Titel	Octopath Traveler 2
	24. Februar 2023
	Square Enix
	24. Februar 2023
	Square Enix
	24. Februar 2023
	Square Enix
System	PlayStation 4, PlayStation 5, Nintendo Switch, PCs
Getestet für	Nintendo Switch
Entwickler	Square Enix, Acquire
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Octopath Traveler war für Square Enix nicht nur ein großer Erfolg, sondern auch der Startschuss für die Designentscheidung HD2D. Eine moderne Art, Pixelgrafiken zeitgemäß auf die Bildschirme zu zaubern. In meinen Augen eine wunderbare Form, klassische JRPGs umzusetzen, aber auch zahlreiche andere SpielerInnen scheinen Gefallen daran gefunden zu haben.

Ob das SRPG Triangle Strategy oder die Remakes zu Live A Live und das noch in Entwicklung befindliche Dragon Quest III – alle diese Titel finden sich in HD2D wieder. Mit Octopath Traveler II machte man sich nun daran, den Erfolg des Erstlings zu wiederholen oder vielleicht sogar zu übertreffen.

Das altbekannte Team bei Square Enix und Acquire ist zumindest wieder am Start und auch sonst kann man wieder auf taktische Kämpfe, düstere und emotionale Geschichten sowie charmante Designs hoffen. Inwieweit Teil zwei die kleineren Mängel des Erstlings ausbügeln kann und ob Octopath Traveler II ein würdiger Nachfolger ist, wollen wir uns im Folgenden anschauen.

Acht Geschichten, eine Welt

Nicht überraschend: Auch in Octopath Traveler II geht es um acht Protagonisten und deren individuelle Geschichten. Etwas verwunderlich ist hier aber, dass man deren Anfangsklassen mit dem Erstling absolut identisch gehalten hat. Wieder mal gibt es den Krieger, einen Dieb, Händler und so weiter. Was zunächst eher etwas ernüchternd erscheint, machen die einzelnen, detaillierteren Storys jedoch wieder wett. Ebenso wurde der etwas repetitive Aufbau der Kapitel mit ein paar Variationen interessanter gestaltet.

Ein Kritikpunkt, den man oft zu Octopath Traveler vernahm, war, dass die Geschichten kaum bis gar nicht die anderen Party-Mitglieder mit einbezogen haben. Das ist zwar auch wieder im zweiten Teil spürbar, allerdings bietet Teil zwei nun auch Nebenhandlungen, die zumindest zwei Charaktere zusammen eine Handlung bestreiten lassen. Diese zu Beginn noch recht überschaubaren Nebenhandlungen bereiten aber über kurz oder lang den Weg zu einer größeren umfassenden Geschichte.

Natürlich gibt es ansonsten auch bei den einzelnen Geschichten der Charaktere wieder Überschneidungen. Das war nämlich auch schon im ersten Spiel der Fall, wenn auch sehr subtil und weit am jeweiligen Ende der Handlung angesiedelt. Octopath Traveler II schafft es ebenso wieder, die Welt mit in den Vordergrund zu stellen. Nationen, Städte und Dörfer sind Teil eines großen Ganzen und existieren nicht nur einfach als Mittel zum Zweck.

Grenzenloses Erkunden

Die Welt in Octopath Traveler II ist nicht nur Teil der Handlung, sondern wirkt auch um einiges größer als noch im ersten Teil. Auf dem Weg zwischen den einzelnen Story-Abschnitten warten viele kleine Abzweigungen, die einen Abstecher mit dem ein oder anderen nützlichen Schatz belohnen. Allerdings sollte man hier immer ein Auge auf das empfohlene Level werfen, wenn man nicht umgehend das Zeitliche segnen möchte. Wer es aber auf die Herausforderung abgesehen hat, dem bleibt diese Option zumindest offen.

Damit es nicht langweilig wird, werden alte Gebiete je nach Durchschnittslevel angepasst und bieten demnach entsprechend stärkere Gegner. Das ist besonders vorteilhaft, wenn man sich entscheidet, manche Charaktere erst viel später anzuheuern. Auch in Octopath Traveler II leveln die Charaktere nämlich nicht mit und starten ebenso mit Level 1, egal wie weit man schon mit anderen Charakteren fortgeschritten ist.

Das Erkunden ergibt so allerdings auch zu einem späteren Zeitpunkt mehr Sinn. Neben den beiden Kontinenten gibt es diesmal noch ein großes Meer zu erkunden, was neben einem adäquaten Level-Fortschritt auch eine große Auswahl an Waffen und somit Nebenjobs voraussetzt. Genug zu erkunden gibt es demnach mit Sicherheit, auch wenn das eigentliche Level-Design der vielen kleinen Höhlen und Katakomben eher wieder überschaubar bleibt und nur durch die grafischen Spielereien eine tiefere Atmosphäre aufgesetzt bekommt.

Anfangsklassen, Nebenjobs und Feldfertigkeiten

Zwar wird man im Laufe des Spiels wahrscheinlich alle Einzelhandlungen spielen, jedoch steht zu Beginn die Qual der Wahl. Ein „Hauptcharakter“ muss ausgewählt werden, der als festes Mitglied bis zu dessen Story-Ende Teil der Party sein wird. Die einzelnen Charaktere sind hier recht unterschiedlich und in einer Gruppe äußerst ausgewogen einsetzbar. Da die Anfangskapitel für jede Figur zugeschnitten sind, besteht eigentlich auch kein merklicher Nachteil, daher kann die Entscheidung ruhig dem eigenen Geschmack nach ausfallen.

Neben den anderen Gruppenmitgliedern, für die man sich weiterhin frei entscheiden kann, wird man ebenfalls über ein paar kleine Abstecher mit Nebenjobs belohnt. In speziellen Gilden bekommt man diese nun durch Lizenzen, die später auch erweitert werden können, damit man mehrere Mitstreiter mit dem gleichen Job ausstatten kann. Wichtig ist aber, dass die Anfangsklasse der Nebenjobvariante durch einzigartige Fähigkeiten überlegen bleibt. Somit sollte man also auch gern einen Blick auf den jeweiligen Originalcharakter werfen, um den vollen Wert der Klasse zu erleben.

Dann wären da noch die verschiedenen Feldfertigkeiten. Auch hier war man ähnlich wie bei den Anfangsklassen nicht wirklich kreativ. Die Fähigkeiten überschneiden sich hier stark, damit man nicht ständig die Gruppe auswechseln muss. Im Großen und Ganzen beschränkt man sich aber auch in Octopath Traveler II auf die Möglichkeit Informationen, Gegenstände oder Unterstützung in Kämpfen zu erhalten. Da bringt auch der dynamische Tag- und Nachtwechsel und der dazugehörige Wechsel der Feldfähigkeiten keine große Variation mit sich. Es funktioniert einfach …

Ein paar Zufallskämpfe gefällig?

Octopath Traveler II ist und bleibt ein klassisches JRPG und somit gibt es auch zahlreiche Kämpfe zu bestreiten. Diese Begegnungen kommen als Zufallskämpfe daher, ein Umstand, der die Milde des allgegenwärtigen RNG-Gottes voraussetzt. Doch prinzipiell braucht man keine große Angst vor Zufallsbegegnungen zu haben, denn die normalen Kämpfe hangeln sich immer an dem bekannten Prinzip entlang.

Im Grunde gilt es zunächst herauszufinden, welche Schwächen der Gegner besitzt, dann braucht man nur noch die Verteidigung zu brechen und kann mit voller Kraft voraus dem Gegner ein Ende setzen. Octopath Traveler II geht SpielerInnen hier sogar noch etwas mehr als zuvor mit verschiedenen Hilfsfähigkeiten zur Hand. Die Bosse können allerdings weiterhin eine Herausforderung darstellen, vor allem, wenn man etwas unter dem empfohlenen Level liegt. Trotzdem bleibt man fair und ich persönlich empfehle die zusätzliche Herausforderung, da man gegenüber dem ersten Teil etwas mit dem Schwierigkeitsgrad zurückgerudert ist.

Neu bekommt jeder Charakter eine zusätzliche Fähigkeit hinzu, die durch eingesteckten Schaden aufgeladen wird. Diese Fähigkeiten kann man dann in bestimmten Situationen zum Vorteil nutzen und so den taktischen Aspekt der Kämpfe erhöhen. So kann die Diebin Throné zum Beispiel zweimal hintereinander agieren oder der Händler Partitio seine Boost-Punkte mit einem Schlag auffüllen.

Pixelgrafik auf höchstem Niveau

Egal ob man nun auf Pixelgrafik steht oder nicht, Octopath Traveler II hat objektiv gesehen einen nicht zu dementierenden ansprechenden Grafikstil. Pixelgrafiken sind eben kein purer Nostalgiefaktor, sondern einfach eine Designentscheidung, die hier einfach wie die Faust aufs Auge passt. Besonders die detaillierten Hintergründe, die Lichteffekte und die Gesten der Figuren schaffen in Octopath Traveler II eine dichte und glaubwürdige Atmosphäre.

Auch musikalisch ist das Spiel wieder mit zahlreichen Stücken ausgestattet, die verschiedene Situationen perfekt untermalen. Besonders die Battle Themes sind hier sehr hörenswert, vor allem wenn diese die Kämpfe noch weiter aufheizen können. Mit solch einer audiovisuellen Darbietung verbringt man auch gern einmal mehrere Stunden mit einem Titel.

Als Bonus muss ich noch die japanische Synchronisation hervorheben, die einen sehr guten Eindruck hinterlassen kann. Ob es nun der Gegenspieler des Gelehrten Osvalds ist, der durch Takehito Koyasu in feinster DIO-Manier dargestellt wird, oder das Wildlingsmädchen Ochette, die mit ihren zuckersüßen Knurrgeräuschen unterhalten kann – auch hier floss viel Liebe in das Projekt mit ein.

Ist das jetzt ein Sequel?

Bildmaterial: Octopath Traveler II, Square Enix, Acquire

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Titel	Atelier Sophie 2: The Alchemist of the Mysterious Dream
	25. Februar 2022
	Koei Tecmo
	25. Februar 2022
	Koei Tecmo America
	25. Februar 2022
	Koei Tecmo Europe
System	PlayStation 4, Nintendo Switch, PCs
Getestet für	PlayStation 4
Entwickler	Gust
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Auch wenn man sich wahrlich nicht über den konstanten Fluss an Atelier-Spielen beschweren kann, so ist es doch immer wieder schön, einen neuen Teil der Reihe begrüßen zu dürfen. Ryzas Reise scheint vorerst zu Ende zu sein und so widmete man sich nun einer alten Bekannten. Sophie gibt sich jetzt in ihrem zweiten Hauptteil ein Stelldichein.

Nach einer Beliebtheitsumfrage fand sich diese nämlich an der Spitze wieder, was Entwickler Gust dazu bewegte, ein weiteres Abenteuer mit ihr in der Hauptrolle zu kreieren. Mit dem großen Erfolg der Atelier-Ryza-Spiele und dem damit gewonnenen Mut auch technisch einmal mehr zu liefern, durfte man deshalb äußerst gespannt sein, was man bei Atelier Sophie 2 geboten bekommen würde.

Technisch scheint man hier zumindest wieder einmal ein wenig vorangekommen zu sein. Auch das Gameplay wirkt erweitert und verspricht Abwechslung. Ich persönlich hoffe aber vor allem auf das einzigartige entspannende Gefühl, was die Atelier-Spiele der Neuzeit in einem hervorzaubern konnten und jegliche Sorgen zumindest temporär vergessen ließ. Die zauberhafte Welt „Erde Wiege“ wartet darauf, abgegrast zu werden.

Traumhafte Traumwelt

Die Geschichte knüpft an die vorherigen Abenteuer von Sophie und ihrer Freundin Plachta an. Zu Beginn entdecken die beiden einen ungewöhnlichen Baum, der sich urplötzlich als Tor in eine andere Dimension entpuppt. Plachta und Sophie werden voneinander getrennt und Sophie findet sich von nun an in einer Art Traumwelt wieder, die gespickt mit zahlreichen anderen „Leidensgenossen“ ist.

Schnell wird klar, dass sich Sophie an die neuen Gegebenheiten anpassen muss. Sie macht sich auf den Weg, ihre Freundin zu finden. Als sie dann noch auf jüngere Versionen von Plachta und sogar ihrer Großmutter trifft, offenbart sich langsam die wahre Natur dieser traumhaften Welt.

Auch wenn die Bewohner recht zufrieden mit dem Status quo zu sein scheinen, ist eine erfahrene Alchemistin natürlich gern gesehen. Hilfsbereit und freundlich, wie unsere Sophie ist, schreitet diese auch gleich zur Tat, um unzähligen Aufgaben entgegenzutreten.

Die Story und der allgemeine Ablauf sind dabei bekannt, unbeschwert und leicht zu verdauen. Die Charaktere und späteren Partymitglieder wachsen einem äußerst schnell ans Herz und bilden recht schnell ein diverses Grüppchen, welches sich allerlei Abenteuer zu stellen hat. Da hier der Fokus wieder einmal sehr stark auf dem komplexen Gameplay liegt, dienen die kleinen Dialoge und Story-Schnipsel hervorragend als Ruhepol dazu.

Fast eine Meisterin

Ähnlich wie in Ryza 2 besitzt auch Sophie in ihrem zweiten Hauptteil schon einiges an Erfahrung. Schon zu Beginn stehen viele Standardrezepte zur Verfügung und auch Sophies Alchemie-Level spielt oben mit. Mit den richtigen Zutaten kann man sich also schon recht früh mit guten Items ausstatten, um auf jegliche Gefahren vorbereitet zu sein. Plachta gilt hingegen noch als Anfängerin, kann allerdings auch andere Gegenstände synthetisieren.

Das Feld an nützlichen Rezepten ist somit sehr ausgewogen aufgestellt und gibt somit auch einen Grund, die schwächer wirkende Plachta für Synthesen einzusetzen. Da Erde Wiege allerdings voll von hochwertigen Materialien ist, wächst auch bei Plachta äußerst schnell die Erfahrung in Sachen Synthese an. Überhaupt ist das Gameplay wirklich sehr motivierend gestaltet und zeigt Spielern ständig Fortschritte und Erfolge an.

Interessant zum Abschluss einer jeden Synthese ist das Erstellen verschiedener Skills und Statusboni. Hier muss man auf einer Art Schachbrett unterschiedliche Elementar-Teile platzieren, um möglichst viel Platz auf dem Brett einzunehmen. Je nachdem, welches Element benutzt und verlinkt wird, entstehen neue zusätzliche Fähigkeiten und die Qualität des Gegenstands steigt. Diese Funktion bringt somit noch einmal einen zusätzlichen Punkt mit, der bei der Auswahl der richtigen Materialien in Betracht gezogen werden muss.

Sammeln, sammeln, sammeln

Atelier Sophie 2 bietet weitläufige und lebendige Umgebungsabschnitte, die mit allerlei Materialien gefüllt sind. Auch hier gibt es wieder verschiedene Möglichkeiten, Sachen aufzusammeln. Mit dem Stock, der Sichel, einer Axt oder auch einfach mit den bloßen Händen gilt es, das Körbchen bis zum Rand mit gutem Zeug zu füllen. Diesen Prozess hat man für Sophie noch einmal vereinfacht und zeitsparender gemacht.

Musste man zuvor noch zwischen den einzelnen Sammelwerkzeugen hin und her wechseln, geschieht dies nun automatisch. Pflanzen werden mit der Sichel abgeschnitten, Insekten mit dem Schmetterlingsnetz gefangen und so weiter. Ein durchaus sinnvoller Schritt in die richtige Richtung, da das Sammeln einen großen Teil des Hauptspiels vereinnahmt. Hier und da gibt es allerdings auch besondere Sammelpunkte, die durch kleine Minispiele auf spielerische Weise etwas Variation in das Sammelerlebnis bringen.

Abwechslung möchte man ebenso mit verschiedenen Wetterlagen in den Gebieten erreichen. Der Umschwung passiert hier allerdings nicht automatisch, sondern muss durch bestimmte Items aktiv vorangetrieben werden. Mit unterschiedlichem Wetter kommen auch neue Materialien und Gegner zum Vorschein, auch lässt sich dadurch die komplette Karte verändern und erlaubt so, neue Abschnitte freizuschalten. Die Wettergegenstände werden zudem noch in größere Bosskämpfe mit eingebunden.

Auf ins Gefecht

Nicht nur Materialien gibt es in Erde Wiege, sondern natürlich auch Monster. Gewohnt putzig stolpern diese durch die Welt und dienen unserer Gruppe als Prügelknaben und Materiallieferanten. Im Gegensatz zu dem schon recht actionbasierten Kampfsystem der Ryza-Spiele geht man hier wieder in die Richtung rundenbasierter Kämpfe. Als Nachfolger eines älteren Titels wollte man sich wohl auch nicht zu stark vom Vorgänger abgrenzen.

Etwas dynamischer werden die Kämpfe allerdings durch Link-Attacken gestaltet. Es sind zwar zunächst nur drei aktive Mitglieder im Kampf, aber durch die Link-Kommandos lassen sich die Reserve-Charaktere direkt in den Kampf einbinden. Voraussetzung dafür ist nur der TP-Meter, der sich bei jeder Attacke ein Stückchen auflädt. Wird man dann beispielsweise angegriffen, kann ein Reserve-Mitglied die Attacke blocken oder man greift direkt mit zwei Kämpfern gleichzeitig an und tauscht so den gewählten Partner ein.

Neu ist auch, dass manche Gegner eine Aura aufbauen können, die diese gegen bestimmte Angriffe schützen kann. Dieser Schutzwall muss zunächst durch die richtigen Angriffe gebrochen werden. Die falschen Attacken führen zu einem direkten Konterangriff, daher sollte der Angriff gut überlegt sein. Bricht man schließlich diese Barriere, wird der Gegner zusätzlich für eine Zeit geschwächt und kann ohne Rücksicht auf Verluste angegriffen werden. Gerade die neuen Features machen die Kämpfe um einiges interessanter und fügen sich somit nahtlos in ein Geflecht an gut durchdachten Verbesserungen ein.

Verträumte Atmosphäre

Mit Ryza wagte man endlich den Sprung in eine grafische schön aufgearbeitete Welt und auch in Atelier Sophie 2 führt man das nun selbstverständlich weiter. Hintergründe, Effekte und Charaktere ergänzen sich hervorragend und selbst wenn man teilweise sicherlich noch nicht auf einem Top-Niveau ist, so bildet man eine doch glaubhafte und passende Atmosphäre um das mysteriöse Traumland.

Musikalisch bekommt man gewohnte, für die Serie typische Melodien geboten, die ebenso nicht hätten besser ins Bild passen können. Es macht einfach Spaß, mit lieblicher Musik durch hübsche Landschaften zu wandern, jeden Ort nach Zutaten abzugrasen und putzigen Tierchen eins auf den Deckel zu geben. So stell ich mir Entspannung vor.

Auf PlayStation 4 kommt das Spiel selten auch mal in kurzes Stocken, was womöglich auf den Nachfolgekonsolen flüssiger laufen sollte und auf PCs sicher tut, allerdings ist das auch letztendlich nicht wirklich tragisch. Grafisch scheint man nun seinen Stil gefunden zu haben und baut diesen wohl auch stetig aus. Man darf auf weitere Atelier-Ableger gespannt sein.

Für immer Atelier

Bildmaterial: Atelier Sophie 2: The Alchemist of the Mysterious Dream, Koei Tecmo, Gust

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Titel	GetsuFumaDen: Undying Moon
	09. Februar 2022
	Konami
	09. Februar 2022
	Konami
	09. Februar 2022
	Konami
System	Nintendo Switch, PCs (Early Access 13. Mai 2021)
Getestet für	Nintendo Switch
Entwickler	GuruGuru / Konami
Genres	Roguelike, Hack and Slash
Texte
Vertonung	–

Heutzutage ist Konami für erotische Pachinko-Maschinen und NFTs bekannt, doch vor langer Zeit hat die Firma tatsächlich auch Videospiele entwickelt und produziert. Legenden berichten von der bahnbrechenden Castlevania-Reihe, die den Zeitgeist damals wohl vortrefflich vermochte einzufangen. GetsuFumaDen schien auch ein Spiel aus jener Zeit zu sein und so reiben wir uns die Augen und sehen, dass wir mit GetsuFumaDen: Undying Moon nun eine Neuinterpretation dieses Klassikers vorliegen haben.

Nur die wenigsten werden sich wahrscheinlich an GetsuFumaDen erinnern, denn das Spiel erschien damals nur in Japan und liegt schon gut 35 Jahre in der Vergangenheit. Da Konami inhouse wohl alle Kapazitäten mit dem Abspeichern von Screenshots ausgeschöpft hat, legt man die neue Version in die Hände des Indie-Entwicklers GuruGuru. Eine sehr gute Entscheidung, wie sich schnell herausstellt, denn das Produkt schaut zumindest vielversprechend aus.

Mit einem interessanten Design im japanischen Ukiyo-e-Stil und Roguelike-Gameplay ging es bei Steam fix in den Early Access und wurde von da an ständig weiterentwickelt. Seit Kurzem ist das Spiel auch auf Nintendo Switch erhältlich. Natürlich ein Grund für uns, einmal einen Blick zu riskieren.

Randomisierte Übersetzungen

In GetsuFumaDen geht es um den Getsu-Dämonenjäger-Klan und das Schicksal der noch lebenden Familienangehörigen. Im Prinzip ist eine Geschichte hier nur aufgesetzt und dient lediglich als Rahmen für ein auf Gameplay ausgelegtes Actionspiel. So weit, so gut. Wer braucht schon eine Geschichte, wenn man Dämonen verkloppen kann? Dennoch versprechen die Optionen sogar eine Sprachausgabe, die die recht wenigen und einsilbigen Story-Passagen untermalen sollen. Eine Sprachausgabe lässt sich allerdings letztlich nirgends finden, zwar kein Beinbruch, aber noch einmal extra verwirrend, wenn man auf Deutsch die Soundoptionen mit der irreführenden Überschrift „Stimmen“ auffindet.

Überhaupt scheint man wohl in puncto Übersetzung oder Lokalisierung Abstriche gemacht zu haben. Etliche Erklärungen benutzen verschiedene Begriffe für die gleiche Sache und erschweren so das allgemeine Verständnis. Das bezieht sich tatsächlich auch nicht nur auf die Sprache Deutsch, sondern zieht sich auch durch die englische Lokalisierung. Die Sprachoptionen decken zwar fast alle wichtigen Sprachen der Welt ab, jedoch wäre es schön gewesen, wenn man hier auch eine gewisse Qualität hätte bieten können.

Schafft man es nun einen passenden Schwierigkeitsgrad auszuwählen, denn auch hier sind die Beschreibungen verdreht, geht es auch schon direkt los in den ersten Abschnitt einer komplett randomisierten Karte. Je nach Schwierigkeitsgrad trifft man auch auf verschiedene Gegner und wird zudem weitere Abschnitte aufsuchen können. Da die Übersetzung uns schon zu Beginn das Leben schwer macht, heißt es hier einfach „learning by doing“ und auf ins Gefecht.

Eingängiges Gemetzel

Zum Glück zeigt sich schnell, wie eingängig und intuitiv das eigentliche Gameplay ist. Man bewegt sich durch eine verschlungene Umgebung, besiegt alles, was sich bewegt, und sammelt, was das Zeug hält. Da alles zu einem großen Teil dem Zufall überlassen ist, hofft man auf das Losglück, um schließlich gute Waffen und Materialien zu erhalten. Stirbt man, so verliert man alles bis auf die schmerzliche Erfahrung. Ob man es nun Roguelike oder Soulslike nennen will, die natürlichen Urinstinkte werden aktiviert und sollen Spieler auf neue Höhen bringen. Der Szenenbegriff darf aber dennoch nicht fehlen, wir haben einen Ruf zu verlieren.

Im Laufe der Zeit wird man allerdings tatsächlich besser und bewältigt die eine oder andere Stage ohne große Probleme. Nun kann man sich dem hoffentlich vollen Materialiensack widmen. Materialien lassen sich für verschiedene Dinge verwenden. Waffenmaterialien werden für das Freischalten neuer Waffenfähigkeiten benötigt. Diese sind permanent, müssen aber in den Abschnitten durch Seelenerinnerungen aktiviert werden, um diese nutzen zu können. Magische Materialien dienen zum Aufwerten der Charakterwerte und anderen permanenten Hilfestellungen, wie mehr Heiltränke oder weniger Schaden durch Fallen.

Seelenerinnerungen stellen das nächste wichtige Sammelgut dar. Hiermit lassen sich die Waffenfähigkeiten tatsächlich im Kampf einsetzen und auch das allgemeine Aufwerten der Waffe fällt unter deren Aufgabenbereich. Seelenerinnerungen erhält man auch durch das Zerlegen von Waffen und auch die Waffen, die man mühselig aufgewertet hat, erstatten die Kosten, falls man sich später dagegen entscheiden sollte. Seelenerinnerungen spielen nur in der aktiven Sitzung eine Rolle, denn der Tod oder das gewollte Zurückkehren an den Anfangsort sorgen dafür, dass alle Waffen und Erinnerungen zurückbleiben.

Die Qual der Wahl

Auch wenn viel in GetsuFumaDen: Undying Moon dem Zufall überlassen ist, hat man doch hier und da einen gewissen Spielraum, was die Verteilung verschiedener Upgrades betrifft. Neben den erwähnten Waffenfähigkeiten, die man je nach Gusto aktivieren kann, gibt es noch allgemeine Statusaufwerter. Hier kommen wieder Seelen zum Einsatz, aber nicht deren Erinnerung, sondern frische Seelen. Am unteren Rand befinden sich vier Symbole, die jeweils ein Upgrade darstellen. Sammelt man Seelen, so schreitet die Leiste immer eine Stelle weiter nach rechts, bis man sich dazu entscheidet, das jeweilige Upgrade zu aktivieren.

Die einzelnen Symbole stehen hier für die allgemeine Stärke der Hauptwaffe, Stärke der Zweitwaffe, Lebensenergie und als Letztes eine Auffrischung der Heiltränke. Die maximale Aufwertungsstufe ist zum Anfang des Spiels noch auf vier begrenzt und jede weitere Aktivierung wandelt Seelen in Erinnerungen um, die wiederum für erwähnte Zwecke genutzt werden können.

Das richtige Abwägen der Situation ist also unabdingbar, um möglichst weit in der Dämonenwelt voranzukommen. Immer mit der Angst im Kopf, alle Gegenstände wieder zu verlieren, entscheidet man sich einmal falsch.

Risiko und Belohnung

Effizientes Einteilen der Upgrades ist eine Sache, der eigentliche Kampf eine andere. In GetsuFumaDen: Undying Moon dreht sich alles um ein Risk-Reward-Modell. Die Kämpfe gegen die unterschiedlichen Gegnertypen sind schnell, knackig und verlangen ein gutes Auge. Eine schnelle Rolle im richtigen Moment oder der eine Schlag, der den Gegner ins Taumeln bringt, sind entscheidend. Hier kommen nun die durch die Übersetzung verwirrenden Statuswerte ins Spiel.

Anders als in Spielen, die mehr an ein Rollenspiel-System angepasst sind, beschränkt man sich hier mehr auf die Attacken selbst, beziehungsweise deren Resultat. Im Kampf werden die einzelnen Sonderkonditionen der Angriffe mit Kanji-Symbolen angezeigt. Da das aber für die westlichen Gemüter zu viel des Guten ist, hat man irgendwie versucht, diese zu erklären. Blickt man aber einmal durch, so kann man sich die Definitionen auch sparen.

Im Grunde gibt es keine unterschiedlichen Angriffe, es gibt lediglich bestimmte Wahrscheinlichkeiten, Angriffe zu kontern, die Abwehr zu durchbrechen oder einfach höheren Schaden anzurichten. Diese Prozentwerte lassen sich durch magische Materialien permanent verbessern und sorgen dafür, dass man dem nächsten Kampf vielleicht mutiger entgegentreten kann. Anzumerken wäre hier noch, dass man im späteren Verlauf des Spiels einen weiteren Charakter freischalten kann, der diese Werte nicht mit dem Hauptcharakter teilt und separat aufgestuft werden muss.

Die zweite Heldin, Getsu Renge, nimmt hier den obligatorischen weiblichen Part ein. Ist somit schwächer, aber dafür um einiges agiler als das männliche Pendant. Prinzipiell kann man Renge als weiteren Schwierigkeitsgrad ansehen, denn mit ihr gilt es noch einmal mehr, auf die Attacken der Gegner zu achten, um den richtigen Moment für den Angriff zu ergreifen. Beide lassen sich aber bis auf die manchmal hakeligen Doppelsprünge sehr gut und genau steuern.

Fernöstliche Atmosphäre en masse

Der erste Eindruck bildet sich meist über das Aussehen und auch bei GetsuFumaDen: Undying Moon hat man sich in dieser Sparte etwas Ausgefallenes einfallen lassen. Das ganze Spiel hält sich Design-technisch an den Stil japanischer Gemälde aus der Edo-Zeit. Besonders merkbar wird der Ukiyo-e-Stil in den detailreichen und kunstvollen Hintergründen. Auch die Gegner und Charaktere lehnen sich an diesen Stil gut an und schaffen somit ein rundes Bild und eine dichte Atmosphäre.

Was auf dem Fernseher noch makellos daherkommt, zeigt unterwegs ab und an seine pixelige Natur. Dennoch lässt sich das Spiel auch im Handheld-Modus von Nintendo Switch genießen und vor allem flüssig spielen. Bei manchem Bosskampf kann es aber auch zu kurzen Framerate-Einbrüchen kommen, was mir im angedockten Modus nicht aufgefallen ist. Dafür, dass wir es aber mit der Version 1.0 zu tun haben, ist für etwaige Patches sicherlich noch Luft nach oben da.

Wer mit dem Design noch nicht gänzlich in das alte Japan abtauchen konnte, der bekommt musikalisch noch den letzten Schliff in Sachen atmosphärischer Untermalung. Eine klassische japanische Instrumentenauswahl und die dazugehörigen Soundeffekte sollten den letzten Japano-Connaisseur abholen können.

Fans des Genres kommen auf ihre Kosten

Bildmaterial: GetsuFumaDen: Undying Moon, Konami, GuruGuru

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Titel	Maglam Lord
	18. März 2021
	D3 Publisher
	04. Februar 2022
	PQube Games
	04. Februar 2022
	PQube Games
System	PlayStation 4, Nintendo Switch
Getestet für	Nintendo Switch
Entwickler	Felistella
Genres	Action-RPG
Texte
Vertonung

Mit knapp einem Jahr Verspätung erscheint Maglam Lord nun auch im Rest der Welt. Für unsere Gefilde nahm sich PQube der Vermarktungsaufgabe an und beschert uns ebenso auch eine physische Limited Edition für PlayStation 4 und Nintendo Switch. Auch wenn Maglam Lord ziemlich schnell als Nischen-Titel identifizierbar ist, durfte man gespannt sein, ob sich nicht doch der ungeschliffene Diamant darin verbergen mag.

Die Charakterportraits sind ansprechend, Action-RPG-Gameplay, warum nicht? Also einfach einen Blick riskieren und auf ein unterhaltsames Erlebnis hoffen. Wären da nicht die dunklen Wolken am Himmel, die den Namen D3 Publisher ins Firmament zeichnen. D3 Publisher darf auf eine bewegte Historie an Trash-Spielen zurückblicken und womöglich sind die guten Leute auch noch stolz darauf.

Es bleibt also noch herauszufinden, ob der Entwickler Felistella einen ausreichenden Gegenpol dazu bilden kann oder wir uns doch auf ein waschechtes „Kusoge“ vorbereiten müssen. Geschmacksknospen betäuben, Zahnstocher zwischen die Lider und los geht’s!

Auf dem Index für bedrohte Tierarten

Der Dämonenlord Killizerk tyrannisiert die Menschheit. Helden, Götter und Monster streifen durch die Welt, doch als der Dämonenlord besiegt wird, soll sich dieser Zustand schlagartig ändern. Killizerk erwacht aus einem Schlaf und findet sich in einer friedlichen Welt wieder, keine Götter, keine Helden, das Fantasy-Leben hat ein Ende.

In dieser Welt steht der Lord auf der Liste der bedrohten Spezies und mit ihm auch jede andere Fantasy-Figur, die vor kurzem noch das alltägliche Leben darstellte. Während sich der Dämonenlord auf die neue Normalität einstellen muss, begegnet man auch schnell einigen Leidensgenossen.

Die Geschichte selbst wirkt zunächst nicht sonderlich aufregend und die Protagonisten nehmen die neuen Lebensumstände recht gelassen hin. Im Grunde bewegt sich die Handlung gänzlich um die einzelnen Charaktere, die man nach typischem JRPG-Erzählstil erst einmal kennenlernen muss. Erzählt wird das Ganze in einem gewohnt ungezwungenen, albernen Stil, der spielerisch mit einigen Antwortmöglichkeiten in die gewünschte Richtung gelenkt werden kann.

Neben der Hauptquests und den zahlreichen, meist inhaltslosen Nebenaufgaben bietet Maglam Lord auch noch einen überschaubaren Dating-Teil. Je nachdem wie oft man einen der Partner im Kampf benutzt, steigt die Zuneigung zu Killizerk. Mit genügend Herzen wird es dann Zeit für ein Rendezvous mit der auserwählten Person, denn das oberste Gebot einer bedrohten Spezies ist es, sich fortzupflanzen.

Hierbei macht der Dämonenlord auch keine Unterschiede zwischen den Geschlechtern, jeder kommt infrage, einen Dämonen-Nachfolger zu zeugen, um Killizerks Erbe anzutreten. Anders als vielleicht erwartet, sind die verschiedenen Dates eher weniger Fanservice und doch ab und an sogar ganz herzerweichend.

Dämonenlord als Teilzeitheld

Maglam Lord ist spielerisch recht simpel und übersichtlich aufgebaut. Man hat eine menübasierte Hub-Umgebung, bei der man alle wichtigen Einstellungen, Einkäufe und Missionen erledigen kann. Prinzipiell klickt man sich also von Mission zu Mission und erfüllt darauf verschiedene Aufgaben. Diese Quests finden dann in einer abgegrenzten 3D-Umgebung statt und erlauben es, die Spielfigur frei zu bewegen, um Gegenstände zu sammeln und Gegnerkontakte zu initiieren. Diese zwei Punkte decken hierbei schon nahezu den gesamten Inhalt einer typischen Mission in Maglam Lord ab.

Wichtiger Bestandteil des Spiels sind die sogenannten Maglams, welche einfach gesagt Waffen darstellen, die der jeweilige Mitstreiter dann gegen Monster einsetzt. Es gibt drei verschiedene Arten von Waffen. Schwerter, Speere und Äxte bilden das gesamte Repertoire, was sich alle Kämpfer teilen. Da der Dämonenlord viel seiner magischen Kraft verloren hat, dient dieser auch nicht als standardmäßige Spielfigur.

Vor einer jeden Mission muss man sich für einen Mitstreiter entscheiden, der dann die drei Waffen im Kampf einsetzen kann. Es gibt hier zwar eine Handvoll an Charaktere, allerdings spielen die sich leider alle bis auf ihre zwei Spezialattacken komplett gleich.

Bestreitet man nun genug Kämpfe, füllt sich die Dämonenleiste und man darf auch Killizerk für eine kurze Weile im Kampf einsetzen. Hierbei sollte man aber nicht zu viel erwarten, denn auch wenn man jetzt ein wenig stärker ist, so hat man auch hier nur die gleichen Angriffsmuster zur Verfügung. Das schlaucht zwar nach einer Zeit ziemlich gewaltig, aber zum Glück sind die meisten Kämpfe nur ein paar Sekunden lang. Das kann letztlich aber nicht darüber hinweghelfen, dass das Kampfsystem und somit so ziemlich ein Großteil des Gameplays schnell recht eintönig wird.

Des Sammlers Paradies

Eintöniges Kampfsystem und uninspirierte Fetchquests… Was könnte dem Spiel noch für den letzten Schliff fehlen? Ja, auch der Grind darf hier nicht fehlen. Man will ja schließlich die Spieler bei der Stange halten. Überraschenderweise gelingt das in Maglam Lord tatsächlich ganz gut, denn durch die schnelllebige Natur der Kämpfe und den simplen Aufbau der Abschnitte lässt sich beim Sammeln von Items schon eine gewisse Motivation aufbauen.

Materialien werden insbesondere für das Bauen von neuen Waffen benötigt. Und hier kommt nun auch der augenscheinliche Hauptteil des Spiels zum Tragen. Im Prinzip kommt nämlich bei den Maglams, den Waffen also, alles zusammen. Waffen gibt es in verschiedenen Qualitäten und jede verlangt hier natürlich nach einer ordentlichen Menge an Materialien. Ob es nun die Sammellust ist, die einen packt, oder einfach der Wunsch, stärkere Waffen zu besitzen, um die Kämpfe unter die Sekundenmarke zu drücken – die Waffenerstellung bildet so ziemlich die einzige Motivation im Spiel. Kein Wunder, dass man es im Spiel sogar als „therapeutisch“ beschreibt.

Hat man schließlich wieder eine neue Waffe erstellt, so kann man diese auch mit zahlreichen Accessoires ausstatten. Neben den obligatorischen Statuswert-erhöhenden Gegenständen gibt es hier auch ein paar kosmetische Gimmicks, bis hin zu lächerlichen Platzhaltern, die beim Zuschlagen zum Beispiel japanische Kanji wie „Fleisch“ im Kampf erscheinen lassen.

Die Grenzen der Absurdität liegen in weiter Ferne, wie es scheint. Da die Kämpfe aber meist sowieso nicht wirklich herausfordernd ausfallen, kann man sich durchaus auch den Spaß erlauben, den einzigen Slot der Waffe mit einem „Kot“-Kanji zu füllen.

Grafische Zeitreise mit Fahrstuhlmusik

Hier könnten ein paar Absätze zum interessanten Design oder einer aufregenden Musikuntermalung stehen, aber Maglam Lord wollte mir die Arbeit ersparen. Das Gute zu Beginn. Die Charakterportraits sind recht ansehnlich…

Alles andere wirkt leider wie eine Zeitreise in die PlayStation-2-Ära. Langweilige und detailarme Polygonhintergründe mit passenden Charaktermodellen treffen auf eine Handvoll Monsterdesigns, die sich nur durch Farbvariationen unterscheiden. Die Kampfanimationen beschränken sich auf kurze Artwork-Einblendungen gefolgt von ruckeligem Waffenfuchteln und überhaupt scheint das Spiel nicht sonderlich rund zu laufen. Schon recht verwunderlich, wenn man die einfache Darstellung in Betracht zieht. Grafisch kann Maglam Lord hier keinen Blumentopf gewinnen und selbst wenn man sich nicht allzu viel aus High-End-Grafik macht, ist das enttäuschenderweise echt zu wenig.

Musikalisch darf man auch nicht wirklich viel erwarten, allerdings spielt der Soundtrack hier mit seinen rund 18 Stücken noch in der unterirdischen 08/15-JRPG-Kategorie mit. Diese seichte Atmosphäre von Fahrstuhlmusik hat man schon in vielen anderen japanischen Budget-Produktionen gehört und auch hier erfüllt sie ihren Zweck. Sie ist einfach nur da. Die Darbietung der japanischen Sprecher ist allerdings, wie gewohnt, auf hohem Niveau. Vielleicht wollte man die Leistung auch nicht durch möglicherweise zu aufregende Musik schmälern.

Maglam Lord eine bedrohte Spezies?

Bildmaterial: Maglam Lord, D3 Publisher, PQube Games, Felistella

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Titel	Project Zero: Priesterin des schwarzen Wassers
	28. Oktober 2021
	Koei Tecmo
	28. Oktober 2021
	Koei Tecmo
	28. Oktober 2021
	Koei Tecmo Europe
System	PlayStation 4, PlayStation 5, Nintendo Switch, Xbox One, Xbox Series X/S, PCs
Getestet für	PlayStation 4
Entwickler	Koei Tecmo
Genres	Survival Horror, Photography
Texte
Vertonung

Lange Zeit schien Project Zero: Priesterin des schwarzen Wassers zusammen mit Wii U in die ewigen Jagdgründe eingegangen zu sein. Auch um die Serie selbst, die mit diesem Titel fünf Hauptspiele zählt, ist es über die Jahre recht ruhig geworden. Nun lockt man mit einem Re-Release, was Serienfans mit süßen Hoffnungen und Erwartungen erfüllt.

Project Zero, Fatal Frame oder einfach nur Zero, drei verschiedene Namen trägt die Serie über den Globus verteilt. Jedoch weiß man stets, wo man dran ist, wenn es darum geht, mit einer Kamera Geistern den Garaus zu machen. Damit die Serie nicht weiterhin ein nischiges Dasein pflegt, erscheint Project Zero: Priesterin des schwarzen Wassers nun auch auf weiteren Plattformen.

Ob ein alter Wii-U-Schinken heute noch überzeugen kann und vor allem, ob man es hier mit einem überzeugenden Vertreter des Horror-Genres zu tun hat, schauen wir uns einmal etwas genauer an. Es gibt wohl keinen besseren Zeitpunkt des Jahres für dieses Remaster.

Anspannung garantiert

Der Geruch von modrigem Holz liegt in der Luft, die Böden von Quellwasser überzogen. Ein junges Mädchen ganz allein, suchend, das Wasser bedeckt ihre Schenkel bis zum auffallend kurzen Rock. Anspannung füllt den Raum, alles ist feucht, plötzlich greifen unzählige Hände nach ihrem Körper. So führt Project Zero: Priesterin des schwarzen Wassers in die Geschichte ein und setzt somit schon klar die Atmosphäre für das ganze Spiel.

Horror ist nicht immer einfach in Medien umsetzbar, vor allem in Videospielen. Meist versteift man sich auf einfache Stereotypen und wirft den ein oder anderen Jumpscare hinein, um es hinter sich zu bringen. Project Zero fängt hingegen gerade die Art des japanischen Horrors recht gut ein. Auf einfache Schockmomente wird verzichtet und man setzt komplett auf eine bedrückende, angespannte Atmosphäre. Der Hikami-Berg dient hier als interessanter, menschenleerer und mit Mysterien gefüllter Schauplatz, der exzellent zur Spannung beiträgt.

An den drei Protagonisten liegt es nun, die Geheimnisse um den Berg und die unerklärlich verschollenen Personen zu lüften. Hierbei tragen auch die Hauptcharaktere ihre verschiedenen Bürden mit sich, die sich nach und nach offenlegen. Die Erzählstruktur ist nicht wirklich geradlinig und weiß aufgebaute Spannung auch schnell wieder in eine andere Richtung zu lenken, was manche SpielerInnen durchaus aus der Immersion reißen kann. Dem Horror- oder mehr Anspannungsaspekt wird man jedoch durchweg gerecht.

Geister sind nicht fotogen

Auch wenn man storytechnisch eher mit der Unsicherheit spielt und Bedrohungen mehr andeutet, als wirklich umzusetzen, so kommt es in Project Zero dennoch natürlich auch zu gefährlichen Geisterbegegnungen. Hier kommt die sogenannte Camera Obscura ins Spiel, die mit gezielten Fotografien Geistern Schaden zufügen kann. Verschiedene Filmrollen oder Objektive verstärken entweder den Schaden oder haben andere Fähigkeiten, die unseren Hobbyfotografen im Kampf gegen böse Mächte zur Seite stehen.

Wichtig in diesem Zusammenhang ist nicht nur möglichst viel des Geistes aufs Foto zu bekommen, sondern auch der richtige Moment. Je nach Art der Erscheinung wird bei bestimmten Bewegungen ein „tödliches Foto“ ausgelöst, welches es ermöglicht, in einem kurzen Zeitfenster mehrere Bilder hintereinander zu schießen und den Schaden so zu multiplizieren. Timing ist für effektive Kämpfe wichtig, aber auch überhaupt sollte man eher Abstand von einer Paparazzi-Attitüde nehmen, denn die Filme brauchen immer eine Weile, bis sie wieder einsatzbereit sind.

Die Camera Obscura wird in Project Zero: Priesterin des schwarzen Wassers auch für manche Rätsel eingesetzt. Hier gilt es zum Beispiel, Orte oder Personen aus Visionen zu finden und ein gezieltes Foto zu schießen, um Türen zu öffnen oder wichtige Notizen freizuschalten. Passive Erscheinungen und Geister findet man auch zuhauf. Ein Foto von diesen bringt wichtige Punkte, um die Kamera weiter zu verbessern, um gegen nicht wohlgesonnene Seelen gewappnet zu sein.

Ich bin ganz feucht

Die Eingangsszene zeigt es schon ganz gut. Das allumfassende Thema ist Wasser und ohne viel über die Geschichte zu erzählen, spielt auch dieses Thema eine große Rolle im Gameplay. So gibt es eine sogenannte Feuchtigkeitsleiste, die sich durch noch recht logische Umstände wie Regen oder Spritzwasser auffüllt, allerdings setzt es der Leiste auch zu, wenn man durch Geister Schaden nimmt oder man gewisse Visionen triggert. Angstschweiß nehmen wir mal einfach an…

Visuell wird die Feuchtigkeitsleiste zum einen durch eine dynamisch blühende Knospe dargestellt, zum anderen sind die Spielfiguren auch sichtlich durchnässt, was besonders die kleinen Ferkel unter den SpielerInnen freuen dürfte, denn bei solchen Wetterumständen ist weiße Kleidung immer stets die beste Wahl. Dementsprechend wurde natürlich auch an verschiedene Kostüme gedacht, die dem Wet-Look ein wenig Abwechslung spendieren.

Spielerisch sorgt eine volle Feuchtigkeitsleiste für eine stärkere Wahrnehmung des Übersinnlichen. Es tauchen also mehr Geister auf und die Angriffsstärke der Camera Obscura wird erhöht. Die Feinde sind dafür aber auch aggressiver und teilen mehr aus. Es liegt also an einem selbst, ob man die Gefahr eingeht und mehr Punkte sammeln möchte oder lieber erst einmal eine Pause zum Trocknen einlegt.

Technik, die nicht begeistert

Auch wenn Project Zero: Priesterin des schwarzen Wassers auf der ein oder anderen Plattform eine höhere Auflösung als das Original auf Wii U haben wird, so würde ich persönlich hier eher von einem Re-Release oder Port sprechen wollen. Für ein Remaster fehlt es nämlich an vielen Stellen am Feinschliff. Teilweise pixelige Texturen, furchtbare Lippenasynchronität und langsame Bewegungsabläufe zeigen die noch bestehenden Altersfalten auf.

Schon auf Wii U legte man den Fokus mehr auf die Heldinnen und deren mit Tropfen oder Schmutz benetzten Körper, sowie deren äußerst schnell durchnässten und somit durchsichtigen Kleider. Technisch ist das tatsächlich gut umgesetzt, allerdings hat man andere Stellen dafür etwas schleifen lassen. Auch bei dieser Neuveröffentlichung ist also in der Hinsicht noch Luft nach oben.

Die wohl gewollte Langsamkeit des allgemeinen Gameplays wurde wahrscheinlich aus atmosphärischen Gründen gewählt, erweist sich aber als extrem unkomfortabel in manchen hektischen Situationen, die schon beim Kampf gegen zwei Gegner auftreten können. Sei es die nicht wirklich responsive Steuerung oder das unmotivierte Wegrennen der Spielfiguren. So etwas zieht einen letztlich wirklich aus einer spannenden Atmosphäre rein in zornigen Frust.

Atmosphäre mit Horror-Ästhetik

Das Gameplay mag einen zwar manchmal aus dem Konzept reißen, jedoch hat man als Basis designtechnisch eine wirklich dichte Atmosphäre geschaffen. Der gruselige Berg mit seinen verwinkelten Wäldchen und verlassenen Häusern, Tempeln oder Friedhöfen ist definitiv eine äußerst gute Umgebungswahl und wirkte stets ungewöhnlich bedrohlich auf mich.

Auch wenn die Darstellungen und Kamerawinkel oft eher einem männlichen Blick schmeicheln, so kann die leicht erotisierte Horror-Ästhetik durchaus zu einem zusätzlich bedrückenden Gefühl führen und erfüllt somit voll und ganz seinen Zweck. Eine recht gute Darbietung des klassischen japanischen Horror-Genres, welche man schwer in Worte fassen kann und eher erlebt werden will.

Musikalisch schlägt man ganz klar in dieselbe Kerbe. Weniger ist hier mehr, so verzichtet man fast gänzlich auf eine musikalische Untermalung und lässt die Geräuschkulisse für sich sprechen. Auch das gelingt meiner Ansicht nach sehr gut und verlangt keinerlei Verbesserungen. Die Synchro, auch wenn recht akzeptabel, verliert leider etwas an Durchschlagskraft, wenn man die nicht vorhandene Lippensynchronität in Betracht zieht.

Nie war fotografieren gruseliger

Bildmaterial: Project Zero: Priesterin des schwarzen Wassers, Koei Tecmo, Nintendo

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Titel	Actraiser Renaissance
	23. September 2021
	Square Enix
	23. September 2021
	Square Enix
	23. September
	Square Enix
System	PlayStation 4, Nintendo Switch, Android, iOS, PCs (Steam)
Getestet für	Nintendo Switch
Entwickler	Square Enix
Genres	Action Jump ’n’ Run, Aufbausimulation, Tower Defense
Texte
Vertonung	–

Die Ankündigung zu „Actraiser Renaissance“ bei der letzten Nintendo Direct ließ sicherlich einige alteingesessene SpielerInnen aufhorchen. Nicht das Spiel an sich sorgte dabei für Aufregung, sondern vielmehr das ursprüngliche Entwicklerstudio hinter diesem. Quintet, so der Name, sorgte in den 90ern für eine Handvoll interessanter Titel, die heute noch einigen in Erinnerung geblieben sind.

Actraiser war damals das Debüt für Quintet, welches damals noch unter dem eigenständigen Publisher Enix entwickelte. Die bekanntesten Spiele, die darauf folgten, waren Soul Blazer, Illusion of Time und nicht zu vergessen Terranigma. Quintet selbst löste sich wohl klammheimlich nach der Zusammenführung von Square Soft und Enix auf, hinterließ allerdings nichtsdestotrotz ein beachtliches Erbe.

Auch wenn nur die wenigsten etwas mit Actraiser anfangen können, so hat das Remake einen äußerst großen symbolischen Wert, der zwangsläufig Erwartungen schürt. Wie das Remake „Actraiser Renaissance“ letztlich abschneidet und was wir in Zukunft erwarten dürfen, schauen wir uns in den folgenden Zeilen einmal genauer an.

Gott macht sein Comeback

Die Geschichte von Actraiser ist schnell erklärt. Ein mächtiger Dämon kehrt zurück, um die Welt zu erobern und nun liegt es an Gott selbst, diesem endgültig den Garaus zu machen. Unterstützung findet er in einem treuen Engel und natürlich seinen Gläubigen. Diese müssen sich allerdings erst einmal wieder auf der Erde verbreiten, um Gott die nötige Kraft zu verleihen.

Damals war das auch schon alles. Im Remake bemüht man sich aber, die Geschichte noch ein wenig mehr auszubauen. Jedes Gebiet etabliert einen NPC, der in irgendeiner Weise bekehrt werden muss und sich schlussendlich dann, Spoiler, als legendärer Held entpuppt.

So packt man zwar um einiges mehr an „Handlung“ ins Spiel, diese überzeugt letztendlich mit blassen Dialogen und gekünstelten Konflikten aber nur mäßig. Mehr Zeit geht aber definitiv ins Land, denn „Actraiser Renaissance“ ist von knapp zwei Stunden auf gut 15 Stunden Spielzeit aufgebläht worden.

Nach Abschluss der bekannten Geschichte wartet zudem noch Extrainhalt auf Gottes treue Schäfchen. Mit der ungewöhnlichen Kombination aus Action-Plattform und Aufbausimulation war Actraiser damals schon mehr als Experiment zu sehen. Heute legt man überall noch eine Schippe drauf. Ambitioniert? Sicher! Tiefgründig? Eher weniger.

Seid fruchtbar und mehret euch

Wie man auf die Idee kommt, in apokalyptischen Zeiten Städte aufzubauen und Menschen zum Vermehren ermutigen zu wollen, ist mir schleierhaft, aber wie sagt man doch gleich: „Gottes Wege sind unergründlich.“ Das ist auch in Actraiser die Prämisse. Keine Fragen stellen und Städte bis zum maximalen Entwicklungsstand heranzüchten. Das Werkzeug für diese Vorhaben ist ein Engelchen, das den Menschen im Auftrag Gottes den Weg leitet.

Die Aufbausimulation ist recht simpel. Als Engel gibt man den Weg vor und die Menschen erledigen automatisch den Rest. Natur im Weg wird durch göttliche Fähigkeiten wie Blitze, Sonnenstrahlen und Erdbeben beseitigt. Um das Ganze etwas peppiger zu gestalten, ist die Karte mit Monsterhöhlen gespickt. Die hier austretenden Monster zerstören Häuser, Felder oder dezimieren die Bevölkerung. Mithilfe von Pfeil und Bogen lassen sich diese Gefahren aber leicht durch den Engel beseitigen.

Neu in Renaissance sind gelegentliche Überfälle durch Monster im Stil eines Tower-Defense-Spiels. Ab und an bekommt man die Meldung, dass ein Monsterangriff bevorsteht. Abhalten kann man diese Angriffswellen durch bestimmte Türme und Absperrungen, die man strategisch auf der Karte verteilen muss.

Aktiv in den Kämpfen wird man durch die designierten Helden, die sich immer für die Sicherheit der Menschen verantwortlich fühlen. Auch hier wählt man wieder den Weg, das Gameplay und die Spielzeit zu strecken und auszubauen. Und auch hier bleibt die Umsetzung eher unbeeindruckend und halbgar.

Gott muss Überstunden schieben

Neben der simplen Aufbausimulation besteht Actraiser auch aus einem Part Action-Plattformer. Bevor der Acker bestellt werden und die Bevölkerung wachsen kann, muss Gott hinabsteigen und die Drecksarbeit erledigen. So durchstreift man jeweils vor und zum Abschluss der Aufbausimulation actionorientierte Plattform-Passagen. Springen, schlagen und der ein oder andere Zauber decken das gesamte Repertoire ab und zum Schluss wartet dann der obligatorische Boss-Gegner.

Das Remake macht hier einen recht guten Job, die alten Gebiete originalgetreu umzusetzen und auch die bekannten Bosse kommen mit ähnlichen Angriffsmustern zurück. „Actraiser Renaissance“ hilft neuen SpielerInnen mit Sammel-Items, die jeweils für den Abschnitt Angriffsstärke steigern und sogar einen weiteren Versuch bescheren. Dies führt dazu, dass der Action-Part gleichzeitig an Biss verliert, aber auch neue SpielerInnen anlocken könnte.

Weiter muss man nun die angesprochenen Monsterhöhlen mit ein wenig mehr Nachdruck versiegeln. Damals schafften es die Bewohner noch aus eigener Kraft, die Monster zurückzuschlagen. Im Remake bleibt das letzte Wort bei Gott selbst. Für SpielerInnen heißt das ein weiterer actionbasierter Einsatz, diesmal allerdings nur aus einem Raum bestehend. Gefüllt mit Monstern und einem generischen, Blob-artigen Abschlussgegner ist dieses Unterfangen auch eher wieder der Kategorie Inhaltsstreckung zuzuordnen. Diese Kämpfe hätte man sich wirklich auch sparen können.

Gottes Abbild nicht ganz zeitgemäß

Story ausgebaut, Gameplay erweitert, was fehlt noch für ein Remake eines 30 Jahre alten Titels? Das grafische Update. „Actraiser Renaissance“ bietet auch das. Allerdings augenscheinlich mit 20 Jahre Verzögerung. Grafisch ist das Remake nämlich eher auf dem Niveau eines Ende-90er-PlayStation-Titels. Die Animationen im Action-Abschnitt wirken sehr altbacken, Hintergründe und Atmosphäre detailarm.

Der Sim-Part des Spiels hingegen wirkt teilweise wie ein anderes Spiel. Zwar hat man es hier auch nicht wirklich mit einer zeitgemäßen grafischen Darstellung zu tun, allerdings sind die Landschaften hübscher und mit mehr Details versehen. Die NPCs sind jedoch Anime-Einheitsbrei und bis auf die legendären Helden einfach ein generischer Mann und eine Frau. Diese tragen jeweils passende Kleidung für jede Region, das war es aber dann auch schon im Großen und Ganzen. Grafisch reiht man sich zwischen 08/15 und uninspiriert ein, allerdings erkennt man noch recht gut den Originalzustand des Spiels.

Musikalisch hatte Actraiser schon damals einen recht wuchtigen Soundtrack zu bieten. Der Original-Komponist Yuzo Koshiro wurde für das Remake reaktiviert und spendierte sogar einige neue Stücke, die laut seiner Aussage zuerst mit den ursprünglichen Mitteln komponiert wurden und erst später in die arrangierte Fassung gebracht wurden. Auch wenn es sich bei dem Soundtrack um Oldschool-Videospielmusik handelt, so kann die Musik auch heute noch die richtige Atmosphäre vermitteln. Die arrangierte Trackliste fällt nicht weit vom Stamm und steht je nach Gusto zur Wahl bereit.

Remake als Experiment?

Bildmaterial: Actraiser Renaissance, Square Enix

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Titel	Tales of Arise
	10. September 2021
	Bandai Namco
	10. September 2021
	Bandai Namco
	10. September 2021
	Bandai Namco
System	PlayStation 4, PlayStation 5, Xbox One, Xbox Series X/S, PC
Getestet für	PlayStation 4
Entwickler	Bandai Namco
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Letztes Jahr feierte die Tales-of-Reihe ihr 25. Jubiläum und anlässlich dazu gab es in den sozialen Netzwerken eine Anzahl an Kurzvideos zu bisher erschienenen Titeln, angefangen bei Tales of Phantasia. Producer Yusuke Tomizawa deutete nicht nur an, dass Remaster der älteren Spiele möglich sein könnten, sondern versprach einen Wendepunkt der Serie. Nachdem die Vorgänger der letzten Jahre die Fangemeinde spalteten und die Erwartungen sanken, soll nun mit Tales of Arise alles besser gemacht werden.

Das Aufgebot an Werbekampagnen, Events und einer spielbaren Demo haben auf jeden Fall für reges Interesse gesorgt und die vorfreudigen Kommentare unter den Social-Media-Posts überwiegen die skeptischen. Zuletzt brachte Tales of Berseria im Jahre 2017 frischen Wind mit sich, konnte aber einige der Kinderkrankheiten der Reihe nicht vollends abschütteln. In unserer Preview zeichnete sich schon ab, dass Tales of Arise eben diese Problemstellen in Angriff nimmt. Die Erwartungen sind jedenfalls hoch, daher haben wir für euch getestet, ob Tales of Arise den angekündigten Wendepunkt einläutet!

Zwei Welten mit ungleicher Kraft

Vor 300 Jahren stiegen die Renäer von ihrem Heimatplaneten Rena hinab auf den Zwillingsplaneten Dahna, um die dort ansässigen Menschen zu versklaven. Dank der fortschrittlichen Technologie der Renäer und ihrer künstlich erschaffenen Monster, „Zeugel“ genannt, hatten die Dahnäer keine Chance. Dahna wurde daraufhin in fünf Reiche aufgeteilt, die jeweils einem Lord unterstellt wurden. Die Lords nutzen die versklavten Dahnäer, um in einem Wettbewerb der Krone Astralenergie anzusammeln. Denn der Lord mit der größten Macht steigt zum Herrscher über ganz Rena und dessen bewohnter Satellitenbasis Lenegis auf.

Trotz der aussichtslosen Lage haben eine handvoll Dahnäer ihren Funken nicht verloren und begehren gegen die Ungerechtigkeit auf. Einer dieser Dahnäer ist der Sklave Alphen, der unter Gedächtnisverlust und einem fehlenden Schmerzempfinden leidet. Durch eine schicksalhafte Begegnung mit der Renäerin Shionne entkommt er aus seinem Arbeitslager und verbündet sich kurzerhand mit ihr. Denn auch wenn ihre Völker verfeindet sind, treibt die beiden doch ein gemeinsamer Wunsch an: Sie wollen die Lords stürzen!

Während Alphens Ziel die Befreiung seiner Heimat ist, interessiert sich Shionne vor allem für die Meisterkerne, die sich im Besitz der Lords befinden. Sie enthalten die gesammelte Astralenergie und verkörpern jeweils eines der fünf Elemente Dahnas – Feuer, Licht, Erde, Wind und Wasser. Das ungleiche Paar trifft unterwegs Rinwell, Law, Kisara und Dohalim, die alle ihre eigenen Beweggründe haben, aber für dasselbe Ziel kämpfen.

Voll und ganz Tales

Ich habe jedes Teammitglied sofort ins Herz geschlossen. Alle haben ihre ganz individuelle Persönlichkeit und eine traumatische Vergangenheit, die sie überwinden müssen. Das Schöne ist, dass die Helden nicht perfekt sind und sich selbst auch niemals als solche bezeichnen würden. Dadurch fühlen sie sich direkt viel menschlicher an. Jedoch muss ich auch anmerken, dass sich der ein oder andere klischeehafte Wesenszug wiederfindet, vor allem in Law und Kisara.

Die Geschichte spart auch nicht mit altbekannten Themen. Aus dem langsamen Einstieg in die Handlung entwickelt sich ein schnell ansteigender Spannungsbogen voller Action und Entdeckungen, die immer mehr Fragen aufwerfen. Nach einem Aha-Moment erfolgt sofort das nächste metaphorische Fragezeichen und gespannt decke ich das wahre Ausmaß der Geschichte Stück für Stück auf.

Neben den Hauptsequenzen in Ingame-Grafik und wundervoll gezeichneten Animationen von Ufotable gibt es wieder zahlreiche Plaudereien. In diesen kurzen Gesprächen zwischen den Charakteren erfahre ich nicht nur mehr über die Welt von Tales of Arise, sondern erhalte auch nützliche Hinweise zu anstehenden Bosskämpfen. Die Plaudereien sind zum ersten Mal nicht gezeichnet, sondern verwenden die 3D-Modelle der Charaktere. Optisch erinnert die Aufmachung an einen animierten Comic.

Es finden sich auch Plaudereien über das Alltagsleben der Truppe darunter, die einen tieferen Einblick in ihre Persönlichkeiten und Vergangenheit ermöglichen. Die typischen Querelen und schnulzigen Momente dürfen da natürlich auch nicht fehlen. Was normalerweise eher Augenrollen bei mir auslösen würde, brachte mich bei Tales of Arise jedoch zum Schmunzeln. Ich habe Alphen und Co. jeden schnulzigen Moment und jeden Lacher von Herzen gegönnt, denn die Truppe ist von Anfang bis Ende absolut harmonisch und sympathisch. Hier und da hätte ich mir ein paar düstere Momente gewünscht, da zum Wohle der Alterseinstufung dann doch einige Szenen stark abgeschwächt wurden.

Ein zweischneidiges Schwert

Der Fokus von Tales of Arise liegt definitiv auf der Geschichte und den Charakteren, aber auch die Kämpfe kommen nicht zu kurz. Gerade zu Anfang konzentriert sich das Geschehen voll und ganz auf Alphen und das Flammenschwert, welches er dank Shionnes Feuer-Meisterkern verwenden kann. Er ist der Einzige, der die mächtige Waffe führen kann, da es starke Verbrennungen beim Nutzer auslöst. Dieser Haken spiegelt sich auch im Kampfgeschehen wider, mit jeder Nutzung verliert Alphen einen Teil seiner Kraftpunkte. So wird gleich zu Beginn des Spiels eine interessante Mechanik eingeführt, die Vorteile im Kampf bringt, aber bei einer Fehlkalkulation meinerseits auch die Kampfsituation um einiges schwieriger macht.

Vom Flammenschwert abgesehen kann Alphen mit einem Arsenal an Artes aufwarten, die ich mit Standardangriffen zu Kombos verketten kann, um den Gegnern stark zuzusetzen. Artes kosten wie in den Vorgängern keine Mana mehr, sondern verbrauchen Punkte auf der Aktionsleiste eines Charakters. Durch bestimmte Aktionen oder Warten füllen sich diese langsam wieder auf. Heilungs-Artes verbrauchen zusätzlich Heilungspunkte, sodass nicht unendlich Heilung im Kampf zur Verfügung steht. Die Zahl der Heilungspunkte lässt sich im Verlauf des Spiels zwar erhöhen, da die Gegner jedoch zunehmend stärker werden, leert sich das Repertoire entsprechend schnell. Unabhängig davon können aber nach wie vor normale Heilitems verwendet werden.

Jedes Teammitglied verfügt über eine eigene Boost-Anzeige, die strategische Vorteile im Kampf bietet. So bringt unter anderem Alphens „Flammende Schneide“ viele Gegner kurz ins Taumeln und verursacht kurzzeitigen Flächenschaden, Shionne setzt fliegenden Gegnern zu und Law durchbricht die Verteidigung gepanzerter Feinde. Der richtige Einsatz zur richtigen Zeit kann maßgeblich die Schwierigkeit eines Kampfes beeinflussen. Ich habe dadurch sehr viel Freude an den Kämpfen und gehe so gut wie keiner Konfrontation aus dem Weg, da durch die zahlreichen Möglichkeiten, einen Kampf zu gestalten, nie Langeweile aufkommt.

Animationsfeuerwerk

Eine besondere Motivation sind die mächtigen Boost-Schläge, die ausgelöst werden können, wenn die Abwehr eines Gegners komplett durchbrochen wird. Drücke ich rechtzeitig einen Boost-Angriff, vereinen zwei der Protagonisten ihre Kampfkraft zu einer riesigen Attacke, die massiven Schaden austeilt. Immer wieder fiebere ich diesem Moment entgegen, da die Animationen einfach so grandios gut sind, dass ich mich nicht daran sattsehen kann. Ein Fokus auf Ausweich- und Kontermechaniken rundet das Kampfsystem schließlich ab, wodurch sich ein schnelles und sehr spaßiges Spielerlebnis ergibt.

Neben Alphen lassen sich auch die anderen Gefährten steuern und jeder verfügt über einen ganz eigenen Spielstil. Wem die Rolle des Schwertkämpfers also zu langweilig ist, kann unbesorgt auf ein anderes Teammitglied wechseln und trotzdem noch voll im Geschehen stehen. Die Charaktere fühlen sich gut ausbalanciert an. Ich hatte mit jedem gleichermaßen Spaß, auch wenn die Stile von Alphen, Law und Dohalim mir am meisten zusagen. Wie in jedem Tales of üblich, eignet sich jeder Charakter im Laufe des Spiels Titel an, die diesmal wesentlich größere Auswirkungen auf die Entwicklung haben.

Jeder Titel schaltet nämlich auf einer Fähigkeiten-Matrix neue passive Fähigkeiten und Artes frei, die durch Fähigkeitenpunkte gekauft werden können. Diese erhält man durch Kämpfe und Nebenquests. Jeder Titel besteht aus fünf solcher Erweiterungen plus einem weiteren Bonus, wenn alle Erweiterungen eines Titels aktiviert wurden. Da einige Fähigkeiten sehr teuer sind, will die Wahl wohl überlegt sein. Dadurch ergibt sich auch ein ganz individuelles Spielerlebnis.

Malerische Landschaften

Das schnelle Gameplay in den Kämpfen spiegelt sich in der Oberwelt wider. Nach jedem Kampf geht die Reise zügig weiter, die Kampfergebnisse und Belohnungen werden als kleine Überblendung am linken und unteren Rand kurz eingeblendet, während ich mich schon wieder frei bewegen kann. Ab und zu gibt es noch den ein oder anderen Kommentar zur erbrachten Leistung von den Charakteren, die teilweise sehr erheiternd sind, sich aber auf Dauer dann doch zu häufig wiederholen.

Ein großer Pluspunkt ist die Möglichkeit, jederzeit und überall im Spiel zu speichern. Vorbei sind die Zeiten nach der verzweifelten Speicherpunktsuche, weil die Realität ruft. Man kann zwar manuell speichern, aber Tales of Arise hat auch eine Autospeicherfunktion, die häufig im Hintergrund mitläuft, sodass kein wichtiger Fortschritt verloren geht.

Tatsächlich ist das Spiel sehr gut darin, das Abenteuer so bequem wie möglich zu gestalten. Dank zahlreicher Schnellreisepunkte komme ich überall in Sekundenschnelle hin. Wortwörtlich, denn die Ladezeiten sind so gut wie gar nicht vorhanden. Teilweise habe ich mich sogar geärgert, dass ich die im Ladebildschirm angezeigten Infos nicht zu Ende lesen konnte, so schnell war ich schon wieder im Spielgeschehen.

Trotz optimierter Performance merke ich aber doch an einigen Stellen, dass meine PlayStation 4 an ihre Grenzen stößt. Objekte und Texturen innerhalb der Spielwelt laden zu langsam nach, wodurch deutlich sichtbar hier und da mal ein Baum oder Grasbüschel im Sichtfeld aufploppt. Den Großteil des Spiels habe ich auch mit Kopfhörern gespielt, weil die Lüftung der Konsole neue Höhen erreichte, die ich selbst bei Monster Hunter: World und Final Fantasy VII Remake in der Form noch nicht hatte.

Optisch hat Tales of Arise definitiv einige Schippen zum Vorgänger draufgelegt. Die obligatorische Ödnis, Eiswüste und die zahlreichen Wälder haben noch nie so schön ausgesehen. Der Detailreichtum und die imposanten Hintergründe laden zum Verweilen ein. Neben den hochauflösenden Texturen sorgt auch der neue „atmosphärische“ Grafik-Shader für schöne Licht- und Schattenverhältnisse sowie einen Tag-Nacht-Wechsel. Das Ganze rundet schließlich eine Aquarell-Optik ab, die Teil des Shaders ist.

In manchen Sequenzen konnte ich tatsächlich nicht auf den ersten Blick erkennen, ob es sich um eine Animation handelte oder um Ingame-Grafik. An ein paar Stellen meinte es der Shader dann allerdings zu gut, dann strahlten Kleidungsstücke unnatürlich stark oder die Felswände sahen sehr nass aus, selbst in eigentlich trockenen Gebieten.

Petri heil

Die einzelnen Gebiete in Tales of Arise sind gut überschaubar und kommen komplett ohne Rätsel aus. Darüber dürften sich die meisten wahrscheinlich freuen, da außer bei Schieberätseln in der Tales-of-Reihe nie wirklich Köpfchen gefragt war. Das beschleunigt den Spielfluss zusätzlich, sodass ich mich ganz aufs Erkunden der malerischen Landschaften konzentrieren kann. Die zahlreichen verstreuten Ressourcen lassen sich schön im Vorbeigehen einsammeln und später zu neuer Ausrüstung oder temporär stärkenden Gerichten verarbeiten.

Trotzdem komme ich nicht umhin festzustellen, dass die Bewegungsfreiheit in der ersten Spielhälfte stark eingeschränkt ist. Jedes Gebiet grenzt an zwei bis drei weitere Gebiete an, die selten frei zugänglich sind. Erst wenn es durch die Hauptstory relevant wird, lassen sie sich betreten. Das kann ich allerdings verschmerzen, da die Charaktere in der Hauptstory nie lange an einem Ort verweilen und die Entdeckerreise so gut wie nie zum Stillstand kommt. Es sei denn natürlich, man gibt sich Kisaras Leidenschaft hin: Angeln!

Ab dem Zeitpunkt, an dem die Truppe komplett ist, schaltet sich der Zugang zum Angelminispiel frei. Zu diesem Zeitpunkt bin ich schon an einigen schönen Angelstellen vorbeigekommen, die auch brav alle auf der Karte verzeichnet sind. Das Angeln in Tales of Arise erinnert mich ein wenig an das Angeln in Final Fantasy XV, nur dass es wesentlich weniger Warten erfordert. Jeder Fisch hat eine Lockmethode, die aus einer Kombination aus Tasten besteht, die netterweise sogar im Angelmenü einsehbar ist. Mit dem richtigen Köder ist es noch einfacher, den gewünschten Fisch an die Angel zu bekommen.

Sobald eine der schwimmenden Mahlzeiten am Haken hängt, beginnt eine Reihe von Quicktime-Events, bei der die richtige Taste die Ausdauer des Fisches reduziert. Fällt die Leiste auf null, ist der Leckerbissen gesichert. Jede Fischart hat eine Seltenheitsstufe und variierende Größen, für besonders dicke Brummer gibt es sogar ein kleines Krönchen. Zusätzlich wird jeder Fund im Angelnotizbuch notiert. Einige der Fische können tatsächlich zum Kochen verwendet werden, die meisten lassen sich hingegen gegen gutes Gald verkaufen. Das Angeln ist also nicht nur ein kurzweiliger Zeitvertreib, sondern hilft auch dabei, die Kasse immer voll zu halten.

Ein Hootle kommt selten allein

Plötzlich lässt mich ein Geräusch aufhorchen. Ein „Huu-huu“ lockt mich in einen abgelegenen Winkel der Karte und offenbart eine dahnäische Eule. Die gefiederten Freunde von Maskottchen Hootle sind überall in der Welt verstreut und verschenken für ihre Entdeckung diverse Accessoires, die im Outfit-Menü angelegt werden können. Von Brillen, Hörnern und Wolfsohren ist bis zu Flügelchen und Hasenpuscheln alles dabei. Begleitet man die Eulen in den Eulenwald, verschenkt der König der Eulen auch abhängig der Anzahl gefundener Freunde komplette Outfits, die das Aussehen der Charaktere verändern.

Sonderlich viele sind es zwar nicht und auch optisch ändern sie meist nicht viel außer der Farbe, aber es ist definitiv eine willkommene Belohnung. Die besonders ausgefallenen Kostüme musste sich Bandai Namco ja schließlich für die kostenpflichtigen DLCs aufheben. Eine tolle Ergänzung ist, dass sich bis zu fünf Outfit-Sets pro Charakter speichern lassen. Einmal gefundene Waffen stehen bei den Outfits auch als Waffenskin zur Verfügung, einzig die Rüstungen haben keinen visuellen Effekt.

Der Ton macht die Musik

Tales of Arise ist eine lebendige, bunte Welt voller Atmosphäre, deren Optik durch die Musik harmonisch ergänzt wird. Komponist Motoi Sakuraba hat erneut ein wunderschönes Arsenal an Klängen aufgestellt, das mich komplett in die Welt eintauchen lässt. Großartige Orchesterstücke mit Chören wechseln sich mit flinken Geigenklängen ab. Elektrische Gitarren und Keyboards verleihen dem Ganzen eine moderne Note.

Vor allem die Kampfmusik ist mal wieder absolut mitreißend und heizt die Stimmung immer wieder aufs Neue an. Doch so großartig die Musik auch ist, es bleibt leider nur wenig davon im Ohr hängen. Die Stücke haben nur wenige markante Stellen, die mich beim Spielen wirklich aufhorchen lassen. Eventuell mag es auch an der Nostalgiebrille liegen, aber die Musik aus beispielsweise Tales of Symphonia kann ich nach all den Jahren aus dem Kopf heraus summen, wohingegen der Soundtrack von Tales of Arise wie weggefegt ist, sobald ich die Konsole ausschalte.

Fast alle Texte im Spiel sind vertont, nur die Unterhaltungen mit NPCs müssen ohne Synchronisation auskommen. Sowohl die japanische als auch die englische Synchro sind dabei sehr gelungen – gerade emotionale Momente wirken glaubhaft und nicht aufgesetzt. Allerdings musste ich beim Spielen vermehrt feststellen, dass es in der englischen Vertonung zahlreiche Soundbugs gab. Die Satzanfänge in den Tonspuren sind manchmal nicht sauber, als würden sie beim Abspielen noch nachladen oder als wären sie nicht richtig geschnitten worden.

Komischerweise tritt dieses Problem nur in der englischen Sprachausgabe auf und ist mir bei der Demo nicht aufgefallen. Auch über die teils sehr wörtlichen Übersetzungen der deutschen Bildschirmtexte bin ich ab und zu gestolpert, da sie zwar das Gesagte wörtlich wiedergeben, aber eben nicht immer die damit verbundene Aussage treffen. Hier und da hat sich auch ein Schreibfehler eingeschlichen. Leider ist auch der Kontrast der Untertitel während Zwischensequenzen sehr schlecht, wodurch der Text vor allem während hellen Sequenzen nur schwer zu lesen ist.

Fazit – Dauerurlaub auf Dahna

Bildmaterial: Tales of Arise, Bandai Namco

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Titel	Ghosts ’n Goblins Resurrection
	01. Juni 2021 (25. Februar Nintendo Switch)
	Capcom
	01. Juni 2021 (25. Februar Nintendo Switch)
	Capcom
	01. Juni 2021 (25. Februar Nintendo Switch)
	Capcom
System	PlayStation 4, Nintendo Switch, Xbox One, PCs
Getestet für	PlayStation 4
Entwickler	Capcom
Genres	Run and Gun, Platformer
Texte
Vertonung	–

Capcom wirft die Zeitmaschine an und bringt uns zurück in die glorreichen Zeiten, wo Spiele noch kurz, aber so schwer waren, dass man Tage, Wochen oder ein ganzes Leben damit verbrachte, es endlich zu beenden. Ghosts ’n Goblins ist eine dieser Spielereihen, deren brutale Natur auf die Existenz der Spielhallen zurückzuführen ist. Ein Spiel, so hart, so unerbittlich, nur dazu da, um SpielerInnen den letzten Cent aus den Taschen zu ziehen.

Ein wahres Erfolgskonzept in den 80ern, aber auch in den Jahren darauf, denn allein in den Spielhallen sollte der Schrecken nicht bleiben. Verschiedene Konsolenports und Ableger sollten folgen und die Spielerschaft an die Konsolen fesseln. Wer sich erfolgreich gegen einen mentalen Zusammenbruch erwehren konnte, der durfte sich mit seinem Ruhm brüsten und erklomm die Sphäre der selbsternannten Elitären. Ein Phänomen, was man nun gern mit Dark Souls verbindet und teils den größten menschlichen Abschaum zutage führte.

Mit Ghost ‘n Goblins Resurrection steht nun nach über zehn Jahren der neueste Ableger bereit. Ableger nur bedingt, denn vieles wirkt recht identisch zum Originaltitel, allerdings mit neuem grafischen Anstrich und spielerischen Modifikationen. Für mich und für viele Fans der Reihe ein Grund zur Freude. Es gibt ja heutzutage nicht schon genug Spiele zum Aufregen. Lasst uns unsere Freizeit auch noch kräftig gegen den Baum fahren. Oh Freude, ach du schönes Leid! Lass mich dich umarmen und meinen Controller mit einem beherzten Schwung aus dem Fenster werfen.

Die Unterhose ist zurück!

Friedhof-Dates, Erdbeerunterhose und langsam wie eine Schnecke. Das ist Arthur, der Held der Geschichte. Ein absoluter Traummann, der mit einer stummen, wunderschönen Prinzessin liiert zu sein scheint. Solch‘ zauberhafte Wesen erregen Luzifers Lüste ebenso wie die des nächsten Kerls, also wird diese schnurstracks entführt und natürlich so lange in Ruhe gelassen, bis der lahme Ritter seinen erdbeerbestickten Hintern zu ihr bewegt. Ein unglaublich moderner sowie bahnbrechender Plot und mehr als ausreichend Motivation, sich in ein verdammt nervenzerfetzendes Abenteuer zu stürzen.

Neben seiner durchaus sexualisierenden Natur ist Arthurs Unterhose auch ein serientypisches Gameplay-Element, denn wird unser Held von etwas getroffen, so verliert er immer ein Stück seiner Rüstung. Schlussendlich steht er nur noch in Unterhose da, bevor er mit dem nächsten Treffer sofort zu einem Skelett wird – immer schön die Unterhosen anbehalten, Leute! Ghosts ‘n Goblins Resurrection lässt den Ritter je nach Schwierigkeitsgrad entgegen der alten Ableger sogar nur einzelne Teile der Rüstung verlieren, bis es letztendlich nackig ins Grab geht. Nicht so spaßiger Fakt hier: Das Spiel ist dadurch natürlich nicht zwangsläufig einfacher…

Ein neues Feature in Resurrection sind die Feen, die sich in den verschiedenen Abschnitten verstecken und gegen Zauber und passive Fähigkeiten eingetauscht werden können. Diese Feen sind meist unsichtbar, sofern man nicht einen gut platzierten Sprung vollzieht oder eine bestimmte Stelle mit der Waffe abwirft. Ähnlich sind auch versteckte Truhen in den Levels untergebracht worden. Einfach zum Schlapplachen, wenn sich die versteckte Belohnung dann auch noch als bösartiger Zauberer herausstellt, der Arthur in allerhand nutzlose Tierformen verwandelt. Tränen der Freude, besser kann man es nicht ausdrücken.

Dürfen es noch mehr Gegner sein?

Auch wenn sich Ghosts ‘n Goblins Resurrection tatsächlich recht nah am Original bewegt, was Umgebungen und Gegner betrifft, so fühlte man sich einfach genötigt, das Spiel auf ein neues Level der Frustration zu heben. Auf dem „normalen“ Schwierigkeitsgrad, der sich „Ritter“ schimpft, findet man schon in puncto Gegnermassen um einiges mehr als noch in den guten alten 80ern. Durch verschiedene Gameplay-Anpassungen schafft man allerdings, ungefähr einen ähnlichen Schwierigkeitsgrad wie damals beizubehalten. Und ja, selbst wenn dieser Text auf salzigste Weise den Rachen hinunterläuft, so muss man ehrlich zugestehen, dass spielerisch die Atmosphäre des Originals perfekt eingefangen wurde.

Auch findet man nach kniffligen Passagen ein kleines Checkpoint-Fähnchen, was man nach dem Ableben Arthurs als neuen Anfangspunkt auswählen kann. Schön, dass diese Option nicht die standardmäßig ausgewählte ist und man diese erst manuell auswählen muss. Drückt man nämlich einmal zu schnell weiter, so darf man den ganzen Abschnitt noch einmal machen. Das ist kein Fehler im Spiel, denn ich bin mir hier absolut sicher, dass die Entwickler gerade in diesem Moment den größten Spaß ihres Lebens haben.

Ein wenig verwirrend sind allerdings die deutschen Übersetzungen der Schwierigkeitsgrade. Hier geht es von „Knappe“ hoch zu „Edelmann“, welches dann unverständlicherweise die schwierigste Option darstellt. Einen fetten, nach Gold stinkenden Edelmann im Kopf und schnell findet man sich in der Hoffnung auf eine ruhige Nummer in der schlimmsten Horrorshow der Videospielkarriere wieder. Absolutes Verständnis für jeden, der nach diesem Alptraum die Karriere an den Nagel hängt. Stirbt man oft genug, kann man aber auch den Schwierigkeitsgrad senken lassen, falls es der falsche Stolz zulassen sollte. Ganz ehrlich, lasst es zu! Der Stolz ist eine Lüge, umarmt eure Unfähigkeit.

Herr, ich habe gesündigt

Man mag es zwar nicht glauben, aber ja, ich habe Ghosts ‘n Goblins damals sehr gemocht und die Spiele auf NES und SNES sogar nach größten Anstrengungen beenden können. Die Zeiten sind nun definitiv vorbei! Ich bin wahrscheinlich einfach ein zu professioneller Spieletester geworden, denn das Spiel habe ich bisher nur auf dem einfachsten Schwierigkeitsgrad beendet. All die Jahre dachte ich immer, hey, du bist lediglich ein Typ, der in seiner Freizeit auch mal einen Text schreibt, aber nein! Meine Professionalität wurde bewiesen und ich strotze nur so vor Stolz.

Spaß beiseite, Ghost ‘n Goblins Resurrection reiht sich nahtlos in die Serie ein und zeigt heutigen SpielerInnen, womit wir damals konfrontiert wurden. Es ist tatsächlich eine Freude, so etwas zu sehen, auch wenn es natürlich an der Zugänglichkeit mehr als hapert. Der einfachste Schwierigkeitsgrad bietet zwar ebenso seine Herausforderungen, allerdings hat man hier das „Game Over“ gänzlich entfernt und, wie abzusehen, bekommt man auch nicht das „wahre“ Ende zu Gesicht.

Alte Level lassen sich praktischerweise immer wieder neu spielen. Das macht das umfassende Spielerlebnis zwar nicht wirklich erträglicher, aber man hat jederzeit die Möglichkeit, versteckte Feen und Schätze zu finden. Vielleicht findet sich ja doch ein hilfreicher Zauber im Feenbaum, der den Grind letztlich rechtfertigen kann. Ich für meinen Teil werde sicherlich ab und an wieder einen Blick riskieren und ein Level abschließen, allerdings nicht mehr so ehrgeizig wie damals. Hätte mich für die Switch-Version entscheiden sollen.

Neuer alter Look

Grafisch und musikalisch trifft Ghosts ‘n Goblins Resurrection einfach den richtigen Nerv. Alle bekannten Gegner sind vorhanden und lassen sich wiedererkennen. Selbst die Bosse sind den alten Versionen wie aus dem Gesicht geschnitten. Das etwas modernere Design nimmt dem Spiel nichts an Charme und lässt das nostalgische Herz zufrieden weiterschlagen. Zwar macht man letztlich keine Luftsprünge, was das grafische Auftreten betrifft, jedoch ist die aufgehübschte Darstellung vollkommen ausreichend für die Klientel des Spiels.

Zahlreiche bekannte Stücke finden sich ebenfalls im Repertoire von Resurrection. Ein wahres Fest für die Ohren, wenn neben dem Blut der geplatzten Hirnadern die Nostalgie vollends überhandnimmt. Die Stücke sind allerdings auch für Nicht-Nostalgiker eine willkommene und gelungene Untermalung des Spielgeschehens, auch wenn man womöglich mit anderem beschäftigt ist als Musik zu hören.

Schön ist ebenso, dass man sich auch die Mühe gemacht hat, das Spiel in zahlreiche Sprachen zu lokalisieren. Für diesen Test habe ich mich auf die deutsche Lokalisierung konzentriert und selbst wenn das Spiel allgemein nicht viel Text zu bieten hat, so übersieht man dennoch nicht die ein oder andere seltsame Formulierung oder kleine Fehler. Neben dem irreführenden „Edelmann“-Schwierigkeitsgrad, findet man auch noch Sinnfehler in der Erklärung zur Steuerung, die Waffenwechsel erwähnt, aber eigentlich den Wechsel zwischen den Zaubern meint. Bei so wenig Text hätte man hier ruhig noch einen Blick riskieren dürfen.

Get the Knife!

Bildmaterial: Ghosts ’n Goblins Resurrection, Capcom

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Titel	SaGa Frontier Remastered
	15. April 2021
	Square Enix
	15. April 2021
	Square Enix
	15. April 2021
	Square Enix
System	PlayStation 4, Nintendo Switch, PCs, mobile Geräte
Getestet für	Nintendo Switch
Entwickler	Square Enix / Bullets
Genres	JRPG
Texte
Vertonung	–

Die SaGa-Reihe war lange Zeit eher unbekannt in unseren Gefilden. Mit der Zeit scheinen aber immer mehr Titel auch in den Westen zu finden. „SaGa Frontier Remastered“ ist hier etwas recht Besonderes, denn wer geht schon davon aus, dass man einer recht unbekannten und auch nicht sonderlich extrem finanziell erfolgreichen Videospielserie sogar ein Remaster beschert?

Nichtsdestotrotz ließ sich Square Enix nicht lumpen und bringt den Klassiker aus 1997 mit geglättetem Pixel-Look auf Konsole, PCs und mobile Geräte. Auch wenn die Handarbeit am Remaster, wie sooft, ausgelagert wurde, so spendierte man seitens Square Enix dennoch auch Story-Erweiterungen und ein paar Quality-of-Life-Updates.

Es scheint, dass die ehemalige Division 2 bei Square Enix einfach machen kann, was sie möchte. Und das ist auch gut so. Wenn neue Spiele à la Bravely Default II es leider eher verpassen, den Geist eines guten JRPGs der alten Schule einzufangen, schafft man es doch immer noch am besten mit einem alten Titel selbst.

Universum der Kurzgeschichten

Die Geschichte in SaGa Frontier wird mittels sieben Einzelprotagonisten erzählt. Alle Teil-Storys spielen hier zwar in einem gemeinsamen Universum, allerdings kommen diese nicht zu einer allgemeinen Erzählung zusammen. Spielt man eine Geschichte durch, bekommt man exklusiv in Remastered die Möglichkeit, einen neuen Charakter und dessen Story zu spielen. Hier werden auch die beendeten Teilgeschichten noch einmal aufgegriffen und teils ausgebaut.

Erzählerisch merkt man SaGa Frontier Remastered schon ein wenig das Alter an, aber prinzipiell schlecht ist das nun auch nicht. Oftmals lassen die Kurzgeschichten viel Raum zur Interpretation, so verzichtet man bei manchen Charakteren sogar gänzlich auf eine umfassende Erzählung und lässt den jeweiligen Protagonisten einfach frei die Welt erkunden. Hier und da überschneiden sich aber die Wege der einzelnen Helden, die dann unter Umständen sogar in die Party aufgenommen werden können.

Klischeehafte Nebenquests in Form von Fetchquests gibt es in SaGa Frontier Remastered nicht. Die Nebenaufgaben bestehen darin, bestimmte Zauber zu erlernen, beziehungsweise die Grundvoraussetzungen dafür zu erlangen. Diese Quests sind für jeden Hauptcharakter gleich und bis auf wenige Ausnahmen optional. Nicht wirklich Quests, aber auch sicherlich eine Art Nebenaufgabe, sind die verschiedenen optionalen Dungeons, die sich für Schatzsucher durchaus lohnen werden.

Experimentierfreudiges Gameplay

Auch Gameplay-technisch ist SaGa Frontier Remastered eher offen gestaltet. Nach nicht allzu langer Zeit bekommt man quasi einen Freifahrtschein für das ganze Universum mit den verschiedenen Regionen, die sich dann zu fast jeder Zeit besuchen lassen. Ein „old school open world“, wenn man so sagen will. Hier entscheiden eigentlich nur die jeweilige Ausrüstungsteile oder Statuswerte darüber, ob es wirklich sinnvoll ist, gerade jetzt diese Region zu besuchen.

Gekämpft wird ganz klassisch rundenbasiert. Gegner zeigen sich in den Gebieten durch Monstersymbole, welche allerdings nur den groben Typ des Gegners preisgeben. Gerät man nun in einen Kampf, so kann man zunächst auswählen, welche Gruppe in das Gefecht ziehen soll und ob Party-Mitglieder in der vorderen oder hinteren Reihe stehen. Auch kann man sogar sofort fliehen, wenn es einem gerade so gar nicht nach Kämpfen ist. Interessant hier ist, dass man aus jedem Kampf ohne Probleme entkommen kann, ohne irgendwelche Einschränkungen.

Je nach Ausrüstung wählt man innerhalb der Kämpfe nun verschiedene Attacken aus. Mit Nahkampfwaffen, wie Schwertern oder Fäusten, können innerhalb der Kämpfe zufällig neue Skills aktiviert und auch erlernt werden. Skills für Handfeuerwaffen oder neue Zauber erhält man jeweils nach dem Kampf. Letztere lassen sich dann im Menü nach Belieben ausrüsten, während die automatisch erlernten Skills sofort einen offenen Platz belegen. Dies sollte man besonders im Hinterkopf behalten, denn ohne freien Slot kann man auch keine neuen Skills mehr erlernen.

Diverse Welt, diverse Charakterentwicklung

Nach den Kämpfen geht es anders als bei bekannteren JRPGs nicht an den Levelaufstieg, auch Erfahrungspunkte braucht man nicht zu suchen. Statuswerte steigen in SaGa Frontier Remastered, genauso wie in anderen SaGa-Teilen, je nach Nutzung des Charakters. Nutzt man oft Waffenskills, werden zwangsläufig die Waffenpunkte erhöht werden, nimmt man viel Schaden, dann die Lebenspunkte und so weiter. Ein recht eingängiges System, wenn auch nicht immer klar definiert und etwas willkürlich.

Obendrauf unterscheidet man in SaGa Frontier Remastered noch zwischen vier sogenannten Rassen. Menschen, Mystics, Monster und Roboter sind hier die dominanten Arten an Party-Mitgliedern, die zur Auswahl stehen. Auch die verschiedenen Hauptcharaktere setzen sich aus diesem Pool zusammen. Menschen gehen hier den oben beschriebenen Entwicklungsweg, Monster müssen andere Monster konsumieren, um Statuswerte und Skills zu erhalten, Roboter nehmen ihre kompletten Statuswerte lediglich aus Ausrüstungsgegenständen und Mystics bilden eine Art Bindeglied aus Mensch und Monster und bringen so beide Varianten in abgespeckter Form zusammen.

Auch das Sterben funktioniert in SaGa Frontier etwas anders als meist bekannt. Verliert ein Charakter alle seine Lebenspunkte (HP), lässt dieser sich immer noch durch einfache Heilgegenstände oder Zauber wieder in den Kampf zurückholen. Erst wenn die sogenannten LP (Life Points) zur Neige gehen, verliert man das Mitglied komplett, bis man ein Hotel oder andere Erholungsangebote nutzt. Verliert der Protagonist alle seine LP, so heißt es aber „Game Over“.

Weniger ist mehr

Grafisch bleibt das Remaster doch sehr dem Original treu. Zwar sind die Chibi-Modelle der Charaktere nun nicht mehr wirklich sichtbar pixelig, sondern sehr stark geglättet, jedoch macht man designtechnisch nicht wirklich etwas Neues. Auch hier durchaus keine schlechte Entscheidung, denn der Look sieht ausreichend zeitgemäß aus und wird von recht zeitlosen, vorgerenderten Hintergründen umschmeichelt.

Hier und da hat man zwar einige Gegnermodelle, die etwas verschwommen daherkommen, aber alles in allem ist das mehr als ausreichend umgesetzt. Die vorgerenderten Hintergründen können zwecks besserer Übersicht auch mit Pfeilen für Ein- und Ausgänge ausgestattet werden, da es schon einmal vorkommen kann, dass man nicht wirklich klar erkennt, wo man denn nun hingehen darf und wo nicht.

Musikalisch scheint man nicht wirklich viel am Soundtrack geändert zu haben. Die einzelnen Stücke sind recht sympathisch mit einigen recht gut gelungenen Ausreißern, die noch eine Nummer mehr überzeugen können. Man fühlt sich recht schnell in der Zeit zurückversetzt, wenn die Nostalgie oder einfach das Gefühl, ein mehr als solides JRPG zu spielen, kickt.

Remaster mit Charme

Bildmaterial: SaGa Frontier Remastered, Square Enix

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Titel	Poison Control
	25. Juni 2020
	Nippon Ichi Software
	13. April 2021
	NIS America
	16. April 2021
	NIS America
System	Nintendo Switch, PlayStation 4
Getestet für	Nintendo Switch
Entwickler	Nippon Ichi Software
Genres	Action-RPG
Texte
Vertonung

Für ungewöhnliche Spielideen ist Nippon Ichi bekannt und auch Poison Control verspricht in eine gewohnt abstruse Richtung zu gehen. Alles beim Alten also? Ja, so ziemlich. Denn allein ein Blick genügt, um die Entwickler zu erkennen. Das ist per se nichts Schlechtes, man weiß aber zumindest so schon, was einen erwartet.

Dem etwas nichtssagenden Titel für westliche Gefilde, „Poison Control“, steht ein aussagekräftiger japanischer Titel entgegen. „Shoujo Jigoku no Doku Musume“ oder frei übersetzt, das Gift-Mädchen aus der Mädchen-Hölle. Mit diesem Titel ist eigentlich alles gesagt, doch dazu später mehr.

Verantwortlich für den Titel zeigt sich das Team, welches ebenso an zum Beispiel „Penny-Punching Princess“ gearbeitet hat. Auch jener Spielname sprüht nur so vor Information über das eigentliche Spiel. Design-technisch, aber auch was den Humor betrifft, darf man also altbekannte Kost erwarten. Poison Control legt allerdings in puncto Zweideutigkeit noch einmal einen obendrauf.

Gift-Mädchen oder lieber Poisonette

Die Geschichte gestaltet sich oberflächlich recht simpel. Aus einem noch unbekannten Grund landet man in einer Art Unterwelt, trifft auf ein Monster, das sich als die aufgeweckte Poisonette entpuppt und muss nun die vielen kleinen Mädchen-Höllen „reinigen“. Um nicht ganz so unangemessen rüberzukommen, nennt man diese allerdings, um es französisch zu halten, Belles’ Hells.

Als SpielerIn agiert man quasi nur als Hülle für Poisonette, denn schnell wird klar, dass es vollkommen egal ist, warum der Spielercharakter sich in der scheinbar misslichen Lage wiederfindet. Hier und da macht es zwar den Anschein, dass man eine andere Richtung einschlagen wollte, doch mit fortschreitender Handlung liegt der Fokus immer mehr auf der jungen Dame mit den unaufhörlich hüpfenden Brüsten.

Wie man sich vielleicht schon denken kann, ist die übergreifende Geschichte eher schwach und wirkt teilweise etwas unfertig. Um einiges interessanter sind aber die kleinen Nebenstorys zu den sogenannten Belles. Jede Hölle entsteht durch ein Mädchen, welches mit verschiedensten Problemen, psychischer oder gesellschaftlicher Art, zu kämpfen hat. Die gesellschaftskritischen Kommentare sind zwar äußerst subtil und knapp geraten, lassen aber neben den unzähligen anstößigen und makaberen Witzen auch ein wenig Raum zum Nachdenken.

Big Spritz Energy

Gameplay-technisch ist Poison Control hauptsächlich ein nicht besonders aufregender 3rd-Person-Shooter. Jede der Höllen ist somit, bis auf die Nebengeschichte, ziemlich gleich aufgebaut. Bunte, rechte detailarme Labyrinthe mit einer Prise Gegnern, die man mit der Waffe der Poisonette abschießen muss. Munition ist begrenzt, stellt sich aber entweder selbst wieder her, kann aber auch in verschiedenen Kisten gefunden oder von Gegnern zurückgelassen werden.

Im Laufe des Spiels erhält man mehr und andere Arten von Munition. Sei es durch das erfolgreiche Sammeln von Belle-Münzen oder eben auch die randomisierte Drop-Variante. Letztere rüstet sich nämlich nach dem Einsammeln automatisch in den vorgesehenen Slot aus, was mal gute, mal eher schlechtere Ergebnisse mit sich zieht. Die Munition über die Münzen legt man vor dem Betreten fest und kann ebenso auch aufgelevelt werden.

Munition ist allerdings nicht alles, was man über das Sammeln der Münzen erlangt. Auch passive Fähigkeiten, wie zum Beispiel eine höhere Droprate, kann man in den dafür vorgesehenen Slot ausrüsten. Im späteren Verlauf des Spiels spielt aber auch das kaum noch eine Rolle, da die Herausforderungen im Spiel immer weniger werden, besonders, wenn man frühzeitig viel Geld zum Aufleveln anhäufen kann.

Die Sache mit dem Gift

Innerhalb der verschiedenen Labyrinthe finden sich neben Gegnern auch immer wieder variierende Giftlachen. Auch hier nutzt man die Fähigkeiten der Poisonette, um diese zu reinigen. Die Poisonette manifestiert sich im Labyrinth und muss innerhalb einer bestimmten Zeit um die giftige Lache manövriert werden. Schafft man es den Bereich einzukreisen, so wird dieser entfernt und legt Schätze, Geld oder Hinweise zu der gegenwärtigen Belle frei.

Um ein Labyrinth abzuschließen, wechseln sich eigentlich immer nur zwei Aufgaben ab. Entweder man besiegt eine Anzahl an Gegnern oder reinigt einen bestimmten Prozentsatz des Areals von der giftigen Substanz, welche selbstredend nur eine visuelle Darstellung der toxischen Persönlichkeit der verschiedenen Mädchen ist. Die zwei recht verschiedenen Gameplaymechaniken finden in jedem Abschnitt ihre Anwendung und mehr ist es eigentlich auch nicht, was Poison Control letztlich ausmacht.

Wenn das Säubern toxischer Flüssigkeiten nicht gerade Teil einer Voraussetzung ist, kann man die Mechanik aber auch im Kampf benutzen. Kreist man nämlich einen Gegner auf einer der Lachen ein, so nimmt dieser auch Schaden oder wird für eine kurze Weile betäubt. Auch stellt man eine gewisse Anzahl an Lebensenergie wieder her, wenn man sich sorgfältig um die schmutzigen Stellen kümmert.

Gummiballbrüste und zweideutige Kommentare

Design-technisch ist Poison Control eigentlich recht ansprechend gestaltet. Die bunte Farbpalette und die poppig angehauchten Designs vermitteln einen relativ stilechten Rahmen. Die Charaktere haben in ihrer Darstellung einen recht typischen Look für Nippon-Ichi-Titel. So ist die Welt natürlich mit süßen, großbrüstigen Anime-Mädchen gespickt. Diesen Fakt scheint man in Poison Control sogar nochmal besonders hervorheben zu wollen.

Sei der Ausschnitt des Charakterprofils noch so klein, man schafft es immer, die Gummiball-artigen Brüste noch ins Bild zu packen und unkontrolliert hüpfen zu lassen. Teilweise sind die Bewegungen so abstrus, dass es den Anschein macht, die Charaktere würden geradezu durch ihre Brüste kommunizieren. Die Dialoge selbst runden das Ganze letztendlich nur noch weiter ab. Hier einmal ein großes Lob an die Lokalisierung, schafft man es doch so gut wie jeden Satz in zweideutiger Weise zu formulieren.

Das recht detailarme, auf Formen und Farben ausgelegte Design zeigt allerdings in den Spielabschnitten selbst seine Schwächen. Hier wirkt das Ganze zunehmend karg und uninteressant. Auch die wenigen Gegner-Designs sind eher langweilig geraten. Musikalisch geht man einen ähnlichen Weg. Die Stücke sind zwar recht passend, aber kaum erwähnenswert und schnell vergessen.

Kampf der Toxizität

Bildmaterial: Poison Control, NIS America, Nippon Ichi Software

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Titel	Gnosia
	30. April 2020
	Petit Depotto
	4. März 2021
	Playism
	4. März 2021
	Playism
System	Nintendo Switch
Getestet für	Nintendo Switch
Entwickler	Petit Depotto
Genres	Sci-Fi Werwolf-like Simulation Adventure
Texte
Vertonung	–

Das Visual-Novel-Genre kann ein recht kreatives Vehikel sein, um SpielerInnen Geschichten auf besondere Weise nah zu bringen. Ob kombiniert mit verschiedenen Gameplay-Elementen oder auch einfach nur mit audiovisuellen Highlights gespickt, der Text und dessen tiefere Bedeutung regt die Sinne noch einmal auf eine andere Weise an, als es ein einfaches Buch zu vermitteln vermag.

Zwar sind der Kreativität innerhalb dieses Genres wohl kaum Grenzen gesetzt, doch die Einordnung eines Titels macht dieser Umstand nur umso schwieriger. Auch verschwimmen Genre-Grenzen gerne einmal. Ein „Danganronpa“ zum Beispiel schafft es, das Genre so dynamisch zu gestalten, dass man quasi vergisst, eine Visual Novel vor sich zu haben. Klassische Novels setzen hingegen mehr auf den Storyaufbau über kleinere Entscheidungen.

Indie-Entwickler Petit Depotto versucht mit „Gnosia“ ebenfalls einen kreativen Weg der Umsetzung. 2019 erschien der Titel bereits für PlayStation Vita in Japan, eine Version für Nintendo Switch folgte letztes Jahr. Nun ist auch endlich der Westen dran, einen Blick auf die mit einigen Preisen ausgezeichnete visuelle Geschichte zu werfen.

Kann ich dir trauen?

Kurz und oberflächlich zusammengefasst geht es im Spiel Gnosia darum, innerhalb einer Gruppe von Leuten die außerirdischen Lebensformen namens Gnosia ausfindig zu machen. Diese sind den anderen Bewohnern der Raumstation feindlich gesonnen und trachten nach deren Leben. Durch Diskussionen muss man nun herausfinden, wer sich unnatürlich benimmt, um diese Person schließlich aus dem Gefecht zu ziehen. Das Spielprinzip ist also dem Spiel „Werwolf“ oder, um bei Videospielen zu bleiben, „Among Us“ ähnlich.

Klingt recht simpel, jedoch ist der Clou darin, dass man die Personen zu Beginn überhaupt nicht einschätzen kann. Auf der Raumstation tummelt sich ein Mischmasch an Leuten, die aus verschiedenen Ecken des Universums stammen und somit das binäre Verständnis von Gut und Böse gerne das ein oder andere Mal auf den Kopf stellen. Auch wird man immer wieder in die Diskussionsphasen hineingeworfen, ohne wirklich viel mehr über die anderen herausfinden zu können.

Gnosia schafft so eine Atmosphäre der Unsicherheit und spielt hier auch ein wenig mit der Psyche der SpielerInnen. Da sich die anderen Spielfiguren im gleichen Dilemma wiederfinden, bekommt man hier oft den Spiegel vorgehalten, wenn es zum Beispiel um eine ungewöhnlich aussehende Person geht und diese allein deswegen schon als unglaubwürdig eingestuft wird. Dieses Verhalten letztlich zu erkennen ist aber dann auch der Schlüssel, die Geschichte erfolgreich voranschreiten zu lassen.

Wer bist du wirklich?

Um die Vorurteile letztendlich abzubauen und das Spiel zu verstehen, gilt es, die einzelnen Charaktere besser kennenzulernen. Hier hat man augenscheinlich nicht wirklich aktiv die Möglichkeit, eine Person zum Reden auszusuchen, sondern muss darauf warten, dass sich ein Eventmarker auftut. Zwar kann und sollte man außerhalb der Diskussionen auch einfach eine Person treffen, um mögliches suspektes Verhalten festzustellen, allerdings beschränken sich diese Gespräche meist nur auf einen Satz.

Auch wenn die Events, wie erwähnt, den Anschein machen, komplett willkürlich aufzutauchen, so beeinflusst man diese dennoch in den eigentlichen Diskussionsrunden. Verteidigt man bestimmte Personen oder beschuldigt andere, erhöht man unbewusst die Wahrscheinlichkeit für so ein Event und schließlich ein wichtiges Detail über den ausgewählten Charakter. Der Verlauf des Spiels ist somit recht undurchsichtig. Vor allem wenn man nicht wirklich an die Hand genommen wird beziehungsweise glaubt, nicht wirklich Kontrolle zu besitzen. Als Belohnung wird man allerdings mehr und mehr mit der Welt, einer überzeugenden Geschichte und deren Geheimnisse sowie den exzentrischen und ungewöhnlichen Charakteren vertraut.

Man muss sich also schließlich auf die Charaktere einlassen, ihnen helfen, sie verteidigen und besonders auf die einzelnen Reaktionen achten. Das wird im Laufe des Spiels auch einfacher, besonders wenn man mehrere Diskussionsrunden überstanden hat und Erfahrungspunkte sammelt. Ein wichtiger Bestandteil in Gnosia ist nämlich auch das RPG-Element.

Landkarte der Seele

Kommt man an dem Punkt an, an dem man die Kriterien der Runde erfüllt hat, erhält man Erfahrungspunkte, die man dann zwischen den Runden in Charakterwerte stecken kann. Zu Beginn startet man mit fünf frei verteilbaren Statuspunkten, die in Gnosia nicht Werten wie Stärke, Ausdauer etc. zugutekommen, sondern auf Persönlichkeitswerte verteilt werden. Hier geht es um Logik, Charisma, die geistige Leistungsfähigkeit oder andere.

Diese Werte helfen dann zum Beispiel dabei, neue Fähigkeiten zu erlernen oder allgemein überzeugender in den Diskussionen hervorzugehen. In einer Weise kann man also so die Diskussionen mit Kämpfen in einem RPG vergleichen. Grinden kann man diese Werte ebenso und erhält, wie auch in dem Vergleich zu einem RPG, dadurch einen Vorteil gegenüber den „Gegnern“. Im Gegenzug muss man sich dann zu Anfang des Spiels auch mehr zurückhalten, um nicht gleich als suspekt zu gelten und frühzeitig auszuscheiden.

Gnosia nutzt so altbekannte Mechaniken auf einer geistigen Ebene und lässt auch hier den SpielerInnen theoretisch offen, wie sie sich letztlich entwickeln wollen, um siegreich aus den Duellen hervorzugehen. Betrachtet man das Spiel also aus diesem Sichtwinkel, fällt es auch etwas einfacher darüber hinwegzusehen, dass die Diskussionen oft repetitiv ablaufen und man erst später wirklichen Einfluss auf den Verlauf des Gesprächs hat. Interessant ist dieses Konzept allemal. Ungeduldige dürfen aber auch gern durch die Gesprächsduelle durchklicken – sprich den Autokampf aktivieren.

Ästhetik im All

Gnosia besticht nicht nur durch sein interessantes Gameplay-Konzept, sondern besonders durch das visuelle Design. Viele Visual Novels sind zwar für deren künstlerische Darstellung bekannt, aber das sollte nicht davon abhalten, dieses auch in Gnosia überschwänglich zu loben. Der Stil erinnert an ausgefeilte Bleistiftzeichnungen, wie man es meist bei detaillierten Concept Arts sieht, bevor kalte 3D-Modelle darüber gelegt wurden.

Heutzutage sieht man auch oft diese absolut sauberen Linien und blassen Farben in vielen „modernen“ Spielen mit gezeichneten Charaktermodellen. In Gnosia geht man bewusst den imperfekten Weg, setzt auf Farben, ungewöhnliche Designentscheidungen und grobe Striche. Wirklich künstlerisch und absolut ästhetisch. Besonders in den Eventszenen weiß man designtechnisch noch einmal einen draufzulegen. Liebe EntwicklerInnen, bitte weniger „clean“ und mehr Mut zu solchen Designs, danke.

Durchaus interessant ist auch das minimalistische Sounddesign. Zwar gibt es nur wenig verschiedene Stücke, allerdings werden auch diese auf die ein oder andere Weise in den Gameplay-Verlauf eingebunden. Steht man beispielsweise unter Verdacht, spielt eine andere, etwas angespanntere Musik. Schafft man es nun, die anderen vom Gegenteil zu überzeugen, ändert sich die Atmosphäre hörbar. Ein wichtiger, aber auch subtiler Indikator in einem Spiel, was so ziemlich alles eher unter dem Radar belässt. Auf eine Sprachausgabe hat man dazu ebenfalls verzichtet.

Vertraust du mir?

Bildmaterial: Gnosia, Playism, Petit Depotto

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Titel	Bravely Default II
	26. Februar 2021
	Square Enix
	26. Februar 2021
	Nintendo
	26. Februar 2021
	Nintendo
System	Nintendo Switch
Getestet für	Nintendo Switch
Entwickler	Square Enix / Claytech Works
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Mit „Bravely Default“ hat man damals einen Nerv treffen können. Wirkliche JRPGs der alten Schule waren rar geworden und der Irrglaube, der Westen habe kein Interesse an solchen Spielen, war recht stark in den rauchenden Köpfen der japanischen Entwickler verankert. Bravely Default schlug dennoch wie eine Bombe ein und konnte mit klassischem, aber nicht veraltetem Gameplay und einer guten Story mit teils düsterem Anstrich überzeugen.

Bravely Second für Nintendo 3DS gab den direkten Nachfolger zu seiner Zeit und hatte damals schon ziemlich große Fußstapfen zu füllen. Ein Grund, weshalb „Second“ womöglich auch als schwächer angesehen wird im Bezug auf seinen Vorgänger. Dennoch war ein dritter Teil heiß von den Fans erwartet. Die Nummer drei ist es nun zwar nicht geworden, allerdings schlägt Bravely Default II nicht nur namentlich in dieselbe Kerbe, auch Gameplay-technisch und in puncto Geschichte will man dem Erstling gerecht werden.

Für „Bravely Default II“ holte man sich mit Claytech ein neues Entwicklerstudio ins Boot, das man auch recht gut an den neuen, plastischen Designs der Charaktere erkennt. Ob man dem Spiel nun die Abwesenheit der bekannten Partner Silicon Studio und Mages auf Seiten der Story-Unterstützung anmerkt, wollen wir uns nun etwas genauer anschauen. Bravely Default II geht zumindest mit einem Handicap ins Rennen, bedenkt man den derzeitigen Zeitgeist und die Welle an klassisch angehauchten Titeln, die Bravely Default damals nach sich zog.

Protagonist mit Amnesie…

Ob nun Kleinkinder, die die Welt retten müssen, ein Protagonist, dessen Eltern verstorben sind oder der Hauptcharakter mit Amnesie – alle diese Dinge findet man in unzähligen JRPGs der 80er und 90er. Bravely Default II will sich dieser Tradition ebenfalls nicht entsagen. Doch im Gegensatz zum titularen Vorgänger, der manche Stereotypen noch auf die Schippe nahm und gezielte Twists an solchen Stellen setzte, verfehlt hier Bravely Default II die Chance auf einen imposanten Überraschungseffekt oder humoristischen Moment.

Ja, der Protagonist wird an einem Strand angespült und weiß nichts mehr. Schon gehört, schon gesehen, doch was macht man daraus? Nichts! Und leider zieht sich dieses Schema oftmals durch viele einzelne Story-Aspekte des Spiels. Die Motivation der gegnerischen Seite ist zu schwach belegt, beziehungsweise ausgearbeitet, den Partymitgliedern fehlt der letzte Bums, um wirklich einen bleibenden Eindruck zu hinterlassen. Und auch wenn es später von der Basis her ähnliche Verläufe wie im Vorgänger gibt, so wirkt das alles letztlich eher nach einer einfachen Kopie. Das Problem ist, dass die Geschichte, die Charaktere und der Aufbau keineswegs schlecht sind, aber es fehlt einfach das neue Element, der neue Kniff, der neue Augenöffner.

Auch wenn dem Gesamtpaket hier eher etwas an Feuer fehlt, so muss man auch die einzelnen Sub-Storys der Kapitel loben. Thematisch greift man hier ebenfalls wieder in die eher düsteren Ecken der menschlichen Psyche. Beispiele sollen hier nun natürlich ausbleiben, aber wer Bravely Default kennt und liebt, der wird hier sicherlich schnell wieder abgeholt werden können. Alles in allem darf man storytechnisch eher ein klassisches JRPG erwarten, welches durchaus gut, aber auch nicht wirklich überwältigend daherkommt. Da waren letztlich die Fußabdrücke doch wohl eine Nummer zu groß.

Bravely Default II heißt auch: Zufallskämpfe ade

Mit dem Sprung auf Nintendo Switch traut man sich zu, Gegner nun auch sichtbar darzustellen. Während man noch mit vielen Einstellungsmöglichkeiten in den Vorgängern die Zufallskämpfe manipulieren und je nach Situation optimieren konnte, verzichtet man hier auf dieses Feature und lässt die Monster in Scharen auf die Gruppe los. Einerseits kann man das als zeitgemäß und auch selbstverständlich sehen, andererseits kann dies, vor allem wenn ständig das nächste Monster auf einen zustürmt, schnell nervig und frustrierend werden. Gerade in engen Dungeons zehrt das recht schnell am Geduldsfaden.

Bedenkt man, dass man womöglich mit Zufallskämpfen im gleichen Dungeon wahrscheinlich eine ähnliche Häufigkeit an Kämpfen haben dürfte, ist es schon wirklich interessant, wie das letztlich von SpielerInnen aufgenommen wird. Ich für meinen Teil wäre definitiv zufriedener mit einer altbackenen Kampfinitialisierung durch das Zufallskampfprinzip, aber das ist auch rein subjektiv. Was hingegen absolut unzulänglich ist: Man verzichtet in Dungeons auf Karten. Wer hat denn bitte hier geschlafen? Gerade die späteren Gebiete können schon mitunter verwinkelt und weitläufig sein. Wenn hier ständig der nächste wütende Mob auf einen lossprintet, wird das blinde Durchlaufen ein wenig zur Qual.

Es bleibt nur eine Möglichkeit, der rasenden Wut der Monster Herr zu werden, und das ist der Grind. Grinding scheint in Bravely Default II ein notwendiges Mittel zu sein, um den nervigen Aspekten des Spiels aus dem Weg zu gehen. Ist das gut? Nicht wirklich. Denn selbst wenn es sich hier um ein Spiel handelt, welches sich an alte Spiele des Genres anlehnt, so sollte sich der Prozess, im Level aufzusteigen, nicht auch so anfühlen, als habe man eine Zeitreise in die Vergangenheit gemacht. Auch hier wirken die alten Bravely-Spiele deutlich moderner als das tatsächlich moderne Gegenstück mit der 2 im Titel.

Vor und zurück

Bravely Default ist der Name und Bravely Default ist auch hier das Grundprinzip der Kämpfe. Das mittlerweile wohlbekannte System besteht aus dem taktischen Aspekt, Runden gezielt auszusetzen (Default), um in der nächsten eine zusätzliche Aktion zu erhalten (Brave). Auch in Bravely Default II kann man wahlweise den Brave-Befehl vorziehen, muss dann jedoch unter Umständen eine oder mehr Runden aussetzen. Dieses Hin und Her ist nach wie vor ein eingängiges Kampfsystem und so simpel es scheint, kann die richtige Aktion zur richtigen Zeit über den Ausgang des Kampfes entscheiden.

Auf den ersten Blick hat man an dem bekannten Kampfsystem so gut wie nichts verändert, jedoch zwickt es auch hier wieder ein wenig. Kämpfe laufen nun nicht mehr komplett rundenbasiert ab, sondern je nachdem, wer der schnellste Charakter ist. Für nervöses Zucken sorgt dazu noch die Gegnermenge, mit der man es zu tun bekommt. Wenn man ewig in einem Kampf mit Standardmonstern festhängt, vergeht auch hier die Lust auf mehr, zumal die Standardattacke nahezu nutzlos ist, wenn man nicht schon weit im Level vorangeschritten ist und zudem noch der Gegner oftmals schneller ist als man selbst. Das Gute aber hier zum Schluss, denn im späteren Verlauf des Spiels werden die Kämpfe interessanter und durch die zahlreichen Jobs stehen hier dann auch mehr Optionen zur Verfügung. Durchhalten und die Kampfgeschwindigkeit auf Maximum setzen ist also die Devise.

Die richtige Kombination an Jobs kann sich ebenfalls positiv auf die Kämpfe auswirken. Mit einem Haupt- und einem Nebenjob bieten sich einige Varianten an, nach Belieben ein Team zusammenzustellen. Dazu kommen noch die ein oder andere passive Fähigkeit, die vor den Kämpfen ausgewählt werden muss. Leider verlangen viele Jobs wieder einmal ein ausreichend hohes Joblevel für die nützlichen Fähigkeiten und Attacken. Daher kommt der Spaß auch leider erst viel später im Spiel wirklich zur Geltung. Die gemütlichen SpielerInnen können aber auch in Bravely Default II aus der Trägheit eine Tugend machen, denn das Spiel bietet wieder ein Feature, welches im Standby-Modus der Konsole fleißig Gegenstände sammelt. Auf die Kugeln für Job- und Erfahrungspunkte sei hier ein besonderes Augenmerk gelegt, um sich das Spiel deutlich angenehmer zu gestalten.

Vom Geselle zum Meister mit Bravely Default II

In puncto Jobs hat man in Bravely Default II eine recht gute Mischung gefunden. Alte und neue Jobs lassen sich sinnvoll kombinieren, um so ein gut balanciertes Team herauszuarbeiten. Wie bereits in den Vorgängern erhält man hier nach guter alter Mega-Man-Manier die neuen Fähigkeiten, sofern man einen der sogenannten Asterisk-Träger besiegt. Der Kampf zuvor gibt dann auch schon einen guten Vorgeschmack, was man von dem Job letztlich erwarten kann. Wer sich die neuen Kleider nun überzieht, ist aber den SpielerInnen selbst überlassen. Entscheidet man sich um, so kann das komplett ohne negative Folgen erledigt werden.

Wie zuvor schon angeschnitten, verstecken sich aber die nützlichsten Fähigkeiten hinter den höheren Job-Leveln. So wird man oftmals dazu gezwungen, einen für den Charakter eher unpassenden Job lange Zeit ausgerüstet zu lassen, bis man nun endlich die erwünschte passive Fähigkeit erlernen kann. Man merkt, das Ziehen des Gameplays zieht sich durch das ganze Spiel und man fragt sich einfach nur: warum das Ganze?

Der nächste Bock findet sich im Ausrüstungslimit wieder. Es tut mir im Herzen weh, aber schon wieder gibt es ein neues Element im Spiel und schon wieder ist es einfach nur ein Störfaktor. Hier wird kurzum die Ausrüstung dem Level entsprechend schwach gehalten, sodass man gute Ausrüstung zwar finden oder kaufen, aber nicht anlegen kann, sofern man nicht weiter im Level steigt oder andere Gegenstände ablegt. Man kann darüber spekulieren, ob man daran Spaß finden kann, Ausrüstung akribisch komplett neu anzulegen und zu kombinieren, aber leider hat sich dieser hier bei mir bisher nicht einstellen können. Besonders frustrierend ist die Entscheidung dann zwischen guter Defensive oder eben der Möglichkeit, den Zug im Kampf vor dem Gegner zu bekommen, was den Prozess nur noch langwieriger werden lässt. Wie so oft spielt das Limit später wieder kaum noch eine Rolle, aber da liegen immerhin gut 30 bis 40 Stunden dazwischen…

Knetfiguren ohne Seele

Grafisch bringt Nintendo Switch natürlich etwas mehr mit als noch Nintendo 3DS und das merkt man auch an Bravely Default II. Objektiv gesehen sieht das alles recht hübsch aus, besonders, wenn man einen Blick auf Städte und Umgebungen wirft. Es wäre aber nicht Bravely Default II, wenn nicht auch hier wieder ein faules Ei in der Ecke warten würde. Neben gelegentlichen Rucklern finden sich auch hier und da einmal sehr pixelige Texturen wieder.

Die Designs der Charaktere sind mehr als gewöhnungsbedürftig, um es einmal so zu sagen. Klar ist das schlussendlich nur Ansichtssache, aber auf den ersten Blick wirken die Helden einfach leer und uninspiriert. Der recht plastisch wirkende Knetgummi-Look mag zwar seinen Charme haben, aber gerade den vier Hauptcharakteren fehlt es irgendwie an Persönlichkeit durch diese Designentscheidung. Anders sieht das bei den Widersachern oder Nebencharakteren aus, die oftmals um einiges mehr an Charakter verkörpern als die Hauptfiguren.

Musikalisch gibt es mit Revo bekannte Töne für die Serie zu hören. Besonders schön ist hier die Musik der Oberwelt, die stets die gleiche ist, aber je nach Region leicht verändert daherkommt. Witzigerweise ändert sich auch später die Kampfmusik, so ziemlich ab dem Punkt, wo das Gameplay tatsächlich seine Schwächen abgelegt hat. Ganz so, als habe man das alles geplant. Die japanische Synchro ist wie gewohnt gut, während die englische Variante für mich nicht sonderliche Highlights zu bieten hatte.

Das Problem der überlappenden Textboxen bei der deutschen Lokalisierung besteht, wie auch schon in der Demo, weiterhin und wird auch zum Ende des Spiels nicht besser.

Bravely Default II ist gut, aber nicht gut genug

Bildmaterial: Bravely Default II, Square Enix, Nintendo

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Titel	ENCODYA
	26. Januar 2021
	Assemble Entertainment
	26. Januar 2021
	Assemble Entertainment
	26. Januar 2021
	Assemble Entertainment
System	PC (Steam und GOG – Windows/MacOS/Linux)
Getestet für	PC
Entwickler	Chaosmonger Studio
Genres	Indie-Adventure, Point-and-Click
Texte
Vertonung

Ein Point-and-Click-Adventure mit der Kulisse von Blade Runner und dem Spielstil sowie Humor von Monkey Island: Mit diesen Zutaten haben das estländische Entwicklerstudio Chaosmonger und der deutsche Publisher Assemble Entertainment für ihr Spiel ENCODYA geworben. Ob die Geschichte um die kleine Tina und ihren Roboterfreund den großen Fußstapfen gewachsen ist oder auf die Nase fällt, erfahrt ihr im Folgenden.

Von einer, die auszog, ihren Vater zu finden

In ENCODYA geht es um die 9-jährige Tina und ihren Roboter Sam, der als Vaterersatz und Beschützer seit ihrer Geburt an Tinas Seite steht. Das kleine Mädchen hat es alles andere als leicht: die Mutter gestorben, der Vater verschwunden. Alleine mit Sam lebt sie in einem Unterschlupf auf einem der unzähligen Hochhäuser der gesichtslosen Cyber-Metropole Neo-Berlin. In der Dystopie im Jahr 2062 hat sich die deutsche Hauptstadt in ein düsteres Loch verwandelt, dessen einzige Lichter von den Neon-Schildern und den VR-Brillen stammen, mit denen die Bewohner im Cyberspace aus der Realität zu fliehen versuchen. 

Tina fehlen ohne Unterstützung und Arbeit natürlich auch die benötigten Credits für eine warme Mahlzeit und so sucht sie in Müllcontainern nach essbaren Resten, um nicht zu verhungern. Als sie eines Tages bemerkt, dass Roboter Sam einen Code von ihrem verschwundenen Vater enthält, beschließt sie, ihn zu entschlüsseln und bricht mit ihrem mechanischen Beschützer zu einer wichtigen Mission auf.

Die Geschichte von ENCODYA strotzt zwar nicht vor Innovation und bedient sich vieler, teils etwas ausgelutschter Thematiken wie Naturzerstörung, digitaler Isolation und künstlicher Intelligenz, hat aber auch ihre herzergreifenden und bittersüßen Momente. Tina und Sam wachsen einem im Spielverlauf durchaus ans Herz und vermitteln ein authentisches Gefühl von Freundschaft, trotz der Beziehung zwischen Mensch und Maschine. Die wirkliche Suche nach Tinas Vater dümpelt aber eher vor sich hin und nimmt erst gegen Ende Fahrt auf, auch die genannten Themen werden nur oberflächlich angerührt.

Ratespiel und Rätselfrust

Das Gameplay von ENCODYA steht ganz in klassischer Point-and-Click-Manier. Per Mausklick bewegt ihr euch, interagiert mit der Umgebung und könnt herumliegende Gegenstände einsammeln, die dann den Weg in euer Inventar finden. Dabei könnt ihr jederzeit zwischen Tina und Sam hin- und herwechseln, was für manche Aufgaben auch vonnöten ist. Sam reicht aufgrund seiner Größe zum Beispiel an höhergelegene Hebel oder Kisten heran und kann als Roboter mit allen gleichgesinnten Androiden das Gespräch suchen. Wenn ein menschlicher NPC was gegen Blechbüchsen hat, springt ihr dann wieder zu Tina.

Die Rätsel in ENCODYA basieren meist auf der Interaktion von gefundenen Items mit bestimmten Stellen in der Umgebung. Um an ein Busticket heranzukommen, müsst ihr beispielsweise ein eingesammeltes Glas in ein Loch einer Mauer stellen, um die dort hausende Kakerlake einzufangen. Mal gilt es dabei auch, die Gegenstände im Inventar miteinander zu kombinieren, bevor ihr sie verwenden könnt. Was simpel beginnt, wird sehr schnell sehr komplex. Wobei anstelle von komplex wohl eher undurchsichtig und abwegig die treffenderen Bezeichnungen wären. Denn der Kern von ENCODYA ist gleichzeitig seine größte Schwäche.

Dies fängt bereits bei den zu sammelnden Items an. Während einige extrem offensichtlich im Weg herumliegen, fügen sich andere besser in die Umgebung ein als ein Chamäleon. Wenn ihr was überseht, fehlt euch der entsprechende Gegenstand dann natürlich beim Rätsel und ihr steckt fest. Das ist auch deshalb ärgerlich, weil das Spiel eine nicht unwesentliche Menge an Backtracking voraussetzt, darauf allerdings an keiner Stelle hinweist. Aber nicht nur Items können an bereits besuchten Orten gefunden werden, auch NPCs tauchen gerne mal unvermittelt aus dem Nichts in Seitengassen oder Läden auf, die ihr meint, längst erkundet zu haben. Zum einen muss man das erst einmal herausfinden, bevor man den Rest des Spiels entsprechend agiert, zum anderen macht das Ablatschen bereits besuchter Straßen eher wenig Spaß.

Rumexperimentieren ist in ENCODYA notwendig

Außerdem gibt es eine nicht unwesentliche Anzahl an Objekten, die bis zum Schluss keinerlei Zweck erfüllen sowie euer Inventar zumüllen und dann natürlich beim Rätseln stören und in die Irre führen. Spielt ihr ENCODYA auf der Schwierigkeitsstufe „Leicht“, könnt ihr durch das Gedrückt-Halten der Leertaste herumliegende Items leuchtend hervorheben, was zumindest das Verpassen verhindert.

Leider damit nicht genug: Auch die Rätsel sind oftmals keine Knobelaufgaben oder Kopfnüsse, die ihr durch logische Schlussfolgerungen lösen könnt. Vieles klappt nur durch reines Rumexperimentieren, erscheint nicht nachvollziehbar und ist deshalb schnell frustrierend. Dies gilt für das Kombinieren von Items miteinander wie für das Benutzen der Gegenstände bei den interagierbaren Stellen in der Umgebung gleichermaßen. Solltet ihr mal feststecken, könnt ihr euch immerhin Hinweise bei Sam holen, vorausgesetzt ihr spielt auf „Leicht“. Leider sind die oft gar nicht hilfreich, außerdem kaut euch der metallische Begleiter ein Ohr ab, indem er euch ermahnt, doch bitte nicht zu oft nach Unterstützung zu fragen, weil sonst seine Schaltkreise durchbrennen. Diese Mahnung wiederholt er jedes einzelne Mal.

Dadurch fühlt man sich schlecht, nach Hilfe zu fragen, obwohl das in Wirklichkeit gar keine Konsequenzen hat und man doch eigentlich einfach nur einen Schubs in die richtige Richtung braucht. Die teils zu gut versteckten Items, die oft nicht nachvollziehbaren Lösungen sowie das viel zu häufige Backtracking lassen daher leider keinen knackigen Rätselspaß aufkommen. Dass man dann noch ermahnt wird, nicht zu oft um Hilfe zu bitten, macht die Sache doppelt irritierend.

Stimmige Cyberpunk-Optik mit hervorragendem Soundtrack

Allgemein rockt ENCODYA eine sehr schöne und detailreiche Optik im Cyberpunk-Look. Besonders die Hintergründe und Straßenzüge sind abwechslungsreich gestaltet und sorgen für eine tolle Atmosphäre mit Neonlichtern und technologisch-frisierten Bauwerken. Auch die interkulturelle Mischung aus Berliner Wahrzeichen und architektonischen Einflüssen aus dem asiatischen Raum passt zum dystopischen Bild, das von der Hauptstadt im Jahre 2062 gezeichnet wird. Ebenfalls sehr gelungen sind die Roboter, die die Metropole an allen Ecken und Kanten bevölkern. Die Gesichter der menschlichen Charaktere, und da ist Protagonistin Tina vorne mit dabei, haben leider oft etwas von „Uncanny Valley“ und wollen aufgrund der befremdlichen Mimik nicht so recht in das sonst stimmige Gesamtwerk passen.

Die Zwischensequenzen sind nett gestaltet, leiden aber natürlich auch etwas unter den eher weniger ansehnlichen Menschen. Außerdem sind sie der einzige Schwachpunkt in einem sonst technisch sauberen Spiel: Ohne ein paar Ruckler und Standbilder kam leider keine der Sequenzen aus, zwei sind sogar bis auf die Untertitel ganz und gar schwarz geblieben.

Der Soundtrack ist dann wieder sehr stimmungsvoll und schafft eine wunderbare Kulisse für die einschüchternde Metropole. Die teilweise dröhnenden Klänge wechseln sich mit eher sanften Melodien ab und vermitteln so entweder Einsamkeit und Bedrohung oder Weitläufigkeit und Hoffnung. Viele der Geräusche sind metallisch angehaucht, was den Cyber-Flair unterstreicht, das gilt auch für die auftauchenden Synthesizer-Stimmen. Einzelne Klavier- oder Saxophon-Passagen sorgen für Abwechslung und sind ein Ausgleich zur sonst eher mechanisch klingenden Musik. Hinzu kommt das Prasseln des Regens, das ungemein zur Soundkulisse beiträgt. Ohnehin erinnert der Soundtrack mit seinen langgezogenen Tönen insgesamt sehr an eine filmische Inszenierung und nimmt sich Zeit, sich zu entfalten.

Stumpf ist (T)Rumpf

Der Humor von ENCODYA ist alles in allem ein zweischneidiges Schwert. Einige witzige Bemerkungen sollen die beklemmende Atmosphäre und Geschichte auflockern und schaffen es auch, ab und zu ein Schmunzeln zu entlocken. Vieles zündet allerdings gar nicht. Einige Witze finden auf der Metaebene statt und durchbrechen die vierte Wand, der Eingriff in die Immersion aber funktioniert selten, wie er soll, und lässt SpielerInnen wie Charaktere gleichermaßen verwirrt zurück. Die vielen Referenzen an Internetkultur und andere Videospiele sind selbst oft dann nicht lustig, wenn man sie versteht. ENCODYA weist damit viele Parallelen zum populären Werk Ready Player One auf: Nicht nur was das Setting und den Cyberspace angeht, sondern auch, weil es mit Referenzen um sich wirft, die charmant sein sollen, aber stattdessen deplatziert wirken.

Gleiches gilt für die Gesellschaftskritik in ENCODYA, die wenig subtil wie ein Wink mit dem Zaunpfahl daherkommt. Da wäre zum Beispiel ein berühmter Politiker mit orangefarbenem Gesicht, der in der Rolle von Bürgermeister Rumpf den Antagonisten mimt und mit deutschem Akzent durch die Gegend poltert. Dessen Wahlplakate kommentiert Tina ganz dezent mit Beleidigungen und wutentbranntem Schnauben. Aber auch die sogenannten „Cyber-Zombies“, wie die Protagonistin und ihr Roboter die Menschen mit VR-Brille bezeichnen, die Cyberspace-süchtig auf der Straße herumhängen, haben mit Subtilität wenig gemein.

ENCODYA schneidet viele solcher Themen an: die fortlaufende Zerstörung der Natur durch technischen Fortschritt, digitale Isolation des Individuums, Machtproblematiken von Großkonzernen und Vorurteile gegenüber künstlicher Intelligenz beziehungsweise Robotern im Allgemeinen. Aber weil das Point-and-Click-Abenteuer mit seinen circa zehn Stunden Spielzeit kein besonders langes ist, werden viele dieser Thematiken nur sehr oberflächlich behandelt und können SpielerInnen in ihrer Masse überfordern. Wenn man alles ansprechen möchte, kommt leider auch alles zu kurz.

Fazit

Bildmaterial: ENCODYA, Assemble Entertainment, Chaosmonger Studio

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Titel	Atelier Ryza 2: Lost Legends & the Secret Fairy
	03. Dezember 2020
	Koei Tecmo
	26. Januar 2021
	Koei Tecmo
	29. Januar 2021
	Koei Tecmo
System	PlayStation 4, PlayStation 5, Nintendo Switch, PCs
Getestet für	PlayStation 4
Entwickler	Gust
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Nach dem großen Erfolg von „Atelier Ryza: Ever Darkness & The Secret Hideout“, welchen einige wohl den prallen Schenkeln der Protagonistin zuschreiben mögen, war es nur eine Frage der Zeit, dass ein direktes Sequel hierfür erscheinen sollte. Nun ist es so weit! Mit „Atelier Ryza 2: Lost Legends & the Secret Fairy“ wirft sich unsere gutherzige Heldin wieder einmal ins Abenteuer.

Auch wenn man obigen Punkt nicht gänzlich außer acht lassen kann, so hat man mit dem ersten Atelier Ryza auch einige gute Änderungen und Verbesserungen eingebaut. Das Spiel gab dem Atelier-Franchise einen neuen Anstrich, wenn man so will. Ein eingängigeres Alchemie-System, dynamischere Kämpfe und eine schöne grafische Überarbeitung machen Atelier Ryza um einiges ansprechender, was letztendlich auch sicherlich für ein breiteres Publikum gesorgt haben wird.

Atelier Ryza 2: Lost Legends & the Secret Fairy möchte nun den Erfolg wiederholen und wahrscheinlich am liebsten noch einen drauflegen. Gerade in Zeiten einer weltweiten Pandemie sollte doch ein süchtig machender Gameplayloop, wie der eines typischen Atelier-Spiels, doch hervorragend in die Tagesplanung hineinpassen. Die Ästhetik des Spiels lässt zumindest schon einmal positive Erwartungen wecken.

Landei in der großen Stadt

Story-technisch sind einige Jahre vergangen. Ryza ist nicht mehr das vermeintlich faule Bauernmädchen, sondern eine bekannte Alchemistin. Allerdings hat auch sie der Alltag eingeholt und Kurken Island ödet sie mittlerweile an. Es fehlt etwas. Als sich nun plötzlich ihr alter Freund Tao meldet und sie auf das Festland in die Hauptstadt einlädt, ist sie Feuer und Flamme und macht sich umgehend auf die Reise. Unverhofft stolpert man nun von einem Abenteuer ins nächste und deckt nach und nach die mystischen Legenden eines alten Volkes auf.

Atelier Ryza 2: Lost Legends & the Secret Fairy hält sich in puncto Erzählstil recht nah am Vorgänger. Was recht unspektakulär beginnt, artet kontinuierlich in ein großes Abenteuer aus. Ryza dient hier als das lebensfrohe, unbedarfte Plotdevice, welches SpielerInnen in ihre Welt zieht und ebenso mit ihr durch die Welt stolpern lässt. Immer positiv, immer hilfsbereit und immer offen für alles. Das ist Ryza und das ist einfach eine angenehme und wohltuende Art, ein RPG zu erleben.

Themen wie das Erwachsenwerden mit all seinen Problemen, das noch im ersten Teil sehr prominent eingebunden war, finden hier zwar nicht mehr Anklang, allerdings hört der Kampf im „Alter“ ja nicht schlagartig auf. Die Story geht somit mit der Zeit und passt die Themen dementsprechend an die neue Situation der Freunde an. Auch wenn Ryza gefühlt die geringste Charakterentwicklung durchmacht, so merkt man schon, dass die Zeit nicht spurlos an ihrem Charakter vorbeigezogen ist und sie auch dieses Abenteuer wieder wachsen lässt. Alte Bekannte sowie neue Partymitglieder passen dazu hervorragend in die Geschichte und ergänzen die Heldin mehr als sinnvoll und unterhaltsam.

Mädchen für alles

Atelier-Spiele halten sich grundsätzlich an einen kurzweiligen Gameplayloop aus Synthese, Kampf, Sammeln und Quests. Atelier Ryza 2 macht hier ebenfalls keine Ausnahme, auch wenn auch hier, wie im ersten Teil, durchaus mehr Fokus auf den Story-/Charakter-Quests liegt. Atelier Ryza: Ever Darkness & the Secret Hideout hatte dies damals sehr angenehm und interessant mit der eigentlichen Story verknüpft, sodass man selten ein Gefühl von „Arbeit“, hatte gerade was die Quests betrifft. Der zweite Teil geht hier zwar einen ähnlichen Weg und baut sogar charakterbezogene Quests noch mehr aus, allerdings findet man auch ein üppig gefülltes Brett mit unzähligen Wegwerf-Quests, die man machen sollte, um den eigenen Ruf und somit die Belohnungen zu verbessern.

Wie schon länger Usus, gibt es auch in Atelier Ryza 2: Lost Legends & the Secret Fairy technisch keine Zeitvorgaben, Quests zu erledigen. Allerdings sind Aufträge auf dem berüchtigten Anschlagbrett nur für eine kurze Zeitperiode verfügbar. Auch wenn ich mich selbst hab dadurch stressen lassen, sei gesagt, dass es sich hierbei wirklich nur um unwichtige Fetchquests handelt, die sich sowieso gern wiederholen und letztlich später sogar bessere Belohnungen zu bieten haben. Lasst euch also nicht stressen!

Die nett herausgearbeiteten Charakter-Quests sind auch in Teil zwei wieder mehr als eine schöne Abwechslung. Auch wenn es zum Ende meist doch auf das obligatorische „Gib mir Gegenstand x“ hinausläuft, so sind diese Quests doch schön mit Leben und Charakterentwicklung gespickt. Auch hier wieder alles sehr angenehm und auch spaßig in Szene gesetzt.

Alchemie 101

Ryza ist in Teil zwei schon eine recht erfahrene Alchemistin und besitzt einen ausgiebigen Erfahrungsschatz an Rezepten und Techniken. Um nun SpielerInnen nicht zu überfordern, führt man in Atelier Ryza 2 einen Skilltree ein. Erfolgreiche Synthesen resultieren in Skillpunkten, die dort bekannte Rezepte oder Techniken wie Duplikation, Item Rebuild oder Gem Reduction freischalten. Interessant ist hier, dass man auch Dinge wie die Anzahl an Zutaten, die man einer Synthese hinzufügen darf, erhöhen oder auch das Maximum an Qualität in die Höhe treiben kann. Durchaus viel Raum für Probierfreudige, aber ohne zu kompliziert zu werden. Auch Atelier Ryza 2 legt einen hohen Stellenwert auf Zugänglichkeit.

Auch an neuen Möglichkeiten rund um die Alchemie wurde nicht gespart. Im späteren Verlauf des Spiels kann man sogar die Elementvoraussetzungen eines Rezeptes anpassen, um vielleicht hier höherwertige Zutaten einsetzen zu können. Die nötigen Ressourcen erhält man hier nach Kämpfen, insofern man die Technik im Skilltree zugänglich gemacht hat. Item Rebuild dient weiterhin dazu, alte Kreationen noch einmal auszubessern und die Gem Reduction bietet hierfür die nötigen Komponenten, indem man ungebrauchte Zutaten in eben solche Gems umwandelt. Diese Techniken sind eins zu eins aus dem Vorgänger übernommen.

Die benötigten Zutaten gibt es ebenso nach wie vor bei verschiedenen Händlern oder primär in den weitläufigen Arealen und durch Kämpfe. Ersteres hat in Atelier Ryza 2: Lost Legends & the Secret Fairy noch eine Art Aufbau-Minispiel spendiert bekommen. Zwar gestaltet sich das recht simpel, denn auch hier muss man lediglich verschiedene Zutaten abdrücken, um ein Level zu erhöhen, allerdings winken natürlich dann auch bessere Gegenstände, die man wiederum dem Allzweckkochtopf hinzufügen kann.

Alchemie ist immer einer der Hauptpunkte in einem Atelier-Spiel und da der Vorgänger diesen Aspekt schon wirklich gut entstauben konnte, so setzt das Sequel nun noch ein paar dekorative Schokostreusel obendrauf.

Zu Lande, zu Wasser und in der Luft

Begibt man sich nun außerhalb der Stadt und macht sich auf Erkundungstour, erwarten einen große Gebiete mit zahlreichen Sammelstellen. Auch in Atelier Ryza 2 gibt es wieder verschiedene Möglichkeiten, die begehrten Zutaten abzubauen. Gegenstände wie eine Angel, Schmetterlingsnetz oder die Axt müssen allerdings erst im Skilltree freigeschaltet werden und dementsprechend auch synthetisiert werden. Wer hier möglichst optimiert sammeln möchte, der sollte sich auch näher mit den jeweiligen Upgrades jener Sammelitems befassen. Ryzas Allzweckstab und das allgemeine Sammeln mit den Händen wird hingegen ebenso über den Skilltree aufgelevelt.

Im Laufe der Geschichte schaltet man sogar ein Reittier frei, welches es erlaubt, schneller und auch unbeschadet durch die Gebiete zu kommen. Ebenso erscheinen neue Sammelpunkte, wenn man sich auf dem Reittier befindet. Hier gibt es dann etwa seltene Gegenstände, aber auch Geld und andere hilfreiche Items zu finden. Schwingt man sich auf das magische Tierchen, hat das dazu den Vorteil, dass die meisten Gegner auf der Karte eher das Weite suchen. Das ist vor allem äußerst hilfreich, wenn man sich gerade in einer neuen Gegend befindet und die Gegner noch etwas robuster daherkommen.

Dungeons spielen in Atelier Ryza 2: Lost Legends & the Secret Fairy eine größere Rolle als noch im Vorgänger. Also ein Grund, warum man diese etwas mehr mit Leben gefüllt haben mag. Zwar kommen diese augenscheinlich wie normale Gebiete daher, doch verstecken sich hier alte Erinnerungen einer längst vergessenen Zeit. Diese gilt es zu finden und im Abenteuertagebuch korrekt einzuordnen, damit man die verlorene Legende dieses Gebiets erforschen kann. Lüftet man schließlich die Geheimnisse um die verschiedenen Ruinen, so winken wieder einige Boni in Form von Skillpunkten und neuen Feldern im Skilltree – das natürlich neben dem Wissen um die alten Legenden.

Tote Monster sind auch nur Zutaten

Wenn wir schon beim eifrigen Zutatensammeln sind, sollte man nicht die Kämpfe und schließlich das Kampfsystem unerwähnt lassen. Schon der Vorgänger hat es geschafft, Kämpfe durchaus recht dynamisch zu gestalten. Atelier Ryza 2 legt auch hier wieder etwas nach – ein Trend, der sich eigentlich durch das ganze Spiel zieht. Im Grunde bleibt das Konzept gleich: Man wartet auf seinen Zug, wählt eine Attacke oder ein Item und legt los. Auf Menüs wurde wieder verzichtet und diesmal sind auch Skills verschiedenen Tastenkombinationen zugeordnet.

Dynamischer wird es eben auch bei diesen Skills, denn hier lassen sich mit dem richtigen Timing verheerende Kombos mit den anderen Partymitgliedern vollführen. Die sogenannten Action Orders sind ebenfalls zurück. Erfüllt man die Voraussetzungen auf Zuruf, so werden automatisch verschiedene Angriffs- oder Supportskills ausgeführt. Wechselt man hier geschickt die spielbaren Kampfgefährten, so kann auch hier wieder ein vernichtender Kombinationsangriff provoziert werden. Je nach Timing und geschicktem Einsatz der Techniken kann also ein Kampf selbst gegen einen Gegner der stärkeren Sorte sehr gut gemeistert werden.

Die wirklich große Anpassung fand aber bei den sogenannten Core Crystals statt. Diese dienen dazu, Items in Kämpfen einzusetzen, ohne diese tatsächlich zu verbrauchen. Gesonderte Punkte geben vor, ob und wie viele Items man pro Runde einsetzen kann. Auch kann man zwischen den eigentlichen Zügen durch Einsatz von Action Points schon vorher Gegenstände aktivieren, was vor allem in Notsituationen äußerst hilfreich sein kann. Außerhalb der Kämpfe lassen sich die Core Crystals aufwerten, um zum einen höherwertige oder mehr Items gleichzeitig zu aktivieren, zum anderen aber auch den Basiswert zu erhöhen, so dass man schon am Anfang des Kampfs Items nutzen kann.

Jeder Charakter besitzt zudem noch bestimmte Elementaffinitäten, die sich über Core Crystals verstärken lassen. Dies lässt nicht nur manchen elementbasierten Angriff stärker werden, sondern wirkt sich dann auch auf die jeweiligen ausgewählten Items aus. Ein Grund mehr, im Voraus etwas genauer auf die Verteilung der Angriffsgegenstände zu achten.

Stahlharte Muskeln und pralle Schenkel

Berühmt-berüchtigt ist Atelier Ryza definitiv für sein Charakterdesign und dessen Ästhetik. Ob es nun stramm anliegende Kniestrümpfe, üppig gefüllte Blusen oder einfach blanke Muskeln sind, gerade das Charakterdesign kann sich sehen lassen und auch Teil zwei von Atelier Ryza macht da nicht viel anders. Auch in Atelier Ryza 2: Lost Legends & the Secret Fairy setzt man auf „Thiccness“, vergisst aber mit schönsten Kostümdesigns auch nicht seine Wurzeln. Den Trend, auch einmal abwechslungsreiche Hintergründe zu gestalten, führt man ebenfalls zum Glück fort. Hier und da greift man ebenfalls wieder in die Trickkiste und sprenkelt die Umgebung mit netten Lichteffekten in farbenfroher Atmosphäre.

Auch wenn die grafische Latte bei Atelier-Spielen nicht sonderlich hoch hängt, so gibt es hier wirklich kaum etwas zu meckern. So darf es gerne weitergehen! Gust scheint seinen Stil, was 3D-Spiele betrifft, nun endlich gefunden beziehungsweise gefestigt zu haben.

Musikalisch hat Atelier Ryza 2 auch wieder sehr schöne und beruhigende Klänge zu bieten. Schön, dass sich die Stücke je nach Tageszeit und Wetter leicht abändern und sich so nur noch mehr in den Kopf einbrennen. Einige Stücke haben trotz ihrer Leichtigkeit doch irgendwie Ohrwurmcharakter und sind mittlerweile schon so vertraut, dass ich stets wie in Trance mitsumme, wenn eins der Lieder erklingt.

Mehr als ein Schenkelklopfer

Bildmaterial: Atelier Ryza 2: Lost Legends & the Secret Fairy, Koei Tecmo / Gust

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Titel	The Legend of Heroes: Trails of Cold Steel III (Switch)
	19. März 2020
	Nippon Ichi Software
	30. Juni 2020
	NIS America
	30. Juni 2020
	NIS America
System	Nintendo Switch
Getestet für	Nintendo Switch
Entwickler	Nihon Falcom
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Die „The Legend of Heroes“-Reihe gehört mit „Ys“ zu den bekanntesten und erfolgreichsten Videospielen des Entwicklers Falcom. Seit der Lokalisierung des Vorzeigetitels „The Legend of Heroes: Trails in the Sky“ durch XSEED Games hat sich auch im Rest der Welt die Serie einen Namen gemacht und stieg vom einstigen Nischen-Geheimtipp zum JRPG-Vorzeigemodell auf.

Da die Serie schon einige Titel umfasste, allerdings in verschiedene Story-Arcs aufgeteilt ist, dachte man sich wohl mit dem aktuell zu Ende gegangenen Abschnitt der Geschichte, den richtigen Einstieg für eine zeitlich aktuellere Veröffentlichung zu nutzen. Unter „Trails of Cold Steel“ veröffentlichte man also die aktuellen Geschehnisse außerhalb Japans und schaffte so eine aktuellere Vermarktung auf Kosten fehlender Lokalisierung anderer Teile. Auch XSEED Games strich die Segel und NIS America übernahm ab Teil drei das Zepter.

Nippon Ichi ist auch der Grund, weswegen dieser Text hier überhaupt existiert, denn eine Version für Nintendo Switch hätte man womöglich nicht bekommen, falls alles beim Alten geblieben wäre. Switch-Besitzer haben dennoch nicht wirklich Grund zum Jubeln. Lizenzen und mit Sicherheit zahlreiche andere Faktoren sorgten nämlich dafür, dass kein einziger der Vorgänger bisher für die Konsole erschienen ist. Teil vier des „Cold Steel“-Arcs ist zwar auch angekündigt, aber ein Einstieg mit „Trails of Cold Steel III“ fällt schon allein wegen der Zahlenlogik sicherlich nicht einfach.

Unterwegs in einer Welt voller Fragezeichen

Da dieser Test ausschließlich die Version für Nintendo Switch behandelt, hier der Verweis auf unseren ursprünglichen Text zur PlayStation-4-Version. Falls sich jemand für das eigentliche Spiel mit seinen Qualitäten und wirklichen Mängeln auseinandersetzen möchte, der sollte durchaus einen Blick darauf werfen. Eins ist nämlich Klar, „Trails of Cold Steel III“ für Nintendo Switch erwies sich nach einigen Stunden leider schon als ein unspielbares Debakel!

Wie bereits erwähnt, umfasst die gesamte Geschichte der sogenannten „Trails”-Reihe bis zu „Trails of Cold Steel III“ ganze sieben Vorgänger-Titel, die alle zu einem gewissen Teil für die Gesamthandlung wichtig sind. Zwar sind die drei Story-Arcs, „Trails in the Sky“, die Duologie aus „Trails of Zero“ und „Trails of Blue“ (beide nicht lokalisiert) sowie „Trails of Cold Steel“, durchaus gute Einstiege für das Gesamtbild, aber alleine für sich nur „Trails of Cold Steel III“ spielen zu können, erschwert das Verständnis auf jeden Fall enorm.

Glücklicherweise ist Falcom dafür bekannt, extrem detailverliebte Spiele zu machen und auch das wird in diesem Spiel deutlich. Wichtige Ereignisse werden eingängig erklärt und schaffen so zumindest einen groben Überblick zur allumfassenden Geschichte. Etliche Personen sind einem Serien-Neuling allerdings gänzlich unbekannt und nehmen etwaigen Wiedersehens-Events die Luft und Emotion. Man fühlt sich quasi ständig wie ein Außenstehender, was doch sehr stört, wenn man die eigentlich liebenswert ausgearbeiteten Haupt- und Nebencharaktere vollends genießen möchte.

Vorgezogene Ferien für die Thors Akademie

Mit Anfang der „Trails of Cold Steel“-Spiele wechselte man das Setting in Richtung Schulleben. Nichts Neues und nach Persona und zahlreichen anderen Nachahmern auch nichts sonderlich besonders. Der Protagonist Rean brachte in den vorherigen Teilen seine Schullaufbahn zu Ende und beginnt nun als Lehrer an einem Ableger der berühmten Thors Akademie für militärische Ausbildung des Imperiums von Erebonia. Hier trifft er auf zahlreiche schwierige Studenten und alte Bekannte.

Wie nicht anders zu erwarten von einem Schulsetting, gestaltet sich der Alltag nach Lehrplan und Freizeiten. Ein Schema, das sich quasi in jedem Kapitel wiederholt und dazu dient, die Charaktere näher kennenzulernen und ihnen aus der Patsche zu helfen. Üblicherweise ist der Anfang der Geschichte als JRPG recht gedehnt und beschäftigt sich ziemlich lange mit der Festigung erster Bindungen und dem ein oder anderen Tutorial.

Im Laufe der Zeit wachsen aber das Spielprinzip und die Figuren schnell ans Herz und machen durchaus Lust auf mehr. Doch gerade als es dann spannend wird, heißt es für die Schüler und Spieler selbst: „Zeit für eine vorgezogene Schulschließung“. „Trails of Cold Steel III“ für Nintendo Switch schafft es technisch nicht über den Spielverlauf von Kapitel 2 hinaus und stürzt unaufhörlich an der gleichen Stelle ab. Absolut unakzeptabel und nicht nachvollziehbar gibt es hier auch bis heute keinen Patch, der dieses Verhalten zu stabilisieren vermag. Nach mehreren Versuchen blieb das Ergebnis leider gleich, sodass es hier in puncto Geschichte von meiner Seite nichts mehr zu vermelden gibt.

Es hätte interessant werden können

Auch in Bezug auf das Gameplay sieht es hier nicht sonderlich groß anders aus. Der Anfang gestaltet sich noch recht einfach und richtet sich mehr danach, neue Mechaniken zu erlernen und das Kampfgeschehen zu verinnerlichen. Wenn es dann losgeht mit komplexeren und strategischen Entscheidungen, hat man das Spiel auf Nintendo Switch schon beendet.

Als vielversprechend ist hier aber das Master-Quartz-System zu nennen, welches einem wahrscheinlich im späteren Verlauf viel Variation in der Vorbereitung und dem Angehen von Kämpfen bieten sollte. Mutmaßungen natürlich im Hinblick auf eine nicht funktionierende Software, aber zumindest ein Lichtblick im Bezug auf das zu Beginn recht einfache und variationslose Anordnen von Skills. Laut Entwicklern war dies zwar eine gewollte Änderung aus Balancing-Gründen, allerdings gefiel mir persönlich das kombinationsfreudige Zauber- und Technik-System um Welten besser.

Ein weiterer, offensichtlich wichtiger Bestandteil der Kämpfe in „Trails of Cold Steel III“ sind die, ich nenne sie einmal, Kampfbefehle. Diese Befehle sind auch bei der limitierten Laufzeit der Version für Nintendo Switch durchaus essentiell und entscheidend für den ein oder anderen Bosskampf. Bricht man die Verteidigung eines Gegners, so bauen sich Punkte auf, die sich dann für verschiedene Befehle nutzen lassen. Die einzelnen Befehle sorgen dann für sehr wichtige Statusboni und Sondereffekte. Einige Befehle sind gerade für sinnvolles Einsetzen von Artes, den Zaubern im Spiel, unabdingbar, da die Wirkungsdauer von Zaubern hier drastisch reduziert werden kann. Auch andere brenzlige Situationen lassen sich mit den hilfreichen Kampfbefehlen gut überstehen, falls man denn auch den Überblick über die Rundenreihenfolge behält.

Grafisch kein Wunderwerk

Wie man es nicht anders von einem Switch-Port erwarten sollte, gibt es auch bei „Trails of Cold Steel III“ grafisch einige Abstriche zu verzeichnen. Hintergründe erscheinen oft verschwommen und Charaktere mit sichtlichen, pixeligen Ecken und Kanten. Witzigerweise läuft das Spiel bis zu einem bestimmten Punkt sogar relativ flüssig. sodass man hier und da gern die grafischen Mängel tolerieren könnte. Doch bei großen gefüllten Umgebungen macht Nintendo Switch dann dennoch die Flügel schlapp.

Mit der „Cold Steel“-Arc betrat auch Falcom damals grafisch neue Gefilde. Der etablierte und charmante isometrische 2D-Sprite-Look wurde durch modernere 3D-Welten und entsprechende Charaktermodelle ersetzt. Ein Schritt, der zunächst holprig umgesetzt wurde und erst wachsen musste. Mit Teil drei der Reihe sah man auf PlayStation 4 schon gute Verbesserungen und Teil vier legt wieder etwas mehr zu, ohne in einer Weise an wirklich moderne Grafiken heranzureichen. Letztlich werden das auch nur die wenigsten Fans erwartet haben, da Geld und eine neue Engine gerade bei kleinen Studios erschwerte Bedingungen heißen. Dass man selbst hier noch grafische Abstriche in Kauf nehmen muss und dennoch kein funktionierendes Spiel bekommt, ist hingegen nicht wirklich toll.

Es bleibt abzuwarten, wie sich Teil vier auf Nintendo Switch schlägt, aber auch hier ist das gleiche Studio involviert, die diesen Teil verbockt haben. Wer weiß, was letztendlich die Gründe waren, aber ein bisschen mehr Qualitätskontrolle seitens NIS America dürfte man dennoch erwarten. Traurig!

Aus den Augen, aus dem Sinn

Bildmaterial: The Legend of Heroes: Trails of Cold Steel III, NIS America, Nippon Ichi Software, Falcom

Der Beitrag Im Test! The Legend of Heroes: Trails of Cold Steel III erschien zuerst auf JPGAMES.DE.