Als der bisherige Rechteinhaber Square Enix die Rechte am Tomb-Raider-Franchise im Mai des Jahres 2022 an die Embracer Group für ca. 300 Millionen US-Dollar verkauft hatte, hatten viele Fans der taffen Archäologin die Reihe schon endgültig an den Nagel gehängt und vorerst für tot erklärt.

Im Zuge der The Game Awards 2025 wurde dann völlig überraschend ein neues Tomb-Raider-Projekt vorgestellt. Dieses hört auf den Namen Tomb Raider: Legacy of Atlantis. Als Entwickler fungiert dieses Mal eine Kombination aus Flying Wild Hog und Crystal Dynamics. Das Publishing übernimmt Amazon Games.

Während der diesjährigen Gamescom konnten wir uns das neueste Abenteuer der wohl berühmtesten Videospiel-Heldin überhaupt endlich genauer ansehen und können euch nun ziemlich sicher verraten, ob man sich auf das neueste Abenteuer von Lara Croft freuen darf und ob der neue Ableger auch alte Tomb-Raider-Veteranen wieder vor den heimischen Bildschirm locken kann.

Eindrucksvolle Präsentation verdeutlicht die neue Ausrichtung des Abenteuers

Da es sich bei Tomb Raider: Legacy of Atlantis im Endeffekt um ein waschechtes Remake des ersten Teils von 1996 handelt, darf man natürlich gespannt sein, wie dieses eigentlich schon recht betagte Abenteuer auch heutzutage noch begeistern soll und kann.

Aber eins kann man mit Sicherheit sagen: Es funktioniert tadellos. Denn Tomb Raider: Legacy of Atlantis ist keine einfache und modernisierte Kopie des Originals, sondern vielmehr eine vollumfängliche Neuinterpretation des Klassikers.

Neben der Grafik selbst wurden sogar die Rätsel-Mechaniken überarbeitet und an die Neuzeit angepasst. Selbst bereits bekannte Rätsel des Originals wurden nun also erweitert, umfangreicher gemacht und bieten teilweise sogar neue Lösungsmöglichkeiten. Man hat jetzt also definitiv mehr Spielraum beim Erkunden und Lösen der zahlreichen Rätsel.

Lara hat nun außerdem die Möglichkeit, mit einem Scanner diverse wichtige Punkte im Level zu scannen und zusätzliche, mal mehr und mal weniger hilfreiche Informationen zu erhalten. Das macht das Erforschen der Abschnitte noch immersiver und interaktiver. Tomb Raider: Legacy of Atlantis ist also deutlich mehr als ein Remake des Originals aus den 90er-Jahren.

Überarbeitetes und angepasstes Kampfsystem orientiert sich am Original

Ein weiterer wichtiger Punkt von Tomb Raider: Legacy of Atlantis ist außerdem das überarbeitete Kampfsystem. Denn die Entwickler setzen beim neuen Ableger der Tomb-Raider-Reihe nicht mehr auf das sehr ballerlastige Kampfsystem der letzten Tomb-Raider-Trilogie aus dem Hause Square Enix. Stattdessen besinnt man sich bei Tomb Raider: Legacy of Atlantis wieder auf das eher bodenständige Kampfsystem und die Stärken der Original-Trilogie.

Im Klartext heißt das, bei Tomb Raider: Legacy of Atlantis wird deutlich weniger geballert als es noch bei der Square-Enix-Trilogie der Fall war. Wie auch schon beim Original muss sich Lara in diesem Teil hauptsächlich gegen tierische Gegner zur Wehr setzen. Dementsprechend wurde das Kampfsystem nun eher in eine Art Akrobatik-Feuergefecht verwandelt. Lara hechtet sich also beherzt aus der Angriffslinie des Gegners, um diesen dann anschließend mit Feuersalven zu attackieren. Ganz im Stile des Originals, nur eben jetzt in modern und nochmal eine ganze Ecke cooler und stylischer präsentiert, als das noch 1996 möglich war.

Spielerisch geht Tomb Raider: Legacy of Atlantis also durchaus in eine etwas andere Richtung, als es die Square-Enix-Trilogie tat. Der Fokus liegt sehr viel deutlicher auf der ruhigen Erkundung der Areale und dem Lösen der zahlreichen Rätsel. Die Feuergefechte sind bei diesem Teil also eher Beiwerk und nicht der Hauptfokus. Gerade Fans der älteren Tomb-Raider-Titel könnte dies aber durchaus positiv aufstoßen, denn schließlich orientiert man sich ja sehr viel deutlicher an den Qualitäten der Original-Trilogie.

Optische Präsentation, die ihresgleichen sucht

Speziell die grafische Qualität von Tomb Raider: Legacy of Atlantis muss auf jeden Fall positiv hervorgehoben werden. Dank der Unreal Engine 5 strahlt der Titel förmlich und schafft es gekonnt, eine unheimlich detaillierte Spielwelt zu erschaffen, von der man gar nicht genug bekommen kann.

Das ist allen voran auch den Licht- und Schatteneffekten geschuldet, welche die Spielwelt unglaublich realistisch und ansehnlich wirken lassen. Aber auch die absolut geschmeidigen Animationen von Lara selbst können begeistern und obendrauf gibt es einen gewohnt hochwertigen Soundtrack und knackige Soundeffekte, welche das technische Gesamtbild gekonnt abrunden.

Tomb Raider: Legacy of Atlantis wird wohl eines der schönsten Spiele werden, die je das Licht der aktuellen Konsolengeneration erblicken dürfen. Denn das noch zu toppen wird auf jeden Fall nicht einfach.

Überarbeitet, modernisiert und verbessert – Lara is back!

Bildmaterial: Tomb Raider: Legacy of Atlantis, Amazon Games, Crystal Dynamics, Flying Wild Hog

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Erst im Dezember des Jahres 2025 war es dann endlich so weit und Capcom gab nach langer Wartezeit und vielen Gerüchten endlich bekannt, dass man die Marke „Mega Man“ wieder mehr ins Rampenlicht rücken und sogar in die Riege der Haupt-IPs aufnehmen möchte.

Noch in derselben Woche kündigte Capcom im Zuge der The Game Awards anschließend das neueste Projekt Mega Man: Dual Override an. Mega Man: Dual Override wird ein völlig neuer Ableger der Reihe, der sich speziell an den Anfängen und den Wurzeln des traditionsreichen Jump-and-Run-Franchise aus dem Hause Capcom orientieren soll.

Im Zuge der Gamescom 2026 konnten wir das neueste Abenteuer des blauen Bombers endlich Probespielen, um euch einen ersten Eindruck zum kommenden Action-Feuerwerk aus dem Hause Capcom liefern zu können. Ob sich die Warterei lohnt oder ob man Mega Man vielleicht doch besser in nostalgischer Erinnerung behalten sollte, erfahrt ihr in unserer Vorschau.

Etwas Moderne darf natürlich schon sein

Die Besonderheit von Mega Man: Dual Override ist zweifelsohne die Tatsache, dass es dem japanischen Entwickler und Publisher Capcom bei diesem Titel unglaublich gut gelingt, die Wurzeln der Mega-Man-Reihe mit diversen Gameplay-Elementen aus der Moderne zu verbinden und zu kreuzen.

Hardcore-Fans sind ja stets skeptisch, wenn es um Anpassungen oder Eingeständnisse ihres, mittlerweile doch recht betagten, Franchise geht. Im Falle von Mega Man: Dual Override kann man diese Angst jedoch als absolut unbegründet bezeichnen.

Mega Man: Dual Override spielte sich während unserer rund 30-minütigen Testsession im Grunde genommen wie eine schönere und etwas modernere Variante der alten Mega-Man-Ableger. Natürlich sind die Level nun deutlich aufregender gestaltet und die Hürden, die wir überwinden müssen, noch eine Ecke umfangreicher. Im Kern spürte man aber zu jeder Sekunde die DNA der Reihe und das war einfach wundervoll. Dennoch hatte man zu keiner Sekunde das Gefühl, ein veraltetes Gameplay-Konzept vor sich zu haben. Mega Man ist eben doch irgendwie zeitlos.

Neben den, aus vergangenen Teilen, bekannten Upgrades wie beispielsweise einer Art Tornado-Angriff, hatte man in der Demo außerdem die Möglichkeit, Mega Man in eine Art Power-Modus zu versetzen. Hier nahm unser blauer Held dann weniger Schaden und unsere Angriffe waren noch stärker. Dieser Power-Modus war allerdings nur eine kurze Zeit lang nutzbar, bis dieser sich erst erneut aufladen musste. Taktisch also ein durchaus effektives Mittel, welches allerdings zur richtigen Zeit und am richtigen Ort eingesetzt werden will.

Die schweißtreibenden Bosskämpfe sind immer noch knackig

Ein Highlight, wie es für die Mega-Man-Reihe üblich ist, sind auch hier wieder die ausufernden und extrem anstrengenden Bosskämpfe. Äußerst anspruchsvoll und nur seltenst verzeihend, treiben einem diese Boss-Begegnungen regelmäßig den Schweiß auf die Stirn. Hier muss man seine Konzentration wirklich zusammensammeln und alles geben, um am Ende siegreich aus den Kämpfen zu gehen.

In der Demo konnte man drei unterschiedliche Bosskämpfe spielen, die durchaus fordernd, aber nach einigen Versuchen definitiv machbar waren. Dem Power-Modus sei Dank konnte man sich hier oft den entscheidenden Vorteil sichern und siegreich aus den Duellen gehen.

Unterschiedliche Chip-Sets ermöglichen unterschiedliche Spielstile

Bevor man ein Level betritt, gibt einem das Spiel die Möglichkeit, aus drei unterschiedlichen Chip-Sets auszuwählen. Beim ersten Chip handelt es sich um den passiven Chip. Dieser erzeugt eine schützende Barriere gegen feindliche Angriffe und bietet außerdem einen nützlichen E-Tank, welchen wir zur Heilung unseres blauen Helden benötigen.

Der zweite Chip ist für den aggressiveren Spielstil gedacht. Denn dieser sorgt dafür, dass Mega Man die aufgeladenen Schüsse automatisch auflädt und wir sozusagen nur noch den Abschuss bestätigen müssen. Man spart sich quasi das manuelle Aufladen der Schüsse. Außerdem haben wir die Möglichkeit, doppelt aufgeladene, sogenannte „double charge shots“, zu verwenden.

Beim dritten Chip wartet dann sogar eine kleine Überraschung auf viele Hardcore-Fans. Denn dieser Chip ist dafür da, die zusätzlichen Hilfen abzuschalten und das Spiel in eine klassischere, noch schwerere Richtung zu drehen. Dafür steht uns hier dann ein altbekannter Begleiter zur Seite. Kein Geringerer als der Robohund „Rush“. Je nach gewähltem Chip-Set ändert sich das Spielgefühl also teils drastisch. Ein wirklich toller Ansatz, der für den ein oder anderen Spieler vielleicht sogar mehrere Spieldurchgänge rechtfertigen wird.

Der blaue Bomber ist endlich zurück auf der großen Bühne

Bildmaterial: Mega Man: Dual Override, Capcom

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Die mitreißende Atmosphäre, die zum damaligen Zeitpunkt tolle Grafik und die beklemmende Soundkulisse schafften es gekonnt, ein äußerst atmosphärisches Shooter-Spektakel auf die heimischen Bildschirme zu zaubern. Der erste Teil der Reihe – Turok: Dinosaur Hunter – erschien damals im Jahre 1997 für Nintendo 64 und PC.

Mit unzähligen weiteren Ablegern und dem ein oder anderen Spin-off konnte sich die Turok-Reihe relativ lange auf der großen Bühne der Gaming-Welt halten. Mit „Turok“ aus dem Jahre 2008 fand die Reihe dann allerdings ihr vorzeitiges Ende und im Anschluss folgte lediglich das kleinere Projekt „Turok: Escape from Lost Valley“ und das ein oder andere Remaster alter Turok-Ableger.

Erst im Dezember 2024 wurde dann überraschend angekündigt, dass sich ein vom US-amerikanischen Entwickler und Publisher Saber Interactive entwickelter neuer Turok-Ableger in Arbeit befindet. Dieser neue Teil der Reihe hört auf den Namen Turok: Origins und soll als Reboot der Turok-Reihe fungieren.

Im Zuge der diesjährigen Gamescom hatten wir die Möglichkeit, den Titel ausgiebig anzuspielen und berichten euch nun, ob man sich auf die Rückkehr des Dino-Action-Spektakels freuen darf und was den neuesten Ableger der Reihe so besonders macht.

Das Schicksal der Menschheit steht mal wieder auf dem Spiel

In Turok: Origins übernehmen wir die Rolle eines futuristischen Kriegers, welcher sich der bedrohlichen Alienrasse „Xenia“ erwehren muss. Die Xenia sind eine reptilienähnliche Rasse, die den Menschen feindlich gesinnt ist.

In erbitterten Schlachten quer durch die Galaxis muss sich die menschliche Spezies gegen diese Reptilien zur Wehr setzen, denn am Ende des Tages geht es um nichts Geringeres als das Überleben und Fortbestehen der gesamten Menschheit.

Drei Klassen mit drei unterschiedlichen Spielstilen stehen zur Auswahl

Zu Beginn eines Spiels haben wir die Wahl zwischen drei unterschiedlichen Charakterklassen. Dem Puma, dem Bison und dem Raben. Jede Klasse kann auf eine andere Bewaffnung und andere Spezialmanöver zurückgreifen. Taktische Abstimmung ist hier auf jeden Fall möglich und auch bitter nötig, um siegreich aus der hektischen Ballerei zu gehen.

Entscheidet man sich beispielsweise für die Bison-Klasse, haben wir die Möglichkeit, eine schützende Barriere zu erzeugen, um uns und unsere Mitspieler vor den gegnerischen Angriffen zu schützen. Die Raben-Klasse hat zum Beispiel die Möglichkeit, Feuerbälle auf die heranstürmenden Gegner zu feuern.

Jede Klasse bietet also Vor- und Nachteile und kann je nach eigenen Vorlieben mal mehr und mal weniger effektiv eingesetzt werden. Hier muss man sich an den jeweils eigenen Spielstil herantasten, um den bestmöglichen Effekt aus der jeweils gewählten Klasse herauszuholen und den für sich optimalen Spielstil zu finden.

Jede Klasse hat außerdem die Möglichkeit einen Scanner zu nutzen. Dieser Scanner zeigt uns die unterschiedlichen Schwachstellen der Gegner an. Konzentriert man sich im Kampf auf ebendiese Schwachstellen, gehen die Gegner schnell und effektiver zu Boden. Ein wichtiges taktisches Element, auf welches man auf jeden Fall großen Wert legen sollte.

Hat man den Bossgegner eines Areals besiegt, hat man außerdem die Möglichkeit, dessen DNA und damit die sogenannten „EchoSyncs“ zu erhalten. Mit diesen Punkten haben wir nun die Möglichkeit neue Fähigkeiten freizuschalten und unsere Klasse noch weiter auszubauen und an die eigenen Wünsche anzupassen.

Die Dino-Ballerorgie macht wirklich Spaß

Auf den ersten Blick wirkt Turok: Origins vielleicht wie ein weiterer Shooter mit Turok-Lizenz. Ich kann allerdings getrost sagen: Das Spiel macht wirklich Spaß. Vor allem, wenn man seinen Flow erstmal gefunden hat, fliegt man regelrecht durch die Gegnermassen und fühlt sich teils schon fast unbesiegbar. Ganz Turok-like eben.

Die unterschiedlichen Spielstile wollen natürlich zuerst beherrscht und verstanden werden. Hat man den Dreh aber erstmal raus, gibt es gefühlt kein Halten mehr und das Spaß-Level steigt recht schnell in höhere Ebenen.

Lineare Spielwelt mit der ein oder anderen Erkundungsmöglichkeit

Die Spielwelt beziehungsweise die Levelabschnitte von Turok: Origins fallen dabei recht linear und eher schlauchig aus. Man ballert sich von Areal zu Areal, bekämpft dabei etliche Wellen von Gegnern und steht am Ende immer einem größeren Boss gegenüber, den es zu erledigen gilt.

Hier und da kann man auch mal vom eigentlichen Pfad abweichen, um sich etwas im Areal umzusehen und das ein oder andere Geheimnis zu erhaschen. Im Großen und Ganzen bleibt Turok: Origins allerdings ein recht lineares Erlebnis.

Die unterschiedlichen Nebenaufgaben sind zwar durchaus nett, lenken im Endeffekt aber nur minimal vom eigentlichen Geschehen ab und dienen wohl eher als kleine Auflockerung.

Erst im Mehrspielermodus so richtig spaßig und fetzig

Turok: Origins ist eines dieser Spiele, die tatsächlich erst im Mehrspielermodus so richtig aufblühen. Denn mit bis zu drei Spielern im Koop-Modus kann man sich mit den unterschiedlichen auswählbaren Klassen wunderbar ergänzen und taktisch abstimmen. Dann macht die eigentlich recht stumpfe Ballerei gleich noch mehr Spaß.

Auf Wunsch kann man das gesamte Abenteuer aber natürlich auch im Solo-Modus komplett alleine erleben. Wahrscheinlich liegt dies nicht im Sinne der Entwickler, aber es ist durchaus angenehm zu wissen, dass man das neueste Turok-Abenteuer auf Wunsch auch solo durchspielen kann.

Verschiedene Perspektiven für unterschiedliche Geschmäcker

Eine Besonderheit von Turok: Origins ist die Tatsache, dass man das Spiel wahlweise in der First-Person-Perspektive, wie einen klassischen Shooter, oder aber in der Third-Person-Perspektive spielen kann. Je nach eigenen Vorlieben lässt sich die Perspektive jederzeit nahtlos im Spiel hin- und herschalten. Wirklich sehr löblich und auch sehr ordentlich umgesetzt.

Die härteste Dino-Ballerei der Gaming-Welt ist zurück

Bildmaterial: Turok: Origins, Saber Interactive, Universal Products & Experiences

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Viele Jahre bangten und hofften die Fans auf einen Nachfolger ihres Horror-Spektakels und im Oktober des Jahres 2024 war es dann endlich so weit und die Entwickler von Creative Assembly verkündeten stolz, dass sich ein Nachfolger zum bis heute äußerst beliebten Horror-Abenteuer in Entwicklung befindet.

Während der diesjährigen Gamescom hatten wir nun die Gelegenheit, den neuen Horror-Blockbuster Alien: Isolation 2 ausgiebig anzutesten. Ob auch der zweite Teil an die Qualitäten des Erstlings anknüpfen und diese vielleicht sogar noch toppen und verbessern kann, erfahrt ihr in unserer ausführlichen Messe-Preview.

Extrem düstere Atmosphäre, die einem den Atem stocken lässt

Bereits der erste Teil der Reihe konnte mit einer absolut unheimlichen, düsteren und stets beklemmenden Atmosphäre glänzen. Auch der zweite Teil von Alien: Isolation macht hier keine Ausnahme. Selten habe ich mich innerhalb so kurzer Zeit so von einem Spiel in den Bann gezogen gefühlt, wie es hier der Fall war.

Nicht vergessen darf man hier außerdem die Umstände, mit denen eine solche Messe-Demo stets zu kämpfen hat. Umgebungslärm aus den Hallen, eine relativ neutrale und helle Atmosphäre und andere Menschen, die das Spiel ebenfalls anspielen um einen herum. Dementsprechend hat es ein Horror-Titel recht schwer, die entsprechende Atmosphäre aufbauen und auch vermitteln zu können.

Alien: Isolation 2 weiß allerdings ganz genau, wo es ansetzen muss, um dem Spieler in den richtigen Momenten den Schweiß auf die Stirn zu treiben. Nicht nur die ständige Angst vor dem Alien selbst ist es, welche die Atmosphäre dieses Titels so beängstigend macht. Die Stimmung, die rein durch Licht- und Schatteneffekte und diverse Soundeffekte erzeugt wird, genügt bereits, um einem pausenlos die Haare zu Berge stehenzulassen. Perfekt umgesetzt und geradezu hollywoodreif inszeniert.

Der sichere Tod lauert an jeder Ecke

Die Begegnungen mit dem Alien selbst sind jedoch die Spitze des Eisbergs, denn hier muss man trotz der Panik, die man verspürt, stets einen klaren Kopf bewahren, um am Ende heil aus der jeweiligen Situation zu kommen. Eine wahre Stressprobe, könnte man sagen, und eine, die stets tödlich endet, sollte man doch mal einen Fehler machen. Etwas Trial-and-Error ist also unvermeidbar und ist auch irgendwie typisch für Alien: Isolation.

Wie auch schon im ersten Teil ist hier also oberste Vorsicht gefragt, um am Ende nicht von dem umher streunenden Alien entdeckt und in Stücke gerissen zu werden. Um dieses stets tödliche Alien abzulenken, stehen uns, wie auch schon beim ersten Teil der Reihe, allerlei Ablenkungsmanöver zur Verfügung.

Darunter befinden sich beispielsweise herumliegende Gegenstände, die geworfen werden können. So können wir das Ungetüm beispielsweise in eine andere Richtung lenken, um so geschickt von uns selbst abzulenken und uns schnell aus der brenzligen Situation ziehen zu können. Timing ist hier also das A und O und absolut überlebenswichtig, um dem lästigen Alien stets einen Schritt voraus zu sein.

Optisch schon jetzt ein absoluter Leckerbissen

Vor allem grafisch kann Alien: Isolation 2 schon jetzt auf ganzer Linie überzeugen. Der Titel sieht wahnsinnig gut und absolut stimmig aus. Das, zumindest für meinen Geschmack, tolle Artdesign des Alien-Franchise kommt auch hier zum Tragen und macht die Locations noch eine Ecke interessanter und stylischer. Der kreative Kopf hinter diesem absolut kultigen Alien-Design ist kein Geringerer als der mittlerweile verstorbene Künstler und Oscarpreisträger HR Giger.

Entwickelt wird der Titel auf Basis der leistungsstarken Unreal Engine 5, welche durchaus dazu in der Lage ist, spektakuläre Bilder auf den heimischen Bildschirm zu zaubern. Neben den fantastischen Texturen sind es vor allem die Licht- und Schatteneffekte und die Partikeleffekte wie Nebel oder Regen, die das Spiel zu einer wahren Augenweide machen. Optisch kann man Alien: Isolation 2 also definitiv als echten Leckerbissen bezeichnen.

Unsere Messe-Demo lief außerdem stets mit absolut flüssigen 60 Frames und sah dabei auch noch stets perfekt aus. Ob ein Qualitätsmodus mit höherer Auflösung für die Konsolenversionen enthalten sein wird, konnten wir zum jetzigen Zeitpunkt noch nicht in Erfahrung bringen. Da dies aktuell aber der Standard zu sein scheint, darf man auch im Falle von Alien: Isolation 2 von einem Qualitätsmodus als Alternative zum Performance-Modus ausgehen.

Soundeffekte aus der Alien-Hölle

Speziell die äußerst beklemmenden Soundeffekte wie beispielsweise der prasselnde Regen oder plötzlicher Donner schafften es nicht selten, mir den kalten Schauer über den Rücken laufen zu lassen. Perfekt eingesetzt und toll umgesetzt macht der Titel also auch tontechnisch einiges her und vermag es gekonnt, die ohnehin schon sehr unheimliche Alien-typische Atmosphäre noch etwas unheimlicher wirken zu lassen.

Auch die Synchronsprecher leisten ordentliche Arbeit und man kommt sich schon fast vor, als würde man hier einen Alien-Film zum Mitspielen vor sich haben. Das Hollywood-Niveau wurde also auf jeden Fall erreicht.

DER Horror-Blockbuster des (wahrscheinlich) nächsten Jahres

Bildmaterial: Alien: Isolation 2, SEGA, Creative Assembly

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Titel	The Blood of Dawnwalker
	3. September 2026
	Bandai Namco
	3. September 2026
	Bandai Namco
	3. September 2026
	Bandai Namco
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	1.002
Entwickler	Rebel Wolves
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Das vielversprechende Vampir-Action-Rollenspiel The Blood of Dawnwalker aus dem Hause Rebel Wolves beziehungsweise Bandai Namco ist das neueste Projekt ehemaliger CD-Projekt-RED-Mitarbeiter. Denn der leitende Produzent des Titels ist kein Geringerer als Konrad Tomaszkiewicz, der auch schon bei „The Witcher 3: Wild Hunt“ das Heft in der Hand hatte. Dementsprechend hoch sind auch die Erwartungen an das neueste Projekt.

Aufgrund verschiedener Umstände hatte sich Tomaszkiewicz von seinem ehemaligen Studio CD Projekt RED getrennt. Mit ihm verließen auch weitere ehemalige Mitarbeiter des Witcher- und Cyberpunk-Studios ihren Arbeitgeber und fanden sich im 2022 neu gegründeten, ebenfalls in Polen ansässigen, Entwicklerstudio Rebel Wolves wieder.

Der erste Trailer zu The Blood of Dawnwalker erschien im Januar des Jahres 2025. Das Dark-Fantasy-Rollenspiel im Sandbox-Stil mit Mittelalter-Setting fand sofort großen Anklang bei der Spielerschaft und so war das Interesse am Debüt-Titel von Rebel Wolves direkt sehr groß. The Blood of Dawnwalker wurde außerdem auf Basis der Unreal Engine 5 entwickelt. Um eine opulente und eindrucksvolle grafische Präsentation braucht man sich daher jedenfalls keine Sorgen zu machen.

Das Vampir-Abenteuer The Blood of Dawnwalker erscheint am 3. September für PS5, Xbox Series und PCs. Was wir vom Erstlingswerk des polnischen Entwicklers Rebel Wolves halten und ob sich ein Kauf direkt zum Launch lohnt, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Review.

Eine grausame Plage und die einzige Rettung in Form von Blut

Die Geschichte von The Blood of Dawnwalker spielt im 14. Jahrhundert im fiktiven Königreich „Vale Sangora“ in den Karpaten. Das Setting von The Blood of Dawnwalker ist außerdem sehr von Mythen, archäologischen Funden und altertümlichen Gebäuden und Strukturen von Ungarn, Rumänien und den Karpaten inspiriert.

Inmitten dieser dunklen Zeit der Menschheitsgeschichte wird die menschliche Rasse von einer Plage heimgesucht. Daraufhin befiehlt der König des Reichs die Exekution aller betroffenen und infizierten Menschen. Der uralte Vampir „Brencis“ übernimmt daraufhin die Kontrolle über das Königreich und regiert fortan mit seiner vampirischen Gefolgschaft das Reich.

Der furchteinflößende Vampir-Clan herrscht nun über Vale Sangora und hält die Menschen sozusagen als Untertanen. Als Geschenk erlässt Brencis den Menschen alle Steuern und sonstigen Verpflichtungen, um diese etwas zu entlasten, so scheint es im ersten Moment. Allerdings verspricht er ihnen auch, etwas vom vampirischen Blut zu erhalten. Denn dieses besagte Vampirblut ist in der Lage, die Menschen vor der sich ausbreitenden Plage zu schützen. Durch das Einnehmen des Bluts wird man sozusagen immun gegen die Krankheit.

Im Zuge dessen fordert der neue König des Reichs allerdings die sogenannte „Blutsteuer“ ein. Bei einer feierlichen Zeremonie, die monatlich stattfindet, werden alle erwachsenen Bürger des Reichs zu einer „Blutspende“ gezwungen. Bei dieser Zeremonie sterben allerdings regelmäßig die Alten und Schwachen aufgrund des doch recht hohen Blutverlusts. Nach und nach macht sich allerdings Aufruhr unter den menschlichen Bewohnern des Reichs bemerkbar und nun wollen sie diese Tyrannei unter der vampirischen Herrschaft nicht länger dulden und explizit dagegen vorgehen.

Unter diesen Bürgern befindet sich auch der junge „Coen“. Coen hat, zusammen mit seinem Vater und seinen Geschwistern, Angst um seine Mutter, da diese unter einer seltenen Krankheit leidet und früher oder später durch besagtes Ritual sterben wird. Nach einem tragischen Vorfall wird Coen jedoch selbst zu einem Vampir – einem sogenannten „Dawnwalker“. Halb Vampir und halb Mensch wandelt Coen nun zwischen den Rassen und muss sich fortan beider Stärken und Schwächen bewusst werden, um am Ende dem Vampirkönig Brencis und seiner vampirischen Gefolgschaft das Handwerk zu legen.

Action-Rollenspiel mit dem gewissen vampirischen Biss

The Blood of Dawnwalker ist im Kern ein Action-Rollenspiel, wie man es zum Beispiel von „The Witcher“ her kennt. In einer relativ großen Spielwelt erledigen wir neben den wirklich toll inszenierten Hauptquests auch allerlei Nebenquests und andere Aktivitäten. Langeweile ist hier also definitiv ein Fremdwort, da es wirklich enorm viel zu tun gibt.

Auch der Spielablauf selbst erinnert sehr an The Witcher 3: Wild Hunt, was keinesfalls negativ gemeint ist. Immer wieder finden wir uns auch in hektischen Kämpfen wieder. Diese laufen allerdings ein ganzes Stück taktischer ab, als es noch bei der Witcher-Reihe der Fall war. Denn blindes Button-Mashing führt hier leider nur selten zum Erfolg. Stattdessen müssen wir uns mit dem, speziell am Anfang, etwas ungewöhnlichen, aber dennoch irgendwie auch genialen Kampfsystem vertraut machen. Neben unterschiedlichen Angriffsmöglichkeiten will auch die Block-Mechanik zuerst mal verstanden und erlernt werden. Ein ganz neuer Ansatz im Genre und definitiv gelungen, möchte ich behaupten.

Aber auch andere Spezial-Moves wie etliche vampirische Fähigkeiten können nach und nach erlernt und effektiv genutzt werden. Gerade diese vampirischen Fähigkeiten sind es, die das Kampfsystem dann doch noch mal deutlich von anderen Genrekollegen abheben und besonders wirken lassen. Alles in allem macht The Blood of Dawnwalker also wirklich Spaß und speziell die Erkundung der weitläufigen Spielwelt ist wirklich äußerst immersiv und toll zu spielen.

Eine weitere Besonderheit ist außerdem die Tatsache, dass sich die Spielwelt um uns herum je nach den Entscheidungen, die wir treffen, an unseren Spielstil anpasst. Trifft man beispielsweise während eines Dialogs eine negative Entscheidung, kann sich das auch auf den späteren Spielablauf auswirken. Immersiv und auf jeden Fall toll eingebunden.

Etwas wirre Inventargestaltung machte mir zu schaffen

Einzig und allein der Umstand, dass sich die Gestaltung der Menüs und des Inventars, zumindest für mich, etwas wirr und unnötig kompliziert anfühlt, hätte ich als ernsthaften negativen Aspekt anzumerken. Wie auch schon bei The Witcher 3: Wild Hunt überfordert mich das Inventar und dessen Gestaltung bei The Blood of Dawnwalker etwas. Das kann natürlich auch persönliche Präferenz sein, dennoch hätte ich mir hier und da vielleicht etwas mehr Anpassungsmöglichkeiten dafür gewünscht.

Technisch nicht immer Spitze, aber auch nie wirklich schlecht

Entwickelt wurde The Blood of Dawnwalker auf Basis der Unreal Engine 5. Aufgrund der großen Spielwelt und der vielen Details, die das Spiel zu bieten hat, rackert sich die Engine bei diesem Titel aber ganz schön einen ab. Bemerkbar macht sich das vor allem im Performance-Modus, hier „ausgeglichener Modus“ genannt. Denn die 60 FPS werden hier nur relativ selten und nur in relativ ruhigen Szenen dauerhaft gehalten. Ansonsten bewegen sich die Frames wohl eher im Bereich zwischen 45 und 55 Frames, möchte ich behaupten.

Im Qualitäts-Modus setzt das Spiel die 30-FPS-Marke ein und wie man es von diesem Modus gewohnt ist, erhöht sich dann zwar die Auflösung etwas, dennoch fühlt sich das Spiel aufgrund der verringerten Frames auch deutlich langsamer an.

Unabhängig von den Frames sieht der Titel jedoch stets fantastisch aus und kann mit unheimlich vielen Details, schönen Charaktermodellen und beeindruckenden Licht- und Schatteneffekten glänzen. Allen voran ist es aber die spektakuläre Weitsicht, die wirklich zu begeistern weiß. Optisch ist das Spiel also durchaus gelungen, hätte aber hier und da vielleicht noch etwas Zeit für die finale Optimierung gebraucht. Von einem technischen Desaster sind wir aber dennoch meilenweit entfernt.

Die hochkarätige Präsentation, angefangen beim Charakterdesign bis hin zum Design der Spielwelt selbst, wirkt sehr hochwertig. Man merkt dem Titel definitiv an, dass hier Veteranen der Games-Branche am Werk waren. Das Spiel strotzt nur so vor kleinen Details, die es zu entdecken gilt. Gerade Spieler, die wirklich Lust auf ein umfangreiches Action-Fantasy-Abenteuer haben, können hier wirklich darin versinken.

Auch tonal ein düsteres Erlebnis, das zu begeistern weiß

Akustisch kann The Blood of Dawnwalker ebenfalls begeistern. Neben dem epochalen Soundtrack können auch die Effekte und die Synchronsprecher auf ganzer Linie überzeugen. Man merkt hier deutlich, dass großer Wert auf eine hochwertige Vertonung gelegt wurde und gerade die Synchronsprecher machen einen fantastischen Job und verleihen dem Titel den nötigen Biss. Tonal gibt es also nichts auszusetzen.

Ein düsteres Vampir-Spektakel mit dem gewissen Biss

Bildmaterial: The Blood of Dawnwalker, Bandai Namco, Rebel Wolves

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Titel	Onimusha: Way of the Sword
	4. September 2026
	Capcom
	4. September 2026
	Capcom
	4. September 2026
	Capcom
System	PlayStation 5, Xbox Series, Nintendo Switch 2, PC
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	1.000.001
Entwickler	Capcom
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Mit der Onimusha-Reihe schuf der japanische Publisher und Entwickler Capcom Anfang der 2000er-Jahre das bis dato Unerreichte. Denn die talentierten Entwickler kombinierten die bewährte Survival-Horror-Formel der Resident-Evil-Reihe mit einem feudalen Japan-Setting. Das Ergebnis war ein packendes Samurai-Abenteuer mit Horror-Elementen, einem coolen Hauptcharakter und ordentlich Monster-Gemetzel.

Onimusha: Warlords war seinerzeit sogar einer der ersten größeren Blockbuster-Titel, der auf Sonys damaliger neuen Konsole, der PlayStation 2, erschien. Durch den enormen Erfolg von Onimusha: Warlords war ein Fortbestehen der Reihe quasi gesichert und schon im Jahre 2002 folgte mit Onimusha 2: Samurai’s Destiny der Nachfolger. Hier übernahmen wir allerdings die Rolle eines neuen Hauptcharakters und folgten einem anderen Story-Strang.

In den folgenden Jahren erschienen mit „Onimusha Blade Warriors“, „Onimusha Tactics“ und „Onimusha 3: Demon Siege“ gleich zwei Spin-offs und ein vollwertiger Nachfolger der Reihe. Im Jahre 2006 fand die Reihe dann leider mit „Onimusha: Dawn of Dreams“ ihr vorzeitiges Ende. Grund hierfür waren wohl in erster Linie die eher durchwachsenen Kritiken, die dieser Titel erhielt.

Erst im Zuge der Game Awards 2024 wurde bekanntgegeben, dass sich ein neuer Onimusha-Ableger in der Entwicklung befindet. Ursprünglich sollte der vielversprechende Titel am 25. September für PS5, Xbox Series, Nintendo Switch 2 und PCs erscheinen. Das Erscheinungsdatum wurde dann allerdings aufgrund nicht näher genannter Umstände auf den 4. September vorverlegt.

Der neueste Teil der Reihe hört auf den Namen Onimusha: Way of the Sword und wurde auf Basis der Capcom-hauseigenen „RE Engine“ entwickelt. Neben dem Überraschungshit „Pragmata“ wurden beispielsweise auch die letzten Resident-Evil-Ableger inklusive der beiden Remakes von Teil zwei und drei auf Basis dieser Engine entwickelt.

Ob uns das hochkarätige Samurai-Abenteuer begeistern konnte und wie weit sich der neueste Ableger von der ursprünglichen Reihe entfernt hat, erfahrt ihr natürlich wie immer in unserem ausführlichen Review.

Der größte Schwertkämpfer der Geschichte auf einem dämonischen Höllentrip

In Onimusha: Way of the Sword übernehmen wir die Rolle des Miyamoto Musashi, des wohl legendärsten Schwertkämpfers des feudalen Japans. Musashi befindet sich auf dem Weg, der beste Schwertkämpfer des Landes zu werden, und bereist daher ganz Japan, um die Meister der talentiertesten Schwertkampf-Schulen zu einem Duell herauszufordern und sein Können unter Beweis zu stellen.

Eines Tages gerät unser Held Musashi jedoch zwischen die Fronten eines dämonischen Konflikts und findet sich schon bald in einer äußerst misslichen Lage wieder. Denn nun muss sich Musashi nicht nur mit menschlichen Widersachern auseinandersetzen, sondern auch mit den finsteren Kreaturen der Unterwelt. Diese Ausgeburten der Hölle werden „Genma“ genannt und stellen eine massive Bedrohung für die menschliche Rasse dar.

Als ein tragischer Vorfall Musashi quasi dazu zwingt, den schier endlosen Kampf mit diesen Kreaturen der Unterwelt aufzunehmen, da er sonst selbst sterben würde, nimmt er allen Mut zusammen und stellt sich dieser übermenschlichen Herausforderung. Auf seinem beschwerlichen Weg stehen Musashi jedoch allerlei Gefährten zur Seite. Ein Konflikt, der über das Fortbestehen der Menschheit entscheidet, beginnt.

Neues Kampfsystem unterscheidet sich komplett von den Vorgängern

Speziell in Sachen Kampfsystem unterscheidet sich der neueste Ableger der Reihe quasi komplett von seinen Vorgängern. Wo die damaligen Onimusha-Ableger noch sehr Resident-Evil-artig ausfielen, spielt sich Onimusha: Way of the Sword logischerweise deutlich moderner und flexibler. Natürlich gibt es nun auch keinen Bild-in-Bild-Levelaufbau mehr. Das relativ starre Kampfsystem der Vorgänger ist also Geschichte.

Die Kämpfe laufen durch verschiedene Kombo-Möglichkeiten nun deutlich taktischer ab und je nach Gegnertyp, der uns gerade gegenübersteht, müssen wir uns im Kampf natürlich sofort an die jeweilige Situation anpassen. Richtig interessant wird es dann, wenn wir mehrere verschiedene Gegnertypen vor uns haben. Denn dann müssen wir während des Kampfes schnell adaptieren und uns den jeweiligen Gegebenheiten anpassen. Genau das ist es jedoch auch, was das Kampfsystem von Onimusha: Way of the Sword so speziell und gleichzeitig auch so spaßig macht. Denn kaum ein Kampf läuft gleich ab. Vorbereitung ist also nur in gewissem Maße möglich.

Obendrauf bietet uns der Oni-Handschuh einen weiteren taktischen Kniff. Denn jeder gefallene Gegner, so klein er auch sein mag, hinterlässt nach seinem digitalen Tod ein paar Seelen. Diese Seelen können wir mit Hilfe unseres Oni-Handschuhs einsaugen und uns später sogar zunutze machen. Denn mit diesen gesammelten Seelen können wir an den unzähligen Spiegelschreinen, die in der Spielwelt verstreut sind, diverse Upgrades vornehmen.

Geschickte Charakteranpassung kann über Leben und Tod entscheiden

Ein tolles Feature ist die Möglichkeit, die verschiedenen Attribute Musashis an den eigenen Spielstil anzupassen. Man hat also die Möglichkeit neben unterschiedlichen Talismanen, die unterschiedlichste Attributsverstärkungen bescheren, auch andere Werte wie beispielsweise das Katana, die Kleidung und den Oni-Handschuh selbst aufzuleveln und zu verstärken.

Je nach eigenem Fokus kann man sich so seinen eigenen Spielstil zusammenbasteln und je nach Bosskampf sogar mit entsprechenden Talismanen auf dessen Fähigkeiten und Stärken reagieren, um so den entscheidenden Vorteil im Kampf zu erhalten. Bekämpft man aktuell beispielsweise einen Boss, der Feuermagie nutzt, kann man sich mit einem entsprechenden Talisman gegen diese Magie rüsten und sich so einen Vorteil erhaschen. Verschiedene Schwert- und Rüstungs-Designs lassen sich ebenfalls im Spielverlauf freischalten. Diese sind allerdings rein kosmetischer Natur und verändern nicht die Fähigkeiten oder Attribute von Musashi selbst.

Neben diesen Features gibt es auch eine Fülle an unterschiedlichen Items, die man sich zunutze machen kann. Neben Ausdauer-Boosts und diversen Widerstands-Upgrades, die allerdings nur von kurzer Dauer sind, gibt es auch die, speziell im Souls-Genre, üblichen Heil-Items. Diese füllen sich beim Aktivieren eines Spiegelschreins jedes Mal neu auf. Allerdings tauchen dann auch bereits erledigte Gegner wieder auf. Hier ließ man sich bei Capcom also definitiv vom Souls-Genre inspirieren. Immer wieder findet man das ein oder andere Feature, welches man bereits von diesen Titeln her kennt. Schlecht ist dies allerdings nicht, denn wieso sollte man das Rad jedes Mal neu erfinden, wenn andere es bereits fast perfektioniert haben?

Immersiv und spannend umgesetzte Spielwelt zieht uns direkt in ihren Bann

Speziell für mich ist die Spielwelt eines der besten Features von Onimusha: Way of the Sword. Das von Dämonen heimgesuchte Kyoto strotzt nur so vor liebevollen Details und man kann, gerade zu Beginn des Abenteuers, kaum entscheiden, welche Ecke des digitalen Kyotos man zuerst erkunden möchte. Die Spielwelt wirkt von Sekunde eins an absolut immersiv und wunderschön anzusehen. Im weiteren Spielverlauf vergrößert sich außerdem das begehbare Areal Kyotos etwas und nach und nach nimmt das Spiel in puncto Atmosphäre sogar Resident-Evil-artige Züge an. Aber weitere Details würden hier Spoiler-Gefahr bedeuten.

Neben den Hauptquests gibt es auch allerlei Nebenquests, die uns in noch entlegenere Ecken Kyotos entführen und uns für den erfolgreichen Abschluss dieser Missionen sogar mit diversen Spezial-Items belohnen. Mit diesen speziellen Gegenständen können wir unseren Helden und dessen Equipment dann wieder stärker machen und uns den weiteren Spielverlauf so etwas erleichtern.

Auch lohnt es sich, bereits besuchte Gebiete erneut zu erkunden. Denn nach und nach schalten wir auch spezielle Fähigkeiten frei, die es uns erlauben, zuvor versperrte Wege nun zu passieren. Auch hängt der Nebel des Miasmas über Kyoto. Dieser rote Schleier verhindert eine sofortige und vollständige Erkundung, da dieser zuerst nach und nach zurückgedrängt werden muss.

Die fordernden Bosskämpfe sind die Kirsche auf der Torte

Das größte Highlight von Onimusha: Way of the Sword dürften aber zweifelsohne die ausufernden und extrem actionreichen Bosskämpfe gegen die Genma sein. Durch geschicktes Kontern und Blocken behält man in den ausufernden Bosskämpfen die Oberhand und kann so siegreich aus den zahllosen Duellen gehen. Manche Bosskämpfe haben zwei Phasen, andere wiederum nur eine. Gerade die zweiphasigen Kämpfe sind es aber, die einem wirklich alles abverlangen und eine nachlassende Konzentration des Spielers sofort bestrafen. Fordernd, aber zugleich auch unheimlich belohnend.

Die völlig unterschiedlichen Bosse sind allesamt wunderbar und toll umgesetzt und da die Genma auch sprechen können, wirken diese teilweise sogar sympathisch und liefern sich zum Teil sogar relativ witzige Konversationen mit unserem Helden Musashi. Speziell bei den Bosskämpfen kann man also sagen, dass Capcom hier wirklich alles richtig gemacht und genau ins Schwarze getroffen hat.

Etwas mehr Nebenquests wären wünschenswert gewesen

Der einzige negative Aspekt, den ich am neuesten Onimusha-Ableger zu bemängeln habe, ist die Tatsache, dass die Spielwelt hier und da vielleicht noch ein wenig mehr Nebenaktivitäten vertragen hätte. Immer wieder ertappte ich mich dabei, wie ich etwas ziellos in der Spielwelt umherstreifte, quasi ohne wirklichen Plan. Nebenquests sind zwar vorhanden, aber gemessen an der Größe des Areals vielleicht doch etwas mager in ihrer Anzahl.

Etwas mehr zu tun hier und da hätte dem Spiel sicher gut getan. Alles in allem fühlt man sich aber nur selten wirklich ziellos oder ohne Motivation in der Story voranzuschreiten.

Ein umwerfend schönes Abenteuer dank hauseigener Engine

Dank der hauseigenen RE Engine schafft es Capcom, eine unheimlich stimmige Welt zu erschaffen, die obendrein auch noch verdammt gut aussieht. Die tollen und wundervoll gestalteten Charaktermodelle gepaart mit den knackigen Texturen und tollen Licht- und Schatteneffekten erwecken diese Spielwelt wahrlich zum Leben.

Bereits bei den letzten Resident-Evil-Ablegern und dem Sci-Fi-Hit Pragmata konnte Capcom eindrucksvoll beweisen, was alles in der hauseigenen Engine steckt. Speziell der Schattenwurf macht wirklich viel aus in Sachen Atmosphäre und so sieht Onimusha: Way of the Sword am Ende wirklich super und äußerst stimmig aus.

Auch in Sachen Performance ist der Titel wirklich mehr als gelungen. Absolut runde 60 Frames konnte der Titel während unserer Testsession stets halten. Egal, wie viel gerade auf dem Bildschirm los war. Auf Wunsch kann man den Titel auch in einem Qualitätsmodus mit 30 Frames genießen. Das Bild wird somit zwar deutlich schärfer, die Performance aber auch deutlich schlechter. Der Performance-Modus ist in diesem Fall also vorzuziehen.

Abstürze oder Ruckler konnte ich während der gesamten Testphase nicht feststellen und auch ohne Day-1-Patch lief Onimusha: Way of the Sword also stets perfekt. So wünscht man sich den Launch eines solchen Titels doch. Vorbildlich und typisch Capcom-Oberklasse eben.

Auch akustisch ein Fest für die Sinne

Die bombastischen Soundeffekte, die jedes Kampfgeräusch bis ins Kleinste gekonnt untermalen, treffen auf einen epischen Soundtrack und hitzige Boss-Melodien, die das hektische und treibende Kampfgeschehen noch pulsierender wirken lassen. Wirklich toll umgesetzt und absolut passend für einen Titel dieser Art.

Die Synchronisation ist ebenfalls mehr als gelungen und kann sich in jeder Variante hören lassen. Vorzugsweise spiele ich solche Titel aber natürlich mit japanischer Original-Synchronisation und deutschen Untertiteln.

Die actiongeladene Onimusha-Reihe ist endlich zurück!

Bildmaterial: Onimusha: Way of the Sword, Capcom

Der Beitrag Im Test! Onimusha: Way of the Sword war die lange Wartezeit definitiv wert erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2
	27. August 2026
	Konami
	27. August 2026
	Konami
	27. August 2026
	Konami
System	PlayStation 5, Xbox Series, Nintendo Switch 1&2, PC
Getestet für	PlayStation 5
Versionsnummer	1.000.3
Entwickler	Konami
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Die erste Ausgabe der Metal Gear Solid: Master Collection erhielt vor allem zum Release im Jahre 2023 eher mäßige Kritiken. Neben der durchwachsenen Technik und den eher dürftigen technischen Anpassungen war es vor allem auch die Tatsache, dass die Collection für viele Metal-Gear-Fans schlicht und ergreifend einfach unvollständig war und wichtige Titel der Reihe fehlten.

Einer dieser, für viele Metal-Gear-Fans, wichtigsten Titel ist zweifelsohne „Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots“. Dieser PS3-exklusive Titel erschien ursprünglich im Jahre 2008 und wurde bisher noch nicht auf eine andere Plattform portiert. Vielen Fans stieß das Fehlen dieses Titels in der Collection Vol. 1 daher ganz besonders sauer auf.

Konami versprach jedoch schon bald nach dem Release der ersten Collection diesen Fehler mit der kommenden Collection auszubessern. Die Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2 soll die bisher fehlenden Titel nun, zumindest teilweise, in technisch verbesserter und angepasster Form nachreichen.

Am 27. August ist es nun endlich so weit und die zweite Ausgabe der heiß ersehnten Metal-Gear-Collection erscheint für PS5, Xbox Series, Switch 1&2 und PCs. Ob die neue Collection endlich die große Lücke schließen kann und ob dieses Mal auch der technische Aspekt der Collection direkt zum Launch passt, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Test.

Drei schlagkräftige Titel bieten die volle Metal-Gear-Dröhnung

Neben dem bereits erwähnten Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots sind auch Metal Gear Solid: Peace Walker in der HD-Version und der Game-Boy-Color-Ableger Metal Gear: Ghost Babel aus dem Jahre 2000 enthalten. Metal Gear: Ghost Babel erhielt außerhalb des asiatischen Markts den eingängigeren Titel „Metal Gear Solid“.

Langzeit-Fans freuen sich natürlich am meisten auf die moderne Portierung von Guns of the Patriots. Der Titel ist bis zum heutigen Tag lediglich auf der Original-Hardware, der PlayStation 3, spielbar und daher für viele Fans und Interessierte nicht mehr so leicht zugänglich und spielbar. Umso erfreulicher ist es natürlich nun, dass man sich bei Konami für eine moderne Portierung des Titels für die zweite Master Collection entschied.

Dennoch muss man natürlich festhalten, dass es sich bei allen Spielen dieser Collection um relativ alte Titel handelt. Gameplaytechnisch merkt man den Spielen ihr Alter also definitiv an. Wer also nichts mit dem Retro-Charme der Spiele anfangen kann, sollte sich die Collection vor dem Kauf auf jeden Fall nochmals genauer ansehen, um einschätzen zu können, was hier auf einen zukommt.

Guns of the Patriots – eine letzte Mission, die das Schicksal der Welt entscheiden soll

Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots spielt fünf Jahre nach dem Manhattan-Zwischenfall von Metal Gear Solid 2: Sons of Liberty. Die Welt wird nun sozusagen von privaten Militärkonzernen gesteuert. Die Einheiten dieser Konzerne sind mit Nanomaschinen ausgerüstet und werden mit deren Hilfe gesteuert. Als klar wird, dass Liquid Ocelot sich dieses System zunutze machen möchte, wird Snake auf eine letzte Mission geschickt, um diesem Schrecken ein für allemal ein Ende zu bereiten und Liquid Ocelot das Handwerk zu legen.

Snake bleibt nichts anderes übrig, als sich in das Kriegsgebiet im Nahen Osten zu begeben. Denn hier hält sich Liquid Ocelot wahrscheinlich versteckt. Unterstützt wird Snake von Dr. Hal „Otacon“ Emmerich und Olga Gurlukovichs Tochter Sunny. Ein actiongeladenes Abenteuer erwartet unseren Helden.

Peace Walker – kriegerische Auseinandersetzungen in Costa Rica

Die Geschichte von Metal Gear Solid: Peace Walker spielt im Jahre 1974 in Costa Rica. Wir übernehmen die Rolle von „Big Boss“, dem legendären Agenten, aus dem der aus den neueren Ablegern bekannte Held „Solid Snake“ entstand.

Dieser geht mit seiner Söldnereinheit „Militaires sans Frontières“ gegen die amerikanische CIA vor, da diese im Land geheime Waffensysteme testet. Unter diesen Waffensystemen befindet sich unter anderem auch der sogenannte „Peace Walker“. Eine Art Metal-Gear-Mech, welcher ebenfalls mit zerstörerischen Waffensystemen ausgestattet ist. Auch eine Atomwaffe befindet sich im Arsenal des Kampfroboters. Dieser Umstand allein genügt Big Boss und seinen Unterstützern, dieses bedrohliche Kriegswerkzeug aus der Welt zu schaffen. Ein allumfassender Konflikt entfaltet sich, in welchem es um nichts Geringeres geht, als den Frieden im Land und der Welt zu wahren. Notfalls auch mit Waffengewalt.

Ghost Babel – eine bewaffnete Terrorgruppe ist im Besitz eines Metal Gear und muss gestoppt werden

Metal Gear: Ghost Babel spielt drei Jahre vor den Ereignissen von Metal Gear Solid aus dem Jahre 1998. Die Handlung ist im Jahre 2002 angesiedelt und Snake muss die Terrorgruppe „Black Chamber“ stoppen. Diese ist im Besitz eines Metal-Gear-Mechs und bedroht nicht nur die USA, sondern auch die gesamte Welt.

Auch hier erwarten uns wieder die unterschiedlichsten Widersacher und neben dem Bumerang-schwingenden „Slasher Hawk“ treffen wir auch auf die Puppenspielerin „Marionette Owl“, den Pyromanen „Pyro Bison“ und den geheimnisvollen Kämpfer „Viper“. Eine bunte Mischung, die typisch für die Metal-Gear-Reihe ist.

Technisch sehr ordentlich umgesetzt und an die Moderne angepasst

Aus technischer Hinsicht kann man der Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2 wahrlich nichts Negatives anhaften. Alle enthaltenen Titel laufen einwandfrei und mit flüssigen 60 Frames über den Bildschirm. Auch hatten wir zu keiner Zeit mit größeren technischen Schwierigkeiten wie beispielsweise Freezes oder gar Abstürzen zu kämpfen. Alles in allem also ein technisch wirklich rundes Erlebnis.

Die Texturen und Effekte wurden, zumindest für mein Empfinden, sogar noch etwas aufgehübscht und an die Moderne angepasst. Allgemein wirkt das Bild nun deutlich ruhiger, als es noch bei den Original-Titeln damals der Fall war. Hier kann man Konami also definitiv ein Lob aussprechen. Die Umsetzung wirkt allgemein sehr ordentlich und durchdacht. Metal-Gear-Fans dürfen getrost aufatmen.

Legendärer Soundtrack trifft auf tolle Effekte und eine fantastische Synchronisation

Zum Metal-Gear-Soundtrack braucht man wohl keine Worte zu verlieren, denn dieser ist nach wie vor einfach fantastisch. Gepaart dazu gibt es knackige Soundeffekte und eine Synchronisation, die sich wirklich hören lassen kann. Speziell David Hayter, der Snake beziehungsweise Big Boss spricht, sticht hier erneut positiv hervor.

Die Effekte wurden wohl ebenfalls leicht überarbeitet, denn diese klingen nun deutlich klarer und sauberer. Speziell bei Peace Walker war dies auch bitter nötig, da dieses Spiel seine Premiere ja auf der PSP feierte und ein technisches Makeover daher am nötigsten hatte.

Die komplette Metal-Gear-Erfahrung, auf die Fans schon lange warten

Bildmaterial: Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2, Konami

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Titel	Beast of Reincarnation
	4. August 2026
	Fictions
	4. August 2026
	Fictions
	4. August 2026
	Fictions
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Game Freak
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Dass Entwickler durchaus auch andere, gewagtere Wege bestreiten können, ist jetzt nicht unbedingt eine Seltenheit. Im Falle des japanischen Entwicklers „Game Freak“ jedoch schon ein kleines Novum in Sachen Gaming-Vielfalt.

Denn der japanische Entwickler mit Sitz in Chiyoda, Tokio, war zuvor vor allem für die zuletzt erschienenen Pokémon-Titel bekannt und möchte uns nun mit Beast of Reincarnation in gänzlich neue Gefilde entführen.

Das spezielle Setting mit exotischen und durchaus interessant gestalteten monsterähnlichen Kreaturen bleibt uns jedoch erhalten und so mag manch einer wohl direkt an ein erwachseneres Pokémon denken. Beast of Reincarnation ist jedoch weit mehr als das und vor allem eine ganze Ecke düsterer und melancholischer.

Erstmals offiziell angekündigt wurde der Titel erst im Jahre 2025 während eines Xbox Games Showcase. Erst zu diesem Zeitpunkt erfuhr man den eigentlichen Titel des Spiels, denn bis zu diesem Showcase war Beast of Reincarnation lediglich als „Project Bloom“ bekannt. Beast of Reincarnation ist außerdem der erste Titel, den Game Freak für PS5 und Xbox Series veröffentlicht, da man vorher lediglich für Nintendo entwickelte.

Beast of Reincarnation erscheint nach vielen Jahren der Warterei nun endlich am 4. August für PS5, Xbox Series und PCs und wird auf der Microsoft-Plattform sogar als Day-1-Titel im Xbox Game Pass vertreten sein. Ob uns das vielversprechende Monster-Abenteuer aus Fernost begeistern kann und ob sich ein Kauf lohnt, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Test.

Das Japan der fernen Zukunft wird von einer pflanzlichen Plage heimgesucht

Die tragische Geschichte von Beast of Reincarnation spielt im Jahre 4026. Wir übernehmen die Rolle von Emma, einer sogenannten „Versieglerin“, und ihrem treuen Begleiter, dem Wolfshund „Kuu“. Die Beziehung zwischen den beiden Abenteurern kann wohl am ehesten als „Synergie“ bezeichnet werden, denn Emma und Kuu verbindet mehr als nur der Drang nach Gerechtigkeit.

Emma ist mit der sogenannten „Plage“ geboren. Eine Art pflanzliches Virus, welches den Körper nach und nach einnimmt und beherrscht. Emma macht sich diese Gabe allerdings zu Nutze und kann mit Hilfe der Plage sogar Pflanzen kontrollieren und diese geschickt im Kampf oder zur Überwindung diverser Hindernisse nutzen. Aufgrund dieser Gabe wird Emma aber natürlich auch gemieden und als eine Art Außenseiterin angesehen.

Die Aufgabe eines Versieglers besteht außerdem darin, finstere und bedrohliche Kreaturen zu jagen und zu erlegen und deren Plage in sich aufzunehmen. Folglich kann die Plage dann keinen weiteren Schaden mehr anrichten und wird von den Versieglern sozusagen beherbergt. Hier kommt unser Begleiter Kuu wieder ins Spiel, denn auch Kuu ist eine Kreatur, welche die Plage in sich trägt. Genau dieser Umstand ist es jedoch auch, der die Beziehung zwischen Emma und Kuu so besonders macht. Die beiden teilen ein tragisches Schicksal.

Eines Tages erhalten Emma und Kuu die Aufgabe, in den Westen des Landes zu reisen, um das sogenannte „Beast of Reincarnation“ zu erlegen und die Plage ein für allemal in den Griff zu bekommen. Denn diese finstere Kreatur gilt als der Ursprung der Plage. Ein spannendes und gefährliches Abenteuer steht den beiden also nun bevor und am Ende geht es um nichts Geringeres als die Zukunft Japans.

Halboffene Spielwelt mit viel zum Entdecken und dystopischem Japan-Flair

Die Spielwelt von Beast of Reincarnation ist keine Open World im eigentlichen Sinne. Vielmehr sind die Areale zwar frei begehbar, untereinander aber dennoch in unterschiedliche Level beziehungsweise Kapitel unterteilt. Im Klartext heißt das, am Ende eines jeden Areals wartet ein Bosskampf, der das jeweilige Level beziehungsweise Kapitel abschließt. Danach wechseln wir in das nächste Kapitel und den neuen Abschnitt. In den Arealen selbst können wir uns also frei bewegen, haben aber dennoch stets einen roten Faden, der uns durch die Story leitet.

Mein einziger Kritikpunkt an dieser Art von Leveldesign ist die Tatsache, dass wenn man frühzeitig bestimmte Schlüsselorte im jeweiligen Areal besucht, noch keine Interaktion stattfinden kann, da die eine oder andere vorhergehende Aufgabe noch nicht erledigt wurde. So geht man den Weg quasi wieder zurück, erledigt die ursprüngliche Aufgabe und kommt dann an den bereits besuchten Ort zurück und kann die Story dann fortführen. Mir ist natürlich bewusst, dass die Levelstrukturen irgendeinen logischen Aufbau haben müssen, dennoch geht für mich damit auch ein Teil der Immersion verloren.

Nichtsdestotrotz bietet Beast of Reincarnation eine interessante Spielwelt, in der es auch immer wieder das ein oder andere Geheimnis zu finden gibt und die auch wirklich zum Erkunden einlädt. Spieler, die Lust auf eine melancholisch angehauchte, dystopische Spielwelt im Japan-Setting haben, sind hier also goldrichtig. Auch optisch verändern sich die Areale natürlich im weiteren Spielverlauf und so hat man auch nach mehreren Spielstunden nicht das Gefühl, stets das gleiche Areal mit leicht unterschiedlichem Aufbau zu spielen.

Skills lernen und verstehen ist enorm wichtig

Ein weiterer wichtiger Punkt ist außerdem die Tatsache, dass man sich wirklich gut mit dem Skillbaum und dessen Möglichkeiten beschäftigen sollte. Der Skillbaum, der sich nach und nach erweitert und neue Möglichkeiten bietet, ist enorm wichtig, da wir so wichtige Angriffe und Attribute erlernen können, die uns vor allem die hektischen Bosskämpfe deutlich erleichtern. Neben Emma hat auch Kuu einen eigenen Skillbaum mit eigenen Möglichkeiten.

Speziell in höheren Schwierigkeitsgraden werden die Bosskämpfe wirklich richtig anspruchsvoll und so möchte man natürlich auf keinerlei Hilfe verzichten, um die gigantischen Kreaturen effektiv erlegen zu können. Die Skillpunkte, die man im Skillbaum einsetzt, verdient man sich nach den Bosskämpfen und auch beim Levelaufstieg selbst. Beim Levelaufstieg kann man außerdem Punkte für Gesundheit, Stärke und die Fähigkeit, die Pflanzen-Energie effektiv zu nutzen, vergeben.

Im weiteren Spielverlauf findet man außerdem immer wieder neue Waffen und Rüstungsteile, die unterschiedliche Attribute aufweisen wie beispielsweise Giftschaden und dergleichen. Bei den unterschiedlichen Schwertern beispielsweise sieht man noch einen optischen Unterschied. Bei den Rüstungen jedoch handelt es sich um reine Punkte-Upgrades, die sich optisch nicht an der Spielfigur bemerkbar machen. Diese Rüstungen haben jedoch unterschiedlich viele Slots für diverse Upgrades.

Technisch ist da noch viel Luft nach oben

Das größte Manko an Beast of Reincarnation ist definitiv die durchwachsene Technik, mit der das Spiel quasi pausenlos zu kämpfen hat. Der Titel wurde auf Basis der Unreal Engine 5 entwickelt und sieht alles in allem auch wirklich schön aus. Speziell die Spielwelt selbst kann optisch durchaus überzeugen. Die zu häufig einbrechende Performance ist es allerdings, die den technischen Eindruck dann doch enorm trübt.

Wo die Charaktermodelle und die Umgebungen noch wirklich recht ansehnlich daherkommen, wird das Ganze einfach viel zu häufig durch ständig abfallende FPS zunichte gemacht. Egal ob man sich gerade außerhalb eines Kampfes in der Spielwelt herumtreibt oder sich gerade in einem hitzigen Kampf mit einem oder mehreren Feinden befindet, die FPS sind leider oft instabil und so fühlen sich vor allem die Kämpfe häufig chaotischer an, als sie eigentlich sein müssten. Gerade die Bosskämpfe gegen die gigantischen Kreaturen fallen so noch chaotischer und unübersichtlicher aus. Hier wäre definitiv mehr drin gewesen. Aber vielleicht kann der Entwickler Game Freak hier mit einem Day-1-Update noch etwas in Sachen Performance richten. In Arealen in denen wenig los ist und die Flora und Fauna auch eher mager ausfällt, kann das Spiel die 60 FPS natürlich meist schon halten.

Immer wieder sind mir außerdem, gerade in den Innenräumen, falsch beleuchtete Areale aufgefallen. Hier wusste die Engine manchmal nicht so recht, welche Lichtquelle jetzt gerade eigentlich wohin gehört. Bei einem Titel dieser Budgetklasse sollte so etwas wirklich nicht passieren. Trotz der eigentlich relativ schön anzusehenden Optik wird Beast of Reincarnation also immer wieder durch technische Unzulänglichkeiten gebremst und das ist sehr schade, da der Titel vor allem technisch so viel runder hätte sein können.

Gespielt habe ich Beast of Reincarnation auf einer Standard-PS5. Hier bietet der Titel außerdem die Möglichkeit, in einen Qualitäts-Modus mit 30 Frames und etwas höherer Auflösung oder einen Performance-Modus mit 60 FPS zu schalten.

Durchschnittlicher Soundtrack trifft auf durchaus ordentliche Effekte

Der Soundtrack von Beast of Reincarnation kann am ehesten als guter Durchschnitt bezeichnet werden. Mit fernöstlichen Klängen werden wir abseits der Kämpfe beschallt und speziell während der hektischen Bosskämpfe bekommen wir dann orchestralen Stress-Sound, ganz im Stile eines FromSoftware-Titels, auf die Ohren geballert. So steigt das Stress-Level deutlich an und die Kämpfe werden mental noch anstrengender. Aber irgendwie ist das ja auch so gewollt.

Die Soundeffekte hingegen wirken wirklich durchdacht und sauber umgesetzt. Hier gibt es eigentlich nichts zu bemängeln und tontechnisch macht der Titel einen wirklich ordentlichen Eindruck. Auch die Synchronisation ist durchaus gelungen. Ich habe den Titel mit japanischer Synchronisation gespielt und kann diese Einstellung auch empfehlen. Wie auch bei anderen Titeln mit Fernost-Setting trägt das einfach nochmal zusätzlich zur Atmosphäre bei.

Ein spannendes Abenteuer, welches von durchwachsener Technik ausgebremst wird

Bildmaterial: Beast of Reincarnation, Fictions, Game Freak

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Titel	Halo: Campaign Evolved
	28. Juli 2026
	Xbox Game Studios
	28. Juli 2026
	Xbox Game Studios
	28. Juli 2026
	Xbox Game Studios
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Halo Studios
Genres	Ego-Shooter
Texte
Vertonung

Um die Halo-Reihe wurde es speziell in den letzten Jahren sehr still. „Halo Infinite“, der letzte große Ableger der traditionsreichen Shooter-Reihe aus dem Hause Microsoft, ist bereits im Jahre 2021 erschienen. Anschließend hielt man sich bei Microsoft, zum Ärger vieler Fans, ziemlich bedeckt, was die Zukunft der Reihe rund um den grünen Supersoldaten Master Chief anbelangt.

Erst im Oktober des Jahres 2024, als der bisherige Entwickler „343 Industries“ bekanntgab, dass man fortan unter dem neuen Namen „Halo Studios“ weiterhin an zukünftigen Titeln der Reihe arbeiten möchte, wurden Spekulationen rund um neue Halo-Titel lauter. Als ein Remake des ersten Teils, welcher ursprünglich im Jahre 2001 für die erste Xbox erschienen war, immer konkreter wurde, waren die Fans natürlich völlig aus dem Häuschen und hofften auf ein großes Comeback des Master Chiefs.

Am 28. Juli ist es nun endlich so weit und das vollwertige Remake des ersten Teils, welches auf Basis der leistungsstarken Unreal Engine 5 entwickelt wurde, erscheint für Xbox Series und PCs.

Das wohl mit Abstand größte Highlight ist jedoch die Tatsache, dass das Remake nun sogar zum allerersten Mal auf einer Sony-Konsole erscheint. Denn nun dürfen wir Halo: Campaign Evolved, wie das Remake nun heißt, sogar auf PlayStation 5 genießen. Ein Meilenstein in Sachen Halo-Geschichte und ein großer Schritt für Microsoft.

Ob das vielversprechende Remake auch heute noch so viel Spaß macht wie damals im Jahre 2001, erläutern wir euch natürlich wie immer in unserem ausführlichen Test.

Ein erbitterter Konflikt gerät völlig aus den Fugen

Die Geschichte von Halo: Campaign Evolved spielt in einer fernen Zukunft, in welcher die Menschheit bereits die Technologie für Lichtsprünge erforscht hat. Auch zuvor weit entfernte Ziele in der Galaxis sind nun binnen weniger Sekunden zu erreichen. Dies ermöglicht es der menschlichen Rasse, auch andere Planeten zu bereisen und zu kolonisieren.

Als die „Covenant“, eine den Menschen feindlich gesinnte Alienrasse, einen heiligen Krieg gegen die Menschheit ausruft, setzen die Menschen die sogenannten „Spartans“, eine in jeder Hinsicht überlegene Kampfeinheit von Supersoldaten, gegen die Covenant ein, um letztendlich überhaupt eine Chance gegen die schier übermächtigen Gegner zu haben.

Im Jahre 2552 greifen die Covenant schließlich den Planeten „Reach“ an, ein zentraler militärischer Stützpunkt der Menschen. Durch diesen fatalen Angriff wurde die Kolonie der Menschheit fast vollständig ausgelöscht. Das Sternenschiff, die „Pillar of Autumn“, konnte jedoch im letzten Moment fliehen und mit ihm der letzte Hoffnungsschimmer der Menschheit – der letzte verbliebene Spartan. Dieser trägt den Namen „Master Chief Petty Officer John-117“ und ist quasi unser Hauptcharakter und der wichtigste Charakter im gesamten Halo-Universum. Von hier aus beginnt die tragische Geschichte rund um einen erbitterten Kampf zwischen zwei Rassen und den letzten Hoffnungsschimmer der gesamten Menschheit, den Master Chief.

Wegweisender Shooter, der dem Genre viele Türen und Tore öffnete

Halo: Campaign Evolved ist die logische Weiterentwicklung von Halo: Combat Evolved, dem Original aus dem Jahre 2001. Halo: Combat Evolved öffnete schon damals viele Türen und Tore und machte das Shooter-Genre speziell auf Konsolen überhaupt erst so richtig salonfähig.

Viele Features wie beispielsweise Autoaiming wurden durch den Microsoft-Shooter überhaupt erst so richtig im Genre etabliert und zeitgleich auch quasi schon fast perfektioniert. Also ein großer Titel für das Shooter-Genre, sowohl was technische Features als auch die optische und atmosphärische Präsentation im Allgemeinen betrifft.

Das grundlegende Gameplay von Halo: Campaign Evolved ist dabei jedoch eigentlich recht simpel gehalten. In, zumindest für einen Shooter, relativ großen Arealen kämpfen wir uns von Areal zu Areal, stets auf der Suche nach dem nächsten markierten Missionspunkt. Auf unserem Weg dorthin dürfen wir uns auch hinter das Steuer von allerlei Fahrzeugen klemmen.

Neben dem „Warthog“, einem gepanzerten Geländefahrzeug, können wir auch diverse Raumgleiter kapern und steuern. Erstmals kombinierte Halo die Genrezüge eines Shooters mit typischen Open-World-Elementen, wie beispielsweise der Übernahme von Fahrzeugen. Dass dies einwandfrei funktionierte und auch äußerst gut von der Spielerschaft aufgenommen wurde, zeigt der enorme Erfolg, den die Halo-Reihe bis heute vorweisen kann.

Auf der Höhe der Zeit

Auch in Sachen Vielfalt, was die Locations anbelangt, braucht sich Halo: Campaign Evolved nicht vor der neuzeitigen Genrekonkurrenz verstecken. Alles in allem wirkt der Titel also auch heute noch sehr gut spielbar und bis auf die etwas angestaubte Levelstruktur, die heutzutage eben anders gemacht wird als damals, kann man Halo: Campaign Evolved nur wenig Negatives vorwerfen.

Im Kern ist und bleibt Halo: Campaign Evolved ein Shooter, wie man es von einem Vertreter dieses Genres auch erwarten würde. Es wird viel geballert, viele Granaten geworfen und speziell dem Hauptaugenmerk der Halo-Reihe, dem Nahkampf, wird ordentlich gefrönt. Der Nahkampf war und ist ein fester Bestandteil der Kampfmechanik eines jeden Halo-Titels und schon fast unverzichtbar, um den Covenant in hitzigen Situationen den letzten Rest zu geben. Einfach befriedigend und erfüllend.

Grafisch nun in die Moderne transportiert – ein Augenschmaus

Speziell die aufgebohrte Optik liegt bei einem Remake dieser Art und Klasse natürlich absolut im Fokus. Halo: Campaign Evolved setzt daher auf die Unreal Engine 5. Diese ermöglicht es den Entwicklern, unglaublich detaillierte Landschaften mit schier endloser Weitsicht auf den Bildschirm zu zaubern. Dennoch bleibt das hektische Kampfgeschehen stets flüssig und sieht dabei auch noch verdammt gut aus. So muss sich ein Remake anfühlen und aussehen.

Die schönen Landschaften werden zudem von tollen Licht- und Partikeleffekten abgerundet. Das Gesamtbild stimmt hier einfach absolut und durch die neue Optik hat man schon fast das Gefühl, man würde einen Shooter der Neuzeit spielen.

Im Performance-Modus hält Halo: Campaign Evolved außerdem stets die flüssigen 60 Frames. Einbrüche habe ich während der Testsession auf einer Standard-PS5-Konsole nie feststellen können. Der Qualitäts-Modus mit verbesserten Raytracing-Effekten senkt die Frames auf magere 30 ab. Auch PS5-Pro-Nutzer müssen im Qualitäts-Modus mit niedrigeren Frames leben, erhalten dafür im Gegenzug aber noch bessere Raytracing-Effekte.

Gänsehaut-Soundtrack gepaart mit tollen Effekten und stabiler Synchronisation

Neben dem klassischen und absolut kultigen Halo-Soundtrack, den wohl jeder Gamer kennen wird, gibt es auch schmetternde Soundeffekte und eine absolut ordentliche Synchronisation auf die Ohren. Speziell während der brachialen und stets hämmernden Feuergefechte dreht der Sound so richtig auf und man fühlt sich schon fast, als würde man gerade selbst auf dem intergalaktischen Schlachtfeld stehen und um die Zukunft der gesamten Menschheit kämpfen.

Allen voran die Waffensounds wurden wirklich toll überarbeitet. Die ohnehin schon wuchtigen Schießeisen haben nun nochmal eine ganze Ecke mehr Power. Zumindest akustisch. Ein Fest für die Sinne, könnte man sagen, und auch für Hardcore-Halo-Fans eine erneute Runde wert.

Online-Multiplayer leider nur in abgespeckter Form enthalten

Der für mich mit Abstand größte Negativpunkt ist das Fehlen eines konkreten Online-Mehrspielermodus. Den hatte das Original aus dem Jahre 2001 zwar auch nicht, aber im Jahre 2026 könnte man so etwas von einem Remake dieser Art schon erwarten.

Lediglich ein Online-Koop-Modus, der wahlweise auch auf der heimischen Couch spielbar ist, ist vorhanden. Hier hat man dann quasi die Möglichkeit, die Kampagne mit einem Freund oder Bekannten zu erleben. Besser als nichts, möchte man meinen, aber dennoch weit hinter den eigentlichen Möglichkeiten. Da der Mehrspielermodus für jeden Halo-Teil quasi essenziell ist, muss dieser Umstand auf jeden Fall deutlich erwähnt werden.

Der Master Chief ist zurück und lässt es ordentlich krachen

Bildmaterial: Halo: Campaign Evolved, Xbox Game Studios, Halo Studios

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Titel	Assassin’s Creed Black Flag Resynced
	9. Juli 2026
	Ubisoft
	9. Juli 2026
	Ubisoft
	9. Juli 2026
	Ubisoft
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Ubisoft
Genres	Open-World-Abenteuer
Texte
Vertonung

Der wohl mit Abstand beliebteste Ableger der weltweit gefeierten und enorm erfolgreichen Assassin’s-Creed-Reihe aus dem Hause Ubisoft dürfte zweifelsohne das spektakuläre Piraten-Abenteuer „Assassin’s Creed IV: Black Flag“ aus dem Jahre 2013 sein.

Ursprünglich erschien das actiongeladene Abenteuer mit dem wunderschönen Karibik-Setting für PlayStation 3/4, Xbox 360/One, Nintendo Wii U und Windows. Da Black Flag ein Schwellentitel war, also ein Titel, der sozusagen zwischen den Konsolen-Generationen erschien, entschied man sich bei Ubisoft dafür, den Titel auch auf den zum damaligen Zeitpunkt frisch erschienenen Next-Gen-Konsolen PlayStation 4 und Xbox One zu veröffentlichen. Für diese Konsolen erschien der Titel natürlich in technisch aufgebohrter Form und war somit schlussendlich eine ganze Ecke ansehnlicher als die Last-Gen-Versionen der PS3 und Xbox 360.

Viele Fans äußerten über die Jahre immer wieder den Wunsch nach einem Remake ihres Lieblingsablegers der Reihe. Nach vielen Jahren der Warterei war es nun endlich so weit und das gefeierte Piraten-Abenteuer erschien am 9. Juli als vollwertiges Remake für PlayStation 5, Xbox Series und PCs. Dieses vollständig überarbeitete Remake trägt den Titel Assassin’s Creed Black Flag Resynced. Man wollte bei Ubisoft wohl sicherstellen, dass sich das Remake auch namenstechnisch klar vom Original abgrenzt, um Verwechslungen zu vermeiden.

Ob sich das von vielen Fans der Reihe so herbeigesehnte Remake auch heutzutage noch gut spielt und ob das Piraten-Abenteuer auch heute noch den gewissen Charme hat, den es damals im Jahre 2013 versprühen konnte, erfahrt ihr in unserem ausführlichen Review.

Das goldene Zeitalter der Piraterie und der Traum von einem besseren Leben

Die Geschichte von Assassin’s Creed Black Flag Resynced beginnt im Jahre 1715 zur Zeit des „goldenen Zeitalters der Piraterie“. Wir übernehmen die Rolle des Edward Kenway, einem britischen Piraten, der auf der Suche nach einer besseren Zukunft ist und daher auch bereit ist, jede noch so kleine Chance zu nutzen, um dieses Ziel zu erreichen.

Als Edward nach einer Auseinandersetzung mit einem Assassinen an dessen Uniform gelangt, verspricht er sich dadurch neue Möglichkeiten und vielleicht eine Chance auf eine rosigere Zukunft in dieser erbarmungslosen Welt. Unter den Besitztümern des Assassinen findet Edward unter anderem auch ein seltsames Kristallgefäß sowie einen Brief des spanischen Gouverneurs Laureano Torres, der in Havanna eine hohe Belohnung verspricht. Edward nutzt diese Chance natürlich und nimmt die Identität des getöteten Assassinen an, um sich diese vielversprechende Belohnung abzuholen. Als Edward dann auch noch dem Händler „Stede Bonnet“ aus der Klemme hilft und dieser unseren Helden mit seinem Schiff zum Dank nach Havanna bringt, beginnt das Abenteuer rund um glorreiche Piraterie, Reichtum und die weite See, die geradezu nach Abenteuern ruft. Ein waschechtes Piraten-Abenteuer der Oberklasse, könnte man sagen.

Leinen los, ihr Landratten!

Assassin’s Creed Black Flag Resynced ist im Kern ein klassisches Assassin’s-Creed-Abenteuer, wie es im Buche steht. So hat man neben den spannenden und actiongeladenen Hauptquests auch allerlei nebenbei zu tun. Neben unzähligen Nebenquests können wir uns also auch mit einer wahren Flut an weiteren Nebenaktivitäten beschäftigen. Neben äußerst vielen Synchronisations-Türmen, die typisch für die Reihe sind, warten auch andere Aktivitäten wie beispielsweise diverse Minispiele darauf, von uns entdeckt zu werden. Die Spielwelt von Black Flag fühlt sich also durchaus lebendig und voll an und geizt nicht mit Aktivitäten, die euch regelmäßig von der eigentlichen Hauptstory ablenken und auf andere Pfade führen.

Speziell beim Design der Hauptquests spürt man dann allerdings einfach doch die Jahre, die der Titel mittlerweile auf dem Buckel hat. Wenn man die großen Quests mit denen eines Assassin’s Creed Shadows vergleicht, spürt man deutlich, wie weit sich Gaming, speziell im Open-World-Genre, in diesen Jahren weiterentwickelt hat. Die Quests wirken bei Shadows beispielsweise einfach umfangreicher und somit noch immersiver.

Man kann Ubisoft sicher viel vorwerfen, aber der Entwickler und Publisher verstand es schon immer, eine immersive Open-World zu erschaffen, die sich wirklich realistisch und glaubwürdig anfühlt und das kann man keinesfalls von jedem Entwicklerstudio behaupten. Hier muss man nach dem, zumindest für meinen Geschmack, phänomenalen Assassin’s Creed Shadows erneut ein großes Lob in Sachen immersive Spielwelt aussprechen. Durch die nun in die Moderne transportierte Technik von Black Flag wirkt die Welt jetzt noch realistischer und glaubwürdiger, als es bereits zuvor der Fall war.

Spannende Seeschlachten lockern das serientypische Stealth-Gameplay auf

Ein großes Highlight ist neben dem bereits aus vergangenen Ablegern typischen Assassin’s-Creed-Gameplay, das vor allem auf Stealth-Mechaniken setzt, auf jeden Fall die Schifffahrt, die in diesem Ableger eine noch größere Rolle einnimmt, als es noch bei Assassin’s Creed III der Fall war. Schließlich fühlt man sich doch erst wie ein richtiger Pirat, wenn man endlich hinter dem Steuerrad eines riesigen Schiffes Platz nehmen darf.

Während der spektakulären Seeschlachten haben wir sogar die Möglichkeit, die gegnerischen Schiffe zu entern und zu übernehmen. Natürlich können wir auch deren Fracht an uns reißen und das neu eroberte Schiff unserer Piratenflotte hinzufügen. Speziell während größerer Stürme sind die Seeschlachten in Sachen Atmosphäre kaum zu überbieten. Das ist Action auf Hollywood-Niveau und daher halte ich Black Flag bis zum heutigen Tag für ungeschlagen in Sachen Piraten-Setting.

Fantastische Optik mit modernisierter Engine lässt die Karibik erstrahlen

Das Remake von Black Flag basiert auf Ubisofts hauseigener „Anvil Engine“. Diese kam in ihrer Ursprungsform bereits beim ersten Assassin’s-Creed-Ableger aus dem Jahre 2007 zum Einsatz. Die aktuell genutzte Engine trägt den Namen „Anvil Pipeline“ und wurde zuvor für Assassin’s Creed Shadows verwendet und das sieht man dem Remake von Black Flag auch an. Im positiven Sinne, versteht sich.

Diese in die moderne transportierte Engine vermag es gekonnt, spektakuläre Landschaften darzustellen, denen es keinesfalls an Details mangelt. Neben einer unglaublichen Weitsicht glänzt die Engine außerdem mit fantastischen Lichteffekten und knackigen Texturen. Die Animationen fallen wie auch bei Shadows wirklich fantastisch aus. Auch wenn der Japan-Ableger vielleicht hier und da noch eine Ecke ausgereifter und vor allem in Sachen Animationen noch eine Ecke geschmeidiger war, zumindest für meinen Geschmack.

Auch in hitzigen Situationen kommt die neue Variante der Anvil Engine absolut nicht ins Stocken und so dürfen wir zu jeder Zeit flüssige 60 Frames im Performance-Modus genießen. Liebhaber höherer Auflösungen dürfen wahlweise in den Qualitäts-Modus schalten. Hier muss man sich dann allerdings wieder mit 30 Frames begnügen. Auch auf der PS5 Pro läuft der Titel im Qualitäts-Modus lediglich mit 30 Frames. Auf Sonys Flagschiff-Konsole verbessert sich im Endeffekt also lediglich der Raytracing-Effekt etwas, die niedrigen Frames bleiben uns jedoch leider erhalten. Kein wirklicher Zugewinn in Sachen Performance.

Durchweg eingängiger Soundtrack mit tollen Effekten und fantastischer Synchronisation

In Sachen Soundtrack und Effekte gibt es ebenfalls absolut nichts zu bemängeln. Der eingängige Soundtrack passt perfekt zum Karibik-Setting und rundet das Flair gekonnt ab. Abgerundet wird das Ganze zudem von den knackigen Soundeffekten, die gerade während der bereits erwähnten Seeschlachten erst so richtig aufdrehen und das Spielgeschehen in eine absolut spektakuläre Schlacht auf Hollywood-Level verwandeln. Wirklich beeindruckend und ein Fest für die Sinne.

Aber auch die Synchronisation kann sich sehen beziehungsweise hören lassen. Die englischen Sprecher leisten einen fantastischen Job, aber auch die deutschen Gegenparts liefern ordentliche Arbeit ab und ausnahmsweise hatte ich sogar Freude mit der deutschen Synchronisation. Denn eigentlich bin ich ja absoluter O-Ton-Verfechter, der Videospiele meist nur im Originalton genießt.

Ein immer noch beeindruckendes Piraten-Abenteuer nun in die Moderne transportiert

Bildmaterial: Assassin’s Creed Black Flag Resynced, Ubisoft

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Titel	Final Fantasy VII Rebirth
	3. Juni 2026
	Square Enix
	3. Juni 2026
	Square Enix
	3. Juni 2026
	Square Enix
System	PlayStation 5, Xbox Series, Switch 2, PC
Getestet für	Nintendo Switch 2
Entwickler	Square Enix
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Mit dem Remake von Final Fantasy VII schuf Square Enix im Jahre 2020 ein wahrhaftiges Meisterwerk und damit auch einen weiteren Meilenstein im JRPG-Genre. Recht schnell nach dem Release wurden dann auch schon Stimmen laut, die nach einer Fortsetzung des ohnehin auf drei Etappen aufgeteilten Rollenspiels riefen.

Mit „Final Fantasy VII Rebirth“ kam Square Enix diesem Wunsch am 29. Februar 2024 schließlich nach. Vorerst erschien der Titel allerdings lediglich exklusiv für Sonys PlayStation 5. Eine angepasste und vor allem optisch etwas verbesserte Variante erschien am 23. Januar 2025 für PCs. Xbox- und Switch-Spieler gingen also erst mal leer aus. Square Enix gab allerdings schon recht früh zu verstehen, dass auch Microsoft- und Nintendo-Jünger früher oder später in den Genuss des Titels kommen würden.

Am 3. Juni ist es nun also endlich so weit, womit auch Switch-2- und Xbox-Nutzer in die zweite Episode des Remake-Meisterwerks starten. Ob der Titel immer noch so faszinierend ausfällt, nach wie vor begeistern kann und ob auch die technische Seite entsprechend angepasst wurde, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Test.

Nahtlose Fortsetzung des epochalen Meisterwerks

Die Story von Final Fantasy VII Rebirth setzt quasi genau da an, wo der erste Teil der Remake-Trilogie geendet hatte. Nach wie vor wird die Bevölkerung der Mega-Metropole „Midgar“ von der machtbesessenen Shinra Corporation tyrannisiert. Doch nicht nur die Tyrannei durch den Megakonzern macht den Menschen zu schaffen, auch der stetige Abbau der sogenannten „Mako-Energie“, sozusagen dem Lebensstrom des Planeten, belastet vor allem die Umwelt und den Planeten selbst.

Die Öko-Terroristengruppierung „Avalanche“ hat es sich zur Aufgabe gemacht, der Shinra Corporation das Handwerk zu legen und sowohl den Planeten als auch die Gesellschaft von der Tyrannei zu befreien. Dieser Gruppierung gehört auch unser Held „Cloud Strife“ an.

Wie auch im Original übernehmen wir die meiste Zeit die Rolle des furchtlosen, blonden Helden und Ex-Soldaten. Cloud diente ehemals als angestellter Söldner bei der Shinra Corporation, verließ diese jedoch auf eigenen Wunsch hin um eigenen Interessen nachzugehen. Doch Shinra bleibt am Ende nicht die einzige Bedrohung, mit der wir es zu tun bekommen, und am Ende steht vielleicht sogar das Schicksal der gesamten Welt auf dem Spiel.

Auf der beschwerlichen Reise treffen wir außerdem auf allerlei Mitstreiter, die unterschiedlicher nicht hätten ausfallen können. Gerade in Sachen Charakterdesign macht Square Enix, speziell im Rollenspiel-Genre, absolut niemand etwas vor. Die Charaktere wirken auch heute noch absolut fantastisch gezeichnet und durchdacht.

Gerade für die Story der Remake-Trilogie bedient sich der Entwickler und Publisher Square Enix vor allem einer bestimmten Mechanik – die der alternativen Zeitlinien. Denn so umschifft Square Enix gekonnt diverse Hürden der ursprünglichen Story und kann diese so gekonnt weiter auskleiden, ohne dass das Ganze am Ende zu wirr oder nicht durchdacht genug wirkt.

Die Remake-Trilogie hält sich also im Großen und Ganzen schon an die Story des Originals aus dem Jahre 1997, dichtet hier und da aber auch mal mehr und mal weniger hinzu. Um aus ursprünglich einem Titel nun drei zu machen, bedarf es eben doch etwas mehr Story-Material, als es das Original zu bieten hatte. Alles in allem wirken die beiden bisher veröffentlichten Remake-Episoden aber stets stimmig und keinesfalls völlig überzogen.

Original erfolgreich in die Moderne transportiert

Wie auch schon beim ersten Teil der Remake-Trilogie setzt Square Enix auch bei Rebirth auf das neue, deutlich actionorientiertere Kampfsystem der neuen Final-Fantasy-Ableger. Gekämpft wird also in einem aktiven Kampfsystem, bei dem jeder Tastendruck auch eine direkte Auswirkung auf den Kampf hat. Auch Blocken und Ausweichen steht also an der Tagesordnung. Per Tastendruck lässt sich das Kampfgeschehen in eine Art Taktik-Modus schalten, hier läuft der Kampf dann quasi in Zeitlupe im Hintergrund weiter.

Nun haben wir die Möglichkeit, diverse Aktionen wie beispielsweise verschiedene Zauber, Items und andere Angriffe zu bestimmen, welche beim Fortsetzen des regulären Kampfgeschehens dann direkt von den Mitstreitern unserer Gruppe umgesetzt werden. In Sachen Kampfsystem hat man sich bei Square Enix also wirklich Gedanken gemacht und sich für ein fast schon perfektes Kampfsystem für die Remake-Trilogie entschieden. Auch wenn viele Hardcore-Fans des Originals das sicher anders sehen.

Auch in Sachen Bewegungsfreiheit hat sich beim zweiten Teil der Remake-Trilogie einiges getan. Wir können uns ab einem bestimmten Punkt im Spiel nun deutlich freier fortbewegen und die Spielwelt fast schon nach eigenem Belieben erkunden. Der rote Faden der Story bleibt natürlich nach wie vor bestehen, dennoch haben wir die Möglichkeit, auch zu bereits besuchten Schauplätzen zurückzukehren, um eventuell vergessene Items einzusammeln oder Nebenquests nachträglich noch zu absolvieren.

Die Entwickler schaffen es mit den beiden Remake-Teilen gekonnt, den Spirit und das Spielgefühl des Originals in die Moderne zu transportieren, ohne dabei gekünstelt oder gestreckt zu wirken. Allein dafür muss man Square Enix wirklich loben, denn ein so durchdachtes und toll umgesetztes Remake eines der wohl einflussreichsten JRPGs überhaupt auf die Beine zu stellen, ist schon eine wahrhaftige Mammutaufgabe.

Zahlreiche Nebenquests kleiden Story weiter aus

Gerade für die zahlreichen Nebenquests sollte man sich genügend Zeit nehmen. Denn diese kleiden die Story weiter aus und verleihen sogar dem ein oder anderen Charakter nochmals ein ganz neues Level von Tiefgang in Sachen Charakterentwicklung.

Allgemein legt Square Enix bei der Remake-Trilogie enormen Wert darauf die einzelnen Charaktere in ihrer Tiefe zu vermitteln und somit ein einprägsames Bild eines jeden Charakters zu schaffen. Beim Original von 1997 war dies aufgrund diverser Limitierungen natürlich noch nicht in diesem Umfang möglich.

Grafisch eine absolute Augenweide und perfekt optimiert

Vor allem optisch ist Final Fantasy VII Rebirth eine wahre Augenweide. Neben den fantastischen Charaktermodellen sind es vor allem auch die knackigen Texturen und die wundervoll gestaltete Spielwelt, die dieses Abenteuer regelrecht erstrahlen lassen. Man erkennt jede Location des Originals sofort wieder, jedoch sieht das Ganze nun deutlich beeindruckender aus. Das alles schafft Square Enix ohne dabei die Identität und das Feeling des Originals von 1997 zu verlieren.

Auch die technische Umsetzung, speziell für Switch 2, ist über jeden Zweifel erhaben. Denn der Titel sieht auch auf der deutlich schwächeren Switch 2 immer noch wirklich fantastisch aus und läuft mit 30 Frames zudem auch noch ziemlich flüssig über den Bildschirm. Natürlich musste Square Enix hier von den 60 Frames der PS5-, Xbox- und PC-Versionen abweichen, das ist aber auch einfach der geringeren Hardware-Leistung der Switch 2 geschuldet.

Speziell bei der Auflösung macht sich die doch schwächere Hardware der aktuellen Nintendo-Konsole bemerkbar, denn diese fällt eine ganze Ecke niedriger aus als bei den anderen Versionen. Dennoch weiß der Titel auch auf der Nintendo-Konsole zu begeistern und speziell für die doch etwas abgespeckte Mobile-Hardware der Switch 2 ist das Gebotene wirklich absolut beeindruckend. Wer hätte schließlich noch vor ein paar Jahren gedacht, dass ein solch technisch beeindruckender Titel auf einem Handheld-Gerät spielbar sein würde?

Perfekte Synchronisation trifft auf Kult-Soundtrack

Die durchweg fantastische Synchronisation fusioniert wunderbar mit dem kultigen Soundtrack, den man bereits aus dem Original von 1997 kennt. Doch alles wirkt nun deutlich moderner und angepasster. Gerade der Soundtrack dürfte vielen Fans des Originals noch bis heute in den Gehörgängen hängen und zählt wohl bis heute mit zu den ikonischsten Soundtracks der Videospielgeschichte. Ein akustisches Fest für Fans und alle, die es werden wollen.

Legendäres Abenteuer geht in die nächste Runde – nun auch mobil

Bildmaterial: Final Fantasy VII Rebirth, Square Enix

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Titel	007 First Light
	27. Mai 2026
	IO Interactive
	27. Mai 2026
	IO Interactive
	27. Mai 2026
	IO Interactive
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	IO Interactive
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Das James-Bond-Franchise gehört nicht erst seit den in jüngerer Vergangenheit erschienenen Titeln zum festen Bestandteil der Gaming-Welt. Bereits im Jahre 1982 feierte der Doppelnull-Agent seinen Einstand im Gaming-Sektor. Mit „Shaken but Not Stirred“ erschien das erste James-Bond-Videospiel für ZX Spectrum von Sinclair, einem britischen Elektronik-Hersteller.

Daraufhin folgten unzählige weitere Ableger der Reihe für die verschiedensten Plattformen. Mal als Film-Adaption und mal als völlig neu interpretierte Variante des britischen Geheimagenten. Speziell die Titel, die in der jüngeren Vergangenheit erschienen sind, bekamen allerdings oft nur mittelmäßige Kritiken und verschwanden daher auch recht schnell wieder in der Versenkung. Zuletzt erschienene 007-Titel waren beispielsweise das GoldenEye-Remake oder James Bond 007: Blood Stone aus dem Jahre 2010 oder das 2012 erschienene 007 Legends. Dann war es lange Zeit still um den wohl bekanntesten Geheimagenten der Welt.

Im November des Jahres 2020 verkündete der in Dänemark ansässige Entwickler IO Interactive dann das neue „Project 007“. Dieser neue Titel soll eine bisher noch unbekannte Lebensphase von James Bond zeigen. Sozusagen ein Neuanfang des Agenten in der Gaming-Welt. Denn IO Interactive möchte mit diesem neuen Projekt die Vorgeschichte des MI6-Agenten näher beleuchten und den Werdegang von James Bond zu einem Doppelnull-Agenten hin veranschaulichen.

Das geheimnisvolle „Project 007“ wurde im Juni 2025 dann offiziell als „007 First Light“ vorgestellt. 007 First Light erscheint nach vielen Jahren der Warterei nun endlich am 27. Mai für PS5, Xbox Series und PCs. Eine Version für Switch 2 wird ebenfalls erscheinen. Aufgrund nicht näher genannter Umstände wurde diese Switch-2-Version jedoch auf Ende Sommer dieses Jahres verschoben.

Ob das neue Abenteuer rund um den smartesten Agenten der Welt begeistern kann und ob sich ein Kauf lohnt, erfahrt ihr natürlich wie immer in unserem ausführlichen Test.

Das Leben eines Doppelnull-Agenten ist verdammt schwer

In 007 First Light übernehmen wir die Rolle eines noch sehr jungen James Bond. Dieser ist gerade mal 26 Jahre alt und noch sehr unerfahren in der Welt der geheimen Operationen. Während eines brenzligen und eigentlich absolut aussichtslosen Auftrags, aus welchem sich Bond erfolgreich retten konnte, machte dieser mit äußerst mutigen und absolut heldenhaften Entscheidungen auf sich aufmerksam. Natürlich bleiben solche großen Taten nicht ungesehen und so wird auch der britische Geheimdienst „MI6“ auf den jungen Bond aufmerksam.

Da der MI6 stets auf der Suche nach neuen und talentierten Mitarbeitern ist, wird der junge James Bond kurzerhand in eine Art Ausbildungsprogramm für Doppelnull-Agenten aufgenommen. Hier beginnt unsere Reise voller geheimer Missionen, Intrigen und der stetigen Gefahr, die auf unseren Helden lauert.

Ein Spionage-Thriller der Sonderklasse, könnte man sagen, und speziell, was die Präsentation anbelangt, steht 007 First Light den großen Vorbildern der Kinoleinwand in nichts nach. Natürlich sind auch altbekannte James-Bond-Gesichter mit von der Partie. Neben Moneypenny geben sich auch „Q“ und „M“ die Klinke in die Hand. Hier wurden also alle Punkte abgehakt, die 007 First Light zu einem wahrhaftigen Bond-Abenteuer machen.

Berühmte Attentäter-Reihe als Blaupause

Den Hitman-Einfluss merkt man 007 First Light natürlich zu jeder Zeit an. Kein Wunder, denn gerade dieses Projekt war wohl das bisher größte für den dänischen Entwickler IO Interactive. Neben dem optischen Stil, der stark an den letzten Hitman-Teil erinnert, ist es vor allem der Aufbau der Missionen, der einen immer wieder an die Abenteuer des glatzköpfigen Attentäters erinnert.

Bei 007 First Light steht das Observieren und das leise Vorgehen stets an oberster Stelle. Natürlich kann man auf Wunsch auch auf pure Waffengewalt zurückgreifen. Ganz im Stile des britischen Agenten ist das aber natürlich nicht. Leises Vorgehen wird also belohnt und beschert uns am Ende auch das bessere Ergebnis beim Abschluss der Missionen. Die Missionen sind natürlich auch darauf ausgelegt, überlegt und leise angegangen zu werden.

Es gibt allerlei Gadgets und die „Q-Watch“, eine schicke Armbanduhr, ist eines unserer Hauptwerkzeuge. Mit dieser können wir beispielsweise Giftpfeile verschießen, mit dem Laser Gegenstände durchtrennen oder Personen ablenken oder sogar diverse Rauch- und Blendgranaten abfeuern. Ein absolutes Allzweck-Werkzeug und das wichtigste Werkzeug von James Bond. Gerade die Q-Watch ist es, die 007 First Light von einem Hitman abhebt. Denn genau hier kommt die Finesse eines James Bond zum Tragen und so haben wir die Möglichkeit, die Missionen noch vielseitiger und vor allem individueller zu lösen.

Hin und wieder werden die sehr actionlastigen Missionen auch von wilden Verfolgungsjagden mit diversen Vehikeln aufgelockert. Nichts schreit schließlich mehr James Bond als eine ordentliche Verfolgungsjagd, oder? Aber Spaß beiseite, auch diese Fahrmissionen sind spaßig und unterhaltsam ausgefallen und runden das ohnehin schon sehr gute Gesamtbild noch weiter ab.

Auch haben die Entwickler von IO Interactive an die Bond-typischen Ablenkungsmanöver gedacht. Wir können die Gegner beispielsweise verwirren, indem wir eine Aufgabe vortäuschen. Wenn der jeweilige Gegner dann in Reichweite ist, kann man zum finalen Takedown ansetzen um so siegreich aus einer brenzligen Situation zu gehen. Ein tolles Feature, welches Bond-typisch fast schon dazugehört.

Weitere anspruchsvolle Missionen warten im Simulator

Auf Wunsch kann man außerdem verschiedenste Missionen im Simulator des MI6-Hauptquartiers absolvieren. Hier werden dann vor allem die einzelnen Schwerpunkte wie beispielsweise diverse Schleichmechaniken gefordert.

Diese Simulator-Missionen können teilweise ganz schön knackig ausfallen und hier ist wirklich Beherrschung gefragt, um während der hektischen Missionen einen kühlen Kopf zu bewahren. Eine ganz besondere Extra-Herausforderung für alle, die nach dem Beenden der Story noch nicht genug Bond-Luft geschnuppert haben.

Manchmal etwas planlos unterwegs

Der einzige große Kritikpunkt, den ich speziell am Missionsdesign von 007 First Light habe, ist die Tatsache, dass ich oft nicht wusste, wo ich denn jetzt gerade hingehen soll oder was genau von mir verlangt wird. Zu oft bin ich minutenlang die Locations abgelaufen, nur um am Ende auf das eigentlich Offensichtliche zu stoßen. Hier wäre hier und da vielleicht ein Wink in die richtige Richtung gut gewesen.

Optischer Leckerbissen mit etwas angestaubter Engine

Im Großen und Ganzen kommt 007 First Light wirklich schick daher. Wunderschöne Locations treffen auf knackige Effekte, scharfe Texturen und mehr als ordentliche Charaktermodelle. Ein rundes Gesamtpaket also, an dem es wirklich wenig zu mäkeln gibt.

Das Spiel läuft auf der hauseigenen „Glacier“-Engine, auf welcher bereits Titel wie Deus Ex: Mankind Divided oder auch die letzten Hitman-Ableger liefen. Das merkt man 007 First Light auch ein wenig an. Denn hier und da merkt man deutlich, dass technisch heutzutage auch etwas mehr drin gewesen wäre in Sachen grafischer Präsentation. Nichtsdestotrotz sieht 007 First Light wirklich sehr gut aus und lässt optisch nur wenige Wünsche offen.

007 First Light lief während unserer Testphase außerdem stets mit flüssigen 60 FPS über den Bildschirm. Neben dem Performance-Modus gibt es auch einen Qualitäts-Modus mit 30 FPS und einer höheren Auflösung. Auch im Performance-Modus sieht 007 First Light allerdings sehr gut aus und die etwas geringere Auflösung fällt einem höchstens bei der etwas unschärferen Weitsicht auf.

Kultiger Soundtrack trifft auf Synchronisation auf Hollywood-Niveau

Der absolut kultige James-Bond-Soundtrack trifft auf knackige und ordentlich abgemischte Soundeffekte und eine fantastische Synchronisation auf Hollywood-Niveau. Gerade die englischen Sprecher geben wirklich alles und verleihen dem Titel das gewisse Etwas. Während des gesamten Abenteuers wird das extrem hohe Niveau in Sachen Synchronisation gehalten und somit kann man 007 First Light wirklich als ebenbürtig zu den Kino-Adaptionen bezeichnen. Qualitativ ist das hier Abgelieferte erste Güte.

Auch passt der gesamte Soundtrack stets zur jeweiligen Situation und verleiht den jeweiligen Situationen wahrhaftiges Kino-Feeling. Besser könnte man einen Soundtrack quasi nicht auswählen. Aber wir reden hier ja schließlich auch von einem James-Bond-Abenteuer. Das Beste ist also gerade gut genug.

Spannendes Agenten-Abenteuer auf Oberklasse-Niveau

Bildmaterial: 007 First Light, IO Interactive

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Titel	Directive 8020
	12. Mai 2026
	Supermassive Games
	12. Mai 2026
	Supermassive Games
	12. Mai 2026
	Bandai Namco
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Supermassive Games
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Videospiele, die ihren Fokus in erster Linie auf eine ausschweifende und extrem atmosphärische Erzählung der Story legen und andere Aspekte, wie beispielsweise ein komplexes Kampfsystem, außen vor lassen, liegen immer noch schwer im Trend.

Nicht erst seit Heavy Rain weiß man, dass eine gut erzählte Story so manche Actioneinlage ersetzen und vielleicht sogar toppen kann, speziell in emotionaler Hinsicht. So gab es neben weiteren Titeln aus dem Hause Quantic Dream, den Entwicklern hinter Heavy Rain, auch andere Publisher und Entwickler, die sich an diesem neu entdeckten Genre versuchen wollten.

Mit der „Dark Pictures“-Reihe schuf der britische Entwickler Supermassive Games gleich eine ganze Reihe solcher Titel und bewies somit erneut, dass eine gut geschriebene Story eben doch so manches Actionfeuerwerk ersetzen kann. Mit „Man of Medan“ startete die Reise des britischen Entwicklers.

In den folgenden Jahren folgten mit „Little Hope“, „House of Ashes“ und „The Devil in Me“ gleich mehrere Nachfolger und somit auch Ableger der „Dark Pictures“-Reihe. Mit „Switchback VR“ wagte man sich im Jahre 2023 sogar in Virtual-Reality-Gefilde auf PlayStation VR2.

Der neueste Streich des Entwicklers Supermassive Games hört auf den mysteriösen Titel „Directive 8020“ und ist ein Sci-Fi-Abenteuer, bei welchem der Hauptfokus erneut auf einer spannend erzählten Story liegt. Ob dem britischen Entwickler dieser Sci-Fi-Ausflug gelang und ob Directive 8020 an die Qualitäten früherer Dark-Pictures-Ableger anknüpfen kann, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Test.

Im Weltraum hört dich niemand schreien

Das Raumschiff „Cassiopeia“ wird auf eine Aufklärungsmission geschickt um Informationen und Daten über den Planeten „Tau Ceti f“ zu sammeln. Dieser vielversprechende Planet, der die letzte Hoffnung der Menschheit zu sein scheint, wird ungefähr zwölf Lichtjahre von der Erde entfernt vermutet. Aufgrund einer tragischen Katastrophe ist die Erde dem Untergang geweiht und folglich sucht die Menschheit nun nach einem neuen, bewohnbaren Planeten, welcher der Erde in Art und Lebensbedingungen ähnelt.

Nach einem tragischen Vorfall kommt es allerdings zu einem technischen Defekt des Schiffes und die fünfköpfige Besatzung der Cassiopeia sieht sich nun mit einer völlig neuen Art der Bedrohung konfrontiert. Eine spannende und durchaus unheimliche Geschichte entfaltet sich und wir müssen stets wachsam sein und immer wieder weitreichende Entscheidungen treffen, welche die Geschichte und auch das Schicksal der Crew maßgeblich beeinflussen könnten.

Spannend erzählte Story trifft auf leichte Gameplayeinlagen

Der Fokus von Directive 8020 liegt, wie auch schon bei anderen Ablegern der Dark-Pictures-Reihe, ganz klar auf der spannend erzählten Story. Mit seinen, oft extrem unheimlichen, Survival-Horror-Vibes weiß auch der neueste Teil der Reihe zu begeistern und schafft es gekonnt den Spieler innerhalb kürzester Zeit in seinen Bann zu ziehen.

Wir übernehmen im Verlauf des Spiels die Kontrolle über jeden der fünf Charaktere der Crew und steuern diese, wie man es von der Reihe gewohnt ist, aus der Third-Person-Perspektive. Die Gameplayeinlagen fallen, auch hier wieder typisch für die Reihe, eher simpler aus, da der Fokus ganz klar auf der Erzählung der Story liegt. Actionreiche Szenen werden oft per Quick-Time-Event gesteuert.

Hier verlangt das Spiel also eine schnelle Reaktion von uns, da wir innerhalb eines bestimmten Zeitfensters eine oder mehrere angedeutete Tasten zur richtigen Zeit drücken müssen. Schafft man dies nicht, bedeutet das oft den Tod des Charakters. Dieser ist fortan aus dem Spiel geschieden und die Geschichte läuft ohne diesen Charakter weiter. Je nach Spielstil und ob man während dieser entscheidenden Szenen erfolgreich oder nicht erfolgreich ist, ändert sich dann natürlich auch der Ablauf der Geschichte und somit natürlich auch das Ende.

Erstmals in der Geschichte der Dark-Pictures-Reihe haben wir nun jedoch auch die Möglichkeit, das Spielgeschehen zurückzuspulen, um bereits begangene Fehler zu korrigieren und die Geschichte in eine positivere Richtung zu lenken. Dieses Feature lässt sich zu Beginn des Abenteuers jedoch auch komplett deaktivieren, somit bleiben Entscheidungen und Fehler, die während eines Spieldurchgangs gemacht werden, dauerhaft bestehen. Eine zusätzliche Herausforderung vor allem für Kenner der Reihe. Speziell Serien-Neulingen kommt dieses neue Feature natürlich sehr gelegen.

Neu sind nun auch diverse Stealth-Passagen. Hier müssen wir uns gezielt bewegen und uns vor allem leise verhalten, damit die jeweilige Situation nicht eskaliert und unser Charakter die drohende Gefahr wohlbehalten übersteht. Ein nettes neues Feature, welches der Reihe etwas frischen Wind verleiht und das mittlerweile doch recht altbekannte Gameplay etwas auflockert.

Speziell in Sachen Spannung und Nervenkitzel sind es gerade diese Stealth-Passagen, die den Puls zum Ansteigen bringen. Mit der absolut beklemmenden Atmosphäre eines Little Hope kann Directive 8020 zwar nicht ganz mithalten, dennoch weiß der Titel durchaus mit spannenden und beklemmenden Situationen zu begeistern. Das Sci-Fi-Abenteuer konnte uns somit nicht nur ein Mal das Fürchten lehren.

Innovativer Mehrspielermodus wieder mit an Bord

Auch der aus den Vorgängern der Reihe bekannte Mehrspielermodus „Filmabend“ ist hier wieder mit an Bord. In diesem Modus können bis zu fünf Spieler im Koop-Modus oder erstmals in der Reihe auch online miteinander spielen.

Gerade in diesem Genre ist ein Multiplayer-Modus doch recht unüblich, daher ist es umso erfreulicher und löblicher, dass sich die Entwickler von Supermassive Games für die Implementierung eines solchen entschieden haben. Wegweisend für das Genre, könnte man sagen.

Optisch ansprechend, aber leider nicht atemberaubend

Aus grafischer Sicht wirkt Directive 8020 zwar durchaus ordentlich, aber leider nicht bahnbrechend umgesetzt. Gerade die Charaktermodelle und deren Gesichter wirken durchaus hochwertig. Speziell die Mimik der Charaktere ist hier positiv hervorzuheben, da diese auch extrem wichtig für die Atmosphäre eines solchen Titels ist.

Leider fehlt es dem Ganzen jedoch etwas an grafischem Bombast. Gerade im Sci-Fi-Sektor hat man schon deutlich schönere und eindrucksvollere Spielwelten gesehen. Hier wäre also definitiv mehr drin gewesen. Speziell die Texturen des Schiffes wirken oft etwas trist. Dafür ist die absolut stimmige Beleuchtung der Areale oft ein Augenschmaus. Hier wurde wirklich alles für eine beklemmende Lichtstimmung getan.

Der Titel lief außerdem stets mit absolut flüssigen 60 Frames über den Bildschirm und auch sonst stießen wir während unserer Testsession auf keinerlei technische Probleme. Handwerklich also durchaus gut und sauber gemacht lässt sich an den optischen Qualitäten des Titels nur recht wenig ankreiden.

Ordentliche Soundeffekte und eine gute Synchronisation runden das Bild ab

Neben den absolut sauber und gut umgesetzten Soundeffekten und stimmigen Klangteppichen ist es vor allem die Synchronisation, die dem Titel die nötige Atmosphäre verleiht. Diese Synchronisation fällt bei Directive 8020 meist gut bis ziemlich ordentlich aus. Hin und wieder gibt es auch mal kleinere Ausreißer nach unten.

Alles in allem erwartet uns hier aber ein durchaus stimmiges Abenteuer, welches mit etwas mehr Aufwand vielleicht noch einen Tick besser hätte werden können. Speziell in Sachen Synchronisation wäre hier noch deutlich Luft nach oben gewesen. Das ist aber wie so oft vielleicht auch einfach eine Sache des Budgets.

Spannendes und unheimliches Sci-Fi-Abenteuer mit Entscheidungsfreiheit

Bildmaterial: Directive 8020, Bandai Namco, Supermassive Games

Der Beitrag Im Test! Directive 8020 lehrt uns mit einer spannend erzählten Story das Fürchten erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Starfield
	7. April 2026
	Bethesda Softworks
	7. April 2026
	Bethesda Softworks
	7. April 2026
	Bethesda Softworks
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Bethesda Game Studios
Genres	Action-Rollenspiel
Texte
Vertonung

Das Sci-Fi-Action-RPG Starfield aus dem Hause Bethesda galt in den letzten Jahren als einer der Hype-Titel schlechthin. Das gigantisch anmutende Rollenspiel versprach uns in bisher nie dagewesene Spielwelten zu entführen und uns mit einer schier endlos anmutenden Spielwelt förmlich zu erschlagen. Quasi ein No Man’s Sky mit ausgefeilterer Story und einem ernsteren Setting.

Ursprünglich erschien der Titel am 6. September 2023 für Xbox Series und PCs. Ursprünglich sollte der Titel auch Xbox- und PC-exklusiv bleiben, doch nach dem rasanten Kurswechsel in Sachen Exklusivität, den Microsoft in den letzten Jahren gefahren hat, entschied man sich beim US-Konzern dafür, Starfield doch auch PlayStation-Spielern zugänglich zu machen. In erster Linie war dies wohl vor allem eine finanzielle Entscheidung, die dazu geführt hat, dass Starfield nun mit etwas Verspätung doch noch auf Sonys aktueller Konsole erscheint.

Wir haben uns diese neu erschienene PS5-Version ausgiebig angeschaut und verraten euch natürlich auch, ob sich ein Kauf des Sci-Fi-Abenteuers lohnt und ob Starfield auf den üblichen Bethesda-Stärken aufbauen kann oder ob sich die Entwickler mit diesem massiven Action-Rollenspiel vielleicht doch etwas übernommen haben.

Starfield ist seit dem 7. April für PlayStation 5 erhältlich. Für Xbox- und PC-Spieler ist der Titel, wie bereits erwähnt, natürlich schon seit 2023 erhältlich.

Seichte Story trifft auf seichte Quests

Die Geschichte von Starfield handelt von einem mysteriösen Artefakt, welches von der Organisation „Constellation“ zu Forschungszwecken gesucht wird. Verstreut in der gesamten Galaxis befinden sich diese Artefakte, die es zu finden gilt, um letztendlich dem großen Geheimnis dahinter auf die Spur zu kommen.

Unser selbsterstellter Charakter macht sich nun auf die Suche nach besagten Artefakten und gerät dabei immer wieder zwischen die Fronten verschiedener verfeindeter Fraktionen. Neben dem „Freestar Collective“ möchten auch die „United Colonies“ die Vorherrschaft über die Galaxis innehaben und zu allem Übel gibt es natürlich auch Space-Piraten, die uns das digitale Leben zur Hölle machen möchten. Auch kleinere Fraktionen mischen hier mit und der ohnehin schon recht instabile Frieden, der seit dem Ende der Kolonialkriege herrscht, steht stets auf der Kippe und die Galaxis somit am Rande eines erneuten Krieges.

Diese verschiedenen Fraktionen dienen gleichzeitig als Questgeber und so können wir unterschiedliche Missionen für die unterschiedlichsten Fraktionen absolvieren. Je nachdem auf welche Seite wir uns stellen, haben die Missionen auch unterschiedliche Ausgänge. Das klingt im ersten Moment zwar vielseitig und abwechslungsreich, im Endeffekt hat der Ausgang der Quests allerdings doch recht wenig Einfluss auf die Hauptquest – die Suche nach den Artefakten. Das ist schade und hier wäre definitiv mehr Tiefgang in Sachen Quests und Storyverlauf möglich gewesen. Speziell von Bethesda ist man eigentlich deutlich höherwertige Storykost gewohnt.

Typisches Bethesda-Rollenspiel mit vielen Ecken und Kanten

Eine der größten Stärken von Starfield kann gleichzeitig auch als die größte Schwäche bezeichnet werden – die schier unendliche Weite und Größe dieses Sci-Fi-Abenteuers. Von Sekunde eins an hat man das Gefühl in einer schier endlosen Spielwelt unterwegs zu sein. Die Freiheit jederzeit von Planet A nach Planet B zu reisen oder eben eine komplett andere Route einzuschlagen, fühlt sich in den ersten Spielstunden wirklich fantastisch an. Im weiteren Spielverlauf merkt man jedoch, wie leer und belanglos die Spielwelt und die Planeten im Vergleich zu den Story-relevanten Orten ausgefallen sind.

Die Planeten und Orte, die man während der Hauptquests bereist, fallen meist wirklich ordentlich und spannend gestaltet aus. Hier spürt man deutlich, auf welche Locations viel Wert gelegt wurde und auf welche nicht. Irgendwo muss man bei einem Spiel dieser Größe allerdings auch Abstriche machen, denn so eine gigantische Spielwelt lässt sich schließlich nur schwer mit ausreichend Inhalt füllen ohne am Ende befremdlich zu wirken. Zu viel Content wäre negativ auffallend gewesen und zu wenig schließlich auch. Eine schmale Gratwanderung bei einem Titel dieser Größe.

Fallout in Space

Gameplaytechnisch fühlt sich Starfield an wie ein Fallout im Weltraum. Die Menüs funktionieren ähnlich, das Gunplay fühlt sich fast eins zu eins an wie bei einem Fallout-Ableger und auch die schier endlose Item-Flut an mal mehr und mal weniger wichtigen Gegenständen ist hier vorhanden. Bethesda-Fans fühlen sich also sofort heimisch und sollten bestens mit dem System zurechtkommen. Bethesda-Neulinge oder unerfahrene Spieler könnten sich von der schier endlosen Anzahl an Menüs aber schon etwas überfordert fühlen.

Auch das vielversprechende Schiffebau-Feature, für das Starfield vor Release so gelobt wurde, ist nach wie vor vorhanden und es macht auch nach wie vor wirklich viel Spaß sein eigenes Raumschiff zu erstellen und anzupassen. Die unterschiedlichen Bauteile müssen im Spielverlauf allerdings nach und nach freigeschaltet werden um wirklich Freiheit bei der Erstellung der Schiffe zu haben. Denn neben unterschiedlicher Bewaffnung lässt sich auch so ziemlich alles andere an den Schiffen modifizieren. Am Ende eines jeden Umbaus gibt es dann eine Art Machbarkeits-Diagramm, welches uns verdeutlicht, ob das Schiff in diesem Zustand überhaupt flugfähig ist oder nicht. Ein wirklich cooles Feature.

Man absolviert so nun also Quest für Quest und kann sich, speziell wenn man auf Nebenquests Lust hat, auch auf etwas schrägere Missionen freuen. Der typische Bethesda-Charme und -Humor ist also auch bei Starfield vorhanden, nur eben nicht auf Fallout-Niveau. Natürlich gibt es auch die aus anderen Bethesda-Titeln bekannten Arbeitsstationen, an welchen man die Waffen und Rüstungen aufwerten und modifizieren kann, und auch Chemie-Stationen dürfen nicht fehlen. Hier kann man beispielsweise diverse Items wie Heilgegenstände oder diverse Booster herstellen.

Levelsystem auf Bethesda-Art

Das Levelsystem, welches Bethesda hier verbaut hat, ist etwas abgeschwächt im Vergleich zur Fallout-Reihe ausgefallen. Wir vergeben bei Starfield also keine Punkte für Charisma, Stärke, Ausdauer und andere Attribute, sondern verteilen das neu erhaltene Level quasi direkt auf die diversen Perks. Am ehesten vergleichbar ist das System von Starfield mit dem Perk-System aus Fallout 4.

In Sachen Levelsystem kann man Starfield auf jeden Fall als etwas vereinfachter beschreiben im Vergleich zur Fallout-Reihe. Im Endeffekt funktioniert das System aber ganz gut. Letztendlich hat das Levelsystem ohnehin nur recht wenig Auswirkung auf das Gameplay selbst.

Das Free-Lanes-Update beschert uns neue immersive Flugmechanik

Dank des ebenfalls in der PS5-Version enthaltenen „Free Lanes“-Updates haben wir nun die Möglichkeit, anders als es ursprünglich noch vorgesehen war, den Weltraum frei zu bereisen. Denn die Weltraumkarte wurde nun in zwei Ebenen aufgeteilt. Eine Detail-Ebene, in der wir Planeten direkt anfliegen können und uns in dessen näherer Umlaufbahn befinden, und eine weiter entfernte Ebene, in welcher wir den Raum frei erkunden können und nahtlos von einem Planeten zum anderen reisen können.

Um die technische Limitierung in Sachen Weltraum zu umgehen, hat man sich bei Bethesda dann also für ein zweilagiges Kartensystem für den Weltraum entschieden. Anfangs etwas gewöhnungsbedürftig ergibt es allerdings schon nach kurzer Zeit Sinn und man kann sich mit dieser Mechanik durchaus anfreunden. Das Free-Lanes-Update gibt es gratis zum Kauf der PS5-Version dazu.

Der DLC „Shattered Space“ ist ebenfalls enthalten

Wie es sich für ein ordentliches Gesamtpaket gehört, ist auch der ursprünglich am 30. September 2024 erschienene Story-DLC „Shattered Space“ in der PS5-Version enthalten. Diesen kann man allerdings nur spielen, wenn man sich für die „Premium-Edition“ von Starfield entscheidet. Andernfalls muss der DLC separat im PlayStation Store zum Preis von 19,99 Euro erworben werden.

Grafisch immer noch toll anzusehen und sauber umgesetzt

Die PS5-Portierung von Starfield ist technisch auf jeden Fall sehr ordentlich ausgefallen. Der Titel wurde seit dem Release im Jahre 2023 ohnehin ständig gepatcht und verbessert. Mittlerweile läuft Starfield aber wirklich sehr rund und auch optisch macht das Sci-Fi-Abenteuer wirklich was her. Speziell beim Gang über die Planetenoberflächen weiß die Optik wirklich zu begeistern.

Die Texturen und Modelle wirken fast schon Bethesda-typisch sehr ordentlich, aber nicht völlig bahnbrechend. Aufgrund der massiven Größe des Titels wäre mehr aber wahrscheinlich auch nicht drin gewesen ohne die Framerate völlig zu versauen.

Starfield lief während unserer Testphase die meiste Zeit mit butterweichen 60 Frames. Ausnahmen stellen hier jedoch Szenen mit vielen Gegnern oder sehr belebte Außenbereiche, wie beispielsweise in der Hauptstadt „New Atlantis“, dar. Man hat außerdem die Wahl zwischen einem Performance-Modus mit 60 FPS oder einem Qualitätsmodus mit 30 oder variablen Frames. Jeder Spieler kann so das für sich beste Spielerlebnis austarieren. Auch VSync kann auf Wunsch abgeschaltet werden. So könnte man theoretisch noch ein oder zwei Frames rausholen, aber natürlich dann auf Kosten der Bildqualität.

Auch tontechnisch hochwertige Kost

Tontechnisch macht Starfield ebenfalls eine ordentliche Figur. Die Melodien und Klangteppiche fallen durchweg ordentlich und stimmig aus und auch die Synchronsprecher leisten einen durchweg ordentlichen Job, an dem es wenig zu mäkeln gibt.

Speziell die Soundeffekte der Waffen können sich hören lassen und wie auch schon bei der Fallout-Reihe fallen diese auch bei Starfield durchschlagend und wirklich wuchtig aus. Das A und O für einen Titel, der so sehr auf Shooter-Mechaniken setzt, wie es bei Starfield der Fall ist.

Ein actiongeladener Space-Ausflug mit schier unendlichen Weiten

Bildmaterial: Starfield, Bethesda

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Titel	Pragmata
	17. April 2026
	Capcom
	17. April 2026
	Capcom
	17. April 2026
	Capcom
System	PlayStation 5, Xbox Series, Switch 2, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Capcom
Genres	Third-Person-Action-Adventure
Texte
Vertonung

Neue IPs haben es heutzutage immer schwerer Fuß zu fassen in einem schier endlosen Meer aus altbekannten und etablierten Marken oder Indie-Titeln, die ohnehin in einer eigenen Kategorie zuhause sind und oft mit einem gänzlich anderen Auge betrachtet werden. Speziell im Triple-A-Bereich, in dem die Budgets mittlerweile extrem hoch angesetzt werden, sind immer weniger Publisher bereit, viel Geld in ein noch unbekanntes Franchise oder eine neue Marke zu investieren.

Umso erfreulicher ist es daher, dass sich doch immer wieder große Publisher und Entwickler wie Capcom an neue Marken herantrauen und obendrein auch bereit sind, ein ordentliches Budget für die Entwicklung ebenjener Titel springen zu lassen.

Eine dieser gänzlich neuen IPs des japanischen Publishers und Entwicklers Capcom ist das Sci-Fi-Abenteuer Pragmata. Pragmata mag auf den ersten Blick zwar aussehen wie ein typischer Third-Person-Shooter, wie es sie schon zur Genüge gibt, dennoch versteckt sich hinter der scheinbar altbekannten Fassade ein spannendes Hacking-Abenteuer, welches mit einem einfachen, aber doch irgendwie genialen Gameplay-Kniff frischen Wind in das angestaubte Genre bringt.

Pragmata erscheint am 17. April für PS5, Xbox Series, Switch 2 und PCs. Ob sich das Warten auf den vielversprechenden Titel gelohnt hat, erfahrt ihr wie immer in unserem ausführlichen Review.

Eine von der Außenwelt abgeschnittene Forschungsstation und ein neuartiges Material

Die Geschichte von Pragmata spielt in einer gar nicht mal so weit entfernten Zukunft. Die Menschheit hat einen gänzlich neuen Rohstoff entdeckt, das sogenannte „Lunum“. Mit Hilfe von Lunum konnte nach einiger Forschungsarbeit das neuartige Material „Lunafilment“ erschaffen werden.

Eine Art Material, welches dazu benutzt wird, mit teils gigantischen „Druckanlagen“ verschiedenste Gegenstände, Gebäude oder auch andere Dinge zu erschaffen. Einzig eine Vorlage dessen, was man kreieren möchte, ist notwendig, um der Druckanlage vorzuschreiben, was sie zu bauen hat. Wie bei einem 3D-Drucker der aktuellen Zeit, könnte man sagen.

Eines Tages ging der Kontakt zwischen der Erde und dieser Forschungsstation, die sich auf dem Mond befindet, jedoch verloren. Ein Team aus Spezialisten wurde umgehend entsandt um sich diesem Problem anzunehmen und dem merkwürdigen Kontaktabbruch auf den Grund zu gehen.

Kurz nach dem Eintreffen dieses Teams gab es jedoch ein Mondbeben. Also eine Erschütterung des Mondes. Hugh Williams, unser Hauptcharakter, wurde durch ebendieses Mondbeben von seinem Team getrennt. Im bewusstlosen Zustand wird Hugh jedoch von einem kleinen Mädchen, einem mysteriösen Androiden, gerettet und wiederhergestellt. Sie ist ein Pragmata, ein Geschöpf, welches mit Hilfe von Lunafilment erschaffen wurde und eine künstliche Intelligenz besitzt. Speziell die sehr emotional präsentierte Beziehung zwischen Hugh und dem Mädchen wurde wirklich toll umgesetzt.

Von hier aus nimmt die spannende Geschichte rund um die Erkundung dieser gigantischen Mondbasis nun ihren Lauf. Seite an Seite mit dem äußerst menschlich anmutenden Androiden muss Hugh die seltsamen Vorkommnisse auf der Basis nun also ohne die Hilfe seines Teams untersuchen.

Third-Person-Action mit dem besonderen Etwas lockert das Genre auf

Pragmata ist im Kern ein Third-Person-Shooter, wie man ihn erwarten würde. Actiongeladene Kämpfe wechseln sich mit ruhigeren Erkundungsphasen ab. Die Story wird mit Hilfe vieler Cutscenes, aber auch anhand vieler in der Welt verstreuter Schriftstücke wie E-Mails und andere Dokumente erzählt. So weit, so gewöhnlich, könnte man sagen.

Dann kommt jedoch die größte Besonderheit von Pragmata zum Tragen. Das ausgefeilte Hacking-System, das die Kämpfe auflockert und ihnen einen völlig neuen Touch verleiht. Greift man die unzähligen Gegner beispielsweise einfach auf normalem Wege an, nehmen diese kaum Schaden. Man muss die Schutzmechaniken der mechanischen Gegner per Hacking-Tool erst umgehen und verschafft sich somit ein kurzes Zeitfenster, in welchem die Gegner deutlich verwundbarer sind.

Gerade am Anfang des Abenteuers empfindet man das Hacken noch als recht einfach umsetzbar. Interessant und fordernd wird das Ganze aber im weiteren Spielverlauf, wenn man sich mehrerer Gegner gleichzeitig erwehren muss und diese ganz nebenbei ja auch immer erst noch hacken muss. Multitasking wird bei Pragmata also großgeschrieben und man muss während der teils wirklich hektischen Situationen stets einen kühlen Kopf bewahren um Herr über die jeweilige Situation zu bleiben. Die Hacking-Mechanik ist also definitiv das große und herausstechende Feature von Pragmata.

Anders als man im ersten Moment vielleicht denken möchte, erwartet uns mit Pragmata also alles andere als ein typischer 08/15-Third-Person-Shooter. Das Zusammenspiel aus Atmosphäre, den toll geschriebenen Dialogen zwischen Hugh und dem Androiden-Mädchen und der neu eingeführten Hacking-Mechanik runden das Gesamtpaket gekonnt ab und machen Pragmata zu einem wirklich tollen Titel, den man auf jeden Fall gespielt haben sollte.

Auch optisch ein außerirdischer Leckerbissen der Oberklasse

Speziell die optische Präsentation von Pragmata kann sich wirklich sehen lassen. Wunderbar kühl und steril fühlt sich die Mondbasis in den ersten Spielminuten an. Im weiteren Spielverlauf verändern sich die Locations natürlich auch etwas, was zusätzliche optische Abwechslung mit sich bringt und den äußerst sterilen Look etwas auflockert.

Neben den tollen Texturen und Modellen sind es speziell die fantastischen Lichteffekte, die dem Abenteuer nicht selten die optische Krone aufsetzen und das grafische Erlebnis abrunden. Vor allem die Animationen der Charaktere konnten mich vollstens überzeugen, denn diese fühlen sich fast schon butterweich und geschmeidig an.

Pragmata lief während unserer Testsession im Performance-Modus auf PlayStation 5 außerdem stets mit flüssigen 60 Frames über den Bildschirm und auch mit lästigen Vsync-Störungen mussten wir uns zu keiner Sekunde beschäftigen. Auf Wunsch kann Pragmata auch in einem Qualitätsmodus mit höherer Auflösung gespielt werden. Hier muss man sich dann allerdings mit 30 Frames begnügen.

Ein wirklich rundes grafisches Erlebnis, welches einmal mehr beweist, dass sich technische Optimierung eben doch auszahlt. Nicht selten erscheinen Spiele heutzutage ja vor allem technisch in unsauberem Zustand und erst nach vielen Updates werden die Titel dann überhaupt erst richtig spielbar. Das ist bei Pragmata jedoch keinesfalls der Fall und sollte auf jeden Fall löblich erwähnt werden.

Durchschlagende Soundeffekte und eine fantastische Synchronisation verwöhnen die Ohren

Auch tontechnisch feuert Pragmata aus allen Rohren. Neben den eher ruhigen und atmosphärischen Klangteppichen dreht der Sound vor allem in den hitzigen und fordernden Kämpfen auf und verleiht der jeweiligen Situation somit noch mehr Durchschlagskraft. Die fantastisch umgesetzten Soundeffekte wirken zudem wuchtig und stets passend und untermauern das Actiongeladene zusätzlich gekonnt.

Auch die gesprochenen Dialoge sind absolut hochwertig umgesetzt und speziell die englischen und japanischen Sprecher geben wirklich alles um dieses Sci-Fi-Abenteuer so authentisch wie möglich wirken zu lassen. Wirklich vorbildlich und absolut auf Triple-A-Niveau.

Auch die deutschen Sprecher wirken durchaus kompetent, kommen meiner Meinung nach aber keineswegs an die englischen oder japanischen Sprecher heran. Ich bin aber im Allgemeinen überhaupt kein Fan deutscher Synchronisierungen.

Spannendes Space-Abenteuer mit besonderem Gameplay-Kniff und toller Atmosphäre

Bildmaterial: Pragmata, Capcom

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