Titel	Like a Dragon: Infinite Wealth
	26. Januar 2024
	SEGA
	26. Januar 2024
	SEGA
	26. Januar 2024
	SEGA
System	PlayStation 4, 5, Windows, Xbox One, Xbox Series X/S
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Ryu Ga Gotoku Studio
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Das war vielleicht ein gelungener Aprilscherz, als Yakuza 7 als Rollenspiel statt Action gezeigt wurde. Und dann wurde es Wirklichkeit und die meisten Fans waren begeistert von diesem frischen Wind. Nun sind wir bei Yakuza 8 angekommen, einem weiteren Abenteuer mit Ichiban Kasuga, und wieder ist es ein Rollenspiel. Diesmal ist der Zauber des Neuen verflogen und Yakuza 8 (oder Like a Dragon 8) muss uns mit seinen eigenen Stärken und Schwächen überzeugen oder einen faden Beigeschmack hinterlassen.

Was ist nun geworden aus dieser Pizza Hawaii? Stören sich die Leute an der Ananas oder ist es eine gelungene Mischung, dass unsere japanischen Helden auf die amerikanische Kultur treffen? Kurz gesagt: Ihr bekommt wie immer exzellente Gameplay-Qualität serviert. Leider wird diese auch durch ein paar Schatten getrübt.

Hawayama …

Ich möchte zur Story nur so viel sagen, dass Kasuga diesmal einen Grund hat Japan zu verlassen und seine Abenteuer auf Hawaii erlebt. Ich finde es immer schade, wenn kleine oder größere Überraschungen in einem Test verraten werden. Dabei ist es mir auch egal, ob diese gleich am Anfang kommen oder durch Trailer, die nicht jeder angesehen haben muss, schon längst bekannt sind. Auch gefällt einer Person eine gewisse Entwicklung oder ein Ende, einer anderen nicht. Darum konzentriere ich mich auf das Wichtigste: dass das Spiel in Hawaii stattfindet, wird viel zu wenig ausgenutzt.

Ja, Hawaii ist zwar ein US-Bundesstaat, aber hat ursprünglich asiatische Bewohner (hauptsächlich von der Besiedelung der pazifischen Inseln durch die Bevölkerungswanderung über die Philippinen, Indonesien, usw.). Auch haben sich einige Japaner dort angesiedelt, stimmt. Aber wie schafft es Kasuga, in fast jeder einzelnen Quest Japanern zu begegnen oder aber US-Amerikanern (seien diese Ureinwohner von Hawaii oder Festland-Amerikaner), die perfekt Japanisch beherrschen? Bevor jetzt gesagt wird, dass das Spiel sonst nicht funktionieren würde: Ja, es wäre etwas schwierig. Aber eine der ersten Szenen auf Hawaii macht deutlich, dass Kasuga kaum Englisch beherrscht und relativ hilflos in der Kommunikation auf Hawaii ist.

Also entweder hat er innerhalb von 24 Stunden Englisch auf Muttersprachen-Niveau gelernt (und vergisst es selektiv wieder), oder aber alle US-Amerikaner, die Hawaii betreten, dürfen dies nur mit JLPT-N1-Zertifikat (das höchste Level eines Japanisch-Sprachtests). Man hätte es als Questreihe einbauen können, in der Kasuga langsam mehr Englisch lernt, um dann mit mehr Leuten kommunizieren zu können und so sein soziales Netzwerk, Quests und weitere Möglichkeiten erweitert. Das ist aber nicht passiert. Ich habe sogar einmal mitten im Spiel vergessen, dass das Spiel auf Hawaii stattfindet … ich dachte, wir wären in Japan, bis mich die hohe Anzahl an westlichen „Ausländern“ wieder zurück in die Realität geholt hat. Es mag wie Rumreiten auf einer Kleinigkeit wirken, aber hier wurde eine große Chance verpasst, diesen Kulturschock im Spiel einzubauen.

… oder doch Yokowaii?

Damit aber nicht genug. Erinnert ihr euch an die Schule in Yakuza 7, die in Yokohama war? Hier konnte Ichiban bei Tests über Allgemeinwissen, Sport und vielem mehr seine Fähigkeiten verbessern. Ratet mal, wo eine weitere Zweigstelle dieser Schule, inklusive der NPCs, die ihr in Yokohama kennengelernt habt, ist? Hawaii. Erinnert ihr euch noch an den Sujimon-Professor, der Monster erforscht hat? Was für ein Zufall, er ist auf einmal auch auf Hawaii. Sowie einige andere Leute, die Kasuga kennt, und die auf einmal alle Urlaub oder Arbeit auf Hawaii haben. Und dort sitzt ein Typ und spielt Shogi, das berühmte westliche Brettspiel (wer weiß schon in den USA, was dieses „Schach“ ist). Zum Glück gibt es auch viele Mahjongg-Spielstätten auf Hawaii und typische japanische Karaoke-Bars und … ihr wisst, worauf ich hinaus will.

Bevor es jedoch nach Hawaii geht, verbringen wir einige Stunden in Yokohama mit wenig Gameplay und langen Szenen, geschätzt ein Verhältnis von 20:80. Der Anfang ist schleppend langsam und erinnert mehr an einen Film als an ein Videospiel. Hier hätte das Pacing verbessert werden sollen.

Zum Glück: Typisches Yakuza-Gameplay!

Das, was Yakuza 8 gut macht, macht es wirklich gut (wie immer): das Gameplay. Die Kämpfe gehen genauso flüssig von der Hand wie in Yakuza 7 und die Gegner sind erneut ein herrlicher, verrückter und bunter Haufen. Die Positionierung des Protagonisten und der Gegner ist hier wichtig, da man Gegner in eine gewisse Richtung schleudern kann. Trifft man dabei andere Gegner, nehmen diese auch Schaden. Außerdem schmerzen Angriffe von hinten sehr und mit diesen (und gewissen Spezialtechniken) kann die Deckung von Gegnern durchbrochen werden. Zum Glück gibt es für sehr einfache Gegner die Option, per Tastendruck alle besiegen zu lassen, damit man sich nicht mit dem Kampf plagen muss.

Ich werde nur einige wenige Dinge beschreiben, die man in Yakuza 8 tun kann, denn man kann kaum ein paar Schritte gehen, ohne unterhalten zu werden. Sei es Items aufheben (Koffer, Kräuter, Kokosnüsse von Bäumen, Karten, Geld, Müll, …), Leute begrüßen für eine Social-Media-App (mehr als 200!), schwimmen gehen, Gespräche mit seinen Freunden führen oder die wie immer gut bis sehr gut geschriebenen Sidequests erledigen. Als ein Beispiel der großen, neuen Sidequests seien hier die Sujimon erwähnt: Pokémon-ähnliche Monster, die man wieder wie damals in Yakuza 7 sammeln kann. Aber diesmal sammelt man sie nicht nur, man wird zu einem Trainer und lässt seine Sujimon gegen andere Trainer kämpfen, kreuzt sie, füttert sie und fängt sie in freier Wildbahn. Wenn das wie ein Mini-Pokémon in Yakuza 8 klingt, dann ist das absolut korrekt, denn es ist eines. Es macht süchtig und dabei mag ich Pokémon nicht einmal!

Auch hervorzuheben ist eine Dating-App, die überaus witzige Treffen von Ichiban mit seinem Herzblatt hat, aber auch für Yakuza typische, reale Videos von sexy angezogenen Frauen bietet. Was aber hier wiederum seltsam ist, ist, dass das Spiel ganz klar zeigt, dass diese App am Handy ist. Kasuga benutzt sein Handy dafür, er fragt die Frauen am Handy um ein Date und er sieht die Antwort dort. Wieso also um alles in der Welt ist diese App nicht auf Kasugas Smartphone und wieso muss ich zu einer Frau mit Laptop in einem Café gehen, um meine Mobiltelefon-App nutzen zu können? Wieso redet die erste Frau im realen Video Chinesisch? Versteht Kasuga das jetzt auf einmal auch noch, neben Englisch?

Die deutschesbrTexte

Ich habe mich in der Überschrift nicht verschrieben, wünschte aber so sehr, dass es der Fall wäre. Die Qualitätskontrolle der deutschen Texte hat ganz klar versagt. Die Übersetzung der Texte ist gut, ohne Frage. Ich mag den Wortwitz der deutschen Namen für Sujimon-Gegner. Aber die Texte sind stellenweise so voll von Fehlern, dass hier entweder eine Übersetzungs-KI Amok gelaufen ist oder jemand unter Zeitdruck die Übersetzung gemacht und dabei das Korrekturlesen vergessen hat. Nach den ersten vier Kapiteln habe ich mehr als 100 Mal „br“ mitten zwischen zwei Wörtern gesehen. „br“, wenn es richtig als Befehl genutzt wird, erzeugt einen Sprung des Texts in die nächste Zeile. Aber wenn man die Sonderzeichen vergisst, steht „br“ einfach mitten zwischen zwei Wörtern.

Das verkraftet man einmal, wundert sich und lacht. Beim zweiten und dritten Mal denkt man sich, okay, es gibt viele Texte im Spiel, da passiert das. Beim mehr als 100. Mal ist es nur noch ein schlechter Witz. Zusätzlich (!) dazu kommt es relativ regelmäßig vor, dass ein Wort einfach falsch geschrieben ist oder absolut nicht passt oder fehlt oder der Text in einem Minispiel nicht in die Textbox passt und abgeschnitten ist. Wenn ich, als nicht-professioneller Konsument des Spiels, mittlerweile eine Liste von gefühlt über 200 Fehlern machen könnte, dann hat eine professionelle Qualitätskontrolle geschlafen.

Wir haben derzeit keine Information, ob diese Fehler mit einem Patch bereinigt werden. Aber falls nicht oder falls es nicht bis zum Launch passiert, stellt euch bei den deutschen Texten auf einiges Stirnrunzeln ein. Es ist weit weg von unleserlich, 99 % der Texte sind super! Aber die restlichen 1 % tun weh und sind die größte Häufung an Fehlern, die ich je in einem Spiel gesehen habe. Ich habe die englische Version nicht getestet, sonst müsste ich meine gesamten Spielstunden erneut durchkämmen, worauf ich wenig Lust habe.

Yakuza Hawaii

Bildmaterial: Like a Dragon: Infinite Wealth, SEGA, Ryu Ga Gotoku Studio

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Titel	Shin Megami Tensei V
	11. November 2021
	Atlus
	12. November 2021
	Sega
	12. November 2021
	Nintendo
System	Nintendo Switch
Getestet für	Nintendo Switch
Entwickler	Atlus
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Wenn es euch wie mir geht, dann hattet ihr bis 2021 AB (Anno Bethel) noch keine Berührungspunkte mit der Shin-Megami-Tensei-Serie gehabt. Ihr kennt vermutlich Persona, habt wie ich eventuell mit Persona 3 angefangen, wart absolut verliebt in Persona 4 Golden (Every day’s great at your Junes!) und habt euch dem absoluten Style-Overload hingegeben im überaus kreativen Persona 5. Dunkel wisst ihr, dass die Persona-Reihe eigentlich ein Spin-off von Shin Megami Tensei ist. Das Interesse am fünften Teil ist also groß bei euch, wie bei mir!

Lest hier, wieso Shin Megami Tensei V das beste und schlechteste Spiel ist, das ich dieses Jahr gespielt habe. Wieso es süchtig macht, wieso es mich manchmal zur Verzweiflung brachte und was Bethel aus dem ersten Satz eigentlich ist.

Bethel ist ???

Ja was ist Bethel denn nun, liebe Story? Hallo? Hallo, Story, hörst du mich? mich…ich…ch…Hallo Echo!…cho!…ho! ho! ho! Die Story vom Weihnachtsmann ergibt mehr Sinn und ist mit mehr Gefühl erzählt als die Story von Shin Megami Tensei V (ab jetzt abgekürzt als SMT V). Um es auf den Punkt zu bringen, die Story von SMT V ist im besten Fall nicht vorhanden und im schlimmsten Fall eine absolute Katastrophe. Der Start des Spiel überschlägt sich fast.

Man kann es kaum erwarten, euch in die erste Dungeon-Map zu werfen. Schnell, schnell, Dialoge weiter, komm schon, blabla, ja endlich Monster. Man beginnt die Story als namenloser Schüler, den man benennen darf. Fünf Minuten später ist man ein gottgleiches Wesen in einem zerstörten Tokio, ein „Freund“ wurde von einem Engel entführt, um euch sind Dämonen und ihr reagiert absolut null darauf.

Überhaupt reagieren die meisten Charaktere nicht normal auf Situationen. Die Herzen und Gefühle dieser Charaktere wurden mit Steinen und Watte ersetzt. Man baut null, 0, zero, gar keine, Beziehung zu den Charakteren auf. Darum interessieren uns etwaige Schicksalsschläge auch absolut nicht. Wenn „Freunde“ von uns sagen: „Hey, so kenn ich dich!“, kann man sich als Spieler nur denken: „Wovon redest du?! Wir haben kaum zwei Sätze miteinander gesprochen!“ Die Charaktere, die man gleich zu Anfang trifft, sind entweder alle Teil einer Geheimorganisation (oh, was für ein schöner Zufall!) oder rückgratlose Witzfiguren.

Als ob das noch nicht genug ist, soll man mit Dämonen gegen Dämonen kämpfen (und tut das auch), aber Dämonen sind böse und man kann ihnen nicht trauen. Und Engel sind auch Dämonen sowie alle Götter, aber nicht DER Gott …ähm okay? Was ist nun Bethel? Keine Ahnung.

Ihr werdet froh sein, wenn ihr die euch hingeworfene Story irgendwie schlucken könnt. Zumindest so lange, bis ihr sie zu ignorieren anfängt. Ein absoluter Absturz von derselben Firma, die Persona 4 und 5 gemacht hat. Die Story ist „Wir brauchen einen Grund für zahlreiche Kämpfe“. Gut, die Story ist also eine absolute Katastrophe. Großer Minuspunkt hier. Dafür sind die Kämpfe großartig!

Ich bin NOCH nicht tot

Wenn ihr nicht taktisch vorgeht, seid ihr bald sehr schnell tot. Egal, ob normaler Kampf oder ganz zu schweigen von den Bossen, die Kämpfe sollte man nicht auf die leichte Schulter nehmen. Die taktische Komponente bringt aber viel Spaß in die Kämpfe, da man nicht einfach blind durchbrettern kann. Gegner haben Schwächen bei gewissen Elementen und wenn ihr diese trefft, bekommt ihr einen weiteren Zug (aber nur einen weiteren für diesen Charakter in dieser Runde).

Dasselbe ist aber auch bei euch der Fall: Ihr habt auch Schwächen und die Gegner können diese teilweise beinhart ausnutzen, wobei sie euch schon mal schnell das Licht auslöschen. Zum Glück kämpfen wir mit Dämonen auf unserer Seite, die entweder in Gesprächen mitten im Kampf davon überzeugt werden können, die Seite zu wechseln und unserem Team anzugehören, oder die ihr durch Fusionierung erhaltet. Dabei mischt ihr zwei oder mehr Dämonen und erzeugt stärkere.

Es gibt eine große Vielfalt an Dämonen, die ihr sogar anpassen könnt. Hat ein Dämon nicht die Fähigkeit, die günstig wäre in einem Kampf? Dann kann man ihm diese geben. Ebenso kann der Held laufend der Situation angepasst werden und so werden Bosskämpfe, die teilweise unmöglich scheinen, machbar. Man geht in das Menü, passt die Fähigkeiten und Schwächen seiner Gruppe an den Boss an und das nächste Mal ist so viel schöner.

Sterbt ihr im Kampf, dann ist übrigens sofort Game Over… einen erneuten Versuch gibt es nicht. Dieser zusätzliche Nervenkitzel macht die Kämpfe noch spannender, weil man wirklich etwas zu verlieren hat. Das Sammeln und Fusionieren der Dämonen ist eine der großen Stärken von SMT V. Kommen wir zu weiteren Stärken: Musik, Atmosphäre und Level-Design.

Wow, wow, wow

Zwar nicht die kreativste Überschrift für diesen Abschnitt, aber es trifft zu. Zuerst die Musik: Man wird sich wohl nicht unbedingt den Soundtrack kaufen wollen, aber die Musik ist herausragend im Spiel. Sei es die Kampfmusik, die angespannt wartet, bis ihr eine Aktion macht und dann – BAMM! – geht sie auf 180. Oder die kreativ-bedrückende Musik für die unterschiedlichen Kartenabschnitte im zerstörten Tokio.

Wenn man schon irgendwo depressiv sein will, dann bitte hier. Apropos depressiv sein: Das zerstörte Tokio ist gruselig-schön anzusehen. Eine Wüstenlandschaft, in der zerfallene Ruinen stehen, gespickt mit Wahrzeichen aus Tokio. Ein mysteriöser Himmel, an dem wir seltsame, schwebende Objekte erkennen können. Obwohl es die totale Zerstörung ist, das Ende der Menschheit sozusagen, ist es einfach schön anzusehen.

Das Level-Design selbst ist absolute Spitze. Die Karten sind nicht nur groß, sondern auch so komplex, dass sie zum Erkunden einladen oder sogar zwingen. Hier raufspringen, da wieder runter, hier eine Brücke, da geht es nicht weiter, wie kommt man nun voran? Es erinnert ein bisschen an Breath of the Wild, wenn man selbst erkunden kann und nicht alles auf dem Silbertablett serviert wird.

Selbst ein Dungeon, der nicht in einer offenen Welt ist, ist ein dreidimensionales Labyrinth an Wegen und Ventilatoren, die euch durch die Gegend schleudern können, und lädt zum Nachdenken ein. Gepaart mit der herrlichen Atmosphäre und unterstützt von der superben Musik, verbringt man einfach gerne viel Zeit in dieser harschen Welt voller gefährlicher Monster und brutaler Kämpfe. Diese herrliche Welt, die sich manchmal erst langsam vor euren Augen aufbaut…

Merry Pop-ins

Nicht nur ihr liefert euch schwere Kämpfe, auch die Konsole kommt ordentlich ins Schwitzen. Es grenzt beinahe schon an Lächerlichkeit. Pop-ins von Objekten und Texturen sind gang und gäbe. Ich rede hier nicht von weit entfernten Objekten, nein, relativ nahen passiert das auch. Einmal war es so schlimm, dass ich in einer Cutscene (!) dachte, ein Engel habe die Augen geschlossen und öffne sie plötzlich… bis ich draufgekommen bin, dass die Augen erst noch geladen wurden. Texturen bauen sich manchmal direkt vor euren Augen auf, während die Ventilatoren der Konsole am Durchdrehen sind.

Entfernte, animierte Objekte haben (und das ist kein Witz) geschätzte 5 Frames pro Sekunde. Kommt man auf mittlere Distanz, erhöht sich das auf vielleicht 15. Bis man schließlich fast schon auf den Gegner draufsteigt und er endlich so etwas wie 30 FPS bekommt. Ich habe es zwar nicht gemessen, aber glaube nie im Leben, dass das Spiel in 30 FPS läuft. Man merkt einen deutlichen Lag in der Bewegung von Charakteren und Gegnern, an den man sich aber schnell gewöhnt. An Daumenkino-Gegner in 20 Meter Entfernung kann und will ich mich aber beim besten Willen nicht gewöhnen. Ich habe mehr als 400 Spiele in meinem Leben gespielt und so etwas noch nie gesehen.

Die Animation der Charaktere unserer Gruppe ist ebenfalls unter Durchschnitt. Alles, was man in Persona 5 über schicken Stil gelernt hat, hat man bei SMT V aus dem Fenster geworfen und einen Kandidaten für das hässlichste Menü aller Zeiten erstellt. In den Textboxen selbst kommen Animationen vor, die „cool“ sein sollen (?), aber einer schwächelnden Nintendo Switch sicher auch nicht gerade helfen.

Ein Alptraum: Atmosphäre, Erzählstil und Technik

Bildmaterial: Shin Megami Tensei V, Nintendo, Atlus

Der Beitrag Im Test! Shin Megami Tensei V erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Lost Judgment
	24. September 2021
	Sega
	24. September 2021
	Sega
	24. September 2021
	Sega
System	PlayStation 4/5, Xbox One, Xbox Series S/X
Getestet für	PlayStation 4
Entwickler	Ryu Ga Gotoku Studio
Genres	Adventure
Texte
Vertonung

Judgment hatte schon vor drei Jahren bewiesen, dass sich ein gutes Spiel im Yakuza-Stil nicht unbedingt immer um Kazuma Kiryu drehen oder einen starken Fokus auf die Yakuza haben muss. Der neueste Teil von Judgment, Lost Judgment, setzt diese „Tradition“ fort.

Wir schlüpfen wieder in die Rolle von Takayuki Yagami, einem nicht mehr praktizierenden Anwalt und derzeitigem Detektiv, den es diesmal neben Kamurocho in Tokio auch nach Ijincho in Yokohama verschlägt.

Eine Leiche und dann Schulleben

Die Story beginnt überaus mysteriös: In Ijincho, Yokohama, wird ein stark verwester Leichnam gefunden. Mehr oder minder gleichzeitig steht Akihiro Ehara wegen sexueller Belästigung in Tokio vor Gericht und erwartet sein Urteil. Es ist bereits klar, dass er verurteilt werden wird und er nutzt seine letzten Worte vor der Urteilsverkündung für eine Überraschung.

Akihiro erklärt vor Gericht, wer der stark verweste Leichnam ist, nennt den genauen Fundort und gibt weitere Informationen preis, die er eigentlich nur wissen kann, wenn er in den Mord involviert war. Jedoch hat Akihiro ein sehr gutes Alibi, da er zum Tatzeitpunkt in Polizeigewahrsam war aufgrund der sexuellen Belästigung. Wer ist der Leichnam? Was weiß Akihiro und warum weiß er es?

Vorrangig interessiert das Detektiv Yagami nicht, der einen Fall von Mobbing auf einer Schule in Ijincho untersucht. Zufälligerweise haben die gefundene Leiche und Akihiro eine Beziehung zur Schule. So schlittert Yagami langsam in die Aufklärung des Mordfalles, und versucht… nicht absolut und total abgelenkt zu werden von einer Schul-Sidequest, die absolut fantastisch ist.

Lost Persona

Die Spiele des Ryu Ga Gotoku Studios sind ja bekannt für zahlreiche, manchmal mehr, manchmal weniger unterhaltsame Minispiele. Je mehr Yakuza-Titel man spielt, desto mehr sieht man immer wieder dieselben Spiele (UFO Catcher, Darts, Bowling, Karaoke) und dann gibt es wenige „besondere“, sprich neue, wie ein Idol-Minispiel, Modell-Auto-Rennen und so weiter. In Lost Judgment erwarten euch viele neue Minispiele, die alle in eine große, aus mehreren Teilen bestehende Sidequest eingegliedert sind.

Eine Person, die sich „der Professor“ nennt, stiftet Schüler zu Übeltaten an und ein Detektiv-Club der Schule will mithilfe von Yagami den Professor finden und stoppen. Hierfür muss Yagami mehrere Clubs der Schule, aber auch externe Gruppen, infiltrieren. Das reicht vom Videospiel-Club über Skateboarder bis hin zu einem Box-Verein. Jeder Club oder Verein ist mit einem eigenen, in den meisten Fällen neuen, Minispiel verbunden, die alle sehr abwechslungsreich sind. Die gesamte Schul-Sidequest kann gut und gerne mehr als zehn Spielstunden in Anspruch nehmen, die aber alle sehr unterhaltsam verbracht werden.

Die musikalische Untermalung der Schul-Quest erinnert manchmal so stark an Persona, dass man mit dem Schul-Setting, den verschiedenen Clubs und dem Aufbau von Vertrauen zu den Schülern, doch unweigerlich an die Persona-Reihe erinnert wird. Hat man sich dann irgendwann von der Schul-Sidequest losgerissen, geht es weiter mit dem Mordfall und… man verliert sich in weiteren Aktivitäten, die viel Spaß machen, aber nichts mit der Hauptstory zu tun haben.

Die Qual der Wahl (sorry, Hauptstory)

Neben der großen Schul-Sidequest gibt es natürlich noch zahlreiche normale Sidequests, wobei man „normal“ im Sinne von Yakuza-Spielen sagen muss. Diese sind gewohnt gut geschrieben. Bereits aus Judgment bekannt, gibt es auch wieder relativ knackige Drohnen-Rennen und das sehr umfangreiche VR-Sugoroku, das jedoch nur für Yagami in VR ist und nicht mit dem VR-Headset der PlayStation gespielt wird.

Sugoroku ist im Prinzip ein Brettspiel, bei dem hinter jedem Feld eine Challenge oder eine Belohnung steht und das süchtiger macht, als es sollte. Hat man genug davon, kann man sich mit Katzen anfreunden oder auf einem Skateboard durch Ijincho düsen. Das Skateboard ist eine großartige Neuerung in der Serie, da es die doch langen Fußwege enorm verkürzt und es einfach Spaß macht, mit dem Skateboard durch die Straßen zu flitzen und Kunststücke zu vollbringen.

Da Yagami ein Detektiv ist, gibt es natürlich wieder Verfolgungsjagden, die aber diesmal deutlich angenehmer sind als im ersten Teil. Auch muss man wieder Leute beschatten, was jedoch auch nicht mehr so störend ist wie im ersten Teil, wo beide Aktivitäten einfach viel zu oft eingesetzt wurden.

Zusätzlich dazu müssen wir diesmal aber auch noch mehr detektivisch aktiv werden. Mithilfe eines Twitter-Klons können wir herausfinden, worüber die Menschen gerade reden und dann zum Ort gehen, von dem der „Tweet“ abgeschickt wurde. Dort belauschen wir die Leute und lernen so Informationen, die uns in einer Sidequest helfen können.

Auch gibt es neue Tools, wie zum Beispiel ein Gerät zur Verstärkung von Schallwellen, mit dem wir Leute aus der Distanz belauschen. Diese Erweiterung des Arsenals, aber auch der Erfordernisse an den Spieler, ist überraschenderweise sehr unterhaltsam. In der heutigen Videospiel-Welt wird der Spieler fast schon komplett an der Hand geführt und eigenes Nachdenken tritt in den Hintergrund. In Lost Judgment wird man zwar noch immer etwas an der Hand geführt, aber diese Passagen verlangen dann doch etwas mehr vom Spieler ab… wenn auch nicht wahnsinnig viel mehr.

Ein agiler und schneller Yagami

Ein Spiel im Stil von Yakuza beinhaltet natürlich auch normale Passanten, die komplett durchdrehen und den Protagonisten einfach so auf der Straße angreifen. Während die Kämpfe in den Yakuza-Spielen noch relativ klobig und langsam waren, sind diese in Lost Judgment blitzschnell. Der Kampf lädt schnell, Yagami hat drei schnelle Angriffsstile im Repertoire und beim Ende des Kampfes kann man seinen Charakter auch wieder relativ zügig bewegen.

Während ich in anderen Yakuza-Teilen den Kämpfen im späteren Spielverlauf ausgewichen bin, kämpfe ich sehr gerne in Lost Judgment, weil ich weiß, dass es Spaß macht und nicht viel Zeit kostet. Ein Kampfstil ist eher für einzelne Gegner gedacht, der andere ist ideal für Gruppen und erinnert etwas an den Breakdancing-Stil von Goro Majima und der dritte Kampfstil kann bewaffnete Gegner schnell entwaffnen.

Die Schnelligkeit und Agilität von Yagami hilft ihm auch beim Erklimmen von Gebäuden im Stil von Assassin’s Creed. Man darf sich diese Passagen aber nicht sehr schwierig oder ausgefallen vorstellen. Es ist eine kleine nette Neuerung, die vielleicht in zukünftigen Teilen erweitert werden könnte.

Bitte weiter so

Bildmaterial: Lost Judgment, Sega, Ryu Ga Gotoku Studio

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Titel	Super Mario 3D World + Bowser’s Fury
	12. Februar 2021
	Nintendo
	12. Februar 2021
	Nintendo
	12. Februar 2021
	Nintendo
System	Nintendo Switch
Getestet für	Nintendo Switch
Entwickler	Nintendo
Genres	Jump ’n‘ Run
Texte
Vertonung	–

Im Zuge des 35-jährigen Jubiläums von Super Mario hat uns Nintendo mit einigen Spielen beschenkt. Unter anderem erscheint am 12. Februar 2021 „Super Mario 3D World + Bowser’s Fury“, eine Sammlung aus dem bereits für Wii U erschienenen „Super Mario 3D World“ und dem komplett neuen „Bowser’s Fury“-Zusatzinhalt. Ist alles super in dieser Kollektion oder gibt es Grund zur Rage? Lest mehr in unserem Test!

Zwei wichtige Vorab-Infos: Ich bin geübter Jump-’n‘-Run-Spieler. Beachtet das also bei meiner Spielzeit bis zum Ende der Spiele, die vermutlich am kürzeren Ende angesiedelt ist. Und ich konnte den Multiplayer-Modus beider Titel aufgrund fehlender Nintendo-Switch-Online-Mitgliedschaft nicht testen und derzeit ist es eher nicht ratsam, Freunde für den lokalen Multiplayer einzuladen. Außerdem wurde die amiibo-Unterstützung nicht getestet, weil ich keine amiibo besitze. Welche Funktionen die verschiedenen amiibo-Figuren haben, darüber haben wir aber schon berichtet. Wichtig für SpielerInnen des Originals: Ihr könnt sowohl Super Mario 3D World als auch Bowser’s Fury direkt am Anfang auswählen.

SUPER MARIO 3D WORLD

World Tutorial-1

Ich habe das ursprüngliche Super Mario 3D World für Wii U nie gespielt. Deshalb beschreibe ich das Spiel aus der Sicht eines neuen Spielers.

World Tutorial-2

Es gibt leider kein Tutorial im Spiel. Natürlich gibt es eine Anleitung im Pause-Menü und man kann sich die Steuerung für jedes mögliche Power-up im Detail ansehen. Aber ein richtiges Tutorial, welches die Steuerung im Kontext erklärt, gibt es nicht. Einerseits hat das positive Aspekte, denn man entdeckt einige Mechaniken damit selbst. Während diese Entdeckerfreude in vielen anderen Spielen fehlt, stellt man hier manchmal erstaunt fest „Oh, mein Charakter kann das machen?“ oder „Das funktioniert? Cool!“. Der Nachteil ist jedoch, dass es wenig Freude macht eine „Excel-Tabelle“ zu lesen und man manche Sachen eventuell alleine nicht entdeckt.

So habe ich 99 % aller Inhalte im Spiel gesehen (inklusive Bonus-Inhalten und Sammelobjekten), ohne jemals zu sprinten. Ich wusste nicht, dass das geht. Ein gewisses Level ist damit sehr schwer, aber nicht unmöglich zu beenden. Ich hätte mir eine Mischung gewünscht: nicht an der Hand gehalten und durch das Spiel geleitet zu werden, aber dennoch ein bisschen Tutorial einbauen, um grundlegende Funktionen im Spiel kurz zu zeigen. Vor allem wäre das deshalb wichtig, weil die Charaktere doch sehr agil sind und vielfältige Bewegungen ausführen können.

World Story-1

Es gibt keine Story. Jedenfalls keine, die ein handelsübliches Mario-Spiel übersteigt. Bowser entführt feenartige Wesen und liefert damit Mario, Luigi, Princess Peach und Toad einen Grund, in ein fremdes Königreich zu reisen und diese Feen zu befreien.

World Kingdom-1

Die Welt ist in mehrere Regionen unterteilt, die wiederum aus mehreren, kurzweiligen Level bestehen. Die Level sind sehr abwechslungsreich und kreativ gestaltet. Jeder, der schon einmal einen modernen Mario-Titel gespielt hat, weiß, dass man hier in Sachen Kreativität garantiert nicht enttäuscht wird. In jedem Level sind außerdem drei grüne Sterne und ein Stempel versteckt. Die grünen Sterne müsst ihr zwar nicht alle sammeln, aber zu gewissen Zeitpunkten im Spiel braucht ihr eine überschaubare Menge um weiterzukommen. Hier muss man sich nicht sorgen, dass man lange suchen muss, denn die Sterne sind nicht unmenschlich versteckt.

Da die Level relativ kurz sind, kann man sie mehrmals durchlaufen und fehlende Sterne suchen. Die Stempel sind genauso gut versteckt und man findet diese relativ leicht, wenn man sich ein wenig umschaut. Diese Stempel aktivieren, Überraschung, Stempel von Charakteren und Objekten aus der Welt von Mario, die ihr dann in einem Foto-Modus nutzen könnt.

World Kingdom-2

Der Foto-Modus bietet euch unter anderem Filter, Kamerawinkel, die erwähnten Stempel und weitere Einstellungen an. Er lässt sich jederzeit auf der Weltkarte oder in den Level aktivieren und dann kann man die Stempel auf alle Oberflächen kleben und so Szenen erzeugen. Kreative Leute werden hier sicher ihren Spaß haben, obwohl gesagt werden muss, dass andere Spiele teilweise umfangreichere Foto-Modi haben. Befindet man sich auf der Weltkarte, ist man nicht nur auf den Foto-Modus begrenzt. Man findet genug anderweitige Unterhaltung, wie zum Beispiel ?-Blöcke, versteckte Münzen und Transport-Röhren. Dann gibt es auch noch einige Bonus-Spiele, so zum Beispiel ein Roulette für Goldmünzen (und für alle 100 Münzen ein Level-up).

Außerdem gibt es Challenge-Gebiete, in denen ihr für grüne Sterne mehrere 10 Sekunden lange Challenges bewältigen müsst, die euch ganz schön auf Trab halten werden. Mein absolutes Highlight sind aber die Mini-Level im Stil von „Captain Toad: Treasure Tracker“ (eine weitere Wii-U- und Switch-Veröffentlichung). Hier gilt es, grüne Sterne in einer frei drehbaren, dreidimensionalen Welt zu finden und Captain Toad, der leider nicht springen kann, durch diese überaus kreativen „Bonsai-Welten“ zu navigieren. Diese Level haben mir so gut gefallen, dass ich bald Captain Toad: Treasure Tracker für Switch kaufen werde. Alles in allem sind die Welt und Level fantastisch designt und sehr unterhaltsam und abwechslungsreich.

World Cat-Nya

Zu Anfang eines Levels sucht man sich einen von vier Charakteren aus, beziehungsweise können bis zu vier Spieler lokal oder online gemeinsam spielen. Mario, das Allround-Talent mit ausgewogener Steuerung. Luigi, der besonders hoch springen kann, aber dafür etwas unpräziser zu steuern ist. Princess Peach, die für eine kurze Zeit in der Luft schweben kann, was sich in manchen Leveln zu eurer ultimativen Waffe entwickeln wird. Toad, der von allen am schnellsten läuft, was euch in zeitlich sehr knappen Leveln hilft. Die Charaktere bieten hierbei im Großen und Ganzen nur minimale Vorteile für gewisse Level. Man kann mit jedem Charakter jedes Level abschließen und muss nicht den genau passenden auswählen.

Seid ihr weit genug fortgeschritten im Spiel, erhaltet ihr noch Rosalina als zusätzlichen Charakter. Sehr selten gibt es Buttons in Leveln, die nur ein gewisser Charakter drücken kann und hinter denen sich meist ein Sammelobjekt versteckt. Würden sich die Charaktere etwas unterschiedlicher spielen und wäre man in gewissen Leveln für eine besondere Herausforderung zu gewissen Charakteren gezwungen worden, wäre das sicher spannend gewesen. So aber ist das Spiel relativ kinderfreundlich (immerhin Nintendo und nicht FromSoftware). Selbst wenn ihr euch jetzt denkt, „Ohje, das Spiel sieht zwar lustig aus, aber Jump-’n‘-Run-Spiele liegen mir nicht“, dann seid beruhigt: Sterbt ihr zu oft im Spiel, erscheint ein besonderes Power-up, das euch zumindest unverwundbar macht. Stürzt ihr ab oder fällt in Lava, hilft euch das Item aber auch nicht. Dennoch erleichtert es viele Level enorm und erlaubt auch absoluten Einsteigern, Erfolgserlebnisse zu haben.

World Cat-Nya Nya

Altbekannte Power-ups helfen euch, durch die Level zu kommen. So gibt es die Feuerblume, mit der ihr Feuerbälle schießen könnt. Den Bumerang, mit dem ihr einen Bumerang schießen könnt. Neu im Spiel ist die Glocke, mit der ihr zu einer Katze werdet. Seid ihr erst einmal Super Nyario, könnt ihr mit euren scharfen Krallen Gegner besiegen und geschickt Wände hochlaufen. Vor allem das Hochklettern von Wänden ist überaus nützlich, aber gleichzeitig auch kein Gamebreaker, der es euch ermöglicht, alle Hindernisse in den Leveln zu umgehen. Die Attacke mit den Krallen hat im Vergleich zu Feuerblume und Bumerang natürlich den Nachteil, dass ihr nahe am Gegner stehen müsst. Aber man kann es nur noch einmal wiederholen: das ist ein Nintendo-Spiel. Die Gegner sind nicht wirklich schwer zu besiegen.

World Rainbow-1

Diese Farben! So viele davon! Ja, Super Mario 3D World ist wie viele andere Mario-Spiele eher eine bunte, fröhliche Angelegenheit. Selbst Level mit Geistern, Lava oder in tiefdunkler Nacht sind eher bunt und niedlich als wirklich furchteinflößend. Etwas anderes erwartet und will auch niemand von einem Mario-Spiel. Zur musikalischen Untermalung fällt mir nicht viel ein, was wohl daran liegt, dass die Musik nicht aus der Masse heraussticht. Sie ist keinesfalls schlecht, aber auch nicht so gut, dass man sie nach dem Spielen noch tagelang summen wird.

BOWSER’S FURY

Choleriker

Was passiert, wenn Bowser zu einem Choleriker wird? Genau, er wird zu Wut-Bowser und greift Mario wie verrückt an. Genau um das geht es in Bowser’s Fury. Das Spiel ähnelt Super Mario Odyssey, was ein großes Kompliment ist, denn Odyssey war absolut genial. Bowser’s Fury ist auch absolut genial. Wir erkunden eine offene Welt und können uns frei entscheiden, wo wir hingehen wollen.

Die Welt besteht aus einem großen Meer und mehreren Inseln, die man entweder schwimmend erreichen kann oder man nutzt Plessie, den freundlichen, schwimmenden Dinosaurier. Das Gute ist, dass Plessie immer gerade in der Nähe auftaucht, wenn man ins Wasser springt. Doch auch wenn man auf ihn verzichten sollte, sind die Inseln nicht wahnsinnig weit voneinander entfernt und man kann die Welt schnell erkunden.

Das leitet über in die größte Schwäche des Spiels: Die Welt ist klein und das Spiel dahingehend im Vergleich zu anderen Mario-Spielen wirklich kurz. Ich habe grob innerhalb von zwei Tagen 100 % des Spiels erledigt. Jeder Moment davon war herrlich, da die Welt vollgepackt ist mit versteckten Inhalten, aber ich hätte mir sehr gewünscht, dass dieses geniale Spiel länger ist.

Wutbürger

Herr Bowser befindet sich die meiste Zeit des Spiel in seinem Panzer. In regelmäßigen Abständen reicht es ihm aber, er kommt aus seinem Versteck heraus und die Hölle bricht los. Die Welt verdunkelt sich, es regnet Feuerbälle und Felsbrocken und der riesenhafte Bowser schießt einen Feuerstrahl auf uns, ähnlich wie Godzilla.

Da mich interessiert hat, in welchen Abständen Bowser seine Wutausbrüche hat, habe ich mich mit einer Stoppuhr ans Spielen gemacht. Die Abstände reichten von 4 Minuten bis knapp 13 Minuten, wobei einmal sogar nach sagenhaften 35 Sekunden (!) Bowser wieder zum Choleriker wurde. Während seines Wutanfalls wird das Rumgespringe mit Mario natürlich um einiges kniffliger, da man den Angriffen von Bowser ausweichen muss. Findet man jedoch eine der sammelbaren Katzen-Insignien, beruhigt sich Bowser wieder… bis zum nächsten Ausbruch.

Nicht nur Mario wird gepeinigt von Bowsers Wutattacken, nein, auch meine gute Nintendo Switch packt das nicht so ganz und stellenweise habe ich deutliche Framerate-Einbrüche erlebt. Die Musik wechselt während Wut-Bowser zu elektrischen Gitarren und relativ seichter Heavy-Metal-Musik, was im Vergleich zu den sonst eher fröhlichen Liedern aus der Masse heraussticht. Einen Ohrwurm hat man nachher aber dennoch nicht.

Bowser’s Fury

Haben wir genug Katzen-Insignien gesammelt, wird eine verdreckte, riesige Glocke sauber und wir können dieses Power-up nutzen. Mario wird zu einer Riesen-Katze und nun sind wir ein ebenbürtiger Gegner für Godzilla-Bowser. Man macht diese Kämpfe mehrfach und Bowser adaptiert jedes Mal seine Taktik etwas. Richtig schwer sind diese jedoch nicht. Es ist aber schon lustig, als riesiger Nyario durch die Spielwelt zu springen.

Haben wir Bowser besiegt, kehrt mal wieder etwas länger Ruhe bis zum nächsten Ausbruch ein. Während der ruhigen Phasen hilft uns Bowser Jr. beim Erkunden der Welt. Er besiegt Gegner, deutet auf versteckte Objekte hin und kann ?-Graffiti malen, die zu Geheimnissen führen. Man kann einstellen, ob er nicht, wenig oder viel helfen soll, obwohl ich zwischen wenig und viel kaum einen Unterschied gemerkt habe. Mir hat er ehrlich gesagt schon bei der Einstellung „wenig“ zu viel geholfen, indem er relativ oft Gegner aus dem Weg geräumt hat. Das hat zum Beispiel ein Jump-’n‘-Run-Element sehr einfach gemacht. Neben der CPU kann aber auch ein zweiter Spieler die Kontrolle über Bowser Jr. übernehmen.

Nyazit: Spielspaß pur

Beide Spiele, Super Mario 3D World und Bowser’s Fury, sind absolut spitze, obwohl Bowser’s Fury leider viel zu kurz ist. Wer Mario-Fan ist beziehungsweise kreative Jump ’n‘ Runs liebt, kann nicht umhin, diese Sammlung zu kaufen. Super Mario 3D World + Bowser’s Fury kann nur als fantastisch bezeichnet werden. Es ist Spielspaß pur. Habt ihr allerdings schon Super Mario 3D World gespielt und seid nur an Bowser’s Fury interessiert, seid noch einmal gewarnt, dass das Spiel wirklich kurz ist. Wer Super Mario 3D World noch nicht kannte, muss es einfach spielen, da es mit Größen wie Super Mario 64 und Super Mario Odyssey locker mithalten kann. Und wer danach keine Lust auf Captain Toad: Treasure Tracker hat, dem ist nicht mehr zu helfen.

Bildmaterial: Super Mario 3D World + Bowser’s Fury, Nintendo

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Titel	Death Stranding
	8. November 2019
	Sony Interactive Entertainment
	8. November 2019
	Sony Interactive Entertainment
	8. November 2019
	Sony Interactive Entertainment
System	PlayStation 4
Getestet für	PlayStation 4
Entwickler	Kojima Productions
Genres	Strand game
Texte
Vertonung

Vollbeladen mit wichtigem Transportgut schätze ich die Flusstiefe mit meinem Odradek ab, packe dann die beiden Gurte meines Rucksacks, um nicht die Balance zu verlieren und wate langsam durch den Fluss, dabei meine Ausdauer-Anzeige im Auge behaltend. Rechts von mir ist eine steile Klippe, auf die ich eigentlich muss. Die behalte ich mal im Augenwinkel. Schließlich finde ich ein Kletterseil eines anderen Spielers und nutze es, um die Klippe zu erklimmen. Das Terrain ist schwierig und ich muss aufpassen, wo ich hintrete. Andernfalls könnte ich umfallen und die Ware beschädigen oder gar zerstören. Auf meiner Karte habe ich eine Brücke gesehen, die von anderen Spielern gebaut wurde und steuere auf sie zu. Auf einmal beginnt es zu regnen. „Toll“, denke ich, „auch noch BTs…“.

Natürlich dreht der Odradek dann am Rad und warnt mich vor den BTs, während die Luft um mich herum schwer wird und das BB, das ich um den Bauch geschnallt habe, zu weinen anfängt. Also mitten rein ins BT-Gebiet. Ich gehe nicht mehr aufrecht, sondern bewege mich langsam in der Hocke durch steiles, mit Steinen übersätes und vom Timefall glitschig gemachtes Terrain, während ich immer wieder Pulse mit meinem Odradek aussende, um BTs zu sehen.

Sollte mich einer der BTs erwischen, sterbe ich zwar nicht, aber es kommt zu einer gigantischen Explosion, die für immer meine Karte verändert, und meine Ware zerstört. Dann darf ich den gesamten Weg nochmal zurücklegen und mit etwas Pech sind die BTs noch immer im Weg. Darum vorsichtig Schritt für Schritt vorangehen, BTs mit Blutgranaten töten, wenn sie zu sehr im Weg sind, hin und wieder stehen bleiben und die Situation ausloten. Bei all dem auch hoffen, nicht abzurutschen und den Hang hinunterzuschlittern.

Nach zehn Minuten Anspannung komme ich endlich aus dem Gebiet raus, die BTs sind hinter mir, der Timefall hört auf. Ich schaue auf eine weite, friedliche Ebene hinunter und sehe mein Ziel in der Ferne: eine Hafenstadt. Ich schaue mir das Terrain sehr gut an, weil es steil aussieht und da ich jetzt nicht auf den letzten Metern ausrutschen will, überlege ich mir meinen Kurs und gehe los. Während ich nun durch das friedliche Gebiet gen Stadt gehe, beginnt auf einmal ein ruhiges Lied, die Kamera fährt etwas nach hinten und ich habe mehr Ausblick auf das herrliche Panorama, als würde das Spiel sagen wollen: „Gut gemacht, hier hast du etwas gegen deinen Stress!“ In diesem Moment denke ich mir: „Das Spiel ist schon irgendwie geil und ich weiß nicht genau, warum.“

Ein zerstörtes Amerika

Es folgen kleine „Spoiler“ über die Ausgangslage in Death Stranding, die aber im Spiel selbst relativ schnell erklärt werden. Wer also nicht wissen will, was BTs sind oder was das Death Stranding war, sollte den nächsten Absatz überspringen.

In der Vergangenheit passierte das Death Stranding – das Stranden der Toten. Die Welt der Toten wurde zu bitterer Realität, da diese auf einmal mit unserer Welt verschnitten war. Die „Seelen“ von Toten konnten auf einmal wieder ins Diesseits zurückkehren, was verheerende Folgen hatte. Kommt ein Toter in Kontakt mit einem Lebenden, kommt es zu einer gigantischen Explosion. Binnen kürzester Zeit waren die USA eine von Kratern übersäte Wüste. Die wenigen Überlebenden leben nun unterirdisch, um dem Timefall und den BTs auszuweichen: Das Erste ist Regen, der die Alterung von Objekten/Menschen extrem beschleunigt, Zweiteres sind die Toten, die in unsere Welt gelangen – beached things (BT) oder gestrandete Dinge (GD).

Lieferanten sind nun extrem wichtig geworden, da sie so mutig sind, sich in die gefährliche Welt hinauszuwagen, um wichtige Waren von A nach B zu bringen. Einer dieser Lieferanten sind wir, Sam Bridges. Wir werden von der US-Präsidentin beauftragt, eine Art „Internet“ (das chirale Netzwerk) von der Ostküste bis zur Westküste von Amerika zu etablieren und so wieder eine Gemeinschaft zu gründen. Denn es ist ihre Meinung, dass wir getrennt voneinander, jeder für sich selbst kämpfend, in Städten verschanzt, schließlich als Rasse aussterben werden. Wir müssen zusammenarbeiten, Brücken bauen (sowohl reale als auch zwischenmenschliche), um gemeinsam das BT-Problem zu lösen und die Menschheit zu retten.

Die Story wird in teilweise etwas längeren Cutscenes sehr spannend vermittelt. Zuerst fragt man sich natürlich, wieso das Death Stranding überhaupt passiert ist. Man fragt sich, wie genau das „chirale Netzwerk“ funktioniert. Sehr früh trifft man mysteriöse Charaktere: Fragile, eine junge Frau eines anderen Lieferservice, die sich quer durch die Welt teleportieren kann. Oder ein Gegenspieler, der andeutet, dass niemand wirklich das Death Stranding oder BTs richtig versteht.

Da der Tod ein wichtiges Thema für jeden Menschen ist, ist die Thematik in Death Stranding besonders spannend. Leider wird ein großer Teil des Hintergrundwissens nicht von den Charakteren erzählt, sondern von einer Datenbank gefüllt mit Interviews, die man langsam freischaltet. Hier muss man dann viel lesen. Einerseits macht das Sinn, da die Charaktere, die in der Welt leben, BTs kennen. Sie müssen sich nicht immer gegenseitig sagen: „Hey das ist ein Auto, damit kann man fahren, weißt du?” Andererseits haben hier lesefaule Spieler einen Nachteil.

Es ist auch nicht besonders hilfreich, dass der Text im Menü verdammt klein gehalten ist und die Menüs generell überladen sind. Zu Anfang des Spiels weiß man gar nicht, wo man genau hinsehen soll. Hier ploppt ein Tutorial-Text auf, gleichzeitig dazu ein Update zu einer Quest, hier eine andere Information. Liebes Spiel, wo soll ich hinschauen? Was bedeuten all die Symbole und Daten im Menü? Ich werde für Lieferungen in Kategorien bewertet und steige scheinbar im Level auf? Wieso erklärt das niemand? Wie erhöht man gewisse Level? Man kommt zwar im Laufe des Spiel drauf, aber dennoch ist die Übermittlung von einigen Informationen suboptimal im Spiel.

Wir bauen Autobahnen

Prinzipiell ist das Spiel eine Serie von Fetch-Quests. Was soll man sonst machen als Lieferant? Man bringt Objekte von A nach B. Das klingt jetzt vielleicht super langweilig oder nach einem Walking Simulator. Das wäre aber unfair Death Stranding gegenüber. Death Stranding ist ein Walking Simulator angesiedelt in einer wunderschönen Alptraumwelt, gemischt mit Horror und einzigartiger Online-Interaktion.

Bei einem Walking Simulator geht man von A nach B, Spiel geschafft. Hier muss man die Ware, die man transportiert, zuerst einmal richtig ausbalancieren, um nicht ständig beinahe umzukippen. Was nimmt man neben der Ware noch mit? Leitern? Brauche ich ein Seil oder eine Brücke für die Strecke? Erscheinen dort BTs oder menschliche Gegner? Für alles muss man dann zusätzliche Items aufladen.

Das Terrain und die Welt sind sehr unwirtlich. Das ist eine ungezähmte, raue und zerstörte Welt, dank den BTs. Damit man manchmal einfacher oder überhaupt vorankommt, muss man unter anderem Leitern, Brücken und später Fahrzeuge sowie Autobahnen nutzen. Um all das bauen zu können, muss man nicht nur das entsprechende Werkzeug zum Ort des Einsatzes schleppen, sondern auch Materialien wie Metalle, Keramik und so weiter für manche Objekte. Da überlegt man sich mehrmals, was genau man mitnimmt.

Allein in der Gemeinsamkeit

Würde man das alles alleine machen, würde das ewig dauern. Doch Death Stranding ist eine wunderschöne, wohl gestrickte Metapher für Zusammenarbeit. Nicht nur soll Sam die Menschen der ehemaligen USA wieder miteinander verbinden, „Death Stranding“ ist auch eine wunderbare Anspielung auf das „gestrandet sein“ (sowohl der Toten als auch der Lebenden) und gleichzeitig ist das englische „strand“ zu deutsch „ein Strang“ (und sieht wie das deutsche Wort „Strand“ aus, das auch noch eine sehr wichtige Bedeutung im Spiel hat).

Als wäre das nicht schon genug, spielt ihr mit anderen Spielern gemeinsam kooperativ, obwohl ihr die anderen nicht sehen könnt. Allein in der Gemeinsamkeit. Das ist noch nicht einmal das Ende der Anspielungen, denkt man an das Baby um den Bauch, welches mit einer Art Nabelschnur mit dem Anzug verbunden wird oder an die BTs, die an ihrem Lebensfaden hängen (der theoretischen Verbindung zwischen Seele und Körper). Kojima, du genialer Mistkerl.

In eurer Welt erscheinen Objekte, die andere Spieler in ihrer Welt gebaut haben. Hier hatte ein Spieler zum Beispiel das Fundament einer Brücke gesetzt, doch dieser fehlen aber noch Materialien, um fertig zu sein. Ihr könnt nun welche beisteuern und die Brücke fertigstellen oder zumindest bei der Fertigstellung helfen. Oder ihr fangt damit an, ein kostspieliges Objekt zu bauen, das in der Welt anderer Spieler angezeigt wird und mit Hilfe der anderen gemeinsam gebaut wird und dann allen beteiligten Spielern nützlich ist. Nutzt man Objekte anderer Spieler und findet diese gut, kann man ihnen Likes geben, die dem anderen Spieler Level-ups ermöglichen und die Verbindung zwischen Spielern stärken. Gleichzeitig bekommt ihr Likes für alle gut platzierten, nützlichen Objekte.

Zum Glück sind die angezeigten Objekte limitiert, ihr werdet also nicht mit einer voll ausgebauten Welt konfrontiert. Ihr seht auch nur das, was ihr bereits kennt oder sehr bald kennenlernen werdet. Man braucht also keine Angst zu haben, dass wenn man später einsteigt, die ganze Welt mit Autobahnen und Brücken zugepflastert ist und man nun im „Easy“-Modus spielt. Ihr seht die Objekte anderer Spieler auch nur dann, wenn ihr ein Gebiet an das chirale Netzwerk angeschlossen habt. Das heißt, dass jedes euch unbekannte Gebiet zuerst auch zu großen Teilen noch unberührt ist. Gefällt euch ein Objekt nicht, könnt ihr es auch einfach aus eurem Spiel entfernen.

Vor allem der Bau von Autobahnen macht süchtig. Diese schlucken zwar viele Materialien und müssen von mehreren Spielern zusammen gebaut werden, aber wow, ist man stolz darauf, wenn man langsam Straßen aufbaut und sich das Spiel vereinfacht. Sie beschleunigen den Transport extrem, vor allem, wenn ihr zum Beispiel einen LKW geklaut habt. Lieferungen außerhalb der Hauptstory motivieren, weil man so schließlich bessere Ausrüstung, Items oder neue Interviews bekommt.

Kann man sich zu Anfang nicht gegen BTs wehren, bekommt man später Waffen gegen sie. Ihr dürft euch aber nun kein Action-Game vorstellen. Das Hauptaugenmerk liegt noch immer auf Schleichen, Ausweichen und im Notfall zur Waffe greifen. Dabei hofft man, dass man nicht zu laut war und bald von BTs eingekesselt wird. Schließlich würde das Ganze in einer Explosion enden, die euch zwar nicht umbringt, aber eure Ware pulverisiert und ein großes Loch in die Karte reißt.

Neben BTs gibt es auch menschliche Gegner, die es nur auf eure Lieferungen abgesehen haben. Diese sind eher nervig als eine wahre Bedrohung und die Erklärung im Spiel, warum sie so gerne Waren von euch klauen (die sie dann nicht einmal selbst nutzen), ist etwas lächerlich: Sie stehen so sehr auf die Likes, die man bekommt, wenn man Sachen an Kunden abliefert. Praktisch Twitter-Terroristen.

Eine Dystopie zum Verlieben

Die Atmosphäre dieser dystopischen Welt ist unglaublich. Ich liebe und hasse das Spiel manchmal gleichzeitig. Im Endeffekt ist es nur eine Reihe an Fetch-Quests, warum zieht mich das Spiel also so in seinen Bann? Klar hält einen die Story bei der Stange, aber ein Großteil meiner Zeit habe ich mit dem Bau von Autobahnen und Lieferungen verbracht. Das wären absolut hirnlose Nebenquests in anderen Spielen. Hier machen sie Spaß und locken mich immer wieder ins Spiel. Jede gebaute Struktur macht es einfacher. Das Gemeinschaftsgefühl mit anderen Spielern, dass alle in derselben Misere stecken, ist sehr stark und die Items, die man bekommt, sind nützlich und die Informationen spannend. Ich gebe ehrlich zu, dass ich zu Anfang in manchen Szenen etwas Angst hatte.

Die Kombination von Unbekannten, Kamera-Perspektive, Soundtrack und die sichtbare Angst und Nervosität der Charaktere in einer verregneten Nacht auf einem rumschaukelnden LKW, eingekesselt von BTs, trägt das Ihrige bei. Jedes Mal, wenn ich durch BT-Gebiet muss, erhöht sich mein Pulsschlag etwas. Ich weiß, es ist nur ein Spiel und nicht mal Sam kann richtig sterben; nachher wird das Spiel vielleicht sogar einfacher für mich, wenn die Explosion die BTs auslöscht. Aber ich will verdammt sein, wenn mich die BTs erwischen und ich meine Ware verliere.

Die Welt ist roh und ungezähmt, zerstört durch das Death Stranding. Dennoch ist sie wunderschön anzusehen. Jedoch gibt es bei genauerem Hinsehen auch etwas unschöne Texturen, das ist mir aber nur an einer Felswand aufgefallen. Das Design der Technik der Zukunft wirkt modern und man kann sich durchaus vorstellen, dass solche Objekte mal wirklich existieren könnten. Vielleicht macht es auch die Nähe zu unserer richtigen Welt, denn Death Stranding spielt in einer nicht allzu fernen Zukunft, dass die Welt zu faszinieren weiß.

Der Soundtrack besteht aus vielen ruhigen Liedern, die manchmal in ruhigen Phasen des Spiels starten und euch eine friedliche, freundliche Atmosphäre in einer Wiesenlandschaft bieten. Ein herrlicher Kontrast, da die Welt eigentlich am Abgrund steht. Die Synchronisation ist gut gelungen und die deutsche Übersetzung hat sich die Mühe gemacht, viele Begriffe einzudeutschen.

Gestrandet oder eine gewaltige Freudenexplosion?

Bildmaterial: Death Stranding, Sony / Kojima Productions

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Titel	Judgment
	13. Dezember 2018
	SEGA
	25. Juni 2019
	SEGA
	25. Juni 2019
	SEGA
System	PlayStation 4
Getestet für	PlayStation 4
Entwickler	SEGA
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Bildmaterial: Judgment, Sega / Yakuza Studio

Nach dem Ende der sechsteiligen Yakuza-Reihe mit Protagonist Kazuma Kiryu arbeitet das für die Spiele verantwortliche Team nicht nur an einer neuen Yakuza-Serie mit dem vorläufigen Titel „Shin ryu ga gotoku“ (was „neues Yakuza“ bedeutet), sondern veröffentlichte auch am 13. Dezember 2018 „Judge Eyes“ in Japan. „Judge Eyes“ ist in derselben Welt wie Yakuza angesiedelt und kommt am 25. Juni unter dem neuen Titel „Judgment“ in unsere Gefilde.

Die Story dreht sich um die Abenteuer des Detektiv Yagami Takayuki in Kamurochō, Tokio, um es ganz spoilerfrei zu sagen. Meiner persönlichen Meinung nach hätte der Name „Judge Eyes“ gerne beibehalten werden können, da er zur Story passt. Man könnte das Spiel auch „Yakuza 7 ohne Kiryu mit anderen Yakuza und Pseudo-Kiryu“ nennen. Das soll nun absolut nicht negativ klingen, als wäre das Spiel eine billige Kopie eines Yakuza-Spiels. Denn das Beste und das Schlechteste, was man über Judgment sagen kann, ist, dass es ein Yakuza-Spiel ist. Das natürlich mit allen positiven und negativen Eigenschaften, die allen Yakuza-Spielen gemeinsam ist.

Schau mir in die Augen, omae!

In Kamurochō, dem fiktiven Vergnügungsbezirk Tokios mit Realvorbild Kabukichō, taucht erneut eine Leiche eines Yakuza der Kyorei-Familie aus der Kansai-Region (im Westen Japans) auf. Auch diesem armen Teufel wurden die Augen ausgestochen. Dieser grausame Fund ist der Ausgangspunkt der Geschichte um den Detektiv Yagami, der durch seinen Job in ein massives Komplott hineingezogen wird. Yagami ist ein ehemaliger Strafverteidiger der Gendai-Anwaltskanzlei.

Als er vor drei Jahren Okubo Shinpei erfolgreich vor Gericht verteidigt hatte, änderte sich sein Leben schlagartig, als Okubo nur wenige Wochen später seine Freundin brutal ermordete. Gebrandet als der Anwalt, der Mörder vor Gericht frei bekommt und mit der eigenen Schuld lebend, dass er mitverantwortlich für den Tod von Okubos Freundin ist, hängt Yagami den Anwaltsjob an den Nagel und wird Detektiv. Drei Jahre später führt er mit dem Ex-Yakuza Kaito eine Detektei und nimmt alle Fälle an, die ihm gute Bezahlung einbringen.

Die Story kommt am Anfang eher langsam und schleppend voran. Man fragt sich manchmal, ob gewisse Szenen wichtig sind und wo die scheinbar zusammenhanglosen Ereignisse nur hinführen sollen. „Side cases“, also kleine Detektiv-Fälle, die als Side-Quest dienen, wirken gerade am Anfang so, als würden sie die Haupt-Story unterbrechen.

Zu Beginn wirken diese „Unterbrechungen“ noch störend. Sie dienen jedoch dazu, den neuen Charakter Yagami und die anderen neuen Charaktere vorzustellen und auch das Spielgeschehen etwas glaubhafter zu gestalten. Es fällt schon etwas auf, wenn man immer genau dann einen wichtigen Anruf bekommt, wenn man gerade aus einem Gebäude tritt und eine Story-Szene beendet hat. Da ist es nett, wenn man manchmal etwas „warten“ muss und sich mit einem kleinen Nebenfall beschäftigt.

Kommt im späteren Spielverlauf die Haupthandlung aber mal richtig in Fahrt, nimmt sie einen gefangen und die “side cases” stören nicht mehr, da sie doch immer wieder andere Seiten von Yagami zeigen und ihn menschlicher machen. Wusste ich zuerst nichts mit Yagami anzufangen, ist er mir nun doch sehr ans Herz gewachsen. Obwohl er Ähnlichkeiten mit Kiryu hat, ist er doch ein eigener Charakter.

So vernichtet Yagami auch massenweise Yakuza in Faustkämpfen, als wären die Yakuza ein absoluter Witz. Anders als Kiryu ist er jedoch kein Yakuza und deshalb passt es besser zu seinem Charakter, dass er moralisch etwas gegen Diebstahl und Betrug hat (Kiryu war der schlechteste Yakuza, den es je gab, da er immer nur den Leuten geholfen hat). Andererseits war Kiryu manchmal etwas „dämlich“ und leicht überrascht von Ereignissen in Nebenquests. Yagami ist da eher „wissend“, schmunzelt über verrückte Vorkommnisse und wirkt moralisch auch etwas mehr investiert in das Ganze.

Obwohl Yagami auch Verbindungen zu den Yakuza hat, merkt man doch, dass er sie eher verachtet und sie lächerlich findet. So reißt er Witze, wenn jemand sein Hemd für einen Kampf vom Körper reißt oder fragt einen Yakuza, ob „ständiges Brüllen“ die einzige Kommunikationsmöglichkeit für ihn ist. Woraufhin der Yakuza natürlich „Omae!“ brüllt und ihn angreift.

Wer Kiryu vermisst, hat immerhin Kaito, der Kiryu im Gesicht und mit seinem Kleidungsstil ähnlich sieht und auch ein Ex-Yakuza ist, der nun auch Gutes tut. Anders als Kiryu hält er sich aber aus Yakuza-Angelegenheiten raus. Wer jetzt denkt, man kommt mit den Yakuza deshalb weniger in Verbindung… dem ist nicht so, da man mit seinen Nachforschungen immer mehr Leuten auf den Schlips tritt.

Die Story ist auf jeden Fall eines jeden anderen Yakuza-Teils mehr als würdig und spannend. Sie baut sich zwar erst langsam auf, aber sobald sie mal an Fahrt gewonnen hat, will man einfach nur noch wissen, wie es weitergeht.

Nur einmal gab es eine relativ unwahrscheinliche Szene im Spiel, die mir Stirnrunzeln bereitet hat aufgrund der starken Ähnlichkeit zu zwei (!) anderen, ebenso unwahrscheinlichen Szenen.

The Good, the Bad and the Ugly des Gameplays

Ich möchte nicht zuviele Worte über das allgemeine Gameplay von Judgment verlieren, da es im Kern wie jedes andere Yakuza ist und man das nicht ewig wiederholen muss. Die Yakuza-Spiele werden leider langsam ähnlich zu den „Warriors“- oder „Souls“-Spielen, immer wieder dasselbe. Viel lieber möchte ich nur kurz für alle Unwissenden sagen, dass Judgment ein Brawler ist und auf die Besonderheiten des Spiels eingehen.

Fangen wir mit dem Geldmangel im Spiel an. Yagami verdient Geld hauptsächlich durch die Nebenfälle. Die Yakuza, die man vermöbelt, tragen kaum Geld bei sich. Auch findet man nicht wirklich viele Items, die man gewinnbringend verkaufen kann. Zu Beginn des Spiels musste ich sogar mehrere Gegner besiegen, bis ich mir endlich ein Taxi zur nächsten Story-Sequenz leisten konnte. Später im Spiel gibt es eine an Kickstarter-angelehnte App namens Quickstarter, die teilweise massive Geldspritzen für Projekte braucht, die euch dann als Gegenleistung sehr gute Items bringen.

Das Geld dafür hat man aber nicht immer locker sitzen. Vor allem fließt ein Teil des Geldes auch in Medi-Paks, die man jetzt braucht, da es Blutschaden gibt. Das soll heißen, dass eure maximalen HP durch spezielle Angriffe verringert werden können. Ich halte diese Spielmechanik für absolut sinnlos, da sie dem Spiel nichts bringt und euch nur dazu zwingt, Geld für diese teuren Medi-Paks auszugeben. Zum Glück sind diese Angriffe nicht so häufig und man kann ihnen auch ausweichen.

Als Detektiv verfolgt man auch öfters Leute. Einerseits beschattet man sie, was genauso viel Spaß wie jede Beschattung in jedem Spiel jemals gemacht hat (nämlich Null), andererseits läuft man ihnen in einem fixen Parcour quer durch die Stadt nach.

Bei der Beschattung muss man sich verstecken und darauf achten, nicht gesehen zu werden, während man die Person nicht aus den Augen verliert. Bei der Verfolgungsjagd muss man durch simple Quick-Time-Events Gegenständen ausweichen, bis man die Person erreicht hat. Beides gehört zur Detektivarbeit dazu, beides ist keine Herausforderung und beides wird zu häufig in Judgment benutzt. Vor allem sind die Beschattungen teilweise auch inkonsequent: einmal kann man sich hinter Autos verstecken, dann in anderen Fällen hinter gewissen Autos wieder nicht.

Drohnen und VR

Was leider viel seltener eingesetzt wird, ist die Drohne, die Yagami besitzt. Man kann zwar jederzeit mit dieser frei durch Kamurochō fliegen und so Codes für ein Minispiel suchen.

In der Story hätte man sie aber öfter als Überwachungstool einsetzen können, das wäre spannend gewesen. Obwohl hier dann auch schon die Glaubwürdigkeit etwas darunter leidet, wenn vor dem Fenster eines Bürogebäudes eine Drohne schwebt und die Menschen darin das nicht bemerken. Wer schon mal in der Nähe eine Drohne war, weiß, wie laut sie sind.

Richtig Spaß machen dagegen die Drohnen-Rennen, ein neues Minispiel, welches an Pocket Circuit Racing aus Yakuza Zero zum Beispiel angelehnt ist. Hier kauft man sich neue Teile für seine Drohne, rüstet sie um und darf sie dann in rasanten Rennen zum Glück selbst durch Kamurochō fliegen. Diese Rennen machen viel Spaß und erinnern mich etwas an ein waffenloses WipEout. Die Rennen sind fordernd, da die Drohne Schaden nehmen kann und man bei hohem Tempo durch enge Gebäude schon mal wo anstößt, während die Drohnen-Gegner erbarmungslos sind und jede eurer Schwächen ausnutzen werden.

Ein weiteres neues Minispiel ist ein sogenanntes „VR-Spiel“, was für euch als Spieler selbst null mit VR zu tun hat. Ihr braucht also kein PlayStation-VR-Headset. Nur Yagami wird in ein virtuelles Kamurochō versetzt und spielt dort ein an Sugoroku-angelehntes Würfel-Brettspiel, bei dem es aber auch wieder darum geht, Leute (diesmal virtuell) zu verprügeln und das Ziel in einer gewissen Anzahl von Würfelwürfen zu erreichen.

Judgment hat sonst alle anderen üblichen Minispiele zu bieten, die man in einem Yakuza finden kann, zum Beispiel Shogi, Poker, SEGA Arcades mit mehreren alten Spielen, die teilweise schon aus älteren Yakuza-Teilen bekannt sind. Karaoke gibt es leider nicht mehr, was ein absoluter Skandal ist. In den Arcade-Hallen ist nun auch ein Railway-Shooter mit fünf Stages verfügbar, der ebenfalls zu unterhalten weiß, während im Büro von Yagami ein Flipper-Automat auf euch wartet, in dem ich entweder sehr schlecht bin, oder der doch schwer ist.

Detektivarbeit

Weitere Kleinigkeiten die stören sind, dass manche Türen zuerst mit dem passenden Schlüssel geöffnet werden müssen. Man sammelt im Spiel mehrere dieser Schlüssel. Nun kann es vorkommen, dass man beim erneuten Herantreten an diese Tür nach dem richtigen Schlüssel gefragt wird. Das ist absolut sinnlos und nervig. Ich muss mir mit Yagami doch auch nicht die Schuhe binden, bevor ich aus dem Haus gehe.

Weiterhin gewinnt man im Laufe des Spiels einige Freunde, die nicht nur neue Nebenquests freischalten, sondern euch auch im Kampf helfen können. Das ist teilweise sehr nervig am Ende des Kampfes, wenn die Kamera dann immer zum Freund schwenkt, während man eigentlich schon wieder in eine andere Richtung weiterlaufen will.

Sehr positiv ist, dass das Spiel nicht immer Händchen hält und manchmal nur die nächste Aufgabe angezeigt wird, aber nicht, wie man diese lösen kann. Sprich, es steht „Finde einen Weg zu XYZ“ und es gibt keine Markierung auf der Karte, wie man das erreicht. Das ist sehr schön, da es etwas an Denkarbeit erfordert, der Spieler dadurch nicht wie ein Baby behandelt wird und es zum Lösen von Aufgaben eines Detektivs passt. In manchen Side-Quests gibt es auch Zahlenrätsel, die man lösen muss, um einen Safe zu öffnen. Diese sind nicht allzu schwer, aber auch nicht sehr einfach. Man freut sich auf jeden Fall, wenn man es selbst lösen kann.

Unser Judgment

	Die Geschichte kommt schwer in die Gänge, aber nimmt richtig gut Fahrt auf.
	Typisches Yakuza-Prügel-Gameplay mit positiven, als auch negativen Neuerungen.
	Die Grafik entspricht der, die man auch in Yakuza 6 gesehen hat.
	Die Musik ist leider nicht besonders und nicht viel Rede wert.
	Drohnen-Rennen sind spannend, Beschattungsmissionen leider träge. Yagami ist ein sehr sympathischer neuer Charakter. Typisch skurrile Yakuza-Quests warten auch in Judgment auf euch.

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Titel	Gal Metal
	08. Februar 2018
	DMM Games
	30. Oktober 2018
	Marvelous/XSEED
	02. November 2018
	Marvelous Europe
System	Nintendo Switch
Getestet für	Nintendo Switch
Entwickler	DMM Games
Genres	Rhythmus-Spiel
Texte
Vertonung	keine

Bildmaterial: Gal Metal, Marvelous/XSEED

Rhythmus-Spiele gibt es viele. Seien das Guitar Hero, wo man als Gitarrero das Publikum erobert; Rock Band, bei dem man mit Freunden gemeinsam die Bühnen der Welt unsicher macht und die vor kurzem in Europa erschienenen Taiko-no-Tatsujin-Spiele, in denen uns ein fröhlicher Wada Don durch zahlreiche japanische Lieder begleitet. Gemeinsamkeit dieser Spiele ist, dass sie keine Story haben und man zum richtigen Zeitpunkt die richtige Taste drücken muss. Ein neuer Kontrahent im Ring der Videospiele, der um eure Aufmerksamkeit buhlt, ist Gal Metal.

Zwei wesentliche Punkte unterscheiden Gal Metal von den eben genannten Spielen: Es gibt eine Story und es fehlt jegliche Anzeige, wann was zu spielen sei. Wie gut diese Komposition ungewöhnlicher Elemente in einem Spiel aufgeht oder ob man den braunen Ton erwischt hat, erfahrt ihr in unserem Test.

Aliens wollen die Erde erobern

Die Story lässt sich leicht zusammenfassen. Vor vielen Jahren wurde mit einer Raumsonde unter anderem auch eine Platte mit Metal-Musik ins Weltall geschossen. Diese wurde von einer außerirdischen Rasse entdeckt. Leider hat der Metal jedoch aus komplett unerfindlichen Gründen die Kultur und die Gesellschaftsordnung der Aliens zerstört. Nun sinnen die Aliens auf Rache und entführen zwei japanische Oberschüler, einen Jungen und ein Mädchen.

Der Geist oder die Seele des Jungen wird in den Körper des Mädchens verpflanzt, wobei das Mädchen immerhin noch ihre Gedanken zum Ausdruck bringen kann, wenn sie schon die Kontrolle über ihren Körper verloren hat. Nachdem die Witze über „Mach die Augen zu beim Duschen“ dann auch mal verflogen sind, stellt sich heraus, dass das Mädchen Drummerin in einer Band ist und die Band die einzige Waffe gegen die Aliens ist, die die Erde zerstören wollen. Denn nur der Metal, den diese Band spielt, wehrt die Aliens ab.

Die Zusammenfassung der Story war sehr einfach. Die Beurteilung der Story ist auch sehr einfach: von hinten bis vorne absoluter Müll. Die Story bereichert das Spiel in keinster Weise. Sie ist weder intelligent, noch kohärent, noch lustig, noch notwendig. Wieso ist der Junge im Körper des Mädchens? Das ergibt null Sinn, wird nie erklärt, erfüllt absolut keinen Zweck, außer, dass es vielleicht das schlechte Schlagzeugspielen erklärt. Das Mädchen hätte aber auch einfach eine Amateur-Drummerin sein können. Wieso ist der Junge also im Körper des Mädchens, wieso?!

Die insgesamt dreizehn Kapitel sind eine Ansammlung absurder Situationen, in denen man dann als Band Metal spielen muss. Jetzt kommt ein Spoiler, der aber vollkommen egal ist, da die Story sowieso gegen die Wand gefahren wird: Als im Zuge der Story die Erde zerstört wird, sind unsere Mädels dann in einem anderen Sonnensystem, haben aber dennoch vollen 4G-Empfang am Handy und können einen Messenger nutzen. In einem anderen Sonnensystem. Mit zerstörter Erde. Aber sie haben noch Internet. Eines ist klar: In einem ICE sitzen sie garantiert nicht, da das mobile Internet funktioniert.

Persona-Schulalltag… für Leute, die nie Persona gespielt haben

Zwischen den Storysequenzen chattet ihr immer, wirklich immer, mit euren Freunden per Messenger über absolut belanglose, mit der Story absolut nicht zusammenhängende Dinge. Die Erde wird bald zerstört? Okay, lass uns über automatische Türen im Supermarkt reden. Wir haben gerade die Erde vor Außerirdischen gerettet? Okay, welche Pizza magst du? Und jede einzelne, wirklich jede einzelne, dieser absolut unnötigen Chat-Nachrichten wird mit dem Vibrations-Ton eines Handys, welches z. B. auf einer Tischplatte liegt, untermalt.

Oder sollte ich gefoltert sagen? BRRR. BRRRRR. BRRRR. BRRRR. BRRRR. BRRRRRRRRRRRR. BRRRRRRR. BRRRRR. Wessen Idee war das, dass das auch nur eine Minute lang Spaß macht? Schreibt dann jemand noch mal etwas Längeres, habt ihr Pech gehabt, wenn ihr nicht schnell genug lest, denn das Spiel scrollt dann einfach weiter. BRRRRR. Genauso gibt es vor jedem einzelnen Kapitel ein kurzes Preview, das a) nichts mit dem folgenden Kapitel zu tun hat und b) viel zu schnell weiterscrollt, als dass man es komplett lesen könnte.

Nachdem wir uns nun also alle über die Lieblingsfarbe unserer Idols unterhalten haben, haben wir einige Tage Zeit, bis die Aliens die Erde angreifen wollen und können arbeiten gehen oder unsere Freizeit mit unseren Freunden genießen. Dabei steigert man Statuswerte, die später für die Band-Phase, also in der ihr auf dem Schlagzeug spielt, absolut unnötig sind. Auch kann man so Events freischalten, bei denen ihr eure Freunde besser kennenlernt und ähnlich dem Social-Link-System der Persona-Spiele Boni bekommt.

Nein, sorry, das war ein Scherz. BRRRR. Ihr seht zwar Events, aber diese sind wieder absolut unnötig, handeln über Schmetterlinge, die ihr in einem Wald in Ostfriesland gesehen habt, und bringen euch weder den Charakteren noch dem Spiel näher. Wie gesagt gibt es 13 Kapitel. Nach Kapitel 7 habe ich weder die SMS-Qualen gelesen noch diese Events, da absolut nichts Wichtiges darin vorkommt. Button gedrückt halten und alles automatisch vorspulen, bis endlich die Band-Phase kommt. Aber jetzt kommt der Spaß, denn jetzt geht es an das Schlagzeug, oder? BRRRRRRRRR.

Folter

Wenn ihr schon immer zu guter Musik kreativ sein wolltet, kauft euch bitte ein anderes Spiel und nicht Gal Metal. Was hier als kreativ präsentiert wird, ist ein Rhythmus-Spiel, das gewisse vorgegebene Trommel-Muster hat und wenn ihr die nicht benutzt, habt ihr Pech gehabt. Es wird euch nicht angezeigt, was ihr spielen sollt, denn das dürft ihr frei wählen, solange es im Takt bleibt. Aber bei Gott, erfindet bloß nicht selbst etwas, was eventuell gut klingt!

Besser in der Liste der erlaubten Rhythmen nachsehen, die das Spiel kennt. Dann, um beispielsweise die letzten drei Level zu gewinnen, kann man absolut stupide ohne Gehirn oder Gefühl für Musik rechts schlagen, links schlagen, rechts schlagen, links schlagen, rechts, links – rechts (auf 1, 2, 3 und 4) und links (auf den jeweiligen „und“, wenn ihr den Takt als “1-und-2-und-3-und-4” zählt).

Schon habt ihr mehr als eine Million Punkte, obwohl ihr nur 90.000 braucht. Statuswerte? Für was? Nicht einmal die Musik klingt gut, die die Band spielt. Hat man Metal-Musik, „Metal“-Musik, auf einem iPhone aufgenommen und spielt das jetzt ab, während das iPhone unter Wasser gehalten wird? Die Lieder klingen einfach nur grausam. Absoluter Fahrstuhl-Metal, der so klingt, als würde ein wahnsinniges Eichhörnchen über die Saiten einer E-Gitarre rasen. Als würde man eine Rock-Band eine Wendeltreppe hinunterwerfen.

Kein Wunder, dass die Aliens bei so etwas fliehen. Bei Metallica wären sie geblieben! Die Stücke sollen auf klassischen Liedern basieren, aber das ist nur bei sehr wenigen wirklich hörbar. Wenn ihr klassische Musik in einer Metal-Version hören wollt, sucht lieber auf YouTube nach Paul Gilbert – “Haydn Symphony 88”. Das zeigt deutlich, wie man klassische Musik zu Metal macht.

Das Spiel hätte eine Visual Novel werden sollen

Seltsamerweise ist die Musik außerhalb der Band-Einlagen doch eingängig. Das Thema der Aliens ist schön skurril und auch der Rest der Musik außerhalb der Band-Phase klingt angenehm. Die Präsentation der Story im Comicstrip-Stil ist wirklich gelungen und macht Laune auf mehr. Oder auf überhaupt irgendwas, was über die Story, die null Sinn macht, hinausgeht. Das Menü hat auch einen netten Metal-Stil und eure Speicherstände sehen wie Konzert-Tickets aus, was will man mehr? Die Events mit den Freunden werden in einem netten Pappfiguren-Stil dargebracht, der ein wenig an den Danganronpa-2D-Figuren-Stil erinnert und ein wenig mehr an das Guano-Apes-Video zu „Dödel Up“. Wieso konnte diese Liebe nicht in den Rest des Spiels einfließen?

Die Steuerung über Joy-Con funktioniert gut. Mit einem Joy-Con betätigt man die Kick-Drum, mit dem anderen die Snare und betätigt man beide gleichzeitig, schlägt man auf ein Crash-Becken. Nimmt man die Switch dann aus der Docking-Station und benutzt sie im Handheld-Modus, wird auf einmal ein komplettes Drum-Set dargestellt, also noch mit den zusätzlichen Tom-Becken und so weiter. Oh cool, die benutze ich im Lied! Pustekuchen. Da die anderen Becken keine Funktion in den vorgespeicherten Mustern haben, ist deren Verwendung nicht ratsam, wenn man das Lied schaffen will. Genial.

Gal Metal: Fade to black

	Mies, unerklärlich, unnötig.
	Kreativität wird bestraft, das Wiederholen von Mustern nicht. Soziale Interaktion mit den Freunden ist quasi sinnlos.
	Im Metal-Stil gehalten und durchaus hübsch anzusehen.
	Musik in Ordnung – außer die 13 Band-Lieder, die mit schlechter Soundqualität, fehlendem Verständnis für Musik und endlosen Soli aufwarten.
	Handy-Geräusch nervt extrem, Dialoge sind absolut banal.

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Titel	Taiko no Tatsujin: Drum ’n‘ Fun!
	19. Juli 2018
	Bandai Namco
	02. November 2018
	Bandai Namco
	02. November 2018
	Bandai Namco
System	Nintendo Switch
Getestet für	Nintendo Switch
Entwickler	Bandai Namco
Genres	Rhythmusspiel
Texte
Vertonung

Bildmaterial: Taiko no Tatsujin: Drum ’n‘ Fun!, Bandai Namco

Wer kennt sie nicht? Die Arcade-Maschinen der Taiko-no-Tatsujin-Reihe (auf Deutsch: Trommel-Experte), die man in japanischen Arcade-Tempeln, den Game Taito Stations, finden kann. Zwei große, zum Draufschlagen einladende Trommeln.

Man nimmt also die Plastik-Sticks von Taiko no Tatsujin und schlägt im Takt zu beliebten japanischen Song aus Bereichen wie Pop-Musik, Games, Anime und so weiter im richtigen Rhythmus entweder direkt zentral auf das Fell der Trommel oder auf den Rand. Ein sehr lustiges und auch physisch verausgabendes Erlebnis folgt, das am meisten zu zweit Spaß macht und mit 100 bis 200 Yen pro Runde auch nicht so viel kostet.

Okay, vielleicht kennen es doch nicht alle in Europa. Doch im November 2018 sind zwei Spiele der Taiko-no-Tatsujin-Reihe bei uns veröffentlicht worden – Drum Session für PlayStation 4 und Drum ’n‘ Fun für Nintendo Switch. Wir haben für euch den Fun-Faktor von Drum ’n‘ Fun getestet! Hajimaru-don!

Knapp daneben ist auch vorbei

Kommen wir gleich zum Wichtigsten: für volle Immersion nutzt das Spiel die Joy-Con von Nintendo Switch als Drum-Sticks. Dies funktioniert natürlich nur, wenn die Joy-Con nicht an der Konsole befestigt sind, sonst muss man sich bald ein neues Gerät kaufen. Schlägt man in der Luft ruckartig gerade nach unten, erzeugt dies den Schlag zentral auf das Fell der Trommel.

Schlägt man jedoch mit schräggehaltenem Joy-Con, dann wird das als Schlag auf den Rand der Trommel interpretiert. Auf der einen Seite gibt das ein nettes Gefühl, als würde man wirklich trommeln. Auf der anderen Seite funktioniert das Ganze nur 90% der Zeit. „Nur 90%?! Das ist doch viel!“, kann man sich jetzt denken. Es ist prinzipiell viel, aber zu wenig, um in Verbindung mit dem Spiel Spaß zu machen. Pro Lied kommen mindestens 100 Trigger vor, bei denen man zum richtigen Zeitpunkt die richtige Trommelaktion durchführen muss.

Wenn mindestens zehn davon nicht erkannt, falsch erkannt oder irgendwie doppelt erkannt werden und eine Reihe von gut getroffenen Noten zerstört, dann wird man bald keine große Freude mehr an der Bewegungssteuerung haben. So bekommt man natürlich keine Highscores zusammen, wenn ständig die Kette an gut getroffenen Noten unterbrochen wird.

Sei es aus Gründen der Asymmetrie des Körpers, aber mein linker Joy-Con wurde auch noch weitaus schlechter erkannt als der rechte und hat viel mehr Fehler erzeugt. Ich hatte versucht, die Bewegung der linken Hand anzupassen und habe im Endeffekt sogar auf ein Polster eingetrommelt, was aber nur bedingt geholfen hat. Schnell durchzuführende Sequenzen, die abwechselnd die linke und die rechte Hand zum Schlag verwenden, sind somit komplett unmöglich. Genauso wie die zwei höchsten Schwierigkeitsgrade von insgesamt vier damit komplett unmöglich werden.

Zum Glück gibt es noch andere Steuerungsmöglichkeiten. Ihr könnt die Tasten auf den Joy-Con drücken, anstatt diese zu schwingen, was aber nicht wirklich viel Spaß macht. Immerhin möchte man ein Trommel-Spiel spielen und kein relativ generisches Rhythmusspiel. Zum Glück wird der Touchscreen von Nintendo Switch im Handheld-Modus selbst zu einer Trommel und man kann seine Finger benutzen, um damit auf dem Touchscreen der Konsole zu trommeln. Diese Steuerung funktioniert sehr gut und ist die nächstbeste, die an richtiges Trommeln rankommt.

Theoretisch kann man sich auch das Bundle mit Spiel und einem Trommel-Controller kaufen. Dafür muss man aber erstmal mehr als 100 Euro zusammentrommeln. Da wir die Trommel nicht hatten, konnten wir diese nicht testen. Erfahrungen mit der Trommel für Taiko no Tatsujin für PlayStation 4 zeigen jedoch, dass diese zum Großteil sehr zuverlässig funktioniert. Man kann also von einer ähnlich hohen Qualität bei der Switch-Trommel ausgehen… jedoch ohne Gewähr!

Musikalische Freu(n)de

Die vier Schwierigkeitsgrade könnt ihr noch zusätzlich einfacher oder schwieriger gestalten, indem ihr dafür passende Charaktere zum Spielen auswählt. Manche Charaktere haben keinen Zusatzeffekt, manche erleichtern das Timing, helfen mit Boosts bei einem Trommelwirbel und manche erschweren euch das Spielen mit beispielsweise kniffligerem Timing. In Kombination mit den unterschiedlichen Steuerungsmöglichkeiten, die wie oben beschrieben ihre eigenen Tücken oder Vorteile haben, lässt sich für wirklich jeden ein angepasster Schwierigkeitsgrad finden, der nicht über-, aber auch nicht unterfordert. Wenn man Rhythmusspiele und japanische Kultur mag, ist somit Spaß vorprogrammiert.

Die Auswahl der Songs ist groß und relativ abwechslungsreich. Von japanischen Pop-Songs (z. B. Radwimps – Zenzenzen) über Anime-Lieder (z. B. Neon Genesis Evangelion – A Cruel Angel’s Thesis), Videospielmusik (Super Mario Odyssey – Jump Up, Super Star!) und klassische Lieder (Wolfgang Amadeus Mozart – Eine kleine Nachtmusik) kommen auch ein paar außergewöhnliche Lieder vor: Ein Lied über YouTube, das ABC-Lied zum Lernen des Alphabets und einige Lieder, die wie Hatsune Miku auf LSD klingen.

Ist man eher Fan von Rock, Metal oder Country, dann wird man hier nicht fündig werden. Im Vergleich zu Taiko no Tatsujin: Drum Session!, welches für PlayStation 4 erhältlich ist, ist die Auswahl der Lieder unterschiedlich genug, sodass sich nicht allzu viel wiederholt. Die anfängliche Liederauswahl wird im Spielverlauf noch um weitere Songs ergänzt. So erhält man neue Lieder nach einer bestimmten Anzahl an gespielten Trommeleinlagen oder Party-Spielen, über die wir im nächsten Abschnitt reden werden.

Von jedem Lied bekommt man meist nur eine gekürzte Version zu hören, die dann in einem Fadeout endet. Mir ist aufgefallen, dass es manchmal nicht das originale Lied ist, sondern nur ein Cover davon. Eventuell gab es hier Copyright-Probleme. Kennt man die Original-Songs, dann fallen einem die Cover-Versionen mit hoher Wahrscheinlichkeit auf, aber groß gestört hat es mich nicht.

Knallbunter Spaß für bis zu vier Spieler

Optisch präsentiert sich Taiko no Tatsujin knallbunt, ohne dabei zu sehr zu stören. Einzig und allein in Momenten, wenn ziemlich viel blinkt, umherspringt und die Noten nur so durch das Bild rasen, macht sich eine schnelle Ermüdung der Augen bemerkbar. Die Charaktere sind sehr sympathisch gestaltet, seien es Trommeln, Hunde, Würmchen, Drum-Sticks oder undefinierbare Wesen mit Fuchsmasken. Je besser man spielt, desto mehr Charaktere kommen während des Songs dazu und feuern euch an, tanzen und feiern eine Party zu euren Drum-Beats.

Zusätzlich zum normalen Modus, in dem ihr euch einzelne Lieder aussucht und entweder alleine oder mit einem Freund spielt, gibt es auch noch zahlreiche, sehr abwechslungsreiche Mini-Spiele für einen bis vier Spieler. Sushibestellung, Fischfang, Mochi-Brei-Stampfen oder Fahnenschwingen – in diesen und weiteren Minispielen könnt ihr entweder alleine gegen den Computer oder gegen eure Freunde antreten und werdet bestens unterhalten. Für jedes Minispiel gibt es einen Experten-Modus, der noch einmal eure Trommel-Fähigkeiten auf die Probe stellt.

Es ist immer wieder witzig zu sehen, in welche neuen Verkleidungen sich eure Trommel in den einzelnen Minispielen wirft. Aber auch hier gilt, dass die Steuerung mit den Joy-Con mehr oder minder unspielbar ist und nur Frust erzeugt. Ein lokaler Modus zwischen mehreren Switch-Konsolen rundet das Geschehen ab, leider fehlt ein Online-Modus. Dafür habt ihr die Möglichkeit, neue Lieder für das Spiel im Nintendo eShop für mindestens 1 Euro pro Lied zu kaufen, das funktioniert einwandfrei (zumindest kommt man problemlos in den eShop. Ich habe kein einziges neues Lied gekauft). Mit vier Joy-Con ist Drum ’n‘ Fun damit sicher eines: ein zukünftiger Party-Klassiker.

Trommelwirbel! Das Fazit!

	Der böse Trommel-Overlord versucht die- Spaß, es gibt keine Story. Das ist ein Rhythmusspiel. Badabum!
	Sehr spaßiges Trommel-Spiel mit großer Liedauswahl und Laune machendem Party-Modus.
	Knallbunt, fröhlich, manchmal zu viele blinkende Objekte.
	Gute Auswahl japanischer Lieder aus Pop, Anime, Videospielen usw., die jedoch nicht immer Originalversionen sind.
	Bewegungssteuerung der Joy-Con zwiespältig, Charaktere bieten euch Boni oder Malusse beim Spielen, potentieller Party-Knaller.

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Titel	Mega Man 11
	02. Oktober 2018
	Capcom
	02. Oktober 2018
	Capcom
	02. Oktober 2018
	Capcom
System	PC, Switch, PS4, XOne
Getestet für	PlayStation 4
Entwickler	Capcom
Genres	Action
Texte
Vertonung

Es war einmal 2016… Mighty No. 9 erschien als Nachfolger der Mega-Man-Serie und wurde dabei sogar vom Vater der Serie produziert. Vielen Spielern gefiel das Spiel aber nicht. Im Unterschied dazu fand ich es recht unterhaltsam und konnte die negativen Meinungen gar nicht nachvollziehen. Nun ist es 2018, Mega Man 11 ist erschienen und viele Leute loben es als wahren Nachfolger der Mega-Man-Serie. Und dann bin da ich, der das Spiel etwas „meh“ findet. Wieder einmal mit einer anderen Meinung als die große Masse, erkläre ich euch in meinem Review, warum Rockman mein Herz zu Stein werden lässt.

Eine Mega-Man-Story

Das Spiel ist ein Mega-Man-Spiel und genauso eine Story darf man sich auch erwarten. Vor unzähligen Jahren hatten Dr. White und Dr. Wily eine Meinungsverschiedenheit. Noch immer gepeinigt davon wacht Dr. Wily eines Tages und viele Jahre später auf und denkt sich: „So, jetzt zeig ich es Dr. White!“ Kurzerhand darauf entführt er Dr. Whites Lieblingsroboter, programmiert sie um und lässt sie auf die Welt los. Doch zum Glück gibt es Mega Man, der nicht umprogrammiert wurde und sich auf den Weg macht, um die Welt zu retten.

Man kann die kurzen Dialoge eigentlich kaum Story nennen. Es gibt keine Entwicklung von Charakteren, keine sehr fröhlichen, traurigen Momente und so weiter. Die Story ist einfach nicht vorhanden. Zum Glück war die Story eines Mega-Man-Spiels noch nie wirklich entscheidend für die Qualität des Endproduktes. Was da schon viel wichtiger ist, ist das Gameplay und die Musik. Oh Gott, die Musik.

Techno-Gedudel und Comic-Grafik

Die Musik in Mega Man 11 hat das Potential nach nur wenigen Minuten zu nerven. Überraschenderweise ist sie schon nach bloßen fünf Sekunden nicht mehr auszuhalten. Unzählige Lieder klingen nach kurzer Zeit absolut gleich und man wird von einem synthetischen „Instrument“ genervt. Das Ganze erinnert an einen einheitlichen, nicht enden wollenden Strom an Techno-Geräuschen. Egal ob man Fan von Techno ist oder mit dem Genre nichts anfangen kann: Die Musik in Mega Man 11 nervt mehr, als dass sie dem Spielerlebnis hilft. Wenige Stücke sind angenehmer anzuhören, so zum Beispiel das Main Theme des Spiels, aber der Rest ist einfach nicht gelungen.

Das Voice Acting schafft es dann auch nicht, in der Sparte „Audio“ zu punkten, da es so wirkt, als hätte man mal kurz irgendwelche Leute von der Straße eingeladen ein paar Sätze in ein Mikrofon zu sprechen. Es kommen zwar nicht viele Dialoge im Spiel vor, aber ein bisschen mehr Mühe hätte man sich hier schon geben können. Zum Glück gibt es nicht viele vertonte Szenen, da ja die Story eigentlich auch nicht vorhanden ist. Was nicht existiert, muss nicht erzählt werden.

Grafisch hält sich Mega Man 11 eher im Mittelfeld der technischen Möglichkeiten auf. Einzig und allein am Anfang eines Levels wird kurz der Boss gezeigt, jedoch seltsam pixelig und somit vom technischen Mittelfeld abweichend. Das soll eventuell ein Störfeld darstellen, um Mega Man einzuschüchtern? Es wirkt aber eher seltsam. Die Charaktere und Gegner sind comichaft gehalten und die Lichteffekte sind nicht wirklich spektakulär. Es gibt weder wirklich etwas an der Grafik auszusetzen, noch gibt es etwas Besonderes daran zu loben. Einzig und allein fällt positiv auf, dass die Level sehr unterschiedlich gestaltet sind und so jedes Level grafisch seinen eigenen Charakter hat.

Double-Gear-System

Kommen wir zum Gameplay. Mega Man zeichnet sich immer durch schwere Level aus, bei denen man Fehler macht und aus diesen Fehlern lernt, um dann am Ende gegen einen Boss anzutreten, ihn zu besiegen und seine Fähigkeit anzunehmen. Das ist in diesem Mega Man prinzipiell auch so, jedoch mit dem Unterschied, dass die Level nun nicht einfach nur mehr schwer sind, sondern teilweise brutal. Um die Level zu schaffen, wurde ein neues System eingeführt: Double Gear. Unter dem Double-Gear-System versteht man die Fähigkeit von Mega Man, entweder die Waffe stärker zu machen, die Zeit zu verlangsamen oder beides gleichzeitig. Manchmal passiert so viel auf einmal auf dem Bildschirm, dass man das neue Double-Gear-System nutzen muss. Das ist einerseits gut, da es so eine Existenzberechtigung für das System gibt, andererseits nimmt die Verlangsamung der Zeit den Spielfluss raus.

Man kommt auch teilweise nur durch Verlangsamung der Zeit durch einige Stellen, ohne in Frust zu verfallen. Die Verlangsamung der Zeit ist auch vor allem bei den Bossen bitter nötig. Die Bosse sind teilweise einfach nur noch abartig. Während manche Bosse noch relativ gemütlich sind, schleudern andere unaufhörlich tödliche Objekte in Richtung Mega Man und man muss alle paar Momente die Zeit verlangsamen. Das reißt jedes Mal aus dem Spiel, wenn plötzlich alles langsamer läuft und dann wieder normal schnell, wieder langsam, normal, langsam, normal, langsam, normal und man hat keine Energie mehr für die Verlangsamung der Zeit und steckt nun reihenweise tödliche Geschosse ein.

Alle Bosse sind jedoch unterschiedlich genug, dass nie Langeweile aufkommt und man sich immer fragt, wie der nächste Boss wohl sein wird. Besiegt man einen Boss, sammelt man seine Fähigkeit ein. Die Fähigkeiten sind wirklich gut gelungen, wobei manche Fähigkeiten schon etwas in einen Overkill ausarten. Zum Beispiel kann man zahlreiche tödliche Bälle über den Bildschirm huschen lassen oder man hat einen Luft-Dash und kann so ein wenig die Jump-’n’-Run-Einlagen umgehen. Da diese Fähigkeiten genauso wie das Double-Gear-System Energie konsumieren, kann man dies jedoch nicht endlos tun.

Die Level sind diesmal ungewöhnlich lang und werden eure Reaktionsfähigkeit und Geduld auf die Probe stellen. Im normalen Schwierigkeitsmodus habt ihr nur zwei Leben, bevor ihr das gesamte Level noch einmal starten müsst. Im leichten Modus sind es immerhin schon fünf und im sehr leichten Modus sind es unendlich viele Leben und selbst ein Sturz in einen Abgrund kostet euch nicht das Leben. Später kann man auch mit gesammeltem „Geld“ hilfreiche Items und mehr Leben kaufen.

Die relativ weit auseinander gesetzten Speicherpunkte in den Level machen einiges an Wiederholung nötig nach dem Tod von Mega Man, zumindest auf dem normalen Schwierigkeitsgrad. Hier muss man auch noch einmal zusätzlich aufpassen: Das Spiel weist zu Anfang darauf hin, dass es automatisch speichert und man nicht die Konsole abdrehen soll, was ziemlicher Standard mittlerweile ist. Was jedoch nicht erwähnt wird, ist, dass es sich hier nur um die Speicherpunkte in den Level handelt. Wenn man später nicht selbst manuell speichert, ist der gesamte Fortschritt verloren. Ich habe das selbst für euch getestet…

Typisch für die Reihe gibt es ein Eis-, Feuer- und Elektrizitäts-Level. Auch auf einer Baustelle dürfen wir uns austoben. Besondere Erwähnung muss hier das „Ballon“-Level finden. In diesem Level findet ihr zahlreiche Ballons, die, wenn ihr sie berührt, Mega Man wegschubsen. Das ist manchmal sehr nervig, wenn man springen will und vom Kontakt mit einem einzigen Pixel zurückgeschleudert wird. Oder wenn man herausfinden will, wie man höher springen kann auf den Ballons, weil das nie erklärt wird, nervt das auch. Oder wenn man wie ein Idiot zwischen mehreren Ballons hin- und hergeschleudert wird und sich wünscht, dass die Konsole abstürzt, damit diese peinliche Situation einfach schnell vorbei ist. Was am Anfang in diesem Level noch kurzer Frust ist, wird schnell zu Hass gegenüber Clowns und Ballons. Die Level schwanken somit zwischen guten Ideen und teilweise fiesen Stellen.

Mega Man?

Bevor eventuelle Kritik aufkommt, ja, ich habe bereits mehrere Mega-Man-Teile gespielt und bin nicht zu schlecht für Mega Man. Mighty No. 9 hatte mir Spaß gemacht und war fordernd, vor Kurzem habe ich Mighty Gunvolt Burst versucht und hatte auch sehr viel Spaß damit. Außerdem habe ich I Wanna Be The Guy durchgespielt und bin auf dem Weg dahin mehr als 700 Mal gestorben (das Spiel zählt mit). Bei Mega Man 11 jedoch… ich will es einfach nicht mehr spielen müssen. Ich könnte mich bemühen und alles lernen, aber dieses Spiel motiviert einfach nicht.

Mega Man 11: Wo ist der Spielspaß?

	Mega Man rettet die Welt.
	Schwankt von spaßig über Frust bis unfair
	Ordentliche Grafik, die keine neuen Maßstäbe setzt
	Unendlich nerviger Techno
	Bosse teilweise sehr hart, Level lang, eines der Level absolut demotivierend, neues System des Zeitverlangsamens nimmt den Spielfluss aus dem Spiel

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Titel	Octopath Traveler
	13. Juli 2018
	Nintendo
	13. Juli 2018
	Nintendo
	13. Juli 2018
	Nintendo
System	Nintendo Switch
Getestet für	Nintendo Switch
Entwickler	Acquire, Square Enix
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Ohne Zweifel führen viele Wege nach Rom, doch nur acht Wege führen euch durch das JRPG Octopath Traveler. „Octopath“ ist eine Mischung aus dem altgriechischen „Okto“ = „Acht“ und dem englischen „Path“, welches west-germanische Ursprünge hat und „Weg“ bedeutet. Nach diesem kurzen Abstecher in die Sprachkultur geht es zur japanischen Kultur. Die Zahl „Acht“ wird in der japanischen Kultur (aber auch in der chinesischen, zum Beispiel) als glücksbringend angesehen. Zumindest verkaufstechnisch hat sich mittlerweile Octopath Traveler als Glücksgriff für Square Enix und Acquire dargestellt, da physische Kopien in Japan schnell ausverkauft waren. Ich habe mich auf die Reise durch die abwechslungsreiche Welt von Octopath Traveler begeben.

Eswareinmal Eswareinmal Eswareinmal Eswareinmal Eswareinmal Eswareinmal Eswareinmal Eswareinmal

Charaktere in JRPGs lassen sich hinsichtlich ihrer Relevanz für die Story oft recht simpel in Haupt- und Nebencharaktere einteilen, wobei Ausnahmen die Regel bestätigen (bspw. Final Fantasy VI). Octopath Traveler ist ebenso eine Ausnahme. Die acht Charaktere Olberic, Cyrus, Tressa, Ophilia, Primrose, Alfyn, Therion und H’aanit sind alle Stars ihrer eigenen Story. Die Storys sind in den behandelten Themen und der Grundstimmung so unterschiedlich, dass man nie das Gefühl von Wiederholung hat. Seien dies leichtherzige Themen oder skrupellose Morde, jede Story ist gut erzählt und die Dialoge wissen zu unterhalten.

Ihr werdet mehrere Stunden in jede Story investieren, bis diese zum endgültigen Abschluss kommt. Während der Story reist ihr um die Welt und besucht die unterschiedlichsten Orte, manchmal erneut einen Ort, an dem ein anderer Charakter bereits einen Teil seiner Story hatte. Dieses ständige auf Achse sein gibt fast schon den Eindruck einer Gruppe von Leuten auf einem „Road Trip“, wobei der Charakter, dessen Story ihr aktuell macht, dann bloß von den anderen begleitet wird. Denn leider interagieren die Charaktere kaum miteinander, was jedoch den Fokus dann mehr auf den aktuellen Story-Charakter legt. Im Endeffekt ist eine sehr gut erzählte, persönliche Story und Entwicklung eines Charakters (und beides findet sich in Octopath Traveler) auch wichtiger für ein Story-lastiges JRPG als perfekt umgesetzte Interaktionen von Charakteren, die sich nie weiterentwickeln und relativ Belangloses während ihrer Reise machen.

Break!

Traditionell kommt es natürlich in einem JRPG auch zu zahlreichen Auseinandersetzungen mit Gegnern. Kurz gesagt ist das Kampfsystem sehr unterhaltsam und flexibel, knackig, aber nicht zu schwer, eine faire Herausforderung. Jeder Charakter hat einen individuellen Job und kann ein bis zwei unterschiedliche Waffen oder Magie nutzen. Im späteren Spielverlauf kommen noch Sub-Jobs dazu und mit diesen lassen sich zwei Klassen kombinieren, beispielsweise Heiler und Kämpfer. Jeder Job hat einzigartige Fähigkeiten, die ihr je nach Gegner oder eurer Spielweise einsetzt, um so euren individuellen Spielstil zu entwickeln. Sei es, um gewaltige Zauber loszulassen oder den Heilern so viel Macht zu geben, dass ihr jede Runde wieder auf volle Lebenspunkte kommt.

Obacht müsst ihr bei den Gegnern geben, da diese durchaus knifflig sein können und einer Taktik bedürfen, um besiegt zu werden. Jeder Gegner hat mehrere Schwächen, seien das Waffengattungen oder Zauber, und eine gewisse Schildpunktanzahl. Attackiert ihr den Gegner mit einer seiner Schwächen, verliert er einen Schildpunkt. Fallen diese auf Null, ist der Gegner für eine Runde kampfunfähig und der Schaden, den ihr anrichtet, wird verstärkt. Kombiniert mit dem Boost-System, das euch jede Runde einen Boost-Punkt gibt und mit dem ihr jeden Angriff oder Zauber mit diesem System enorm verstärken könnt, könnt ihr euch der doch stärkeren Gegner erwehren. Vor allem Bossgegner sind keine Lappalie und manche haben so viele Lebenspunkte, dass ihr schon einmal gute 20 Minuten daran sitzen könnt.

Prinzipiell solltet ihr euch an die Levelvorgaben der einzelnen Gebiete halten, damit seid ihr gut beraten. Gebiete mit höherem Level sind jedoch auch unter viel Kraftaufwand machbar und geben dementsprechend mehr Erfahrungspunkte. Viele Spieler werden aber vermutlich zuerst alle acht Charaktere holen und danach feststellen, dass der Schwierigkeitsgrad der Bossgegner ordentlich angestiegen ist.

HD-2D, yes please

Atemberaubend schön sind die Umgebungen, die euch in Octopath Traveler gezeigt werden. Zwar sind diese und das gesamte Spiel in einer Pixelgrafik gehalten, jedoch gibt es auch höher aufgelöste Strukturen. Ein Tiefeneffekt lässt den Hintergrund unscharf werden und in einer Meeresstadt hat man wirklich den Eindruck, als würde der Ozean im Hintergrund schimmern. Für heutige Verhältnisse ist die Grafik natürlich veraltet, aber eine schöne logische Weiterentwicklung des 16-Bit-Looks der Super-Nintendo-Ära. Einzig die Gegnermodelle wirken etwas grob dargestellt, als hätte man ein wirklich nettes 16-Bit-Modell entwickelt und dann einfach zu nahe rangezoomt. Die Welt kann sich aber generell sehen lassen mit unterschiedlichsten Gebieten, von Eiswelten über Wüsten, über große Städte und kleine Dörfer im Wald. Man hat wirklich das Gefühl einer umfassenderen Reise durch die bekannte Welt der Protagonisten und lernt unterschiedliche Kulturen kennen, die allesamt so weit entwickelt sind, dass man zumindest den Eindruck einer vielschichtigen Welt bekommt.

Traumhaft schöne Musik wird euch auf eurer Reise begleiten. Zwar kann der Soundtrack nicht als revolutionär oder gar besonders aus der Masse herausstechend betrachtet werden, aber die Musik ist dennoch sehr eingängig und abwechslungsreich. Sie hilft, jedem Ort einen eigenen Charakter zu geben und unterstützt intensive Momente in der Story. Außerdem sind die Stücke so abwechslungsreich, dass einzelne Songs nicht im Brei der Gesamtkomposition versinken.

Jedem das Seine

Helden sind nicht nur besonders, weil sie große Monster besiegen, sondern weil sie auch besondere Fähigkeiten haben. Im Falle der Truppe in Octopath Traveler hat jeder eurer Charaktere eine von vier besonderen Fähigkeiten, die noch einmal in eine gute und böse Variante aufgespalten sind und auf NPCs angewendet werden können. So kann man NPCs bekämpfen, Items und Informationen von ihnen erlangen oder sie kurzerhand mitnehmen. Tut man das nett, dann braucht man ein gewisses Mindestlevel. Das Mindestlevel wird umgangen, wenn man die unfreundliche Variante der Aktion wählt, jedoch gibt es hier eine gewisse Chance zu versagen. Versagt man zu oft, werden alle Aktionen in dem Ort gesperrt, bis man mit Geld seine Weste wieder reingewaschen hat. Diese Fähigkeiten sind eine sehr schöne Abwechslung, da man so an besonders gute Ausrüstung oder Gegenstände kommt und nur so viele der Quests lösen kann. An Ausrüstung von NPCs zu kommen (sei es mit einem Rabatt zu kaufen oder einfach zu stehlen) ist auch bitter nötig, da das Geld in Octopath Traveler knapp bemessen ist und die Shops relativ teuer sind.

Neustalgie

	Acht individuelle und sehr unterhaltsame Geschichten entsprechen acht mal Spaß.
	Spannende und fordernde Kämpfe in einem sehr gelungenen Kampfsystem.
	Einzigartige HD-2D-Grafik, Monster sehen jedoch etwas komisch aus.
	Solider Soundtrack, der sich aus der großen Masse jedoch nicht herausheben kann, dennoch aber sehr eingängig ist.
	Unterschiedliche Aktionen der Charaktere machen Spaß, gute Darstellung der Welt, Spiel ist nicht zu einfach, aber immer fair.

Der Beitrag Im Test! Octopath Traveler erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Detroit: Become Human
	25. Mai 2018
	Sony Interactive Entertainment
	25. Mai 2018
	Sony Interactive Entertainment
	25. Mai 2018
	Sony Interactive Entertainment
System	PlayStation 4
Getestet für	PlayStation 4
Entwickler	Quantic Dream
Genres	Adventure
Texte
Vertonung

Nachdem für Detroit: Become Human ganz schön die Werbetrommel gerührt wurde, muss man sich entscheiden, ob

• COOL
• HYPE
• VERSTÖRT
• PIZZA VON GESTERN

Damit wäre mit einem gewagten Review-Manöver auch schon der erste Kritikpunkt an Detroit angesprochen: die Auswahlmöglichkeiten bei Dialogen sind fast immer nichtssagend oder auch mal merkwürdig. Es bleibt immer eine Überraschung, was genau der Charakter nun sagen wird.

Detroit ist das neueste Produkt von Quantic Dream und David Cage und bietet dasselbe Spielprinzip wie schon Fahrenheit, Heavy Rain und Beyond: Two Souls zuvor. Es ist somit in gewisser Weise Souls-like. Ich habe Detroit für euch auf PlayStation 4 getestet.

Ich denke, also bin ich

Das Jahr 2038: Dank technischer Revolutionen kann das Unternehmen Cyberlife massenhaft menschenähnliche Androiden herstellen, die mittlerweile nicht mehr aus unserer Gesellschaft wegzudenken sind. Sei es als Haushaltshilfen, Bauarbeiter oder Rotlicht-Arbeiter, Androiden sind ubiquitär. Manche Androiden verhalten sich jedoch auf einmal seltsam. Sie beginnen, selbstständig zu denken und fühlen und wollen ganz sicher keine Sklaven der Menschen mehr sein. Doch wie kann man so eine Revolution einleiten und wird sie Erfolg haben? Wir begleiten dabei drei Androiden durch die Story: Kara, die versucht, nach Kanada zu fliehen. Markus, der eine wichtige Rolle in den Geschehnissen zukommt und Connor, dessen Aufgabe es ist, die gestörten Androiden zu finden und auszuschalten. Die Story ist großteils sehr spannend und motiviert zum ständigen Weiterspielen.

Jetzt könnte hier eine Überschrift über Gameplay stehen, aber eigentlich gibt es kein Gameplay

Detroit ist kein Spiel, sondern ein interaktiver Film mit gewissen Handlungsmöglichkeiten für den Spieler. Es ist damit in der Interaktion etwas fordernder als eine Visual Novel. Das höchste der Gefühle sind Quick Time Events, also das präzise und schnelle Drücken von angezeigten Tasten. Sonst kann man entscheiden, wohin die Androiden gehen sollen und muss oft eine Taste drücken, damit der Android eine Tür öffnet, etwas aufhebt, und so weiter. Lässt man sich etwas Zeit mit der Eingabe von Aktionen, die nicht sofort erfolgen müssen, frieren alle Charaktere einfach ein, was ein bisschen komisch aussieht. Manchmal muss man auch eine Route finden, die zum Erfolg führt, um zum Beispiel eine Anhöhe zu erklimmen. Auch hier gibt es wenig Spannung, da man irgendwann die richtige Route hat und nicht richtig versagen kann. Viele der Interaktionen sind im Prinzip völlig überflüssig, bringen den Spieler aber näher an das Geschehen ran, da man nun so „aktiv die Welt erlebt“. Quick Time Events können jedoch den Verlauf der Geschichte schon mal stärker beeinflussen.

Viele Wege führen nach Rom und auch daran vorbei

Die Geschichte ist sehr interaktiv und kann viele verschiedene Varianten annehmen. Es ist fast schon garantiert, dass, wenn ihr das Spiel gleichzeitig mit einem Freund startet, ihr ziemlich viele Unterschiede in den Resultaten haben werdet. Lebt der oder der noch? Habt ihr diesen Fall gelöst oder diesen Gegenstand dabeigehabt? Seid ihr bei Ort A, B oder C gelandet? Hasst oder liebt euch diese Person? Jede kleine Aktion kann spätere Auswirkungen entfalten. Die Geschichte muss im Endeffekt jedoch in gewissen Bahnen bleiben, um noch funktionieren zu können. Dennoch kann man diese Bahnen ziemlich gut selbst gestalten. Jedes Kapitel ist relativ kurz gehalten, was durchaus motiviert, da man so kurze Spielphasen einlegen kann. Nach jedem Kapitel wird euch eine Übersicht über die möglichen Storywege gezeigt und welchen ihr gegangen seid. Aus dem Hauptmenü heraus kann man einzelne Kapitel und Checkpoints erneut ansteuern und so andere Wege testen. Einschränkungen gibt es nur in Form von sehr unschönen, großen, roten Schildern, die sagen, dass man hier jetzt nicht lang gehen soll. Das stört, da man eigentlich die sehr detailreiche und schöne Umgebung erkunden wollte.

Wunderschönes Detroit in Bild und Klang

Die Grafik kann sich sehen lassen in Detroit. Sehr detailreiche Umgebungen laden zur Erkundung ein, wobei man mit der R2-Taste alle interaktiven Gegenstände hervorheben kann, oder man benutzt R2 einfach nicht und macht das Spiel damit etwas schwerer. Die Charaktermodelle sind überaus detailliert und wirken lebendig. Sie sind sehr nahe am schauspielerischen Vorbild und die aufgenommenen Motion-Capture-Szenen wirken im Großen und Ganzen natürlich. Emotionen lassen sich an den Gesichtern der Charaktere ablesen und die englischen Originalstimmen lassen absolut nichts zu wünschen übrig. Doch auch die deutsche Synchronisation ist erstklassig: Von einzelnen Sprechern bis zu Gruppen, die sich lauthals gegen Androiden aussprechen, ist die Aufnahmequalität und Emotion in den deutschen Stimmen weitaus besser, als man bisher gewohnt ist. Die Musik weiß auch zu überzeugen und erinnert an einen Film-Soundtrack, was natürlich auch zum Spiel passt. Daran angelehnt ist die Kameraführung auch sehr filmisch. Im Endeffekt weiß beides sehr gut zu gefallen.

Bevor ihr gleich spielt, lest noch das hier

Manchmal ruckelt das Spiel auch ein wenig auf der guten alten PlayStation 4. Ob die Performance auf PlayStation 4 Pro besser ist, konnte ich leider nicht testen. Die Extras im Menü müssen noch speziell erwähnt werden, da diese einfach top sind. Man kauft sie mit Punkten, die man mit dem Absolvieren gewisser Story-Routen erhält und hat Artworks, Musikstücke mit detaillierten Erklärungen der Komponisten zum Lied, die Charaktermodelle mit Beschreibungen und unterschiedlichen Gewändern, Magazine, die man finden kann, und Videos von ersten Trailern bis hin zu Blicken hinter die Kulissen zur Auswahl. Die Magazine, die sich im Spiel finden lassen, bieten kurze und sehr interessante Artikel der Zukunft, die sich meist über Androiden drehen oder über den Klimawandel. Man kann sich durchaus vorstellen, dass es 2038 solche News-Storys in Magazinen geben kann!

Die Entscheidung fällt nicht schwer

	Sehr spannende Story mit komplexen Routen und vielen kleinen oder großen Entscheidungen.
	Mehr als Knöpfchendrücken ist nicht.
	Sehr detailliert, wunderschön, Charaktermodelle sehr nah an Schauspielern dran.
	Musik erinnert an einen Film-Soundtrack und unterstützt die Story.
	Tolle Extras, interessante Newsartikel der Zukunft.

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Lange nicht mehr ge-tutturu-t!

In dieser Artikel-Serie wollen wir euch die japanische Sprache anhand von Videospiel-Beispielen näher bringen. Nach einer längere Pause geht es nun wieder etwas weiter! Viele von euch haben doch sicher das heiß diskutierte Final Fantasy XV gespielt, bei dem Tabata-san Director war. Tabata-san war davor auch schon einmal Director, und zwar bei Final Fantasy Type-0. Type-0 ist ein nicht minder heiß diskutiertes Spiel.

Fragt hierzu nur mal unseren lieben Seb: der Gute hat das Spiel auf unserem Twitch-Kanal gespielt und war am Ende einfach nur noch froh, damit fertig zu sein ^^. Persönlich hat mir das Spiel viel besser gefallen, aber was wohl bar jeglicher persönlicher Meinung unanfechtbar ist, ist, dass das Ende hoch kontrovers ist. Wir machen das jedoch heute ganz anders: bei uns versteht man alles und ist sich im Klaren darüber, was gerade passiert ist (mal im Ernst, was sollte das Ende von Type-0?!).

Final Fantasy Type-0 bietet sich wunderbar dazu an ein paar weitere Kanji anzusehen, auch wenn sie diesmal etwas kunstvoller gestaltet sind (Kalligraphie – 書道…shodou…der Weg des Schreibens). Wir beantworten die Frage, was man tun kann, wenn man keine Ahnung hat, was das Kanji bedeutet.

零式 … bedeutet „Type 0“. Das überrascht zum Glück nicht so sehr.

零 … rei, steht für 0 (Null).
式 … shiki, steht für so Einiges: Zeremonie, Ritus, Feier, Stil, Modell, Typ, Art, Methode, Formel. Wow. Aber allen gemeinsam ist, dass es eine Art und Weise ist, irgendwas zu tun oder eben ein bestimmtes Modell von etwas, ein Typ. Zum Beispiel kommt es im japanischen Wort für Hochzeit vor: 結婚式 (kekkonshiki). Eine Hochzeit ist ja auch eine gewisse Zeremonie.

Um herauszufinden, was 零 heißt, benutzen wir einfach die Radikale, die im Kanji sind. Und dazu auch noch am besten irgendein Wörterbuch oder eine App, die auf Radikale aufbaut, zum Beispiel Makimono (kostenfrei). Da kann man Radikale auswählen und alle Kanji anzeigen, die aus diesen Radikalen bestehen. So sieht man in 零 zum Beispiel oben das Radikal 雨. Es ist zwar gestauchter und zusammengepresster als wenn man es alleine schreibt, aber man kann es erkennen. Zum Glück, denn manche andere Kanji ändern ihre Form eher stark, wenn sie zum Radikal werden.

Zum Beispiel „Wasser“:

水 … mizu, das Kanji für Wasser
酒 … wird als Radikal eher ein verzerrtes Smiley…und zwar ist es der linke Teil des Kanji „sake“ für meist stärkeren Alkohol.

Hat man die richtigen Radikale ausgewählt, findet man das Kanji im Wörterbuch und kann sich so über dessen Bedeutung klar werden. Je mehr Japanisch man kann, desto mehr erkennt und sieht man die unterschiedlichen Radikale und kann sich so bei der Suche nach der Aussprache und Bedeutung der Kanji weiterhelfen.

Nun haben wir hoffentlich alles verstanden und stehen ohne riesige ??? am Ende dieser Lektion über Final Fantasy Reishiki da. Doch man kann noch etwas mithilfe von Final Fantasy Type-0 lernen. Denn reishiki lässt sich auch als  礼式 schreiben und bedeutet nun Etikette. Viele Kanji haben nicht nur sehr oft mehrere Bedeutungen, sondern auch ein und dieselbe Aussprache hat hin und wieder eine andere Bedeutung.

Die Kanji sind nicht einfach zu lernen, aber eines ist gewiss: unübersichtlicher und unlogischer als das Ende von Final Fantasy Type-0 kann es nicht sein.

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Titel	Secret of Mana
	15. Februar 2018
	Square Enix
	15. Februar 2018
	Square Enix
	15. Februar 2018
	Square Enix
System	PlayStation 4 & Vita, Steam
Getestet für	PlayStation 4
Entwickler	Square Enix
Genres	Action Adventure
Texte
Vertonung

Das Secret-of-Mana-Remake ist nicht wie Dark Souls. Das Secret-of-Mana-Remake ist im Kern wie Secret of Mana für Super Nintendo. Jedoch wurden Änderungen vorgenommen, die man störend finden kann oder eben nicht. Als Kenner des Originals besteht die Gefahr, dass man abgeschreckt wird, während Neulinge sich wohl wundern, wie wenig Händehalten es in alten Spielen gab.

Die Story ist schnell erklärt: Man findet das mystische Mana-Schwert und begibt sich auf eine Reise, die Kraft des Mana-Schwerts wiederherzustellen um das Ende der Welt zu verhindern. Die Story ist für heutige Verhältnisse relativ simpel gehalten, weiß aber doch stellenweise zu überraschen.

Nachdem man das Spiel gestartet hat und das Mana-Biest seinen markerschütternden Ruf von sich gab, sollte man gleich als erstes ins Menü gehen und die japanische Synchronisation auswählen. Zwar gibt es auch eine englische Synchronisation, die ist aber so schlecht, dass ich das keine 40 Spielminuten ausgehalten habe – obwohl mich fast jeder NPC damit zum Lachen brachte, also doch wieder Unterhaltungswert. Die japanische Synchronisation ist dagegen um Welten besser. Wählt man englische Texte aus, fällt auch schnell auf, dass der schon immer androgyne Kobold/die androgyne Koboldin nicht mit „she“ oder „he“ angesprochen wird, sondern mit „they“. Das ist ein interessanter kleiner Kniff!

Was natürlich sofort ins Auge sticht, ist die Grafik des Spiels. Das ist keine PlayStation-4-Grafik und ich bin mir nicht sicher, ob nicht sogar die Vita eine bessere Grafik unterstützen könnte. Zu Anfang hin war ich etwas enttäuscht, jedoch gewinnt die Grafik für mich später an Wert, da sie doch eine Art „moderner Retro-Look“ ist. Immerhin ist das Original auch nicht für seine photorealistische Grafik bekannt. So fängt das Remake charmant einen simplen Stil mit moderner Technik ein, geht hierbei aber einen anderen Weg wie z.B. Octopath Travler und wirkt etwas billiger produziert. Fehlende Mundbewegungen der Charaktere, wenn diese sprechen, verstören zu Anfang. Während man nun wieder Mord und Totschlag rufen und dem Entwicklungsteam unglaubliche Faulheit vorwerfen kann, entwickelt dieser Stil dann doch seinen eigenen Retro-Charme. Für mich wird dadurch die eigene Phantasie stärker angeregt, was in Summe doch schön ist.

Man bemerkt natürlich auch sofort den neu arrangierten Soundtrack, obwohl sich im Menü auch jederzeit der Originalsoundtrack auswählen lässt. Über Musik lässt sich viel streiten und es gibt keine definitiven, richtigen Meinungen, jedoch finde ich die Überarbeitung sehr gut gelungen. Die Musik fängt den Charakter der Originalstücke ein, wurde adaptiert, wo der Komponist es für nötig fand oder seinen eigenen Flair einbringen wollte und ersetzt schon einmal Instrumente des Originals mit anderen. Insgesamt für mich ein sehr stimmiger Soundtrack, der eine neue Sichtweise auf den ursprünglichen ermöglicht.

Kämpft man sich nun durch die Welt mit dem Action-basierten Kampfsystem, fallen ein paar Sachen sofort auf. Einerseits ist das Remake wahnsinnig einfach geworden im Vergleich zum Original. Bei Bossen, bei denen ich damals noch Probleme hatte, bin ich diesmal nicht nur nicht gestorben, nein, die Bosse waren teilweise in zehn Sekunden tot. Jedoch gibt es auch Bosse, die einen zum Wahnsinn treiben. Nicht etwa, weil sie so schwer sind, sondern weil man sie fast nicht trifft, während man selbst kaum Schaden nimmt. Es macht nicht sehr viel Spaß fünf Minuten auf einen Boss einzuprügeln der 6000 HP hat, wenn man 80% der Schläge verfehlt, 15% nehmen ein bis sieben HP ab und 5% sind ein kritischer Treffer mit 150 HP, während der Boss einfach nur so rumschwebt und hin und wieder einen lächerlichen Zauber loslässt. Oder ein Boss, der selbst kaum Schaden austeilt, und ständig von der linken Ecke der Kampfarena zur rechten und wieder zurück düst. Da kann man hin und wieder einen Schlag landen und langweilt sich hauptsächlich im Kampf.

Neben den Bossen sind euch auch die meisten Gegner einfach nur im Weg, da auch diese kinderleicht zu besiegen sind. Trefft ihr sie, werden sie zurückgeschleudert und liegen am Boden und sind kurz unverwundbar. Das frustriert sehr, da das jeden Kampf unnötig in die Länge zieht. Manchmal liegen die Gegner sogar mehrere Sekunden am Boden und keiner der Schläge wird irgendwie registriert. Man wartet einfach sinnlos neben dem Gegner, bis dieser sich wieder treffen lassen will oder bis er den Anstand hat, endlich zu sterben. Ich hatte auch mehrfach die Situation einen Gegner anzugreifen und ich hatte weder getroffen, noch ein „Verfehlt“ angezeigt bekommen – es ging einfach durch den Gegner hindurch. Und das mehrmals hintereinander. Der Gegner hatte mich ignoriert, meine Gruppe hatte den Gegner ignoriert und ich habe wie ein Idiot auf Luft eingestochen scheinbar.

Eure KI-Freunde sind ein Fluch und ein Segen. Zwar greifen sie gut an und lassen sich auch im Menü eine Taktik vorschreiben, jedoch sind sie teilweise strohdumm. Die vergessen schon einmal, dass man ein Ziel angreift und hören auf den Boss zu attackieren, wenn man es selbst lange nicht mehr gemacht hat, weil man eventuell gerade nicht konnte. Die KI eurer Gruppe bleibt auch liebend gerne in der Umgebung hängen, unter anderem direkt nach dem Aufwachen in einem Gasthaus. Das heißt, man lädt das Spiel und das Erste, was man sieht, ist die KI, die panisch versucht durch das Bett hindurchzulaufen.

Die Gegner-KI navigiert die Umgebung hingegen geschickt, was dann sehr verwunderlich ist. Teilweise sind Gegner aber auch sehr dämlich, wenn diese zwei bis drei Ebenen unter euch und sehr weit entfernt sind, aber trotzdem komplett durchdrehen und euch unbedingt töten wollen. Da aber nur die Wand vor ihnen ist, greifen sie diese in einem wütenden Amoklauf an. Das Spiel ist zwar die meiste Zeit sehr einfach, hat am Ende aber eine extrem steile Kurve im Schwierigkeitsgrad. Wurde man vormals noch mit drei bis vier Schlägen vernichtet, muss man nur die beste Ausrüstung kaufen und auf einmal ist alles wieder kinderleicht. Die Kämpfe sind jedoch insgesamt sehr unterhaltsam, da man in Secret of Mana viele unterschiedliche Waffenarten benutzen kann und das Kampfsystem zwar simpel, aber relativ dynamisch ist. Jede dieser Waffe vermittelt ein ganz eigenes Spielgefühl und es macht Spaß, zwischen ihnen zu wechseln und sie beim Schmied aufzuwerten.

Neu hinzugekommen sind Gespräche in Gasthäusern, wenn die Charaktere dort übernachten. Diese sind sehr unterhaltsam gestaltet und hätten ruhig als Pflicht-Szene in das Spiel eingebaut werden können, da sie der Charakterisierung eurer Gruppe helfen. Übernachtet ihr nicht so oft, kann es durchaus passieren, dass die Charaktere darüber philosophieren, wie wohl Ort XYZ ist, wenn ihr mal dort ankommen solltet, obwohl dies schon längst passiert ist. Diese Asynchronität bei den Gesprächen ist doch teilweise befremdlich. Technisch wundert man sich auch, wieso eine so leistungsfähige Konsole wie Sonys PlayStation 4 immer wieder Ladebildschirme zwischen den simplen Arealen in Secret of Mana braucht. Außerdem war bei mir das Bild falsch skaliert und gut 5% vom unteren Rand abgeschnitten, ohne Möglichkeit dies im Spiel anzupassen. Erst eine Umstellung des TV konnte dies bereinigen. Das ist mir in meiner 28-jährigen Videospielgeschichte noch nie passiert.

Alles in allem hat das Remake das Potential viele glühende Verehrer von Secret of Mana zu verärgern, jedoch gleichzeitig viele zufriedenzustellen. Denn es ist immer noch Secret of Mana, und Secret of Mana ist einfach Secret of Mana. Und nicht Dark Souls.

	Ist sehr simpel, aber weiß dennoch zu überraschen.
	Actionbasierte Kämpfe, die sich doch in die Länge ziehen.
	Sehr schlicht gehalten und weit unter dem technisch Machbaren. Hat einen gewissen Retro-Charme.
	Sowohl der Original-Soundtrack als auch eine schön arrangierte Version aller Stücke verfügbar.
	Schlechte englische Synchronisation, sehr einfach, dumme KI.

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Suzu ist ein junges Mädchen, dessen Familie in Hiroshima lebt und das durch eine Heirat in das nahe Dorf Kure zieht. Als ein eher verträumtes und gutgelauntes Mädchen arbeitet sie fleißig im Haushalt ihrer neuen Familie mit, lässt sich allerlei von ihrer etwas rüden Schwägerin gefallen und freundet sich mit deren Tochter an. Dabei wird der japanische Alltag nicht gerade vereinfacht davon, dass immer wieder Lebensmittel rationiert werden, doch sind zumindest die japanischen Kriegsschiffe schön anzusehen, die im Hafen lagern. Zum Glück für Suzu und ihre Familie ist der Krieg ganz weit weg und die Gegend um Hiroshima wird kaum angegriffen. Ihr Leben ändert sich jedoch noch einmal stärker, als die Luftsirenen fast nicht mehr aus dem Heulen herauskommen und man sich fast jeden Tag im Bunker verstecken muss. Das, und ein Schicksalsschlag, zerrt an den Nerven.

Der Zeichenstil des Anime fällt zuerst auf, da die Charaktere teilweise etwas an Figuren aus Charlie Brown erinnern. Vor allem Suzu, wenn sie verstohlen (oder leicht naiv) lächelt, wirkt etwas wie einer der Charaktere rund um Snoopy. Eher bunte und frische Farben dominieren die Umgebung und auch die Charaktere sind keine tristen, leblos wirkenden Gestalten, sondern lebendige und ausgearbeitete Persönlichkeiten. Da Suzu gerne zeichnet, verwandelt sich die Szene manchmal in ihre Gedanken beziehungsweise Zeichnungen, was eine gelungene Abwechslung ist. Die normalen Zeichnungen müssen sich aber auch nicht verstecken, da das Leben in Kure und Hiroshima gut eingefangen wurde und jeder, der schon einmal in Hiroshima war, wird zumindest den noch nicht zerstörten Atomic Bomb Dome erkennen. Dabei wurde akribisch nachgeforscht, wie das Leben damals war, und man befragte noch lebende Zeitzeugen. Im Endeffekt kam ein sehr gelungenes Bild der alten Zeit dabei heraus, welches von Zeitzeugen gelobt wurde.

Die Haupthandlung spielt jedoch nicht direkt in Hiroshima, sondern in Kure und wir sehen viel vom Haushalt und Alltagsleben der Japaner. Passend ändert sich der Zeichenstil in eher drastischen und schockierenden Szenen, um die Gefühle der Charaktere rüberzubringen. Musikalisch wird das durch ruhige Stücke untermalt, die die Stimmung der Szene gut unterstützen, oder durch ein Overlay von Stimmen, die zum Beispiel das Rotieren der Gedanken eines Charakters um ein Thema darstellen.

Durch den Fokus auf das Alltagsleben der Japaner von damals und durch die leichtherzige Art von Suzu versprüht der Film eine lockere Atmosphäre, die ein gutes Gegengewicht zum Kriegssetting des Films ist. Ist zu Anfang des Films noch kaum etwas vom Krieg zu sehen, mit der Ausnahme von Soldaten und Kriegsschiffen, rückt dieser immer näher und dominiert das letzte Drittel des Films, da der Feind mit Luftangriffen in der Nähe anfängt, bis hin zu einem starken Blitz eines Morgens. Dabei wird die Atombombe nicht als „das große Ding, das da passiert ist“ oder als „Fokus der Geschichte“ dargestellt, sondern ganz im Sinne des Geistes des Films, der die Atmosphäre von damals einfangen will: ein kurzer, starker Blitz, ein kurzes Beben und eine Ambosswolke. Die Charaktere erfahren nur, dass der Feind eine neue Bombe eingesetzt hat und dass manche Leute sich nun krank fühlen und seltsame Flecken auf der Haut bekommen. Obwohl der Film also im Großen und Ganzen leichtherzig ist, beinhaltet er doch Szenen, die zu einem Krieg passen, das Leid der Menschen zeigen und wie diese sich dennoch über Wasser halten. Vor allem das Ende ist noch einmal traurig, als (und das kann nun kein Spoiler sein, da jeder weiß, wie der Zweite Weltkrieg für Japan ausging) Japan verliert und all das Leiden umsonst war.

Die deutsche Synchronisation des Films ist sehr gelungen. Die Sprecher vermitteln Emotionen und haben zum Glück keine monotone Sprechweise. Japanische Namen werden korrekt ausgesprochen, was die Authentizität erhöht. Der Blu-ray (und eventuell auch der DVD) liegt ein Informationsheftchen bei, das kurz über die Atombombe berichtet, dann über den ursprünglichen Manga von Fumiyo Kouno und die Autorin selbst und weitere Informationen zur nicht ganz einfachen Filmumsetzung einer so schwierigen Zeit liefert. Außerdem ist für alle Fans des riesigen USK-Logos natürlich ein Wendecover enthalten.

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Titel	Yomawari: Midnight Shadows
	24. August 2017
	Nippon Ichi Software
	24. Oktober 2017
	NIS America
	27. Oktober 2017
	NIS America
System	PlayStation Vita, PlayStation 4, PC
Getestet für	PlayStation 4
Entwickler	Nippon Ichi Software
Genres	Horror-Adventure
Texte
Vertonung	–

Am 27. Oktober veröffentlicht Nippon Ichi Software fast genau ein Jahr nach dem Release des Vorgängertitels „Yomawari: Night Alone“ dessen Nachfolger „Yomawari: Midnight Shadows“. Mit dieser doch kurzen Entwicklungszeit stellt sich die Frage, ob die Zeit gereicht hat, den ersten Teil würdig fortzusetzen. Was überaus gelungen ist, ist jedoch der Zeitpunkt, denn bald ist Halloween! Da passt ein gruseliges Spiel natürlich wunderbar!

Direkt zu Anfang des Spiels…

…spoilert uns das Spiel selber massiv im Tutorial. Ob man das einen Spoiler nennen kann, sei dahingestellt, aber natürlich kennt man diese Information jetzt und wundert sich nachher nicht mehr, wenn der spielbare Charakter dieses Mysterium für sich selbst auflöst. Das Positive daran ist, dass das Tutorial dann relativ schockierend ist; das Schlechte ist, dass man die Auflösung dieses Rätsels eben schon gleich zu Anfang kennt.

Nach dem Tutorial sind wir mit Yui und Haru, zwei kleinen Mädchen, auf einem Berg in der Nähe eines japanischen Dorfes und sehen uns ein Feuerwerk-Festival an. Beim nach Hause Gehen verlieren sich die Mädchen jedoch aus den Augen und Haru kehrt alleine zurück. Als Yui nach einiger Zeit noch immer nicht zurück ist, macht sich Haru Sorgen. Nur mit einer Taschenlampe ausgerüstet macht sie sich mit freundlicher Unterstützung von Yuis Hund auf die Suche nach ihrer vermissten Freundin.

Wiederholung, Wiederholung, Wiederholung

Wer den ersten Teil kennt, kennt das Gameplay von Yomawari: Midnight Shadows bereits. Es gibt kaum Neuerungen. Nur mit einer Taschenlampe bewaffnet geht, läuft oder schleicht man durch ein japanisches Dorf und muss ständig vor Monstern auf der Hut sein. Diese sind nicht immer sichtbar, werden aber immer durch einen deutlich hörbaren Herzschlag angekündigt. Zur Verteidigung gegen die Angriffe der Geister können wir uns hinter Schildern oder in Büschen verstecken, beziehungsweise die Geister mit geworfenen Steinen oder Papierfliegern ablenken. Manche Geister mögen das Licht nicht und bleiben stehen, wenn man sie anstrahlt. Im Gegensatz dazu gibt es andere Geister, die aggressiv auf das Licht reagieren und für welche man besser die Taschenlampe ausschalten sollte. Neu ist das Verschieben und Aufheben von Objekten. Das kommt aber so selten vor, dass diese Neuerung kaum ins Gewicht fällt.

Die in News veröffentlichte Information, dass man beide Mädchen spielen wird und die Aktionen und Informationen eines Mädchens dem anderen helfen, ist eine Mogelpackung gewesen. Zwar spielt man im Laufe des Spiels beide Mädchen und Informationen gehen von einer Seite zur anderen, aber im Endeffekt spielt man Haru zu 95%, während man mit Yui in den restlichen 5% fast schon hilflos umherstreift, von Monstern gefangengenommen wird und dann Haru zur Rettung kommt. Die Informationen, die von einem Mädchen zum anderen gehen, halten sich sehr in Grenzen und sind meist nur dazu da, um Haru zu sagen, wohin sie nun zu gehen hat. Das ist viel verschenktes Potential, da die Mädchen hier viel besser hätten kooperieren können. Gerade Yui spielt man kaum und gerade sie wäre aus Storygründen überaus interessant gewesen. Hier hätte man sehr kreativ sein können. Leider wurde diese Chance nicht genutzt und das hinterlässt so einen faden Nachgeschmack.

Das Spielsystem ist immer wieder dasselbe: Haru untersucht Ort X, der ist natürlich verflucht, sie sieht Yui kurz, schafft den Boss-Geist und reinigt somit vermutlich den Ort, Yui ist nicht da… und Haru geht nach Hause. Um zu schlafen? Auf jeden Fall ist sie nachher wieder im Zimmer und zieht wieder ausschließlich in der Nacht los, nur wenn gefährliche Geister unterwegs sind, um ihre Freundin zu finden. Wieso sie das immer in der Nacht tut, wird nie erklärt im Spiel. Natürlich kann man keine allumfassende Story erwarten und dass Haru immer nur in der Nacht sucht, ist dem Spiel geschuldet, da das Dorf bei Tag (vermutlich) ungefährlich ist. Dennoch ist die Story teilweise verwirrend und man fragt sich hin und wieder, was gerade vor sich geht (mit Ausnahme des Spoilers vom Anfang des Spiels natürlich).

Neu sind auch Innenareale; das heißt, man erkundet nun auch zum Beispiel eine Bibliothek und erforscht die Räume. Das Spielsystem ändert sich dadurch aber nicht allzu sehr und wird einfach nur nach innen verlagert. Die Bosskämpfe sind jedoch positiv hervorzuheben. Dafür, dass man eigentlich nur ausweichen und Gegenstände aufheben kann, sind die Bosskämpfe doch abwechslungsreich gestaltet. Durch mehrfaches Trial and Error kommt man, wie beim Rest des Spiels, schon dahinter, was man zu tun hat.

Bis jetzt habe ich die Musik noch nicht besprochen, denn es gibt keine Musik im Spiel. Dafür Soundeffekte und Hintergrundgeräusche, die jedoch so wirken, als kämen sie eher aus einer der vorhergegangenen Konsolengenerationen. Zum Beispiel ist da das Bellen des Hundes, das einfach zu sehr nach „Soundeffekt“ anstatt dem Bellen eines Hundes klingt. Grafisch ist das Spiel eher kawaii: keiner der Geister ist wirklich schrecklich anzusehen, sondern eher eine Cartoon-Variante eines Geistes. Da die Geister dennoch etwas gruselig aussehen, sollte man das Spiel aber nicht von kleineren Kindern alleine spielen lassen.

Erneut die Frage: Gruselt es uns vor dem Spiel?

	Finde deinen Hund und deine Schwester Freundin und ihren Hund. Erklärungen, wieso Geister da sind, sind nicht vorhanden.
	Erkundung und Ausweichen heißt das Programm!
	Süße Charaktermodelle und Item-/Kartenzeichnungen mit realistischem, japanischem Dorf-Flair.
	Nur ein Lied, ansonsten Hintergrundgeräusche.
	Für Sammelwütige ist genug zu tun. Kenner der japanischen Folklore haben vielleicht einen Vorteil, relativ kurz mit zirka zehn 10-15 Spielstunden.

Der Beitrag Im Test! Yomawari: Midnight Shadows erschien zuerst auf JPGAMES.DE.