Die altbekannten Areale wirken nun regelrecht gigantisch und hinterlassen richtig Eindruck, speziell wenn man eben das mittlerweile schon recht in die Jahre gekommene Original kennt.

Natürlich liegen viele Jahre zwischen dem Remake und dem Original von 1997, dennoch ist es absolut nicht einfach diese oft so ikonischen Areale und Szenen des Originals in die Moderne zu transportieren, ohne dass diese den von vielen Fans so geliebten Charme verlieren. Doch Square Enix ist das zweifelsohne gelungen. Nicht selten schwelgt man beim Betrachten der Locations regelrecht in Erinnerungen an die Kindheit oder eben die frühen Tage, als 3D-Gaming noch in den Kinderschuhen steckte. Ein Stück Gaming-Nostalgie zum neu Erleben, könnte man sagen, und für viele Spieler sicher mehr als nur ein Rollenspiel. Es war der Anfang einer Liebe für ein Genre, das speziell im westlichen Raum noch in den absoluten Startlöchern stand und zur damaligen Zeit kaum Beachtung bekam.

Auch optisch eine fantastische Neuauflage

Remakes werden generell gerne nur auf die bessere und modernisierte Optik reduziert. Beim Remake von Final Fantasy VII ist dies allerdings nur die Krönung einer ohnehin schon toll inszenierten und perfekt umgesetzten Neuauflage.

Entstanden ist das Remake auf Basis der Unreal Engine 4, die auch heute noch zu gefallen weiß. Mit scharfen Texturen, fantastischen Charaktermodellen und stets beeindruckenden Partikel- und Beleuchtungseffekten macht das Remake auch heute noch eine extrem gute Figur. Obendrein läuft das Ganze auch noch stets flüssig mit 60 Frames über den heimischen Bildschirm. Was will man mehr von einem Remake dieser Güteklasse?

Speziell die nun von uns getestete Switch-2-Version ist hier wirklich ein absolutes Brett in Sachen technische Umsetzung. Denn wer hätte noch vor ein paar Jahren gedacht so ein grafisches Brett von Spiel auf so einem relativ kleinen Handheld spielen zu können ohne größere grafische Einbußen hinnehmen zu müssen? Einzig und allein mit der Darstellung von Clouds Haarpracht scheint die Nintendo-Konsole aktuell noch ein Problem zu haben. Diese verpixeln aus irgendeinem Grund hin und wieder. Dieses Problem könnte aber noch per zukünftigem Update behoben werden und mindert den Spielspaß in keinster Weise.

Im Docked-Modus der Switch 2 läuft der Titel mit 1080p und stets stabilen 30 FPS. Das klingt im ersten Moment zwar nicht nach viel verglichen mit der PS5-Portierung, genügt im Falle des Remakes von Final Fantasy VII aber vollstens, da sich die 30 FPS in diesem Fall keineswegs störend anfühlen. Im Handheld-Modus läuft das Spiel dann mit einer 720p-Auflösung. Die Auflösung wird dann per DLSS-Variante auf 1080p hochgerechnet.

Perfekt modernisierter Soundtrack trifft auf eindrucksvolle Effekte, die es in sich haben

Aber auch der fantastische Soundtrack mit seinen vielen tollen Tracks liegt vielen Spielern immer noch eingängig in den Ohren. Diese wurden liebevoll remastert und klingen nun deutlich knackiger und moderner. Ohrwurm-Garantie, die ihresgleichen sucht. Auch die durchschlagenden Soundeffekte leisten sich keine Patzer und runden das ohnehin schon einwandfreie tontechnische Gesamtbild weiter ab.

Yuffies Vorgeschichte ist ebenfalls mit an Bord

Auch der fantastische Yuffie-DLC, der ursprünglich der PS5- und PC-Portierung blieb, ist hier mit von der Partie. Hier übernehmen wir die Rolle der äußerst wendigen und taffen Shinobi Yuffie und erleben die Vorgeschichte dieses Charakters, bevor Yuffie Teil der Gruppierung Avalanche wurde.

Die Spielzeit des Yuffie-Abenteuers beträgt ca. vier bis sechs Stunden und erweitert die Hintergrundgeschichte gekonnt. Ich hatte zum damaligen Release nicht viel vom DLC erwartet, wurde dann aber doch äußerst positiv überrascht.

Ein Meilenstein jetzt auch für unterwegs

Bildmaterial: Final Fantasy VII Remake, © 1997, 2020 SQUARE ENIX CO., LTD. All Rights Reserved. CHARACTER DESIGN: TETSUYA NOMURA / ROBERTO FERRARI. LOGO ILLUSTRATION: ©1997 YOSHITAKA AMANO

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Titel	Once Upon a Katamari
	24. Oktober 2025
	Bandai Namco Entertainment
	24. Oktober 2025
	Bandai Namco Entertainment
	24. Oktober 2025
	Bandai Namco Entertainment
System	PS5, Xbox Series, Switch, Windows
Getestet für	PS5
Entwickler	Rengame
Genres	Roll(en)spiel
Texte
Vertonung	–

Obwohl die Katamari-Serie mit Ports und Remastern in den letzten Jahren viel Liebe erfahren hat, war die Ankündigung von Once Upon a Katamari für viele eine große Überraschung, da es seit mehr als 15 Jahren keinen neuen Hauptteil mehr gab. Ist das neue Spiel das große Comeback, das die Serie verdient hat?

Es war einmal …

Der König des Kosmos hat aus Versehen die Erde zerstört – ups! Nun muss der Prinz seinen Katamari durch verschiedene Zeitalter der Erdgeschichte rollen, um unseren Heimatplaneten wiederherzustellen.

Oberflächlich hat sich nicht viel verändert. Noch immer besteht das Kerngameplay darin, mit einem Ball, den namensgebenden Katamari, in einer 3D-Umgebung Dinge aufzurollen. Diese wiederum lassen den Ball anwachsen, wodurch er noch größere Objekte aufrollen kann. Katamari wie wir es kennen und lieben!

Neu sind Objekte wie Magnete, die Gegenstände in unmittelbarer Nähe direkt ansaugen, oder ein Radar, der uns die Position von Sammelgegenständen verrät. Zudem können wir nun Wände hinaufrollen, wenn wir senkrecht gegen sie rollen – das ist allerdings ein langsamer Prozess.

Die größte Neuerung in Once Upon a Katamari ist jedoch das Setting. Wie der Titel des Spiels es bereits andeutet, reist man in „Es war einmal“-Manier durch verschiedene Zeitepochen der Erdgeschichte, um die Erinnerungen der Erde zu sammeln und diese letztlich wiederherzustellen.

Und dafür müsst ihr – ihr ahnt es schon – Dinge aufrollen. Im Wilden Westen rollen wir etwa Cowboys und Revolver, in der Jurazeit Dinosaurier und Megafauna, im edozeitlichen Japan Samurais und in der Gegenwart Süßigkeiten und Autos.

Once Upon a Katamari verbindet die verlässliche Grundformel der Serie also mit allerlei neuen Schauplätzen, die genauso charmant und detailverliebt umgesetzt sind, wie wir es von der Serie kennen. Jede Zeitepoche hat eine eigene kleine Weltkarte mit je einer Handvoll Levels. Sind die geschafft, geht es weiter in die nächste Epoche.

Mehr Varianten denn je

Auch in spielerischer Hinsicht glänzt Once Upon a Katamari mit großer Vielfalt. Zwar geht es immer ums Rollen, doch in vielen verschiedenen Geschmacksrichtungen: Mal rollen wir ganz klassisch möglichst viel auf, mal müssen wir eine bestimmte Größe möglichst schnell erreichen. Mal gilt es, eine bestimmte Anzahl spezifischer Objekte (z. B. Dinosaurier) aufzurollen, mal rollen wir als Wasserball durch die Wüste, um sie in eine Blumenwiese zu verwandeln.

Once Upon a Katamari nutzt dabei so ziemlich alle Varianten, die es bereits in den Vorgängern gab, und fügt noch eine ganze Menge neuer Ideen hinzu. Die Levels selbst sind jedoch alle gänzlich neu – im Gegensatz zu einigen der älteren Katamari-Titel, die gerne Material aus den Vorgängern recycelt haben.

Aufsammeln und Sammeln

Neu ist außerdem, dass es in jedem Level nun drei Kronen zu sammeln gibt, die teils gut versteckt sind. Bei genug Kronen werden neue Orte und Levels freigeschaltet und oft wird eine bestimmte Zahl vorausgesetzt, um ein neues Zeitalter zu erreichen.

Weitere Collectibles in den Levels sind Geschenke (Accessoires) und eure zahlreichen Cousins, die quasi neue Skins für die Spielfigur sind. Apropos Skins, zum ersten Mal können wir uns in einem Charaktereditor eine ganz eigene Figur erstellen. Auch hier müssen die Bestandteile in den Levels gesammelt oder an einem Kapselautomaten gezogen werden.

Detailverliebt und voller albernem Charme

Eine der größten Stärken des Spiels ist der Humor. Die albernen Gebärden des Königs sind bereits bestens bekannt, aber auch die vielen Zeitalter bieten viel Fläche für mal mehr, mal weniger subtilen Humor. So müssen wir im alten Griechenland in einer Mission Philosophen aufrollen, von Pythagoras bis Platon, und erhalten auf einem Weg einen kleinen Einblick in ihre Philosophien.

Im Edo-Japan rollen wir den Sohn eines Kriegsherren von mickrigen 50 auf 180 Kilogramm, damit er in seiner Rüstung einen stattlichen Krieger abgibt. Und in einer Küche gilt es, einen Teigball durch möglichst viele andere Köstlichkeiten zu rollen, bevor er in der Fritteuse landet.

Besonders lustig ist ein Level, in dem wir in einem Krieg von Kühen gegen Bären teilnehmen. Welche Seite wir einnehmen, ist dabei uns überlassen. Hier müssen wir die größtmögliche Kuh oder den größtmöglichen Bären aufrollen – aber aufgepasst, wir dürfen nämlich nur eine einzige Kuh bzw. einen Bären aufrollen!

Dabei ist das Spiel in jedem Zeitalter so detailverliebt, wie wir Katamari gewohnt sind. Beispielsweise erwartet uns nicht eine Art von Dinos, sondern zahllose Vertreter nebst anderen urzeitlichen Wesen.

Jedes Level ist sein eigener kleiner Mikrokosmos, mit Menschen, Tieren und anderen Wesen, die ihrem Tagesgeschäft nachgehen, und unzähligen verschiedenen Objekten, die alle eine kulturelle Geschichte erzählen.

Garniert wird das alles von der herrlich albernen Präsentation, die hier liebevoller denn je ist. Jedes Level wird nach einem Monolog unseres Königs durch eine individuelle Zwischensequenz präsentiert, die eine kleine Geschichte erzählt, die mit charmanten Klischees das jeweilige Zeitalter aufs Korn nimmt.

Groß oder klein?

Sehr gefallen hat mir auch, dass man selbst bestimmen kann, wie intensiv man das Spiel spielen möchte. Es ist meist relativ einfach, ein Level zu bestehen – leichter als in vielen der Vorgänger. Doch möchte man alle Sammelgegenstände finden oder die beste Bewertung erreichen, so wird man meist mehrere Anläufe benötigen.

Es gibt auch zahlreiche Levels, die komplett optional sind. Oft werden nach dem Bestehen eines Levels auch Varianten mit anderen Bedingungen freigeschaltet. Vom Umfang her muss sich das Spiel also nicht verstecken, doch es zwingt euch auch nicht, dutzende Stunden darin zu versenken.

Mein größter Kritikpunkt ist, dass der König innerhalb der Levels viel zu geschwätzig ist und seine Dialogboxen auch immer mitten im Bild platziert, sodass man sie schnell wegdrücken muss, denn schließlich bleibt die Zeit nicht stehen. Dieses Problem hatten auch die Vorgänger bereits. Hier wäre eine Vertonung aus rein praktischen Gründen ein großer Vorteil gewesen, denn in der Hektik des Rollens kommen die vielen humorvollen Texte leider nicht zur Geltung.

In zeitlosem Stil durch die Zeitalter

Die Grafik hat stark PS2-Vibes und setzt auf den bekannt farbenfrohen Voxel-Stil, der hier jedoch detailverliebter denn je ist, besonders bei den ausdrucksstarken Figuren, die alle unglaublich charmant sind. Der Look von Katamari ist definitiv ein Teil des Reizes und absolut zeitlos.

Das Gleiche lässt sich über die Musik sagen, die sich mal wieder durch diverse Genres bewegt und für ein Videospiel absolut unkonventionell ist. Viele Stücke enthalten Gesang mit sehr kreativ-humorvollen Texten, die jedoch zumeist der Sprachbarriere zum Opfer fallen. Für die Ohren sind sie dennoch ein Hochgenuss. Auch das bekannte Katamari-Thema (daaaa dadadadada dada da dadada) wurde wieder in mehreren Varianten neu aufgelegt. Wem das alles nicht genug ist, der kann sich per DLC Musik aus den älteren Spielen dazuladen.

Jetzt auch gegen NPCs und Freunde

In einem neuen Spielmodus namens KatamariBall können wir nun auch gegen NPCs und Freunde rollen. Bis zu vier Spieler rollen um die Wette. Dabei geht es nicht nur darum, den größeren Katamari zu rollen, wir können unsere Mitspieler dabei auch aufrollen, rammen und sabotieren. Am Ende wird anhand verschiedener Kategorien eine Gesamtpunktzahl ermittelt und ein Sieger gekrönt.

Wir konnten diesen Spielmodus leider nicht gegen echte Mitspieler testen, aber gegen Computergegner hat er viel Spaß gemacht. Eine schnelle Runde mit Freunden und Familie könnte allerdings schwierig werden, da die Steuerung von Katamari ein wenig Gewöhnung erfordert und es sich daher als Partyspiel nur bedingt eignet.

Katamari stärker denn je!

Mit Once Upon a Katamari spendiert Bandai Namco uns nach all den Jahren einen mehr als würdigen Nachfolger. Das süchtig machende Spielprinzip und der charmant-verrückte Humor kommen auf dieser Reise durch die vielen Zeitalter der Erdgeschichte besser zur Geltung denn je. Besonders erfreulich ist dabei, wie viel Abwechslung das Spiel bietet, ohne seine Kerntugenden aus den Augen zu verlieren. Ein Erfolg auf ganzer Linie!

Bildmaterial: Once Upon A Katamari, Bandai Namco, Rengame

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Titel	Ghost of Yōtei
	02. Oktober 2025
	Sony
	02. Oktober 2025
	Sony
	02. Oktober 2025
	Sony
System	PlayStation 5
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Sucker Punch
Genres	Open-World-Action-Adventure
Texte
Vertonung

Die „Samurai-Ära“ Japans ist popkulturell gerade wieder voll im Trend. Auch die Gaming-Welt bleibt von diesem Phänomen natürlich nicht verschont und neben Titeln wie Rise of the Ronin, Assassin’s Creed Shadows und dem bereits im Jahre 2020 erschienenen Ghost of Tsushima scheint das Interesse der geneigten Spielerschaft an diesem Thema schier ungebrochen.

Zur Überraschung vieler japanischer Entwickler und Publisher schaffte das weltweit von den Kritikern und auch von den Fans gefeierte Samurai-Abenteuer Ghost of Tsushima vom US-amerikanischen Entwickler Sucker Punch das bisher unmöglich Geglaubte. Denn mit diesem Samurai-Spektakel erschufen sie ein episches Abenteuer, welches den Spirit und das Gefühl dieser in Japan so bedeutenden Ära fast perfekt in Spieleform vermitteln konnte und das alles aus der Feder eines US-amerikanischen Entwicklers. Mit „Iki Island“ bekam der ohnehin schon fantastische Titel ungefähr ein Jahr später noch eine äußerst gelungene DLC-Erweiterung spendiert.

Dem enormen Erfolg von Ghost of Tsushima ist es außerdem zu verdanken, dass es das lang erwartete und heiß ersehnte Remake von Like a Dragon: Ishin! aus dem Hause Sega überhaupt in einer übersetzten Version in westliche Gefilde geschafft hat. Denn vor dem Verkaufserfolg von Ghost of Tsushima galten Titel die in dieser Ära Japans angesiedelt waren nur als Ladenhüter für westliche Märkte.

Im Zuge einer State-of-Play-Ausgabe im September des Jahres 2024 kündigten Sony und der Entwickler Sucker Punch dann endlich das Nachfolgeprojekt zu Ghost of Tsushima an. Der bereits von vielen Fans heiß erwartete und lang ersehnte Titel trägt den Namen Ghost of Yōtei und soll uns erneut in das von vielen kriegerischen Auseinandersetzungen geplagte Japan versetzen.

Am 2. Oktober war es dann endlich so weit und das exklusiv für PlayStation 5 erhältliche Samurai-Abenteuer erschien endlich. Ob sich der erneute Ausflug in das von blutigen Konflikten geplagte Japan lohnt oder ob man sich ruhig auch mal eine Pause von den unzähligen Samurai-Abenteuern nehmen kann, erfahrt ihr in unserem ausführlichen Test.

Blutige Rache und unbeschreibliches Leid

Die tragische Geschichte von Ghost of Yōtei spielt im Jahre 1603, ganze 329 Jahre nach den Geschehnissen des ersten Teils. Wir befinden uns in der Gegend rund um den stattlichen Berg Yōtei in der Region Ezo, dem heutigen Hokkaido in Japan. Die einsame und von blutiger Rache getriebene Heldin „Atsu“ befindet sich nach einem tragischen Vorfall auf einem dunklen und äußerst blutigen Pfad, der ihr endlich Rechenschaft und Genugtuung bringen soll.

Dieser tragische Vorfall kostete Atsu ihre Familie und damit auch ihre Zukunft. Als letzte Überlebende dieses Massakers entschließt sich Atsu dazu den Verantwortlichen dieses Überfalls das Handwerk zu legen und ihrer rechtmäßigen Strafe zuzuführen. Dem Tod. Fortan wird Atsu von den Bewohnern dieser Region als „Onryō“ bezeichnet. Ein rachsüchtiger Geist, der die Lebenden ihrer gerechten Strafe zuführen will. Da in der Bevölkerung davon ausgegangen wird, dass Atsu dieses Massaker nicht überlebte, ist der Öffentlichkeit lange Zeit nicht klar, dass es sich in Wahrheit um die letzte Überlebende dieser abscheulichen Tat handelt.

Die Gruppierung der Drahtzieher des Überfalls trägt den Namen „Yōtei Sechs“ und wird in der gesamten Region Ezo gefürchtet. Atsu hat sich nun zum Ziel gesetzt die gesamte Gruppe der Yōtei Sechs dem Tod zuzuführen und trägt dabei die Todesliste jederzeit offen und sichtbar bei sich. Doch auf diesem Weg der blutigen Rache finden sich nicht nur Feinde. Von hier aus entspinnt sich nun also die tragische Geschichte rund um eine von blutiger Rache getriebene Heldin, deren Geist einfach nicht zur Ruhe kommen kann und die ihren endgültigen Frieden in einem Racheakt sieht, den dieses Land bisher noch nicht erlebt hat.

Wundervolle Spielwelt und fantastische Kämpfe geben sich die Klinke in die Hand

Speziell die wundervoll gestaltete Spielwelt ist es, was Ghost of Yōtei so besonders macht. Die harmonisch gestalteten Landschaften versetzen einen nicht selten ins Staunen und sorgen dafür, dass man sich regelmäßig in der fantastischen Aussicht über die weiten Landschaften von Ezo verliert. Der mächtige und unglaublich malerische Mount Yōtei lässt die Szenerie oft fast schon unwirklich und teils einfach fast schon zu schön wirken. Als würde man eine Tech-Demo spielen quasi.

Wie auch schon bei Ghost of Tsushima sind die äußerst spannenden Bosskämpfe ein absolutes Highlight von Ghost of Yōtei. Neben den Hauptmissionen die oft in die bereits erwähnten Bosskämpfe münden, erwarten uns auch allerlei Nebenbeschäftigungen wie Bambusstände, Fuchs-Schreine, heiße Quellen und sogar spannende Samurai-Duelle außerhalb der Story sind möglich. Diese Duelle werden an sogenannten „Duellbäumen“ gestartet und bringen die ein oder andere zusätzliche Belohnung mit sich. Man bekommt also einiges geboten und der Entdeckertrieb wird gefördert.

Vor allem die Hauptmissionen laufen zwar mehr oder weniger immer nach demselben Prinzip ab, schaffen es aber dennoch, den Spieler stets bei Laune und interessiert zu halten. Das fantastische Setting und die spektakuläre Umsetzung sind dafür auf jeden Fall mitverantwortlich. Die Nebenaktivitäten dienen, wie auch schon bei Ghost of Tsushima, in erster Linie dazu die Attribute und Fähigkeiten von Atsu weiter auszubauen und zu verstärken und den typischen Spielfluss etwas aufzulockern. Denn nur Bombast ist auf Dauer auch etwas zermürbend.

Im allgemeinen Spielverlauf ist man jedoch weitestgehend frei in seinen Möglichkeiten. Ob man zwischen den Hauptmissionen lieber frei erkundet oder seine Zeit mit den unzähligen Nebenaktivitäten verbringt, bleibt jedem selbst überlassen. Über die übersichtliche Weltkarte kann man sich gezielt sein nächstes Ziel aussuchen und diesem nachgehen.

Auf dem Weg zu diesem Ziel finden sich allerdings immer wieder andere Aktivitäten, die einen regelrecht ablenken. Aber genau das ist es ja auch, was eine gute und interessant gestaltete offene Spielwelt auszeichnet. Geleitet wird Atsu, wie auch schon bei Ghost of Tsushima, vom Wind selbst. Per Touch-Wischer auf dem Controller setzt sind der Wind in Gang und leitet uns so in die richtige Richtung.

Größere Waffenauswahl sorgt für mehr Flexibilität im Kampf

Neben allerlei Nahkampfwaffen wie Katana, Doppel-Katana, Kusarigama, Yari und Odachi gibt es auch unzählige Fernkampfwaffen wie Bögen, Kunai, Rauch- und Explosionsbomben und auch Flinte und Pistole dürfen genutzt werden. An Waffenvielfalt mangelt es Ghost of Yōtei also keinesfalls. Aber auch dutzende Rüstungen und Kopfbedeckungen gibt es zu finden.

Diese haben nicht nur kosmetischen Nutzen, sondern bringen auch das ein oder andere Attribut mit sich. Doch als wäre dies noch nicht genug, gibt es außerdem die Möglichkeit die Rüstungen zu färben. Dazu kann man verschiedene Färbereien, die in der Spielwelt verstreut sind, aufsuchen. Rein kosmetisch versteht sich, aber dennoch eine nette Idee die für den ein oder anderen Spieler vielleicht einen zusätzliche Anreiz bietet.

Anders als im Vorgänger Ghost of Tsushima gibt es bei Ghost of Yōtei nun keine unterschiedlichen Kampfhaltungen mehr. Stattdessen setzten die Entwickler von Sucker Punch jetzt auf geballte Waffenvielfalt. Wo man sich bei Tsushima noch je nach Gegnertyp mit der entsprechenden Kampfhaltung auf die jeweilige Situation einstellen musste, ändert man bei Yōtei nun geschickt die entsprechende Bewaffnung um sich so bestmöglich auf die jeweilige Situation einzustellen. Ein vermeintlich kleiner Kniff, der sich durch die nun größere Waffenvielfalt aber unglaublich stark und positiv auf das Spielgefühl auswirkt.

Optisch ein Augenschmaus wie kein zweiter

Vor allem optisch lässt Ghost of Yōtei die Konkurrenz absolut im Regen stehen. Die fantastische Grafik lässt die unglaublich farbenfrohe Welt von Ezo förmlich erstrahlen. Die Lichteffekte untermalen die toll gestalteten Locations zusätzlich und auch die Charaktermodelle sind fast perfekt ausgefallen. Der Titel lief während unserer Testsession außerdem stets mit flüssigen 60 Frames und sah stets perfekt aus. Ein Augenschmaus für die Sinne, könnte man sagen und einer der schönsten Titel die ich in meiner Gaming-Karriere je spielen durfte.

Selten gab es einen Titel, vor allem im Open-World-Genre, der es schaffte so ein fast schon perfekt anmutendes optisches Bild zu vermitteln, wie es bei Ghost of Yōtei der Fall ist. Man möchte fast schon sekündlich auf die Screenshot-Taste drücken um den jeweiligen Moment einzufangen.

Toller Soundtrack trifft auf gewaltige Soundeffekte

Auch soundtechnisch zieht Ghost of Yōtei alle Register. Der fantastische Soundtrack ist perfekt gewählt und auch die Soundeffekte und die Klangteppiche ergänzen sich wunderbar. Vor allem die Synchronisation kann sich sehen lassen und speziell die japanische verleiht dem Titel das gewisse Etwas und die letzte Prise Atmosphäre. Ein rundes Gesamtpaket, an dem es absolut nichts zu mäkeln gibt.

Spielwelt augenscheinlich größer, als sie tatsächlich ist

Der einzige Punkt, der mich dann am Ende doch etwas gestört hat, ist die Tatsache, dass einem das Spiel eine größere Spielwelt über die Weltkarte vorgaukelt, als man dann am Ende wirklich zu sehen bekommt. Große Teile der Karte können nicht besucht werden und hinterließen bei mir zumindest manchmal ein Gefühl der Unfertigkeit. Schade, aber vielleicht halten sich die Entwickler von Sucker Punch hier ja noch Möglichkeiten für einen DLC offen. Man hat jedoch nie das Gefühl, dass die Spielwelt zu klein oder kleiner als bei Ghost of Tsushima ausgefallen ist.

Rache-Meisterwerk mit dem ein oder anderen Story-Twist

Bildmaterial: Ghost of Yōtei, Sony, Sucker Punch

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Titel	Digimon Story: Time Stranger
	03. Oktober 2025
	Bandai Namco
	03. Oktober 2025
	Bandai Namco
	03. Oktober 2025 / 02. Oktober 2025 (DE)
	Bandai Namco
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC (Steam)
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Media.Vision
Genres	[J]RPG
Texte
Vertonung

Wenn ich an Digimon denke, fallen mir sofort Songs wie „Leb‘ deinen Traum“, „Wir drehen auf“ oder „Die Hyper-Spirit-Digitation“ ein. Letzteres stammt aus Digimon Frontier und selbst diese Staffel flimmerte vor mehr als 20 Jahren über die deutschen Fernseher. Die Digimon-Marke und ihre Fangemeinde sind also in gewisser Weise NostalgikerInnen bzw. erwachsen geworden.

Zwar kommen immer wieder jüngere Fans hinzu, doch dem Entwicklerteam von Digimon Story: Time Stranger war bewusst, dass die Fangemeinde auch „ältere Semester“ wie mich beinhaltet. Wie man diese Fans abholen und unterhalten kann, wurde bereits eindrucksvoll in den Vorgängern Digimon Story: Cyber Sleuth und Hacker’s Memory gezeigt. Die Handlung bot düstere Elemente und mit den Eater wurden kuriose Wesen erschaffen, mit denen man nicht unbedingt eine sehr junge Zielgruppe erreicht.

Wie sich der neueste Ableger in diesem Zusammenhang schlägt und ob sich der Titel sowohl für alteingesessene Fans als auch für Neulinge lohnt, erfahrt ihr in den nächsten Zeilen.

Das geheime Anomaliesonderermittlungsbüro

In Digimon Story: Time Stranger geht es nicht als Cyber-Detektiv gegen kriminelle Hackergruppen, sondern als Agent bin ich Teil des Anomaliesonderermittlungsbüros, kurz „ADAMAS“. Unser Ziel ist es, die Bürgerinnen und Bürger vor Anomalien zu schützen. Diese geheimnisvollen und wissenschaftlich unerklärlichen Phänomene nehmen zu und führen regelmäßig zu gesellschaftlichen Krisen. Wir sind daher stets auf weltweiten Missionen unterwegs, sammeln unter strikter Geheimhaltung Informationen und analysieren diese in unserer Datenbank.

Dazu gehören die Phasenelektronen-Lebensformen in Tokio. Diese digitalen Lebensformen, die sowohl organische als auch elektrische Teile in sich tragen, befinden sich vor allem hinter der „Mauer der Hoffnung“ in Nishi-Shinjuku. Da es sich um digitale Wesen handelt, bezeichnen wir sie als „Digimon“. Sie scheinen mit den kürzlich immer häufiger auftretenden Anomalien in Verbindung zu stehen. Als guter Agent ist es meine Aufgabe, Informationen zu sammeln, damit meine Operatorin diese mit unserer Datenbank vergleichen kann und wir den Anomalien auf den Grund gehen können.

Zurück in die Zukunft

Was zunächst wie eine gewöhnliche Felduntersuchung aussieht, entpuppt sich schnell als brenzlige Angelegenheit. Durch eine mysteriöse Explosion werde ich aus unerklärlichen Gründen acht Jahre in die Vergangenheit versetzt. Zwar habe ich noch immer Kontakt zu meiner Operatorin, jedoch treten immer wieder seltsame Anomalien auf. So tauchen beispielsweise Phasenelektronen-Lebensformen auf, die sich im Untergrund von Shinjuku sammeln.

Ich kann zwar bei Inori Misono – einee gutherzigen Highschool-Schülerin – unterkommen, doch dann überschlagen sich die Geschehnisse mehrfach. Plötzlich taucht Aegiomon auf, das quasi Inoris Partner wird. Anschließend kommt es zu einer weiteren Überraschung: Aus einem digitalen Tor in der Stadt erscheint Minervamon. Gefolgt von einem bösartigen Digimon bzw. Titanen? Irgendwie schaffen wir es, die Situation zu bewältigen, doch zum Verschnaufen bleibt kaum Zeit.

Nach einem harten Kampf gelangen wir durch ein weiteres Tor in die digitale Welt „Iliad”. Als wäre das nicht genug, erfahren wir dort von einem bevorstehenden Krieg, inwieweit wir darin involviert sind und was es mit den Titanen auf sich hat. So beginnt meine Reise durch die Zeit und die digitale Welt, auf der Suche nach Informationen über die Anomalien und im Kampf gegen die Titanen. Wie soll ein einfacher Agent das bloß alles schaffen?

Klassisches (J)RPG mit schöner Erzählweise

Die Erzählung von Digimon Story: Time Stranger kann als klassisches japanisches Rollenspiel bezeichnet werden, mit ihren Vorzügen und Nachteilen. Letztere zeichnen sich vor allem dadurch aus, dass die Geschichte einige Zeit benötigt, um richtig in Fahrt zu kommen. In den ersten Stunden wird natürlich viel erklärt. Diese Erklärungen ufern jedoch teilweise etwas aus oder werden sehr oft in Erinnerung gerufen.

Es kommt nicht selten vor, dass sich der Operator bzw. die Operatorin über das Digivice meldet und mir mitteilt, wie wichtig es ist, Informationen über die Anomalien zu sammeln und dass die grausame Zukunft in acht Jahren aufgehalten werden muss. Gefühlt passiert das in den ersten Stunden alle paar Minuten, als würde ich als Protagonist unter Gedächtnisverlust leiden.

Haben wir die meisten Erklärungen erst einmal hinter uns gelassen, können die Vorzüge eines JRPGs genossen werden. Das bedeutet emotionale Passagen in der Handlung, die unter anderem mit gut inszenierten Zwischensequenzen animiert sind. Dabei wird nicht alles durch eine rosarote Brille betrachtet, sondern es werden ebenso düstere und ernstere Themen behandelt, ähnlich wie in den Vorgängern. So kommt es nicht selten zu inneren Konflikten oder mehrschichtigen Handlungen. Diese gehen zwar nicht immer besonders tief, reichen meiner Meinung nach aber aus, um die Geschichte bis zum Schluss spannend zu erzählen.

Dazu tragen auch die unterschiedlichen Erzählweisen bei. Bereits in der Eröffnungssequenz wird euch ein Stil mit düsteren, grafischen Pop-Art-Elementen in Comic-Ästhetik und limitierter Farbpalette präsentiert. Ohne zu sehr ins Detail gehen zu wollen, kann ich sagen, dass dieser Stil im späteren Verlauf noch einmal vorkommt. Das wertet die doch sehr gradlinige Erzählung auf und gibt ihr an der einen oder anderen Stelle eine besondere Note.

Bindung zwischen Mensch und Digimon

In einem Interview sprach der Produzent, Ryosuke Hara, davon, dass das Ziel des Entwicklerteams darin bestand, das zentrale Thema „die Bindung zwischen Menschen und Digimon“ hervorzuheben. Ich finde, das ist dem Team gelungen. Besonders schön sieht man dies an der Beziehung zwischen Inori und Aegiomon, die sich im Laufe der Zeit verändert und vertieft.

Leider wirkt der eigene Hauptcharakter hin und wieder mehr wie ein Statist in einer Nebenrolle. Zwar ist er in die Handlungen komplett eingebunden, jedoch wurde der Charakter nicht synchronisiert. Dadurch wirken manche Situationen etwas befremdlich. So gibt es beispielsweise emotionale Situationen, in denen dieser seine Motivationen gegenüber Inori und Aegiomon in einem spannenden Umfeld preisgibt.

Da der Charakter jedoch keinen Ton von sich gibt, obwohl sich der Mund bewegt, und man stattdessen lediglich die jeweiligen Sätze auswählen kann, ging für mich etwas von der Stimmung verloren. Schließlich haben die Hauptcharaktere theoretisch eine Synchronstimme. Diese ist zu hören, wenn der jeweilige Gegenpart als Operator bzw. Operatorin mit ihm Kontakt aufnimmt. Ein sprechender Hauptcharakter wäre also möglich gewesen. Immerhin wird die Beziehung zu den Partner-Digimon mittels entsprechendem Bindungswert angezeigt. Doch wie erhält man eigentlich die passenden Digimon?

Du bist dran: Phasenelektronen-Lebensform

Da Digimon unter anderem aus elektrischen Teilen bestehen, ist es vergleichsweise einfach, eigene zu „züchten“ bzw. diese Daten in eine Lebensform umzuwandeln. Dazu müssen lediglich gegnerische Digimon besiegt werden. Mit jedem besiegten Digimon erhaltet ihr Daten in eurem Digivice. Habt ihr genügend Daten gesammelt, könnt ihr diese zu einem echten Digimon umwandeln und in euer Team aufnehmen oder sie in die Digifarm zum Trainieren platzieren.

Das Schöne daran ist, dass euer Digivice scheinbar so viel Speicherplatz aufweist, dass ihr quasi all eure Digimon gleichzeitig mit euch tragen könnt. Euer Team besteht aus drei aktiven Digimon, drei als wechselbare Reserve und drei Gast-Digimon, die euch auf eurer Reise hin und wieder begleiten. Während die Gast-Slots für externe Digimon stets reserviert sind, können Digimon ganz bequem immer und überall vom Team zur Box und umgekehrt gewechselt werden. Das ist ziemlich praktisch und erhöht den Komfort erheblich.

Klassisches (J)RPG die zweite

Wie bei der Handlung erwartet euch ebenfalls ein klassisches, rundenbasiertes Kampfsystem. Jedes Digimon besitzt einen Geschwindigkeitswert, aus dem sich die Zugleiste berechnet. Anschließend folgen die jeweiligen Aktionen, wobei ein Angriff einen Zug kostet. Digimon können jederzeit von der Reservebank eingewechselt werden, ohne dass dies einen Zug kostet. Gleiches gilt für die Nutzung von Items und Kreuzungskünsten.

Digimon werden in mehrere Typen unterteilt. So sind Digimon des Virus-Typs beispielsweise schwach gegenüber dem Serum-Typ, der wiederum schwach gegenüber dem Datei-Typ ist. Daneben gibt es unter anderem noch freie und unbekannte Typen, die nicht in dieses Schere-Stein-Papier-Schema integriert sind. Zudem besitzt jedes Digimon und jeder Angriff unterschiedliche elementare Attribute mit jeweils eigenen Stärken und Schwächen. Je besser man diese kombiniert, desto mehr Schaden kann man bei Gegnern erzeugen.

Das Kampfsystem wirkt auf den ersten Blick sehr überschaubar, doch durch die unterschiedlichen Digimon-Typen und elementaren Attribute entsteht eine gewisse Spieltiefe, die besonders in den Bosskämpfen zum Tragen kommt. Im Gegensatz zu den gewöhnlichen Standardkämpfen auf der Abenteuerreise können diese sehr anspruchsvoll werden, selbst wenn man nur auf dem ausgewogenen Schwierigkeitsgrad spielt.

Aufgrund der unterschiedlichen Phasen und Eigenschaften dieser besonderen Gegner, die ihre Fähigkeiten gerne mal während des Kampfes ändern, kann es etwas dauern, bis sie besiegt sind. Wenn man nicht aufpasst, kann das komplette Team auf einen Schlag besiegt werden. Glücklicherweise lassen sich die Zwischensequenzen überspringen, sodass man sich nicht alles noch einmal anschauen muss, wenn man den Bosskampf erneut startet.

Regenerieren und ausrüsten

Nach einem Kampf ist der Regenerationsmodus sehr komfortabel. Dieser heilt das Team automatisch, wenn ihr kurz stillsteht. Das machte das Erkunden und Item-Management für mich deutlich angenehmer, weil ich nicht ständig darauf achten musste, auch außerhalb der Kämpfe genügend Heilitems bei mir zu tragen. Dadurch bleibt die Spielgeschwindigkeit beim Erkunden schön dynamisch.

Ebenso komfortabel und dynamisch lassen sich die Fähigkeiten der Digimon anpassen. Jedes Digimon besitzt eigene Spezialfähigkeiten, mit denen es die Gegner angreifen kann. Zusätzlich besitzt es Ausrüstungsfähigkeiten, mit denen es durch die Fähigkeiten-Disks nach Belieben Fähigkeiten wechseln kann. So lassen sich beispielsweise schnell Wasserangriffe ablegen und gegen Feuerangriffe tauschen, weil die Digimon in einer Region eher anfällig dafür sind.

Fähigkeiten-Disks können auf verschiedenen Wegen erlangt werden: durch den Erwerb im Laden von Gwappamon, durch das Finden in Schatztruhen oder durch Digitationen. So verfügt man nach einer gewissen Spielzeit über einen großen Fundus an Ausrüstungsfähigkeiten, zwischen denen man immer wieder wechseln kann.

Die Persönlichkeit macht den Unterschied

Neben den klassischen Elementen spielen in Time Stranger die Persönlichkeiten der Digimon eine wichtige Rolle. Eine Persönlichkeit beeinflusst ein Digimon auf vielfältige Weise. So steigert eine tapfere Persönlichkeit etwa die Angriffskraft bei physischen Angriffen, während gütige Digimon eine gute Verteidigung aufweisen. Die ursprüngliche Persönlichkeit eines Digimons ist zwar bei der Umwandlung festgelegt, können jedoch im Laufe der Zeit geändert werden.

Diese Persönlichkeiten lassen sich durch das Training auf der Digifarm sowie durch Unterhaltungen während der Reise ändern. Hierbei tauchen des Öfteren Sprechblasen bei den mitgeführten Digimon auf. Sie erzählen kurz etwas, das ihrer aktuellen Persönlichkeit entspricht. Je nachdem, wie ihr antwortet, ändert sich mit der Zeit die Persönlichkeit des Digimons. Besonders mit Blick auf spezielle Digitationen sollte man hin und wieder ein Auge darauf haben.

Zusätzlich gibt es Persönlichkeitsfähigkeiten. Das sind passive Fähigkeiten, die von der Persönlichkeit eures Digimons abhängen. Je nach Persönlichkeit werden unter anderem die Kosten für Kampffähigkeiten verringert, die Statuswerte zu Beginn eines Kampfes verbessert oder die FP der Digimon höher geheilt.

Was sich wie eine Nebensache anhört, hat mich nach vielen Spielstunden irgendwie genervt. Die Digimon machen zwar nicht besonders auf sich aufmerksam. Gefühlt wollen sie jedoch ständig mit einem reden, sodass ich die Sprechblasen nach einer gewissen Zeit ignoriert habe, da es meine Erkundung unterbrochen hätte. Die Persönlichkeitsfähigkeiten sind nicht schlecht, aber die Intensität, mit der die Digimon reden wollen, ist etwas zu hoch. Besser fände ich es, wenn die Sprechblasen seltener auftauchen würden und ich dafür bessere Antworten für einen Wechsel geben könnte.

Selbst ist der Agent bzw. die Agentin

Für jede abgeschlossene Mission, einschließlich Nebenmissionen, erhaltet ihr Anomaliepunkte. Diese könnt ihr in die Agentenfähigkeiten investieren. Diese umfassen zum einen die Fähigkeiten des eigenen Agenten bzw. der eigenen Agentin sowie Verbesserungen für Digimon mit den entsprechenden Persönlichkeiten. Kurz gesagt sind es Fähigkeitenbäume, mit denen ihr unter anderem die Werte entsprechend der Persönlichkeiten verbessern könnt.

Die Agentenfähigkeiten sind da schon etwas interessanter. Bei genügend Anomaliepunkten lassen sich dort neue Kreuzungskünste freischalten. Das sind Kampfhandlungen, die vom Agenten bzw. der Agentin eingesetzt werden können. Dafür werden in einem Kampf mit jeder verwendeten Aktion im Digivice KP (Kritische Punkte) gesammelt. Sind genügend KP vorhanden, kann eine Kreuzungskunst entfesselt werden.

Je nachdem, welche Kreuzungskunst ihr aktiviert habt, kann der Effekt unterschiedlich ausfallen. Mal feuert der Hauptcharakter einen elektrischen Strahl auf die Gegner ab und richtet großen Schaden an, mal ändern sich die Statuswerte der gegnerischen Digimon oder die des eigenen Teams werden für ein paar Runden verbessert. Die Kreuzungskünste sind eine gute Erweiterung des Kampfsystems und fügen sich gut in das bestehende System ein, da der eigene Charakter während eines Kampfes nicht nur am Seitenrand steht und zusieht.

Digitiere sich, wer kann

Habt ihr eure Anomaliepunkte in die entsprechenden Agentenfähigkeiten investiert, steigt ebenfalls euer Agentenrang. Dieser ist wichtig, wenn ihr eure Digimon auf eine höhere Evolutionsstufe digitieren wollt. Je höher euer Agentenrang ist, desto höher können eure Digimon digitieren. Wie in den Vorgängertiteln sind dabei ebenfalls bestimmte Werte zu beachten, ebenso die Persönlichkeit. Natürlich lassen sich die Digimon auch wieder de-digitieren.

Eine bestimmte Stufenbezeichnung hat dabei bei mir Verwunderung ausgelöst. Die Stufe, die allgemein als „Rookie“ bezeichnet wird, wurde in Time Stranger als „Anfänger“ übersetzt. Das ist insofern etwas kurios, da in der deutschen Übersetzung von Cyber Sleuth noch der Begriff „Rookie” verwendet wurde. Gleiches gilt für den Typus „Datei“, der nun „Daten“ heißt.

Demgegenüber stehen dem Spiel jedoch deutsche Texte zur Verfügung, auf die man beim PS-Vita-Release von Cyber Sleuth noch verzichtet hat und die erst mit Hacker’s Memory bzw. der Complete Edition für Switch nachgeliefert wurden. Beim Spielen sind mir in den Textboxen keine Fehler untergekommen, die auf eine schlechte Übersetzung hindeuten. Dennoch stellt sich die Frage, wieso man sich in den genannten Fällen für wörtliche Übersetzungen entschieden hat.

Pflege und Stärkung ist wichtig

In Time Stranger ist die Digifarm erneut eine zentrale Einrichtung. Sie dient als Anlaufstelle für die Pflege und Stärkung der eigenen Digimon. Die digitalen Begleiter können dort selbstständig trainieren, was eine kontinuierliche Entwicklung außerhalb aktiver Kämpfe ermöglicht. Trotzdem erhalten sie dieselben Erfahrungspunkte wie Digimon in der Box. Mit Farm-Items kann die Digifarm zudem nach Belieben gestaltet werden.

Leider lassen sich Digimon in der Digifarm nicht digitieren. Dadurch wird das Training für die jeweiligen Werte manchmal komplizierter als nötig. Wenn man sich – so wie ich – nicht unbedingt immer merken kann, welcher Wert gesteigert werden muss, muss man immer zwischen Farm und Box wechseln, um nachzuschauen. Da der Titel in vielen Bereichen komfortable Lösungen bietet, beispielsweise beim Wechsel zwischen Box und Team, hätte ich mir hier zumindest gewünscht, dass man Digitationen direkt in der Farm durchführen oder zumindest nachschauen kann, welche Werte benötigt werden.

Die Digifarm selbst kann bei Mirei Mikagura angesprochen werden. Sie leitet das Dazwischen-Theater, einen besonderen Ort, der zwischen verschiedenen Raumzeitdimensionen liegt. Das Theater ist irgendwie seltsam und mittels einer leuchtenden Tür an unterschiedlichen Orten der Welt erreichbar. Was es wohl damit auf sich hat?

Vielleicht hat es etwas mit den Äußeren Labyrinthen zu tun, die ebenfalls von dort aus erreicht werden können. Dieser Begriff wird für Gebiete verwendet, die innerhalb des Phasenelektronenraums existieren und über die ganze Welt verstreut sind. Dort warten herausfordernde Prüfungen oder kleine Minispiele auf euch, wie beispielsweise das Peckmon-Rennen. In diesem Wettkampf reitet ihr auf einem Peckmon und versucht, vor allen anderen im Ziel anzukommen. Diese optionalen Aktivitäten, welche in sehr fragwürdig aussehenden Umgebungen stattfinden, bieten abseits der Hauptgeschichte nette Belohnungen.

Mich JUKS in den Fingern

Wer seine Freizeit mit anderen Aktivitäten verbringen möchte, sollte das Spiel „Jogmon Ultimatives Kartenspiel“ (JUKS) im Auge behalten. Dabei handelt es sich um ein kleines, aber feines Sammelkartenspiel, das optisch ansprechend ins Spiel integriert wurde. Als SpielerIn legt ihr abwechselnd Karten auf einem Digivice aus. Anschließend werden die ausgewählten Pixelmonster generiert und kämpfen gegeneinander. Eine nette Abwechslung für zwischendurch, zumal es gut ins Spiel passt.

So schön das Kartenspiel aussieht, so wunderschön sind ebenso die Modelle der über 450 Digimon, denen ihr im Spiel begegnen könnt. Damit hat dieser Titel nicht nur mehr Digimon als jeder andere Titel der Reihe bislang, sondern die neuen 3D-Modelle und Animationen bei Angriffen sehen zudem einfach fantastisch aus. Das erkennt man nicht nur an den eigenen Digimon im Team, sondern ebenfalls an den NPC-Digimon, die in der Zentralstadt von Iliad leben. Jedes Digimon hat individuelle Bewegungen. Es gibt welche, die ihrer Arbeit nachgehen, durch die Stadt laufen, und welche, die imposant über der Stadt schweben.

Dadurch wirkt nicht nur die Stadt, in der man öfter unterwegs ist, lebendiger, sondern auch viele andere Orte und die dort wohnhaften Digimon. Durch die Vielzahl an Digimon, die auf dem Bildschirm dargestellt werden, und vor allem die vielen unterschiedlichen Digimon hat mein Fanherz nicht nur einmal höhergeschlagen. Bei den Charaktermodellen ist wirklich viel Liebe zum Detail erkennbar.

Ein Ritt durch die Landschaft

Leider lässt sich das nicht über die Umgebungen und Orte an sich sagen. Zwar sind diese bunter und imposanter gestaltet als in Cyber Sleuth, mit anderen Spielen dieser Konsolengeneration können sie jedoch nicht ganz mithalten. Zudem fühlen sich viele Gebiete in ihrer Größe etwas gestreckt an und ähneln sich innerhalb ihres Aufbaus. Wenn man beispielsweise durch einen Turm im Industriegebiet läuft, beinhaltet jede Etage mehr oder weniger dieselben Objekte und gegnerischen Digimon.

Das bedeutet nicht, dass das Spiel nicht hübsch aussieht. Spielerinnen und Spieler sind heutzutage jedoch anderes gewohnt. Grafik ist jedoch nicht alles und vieles kommt über den Stil. Dieser ist über das ganze Spiel hinweg stimmig und kommt besonders in der digitalen Welt Iliad zum Vorschein, in der sich die Orte mit der Zeit sogar verändern. Ein wenig mehr Abwechslung innerhalb der Gebiete hätte dem Spiel jedoch gutgetan.

Ein besonderes Schmankerl ist dabei der Digi-Ritt durch die verschiedenen Umgebungen. Zwar laufen euch immer eure ersten drei Digimon hinterher. Aber ist es nicht schöner, wenn man auf einem Digimon reiten kann? Das kann allerdings komischer aussehen, als man vermutet. Es gibt vierbeinige Digimon, auf denen das ganz normal aussieht. Andere Digimon tragen euch hingegen mit einem Arm durch die Gegend, was man auf den ersten Blick nicht unbedingt als Ritt bezeichnen würde.

Und wenn man so durch die Gegend reitet, fällt einem noch eines auf: Es gibt in dem Spiel keine Zufallsbegegnungen (Random Encounters). Ihr seht jedes gegnerische Digimon in der Welt herumlaufen, schwimmen oder durch die Luft fliegen. Das lässt die Welt zum einen noch lebendiger wirken und macht zeitgleich das Gameplay angenehmer, da man sich auf Kämpfe vorbereiten oder ihnen aus dem Weg gehen kann.

Der Soundtrack beim Erkunden ist genauso schön wie die Charaktermodelle. Fans werden sicherlich das eine oder andere Geräusch aus den Vorgängern wiedererkennen und Ähnlichkeiten im gesamten Soundtrack feststellen. Verantwortlich dafür ist erneut Masafumi Takada, der bereits die atmosphärische Musik zu Cyber Sleuth und Hacker’s Memory erstellt hat. Selbst nach dem Ausschalten des Spiels bleiben die Melodien im Kopf.

Öffne dich, Tor nach Iliad!

Bildmaterial: Digimon Story: Time Stranger, Bandai Namco, Media.Vision

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Titel	Super Mario Galaxy Collection
	2. Oktober 2025
	Nintendo
	2. Oktober 2025
	Nintendo of America
	2. Oktober 2025
	Nintendo of Europe
System	Nintendo Switch
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Nintendo
Genres	Jump ’n’ Run
Texte
Vertonung

Es ist nun fast 18 Jahre her, da erschien mit Super Mario Galaxy für Nintendo Wii ein Meisterwerk – anders kann man es eigentlich nicht bezeichnen. Knapp drei Jahre später erschien sogar ein Nachfolger auf derselben Konsole. Zum 40-jährigen Jubiläum von Mario veröffentlicht Nintendo nun ein Doppelpack beider Spiele auf Nintendo Switch. Während der Erstling bereits (für limitierte Zeit) auf der Konsole erhältlich war, so ist nun auch Super Mario Galaxy 2 auf der aktuellen Generation erhältlich. Doch sind diese Spiele auch 2025 noch das, was man sie damals nannte: Meisterwerke?

Bis zur Unendlichkeit – und noch viel weiter! Oder so

Das Sternenstaubfest findet im Pilz-Königreich statt! Hierbei handelt es sich um ein Ereignis, welches nur einmal alle 100 Jahre stattfindet. Der Grund hierfür ist ein Komet, welcher immer zu diesem Zeitpunkt an der Erde vorbeifliegt. Dabei landen zahlreiche Sternschnuppen auf selbiger. Zu diesem Anlass lädt Prinzessin Peach ihren guten Freund Mario ein.

Doch plötzlich greift Bowser an und entführt die holde Maid! Wer hätte das nur ahnen können?! Dieses Mal entführt er sie in die tiefen Weiten des Universums. Mithilfe eines Raumschiffes reist Mario nun von Galaxy zu Galaxy und sammelt dabei Power-Sterne! Die Grundstory ist übrigens, bis auf gewisse Unterschiede, in beiden Spielen gleich. Das fand ich damals schade und ehrlich gesagt heute auch noch. Aber wer spielt schon ein Mario-Jump-’n’-Run wegen der Story?

Im ersten Ableger werdet ihr geführt von Rosalina, welche euch mithilfe der Sternwarte durch das All manövriert. Über diese damals komplett neue Prinzessin der Sterne erfahrt ihr mehr durch die Bilderbuch-Geschichten. Freischalten könnt ihr diese im Laufe des Spieles. In Super Mario Galaxy 2 begleitet euch die große, etwas rundliche Lubba. Hierbei handelt es sich um eine Artgenossin der süßen Luma, also ein Sternenwesen. Eines davon begleitet Mario auf seiner Reise und gibt ihm spezielle Kräfte.

Die Planetenreise beginnt

In einem Super-Mario-Spiel springt ihr durch die Gegend, hüpft auf eure Feinde und überwindet spannende Geschicklichkeitspassagen. In Super Mario Galaxy erhaltet ihr durch den Luma außerdem einen Drehangriff. Mit diesem könnt ihr Gegner angreifen, umwerfen oder auch besiegen. Gegenstände können auf diese Weise zerstört oder eingesammelt werden. Springt ihr in einen Sternenring und dreht euch, katapultiert dieser euch an einen weiter entfernten Ort – oder gar in eine neue Welt.

Wer Mario kennt, der weiß: Power-ups gehören zu Mario wie sein Schnauzbart. Davon gibt es in beiden Ablegern reichlich. Darunter gibt es die klassische Feuerblume oder den Stern, welcher euch unbesiegbar macht. Der Unterschied zu älteren Ablegern ist jedoch, dass zum Beispiel die Feuerblume nicht dauerhaft auf euch bleibt. Nach kurzer Zeit verschwindet die Superkraft und ihr müsst sie wieder einsammeln, außer euer Ziel ist erfüllt. Andere Power-ups bleiben bei euch, bis ihr ein Level abschließt oder durch einen Sternenring weitergeschleudert werdet. So kann sich Mario im ersten Galaxy-Ableger in eine Sprungfeder verwandeln und höhere Weiten erreichen. Im zweiten Galaxy-Abenteuer gibt es den Wolken-Mario, welcher unter sich kleine Wolken-Plattformen erschaffen kann.

Die einzelnen Welten drehen sich dann oft um die Power-ups und fordern euch auf unterschiedliche Art und Weise heraus. Generell sind beide Super-Mario-Galaxy-Spiele voll von Abwechslung und spannenden Ideen. Dabei könnt ihr die Welten mehrfach betreten, je nachdem wie viele Sterne zu finden sind, und je nach Aufgabe findet ihr die Planeten auch in unterschiedlicher Verfassung vor. Dabei wählt ihr zwar einen Stern bei der Planetenauswahl aus, aber es gibt auch versteckte Power-Sterne, die ihr durch fleißiges Erkunden finden müsst.

Eine Vielzahl an Sternen

Doch nicht nur ihr seid auf der Reise und der Suche nach den Sternen unterwegs. Auch Marios Bruder Luigi kommt in beiden Spielen vor – und kann sogar von euch gespielt werden. Im ersten Teil erhaltet ihr von Luigi Briefe mit Fotos von ihm und müsst ihn dann in dem jeweiligen Level finden. Als Belohnung winkt ein Stern! Auch die Schabernack-Kometen lassen euch bekannte Stages auf neue Art und Weise spielen. Bekämpft Bossgegner ohne euch treffen zu lassen oder macht ein Wettrennen mit einem mysteriösen Mario-Klon.

Ursprünglich erschienen, wie bereits erwähnt, beide Super-Mario-Galaxy-Spiele auf Nintendo Wii. Das bedeutet: Natürlich musste die Wii-Fernbedienung irgendwie eingebaut werden. In diesem Falle nutzt ihr auch auf der Nintendo Switch einen Pointer auf dem Bildschirm, um Dinge auszuwählen oder zu greifen. An blauen Sternen kann Mario sich damit entlangziehen oder mit dem Sternenpointer zahlreiche Sternenteile aufsammeln. Diese zählen als eine Art Währung neben den bekannten Münzen und können zum Verfüttern an Luma genutzt oder als kleine Hilfe im Kampf gegen Feinde verwendet werden. Außerdem wird der Pointer zum Navigieren von Menüs verwendet.

In Super Mario Galaxy 2 wartet dann ein weiterer alter Bekannter auf euch: Yoshi! Der Drachendino-Kumpel des Klempners hat viel Hunger mitgebracht und frisst dabei alles, was nicht bei drei auf den Bäumen ist. Und er ist hier sehr vielseitig! Er kann wie immer seinen Flattersprung nutzen, um nach einem Sprung etwas mehr Höhe und Reichweite zu gewinnen. Er kann Feinde mit seiner Nase wegboxen. Das Wichtigste ist aber natürlich seine lange Zunge!

Ein vielseitiger Weggefährte

Reitet ihr auf Yoshi, dann verwandelt sich der blaue Sternenpointer in einen roten Kreis. Dieser symbolisiert die Zunge des grünen Kumpels. Markiert einen Feind oder diverse Gegenstände um diese zu verspeisen. Auch an Haken könnt ihr diese befestigen und dann Dinge ziehen. Neben Feinden kann Yoshi aber auch manche Früchte essen, welche ihm kurz spezielle Fähigkeiten geben. Eine Chili-Schote lässt Yoshi schnell losrasen und ermöglicht so auch das Überqueren steiler Abhänge. Eine andere Frucht lässt Yoshi aufblähen und ermöglicht ihm das Schweben in höhere Gebiete.

Mit Yoshi hat Nintendo in Super Mario Galaxy 2 zahlreiche spaßige Möglichkeiten eingebracht, um die Planeten noch vielfältiger zu gestalten. Doch leider wird in diesem Abenteuer dann ein Problem der Ports immer deutlicher: der Handheld-Modus. In der Docking-Station gibt es mit der Pointer-Steuerung eigentlich keinerlei Probleme. Der R-Button lässt euch den Pointer jederzeit in der Mitte platzieren, um die Steuerung neu zu kalibrieren. Das muss man oft machen, aber das ist eigentlich gar nicht so schlimm und funktioniert gut. Auch im Tisch-Modus im Zug kann man so spielen, da man ja mit dem Joy-Con nicht auf den Bildschirm deuten muss um so zu spielen. Alles super!

Ein Problem des Ports, der in der Natur des Spieles liegt

Leider würde ich so weit gehen zu sagen, dass Super Mario Galaxy, und besonders die 2, im Handheld-Modus nahezu unspielbar ist. Um hier den Pointer zu bewegen könnt ihr den Touchscreen verwenden und einfach Dinge antippen. In der Theorie klappt das gut. Aber mitten in einem Bosskampf oder im Sprung umgreifen? Leider nicht wirklich machbar. Ihr könnt den Pointer aber auch mithilfe von Bewegung der Switch selbst über den Bildschirm flitzen lassen. Da versuche ich aber lieber mit meinem Fuß nebenbei auf den Screen zu tippen. Das würde einfacher und besser funktionieren.

Besonders fiel mir das dann aber bei Super Mario Galaxy 2 auf. Ein Beispiel ist hier ein Bosskampf. In diesem müsst ihr auf Yoshi gegnerische Geschosse mithilfe der Zunge abfangen und dann auf euren Feind zurückwerfen. Das Ding ist nur: Das Zielen funktioniert auch mit der Pointer-Steuerung. Treffen könnt ihr den Gegner nur beim Abschießen des Gegenstandes im Sprung.

Ihr müsst also springen, zielen und dann abschießen – alles innerhalb von einer Sekunde. Im normalen Spiel mit dem Joy-Con und dem Pointer kein großes Ding. Im Handheld-Modus jedoch ein unspaßiger Krampf, der einfach nicht funktioniert. Letztendlich liegt das aber einfach an der Art und Weise, wie Super Mario Galaxy aufgebaut ist. Es ist einfach nicht für ein Spielen ohne richtige Pointer-Steuerung gedacht und das merkt man in diesem Moment ganz arg.

Das macht den Titel dadurch nicht „schlechter“, nur halt einfach leider sehr ungeeignet für das Spielen im Handheld-Modus. Was bei einem Heimkonsolen/Handheld-Hybrid natürlich schade ist, vor allem für Spielende wie mich, die einen Großteil der Switch-Titel eben genau so spielen.

Apropos Port: Viele neue Inhalte solltet ihr in der neuen Version des Klassikers nicht erwarten. Es gibt einen neuen Musikspieler und neue Seiten des Märchenbuches. Letzteres gibt es nun auch im zweiten Teil. Auch amiibo können nun verwendet werden. Die Betonung liegt hier auf können, denn einen wirklichen Nutzen haben diese nicht. Ihr könnt zum Beispiel ein paar Sternenteile dadurch erhalten. Im Hilfe-Modus habt ihr es etwas einfacher und könnt euch automatisch heilen oder beim Sturz in die Tiefen direkt zurücksetzen lassen. Komplett optional und gerade für Anfänger vielleicht eine nette Sache.

Die technischen Aspekte des Ports

Ein Super Mario Galaxy sah auf Nintendo Wii fantastisch aus und hat damals für Staunen gesorgt. Auf Nintendo Switch ist der Titel auch hübsch und läuft flüssig. Doch ehrlich gesagt hätte ich mir bei einem Port eines Wii-Spieles im 2025 mehr erhofft. Es wurden Texturen überarbeitet und hochskaliert. Beim Spielen werdet ihr selten denken „Das sieht nicht schön aus“, einfach weil der Stil von Super Mario Galaxy fantastisch gealtert ist und auch heute noch nett aussieht.

Schaue ich dann aber auf den Preis der Ports und vergleiche diese mit dem großartigen Metroid Prime Remastered, bin ich dann doch ein wenig irritiert, wieso hier im Vergleich so „wenig“ gemacht wurde. Wieso wurde nicht alles noch mehr überarbeitet, wieso hat Mario keinen richtig neuen Anstrich bekommen und wurde in die Mario-Odyssey-Engine geworfen? Natürlich ist das alles wahrscheinlich einfacher gesagt als getan – es muss aber dennoch bei dem Preis mal gesagt werden.

Genug Negativität! Lasst uns über einen der großen Pluspunkte in beiden Super-Mario-Galaxy-Abenteuern sprechen: den Soundtrack. Bereits auf dem Titelbildschirm bläst euch das mit einem Orchester aufgenommene Main Theme den Ohrenschmalz aus den Lauschern. Zahlreiche Planeten bringen euch ikonische Melodien, welche so schnell nicht aus dem Oberstübchen verschwinden werden. Ich habe mich in den letzten Tagen mehrfach dabei erwischt, wie ich Melodien aus dem Spiel vor mich hingesummt habe. Eine Sprachausgabe gibt es übrigens meistens nicht. Einzelne Worte oder Sätze werden mal laut auf Englisch ausgesprochen, aber das war es dann auch wieder.

Zwei großartige Spiele – mit einem kleinen „Aber“

Bildmaterial: Super Mario Galaxy Collection, Nintendo

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Titel	Silent Hill f
	25. September 2025
	Konami
	25. September 2025
	Konami
	25. September 2025
	Konami
System	PC, PS5, Xbox Series
Getestet für	PC-Steam
Entwickler	NeoBards Entertainment
Genres	Survival-Horror
Texte
Vertonung

Ich habe mit einer Mischung aus Skepsis und hohen Erwartungen auf den neuen Teil von Silent Hill hingefiebert und wurde nicht enttäuscht! Der Psycho-Horror um die Oberschülerin Hinako ist ein Alptraum, der sich schließlich zum absoluten Psycho-Höllentrip entwickelt. Was der neue Teil der Silent-Hill-Reihe alles kann (und nicht so gut kann), verrate ich euch in diesem Test.

Neues Setting, frische Ideen

Das Spiel setzt bereits in den ersten Szenen den Grundstein für die Geschichte: Hinako hadert mit ihrer Rolle als junge Frau im Japan der 1960er, ihr alkoholkranker Vater brüllt sie an und sie sucht das Weite. Im kleinen japanischen Bergdorf gibt es für sie nicht viel Beschäftigung, deswegen geht sie zum örtlichen Kiosk, um ihre Freunde zu treffen. Als der Nebel aufzieht und eine Flut von roten, tödlichen Blumen mit sich bringt, wird Hinako von ihren Freunden getrennt.

Fortan muss sie sich sowohl durch das kleine japanische Dorf als auch ihre eigenen Visionen kämpfen. Es geht durch nebelverhangene Reisfelder und kleine japanische Holzhäuser, schließlich auch durch eine Schule und die japanischen Berge. Zeitweise verliert Hinako das Bewusstsein und wacht in einem mystischen, wunderschön gestalteten Tempel auf, in dem sie von einem geheimnisvollen Mann mit Fuchsmaske durch verschiedene Prüfungen und Rituale geführt wird.

Was die ersten Stunden wie eine gemächliche Zombieapokalypse beginnt, wird schon bald ein Psycho-Alptraum, den David Lynch kaum verworrener hinbekommen hätte. Zeitweise wusste ich nicht einmal, wo ich gerade bin, wann ich bin – oder ob ich noch am Leben bin.

Lasst mich erstmal meine „Silent Hill“-Checkliste auspacken: Nebel: Check. Stahlrohr: Check. Monster, die aussehen wie Fleisch-Patchwork: Check. Innere Konflikte des Protagonisten, die in Design und Geschichte behandelt werden: Check. Nachdem das erledigt ist, schauen wir uns mal die Neuerungen an und was das japanische Setting der guten, alten Rezeptur „Silent Hill“ hinzufügt. Das Einzige, was ein wenig fehlt, ist buchstäblich Silent Hill. Nicht mal eine Postkarte gibt es, einzig das rosa Hasenkostüm erinnert mich an die Stadt im Nebel.

Eine Doppel-Story mit Twist

Hinako kämpft sich im realistischen Teil der Story durch ihr monsterverseuchtes Dorf und wir finden mehr und mehr über ihr Leben heraus. Ihr bester Freund Shu und ihre Freundin Rinko begleiten sie teilweise auf ihrem Weg. Rätsel, Erinnerungen oder Dialoge geben Einblick in das komplizierte emotionale Beziehungsgeflecht der Teenager. Was dabei die Wahrheit ist, was eine Lüge und was vielleicht nur Hinakos Einbildung, lässt das Spiel bewusst nebulös. Gegen alle Charaktere wird mehr und mehr Misstrauen geschürt.

Zusätzlich zum Jugenddrama scheint es aber auch etwas mit dem örtlich stark verbreiteten Fuchsglauben auf sich zu haben. Das Spiel gibt uns massig Textschnipsel, Briefe und andere Aufzeichnungen, um uns selbst ein wenig davon zu erschließen.

Das Design des japanischen Settings ist perfekt getroffen. Die traditionellen Häuser mit ihren Tatami-Matten und kleinen Vorgärten sind schlicht und realistisch gehalten. Die teilweise vermüllten Werkzeughütten, Reisfelder und immer wieder auftauchenden kleinen Schreine, bei denen die Füchse kleine Lätze tragen, findet man so auch heute noch in ländlichen Regionen Japans.

Im zweiten Strang der Geschichte wacht Hinako immer wieder in einem riesigen, schaurig-schönen Tempel auf. Dort wird sie von einem geheimnisvollen Mann mit Fuchsmaske durch verschiedene Rätsel und Rituale geführt. Das Design des Tempels ist im Gegensatz zum Dorf überzeichnet ästhetisch, überdimensioniert und erinnert eher an ein Fantasy-Setting. Doch auch hier wird japanische Kultur mit Steingärten und Ema-Wänden schön aufgegriffen und in die Rätsel integriert.

Der Kontrast zwischen den beiden Welten verstärkt sich im Laufe der Geschichte immer mehr. Das kleine, graue Dorf auf der einen Seite – der prunkvolle, farbenfrohe Tempel auf der anderen. Die Spannung zwischen den beiden Teilen ist durch Design und Gameplay voll erlebbar und damit ein ausdrucksstarkes Element der Story. Beide ergänzen sich teilweise, scheinen sich aber auch zu widersprechen. Sie bluten immer mehr ineinander, bis sie schließlich vollkommen zusammenbrechen und der pure Wahnsinn ausbricht.

Vordergründig müssen wir aus dem Dorf fliehen und den Tempel durchschreiten, unter der Oberfläche ist es aber eine Geschichte über Hinakos Leben und was sie an diesen Punkt gebracht hat. Wir erleben, mit welchen Erwartungen und Vorurteilen Hinako als junge Frau konfrontiert ist. Gegen welche gesellschaftlichen Wände sie in ihrem Alltag rennt, welchen Zwängen sie und ihre Freundinnen ausgesetzt sind.

Der psychologische Horror ist gut durchdacht, aber sehr abstrakt. Wer sich eine klare Antwort auf alle Fragen erhofft, wird hier enttäuscht. Für mich ist es der Punkt, den ich an Silent Hill immer mochte. Der Psycho-Regler bei Silent Hill f ist aber sogar für diese Reihe eher nach oben gedreht worden. Und nach dem Ende ist es noch nicht vorbei – das „New Game Plus“ wartet mit erweiterten Inhalten und längeren Cutscenes auf sowie der Möglichkeit verschiedene Enden zu bekommen.

Aufpoliertes Gameplay und mehr Action

Die Monster, welche die Straßen von Ebisugaoka heimsuchen, sind scheinbar mit Haut überzogene Puppen von Frauen, die Hinako mit Küchenmessern auf den Leib rücken. Es ist nicht so sehr ihr anatomisches Design, sondern ihre unmöglichen Bewegungen, die sie so abstrus machen. Abseits dieser Standardgegnerinnen gibt es noch Säure kotzende Cronenberg-Monster, die aussehen, als hätte man eine Kleinfamilie zusammengeschmolzen, eine Art Hundedämon, der Hinako bereits von Weitem erschnüffelt, und ein Kinderpuppen-Monster, das uns mit seinen Schreien in den Wahnsinn treibt.

Die Bossgegner haben fordernde Attacken mit vielen Variationen, sind aber zumindest auf der normalen Schwierigkeit gut im ersten Anlauf zu schaffen. Teilweise kommen sie auch leicht abgeschwächt als normale Gegner wieder. Generell ist Gegner-Recycling mit neuen Skins oder unverändert sehr auffällig in diesem Spiel. Hier hätte mehr Variation durchaus gutgetan.

Vom Design her sind die Gegner alptraumhaft und erinnern an bereits eingeführte Figuren oder Konzepte. Ihre Bewegungen sind anfangs schwer vorhersehbar und teilweise sehr schnell, was sie bedrohlich und herausfordernd macht. Durch ihre Laute kündigen sie sich schon lange an, bevor man sie überhaupt sieht. Dies ist teilweise gescriptet. Ihr werdet Schritte hören – eine Silhouette sehen – aber anstatt die Spannung aufzulösen wird das Spielchen noch weiter getrieben. So werden neue Gegnertypen auf eine für das Horror-Genre meisterhafte Weise eingeführt. Gerade dieses leichte Überspannen des Bogens hat mir sehr gefallen – man möchte den Bildschirm anschreien, wann das Ding endlich mal auftaucht.

Das viel diskutierte Kampfsystem

Außerdem wurde hier ein neues Kampfsystem eingebaut, das laut den Entwicklern für mehr Action sorgen soll. Es spielt sich sehr dynamisch und beruht auf Reaktion und Ressourcenmanagement. Schläge und Ausweichen verbrauchen Ausdauer, besondere Attacken oder Angriffe nehmen euch sogar den Verstand.

Es gibt den Konter-Angriff, der visuell deutlich angezeigt wird und euch eine Menge Zeit gibt, zu reagieren. Das perfekte Ausweichen, das euch Ausdauer zurückgibt, ist dabei eine Belohnung für eure Mühe und gibt euch mehr Bewegungsfreiheit. Im Kampf selbst müsst ihr immer eure Anzeigen im Blick behalten, ist die Ausdauer erst aufgebraucht, könnt ihr für eine Zeit weder angreifen noch ausweichen. Die Gegner neigen dazu, Angriffe zu spammen, wenn ihr also so eine Kombo abbekommt, seid ihr schnell am Boden.

Das Kämpfen macht auf jeden Fall Spaß, da es Aufmerksamkeit und Können belohnt. Je nach Gegner können die Kämpfe aber auch relativ langwierig werden. Streckenweise, und das ist Jammern auf hohem Niveau, bremst sich die Geschichte selbst aus, indem zwischen euch und dem nächsten Ziel endlose und immer gleiche Gegner stehen. Manchmal ist es bestimmt so gewollt, aber hier muss man wirklich den Frustbogen nicht so sehr überspannen wie den Spannungsbogen.

Zusätzlich gibt es noch die Möglichkeit, an den Hokora-Schreinen aufzuleveln. Dafür brauchen wir aber Ema, kleine Wunsch-Schilder, die man normalerweise mit einem Wunsch beschriftet in einen Tempel hängt. Das Spiel geht damit sehr sparsam um, man kann sich also nicht aufs Aufleveln verlassen, wenn es mit dem Kämpfen nicht so klappen will.

Begrenzte Ressourcen

Das bringt mich zu meinem größten Kritikpunkt: Waffenverschleiß. Das kann ein sinnvolles Prinzip sein – in The Legend of Zelda: Breath of the Wild oder auch Dark Souls hat es mich dazu gezwungen, mich mit allen Waffen vertraut zu machen und mich nicht auf eine besonders starke Waffe zu verlassen. Das motiviert und kurbelt den Spielspaß an, es zwingt mich, mehr vom Content zu nutzen und mich nicht in eine Nische zu verziehen.

In Silent Hill habe ich aber ausschließlich Nahkampfwaffen, die sich sehr ähnlich verhalten. Sie sind nur verschieden stark oder schnell. Das kann einen zwingen, die Ressource von starken Waffen mit Bedacht einzusetzen – kann aber auch unnötig frusten, weil auch schwache Waffen schnell kaputtgehen. Waffen, wie alle Ressourcen, sind aber rar. Was also, wenn ich nicht schlau genug gekämpft habe und ohne Waffe dastehe? Dann kann ich erstmal die Beine in die Hand nehmen – oder lade den Spielstand neu.

Das wurde mir besonders in einem Puzzle bewusst, bei dem ich Gegner besiegen muss, wenn ich einen Fehler mache, aber nur sehr begrenzte Waffen zur Verfügung habe. Sobald mich das Spiel zwingt, neu zu laden um mit meinem Vorwissen einen besser ausgeführten Puzzle-Run des Abschnitts zu machen, ist die Immersion dahin. Link könnte hier wenigstens noch mit einem Ast um sich schlagen. Hinako hingegen hebt nicht einmal eine Schaufel auf. Einfach unnötig.

Die Rätsel sind organisch, aber stellenweise wenig kreativ

Um durch die Welt zu kommen, muss Hinako immer wieder Rätsel lösen. Bei der normalen Schwierigkeitsstufe ist das meist nicht besonders schwer, viele der Rätsel sind einfache Verbindungen von einem Text zu einer Symbolfolge oder die Platzierung von Gegenständen. Wenn man hier aber manche Details nicht sieht oder Bilder nicht richtig als eine Pinie oder eine Sakura-Blüte erkennt, wird es schwierig.

Am meisten Spaß hatte ich aber in der Schule – es war ein schönes, langes Rätsel über Spindkombinationen im gesamten Level. Es hat sich organisch in die Geschichte eingefügt und lässt einen detektivisch tätig werden.

Auf der höchsten Rätsel-Schwierigkeit wird es schon ein wenig knackiger, die Verbindungen von Text zu Symbol sind nicht mehr so klar. Das Lösen macht hier aber zumindest mir mehr Spaß, da es irgendwann dann doch klick macht.

Im Großen und Ganzen sind die Puzzles im Spiel eher nur Mittelmaß. In der Schule zeigt das Spiel, was es puzzletechnisch drauf hat, in den anderen Gebieten vermisse ich diese Kreativität dann doch.

Großartige Soundkulisse

Last but not least: der Sound. Hier strahlt Silent Hill f noch einmal auf ganzer Line. Die Gegner kündigen sich nicht nur durch ihre Schritte oder ihr feuchtes Geschmatze an, sie haben auch einen eigenen schaurigen Soundtrack. Es sind dezente, aber die Stimmung unterstreichende Stücke im japanischen Stil, die sich mit fortschreitendem Wahnsinn der Story auch immer mehr zu blechernem Gekreisch verzerren.

Ein modernes Meisterwerk der Reihe

Bildmaterial: Silent Hill f, NeoBards Entertainment, © Konami Digital Entertainment

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Titel	Trails in the Sky 1st Chapter
	19. September 2025
	Nihon Falcom
	19. September 2025
	GungHo Online Entertainment
	19. September 2025
	Clear River Games
System	Nintendo Switch, Nintendo Switch 2, PlayStation 5, Windows
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Nihon Falcom
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Die Trails-Reihe hat längst ihr Schattendasein hinter sich gelassen und ist auch im Westen voll angekommen. Auf stolze zwölf Teile blickt man nun zurück, wenn man wirklich alle Spiele hinzurechnet. Das kann durchaus einschüchternd und sogar abschreckend wirken, denn alle hängen erzählerisch miteinander zusammen. Wo fängt man da also an und will man sich überhaupt auf solch ein Biest einlassen? Dessen ist man sich vermutlich auch bei Falcom bewusst.

Daher lässt man alte und neue Fans zum zwanzigjährigen Jubiläum der japanischen Erstveröffentlichung nochmal an den Anfang der Saga zurückkehren. Die Fallhöhe mit einem Remake ist dabei immens hoch und wie das mit solchen liebgewonnenen Klassikern nun mal ist, kann dabei einiges schiefgehen. Wie treu bleibt man dem Original und wo weicht man ab? Als Fan der ersten Stunde und inoffizieller JPGames-Trails-Experte habe ich mir daher Trails in the Sky 1st Chapter ganz genau angesehen.

Eine Saga beginnt

Aber um euch alle mal kurz abzuholen: Wir befinden uns im Königreich Liberl, das noch vor zehn Jahren im Krieg mit dem benachbarten Erebonia lag. Ob der Frieden wirklich hält, ist ungewiss. Doch anders als in vielen JRPGs, die einen ähnlichen Rahmen spannen, fokussiert sich die Handlung sehr stark auf die sechzehnjährigen Protagonisten Estelle und Joshua Bright.

Joshua wurde vor fünf Jahren von Estelles Vater adoptiert und wir beginnen unsere Reise, indem wir das Training der beiden Jungspunde abschließen. Beide wollen sogenannte Bracer werden, die sich um die Wohle und Belange der Bewohner kümmern.

Es geht also erst einmal gemächlich los und nach erfolgreicher Abschlussprüfung werdet ihr zunächst kleinere Gefälligkeiten absolvieren. Alles ändert sich jedoch, als Estelles Vater mit einem Luftschiff auf Reisen geht, das auf mysteriöse Weise verschwindet. Zeit also für Estelle und Joshua, loszuziehen und die Hintergründe des Verschwindens aufzudecken.

Schon die erste Szene des Remakes – das Aufeinandertreffen des Neuzugangs in der Bright-Familie, Joshua, und der aufbrausenden Estelle – verdeutlicht, wie viel Liebe Falcom in das neu aufgelegte Spiel gesteckt hat. Zwar war schon immer alles in 3D, aber durch die Iso-Perspektive war alles deutlich distanzierter, weniger animiert und man war nicht so nah am Geschehen.

Jetzt ist man hautnah dabei und wirklich jede Szene, jedes Gespräch, einfach alles ist animiert. Auf größere und wichtigere Szenen wurde dabei sogar noch mehr Augenmerk gelegt. Man spürt, wie wichtig Falcom Trails in the Sky ist, was sie durch dieses Remake unterstrichen haben.

Schmoll! Staun! Strahl!

Besonders die Mimik ist dabei hervorzuheben. Jedes freche Schmunzeln von Estelle kommt perfekt zur Geltung, jede Verzweiflung der anderen über ihre Worte ebenso. Es macht einfach Spaß, den Charakteren zuzusehen, wie sie sich nun in neuem Glanz entfalten. In den richtigen Momenten gibt es auch typische Anime-Gesichter obendrein, wie aufblitzende Sterne in den Augen, ein fassungsloser leerer Blick oder auch die kreisenden Kringelaugen, wenn Mentorin Scherazard einem Charakter zu viel Wein einflößt – herrlich.

Ein Spiel, das ich so gut kenne, nochmal auf diese Art neu zu erleben, war ein Genuss. Mir war gar nicht mehr in Erinnerung, wie lustig und albern es doch häufig zugeht, bei all den sonstigen ernsten Themen. Es ist ein gelungener Mix, bei dem einfach alles passt. Natürlich war mir besonders Olivier im Gedächtnis geblieben, und was soll ich sagen: Der ist auch weiterhin der Star. Freut euch auf seine Szenen, denn auch diesen wurde die entsprechende Liebe gewidmet.

Ein wenig mehr Liebe hätten hingegen die freischaltbaren Kostüme und Haarfarben vertragen können. Es gibt ein paar, aber die sind nicht der Rede wert. Im Prinzip sind es nur Farbvariationen, außer es sollte noch welche geben, die ich selbst nicht erspielt habe. Die besonderen lässt man sich auf alle Fälle per DLC extra bezahlen – schade!

Auf die Ohren

Zur Freude trägt umso mehr bei, dass endlich auch der Westen eine Sprachausgabe hinzugewinnt, wahlweise auf Englisch oder Japanisch. Auf Englisch klangen Estelle und Joshua mir nicht ganz dem Alter entsprechend und so war Japanisch die bevorzugte Wahl. Diese Vertonung ist auch auf absolut höchstem Niveau. Bei Nebenaufgaben sollte man allerdings keine Sprachausgabe erwarten, was auch völlig okay ist, aber ich hätte mir schon gewünscht, dass dann zumindest im Hauptquest alles durchgängig vertont wäre. So sind es hauptsächlich die wichtigsten Szenen, die gesprochen vorgetragen werden – von denen es aber dennoch reichlich gibt.

Kleinere Gespräche auf Zwischenhalten in der Hauptstory sind hingegen nicht vertont. Das ist einfach schade und hätte dem Ganzen noch die Krone aufgesetzt. In einigen Szenen spricht sogar nur ein einziger Charakter, während der Rest stumm antwortet. Das reißt einen leider völlig raus und ist wirklich furchtbar. Hier wird nur Falcom selbst wissen, wie man zu dieser fragwürdigen Entscheidung kommen konnte – dann hätte man doch besser alles in solchen Szenen stumm belassen. Glücklicherweise sind es in Summe wenige Stellen und scheinbar solche, an denen man einen Nebencharakter das erste Mal trifft. Es bleibt seltsam.

Grandios und neu in dieser Fassung sind dafür die Geplänkel und Gespräche, wenn man frei in der Welt unterwegs ist, und die Zankereien mit Bossen während eines Kampfes. Diese fügen sich harmonisch in das Spiel ein und wirken, als hätte es sie schon immer gegeben. Toll ist auch, dass sie durchgängig vertont sind und anders als in den Vorgängern groß und mittig in Textform platziert sind, sodass man auch mit japanischer Sprachausgabe alles mitbekommt – danke, Falcom!

Keine Veränderung gibt es hingegen bei der Musik. Diese war schon vor 20 Jahren auf Spitzenniveau und die bekannten Klänge und Melodien fressen sich direkt wieder in den Hippocampus, wo sie als Ohrwürmer einem fröhlichen Dasein frönen – allen voran das jazzige Sophisticated Fight für die Kämpfe oder natürlich The Whereabouts of Light, das in zahlreichen Arrangements vertreten ist.

Sprich Deutsch, du Bracer!

Womit ich wirklich nie gerechnet hätte, sind die nun vorhandenen deutschen Texte. Trails in the Sky gilt als ein Schwergewicht, was die Wortzahl angeht, und NPCs wechseln mehrfach innerhalb der Hauptstory ihre kompletten Dialoge, die aus vielen Zeilen Text bestehen und nicht nur einer einzigen Textbox. Sie kommentieren so das laufende Geschehen und machen die Welt sehr viel lebendiger. Schon die englische Übersetzung fiel dem damaligen Publisher XSEED schwer und war immer zentrales Thema bei den jahrelangen Pausen zwischen den Veröffentlichungen.

Dass die deutsche Lokalisierung also kein Zuckerschlecken gewesen sein dürfte, merkt man auch geringfügig an den Texten. Diese sind zum Beispiel manchmal zu nah am Englischen und leider hat man sich dazu entschieden, den Plural „Bracers“ zu wählen, woran ich mich erst gewöhnen musste. Auch merkt man hin und wieder, dass den Übersetzern die Konstellation der Gruppe nicht immer genau bekannt war oder auch, wo sich die Charaktere innerhalb der Szene gerade befinden. Das sind aber alles eher Kleinigkeiten und ist in der Masse zu vernachlässigen.

Es gibt keine kompletten Ausfälle oder Sätze, die keinen Sinn ergeben, und gegen Ende werden die Texte sogar nur besser. Vermutlich waren also mehrere Personen beteiligt und dadurch gibt es ein paar auffällige Passagen, generell bin ich aber sehr froh und zufrieden mit den deutschen Texten.

Neues aus dem Hause Kampfsystem

Neben der Optik hat sich auch am Kampfsystem einiges verändert. Solltet ihr Teil eins oder zwei von Trails through Daybreak gespielt haben, werdet ihr bereits bestens damit vertraut sein. Dieses hat nun auch den Weg in Trails in the Sky 1st Chapter gefunden. Seid ihr außerhalb von Städten oder in Dungeons unterwegs, könnt ihr Gegner nun auch aktiv in Echtzeit vermöbeln. Mit Ausweichrolle und zwei Hauptangriffen geht das auch flott von der Hand und man kann sich so dem Rundenkampf bei kleineren Gegnern ganz entziehen.

Alternativ verschafft man sich auf diese Art einen Vorteil für den Rundenkampf und haut nur so lange in Echtzeit auf den Feind, bis diesem gelbe Piepmatze um den Kopf schwirren. Dann wechselt man auf Wunsch in den taktischen Kampf und kann es hier ruhiger angehen lassen. Bei Bossen und in Schlüsselsituationen kämpft man allerdings ausschließlich im Rundenkampf. Mit dem optionalen Highspeed-Modus geht dabei alles noch flotter – Falcom respektiert eure wertvolle Zeit.

Auch die Rundenkämpfe sind modernisiert worden. Man kann jetzt mit dem aktiven Kämpfer frei im möglichen Radius herumlaufen und danach trotzdem noch angreifen, wofür man im Original zwei separate Aktionen aufwenden musste. Da es häufig nur so von Gegnern wimmelt – mehr, als vielleicht nötig gewesen wäre –, kann man sich außerdem auch mit sehr vielen Widersachern gleichzeitig konfrontiert sehen. Daher hat Falcom etwas an den Zaubern (neudeutsch: Künste) geschraubt und diese haben nun einen größeren Wirkungskreis oder Fähigkeiten wurden teilweise vom Einzel- zum Flächenangriff.

Für die Künste gibt es dem ursprünglichen Spiel getreu die Quarz, deren Elemente ihr zu immer mächtigeren Zaubern kombinieren könnt. Hier werden nun mehr Erklärungen und Hilfen bereitgestellt, damit ihr nicht so ratlos darauf blicken müsst, wie ich selbst es vor gut 14 Jahren tat.

Aber keine Sorge: Obwohl die Welt wirklich übertrieben mit Monstern gespickt ist, kann man an allen wunderbar vorbeilaufen und wird nicht dauernd zum Kampf gezwungen. Auch am Balancing wurde zum Besseren gefeilt: Die ersten Level sind nun kein Krampf mehr und man steigt ganz harmonisch auf. Der Grind aus alten Tagen hat hier also ein Ende.

Sorge hatte ich auch, ob man den knackigen, aber fairen Schwierigkeitsgrad beibehalten würde. Die wahren Monster in Trails in the Sky sind nämlich die menschlichen Gegner. Gott sei Dank hat Falcom aber auch hier nichts verändert. Es bleibt anspruchsvoll, Gegenstände und Ausrüstung müssen klug genutzt werden, Stärkungen und Schwächungen finden endlich mal eine Verwendung und man wird gut gefordert, ohne dass es unfair wird – so soll es sein! Seinen Widersachern kann man jetzt zwar auch mit den neuen Gruppenangriffen entgegenwirken, aber trotz aller Neuerungen stimmt das Balancing auf Normal.

Ich habs markiert

Eine Änderung, die mir persönlich sauer aufstößt, ist, dass mit Trails in the Sky 1st Chapter nun auch alles voller Markierungen ist. Jemand hat etwas verloren? Na, wo wird es wohl sein? Ah, ja, da bei der Markierung! Ich soll die 14. Laterne reparieren? Wozu zählen? Praktisch, die 14. Laterne ist markiert! Zugegeben, im Original war auch durch das Fehlen jeglicher Markierungen nicht alles perfekt – ich weiß noch, wie ich den in der Bar auf dem Tisch schlafenden Nial ewig nicht finden konnte.

Auch die Bücher, die es zu sammeln gilt, kann man somit nur schwer verpassen. Sind sie euch doch mal entgangen, weil ihr einen Trails-in-the-Sky-1st-Chapter-Test noch vor Release schreiben wolltet und nicht ganz so achtsam wart, könnt ihr versäumte Bücher auch nachträglich kaufen. Das ist gut für alle, die nichts verpassen möchten, aber mir nimmt das leider den Erkundungsdrang völlig. Dabei wäre mir schon geholfen, wenn ich die Markierungen einfach ausschalten könnte.

Zum Ende hin habe ich mich aber damit abfinden können, denn es gibt auch Aufgaben, bei denen einem nur ein Bereich vorgegeben wird und man auch selbst suchen darf – wenn auch nur ein wenig.

Originalgetreue Liebeserklärung

Bildmaterial: Trails in the Sky 1st Chapter, GungHo Online Entertainment, Falcom

Der Beitrag Im Test! Trails in the Sky 1st Chapter ist ein Traum für Fans und eine Pflicht für Neulinge erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Metal Gear Solid Delta: Snake Eater
	28. August 2025
	Konami
	28. August 2025
	Konami
	28. August 2025
	Konami
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Konami
Genres	Stealth-Action
Texte
Vertonung

Viele Jahre war es sehr ruhig rund um die extrem erfolgreiche und kultige Metal-Gear-Reihe. Sowohl Fans als auch Kritiker sehnten sich nach einem neuen Lebenszeichen des wohl coolsten und smartesten Agenten der Videospielgeschichte und diverse Gerüchte über potentielle Remakes oder gar komplett neue Ableger machten, fast schon wie es bei der Shenmue-Reihe der Fall war, jährlich die Runde.

Im Zuge eines PlayStation Showcase am 24. Mai des Jahres 2023 war es letztendlich so weit und Konami ließ endlich die Bombe platzen. Metal Gear Solid Delta: Snake Eater, ein vollwertiges Remake des dritten Teils auf Basis der Unreal Engine 5, wurde angekündigt und die Fans waren weltweit aus dem Häuschen und konnten ihr Glück kaum fassen.

Auch wenn es sich hier „nur“ um ein Remake handelt, so ist es für viele Fans ein Lichtblick in eine vielleicht neue Zukunft der Reihe. Und da man sich bei Konami mit Snake Eater ein absolutes Brett für ein Remake herausgepickt hat, ist es durchaus wahrscheinlich, dass wir auch in Zukunft weitere Metal-Gear-Projekte zu sehen bekommen. Vorausgesetzt die Verkaufszahlen sprechen dafür, natürlich. Da Snake Eater als vielleicht sogar bester Teil der gesamten Reihe gehandelt wird, braucht man sich zumindest in diesem Punkt wohl keine großen Sorgen zu machen.

Zeitgleich mit dem Remake von Snake Eater wurde auch die „Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 1“ angekündigt. Diese mehr oder weniger komplette Collection der bisher erschienenen Hauptteile der Metal-Gear-Reihe wurde von vielen Fans mit gemischten Gefühlen aufgenommen. Die technische Umsetzung sprach, gerade zum Release, nicht wirklich für die Collection und es fehlten auch wichtige Titel der Reihe. Dann wurde es, zum Ärger vieler Fans, auch schon wieder still um die kultige Reihe aus der Feder von Hideo Kojima und die Wartezeit auf das Remake von Snake Eater ging munter weiter.

Am 28. August 2025 ist es nun nach vielen Jahren des Wartens endlich so weit und wir dürfen uns erneut in feindliche Gefilde begeben, schleichen und geschickt aus der Deckung heraus agieren. Ob sich das modernisierte, absolut epische und an die Neuzeit angepasste Stealth-Abenteuer ein weiteres Mal lohnt oder ob man auch getrost weiterhin das Original aus dem Jahre 2004 genießen kann, erfahrt ihr in unserem ausführlichen Test.

Epischer Agenten-Thriller zur Zeit des Kalten Krieges

Die Geschichte von Snake Eater spielt in einem alternativen Universum, in welchem der Kalte Krieg in den 1960er-Jahren in vollem Gange ist. Wir schlüpfen in die Rolle von „Snake“, einem Top-Level-CIA-Agenten der Vereinigten Staaten. Während dieser Zeit wurde Snake der sogenannten „FOX“-Einheit zugeteilt. Eine Sondereinheit der CIA, welche sich auf extrem heikle Missionen auf internationalem Terrain spezialisiert hat.

Unser Held Snake erhält folglich nun den Auftrag den Raketenspezialisten und Forscher Dr. Sokolov aus den Händen einer Terroristen-Gruppe zu befreien und in die Vereinigten Staaten zu geleiten. Wie es fast schon typisch für die Metal-Gear-Reihe ist, geht dieses Vorhaben gehörig schief und so findet sich unser Held Snake in einer schier ausweglosen Situation wieder, deren volles Ausmaß sich jedoch erst nach und nach entfaltet.

Ein extrem spannender Agenten-Action-Thriller erwartet uns und wie es eben auch für die Reihe typisch ist, darf natürlich auch der ein oder andere Story-Twist nicht fehlen. Aber jedes weitere Wort würde an dieser Stelle die fantastisch und atmosphärisch erzählte Story ruinieren.

Stealth und brachiale Action wechseln sich gekonnt ab

Das Besondere an Snake Eater ist meiner Meinung nach die perfekte Mischung aus eher ruhigen und überlegten Stealth-Passagen und actiongeladenen Momenten, die an Stil und Coolness wohl kaum zu überbieten sind. Mal schleicht man sich in passender Tarnmontur von Busch zu Busch um letztlich nicht von den unzähligen Feinden entdeckt zu werden und mal ballert man sich mit einem großen Maschinengewehr ganz Rambo-like durch dutzende Gegner. Snake Eater hat beides zu bieten und das auch noch auf extrem hohem Niveau.

Auch das allseits beliebte Tarnungs-Feature ist dem Remake erhalten geblieben. Die letzten ausgewählten Tarnungskombinationen können nun sogar per Schnell-Menü innerhalb weniger Sekunden ausgewählt werden. So hat man in jeder noch so heiklen Situation die passende Tarnung zur Hand. Im weiteren Spielverlauf kann man natürlich auch weitere Tarnmuster und auch Gesichtsbemalungen finden.

Aber auch das Survival-typische Heilungsmenü in welchem man seine Verletzungen selbst verarzten muss ist uns erhalten geblieben. Gerade in den ersten Spielstunden ist dieses System wirklich frisch und innovativ umgesetzt, nervt nach einigen Spielstungen aber doch etwas. Vor allem da das Vorgehen beim Heilen im Grunde genommen immer das selbe ist.

Die immer noch wunderbar gestaltete Spielwelt setzt dem ganzen noch die Krone auf und rundet das ohnehin schon fantastische Gesamtpaket noch weiter ab. Auch heute macht Snake Eater also noch unheimlich viel Spaß und steht auch modernen Titeln kaum in etwas nach.

Levelarchitektur nicht so freiläufig, wie sie sein könnte

Einer der wenigen Minuspunkte beim Remake von Snake Eater ist meiner Meinung nach die Tatsache, dass die beschränkte Levelarchitektur, die zu PS2-Zeiten wahrscheinlich noch der relativ schwachen Hardware geschuldet war, es leider auch in das Remake geschafft hat.

Im Klartext heißt das: Die ohnehin schon relativ klein gehaltenen Areale sind nach wie vor durch minimale Ladezeiten getrennt. Wahrscheinlich wurde dies von den Entwicklern beim Remake beibehalten um das Feeling des Originals nicht zu verfälschen. Auf der einen Seite eine durchaus nachvollziehbare Entscheidung, dennoch sieht man am Beispiel des Dead-Space-Remakes, dass es auch anders lösbar wäre.

Denn hier entschieden sich die Entwickler dafür, die ursprünglich durch Ladezeiten (Bahnfahrten) getrennten Passagen zu verbinden und ein großes Ganzes aus der Spielwelt zu machen. Dies wäre beim Remake von Snake Eater auch angebrachter gewesen, schmälert den fantastischen Gesamteindruck des Titels aber dennoch nicht. Ein kleiner fader Beigeschmack bleibt dennoch. Vor allem, da man ganz genau weiß, dass es technisch ohne weiteres machbar gewesen wäre.

Ein Actionfeuerwerk, das an Atmosphäre kaum zu überbieten ist

Auch heutzutage steckt Snake Eater noch etliche Genre-Konkurrenten locker in die Tasche, wenn es um stylische Präsentation, Cutscenes und Dialoge geht. Selten hat man eine derart dichte Atmosphäre gepaart mit toll geschriebenen Dialogen erlebt, wie es hier der Fall ist. Snake Eater zählt nicht umsonst, auch unter Hardcore-Metal-Gear-Fans, zum vielleicht sogar besten Teil der gesamten Reihe.

Die Geschichte wird vor allem durch toll inszenierte Zwischensequenzen erzählt, aber auch die für die Reihe typischen Codec-Gespräche tragen ungemein zur Atmosphäre bei. Ein Stealth-Thriller, wie es sie heutzutage leider kaum noch gibt.

Grandiose Optik dank moderner Unreal Engine

Die fantastische grafische Qualität, die das Remake von Snake Eater zu bieten hat, ist vor allem der Unreal Engine 5 zu verdanken. Die moderne Engine schafft es gekonnt die bereits bekannten Locations in völlig neuem Glanz erstrahlen zu lassen und transportiert den Titel somit gekonnt in die technische Neuzeit.

Neben den hübschen Texturen sind es vor allem die unglaublich toll aussehenden Lichteffekte, die dem Titel die optische Krone aufsetzen. Aber auch die Tatsache, dass die Entwickler daran gedacht haben, dass das Original aus dem Jahre 2004 eine etwas andere Farbpalette zu bieten hatte als es heutzutage bei Spielen oft der Fall ist, ist wirklich bemerkenswert.

Denn je nach eigenem Wunsch kann der Titel mit verschiedenen Farboptionen gespielt werden. Ich habe das Remake beispielsweise mit den Originalfarben gespielt und somit ein fast schon Déjà-vu-artiges Spielerlebnis gehabt. Denn farblich sieht das Remake dann aus wie das Original, hat aufgrund der Unreal Engine 5 aber doch ein völlig neues technisches Erlebnis zu bieten. Eine tolle Idee der Entwickler, die auf jeden Fall löblich hervorgehoben werden muss.

Einen kleinen Minuspunkt muss sich das Remake von Snake Eater jedoch in Sachen Framerate gefallen lassen. Denn diese war, zumindest in unserer Vor-Day-One-Patch-Version, noch relativ instabil. In vielen, teilweise sogar völlig leeren Arealen brach diese regelmäßig ein und schaffte es daher nicht immer die eigentlich angepeilten 60 Frames zu halten. Vielleicht wird dies aber auch vor dem Release noch per Day-One-Patch behoben.

Ein Soundtrack, der seinesgleichen sucht

Was schon immer ein typisches Merkmal der Metal-Gear-Reihe war, ist der unglaublich tolle und absolut epische Soundtrack. Stets perfekt untermalt dieser die Szenerie und macht die ohnehin schon sehr cool inszenierten Zwischensequenzen und Spielmomente noch eine Ecke epischer.

Aber auch die unzähligen Dialoge sind auf absolutem Hollywood-Niveau und brauchen sich auch vor anderen modernen Titeln keinesfalls zu verstecken. Auch der Originalsprecher von Snake, David Hayter, ist wieder mit von der Partie und verleiht unserem ikonischen Helden seine markante und Gänsehaut-erzeugende Stimme. Auch die Soundeffekte sind auf außerordentlich hohem Niveau und so macht das Remake von Snake Eater vor allem soundtechnisch eine tolle Figur.

Bonus-Modus sorgt für zusätzlichen Spaß

Ein kleines Fan-Schmankerl dürfte der bereits in der Subsistence-Version von Snake Eater enthaltene „Snake vs. Monkey“-Modus sein. In diesem übernehmen wir wieder die Rolle von Snake, welcher es sich dieses Mal jedoch zum Ziel gemacht hat, eine bestimmte Anzahl von frechen Affen dingfest zu machen.

Am besten lässt sich dieser Modus als eine Art Kollaboration mit der kultigen „Ape Escape“-Reihe bezeichnen. Ein netter und lustiger Modus, der aber auch schon nach wenigen Runden seinen Reiz verliert. Mehr als eine nette Beigabe sollte man hier also nicht erwarten.

Dieser „Snake vs. Monkey“-Modus bleibt allerdings PlayStation-5- und PC-Spielern vorbehalten. Xbox-Spieler erhalten einen alternativen Spielmodus.

Multiplayer-Modus für Herbst dieses Jahres geplant

Konami kündigte außerdem einen Multiplayer-Modus mit dem Titel „Fox Hunt“ für den Herbst dieses Jahres an. Dieser wird zwar keine Crossplay-Funktion bieten, soll aber dafür mit spannender Stealth-Mehrspieleraction glänzen.

Ich bin jedenfalls schon sehr gespannt, was Konami aus dieser Möglichkeit macht und ob der Mehrspieler-Modus von den Käufern und Fans des Remakes angenommen wird. Die Reihe machte in der Vergangenheit bereits mit dem ein oder anderen mehr oder weniger erfolgreichen Mehrspieler-Modus auf sich aufmerksam ohne jedoch groß aus der Masse herauszustechen.

Der legendäre Top-Agent Snake ist in der Moderne angekommen

Bildmaterial: Metal Gear Solid Delta: Snake Eater, Konami

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Titel	Donkey Kong Bananza
	17. Juli 2025
	Nintendo
	17. Juli 2025
	Nintendo
	17. Juli 2025
	Nintendo
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Nintendo
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Ihr erinnert Euch: In unserem Hands-on-Preview sprachen wir Donkey Kongs neuestem Abenteuer bereits Hit-Potenzial zu. Nach über 25 Stunden mit der Vollversion brauchen wir gar nicht lang um den heißen Brei zu reden: Ja, Donkey Kong Bananza ist tatsächlich ein waschechter Hit geworden. Und wenn Ihr bereits eine Switch 2 besitzt, kommt Ihr um diesen Pflichtkauf nicht herum, denn: So viel Spaß mit einem 3D-Hüpf-Abenteuer hatten wir seit Super Mario Odyssey nicht mehr.

Tatsächlich verantwortet das Team hinter Marios gefeierter Weltreise auch Donkey Kongs Rückkehr in die dritte Dimension. Das merkt man dem kreativ-chaotischen Abenteuer immerzu an, wenngleich „Bananza“ ganz selbstbewusst sein eigenes spannendes Süppchen kocht.

Auf zum Planetenkern

Aber eins nach dem anderen: Wenn Ihr unser Preview gelesen habt, wisst Ihr bereits um das grundlegende Spielprinzip von „Bananza“. Lasst uns trotzdem kurz aufrollen, worum es geht. Nach einem gemeinen Bananenraub durch die Scharlatane der Void Company überschlagen sich die Ereignisse und Minenarbeiter Donkey Kong wird in die Tiefen des Untergrunds geschleudert. Hier trifft er auf die schüchterne Nachwuchssängerin Pauline, die eine gemeinsame Reise zum Mittelpunkt des Planeten vorschlägt. Warum sich der Teenager den Planetenkern zum Ziel setzt? Nun, weil dieser selbst die größten aller Wünsche erfüllen soll, heißt es. Im Fall von Pauline ist das die Aussicht auf eine Rückkehr zur Heimat an der Oberfläche und im Fall des ikonischen Gorillas bedeutet das – na klar – jede Menge Bananen.

Ihr übernehmt also die Kontrolle über den liebenswerten Bananenliebhaber, um Euch Schicht für Schicht gen Planetenkern zu graben und das ist wortwörtlich gemeint. „Bananza“ ermuntert zur kompetenten Zerstörung der vielen weitläufigen Sandbox-Levels. Der schrullige Gorilla schlägt, gräbt und stürzt sich durch nahezu sämtliches Terrain, das die – thematisch vielseitig angelegten – Schichten zu bieten haben. Ein Umstand, der im ausführlichen Test der Vollversion übrigens auch technisch mächtig beeindruckend ausfällt.

Erst kürzlich erklärte Director Kazuya Takahashi in einem Interview, dass man den Spaß und die Spielbarkeit gegenüber der Performance priorisiert habe – es solle entsprechend gelegentlich zu Einbrüchen der Bildrate kommen, wir berichteten. Bis der Abspann in unserem Test über den Bildschirm rollte, konnten wir solche absolut verschmerzbaren Einbrüche der Bildrate an einer Hand abzählen. Es scheint also, dass Takahashis Aussage erfreulicherweise auf die berühmte japanische Bescheidenheit zurückgeht. Wir waren jedenfalls mächtig angetan von der bombenfesten Bildrate.

Eine Banane geht noch!

Aber zurück zum Abenteuer! Der friedliebende DK gräbt und schlägt sich natürlich nicht grundlos durch die Heimat netter Insel-, Wald- und Berg-Völker. Im Terrain der verschiedenen Levels verbergen sich zahlreiche Schätze, die es freizulegen gilt. Von Truhen über Fossilien bis zu den wertvollen Goldbananen stolpert Ihr immerzu über belohnende Funde. Die Fossilien sind in der nächstgelegenen Boutique flott gegen schicke neue Outfits für DK und seine charmante Begleitung eingetauscht; die funkelnden Früchte hingegen versorgen Euch bei jedem Fünferpack mit Fertigkeitspunkten, die Ihr in eine Auswahl von Boni und neuen Fähigkeiten für Donkey Kong investiert. So schlagt Ihr mit der Zeit härter zu oder erhöht die Reichweite Eurer praktischen Klatsche, mit der Ihr nicht nur nahe gelegene Ressourcen einsammelt, sondern ebenso versteckte Schätze ausmacht.

Was sich in diesem Kontext bereits in der Vorabversion andeutete, bestätigt sich mit der Vollversion: „Bananza“ kreiert einen hervorragenden Spielfluss und beachtlichen Sammeltrieb, der Euch schnell mal Stunden an den Bildschirm fesselt, um „nur noch schnell die eine Banane“ einzuheimsen. Folgt Ihr einfach nur der Hauptgeschichte, ist der Abspann sicher verhältnismäßig flott erreicht. Sich der vielen kreativen, optionalen Inhalte zu entziehen, fällt aber genauso schwer wie seinerzeit in „Odyssey“. Wollt Ihr alle Bananen und Fossilien ergattern, blickt Ihr dann sogar mit Leichtigkeit einer Spielzeit von 30+ Stunden entgegen.

Kreativ, clever und hochgradig spaßig!

Eine üppige Laufzeit, in der – ganz vorbildlich – nie Langeweile aufkommt. Eure geliebten Bananen verstecken sich nämlich nicht nur in den Innereien der vielen Terrains. Sämtliche Erdschichten sind bis zum Rand mit Herausforderungen gefüllt, die Euch mit den wertvollen Früchten belohnen. Zuvor machten wir bereits Hindernisparcours unsicher und trotzten Feinden unter Zeitdruck in abgesteckten Arenen.

In der Vollversion locken die „Breath of the Wild“-ähnlichen Tempel mit immer kreativeren Aufgaben, je weiter Euer Abenteuer voranschreitet. Ihr formt etwa eine Schneise ins Gelände eines Abhangs, um so die Strecke für herabfallende Gelee-Würfel vorzugeben. Oder Ihr tragt Masse von einem Terrain ab, das sich an anderer Stelle wieder manifestiert. So werden zuweilen wirklich clevere, immerzu aber hochgradig spaßige Herausforderungen aufgetischt, die durchweg am Ball halten.

Immer, wenn sich der kreative Krawall langsam abzunutzen droht, zieht „Bananza“ frische Twists aus dem Hut, die der simpel-genialen Grundidee neuen Aufwind bescheren. Der Titel führt Euch dabei behutsam an neue Mechaniken heran, ehe Eure frisch erlangten Fähigkeiten konsequent im Rahmen einer Erdschicht bzw. Welt abgefragt werden. Zu den bereits bekannten Kong- und Straußen-Bananzas gesellen sich neben der flinkfüßigen Zebra-Bananza übrigens noch weitere Transformationen, die sich toll in das Gesamtrepertoire eingliedern. Die dürft Ihr aber selbst entdecken!

Der euphorische Eindruck wird eigentlich nur von einem nennenswerten Manko geschmälert. Wie diverse andere in jüngerer Vergangenheit veröffentlichte Nintendo-Titel, setzt „Bananza“ auf einen äußerst leichten Schwierigkeitsgrad. Von einem fordernden Finale abgesehen, dürftet Ihr ohne Probleme zum Abspann gelangen. Sicher: Den größten Spielspaß zieht man hier aus der kreativen Schatzsuche; fordernde Geschicklichkeitspassagen nehmen auf der Rückbank Platz. Außerdem wird ein nicht unbeträchtlicher Teil des Publikums noch ein paar Tage jünger sein. Trotzdem hätte DKs neues Abenteuer durchaus etwas fordernder ausfallen dürfen. Das tut dem Spielspaß letztlich aber kaum einen Abbruch.

Ungewohnt spektakulär

Ein Umstand, der nicht zuletzt darin begründet liegt, weil „Bananza“ schlicht toll präsentiert ist. Die vielen Erdschichten begeistern mit einem Potpourri an bunten spielerischen wie visuellen Ideen. Vor allem begeistert aber das ungleiche Duo, das Euch ohne Mühe ans Herz wächst. Wenn die kleine Pauline ihre Sorgen und Freuden laut macht und Donkey Kong mit putzigen Gesten reagiert, ist das immerzu eine Wonne und manchmal sogar richtig rührend.

„Bananza“ ist aber nicht nur – wie von Nintendo ohnehin gewohnt – süß. Gerade zum Ende hin häufen sich immer spektakulärere Sequenzen, die tatsächlich untypisch bombastisch ausfallen. Eine willkommene Überraschung und beeindruckender Showcase der technischen Möglichkeiten von Switch 2. Erfreute Mario Kart World bereits mit hübschen Schauwerten, lässt „Bananza“ neugierig spekulieren, was künftig noch so alles auf Nintendos aufgebohrter Hybridkonsole möglich werden könnte.

Wo wir vorhin bereits das jüngere Publikum anschnitten: Habt Ihr vor, Euch mit Euren Kleinen ins Abenteuer zu stürzen, bietet der 2er-Koop-Modus ein putziges Fundament für die gemeinsame Reise. Der zweite Spieler macht es sich in Form von Pauline auf DKs Schulter bequem und feuert manifestierte Ausrufe auf Feinde. So können auch ganz kleine Donkey-Fans am Spaß teilhaben. Ebenfalls nice to have: Der Skulptur-Modus, der sich oberflächlich an den Funktionen gängiger 3D-Modellierungssoftwares bedient, damit Ihr verschiedene Vorlagen nach Belieben bearbeiten und gestalten könnt. Dieser Modus stellt dann auch nochmal eindrucksvoll vor, wie präzise die neue Maus-Steuerung von Switch 2 ausfällt.

Der beliebte Star-Gorilla in Bestform!

Bildmaterial: Donkey Kong Bananza, Nintendo

Der Beitrag Im Test! Donkey Kong Bananza ist Gorilla-Fun in Bestform und der erste Pflichtkauf für Switch 2 erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	The Hundred Line: Last Defense Academy
	24. April 2025
	Aniplex
	24. April 2025
	Marvelous USA
	24. April 2025
	Marvelous
System	Nintendo Switch, Windows
Getestet für	Nintendo Switch
Entwickler	Too Kyo Games / Media.Vision
Genres	Visual Novel / Strategie-RPG
Texte
Vertonung

Es gibt Spiele, die hat man nur mit leichtem Interesse auf dem Schirm. Wo man weiß: „Ah, das kommt ja bald.“ Und wenn man es dann spielt, wird man auf einmal so in den Bann gezogen, dass man gar nicht mehr aufhören kann daran zu denken. Wenn man nicht spielt, möchte man eigentlich alles liegen lassen und weiterzocken. So ging es mir mit The Hundred Line: Last Defense Academy, dem neuesten Spiel aus dem Kopf des Danganronpa-Schöpfers Kazutaka Kodaka. Mit seinem eigenen Studio Too Kyo Games bringt man nun ein ambitioniertes Werk, welches mit 100 Enden überzeugen möchte.

Die letzte Hoffnung der Menschheit

In The Hundred Line: Last Defense Academy, künftig kurz The Hundred Line genannt, übernehmt ihr die Rolle von Takumi Sumino. Er führt ein gewöhnliches Leben im Tokyo Residential Complex. Gemeinsam mit seiner Kindheitsfreundin Karua geht er gerade zur Schule, als sich die Ereignisse überschlagen und er auf das merkwürdige Wesen Sirei trifft. Nicht nur das – bald greifen ihn und Karua kafkaeske Monster an! Sirei gibt Takumi einen Dolch, mit dem er sich selbst in die Brust stechen soll, um seine wahren Fähigkeiten zu erlangen.

Nach kurzem Zögern macht Takumi das auch und verwandelt sich regelrecht. Mit seinen neu gewonnenen Kräften kann er die Monster besiegen. Jedoch wird er dann ohnmächtig und wacht kurz darauf mit zahlreichen gleichaltrigen Personen in einem Klassenraum auf. Sirei erklärt bald der Gruppe von Teenagern, dass sie nun für 100 Tage in der Schule bleiben und diese vor den Monstern verteidigen müssen.

Doch nicht alle sind gewillt, einfach so ihr Leben aufs Spiel zu setzen. Takumi muss also nun versuchen, alle zum Kampf zu bringen … und gleichzeitig herausfinden, was zur Hölle in der Welt eigentlich los ist. Das wichtigste Ziel für ihn liegt jedoch darin, zum Tokyo Residential Complex zurückzukehren und Karua wiederzusehen.

Ich möchte an der Stelle etwas Ungewöhnliches machen und mein Fazit in verkürzter Form vorziehen. Denn bei The Hundred Line: Last Defense Academy liegt der Fokus auf erkunden und herausfinden, was das Spiel euch zu bieten hat. Der Titel bietet sehr viel Abwechslung in der Story und lässt euch immer mitfiebern, wie es wohl weitergeht. Wenn euch das als Information ausreicht und überzeugt, stoppt lieber das Lesen und stürzt euch in das Abenteuer mit Takumi. Ich empfehle es auf jeden Fall stark.

Nicht nur 100 Tage, auch 100 Enden

Noch da? Okay! Wie Sirei euch auch erklärt, erlebt ihr im Laufe der Zeit wirklich nahezu alle 100 Tage im Spielverlauf. Diese sind mal mehr, mal weniger spannend. Manchmal ist es lustig, manchmal traurig. Die Schüler:innen im Spiel sind allesamt, wie man es vielleicht aus Danganronpa auch kennt, komplett überspitzte Persönlichkeiten.

Während ein Charakter eine innige Liebe zu dem eigenen Schwert zu haben scheint, hasst eine andere Figur sich selbst massiv und bezeichnet sich quasi als größten Abschaum – in nahezu jedem Satz. Die Überspitzung der Charaktere kann manchmal etwas repetitiv sein und besonders bei Darumi äußert sich dies in dem ständigen Wunsch nach „Killing Games!“. Was natürlich eine eindeutige Anspielung auf Danganronpa ist. Generell macht sie viele Anspielungen auf andere Medien. Größtenteils führen die abgedrehten Charaktere jedoch einfach zu lustigen Momenten, die das Spiel so charmant machen.

Doch The Hundred Line öffnet sich erst so richtig, sobald ihr den zweiten Spieldurchlauf erreicht habt. Denn durch Entscheidungen könnt ihr nun eines der anderen zahlreichen Endings erreichen. Dabei unterscheiden sich die Plotlines tatsächlich sehr stark. Manche bauen die Welt mehr aus, manche machen ihr eigenes Ding aus der Geschichte und eröffnen komplett neue Plots. Dabei ändern sich sogar die Genres der Storys. Und genau dies macht den Titel einfach so interessant.

Eine einzige Entscheidung lässt die Entwicklung der Story in eine teils komplett andere Richtung laufen. Ich bin kein Fan davon, Spiele nur wegen kleinen Änderungen bei einer Entscheidung erneut zu spielen. Aber The Hundred Line bietet so viel Abwechslung, dass selbst ich gern mehrfach die 100 Tage absolviere. Leider darf und möchte ich gar nicht zu sehr ins Detail gehen, wenn es darum geht, inwiefern sich alles ändert. Doch glaubt mir, es ist nicht so „nervig“ alles neu zu machen, wie man vielleicht denkt.

Die Geschichte von The Hundred Line wird euch in einem Visual-Novel-Stil präsentiert. Das führt manchmal dazu, viele Szenen „nur“ in Textform darzustellen, um Ressourcen zu schonen. Trotz der Größe des Spieles, mit seinen zahlreichen möglichen Plot-Linien, bebildert euch The Hundred Line sehr viele besondere Momente. Das hat mich persönlich sehr überrascht. Und von dem, was ich sehen konnte, scheinen auch viele Endings noch mit eigenem Artwork versehen zu sein.

Apropos Endings: Manchmal habt ihr kurz vor den Credits noch einmal die Möglichkeit auf eine Entscheidung, welche den Verlauf des Endes ein wenig abändert. Hier hat man es sich also durchaus mit den zahlreichen Endings teils einfach gemacht, um auf diese Weise aus einem Ende schnell zwei zu machen. Das muss man bei all dem Lob für die unterschiedlichen Stränge definitiv erwähnen. Ob das nun schlecht ist oder nicht, muss jede Person für sich entscheiden.

Auf in den Kampf!

In The Hundred Line müsst ihr, wie es der Plot vorgibt, auch in den Kampf ziehen. Dabei bietet euch der Titel ein Strategie-RPG als Kampfsystem. Eure Einheiten werden zu Beginn einer Schlacht automatisch auf einer Map aus verschiedenen Feldern platziert. Jeder Charakter hat seine Rolle – Takumi ist zum Beispiel ein klassischer Angreifer. Andere Charaktere sind eher als Unterstützer eingesetzt und können zum Beispiel kleine Angriffstürme bauen. Dabei besitzt außerdem jede Einheit eine Klassenspezialität. Takumi zum Beispiel kann im Kampf die Zeit ein wenig zurückdrehen – was quasi eine Ingame-Erklärung für das Wiederholen einer Angriffswelle oder des gesamten Kampfes liefert.

Mit jedem Angriff auf einen der Feinde füllt ihr die Voltage-Leiste am oberen Bildschirmrand. Bis zu drei Ladungen hält diese. Pro Füllung könnt ihr einen Charakter einen Spezialangriff durchführen lassen, welcher oft viele Feinde auf einmal besiegen kann. Der Nachteil daran jedoch: Die jeweilige Figur ist dann betäubt und muss eine Runde lang aussetzen. Nach einem normalen Angriff ist eure Figur übrigens auch weiterhin nutzbar – aber erschöpft und kann nur noch ein Feld weit laufen. Das Kampfsystem bietet euch jedoch zahlreiche Möglichkeiten, dies auszunutzen oder zu korrigieren.

Jede normale Attacke verbraucht AP, Action Points. Jedoch könnt ihr AP erhalten, wenn ihr bestimmte Feinde auf dem Schlachtfeld besiegt. Schlau ist es also, die Voltage-Leiste mit normalen Angriffen zu füllen und mit dem Spezialangriff neue AP zu erhalten um dann weiter angreifen zu können. Außerdem könnt ihr diese starke Attacke ebenfalls nutzen, wenn eure Figuren wenig HP haben. Dies bedeutet jedoch das Ausscheiden aus dem Kampf. Auf diese Weise belohnt der Titel euch aber mit Erfolg, wenn ihr mit geschickter und aggressiver Methodik die Feinde ausschaltet und dabei gelegentlich mal ein paar Charaktere opfert.

Das strategische Kampfsystem macht wirklich Spaß – ich muss aber etwas gestehen. Aufgrund der doch sehr spannenden Geschichte des Spieles, hatte ich durchaus manchmal einen „Uff, JETZT einen Kampf?“-Moment, wenn es geschah. Jedoch könnt ihr bei wiederholten Spieldurchläufen bereits absolvierte Kämpfe überspringen und erhaltet dennoch die Belohnungen dafür. Übrigens: Habt ihr keine Lust auf Kämpfe an sich, könnt ihr mit dem Safety-Schwierigkeitsgrad die Kämpfe deutlich einfacher machen und euch auf die Story konzentrieren.

Das Leben zwischen den Kämpfen

Apropos Belohnungen: In The Hundred Line erhalten eure Charaktere keine Erfahrungspunkte, um stärker zu werden. In der Akademie könnt ihr die Figuren und deren Angriffe jedoch gegen Materialien und Juwelen, welche ihr vorwiegend in Kämpfen erhaltet, aufleveln. Dabei erhöht ihr zum Beispiel die Reichweite der Angriffe, wie viel Voltage man beim Angriff erhält und schlussendlich auch die Stärke. Außerdem können zusätzliche Fähigkeiten wie zum Beispiel ein Konter-Angriff erlernt werden. Um diese zu nutzen, müsst ihr im Kampf einen Teil der Voltage-Leiste opfern – aber es wird dann für die gesamte Länge des Kampfes aktiv bleiben.

Die Tage in der Akademie sind oft gefüllt mit Story-Ereignissen und schreiten auf diese Weise automatisch voran. Es gibt jedoch auch Tage, an welchen ihr mit Freizeit gesegnet seid. Diese könnt ihr zum Beispiel mit Expeditionen außerhalb der Schule verbringen. Das dient vor allem zum Sammeln von Materialien, welche dann zum Aufleveln der Charaktere genutzt werden müssen. Ihr schaltet jedoch auch Unterstützungs-Items frei, welche im Kampf eingesetzt werden können. Eine Barriere um den Feind aufzuhalten oder ein Trank, welcher mehr Angriffskraft gibt. Diese Gegenstände können mithilfe der Materialien ebenfalls verbessert werden.

Die Expeditionen lassen euch auf einem Spielbrett-artigen Gebiet in verschiedene Richtungen laufen. Die Anzahl der möglichen Schritte ist mehr oder weniger zufällig. Pro Auswahl erhaltet ihr zwei zufällige Zahlen von 1 bis 6 und könnt euch dann für eine davon entscheiden. Takumi begibt sich dann auf das ausgewählte Feld, welches dann unterschiedliche Ereignisse hervorruft und euch vor eine Auswahlmöglichkeit stellt. Hier könnt ihr dann Gegenstände erhalten, Schaden bekommen oder einen Kampf starten. Die Ergebnisse sind unterschiedlich, selbst bei Auswahl der gleichen Antwort. Oft spielt also Glück eine Rolle.

Geschenke machen das Leben schöner

Mit dem Gift-O-Matic könnt ihr aus den gesammelten Ressourcen außerdem unterschiedliche Geschenke machen. Die Liste ist groß und ihr müsst durch Gespräche mit den Charakteren herausfinden, was ihnen davon wohl gefällt. Und na ja, ein bisschen die Persönlichkeit der Figuren sollte man dann auch kennen. Freut sich eine Figur über das Geschenk, erhöhen sich eure Statuswerte für die Akademie selbst.

Diese sind unterteilt in verschiedene Kategorien wie Science, Math und weitere. Ein wenig erinnert dies an die Werte aus den neueren Persona-Spielen, welche benötigt werden um diverse Social Links zu erreichen. Hier benötigt ihr die höheren Werte um zum Beispiel Charaktere weiter aufleveln oder die Hilfs-Items für den Kampf verstärken zu können.

Wie bereits erwähnt, wird The Hundred Line in großen Teilen im Stile einer Visual Novel erzählt. Sprich, die Charaktere stehen starr auf dem Bildschirm, in verschiedenen Posen, und ihr lest den sich darunter befindlichen Text. Die Figuren sind aber lebhaft im Anime-Stil dargestellt und bringen dadurch alle wichtigen Emotionen rüber. Außerdem hat der Titel erstaunlich viele, sehr gut animierte 3D-Zwischensequenzen, vor allem rund um die Kämpfe. Zudem sind viele besondere Szenen durch Illustrationen bebildert und helfen der Immersion dabei noch einmal mehr.

Wer es übrigens nicht mag, viel Text zu lesen, der wird bei The Hundred Line nicht glücklich werden. Denn zum einen gibt es keine deutschen, sondern nur englische Texte. Und zum anderen ist nicht viel von dem Text vertont. Aber man beschwert sich ja auch bei einem Buch nicht über die fehlenden Bilder – theoretisch. Die vertonten Szenen bringen die Charaktere perfekt rüber. Ansonsten hört man oft nur „ah“ oder „uh“, beziehungsweise andere Laute, wenn die Figuren reden. Das führt manchmal zu merkwürdigen Aneinanderreihungen von verschiedenen Stöhn-ähnlichen Lauten mancher Figuren. Im Bus solltet ihr also nicht mit Ton spielen. Ansonsten ist der Soundtrack vom Spiel solide – aber so richtige Banger sind mir nicht im Ohr geblieben.

Ein ambitioniertes Projekt – das irgendwie sogar aufgeht

Mit The Hundred Line: Last Defense Academy flatterte mir unerwartet ein persönlicher Anwärter auf das Game of the Year ins Haus. Aktuell stehe ich gerade bei acht verschiedenen Endings von deutlich mehr – und ich kriege nicht genug vom Spiel. Nach über 60 Stunden habe ich nur einen Bruchteil dieses spannenden Projekts gesehen. Aber ich weiß jetzt schon, auch die kommenden, wahrscheinlich über 100 Stunden werden mich unterhalten. Das Kampfsystem macht Spaß, die Charaktere sind sympathisch und lustig, die verschiedenen Story-Stränge bringen Abwechslung in das Konzept der multiplen Spieldurchläufe und das World-Building ist klasse. Wenn ihr Lust auf ein spannendes Abenteuer habt, welches sich selbst nicht immer ernst nimmt, dann solltet ihr euch The Hundred Line: Last Defense Academy definitiv anschauen.

Bildmaterial: The Hundred Line: Last Defense Academy, XSEED Games, Aniplex, Too Kyo Games, Media.Vision

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Titel	Clair Obscur: Expedition 33
	24. April 2025
	Kepler Interactive
	24. April 2025
	Kepler Interactive
	24. April 2025
	Kepler Interactive
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Sandfall Interactive
Genres	RPG
Texte
Vertonung

Es war eine sehr große Überraschung, als Clair Obscur im letzten Jahr im Xbox-Showcase angekündigt wurde. Das relativ junge Entwicklerstudio Sandfall Interactive präsentierte uns den ersten Trailer des rundenbasierten RPGs. Der erste Trailer war eine Wucht und zog vermutlich viele neugierige Blicke auf sich.

Die cineastische Aufmachung sowie das innovative, rundenbasierte Kampfsystem mit Echtzeit-Elementen, verpackt in einem düsteren, postapokalyptischen Setting, wirkten sehr beeindruckend. Eine klare Kampfansage an die bekanntesten JRPG-Vertreter.

Zuerst einmal Lob an das Studio: Von der Ankündigung bis zum überraschenden „Release Date“-Trailer ist nicht einmal ein Jahr vergangen. Persönlich habe ich erst viel später damit gerechnet. Das Studio gibt selbst an, sich von bekannten Marken wie unter anderem Final Fantasy und Persona inspiriert zu haben. Ob das Spiel den hohen Erwartungen gerecht wird oder ob es nicht noch Ecken und Kanten gibt, erfahrt ihr wie immer hier in unserem ausführlichen Review.

Düsteres Setting in einer postapokalyptischen Welt

Inspiriert von der französischen Belle Époque (etwa Ende 19. Jahrhundert bis Anfang 20. Jahrhundert) starten wir in einer düsteren, postapokalyptischen Welt. Die Stadt Lumière befindet sich auf einer Insel und stellt sozusagen die letzte Bastion der Menschheit dar. In weiter Ferne erblicken wir einen Monolithen, der ziemlich bald seinen Zähler auf „33“ setzen wird. Die Malerin vollführt ihr teuflisches Werk und löscht eben jene aus, die älter sind. Sie zerfallen einfach zu Staub. Somit steht die gesamte Menschheit am Rande ihrer Auslöschung.

Für einige ist es Hoffnung, aber für andere ein Akt der Verzweiflung. Jedes Jahr brechen jene, die nur noch ein Jahr zu leben haben, auf eine Expedition zum Kontinent auf, mit dem Ziel, der Malerin ein Ende zu setzen, sodass sie nie wieder den Tod malen kann. Die sogenannte „Gommage“ ist die letzte Reise jener, deren Leben ausgelöscht wird.

Die Menschen versammeln sich am Hafen, um sich von ihren Lieben zu verabschieden. Auch einer unserer Protagonisten, Gustave, sowie seine Ziehschwester Maelle versammeln sich hier. Am Ende der Gommage wird gleichzeitig auch der Start der nächsten Expedition gefeiert. Wenngleich dies auch mehr ein Abschied ist, denn die meisten kehren von ihrer Expedition niemals zurück.

Ein narratives Erlebnis par excellence

Die Geschichte beginnt mit Gustave und seiner Ziehschwester Maelle. Am Abend der Gommage lernen wir auch noch weitere Charaktere der Expedition 33 kennen. Unter anderem Lune, eine Tochter renommierter Forscher, und die kontaktfreudige Sciel, die sich scheinbar mit ihrem Schicksal abgefunden hat.

Gleich nachdem die Expedition 33 am Strand des Hauptkontinents angekommen ist, gibt es bereits die erste unschöne Überraschung. An dieser Stelle möchte ich aber noch nicht zu viel verraten, nur so viel, dass die Gruppe getrennt wird und es nun an uns liegt, Gustaves Kameraden wiederzufinden und die Expedition fortzuführen.

Die Geschichte und Charaktere sind schon auf ihre Art besonders, auch die Dialoge wirken sehr emotional geprägt. Die Charaktere haben ihren Standpunkt und Sichtweise, das kommt auch meistens sehr authentisch rüber. Man merkt, dass viel Liebe und Gefühl in der Gestaltung der Szenen steckt.

Ich garantiere euch, diese Expedition wird ein Wechselbad der Gefühle sein, mit einigen Plot-Twists, die ihr mit Sicherheit nicht kommen sehen werdet. Auch wenn das Setting grundsätzlich eher sehr düster, teilweise bedrückend, gleichzeitig mysteriös wirkt und gerade anfangs viele Fragen aufwirft, so gibt es mit Fortschreiten der Handlung aber auch oft sehr witzige Momente und Dialoge. Diese haben bei mir doch für den ein oder anderen Lacher sowie amüsierte Momente gesorgt.

Des Weiteren empfinde ich den nicht zu übersehenden französischen Einfluss, gepaart mit einer Fantasy-Welt, als eine wirklich willkommene und erfrischende Abwechslung, im Vergleich zu anderen RPGs. Ein besonderer Schwerpunkt in Clair Obscur (dt. Helldunkelmalerei) ist nicht nur die genannte Expedition, sondern auch das Thema „Kunst und Malerei“, welches immer wieder Gameplay-technisch, aber auch erzählerisch vermittelt wird. Dies wird auf eine melancholische Art und Weise transportiert, die die Geschichte zu einem wirklich narrativen Erlebnis par excellence macht. Wobei die Story an ihrem Höhepunkt etwas verschachtelt wirkt, aber da muss sich jeder selbst ein Bild von machen.

Innovatives, (re)aktives Kampfsystem

Ein Kernelement des Spiels ist definitiv das Kampfsystem, welches im Grunde rundenbasiert ist, allerdings einige aktive und reaktive Elemente besitzt. Rundenbasierte Kämpfe sind zwar immer noch bei Nostalgikern beliebt, werden aber immer seltener oder entwickeln sich weiter. So verfolgt auch Clair Obscur einen interessanten Ansatz. Ihr habt im reaktiven Part die Möglichkeit nahezu allen Angriffen auszuweichen oder diese zu parieren und zu kontern. Dabei gibt es die Möglichkeit normal auszuweichen, perfekt auszuweichen oder zu kontern.

Normal auszuweichen ist einfacher als die perfekte Variante, gleiches gilt für das Parieren, welches nur perfekt vollzogen wird. Deswegen ist es anfangs leichter erstmal das Ausweichen zu üben. Mit der Zeit kommt man aber gut rein, sodass ihr auch öfters pariert, was deutlichen Schaden bei Gegnern verursachen kann. Im späteren Verlauf kommen sogar weitere Elemente hinzu, wie Springen und eine Möglichkeit spezielle Angriffe zu kontern. Es ist auf jeden Fall sinnvoll Gegner-Muster zu studieren, um möglichst wenig Schaden zu erhalten und auch mehr auszuteilen.

Neben dem Standard-Angriff gibt es noch die Möglichkeit des „Freien Zielens“, hier verwandelt sich das Gameplay kurzzeitig in einen Shooter, wo ihr wild auf die Gegner ballern könnt. Das ist nützlich, um unter anderem Schwachpunkte auszunutzen. Es gibt sogar Gegner-Typen, die nur mit Schuss-Schaden getroffen werden können, zum Beispiel fliegende Gegner.

Darüber hinaus besitzt jeder Charakter Fertigkeiten und einen eigenen Fertigkeiten-Baum. Zur Charakterentwicklung später mehr. Beim Auslösen einer Fertigkeit erscheint ein kleines Quick-Time-Event, wo ihr in einem bestimmten Moment X drücken müsst (PlayStation), um mehr Schaden zu machen und gegebenenfalls auch Nebeneffekte auszulösen. Frequenz und Timing sind immer von der Fertigkeit individuell abhängig.

Elemente und Statuseffekte

Gegner können außerdem elementare Schwächen besitzen, die ihr mit euren Waffen und Fertigkeiten ausnutzen könnt. Fertigkeiten und das Schießen auf Gegner verbrauchen AP, die maximale Anzahl an AP beträgt neun. Normale Angriffe sowie das Parieren füllen diese um einen Punkt auf. Deswegen ist es enorm wichtig, dass ihr diese im Auge behaltet, um weiterhin handlungsfähig zu bleiben. Anfänglich habt ihr da noch sehr wenig Spielraum, im Mid-End-Game gibt es aber schier endlos Möglichkeiten, um euren AP-Flow konstant hochzuhalten.

Eure Charaktere und die Gegner können mit Statuseffekten sowie Stärkungen und Schwächungen versehen werden. Das sind teilweise RPG-typische Zustandsveränderungen, wie man sie kennt. Es gibt jedoch einige Besonderheiten, ihr könnt zum Beispiel euren Gegner mehrfach mit „Brennen“ belegen, dadurch stapelt sich dieser Effekt und macht jede Runde enormen Schaden. Zudem ist es möglich Gegner zu brechen, wenn sie genug Schaden erleiden. Hierfür müssen bestimmte Fertigkeiten angewendet werden, sobald die Bruchleiste gefüllt ist. Der Gegner ist dann eine Weile betäubt und nimmt erhöhten Schaden.

Des Weiteren können bestimmte Gegner Schilde besitzen oder diese erschaffen. Das bedeutet: Ihr müsst erstmal alle Schilde entfernen, bevor Schaden zugefügt werden kann. Abschließend werden euch später noch sogenannte Gardient-Angriffe zur Verfügung stehen. Man könnte sagen, das sind so etwas wie Limit-Angriffe, wo sich eine weitere Leiste durch verschiedene Aktionen füllt. Das Besondere an diesen Angriffen ist, dass diese keine Aktion verbrauchen und ihr somit noch eine weitere Kampf-Aktion durchführen könnt.

Motivierende Charakterentwicklung

Damit ihr für die actionreichen Kämpfe stets optimal gerüstet seid, stehen euch mehrere Möglichkeiten zur Verfügung euren Charakter weiterzuentwickeln. Mit einem Levelaufstieg erhaltet ihr einen Fertigkeiten-Punkt sowie drei Attributs-Punkte. Mit den Attributs-Punkten erhöht ihr Stärke, Verteidigung, Vitalität, Beweglichkeit oder Glück. Jeder Charakter besitzt einen einzigartigen Fertigkeiten-Baum.

Ihr könnt maximal sechs aktive Fertigkeiten im Kampf nutzen, daher müssen diese mit Bedacht gewählt werden. Besonders kreativ ist, dass jeder Charakter eine spezielle Mechanik besitzt, auf welche die Fertigkeiten abgestimmt sind. Gustave lädt mit seinen Fertigkeiten einen mächtigen „Überladen“-Angriff auf, während Lune Element-Pigmente generiert und verbraucht, um mächtige magische Angriffe abzufeuern. Maelle kann in verschiedene Haltungen wechseln, um defensiv zu agieren oder mehr Schaden auszuteilen. Und das waren nur einige Beispiele.

Die Mechaniken sind teils sehr komplex, aber meist müsst ihr irgendwas aufladen oder eine gewisse Reihenfolge beachten. Bei der Verteilung der Punkte solltet ihr euch aber nicht allzu große Gedanken machen. Mit begrenzten Mitteln habt ihr die Möglichkeit sowohl euren Fertigkeiten-Baum als auch eure Attribute zu resetten. Jeder Charakter ist mit einer individuellen Waffe ausgerüstet, die mit Komponenten hochgelevelt werden kann. Etappenweise schaltet ihr auch weitere Nebeneffekte frei. Ein wichtiger Aspekt ist, dass eure Waffe mit der Verteilung bestimmter Attribute stärker wird. Hier sollte man also mit Bedacht vorgehen.

Unzählige Boni mithilfe von Lumina

Das war aber noch längst nicht alles. Neben einer Waffe rüstet ihr die Charaktere auch mit bis zu drei Pictos aus. Pictos sind im Grunde Ausrüstungsgegenstände, die eure Attribute verbessern, aber auch einen bestimmten Effekt besitzen. Die Effekte werden Lumina genannt. Diese sind sehr vielfältig, optimieren euren AP-Flow, erweitern eure Angriffe, steigern eure Überlebensfähigkeit oder heizen den Gegnern mit zusätzlichen Statusveränderungen ein.

Durch Bestreiten von vier Kämpfen werden diese erlernt und können von jedem Charakter genutzt werden. Ein sehr angenehmes System, da man nicht irgendwelche Punkte aufwendig farmen muss. Die Effekte ausgerüsteter Pictos sind immer aktiv, während die erlernten Lumina mit Lumina-Punkten aktiviert werden müssen.

Pro Levelaufstieg erhaltet ihr einen Lumina-Punkt, diese können aber mittels Items weiter erhöht werden, sodass ihr immer mehr Lumina gleichzeitig aktivieren könnt, um von deren Effekten zu profitieren. Bei der großen Masse an Pictos, die ihr im Spiel finden werdet und somit Lumina, die ihr erlernen könnt, ist es eine wirkliche Herausforderung sich für die richtigen Boni zu entscheiden. Aber es macht gleichzeitig auch richtig Spaß damit zu experimentieren.

Facettenreiche Spielwelt

Neben der Charakterentwicklung gibt es eine große Spielwelt, die es zu erkunden gilt. Nach dem Prolog und ersten Handlungstwists landet ihr später auf einer wirklich schön designten Weltkarte. Einen manuellen Spielstand anzulegen ist nicht möglich, das Spiel speichert wirklich sehr regelmäßig automatisch und ihr könnt auf eine ganze Reihe alter Stände zurückgreifen. Zudem habt ihr auf der Weltkarte jederzeit die Möglichkeit in ein Lager zu wechseln. Hier könnt ihr euch heilen und eure Charakterentwicklung vorantreiben. Hin und wieder finden dort aber auch Handlungssequenzen statt oder ihr lauscht einigen Nebenereignissen und fördert die Charakterbeziehungen.

In der Welt von Clair Obscur trefft ihr auf die unterschiedlichsten Gestalten und Wesen. Die meist bösartigen Kreaturen werden Nevron genannt, die euch nicht ganz so feindlich gesinnten baumartigen Wesen mit Bürstenfrisur heißen Gestral. Sie suchen zwar auch eigentlich immer den Kampf, aber sie sehen es eher als ihre Art der Meditation an. Bei den Händlern, die überall verteilt sind, findet ihr nützliche Items.

Neben konsumierbaren Items gibt es noch Aufwertungsmaterialien für Waffen, Lumina und Heil-Items. Im Kampf können HP geheilt, Mitstreiter wiederbelebt oder die AP aufgefüllt werden. Zudem könnt ihr euch mit Chroma-Elixieren auf dem Feld heilen. Die maximale Anzahl, die ihr tragen könnt, lässt sich zudem erweitern.

Von Dungeon zu Dungeon

Über die Weltkarte hangelt ihr euch von Dungeon zu Dungeon. Anfangs erkundet ihr noch einen kleinen Bereich, mit Fortschreiten der Geschichte erkundet ihr die Welt aber auch übers Wasser und in der Luft, was euch mehr Möglichkeiten bietet. Während ihr auf der Oberwelt noch eine grobe Weltkarte aufrufen könnt, gibt es beim Erkunden der Dungeons keinerlei Karten oder eine Mini-Map.

Die Dungeons sind teilweise schon etwas verschachtelt, man findet sich aber dennoch mit etwas Eingewöhnung ganz gut zurecht. Die sogenannten Expeditionsflaggen, die von vorherigen Expeditionen errichtet wurden, dienen als Checkpoint, wo ihr euch heilen sowie Items auffrischen könnt. Die Dungeons besitzen unter anderem mehrere dieser Checkpoints, wo am Ende meist ein Boss auf euch wartet.

Es gibt viel zu entdecken

Neben der Haupthandlung gibt es in der Spielwelt einiges zu entdecken. Allein in den Dungeons gibt es immer wieder Pfade abseits der Hauptwege, wo ihr lukrative Belohnungen oder optionale Gegner treffen könnt. Auf eurer Expedition könnt ihr die Tagebücher vergangener Expeditionen finden, die einen interessanten Einblick in die Lore geben, aber auch oft von deren tragischem Schicksal berichten. Des Weiteren findet ihr immer wieder Musikstücke aus dem Spiel, die ihr am Lager abspielen könnt.

Auf der Weltkarte, aber auch in den Dungeons, trefft ihr auf Gestral-Händler, die euch nützliche Dinge verkaufen. Manche von ihnen könnt ihr zum Kampf herausfordern, um Zugriff auf weitere Items zu erhalten. Bei den spielbaren Charakteren könnt ihr die Kleidung und Frisur optisch anpassen. Es lässt sich sogar in den Spieloptionen einstellen, ob ihr das in Zwischensequenzen sehen möchtet oder das Standard-Outfit, um das narrative Erlebnis nicht zu verfälschen, was aber durchaus sehr witzig sein kann.

Mini-Spiele und Herausforderungen

Neben dem Sammeln von Tagebüchern, Musikstücken und kosmetischen Anpassungen, könnt ihr an Gestral-Ständen, die verteilt in der Welt zu finden sind, diverse Mini-Spiele absolvieren. Das sind eine Reihe von Geschicklichkeits-Übungen, wo ihr beispielsweise einen Parcours durchquert oder eine etwas absurde Variante Volleyball spielt. Auf der Weltkarte und in den Dungeons trefft ihr, wie bereits erwähnt, auf einige optionale Gegner. Da gibt es zum einen die Pantomimen, welche eine spezielle Strategie erfordern. Als Tipp, ihr solltet diese brechen, um nennenswerten Schaden zu verursachen. Zum anderen: Wenn Monster den Zusatz „chromatisch“ in ihrem Namen haben, dann ist das ein Zeichen dafür, dass diese besonders stark sind und euch einiges abverlangen können.

Von den scheuen Pétanks könnt ihr besonderen Loot zum Aufwerten erhalten. Leider erkennt man an den Gegnern selbst nicht, ob diese noch zu stark sind, da man deren Level nicht sieht oder es auf andere Weise kenntlich gemacht wird. Hier muss man wohl ausprobieren und testen. Lediglich auf der Weltkarte gibt es den Zusatz „Gefahr“, wenn ihr euch einem Dungeon nähert. In den meisten Fällen solltet ihr diese Warnung auf jeden Fall berücksichtigen. Mit steigendem Level verschwindet dieser Zusatz.

Malerische Grafik und atemberaubender Soundtrack

Noch während der Entwicklung wurde komplett auf die Unreal Engine 5 umgestellt und das sieht man auch. Die Grafik kann sich wirklich zeigen lassen. Es gibt nicht nur die schön gestalteten Umgebungen. Schaut euch genau um, denn auch im Hintergrund lassen sich oft beeindruckende Szenen begutachten. Auch die Zwischensequenzen sind auf einem hohen Niveau. Manche Charaktere verraten allein durch ihre Mimik, dass sie etwas verbergen.

Zudem wurde viel Wert auf Details gelegt. Wenn eure Charaktere nur noch wenige HP übrighaben, wird das visuell dargestellt. Der Charakter ist mit Wunden versehen und blutverschmiert. Was sehr realistisch wirkt, nach einem harten Kampf. Das Spiel lief butterweich auf der normalen PS5 im Qualitätsmodus, eine PS5 Pro ist hier überhaupt nicht notwendig, vielleicht nur um noch das letzte bisschen aus der Grafik herauszuholen. Lediglich einige dunkle Passagen beziehungsweise den Lichtwechsel empfand ich als etwas zu abrupt.

Ob schrille Violinen, melodische Klavierklänge oder auch etwas peppigere Sounds: Der Komponist hat alles rausgeholt, um die perfekte Atmosphäre zu schaffen. Viele Tracks sind zudem auch vertont. Der ein oder andere Ohrwurm ist hier sicher garantiert. Die Sprachausgabe kann ebenfalls überzeugen, da hier überwiegend sehr talentierte Sprecher gewählt wurden. Zum Beispiel Gustave spricht Charlie Cox (Daredevil: Born Again), Maelle spricht Jennifer English (Baldur’s Gate III, Elden Ring) und Verso spricht Ben Starr (Final Fantasy XVI).

Absolut stimmiges Gesamtpaket

An dieser Stelle möchte ich nochmal positiv hervorheben, dass Clair Obscur ein wirklich großartiges Gesamterlebnis bietet und alles ineinandergreift. Beim Kampfsystem ist es wichtig, nicht nur die einzelnen Charaktere zu entwickeln, man kann ganze Builds mit Waffen, Pictos und Lumina erstellen, wo alles teamübergreifend aufeinander aufbaut. Laut Angaben der Entwickler gibt es Inspiration von Marken wie Persona und Final Fantasy, aber das Spiel setzt auch deutliche eigene Akzente. Es gibt drei Schwierigkeitsgrade, wo für jeden die passende Herausforderung dabei sein sollte. Ich habe mich für den mittleren Schwierigkeitsgrad entschieden, da man so die Mechaniken lernt, das Spiel aber auch den ein oder anderen Patzer verzeiht.

Die Entwickler geben eine Spielzeit von ca. 30 Stunden an, mit zusätzlich 30 Stunden für Nebentätigkeiten. Ich denke, dass es sich hierbei um einen diplomatischen Mittelwert handelt. Sicherlich kann man sich länger mit dem Spiel beschäftigen, die Nebeninhalte laufen parallel, wobei ein Großteil vermutlich erst ganz am Ende zu bewältigen und zugänglich ist. Wer alles ignoriert, kommt eventuell auch schneller durch die Story. Das würde ich aber nicht empfehlen, da ihr so eventuell viel von der Welt und der Lore verpasst. Gerade am Ende gibt es eine Vielzahl optionaler Dungeons, teilweise auch mit Storyelementen. Ich habe die 60-Stunden-Marke bereits erreicht und immer noch nicht alle Nebeninhalte absolviert.

Ein paar kleine Ecken und Kanten gibt es durchaus, diese sind aber überwiegend technischer Natur. So wirkt beim Betreten von Gebieten oder der Weltkarte die Steuerung für ein paar Sekunden etwas desorientiert, ein Sortier-Filter bei den Waffen funktionierte nicht, ein paar kleinere Musik-Aussetzer. Einmal ist mir das Spiel komplett abgestürzt. Zum Zeitpunkt des Tests hatte ich noch die Pre-Release-Version zur Verfügung. Der Day-One-Patch verspricht Verbesserungen in der Lokalisierung, in der Lippensynchronität sowie allgemeine Bug-Fixes über alle Plattformen hinweg.

Für jene, die nach mir spielen

Bildmaterial: Clair Obscur: Expedition 33, Bandai Namco, Kepler Interactive, Sandfall Interactive

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Titel	Blue Prince
	10. April 2025
	Raw Fury
	10. April 2025
	Raw Fury
	10. April 2025
	Raw Fury
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Dogubomb
Genres	Roguelite, Strategie, Rätsel
Texte
Vertonung

Nur die wenigsten werden vor dem Fall des Test-Embargos vom potenziellen „Game of the Year“-Anwärter Blue Prince Wind bekommen haben. Vor dem Hintergrund, dass ich verhältnismäßig selten mit vergleichbaren Titeln zu tun habe, war auch ich von den vielen – und reichlich euphorischen – Lobeshymnen und Spitzenwertungen überrascht. Bloomberg-Journalist Jason Schreier spricht gar von einem „der unglaublichsten Spiele, die ich je gespielt habe“ und setzt die erstmalige Spielerfahrung mit Titeln wie The Legend of Zelda: Breath of the Wild und Elden Ring gleich. Nun, das weckte dann auch mein Interesse.

Mittlerweile habe auch ich über 20 Stunden auf Mt. Holly verbracht und es stimmt: Blue Prince ist tatsächlich ein ganz besonderer Titel, vor allem aber keine einfache Rätsel-Sammlung. Dieser faszinierende Genre-Mix singt selbstbewusst sein ganz eigenes Lied, das aber nicht jedem gefallen dürfte.

Erbe unter Auflage

Worum gehts? Ihr schlüpft in die Rolle von Simon P. Jones, der ein Schreiben von seinem jüngst verstorbenen Großonkel Herbert S. Sinclair erhält. Dieses stellt sich als Einladung in das mysteriöse „Mt. Holly“-Anwesen heraus, das Sinclair Euch zu vermachen scheint. Das großzügige Erbe ist allerdings an eine Voraussetzung gebunden: Ihr müsst die Mysterien des Anwesens lüften und dessen geheimnisumwobenen 46. Raum freilegen, um so zu beweisen, dass Ihr zum neuen Herrn von Mt. Holly taugt. Was halb so wild klingt, liefert den Grundstein für eine hochkomplexe Spielerfahrung, die Euch für viele Stunden an den Bildschirm fesseln dürfte – vorausgesetzt, Ihr könnt Euch für das äußerst eigenwillige Spielprinzip öffnen.

Blue Prince präsentiert sich nämlich zu gleichen Teilen als Rätsel-Abenteuer und strategische Roguelite-Erfahrung, die Euch jeden Tag aufs Neue herausfordert, einen Weg zum verborgenen „Antechamber“ zu bahnen. Ihr beginnt Eure tägliche Erkundung im Foyer des Anwesens und werdet von drei Türen begrüßt, die tiefer ins Innere der Villa führen. Der Clou: Ihr bestimmt beim Öffnen der Tür, welcher Raum sich hinter dieser verbirgt. Dazu lässt Euch der Titel aus einer zufallsgenerierten Auswahl von drei Blaupausen wählen, die nicht nur mit unterschiedlichem Layout, sondern ebenso manch – positivem oder negativem – Nebeneffekt aufwarten.

So könnt Ihr etwa mit wichtigen Ressourcen wie Schlüsseln, Edelsteinen und Münzen belohnt werden, die allesamt von größter Bedeutung sind, um im späteren Verlauf Wege freizulegen und praktische Items zu erstehen. Eine Kapelle bittet Euch derweil mit jedem Durchgang zur Kasse und schmilzt so Euren tapfer erkämpften Münzvorrat. Das gemütliche Schlafzimmer versorgt Euch mit zusätzlichen Schritten, während Euch der Gymnastikraum besonders flott ermüdet. Ja, auch auf Eure Kondition müsst Ihr Acht geben: Sind Eure Schritte einmal aufgebraucht, müsst Ihr Euch wohl oder übel zurückziehen, um taufrisch – und mit genretypisch leeren Taschen – in einen neuen Tag zu starten.

Für Strategen und Detektive

Klingt alles erstmal simpel und das ist es in den ersten Anläufen auch. Je länger Ihr Euch aber im Anwesen austobt, desto mehr kristallisiert sich die spielerische Komplexität und das erzählerische Potenzial von Blue Prince heraus. Erscheint es eingangs noch naheliegend, jegliche Möglichkeit auf dem vorgegebenen Blaupausen-Raster zu nutzen, um sich gen Norden in Richtung des Ziels zu begeben, agiert man mit jedem neuen Durchgang bedachter. Es ergibt nämlich Sinn, das Raster weitflächig zu füllen – nicht nur, um möglichst viele Optionen zum Weiterbau freizulegen, sondern ebenso, um die vielen Rätsel und Geheimnisse von Mt. Holly aufzudecken. Von denen ist Sinclairs pompöses Anwesen nämlich bis in die Dachlatten gefüllt.

Ein persönlicher magic moment: Die vielen Räume locken mit unzähligen – und vermeintlich immer gleichen – Dokumenten und Bildern, die ich mit weiteren Durchgängen getrost ignorierte. Der Fund einer praktischen Lupe gab mir dann aber die Möglichkeit, sie nochmal genau zu inspizieren und mit einem Gefühl von großer Überraschung und Freude auf wichtige neue Informationen zu stoßen. Von solch cleveren Momenten strotzt Blue Prince nur so. Immer wieder tun sich neue Ebenen und Elemente auf, die frische Perspektiven liefern und zu einem erneuten Durchgang motivieren.

Tatsächlich ist die Menge an großen bis winzig kleinen, wissenswerten Infos so erschlagend, dass der Titel Euch gar empfiehlt, Notizen zu machen. Gesagt, getan: Im Zuge meines Abenteuers füllten sich die digitalen Seiten meines Tablets nur so mit Hinweisen und Screenshots. Diese entschleunigte Spielerfahrung ist sicherlich nichts für jedermann, zog mich aber unerwartet tief in ihren Bann.

Ebenfalls empfehlenswert: Mit seinem Brettspiel- und Escape-Room-artigen Charakter bietet sich Blue Prince hervorragend dazu an, mit einem weiteren Detektiv nach Eurer Wahl gespielt zu werden – ein schlauer Fuchs agiert, der andere notiert. Das gemeinsame Rätseln mit meiner Partnerin bereitete uns jedenfalls eine herrlich spaßige Zeit.

Nicht jedermanns Geschmack

Mit seinem Roguelite-Ansatz birgt Blue Prince aber auch ein gewisses Frustpotenzial. So smart Ihr Euch beim Zeichnen der Blaupausen anstellt und so sehr Ihr von Fortuna geküsst seid, können eine Handvoll unglücklicher Entwicklungen das plötzliche Aus eines soliden Durchgangs bedeuten. „Roguelite“ bedeutet aber auch, dass Ihr im Laufe Eures Abenteuers die eine oder andere permanente Verbesserung freischaltet. Diese können – ohne zu viel zu verraten – in zusätzlicher Ausdauer oder sonstigen Boni resultieren.

Vor allem aber belohnt Euch so ziemlich jeder Durchgang mit neuen Erkenntnissen, die Ihr dann gleich wieder auf die Probe stellen könnt. Persönlich war ich folgerichtig selten frustriert, im Gegenteil sogar immerzu motiviert, gleich einen weiteren Versuch zu starten. Solltet Ihr allerdings kein Freund des Roguelite-Genres sein, dürftet Ihr Euch an Blue Prince recht flott die Hörner abstoßen.

Ein weiterer Faktor, der potenziell interessierte Spieler abschrecken könnte, sind die ausschließlich englischen Bildschirmtexte. Gerade vor dem Hintergrund, dass Ihr einen nicht unbeträchtlichen Teil Eurer Zeit mit dem Lesen von Dokumenten und Lösen von sprachbasierten Rätseln verbringt, dürfte Blue Prince Euch bei mangelnden Englischkenntnissen gehörig Steine in den Weg legen.

Rein technisch präsentiert sich der Titel absolut zweckdienlich. Der zurückgenommene Grafikstil mit handgezeichnetem Charakter reißt sicher keine Bäume aus, liefert im Zusammenspiel mit dem nuancierten Einsatz eines stimmungsvollen Soundtracks aber die passende Atmosphäre für Euer Abenteuer.

Beeindruckend frisch, clever und motivierend

Bildmaterial: Blue Prince, Raw Fury, Dogubomb

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Titel	Assassin’s Creed Shadows
	20. März 2025
	Ubisoft
	20. März 2025
	Ubisoft
	20. März 2025
	Ubisoft
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Ubisoft Québec
Genres	Open-World-Abenteuer
Texte
Vertonung

Ein Open-World-Abenteuer im feudalen Japan? Der feuchte Traum eines jeden Samurai- und Stealth-begeisterten Videospielers, könnte man sagen. Mit Titeln wie Ghost of Tsushima oder Rise of the Ronin wurde diese Spielidee auch bereits das ein oder andere Mal recht erfolgreich in die Tat umgesetzt.

Einen weiteren Versuch diese einschneidende und prägende Ära Japans zu digitalem Leben zu erwecken möchte der französische Publisher und Entwickler Ubisoft mit seinem neuesten Ableger der allseits beliebten und extrem erfolgreichen Assassin’s-Creed-Reihe wagen.

Mit Assassin’s Creed Shadows erfüllt Ubisoft vielen Assassin’s-Creed- und Japan-Fans im Allgemeinen einen lang ersehnten Wunsch. Denn bereits seit vielen Jahren geisterte das Gerücht durch die Weiten des Internets, dass man bei Ubisoft an einem Assassin’s-Creed-Abenteuer mit Japan-Setting arbeite. Die Fans saßen daher stets auf heißen Kohlen, da das Fernost-Setting eines der am sehnlichst herbeigewünschten darstellte.

Erstmals angekündigt wurde der vielversprechende Titel während einer Ubisoft-Forward-Ausgabe, dem hauseigenen Livestream des Publishers, im September 2022 als „Assassin’s Creed: Codename Red“. Als Entwickler fungierte bei diesem Projekt Ubisoft Québec. Diese waren auch bereits bei den beiden Titeln Assassin’s Creed Odyssey und Assassin’s Creed Syndicate für die Entwicklung verantwortlich. Ein durchaus erfahrenes Team also.

Am 20. März war es letztendlich so weit und das vielversprechende Assassin’s-Creed-Abenteuer mit Japan-Setting erschien weltweit für PlayStation 5, Xbox Series und PCs. Natürlich verraten wir euch auch, ob sich der spielerische Ausflug in asiatische Gefilde lohnt oder ob man auf diesen Trip beruhigt verzichten kann.

Zwei Krieger, die nicht unterschiedlicher sein könnten

Die Geschichte von Assassin’s Creed Shadows beginnt im Jahre 1579 während der Azuchi-Momoyama-Zeit. Diese Ära ist auch als das Ende der Sengoku-Zeit bekannt, einer Zeit, die von brutalen Bürgerkriegen und Gewalt geprägt war. Die Azuchi-Momoyama-Zeit wird auch als die Epoche der Reichseiniger bezeichnet, denn in dieser Zeit wollten Oda Nobunaga und Toyotomi Hideyoshi das zerstrittene Japan militärisch einigen und dem Land zu neuer Stärke verhelfen.

Während dieser Epoche beginnt nun auch die Geschichte unserer beiden Helden. Im Jahre 1581 begleitet der Leibwächter „Diogo“ eine Gruppe von Jesuiten, die sich auf dem Weg zu Oda Nobunaga befinden, um für ein sicheres Geleit durch Japan für alle reisenden Jesuiten zu bitten. Oda Nobunaga sichert den Jesuiten ein unbeschwertes Bereisen des Landes zu, im Gegenzug besteht er jedoch darauf, Diogo fortan in seine Dienste zu stellen. Dieser stimmt zu, da dies auch die einzige Chance auf eine sichere Reise der Jesuiten ist.

Sechs Monate später trägt Diogo nun einen japanischen Namen und ist fortan als „Yasuke“ bekannt. Yasuke, nun ein Krieger Nobunagas, gilt als einer der fähigsten und mächtigsten Krieger des japanischen Feldherren und kämpft nun unter seinem Banner gegen die Iga-Provinz, um die Iga-Ikki auszulöschen.

Während dieser brutalen und erbarmungslosen Schlacht wird die Shinobi „Naoe“ von ihrem Vater „Nagato“ damit beauftragt, die versteckte Klinge an sich zu nehmen und mit deren Hilfe ein geheimnisvolles Kästchen, welches sich unter einem nahe gelegenen Kofun befindet, an sich zu nehmen und unter allen Umständen zu schützen.

Im Chaos dieser Schlacht wird dieses besagte Kästchen allerdings von einer Gruppe mysteriöser Samurai entwendet. Diese nennen sich die „Shinbakufu“. Die Shinbakufu hinterlassen ein Feld der Verwüstung und Naoes einzige Aufgabe besteht nun darin, die Shinbakufu zu bekämpfen und das geheimnisvolle Kästchen zurückzuholen.

Von hier an nimmt die tragische Geschichte rund um die beiden unterschiedlichen Helden ihren Lauf. Storyseitig ist Assassin’s Creed Shadows also durchaus ordentlich ausgefallen. Eine völlig neuartig erzählte Story oder drastische Storykniffe sollte man jedoch nicht erwarten. Dennoch werden gerade die Charaktere liebevoll eingeführt und erklärt und auch deren Beziehung untereinander wird durchaus ordentlich vermittelt.

Fantastische Open-World mit vielen Entdeckungsmöglichkeiten

Um es klar und deutlich zu sagen, die Spielwelt von Assassin’s Creed Shadows ist wirklich fantastisch ausgefallen. Neben unzähligen kleinen Dörfern und Siedlungen bereist man auch die großen Städte wie Kyoto und Osaka und diese wurden wirklich beeindruckend schön in Szene gesetzt. Man fühlt sich regelrecht zurück ins feudale Japan versetzt.

Neben den unzähligen Hauptmissionen, die euch im Schnitt zwischen 30 und 40 Spielstunden beschäftigen, gibt es außerdem auch allerlei Sammelaktivitäten zu entdecken, Schreine und Tempel zu besuchen und viele weitere Nebenquests zu absolvieren. Möchte man wirklich alles absolvieren, was Assassin’s Creed Shadows zu bieten hat, muss man mit einer Spielzeit von 120–150 Stunden rechnen – ein richtiger Brocken also.

Da die Open-World aber, wie bereits erwähnt, so umfangreich und immersiv gestaltet ist, kann man gar nicht genug vom wunderschön anzusehenden feudalen Japan bekommen und die Spielstunden vergehen wie im Flug. So muss sich eine spannende und immersive Spielwelt anfühlen.

Im Herzen ist Assassin’s Creed Shadows aber ein typischer Ableger der Reihe. Im Klartext heißt das: Speziell die Hauptmissionen laufen stets nach dem altbekannten Schema ab. Man sammelt Informationen, infiltriert das feindliche Gelände und eliminiert am Ende die gesuchte Person. Bestenfalls erledigt man dies ungesehen und ohne große Ausschweifungen, denn so erspart man sich viel Ärger mit den feindlichen Truppen.

Viele Anpassungsmöglichkeiten steigern die Spielerfahrung zusätzlich

Ein weiterer großer Pluspunkt von Assassin’s Creed Shadows ist – zumindest für mich – die Möglichkeit der Anpassung der Charaktere. Neben den für dieses Genre üblichen Skillpunkten, die es zu verteilen gilt, hat man außerdem die Möglichkeit, unzählige Rüstungen, Kopfbedeckungen und Waffen zu finden beziehungsweise bei den Händlern zu erwerben.

Mit Hilfe der nach und nach freischaltbaren Skillpunkte kann man die Fähigkeiten des Charakters nach und nach ausbauen und verbessern. Neben erhöhten Angriffswerten lassen sich auch völlig neue Angriffe oder Hilfsmittel, wie beispielsweise Rauchbomben für Naoe, freischalten. Diese können euch im offenen Kampf oder aber auch beim leisen Vorgehen unterstützen und euch so das digitale Leben erleichtern.

Aber auch die kosmetischen Anpassungen können sich durchaus sehen lassen, denn speziell das Katana kann fast vollständig zerlegt und angepasst werden. So kann man beispielsweise das aktuell jeweils beste Katana im Inventar auswählen und sein eigenes Design sozusagen darüberlegen. Man ist somit völlig frei in Sachen Gestaltung des Schwerts.

Zwei Charaktere mit zwei unterschiedlichen Spielstilen

Das Highlight von Assassin’s Creed Shadows ist die Tatsache, dass man wahlweise die Rolle der Shinobi Naoe oder die des brachialen Samurai Yasuke übernehmen kann. Je nach gewähltem Charakter spielt sich das Abenteuer völlig unterschiedlich.

Während man mit Naoe das klassische, Stealth-basierte Gameplay bekommt, das man von der Assassin’s-Creed-Reihe gewohnt ist, ändert sich die Spielerfahrung drastisch, sobald man die Kontrolle über Yasuke übernimmt. Denn Yasuke, ein muskulöser und groß gewachsener Krieger, geht mit voller Härte und purer Gewalt an die Sache. Statt Schleichen und Tarnen zählt hier nur die pure Kraft und der offene Kampf. Gerade gegen gepanzerte und schwere Gegner hat man mit Naoe oft kaum eine Chance. Yasuke hingegen ist in der Lage, es mit diesen Gegnern aufzunehmen.

So schön und interessant dieser Wechsel zwischen den beiden Charakteren auch ist, so gut spürt man jedoch schon sehr früh, dass das Spiel eigentlich zu jeder Zeit für das Gameplay mit Naoe gedacht war. Schleichen und überlegt vorgehen macht in dieser Spielwelt einfach doch mehr Spaß als der pure und brachiale Kampf mit Yasuke, vor allem da sich die Spielwelt mit Naoe doch leichter und agiler bereisen lässt.

Das Hauptquartier als Rückzugsort

Das Hauptquartier, sozusagen unser Rückzugsort, kann außerdem nach Belieben gestaltet und umgebaut werden. Neben einem Teehaus können wir beispielsweise auch eine Schmiede, ein Schlaf- und Erholungsgebäude und viele weitere Extras verbauen. Diverse Gebäude bringen auch diverse Extras für unseren Spielfortschritt, da diese zusätzliche Fähigkeiten und Skills freischalten.

Dieser Basenbau-Modus ist aber keinesfalls überfordernd und innerhalb weniger Minuten zu verinnerlichen. Eine nette Abwechslung um dem hektischen digitalen Alltag zu entgehen.

Optisch ein Augenschmaus, wenn auch nicht perfekt

Gerade aus grafischer Sicht ist Assassin’s Creed Shadows eine wahre Augenweide. Die wunderschön gestaltete Spielwelt erstrahlt geradezu und kann mit schönen Texturen und Lichteffekten glänzen. Auch die beeindruckende Weitsicht trägt ungemein zur Atmosphäre bei.

Speziell die fantastischen Animationen wirken äußerst rund und flüssig. Dies merkt man vor allem beim Spielen mit der flinken Shinobi Naoe. Die Parcours-Abläufe sahen nie beeindruckender und flüssiger aus und sind auf jeden Fall ein großer Fortschritt für die Assassin’s-Creed-Reihe.

Getestet haben wir Assassin’s Creed Shadows auf der PlayStation 5. Auf dieser läuft der Titel wahlweise im Performance-Modus mit stets flüssigen 60 Frames oder aber im Quality-Modus mit 30 Frames. Verfügt man über einen 120-Hz-tauglichen Monitor beziehungsweise TV kann der Titel wahlweise auch in einem speziellen Modus gespielt werden, der ein Mittel aus Auflösung und Frames sein soll. Diesen konnten wir aufgrund mangelnder Hardware allerdings nicht testen.

Der größte Unterschied zwischen Performance- und Qualitäts-Modus ist die Tatsache, dass es im Performance-Modus keine dynamische Beleuchtung mit Raytracing (RTGI) gibt. Die Beleuchtung im Performance-Modus sieht also eine ganze Ecke schlechter und undynamischer aus als im Quality-Modus. Dennoch sind mehr Frames meiner Meinung nach stets einer hübscheren Optik vorzuziehen, aber das ist Geschmackssache.

Auch die Ohren werden verwöhnt

Nicht nur optisch, sondern auch soundtechnisch gibt es bei Assassin’s Creed Shadows einiges zu erleben. Neben den wundervollen fernöstlichen Klängen und den brachialen Soundeffekten gibt es auch einen wundervollen Soundtrack zu hören. Dieser untermalt das jeweilige Geschehen stets tadellos und fügt sich somit nahtlos ins Gesamtbild ein. Ein durch und durch rundes Paket, könnte man sagen.

Speziell hervorzuheben ist hier außerdem die japanische Synchronisation. Denn gerade diese verleiht dem Titel das gewisse Etwas und trägt ungemein zur Atmosphäre bei. Die englische und deutsche Synchronisation sind durchaus als okay zu bewerten. Ein Highlight stellen diese beiden Varianten jedoch keineswegs dar. Die japanische Synchronisation ist hier also in jedem Fall zu empfehlen.

Zwei Krieger teilen ein tragisches Schicksal

Bildmaterial: Assassin’s Creed Shadows, Ubisoft

Der Beitrag Im Test! Assassin’s Creed Shadows ist alles, was man sich von einem Open-World-Japan wünscht erschien zuerst auf JPGAMES.DE.