Gespielt haben wir die Demo am PC mit Controller. Zur Veröffentlichung soll es eine PC- und Mobil-Version geben, inzwischen wurde auch eine Konsolen-Version angedeutet. Einen Termin gibt es noch nicht. In der Messe-Demo hatten wir die Möglichkeit einen kurzen Story-Modus, den Challenger Mode, ein spezieller Boss-Gegner, sowie einen Erkundungs-Modus auszuprobieren.

Actiongeladene Kämpfe

Während Genshin Impact für sein actionbasiertes Gameplay bekannt ist und Honkai Star Rail mit einem rundenbasierten Ansatz ins Rennen ging, setzt Zenless Zone Zero wieder voll auf ein actionreiches Kampfsystem. Meiner Meinung nach setzt der neue Ableger nochmal eine ganze Schippe drauf, was die Action angeht.

Kämpfe gingen dabei sehr flott von der Hand, da ihr ein Team von bis zu drei Charakteren befehligt. Primär wird aber immer nur ein Charakter direkt gesteuert und durch eine ausgefeilte Wechselmechanik können Combos über mehrere Charakter hinweg ausgeführt werden. Es gibt sogar einen Angriff, den man im exakten Moment auslöst, wenn man einen Charakter wechselt.

Das Spiel hebt auch besonderes günstige Momente mit dem Hinweis „Switch Attack“ hervor. Diese Mechanik verleiht dem Spiel ein besonderes Feeling und lädt zum Experimentieren ein, was das Kombo-Potential auf ungeahnte Höhen bringt.

Natürlich dürfen auch Spezialattacken nicht fehlen und wenn man das richtige Timing beim Ausweichen beherrscht, dann ist es sogar möglich einen Gegenangriff auszuführen. Einzig eine Möglichkeit, die HP zu heilen habe ich in dem Demo-Teil vermisst, da gab es zumindest keine Möglichkeit. Ihr spielt dann so lange, bis der letzte der maximal drei Charakteren, ins Gras beißt oder ihr alle Gegner besiegt habt. Hier bin ich sehr gespannt, ob es im Hauptspiel noch Möglichkeiten gibt, oder ob dies tatsächlich so gewollt ist.

Im Story-Modus, der in einem charmanten Comic-Stil erzählt wird und sich um die Charakter Anby, Bill und Nicole drehte, konnten die ersten Tutorial-Kämpfe bewältigt werden. Zudem stand im Challenger-Mode ein kleiner Boss-Gegner zur Verfügung. Dieser konnte mit einer Reihe an Charakteren, die bereits zur Verfügung standen, besiegt werden. Dies gab einem die Möglichkeit viel auszuprobieren, sowie die Stärken und Schwächen diverser Charakter auszutesten.

Persona-Vibes im Erkundungs-Modus

Ein besonderes Highlight war der Story-Modus. Hier kam allein schon vom Design ein sehr intensives Persona-Feeling auf. Im Erkundungs-Modus erkunden wir die Stadt New Eridu, die vollgepackt ist mit diversen Aktivitäten. In der sogenannten „Sixth Street“ kann man unter anderem einen Vintage Music Shop, einen Ramen-Shop, sowie ein Arcade-Video-Shop vorfinden. Vor allem an den Arcade-Automaten kann man wahrscheinlich sehr viel Zeit mit den vielen Minispielen verbringen. Eine Anzeige mit Wochentag und Tageszeit oben links, lässt darauf schließen, dass bestimmte Aktivitäten nur zu bestimmten Zeiten durchzuführen sind.

Wird Zenless Zone Zero ebenso überzeugen?

Bildmaterial: Zenless Zone Zero, Hoyoverse

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Switch-Nachfolger hinter verschlossenen Türen

Hinter verschlossenen Türen schien Nintendo aber sehr wohl noch spannende Enthüllungen gemacht zu haben. Wie Eurogamer berichtet, scheinen Entwicklerpräsentationen für den Switch-Nachfolger stattgefunden zu haben. Hier soll Nintendo Partnern Tech-Demos präsentiert worden sein, welche die Leistung der „Switch 2“ – wie Eurogamer die Nachfolger-Konsole in ihrem Artikel nennt – zur Schau stellten.

Eine der gezeigten Demos sei eine aufgebohrte Version des Switch-Launchtitels The Legend of Zelda: Breath of the Wild, die darauf ausgelegt sei, die anspruchsvolleren Zielspezifikationen der Switch 2 zu erfüllen. Eurogamer weist darauf hin, dass es sich um eine technische Demo handle – es gäbe keinen Hinweis darauf, dass der Titel erneut veröffentlicht werde.

VGC pflichtet dem Eurogamer-Bericht bei und habe dafür eigene Quellen. Hier wird ergänzt, dass außerdem die Tech-Demo „The Matrix Awakens“, basierend auf der Unreal Engine 5, präsentiert worden sein soll. Abgestimmt auf die Zielspezifikationen der neuen Hardware.

Schon vor einigen Tagen hatte Jez Corden, Managing Editor bei Windows Central, eine ähnliche Meldung beim Kurznachrichtendienst X verbreitet. Er habe kürzlich „Gerüchte gehört“, wonach die „neue Switch möglicherweise hinter verschlossenen Türen“ bei der Gamescom gezeigt oder besprochen wurde.

Nintendo hat sich bislang nicht öffentlich zu einem Switch-Nachfolger geäußert. Erst kürzlich wiesen Medienberichte jedoch darauf hin, dass EntwicklerInnen bereits mit Dev-Kits versorgt worden seien. Eine Veröffentlichung der Konsole sei zudem für die zweite Jahreshälfte 2024 angedacht – alles Wissenswerte lest ihr hier.

Bildmaterial: Mario + Rabbids Sparks of Hope, Ubisoft

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Zu zweit durch eine trostlose Welt

In Koira spielt ihr ein Mädchen, das einen Hund rettet. Im Verlauf des Spiels werdet ihr also vielen Gefahren trotzen und dichter zusammenwachsen. Neben dem Hund stoßt ihr auch auf andere tierische Begleiter – im Trailer sieht man etwa ein Wildschwein.

Wir waren sogleich vom zauberhaften 2D-Look des Spiels angetan. Während die düsteren Panoramen an Spiele wie Limbo erinnern, sorgen die Rottöne für eine gewisse Wärme. Das Umgebungsdesign erinnert ein wenig an die Bilderbücher von Leo Lionni und ist in jeder Situation ein absoluter Hingucker. Mit seiner künstlerischen Gestaltung kann Koira also bereits jetzt punkten.

Große Inspirationen

Als Inspiration dienten dem fünfköpfigen Team Spiele wie Journey, Gris und Florence sowie der Studio-Ghibli-Film Prinzessin Mononoke. Den Entwicklern ist es wichtig, keine simple Gut-Böse-Geschichte zu erzählen, sondern die Menschen in all ihren Facetten darzustellen.

Eine Besonderheit an Koira ist die Abwesenheit von Text im Spiel. Anstelle von Stimmen werden die Figuren von Musikinstrumenten vertont – je eins pro Figur. Überhaupt soll die Musik im Spiel eine große Rolle spielen.

„Ein Spiel, das auch unsere Mütter spielen würden“

Spielerisch wird Koira trotz der Prämisse zugänglich sein und ohne große Action und Fail States auskommen. Es soll auch von Menschen gespielt werden können, die sonst kaum Videospiele spielen – „ein Spiel, das auch unsere Mütter spielen würden“.

Neben all den Gefahren, gegen die ihr euch behaupten müsst, bietet Koira auch besinnliche Momente. Die emotionale Geschichte soll „in einer langen Sitzung“ beendet werden können.

Eine wunderschöne und melancholische Reise

Bildmaterial: Koira, DON’T NOD, Studio Tolima

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Auf hoher See

Was Gamedesign angeht, war ich genau auf einer Wellenlänge mit Wong. Er freute sich sichtlich darüber, dass ich die ersten beiden Teile gespielt hatte, und stimmte mir enthusiastisch zu, als ich erwähnte, dass es mehr Rollenspiele ohne lange Exposition geben sollte.

In Cat Quest musste man sich nie lange durch ausufernde Textmassen zum Spielbeginn kämpfen wie in so manch anderem RPG. Der dritte Teil stellt hier keine Ausnahme dar und geht sogar noch weiter: Ihr erhaltet bereits nach wenigen Spielminuten ein Schiff, mit dem euch theoretisch die ganze Welt offensteht. Entsprechend ist diese auch erheblich größer als in den Vorgängern. Auf der Weltkarte konnten wir bereits zahlreiche spannend aussehende Orte erspähen, die wir nur zu gern sogleich erkundet hätten.

In den Cat-Quest-Spielen war Erkundung schon immer großgeschrieben, doch gewisse geografische Barrieren hielten den Spieler davon ab, bestimmte Bereiche zu betreten. Pirates of the Purribean setzt ganz neue Maßstäbe für Freiheit und ist ein waschechtes Open-World-RPG. Aber Achtung: Nur weil ihr die ganze Welt erkunden könnt, bedeutet das nicht, dass ihr den Gegnern überall gewachsen seid.

Vom Spielprinzip her ist Cat Quest nach wie vor ein sehr simples Action-RPG, doch durch die offene Welt habt ihr ganz neue Möglichkeiten. So könnt ihr euch etwa in gefährliche Gebiete vorwagen, um besonders starke Ausrüstung zu finden, wenn ihr geschickt genug seid.

Das wilde Piratenleben

Neu sind die Seeschlachten: Vom Schiff aus könnt ihr Kanonenkugeln abfeuern, um andere Schiffe oder auch Gegner an Land zu treffen. Den Entwicklern war es dabei wichtig, dass sich das Schiff schnell und wendig anfühlt. Darüber hinaus wird es auch zahlreiche kleine Dungeons geben, die man auf der Weltkarte findet und in denen es Monster, Rätsel und Schätze zu entdecken gibt.

Ein besonderes Schmankerl sind die Schatzkarten, die euch zu besonderen Belohnungen führen. Trotz all der Nebenaufgaben, die es in Cat Quest gibt, war es Wong jedoch wichtig, die Karte nicht mit Markern vollzukleistern. Die Spieler werden also viel eigenständig erkunden statt nur auf die Minimap zu schauen.

Nach wie vor sind Wortwitze an der Tagesordnung: Zu den Katzen- und Rattenwortspielen gesellen sich nun auch Piraten-Arrrs. Auch auf spielerischer Ebene findet sich einiger Humor. So kann man die Papageien in der Welt, bei denen man das Spiel speichert, vermöbeln und sich permanent die Möglichkeit verwirken, am entsprechenden Ort zu speichern. Zur „Belohnung“ gibt es einen Kackhaufen, den man aufsetzen kann, um mit einem Statuswerte-Malus herumzulaufen. Verlockend!

Ein wahrer Augenschmaus

Hübsch anzusehen waren auch die Vorgänger, doch auch hier fährt Pirates of the Purribean neue Geschütze auf: Das himmelblaue Wasser bietet einen betörenden Kontrast zum Gelb der Strände und Grün der Kontinente. Die Weltkarte, über die ihr euch bewegt, sieht tatsächlich wie eine Karte aus – mit Ortsnamen, die quer über Land und Wasser geschrieben sind.

Dies sorgt für ein unvergleichliches Abenteuer-Feeling, das ich schon lange nicht mehr in einem Spiel hatte. Nachdem der zweite Teil immer noch gut, aber im Prinzip mehr vom selben war, verspüre ich nun wieder richtig Vorfreude. Pirates of the Purribean sieht einfach umwerfend aus und ist eines der viel zu raren RPGs, bei denen man einfach loslegen und nach Herzenslust erkunden kann, ohne dabei von redundanten Erklärungen oder der Komplexität der Mechaniken erschlagen zu werden.

Auf ins Abenteuer!

Bildmaterial: Cat Quest III, Kepler Interactive, The Gentlebros

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Eine Demo auf 20 Minuten begrenzen und dann den Hostess-Club einbauen, das grenzt an Folter. Ich habe diese Gemeinheit auch Tage nach der Messe noch nicht verarbeitet, aber bin inzwischen immerhin so weit, euch meine Eindrücke aus der Demo schildern zu können.

Like a Dragon Gaiden: The Man Who Erased His Name – ein sperriger Titel, hinter dem sicherlich noch einiges mehr steckt. Aber zunächst das Offensichtliche: Kiryu heißt nicht Kiryu, sondern Joryu. Wir erfahren, was Kiryu nach den Ereignissen in Yakuza 6 so getrieben hat.

Zum Schutz seiner Familie hat der einst legendäre Yakuza Kazuma Kiryu seinen eigenen Tod vorgetäuscht und seinen Namen aufgegeben. Jetzt bekommt er es plötzlich mit einer mysteriösen Person zu tun, die alles daransetzt, ihn aus der Reserve zu locken. Unter dem Decknamen „Joryu“ erlebt Kiryu eine packende Actiongeschichte voller lebendiger Schauplätze mit fantastischen Charakteren, Aktivitäten und brachialen Schlägereien.

Spielerisch erwartet euch tatsächlich waschechte Action. Typisches Yakuza-Gameplay, so hieß das früher mal. Aber nach Yakuza: Like a Dragon und dem Wechsel auf rundenbasierte Kämpfe wissen wir, dass es auch anders geht. Like a Dragon Gaiden besinnt sich jedenfalls auf die Wurzeln. Over-the-Top-Action vom Feinsten.

Zwei Spielstile erwarten euch, wobei ich den Agenten-Stil ausprobieren konnte. Auf Knopfdruck schickt Joryu kleine Drohnen auf die Gegner oder lässt es Glühwürmchen (Mini-Bomben) regnen. Gern holt er auch mal das Lasso raus: Mit elektrifizierten Drahtfesseln betäubt Joryu seine Gegner und schwingt sie zu Boden. Zwischendurch hagelt es Fäuste und Tritte. Es macht Spaß. Im Yakuza-Stil, dem zweiten Stil, wird es noch … nun ja, Yakuza-typischer. Aggressive Offensive, ihr nutzt die Umgebung, brutale Finisher, der Klassiker.

Neben überschaubaren Kämpfen, die gerade so einen groben Einblick in den Agenten-Stil boten, wartete die Demo mit allerhand Unterhaltung auf. Buchstäblich. In einem Vergnügungspark, den wir auch schon in einem der bisherigen Trailer sehen konnten, spielen wir Blackjack, Power, Oichi-kabu, Koi-koi und Darts. Außerdem wartet das Kolosseum, in dem ihr Teams aus bekannten Yakuza-Charakteren zusammenstellt und euch fesselnde Kämpfe liefern könnt.

Dummerweise – und es fällt mir nicht leicht, das zuzugeben – war das Kolosseum am Ende des Areals, das ich bespielen durfte, und auf dem Weg dorthin befand sich der Hostess-Club. Ihr erinnert euch an die eingangs erwähnten 20 Minuten. Na ja. Im Hostess-Club erwarten euch diesmal echte Schauspielerinnen, deren Videos abgespielt werden, je nachdem wie gut ihr euch bei den Dialogoptionen und anderen Dingen anstellt. Und je besser ihr euch anstellt … ihr kennt das Spiel aus früheren Yakuza-Spielen. „The finest entertainment Japan has to offer“, nennt das ein Sprecher im Overview-Trailer.

Es ist Yakuza

Bildmaterial: Like a Dragon Gaiden: The Man Who Erased His Name, Sega, Ryu Ga Gotoku Studio

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Der gleichnamige Reboot des 2014 erschienenen ersten Teils will mithilfe der Unreal Engine 5 und einigen neuen und interessanten Ideen ein völlig neues Erlebnis bieten und das Souls-Genre auf das nächste Level hieven.

Auf der Gamescom hatten wir die Möglichkeit, den Titel gut eineinhalb Stunden anzuspielen. Ob der Reboot von Lords of the Fallen in die großen Fußstapfen der Vorbilder aus dem Hause FromSoftware treten kann und das Genre vielleicht sogar noch mit der ein oder anderen neuen Idee bereichern und erweitern kann, erfahrt ihr in unserem Preview.

Die nächste Epoche der Dunkelheit steht bevor

Die Geschichte von Lords of the Fallen setzt ungefähr 1.000 Jahre nach den Geschehnissen des ersten Teils an. Der Dämonengott Adyr, welcher am Ende des ersten Teils besiegt wurde, befindet sich kurz vor einer Wiederauferstehung und nun liegt es an uns, diesen erneut in die Schranken zu weisen und zu besiegen, um die Welt vor dem drohenden Chaos zu bewahren.

Als selbst erstellter Charakter bereisen wir die Welt der Lebenden, aber auch die dunkle und bedrohliche Welt der Toten. All dies ist nötig, um es mit dem finsteren Dämonengott Adyr aufnehmen zu können. Eine epische Reise voller Gefahren steht uns also bevor.

Souls-typisches Gameplay mit genialer Neuheit

Im Kern ist Lords of the Fallen genau wie auch der erste Teil der Reihe ein typisches Soulslike. Mit etlichen Gegnern, die es wirklich in sich haben, und gigantischen und beeindruckenden Bosskämpfen, welche nur so vor Effekten strotzen, bleibt auch der Reboot von Lords of the Fallen der immer noch extrem beliebten Souls-Formel treu.

Die Besonderheit, die Lords of the Fallen von der breiten Soulslike-Masse abhebt, ist die neue magische Laterne. Diese besondere Laterne ermöglicht es uns, zwischen der Welt der Lebenden und der Welt der Toten zu reisen.

Oft sind Wege versperrt oder Türen verschlossen, durch welche man in der Welt der Toten beispielsweise aber hindurchgehen kann. Um nicht direkt in die andere Welt wechseln zu müssen, bietet die Laterne außerdem die Möglichkeit, einen kurzen Blick in die andere Welt zu erhaschen, um ein mögliches Weiterkommen in dieser abwägen zu können. Mithilfe der Laterne kann man auch die Seelen der Gegner extrahieren. Diesen Move nennen die Entwickler „Soul Flay“.

Auch im Kampf spielt die magische Laterne also eine wichtige Rolle. Es gibt beispielsweise auch Gegner, welche von einer Art magischem Insekt geschützt werden. Mithilfe der Laterne muss dieses Insekt erst ausgeschaltet werden, bevor wir dem Gegner anschließend Schaden zufügen können.

Statt dem Souls-Genre einfach stur treu zu bleiben, haben sich die Entwickler von Hexworks also wirklich Gedanken gemacht, wie man das Genre gekonnt erweitern könnte und das Ergebnis kann sich definitiv sehen lassen.

Bosskämpfe sind nach wie vor das Highlight

Ein großes Highlight sind, wie bei vielen Soulslikes, die fantastisch designten Bosskämpfe. Ständig muss man brachialen Angriffen der beeindruckend und bedrohlich gestalteten Bosse ausweichen und im richtigen Moment kontern, um am Ende siegreich aus den episch inszenierten Kämpfen zu gehen.

Der Schwierigkeitsgrad von Lords of the Fallen ist dabei nicht ganz so schwer ausgefallen, wie man es von den meisten Soulslikes her kennt und auch erwartet. Auch Genre-Neulinge können daher auf jeden Fall einen Blick riskieren. Das Frust-Risiko liegt hier deutlich niedriger, als man es von einem Titel dieser Art erwarten würde.

Große und verbundene Spielwelt

Die Spielwelt ist laut der Entwickler miteinander verkettet und verbunden. Am ehesten kann man sich das wohl wie die Spielwelt eines Dark Souls vorstellen.

Den für das Souls-Genre obligatorischen Hub-Bereich gibt es natürlich auch. Von hier aus kann man das Abenteuer in alle möglichen Richtungen starten oder aber seine Ausrüstung erweitern oder aufbessern. Auch der Charakter selbst kann hier aufgelevelt werden.

Inwiefern die Welt von Lords of the Fallen an die Größe und Vielseitigkeit eines Dark Souls heranreichen kann, kann zum jetzigen Zeitpunkt noch nicht beurteilt werden, hierfür haben wir bisher einfach zu wenig vom Titel und der offenen Welt gesehen.

Beeindruckende Engine sorgt für Staunen

Speziell die Optik von Lords of the Fallen ist wirklich fantastisch. Hier sieht man, wozu die beeindruckende Unreal Engine 5 wirklich imstande ist. Die Areale wirken wundervoll ausgeleuchtet und stets extrem atmosphärisch.

Auch die Welt der Toten versprüht einen ganz eigenen, deutlich dunkleren und bedrohlicheren Charme als die Welt der Lebenden. Allein durch die Optik heben sich die beiden Welten extrem voneinander ab, was dem Titel natürlich zugutekommt.

Auch die Charaktermodelle können begeistern und sind ein wahrer Augenschmaus. Dass die Texturen natürlich auch auf allerhöchstem Niveau sind, dürfte hier wohl auch niemanden mehr überraschen.

Auch tontechnisch ganz vorne mit dabei

Auch soundtechnisch gibt sich Lords of the Fallen natürlich keine Blöße. Wundervoll knackige Soundeffekte, wie beispielsweise das Klirren der wuchtigen und schweren Waffen und die speziell während der Bosskämpfe aufkochende und treibende Musik, untermalen das Geschehen gekonnt und ziehen einen regelrecht in die düstere Atmosphäre des Titels.

Neue Ideen fürs Soulslike-Genre

Bildmaterial: Lords of the Fallen, CI Games, Hexworks

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Hoch hinaus

Jusant ist ein Spiel, bei dem ihr in einer mysteriösen, verlassenen Welt einen Berg erklimmt. Dabei bedient ihr euch nur einfacher Werkzeuge wie Haken und Seil. Die Arme der Spielfigur steuert ihr mit den beiden Schultertasten, je eine pro Arm, was für ein ganz eigenes Spielgefühl sorgt.

Jusant soll ein sehr fokussiertes Spielerlebnis bieten und in unter zehn Stunden zu beenden sein. Von daher haben sich die Entwickler auch auf die Mechaniken beschränkt, die bereits am Anfang zur Verfügung stehen. Während die Puzzles durchaus Variation bieten, soll das technische Fundament sehr simpel sein.

Auch wenn es ums Klettern und Fallen geht, gibt es im Spiel keinen Game-Over-Bildschirm. Eine Ausdaueranzeige sorgt zwar dafür, dass ihr keine unbegrenzte Freiheit bei der Erkundung habt, aber unterm Strich soll Jusant ein meditatives Erlebnis bieten. Dafür wurde neben der wunderschönen Optik auch sehr viel Wert auf die Musik- und Soundkulisse gelegt, wie man uns mitteilte.

Was wurde aus der Welt?

Inspiration zogen die Entwickler bei dem Titel unter anderem aus Journey und Brothers: A Tale of Two Sons. Ziel des Spiels ist es lediglich, euch weiter nach oben zu bewegen, doch auf dem Weg dorthin lernt ihr mehr über die Welt. Beim Erkunden der Umgebung stoßt ihr auf Erinnerungen an eine vergangene Zeit wie Malereien und Briefe, die euch Hinweise geben, weshalb die Welt nun in diesem desolaten Zustand ist.

Klare Antworten wollen die Entwickler aber nicht auf dem Silbertablett servieren. Stattdessen sollen die Spieler ihre eigenen Theorien spinnen und sich miteinander austauschen. Jusant soll für jeden ein ganz individuelles Erlebnis bieten.

Eine Botschaft hatte DON’T NOD aber durchaus im Sinn. So soll der kleine Begleiter der Spielfigur die Umwelt symbolisieren. Generell scheint das Zusammenspiel zwischen Mensch und Umwelt ein wichtiges Thema in Jusant zu sein. Wir sind gespannt, was das Spiel mit dieser Idee anstellen wird.

Einsam durch eine verlorene Welt

Bildmaterial: Jusant, DON’T NOD

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Atari möchte zusammen mit dem Publisher Plaion das kultige Atari-Feeling der 80er-Jahre erneut aufleben lassen und hat mit dem Atari 2600+ ein ganz besonderes Produkt in petto, welches vor allem retrobegeisterte SpielerInnen in Verzückung versetzt. Eine Art Mini-Variante des Atari 2600 quasi.

So vielseitig ist nicht jede Mini-Konsole

Das Besondere am Atari 2600+ ist die Tatsache, dass es sich hier theoretisch um dieselbe Technik handelt, die es auch Anfang der 80er-Jahre gab. Im Klartext heißt das, man kann wahlweise die alten Cartridges nutzen oder aber auch auf die neu produzierten Cartridges zurückgreifen. Ein wahres Fest für Kenner und Sammler quasi und äußerst vielseitig obendrein.

Auch die alten Controller, sollte man noch welche besitzen, lassen sich am neuen Atari 2600+ nutzen, da Atari dieselben Ports wie auch beim Original aus den 80ern verbaut hat. So einfach und doch so genial.

Kleine Zugeständnisse an die Moderne werden gemacht

Natürlich geht die moderne Technik aber auch an einem Atari 2600+ nicht spurlos vorbei. Denn angeschlossen wird die neue Atari-Konsole über einen HDMI-Anschluss. Da heute nur noch die wenigsten TV-Geräte über andere Anschlüsse verfügen, ist das auch nicht weiter verwunderlich.

Als besonderes Extra hat man sich bei Atari jedoch dafür entschieden, einen speziellen Schalter an der Rückseite der Konsole zu verbauen, mit welchem sich das Bild wahlweise in die Originalgröße 4:3 oder aber in 16:9 umschalten lässt. Da es sich hier nicht um eine softwareseitige, sondern um eine hardwareseitige Lösung handelt, brauchen auch Liebhaber des Originals keine Bedenken zu haben, denn auch in 16:9 sieht das Bild fantastisch scharf und farbenfroh aus.

Eine hochwertige Lösung, auf die viele andere Hersteller von Mini-Retro-Konsolen jedoch aufgrund der höheren Produktionskosten verzichten.

Verarbeitung ist tadellos

Speziell die Verarbeitung des Atari 2600+ ist über jeden Zweifel erhaben. Die Konsole fühlt sich relativ schwer und sehr hochwertig an. Ein ganz anderes Kaliber als andere Mini-Varianten von Retro-Konsolen also.

Auch die verbauten Schalter an der Front der Konsole sind aus Metall und dementsprechend hochwertig verarbeitet. Fans der Original-Konsole werden keinerlei Einbußen feststellen können und die neue Mini-Konsole sofort in ihr Herz schließen.

Launch-Bundle mit Controller und Multi-Game-Cartridge

Das Bundle bestehend aus Atari-2600+-Konsole, einem CX40+-Joystick und einer Cartridge mit zehn integrierten Spielen liegt preislich bei 119,99 Euro. Ein fairer Preis für die gebotene Qualität. Der Joystick kann natürlich auch zum Preis von 22,99 Euro separat erworben werden. Neben der Hardware selbst wird es zum Launch am 17. November dieses Jahres auch Neupressungen diverser Cartridges wie beispielsweise Berzerk Enhanced Edition und Mr. Run and Jump geben.

Als besonderes Extra hat man sich bei Atari und Plaion außerdem dazu entschieden, den CX-30-Paddle-Controller neu aufzulegen. Zwei Paddle-Controller werden zusammen im Bundle mit einer 4-in-1-Cartridge zum Preis von 34,99 Euro erhältlich sein.

Fazit

Bildmaterial: Atari, Plaion

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Ein Axolotl ohne Essen ist ein wütendes Axolotl

Axolotl sind verdammt niedliche Tiere, jedoch solltet ihr aufpassen, welche Waffen sie zücken, wenn sie kein Essen haben! Wie verrückt und abgedreht das aussehen kann, erlebt ihr in AK-xolotl. Bewaffnet mit einer AK-47 geht es in den Wald und im Grunde wird alles abgeschossen, was sich bewegt. Egal ob es Füchse mit Bögen sind, große Krabben, Mäuse mit Pistolen, explodierende Hasen oder Enten, die Bomben legen. Niemand drängt sich zwischen euch und euer Essen.

Nach dem Tutorial startete ich in der Demo in einem kleinen Basislager, welches noch nicht vollständig aufgebaut war. Zu Beginn waren dort lediglich eine Katze und ein Hund, die mich mit neuen Waffen und anderen hilfreichen Items unterstützten. Leider hatte ich in der Demo nicht genügend Diamanten, um mir die Items zu kaufen und diese zu testen. Es war jedoch erkennbar, dass dies nur ein kleiner Teil der Basis war und diese noch ausgeweitet wird.

Im Laufe der Demo fand ich zum Beispiel Baby-Axolotl, welche die Aufzuchtfarm im Basislager freischalteten. Anschließend konnte ich mich um das kleine Tierchen kümmern, es waschen oder zusehen, wie es einen fetten Regenbogen „ausscheidet“. Letzteres mag auf den ersten Blick seltsam klingen, passt jedoch zum Spiel. AK-xolotl hat einen überdrehten Humor, welcher als Gesamtkonzept interessant ausschaut.

Ein Soundtrack, der ballert

Dazu passt ebenfalls der Soundtrack, der ordentlich ballert. Während ich im Wald auf Nahrungssuche ging, spielten mir rockige Gitarren-Riffe entgegen, die mich in den passenden Rhythmus sogen. Irgendwann war ich dann richtig im Spiel und wollte nach einem Tod stets einen neuen Versuch starten. Und der Tod kam oft.

In der kurzen Anspielzeit habe ich bereits gemerkt, dass AK-xolotl einen knackigen Schwierigkeitsgrad hat. Das lag unter anderem an der Twin-Stick-Steuerung. Während ich mich mit dem linken Stick bewegte, habe ich zeitgleich mit dem rechten das Fadenkreuz passend platziert. Mit dem Controller brauchte ich daher etwas Eingewöhnungszeit. Zeitgleich war auf dem Bildschirm hin und wieder so viel los, dass ich mich irgendwie zurechtfinden musste, wo ich stehe, wo die Gegner, wo mein Fadenkreuz platziert ist sowie welche und wie viel gegnerische Munition mir gerade entgegen schwebt. Das könnte sicherlich für den einen oder anderen überfordernd wirken.

Klassisch Roguelike habe ich mich von Bereich zu Bereich geballert und wenn die Gegnerwelle besiegt war, konnte ich in den nächsten gehen. Dabei hatte ich die Auswahl zwischen mehreren Türen, die mir die Wahl ließen, ob ich im nächsten Raum nach einem Sieg entweder eine neue Waffe erhalte, etwas zu Essen oder ich es dem Zufall überlasse. Bis ich in der Theorie zum Endboss gelange. Letzteres habe ich leider nie geschafft.

Leg dich niemals mit Axolotl an!

Bildmaterial: AK-xolotl, Playstack, 2Awesome Studio

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Jeweils acht Redakteure versammelte Square Enix in einem kleinen Raum hinter verschlossenen Türen, um ihnen dort nach einer kurzen Einführung den Controller in die Hand zu drücken. Producer Kosuke Okatani war extra eingeflogen, um sich persönlich anzusehen, wie sein Spiel bei der Presse ankommt und um etwaige Fragen zu beantworten.

Und ja, natürlich gibt es Parallelen zu Splatoon. Foamstars ist bunt und die Spielidee ein bisschen abgedreht. Hier richtet Farbe den Schaden an, dort Schaum. Man kann neben den Gegnern auch die Umgebung einfärben respektive einschäumen. Doch da hören die Gemeinsamkeiten eigentlich auch schon auf.

Foamstars spielt sich ganz anders als Splatoon, denn hier geht es nicht darum, wer letztlich das Gebiet großflächig mit Schaum beschossen hat. Zumindest in dem Mehrspielermodus, den wir spielen konnten, führt der Sieg nur über die Eliminierung des Gegners. Ein klassischer Deathmatch-Modus, in dem jedes Team sieben Leben hat. Sind diese aufgebraucht, wird der bisher beste Spieler zum „Superstar“ ernannt. Er bekommt einen umfangreichen Buff und jetzt gilt es, den Superstar zu schützen bzw. zu vernichten. Erst dann ist das Match entschieden. Ob der 4-vs-4-Shooter noch weitere Spielvarianten bieten wird, das wird sich zeigen. Gewiss dürfte der uns vorgestellte Modus aber der sein, auf den das Spiel aufbaut.

Apropos aufbauen: Genau das könnt ihr auch mit dem Schaum tun. Schaum schadet eurem Gegner, aber ihr könnt ihn auch nutzen, um Türme zu bauen, Mauern zu errichten oder „Schnellstraßen“ zu pflastern. Auf Knopfdruck wechselt euer Charakter von den Füßen auf ein Surfbrett, das ihr dazu nutzt, um rasend schnell über euren Schaum zu fliegen. Es gehört nicht viel dazu, um sich hier taktische Manöver und Gebilde vorzustellen, auf die wir in der Kürze der Zeit beim Anspielen natürlich nicht gekommen sind. Ganz andere taktische Komponenten scheinen sich hier jedenfalls zu eröffnen, als Splatoon sie bietet.

Das lässt auch die Arena erahnen, die ansonsten ziemlich leer ist. Ihr füllt sie selbst mit Schaum und Leben. Eine verwinkelte Map mit vielen Höhenunterschieden, wie sie Splatoon mitunter bietet, wird in Foamstars nicht funktionieren. Es soll unterschiedliche Arenen geben, aber ziemlich sicher wird in allen viel freier Platz zur Verfügung stehen.

So anders, wie es nur sein kann

Auch hier zeigt sich, wie unterschiedlich diese Spiele eigentlich sind. In Foamstars wird nicht gezögert, flankiert oder die Base gefärbt, hier geht es sofort ins Chaos. Und trotzdem ist Teamwork wichtig. Habt ihr zu viel Schaum abbekommen, verwandelt ihr euch in ein Schaum-Knäuel, das sich nicht mehr wehren kann. Jetzt gilt es, das Schaum-Knäuel mit dem Surfbrett anzufahren. Erst dann verpasst ihr dem Gegner den Kill.

Im Gegenzug ist es aber auch möglich, eure Mitstreiter mit eurem Surfbrett aus dem Schaum-Knäuel zu befreien, bevor der Gegner eure Mitstreiter eliminiert. Das eigene Team im Auge zu behalten ist immens wichtig, denn natürlich verliert das Team mit jedem Kill wertvolle Sekunden. Hier ist es vielleicht sogar sinnvoll, im Team Rollen zu verteilen.

In der Anspielsession standen acht Charaktere zur Verfügung, alle sollen sich unterschiedlich spielen. Das konnten wir in der Kürze der Zeit nur bedingt prüfen, aber der Ersteindruck sagte: stimmt. Alle angespielten Charaktere hatten sehr unterschiedliche normale Angriffe und Spezialattacken, waren mal schnell, mal träge. Viel Zeit, sie kennenzulernen, blieb in unserer Anspielsession nicht. Dafür eignet sich möglicherweise auch der Singleplayer-Modus, den Foamstars am Ende bieten soll, aber der vermutlich nicht das Kaufargument wird. Ein ausgewogenes Team zu haben, das scheint jedenfalls von Vorteil. Was in Videospielen auch immer von Vorteil ist, das ist gute Musik. Viel haben wir davon in der kurzen Demo noch nicht gehört, aber das Bisherige hat gut gefallen. Ein Soundtrack, der wie das Spiel ist, eben: chaotisch, bunt und rasant.

Stellschrauben und Monetarisierung

Vielleicht hier und da noch zu chaotisch: Mir persönlich fehlte ein reiferes Treffer-Feedback und manchmal kam mir mein Surfbrett ein wenig störrisch vor. Außerdem hätte ich mir gewünscht, schnell (und vor dem Match) zu erkennen, welcher Charakter welche Vorzüge hat. Möglicherweise habe ich hier in der Hektik etwas übersehen, aber wenn nicht, ließe sich das auch noch schnell implementieren. Zeit genug bleibt.

Interessant wird es sein, wie weitere Arenen aussehen, wie gut am Ende das Balancing ist und wie Square Enix mit der zusätzlichen Monetarisierung und möglichen Season-Inhalten umgeht. Foamstars ist nicht als Free-to-play-Titel angekündigt, wird also mutmaßlich ein Vollpreistitel sein, aber wird als Multiplayer-Shooter möglicherweise weiter monetarisiert. Die Demo bot dafür keinerlei Anzeichen, das vorweg. Aber das letzte kunterbunte Mehrspieler-Abenteuer – Chocobo GP – steckt dem ein oder anderen sicherlich noch in den Knochen, eine gesunde Skepsis ist geboten.

Foamstars überrascht auf ganzer Linie

Bildmaterial: Foamstars, Square Enix

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Dragon Quest als Action-RPG

Infinity Strash ist ein waschechtes Action-RPG in der traditionell rundenbasierten RPG-Serie. Dabei orientiert es sich aber weniger an Dragon Quest Warriors mit seinen Massenschlachten, sondern fühlt sich eher klassisch an.

Das Spiel läuft missionsbasiert ab und zu Beginn jeder Mission könnt ihr euch für drei Figuren entscheiden, die ihr mitnehmt. In den Kämpfen steuert ihr eine davon, während die anderen beiden autonom agieren. Neben normalen Angriffen könnt ihr die Figuren noch mit je drei Spezialtechniken ausstatten. Darüber hinaus gibt es noch eine Art Limit Break, der euch für kurze Zeit stärkt und resistenter macht.

Jede Figur hat einen eigenen Kampfstil. So ist Dai mit seinem Schwert für den Nahkampf ausgelegt, während ihr mit dem Zauberer Popp vornehmlich auf Distanz bleiben werdet. Die einzelnen Figuren spielen sich in der Tat angenehm unterschiedlich, sodass für jeden Kampfstil etwas dabei sein dürfte.

Die Kämpfe machen keinen sonderlich komplexen Eindruck. Im Grunde genommen geht es darum, den Gegner mit Angriffen und Spezialtechniken zu bombardieren und Gegenangriffen im richtigen Timing auszuweichen bzw. sie abzuwehren.

Die normalen Gegner, denen wir uns stellen durften, waren schnell Geschichte. Von einem Schlagabtausch konnte hier nicht die Rede sein. Der Bosskampf in der Demo war jedoch ausgesprochen herausfordernd – so herausfordernd, dass ich ihn nach mehreren Versuchen nicht geschafft habe.

Grind im Roguelike-Dungeon

Für solche Momente hat das Spiel einen zweiten Spielmodus parat: den Tempel der Erinnerungen. Hier absolviert ihr auf über 100 Ebenen zufallsbasierte Kämpfe. Der Schwierigkeitsgrad steigt dabei kontinuierlich an und alle fünf Ebenen könnt ihr euch entscheiden, entweder mit allen erkämpften Schätzen abzubrechen oder weiterzumachen und zu riskieren, alles zu verlieren.

Dieser Modus erinnert sehr an Roguelikes: Ihr startet auf Level 1 und nach jedem Kampf könnt ihr euch für einen von drei Boni entscheiden, doch diese bleiben euch nur innerhalb eines Durchgangs erhalten. Zu Beginn waren es nur kleine Steigungen wie „Dais Spezialangriff wird 1 % stärker“ oder „HP+20“, die kaum praktische Auswirkungen hatten. Es bleibt zu hoffen, dass die Effekte auf tieferen Ebenen mächtiger werden.

Sehr gefreut habe ich mich, als ich einen seltenen Metallschleim getroffen habe, der mich sogleich von Level 2 bis auf Level 14 katapultiert hat. Diese Gegner gehören in einem Dragon Quest einfach dazu und sie zu besiegen ist jedes Mal ein Triumph.

Charmanter Fan-Service mit Auswirkung aufs Gameplay

Permanent erhalten bleiben euch aus dem Tempel der Erinnerungen Gegenstände, Materialien und spezielle Sammelkarten. Letztere sind einerseits als Fanservice zu verstehen, da sie Motive aus der Mangavorlage und den beiden Animeserien abbilden. Sie haben aber auch spielerisch einen großen Einfluss, denn sie können ausgerüstet werden und geben bisweilen satte Boni auf die Statuswerte.

Von diesen Karten gibt es nicht nur unzählige, sie werden auch stärker, je mehr man davon findet. Infinity Strash scheint fleißiges Grinden also durchaus zu belohnen – und sogar darauf ausgelegt zu sein.

Uns wurde gesagt, dass man im Tempel der Erinnerungen die besten Gegenstände im Spiel erhalte. Dieser Spielmodus ist also nicht bloß Beiwerk, sondern fester Bestandteil des Spiels.

Story in Standbildern

Etwas ernüchternd war die Präsentation der Story, die primär in Sepia-Standbildern mit vertontem Dialog stattfindet. Besonders in Anbetracht der sehr gelungenen Anime-Umsetzung ist dies enttäuschend – hier kommen jedenfalls nicht dieselben Emotionen auf. Dabei ist die klassische Geschichte von Dai’s Adventure nicht nur überaus charmant, sondern hält für ein Dragon Quest auch erstaunlich viele dramatische Momente und umfangreiche Charakterentwicklung bereit.

Das Spiel setzt im Übrigen auch nur einen Teil der Geschichte um. Auf die Nachfrage, ob vielleicht ein weiteres Spiel geplant sei, wurde uns nur gesagt, dass man gerne eines entwickeln würde, wenn die Möglichkeit bestehe.

Leider haben auch die Kämpfe nicht den Eindruck gemacht, besonders viel Tiefe zu besitzen. Vielleicht täuscht dies und in der Vollversion ist die Komplexität deutlich größer, doch ich hatte das Gefühl, dass sich vor allem die Kämpfe gegen die normalen Gegner im Kern alle gleich spielen. Der Bosskampf war zwar fordernder, doch auch hier kam keine wirkliche Dynamik auf. In dem Tempel der Erinnerungen kam schon nach wenigen Stockwerken eine gewisse Monotonie auf.

Das ist schade, denn die Grundidee eines Roguelike-Dungeons in einem RPG mit permanenten Belohnungen fürs Hauptspiel ist überaus reizvoll.

Gemischte Gefühle

Bildmaterial: Infinity Strash: Dragon Quest The Adventure of Dai, Square Enix, Game Studio, KAI GRAPHICS

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Die Qual der Wahl

Wir durften zwei Passagen testen: den Anfang des Spiels und einen späteren Dungeon mitsamt Bosskampf.

Zu Beginn des Spiels könnt ihr euch für eine von zwei Hauptfiguren entscheiden: den unfreiwilligen Helden Claude von einem fremden Planeten oder das blauhaarige Dorfmädchen Rena. Je nachdem ändert sich, wo ihr das Spiel beginnt. Da die beiden schnell aufeinandertreffen, hat dies keine tiefgreifenden Auswirkungen auf den Spielverlauf, doch die gesamte Perspektive am Anfang ist eine andere.

In der ersten halben Stunde erkundet man in erster Linie das Anfangsdorf und schaut sich Zwischensequenzen an. In den meisten Gebieten des Spiels ist die Kamera fix, was an die RPGs von damals erinnert und es dem Spiel ermöglicht, die Umgebung gezielt in Szene zu setzen. Lediglich auf der Weltkarte könnt ihr die Kamera frei bewegen.

Der neue Grafikstil: Hui oder pfui?

Im Vorfeld war ich skeptisch, was den ungewöhnlichen Grafikstil des Spiels betrifft. Hier treffen Pixel-Figuren im Retrolook auf relativ realistisch gestaltete 3D-Hintergründe – eine durchaus eigenwillige Entscheidung.

Doch im tatsächlichen Spiel war diese Kombination überraschend charmant. Ich finde noch immer nicht, dass die beiden Stile völlig harmonieren, aber hübsch sieht das Spiel dennoch aus.

Wichtige Zwischensequenzen sind vertont, der Rest zumeist nicht. Neu sind unter anderem die opulenten Charakterporträts, die in den Sequenzen eingeblendet werden und beim Sprechen sogar animiert sind.

Ich bin großer Fan des neuen Stils der Charakterbilder, doch wer den Stil der PS1- oder PSP-Version bevorzugt, kann jederzeit per Knopfdruck im Hauptmenü wechseln. Auch bei der Musik kann zwischen altem und remastertem Soundtrack von Motoi Sakuraba gewechselt werden. Die Sprachausgabe steht in Englisch und Japanisch zur Verfügung, wobei im Japanischen offenbar zwei Versionen zur Auswahl stehen. Texte waren in der Demo nur auf Englisch verfügbar, doch Deutsch und andere Sprachen sollen zum Release per Patch verfügbar sein.

Hektische, aber spaßige Kämpfe

Ich habe das Original nicht gespielt, doch es hat den Anschein, dass am Kampfsystem keine fundamentalen Änderungen stattgefunden haben. In den actionbasierten Kämpfen kontrolliert ihr eine Figur, während die anderen automatisch agieren. Es können per Menü jedoch Strategien festgelegt und im Falle der Magier auch konkrete Befehle ausgewählt werden. Ein fließender Wechsel zwischen den Figuren ist jederzeit möglich und per Knopfdruck können auch Gastcharaktere für kurze Angriffe dazugeholt werden.

Die normalen Kämpfe kamen uns alle sehr einfach vor, aber im Bosskampf wurde es merklich chaotischer. Ist man nicht achtsam, so findet man sich schnell mit mehreren kampfunfähigen Figuren wieder. Die Kämpfe werden schnell zum Effektgewitter, wenn mehrere Figuren ihre Techniken einsetzen. Auffällig waren auch die in typischer JRPG-Manier aufwändig inszenierten Spezialtechniken, für die die Kämpfe kurzzeitig pausieren.

Unterm Strich haben die Kämpfe Spaß gemacht. Noch neugieriger jedoch hat mich das Skillsystem gemacht, das nicht das Hauptaugenmerk der Demo war. Offenbar kann man in Star Ocean 2 von passiven Boni über Kampftechniken bis hin zu gänzlich anderen Dingen wie „Schreibkunst“ eine riesige Palette von Fähigkeiten aufleveln. Dies hat mir große Lust gemacht, die Vollversion zu spielen.

Star Ocean 2 in ganz neuem Gewand

Bildmaterial: Star Ocean: The Second Story R, Square Enix, Gemdrops

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Was passiert eigentlich, wenn niemand mehr stirbt? Und mit dieser Frage möchten wir euch sogleich die Welt von Spindle vorstellen, in der tatsächlich niemand mehr stirbt. Die Antwort auf die Frage ist nämlich vergleichsweise einfach: Chaos. Unordnung im Universum. Das Ende ist nah. Ein Chaos, das beseitigt werden muss. Aber um das zu schaffen, muss der Tod erst einmal herausfinden, was eigentlich vor sich geht.

Der Tod und sein Kumpane, das Schwein

In der Gamescom-Demo konnte ich zwei Level spielen. Im ersten Level, welcher zeitlich nah am Beginn spielt, ging es für den Tod und seinen Freund, das Schwein, in einen kleinen Dungeon. Der Tod hat seine Kräfte verloren und findet dort seine Sense wieder, die es ihm nicht nur erlaubt Gegner zu attackieren, sondern auch Grasbüschel zu schneiden. Nach kleineren Schieberätseln, die mir die Tür zum Endboss öffneten, und dem darauffolgenden Kampf endete das Level.

Beim Spielen fiel mir die Inspiration der klassischen Zelda-Spiele direkt auf. Die pixeligen Umgebungen, die Animationen und kleinen Rätsel erinnern stark daran. Das ist in dem Fall nichts Schlechtes, sondern sorgt für ein heimeliges Gefühl, welches sich ebenfalls im Gameplay des Tods widerspiegelt. Einen kleinen Kniff gibt es allerdings. Wenn der Tod Gegner angreift, füllt sich eine Leiste, welche ich mittels Tastendruck aktivieren konnte. Anschließend füllten sich meine Herzen wieder komplett auf. Eine ähnliche Mechanik sollten Hollow-Knight-Fans kennen.

Das zweite Level fokussierte sich mehr auf Rätsel und das Gameplay vom Schwein. Dort waren es nicht die Schieberätsel, die mir den Weg versperrten, sondern Zahnräder, die entsprechende Plattformen bewegten, um Schluchten zu überwinden. Um den richtigen Weg zu finden, musste ich zwischen den beiden Charakteren wechseln. Wenn das Schwein am Zug ist, erstarrt der Tod zu Stein. Dadurch ließen sich weitere Schalterrätsel in Angriff nehmen.

Mehr als nur Tod

Das Schwein selbst besitzt anscheinend Kirby-ähnliche Lungen und gute Saugkräfte. Damit kann es Gegenstände einsaugen und werfen. Dadurch lassen sich entfernte Gegenstände besser heranziehen und aktiveren sowie manche Gegner stören. Gleichzeitig kann das Schwein durch seine Körpergröße durch schmale Höhlen kriechen, um entlegene Orte zu erreichen.

Die Tatsache, dass ich nicht nur den Tod spielen konnte, sondern ebenfalls das Schwein, hat mich sehr positiv gestimmt. Anfangs dachte ich, das Schwein wäre lediglich ein guter Sidekick und würde Spielerinnen und Spielern als Sprachrohr in der Welt dienen. Dadurch, dass ich beide Charaktere spielen konnte, fühlte sich das Gameplay abwechslungsreicher an, auch wenn ich mich bei einigen Rätseln dumm anstellte.

Ein kleines Spiel für eine schöne Zeit

Bildmaterial: Spindle, Deck13, Wobble Ghost

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Im Reich Symphonia ist die Musik die Quelle des Lebens und der Energie. Doch seine Bewohner sind gespalten, seit die Gründer und ihr Orchester verschwunden sind, und ein Mantel der Stille legt sich über die Welt. Was wäre, wenn sich ein neues Orchester versammeln ließe? Das ist die Frage, die Philemon, der geheimnisvolle Musiker in Symphonia, beantworten muss.

Sprünge mit Kniff

Als mysteriöser Violinist startete für mich das Spiel in einem wunderschön gemalten Level, welcher auch viele Gefahren mit sich brachte. In klassischer Plattformermanier musste ich an stacheligen Wänden, tiefen Abgründen und auf sich bewegende Plattformen präzise (vorbei-)springen, um ans Ziel zu gelangen. Dabei war die Steuerung nicht so intuitiv, wie anfangs gedacht.

Um an höhergelegene Ebenen zu gelangen, gibt es an den Wänden rote Musikhocker. An diese kann sich der Violinist per Schultertaste hängen. Um weiter oder höher zu springen, musste ich den Analogstick „zurückziehen“ und dann entsprechend loslassen, um nach oben zu springen. Stellt es euch wie beim Zurückziehen eines Gummibandes vor. Ihr zieht es auf, lasst es los und springt dann in die jeweilige Richtung. Hört sich leicht an, war auf Anhieb leider nicht so intuitiv, da ich den Stick nach unten ziehen musste, wenn ich nach oben wollte. Nach einer kleinen Eingewöhnungszeit ging es etwas besser. Sicherlich hätte ich mich besser an die Mechanik gewöhnt, wenn ich mehr Zeit in dem Spiel verbracht hätte.

Als das Gameplay etwas besser in Fleisch und Blut übergegangen war, spürte ich, dass ich mit dem Spiel sehr viel Spaß haben werde, wenn es im nächsten Jahr erscheint. Die Sprünge erfordern eine gewisse Lernkurve, welche mit „easy to learn, hard to master“ klassifiziert werden kann, da sich die Grundmechaniken im Laufe des Spiels nicht verändern sollen. Diese sollen lediglich durch andere Objekte und kleinere Kniffe auf die Probe gestellt werden.

Ein Ohrenschmaus

Schade war, dass ich durch den Messelärm nicht ganz die schönen Klänge von Symphonia genießen konnte. Nichtsdestotrotz haben mich diese bereits in ihren Bann gezogen und es ist schön zu sehen, wie sich die grafischen Hintergründe zusammen mit der Musik ergänzen. Zumal es auch unterschiedliche Lichtstimmungen gab, die dieselben Spielelemente nochmal anders glänzen lassen konnten. In einigen Abschnitten haben mich die wunderschönen Hintergründe und Elemente sogar so stark fasziniert, dass ich das eine oder andere Mal versehentlich in den Tod gesprungen bin.

Und was wäre ein Violinist ohne Violine? Letztere hat er immer dabei und kann diese in bestimmten Levelabschnitten zur Geltung bringen, um Türen zu öffnen. Dann heißt es, im Spurt diesen Abschnitt zu bewältigen, bevor die Tür zufällt. Das hat mir einen kleinen Ausblick auf die Varianz der Level gezeigt und ich hoffe, dass es noch weitere Spielereien dieser Art in dem Plattformer geben wird.

Nicht nur für die Ohren ein Schmaus

Bildmaterial: Symphonia, Headup Games, Sunny Peak

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Stürzt euch in den Abyss

In Silent Hope können wir eine von sieben vorgefertigten Charakterklassen auswählen und uns mit der jeweiligen Figur in den Abyss stürzen. Dabei handelt es sich um einen nahezu endlosen Schlund, in dem wir uns von Ebene zu Ebene durchkämpfen müssen.

Zu den sieben Charakterklassen, die im Chibi-Stil designt wurden, zählen die folgenden:

• Bäuerin
• Kämpferin
• Bogenschütze
• Wanderer
• Kriegerin
• Schurkin
• Magier

In der Anspielsession durfte ich aus drei Charakteren wählen. Nach jedem Tauchgang in den Abyss ist es möglich, in der Oberwelt zwischen den Charakteren hin- und herzuwechseln, um seinen bevorzugten Spielstil zu unterstützen oder um sich an eine Taktik für einen bestimmten Boss anzupassen.

Ich entschied mich für die Bäuerin, die mit ihrer Mistgabel aus einer mittleren Entfernung Gegner angreifen kann. Sie beherrscht, wie jede andere Klasse auch, drei unterschiedliche Spezialattacken, mit denen sich Gegner in unterschiedlichen Konstellationen angreifen lassen.

Im Abyss gibt es auf jeder Ebene zahlreiche Items zu sammeln: Ich kam gar nicht mehr hinterher zu überprüfen, welche Items ich überhaupt aufgesammelt hatte. Die Items werden fürs spätere Craften benötigt oder können als Ausrüstung ausgewählt werden. Es fühlte sich befriedigend an, so viele Items zu sammeln und später die Schätze auszusortieren.

Die Ebenen sind alle zufallsgeneriert und ändern sich mit jedem Besuch. Auf jeder Ebene ist es möglich, aus dem Abyss auszusteigen. Der Schwierigkeitsgrad kam mir zu keinem Zeitpunkt unfair vor, mir hat es Spaß gemacht, mich durch die Ebenen zu kämpfen.

Anspielungen aus Story of Seasons und Rune Factory

Jede Ebene hat unterschiedliche Gegner zu bieten. Dabei begegnen uns verschiedene Gegnertypen, die andere Angriffsmuster haben. Am Ende mehrerer Ebenen gibt es einen Bossgegner, der eine besondere Taktik erfordert und für den höchstwahrscheinlich die richtige Klasse einen Vorteil geben würde.

Die Krabbe, der ich beim Anspielen begegnete, war für die Bäuerin kein Problem. Doch ich denke, dass Fernkämpfer eine größere Chance dagegen hätten. Trotzdem hat es Spaß gemacht, die Krabbe mit meinen Angriffen zu bekämpfen und das richtige Timing für meine Spezialangriffe zu wählen.

Besonders süß fand ich es, dass es Gegner aus Rune Factory gab. Ich war total erstaunt, als ich plötzlich ein Wolli als Gegner vor mir hatte. Die Gegner waren ebenso gestrickt wie in der Spielereihe, aus der sie stammen.

Auch auf Story of Seasons gibt es eine kleine Anspielung: Die knuffigen Kühe mit den überdimensionierten Köpfen, die ich in Story of Seasons: A Wonderful Life vermisst hatte, haben es dafür nach Silent Hope geschafft. Ich bin gespannt darauf, ob es weitere Anspielungen zu weiteren Marvelous-Titeln geben wird.

Nur ein kurzer Blick auf die Oberwelt

Nach dem Tauchgang in den Abyss ging es für mich in die Oberwelt zurück. Dort hat Silent Hope eine kleine Basis eingerichtet, in der die übrigen sechs Charakterklassen ihre eigenen Shops betreiben. Der Magier ist beispielsweise ein Alchemist und kann Tränke brauen, die Kriegerin war in meinem Durchlauf als Schmiedin tätig.

Doch leider habe ich nicht viel von der Basis gesehen. Die Funktionen waren in meiner Anspielsession deaktiviert und ich konnte mich nur ein wenig in der Basis umsehen. Sie war kompakt und bot alles Wichtige, um die gefundenen Ressourcen zu wertvollen Gegenständen zu verarbeiten.

Auch hier bin ich gespannt, wie die Basis in der Vollversion funktionieren wird und ob sich viele der Items zu Nützlichem verarbeiten lassen. Denn nichts wäre enttäuschender, als dass der gefundene Loot direkt in die Tonne wandern kann. Dadurch würden sich die Tauchgänge nicht lohnenswert genug anfühlen.

Helm auf für den Tauchgang in den Abyss?

Bildmaterial: Silent Hope, Marvelous, XSEED Games

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