Titel	Silent Hill: Townfall
	24. September 2026
	Konami, Annapurna Interactive
	24. September 2026
	Konami, Annapurna Interactive
	24. September 2026
	Konami, Annapurna Interactive
System	PlayStation 5, PC
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	2.02
Entwickler	Screen Burn Interactive
Genres	Survival-Horror
Texte
Vertonung

Neben der allseits bekannten und extrem erfolgreichen Resident-Evil-Reihe gehört auch die Silent-Hill-Reihe aus dem Hause Konami zum festen Bestandteil des Survival-Horror-Genres im Gaming-Segment.

Ihren Ursprung hatte die mittlerweile recht umfangreiche Reihe bereits im Jahre 1999 auf der ersten PlayStation. Schon damals war klar, dass Silent Hill nicht einfach nur ein weiterer Horror-Titel auf Sonys Debüt-Konsole ist. Denn neben der extrem unheimlichen und beklemmenden Atmosphäre war es allen voran auch der fantastische Soundtrack des allseits bekannten japanischen Komponisten Akira Yamaoka, der dem Titel eine noch unheimlichere Atmosphäre verlieh. Eine Blaupause in Sachen Horror-Gaming, könnte man sagen, und absolut wegweisend für viele kommende Titel in diesem Genre.

Nach dem recht großen Erfolg des ersten Ablegers der Reihe, folgten daraufhin natürlich unzählige Fortsetzungen und Spin-offs für die unterschiedlichsten Plattformen. Mit dem zuletzt erschienenen Ableger „Silent Hill f“ schlug Konami erstmals neue Wege in Hinblick auf das Setting ein. Denn zum ersten Mal durften wir hier ein Silent-Hill-Abenteuer mit düsterem Japan-Setting genießen. Dass dies nicht jedem Silent-Hill-Fan unbedingt auf Anhieb gefiel, braucht man an dieser Stelle wohl nicht weiter zu erwähnen.

Mit dem kommenden Silent Hill: Townfall möchten uns die Entwickler von Screen Burn Interactive erneut in die düstere Welt von Silent Hill entführen. Den vielversprechenden Titel konnten wir bereits während der diesjährigen Gamescom ausgiebig Probe spielen und nun verraten wir euch in unserem ausführlichen Review, ob sich die Vorfreude auf das neueste Silent-Hill-Abenteuer gelohnt hat. Silent Hill: Townfall wird am 24. September für PlayStation 5 und PCs erscheinen.

Gedächtnisverlust und ein anscheinend verlassener Küstenort – ist alles so, wie es scheint?

Die Geschichte von Silent Hill: Townfall spielt im Jahre 1996. Wir übernehmen die Rolle des Simon Ordell. Dieser leidet an einer Art Gedächtnisverlust und findet sich eines Tages an der Küste des beschaulichen Hafenorts „St. Amelia“ in Schottland wieder.

Nach und nach müssen wir uns unseren Weg durch die extrem dicken Nebelschwaden bahnen und uns auf die Suche nach unserer Vergangenheit machen. Ist der Küstenort St. Amelia wirklich das, was er im ersten Moment zu sein scheint, oder verbirgt sich hinter diesem dunklen Ort vielleicht doch mehr?

Ein düsteres und extrem bedrückendes Abenteuer voller Gefahren und Überraschungen erwartet unseren noch unwissenden Helden und wir stecken mittendrin in diesem wahr gewordenen Albtraum. Typisch Silent Hill eben und ein Abenteuer, welches uns quasi im Sekundentakt die Haare zu Berge stehen lässt.

Spannendes Horror-Gameplay vom Feinsten

Gespielt wird Silent Hill: Townfall ausschließlich in der Ego-Perspektive. Eingefleischten Silent-Hill-Fans mag das im ersten Moment vielleicht etwas seltsam vorkommen, da die Reihe ja eigentlich schon immer in der Third-Person-Perspektive gespielt wurde. Eins kann man jedoch getrost sagen: Die Ego-Perspektive trägt hier ungemein zur Spannung und zum Mittendrin-Gefühl bei und sorgt so, zumindest für meinen Geschmack, für noch unheimlichere Momente.

Anders als bei den meisten anderen Ablegern der Reihe geht es bei Silent Hill: Townfall primär um das Vermeiden von Konfrontationen mit den Gegnern. Wir versuchen also stets, den Widersachern aus dem Weg zu gehen, statt rohe Waffengewalt anzuwenden. Der Einsatz einer Waffe ist also das allerletzte Mittel der Verteidigung, welches nur im absoluten Notfall genutzt werden sollte.

Um den zahlreichen Gegnern aus dem Weg zu gehen, haben wir beispielsweise die Möglichkeit, diese mit diversen Gegenständen, wie beispielsweise alten Flaschen oder Ziegelsteinen, abzulenken. Auch haben wir die Möglichkeit, uns in Gänge oder Flure hineinzulehnen, um so einen noch besseren Blick auf das, was vor uns liegt, zu erhaschen. Taktisches und überlegtes Vorgehen ist also das A und O, um heil aus der jeweiligen Situation zu kommen und die Konfrontation mit den düsteren Kreaturen zu vermeiden.

Rätsel gehören zur Silent-Hill-Reihe wie die Faust aufs Auge

Fast schon eine Tradition sind die Rätsel, die von Tag eins an ein großer Teil der Silent-Hill-Reihe waren und immer noch sind. Diese fallen bei Silent Hill: Townfall dieses Mal sogar etwas spezieller aus, da sich die Entwickler von Screen Burn Interactive einen besonderen Kniff haben einfallen lassen.

Unser Held Simon Ordell findet zu Beginn des Abenteuers eine Art Mini-Fernseher, den er bei sich trägt. Mit diesem TV-Gerät können wir nun also verschiedene Frequenzen empfangen. Zum einen können wir so nun drohende Gefahren ausmachen, frühzeitig erkennen und somit sogar geschickt umgehen. Zum anderen dient dieses tragbare TV-Gerät auch dazu, diverse Hilfestellungen und zusätzliche Informationen zu erhalten, die uns das Lösen der Rätsel erst ermöglichen.

Diese Hilfestellungen werden anhand kurzer, wirr zusammengeschnittener Schnipsel präsentiert. Anhand dieser kryptischen Schnipsel müssen wir nun die benötigten Informationen herausziehen, um das jeweilige Rätsel lösen zu können. Für das ein oder andere Rätsel ist also durchaus etwas Hirnschmalz gefordert, um die dargebotenen Informationen irgendwie sinnvoll zu einem großen Ganzen zusammensetzen zu können. Alles in allem sind die Rätsel aber jederzeit lösbar und mit etwas Denkarbeit absolut stemmbar. Immer wenn man an einer Schlüsselstelle im Spiel angekommen ist, rauscht das Gerät kurz und gibt somit zu erkennen, dass es aktuell eine interessante Frequenz gibt, die man sich ansehen sollte.

Die größte Neuerung und damit auch das, zumindest für mich, interessanteste Feature von Silent Hill: Townfall ist also definitiv dieses tragbare TV-Gerät. Denn mit diesem Feature verändern die Entwickler nicht nur den Spielablauf selbst, sondern auch die Art und Weise, wie man im Spielareal voranschreitet, um herannahende Gegner beispielsweise früh zu erkennen. Dieses Feature hat mich also durchaus positiv überrascht und ist die, meiner Meinung nach, wichtigste Neuerung, die Silent Hill: Townfall in die Reihe einbringt.

Optisches Gruselfest und nichts für schwache Nerven

Auch optisch kann Silent Hill: Townfall auf ganzer Linie überzeugen. Dank der Unreal Engine 5 kann der Titel mit wunderbar unheimlichen Bildern glänzen und die scharfen und schön anzusehenden Texturen gepaart mit den fantastischen Nebeleffekten erzeugen eine wunderbar unheimliche Stimmung, die auch hartgesottenen Horror-Veteranen das Fürchten lehrt.

Das Design der Monster ist, typisch für die Silent-Hill-Reihe, wieder absolut fantastisch und äußerst gelungen. Nur selten sieht man so grotesk anmutende Kreaturen auf dem heimischen Bildschirm. Wirklich schön umgesetzt und toll präsentiert. Aber auch der allgemeine Look des Spiels lässt keine Wünsche offen und speziell Horror-Fans kommen hier voll auf ihre Kosten.

Während unserer gesamten Testphase lief der Titel außerdem stets mit butterweichen 60 FPS über den Bildschirm. Wir haben natürlich im Performance-Modus gespielt. Wahlweise gibt es auch einen Qualitäts-Modus mit höherer Auflösung und 30 Frames.

Auf Wunsch kann Silent Hill: Townfall sogar in einem Letterbox-Modus gespielt werden. Hier haben wir dann am oberen und unteren Bildschirmrand schwarze Balken und somit eine Art Kino-Ansicht. Diese Letterbox-Ansicht, von welcher ich für gewöhnlich kein Freund bin, passt bei Silent Hill: Townfall jedoch wie die Faust aufs Auge. Denn dank dieser recht einschränkenden Perspektive wirkt das Horror-Abenteuer noch beklemmender und vor allem cineastischer. Probiert diese Einstellung also unbedingt mal aus.

Beklemmender Soundtrack trifft auf stabile Synchronisation

Neben den wunderbar unheimlichen Soundeffekten sind es allen voran auch der extrem beklemmende Soundtrack und die immer wieder eingestreuten Klangteppiche, die dieses Abenteuer so unheimlich wirken lassen. Ganz typisch für die Silent-Hill-Reihe spielt also auch hier der Soundtrack wieder eine enorm wichtige Rolle und hilft dem ohnehin schon beklemmenden Abenteuer, noch unheimlicher zu wirken.

Auch die Synchronisation konnte mich vollstens überzeugen und die Sprecher leisten ganze Arbeit und verhelfen diesem fast schon kinoreifen Abenteuer, noch authentischer zu wirken. Ein Horror-Erlebnis der besonderen Art und ein Abenteuer, welches man nicht verpassen sollte, speziell als Horror-Fan.

Manchmal etwas verwirrende Zielführung macht es einem hin und wieder schwer

Der einzige wirkliche Kritikpunkt, den ich dem neuen Silent-Hill-Ableger ankreiden würde, ist die Tatsache, dass ich oft nicht so genau wusste, was das Spiel denn jetzt eigentlich gerade von mir will und wo ich als nächstes hingehen sollte.

Das Spiel bietet einem zwar die Möglichkeit, zu jeder Zeit eine Karte des aktuellen Areals aufzurufen. Darüber hinaus werden die für uns interessanten Bereiche sogar auf dieser Karte markiert. Dennoch hatte ich oft das Gefühl, dass ich mich irgendwie nicht immer gleich zurechtgefunden habe und oft nicht wusste, was ich als nächstes tun soll. Hier wäre eine klarere Aufgabenführung doch etwas angenehmer gewesen. Das kann aber natürlich auch nur persönliche Präferenz sein und andere Spieler stören sich vielleicht an dieser Mechanik nicht unbedingt.

Ein Horror-Abenteuer mit besonderem Kniff und einer tollen Atmosphäre

Bildmaterial: Silent Hill: Townfall, Konami, Annapurna Interactive, Screen Burn Interactive

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Titel	Star Wars Zero Company
	27. August 2026
	Electronic Arts
	27. August 2026
	Electronic Arts
	27. August 2026
	Electronic Arts
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	1.1
Entwickler	Bit Reactor, Respawn Entertainment
Genres	Rundenbasierte Taktik-Strategie
Texte
Vertonung

Das Star-Wars-Franchise erfreut sich nach wie vor extrem großer Beliebtheit, speziell unter Sci-Fi-Fans. Neben der Racer-Variante „Star Wars: Galactic Racer“, welche am 6. Oktober dieses Jahres erscheinen soll, haben wir mit der kürzlich erschienenen Taktik-Strategie-Variante Star Wars Zero Company erstmals sogar ein taktisches Star-Wars-Abenteuer im Stile eines XCOM erhalten.

Der US-amerikanische Entwickler und Strategie-Experte „Bit Reactor“ fungierte als Entwickler bei diesem vielversprechenden Projekt. Innerhalb dieses begabten Entwicklerteams befinden sich unter anderem auch ehemalige XCOM-, Gears-of-War- und Civilization-Entwickler. Für genügend Expertise, vor allem im Taktik-Genre, ist also bestens gesorgt.

Das auf Basis der leistungsstarken Unreal Engine 5 entwickelte Taktik-Strategiespiel erschien am 27. August für PS5, Xbox Series und PCs und in unserem ausführlichen Test verraten wir euch nun, ob sich ein Ausflug in taktische Star-Wars-Gefilde lohnt oder ob man sich diesen intergalaktischen Trip besser sparen sollte.

Das Ende der Klonkriege und die Ausrufung des Imperiums stehen bevor

In Star Wars Zero Company übernehmen wir die Rolle eines ehemaligen Offiziers der Republik, „Hawks“. Dieser befehligt nun eine Söldnertruppe gegen Ende der Klonkriege. Die Ausrufung des galaktischen Imperiums steht kurz bevor und unsere Spezialeinheit, die „Zero Company“, muss alles dafür tun, den Ausgang dieses verheerenden Krieges vielleicht doch noch zum Guten zu wenden.

Eines Tages erhält die Zero Company den Auftrag eine Separatistensekte aufzuspüren. Diese geheimnisvolle Sekte ist jedoch nicht das Einzige, mit dem sich unsere Gruppe aus Spezialisten herumschlagen muss. Auch eine geheimnisvolle Krankheit, die sogenannte „Schattenplage“, macht es unserem Trupp nicht gerade einfach, diese waghalsige Mission zu einem guten Abschluss zu bringen.

Unzählige waghalsige und äußerst gefährliche Missionen quer durch die Galaxis erwarten die Mitglieder der Zero Company. Aber genau dafür wurde diese Gruppierung ja schließlich auch gegründet.

Taktisches Vorgehen steht an erster Stelle

Bei Star Wars Zero Company handelt es sich um ein Taktik-Strategie-Abenteuer im Stile eines XCOM. Im Klartext heißt das, das Spiel wird in der Top-Down-Perspektive gespielt und die Spielrunden selbst laufen rundenbasiert ab.

Am Anfang einer jeden Runde hat man also eine bestimmte Anzahl an Zügen pro Charakter zur Verfügung. Sind diese Züge aufgebraucht, beendet man die Runde per Knopfdruck. Anschließend absolviert die KI, also die gegnerischen Einheiten, die zur Verfügung stehenden Züge.

Je nach Situation fallen diese mal mehr und mal weniger intelligent gewählt aus. Hier entscheidet natürlich auch der ausgewählte Schwierigkeitsgrad über die gewählten Entscheidungen, die die KI trifft. Hat man einen niedrigeren Schwierigkeitsgrad ausgewählt, fallen die Züge recht oft weniger geschickt aus, um es uns etwas leichter zu machen.

Speziell für das Star-Wars-Franchise ist ein Titel in diesem Genre also ein absolutes Novum. Viele Jahre träumten Star-Wars- und XCOM-Fans jedoch bereits von einer Kreuzung des Franchise und des Genres und nun haben wir diese Wunschfantasie mit Star Wars Zero Company endlich erfüllt bekommen. Und eines kann man getrost sagen: Diese Kombination passt wirklich wie die Faust aufs Auge.

Viele Upgrademöglichkeiten schaffen Raum für taktische Finesse

Zum ohnehin schon sehr taktisch ausgelegten Gameplay-System kommen noch eine Vielzahl an Upgrade- und Anpassungsmöglichkeiten hinzu. Zum einen haben wir natürlich stets die Möglichkeit, unseren Trupp anzupassen, verschiedene neue Agenten zu rekrutieren und sogar deren Beziehungen untereinander zu stärken, um den Zusammenhalt in der Gruppe noch weiter auszubauen. Das stärkt nicht nur jeden einzelnen Mitstreiter, sondern am Ende die gesamte Gruppe.

Obendrein haben wir jedoch auch die Möglichkeit, die Fähigkeiten unserer Crewmitglieder und sogar deren Bewaffnung anzupassen. Neben verschiedenen Waffenmodifizierungen können wir ebenfalls die Outfits unserer Gruppenmitglieder anpassen. Den kreativen und taktischen Entfaltungsmöglichkeiten sind also kaum Grenzen gesetzt.

Zwischen den fordernden Kämpfen schaltet das Spiel außerdem in die Third-Person-Perspektive. So fühlt sich das Spielgeschehen dann gleich noch eine Spur immersiver an. In diesem Third-Person-Modus können wir uns dann bis zum nächsten Kampfschauplatz durch das jeweilige Areal bewegen. Treffen wir allerdings wieder auf feindlich gesinnte Einheiten, schaltet das Spiel wieder in die Taktik-Perspektive. Ein interessanter Kniff, der den recht starren Taktik-Ansatz von Zero Company etwas auflockert und uns das Abenteuer nicht nur in der Taktik-Perspektive erleben lässt.

Zwischen den Missionen finden wir uns im Hub wieder

Unser Hauptquartier ist der Dreh- und Angelpunkt der Zero Company. Denn hier entscheiden wir wohlüberlegt, auf welche Mission wir uns als Nächstes begeben oder welche Mitstreiter wir auf diverse Zusatzmissionen aussenden, um weitere Ressourcen zu erhalten.

Sollte ein Mitstreiter während einer Mission mal schwerer verletzt werden, wird dieser auf unsere hauseigene Krankenstation geschickt. Die nun anstehende Genesungszeit können wir auf Wunsch und mit Hilfe des Einsatzes von Ressourcen sogar beschleunigen und somit abkürzen. Ein weiterer taktischer Kniff, den es jederzeit zu bedenken gilt.

Ebenso werden alle Anpassungsmöglichkeiten innerhalb des Hubs erledigt und ausgewählt. Auch halten sich unsere Crewmitglieder in diesem Hub auf. Zwischen den Missionen kann man mit diesen Mitgliedern dann sogar hin und wieder ein Pläuschen halten. Diese kurzen Unterhaltungen treiben die Geschichte teils weiter voran und verschaffen uns auch zusätzliche Informationen über die Mitglieder selbst.

Permadeath-Modus für hartgesottene Taktik-Fans

Für absolute Hardcore-XCOM- und Taktik-Fans haben die Entwickler von Bit Reactor etwas Besonderes eingebaut. Denn der sogenannte „Permadeath“-Modus sorgt nämlich dafür, dass verstorbene Charaktere unserer Gruppe auch tot bleiben. Das heißt: Verliert man einen Charakter auf und während einer Mission, ist dieser unwiderruflich ausgelöscht und kann auch nicht mehr wiederbelebt werden. Jede Entscheidung kann also weitreichende und einschneidende Folgen haben, die das zukünftige Spielgeschehen maßgeblich beeinflussen.

Dieser Modus sollte allerdings mit Bedacht gewählt werden, da man sich, speziell bei zu unüberlegtem Vorgehen, schnell den gesamten Spielverlauf ruinieren kann und theoretisch von Neuem beginnen muss, wenn man einen bestimmten Charakter am digitalen Leben erhalten möchte. Auf Wunsch kann der Permadeath-Modus aber natürlich auch deaktiviert werden.

Detaillierte und schön anzusehende Optik trifft auf störende Nachladeruckler

Die technische Seite von Star Wars Zero Company ist leider ein recht zweischneidiges Schwert. Zum einen sieht die Optik, die auf der Unreal Engine 5 basiert, wirklich toll und sehr detailreich aus. Die Spielwelten und Areale strotzen regelrecht vor kleinen Details. Die Liebe zum Detail merkt man dem Titel also quasi pausenlos an und die typische Star-Wars-Atmosphäre wird auch wunderbar transportiert.

Zum anderen wäre da allerdings noch die eher durchwachsene Performance, die das Spielgeschehen hin und wieder doch mal etwas ruckelig wirken lässt. Die Performance-Einbrüche sind allerdings keine typischen FPS-Drops, wie man im ersten Moment vielleicht meinen würde. Vielmehr handelt es sich um eine Art Nachladeruckler, wenn man beispielsweise im Spielareal voranschreitet. Interessant ist hierbei die Tatsache, dass wir die PS5- und die PC-Version testen konnten und beide Versionen dieselben Verhaltensmuster diesbezüglich an den Tag legen. Man kann also definitiv ausschließen, dass es sich um Ruckler aufgrund von eventuellen Hardwaredefiziten handelt.

Alles in allem sieht Star Wars Zero Company aber toll aus und spielt sich auch so. Die immer mal wieder auftretenden Ruckler müssten zwar nicht sein, stören den eigentlichen Gameplay-Ablauf aber im Endeffekt nicht. Dieses Problem könnten die Entwickler mit einem zukünftigen Patch natürlich auch noch verbessern oder sogar komplett in den Griff bekommen.

Kultiger Soundtrack, knallige Effekte und ordentliche Synchronisation ergeben ein ordentliches akustisches Gesamtbild

Wie üblich für ein Star-Wars-Videospiel darf natürlich auch bei Zero Company der absolut kultige und äußerst beliebte Star-Wars-Soundtrack nicht fehlen. Dieser untermalt die actionreichen Szenen stets wunderbar und lässt zu jeder Sekunde pures Star-Wars-Feeling aufkommen. So muss es sein.

Aber auch die toll abgemischten, knalligen und stets passenden Soundeffekte runden das Spielgeschehen stets wunderbar ab. Obendrauf gibt es noch eine ordentliche und sauber umgesetzte Synchronisation, die auch größeren Projekten in nichts nachsteht. Was will man als eingefleischter Star-Wars-Fan denn auch mehr?

Star Wars ist erfolgreich im Taktik-Strategie-Genre angekommen

Bildmaterial: Star Wars Zero Company, Electronic Arts, Bit Reactor, Respawn Entertainment

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Mit Castlevania: Belmont’s Curse möchte uns der in Frankreich ansässige Entwickler Evil Empire nun erneut in die vampirische Welt der spannenden Action-Reihe entführen. Als Publisher fungiert, wie sollte es auch anders sein, natürlich Konami.

Auf der diesjährigen Gamescom hatten wir die Möglichkeit, den vielversprechenden und extrem anspruchsvollen Action-Kracher ausgiebig anzuspielen. In unserer ausführlichen Preview verraten wir euch nun, ob sich der Kauf des neuesten Castlevania-Abenteuers lohnt und welche neuen Ideen der Titel mit in das mittlerweile unglaublich umfangreiche Franchise einbringt.

Das Paris des 15. Jahrhunderts wird von Dämonen heimgesucht

Die Geschichte von Castlevania: Belmont’s Curse spielt im Paris des Jahres 1499. Ganze 23 Jahre nach den Ereignissen von Castlevania III: Dracula’s Curse. Nachdem die französische Metropole von finsteren Dämonen überrannt wurde, ruft der örtliche Bischof den Vampirjäger Trevor Belmont zur Hilfe.

Trevor Belmont rekrutiert daraufhin seine Tochter Rose Belmont für diese Aufgabe. Um dieser enormen Aufgabe gewachsen zu sein, überreicht Trevor seiner Tochter Rose die heilige Peitsche. Diese trägt den Namen „Vampirtöter“. Daraufhin macht sich die junge Vampirjägerin Rose auf den Weg, die dämonischen Besatzer zu vertreiben und den Ursprung für diese plötzliche Invasion ausfindig zu machen.

Klassisches Castlevania-Gameplay mit dem ein oder anderen besonderen Kniff

Im Kern ist Castlevania: Belmont’s Curse ein klassisches Castlevania-Abenteuer wie man es kennt und von der Serie auch erwarten würde. Der neue Castlevania-Ableger ist sozusagen ein Action-Adventure-Sidescroller wie er im Buche steht und neben den schön gestalteten Leveln und Abschnitten sind es vor allem die ausufernden und oft sehr fordernden Bosskämpfe, die einem das digitale Leben regelmäßig zur Hölle machen. Im Prinzip genau das, was Castlevania-Fans seit Jahrzehnten lieben und feiern.

Um siegreich aus diesen anspruchsvollen Bosskämpfen hervorzugehen, ist es stets essenziell, dass man sich die Angriffsmuster der unterschiedlichen Bosse verinnerlicht. So kann man den extrem starken Gegnern stets einen entscheidenden Schritt voraus sein. Denn hat man den Dreh erst einmal raus, sind die Bosskämpfe gar nicht mehr so schwer, wie man im ersten Moment vielleicht denken würde.

Im weiteren Spielverlauf erhält man außerdem die Fähigkeit, sich mithilfe der heiligen Peitsche an diversen Punkten hin- und herschwingen zu können. Kombiniert man diese, meiner Meinung nach, toll umgesetzte Mechanik mit dem sehr direkten und durchaus spaßigen Kampfsystem, ergibt sich so ein rasantes und flüssiges Gameplay, welches nach einiger Eingewöhnungszeit sehr viel Spaß macht. „Easy to learn, hard to master“ passt hier ganz gut, um die eigentlichen Gameplay-Mechaniken zu beschreiben.

Allerlei Upgrades sorgen für die nötige Abwechslung im Vampirjäger-Alltag

Um das typische Castlevania-Gameplay etwas aufzulockern, haben die Entwickler obendrein allerlei Upgrademöglichkeiten für Rose eingebaut. Diese Upgrades ermöglichen es uns, nach und nach neue Angriffe und Spezialmanöver zu erlernen, um den dämonischen Widersachern noch effektiver das digitale Leben aushauchen zu können.

Für etwas Abwechslung im Vampirjäger-Alltag ist also definitiv gesorgt und mit diesen Upgrades haben wir gleichzeitig auch die Möglichkeit, die Angriffe und damit auch das Verhalten unseres Hauptcharakters zumindest etwas an unseren eigenen Spielstil anzupassen.

Liebevoll umgesetzt und schön präsentiert

Angefangen vom Artstyle bis hin zur Grafik und dem fantastischen Soundtrack selbst konnte mich Castlevania: Belmont’s Curse bereits während dieser einstündigen Anspielsession durchaus überzeugen. Die Areale wirken sehr liebevoll umgesetzt und vor allem der fantastische Ohrwurm-Soundtrack ist wirklich fantastisch und passt perfekt zur jeweiligen Spielsituation.

Technisch braucht sich der Titel also keinesfalls vor anderen Genre-Kollegen verstecken, denn mit Castlevania: Belmont’s Curse wurde die traditionsreiche Spielereihe wunderbar in die Moderne transportiert.

Die kultige Vampirjäger-Saga ist zurück und in der Moderne angekommen

Bildmaterial: Castlevania: Belmont’s Curse, Konami, Evil Empire

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Bereits während eines Interviews im Jahre 2021 wurde bekannt, dass die Entwickler von RGG Studio an einer neuen IP abseits des Like-a-Dragon- und Judgment-Franchise arbeiten. Erstmals offiziell angekündigt wurde das neue Projekt dann im Zuge der The Game Awards im Jahre 2024.

Damals war das Projekt noch unter dem kryptischen Namen „Project Century“ bekannt. Im Juni 2025 wurde dann erstmals der volle Titel des neuen Projekts bekannt gegeben.

Im Zuge der Gamescom konnten wir Stranger Than Heaven bereits ausgiebig antesten und können euch daher nun verraten, ob sich das Warten auf den Action-Blockbuster lohnt und in welchen Punkten sich Stranger Than Heaven klar von der Like-a-Dragon- und Judgment-Reihe unterscheidet. Am 15. Januar 2027 soll der vielversprechende Action-Kracher dann für PS5, Xbox Series und PCs erscheinen.

Fünf Epochen in fünf Jahrzehnten

Die Geschichte von Stranger Than Heaven wird innerhalb von fünf unterschiedlichen Epochen erzählt. Als Schauplatz dienen ganze fünf unterschiedliche Städte Japans. Angefangen in der Stadt Kokura in der Präfektur Fukuoka im Jahre 1915 verschlägt es uns anschließend ins Jahr 1929 nach Kure in der Präfektur Hiroshima. Im Anschluss folgen Minami in Osaka im Jahre 1943, Atami in der Präfektur Shizuoka im Jahre 1951 und als krönenden Abschluss landen wir im Stadtteil Shinjuku in Tokio im Jahre 1965.

Wir übernehmen die Rolle von Makoto Daito, einem japanisch-amerikanischen Außenseiter, welcher sich zu Beginn des Abenteuers auf der Überfahrt von San Francisco in den Vereinigten Staaten nach Japan befindet, um sich dort ein neues, besseres Leben aufzubauen.

Stranger Than Heaven handelt vor allem von der Gründung und dem Aufstieg der Yakuza, der japanischen Mafia. Der Tojo-Clan, welcher in der gesamten Like-a-Dragon-Reihe eine tragende Rolle spielt, steht dabei im Mittelpunkt. Unser Hauptcharakter Makoto Daito ist ein Gründungsmitglied des Tojo-Clans und somit eine tragende Figur, die maßgeblich zum Aufstieg der Yakuza beigetragen hat.

Actiongeladene Kämpfe treffen auf ein interessantes Setting

Wie auch schon bei der Like-a-Dragon- und Judgment-Reihe liegt der Fokus auch bei Stranger Than Heaven primär auf den actiongeladenen und anspruchsvollen Kämpfen. Diese tragen wir, wie üblich für diese Reihe, ausschließlich in der Third-Person-Perspektive aus.

Die Besonderheit von Stranger Than Heaven ist hierbei die Tatsache, dass wir nun jede Hand einzeln steuern können. So haben wir nun also die Möglichkeit, wahlweise nur links oder rechts zuzuschlagen oder zu blocken.

Hieraus ergeben sich dann logischerweise völlig neue Kombo-Möglichkeiten und das Kampfsystem wird dadurch allgemein noch einmal deutlich anspruchsvoller, als es bei anderen Titeln der Like-a-Dragon- und Judgment-Reihe der Fall war.

Das Hauptaugenmerk liegt also definitiv auf den hektischen und sehr anspruchsvollen Kämpfen. Auch unsere Demo-Session bestand ausschließlich aus diversen Konfrontationen mit anderen kriminellen Gestalten. Hier konnten wir die neuen Kampfmechaniken ausgiebig testen und uns mit den verschiedenen Features vertraut machen.

Inszenierung wirkt hochwertig und immersiv

Was mir am meisten imponiert hat, war die extreme Liebe zum Detail der unterschiedlichen Epochen, die man in diesem Abenteuer erleben darf. Je nach gewählter Zeit beziehungsweise Epoche verändern sich natürlich auch das Setting, die Kleidung der Charaktere und der allgemeine Vibe der Optik des Spiels.

Jede Epoche hat ihren eigenen Charme, ihre eigenen Merkmale und ihren eigenen Charakter, wenn man so will. Wirklich sympathisch umgesetzt und präsentiert. Im fertigen Spiel hoffe ich daher vor allem darauf, diese Spielwelt weiter erkunden zu können und noch tiefer in die einzelnen Epochen und Jahrzehnte Japans abtauchen zu können.

Denn während unserer recht begrenzten Demo-Session konnte man sich kaum in den Arealen bewegen. Zum Umfang der Spielwelt kann man zum jetzigen Zeitpunkt also noch recht wenig sagen.

Technisch durchaus ordentlich, aber noch ausbaufähig

Auf technischer Seite weiß Stranger Than Heaven durchaus zu gefallen. Auch wenn die gesamte Optik während der Demo-Session noch etwas grieselig und unscharf daherkam. Der Titel hat auf jeden Fall viel Potenzial, das es jetzt noch auszuschöpfen gilt. Ich bin aber durchaus zuversichtlich, dass die Entwickler von RGG Studio das hinbekommen und uns ein weiteres hochwertiges Action-Spektakel im Like-a-Dragon-Universum servieren.

Stranger Than Heaven läuft übrigens auf Basis der hauseigenen Dragon Engine. Auf Basis dieser durchaus leistungsstarken Engine wurden bereits Titel wie die Judgment-Reihe, Yakuza: Like a Dragon und Yakuza 6 entwickelt. Potenzial ist hier also definitiv vorhanden.

Der Aufstieg der Yakuza verpackt in einem Action-Feuerwerk

Bildmaterial: Stranger than Heaven, SEGA, Ryu Ga Gotoku Studio

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Silent Hill: Townfall ist ein eigenständiger, von der Hauptserie unabhängiger Ableger der Silent-Hill-Reihe und bietet mit seinem eher ungewöhnlichen Setting auch neue Anreize im Horror-Genre.

Während der diesjährigen Gamescom hatten wir die Möglichkeit, eine ganze Stunde lang in die Welt von Silent Hill: Townfall abzutauchen und die extrem unheimliche Atmosphäre aufzunehmen. Und wir können euch eins mit Gewissheit sagen: Es hat sich definitiv gelohnt.

In unserer ausführlichen Messe-Preview nehmen wir euch mit in die düstere Welt von Silent Hill: Townfall und verraten euch, wieso der Titel eines der Horror-Highlights dieses Jahres werden könnte.

Ein beschaulicher Küstenort wird zum Mittelpunkt des Albtraums

Die Geschichte von Silent Hill: Townfall spielt im Jahre 1996 im beschaulichen Küstenort „St. Amelia“ in Schottland. Wir übernehmen die Rolle von Simon Ordell. Simon hat Gedächtnisprobleme und kann sich nicht daran erinnern, warum und weshalb er sich in diesem Ort aufhält.

Nach und nach kommen wir einem dunklen Geheimnis auf die Spur und die Fragmente aus Simons Gedächtnis ergeben ein großes Ganzes. Doch was hat Silent Hill damit zu tun und ist dieser Küstenort überhaupt das, was er zu sein scheint?

Nervenkitzel und Spannung bis ins kleinste Detail

Speziell die fantastische und unheimlich beklemmende Atmosphäre von Silent Hill: Townfall hat es mir während der Anspielsession angetan. Der dicke Nebel, der den Ort St. Amelia umhüllt, trägt ungemein zur Spannung und Atmosphäre bei und macht die ohnehin schon recht unheimliche Kulisse noch bedrohlicher und vor allem unübersichtlicher.

Gespielt wird der Titel ausschließlich in der First-Person-Perspektive, was das Spielgefühl, zumindest meiner Meinung nach, noch immersiver und direkter macht. Während der Demo konnten wir einige Rätsel lösen und uns bereits einen guten ersten Eindruck von den Gameplay-Mechaniken des Titels machen.

Typisch für die Silent-Hill-Reihe sind vor allem die zahlreichen Rätsel, die das nervenaufreibende Gameplay immer wieder etwas auflockern und entschleunigen. Dieses Feature wurde auch hier wieder fantastisch umgesetzt und jedes Rätsel ist nach kurzer Überlegungsphase auch relativ schnell lösbar. Großes Kopfzerbrechen entfällt hier also – meistens jedenfalls.

Neues Gimmick bringt frischen Wind ins Franchise

Neu ist hingegen das Mini-TV-Gerät, welches unser Held Simon Ordell recht früh im Spielverlauf erhält. Denn dieses TV-Gerät ist nicht nur eine Spielerei, sondern vielmehr genau das eine Feature, welches Silent Hill: Townfall so besonders macht und von der Genre-Masse abhebt.

Denn mit diesem TV-Gerät haben wir nicht nur die Möglichkeit, die Gegner bereits einige Zeit vorher auszumachen und damit auch zu umgehen, sondern auch die Rätsel in Silent Hill: Townfall bauen auf dieser neuen Spielmechanik auf.

Immer wieder fängt das Gerät an zu rauschen und verdeutlicht uns so, dass wir einen Blick darauf werfen sollten. Durch wirr zusammengeschnittene Videoschnipsel erhalten wir so Hinweise auf diverse Rätsel und andere Dinge, die uns das Vorankommen im Spiel erst ermöglichen. Ein wirklich toller Kniff, der auch fantastisch umgesetzt wurde. Und etwas frischer Wind tut auch dem Silent-Hill-Franchise sichtlich gut.

Körperliche Auseinandersetzungen nicht ausgeschlossen

Natürlich lässt es sich aber auch bei Silent Hill: Townfall nicht gänzlich vermeiden, in den körperlichen Kontakt mit den unheimlichen Wesen zu gehen. Sollte man mal einen Fehler beim Umgehen der zahlreichen Monster machen, bleibt einem nichts anderes übrig, als diese mit einem oder mehreren beherzten Schlägen aus dem digitalen Leben zu tilgen.

Silent Hill: Townfall ist aber keinesfalls ein Action-Titel. Die körperliche Auseinandersetzung ist die allerletzte Möglichkeit sich den dämonischen Gegnern zu erwehren und sollte wirklich nur im äußersten Notfall angewandt werden. Zumindest in der Demo wirkte das Spiel diesbezüglich sogar noch eine ganze Ecke zahmer, als es zuletzt bei Silent Hill f der Fall war.

Fantastische Optik und absolut unheimliche Soundkulisse

Speziell die technische Umsetzung des Titels konnte mich schwer beeindrucken. Entwickelt wurde der Titel auf Basis der Unreal Engine 5 und vermag es daher gekonnt, extrem detaillierte und unheimliche Bilder auf den Bildschirm zu zaubern. Gerade die Nebel- und Lichteffekte fallen wirklich beeindruckend aus und verleihen dem Titel einen einzigartigen Look, den ich bisher noch nicht so gesehen habe. Die Entwickler haben es hier also schon rein technisch geschafft, den Titel anhand seiner Optik zu etwas Besonderem zu machen.

Auch tonal kann Silent Hill: Townfall auf ganzer Linie überzeugen. Die Soundeffekte gepaart mit den recht ruhig gehaltenen Melodien erschaffen eine wunderbar düstere Atmosphäre, die einem quasi pausenlos die Haare zu Berge stehen lässt.

Silent Hill: Townfall könnte ein wahrer Horror-Klassiker werden

Bildmaterial: Silent Hill: Townfall, Konami, Annapurna Interactive, Screen Burn Interactive

Der Beitrag Angespielt! Silent Hill: Townfall ist ein Spin-off der legendären Reihe mit völlig neuen Ideen erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Als der bisherige Rechteinhaber Square Enix die Rechte am Tomb-Raider-Franchise im Mai des Jahres 2022 an die Embracer Group für ca. 300 Millionen US-Dollar verkauft hatte, hatten viele Fans der taffen Archäologin die Reihe schon endgültig an den Nagel gehängt und vorerst für tot erklärt.

Im Zuge der The Game Awards 2025 wurde dann völlig überraschend ein neues Tomb-Raider-Projekt vorgestellt. Dieses hört auf den Namen Tomb Raider: Legacy of Atlantis. Als Entwickler fungiert dieses Mal eine Kombination aus Flying Wild Hog und Crystal Dynamics. Das Publishing übernimmt Amazon Games.

Während der diesjährigen Gamescom konnten wir uns das neueste Abenteuer der wohl berühmtesten Videospiel-Heldin überhaupt endlich genauer ansehen und können euch nun ziemlich sicher verraten, ob man sich auf das neueste Abenteuer von Lara Croft freuen darf und ob der neue Ableger auch alte Tomb-Raider-Veteranen wieder vor den heimischen Bildschirm locken kann.

Eindrucksvolle Präsentation verdeutlicht die neue Ausrichtung des Abenteuers

Da es sich bei Tomb Raider: Legacy of Atlantis im Endeffekt um ein waschechtes Remake des ersten Teils von 1996 handelt, darf man natürlich gespannt sein, wie dieses eigentlich schon recht betagte Abenteuer auch heutzutage noch begeistern soll und kann.

Aber eins kann man mit Sicherheit sagen: Es funktioniert tadellos. Denn Tomb Raider: Legacy of Atlantis ist keine einfache und modernisierte Kopie des Originals, sondern vielmehr eine vollumfängliche Neuinterpretation des Klassikers.

Neben der Grafik selbst wurden sogar die Rätsel-Mechaniken überarbeitet und an die Neuzeit angepasst. Selbst bereits bekannte Rätsel des Originals wurden nun also erweitert, umfangreicher gemacht und bieten teilweise sogar neue Lösungsmöglichkeiten. Man hat jetzt also definitiv mehr Spielraum beim Erkunden und Lösen der zahlreichen Rätsel.

Lara hat nun außerdem die Möglichkeit, mit einem Scanner diverse wichtige Punkte im Level zu scannen und zusätzliche, mal mehr und mal weniger hilfreiche Informationen zu erhalten. Das macht das Erforschen der Abschnitte noch immersiver und interaktiver. Tomb Raider: Legacy of Atlantis ist also deutlich mehr als ein Remake des Originals aus den 90er-Jahren.

Überarbeitetes und angepasstes Kampfsystem orientiert sich am Original

Ein weiterer wichtiger Punkt von Tomb Raider: Legacy of Atlantis ist außerdem das überarbeitete Kampfsystem. Denn die Entwickler setzen beim neuen Ableger der Tomb-Raider-Reihe nicht mehr auf das sehr ballerlastige Kampfsystem der letzten Tomb-Raider-Trilogie aus dem Hause Square Enix. Stattdessen besinnt man sich bei Tomb Raider: Legacy of Atlantis wieder auf das eher bodenständige Kampfsystem und die Stärken der Original-Trilogie.

Im Klartext heißt das, bei Tomb Raider: Legacy of Atlantis wird deutlich weniger geballert als es noch bei der Square-Enix-Trilogie der Fall war. Wie auch schon beim Original muss sich Lara in diesem Teil hauptsächlich gegen tierische Gegner zur Wehr setzen. Dementsprechend wurde das Kampfsystem nun eher in eine Art Akrobatik-Feuergefecht verwandelt. Lara hechtet sich also beherzt aus der Angriffslinie des Gegners, um diesen dann anschließend mit Feuersalven zu attackieren. Ganz im Stile des Originals, nur eben jetzt in modern und nochmal eine ganze Ecke cooler und stylischer präsentiert, als das noch 1996 möglich war.

Spielerisch geht Tomb Raider: Legacy of Atlantis also durchaus in eine etwas andere Richtung, als es die Square-Enix-Trilogie tat. Der Fokus liegt sehr viel deutlicher auf der ruhigen Erkundung der Areale und dem Lösen der zahlreichen Rätsel. Die Feuergefechte sind bei diesem Teil also eher Beiwerk und nicht der Hauptfokus. Gerade Fans der älteren Tomb-Raider-Titel könnte dies aber durchaus positiv aufstoßen, denn schließlich orientiert man sich ja sehr viel deutlicher an den Qualitäten der Original-Trilogie.

Optische Präsentation, die ihresgleichen sucht

Speziell die grafische Qualität von Tomb Raider: Legacy of Atlantis muss auf jeden Fall positiv hervorgehoben werden. Dank der Unreal Engine 5 strahlt der Titel förmlich und schafft es gekonnt, eine unheimlich detaillierte Spielwelt zu erschaffen, von der man gar nicht genug bekommen kann.

Das ist allen voran auch den Licht- und Schatteneffekten geschuldet, welche die Spielwelt unglaublich realistisch und ansehnlich wirken lassen. Aber auch die absolut geschmeidigen Animationen von Lara selbst können begeistern und obendrauf gibt es einen gewohnt hochwertigen Soundtrack und knackige Soundeffekte, welche das technische Gesamtbild gekonnt abrunden.

Tomb Raider: Legacy of Atlantis wird wohl eines der schönsten Spiele werden, die je das Licht der aktuellen Konsolengeneration erblicken dürfen. Denn das noch zu toppen wird auf jeden Fall nicht einfach.

Überarbeitet, modernisiert und verbessert – Lara is back!

Bildmaterial: Tomb Raider: Legacy of Atlantis, Amazon Games, Crystal Dynamics, Flying Wild Hog

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Erst im Dezember des Jahres 2025 war es dann endlich so weit und Capcom gab nach langer Wartezeit und vielen Gerüchten endlich bekannt, dass man die Marke „Mega Man“ wieder mehr ins Rampenlicht rücken und sogar in die Riege der Haupt-IPs aufnehmen möchte.

Noch in derselben Woche kündigte Capcom im Zuge der The Game Awards anschließend das neueste Projekt Mega Man: Dual Override an. Mega Man: Dual Override wird ein völlig neuer Ableger der Reihe, der sich speziell an den Anfängen und den Wurzeln des traditionsreichen Jump-and-Run-Franchise aus dem Hause Capcom orientieren soll.

Im Zuge der Gamescom 2026 konnten wir das neueste Abenteuer des blauen Bombers endlich Probespielen, um euch einen ersten Eindruck zum kommenden Action-Feuerwerk aus dem Hause Capcom liefern zu können. Ob sich die Warterei lohnt oder ob man Mega Man vielleicht doch besser in nostalgischer Erinnerung behalten sollte, erfahrt ihr in unserer Vorschau.

Etwas Moderne darf natürlich schon sein

Die Besonderheit von Mega Man: Dual Override ist zweifelsohne die Tatsache, dass es dem japanischen Entwickler und Publisher Capcom bei diesem Titel unglaublich gut gelingt, die Wurzeln der Mega-Man-Reihe mit diversen Gameplay-Elementen aus der Moderne zu verbinden und zu kreuzen.

Hardcore-Fans sind ja stets skeptisch, wenn es um Anpassungen oder Eingeständnisse ihres, mittlerweile doch recht betagten, Franchise geht. Im Falle von Mega Man: Dual Override kann man diese Angst jedoch als absolut unbegründet bezeichnen.

Mega Man: Dual Override spielte sich während unserer rund 30-minütigen Testsession im Grunde genommen wie eine schönere und etwas modernere Variante der alten Mega-Man-Ableger. Natürlich sind die Level nun deutlich aufregender gestaltet und die Hürden, die wir überwinden müssen, noch eine Ecke umfangreicher. Im Kern spürte man aber zu jeder Sekunde die DNA der Reihe und das war einfach wundervoll. Dennoch hatte man zu keiner Sekunde das Gefühl, ein veraltetes Gameplay-Konzept vor sich zu haben. Mega Man ist eben doch irgendwie zeitlos.

Neben den, aus vergangenen Teilen, bekannten Upgrades wie beispielsweise einer Art Tornado-Angriff, hatte man in der Demo außerdem die Möglichkeit, Mega Man in eine Art Power-Modus zu versetzen. Hier nahm unser blauer Held dann weniger Schaden und unsere Angriffe waren noch stärker. Dieser Power-Modus war allerdings nur eine kurze Zeit lang nutzbar, bis dieser sich erst erneut aufladen musste. Taktisch also ein durchaus effektives Mittel, welches allerdings zur richtigen Zeit und am richtigen Ort eingesetzt werden will.

Die schweißtreibenden Bosskämpfe sind immer noch knackig

Ein Highlight, wie es für die Mega-Man-Reihe üblich ist, sind auch hier wieder die ausufernden und extrem anstrengenden Bosskämpfe. Äußerst anspruchsvoll und nur seltenst verzeihend, treiben einem diese Boss-Begegnungen regelmäßig den Schweiß auf die Stirn. Hier muss man seine Konzentration wirklich zusammensammeln und alles geben, um am Ende siegreich aus den Kämpfen zu gehen.

In der Demo konnte man drei unterschiedliche Bosskämpfe spielen, die durchaus fordernd, aber nach einigen Versuchen definitiv machbar waren. Dem Power-Modus sei Dank konnte man sich hier oft den entscheidenden Vorteil sichern und siegreich aus den Duellen gehen.

Unterschiedliche Chip-Sets ermöglichen unterschiedliche Spielstile

Bevor man ein Level betritt, gibt einem das Spiel die Möglichkeit, aus drei unterschiedlichen Chip-Sets auszuwählen. Beim ersten Chip handelt es sich um den passiven Chip. Dieser erzeugt eine schützende Barriere gegen feindliche Angriffe und bietet außerdem einen nützlichen E-Tank, welchen wir zur Heilung unseres blauen Helden benötigen.

Der zweite Chip ist für den aggressiveren Spielstil gedacht. Denn dieser sorgt dafür, dass Mega Man die aufgeladenen Schüsse automatisch auflädt und wir sozusagen nur noch den Abschuss bestätigen müssen. Man spart sich quasi das manuelle Aufladen der Schüsse. Außerdem haben wir die Möglichkeit, doppelt aufgeladene, sogenannte „double charge shots“, zu verwenden.

Beim dritten Chip wartet dann sogar eine kleine Überraschung auf viele Hardcore-Fans. Denn dieser Chip ist dafür da, die zusätzlichen Hilfen abzuschalten und das Spiel in eine klassischere, noch schwerere Richtung zu drehen. Dafür steht uns hier dann ein altbekannter Begleiter zur Seite. Kein Geringerer als der Robohund „Rush“. Je nach gewähltem Chip-Set ändert sich das Spielgefühl also teils drastisch. Ein wirklich toller Ansatz, der für den ein oder anderen Spieler vielleicht sogar mehrere Spieldurchgänge rechtfertigen wird.

Der blaue Bomber ist endlich zurück auf der großen Bühne

Bildmaterial: Mega Man: Dual Override, Capcom

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Die mitreißende Atmosphäre, die zum damaligen Zeitpunkt tolle Grafik und die beklemmende Soundkulisse schafften es gekonnt, ein äußerst atmosphärisches Shooter-Spektakel auf die heimischen Bildschirme zu zaubern. Der erste Teil der Reihe – Turok: Dinosaur Hunter – erschien damals im Jahre 1997 für Nintendo 64 und PC.

Mit unzähligen weiteren Ablegern und dem ein oder anderen Spin-off konnte sich die Turok-Reihe relativ lange auf der großen Bühne der Gaming-Welt halten. Mit „Turok“ aus dem Jahre 2008 fand die Reihe dann allerdings ihr vorzeitiges Ende und im Anschluss folgte lediglich das kleinere Projekt „Turok: Escape from Lost Valley“ und das ein oder andere Remaster alter Turok-Ableger.

Erst im Dezember 2024 wurde dann überraschend angekündigt, dass sich ein vom US-amerikanischen Entwickler und Publisher Saber Interactive entwickelter neuer Turok-Ableger in Arbeit befindet. Dieser neue Teil der Reihe hört auf den Namen Turok: Origins und soll als Reboot der Turok-Reihe fungieren.

Im Zuge der diesjährigen Gamescom hatten wir die Möglichkeit, den Titel ausgiebig anzuspielen und berichten euch nun, ob man sich auf die Rückkehr des Dino-Action-Spektakels freuen darf und was den neuesten Ableger der Reihe so besonders macht.

Das Schicksal der Menschheit steht mal wieder auf dem Spiel

In Turok: Origins übernehmen wir die Rolle eines futuristischen Kriegers, welcher sich der bedrohlichen Alienrasse „Xenia“ erwehren muss. Die Xenia sind eine reptilienähnliche Rasse, die den Menschen feindlich gesinnt ist.

In erbitterten Schlachten quer durch die Galaxis muss sich die menschliche Spezies gegen diese Reptilien zur Wehr setzen, denn am Ende des Tages geht es um nichts Geringeres als das Überleben und Fortbestehen der gesamten Menschheit.

Drei Klassen mit drei unterschiedlichen Spielstilen stehen zur Auswahl

Zu Beginn eines Spiels haben wir die Wahl zwischen drei unterschiedlichen Charakterklassen. Dem Puma, dem Bison und dem Raben. Jede Klasse kann auf eine andere Bewaffnung und andere Spezialmanöver zurückgreifen. Taktische Abstimmung ist hier auf jeden Fall möglich und auch bitter nötig, um siegreich aus der hektischen Ballerei zu gehen.

Entscheidet man sich beispielsweise für die Bison-Klasse, haben wir die Möglichkeit, eine schützende Barriere zu erzeugen, um uns und unsere Mitspieler vor den gegnerischen Angriffen zu schützen. Die Raben-Klasse hat zum Beispiel die Möglichkeit, Feuerbälle auf die heranstürmenden Gegner zu feuern.

Jede Klasse bietet also Vor- und Nachteile und kann je nach eigenen Vorlieben mal mehr und mal weniger effektiv eingesetzt werden. Hier muss man sich an den jeweils eigenen Spielstil herantasten, um den bestmöglichen Effekt aus der jeweils gewählten Klasse herauszuholen und den für sich optimalen Spielstil zu finden.

Jede Klasse hat außerdem die Möglichkeit einen Scanner zu nutzen. Dieser Scanner zeigt uns die unterschiedlichen Schwachstellen der Gegner an. Konzentriert man sich im Kampf auf ebendiese Schwachstellen, gehen die Gegner schnell und effektiver zu Boden. Ein wichtiges taktisches Element, auf welches man auf jeden Fall großen Wert legen sollte.

Hat man den Bossgegner eines Areals besiegt, hat man außerdem die Möglichkeit, dessen DNA und damit die sogenannten „EchoSyncs“ zu erhalten. Mit diesen Punkten haben wir nun die Möglichkeit neue Fähigkeiten freizuschalten und unsere Klasse noch weiter auszubauen und an die eigenen Wünsche anzupassen.

Die Dino-Ballerorgie macht wirklich Spaß

Auf den ersten Blick wirkt Turok: Origins vielleicht wie ein weiterer Shooter mit Turok-Lizenz. Ich kann allerdings getrost sagen: Das Spiel macht wirklich Spaß. Vor allem, wenn man seinen Flow erstmal gefunden hat, fliegt man regelrecht durch die Gegnermassen und fühlt sich teils schon fast unbesiegbar. Ganz Turok-like eben.

Die unterschiedlichen Spielstile wollen natürlich zuerst beherrscht und verstanden werden. Hat man den Dreh aber erstmal raus, gibt es gefühlt kein Halten mehr und das Spaß-Level steigt recht schnell in höhere Ebenen.

Lineare Spielwelt mit der ein oder anderen Erkundungsmöglichkeit

Die Spielwelt beziehungsweise die Levelabschnitte von Turok: Origins fallen dabei recht linear und eher schlauchig aus. Man ballert sich von Areal zu Areal, bekämpft dabei etliche Wellen von Gegnern und steht am Ende immer einem größeren Boss gegenüber, den es zu erledigen gilt.

Hier und da kann man auch mal vom eigentlichen Pfad abweichen, um sich etwas im Areal umzusehen und das ein oder andere Geheimnis zu erhaschen. Im Großen und Ganzen bleibt Turok: Origins allerdings ein recht lineares Erlebnis.

Die unterschiedlichen Nebenaufgaben sind zwar durchaus nett, lenken im Endeffekt aber nur minimal vom eigentlichen Geschehen ab und dienen wohl eher als kleine Auflockerung.

Erst im Mehrspielermodus so richtig spaßig und fetzig

Turok: Origins ist eines dieser Spiele, die tatsächlich erst im Mehrspielermodus so richtig aufblühen. Denn mit bis zu drei Spielern im Koop-Modus kann man sich mit den unterschiedlichen auswählbaren Klassen wunderbar ergänzen und taktisch abstimmen. Dann macht die eigentlich recht stumpfe Ballerei gleich noch mehr Spaß.

Auf Wunsch kann man das gesamte Abenteuer aber natürlich auch im Solo-Modus komplett alleine erleben. Wahrscheinlich liegt dies nicht im Sinne der Entwickler, aber es ist durchaus angenehm zu wissen, dass man das neueste Turok-Abenteuer auf Wunsch auch solo durchspielen kann.

Verschiedene Perspektiven für unterschiedliche Geschmäcker

Eine Besonderheit von Turok: Origins ist die Tatsache, dass man das Spiel wahlweise in der First-Person-Perspektive, wie einen klassischen Shooter, oder aber in der Third-Person-Perspektive spielen kann. Je nach eigenen Vorlieben lässt sich die Perspektive jederzeit nahtlos im Spiel hin- und herschalten. Wirklich sehr löblich und auch sehr ordentlich umgesetzt.

Die härteste Dino-Ballerei der Gaming-Welt ist zurück

Bildmaterial: Turok: Origins, Saber Interactive, Universal Products & Experiences

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Viele Jahre bangten und hofften die Fans auf einen Nachfolger ihres Horror-Spektakels und im Oktober des Jahres 2024 war es dann endlich so weit und die Entwickler von Creative Assembly verkündeten stolz, dass sich ein Nachfolger zum bis heute äußerst beliebten Horror-Abenteuer in Entwicklung befindet.

Während der diesjährigen Gamescom hatten wir nun die Gelegenheit, den neuen Horror-Blockbuster Alien: Isolation 2 ausgiebig anzutesten. Ob auch der zweite Teil an die Qualitäten des Erstlings anknüpfen und diese vielleicht sogar noch toppen und verbessern kann, erfahrt ihr in unserer ausführlichen Messe-Preview.

Extrem düstere Atmosphäre, die einem den Atem stocken lässt

Bereits der erste Teil der Reihe konnte mit einer absolut unheimlichen, düsteren und stets beklemmenden Atmosphäre glänzen. Auch der zweite Teil von Alien: Isolation macht hier keine Ausnahme. Selten habe ich mich innerhalb so kurzer Zeit so von einem Spiel in den Bann gezogen gefühlt, wie es hier der Fall war.

Nicht vergessen darf man hier außerdem die Umstände, mit denen eine solche Messe-Demo stets zu kämpfen hat. Umgebungslärm aus den Hallen, eine relativ neutrale und helle Atmosphäre und andere Menschen, die das Spiel ebenfalls anspielen um einen herum. Dementsprechend hat es ein Horror-Titel recht schwer, die entsprechende Atmosphäre aufbauen und auch vermitteln zu können.

Alien: Isolation 2 weiß allerdings ganz genau, wo es ansetzen muss, um dem Spieler in den richtigen Momenten den Schweiß auf die Stirn zu treiben. Nicht nur die ständige Angst vor dem Alien selbst ist es, welche die Atmosphäre dieses Titels so beängstigend macht. Die Stimmung, die rein durch Licht- und Schatteneffekte und diverse Soundeffekte erzeugt wird, genügt bereits, um einem pausenlos die Haare zu Berge stehenzulassen. Perfekt umgesetzt und geradezu hollywoodreif inszeniert.

Der sichere Tod lauert an jeder Ecke

Die Begegnungen mit dem Alien selbst sind jedoch die Spitze des Eisbergs, denn hier muss man trotz der Panik, die man verspürt, stets einen klaren Kopf bewahren, um am Ende heil aus der jeweiligen Situation zu kommen. Eine wahre Stressprobe, könnte man sagen, und eine, die stets tödlich endet, sollte man doch mal einen Fehler machen. Etwas Trial-and-Error ist also unvermeidbar und ist auch irgendwie typisch für Alien: Isolation.

Wie auch schon im ersten Teil ist hier also oberste Vorsicht gefragt, um am Ende nicht von dem umher streunenden Alien entdeckt und in Stücke gerissen zu werden. Um dieses stets tödliche Alien abzulenken, stehen uns, wie auch schon beim ersten Teil der Reihe, allerlei Ablenkungsmanöver zur Verfügung.

Darunter befinden sich beispielsweise herumliegende Gegenstände, die geworfen werden können. So können wir das Ungetüm beispielsweise in eine andere Richtung lenken, um so geschickt von uns selbst abzulenken und uns schnell aus der brenzligen Situation ziehen zu können. Timing ist hier also das A und O und absolut überlebenswichtig, um dem lästigen Alien stets einen Schritt voraus zu sein.

Optisch schon jetzt ein absoluter Leckerbissen

Vor allem grafisch kann Alien: Isolation 2 schon jetzt auf ganzer Linie überzeugen. Der Titel sieht wahnsinnig gut und absolut stimmig aus. Das, zumindest für meinen Geschmack, tolle Artdesign des Alien-Franchise kommt auch hier zum Tragen und macht die Locations noch eine Ecke interessanter und stylischer. Der kreative Kopf hinter diesem absolut kultigen Alien-Design ist kein Geringerer als der mittlerweile verstorbene Künstler und Oscarpreisträger HR Giger.

Entwickelt wird der Titel auf Basis der leistungsstarken Unreal Engine 5, welche durchaus dazu in der Lage ist, spektakuläre Bilder auf den heimischen Bildschirm zu zaubern. Neben den fantastischen Texturen sind es vor allem die Licht- und Schatteneffekte und die Partikeleffekte wie Nebel oder Regen, die das Spiel zu einer wahren Augenweide machen. Optisch kann man Alien: Isolation 2 also definitiv als echten Leckerbissen bezeichnen.

Unsere Messe-Demo lief außerdem stets mit absolut flüssigen 60 Frames und sah dabei auch noch stets perfekt aus. Ob ein Qualitätsmodus mit höherer Auflösung für die Konsolenversionen enthalten sein wird, konnten wir zum jetzigen Zeitpunkt noch nicht in Erfahrung bringen. Da dies aktuell aber der Standard zu sein scheint, darf man auch im Falle von Alien: Isolation 2 von einem Qualitätsmodus als Alternative zum Performance-Modus ausgehen.

Soundeffekte aus der Alien-Hölle

Speziell die äußerst beklemmenden Soundeffekte wie beispielsweise der prasselnde Regen oder plötzlicher Donner schafften es nicht selten, mir den kalten Schauer über den Rücken laufen zu lassen. Perfekt eingesetzt und toll umgesetzt macht der Titel also auch tontechnisch einiges her und vermag es gekonnt, die ohnehin schon sehr unheimliche Alien-typische Atmosphäre noch etwas unheimlicher wirken zu lassen.

Auch die Synchronsprecher leisten ordentliche Arbeit und man kommt sich schon fast vor, als würde man hier einen Alien-Film zum Mitspielen vor sich haben. Das Hollywood-Niveau wurde also auf jeden Fall erreicht.

DER Horror-Blockbuster des (wahrscheinlich) nächsten Jahres

Bildmaterial: Alien: Isolation 2, SEGA, Creative Assembly

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Titel	The Blood of Dawnwalker
	3. September 2026
	Bandai Namco
	3. September 2026
	Bandai Namco
	3. September 2026
	Bandai Namco
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	1.002
Entwickler	Rebel Wolves
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Das vielversprechende Vampir-Action-Rollenspiel The Blood of Dawnwalker aus dem Hause Rebel Wolves beziehungsweise Bandai Namco ist das neueste Projekt ehemaliger CD-Projekt-RED-Mitarbeiter. Denn der leitende Produzent des Titels ist kein Geringerer als Konrad Tomaszkiewicz, der auch schon bei „The Witcher 3: Wild Hunt“ das Heft in der Hand hatte. Dementsprechend hoch sind auch die Erwartungen an das neueste Projekt.

Aufgrund verschiedener Umstände hatte sich Tomaszkiewicz von seinem ehemaligen Studio CD Projekt RED getrennt. Mit ihm verließen auch weitere ehemalige Mitarbeiter des Witcher- und Cyberpunk-Studios ihren Arbeitgeber und fanden sich im 2022 neu gegründeten, ebenfalls in Polen ansässigen, Entwicklerstudio Rebel Wolves wieder.

Der erste Trailer zu The Blood of Dawnwalker erschien im Januar des Jahres 2025. Das Dark-Fantasy-Rollenspiel im Sandbox-Stil mit Mittelalter-Setting fand sofort großen Anklang bei der Spielerschaft und so war das Interesse am Debüt-Titel von Rebel Wolves direkt sehr groß. The Blood of Dawnwalker wurde außerdem auf Basis der Unreal Engine 5 entwickelt. Um eine opulente und eindrucksvolle grafische Präsentation braucht man sich daher jedenfalls keine Sorgen zu machen.

Das Vampir-Abenteuer The Blood of Dawnwalker erscheint am 3. September für PS5, Xbox Series und PCs. Was wir vom Erstlingswerk des polnischen Entwicklers Rebel Wolves halten und ob sich ein Kauf direkt zum Launch lohnt, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Review.

Eine grausame Plage und die einzige Rettung in Form von Blut

Die Geschichte von The Blood of Dawnwalker spielt im 14. Jahrhundert im fiktiven Königreich „Vale Sangora“ in den Karpaten. Das Setting von The Blood of Dawnwalker ist außerdem sehr von Mythen, archäologischen Funden und altertümlichen Gebäuden und Strukturen von Ungarn, Rumänien und den Karpaten inspiriert.

Inmitten dieser dunklen Zeit der Menschheitsgeschichte wird die menschliche Rasse von einer Plage heimgesucht. Daraufhin befiehlt der König des Reichs die Exekution aller betroffenen und infizierten Menschen. Der uralte Vampir „Brencis“ übernimmt daraufhin die Kontrolle über das Königreich und regiert fortan mit seiner vampirischen Gefolgschaft das Reich.

Der furchteinflößende Vampir-Clan herrscht nun über Vale Sangora und hält die Menschen sozusagen als Untertanen. Als Geschenk erlässt Brencis den Menschen alle Steuern und sonstigen Verpflichtungen, um diese etwas zu entlasten, so scheint es im ersten Moment. Allerdings verspricht er ihnen auch, etwas vom vampirischen Blut zu erhalten. Denn dieses besagte Vampirblut ist in der Lage, die Menschen vor der sich ausbreitenden Plage zu schützen. Durch das Einnehmen des Bluts wird man sozusagen immun gegen die Krankheit.

Im Zuge dessen fordert der neue König des Reichs allerdings die sogenannte „Blutsteuer“ ein. Bei einer feierlichen Zeremonie, die monatlich stattfindet, werden alle erwachsenen Bürger des Reichs zu einer „Blutspende“ gezwungen. Bei dieser Zeremonie sterben allerdings regelmäßig die Alten und Schwachen aufgrund des doch recht hohen Blutverlusts. Nach und nach macht sich allerdings Aufruhr unter den menschlichen Bewohnern des Reichs bemerkbar und nun wollen sie diese Tyrannei unter der vampirischen Herrschaft nicht länger dulden und explizit dagegen vorgehen.

Unter diesen Bürgern befindet sich auch der junge „Coen“. Coen hat, zusammen mit seinem Vater und seinen Geschwistern, Angst um seine Mutter, da diese unter einer seltenen Krankheit leidet und früher oder später durch besagtes Ritual sterben wird. Nach einem tragischen Vorfall wird Coen jedoch selbst zu einem Vampir – einem sogenannten „Dawnwalker“. Halb Vampir und halb Mensch wandelt Coen nun zwischen den Rassen und muss sich fortan beider Stärken und Schwächen bewusst werden, um am Ende dem Vampirkönig Brencis und seiner vampirischen Gefolgschaft das Handwerk zu legen.

Action-Rollenspiel mit dem gewissen vampirischen Biss

The Blood of Dawnwalker ist im Kern ein Action-Rollenspiel, wie man es zum Beispiel von „The Witcher“ her kennt. In einer relativ großen Spielwelt erledigen wir neben den wirklich toll inszenierten Hauptquests auch allerlei Nebenquests und andere Aktivitäten. Langeweile ist hier also definitiv ein Fremdwort, da es wirklich enorm viel zu tun gibt.

Auch der Spielablauf selbst erinnert sehr an The Witcher 3: Wild Hunt, was keinesfalls negativ gemeint ist. Immer wieder finden wir uns auch in hektischen Kämpfen wieder. Diese laufen allerdings ein ganzes Stück taktischer ab, als es noch bei der Witcher-Reihe der Fall war. Denn blindes Button-Mashing führt hier leider nur selten zum Erfolg. Stattdessen müssen wir uns mit dem, speziell am Anfang, etwas ungewöhnlichen, aber dennoch irgendwie auch genialen Kampfsystem vertraut machen. Neben unterschiedlichen Angriffsmöglichkeiten will auch die Block-Mechanik zuerst mal verstanden und erlernt werden. Ein ganz neuer Ansatz im Genre und definitiv gelungen, möchte ich behaupten.

Aber auch andere Spezial-Moves wie etliche vampirische Fähigkeiten können nach und nach erlernt und effektiv genutzt werden. Gerade diese vampirischen Fähigkeiten sind es, die das Kampfsystem dann doch noch mal deutlich von anderen Genrekollegen abheben und besonders wirken lassen. Alles in allem macht The Blood of Dawnwalker also wirklich Spaß und speziell die Erkundung der weitläufigen Spielwelt ist wirklich äußerst immersiv und toll zu spielen.

Eine weitere Besonderheit ist außerdem die Tatsache, dass sich die Spielwelt um uns herum je nach den Entscheidungen, die wir treffen, an unseren Spielstil anpasst. Trifft man beispielsweise während eines Dialogs eine negative Entscheidung, kann sich das auch auf den späteren Spielablauf auswirken. Immersiv und auf jeden Fall toll eingebunden.

Etwas wirre Inventargestaltung machte mir zu schaffen

Einzig und allein der Umstand, dass sich die Gestaltung der Menüs und des Inventars, zumindest für mich, etwas wirr und unnötig kompliziert anfühlt, hätte ich als ernsthaften negativen Aspekt anzumerken. Wie auch schon bei The Witcher 3: Wild Hunt überfordert mich das Inventar und dessen Gestaltung bei The Blood of Dawnwalker etwas. Das kann natürlich auch persönliche Präferenz sein, dennoch hätte ich mir hier und da vielleicht etwas mehr Anpassungsmöglichkeiten dafür gewünscht.

Technisch nicht immer Spitze, aber auch nie wirklich schlecht

Entwickelt wurde The Blood of Dawnwalker auf Basis der Unreal Engine 5. Aufgrund der großen Spielwelt und der vielen Details, die das Spiel zu bieten hat, rackert sich die Engine bei diesem Titel aber ganz schön einen ab. Bemerkbar macht sich das vor allem im Performance-Modus, hier „ausgeglichener Modus“ genannt. Denn die 60 FPS werden hier nur relativ selten und nur in relativ ruhigen Szenen dauerhaft gehalten. Ansonsten bewegen sich die Frames wohl eher im Bereich zwischen 45 und 55 Frames, möchte ich behaupten.

Im Qualitäts-Modus setzt das Spiel die 30-FPS-Marke ein und wie man es von diesem Modus gewohnt ist, erhöht sich dann zwar die Auflösung etwas, dennoch fühlt sich das Spiel aufgrund der verringerten Frames auch deutlich langsamer an.

Unabhängig von den Frames sieht der Titel jedoch stets fantastisch aus und kann mit unheimlich vielen Details, schönen Charaktermodellen und beeindruckenden Licht- und Schatteneffekten glänzen. Allen voran ist es aber die spektakuläre Weitsicht, die wirklich zu begeistern weiß. Optisch ist das Spiel also durchaus gelungen, hätte aber hier und da vielleicht noch etwas Zeit für die finale Optimierung gebraucht. Von einem technischen Desaster sind wir aber dennoch meilenweit entfernt.

Die hochkarätige Präsentation, angefangen beim Charakterdesign bis hin zum Design der Spielwelt selbst, wirkt sehr hochwertig. Man merkt dem Titel definitiv an, dass hier Veteranen der Games-Branche am Werk waren. Das Spiel strotzt nur so vor kleinen Details, die es zu entdecken gilt. Gerade Spieler, die wirklich Lust auf ein umfangreiches Action-Fantasy-Abenteuer haben, können hier wirklich darin versinken.

Auch tonal ein düsteres Erlebnis, das zu begeistern weiß

Akustisch kann The Blood of Dawnwalker ebenfalls begeistern. Neben dem epochalen Soundtrack können auch die Effekte und die Synchronsprecher auf ganzer Linie überzeugen. Man merkt hier deutlich, dass großer Wert auf eine hochwertige Vertonung gelegt wurde und gerade die Synchronsprecher machen einen fantastischen Job und verleihen dem Titel den nötigen Biss. Tonal gibt es also nichts auszusetzen.

Ein düsteres Vampir-Spektakel mit dem gewissen Biss

Bildmaterial: The Blood of Dawnwalker, Bandai Namco, Rebel Wolves

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Titel	Onimusha: Way of the Sword
	4. September 2026
	Capcom
	4. September 2026
	Capcom
	4. September 2026
	Capcom
System	PlayStation 5, Xbox Series, Nintendo Switch 2, PC
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	1.000.001
Entwickler	Capcom
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Mit der Onimusha-Reihe schuf der japanische Publisher und Entwickler Capcom Anfang der 2000er-Jahre das bis dato Unerreichte. Denn die talentierten Entwickler kombinierten die bewährte Survival-Horror-Formel der Resident-Evil-Reihe mit einem feudalen Japan-Setting. Das Ergebnis war ein packendes Samurai-Abenteuer mit Horror-Elementen, einem coolen Hauptcharakter und ordentlich Monster-Gemetzel.

Onimusha: Warlords war seinerzeit sogar einer der ersten größeren Blockbuster-Titel, der auf Sonys damaliger neuen Konsole, der PlayStation 2, erschien. Durch den enormen Erfolg von Onimusha: Warlords war ein Fortbestehen der Reihe quasi gesichert und schon im Jahre 2002 folgte mit Onimusha 2: Samurai’s Destiny der Nachfolger. Hier übernahmen wir allerdings die Rolle eines neuen Hauptcharakters und folgten einem anderen Story-Strang.

In den folgenden Jahren erschienen mit „Onimusha Blade Warriors“, „Onimusha Tactics“ und „Onimusha 3: Demon Siege“ gleich zwei Spin-offs und ein vollwertiger Nachfolger der Reihe. Im Jahre 2006 fand die Reihe dann leider mit „Onimusha: Dawn of Dreams“ ihr vorzeitiges Ende. Grund hierfür waren wohl in erster Linie die eher durchwachsenen Kritiken, die dieser Titel erhielt.

Erst im Zuge der Game Awards 2024 wurde bekanntgegeben, dass sich ein neuer Onimusha-Ableger in der Entwicklung befindet. Ursprünglich sollte der vielversprechende Titel am 25. September für PS5, Xbox Series, Nintendo Switch 2 und PCs erscheinen. Das Erscheinungsdatum wurde dann allerdings aufgrund nicht näher genannter Umstände auf den 4. September vorverlegt.

Der neueste Teil der Reihe hört auf den Namen Onimusha: Way of the Sword und wurde auf Basis der Capcom-hauseigenen „RE Engine“ entwickelt. Neben dem Überraschungshit „Pragmata“ wurden beispielsweise auch die letzten Resident-Evil-Ableger inklusive der beiden Remakes von Teil zwei und drei auf Basis dieser Engine entwickelt.

Ob uns das hochkarätige Samurai-Abenteuer begeistern konnte und wie weit sich der neueste Ableger von der ursprünglichen Reihe entfernt hat, erfahrt ihr natürlich wie immer in unserem ausführlichen Review.

Der größte Schwertkämpfer der Geschichte auf einem dämonischen Höllentrip

In Onimusha: Way of the Sword übernehmen wir die Rolle des Miyamoto Musashi, des wohl legendärsten Schwertkämpfers des feudalen Japans. Musashi befindet sich auf dem Weg, der beste Schwertkämpfer des Landes zu werden, und bereist daher ganz Japan, um die Meister der talentiertesten Schwertkampf-Schulen zu einem Duell herauszufordern und sein Können unter Beweis zu stellen.

Eines Tages gerät unser Held Musashi jedoch zwischen die Fronten eines dämonischen Konflikts und findet sich schon bald in einer äußerst misslichen Lage wieder. Denn nun muss sich Musashi nicht nur mit menschlichen Widersachern auseinandersetzen, sondern auch mit den finsteren Kreaturen der Unterwelt. Diese Ausgeburten der Hölle werden „Genma“ genannt und stellen eine massive Bedrohung für die menschliche Rasse dar.

Als ein tragischer Vorfall Musashi quasi dazu zwingt, den schier endlosen Kampf mit diesen Kreaturen der Unterwelt aufzunehmen, da er sonst selbst sterben würde, nimmt er allen Mut zusammen und stellt sich dieser übermenschlichen Herausforderung. Auf seinem beschwerlichen Weg stehen Musashi jedoch allerlei Gefährten zur Seite. Ein Konflikt, der über das Fortbestehen der Menschheit entscheidet, beginnt.

Neues Kampfsystem unterscheidet sich komplett von den Vorgängern

Speziell in Sachen Kampfsystem unterscheidet sich der neueste Ableger der Reihe quasi komplett von seinen Vorgängern. Wo die damaligen Onimusha-Ableger noch sehr Resident-Evil-artig ausfielen, spielt sich Onimusha: Way of the Sword logischerweise deutlich moderner und flexibler. Natürlich gibt es nun auch keinen Bild-in-Bild-Levelaufbau mehr. Das relativ starre Kampfsystem der Vorgänger ist also Geschichte.

Die Kämpfe laufen durch verschiedene Kombo-Möglichkeiten nun deutlich taktischer ab und je nach Gegnertyp, der uns gerade gegenübersteht, müssen wir uns im Kampf natürlich sofort an die jeweilige Situation anpassen. Richtig interessant wird es dann, wenn wir mehrere verschiedene Gegnertypen vor uns haben. Denn dann müssen wir während des Kampfes schnell adaptieren und uns den jeweiligen Gegebenheiten anpassen. Genau das ist es jedoch auch, was das Kampfsystem von Onimusha: Way of the Sword so speziell und gleichzeitig auch so spaßig macht. Denn kaum ein Kampf läuft gleich ab. Vorbereitung ist also nur in gewissem Maße möglich.

Obendrauf bietet uns der Oni-Handschuh einen weiteren taktischen Kniff. Denn jeder gefallene Gegner, so klein er auch sein mag, hinterlässt nach seinem digitalen Tod ein paar Seelen. Diese Seelen können wir mit Hilfe unseres Oni-Handschuhs einsaugen und uns später sogar zunutze machen. Denn mit diesen gesammelten Seelen können wir an den unzähligen Spiegelschreinen, die in der Spielwelt verstreut sind, diverse Upgrades vornehmen.

Geschickte Charakteranpassung kann über Leben und Tod entscheiden

Ein tolles Feature ist die Möglichkeit, die verschiedenen Attribute Musashis an den eigenen Spielstil anzupassen. Man hat also die Möglichkeit neben unterschiedlichen Talismanen, die unterschiedlichste Attributsverstärkungen bescheren, auch andere Werte wie beispielsweise das Katana, die Kleidung und den Oni-Handschuh selbst aufzuleveln und zu verstärken.

Je nach eigenem Fokus kann man sich so seinen eigenen Spielstil zusammenbasteln und je nach Bosskampf sogar mit entsprechenden Talismanen auf dessen Fähigkeiten und Stärken reagieren, um so den entscheidenden Vorteil im Kampf zu erhalten. Bekämpft man aktuell beispielsweise einen Boss, der Feuermagie nutzt, kann man sich mit einem entsprechenden Talisman gegen diese Magie rüsten und sich so einen Vorteil erhaschen. Verschiedene Schwert- und Rüstungs-Designs lassen sich ebenfalls im Spielverlauf freischalten. Diese sind allerdings rein kosmetischer Natur und verändern nicht die Fähigkeiten oder Attribute von Musashi selbst.

Neben diesen Features gibt es auch eine Fülle an unterschiedlichen Items, die man sich zunutze machen kann. Neben Ausdauer-Boosts und diversen Widerstands-Upgrades, die allerdings nur von kurzer Dauer sind, gibt es auch die, speziell im Souls-Genre, üblichen Heil-Items. Diese füllen sich beim Aktivieren eines Spiegelschreins jedes Mal neu auf. Allerdings tauchen dann auch bereits erledigte Gegner wieder auf. Hier ließ man sich bei Capcom also definitiv vom Souls-Genre inspirieren. Immer wieder findet man das ein oder andere Feature, welches man bereits von diesen Titeln her kennt. Schlecht ist dies allerdings nicht, denn wieso sollte man das Rad jedes Mal neu erfinden, wenn andere es bereits fast perfektioniert haben?

Immersiv und spannend umgesetzte Spielwelt zieht uns direkt in ihren Bann

Speziell für mich ist die Spielwelt eines der besten Features von Onimusha: Way of the Sword. Das von Dämonen heimgesuchte Kyoto strotzt nur so vor liebevollen Details und man kann, gerade zu Beginn des Abenteuers, kaum entscheiden, welche Ecke des digitalen Kyotos man zuerst erkunden möchte. Die Spielwelt wirkt von Sekunde eins an absolut immersiv und wunderschön anzusehen. Im weiteren Spielverlauf vergrößert sich außerdem das begehbare Areal Kyotos etwas und nach und nach nimmt das Spiel in puncto Atmosphäre sogar Resident-Evil-artige Züge an. Aber weitere Details würden hier Spoiler-Gefahr bedeuten.

Neben den Hauptquests gibt es auch allerlei Nebenquests, die uns in noch entlegenere Ecken Kyotos entführen und uns für den erfolgreichen Abschluss dieser Missionen sogar mit diversen Spezial-Items belohnen. Mit diesen speziellen Gegenständen können wir unseren Helden und dessen Equipment dann wieder stärker machen und uns den weiteren Spielverlauf so etwas erleichtern.

Auch lohnt es sich, bereits besuchte Gebiete erneut zu erkunden. Denn nach und nach schalten wir auch spezielle Fähigkeiten frei, die es uns erlauben, zuvor versperrte Wege nun zu passieren. Auch hängt der Nebel des Miasmas über Kyoto. Dieser rote Schleier verhindert eine sofortige und vollständige Erkundung, da dieser zuerst nach und nach zurückgedrängt werden muss.

Die fordernden Bosskämpfe sind die Kirsche auf der Torte

Das größte Highlight von Onimusha: Way of the Sword dürften aber zweifelsohne die ausufernden und extrem actionreichen Bosskämpfe gegen die Genma sein. Durch geschicktes Kontern und Blocken behält man in den ausufernden Bosskämpfen die Oberhand und kann so siegreich aus den zahllosen Duellen gehen. Manche Bosskämpfe haben zwei Phasen, andere wiederum nur eine. Gerade die zweiphasigen Kämpfe sind es aber, die einem wirklich alles abverlangen und eine nachlassende Konzentration des Spielers sofort bestrafen. Fordernd, aber zugleich auch unheimlich belohnend.

Die völlig unterschiedlichen Bosse sind allesamt wunderbar und toll umgesetzt und da die Genma auch sprechen können, wirken diese teilweise sogar sympathisch und liefern sich zum Teil sogar relativ witzige Konversationen mit unserem Helden Musashi. Speziell bei den Bosskämpfen kann man also sagen, dass Capcom hier wirklich alles richtig gemacht und genau ins Schwarze getroffen hat.

Etwas mehr Nebenquests wären wünschenswert gewesen

Der einzige negative Aspekt, den ich am neuesten Onimusha-Ableger zu bemängeln habe, ist die Tatsache, dass die Spielwelt hier und da vielleicht noch ein wenig mehr Nebenaktivitäten vertragen hätte. Immer wieder ertappte ich mich dabei, wie ich etwas ziellos in der Spielwelt umherstreifte, quasi ohne wirklichen Plan. Nebenquests sind zwar vorhanden, aber gemessen an der Größe des Areals vielleicht doch etwas mager in ihrer Anzahl.

Etwas mehr zu tun hier und da hätte dem Spiel sicher gut getan. Alles in allem fühlt man sich aber nur selten wirklich ziellos oder ohne Motivation in der Story voranzuschreiten.

Ein umwerfend schönes Abenteuer dank hauseigener Engine

Dank der hauseigenen RE Engine schafft es Capcom, eine unheimlich stimmige Welt zu erschaffen, die obendrein auch noch verdammt gut aussieht. Die tollen und wundervoll gestalteten Charaktermodelle gepaart mit den knackigen Texturen und tollen Licht- und Schatteneffekten erwecken diese Spielwelt wahrlich zum Leben.

Bereits bei den letzten Resident-Evil-Ablegern und dem Sci-Fi-Hit Pragmata konnte Capcom eindrucksvoll beweisen, was alles in der hauseigenen Engine steckt. Speziell der Schattenwurf macht wirklich viel aus in Sachen Atmosphäre und so sieht Onimusha: Way of the Sword am Ende wirklich super und äußerst stimmig aus.

Auch in Sachen Performance ist der Titel wirklich mehr als gelungen. Absolut runde 60 Frames konnte der Titel während unserer Testsession stets halten. Egal, wie viel gerade auf dem Bildschirm los war. Auf Wunsch kann man den Titel auch in einem Qualitätsmodus mit 30 Frames genießen. Das Bild wird somit zwar deutlich schärfer, die Performance aber auch deutlich schlechter. Der Performance-Modus ist in diesem Fall also vorzuziehen.

Abstürze oder Ruckler konnte ich während der gesamten Testphase nicht feststellen und auch ohne Day-1-Patch lief Onimusha: Way of the Sword also stets perfekt. So wünscht man sich den Launch eines solchen Titels doch. Vorbildlich und typisch Capcom-Oberklasse eben.

Auch akustisch ein Fest für die Sinne

Die bombastischen Soundeffekte, die jedes Kampfgeräusch bis ins Kleinste gekonnt untermalen, treffen auf einen epischen Soundtrack und hitzige Boss-Melodien, die das hektische und treibende Kampfgeschehen noch pulsierender wirken lassen. Wirklich toll umgesetzt und absolut passend für einen Titel dieser Art.

Die Synchronisation ist ebenfalls mehr als gelungen und kann sich in jeder Variante hören lassen. Vorzugsweise spiele ich solche Titel aber natürlich mit japanischer Original-Synchronisation und deutschen Untertiteln.

Die actiongeladene Onimusha-Reihe ist endlich zurück!

Bildmaterial: Onimusha: Way of the Sword, Capcom

Der Beitrag Im Test! Onimusha: Way of the Sword war die lange Wartezeit definitiv wert erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2
	27. August 2026
	Konami
	27. August 2026
	Konami
	27. August 2026
	Konami
System	PlayStation 5, Xbox Series, Nintendo Switch 1&2, PC
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	1.000.3
Entwickler	Konami
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Die erste Ausgabe der Metal Gear Solid: Master Collection erhielt vor allem zum Release im Jahre 2023 eher mäßige Kritiken. Neben der durchwachsenen Technik und den eher dürftigen technischen Anpassungen war es vor allem auch die Tatsache, dass die Collection für viele Metal-Gear-Fans schlicht und ergreifend einfach unvollständig war und wichtige Titel der Reihe fehlten.

Einer dieser, für viele Metal-Gear-Fans, wichtigsten Titel ist zweifelsohne „Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots“. Dieser PS3-exklusive Titel erschien ursprünglich im Jahre 2008 und wurde bisher noch nicht auf eine andere Plattform portiert. Vielen Fans stieß das Fehlen dieses Titels in der Collection Vol. 1 daher ganz besonders sauer auf.

Konami versprach jedoch schon bald nach dem Release der ersten Collection diesen Fehler mit der kommenden Collection auszubessern. Die Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2 soll die bisher fehlenden Titel nun, zumindest teilweise, in technisch verbesserter und angepasster Form nachreichen.

Am 27. August ist es nun endlich so weit und die zweite Ausgabe der heiß ersehnten Metal-Gear-Collection erscheint für PS5, Xbox Series, Switch 1&2 und PCs. Ob die neue Collection endlich die große Lücke schließen kann und ob dieses Mal auch der technische Aspekt der Collection direkt zum Launch passt, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Test.

Drei schlagkräftige Titel bieten die volle Metal-Gear-Dröhnung

Neben dem bereits erwähnten Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots sind auch Metal Gear Solid: Peace Walker in der HD-Version und der Game-Boy-Color-Ableger Metal Gear: Ghost Babel aus dem Jahre 2000 enthalten. Metal Gear: Ghost Babel erhielt außerhalb des asiatischen Markts den eingängigeren Titel „Metal Gear Solid“.

Langzeit-Fans freuen sich natürlich am meisten auf die moderne Portierung von Guns of the Patriots. Der Titel ist bis zum heutigen Tag lediglich auf der Original-Hardware, der PlayStation 3, spielbar und daher für viele Fans und Interessierte nicht mehr so leicht zugänglich und spielbar. Umso erfreulicher ist es natürlich nun, dass man sich bei Konami für eine moderne Portierung des Titels für die zweite Master Collection entschied.

Dennoch muss man natürlich festhalten, dass es sich bei allen Spielen dieser Collection um relativ alte Titel handelt. Gameplaytechnisch merkt man den Spielen ihr Alter also definitiv an. Wer also nichts mit dem Retro-Charme der Spiele anfangen kann, sollte sich die Collection vor dem Kauf auf jeden Fall nochmals genauer ansehen, um einschätzen zu können, was hier auf einen zukommt.

Guns of the Patriots – eine letzte Mission, die das Schicksal der Welt entscheiden soll

Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots spielt fünf Jahre nach dem Manhattan-Zwischenfall von Metal Gear Solid 2: Sons of Liberty. Die Welt wird nun sozusagen von privaten Militärkonzernen gesteuert. Die Einheiten dieser Konzerne sind mit Nanomaschinen ausgerüstet und werden mit deren Hilfe gesteuert. Als klar wird, dass Liquid Ocelot sich dieses System zunutze machen möchte, wird Snake auf eine letzte Mission geschickt, um diesem Schrecken ein für allemal ein Ende zu bereiten und Liquid Ocelot das Handwerk zu legen.

Snake bleibt nichts anderes übrig, als sich in das Kriegsgebiet im Nahen Osten zu begeben. Denn hier hält sich Liquid Ocelot wahrscheinlich versteckt. Unterstützt wird Snake von Dr. Hal „Otacon“ Emmerich und Olga Gurlukovichs Tochter Sunny. Ein actiongeladenes Abenteuer erwartet unseren Helden.

Peace Walker – kriegerische Auseinandersetzungen in Costa Rica

Die Geschichte von Metal Gear Solid: Peace Walker spielt im Jahre 1974 in Costa Rica. Wir übernehmen die Rolle von „Big Boss“, dem legendären Agenten, aus dem der aus den neueren Ablegern bekannte Held „Solid Snake“ entstand.

Dieser geht mit seiner Söldnereinheit „Militaires sans Frontières“ gegen die amerikanische CIA vor, da diese im Land geheime Waffensysteme testet. Unter diesen Waffensystemen befindet sich unter anderem auch der sogenannte „Peace Walker“. Eine Art Metal-Gear-Mech, welcher ebenfalls mit zerstörerischen Waffensystemen ausgestattet ist. Auch eine Atomwaffe befindet sich im Arsenal des Kampfroboters. Dieser Umstand allein genügt Big Boss und seinen Unterstützern, dieses bedrohliche Kriegswerkzeug aus der Welt zu schaffen. Ein allumfassender Konflikt entfaltet sich, in welchem es um nichts Geringeres geht, als den Frieden im Land und der Welt zu wahren. Notfalls auch mit Waffengewalt.

Ghost Babel – eine bewaffnete Terrorgruppe ist im Besitz eines Metal Gear und muss gestoppt werden

Metal Gear: Ghost Babel spielt drei Jahre vor den Ereignissen von Metal Gear Solid aus dem Jahre 1998. Die Handlung ist im Jahre 2002 angesiedelt und Snake muss die Terrorgruppe „Black Chamber“ stoppen. Diese ist im Besitz eines Metal-Gear-Mechs und bedroht nicht nur die USA, sondern auch die gesamte Welt.

Auch hier erwarten uns wieder die unterschiedlichsten Widersacher und neben dem Bumerang-schwingenden „Slasher Hawk“ treffen wir auch auf die Puppenspielerin „Marionette Owl“, den Pyromanen „Pyro Bison“ und den geheimnisvollen Kämpfer „Viper“. Eine bunte Mischung, die typisch für die Metal-Gear-Reihe ist.

Technisch sehr ordentlich umgesetzt und an die Moderne angepasst

Aus technischer Hinsicht kann man der Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2 wahrlich nichts Negatives anhaften. Alle enthaltenen Titel laufen einwandfrei und mit flüssigen 60 Frames über den Bildschirm. Auch hatten wir zu keiner Zeit mit größeren technischen Schwierigkeiten wie beispielsweise Freezes oder gar Abstürzen zu kämpfen. Alles in allem also ein technisch wirklich rundes Erlebnis.

Die Texturen und Effekte wurden, zumindest für mein Empfinden, sogar noch etwas aufgehübscht und an die Moderne angepasst. Allgemein wirkt das Bild nun deutlich ruhiger, als es noch bei den Original-Titeln damals der Fall war. Hier kann man Konami also definitiv ein Lob aussprechen. Die Umsetzung wirkt allgemein sehr ordentlich und durchdacht. Metal-Gear-Fans dürfen getrost aufatmen.

Legendärer Soundtrack trifft auf tolle Effekte und eine fantastische Synchronisation

Zum Metal-Gear-Soundtrack braucht man wohl keine Worte zu verlieren, denn dieser ist nach wie vor einfach fantastisch. Gepaart dazu gibt es knackige Soundeffekte und eine Synchronisation, die sich wirklich hören lassen kann. Speziell David Hayter, der Snake beziehungsweise Big Boss spricht, sticht hier erneut positiv hervor.

Die Effekte wurden wohl ebenfalls leicht überarbeitet, denn diese klingen nun deutlich klarer und sauberer. Speziell bei Peace Walker war dies auch bitter nötig, da dieses Spiel seine Premiere ja auf der PSP feierte und ein technisches Makeover daher am nötigsten hatte.

Die komplette Metal-Gear-Erfahrung, auf die Fans schon lange warten

Bildmaterial: Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2, Konami

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Titel	Beast of Reincarnation
	4. August 2026
	Fictions
	4. August 2026
	Fictions
	4. August 2026
	Fictions
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Game Freak
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Dass Entwickler durchaus auch andere, gewagtere Wege bestreiten können, ist jetzt nicht unbedingt eine Seltenheit. Im Falle des japanischen Entwicklers „Game Freak“ jedoch schon ein kleines Novum in Sachen Gaming-Vielfalt.

Denn der japanische Entwickler mit Sitz in Chiyoda, Tokio, war zuvor vor allem für die zuletzt erschienenen Pokémon-Titel bekannt und möchte uns nun mit Beast of Reincarnation in gänzlich neue Gefilde entführen.

Das spezielle Setting mit exotischen und durchaus interessant gestalteten monsterähnlichen Kreaturen bleibt uns jedoch erhalten und so mag manch einer wohl direkt an ein erwachseneres Pokémon denken. Beast of Reincarnation ist jedoch weit mehr als das und vor allem eine ganze Ecke düsterer und melancholischer.

Erstmals offiziell angekündigt wurde der Titel erst im Jahre 2025 während eines Xbox Games Showcase. Erst zu diesem Zeitpunkt erfuhr man den eigentlichen Titel des Spiels, denn bis zu diesem Showcase war Beast of Reincarnation lediglich als „Project Bloom“ bekannt. Beast of Reincarnation ist außerdem der erste Titel, den Game Freak für PS5 und Xbox Series veröffentlicht, da man vorher lediglich für Nintendo entwickelte.

Beast of Reincarnation erscheint nach vielen Jahren der Warterei nun endlich am 4. August für PS5, Xbox Series und PCs und wird auf der Microsoft-Plattform sogar als Day-1-Titel im Xbox Game Pass vertreten sein. Ob uns das vielversprechende Monster-Abenteuer aus Fernost begeistern kann und ob sich ein Kauf lohnt, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Test.

Das Japan der fernen Zukunft wird von einer pflanzlichen Plage heimgesucht

Die tragische Geschichte von Beast of Reincarnation spielt im Jahre 4026. Wir übernehmen die Rolle von Emma, einer sogenannten „Versieglerin“, und ihrem treuen Begleiter, dem Wolfshund „Kuu“. Die Beziehung zwischen den beiden Abenteurern kann wohl am ehesten als „Synergie“ bezeichnet werden, denn Emma und Kuu verbindet mehr als nur der Drang nach Gerechtigkeit.

Emma ist mit der sogenannten „Plage“ geboren. Eine Art pflanzliches Virus, welches den Körper nach und nach einnimmt und beherrscht. Emma macht sich diese Gabe allerdings zu Nutze und kann mit Hilfe der Plage sogar Pflanzen kontrollieren und diese geschickt im Kampf oder zur Überwindung diverser Hindernisse nutzen. Aufgrund dieser Gabe wird Emma aber natürlich auch gemieden und als eine Art Außenseiterin angesehen.

Die Aufgabe eines Versieglers besteht außerdem darin, finstere und bedrohliche Kreaturen zu jagen und zu erlegen und deren Plage in sich aufzunehmen. Folglich kann die Plage dann keinen weiteren Schaden mehr anrichten und wird von den Versieglern sozusagen beherbergt. Hier kommt unser Begleiter Kuu wieder ins Spiel, denn auch Kuu ist eine Kreatur, welche die Plage in sich trägt. Genau dieser Umstand ist es jedoch auch, der die Beziehung zwischen Emma und Kuu so besonders macht. Die beiden teilen ein tragisches Schicksal.

Eines Tages erhalten Emma und Kuu die Aufgabe, in den Westen des Landes zu reisen, um das sogenannte „Beast of Reincarnation“ zu erlegen und die Plage ein für allemal in den Griff zu bekommen. Denn diese finstere Kreatur gilt als der Ursprung der Plage. Ein spannendes und gefährliches Abenteuer steht den beiden also nun bevor und am Ende geht es um nichts Geringeres als die Zukunft Japans.

Halboffene Spielwelt mit viel zum Entdecken und dystopischem Japan-Flair

Die Spielwelt von Beast of Reincarnation ist keine Open World im eigentlichen Sinne. Vielmehr sind die Areale zwar frei begehbar, untereinander aber dennoch in unterschiedliche Level beziehungsweise Kapitel unterteilt. Im Klartext heißt das, am Ende eines jeden Areals wartet ein Bosskampf, der das jeweilige Level beziehungsweise Kapitel abschließt. Danach wechseln wir in das nächste Kapitel und den neuen Abschnitt. In den Arealen selbst können wir uns also frei bewegen, haben aber dennoch stets einen roten Faden, der uns durch die Story leitet.

Mein einziger Kritikpunkt an dieser Art von Leveldesign ist die Tatsache, dass wenn man frühzeitig bestimmte Schlüsselorte im jeweiligen Areal besucht, noch keine Interaktion stattfinden kann, da die eine oder andere vorhergehende Aufgabe noch nicht erledigt wurde. So geht man den Weg quasi wieder zurück, erledigt die ursprüngliche Aufgabe und kommt dann an den bereits besuchten Ort zurück und kann die Story dann fortführen. Mir ist natürlich bewusst, dass die Levelstrukturen irgendeinen logischen Aufbau haben müssen, dennoch geht für mich damit auch ein Teil der Immersion verloren.

Nichtsdestotrotz bietet Beast of Reincarnation eine interessante Spielwelt, in der es auch immer wieder das ein oder andere Geheimnis zu finden gibt und die auch wirklich zum Erkunden einlädt. Spieler, die Lust auf eine melancholisch angehauchte, dystopische Spielwelt im Japan-Setting haben, sind hier also goldrichtig. Auch optisch verändern sich die Areale natürlich im weiteren Spielverlauf und so hat man auch nach mehreren Spielstunden nicht das Gefühl, stets das gleiche Areal mit leicht unterschiedlichem Aufbau zu spielen.

Skills lernen und verstehen ist enorm wichtig

Ein weiterer wichtiger Punkt ist außerdem die Tatsache, dass man sich wirklich gut mit dem Skillbaum und dessen Möglichkeiten beschäftigen sollte. Der Skillbaum, der sich nach und nach erweitert und neue Möglichkeiten bietet, ist enorm wichtig, da wir so wichtige Angriffe und Attribute erlernen können, die uns vor allem die hektischen Bosskämpfe deutlich erleichtern. Neben Emma hat auch Kuu einen eigenen Skillbaum mit eigenen Möglichkeiten.

Speziell in höheren Schwierigkeitsgraden werden die Bosskämpfe wirklich richtig anspruchsvoll und so möchte man natürlich auf keinerlei Hilfe verzichten, um die gigantischen Kreaturen effektiv erlegen zu können. Die Skillpunkte, die man im Skillbaum einsetzt, verdient man sich nach den Bosskämpfen und auch beim Levelaufstieg selbst. Beim Levelaufstieg kann man außerdem Punkte für Gesundheit, Stärke und die Fähigkeit, die Pflanzen-Energie effektiv zu nutzen, vergeben.

Im weiteren Spielverlauf findet man außerdem immer wieder neue Waffen und Rüstungsteile, die unterschiedliche Attribute aufweisen wie beispielsweise Giftschaden und dergleichen. Bei den unterschiedlichen Schwertern beispielsweise sieht man noch einen optischen Unterschied. Bei den Rüstungen jedoch handelt es sich um reine Punkte-Upgrades, die sich optisch nicht an der Spielfigur bemerkbar machen. Diese Rüstungen haben jedoch unterschiedlich viele Slots für diverse Upgrades.

Technisch ist da noch viel Luft nach oben

Das größte Manko an Beast of Reincarnation ist definitiv die durchwachsene Technik, mit der das Spiel quasi pausenlos zu kämpfen hat. Der Titel wurde auf Basis der Unreal Engine 5 entwickelt und sieht alles in allem auch wirklich schön aus. Speziell die Spielwelt selbst kann optisch durchaus überzeugen. Die zu häufig einbrechende Performance ist es allerdings, die den technischen Eindruck dann doch enorm trübt.

Wo die Charaktermodelle und die Umgebungen noch wirklich recht ansehnlich daherkommen, wird das Ganze einfach viel zu häufig durch ständig abfallende FPS zunichte gemacht. Egal ob man sich gerade außerhalb eines Kampfes in der Spielwelt herumtreibt oder sich gerade in einem hitzigen Kampf mit einem oder mehreren Feinden befindet, die FPS sind leider oft instabil und so fühlen sich vor allem die Kämpfe häufig chaotischer an, als sie eigentlich sein müssten. Gerade die Bosskämpfe gegen die gigantischen Kreaturen fallen so noch chaotischer und unübersichtlicher aus. Hier wäre definitiv mehr drin gewesen. Aber vielleicht kann der Entwickler Game Freak hier mit einem Day-1-Update noch etwas in Sachen Performance richten. In Arealen in denen wenig los ist und die Flora und Fauna auch eher mager ausfällt, kann das Spiel die 60 FPS natürlich meist schon halten.

Immer wieder sind mir außerdem, gerade in den Innenräumen, falsch beleuchtete Areale aufgefallen. Hier wusste die Engine manchmal nicht so recht, welche Lichtquelle jetzt gerade eigentlich wohin gehört. Bei einem Titel dieser Budgetklasse sollte so etwas wirklich nicht passieren. Trotz der eigentlich relativ schön anzusehenden Optik wird Beast of Reincarnation also immer wieder durch technische Unzulänglichkeiten gebremst und das ist sehr schade, da der Titel vor allem technisch so viel runder hätte sein können.

Gespielt habe ich Beast of Reincarnation auf einer Standard-PS5. Hier bietet der Titel außerdem die Möglichkeit, in einen Qualitäts-Modus mit 30 Frames und etwas höherer Auflösung oder einen Performance-Modus mit 60 FPS zu schalten.

Durchschnittlicher Soundtrack trifft auf durchaus ordentliche Effekte

Der Soundtrack von Beast of Reincarnation kann am ehesten als guter Durchschnitt bezeichnet werden. Mit fernöstlichen Klängen werden wir abseits der Kämpfe beschallt und speziell während der hektischen Bosskämpfe bekommen wir dann orchestralen Stress-Sound, ganz im Stile eines FromSoftware-Titels, auf die Ohren geballert. So steigt das Stress-Level deutlich an und die Kämpfe werden mental noch anstrengender. Aber irgendwie ist das ja auch so gewollt.

Die Soundeffekte hingegen wirken wirklich durchdacht und sauber umgesetzt. Hier gibt es eigentlich nichts zu bemängeln und tontechnisch macht der Titel einen wirklich ordentlichen Eindruck. Auch die Synchronisation ist durchaus gelungen. Ich habe den Titel mit japanischer Synchronisation gespielt und kann diese Einstellung auch empfehlen. Wie auch bei anderen Titeln mit Fernost-Setting trägt das einfach nochmal zusätzlich zur Atmosphäre bei.

Ein spannendes Abenteuer, welches von durchwachsener Technik ausgebremst wird

Bildmaterial: Beast of Reincarnation, Fictions, Game Freak

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Titel	Halo: Campaign Evolved
	28. Juli 2026
	Xbox Game Studios
	28. Juli 2026
	Xbox Game Studios
	28. Juli 2026
	Xbox Game Studios
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Halo Studios
Genres	Ego-Shooter
Texte
Vertonung

Um die Halo-Reihe wurde es speziell in den letzten Jahren sehr still. „Halo Infinite“, der letzte große Ableger der traditionsreichen Shooter-Reihe aus dem Hause Microsoft, ist bereits im Jahre 2021 erschienen. Anschließend hielt man sich bei Microsoft, zum Ärger vieler Fans, ziemlich bedeckt, was die Zukunft der Reihe rund um den grünen Supersoldaten Master Chief anbelangt.

Erst im Oktober des Jahres 2024, als der bisherige Entwickler „343 Industries“ bekanntgab, dass man fortan unter dem neuen Namen „Halo Studios“ weiterhin an zukünftigen Titeln der Reihe arbeiten möchte, wurden Spekulationen rund um neue Halo-Titel lauter. Als ein Remake des ersten Teils, welcher ursprünglich im Jahre 2001 für die erste Xbox erschienen war, immer konkreter wurde, waren die Fans natürlich völlig aus dem Häuschen und hofften auf ein großes Comeback des Master Chiefs.

Am 28. Juli ist es nun endlich so weit und das vollwertige Remake des ersten Teils, welches auf Basis der leistungsstarken Unreal Engine 5 entwickelt wurde, erscheint für Xbox Series und PCs.

Das wohl mit Abstand größte Highlight ist jedoch die Tatsache, dass das Remake nun sogar zum allerersten Mal auf einer Sony-Konsole erscheint. Denn nun dürfen wir Halo: Campaign Evolved, wie das Remake nun heißt, sogar auf PlayStation 5 genießen. Ein Meilenstein in Sachen Halo-Geschichte und ein großer Schritt für Microsoft.

Ob das vielversprechende Remake auch heute noch so viel Spaß macht wie damals im Jahre 2001, erläutern wir euch natürlich wie immer in unserem ausführlichen Test.

Ein erbitterter Konflikt gerät völlig aus den Fugen

Die Geschichte von Halo: Campaign Evolved spielt in einer fernen Zukunft, in welcher die Menschheit bereits die Technologie für Lichtsprünge erforscht hat. Auch zuvor weit entfernte Ziele in der Galaxis sind nun binnen weniger Sekunden zu erreichen. Dies ermöglicht es der menschlichen Rasse, auch andere Planeten zu bereisen und zu kolonisieren.

Als die „Covenant“, eine den Menschen feindlich gesinnte Alienrasse, einen heiligen Krieg gegen die Menschheit ausruft, setzen die Menschen die sogenannten „Spartans“, eine in jeder Hinsicht überlegene Kampfeinheit von Supersoldaten, gegen die Covenant ein, um letztendlich überhaupt eine Chance gegen die schier übermächtigen Gegner zu haben.

Im Jahre 2552 greifen die Covenant schließlich den Planeten „Reach“ an, ein zentraler militärischer Stützpunkt der Menschen. Durch diesen fatalen Angriff wurde die Kolonie der Menschheit fast vollständig ausgelöscht. Das Sternenschiff, die „Pillar of Autumn“, konnte jedoch im letzten Moment fliehen und mit ihm der letzte Hoffnungsschimmer der Menschheit – der letzte verbliebene Spartan. Dieser trägt den Namen „Master Chief Petty Officer John-117“ und ist quasi unser Hauptcharakter und der wichtigste Charakter im gesamten Halo-Universum. Von hier aus beginnt die tragische Geschichte rund um einen erbitterten Kampf zwischen zwei Rassen und den letzten Hoffnungsschimmer der gesamten Menschheit, den Master Chief.

Wegweisender Shooter, der dem Genre viele Türen und Tore öffnete

Halo: Campaign Evolved ist die logische Weiterentwicklung von Halo: Combat Evolved, dem Original aus dem Jahre 2001. Halo: Combat Evolved öffnete schon damals viele Türen und Tore und machte das Shooter-Genre speziell auf Konsolen überhaupt erst so richtig salonfähig.

Viele Features wie beispielsweise Autoaiming wurden durch den Microsoft-Shooter überhaupt erst so richtig im Genre etabliert und zeitgleich auch quasi schon fast perfektioniert. Also ein großer Titel für das Shooter-Genre, sowohl was technische Features als auch die optische und atmosphärische Präsentation im Allgemeinen betrifft.

Das grundlegende Gameplay von Halo: Campaign Evolved ist dabei jedoch eigentlich recht simpel gehalten. In, zumindest für einen Shooter, relativ großen Arealen kämpfen wir uns von Areal zu Areal, stets auf der Suche nach dem nächsten markierten Missionspunkt. Auf unserem Weg dorthin dürfen wir uns auch hinter das Steuer von allerlei Fahrzeugen klemmen.

Neben dem „Warthog“, einem gepanzerten Geländefahrzeug, können wir auch diverse Raumgleiter kapern und steuern. Erstmals kombinierte Halo die Genrezüge eines Shooters mit typischen Open-World-Elementen, wie beispielsweise der Übernahme von Fahrzeugen. Dass dies einwandfrei funktionierte und auch äußerst gut von der Spielerschaft aufgenommen wurde, zeigt der enorme Erfolg, den die Halo-Reihe bis heute vorweisen kann.

Auf der Höhe der Zeit

Auch in Sachen Vielfalt, was die Locations anbelangt, braucht sich Halo: Campaign Evolved nicht vor der neuzeitigen Genrekonkurrenz verstecken. Alles in allem wirkt der Titel also auch heute noch sehr gut spielbar und bis auf die etwas angestaubte Levelstruktur, die heutzutage eben anders gemacht wird als damals, kann man Halo: Campaign Evolved nur wenig Negatives vorwerfen.

Im Kern ist und bleibt Halo: Campaign Evolved ein Shooter, wie man es von einem Vertreter dieses Genres auch erwarten würde. Es wird viel geballert, viele Granaten geworfen und speziell dem Hauptaugenmerk der Halo-Reihe, dem Nahkampf, wird ordentlich gefrönt. Der Nahkampf war und ist ein fester Bestandteil der Kampfmechanik eines jeden Halo-Titels und schon fast unverzichtbar, um den Covenant in hitzigen Situationen den letzten Rest zu geben. Einfach befriedigend und erfüllend.

Grafisch nun in die Moderne transportiert – ein Augenschmaus

Speziell die aufgebohrte Optik liegt bei einem Remake dieser Art und Klasse natürlich absolut im Fokus. Halo: Campaign Evolved setzt daher auf die Unreal Engine 5. Diese ermöglicht es den Entwicklern, unglaublich detaillierte Landschaften mit schier endloser Weitsicht auf den Bildschirm zu zaubern. Dennoch bleibt das hektische Kampfgeschehen stets flüssig und sieht dabei auch noch verdammt gut aus. So muss sich ein Remake anfühlen und aussehen.

Die schönen Landschaften werden zudem von tollen Licht- und Partikeleffekten abgerundet. Das Gesamtbild stimmt hier einfach absolut und durch die neue Optik hat man schon fast das Gefühl, man würde einen Shooter der Neuzeit spielen.

Im Performance-Modus hält Halo: Campaign Evolved außerdem stets die flüssigen 60 Frames. Einbrüche habe ich während der Testsession auf einer Standard-PS5-Konsole nie feststellen können. Der Qualitäts-Modus mit verbesserten Raytracing-Effekten senkt die Frames auf magere 30 ab. Auch PS5-Pro-Nutzer müssen im Qualitäts-Modus mit niedrigeren Frames leben, erhalten dafür im Gegenzug aber noch bessere Raytracing-Effekte.

Gänsehaut-Soundtrack gepaart mit tollen Effekten und stabiler Synchronisation

Neben dem klassischen und absolut kultigen Halo-Soundtrack, den wohl jeder Gamer kennen wird, gibt es auch schmetternde Soundeffekte und eine absolut ordentliche Synchronisation auf die Ohren. Speziell während der brachialen und stets hämmernden Feuergefechte dreht der Sound so richtig auf und man fühlt sich schon fast, als würde man gerade selbst auf dem intergalaktischen Schlachtfeld stehen und um die Zukunft der gesamten Menschheit kämpfen.

Allen voran die Waffensounds wurden wirklich toll überarbeitet. Die ohnehin schon wuchtigen Schießeisen haben nun nochmal eine ganze Ecke mehr Power. Zumindest akustisch. Ein Fest für die Sinne, könnte man sagen, und auch für Hardcore-Halo-Fans eine erneute Runde wert.

Online-Multiplayer leider nur in abgespeckter Form enthalten

Der für mich mit Abstand größte Negativpunkt ist das Fehlen eines konkreten Online-Mehrspielermodus. Den hatte das Original aus dem Jahre 2001 zwar auch nicht, aber im Jahre 2026 könnte man so etwas von einem Remake dieser Art schon erwarten.

Lediglich ein Online-Koop-Modus, der wahlweise auch auf der heimischen Couch spielbar ist, ist vorhanden. Hier hat man dann quasi die Möglichkeit, die Kampagne mit einem Freund oder Bekannten zu erleben. Besser als nichts, möchte man meinen, aber dennoch weit hinter den eigentlichen Möglichkeiten. Da der Mehrspielermodus für jeden Halo-Teil quasi essenziell ist, muss dieser Umstand auf jeden Fall deutlich erwähnt werden.

Der Master Chief ist zurück und lässt es ordentlich krachen

Bildmaterial: Halo: Campaign Evolved, Xbox Game Studios, Halo Studios

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Titel	Assassin’s Creed Black Flag Resynced
	9. Juli 2026
	Ubisoft
	9. Juli 2026
	Ubisoft
	9. Juli 2026
	Ubisoft
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Ubisoft
Genres	Open-World-Abenteuer
Texte
Vertonung

Der wohl mit Abstand beliebteste Ableger der weltweit gefeierten und enorm erfolgreichen Assassin’s-Creed-Reihe aus dem Hause Ubisoft dürfte zweifelsohne das spektakuläre Piraten-Abenteuer „Assassin’s Creed IV: Black Flag“ aus dem Jahre 2013 sein.

Ursprünglich erschien das actiongeladene Abenteuer mit dem wunderschönen Karibik-Setting für PlayStation 3/4, Xbox 360/One, Nintendo Wii U und Windows. Da Black Flag ein Schwellentitel war, also ein Titel, der sozusagen zwischen den Konsolen-Generationen erschien, entschied man sich bei Ubisoft dafür, den Titel auch auf den zum damaligen Zeitpunkt frisch erschienenen Next-Gen-Konsolen PlayStation 4 und Xbox One zu veröffentlichen. Für diese Konsolen erschien der Titel natürlich in technisch aufgebohrter Form und war somit schlussendlich eine ganze Ecke ansehnlicher als die Last-Gen-Versionen der PS3 und Xbox 360.

Viele Fans äußerten über die Jahre immer wieder den Wunsch nach einem Remake ihres Lieblingsablegers der Reihe. Nach vielen Jahren der Warterei war es nun endlich so weit und das gefeierte Piraten-Abenteuer erschien am 9. Juli als vollwertiges Remake für PlayStation 5, Xbox Series und PCs. Dieses vollständig überarbeitete Remake trägt den Titel Assassin’s Creed Black Flag Resynced. Man wollte bei Ubisoft wohl sicherstellen, dass sich das Remake auch namenstechnisch klar vom Original abgrenzt, um Verwechslungen zu vermeiden.

Ob sich das von vielen Fans der Reihe so herbeigesehnte Remake auch heutzutage noch gut spielt und ob das Piraten-Abenteuer auch heute noch den gewissen Charme hat, den es damals im Jahre 2013 versprühen konnte, erfahrt ihr in unserem ausführlichen Review.

Das goldene Zeitalter der Piraterie und der Traum von einem besseren Leben

Die Geschichte von Assassin’s Creed Black Flag Resynced beginnt im Jahre 1715 zur Zeit des „goldenen Zeitalters der Piraterie“. Wir übernehmen die Rolle des Edward Kenway, einem britischen Piraten, der auf der Suche nach einer besseren Zukunft ist und daher auch bereit ist, jede noch so kleine Chance zu nutzen, um dieses Ziel zu erreichen.

Als Edward nach einer Auseinandersetzung mit einem Assassinen an dessen Uniform gelangt, verspricht er sich dadurch neue Möglichkeiten und vielleicht eine Chance auf eine rosigere Zukunft in dieser erbarmungslosen Welt. Unter den Besitztümern des Assassinen findet Edward unter anderem auch ein seltsames Kristallgefäß sowie einen Brief des spanischen Gouverneurs Laureano Torres, der in Havanna eine hohe Belohnung verspricht. Edward nutzt diese Chance natürlich und nimmt die Identität des getöteten Assassinen an, um sich diese vielversprechende Belohnung abzuholen. Als Edward dann auch noch dem Händler „Stede Bonnet“ aus der Klemme hilft und dieser unseren Helden mit seinem Schiff zum Dank nach Havanna bringt, beginnt das Abenteuer rund um glorreiche Piraterie, Reichtum und die weite See, die geradezu nach Abenteuern ruft. Ein waschechtes Piraten-Abenteuer der Oberklasse, könnte man sagen.

Leinen los, ihr Landratten!

Assassin’s Creed Black Flag Resynced ist im Kern ein klassisches Assassin’s-Creed-Abenteuer, wie es im Buche steht. So hat man neben den spannenden und actiongeladenen Hauptquests auch allerlei nebenbei zu tun. Neben unzähligen Nebenquests können wir uns also auch mit einer wahren Flut an weiteren Nebenaktivitäten beschäftigen. Neben äußerst vielen Synchronisations-Türmen, die typisch für die Reihe sind, warten auch andere Aktivitäten wie beispielsweise diverse Minispiele darauf, von uns entdeckt zu werden. Die Spielwelt von Black Flag fühlt sich also durchaus lebendig und voll an und geizt nicht mit Aktivitäten, die euch regelmäßig von der eigentlichen Hauptstory ablenken und auf andere Pfade führen.

Speziell beim Design der Hauptquests spürt man dann allerdings einfach doch die Jahre, die der Titel mittlerweile auf dem Buckel hat. Wenn man die großen Quests mit denen eines Assassin’s Creed Shadows vergleicht, spürt man deutlich, wie weit sich Gaming, speziell im Open-World-Genre, in diesen Jahren weiterentwickelt hat. Die Quests wirken bei Shadows beispielsweise einfach umfangreicher und somit noch immersiver.

Man kann Ubisoft sicher viel vorwerfen, aber der Entwickler und Publisher verstand es schon immer, eine immersive Open-World zu erschaffen, die sich wirklich realistisch und glaubwürdig anfühlt und das kann man keinesfalls von jedem Entwicklerstudio behaupten. Hier muss man nach dem, zumindest für meinen Geschmack, phänomenalen Assassin’s Creed Shadows erneut ein großes Lob in Sachen immersive Spielwelt aussprechen. Durch die nun in die Moderne transportierte Technik von Black Flag wirkt die Welt jetzt noch realistischer und glaubwürdiger, als es bereits zuvor der Fall war.

Spannende Seeschlachten lockern das serientypische Stealth-Gameplay auf

Ein großes Highlight ist neben dem bereits aus vergangenen Ablegern typischen Assassin’s-Creed-Gameplay, das vor allem auf Stealth-Mechaniken setzt, auf jeden Fall die Schifffahrt, die in diesem Ableger eine noch größere Rolle einnimmt, als es noch bei Assassin’s Creed III der Fall war. Schließlich fühlt man sich doch erst wie ein richtiger Pirat, wenn man endlich hinter dem Steuerrad eines riesigen Schiffes Platz nehmen darf.

Während der spektakulären Seeschlachten haben wir sogar die Möglichkeit, die gegnerischen Schiffe zu entern und zu übernehmen. Natürlich können wir auch deren Fracht an uns reißen und das neu eroberte Schiff unserer Piratenflotte hinzufügen. Speziell während größerer Stürme sind die Seeschlachten in Sachen Atmosphäre kaum zu überbieten. Das ist Action auf Hollywood-Niveau und daher halte ich Black Flag bis zum heutigen Tag für ungeschlagen in Sachen Piraten-Setting.

Fantastische Optik mit modernisierter Engine lässt die Karibik erstrahlen

Das Remake von Black Flag basiert auf Ubisofts hauseigener „Anvil Engine“. Diese kam in ihrer Ursprungsform bereits beim ersten Assassin’s-Creed-Ableger aus dem Jahre 2007 zum Einsatz. Die aktuell genutzte Engine trägt den Namen „Anvil Pipeline“ und wurde zuvor für Assassin’s Creed Shadows verwendet und das sieht man dem Remake von Black Flag auch an. Im positiven Sinne, versteht sich.

Diese in die moderne transportierte Engine vermag es gekonnt, spektakuläre Landschaften darzustellen, denen es keinesfalls an Details mangelt. Neben einer unglaublichen Weitsicht glänzt die Engine außerdem mit fantastischen Lichteffekten und knackigen Texturen. Die Animationen fallen wie auch bei Shadows wirklich fantastisch aus. Auch wenn der Japan-Ableger vielleicht hier und da noch eine Ecke ausgereifter und vor allem in Sachen Animationen noch eine Ecke geschmeidiger war, zumindest für meinen Geschmack.

Auch in hitzigen Situationen kommt die neue Variante der Anvil Engine absolut nicht ins Stocken und so dürfen wir zu jeder Zeit flüssige 60 Frames im Performance-Modus genießen. Liebhaber höherer Auflösungen dürfen wahlweise in den Qualitäts-Modus schalten. Hier muss man sich dann allerdings wieder mit 30 Frames begnügen. Auch auf der PS5 Pro läuft der Titel im Qualitäts-Modus lediglich mit 30 Frames. Auf Sonys Flagschiff-Konsole verbessert sich im Endeffekt also lediglich der Raytracing-Effekt etwas, die niedrigen Frames bleiben uns jedoch leider erhalten. Kein wirklicher Zugewinn in Sachen Performance.

Durchweg eingängiger Soundtrack mit tollen Effekten und fantastischer Synchronisation

In Sachen Soundtrack und Effekte gibt es ebenfalls absolut nichts zu bemängeln. Der eingängige Soundtrack passt perfekt zum Karibik-Setting und rundet das Flair gekonnt ab. Abgerundet wird das Ganze zudem von den knackigen Soundeffekten, die gerade während der bereits erwähnten Seeschlachten erst so richtig aufdrehen und das Spielgeschehen in eine absolut spektakuläre Schlacht auf Hollywood-Level verwandeln. Wirklich beeindruckend und ein Fest für die Sinne.

Aber auch die Synchronisation kann sich sehen beziehungsweise hören lassen. Die englischen Sprecher leisten einen fantastischen Job, aber auch die deutschen Gegenparts liefern ordentliche Arbeit ab und ausnahmsweise hatte ich sogar Freude mit der deutschen Synchronisation. Denn eigentlich bin ich ja absoluter O-Ton-Verfechter, der Videospiele meist nur im Originalton genießt.

Ein immer noch beeindruckendes Piraten-Abenteuer nun in die Moderne transportiert

Bildmaterial: Assassin’s Creed Black Flag Resynced, Ubisoft

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