Titel	Pragmata
	17. April 2026
	Capcom
	17. April 2026
	Capcom
	17. April 2026
	Capcom
System	PlayStation 5, Xbox Series, Switch 2, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Capcom
Genres	Third-Person-Action-Adventure
Texte
Vertonung

Neue IPs haben es heutzutage immer schwerer Fuß zu fassen in einem schier endlosen Meer aus altbekannten und etablierten Marken oder Indie-Titeln, die ohnehin in einer eigenen Kategorie zuhause sind und oft mit einem gänzlich anderen Auge betrachtet werden. Speziell im Triple-A-Bereich, in dem die Budgets mittlerweile extrem hoch angesetzt werden, sind immer weniger Publisher bereit, viel Geld in ein noch unbekanntes Franchise oder eine neue Marke zu investieren.

Umso erfreulicher ist es daher, dass sich doch immer wieder große Publisher und Entwickler wie Capcom an neue Marken herantrauen und obendrein auch bereit sind, ein ordentliches Budget für die Entwicklung ebenjener Titel springen zu lassen.

Eine dieser gänzlich neuen IPs des japanischen Publishers und Entwicklers Capcom ist das Sci-Fi-Abenteuer Pragmata. Pragmata mag auf den ersten Blick zwar aussehen wie ein typischer Third-Person-Shooter, wie es sie schon zur Genüge gibt, dennoch versteckt sich hinter der scheinbar altbekannten Fassade ein spannendes Hacking-Abenteuer, welches mit einem einfachen, aber doch irgendwie genialen Gameplay-Kniff frischen Wind in das angestaubte Genre bringt.

Pragmata erscheint am 17. April für PS5, Xbox Series, Switch 2 und PCs. Ob sich das Warten auf den vielversprechenden Titel gelohnt hat, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Review.

Eine von der Außenwelt abgeschnittene Forschungsstation und ein neuartiges Material

Die Geschichte von Pragmata spielt in einer gar nicht mal so weit entfernten Zukunft. Die Menschheit hat einen gänzlich neuen Rohstoff entdeckt, das sogenannte „Lunum“. Mit Hilfe von Lunum konnte nach einiger Forschungsarbeit das neuartige Material „Lunafilment“ erschaffen werden.

Eine Art Material, welches dazu benutzt wird, mit teils gigantischen „Druckanlagen“ verschiedenste Gegenstände, Gebäude oder auch andere Dinge zu erschaffen. Einzig eine Vorlage dessen, was man kreieren möchte, ist notwendig, um der Druckanlage vorzuschreiben, was sie zu bauen hat. Wie bei einem 3D-Drucker der aktuellen Zeit, könnte man sagen.

Eines Tages ging der Kontakt zwischen der Erde und dieser Forschungsstation, die sich auf dem Mond befindet, jedoch verloren. Ein Team aus Spezialisten wurde umgehend entsandt um sich diesem Problem anzunehmen und dem merkwürdigen Kontaktabbruch auf den Grund zu gehen.

Kurz nach dem Eintreffen dieses Teams gab es jedoch ein Mondbeben. Also eine Erschütterung des Mondes. Hugh Williams, unser Hauptcharakter, wurde durch ebendieses Mondbeben von seinem Team getrennt. Im bewusstlosen Zustand wird Hugh jedoch von einem kleinen Mädchen, einem mysteriösen Androiden, gerettet und wiederhergestellt. Sie ist ein Pragmata, ein Geschöpf, welches mit Hilfe von Lunafilment erschaffen wurde und eine künstliche Intelligenz besitzt. Speziell die sehr emotional präsentierte Beziehung zwischen Hugh und dem Mädchen wurde wirklich toll umgesetzt.

Von hier aus nimmt die spannende Geschichte rund um die Erkundung dieser gigantischen Mondbasis nun ihren Lauf. Seite an Seite mit dem äußerst menschlich anmutenden Androiden muss Hugh die seltsamen Vorkommnisse auf der Basis nun also ohne die Hilfe seines Teams untersuchen.

Third-Person-Action mit dem besonderen Etwas lockert das Genre auf

Pragmata ist im Kern ein Third-Person-Shooter, wie man ihn erwarten würde. Actiongeladene Kämpfe wechseln sich mit ruhigeren Erkundungsphasen ab. Die Story wird mit Hilfe vieler Cutscenes, aber auch anhand vieler in der Welt verstreuter Schriftstücke wie E-Mails und andere Dokumente erzählt. So weit, so gewöhnlich, könnte man sagen.

Dann kommt jedoch die größte Besonderheit von Pragmata zum Tragen. Das ausgefeilte Hacking-System, das die Kämpfe auflockert und ihnen einen völlig neuen Touch verleiht. Greift man die unzähligen Gegner beispielsweise einfach auf normalem Wege an, nehmen diese kaum Schaden. Man muss die Schutzmechaniken der mechanischen Gegner per Hacking-Tool erst umgehen und verschafft sich somit ein kurzes Zeitfenster, in welchem die Gegner deutlich verwundbarer sind.

Gerade am Anfang des Abenteuers empfindet man das Hacken noch als recht einfach umsetzbar. Interessant und fordernd wird das Ganze aber im weiteren Spielverlauf, wenn man sich mehrerer Gegner gleichzeitig erwehren muss und diese ganz nebenbei ja auch immer erst noch hacken muss. Multitasking wird bei Pragmata also großgeschrieben und man muss während der teils wirklich hektischen Situationen stets einen kühlen Kopf bewahren um Herr über die jeweilige Situation zu bleiben. Die Hacking-Mechanik ist also definitiv das große und herausstechende Feature von Pragmata.

Anders als man im ersten Moment vielleicht denken möchte, erwartet uns mit Pragmata also alles andere als ein typischer 08/15-Third-Person-Shooter. Das Zusammenspiel aus Atmosphäre, den toll geschriebenen Dialogen zwischen Hugh und dem Androiden-Mädchen und der neu eingeführten Hacking-Mechanik runden das Gesamtpaket gekonnt ab und machen Pragmata zu einem wirklich tollen Titel, den man auf jeden Fall gespielt haben sollte.

Auch optisch ein außerirdischer Leckerbissen der Oberklasse

Speziell die optische Präsentation von Pragmata kann sich wirklich sehen lassen. Wunderbar kühl und steril fühlt sich die Mondbasis in den ersten Spielminuten an. Im weiteren Spielverlauf verändern sich die Locations natürlich auch etwas, was zusätzliche optische Abwechslung mit sich bringt und den äußerst sterilen Look etwas auflockert.

Neben den tollen Texturen und Modellen sind es speziell die fantastischen Lichteffekte, die dem Abenteuer nicht selten die optische Krone aufsetzen und das grafische Erlebnis abrunden. Vor allem die Animationen der Charaktere konnten mich vollstens überzeugen, denn diese fühlen sich fast schon butterweich und geschmeidig an.

Pragmata lief während unserer Testsession im Performance-Modus auf PlayStation 5 außerdem stets mit flüssigen 60 Frames über den Bildschirm und auch mit lästigen Vsync-Störungen mussten wir uns zu keiner Sekunde beschäftigen. Auf Wunsch kann Pragmata auch in einem Qualitätsmodus mit höherer Auflösung gespielt werden. Hier muss man sich dann allerdings mit 30 Frames begnügen.

Ein wirklich rundes grafisches Erlebnis, welches einmal mehr beweist, dass sich technische Optimierung eben doch auszahlt. Nicht selten erscheinen Spiele heutzutage ja vor allem technisch in unsauberem Zustand und erst nach vielen Updates werden die Titel dann überhaupt erst richtig spielbar. Das ist bei Pragmata jedoch keinesfalls der Fall und sollte auf jeden Fall löblich erwähnt werden.

Durchschlagende Soundeffekte und eine fantastische Synchronisation verwöhnen die Ohren

Auch tontechnisch feuert Pragmata aus allen Rohren. Neben den eher ruhigen und atmosphärischen Klangteppichen dreht der Sound vor allem in den hitzigen und fordernden Kämpfen auf und verleiht der jeweiligen Situation somit noch mehr Durchschlagskraft. Die fantastisch umgesetzten Soundeffekte wirken zudem wuchtig und stets passend und untermauern das Actiongeladene zusätzlich gekonnt.

Auch die gesprochenen Dialoge sind absolut hochwertig umgesetzt und speziell die englischen und japanischen Sprecher geben wirklich alles um dieses Sci-Fi-Abenteuer so authentisch wie möglich wirken zu lassen. Wirklich vorbildlich und absolut auf Triple-A-Niveau.

Auch die deutschen Sprecher wirken durchaus kompetent, kommen meiner Meinung nach aber keineswegs an die englischen oder japanischen Sprecher heran. Ich bin aber im Allgemeinen überhaupt kein Fan deutscher Synchronisierungen.

Spannendes Space-Abenteuer mit besonderem Gameplay-Kniff und toller Atmosphäre

Bildmaterial: Pragmata, Capcom

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Titel	Mega Man Star Force Legacy Collection
	27. März 2026
	Capcom
	27. März 2026
	Capcom
	27. März 2026
	Capcom
System	PlayStation 4/5, Xbox Series, Xbox One, Nintendo Switch, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Capcom
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Die Mega-Man-Reihe erfreut sich auch nach fast 40 Jahren immer noch großer Beliebtheit. Nicht weiter verwunderlich ist es daher, dass natürlich auch der Publisher und Entwickler Capcom weitere Projekte mit dem blauen Bomber plant. Mit Mega Man: Dual Override befindet sich beispielsweise sogar ein gänzlich neues Mega-Man-Abenteuer in der Capcom-Pipeline, welches 2027 erscheinen soll.

Ein weiteres dieser neuen Projekte ist unter anderem auch die Mega Man Star Force Legacy Collection, welche ganze sieben Titel der Star-Force-Reihe enthält. Die Star-Force-Reihe, die speziell für Nintendo DS entwickelt wurde, nutzt vor allem die Vorteile eines zweiten Bildschirms der Handheld-Konsole aus und schafft somit ein für die Mega-Man-Reihe bisher nie dagewesenes Gameplay-Gefühl.

Jedoch handelt es sich dabei auch um ein sehr spezielles Feature, welches folglich für diese brandneue Collection entsprechend umgesetzt und an die Moderne angepasst werden musste. Durchaus eine große Herausforderung für die japanischen Entwickler aus dem Hause Capcom.

Die Star-Force-Reihe erfreute sich speziell in Japan großer Beliebtheit und nun kommen endlich auch jüngere Spieler-Generationen und Spieler, die damals vielleicht keine Berührungspunkte mit dieser Spin-off-Reihe des Mega-Man-Franchise hatten, in den Genuss dieser Titel.

Mega Man Star Force Legacy Collection erschien am 27. März für PlayStation 4 & 5, Xbox Series S/X, Xbox One, Switch und PCs. Ob sich die an die Moderne angepasste Sammlung der Nintendo-DS-Titel bewährt, erfahrt ihr natürlich wie immer in unserem ausführlichen Test.

Stolze sieben Star-Force-Titel sind enthalten

Die Mega Man Star Force Legacy Collection beinhaltet ganze sieben Titel der Spin-off-Reihe. Neben den Titeln Pegasus, Leo, Dragon, Zerker x Ninja, Zerker x Saurian, Black Ace und Red Joker kommt die Star Force Legacy Collection auch mit zusätzlichen Features wie beispielsweise einer Galerie und einem Soundtrack-Archiv daher. Das Gesamtpaket für alle Fans der Reihe, könnte man also sagen, und die definitive Ausführung der Star-Force-Reihe.

Die enthaltenen Star-Force-Titel sind im Endeffekt Remastered-Versionen der Originale. Hier und da mussten jedoch vor allem technische Anpassungen gemacht werden. Zum einen in Sachen Auflösung und Tonqualität und zum anderen in Sachen zweites Display. Da bei einer modernen Konsole schließlich nur ein Monitor genutzt wird, musste sich Capcom eine Lösung für das Zwei-Display-Feature der Originale einfallen lassen.

Dieses zweite Display wird nun im Kleinformat neben unserem eigentlichen Haupt-Display abgebildet und kann auf Knopfdruck jederzeit vergrößert werden. Das ursprünglich für zwei Displays ausgelegte Feature wird nun also gleichzeitig zusammen auf einem Monitor dargestellt. Eine optimale Lösung in jeglicher Hinsicht und im Endeffekt auch die einzige Möglichkeit dieses Feature so originalgetreu wie möglich einzubinden, ohne die Titel gameplaytechnisch verändern zu müssen.

In allen Star-Force-Titeln übernehmen wir die Rolle des jungen Helden Geo Stelar, welcher sich immer mehr von seinem Alltag und Mitmenschen distanziert. Eine Art Schutzreaktion, die auf das Verschwinden seines Vaters in den Weiten des Weltraums zurückzuführen ist. Eines Tages verschmilzt Geo jedoch mit dem Alien Omega-Xis, woraufhin Geo zu Mega Man wird. Nun muss er sein Schicksal selbst in die Hand nehmen und die Welt vor den bedrohlichen EM-Wellen schützen. Unser Held wächst also über sich hinaus und muss sich in vielen spannenden Abenteuern behaupten.

Taktisch orientierte Kämpfe weichen vom serientypischen Gameplay ab

Anders als bei allen anderen Ablegern und Spin-offs der Mega-Man-Reihe verlaufen die Kämpfe bei den Star-Force-Titeln deutlich Taktik-orientierter und etwas weniger hektisch. Wir bekämpfen unsere Widersacher dieses Mal nicht direkt, sondern greifen diese auf einer Art Spielfeld mit drei Rastern an.

Mit zusätzlichen Power-Chips, welche über das Zusatz-Display ausgewählt werden, haben wir die Möglichkeit die Kämpfe zu beeinflussen. Diese Power-Chips funktionieren quasi wie kleine Power-ups, die uns beispielsweise einen Angriffs-Bonus verleihen oder einen bestimmten Spezialangriff ausführen lassen.

Unterm Strich bekommt man es bei den Star-Force-Titeln also mit einem wirklich ungewöhnlichen Kampfsystem zu tun. Auf den ersten Blick sieht das Ganze natürlich eher unspektakulär aus, unterm Strich erwartet uns aber ein recht ausgefeiltes Kampfsystem, welches dank des Einsatzes der vielen unterschiedlichen Chips durchaus Tiefe vorweisen kann. Am Ende des Tages ist dies aber natürlich wieder Geschmackssache.

Optisch liebevoll präsentiert, aber natürlich nicht mehr zeitgemäß

Aus grafischer und allgemein technischer Sicht darf man sich bei der Star Force Legacy Collection aber natürlich nichts vormachen. Wir haben es hier natürlich immer noch mit alten Nintendo-DS-Titeln zu tun, die schon zum Release nicht unbedingt optische Highlights waren. Dementsprechend sehen die Titel auf heutigen, deutlich größeren Monitoren auch nicht unbedingt ansprechender aus. Dennoch können die Titel mit vielen liebevollen Details begeistern und die Optik hat auch heutzutage durchaus noch ihren Charme. Hier muss man aber auf jeden Fall aufgeschlossen für technisch angestaubte Retro-Titel sein.

Die enthaltenen Spiele liefen aber allesamt äußerst rund und ohne technische Mängel über den Bildschirm, technisch liefert die Star Force Legacy Collection also ein durchaus ordentliches Gesamtbild ab.

Tontechnisches Retro-Feeling ohne Patzer

Auch soundtechnisch kann die Collection überzeugen und die überarbeiteten Klangteppiche und Melodien klingen auch für heutige Verhältnisse noch sehr passabel. Wie auch schon bei der Optik muss man auch beim Sound immer im Hinterkopf behalten, dass man es hier eben mit alten DS-Titeln zu tun hat.

Dafür ist die technische Seite aber voll zufriedenstellend und eben genau das, was man von einer technisch an die Moderne angepassten Collection erwarten würde.

Mehrspielermodus für noch taktischere Duelle enthalten

Eine große Überraschung ist hingegen der enthaltene Mehrspielermodus. In diesem haben wir die Möglichkeit, wahlweise in Ranked oder Unranked Matches zu spielen und unser Können mit anderen Spielern aus der ganzen Welt zu messen. Der einzige Kritikpunkt an diesem Mehrspielermodus ist die Tatsache, dass die Entwickler von Capcom leider keinen Crossplay-Modus verbaut haben. PlayStation-Spieler bleiben also ebenso wie Xbox-, Switch- und PC-Spieler jeweils unter sich.

Auf lange Sicht könnte dies durchaus der Spielerbasis schaden und – speziell wenn der große Launch-Run vorbei ist – für schwache Spielerzahlen im Multiplayermodus sorgen. Die Spielersuche würde dann also bedeutend länger dauern.

Die beliebte Spin-off-Reihe nun endlich in einer Collection vereint

Bildmaterial: Mega Man Star Force Legacy Collection, Capcom

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Titel	Fallout 4: Anniversary Edition
	24. Februar 2026
	Bethesda Softworks
	24. Februar 2026
	Bethesda Softworks
	24. Februar 2026
	Bethesda Softworks
System	Nintendo Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Bethesda Game Studios
Genres	Action-RPG
Texte
Vertonung

Lange war es nur ein Gerücht, doch nun hat Bethesda endlich das Schweigen rund um den Switch-2-Port des Endzeit-Rollenspiels Fallout 4 gelüftet. Nach langer Wartezeit kommen Fans und natürlich auch Serien-Neulinge nun endlich in den Genuss des gefeierten Bethesda-Rollenspiels – und nun sogar auch unterwegs.

Bethesda schnürt uns hier ein perfektes Paket bestehend aus dem Hauptspiel, allen veröffentlichten DLC-Paketen und sogar dem neuen Anniversary-Update, welches neben etlichen neuen Gegenständen auch diverse Gameplay-Erweiterungen beinhaltet. Ein tolles Rundumpaket also und auch für Langzeit-Fans vielleicht nochmal einen Spieldurchgang wert.

Erstmals angekündigt hatte Bethesda die Portierung von Fallout 4 im Oktober des Jahres 2025. Zu diesem Zeitpunkt waren viele Fans und Kenner des Originals allerdings noch recht skeptisch, da die ersten Gameplay-Enthüllungen einen noch recht hakeligen Eindruck machten, was die technische Umsetzung der Switch-2-Portierung anbelangt, und es wurde schnell daran gezweifelt, ob die Switch 2 denn wirklich die nötige Power besitzt, um den Titel in seiner vollen Pracht darzustellen – speziell im Handheld-Modus.

Ob die Umsetzung von Fallout 4 für Nintendos neue Konsole an die Qualitäten des Originals aus dem Jahre 2015 heranreicht oder dieses sogar noch toppen kann, erfahrt ihr natürlich wie immer in unserem ausführlichen Test.

War never changes

Die Geschichte von Fallout 4 handelt von einem von uns zu Beginn des Spiels selbst erstellten Vault-Bewohner, der nach einem tragischen Vorfall dazu gezwungen ist, in einem Vault-Tec-Bunker Schutz vor der drohenden atomaren Katastrophe zu suchen. Zusammen mit der Familie überstehen wir diesen verheerenden Angriff also nur knapp.

Kurz darauf ereilt uns allerdings schon der nächste Schicksalsschlag und wir finden uns in der Zukunft wieder. Die Welt ist nicht mehr, wie sie einmal war und nun muss sich unser eigens erstellter Hauptcharakter auf die beschwerliche Suche nach seiner Familie begeben – oder was davon noch übrig ist.

Wir befinden uns nun im Jahre 2287 und die Gegend rund um Boston im US-Bundesstaat Massachusetts und weitere Teile rund um New England haben sich in ein atomares Ödland verwandelt. Dieses Ödland wird nun allerdings nicht mehr nur von Menschen bewohnt und so müssen wir uns nicht nur anderer feindlich gesinnten menschlichen Gegner erwehren. Auch allerlei scheußliche Kreaturen warten darauf, mit unserem durchaus beachtlichen Waffenarsenal Bekanntschaft zu machen.

Ein Rollenspiel ganz nach Bethesda-Art

Fallout 4 ist ein Bethesda-Spiel, wie es im Buche steht. Neben eher gewöhnungsbedürftigen Menüs, die auch hier ganz Fallout-typisch über den Pip-Boy, eine Art mobiler Computer, den wir am Arm tragen, gesteuert werden, fallen auch die Kämpfe selbst etwas spezieller aus und sind, speziell für Neulinge, erstmal gewöhnungsbedürftig.

Denn statt einem reinen Shooter erwartet uns hier eine Art Rollenspiel-Shooter. Denn eine große Besonderheit, welche die Fallout-Reihe doch etwas vom Mainstream-Shooter-Gameplay abhebt, ist die für die Reihe typische „VATS“-Mechanik. Mit der VATS-Mechanik können wir den aktuellen Kampf fast schon in Zeitlupe ablaufen lassen und den Zielpunkt, den wir am Gegner treffen möchten, auswählen. Nach dem Bestätigen dieses Angriffs führt unser Charakter den Angriff durch. Mit einer Prozent-Anzeige veranschaulicht uns das Spiel, wie hoch die Wahrscheinlichkeit auf einen erfolgreichen Treffer aktuell ist. Jeder Angriff im VATS-System benötigt sogenannte „AP“-Punkte. Sind diese Punkte verbraucht, kann aktuell kein Angriff im VATS-System erfolgen und wir müssen uns auf altbekannte Shooter-Mechaniken verlassen. Im ersten Moment klingt das VATS-System zwar nicht sonderlich spektakulär, dennoch ist genau diese Mechanik dafür verantwortlich, dass sich die Fallout-Titel doch irgendwie besonders anfühlen. Das gewisse Etwas, könnte man sagen.

Die weitläufige und abwechslungsreiche offene Spielwelt ist natürlich ein weiterer großer Pluspunkt von Fallout 4. Die Welt fühlt sich stets nach verlassenem und tristem Ödland an und kann immer wieder mit interessanten Locations begeistern. Der Entdeckertrieb wird also auf jeden Fall gefördert und mit etlichen nützlichen Waffen und Gegenständen, die es zu finden gilt, auch belohnt.

Im Ödland gibt es einiges zu tun

An Quests und allerlei Nebenquests mangelt es Fallout 4 übrigens keinesfalls. Die Hauptstory erlebt man primär innerhalb der Hauptquests, wohingegen die Nebenquests eher zum Aufleveln und Entdecken der Spielwelt gedacht sind. Aber auch die Nebenmissionen belohnen uns immer wieder mit zusätzlichen Infos und kleineren Storyschnipseln, welche am Ende ein großes Ganzes ergeben.

Storyseitig fällt Fallout 4 aber doch etwas wirr aus und so bleibt am Ende vor allem die weitläufige, schön gestaltete Spielwelt der Star dieses Abenteuers. Speziell der gekonnte Mix aus schwarzem Humor und brachialer und äußerst brutaler Endzeit-Action ist es aber, der Fallout 4 und die gesamte Fallout-Reihe zu etwas Besonderem macht.

Dialogsystem mit Pfiff

Auch das aus früheren Fallout-Teilen bekannte Dialogsystem hat es ins Spiel geschafft. Dieses Dialogsystem ermöglicht es uns oft die Gespräche in gewisse Richtungen zu lenken. Im Optimalfall natürlich zu unseren Gunsten. So können teilweise sogar ganze Kämpfe vermieden und die Quests auf verschiedene Art und Weise abgeschlossen werden. Ein Rollenspiel, wie man es sich vorstellt.

Die Skills, die uns zu einem positiven Ausgang eines Gesprächs verhelfen, wollen aber natürlich per Skillbaum erlernt werden. Sollte man während seiner Reise allerdings mehr Wert auf körperliche Skills wie Waffenbeherrschung oder Ausdauer legen, zieht man dafür während der zahlreichen Gespräche mit den NPCs den Kürzeren und kann somit oft weniger Einfluss auf einen positiven Ausgang des Gesprächs nehmen. Ein ausgeglichenes Skillset ist also das A und O um im Ödland zu überleben und sich das digitale Leben etwas einfacher zu machen.

Auch auf Nintendos neuem Handheld hübsch anzusehen

Die Optik von Fallout 4 mag nach heutigen Verhältnissen zwar etwas angestaubt wirken, kann sich aber auf jeden Fall immer noch sehen lassen. Gerade die weitläufigen Steppen im Ödland können wirklich begeistern und mit einer beeindruckenden Weitsicht glänzen.

Fallout 4 ist, anders als es noch bei Fallout 3 und New Vegas der Fall war, nun in einem eher comicartigen Look gehalten. Vielen Fans mag dieser Look nach wie vor etwas suspekt vorkommen, für mich war diese Designentscheidung allerdings die absolut richtige. Denn auch wenn der Titel mittlerweile mehr als zehn Jahre auf dem Buckel hat, ist Fallout 4 nach wie vor sehr ansehnlich und wirklich weit entfernt von einem optischen Fiasko.

Die Switch-2-Portierung bietet neben einem 30-Frames-Modus mit höherer Auflösung und schärferen Texturen auch einen 60-Frames-Modus, der die Auflösung etwas verringert und das ganze Bild etwas unschärfer wirken lässt. Dafür lief der Titel während unserer Testphase jedoch fast immer mit butterweichen 60 FPS über den Bildschirm. Sowohl im Handheld- als auch im Docked-Modus konnte uns die Portierung des Endzeit-Rollenspiels überzeugen. Spieler, die über ein 120-Hz-Display verfügen, können sogar in einen 40-FPS-Modus schalten. Dieser soll eine optimale Balance aus Grafik und Geschwindigkeit bieten.

Speziell im Handheld-Modus fällt die etwas verringerte Bildqualität im 60-FPS-Modus jedoch kaum auf und daher wäre dieser Modus, zumindest für mich, stets die einzige Option die Portierung von Fallout 4 auf der Switch 2 zu genießen.

Kult-Soundtrack sorgt für einmalige Atmosphäre

Was Fallout 4 und auch die gesamte Fallout-Reihe zu etwas Besonderem macht, ist der fantastische Soundtrack, den die Titel aus dem Hause Bethesda bieten. Mit Hilfe des Pip-Boy an unserem Arm haben wir ganz Fallout-typisch stets die Möglichkeit, die eintönigen Klangteppiche, die wir ansonsten auf die Ohren geschmettert bekommen, mit einem fetzigen Soundtrack, der an die Zeit der 30er- und 50er-Jahre erinnert, zu ersetzen. Das Radiosignal legt sich bei Aktivierung quasi über den eigentlichen „Soundtrack“ des Spiels und wertet das Spielgefühl damit ungemein auf. Auf Wunsch können die Radiosender aber natürlich auch jederzeit wieder deaktiviert werden.

Natürlich können sich aber auch die Soundeffekte hören lassen. Die Waffen wirken wuchtig, die Gegner schluchzend und auch die Dialoge können sich hören lassen. Was will man als Fallout-Fan denn mehr?

Zurück ins Ödland – dieses Mal auch mobil

Bildmaterial: Fallout 4, Bethesda

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Titel	Resident Evil Requiem
	27. Februar 2026
	Capcom
	27. Februar 2026
	Capcom
	27. Februar 2026
	Capcom
System	PlayStation 5, Xbox Series, Switch 2, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Capcom
Genres	Survival-Horror
Texte
Vertonung

Mit der weltweit äußerst erfolgreichen und beliebten Resident-Evil-Reihe lehrt uns der japanische Entwickler und Publisher Capcom bereits seit Mitte der 90er-Jahre regelmäßig das Fürchten. Neben etlichen Ablegern und Spin-offs hat es die Reihe mit einigen mehr oder weniger erfolgreichen Filmen sogar bis nach Hollywood geschafft. Die Resident-Evil-Reihe gilt daher bis heute als das wohl erfolgreichste Horror-Franchise im Gaming-Segment und Wegbereiter im Survival-Horror-Genre.

Erstmals angekündigt wurde der neueste Ableger der Reihe, Resident Evil Requiem, im Zuge eines Capcom-Showcase-Events im Juli des Jahres 2024. Bereits zu diesem noch recht frühen Zeitpunkt war die Euphorie der Resident-Evil-Gemeinde schier ungebrochen und die Vorfreude auf den neuesten Ableger der Zombie-Reihe kannte keine Grenzen.

Mit Resident Evil Requiem möchte Capcom nun wieder zu den Wurzeln der Reihe zurückkehren und vor allem das Horror-Element, für das die Reihe so gefeiert wird, wieder deutlicher zur Geltung bringen. Ob dem traditionsreichen japanischen Entwickler und Publisher dieses Vorhaben gelungen ist, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Review.

Resident Evil Requiem ist seit dem 27. Februar für PlayStation 5, Xbox Series, Switch 2 und PCs erhältlich. Getestet haben wir die PS5-Version des Horror-Blockbusters.

Finstere Experimente, eine zerstörte Stadt und ein tödliches Virus

Die Geschichte von Resident Evil Requiem spielt im Oktober des Jahres 2026. Ganze 28 Jahre nach den tragischen Ereignissen, die sich im eigentlich recht beschaulichen Örtchen Raccoon City zugetragen haben. Wir übernehmen die Rolle von Grace Ashcroft, einer FBI-Analystin. Grace ist die Tochter von Alyssa Ashcroft, einem spielbaren Charakter aus dem Spin-off Resident Evil Outbreak aus dem Jahre 2003.

Grace wird nach und nach in die finsteren und tragischen Machenschaften der Umbrella Corporation hineingezogen und findet sich schon bald selbst in einer schier ausweglosen Situation wieder, in der nur noch das nackte Überleben zählt. Auch Grace hat eine dunkle Vergangenheit, die sie schon bald einholen wird.

Natürlich darf auch der Serien-Liebling und Fan-Favorit Leon S. Kennedy nicht fehlen. Bereits seit dem zweiten Teil aus dem Jahre 1998 gehört Leon zur absoluten Top-Besetzung im Resident-Evil-Charakter-Cast. Auch Leon hat noch eine Rechnung mit der Umbrella Corporation offen und kehrt in diesem Teil sogar zu den Anfängen der Reihe zurück. Ein absolutes Highlight für Fans der Reihe und ein Gänsehaut-Moment der Spitzenklasse. Aber jedes weitere Wort würde hier die Spoiler-Front sprengen. Hier heißt es einfach spielen und genießen.

Eine Prise Survival-Horror gepaart mit fetzigen Action-Elementen

Gameplaytechnisch bleibt sich auch Resident Evil Requiem recht treu. Spannende und nervenzerreißende Horror-Sequenzen wechseln sich gekonnt mit actiongeladenen Zombie-Metzelschlachten ab und ergeben letztlich ein absolut schmackhaftes Gesamtbild, das jederzeit Spaß macht und zu begeistern weiß. Typisch Resident Evil erwartet uns hier Survival-Horror-Kost vom Feinsten.

Neben schier endlosen engen, fast schon klaustrophobisch anmutenden Gängen bekommen wir auch die Möglichkeit die völlig zerstörte Stadt von Raccoon City zu erkunden. Fan-Service erster Güte, könnte man sagen, und meiner Meinung nach genau das, was die Serie jetzt nötig hatte.

Auch in Sachen Gegnertypen orientierte sich Capcom bei Teil neun der Zombie-Reihe nun wieder an den Anfängen des Franchise und wir bekommen es wieder mit waschechten Zombies zu tun. Denn anders als bei den Vorgängern der Reihe sind die Zombies nun sogar nur teilweise mutiert, haben also noch menschliche Züge, die sich in teils skurrilen Verhaltensmustern widerspiegeln. Wenn ein Zombie vor einem Lichtschalter steht und diesen hin- und herbewegt, weil ihm das Licht gerade zu hell erscheint, ist das schon ein Stück weit skurril, aber dennoch auch äußerst lustig. Der schwarze Humor kommt also auch dieses Mal nicht zu kurz.

Großes Waffenarsenal um den Zombies Feuer unterm Hintern zu machen

Wie auch schon bei den Vorgängern haben wir auch bei Requiem nun wieder die Möglichkeit unser vielseitiges Waffenarsenal zu erweitern und aufzuwerten. Neben allerlei Modifikationen, die wir an unseren Schießeisen vornehmen können, haben wir auch die Möglichkeit die Waffen zu verkaufen und das erwirtschaftete Geld in neue Ausrüstung zu investieren. In Sachen Waffenvielfalt ist man also relativ frei und kann sich neben unterschiedlichen Pistolen auch diverse Schrotflinten, Sturmgewehre und Snipergewehre zu Nutze machen. Auch Granaten und Molotow-Cocktails dürfen natürlich nicht fehlen. Genug Bewaffnung, um den Zombies den digitalen Hintern wegzubrennen, gibt es also allemal.

Aber auch das im Survival-Horror-Genre mittlerweile recht beliebte Crafting-Element hat es ins Spiel geschafft und lockert die Munitions- und Heilungsbeschaffung ordentlich auf. Mit diversen Schrottteilen, die es in der Spielwelt zu finden gibt, haben wir also die Möglichkeit, Munition und auch diverse Wurfgegenstände wie beispielsweise Granaten herzustellen. Grace hat hierfür sogar die Möglichkeit Blutproben zu sammeln um mit deren Hilfe diverse Gegenstände herzustellen. Natürlich darf auch das für die Resident-Evil-Reihe typische grüne Kraut nicht fehlen. Mit diesem kann sich unser Charakter heilen.

Optisch absolut auf der Höhe und ein wahrer Augenschmaus

Speziell grafisch macht Resident Evil Requiem wirklich einiges her. Gerade die fantastischen Charaktermodelle versetzen einen nicht selten ins Staunen. Aber auch die Texturen der Spielwelt selbst können sich sehen lassen. Auch die spektakuläre Weitsicht kann gerade im Raccoon-City-Areal wirklich begeistern. Die hauseigene RE Engine ist quasi wie gemacht für das Franchise.

Der absolute Star in Sachen Optik ist hier allerdings die Beleuchtung. Selten habe ich ein so perfekt ausgeleuchtetes Horror-Erlebnis spielen dürfen, wie es hier der Fall ist. Vor allem in dunklen und nur spärlich beleuchteten Arealen spürt man, wie viel Arbeit hier in eine äußerst düstere und beklemmende Inszenierung geflossen ist. Ein absoluter Top-Vertreter im Horror-Genre, wenn es um Atmosphäre und Beleuchtung geht, und ein weiterer Meilenstein im Genre. Noch unheimlicher waren für mich lediglich Titel wie das Dead Space Remake und das Remake von Resident Evil 2 aus dem Jahre 2019.

Obendrein lief der Titel während unserer Testsession auf PlayStation 5 eigentlich immer mit stabilen 60 Frames über den Bildschirm. Nur ganz selten kam es beim Betreten von neuen Gebieten zu kurzen Rucklern. Wahrscheinlich musste die Engine hier diverse Texturen und Elemente nachladen.

Im Vergleich zur PC-Version müssen Konsolenspieler aber vor allem in Sachen Bildschärfe etwas zurückstecken. Auf einem potenten PC sieht der Titel nochmals eine ganze Ecke schärfer und knackiger aus. Ein PC in dieser Leistungsklasse kostet aber auch gerne mal das Dreifache einer aktuellen Konsole. Die Konsolenversionen bieten also einen guten Kompromiss aus ordentlicher Optik und stabiler Leistung.

Auch tonal ein Horror-Erlebnis der ganz besonderen Art

Tontechnisch bietet Resident Evil Requiem ebenfalls alles, was man von einem ordentlichen Survival-Horror-Erlebnis erwarten würde. Die unglaublich unheimlichen, ruhigen Passagen werden gekonnt zurückhaltend untermalt. Typisch Resident Evil, könnte man schon fast sagen. Wohingegen die actionorientierten Sequenzen mit treibenden, fast schon pumpenden Klängen untermalt werden. Stets die perfekte tontechnische Begleitung gepaart mit extrem wuchtigen und durchschlagenden Waffengeräuschen ergeben am Ende ein extrem rundes Gesamtbild.

Wenn man denkt, es ginge nicht noch unheimlicher, setzt das Spiel noch einen drauf und untermalt das Geschehen zusätzlich mit unglaublich unheimlich wirkenden Gegnergeräuschen. Schlürfende Zombies, monströse Kreaturen und unheimliche Nebengeräusche non-stop fordern dem eigenen Nervenkostüm wirklich einiges ab. Horror in Reinform und ein unheimliches Fest für die Sinne.

Resident Evil ist endlich zurück und setzt auf Nostalgie

Bildmaterial: Resident Evil Requiem, Capcom

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Titel	Nioh 3
	06. Februar 2026
	Koei Tecmo
	06. Februar 2026
	Koei Tecmo
	06. Februar 2026
	Koei Tecmo
System	PlayStation 5, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Team Ninja
Genres	Soulslike
Texte
Vertonung

Ein weiterer großer Vertreter im Souls-Genre ist zweifelsohne die Nioh-Reihe aus dem Hause Team Ninja. Mit dem ersten Teil der Reihe schafften es die japanischen Entwickler im Jahre 2017 eine ernstzunehmende Alternative zu den ebenfalls aus Japan stammenden Titeln des Entwicklers FromSoftware zu etablieren. Der damals PlayStation-4-exklusive Titel erschien später auch noch für PCs.

Die Nioh-Reihe orientierte sich zwar bereits von Beginn an stark an den FromSoftware-Titeln, schaffte es mit neuen Gameplay-Elementen und dem ein oder anderen Kniff allerdings gekonnt auch eigene Ideen im eigentlich recht festgefahrenen Genre umzusetzen und dem Ganzen einen eigenen Touch zu verleihen.

Dem durchaus beachtlichen Erfolg des ersten Teils ist es letztendlich zu verdanken, dass wir nach und nach mit weiteren Story-DLCs und später sogar mit einem Nachfolger versorgt wurden. Denn im Jahre 2020 erschien mit Nioh 2 ein vollwertiger Nachfolger, der neben noch eindrucksvolleren Bosskämpfen auch das ein oder andere neue Gameplay-Element zu bieten hatte. Auch hier folgten nach und nach weitere DLCs. Einige Zeit später erschien der Titel zusammen mit dem ersten Ableger der Reihe auch noch für PCs und in einer technisch aufgewerteten Version auch für PlayStation 5.

Im Juni 2025 war es dann letztendlich so weit und der Publisher Koei Tecmo kündigte den dritten Teil der erfolgreichen Reihe an. Nioh 3 soll den Erfolg der beiden Vorgänger wiederholen und vielleicht sogar noch toppen. Erstmals in der Geschichte der Nioh-Reihe soll Nioh 3 nun sogar eine Open-World einführen.

Bereits am 6. Februar ist es so weit und wir dürfen erneut in die Rolle eines furchtlosen Kriegers schlüpfen, der es mit den unzähligen Horden der Unterwelt aufnehmen muss. Ob sich das brandneue Samurai-Abenteuer aus dem Hause Team Ninja erneut gegen die mächtige Genre-Konkurrenz aus dem Hause FromSoftware behaupten kann und ob sich der Ausflug in das dämonenverseuchte Japan lohnt, erfahrt ihr natürlich wie immer in unserem ausführlichen Test.

Ein Kampf, der das Schicksal der Welt für immer entscheiden soll

Die Geschichte von Nioh 3 spielt zur Zeit der frühen Edo-Periode. Wir übernehmen die Rolle des Tokugawa Takechiyo, der den Kampf zwischen den Menschen und den finsteren Dämonen der Unterwelt sogar über die Zeiten hinweg bestreiten muss.

Takechiyo, der während dieser turbulenten Zeit zum Shogun ernannt werden soll, ahnt allerdings nicht, dass sein jüngerer Bruder Tokugawa Kunimatsu andere Pläne für ihn und das zukünftige Shogunat vorgesehen hat. Der von blinder Wut getriebene Kunimatsu lässt sich anschließend von der dunklen Seite beeinflussen und leitet eine Horde finsterer Yokai direkt zum Schloss Edo um dieses und damit einhergehend auch seinen Bruder, den zukünftigen Shogun, zu stürzen. Das Chaos beginnt und eine neue Ära des Krieges zwischen den Menschen und den Yokai entfacht.

Abseits der Edo-Periode bereisen wir in diesem neuen Abenteuer aus dem Hause Team Ninja auch die Sengouku-, die Heian- und die Bakumatsu-Periode. Erstmals in der Geschichte der Nioh-Reihe gibt es also Zeitsprünge innerhalb der Geschichte. Auf diesem beschwerlichen Weg trifft man auch auf allerlei historische Charaktere wie beispielsweise Hattori Hanzo und Saito Fuku. Eine spannende Geschichte inmitten eines turbulenten Krieges erwartet uns.

Gewohnte Soulslike-Kost gepaart mit einigen neuen Ideen

Spielerisch bleibt sich die Reihe natürlich auch weiterhin treu und so setzt auch Nioh 3 auf die allseits bewährte Souls-Formel. Auch Teil 3 verlässt sich also auf die bewährten Stärken der Vorgänger und kann vor allem mit den beeindruckenden und absolut fordernden Bosskämpfen glänzen. Ein Boss ist gefühlt schwerer als der andere und speziell im späteren Spielverlauf wird einem wirklich alles abverlangt. Hier muss man seinen Charakter und damit auch die Waffen und deren Spezialfähigkeiten wirklich äußerst gut beherrschen um am Ende siegreich aus den Kämpfen zu gehen. Extrem anspruchsvoll und absolut nichts für schwache Nerven.

Mit unzähligen Rüstungen und Upgrades kann man sich das digitale Leben zwar etwas erleichtern, jedoch wird genau dieser Aspekt durch die schier endlose Item-Drop-Flut nach wie vor etwas erschwert. Hier noch die Übersicht zu behalten, nachdem man gefühlte hundert Mal das gleiche Rüstungsteil erhalten hat, ist wahrlich nicht einfach. Hier schaffen es die Entwickler von Team Ninja auch nach unzähligen ähnlichen Titeln einfach nicht das gefühlt wahllose Item-Drop-System anzupassen. Auch das 2024 erschienene Rise of the Ronin hatte dieses Problem. Durch den deutlich geringeren Schwierigkeitsgrad fiel das bei diesem Titel jedoch nicht so sehr ins Gewicht wie bei den Nioh-Ablegern oder Wo Long: Fallen Dynasty.

Charakteranpassung ist das A und O um erfolgreich zu sein

Wie in diesem Genre üblich, macht die Charakterentwicklung die Musik und so ist es extrem wichtig, dass man sich gut mit den Fähigkeiten, den Skills und den unzähligen Gegenständen auseinandersetzt. Denn gerade Bosskämpfe, die sich während der ersten Versuche noch unmöglich anfühlen, werden mit dem geschickten Einsatz des richtigen Items oder der richtigen Waffe plötzlich durchaus machbar. Hier ist also Ausprobieren angesagt.

Spielerisch ist Nioh 3 also durchaus mit Arbeit verbunden. Spieler, die das nicht mögen und lieber eine gemütliche Gaming-Session auf der heimischen Couch haben und erleben möchten, sollten also einen großen Bogen um Nioh 3 machen. Der Schwierigkeitsgrad gehört serientypisch mit zur absoluten Spitze im Gaming-Sektor und kann durchaus als unverzeihlich und äußerst frustig beschrieben werden.

Hat man die extrem hohe Hürde jedoch erstmal genommen, erwartet euch ein tolles und spannendes Abenteuer mit vielen tollen Kämpfen und ordentlich Tiefgang in Sachen Kampfsystem und Charakterentwicklung.

Neuer Gameplay-Kniff sorgt für die längst überfällige Abwechslung

Die wohl größte Neuerung von Nioh 3 dürfte das neue Wechsel-Feature darstellen. Denn mit diesem neuen Feature können wir unser Item-Set nun schnell von Samurai auf Ninja beziehungsweise Shinobi ändern. Man hat also jederzeit die Möglichkeit das aktuell ausgewählte Item-Set per Tastendruck zu ändern und so schnell von einem starken, aber eher langsamen Samurai-Moveset auf das deutlich schnellere, aber auch etwas schwächere Ninja-Moveset zu wechseln.

Das ohnehin schon sehr gelungene Kampfsystem erhält mit diesem Feature nun also nochmal mehr Tiefgang. Im Klartext heißt das also, dass es nun möglich ist, seine Item-, Waffen- und Rüstungsauswahl perfekt auf die jeweilige Situation während eines Kampfes anzupassen. Dieses neue Feature mag im ersten Moment zwar etwas banal und unwichtig klingen, macht während der hektischen Bosskämpfe aber absolut Sinn und man fragt sich ernsthaft, wieso Team Ninja nicht schon deutlich länger auf diese Idee gekommen ist.

Offene Spielwelt nicht so wichtig, wie man meinen möchte

Eine weitere große Neuerung ist die Einführung der nun offenen Spielwelt. Diese fällt jedoch, anders als man im ersten Moment vielleicht meinen möchte, deutlich weniger relevant aus. Denn anders als bei den beiden Vorgängern, die sich recht strikt an eine schlauchartige Levelstruktur hielten, sind die Areale bei Nioh 3 nun deutlich größer und freiläufiger. Man hat also, fast schon wie bei Elden Ring, die Möglichkeit auch mal aus einem optionalen Bosskampf zu fliehen und den Gegner einfach an Ort und Stelle stehen zu lassen.

Ein interessanter neuer Kniff für die Nioh-Reihe und auf jeden Fall ein Feature, welches das Spielgefühl doch etwas modernisiert und erweitert. Mit der bombastischen und äußerst spannend und interessant gestalteten Spielwelt von Elden Ring kann die Spielwelt eines Nioh 3 jedoch keinesfalls mithalten und man sollte die Open-World von Nioh 3 eher als eine Art erweiterten Spielplatz sehen, in dem sich das Ganze abspielt.

Technisch etwas angestaubt und nicht mehr zeitgemäß

Grafisch ist Nioh 3 wahrlich kein Augenschmaus. Die Texturen sind ordentlich, die Charaktermodelle durchaus ansehnlich und die Effekte immer noch recht schön anzusehen. Einen grafischen Quantensprung sollte man hier aber auf keinen Fall erwarten.

Die mittlerweile deutlich betagte hauseigene „Katana Engine“ des Entwicklers Team Ninja hat die besten Jahre hinter sich und bereits bei Rise of the Ronin und Wo Long: Fallen Dynasty zeigte die Engine deutliche Alters- und Abnutzungserscheinungen. Hier kann man einfach nicht mehr mit anderen modernen Titeln mithalten und müsste die Engine dringend austauschen oder überarbeiten. Die Engine wurde unter anderem auch bei Titeln wie Wild Hearts und Hyrule Warriors: Zeit der Verheerung verwendet.

Dennoch lief Nioh 3 stets mit flüssigen 60 Frames über den Bildschirm und ermöglichte so ein einwandfreies Spielerlebnis das sich, auch trotz der angestaubten Optik, immer noch sehen lassen kann. Und seien wir ehrlich, für die grafischen Qualitäten war die Nioh-Reihe nie wirklich berüchtigt.

Tontechnisch wie immer ordentlicher Durchschnitt

Auch klangtechnisch gibt sich Nioh 3 keine Blöße. Durchaus ordentlich klingt der ausgewählte Soundtrack und auch die Soundeffekte leisten sich keine Patzer. Absoluter Durchschnitt also und wie auch schon die durchschnittliche Optik absolut typisch für die Nioh-Reihe.

Lediglich während der hektischen Bosskämpfe dreht der Sound, wie in diesem Genre üblich, auf neue Höhen auf. Hier wird das ohnehin schon äußerst hektische und stressige Gameplay dann auch noch mit hektischer und stressiger, aber stets epochaler Orchester-Musik untermalt. Team Ninja hält sich auch in diesem Punkt also strikt an den gewohnten Souls-Fahrplan.

Mehrspielermodus leider noch nicht testbar

Während unserer Testsession war der Mehrspielermodus leider noch nicht spielbar oder ich habe aus irgendeinem Grund einfach keine weiteren Mitspieler finden können. Dies wird sich zum Release aber sicher ändern, da hier ja dann auch deutlich mehr Spieler unterwegs sein werden.

Der Fokus dieses Multiplayer-Modus liegt aber auch hier, typisch für die Nioh-Reihe, auf Koop-Gameplay oder dem Überfallen einer anderen Spieler-Welt. Man hat also die Möglichkeit sich in eine aktuell laufende Spielwelt eines anderen Spielers teleportieren zu lassen um diesen zu überfallen und diesem das digitale Leben zur Hölle zu machen.

Forderndes Samurai-Abenteuer mit Souls-Formel und hohem Frust-Faktor

Bildmaterial: Nioh 3, Koei Tecmo, Team Ninja

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Titel	Final Fantasy VII Remake Intergrade
	22. Januar 2026
	Square Enix
	22. Januar 2026
	Square Enix
	22. Januar 2026
	Square Enix
System	PlayStation 4/5, Xbox Series, Nintendo Switch 2, PC
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Square Enix
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Im Jahre 2020 veröffentlichte der japanische Entwickler und Publisher Square Enix erstmals das Remake eines der wohl einflussreichsten JRPGs der Videospielgeschichte. Denn mit Final Fantasy VII Remake bekamen die Fans nach einer jahrelangen Odyssee des Wartens endlich die technisch modernisierte Neuauflage ihres Lieblingsrollenspiels serviert.

Was ursprünglich als PlayStation-3-Tech-Demo im Jahre 2005 umgesetzt und auf der Spielemesse „E3“ anschließend auch gezeigt wurde, wurde auf Wunsch vieler Fans hin viele Jahre später zu einem vollwertigen Remake für Sonys nächste Konsole, die PlayStation 4, in die Tat umgesetzt.

Dank den fantastischen Verkaufszahlen der Neuauflage fackelte man bei Square Enix nicht lange und legte mit dem Yuffie-DLC „INTERmission“ im Jahre 2021 sogar noch einen drauf. Dieser DLC erschien durch technische Veränderungen und die daraus resultierenden höheren Hardware-Ansprüche allerdings nur für die ebenfalls im Jahre 2021 erschienene PS5-Portierung des Remakes.

Diese PS5-Version trägt den Titel „Final Fantasy VII Remake Intergrade“ und enthält neben dem Hauptspiel selbst auch den Yuffie-DLC und andere technische Verbesserungen und Anpassungen an die Features der damals neuen Sony-Konsole PlayStation 5. Aber auch PC-Spieler kamen zu diesem Zeitpunkt bereits in den Genuss des Remakes. Denn dieses erschien zeitgleich mit der PS5-Portierung auch für Steam und im Epic Games Store.

Bereits zum ursprünglichen Release des Remakes im Jahre 2020 gab es erste Mutmaßungen über eine eventuelle zeitliche Exklusivität des Titels. Hierzu hielt man sich bei Square Enix jedoch lange bedeckt. Erst Ende des Jahres 2025 gab Square Enix dann endlich das Erscheinungsdatum der Switch-2- und der Xbox-Version des Remakes bekannt. Bereits am 22. Januar dieses Jahres wird es nun so weit sein und dann dürfen endlich auch Nintendo- und Xbox-Fans in den Genuss des fantastischen Rollenspiels kommen.

Ob das Remake von Final Fantasy VII auch heute noch begeistern kann und ob es seinem extrem hohen Ruf als eines der wohl einflussreichsten und bedeutendsten Rollenspiele der Gaming-Welt nun auch auf Nintendos neuem Handheld, der Switch 2, gerecht werden kann, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Test.

Ein alles entscheidender Kampf um die Zukunft des Planeten

Final Fantasy VII Remake ist bekanntermaßen der erste von drei Teilen der Remake-Trilogie. In diesem ersten Part geht es primär um den Ex-Soldier Cloud Strife, der sich der Umweltaktivisten-Gruppierung „Avalanche“ anschließt um den Planeten vor der völligen Zerstörung zu bewahren. Denn der mächtige und allumfassende Shinra-Konzern, der den Planeten für eigene Zwecke und sozusagen als Energiequelle geradezu aussaugt und missbraucht, ist die größte Bedrohung für die Welt und deren Bewohner. Diese Bedrohung gilt es auszuschalten, koste es, was es wolle.

Nach und nach entfaltet sich aber zudem eine tragische Geschichte, die sich speziell um die Vergangenheit des ehemaligen Soldaten Cloud Strife dreht. Im Groben hält sich das Remake also an die Handlung des Originals aus dem Jahre 1997. Verändert hier und da aber auch mal das ein oder andere wichtige Kernelement der Story und dichtet hier und da auch mal eine Kleinigkeit hinzu. Hardcore-Fans des Originals wird das sicher ab und zu mal sauer aufstoßen, ich für meinen Teil hatte und habe aber immer noch extrem viel Spaß mit der neuen Umsetzung und den neuen Story-Ansätzen, die das Remake zu bieten hat.

Neues Kampfsystem und deutlich mehr Action im Remake

Das wohl bedeutendste neue Element des Remakes dürfte zweifelsohne das neue, deutlich actionorientiertere Kampfsystem sein. Wo das Original von 1997 noch auf ein für japanische Rollenspiele typisches rundenbasiertes Kampfsystem setzte, setzt das Remake nun auf ein actionorientiertes und direktes Kampfsystem. Man greift die Gegner also direkt an und beharkt diese regelrecht mit unterschiedlichen Tastenkombinationen.

Auch das Blocken und das Ausweichen funktionieren direkt und ohne separate Kommandos. Auf Wunsch kann man außerdem zwischen den verschiedenen Charakteren der aktuellen Party hin- und herwechseln. So fühlen sich die Kämpfe deutlich direkter an und man hat das Gefühl etwas mehr Kontrolle über das Kampfgeschehen zu haben.

Das klassische rundenbasierte Kampfsystem hat natürlich ebenso seine Vorzüge, wirkt aber heutzutage doch recht angestaubt und nicht mehr zeitgemäß. Aber das ist wie so vieles eben auch immer Geschmackssache. Ich für meinen Teil bin jedenfalls froh, dass man sich bei Square Enix für dieses neue Kampfsystem entschieden hat.

Charme des Originals wird wunderbar transportiert

Durch die Möglichkeiten der aktuellen Technik im Gaming-Segment ist es nun natürlich auch möglich die heutzutage schon recht unscharf und extrem pixelig wirkenden Areale des Originals in neuem Glanz erstrahlen zu lassen. Die altbekannten Areale wirken nun regelrecht gigantisch und hinterlassen richtig Eindruck, speziell wenn man eben das mittlerweile schon recht in die Jahre gekommene Original kennt.

Natürlich liegen viele Jahre zwischen dem Remake und dem Original von 1997, dennoch ist es absolut nicht einfach diese oft so ikonischen Areale und Szenen des Originals in die Moderne zu transportieren, ohne dass diese den von vielen Fans so geliebten Charme verlieren. Doch Square Enix ist das zweifelsohne gelungen. Nicht selten schwelgt man beim Betrachten der Locations regelrecht in Erinnerungen an die Kindheit oder eben die frühen Tage, als 3D-Gaming noch in den Kinderschuhen steckte. Ein Stück Gaming-Nostalgie zum neu Erleben, könnte man sagen, und für viele Spieler sicher mehr als nur ein Rollenspiel. Es war der Anfang einer Liebe für ein Genre, das speziell im westlichen Raum noch in den absoluten Startlöchern stand und zur damaligen Zeit kaum Beachtung bekam.

Auch optisch eine fantastische Neuauflage

Remakes werden generell gerne nur auf die bessere und modernisierte Optik reduziert. Beim Remake von Final Fantasy VII ist dies allerdings nur die Krönung einer ohnehin schon toll inszenierten und perfekt umgesetzten Neuauflage.

Entstanden ist das Remake auf Basis der Unreal Engine 4, die auch heute noch zu gefallen weiß. Mit scharfen Texturen, fantastischen Charaktermodellen und stets beeindruckenden Partikel- und Beleuchtungseffekten macht das Remake auch heute noch eine extrem gute Figur. Obendrein läuft das Ganze auch noch stets flüssig mit 60 Frames über den heimischen Bildschirm. Was will man mehr von einem Remake dieser Güteklasse?

Speziell die nun von uns getestete Switch-2-Version ist hier wirklich ein absolutes Brett in Sachen technische Umsetzung. Denn wer hätte noch vor ein paar Jahren gedacht so ein grafisches Brett von Spiel auf so einem relativ kleinen Handheld spielen zu können ohne größere grafische Einbußen hinnehmen zu müssen? Einzig und allein mit der Darstellung von Clouds Haarpracht scheint die Nintendo-Konsole aktuell noch ein Problem zu haben. Diese verpixeln aus irgendeinem Grund hin und wieder. Dieses Problem könnte aber noch per zukünftigem Update behoben werden und mindert den Spielspaß in keinster Weise.

Im Docked-Modus der Switch 2 läuft der Titel mit 1080p und stets stabilen 30 FPS. Das klingt im ersten Moment zwar nicht nach viel verglichen mit der PS5-Portierung, genügt im Falle des Remakes von Final Fantasy VII aber vollstens, da sich die 30 FPS in diesem Fall keineswegs störend anfühlen. Im Handheld-Modus läuft das Spiel dann mit einer 720p-Auflösung. Die Auflösung wird dann per DLSS-Variante auf 1080p hochgerechnet.

Perfekt modernisierter Soundtrack trifft auf eindrucksvolle Effekte, die es in sich haben

Aber auch der fantastische Soundtrack mit seinen vielen tollen Tracks liegt vielen Spielern immer noch eingängig in den Ohren. Diese wurden liebevoll remastert und klingen nun deutlich knackiger und moderner. Ohrwurm-Garantie, die ihresgleichen sucht. Auch die durchschlagenden Soundeffekte leisten sich keine Patzer und runden das ohnehin schon einwandfreie tontechnische Gesamtbild weiter ab.

Yuffies Vorgeschichte ist ebenfalls mit an Bord

Auch der fantastische Yuffie-DLC, der ursprünglich der PS5- und PC-Portierung blieb, ist hier mit von der Partie. Hier übernehmen wir die Rolle der äußerst wendigen und taffen Shinobi Yuffie und erleben die Vorgeschichte dieses Charakters, bevor Yuffie Teil der Gruppierung Avalanche wurde.

Die Spielzeit des Yuffie-Abenteuers beträgt ca. vier bis sechs Stunden und erweitert die Hintergrundgeschichte gekonnt. Ich hatte zum damaligen Release nicht viel vom DLC erwartet, wurde dann aber doch äußerst positiv überrascht.

Ein Meilenstein jetzt auch für unterwegs

Bildmaterial: Final Fantasy VII Remake, © 1997, 2020 SQUARE ENIX CO., LTD. All Rights Reserved. CHARACTER DESIGN: TETSUYA NOMURA / ROBERTO FERRARI. LOGO ILLUSTRATION: ©1997 YOSHITAKA AMANO

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Eine dieser günstigeren Alternativen ist der „Super Pocket“ des Herstellers Blaze. Diesen Handheld im Retro-Design gibt es in den verschiedensten Ausgaben und mit jeweils anderer Spielebestückung im Handel. Beispielsweise gibt es das Gerät als Atari-, Taito- und Capcom-Variante mit jeweils eigenem farblich abgestimmten Design und einer speziell für die jeweilige Edition angepassten Spieleliste. Doch das sind längst nicht alle Ausgaben des Super-Pocket-Handhelds. Eine weitere brandneue Variante ist beispielsweise die NeoGeo-Edition.

Wir durften diese neue NeoGeo-Variante des Retro-Handhelds ausgiebig testen und verraten euch natürlich auch, ob sich ein Kauf des Geräts lohnt und ob man das klassische Arcade-Feeling auf einem solchen Handheld tatsächlich erleben und fühlen kann.

Stilsicher präsentiert und hochwertig umgesetzt

Speziell das in edlem Schwarz gehaltene klassische NeoGeo-Design sticht bei dieser Variante ganz deutlich ins Auge. Schlicht und elegant und mit goldener Schrift versehen versetzt uns dieser Handheld sofort zurück in die goldene Arcade-Ära der 90er-Jahre.

Neben der Optik weiß auch die Haptik zu gefallen und der Handheld fühlt sich insgesamt sehr hochwertig an. Nichts klappert und nichts knarzt und speziell die Tasten und deren Druckpunkte fühlen sich absolut treffend und passend an. Was will man als Retro-Fan mehr? Trotz des relativ günstigen Preises wurde hier also keinesfalls an den Komponenten gespart. Sehr löblich.

Neben den üblichen Tasten auf der Vorderseite bietet der Super Pocket außerdem auch vier Schultertasten auf der Rückseite des Geräts. So hält sich der Hersteller Blaze die Möglichkeit offen, auch moderne Titel auf dem Handheld spielen zu können, die mehr Tasten als die Standardbelegung erfordern.

Auch technisch in die Moderne transportiert

Besonders die technische Seite des Super Pocket weiß zu gefallen. Speziell das sauber und gleichmäßig ausgeleuchtete 2,8 Zoll große Display mit seinen knalligen Farben sticht hierbei positiv hervor. Das Display läuft auf einer Auflösung von 320×240 Pixel und ist damit perfekt für ausufernde Retro-Ausflüge geeignet.

Aber auch die verbauten Lautsprecher leisten ihren Dienst hervorragend. Auf Wunsch kann per 3,5mm-Lautsprecherbuchse sogar ein separater Kopfhörer angeschlossen werden. Aber auch ohne diesen kann sich der Super Pocket zu jeder Zeit und auf fast jeder Lautstärke hören lassen.

Geladen wird der Super Pocket außerdem per schneller USB-C-Verbindung. Im Klartext bedeutet das, dass der Handheld innerhalb kürzester Zeit wieder voll einsatzbereit ist. Mit einer Akkuladung kann man im Durchschnitt ca. vier Stunden spielen. Auf einen HDMI-Anschluss verzichtete der Hersteller Blaze allerdings. Somit ist es leider nicht möglich das Gerät an einen externen Monitor oder TV anzuschließen. Das ist im Großen und Ganzen aber auch der einzige wirklich negative Aspekt an diesem Gerät.

Goldene Ära der Arcade-Titel

Die Spielauswahl des NeoGeo-Handhelds ist, man hätte es erwarten können, natürlich sehr Arcade-lastig. Typisch NeoGeo eben. Neben absoluten Arcade-Klassikern wie Metal Slug X, Blazing Star, Fatal Fury, Samurai Shodown II und The Last Blade sind auch etwas speziellere Titel wie King of the Monsters 2, Mutation Nation und Soccer Brawl enthalten. Insgesamt 14 Spiele befinden sich bereits vorinstalliert auf dem Handheld.

Per Cartridge-Slot lassen sich allerdings viele weitere Evercade-Cartridges laden und spielen. Die Spielauswahl steigt somit deutlich an und für genügend Unterhaltung sollte auf jeden Fall gesorgt sein. Ich zumindest hätte mir vielleicht noch etwas mehr Metal-Slug-Titel für diese NeoGeo-Ausgabe des Handhelds gewünscht. Aber das ist am Ende des Tages auch einfach Geschmackssache.

Ein toller Begleiter für unterwegs

Bildmaterial: Super Pocket, Blaze Entertainment, HyperMegaTech

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Titel	Metroid Prime 4: Beyond
	04. Dezember 2025
	Nintendo
	04. Dezember 2025
	Nintendo
	04. Dezember 2025
	Nintendo
System	Nintendo Switch, Switch 2
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Retro Studios
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Die Metroid-Reihe gehört bereits seit Mitte der 80er-Jahre zum festen Bestandteil der Nintendo-Riege und mit dem weiblichen Hauptcharakter „Samus Aran“ hatte Nintendo als einer der ersten Vertreter der Gaming-Branche eine starke Frauenrolle in einer extrem actionorientierten Reihe etabliert. Ein wegweisender Schritt, der den Weg für viele weitere weibliche Hauptrollen im Gaming-Sektor ebnete.

Jedoch war nicht nur die weibliche Hauptrolle ein positiver Aspekt der Reihe. Auch die unglaublich dichte und beklemmende Atmosphäre, der fantastische Soundtrack und speziell der bis dahin einzigartige Levelaufbau und etliche neue Gameplay-Mechaniken wurden durch die Metroid-Reihe etabliert und nach und nach zum festen Bestandteil vieler anderer Titel und Reihen.

Neben etlichen 2D-Ablegern schaffte es Nintendo zusammen mit dem US-amerikanischen Entwickler Retro Studios die Metroid-Reihe im Jahre 2002 gekonnt in die 3D-Ära zu transportieren und schuf mit „Metroid Prime“ ein neuartiges Spielkonzept, welches mehr oder weniger fordernde Rätsel mit typischen Shooter-Elementen verband und kombinierte.

Ein tolle Mischung, die man bis dahin noch nicht gesehen hatte. Metroid Prime wurde durchweg gut aufgenommen und bekam sowohl von Kritikern als auch von Spielern weltweit großes Lob zugesprochen. Dies ebnete den Weg für viele weitere Nachfolger und Ableger der Reihe. Metroid war somit endlich im 3D-Zeitalter angekommen.

Lange war es still um die Reihe

Nach dem 2021 erschienenen Metroid Dread, einem 2D-Ableger der Reihe, wurde es jedoch lange still um die doch recht beliebte Reihe. Bereits lange vor dem Release von Metroid Dread gab es immer wieder Gerüchte um einen vierten Ableger der Metroid-Prime-Reihe. Letztendlich wurde die Entwicklung des Titels im Jahre 2019 dann sogar komplett aufgegeben und einem anderen Entwickler übergeben. Ein kompletter Reset quasi und ein Fiasko für viele Fans der Reihe, die sich nun erneut viele Jahre gedulden mussten.

Erst im Juni des Jahres 2024 war es letztendlich so weit und Nintendo veröffentlichte endlich einen ersten Trailer zu Metroid Prime 4: Beyond. Auch der vierte Teil tritt, wie wahrscheinlich auch von vielen Fans gewünscht, exakt in die gleichen Fußstapfen wie seine Vorgänger und transportiert das nächste Abenteuer von Samus Aran somit in die nächste Generation.

Am 4. Dezember dieses Jahres ist es nun endlich so weit und die lange Wartephase hat ein Ende. Denn dann erscheint Metroid Prime 4: Beyond für Nintendo Switch und Switch 2. Ob sich die gefühlt endlose Warterei auf das neueste Abenteuer mit der wohl taffsten Kopfgeldjägerin der Galaxie gelohnt hat oder ob man die Reihe doch lieber in schöner Erinnerung behalten sollte, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Test.

Taffe Kopfgeldjägerin erneut auf gefährlicher Mission

Die Geschichte von Metroid Prime 4: Beyond startet mit einer Reihe von Angriffen auf unterschiedliche Forschungseinrichtungen der Föderation. Diese hinterhältigen Angriffe werden von dem erfahrenen und gefürchteten Kopfgeldjäger Sylux angeführt und koordiniert. Sylux will mit diesen Angriffen nicht nur die Föderation, sondern auch unsere Heldin Samus Aran in die Knie zwingen.

Auch auf dem Planeten Tanamaar im Desolan-System wird eine solche Forschungsstation angegriffen. Das Hauptquartier dieser Station konnte jedoch noch im letzten Moment einen Hilferuf absenden. Samus, die sich exakt in diesem Moment auf einer Aufklärungsmission in unmittelbarer Nähe befand, wird nun zu Hilfe gerufen und soll den hinterhältigen Angriff auf diese Einrichtung beenden.

Von hier aus entspinnt sich ein spannendes Abenteuer rund um die Machenschaften des finsteren Sylux und stecken vielleicht auch die Metroids mittendrin in dieser noch recht undurchschaubaren und chaotischen Situation? Ein spannendes Abenteuer voller Gefahren und Herausforderungen erwartet unsere Heldin und Kopfgeldjägerin Samus Aran.

Gewohntes Metroid-Gameplay lässt Fan-Herzen höherschlagen

Gameplaytechnisch hält sich Metroid Prime 4: Beyond fast schon akribisch genau an die Mechaniken der Vorgänger. Wir erkunden so also nach und nach die jeweiligen Gebiete und Areale, lösen hier und da ein mal mehr und mal weniger forderndes Rätsel und kämpfen uns nebenbei auch durch allerlei außerirdische Gegner. Typisch Metroid Prime eben und genau das, was sich so viele Fans bereits seit vielen Jahren wünschen.

Aber um es deutlich zu sagen, Metroid Prime 4: Beyond fühlt sich unheimlich stimmig und rund an. Nur äußerst selten hat man wirklich das Gefühl, dass ein Abschnitt nicht bis ins letzte Detail durchdacht wurde und mit den unzähligen Elementen, die es zu scannen und zu entdecken gilt, kommt man sich regelrecht wie ein Entdecker in dieser doch recht fremden Welt vor.

Auch die zahlreichen Kämpfe fühlen sich schnell und dynamisch an. Man hat stets das Gefühl, Herr über die Lage zu sein, auch wenn es mal brenzliger wird. Aber unsere Heldin Samus kann sich, speziell im weiteren Spielverlauf, mit allerlei technischen Spielereien zur Wehr setzen. Diese müssen, typische Metroid, aber nach und nach während des Spielverlaufs erst freigeschaltet werden.

Natürlich hat unsere Heldin auch in diesem Ableger wieder die Möglichkeit, die sogenannte „Morphball“-Funktion zu nutzen. Mit dieser Funktion kann sich Samus zu einer Kugel zusammenrollen und so diverse Rätsel lösen oder aber auch einfach nur enges Gelände überwinden. Ein cooles Feature und quasi das Markenzeichen der Metroid-Reihe.

Ausufernde und spannende Bosskämpfe stellen das Highlight dar

Neben den doch recht unterschiedlichen und wirklich interessant gestalteten Abschnitten und Arealen, die es zu entdecken gilt, sind es aber vor allem die ausufernden und spektakulären Bosskämpfe, die das absolute Highlight von Metroid Prime 4: Beyond darstellen.

Fast schon serientypisch sind die Bosse deutlich größer als man selbst, was die Kämpfe ohnehin schon mal eine ganze Ecke einschüchternder wirken lässt. Dennoch hat jeder dieser Bosse eine bestimmte Schwachstelle, die es zu finden gilt. Hat man diese Schwachstelle erst einmal gefunden, sind die Bosskämpfe quasi fast schon extrem leicht zu schaffen.

Die langen Erkundungsausflüge durch die unterschiedlichsten Areale und Umgebungen werden also nicht selten mit einem ausufernden und durchschlagenden Bosskampf abgerundet. Stets ein schöner Abschluss und auch absolut typisch für die Reihe.

Beeindruckende Optik trifft auf einwandfreie Performance

Vor allem technisch macht Metroid Prime 4: Beyond eine absolut fantastische Figur. Die Optik wirkt speziell auf Switch 2 wirklich beeindruckend und zeigt eindrucksvoll, dass Nintendo durchaus auch bildgewaltige Abenteuer mit einer hohen grafischen Qualität inszenieren kann. Metroid Prime 4: Beyond braucht sich grafisch also keinesfalls vor anderen aktuellen Titeln zu verstecken.

Der Titel läuft auf der hauseigenen „RUDE“-Engine des Entwicklers Retro Studios und diese schafft es eindrucksvoll den Titel zu jeder Zeit fantastisch aussehen zu lassen und die butterweichen 60 Frames dennoch stets zu halten. Vorbildlich und technisch absolut rund also.

Auch die knackig scharfen Texturen und die tollen Licht- und Wettereffekte tragen ungemein zur Atmosphäre bei und runden das optische Gesamtbild nochmals gekonnt ab. Metroid Prime 4: Beyond ist der, zumindest für mich, bis jetzt schönste Nintendo-Titel überhaupt und zeigt schon jetzt, zu welchen grafischen Leistungen die Switch 2 im Stande ist. So muss ein Metroid-Prime-Ableger heutzutage aussehen!

Für Spieler, die eine entsprechende Hardware besitzen, ist Metroid Prime 4: Beyond sogar in einem 120-FPS-Modus spielbar. Hier läuft der Titel dann in der 1080p-Auflösung. Hierfür ist aber, wie bereits erwähnt, ein entsprechender Monitor beziehungsweise TV erforderlich.

Auch soundtechnisch nicht von dieser Welt

Soundtechnisch macht Metroid Prime 4: Beyond ebenfalls eine tolle Figur. Der fantastische Soundtrack gepaart mit den für die Metroid-Reihe fast schon mystisch klingenden Klangteppichen und den knackigen Soundeffekten ergibt auch hier ein rundes Gesamtbild.

Serientypisch hält sich auch Metroid Prime 4: Beyond eher zurück, was ausufernde Soundtrack-Beschallungen anbelangt. So wird auch in diesem Teil die wunderbar düstere und beklemmende Atmosphäre erzeugt, die so viele Metroid-Fans bis heute lieben.

Neuer Maus-Support für Shooter-erfahrene Spieler

Ein besonderes Feature von Metroid Prime 4: Beyond ist der neue Maus-Support. Denn nun ist es möglich mit den Joy-Con die Maus-Steuerung zu simulieren. Hierfür wird der rechte Joy-Con seitlich auf der Oberfläche platziert und quasi wie eine Maus geführt, während man mit dem linken Joy-Con wie gewohnt die Hauptfigur steuert. Somit hat man noch mehr das Gefühl ein waschechtes Shooter-Abenteuer zu spielen. Ein cooles Feature, welches gerne öfter in zukünftigen Switch-2-Titeln Verwendung finden darf.

Taffe Kopfgeldjägerin auf spannender, außerirdischer Mission

Bildmaterial: Metroid Prime 4: Beyond, Nintendo, Retro Studios

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Titel	Where Winds Meet
	14. November 2025
	NetEase
	14. November 2025
	NetEase
	14. November 2025
	NetEase
System	PlayStation 5, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Everstone Studio
Genres	Open-World-Action-Adventure
Texte
Vertonung

Wir hatten die Möglichkeit, das äußerst ambitionierte Wuxia-Action-RPG Where Winds Meet ausgiebig anzutesten. Das vom in China ansässigen Entwickler Everstone Studio entwickelte Spiel ist eine Mischung aus bekannten Souls-Gameplay-Elementen und einer offenen und weitläufigen Spielwelt, die im alten China zur Zeit der Fünf Dynastien und Zehn Reiche angesiedelt ist. Der Schwerpunkt liegt bei Where Winds Meet ganz klar auf dem ausgiebigen und relativ komplexen Kampfsystem, welches mit seinen vielen Spezial-Moves zu begeistern weiß.

Where Winds Meet soll am 14. November nun endlich auch im Westen für PlayStation 5 und PCs via Steam, dem Epic Games Store und dem Microsoft Store erscheinen. Der Titel erschien in China für PCs bereits am 27. Dezember 2024. Die Mobile-Variante ging nur wenige Tage später am 9. Januar 2025 online.

Ob sich die Vorfreude auf den doch recht heiß erwarteten Titel gelohnt hat oder ob man seine digitale Zeit in Fernost doch lieber mit Titeln wie Ghost of Yōtei oder Assassin’s Creed Shadows verbringen sollte, erfahrt ihr wie immer bei uns.

Ein junger Krieger auf einer beschwerlichen Reise

In Where Winds Meet übernehmen wir die Kontrolle über einen eigens erstellten Charakter, welcher sich auf einer beschwerlichen Reise quer durch das alte China befindet. In einer Zeit der Konflikte und der Zerrüttung sucht der junge Schwertmeister nach der Wahrheit und letztendlich auch nach der eigenen Identität. Während der Zeit der Fünf Dynastien und Zehn Reiche versank das Land regelrecht im Chaos und war in viele Regionen gespalten. Eine kriegerische und düstere Zeit also.

Die Geschichte von Where Winds Meet ist also so vage und so lose gehalten, wie sie nur sein könnte. Denn diese ist im Endeffekt nur ein kleiner roter Faden, an dem man sich entlanghangeln kann, aber nicht muss. Die eigene Entwicklung des Charakters steht hier ganz klar im Vordergrund.

Weitläufige Spielwelt bietet Platz für Erkundung

Wie es bei so vielen Open-World-Abenteuern üblich ist, ist auch die Spielwelt eines der Highlights von Where Winds Meet. Die äußerst weitläufige Welt bietet immer wieder interessante Punkte und Sehenswürdigkeiten, die es zu entdecken gilt. Natürlich wird man hierbei auch regelmäßig mit dem ein oder anderen Lootkästchen belohnt. Man möchte seinen Charakter ja schließlich stets voranbringen. Keine Erkundung bleibt also ohne Erfolgsgefühl, was für ein Open-World-Abenteuer, zumindest für meinen Geschmack, schon mal einen großen Pluspunkt darstellt.

Aber auch die zahlreichen feindlich und auch nicht so feindlich gesinnten NPCs dieser Welt erwecken das digitale China zum Leben. Immer wieder findet man interessante Punkte oder Questgeber, die einem stets neue Motivation und ein neues Ziel geben. In unserer Preview-Version waren allerdings nur zwei größere Areale der doch recht groß anmutenden Spielwelt spielbar. Wie groß die Spielwelt am Ende jedoch genau sein wird und wie groß die Abwechslung innerhalb der Quests, ist zum jetzigen Zeitpunkt nach dieser Preview-Version noch nicht absehbar.

Mit einem Ghost of Yōtei oder einem Assassin’s Creed Shadows kann Where Winds Meet jedoch in Sachen Präsentation und Stimmung keinesfalls mithalten. Hier reden wir aber auch von zwei unterschiedlichen Ligen in Sachen Spieldesign und Qualität. Dennoch erwartet uns hier eine farbenfrohe Welt mit allerlei Geheimnissen, die es zu finden gilt, und die Stimmung des alten China wird wunderbar transportiert und vermittelt.

Das Kampfsystem ist das Highlight des Fernost-Abenteuers

Das vielseitige und vor allem im weiteren Spielverlauf relativ ausufernde Kampfsystem ist ganz klar der Star von Where Winds Meet. Der Titel bezeichnet sich schließlich nicht umsonst selbst als „Wuxia-RPG“, also ein Rollenspiel mit Martial-Arts-Kampfsystem- und Einflüssen.

Ganz wie im Action-Streifen „House of Flying Daggers“ schießen wir regelrecht den Feinden entgegen und können uns gefühlt unzähliger Spezialangriffe bedienen. Das Kampfsystem ist in diesem Fall wirklich easy to learn, aber hard to master. Die Basic-Angriffe hat man relativ schnell raus. Im weiteren Spielverlauf schaltet man aber recht zügig immer mehr Angriffsmöglichkeiten frei und das Kampfsystem entfaltet somit ziemlich schnell sein wahres Potential.

Unzählige Herausforderungen erwarten uns

Quer durch die große Spielwelt verstreut gibt es natürlich auch immer wieder diverse Herausforderungen, wie das ein oder andere Event. Hier und da wartet auch mal ein extrem starker Bossgegner auf uns. Diese speziellen Herausforderungen bescheren uns nach erfolgreichem Abschluss natürlich extra tolle Belohnungen. Gerade die Bosskämpfe sind aber eigentlich nur bei korrektem Level des eigenen Charakters schaffbar, da der Level-Unterschied sonst einfach zu gravierend ist und man kaum eine Chance gegen den starken Gegner hat. Typisch RPG eben.

Das Besondere an diesen Events und Herausforderungen ist aber die Tatsache, dass man diese auch mit anderen Spielern im Koop-Modus absolvieren kann. Da in der Testphase allerdings noch recht wenige Spieler auf den westlichen Servern online waren, konnten wir die Online-Komponente leider nicht wirklich testen.

Technisch noch nicht ganz fit

Technisch gesehen macht Where Winds Meet aktuell noch einen recht durchwachsenen Eindruck. Die Framerate bricht in fast schon regelmäßigen Abständen ein. Mal mehr und mal weniger. Aber auch aus grafischer Sicht reißt der Titel keine Bäume aus. Insgesamt ist das Spiel zwar wirklich schön anzusehen, kann aber weder mit knackig scharfen Texturen noch mit besonderen Licht- oder Partikeleffekten glänzen. Auch die Weitsicht könnte meiner Meinung nach etwas höher ausfallen. Gerade weiter entfernte Gegenstände tauchen des Öfteren auch mal kurz vor einem wieder auf, wenn die entsprechenden Texturen nachgeladen wurden.

Größere Bugs oder Abstürze hatten wir allerdings keine. Auch die Ladezeiten, sollte man mal das digitale Zeitliche segnen, halten sich in Grenzen. Hier ist aber definitiv Luft nach oben und ich hoffe, die Entwickler schrauben noch etwas an der Performance des Titels.

In Sachen Sound gibt es wenig zu klagen. Die englische Synchronisation ist ganz ordentlich und auch die Soundeffekte geben sich keine Blöße. Alles in allem also durchaus gelungen.

Ein fernöstliches Abenteuer mit unbekannter Zukunft

Bildmaterial: Where Winds Meet, NetEase, Everstone Studio

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Titel	Ninja Gaiden 4
	21. Oktober 2025
	Xbox Game Studios
	21. Oktober 2025
	Xbox Game Studios
	21. Oktober 2025
	Xbox Game Studios
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	Xbox Series X
Entwickler	PlatinumGames, Team Ninja
Genres	Hack-and-Slay
Texte
Vertonung

Die Ninja-Gaiden-Reihe, die ihre Premiere ursprünglich im Jahre 1988 in den Arcade-Hallen feierte, erlebte im Jahre 2004 mit „Ninja Gaiden“ ein waschechtes Reboot und damit auch einen zweiten Frühling. Die Metzelorgie gilt außerdem bis heute als einer der besten Titel der ersten Xbox.

Unter der Leitung des erst kürzlich verstorbenen Tomonobu Itagaki schaffte es die Reihe in den folgenden Jahren mit dem Reboot, zahlreichen Nachfolgern und dem ein oder anderen Spin-off bis an die Spitze des Hack-and-Slay-Genres und konnte sich somit eine bis heute extrem treue Fanbase aufbauen.

Nach dem im Jahre 2014 erschienenen Spin-off „Yaiba: Ninja Gaiden Z“ wurde es dann jedoch lange still um die eigentlich doch recht beliebte und äußerst blutige Reihe. Erst mit dem im Januar 2025 erschienenen Remake von „Ninja Gaiden II“ und dem erst kürzlich erschienenen Spin-off „Ninja Gaiden: Ragebound“ wurde die Reihe erneut in das Licht der breiten Spielerschaft gerückt.

Viele Jahre lechzten die Fans bereits nach einem weiteren neuen Ableger der Reihe und während einer Xbox-Developer-Direct-Ausgabe im Januar dieses Jahres war es dann endlich so weit. Denn zu diesem Zeitpunkt wurde neben dem Remake von Teil zwei, Ninja Gaiden II Black, auch Ninja Gaiden 4 angekündigt. Ein waschechter Nachfolger und brandneuer Teil der immer noch extrem beliebten Reihe rund um den Super-Ninja Ryu Hayabusa.

Nach vielen vergebenen Jahren des Wartens ist es nun endlich so weit und das neueste Abenteuer der Ninja-Gaiden-Reihe ist für PlayStation 5, Xbox Series und PCs erschienen. Ob das neue Abenteuer an die Qualitäten der erfolgreichen Reihe anschließen kann oder ob man den übermenschlichen Ninja Ryu doch lieber in nostalgischer Erinnerung behalten sollte, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Test.

Apokalyptische Spielwelt mit bedrückender Atmosphäre

Die Geschichte von Ninja Gaiden 4 spielt einige Zeit nach dem dritten Teil der Reihe. Das Tokio der nahen Zukunft wurde vom sogenannten „Dunkeldrachen“, einer dämonischen Kreatur, heimgesucht und ins Chaos gestürzt. Der Dunkeldrache entstand aus den negativen Energien des Dunkeldrachenschwerts aus dem Ninja-Gaiden-Reboot von 2004. Das dunkle und verdorbene Tokio ähnelt nun einer Cyberpunk-Metropole und wird von allerlei finsteren Dämonen kontrolliert und heimgesucht.

Wir übernehmen die Rolle eines neuen Charakters. Dieser trägt den Namen „Yakumo“ und ist Mitglied des sogenannten „Raben-Clans“. Dem Gegenstück des Hayabusa-Clans, dem der ursprüngliche Serienheld Ryu Hayabusa angehört. Ryu Hayabusa übernimmt in diesem Teil der Reihe eine eher untergeordnete Rolle, denn zum Großteil metzelt man sich als Yakumo durch die unzähligen Gegnerhorden. Ryu Hayabusa dient also mehr als eine Art „Messlatte“ für Yakumo und kann fast schon als Großmeister bezeichnet werden, zu dem Yakumo aufsieht.

Zum Leid vieler Fans kann man also nur in einigen Abschnitten die Rolle des legendären Ninja Ryu Hayabusa übernehmen. Alles in allem ist der Titel seinen Vorgängern spielerisch zwar recht ähnlich, dennoch darf man nicht vergessen, dass es sich bei Ryu Hayabusa um einen absoluten Kultcharakter handelt und dieser einen mit Sicherheit nicht unbeträchtlichen Anteil am Erfolg der Reihe hat. Hier hätten sich die Entwickler ganz klar für eine andere Lösung entscheiden sollen. Man hätte den Spielern zumindest die Option geben müssen, jederzeit zwischen den beiden Ninjas hin- und herwechseln zu können.

Ein Schlachtfest, wie es im Buche steht

Spielerisch gleicht Ninja Gaiden 4 seinen Vorgängern wie ein Ei dem anderen. Man bewegt sich in rasanter Geschwindigkeit durch die Levelabschnitte, haut währenddessen eine schier endlose Anzahl an Dämonen weg und stößt am Ende eines jeden Levels auf einen deutlich größeren und anspruchsvolleren Bossgegner. Gerade diese Bosskämpfe sind und waren schon immer das große Highlight der Ninja-Gaiden-Reihe. Auch bei Teil vier wird man hier nicht enttäuscht und so erwarten uns allerlei große Bossgegner, die es teilweise wirklich in sich haben. Mit allerlei Hilfsgegenständen und Boostern kann man sich die Kämpfe jedoch eine ganze Ecke einfacher machen.

Auch die Waffenauswahl kann sich sehen lassen. Denn neben Doppel-Katana gibt es auch einen Kampfstab, Shuriken und viele weitere nützliche und mächtige Waffen. Jede Waffe hat dabei ein eigenes Move-Set. Dieses Move-Set kann während des Spielverlaufs mit freigespielten Punkten immer weiter ausgebaut und verbessert werden. Je nach Lieblingswaffe kann man sich sein Move-Set wahlweise also schneller oder weniger schnell und ausgiebig ausbauen und freischalten. Das gibt dem Spiel einen gewissen Grad von Belohnungseffekt.

Das grundlegende Gameplay ist allerdings ziemlich gleichbleibend und so gibt es auch im weiteren Spielverlauf keine größeren Überraschungen in Sachen Gameplay. Aber das ist eben typisch Ninja Gaiden und wahrscheinlich auch genau das, was ein Großteil der Fans von einem neuen Ableger der Reihe erwartet.

Auch der für die Reihe typische, extrem ausufernde Gewaltgrad ist hier wieder mit von der Partie. Gerade in den Finisher-Sequenzen werden die zahlreich zu bekämpfenden Dämonen regelrecht zerfetzt. Ein Blutbad, wie es im Buche steht, und auch genau das, was man von einem waschechten Ninja-Gaiden-Ableger erwartet.

Schwierigkeitsgrad anpassbar und damit auch für Neulinge zugänglich

Der für die Reihe recht knackig angesetzte Schwierigkeitsgrad kann bei Ninja Gaiden 4 nun ganz nach den eigenen Wünschen angepasst werden. Der leichteste Modus, hier „Held“ genannt, ist sogar so ausgelegt, dass der Charakter nicht sterben kann. Ab einem bestimmten Punkt der Lebensleiste blockt unser Hauptcharakter die eingehenden Angriffe automatisch und verhindert so den digitalen Tod. Gerade für Anfänger eine tolle Idee und eine Möglichkeit den Titel auch ohne spielerische Hürden genießen zu können.

Aber auch erfahrene Ninja-Gaiden-Veteranen kommen hier voll auf ihre Kosten. Denn wenn man es gerne schwerer haben möchte, gibt es nach oben hin fast keine Grenzen. Der Titel wird speziell in den anspruchsvolleren Schwierigkeitsgraden fast schon abartig schwer.

Optisch ordentlich, aber nicht das Maß der Dinge

Gerade in puncto Grafik muss man bei Ninja Gaiden 4 leider ein Auge zudrücken. Denn der Titel sieht nicht ansatzweise so gut aus, wie es beim Remake von Teil zwei der Fall war. Ninja Gaiden II Black wurde auf Basis der Unreal Engine 5 entwickelt und daher sieht der Titel wirklich super und äußerst knackig aus. Auch die spektakulären Lichteffekte ließen das Remake geradezu erstrahlen.

Bei Ninja Gaiden 4 wurde allerdings auf die hauseigene „Platinum“-Engine von Entwickler PlatinumGames zurückgegriffen. Diese Engine kann zwar ausufernde Kampfsequenzen mit vielen Gegnern darstellen, zieht in puncto Texturen und Lichteffekten aber ganz klar den Kürzeren, wenn man diese Engine mit der aktuellen Unreal Engine 5 vergleicht. So hinterlässt Ninja Gaiden 4 mit der etwas angestaubten Optik einen etwas faden Beigeschmack in Sachen Grafik. Hier wäre sicher deutlich mehr drin gewesen, hätten die Entwickler auf eine andere, leistungsstärkere Engine zurückgegriffen.

Aber zumindest in Sachen Performance leistete sich Teil vier während unserer Testsession keinerlei Patzer. Ninja Gaiden 4 lief stets mit absolut flüssigen 60 Frames über den Bildschirm und ließ hier keine Wünsche offen. Auf PS5 und Xbox Series X bietet der Titel sogar die Option mit 120 Frames gespielt zu werden. Hier ist ein entsprechender Monitor beziehungsweise Fernseher allerdings Voraussetzung, da mit einem Standard-Gerät keine 120 Frames darstellbar sind.

Ordentlicher Soundtrack und schöne Soundeffekte untermalen das hitzige Geschehen

In Sachen Sound und Soundtrack leistet sich Ninja Gaiden 4 keine gröberen Patzer. Der Soundtrack ist ordentlich und stimmig, die Effekte schön wuchtig und die Synchronisation durchaus passend. Ein recht rundes Gesamtpaket, könnte man sagen.

Das blutige Ninja-Abenteuer geht in die nächste Runde

Bildmaterial: Ninja Gaiden 4, Xbox Game Studios, Koei Tecmo, Team Ninja, PlatinumGames

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Titel	Ghost of Yōtei
	02. Oktober 2025
	Sony
	02. Oktober 2025
	Sony
	02. Oktober 2025
	Sony
System	PlayStation 5
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Sucker Punch
Genres	Open-World-Action-Adventure
Texte
Vertonung

Die „Samurai-Ära“ Japans ist popkulturell gerade wieder voll im Trend. Auch die Gaming-Welt bleibt von diesem Phänomen natürlich nicht verschont und neben Titeln wie Rise of the Ronin, Assassin’s Creed Shadows und dem bereits im Jahre 2020 erschienenen Ghost of Tsushima scheint das Interesse der geneigten Spielerschaft an diesem Thema schier ungebrochen.

Zur Überraschung vieler japanischer Entwickler und Publisher schaffte das weltweit von den Kritikern und auch von den Fans gefeierte Samurai-Abenteuer Ghost of Tsushima vom US-amerikanischen Entwickler Sucker Punch das bisher unmöglich Geglaubte. Denn mit diesem Samurai-Spektakel erschufen sie ein episches Abenteuer, welches den Spirit und das Gefühl dieser in Japan so bedeutenden Ära fast perfekt in Spieleform vermitteln konnte und das alles aus der Feder eines US-amerikanischen Entwicklers. Mit „Iki Island“ bekam der ohnehin schon fantastische Titel ungefähr ein Jahr später noch eine äußerst gelungene DLC-Erweiterung spendiert.

Dem enormen Erfolg von Ghost of Tsushima ist es außerdem zu verdanken, dass es das lang erwartete und heiß ersehnte Remake von Like a Dragon: Ishin! aus dem Hause Sega überhaupt in einer übersetzten Version in westliche Gefilde geschafft hat. Denn vor dem Verkaufserfolg von Ghost of Tsushima galten Titel die in dieser Ära Japans angesiedelt waren nur als Ladenhüter für westliche Märkte.

Im Zuge einer State-of-Play-Ausgabe im September des Jahres 2024 kündigten Sony und der Entwickler Sucker Punch dann endlich das Nachfolgeprojekt zu Ghost of Tsushima an. Der bereits von vielen Fans heiß erwartete und lang ersehnte Titel trägt den Namen Ghost of Yōtei und soll uns erneut in das von vielen kriegerischen Auseinandersetzungen geplagte Japan versetzen.

Am 2. Oktober war es dann endlich so weit und das exklusiv für PlayStation 5 erhältliche Samurai-Abenteuer erschien endlich. Ob sich der erneute Ausflug in das von blutigen Konflikten geplagte Japan lohnt oder ob man sich ruhig auch mal eine Pause von den unzähligen Samurai-Abenteuern nehmen kann, erfahrt ihr in unserem ausführlichen Test.

Blutige Rache und unbeschreibliches Leid

Die tragische Geschichte von Ghost of Yōtei spielt im Jahre 1603, ganze 329 Jahre nach den Geschehnissen des ersten Teils. Wir befinden uns in der Gegend rund um den stattlichen Berg Yōtei in der Region Ezo, dem heutigen Hokkaido in Japan. Die einsame und von blutiger Rache getriebene Heldin „Atsu“ befindet sich nach einem tragischen Vorfall auf einem dunklen und äußerst blutigen Pfad, der ihr endlich Rechenschaft und Genugtuung bringen soll.

Dieser tragische Vorfall kostete Atsu ihre Familie und damit auch ihre Zukunft. Als letzte Überlebende dieses Massakers entschließt sich Atsu dazu den Verantwortlichen dieses Überfalls das Handwerk zu legen und ihrer rechtmäßigen Strafe zuzuführen. Dem Tod. Fortan wird Atsu von den Bewohnern dieser Region als „Onryō“ bezeichnet. Ein rachsüchtiger Geist, der die Lebenden ihrer gerechten Strafe zuführen will. Da in der Bevölkerung davon ausgegangen wird, dass Atsu dieses Massaker nicht überlebte, ist der Öffentlichkeit lange Zeit nicht klar, dass es sich in Wahrheit um die letzte Überlebende dieser abscheulichen Tat handelt.

Die Gruppierung der Drahtzieher des Überfalls trägt den Namen „Yōtei Sechs“ und wird in der gesamten Region Ezo gefürchtet. Atsu hat sich nun zum Ziel gesetzt die gesamte Gruppe der Yōtei Sechs dem Tod zuzuführen und trägt dabei die Todesliste jederzeit offen und sichtbar bei sich. Doch auf diesem Weg der blutigen Rache finden sich nicht nur Feinde. Von hier aus entspinnt sich nun also die tragische Geschichte rund um eine von blutiger Rache getriebene Heldin, deren Geist einfach nicht zur Ruhe kommen kann und die ihren endgültigen Frieden in einem Racheakt sieht, den dieses Land bisher noch nicht erlebt hat.

Wundervolle Spielwelt und fantastische Kämpfe geben sich die Klinke in die Hand

Speziell die wundervoll gestaltete Spielwelt ist es, was Ghost of Yōtei so besonders macht. Die harmonisch gestalteten Landschaften versetzen einen nicht selten ins Staunen und sorgen dafür, dass man sich regelmäßig in der fantastischen Aussicht über die weiten Landschaften von Ezo verliert. Der mächtige und unglaublich malerische Mount Yōtei lässt die Szenerie oft fast schon unwirklich und teils einfach fast schon zu schön wirken. Als würde man eine Tech-Demo spielen quasi.

Wie auch schon bei Ghost of Tsushima sind die äußerst spannenden Bosskämpfe ein absolutes Highlight von Ghost of Yōtei. Neben den Hauptmissionen die oft in die bereits erwähnten Bosskämpfe münden, erwarten uns auch allerlei Nebenbeschäftigungen wie Bambusstände, Fuchs-Schreine, heiße Quellen und sogar spannende Samurai-Duelle außerhalb der Story sind möglich. Diese Duelle werden an sogenannten „Duellbäumen“ gestartet und bringen die ein oder andere zusätzliche Belohnung mit sich. Man bekommt also einiges geboten und der Entdeckertrieb wird gefördert.

Vor allem die Hauptmissionen laufen zwar mehr oder weniger immer nach demselben Prinzip ab, schaffen es aber dennoch, den Spieler stets bei Laune und interessiert zu halten. Das fantastische Setting und die spektakuläre Umsetzung sind dafür auf jeden Fall mitverantwortlich. Die Nebenaktivitäten dienen, wie auch schon bei Ghost of Tsushima, in erster Linie dazu die Attribute und Fähigkeiten von Atsu weiter auszubauen und zu verstärken und den typischen Spielfluss etwas aufzulockern. Denn nur Bombast ist auf Dauer auch etwas zermürbend.

Im allgemeinen Spielverlauf ist man jedoch weitestgehend frei in seinen Möglichkeiten. Ob man zwischen den Hauptmissionen lieber frei erkundet oder seine Zeit mit den unzähligen Nebenaktivitäten verbringt, bleibt jedem selbst überlassen. Über die übersichtliche Weltkarte kann man sich gezielt sein nächstes Ziel aussuchen und diesem nachgehen.

Auf dem Weg zu diesem Ziel finden sich allerdings immer wieder andere Aktivitäten, die einen regelrecht ablenken. Aber genau das ist es ja auch, was eine gute und interessant gestaltete offene Spielwelt auszeichnet. Geleitet wird Atsu, wie auch schon bei Ghost of Tsushima, vom Wind selbst. Per Touch-Wischer auf dem Controller setzt sind der Wind in Gang und leitet uns so in die richtige Richtung.

Größere Waffenauswahl sorgt für mehr Flexibilität im Kampf

Neben allerlei Nahkampfwaffen wie Katana, Doppel-Katana, Kusarigama, Yari und Odachi gibt es auch unzählige Fernkampfwaffen wie Bögen, Kunai, Rauch- und Explosionsbomben und auch Flinte und Pistole dürfen genutzt werden. An Waffenvielfalt mangelt es Ghost of Yōtei also keinesfalls. Aber auch dutzende Rüstungen und Kopfbedeckungen gibt es zu finden.

Diese haben nicht nur kosmetischen Nutzen, sondern bringen auch das ein oder andere Attribut mit sich. Doch als wäre dies noch nicht genug, gibt es außerdem die Möglichkeit die Rüstungen zu färben. Dazu kann man verschiedene Färbereien, die in der Spielwelt verstreut sind, aufsuchen. Rein kosmetisch versteht sich, aber dennoch eine nette Idee die für den ein oder anderen Spieler vielleicht einen zusätzliche Anreiz bietet.

Anders als im Vorgänger Ghost of Tsushima gibt es bei Ghost of Yōtei nun keine unterschiedlichen Kampfhaltungen mehr. Stattdessen setzten die Entwickler von Sucker Punch jetzt auf geballte Waffenvielfalt. Wo man sich bei Tsushima noch je nach Gegnertyp mit der entsprechenden Kampfhaltung auf die jeweilige Situation einstellen musste, ändert man bei Yōtei nun geschickt die entsprechende Bewaffnung um sich so bestmöglich auf die jeweilige Situation einzustellen. Ein vermeintlich kleiner Kniff, der sich durch die nun größere Waffenvielfalt aber unglaublich stark und positiv auf das Spielgefühl auswirkt.

Optisch ein Augenschmaus wie kein zweiter

Vor allem optisch lässt Ghost of Yōtei die Konkurrenz absolut im Regen stehen. Die fantastische Grafik lässt die unglaublich farbenfrohe Welt von Ezo förmlich erstrahlen. Die Lichteffekte untermalen die toll gestalteten Locations zusätzlich und auch die Charaktermodelle sind fast perfekt ausgefallen. Der Titel lief während unserer Testsession außerdem stets mit flüssigen 60 Frames und sah stets perfekt aus. Ein Augenschmaus für die Sinne, könnte man sagen und einer der schönsten Titel die ich in meiner Gaming-Karriere je spielen durfte.

Selten gab es einen Titel, vor allem im Open-World-Genre, der es schaffte so ein fast schon perfekt anmutendes optisches Bild zu vermitteln, wie es bei Ghost of Yōtei der Fall ist. Man möchte fast schon sekündlich auf die Screenshot-Taste drücken um den jeweiligen Moment einzufangen.

Toller Soundtrack trifft auf gewaltige Soundeffekte

Auch soundtechnisch zieht Ghost of Yōtei alle Register. Der fantastische Soundtrack ist perfekt gewählt und auch die Soundeffekte und die Klangteppiche ergänzen sich wunderbar. Vor allem die Synchronisation kann sich sehen lassen und speziell die japanische verleiht dem Titel das gewisse Etwas und die letzte Prise Atmosphäre. Ein rundes Gesamtpaket, an dem es absolut nichts zu mäkeln gibt.

Spielwelt augenscheinlich größer, als sie tatsächlich ist

Der einzige Punkt, der mich dann am Ende doch etwas gestört hat, ist die Tatsache, dass einem das Spiel eine größere Spielwelt über die Weltkarte vorgaukelt, als man dann am Ende wirklich zu sehen bekommt. Große Teile der Karte können nicht besucht werden und hinterließen bei mir zumindest manchmal ein Gefühl der Unfertigkeit. Schade, aber vielleicht halten sich die Entwickler von Sucker Punch hier ja noch Möglichkeiten für einen DLC offen. Man hat jedoch nie das Gefühl, dass die Spielwelt zu klein oder kleiner als bei Ghost of Tsushima ausgefallen ist.

Rache-Meisterwerk mit dem ein oder anderen Story-Twist

Bildmaterial: Ghost of Yōtei, Sony, Sucker Punch

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Titel	Dying Light: The Beast
	18. September 2025
	Techland
	18. September 2025
	Techland
	18. September 2025
	Techland
System	PlayStation, Xbox, PCs
Getestet für	PS5
Entwickler	Techland
Genres	Survival-Horror
Texte
Vertonung

Der in Polen ansässige Entwickler und Publisher Techland schaffte es bereits mit Titeln wie der Dead-Island-Reihe und der Dying-Light-Reihe uns das wahrhaftige Grauen in Spieleform zu präsentieren.

Speziell die Dying-Light-Reihe kann bis heute außerordentlich gute Verkaufszahlen vorweisen und schaffte es außerdem sich eine große und extrem treue Fanbase aufzubauen. Durch die ausufernden Gewaltszenen hatte es die Reihe hierzulande jedoch nie leicht und wurde daher zum Teil nur geschnitten in Deutschland im Handel angeboten. Von zensierten Versionen hält man bei Techland allgemein nicht viel und so wollte man dem (Selbst)-Zensurwahn, der hierzulande immer noch in abgeschwächter Form vorhanden ist, weitestgehend aus dem Weg gehen.

Mit Dying Light: The Beast möchten uns die Entwickler von Techland nun erneut in eine von Zombies und anderen mutierten Kreaturen beherrschte apokalyptische Spielwelt entführen und uns erneut spüren lassen, was Terror in Spieleform wirklich bedeutet. Ursprünglich war Dying Light: The Beast sogar als DLC zu Dying Light 2: Stay Human geplant, wurde jedoch dann zu einem eigenständigen und vollwertigen Titel weiterentwickelt.

Das vielversprechende und erneut äußerst brutale Zombie-Spektakel ist am 18. September für PlayStation 5, Xbox Series und PCs erschienen und wir verraten euch natürlich auch, ob sich ein erneuter Trip in die Welt von Dying Light lohnt oder ob sich das Thema Zombie-Apokalypse vielleicht langsam doch totgeritten und erledigt hat.

Ein Held mit tragischer Vergangenheit

Die Geschichte von Dying Light: The Beast setzt nach den Geschehnissen des ersten Teils „Dying Light: The Following“ an. Wir übernehmen die Rolle von Kyle Crane, dem Helden des ersten Teils. Dieser befand sich einige Jahre lang auf der Flucht vor der Organisation des „Barons“. Eines Tages wird Crane jedoch geschnappt und für brutale Experimente missbraucht. Diese hatten vorrangig das Ziel das sogenannte „Harran“-Virus weiter zu erforschen um das Virus letztendlich als Waffe missbrauchen zu können.

Durch ebenjene Experimente entdeckt Kyle Crane jedoch ganz neue Kräfte in sich und so kommt es, dass Crane nach einem waghalsigen Ausbruch aus der Gefangenschaft der Organisation auf bittere Rache sinnt. Auf diesem Weg werden ihm natürlich allerlei Hürden und Gefahren in den Weg gelegt, welche es zu beseitigen gilt.

Eine tragische Geschichte rund um bittere Rache am Baron und dessen Organisation vor der fast schon hoffnungslos anmutenden Kulisse einer waschechten Zombie-Apokalypse erwartet uns hier. Hollywood-Stoff zum selbst spielen, könnte man sagen.

Dying-Light-Feeling perfektioniert

Das unglaublich schnelle und rasante Gameplay-Gefühl, welches die Dying-Light-Reihe schon immer ausgezeichnet hatte, kommt bei Dying Light: The Beast noch deutlicher zum Tragen. Fast schon anmutig gleiten wir über die Dächer der osteuropäisch anmutenden Stadt, hier genannt „Castor Woods“, dem Schauplatz von Dying Light: The Beast. Man bewegt sich also, wie auch schon bei den Vorgängern der Reihe, geschickt von Vorsprung zu Vorsprung um den gegnerischen Zombie-Horden und anderen Gefahren zu entgehen und sich so einen entscheidenden Vorteil gegenüber der schier endlosen Masse an gefährlichen Kreaturen zu verschaffen.

Natürlich spielt aber auch der Nahkampf erneut eine entscheidende Rolle in puncto Kampfsystem. Mit brachialer Gewalt erwehren wir uns der schier endlosen Zombie-Massen, denn neben allerlei Hieb- und Stichwaffen wie Messern, Äxten, Baseballschlägern, Rohren und vielen anderen Gegenständen haben es auch diverse Schusswaffen ins Spiel geschafft. Neben Pistolen gibt es auch Sturmgewehre und sogar an einen Flammenwerfer haben die Entwickler gedacht. Einige Waffen können in der Spielwelt gefunden werden und andere müssen per Blaupause beziehungsweise Bauplan an der Werkbank entwickelt werden. So hat man als Spieler stets erneut die Motivation sich wieder in die digitale apokalyptische Welt von Dying Light: The Beast zu begeben.

Auch eine UV-Lampe darf im Arsenal von Kyle Crane nicht fehlen. Denn mit dieser lassen sich die Ungeheuer auf Distanz halten und so manch heikle Situation kann so noch im letzten Moment gerettet werden. Diese lebensrettende UV-Lampe ist allerdings nur begrenzt nutzbar und muss nach kurzer Nutzung relativ schnell wieder aufgeladen werden. Es handelt sich hier also eher um einen Notgegenstand, der in letzter Sekunde eingesetzt werden kann um einem tödlichen Zombie-Angriff zu entgehen.

Außerdem gibt es auch im neuesten Ableger der Reihe wieder Unzähliges zu entdecken. Neben mal mehr und mal weniger wichtigen Items wie beispielsweise Crafting-Material oder diversen Heil-Items gibt es immer wieder auch starke Waffen oder andere wichtige Items wie beispielsweise Rüstungsteile zu finden. Diese sind quer über die recht weitläufige Spielwelt verteilt und auch das ein oder andere legendäre und sehr seltene Item kann gefunden werden. Die Spielwelt belohnt den Entdeckertrieb also regelrecht und fordert diesen.

Die Spielwelt selbst ist sehr schön gestaltet und es macht auch wirklich Spaß diese nach und nach zu entdecken und immer tiefer in die Abgründe dieser digitalen Hölle vorzudringen. Gerade zu Beginn des Abenteuers wirkt diese durch ihre Größe sogar etwas erschlagend und erdrückend.

Crafting-Mechaniken stehen hoch im Kurs

Speziell das Crafting-System steht auch hier mal wieder hoch im Kurs. Neben unzähligen nützlichen Items wie beispielsweise Verbänden und Molotow-Cocktails, die selbst hergestellt werden können, hat man außerdem die Möglichkeit seine Waffen an der Werkbank weiter zu verstärken oder gar mit weiteren Upgrades zu versehen. Aus einem einfachen Messer wird so zum Beispiel ein vergiftetes Messer, welches den Gegnern zusätzlichen Schaden zufügen kann.

Der eigenen Kreativität in Sachen Charakter- und Waffenentwicklung sind so also kaum Grenzen gesetzt und man wird regelrecht dazu angestiftet mehr Zeit in dieser Welt zu verbringen, um so noch stärker und effizienter zu werden.

Fantastische Atmosphäre ist das große Plus

Der mit Abstand größte Pluspunkt von Dying Light: The Beast ist auf jeden Fall die fantastische Atmosphäre. Stets fühlt man sich eingeengt und regelrecht gejagt von den schier endlos anmutenden Zombie-Massen. Fantastisch umgesetzt und regelrecht nervenaufreibend.

Speziell bei Nacht entfaltet der Titel sein volles Horror-Potential. Denn hier ist nicht nur die Sicht extrem eingeschränkt, sondern zu allem Übel kann man auch von noch stärkeren und noch schnelleren Kreaturen gejagt werden. Man muss also gerade bei Anbruch der Dunkelheit extrem auf die eigene Geräuschkulisse achten und auch der Einsatz der Taschenlampe sollte wohl überlegt sein. Bei Nacht kommt somit also wahrhaftiges Terror-Gefühl auf. Dies geht sogar so weit, dass auch mir als eingefleischter Horror-Fan nicht selten das Blut in den Adern gefror und ich mich nicht selten von der aktuellen Situation überfordert gefühlt habe. Aber genau das ist es ja, was einen guten Horror-Titel ausmacht.

Storyseitig etwas zu seicht präsentiert

In Sachen Story bietet Dying Light: The Beast leider absolut keine Überraschungen und kommt auch nur selten über den Charme eines typischen B-Horror-Films hinaus. Das ist sehr schade, da der Titel vor allem in Sachen Grafik und Sound wirklich einiges zu bieten hat und man hier, zumindest in der Theorie, die Möglichkeit hatte, eine wahrhaft spektakuläre Story-Präsentation auf Hollywood-Niveau abzuliefern. In Sachen Präsentation wäre also deutlich mehr drin gewesen.

Grafische Augenweide mit extremer Weitsicht weiß zu gefallen

Auch optisch hat Dying Light: The Beast einiges auf dem digitalen Kasten. Dank der hauseigenen Chrome Engine des Entwicklers Techland vermag der Titel eine beeindruckende Kulisse auf den heimischen Bildschirm zu zaubern. Speziell die fantastische und atemberaubende Weitsicht ist wirklich ansehnlich ausgefallen. Aber auch die Charaktermodelle und Animationen können sich sehen lassen und brauchen sich nicht vor anderen Titeln oder gar der momentan aktuellen Unreal Engine 5 zu verstecken. Speziell in regnerischen Szenen ist der Titel eine absolute Augenweide und kann so anderen Titeln oder mancher Engine noch was vormachen.

Dying Light: The Beast lief während unserer Testsession außerdem jederzeit mit flüssigen 60 Frames im Performance-Modus auf der Standard-PlayStation-5. Im Qualitäts-Modus, welcher eine höhere Auflösung bietet, senkt sich die Framerate auf konstante 30 Frames ab. Bugs oder gar Abstürze gab es während der gesamten Testzeit nicht zu bemängeln.

Soundtechnisch überhaupt nicht untot

Auch auf die Ohren gibt es bei Dying Light: The Beast einiges. Neben einem absolut passenden und fast schon melancholisch anmutenden Soundtrack gibt es auch eine tolle Synchronisation und wuchtige Soundeffekte auf die Ohren. Apokalypse-Stimmung für alle Sinne, könnte man sagen.

Lediglich die deutsche Synchronisation konnte mich leider nicht überzeugen. Hier ist die Sprecherqualität einfach zu dünn und emotionale Szenen kommen mir nicht emotional genug rüber. In diesem Fall würde ich die englische Original-Synchronisation also auf jeden Fall der deutschen vorziehen.

Auf zumindest einer Plattform ungeschnitten erhältlich

Dying Light: The Beast ist, um es kurz zu sagen, auf Konsolen geschnitten. Lediglich die PC-Version via Steam ist ungeschnitten. Was allerdings nicht heißen soll, dass es hier unblutig oder gar harmlos zur Sache geht. In der Version, die also hierzulande vertrieben wird, ist es nicht möglich menschlichen Gegner Körperteile abzutrennen oder bereits erledigte Gegner weiter zu malträtieren. Lediglich in der Steam-Version ist dies, Stand jetzt, noch möglich. Allerdings handelt es sich hier wirklich um minimale Einschnitte, die das Spielerlebnis in keinster Weise beeinflussen. Dennoch ist es sehr schade, dass hierzulande immer noch geschnitten werden muss um eine Freigabe für den Verkauf zu erhalten.

Eine schöne und zugleich äußerst unheimliche Apokalypse-Erfahrung

Bildmaterial: Dying Light: The Beast, Techland

Der Beitrag Im Test! Dying Light: The Beast punktet mit Atmosphäre und Technik, aber nicht mit der Story erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Cronos: The New Dawn
	5. September 2025
	Bloober Team
	5. September 2025
	Bloober Team
	5. September 2025
	Bloober Team
System	PlayStation 5, Xbox Series, Nintendo Switch 2, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Bloober Team
Genres	Survival-Horror
Texte
Vertonung

Der in Polen ansässige Entwickler Bloober Team, welcher sich unter anderem für Titel wie Layers of Fear, Observer, The Medium und das Silent Hill 2 Remake verantwortlich zeichnet, möchte uns nun mit Cronos: The New Dawn erneut in Gruselstimmung versetzen.

Erstmals angekündigt wurde Cronos: The New Dawn im Oktober des Jahres 2024. Ursprünglich sollte zudem Private Division als Publisher fungieren. Dieses Vorhaben fiel jedoch kurz vor der ersten Ankündigung des Titels ins Wasser und letztendlich entschied man sich bei Bloober Team dafür, den Release von Cronos: The New Dawn selbst in die Hand zu nehmen.

Sammler physischer Versionen dürfen sich außerdem über eine physische PS5-Version freuen. Xbox- und Switch-2-Nutzer müssen sich leider mit reinen Download-Versionen des Titels begnügen. Für Windows und Mac erscheint der Titel ohnehin lediglich in digitaler Form.

Cronos: The New Dawn erscheint am 5. September für PS5, Xbox Series, Switch 2, PCs und Mac. Ob sich der neue Grusel-Hit aus dem Hause Bloober Team lohnt oder ob man doch lieber einen erneuten Ausflug nach Silent Hill oder Raccoon City unternehmen sollte, erfahrt ihr wie immer in unserem Test.

Das postapokalyptische Polen der 80er-Jahre versetzt uns ins Schaudern

Die Geschichte von Cronos: The New Dawn spielt in einem alternativen Universum im Polen der 80er-Jahre. Das katastrophale Ereignis, hier „The Change“ genannt, hat die Menschheit ausgerottet und kann am ehesten als eine Art verheerende Krankheit oder auch als Seuche bezeichnet werden.

Wir übernehmen die Rolle einer „Reisenden“, welche die Aufgabe erhalten hat, zurück in das Polen der 80er-Jahre zu reisen um den Ursprung dieser tragischen und verheerenden Katastrophe zu finden. Um dieses Ziel zu erreichen hat ein Reisender die Möglichkeit, die Seelen von verstorbenen Schlüsselcharakteren zu bergen und diese auf diverse Informationen hin zu untersuchen. Man spielt also eine Art Zeitreise-Detektiv. Die mysteriöse Organisation, genannt „The Collective“, ist unser Auftraggeber und leitet uns durch die verschiedenen Etappen des Abenteuers.

Gelungene Mischung aus bekannten Elementen des Survival-Horror-Genres

Was sofort ins Auge fällt, ist die unheimliche Ähnlichkeit mit anderen Survival-Horror-Games wie beispielsweise Dead Space oder Resident Evil. Man steuert die Spielfigur mit einer Über-der-Schulter-Perspektive und kann sogar wie bei Dead Space diverse Stampf- und Schlagangriffe ausführen um den Gegnern so noch den letzten rettenden Hieb zu verpassen. Gerade in den ersten Spielminuten fühlt man sich daher sofort gut aufgehoben und findet sich sehr schnell mit dem Spielsystem zurecht.

Was bei Cronos: The New Dawn allerdings doch etwas anders ist, ist die Tatsache, dass es hier wirklich nur begrenzt Munition gibt. Ein etwas ausgiebigeres Ballern, wie es bei einem Dead Space oder Resident Evil hin und wieder möglich ist, ist hier quasi unmöglich. Man muss also äußerst penibel und vorsichtig mit seiner Munition umgehen. Mehrere Fehlschüsse kann man sich also kaum erlauben, denn sonst reicht der Munitionsvorrat in diversen Schlüsselmomenten nicht aus um die jeweiligen Gegner auszuschalten.

Nicht selten hatte ich daher das Problem, dass es mehr Gegner als Munition in der jeweiligen Situation gab. So war ich nicht selten gezwungen, die jeweilige Passage neu zu starten. Man hat zwar die Möglichkeit mit verschiedenen Items ein klein wenig Munition und auch diverse Heil-Items herzustellen. Dennoch haperte es bei mir trotzdem nicht selten an Nachschub für das Schießeisen. Und das, obwohl ich sehr sparsam damit umgegangen bin. Die unzähligen, mal mehr und mal weniger stark mutierten Gegner vertragen meiner Meinung nach aber auch etwas zu viel.

Auch die Bosskämpfe, die hin und wieder eingestreut werden, sind meiner Meinung nach viel zu unausgeglichen gestaltet. Diese erfordern eigentlich schon fast, dass jeder Schuss ein Treffer ist, denn sonst findet man sich erneut in der Situation wieder, dass man keine Munition mehr übrighat. Im Nahkampf sind Gegner dieser Art übrigens nicht zu besiegen.

Hier hätten die Entwickler also wirklich noch etwas mehr Feintuning in den Titel, speziell in das Kampfsystem oder das Balancing, investieren sollen. Eine Alternative wäre ein anpassbarer Schwierigkeitsgrad, aber auch dieser hat es – weshalb auch immer – nicht ins fertige Spiel geschafft. Am Ende bleibt hier also, zumindest für mich, ein etwas durchwachsenes Gesamtbild in Sachen Gameplay-Erfahrung, welches deutlich runder und zugänglicher sein könnte. Gerade Genre-Neulinge werden mit dem doch recht anspruchsvollen Schwierigkeitsgrad definitiv Probleme haben.

Wunderbar unheimliche Atmosphäre macht einiges wett

Was man jedoch positiv hervorheben sollte, ist die wunderbar düstere und unheimliche Atmosphäre, die Cronos: The New Dawn bietet. Die ohnehin schon sehr schaurigen Locations werden durch diverse Licht- und Schatteneffekte und perfekt eingestreute Soundeffekte zusätzlich wunderbar untermalt und erzeugen somit absolute Gänsehaut-Stimmung.

Nach einiger Spielzeit stellt sich zwar ein kleiner Sättigungseffekt in Sachen Locations ein, dies ist jedoch bei Titeln wie Dead Space ebenso der Fall und kann Cronos: The New Dawn daher nur bedingt angekreidet werden. Ein klein wenig mehr Abwechslung bei den Locations hätte dem Titel aber dennoch gutgetan.

Interessante Spielwelt mit wenig Spielraum zum Erkunden

Das Erkunden der Welt ist bei Cronos: The New Dawn sehr eingeschränkt. Hin und wieder öffnen sich die Areale etwas und man kann auch mal abseits des eigentlichen Pfads erforschen. Immer wieder findet man auf diesen recht kurzen Ausflügen auch mal ein paar nützliche Items wie Munition oder diverse Crafting-Gegenstände.

Besonders weit entfernen kann man sich vom eigentlichen Pfad aber nicht und daher bleibt der Titel auch hier hinter seinen Möglichkeiten zurück. Denn gerade diese postapokalyptische Spielwelt bietet augenscheinlich viel zum Entdecken. Sie zeigt euch aber relativ schnell auch wieder, wo die Grenzen in Sachen begehbarer Spielwelt liegen. Hier wäre definitiv mehr drin gewesen.

Optischer Leckerbissen in Horror-Reinform

Aus grafischer Sicht bietet der Titel, wie man es vom Entwickler Bloober Team gewohnt ist, eine enorm hohe Qualität. Die Areale sind dank der modernen Unreal Engine 5 wunderbar in Szene gesetzt und glänzen mit scharfen Texturen und tollen Licht- und Schatteneffekten.

Speziell bei schmalen und beengten Gängen, in denen euch das Ausmaß der Krankheit aufgrund von Infektionsherden regelrecht um die Ohren gehauen wird, glänzt die Unreal Engine 5. Sie erzeugt ein wunderbar ekliges und gleichzeitig auch faszinierendes Bild, das euch auch nach dem Spiel noch beschäftigt. Das erzeugt eine tolle und wunderbar unheimliche Atmosphäre, die euch auch nach mehreren Spielstunden immer wieder das Fürchten lehrt.

Der Titel lief im Performance-Modus stets mit flüssigen 60 Frames über den Bildschirm. Speziell in Sachen Technik gab es so keinerlei Beanstandungen während unserer Testsession.

Synthesizer-Soundtrack, der perfekt zur Atmosphäre passt

Ein weiteres Highlight von Cronos: The New Dawn ist definitiv der Soundtrack. Mit einem fantastischen Synthesizer-Soundtrack, der zu jeder Sekunde an den typischen Sound der 80er-Jahre erinnert, ist der Titel zwar etwas Horror-untypisch musikalisch untermalt, dennoch empfand ich die Soundkulisse zu jeder Zeit als perfekt abgestimmt und unglaublich stimmig.

Zusätzlich zu diesem tollen Soundtrack gibt es knackige Soundeffekte und eine ordentliche Synchronisation obendrauf. Ein rundes Gesamtpaket in Sachen Ton und Bild also.

Knackiges Horror-Zeitreise-Abenteuer

Bildmaterial: Cronos: The New Dawn, Bloober Team

Der Beitrag Im Test! Cronos: The New Dawn ist hochwertige Horror-Unterhaltung erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Shinobi: Art of Vengeance
	29. August 2025
	Sega
	29. August 2025
	Sega
	29. August 2025
	Sega
System	PlayStation 4/5, Xbox Series, Xbox One, Nintendo Switch, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Lizardcube
Genres	2D-Action-Plattformer
Texte
Vertonung

Die Shinobi-Reihe feierte bereits in den späten 80er-Jahren ihr Debüt in den Arcade-Hallen und auf diversen Heimkonsolen wie beispielsweise Sega Master System, Commodore 64, Amiga und Atari ST. Mit unzähligen weiteren Ablegern festigte die Reihe ihren Platz in den nachfolgenden Jahren als eine der kultigsten und zeitgleich auch forderndsten Ninja-Spielereihen der Gaming-Welt.

Mit Shinobi: Art of Vengeance möchte der japanische Entwickler und Publisher Sega die immer noch sehr beliebte Reihe in die Moderne befördern und der Reihe somit zu neuem digitalen Leben verhelfen. Entwickelt wurde Shinobi: Art of Vengeance vom Entwickler Lizardcube, welcher sich unter anderem für Streets of Rage 4 und Wonder Boy: The Dragon’s Trap verantwortlich zeichnet.

Erstmals wurde Shinobi: Art of Vengeance während „The Game Awards 2023“ vorgestellt. Der vollständige Titel des Projekts wurde allerdings erst zu einem späteren Zeitpunkt im Februar 2025 zeitgleich mit einem neuen Gameplay-Trailer enthüllt.

Am 29. August ist es nun endlich so weit, denn dann erscheint Shinobi: Art of Vengeance für PlayStation 4/5, Xbox Series, Xbox One, Nintendo Switch und PCs. Ob der nach wie vor äußerst beliebte Meister-Ninja Joe Musashi auch heute noch das Zeug zum waschechten Actionhelden hat und ob uns das Ninja-Abenteuer begeistern konnte, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Review.

Zerstörtes Heimatdorf und bittere Rache

Als unser Held Joe Musashi eines Tages sein Heimatdorf in Schutt und Asche liegen sieht, kann er die Schuldigen relativ schnell ausmachen. Kein Geringerer als die bedrohliche „ENE Corporation“ ist schuld an diese Misere.

Der Meister-Ninja Joe Musashi macht sich fortan natürlich auf die ENE Corporation zu stürzen und den Anführer „Lord Ruse“ seiner gerechten Strafe zuzuführen. Storyseitig ist Shinobi: Art of Vengeance, wie in diesem Genre üblich, also recht seicht gehalten. Große Story-Twists oder ausufernde Dialoge sollte man hier also keinesfalls erwarten.

2D-Action-Plattformer, wie er im Buche steht

Shinobi: Art of Vengeance ist im Kern ein klassischer 2D-Action-Plattformer, wie man ihn sich vorstellen würde. Man bewegt sich rasant durch die zweidimensional gehaltenen Level und macht gleichzeitig Armeen von Feinden den Garaus.

Am Ende eines jeden Levels und teilweise auch nach bestimmten Abschnitten trifft man regelmäßig auf einen mal mehr und mal weniger anspruchsvollen Boss. Speziell die Bosskämpfe sind es, die Shinobi: Art of Vengeance die nötige Würze verleihen. Denn diese reichen von kaum anspruchsvoll bis extrem schwer. Auf Wunsch kann der Schwierigkeitsgrad jedoch auch gedrosselt werden. So ist Shinobi: Art of Vengeance am Ende für wirklich fast jeden Spielertyp spielbar. Lediglich die oft recht anspruchsvollen Sprungpassagen haben mich so manches Mal in die Verzweiflung getrieben.

Aber speziell die Gestaltung und das Design der Level ist wirklich sehr gelungen. Kein Level gleicht dem anderen und mit jedem neuen Level steigern sich auch die Anforderungen an den Spieler. Im weiteren Spielverlauf wird es also stets anspruchsvoller. Sowohl was die Kämpfe als auch die Sprungpassagen anbelangt.

Hier und da haben die Entwickler auch mal ein paar kleinere „Schalterrätsel“ eingebaut. Diese dienen aber wohl mehr als Zeitstrecker als als echte Herausforderung. Man wird mehr oder weniger einfach nur im Spielfluss gebremst und das Spiel wird dadurch etwas in die Länge gezogen.

Ein optisches Kunstwerk zum Mitspielen

Vor allem optisch hat Shinobi: Art of Vengeance einiges auf dem Kasten. Die wundervollen und malerischen Hintergründe der Level und Abschnitte sind fast schon künstlerisch wertvoll und versetzen einen geradezu hinein in diese wundervoll anzusehende Spielwelt.

Aber auch die butterweichen Animationen unseres Helden und auch die der Gegner passen perfekt in diese künstlerische Optik, die die Entwickler mit diesem Titel realisiert haben. Der Titel strotzt nur so vor Farbenpracht und zeigt eindrucksvoll, dass man dem eigentlich doch schon recht alten und angestaubten Genre mit den richtigen Entscheidungen doch zu neuem Leben verhelfen kann. Obendrein lief der Titel stets mit superflüssigen 60 Frames über den heimischen Bildschirm und ließ das Spektakel somit noch runder und agiler wirken.

Fernöstliche Klänge untermalen das Abenteuer

Natürlich spielen aber auch der Soundtrack und die Effekte eine nicht untergeordnete Rolle im 2D-Action-Plattformer-Genre. Mit treibenden Beats, einem tollen Soundtrack und durchschlagenden Soundeffekten macht Shinobi: Art of Vengeance also auch tontechnisch alles richtig. Ein rundes Gesamtbild also und tontechnisch auf sehr hohem Niveau.

Die Shinobi-Reihe ist zurück!

Bildmaterial: Shinobi: Art of Vengeance, SEGA, Lizardcube

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Titel	Metal Gear Solid Delta: Snake Eater
	28. August 2025
	Konami
	28. August 2025
	Konami
	28. August 2025
	Konami
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Konami
Genres	Stealth-Action
Texte
Vertonung

Viele Jahre war es sehr ruhig rund um die extrem erfolgreiche und kultige Metal-Gear-Reihe. Sowohl Fans als auch Kritiker sehnten sich nach einem neuen Lebenszeichen des wohl coolsten und smartesten Agenten der Videospielgeschichte und diverse Gerüchte über potentielle Remakes oder gar komplett neue Ableger machten, fast schon wie es bei der Shenmue-Reihe der Fall war, jährlich die Runde.

Im Zuge eines PlayStation Showcase am 24. Mai des Jahres 2023 war es letztendlich so weit und Konami ließ endlich die Bombe platzen. Metal Gear Solid Delta: Snake Eater, ein vollwertiges Remake des dritten Teils auf Basis der Unreal Engine 5, wurde angekündigt und die Fans waren weltweit aus dem Häuschen und konnten ihr Glück kaum fassen.

Auch wenn es sich hier „nur“ um ein Remake handelt, so ist es für viele Fans ein Lichtblick in eine vielleicht neue Zukunft der Reihe. Und da man sich bei Konami mit Snake Eater ein absolutes Brett für ein Remake herausgepickt hat, ist es durchaus wahrscheinlich, dass wir auch in Zukunft weitere Metal-Gear-Projekte zu sehen bekommen. Vorausgesetzt die Verkaufszahlen sprechen dafür, natürlich. Da Snake Eater als vielleicht sogar bester Teil der gesamten Reihe gehandelt wird, braucht man sich zumindest in diesem Punkt wohl keine großen Sorgen zu machen.

Zeitgleich mit dem Remake von Snake Eater wurde auch die „Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 1“ angekündigt. Diese mehr oder weniger komplette Collection der bisher erschienenen Hauptteile der Metal-Gear-Reihe wurde von vielen Fans mit gemischten Gefühlen aufgenommen. Die technische Umsetzung sprach, gerade zum Release, nicht wirklich für die Collection und es fehlten auch wichtige Titel der Reihe. Dann wurde es, zum Ärger vieler Fans, auch schon wieder still um die kultige Reihe aus der Feder von Hideo Kojima und die Wartezeit auf das Remake von Snake Eater ging munter weiter.

Am 28. August 2025 ist es nun nach vielen Jahren des Wartens endlich so weit und wir dürfen uns erneut in feindliche Gefilde begeben, schleichen und geschickt aus der Deckung heraus agieren. Ob sich das modernisierte, absolut epische und an die Neuzeit angepasste Stealth-Abenteuer ein weiteres Mal lohnt oder ob man auch getrost weiterhin das Original aus dem Jahre 2004 genießen kann, erfahrt ihr in unserem ausführlichen Test.

Epischer Agenten-Thriller zur Zeit des Kalten Krieges

Die Geschichte von Snake Eater spielt in einem alternativen Universum, in welchem der Kalte Krieg in den 1960er-Jahren in vollem Gange ist. Wir schlüpfen in die Rolle von „Snake“, einem Top-Level-CIA-Agenten der Vereinigten Staaten. Während dieser Zeit wurde Snake der sogenannten „FOX“-Einheit zugeteilt. Eine Sondereinheit der CIA, welche sich auf extrem heikle Missionen auf internationalem Terrain spezialisiert hat.

Unser Held Snake erhält folglich nun den Auftrag den Raketenspezialisten und Forscher Dr. Sokolov aus den Händen einer Terroristen-Gruppe zu befreien und in die Vereinigten Staaten zu geleiten. Wie es fast schon typisch für die Metal-Gear-Reihe ist, geht dieses Vorhaben gehörig schief und so findet sich unser Held Snake in einer schier ausweglosen Situation wieder, deren volles Ausmaß sich jedoch erst nach und nach entfaltet.

Ein extrem spannender Agenten-Action-Thriller erwartet uns und wie es eben auch für die Reihe typisch ist, darf natürlich auch der ein oder andere Story-Twist nicht fehlen. Aber jedes weitere Wort würde an dieser Stelle die fantastisch und atmosphärisch erzählte Story ruinieren.

Stealth und brachiale Action wechseln sich gekonnt ab

Das Besondere an Snake Eater ist meiner Meinung nach die perfekte Mischung aus eher ruhigen und überlegten Stealth-Passagen und actiongeladenen Momenten, die an Stil und Coolness wohl kaum zu überbieten sind. Mal schleicht man sich in passender Tarnmontur von Busch zu Busch um letztlich nicht von den unzähligen Feinden entdeckt zu werden und mal ballert man sich mit einem großen Maschinengewehr ganz Rambo-like durch dutzende Gegner. Snake Eater hat beides zu bieten und das auch noch auf extrem hohem Niveau.

Auch das allseits beliebte Tarnungs-Feature ist dem Remake erhalten geblieben. Die letzten ausgewählten Tarnungskombinationen können nun sogar per Schnell-Menü innerhalb weniger Sekunden ausgewählt werden. So hat man in jeder noch so heiklen Situation die passende Tarnung zur Hand. Im weiteren Spielverlauf kann man natürlich auch weitere Tarnmuster und auch Gesichtsbemalungen finden.

Aber auch das Survival-typische Heilungsmenü in welchem man seine Verletzungen selbst verarzten muss ist uns erhalten geblieben. Gerade in den ersten Spielstunden ist dieses System wirklich frisch und innovativ umgesetzt, nervt nach einigen Spielstungen aber doch etwas. Vor allem da das Vorgehen beim Heilen im Grunde genommen immer das selbe ist.

Die immer noch wunderbar gestaltete Spielwelt setzt dem ganzen noch die Krone auf und rundet das ohnehin schon fantastische Gesamtpaket noch weiter ab. Auch heute macht Snake Eater also noch unheimlich viel Spaß und steht auch modernen Titeln kaum in etwas nach.

Levelarchitektur nicht so freiläufig, wie sie sein könnte

Einer der wenigen Minuspunkte beim Remake von Snake Eater ist meiner Meinung nach die Tatsache, dass die beschränkte Levelarchitektur, die zu PS2-Zeiten wahrscheinlich noch der relativ schwachen Hardware geschuldet war, es leider auch in das Remake geschafft hat.

Im Klartext heißt das: Die ohnehin schon relativ klein gehaltenen Areale sind nach wie vor durch minimale Ladezeiten getrennt. Wahrscheinlich wurde dies von den Entwicklern beim Remake beibehalten um das Feeling des Originals nicht zu verfälschen. Auf der einen Seite eine durchaus nachvollziehbare Entscheidung, dennoch sieht man am Beispiel des Dead-Space-Remakes, dass es auch anders lösbar wäre.

Denn hier entschieden sich die Entwickler dafür, die ursprünglich durch Ladezeiten (Bahnfahrten) getrennten Passagen zu verbinden und ein großes Ganzes aus der Spielwelt zu machen. Dies wäre beim Remake von Snake Eater auch angebrachter gewesen, schmälert den fantastischen Gesamteindruck des Titels aber dennoch nicht. Ein kleiner fader Beigeschmack bleibt dennoch. Vor allem, da man ganz genau weiß, dass es technisch ohne weiteres machbar gewesen wäre.

Ein Actionfeuerwerk, das an Atmosphäre kaum zu überbieten ist

Auch heutzutage steckt Snake Eater noch etliche Genre-Konkurrenten locker in die Tasche, wenn es um stylische Präsentation, Cutscenes und Dialoge geht. Selten hat man eine derart dichte Atmosphäre gepaart mit toll geschriebenen Dialogen erlebt, wie es hier der Fall ist. Snake Eater zählt nicht umsonst, auch unter Hardcore-Metal-Gear-Fans, zum vielleicht sogar besten Teil der gesamten Reihe.

Die Geschichte wird vor allem durch toll inszenierte Zwischensequenzen erzählt, aber auch die für die Reihe typischen Codec-Gespräche tragen ungemein zur Atmosphäre bei. Ein Stealth-Thriller, wie es sie heutzutage leider kaum noch gibt.

Grandiose Optik dank moderner Unreal Engine

Die fantastische grafische Qualität, die das Remake von Snake Eater zu bieten hat, ist vor allem der Unreal Engine 5 zu verdanken. Die moderne Engine schafft es gekonnt die bereits bekannten Locations in völlig neuem Glanz erstrahlen zu lassen und transportiert den Titel somit gekonnt in die technische Neuzeit.

Neben den hübschen Texturen sind es vor allem die unglaublich toll aussehenden Lichteffekte, die dem Titel die optische Krone aufsetzen. Aber auch die Tatsache, dass die Entwickler daran gedacht haben, dass das Original aus dem Jahre 2004 eine etwas andere Farbpalette zu bieten hatte als es heutzutage bei Spielen oft der Fall ist, ist wirklich bemerkenswert.

Denn je nach eigenem Wunsch kann der Titel mit verschiedenen Farboptionen gespielt werden. Ich habe das Remake beispielsweise mit den Originalfarben gespielt und somit ein fast schon Déjà-vu-artiges Spielerlebnis gehabt. Denn farblich sieht das Remake dann aus wie das Original, hat aufgrund der Unreal Engine 5 aber doch ein völlig neues technisches Erlebnis zu bieten. Eine tolle Idee der Entwickler, die auf jeden Fall löblich hervorgehoben werden muss.

Einen kleinen Minuspunkt muss sich das Remake von Snake Eater jedoch in Sachen Framerate gefallen lassen. Denn diese war, zumindest in unserer Vor-Day-One-Patch-Version, noch relativ instabil. In vielen, teilweise sogar völlig leeren Arealen brach diese regelmäßig ein und schaffte es daher nicht immer die eigentlich angepeilten 60 Frames zu halten. Vielleicht wird dies aber auch vor dem Release noch per Day-One-Patch behoben.

Ein Soundtrack, der seinesgleichen sucht

Was schon immer ein typisches Merkmal der Metal-Gear-Reihe war, ist der unglaublich tolle und absolut epische Soundtrack. Stets perfekt untermalt dieser die Szenerie und macht die ohnehin schon sehr cool inszenierten Zwischensequenzen und Spielmomente noch eine Ecke epischer.

Aber auch die unzähligen Dialoge sind auf absolutem Hollywood-Niveau und brauchen sich auch vor anderen modernen Titeln keinesfalls zu verstecken. Auch der Originalsprecher von Snake, David Hayter, ist wieder mit von der Partie und verleiht unserem ikonischen Helden seine markante und Gänsehaut-erzeugende Stimme. Auch die Soundeffekte sind auf außerordentlich hohem Niveau und so macht das Remake von Snake Eater vor allem soundtechnisch eine tolle Figur.

Bonus-Modus sorgt für zusätzlichen Spaß

Ein kleines Fan-Schmankerl dürfte der bereits in der Subsistence-Version von Snake Eater enthaltene „Snake vs. Monkey“-Modus sein. In diesem übernehmen wir wieder die Rolle von Snake, welcher es sich dieses Mal jedoch zum Ziel gemacht hat, eine bestimmte Anzahl von frechen Affen dingfest zu machen.

Am besten lässt sich dieser Modus als eine Art Kollaboration mit der kultigen „Ape Escape“-Reihe bezeichnen. Ein netter und lustiger Modus, der aber auch schon nach wenigen Runden seinen Reiz verliert. Mehr als eine nette Beigabe sollte man hier also nicht erwarten.

Dieser „Snake vs. Monkey“-Modus bleibt allerdings PlayStation-5- und PC-Spielern vorbehalten. Xbox-Spieler erhalten einen alternativen Spielmodus.

Multiplayer-Modus für Herbst dieses Jahres geplant

Konami kündigte außerdem einen Multiplayer-Modus mit dem Titel „Fox Hunt“ für den Herbst dieses Jahres an. Dieser wird zwar keine Crossplay-Funktion bieten, soll aber dafür mit spannender Stealth-Mehrspieleraction glänzen.

Ich bin jedenfalls schon sehr gespannt, was Konami aus dieser Möglichkeit macht und ob der Mehrspieler-Modus von den Käufern und Fans des Remakes angenommen wird. Die Reihe machte in der Vergangenheit bereits mit dem ein oder anderen mehr oder weniger erfolgreichen Mehrspieler-Modus auf sich aufmerksam ohne jedoch groß aus der Masse herauszustechen.

Der legendäre Top-Agent Snake ist in der Moderne angekommen

Bildmaterial: Metal Gear Solid Delta: Snake Eater, Konami

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