Titel	Majogami
	30. Oktober 2025
	Inti Creates
	30. Oktober 2025
	Inti Creates
	30. Oktober 2025
	Inti Creates
System	Switch, Switch 2, PCs
Getestet für	Nintendo Switch
Entwickler	Inti Creates
Genres	Action
Texte
Vertonung

Majogami ist nicht nur das erste „Switch 2“-Spiel für Inti Creates, sondern auch ein Jubiläumstitel für das Entwicklerstudio. Inti Creates, vor allem bekannt für Spiele der „Mega Man“-Serie, aber auch die „Gal Gun“-Reihe und Mighty No. 9, wird 30 Jahre alt!

Majogami selbst und auch viele der Designs und Charaktere sind tatsächlich schon lange ein Thema – nicht nur bei Inti Creates, sondern auch beim Director und Designer Yuji Natsume. So soll das Spiel schon einmal aus Versehen angekündigt worden sein und danach wieder in der Schublade verschwunden, glaubt man den Gerüchten.

Designer Yuji Natsume sollte vielen besonders durch Bloodstained: Ritual of the Night ein Begriff sein, auch wenn er ebenso Designer bei anderen Inti-Creates-Spielen wie zum Beispiel Blaster Master Zero war. Das Besondere an Majogami und Yuji Natsume ist, dass man für diesen Titel ein eher ungewöhnliches Konzept verfolgte. So wurden Designs und Story zuerst entworfen und fertiggestellt. Das passende Gameplay folgte dann erst nach der Fertigstellung.

Man kann also sagen, dass dieses Jubiläumsprojekt ein Herzensprojekt Yuji Natsumes darstellt. Denn er taucht für Majogami ebenso als Director auf. Für gewöhnlich können Inti-Creates-Spiele mit ihrem knackigen, kreativen und durchdachten Gameplay überzeugen. Ob der Ansatz, die Story und Designs in den Fokus zu nehmen, hier ebenso von Erfolg gekrönt sein kann, schauen wir uns nun etwas genauer an.

Eine Hexe ohne Erinnerung

In Majogami spielt man die Hexe Shiroha, die ihre Erinnerungen verloren zu haben scheint. In der ihr unbekannten Welt namens Orchesgra trifft sie auf die Craft Witch Aradia, die Shiroha auf Schritt und Tritt zu folgen scheint. Ebenso scheint sie die Einzige zu sein, die mehr über Shirohas Gedächtnisverlust weiß, aber natürlich nicht mit der Sprache herausrückt – das wäre ja auch viel zu einfach. Ausgestattet mit einem papierschneidenden Schwert muss sie sich nun durch eine Welt voller Gefahren kämpfen.

Auf ihrem Weg durch die Welt von Orchesgra trifft sie recht zügig auf eine Papierpuppe, die sich als ihr Vater vorstellt. Shiroha kann sich mit diesem Gedanken zwar nicht direkt anfreunden, allerdings wachsen die beiden im Lauf der Geschichte zusammen. Neben zahlreichen gefährlichen Craft Witches, die Shiroha besiegen muss, trifft man aber auch auf freundlich gesinnte Bewohner von Orchesgra. Uyuha, die freundliche Verkäuferin, ist ebenso ein ständiger Begleiter wie auch die Astralgeister, die Shiroha besonders gameplaytechnisch unterstützen werden.

Die Story wird meist in Dialogform erzählt, was dem Ganzen schon vom Design her etwas an Tiefe nimmt. Das Design der Dialoge ist allerdings interessant und sticht heraus. Je nach Leistung in den verschiedenen Stages lassen sich auch weitere Konversationen freischalten, die vor allem die Beziehung zwischen Charakteren erweitern. Alles in allem klingt der Aufbau der Geschichte allerdings mehr als ernüchternd, und das ist er dann auch – nicht nur dem Klang nach. Hier und da gibt es unterhaltsame Gespräche, allerdings fehlt es hier definitiv an einem überzeugenderen Konzept, zumal die Story als Fokus des Spiels gelten soll.

Schnitzeln und Schnetzeln

Das eher schwache Konzept der Story zieht sich zu Beginn auch ins Gameplay hinein. Wer hier gut durchdachte und gewohnte Action von Inti Creates erwartet, der wird bei Majogami zunächst auf die lange Bank gelegt. Shiroha ist mit einem Schwert ausgestattet, womit sie nicht nur normale Schläge austeilen kann, denn der große Clou an Majogamis Gameplay ist ihre Spezialattacke namens Setsuna. Hier schwingt man sich dem Gegner direkt mit dem Schwert entgegen und kann von dort aus direkt zum nächsten Gegner teleportieren.

Die Setsuna-Attacke und das daraus resultierende Movement sind für gut die Hälfte des Spiels so ziemlich alles an Innovation, was das Spiel zu bieten hat. Diese – ich nenne sie mal – Tutorial-Phase zieht das ganze Spiel leider in Sachen Pacing stark runter. Oftmals teleportiert man sich einfach mit einem Knopf durch das ganze Level, ohne viel Aufwand. Das ist besonders schade, da das Spiel durchaus auch noch andere Kniffe zu bieten hat. Im Laufe des Spiels lernt man nämlich immer neue Angriffe und Bewegungs-Updates, die das Gameplay schneller und interessanter machen.

Natürlich kommt man allerdings nicht immer mit einem schnellen Setsuna-Angriff weiter, denn zur „Abwechslung“ hat man Gegner eingebaut, die eine Aura um sich haben. Diese Aura lässt sich meist nur mit einem aufgeladenen Setsuna-Angriff durchbrechen, der einen zwangsläufig zum Pausieren zwingt. Die weitaus besseren und interessanteren Gegnertypen sind allerdings solche, die nur durch eine bestimmte Richtung von Setsuna besiegt werden können. Hier werden Movement und Positionierung zu einem wichtigen Gameplay-Aspekt, den man als Pluspunkt verzeichnen kann. Leider braucht das Spiel zu lange, um eine gute Balance zwischen Action, Bewegung und Skill zu schaffen.

Craft-Witch-Kämpfe – das Highlight

Das zu Anfang recht dröge Leveldesign und die immer wiederkehrenden Gegnertypen werden nur durch die recht häufigen Bosskämpfe gegen die sogenannten Craft Witches aufgepeppt. Hier tritt man in einer Arena gegen einen großen Bossgegner an, der in verschiedenen Phasen durchaus interessante Taktiken und Mechaniken abverlangt. Besonders zu erwähnen sind hier die verschiedenen Spezialattacken der Hexen, die nicht nur schön animiert sind, sondern auch gameplaytechnisch Positionierung, Reflexe und taktisches Einsetzen der Astralgeister verlangen.

Astralgeister trifft unsere Heldin Shiroha je nach Spielfortschritt. Nach Erhalt des ersten Geists erscheint eine neue Leiste, die sich mit verschiedenen Aktionen füllen lässt. Je nach Füllstand kann dann die Kraft der Geister beschworen werden. Für gewöhnlich wird hier das Schwert in einer gewissen Weise aufgepowert, allerdings verwandelt sich Shiroha bei maximalem Füllstand in eine neue Hybridform – je nach ausgewähltem Astralgeist.

Im verwandelten Modus eröffnet man dem Spieler weitere und bessere Bewegungsoptionen sowie verheerende Spezialattacken, die später auch wichtig bei den Bosskämpfen werden. Nicht umsonst sind die Bosskämpfe das Highlight des Spiels, denn um diese letztlich zu besiegen, gibt es später auch besondere Bedingungen, die man erfüllen muss. Ein Beispiel hier wäre das erfolgreiche Abblocken eines Spezialangriffs, während man in der Astralverwandlungsform ist, um daraufhin mit der eigenen Spezialattacke den Todesstoß zu setzen. Solche kleinen Dinge wünscht man sich auch in den normalen Leveln, doch da muss man leider erst ein paar Stunden investieren.

Design – das A und O?

Wie zu Anfang erwähnt, war das Design neben der umfassenden Geschichte eines der ersten Dinge, die für Majogami fertiggestellt wurden. Und designtechnisch kann man sagen, wird hier abgeliefert. Die Designs von Yuji Natsume machen nicht nur in 2D als Charakterporträts, sondern auch bei den 3D-Modellen eine gute Figur. Das Storytelling ist ebenso im eigenen Design angehaucht und ist zwar nicht sonderlich umwerfend, aber durchaus ansehnlich.

Genauso wie in Sachen Gameplay sind die Craft-Witch-Bosskämpfe auch ein visuelles Erlebnis. Spezialattacken und Präsentation der Bosse können sich sehen lassen. Leider hat man auch hier wieder das Gefühl, dass man die normalen Stages außer Acht gelassen hat. Zwar gibt es auch hier interessante Gegner- und Leveldesigns, allerdings nur eine Handvoll davon. Heißt im Umkehrschluss, dass sich Stages sehr oft designtechnisch wiederholen und diese auch immer wieder mit den gleichen Gegnern gefüllt sind. Für ein Spiel, das den Hauptfokus unter anderem auf die Designs legt, ist das letztlich einfach zu wenig.

Musikalisch findet man hier allerdings eine recht gute Umsetzung. Mit atmosphärischen Klavierstücken, gutem Sounddesign und motivierten japanischen Sprechern wird man hier durchs Spiel begleitet. Und auch wenn der Rest mitunter zu viel Anlaufzeit benötigt beziehungsweise man immer und immer wieder die gleichen Gegnermodelle sieht, so kann man hier wenigstens eine gute musikalische Untermalung erwarten.

Ein Jubiläum ohne Knalleffekt

Bildmaterial: Majogami, Inti Creates

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Titel	Shuten Order
	05. September 2025
	DMM Games
	05. September 2025
	Spike Chunsoft
	05. September 2025
	Spike Chunsoft
System	Nintendo Switch, PCs
Getestet für	Nintendo Switch
Entwickler	Too Kyo Games, Neilo
Genres	Adventure, Visual Novel
Texte
Vertonung

Mit The Hundred Line: Last Defense Academy liegt der letzte Too-Kyo-Games-Titel gar nicht mal so lange zurück. Dennoch hat Kazutaka Kodaka im stillen Kämmerlein schon am nächsten Titel gearbeitet. Mit Shuten Order schlägt man abermals eine kreative Richtung ein – gerade in Sachen Gameplay. Eigentlich ein, wie von Kodaka gewohnt, an Visual Novels angelehntes Detektiv-Adventure, will man mit einem buchstäblichen Genre-Mix für interessante Aspekte in Sachen Abwechslung sorgen.

Shuten Order erinnert hierbei in seinem Grundaufbau zwar sehr stark an Danganronpa, allerdings bleibt das nur der Ersteindruck. Mit verschiedensten Genre-Abstechern versucht man sich nämlich merklich von jeglichen Vergleichen zu lösen. Sei es das obligatorische Detektiv-Adventure, Escape-Room-Passagen, Survival-Horror oder auch Dating-Sim – Shuten Order will dies alles unter einen Hut bringen.

Wie diese vielen Genres jedoch unter besagten Hut passen und ob der Mischmasch überhaupt ein gutes Endprodukt ergibt, das lohnt sich definitiv herauszufinden. Interesse sollte der Titel nicht ausschließlich bei Danganronpa-Fans geweckt haben, denn Design, Prämisse und Gameplay wirken mehr als wild. Ob man sich hier allerdings nicht doch zu weit aus dem Fenster gelehnt hat, wollen wir uns nun einmal anschauen.

Göttliche Kraft

Shuten Order beginnt mit einem Knall: Ein zerstückelter Leichnam fällt geradezu mit göttlicher Ästhetik vom Himmel herab, ein Beobachter frohlockt beim Anblick und stößt euphorisch ein „Happy New End“ in die Weiten der klaren Nacht hinaus. Was wie eine göttliche Offenbarung inszeniert ist, stellt sich allerdings im Folgenden als ein recht tragisches Ereignis heraus. Unsere Protagonistin selbst ist nämlich dieser Leichnam – und wird auf sonderbare Weise durch die Kraft Gottes wiedergeboren.

Nach einem ungewöhnlichen Besuch zweier Engel, die unsere wiedergeborene Heldin eher absichtlich im Dunkeln lassen, macht sich Rei Shimobe auf die Suche nach ihrem Mörder. Die sogenannte Shuten Order dient hierzu als Bühne, denn hierbei handelt es sich um einen sektenähnlichen Gottesstaat, der strikte Regeln verfolgt und zumindest augenscheinlich auf Zucht und Ordnung setzt. Das Opfer Rei Shimobe war darüber hinaus die Gründerin dieses Gebiets – was den Fall umso spektakulärer macht.

Verdächtigt werden selbstverständlich die Staatsminister – und hier beginnt dann auch schon der wilde Ritt auf dem Gameplay-Karussell. Um den Fall aufzuklären, wählt man in Shuten Order verschiedene Routen aus, jede mit einem anderen Gameplay-Kern und einem anderen Minister als Hauptfigur. Erzählerisch sammelt man theoretisch in jeder Route Bröckchen an weiterführenden Informationen, um später ein großes Ganzes daraus zu formen. Auch wenn die Geschichte insgesamt durchaus spannend ist, hat die freie Auswahl der Routen in Sachen Erzählstruktur ihre Tücken.

Zäher Erzählstil

Dem kreativen Ansatz zum Trotz gestaltet sich die Erzählstruktur von Shuten Order leider eher zäh – besonders, da man keine feste Routenreihenfolge vorgibt. Die Informationsbrocken der einzelnen Routen sind hier schlussendlich mehr als klein, was einem nach gut 40 Stunden mitunter immer noch kein klares Bild beschert. Auch der zusammenführende Endabschnitt zieht sich gewaltig in die Länge. Äußerst schade, denn die einzelnen Routen selbst sind – bis auf wenige Ausnahmen – recht gut erzählt.

Das gesamte Spiel wird dadurch zu nichts Halbem und nichts Ganzem, da die verschiedenen Routen zwar als Teilhandlungen sauber erzählt sind, letztlich aber nur als marginale Teile einer viel zu stark in die Länge gezogenen Hauptstory mitschwingen.

Die Themen und der schließlich aufgedeckte Fall mitsamt Hintergründen lassen allerdings keinen Zweifel an Kodakas Handschrift. Der Mann sprüht vor Kreativität – und das ist auch in Shuten Order deutlich spürbar. Jedoch haben selbst die ausgeklügelteste Geschichte und der kreativste Charme wenig entgegenzusetzen, wenn Struktur und Erzähltempo fehlen.

Texte und Story sind aber nicht alles in Shuten Order, denn zur Auflockerung der Handlung hat man sich an einen Mix aus verschiedenen Genres gewagt. Jede Route bringt ein neues Gameplay-Element mit sich, um nicht die ganze Zeit einfach nur zu lesen. Eine interessante und erneut kreative Idee – doch auch hier muss man mit Abstrichen leben.

Ein Abstecher in unbekannte Gewässer

Das besondere Feature von Shuten Order ist der Gameplay-Mix aus verschiedenen Genres. Wie bereits erwähnt, beschränken sich die ungewöhnlichen Gameplay-Mechaniken auf die verschiedenen Routen der Story. Auch wenn manche Routen ein eher actionorientiertes Gameplay mitliefern, so dienen die Mechaniken im Grunde nur der Auflockerung des eigentlichen Visual-Novel-Erlebnisses.

Eine Route setzt zum Beispiel auf eine stark weichgespülte Hommage an Danganronpa, mit Erkundungspassagen und einer Art Verhandlung am Ende, um einen Täter zu überführen. Die eher actionlastigen Routen bringen Puzzle-Mechaniken und Survival-Horror-Elemente mit sich, die – obwohl wirklich unterhaltsam – eher als Dekoration fungieren. Eine Dating-Sim-Route versetzt unsere Protagonistin in ein Schulsetting, in dem sie eine der Mitschülerinnen mit ihrem Charme verzaubern muss.

Das letzte der fünf Szenarien wirft den Spieler in ein klassisches Visual-Novel-Setting, mit Textwänden und zahlreichen Entscheidungsmöglichkeiten, um voranzukommen. Dieser Part ist auch der zähste, was das Pacing betrifft, für Fans von Visual Novels aber womöglich einer der interessantesten. Alle Gameplay-Abstecher sind in erster Linie kreativ und unterhaltsam umgesetzt – allerdings dienen sie letztlich nur als Gimmick, was man an der oft fehlenden Herausforderung der Puzzles und Aufgaben merkt.

Interessantes Design

Shuten Order bietet neben dem Gameplay auch ein sehr ansprechendes Design. Die Charaktermodelle sind ausgefallen und ausdrucksstark. Auch hier erkennt man unverkennbar die Handschrift von Kodakas Team, denn – wie schon in Danganronpa – geben sich außergewöhnliche und exzentrische Charaktere die Klinke in die Hand.

Mit verschiedenen übertriebenen Effekten werden Szenen hervorgehoben und Leben in die Geschichte gebracht. Teilweise wechselt man auch von bloßen Textbox-Dialogen zu 3D-Erkundungspassagen oder sogar in eine First-Person-Sicht. An der Umsetzung gibt es hier wenig auszusetzen. Stellenweise weicht man sogar von der typischerweise in Lila gehaltenen Farbe von Blut ab und färbt dieses tatsächlich rot ein – möglicherweise ist das aber auch einfach den Zensoren durchgerutscht.

Musikalisch erinnert Shuten Order wieder stark an Danganronpa. Die Stücke klingen so ähnlich, dass man fast glauben könnte, sie seien direkt aus den alten Spielen übernommen. Mich konnte der Soundtrack relativ wenig bewegen, da er mehr im Hintergrund ohne große Akzente dahindudelt. Letztlich ist das aber Geschmackssache, denn schlecht ist die musikalische Untermalung keineswegs. Die japanische Synchronisation hingegen ist wieder einmal ein Highlight. Besonders unsere androgyne Protagonistin wird hier ebenso mehrdeutig gesprochen.

Kreative Umsetzung mit schwächelndem Kern

Bildmaterial: Shuten Order, Spike Chunsoft, DMM Games, Too Kyo Games, Neilo

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Titel	No Sleep For Kaname Date – From AI: The Somnium Files
	25. Juli 2025
	Spike Chunsoft
	25. Juli 2025
	Spike Chunsoft
	25. Juli 2025
	Spike Chunsoft
System	Nintendo Switch, Nintendo Switch 2, PCs
Getestet für	Nintendo Switch
Entwickler	Spike Chunsoft
Genres	Detective Adventure/Puzzle
Texte
Vertonung

Die Ankündigung zu No Sleep For Kaname Date – From AI: The Somnium Files war sicherlich überraschend, aber auch äußerst begrüßenswert. Die beiden Hauptteile zur exzentrischen Detektiv-Visual-Novel AI: The Somnium Files fanden bei Fans sehr großen, positiven Anklang.

Mit dem Spin-off-Titel No Sleep For Kaname Date – From AI: The Somnium Files agiert der kreative Kopf hinter der Serie, Kotaro Uchikoshi, zwar nur noch in Kontrollfunktion, allerdings war ihm die Qualität nach eigenen Aussagen besonders wichtig.

Das Spiel selbst fängt Atmosphäre, Humor und eben auch die Qualität ohne große Abstriche ein, allerdings gibt es gameplaytechnisch ein paar Änderungen im Ablauf. No Sleep For Kaname Date – From AI: The Somnium Files nimmt die Rolle als Spin-off-Titel ernst und führt mit einigen kniffligen Escape-Room-Passagen ein neues Element den Spielen hinzu. Was neu für die „AI: The Somnium Files“-Spiele ist, entpuppt sich aber auch als Hommage an Uchikoshis frühe Spiele, die Escape-Room-Elemente als Kern hatten.

Eine Kombination also, die eigentlich wie die Faust aufs Auge passen sollte, will man meinen. So viel vorweg, No Sleep For Kaname Date – From AI: The Somnium Files ist trotz einiger Stimmen in der Community kein versteckter dritter Teil der Somnium-Spiele.

Als bloßer Spin-off-Titel muss man leider mit ein paar Abschlägen rechnen, was Spielzeit und die allgemeine Tiefe der Story angeht. Nichtsdestotrotz ist mehr von AI: The Somnium Files immer ein Gewinn und daher auch einen genaueren Blick wert.

Ein schlafloser Tag

Kaname Date, unser Held in besudelter Rüstung, kehrt für das Spin-off als Hauptprotagonist zurück. Ein großer Teil des Charmes von den „AI: The Somnium Files“-Spielen ist ihr absolut absurder Charakter. Ungehobelt, albern, teils dümmlich und vor allem ein Fan obszöner Magazine; Kaname Date ist ein Antiheld, wie er im Buche steht. Dennoch und vor allem im Zusammenspiel mit seiner KI-Partnerin Aiba bilden sie ein äußerst witziges und sympathisches Gespann, was den Humor und wahrscheinlich auch die ganze Serie trägt.

Auch in No Sleep For Kaname Date – From AI: The Somnium Files stolpert das Duo in einen Fall, der letztlich mal wieder nicht so offensichtlich zu sein scheint, wie anfangs angenommen. Zu Beginn wird das Internet-Idol A-Set oder auch Iris augenscheinlich von Aliens entführt.

Wie üblich in AI: The Somnium Files haken diese ominösen Aliens natürlich alle Boxen im Verschwörungstheorien-Bingo ab und es liegt nun an Iris allein, aus verschiedenen Räumen zu entkommen. Date hingegen begibt sich auf Detektiv-Arbeit um Iris zu finden. Hierbei stolpert er über alte Bekannte, aber auch neue Charaktere, die einen wichtigen Part in der Story einnehmen.

Während wir mit Date das normale „AI: The Somnium Files“-Gameplay mit Zeugenbefragung, Indiziensuche und natürlich Somnium-Dives geboten bekommen, schlägt sich Iris mit den neuen Gameplay-Passagen, also den erwähnten Escape-Room-Abschnitten, herum.

In puncto Story muss man bei No Sleep For Kaname Date – From AI: The Somnium Files ein paar Abstriche machen. Die Geschichte bleibt mit wenigen Wendungen eher vorhersehbar. Dennoch ist man qualitativ doch recht nah an den anderen Teilen, besonders, was Dialoge und Humor betrifft. Letztendlich zieht sich die komplette Handlung nur über einen Ingame-Tag, was unserem schlaflosen Helden eigentlich genug Schlaf geben sollte nach getaner Arbeit.

Such den Weg nach draußen

Den größten Anteil des Spiels nehmen die Escape-Room-Passagen ein. Hier gilt es allerhand Logikrätsel und Ähnliches zu lösen. Entgegen der eher abstrakten Somnium-Dives, die mehr Trial and Error oder einen weit hergeholten Lösungsweg verlangen, geht es bei den Escape-Room-Abschnitten geordneter und weitaus logischer zur Sache. Ein Glück, dass das Entwicklerteam einen wirklichen Kenner des Genres mit Uchikoshi an Bord hat. Das macht sich auch besonders in der Komplexität und der Abwechslungsreiche bemerkbar.

Die Rätsel selbst können mitunter knifflig sein, allerdings gibt es hier, bis auf ein paar Ausnahmen, keinen Zeitdruck. Durch verschiedenste Einstellungen des Schwierigkeitsgrads kann das Spielerlebnis auch ohne Probleme nach eigenem Ermessen angepasst werden.

Das Ganze macht sich dann durch etwaige Tipps bis hin zur direkten Lösung, falls man wirklich auf dem Schlauch steht, bemerkbar. Je nach Dauer, die man für ein Rätsel benötigt, wird das Spiel auch zum Wechsel des Schwierigkeitsgrads raten – das kann man aber dann auch nach Belieben ablehnen, wenn man sich die Blöße grad nicht geben mag.

Die Steuerung dieser Abschnitte gleicht der der anderen Abschnitte des Spiels und ist größtenteils selbsterklärend, weswegen man hier auch nicht näher auf die einzelnen Rätsel eingehen muss. Ein wichtiger Bestandteil der „AI: The Somnium Files“-Spiele ist nämlich auch der Überraschungseffekt. Ein Erlebnis, das hier natürlich nicht genommen werden soll. Auch über die restlichen Gameplay-Abschnitte soll nicht zu viel verraten werden, dennoch lohnt es sich auch hier einen Blick zu riskieren.

Ab in die Träume

Neben der bereits mehrmals erwähnten Somnium-Dive-Mechanik, die hier schon mehrmals erwähnt wurde, gehen wir zunächst einmal auf die allgemeine Erkundung und den Storyablauf ein. Zu einem großen Teil ist das Gameplay hier einem eher strikten Storyverlauf folgend.

Bestimmte Orte werden besucht und bekannten Personen Fragen gestellt. Der witzige Kniff der AI-Spiele ist hier allerdings die Interaktion mit verschiedenen Objekten oder Dialogoptionen. Mitunter kommt es hier nämlich vor, dass man durch eine augenscheinlich uninteressante Interaktion lustige Dialoge oder auch Enden freispielt.

Das genaue Untersuchen belohnt auch No Sleep For Kaname Date – From AI: The Somnium Files auf diese Weise und spielt dem besonderen Humor in die Karten. Als Spin-off-Titel vermisst man aber die unterschiedlichen Storyabzweigungen, die dem Spiel und der Geschichte etwas an Komplexität und Charme nehmen. Zwar gibt es, wie bereits erwähnt, auch andere Enden; diese sind aber eher witziger Natur und für den restlichen Verlauf gänzlich irrelevant.

Ab und an kommt es vor, dass man durch verschiedene Indizien oder vage Zeugenaussagen nicht wirklich vorankommt. Hierfür gibt es die Somnium-Dives. Unser Protagonist klinkt sich über eine sogenannte Psynch-Maschine in den Kopf der jeweiligen Person und durchlebt eine Art Traumwelt, die das Innere der Gedankenwelt symbolisieren soll.

Hier schlüpfen wir auch in die Rolle von Aiba, die unter Zeitdruck auf verschiedenste Weise die richtigen Trigger aktivieren muss, um schließlich auf des Pudels Kern zu kommen. Durch den eher auf Trial and Error ausgelegten Ablauf, können diese Passagen auch recht stressig werden. Ein definitiver Spannungsboost und im Grunde auch sehr gut balanciert.

Atami, ein Konzept

In Sachen Design bekommt man Bekanntes serviert. Altbekannte Umgebungen und Charaktere, die man bereits genauso in den anderen Teilen gesehen hat. Die wenigen neuen Charaktere fügen sich allerdings ohne Probleme in die gewohnte Umgebung ein. Ein besonders positiver Aspekt der Designs sind die übertriebenen Reaktionen der Charaktere, die den abgedrehten Humor der Spiele mittragen. Einige wenige Filmsequenzen können sich aber mit sehr hohem Qualitätsniveau absetzen.

Die Regel ist das zwar nicht, aber man sieht, wozu das Team auch in der Lage wäre, wenn man sich nochmal an die etablierten Assets herantrauen würde – ein interessanter erster Ausblick auf einen echten dritten Hauptteil. Soundtechnisch sind wir bei No Sleep For Kaname Date – From AI: The Somnium Files eher unauffällig unterwegs. Im Vergleich zu den Vorgängern gibt es musikalisch auf Grund der altbekannten Orte so gut wie keine neuen Titel. Herausragend ist aber besonders die japanische Synchronisation, die für mich der Serie nochmal extra Charme verleiht.

Auch wenn der allgemeine Spielumfang sich grob an der Hälfte eines Hauptspiels orientiert, bietet die Bonussektion nach dem Durchspielen doch außergewöhnlich viel an witzigen Extras. Hier gibt es nebst humorvollen Nebengeschichten im Old-School-Visual-Novel-Format auch andere unterhaltsame Sachen zum Freischalten. Für Fans wird hier sicherlich nochmal einiges geboten, was über den geringen Umfang des eigentlichen Spiels zwar nicht hinwegsehen lässt, aber zumindest ein wenig für Fanservice sorgen kann.

Wann kommt Teil drei?

Bildmaterial: No Sleep For Kaname Date – From AI: The Somnium Files, Spike Chunsoft

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Titel	RAIDOU Remastered: The Mystery of the Soulless Army
	19. Juni 2025
	Atlus
	19. Juni 2025
	Atlus
	19. Juni 2025
	Atlus
System	PlayStation 4, PlayStation 5, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2, Xbox Series X/S, PCs
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Atlus
Genres	Action-RPG
Texte
Vertonung

Mit RAIDOU Remastered: The Mystery of the Soulless Army erscheint eine aktualisierte Version eines Klassikers des Shin-Megami-Tensei-Franchises mit dem vollmundigen Namen Devil Summoner: Raidou Kuzunoha vs. The Soulless Army. Beide Titel nehmen sich nichts in Sachen Länge, jedoch verzichtet der neue Titel auf den eigentlich recht interessanten Teil. Die Rede ist hier von „Devil Summoner“, denn hiermit läutete Atlus damals das erste Spin-off zum Kerngeschäft mit Megami Tensei ein.

Die Devil-Summoner-Spiele haben sich damals besonders im Setting von mehr apokalyptischen Post-Zerstörungs-Szenarien in den Megaten-Spielen auf die aktuelle Zeit beschränkt. Raidou Kuzunoha schlug als dritter Teil der Devil-Summoner-Reihe sogar noch einen ganz anderen Weg ein.

Mit einem authentischen Setting in der Taisho-Zeit Japans fokussiert man sich auf eine kurze, aber auch interessante Periode des modernen Japans. Mit der vor einiger Zeit initiierten Remake- und Remaster-Welle bei Atlus, war es nur eine Frage der Zeit, dem Protagonisten mit dem originellen Design und klingendem Titel Raidou Kuzunoha eine moderne Neuauflage zu spendieren.

Besonders, wenn man in Betracht zieht, dass der Held oftmals auch in anderen Spielen mit Gastauftritten glänzen konnte, während einige Spieler gar keinen Schimmer hatten, wer das denn nun sein soll. Die Geschichte um den namenlosen Helden mit dem Titel Raidou Kuzunoha bekam damals sogar ein Nachfolgerspiel.

Einige „Neuerungen“ des Remasters sind hier tatsächlich aus diesem Sequel übernommen. Auch wenn es nicht wirklich neue Ideen sind, die RAIDOU Remastered: The Mystery of the Soulless Army zu einem spielenswerten Erlebnis machen, so gibt es doch einige Anpassungen, die das heutige Publikum interessieren könnten.

Auf dem Weg zur Moderne

Die Geschichte von RAIDOU Remastered dreht sich nicht nur um unseren Protagonisten, sondern befasst sich auch besonders mit der speziellen Epoche der japanischen Geschichte. Die Taisho-Zeit markiert den Weg Japans in die Moderne mit aufkommenden neuen Technologien und wachsendem ausländischem Einfluss. Dies spiegelt sich in der gesamten Story wider. Gespräche mit der Bevölkerung, die Umgebungen und etliche Nebenquests und Hauptaufgaben beschäftigen sich mit dem Zwiespalt zwischen dem traditionellen Japan und dem Westen.

Wenn ein alter Rikscha-Fahrer sich über das steigende Aufkommen von Autos beschwert oder ausländische Händler ihre exotischen Waren anbieten, ist das nicht nur ein interessantes Setting für eine Geschichte, sondern kann auch zutiefst gesellschaftskritisch sein. Das philosophische Storytelling der Megaten-Spiele findet sich somit auch im Raidou-Ableger wieder, jedoch ohne wirklich tief in eine Sache einzusteigen. Auch die Hauptgeschichte hat letztlich nicht viel Tiefgründiges zu bieten und setzt auf eine Episoden-Struktur, die an den Aufbau einer seichten Anime-Serie erinnert.

Als eine Art Gehilfe in einer Detektei macht sich der 14. Raidou Kuzunoha auf, mysteriöse Fälle aufzuklären, die oftmals einen dämonischen Hintergrund haben. Wie gut, dass man in der Lage ist, eben jene Dämonen zu beschwören und die Fähigkeit besitzt zwischen der normalen Welt und dem Dämonen-Reich hin und her zu wechseln. Der Job als Aushilfsdetektiv ist also quasi maßgeschneidert für das fiktive Taisho-Setting. Trotz des episodischen Aufbaus mit einzelnen Fällen, arbeitet man schlussendlich auf ein großes zusammenführendes Element, das trotz fehlender Tiefe dennoch zu unterhalten weiß.

Action mit Dämonen

Kein Megaten-Spiel ohne Kämpfe gegen und/oder mit Dämonen. Das gilt auch für RAIDOU Remastered. Im Kern wird hier nicht das Rad neu erfunden. Im sogenannten Goumaden trifft man auf eine exzentrische Person, die aus irgendeinem Grund in der Lage ist Dämonen miteinander zu verschmelzen. Natürlich sagen wir da nicht nein und sind schon mitten in der Serien-typischen Dämonen-Fusion. Genau wie in jedem anderen Megaten-Spiel kann man hier zum einen registrierte Dämonen beschwören und verschmelzen, zum anderen lassen sich im Kampf gefangene Dämonen ohne weiteres fusionieren.

Wichtig sind hier nur das Grund-Level des Protagonisten und die richtigen Zutaten-Dämonen. Aktive und passive Skills können abschließend auf den neu kreierten Dämon übertragen werden, was eine geeignete Kombination aus nützlichen Dämonen voraussetzt. Skills können zwar auch durch Items auf Dämonen übertragen werden, doch sind diese meist recht kostspielig oder selten, was die Fusion mit Plan klar als bessere Option dastehen lässt. Da Dämonen mit steigendem Level weitere Skills erlernen, macht es hier sogar noch mehr Sinn, erst einmal ein wenig mit den verschiedenen Mitstreitern zu trainieren, bevor sie letztendlich als Zutat enden.

Der wirkliche große Unterschied zu anderen Serienablegern ist der Kampf selbst. Dieser läuft in RAIDOU Remastered nämlich in Echtzeit und mit actionbasiertem Kampfsystem ab. Als Mitstreiter lassen sich gleichzeitig zwei Dämonen beschwören, die dann automatisch ihre Attacken ausführen, je nachdem wie viel Mana verfügbar ist. Aktiv kontrolliert wird hier nur der Protagonist, der mit verschiedenen Waffen und Angriffszaubern Kombos vollführt und Schwächen der Gegner ausfindig macht.

Dämonische Action

Kämpfe gestalten sich somit schnell und manchmal auch leicht unübersichtlich. Aktives Ausweichen und gezielte Kombinationen auszuführen, während man darauf hofft, dass der dämonische Mitstreiter eine Schwäche ausnutzt, kann stressig werden. Ebenso verliert das Kampfsystem im Gegensatz zu den üblichen rundenbasierten Kämpfen auch ein wenig an Taktik. Dämonen lassen sich zwar jederzeit aus- und einwechseln, um Schwächen gezielt auszunutzen, allerdings ist das auch meist schon alles, was man beachten muss.

Trotz actionbasiertem Kampfsystem, Dämonen-Wechsel, Skill-Anpassung und Ähnlichem, leidet das Spiel in den wichtigen Momenten an Trägheit und fehlender Responsivität. Der Wechsel zu den Menüs bringt das Kampfgeschehen ins Stocken und spielt somit entgegen der eigentlichen Intention, ein flüssiges actionbasiertes Kampfsystem zu bieten. Oftmals wählte ich bei den recht kurzen Kämpfen eben doch nicht die beste Kombination aus Dämonen oder den richtigen Zauber, da der Wechsel in die Menüs einfach zu nervig ist.

Intuitiver ist hier hingegen die Nutzung der Schusswaffe, welche per Knopfdruck sofort einsetzbar ist und ihren Zweck erfüllt. Schnelle Dämonen lassen sich hiermit einfach betäuben und manch ein Gegner kann auch schwach gegen Projektile sein. Weiter gibt es die Möglichkeit, Dämonen in Notsituationen in den Verteidigungsmodus zu setzen. Diese nehmen dann keinen Schaden und ermöglichen dem Spieler, sich voll auf das Ausweichen von bildschirmfüllenden Massenattacken zu konzentrieren. Beide Features zeigen, dass einfaches und flüssiges Kämpfen möglich ist, aber in anderen wichtigen Teilen des Kampfsystems leider schlecht umgesetzt wurde.

Entdecke die Hauptstadt

Der Ort des Geschehens ist die sogenannte „Hauptstadt“. Hier spielt sich alles ab und vermittelt die Taisho-Ära direkt auf einen Blick. Traditionelle Gebäude gepaart mit westlichem Baustil und eine Straßenbahn, die alles miteinander verbindet. Die Karte selbst ist serientypisch in der Top-Down-Perspektive gehalten mit dem ein oder anderen NPC, der als Mensch-Ärgere-Dich-Nicht-Figur dargestellt wird. Das Setting ist zum PlayStation-2-Orginal bis auf eine höhere Auflösung unverändert.

Der Stil des Spiels in Sachen Charaktere, Umgebung und Dämonen hält sich unverkennbar an den vertrauten Look älterer Megaten-Ableger. Hier vermitteln besonders die Charakterdesigns den Wiedererkennungswert und machen auch einen Großteil des Charmes von RAIDOU Remastered aus. Im Großen und Ganzen hält man sich aber stark an die Vorlage und vermittelt so den distinktiven Stil der Ära von japanischen PlayStation-2-Spielen.

Musikalisch weiß man auch sofort, woran man ist, besonders, wenn man eher mit Megaten-Spin-offs vertraut ist. Denn Komponist Shoji Meguro hatte auch hier seine Finger im Spiel, was man auch ohne Probleme heraushören kann. Neu in RAIDOU Remastered ist die umfassende Vertonung in Japanisch und Englisch, die sich sehen beziehungsweise hören lassen kann. RAIDOU Remastered kann sich hier auf die Fahne schreiben lassen, ein besonders originalgetreues Remaster abgeliefert zu haben. Experimente gibt es hier nicht und das kommt wahrscheinlich Fans des Originals zugute.

Ein recht spezieller Detektiv

Bildmaterial: RAIDOU Remastered: The Mystery of the Soulless Army, Atlus

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Titel	Fatal Fury: City of the Wolves
	24. April 2025
	SNK
	24. April 2025
	SNK
	24. April 2025
	SNK
System	PlayStation 5, PlayStation 4, Xbox Series X/S, PCs
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	KOF Studio
Genres	Fighting
Texte
Vertonung

Fatal Fury hat zwar eine recht lange Historie zu verzeichnen, allerdings war es auch gut ein Vierteljahrhundert still um die Serie. Abgesehen von Pachinko-Spielen und dem ein oder anderen Gastauftritt in anderen Spielen, sind gut 26 Jahre ohne einen neuen Hauptteil ins Land gezogen. Mit City of the Wolves setzt man der langen Durststrecke nun ein Ende und will wieder im Kampfsektor angreifen. Damals war der einzige große Konkurrent Street Fighter, doch nun hat sich das Feld um einiges verbreitert.

Heutzutage hat sich bei Kampfspielen ein eher negativer Trend durchgesetzt. Zum einen der Hang zu online beziehungsweise zum kompetitiven Sektor, zum anderen werden Spiele nur noch als grobes Skelett veröffentlicht mit der Ankündigung von unzähligen Season-Pässen. Auch Fatal Fury: City of the Wolves muss sich diesem Trend hingeben, was die sofortige Ankündigung ebendieser DLC-Zusätze mit sich brachte.

Die Konkurrenz ist immens und Alleinstellungsmerkmale sind neben einer guten Online-Präsenz unabdingbar, um Spieler an sich zu binden. Zwar hatte Fatal Fury immer schon den ein oder anderen Alleinstellungsfaktor, allerdings war dies oft auf einen detaillierten Single-Player-Modus mit Fokus auf die Geschichte beschränkt. Ob sich noch andere serientypische Punkte im neuen Hauptspiel wiederfinden oder ob man sich der Massentauglichkeit hingibt, schauen wir uns nun einmal genauer an.

Ausgiebiger Story-Modus

Fatal Fury ist dafür bekannt, seinen Charakteren etwas mehr Leben und Handlung in den Kampf mitzugeben. Damals war das eines der besonderen Merkmale der Serie, heute ist das so ziemlich der Normalzustand, blickt man auf andere Prügler wie Guilty Gear oder besonders die Projekte von Arc System Works. Im Gegensatz zu Street Fighter war das allerdings schon eine Nummer mehr als gewohnt.

Auch heute bekommt man in Sachen Street Fighter eher das Mindeste geboten. Fatal Fury hingegen setzt weiterhin auf einen ausgiebigen Story-Modus und baut selbst den Standard-Arcade-Modus mit einigen einzigartigen Szenen je nach Kämpfer aus. Der große Story-Modus, genannt Episodes of South Town, gibt dem Spieler die Möglichkeit in einer Art RPG-Setting Missionen anzunehmen. Ziel ist es hier im Level aufzusteigen und schließlich einen je nach Charakter unterschiedlichen Regionsboss zu besiegen.

Missionen sind hier, wie erwartet, einfach Kämpfe gegen verschiedene Gegner. Manchmal sind dies generische Kämpfer oder eben auch spielbare Charaktere. Die Zeit dazwischen wird mit zahlreichen Dialogen und Hintergründen zu den einzelnen Gegenden gefüllt. Die Aufmachung hierbei ist eher minimalistisch und ohne viel Schnörkel. Allerdings werden die verschiedenen Gründe für die Massenprügelei ausgiebig erläutert.

Arcade-Modus als zweiter Story-Modus

Auch der Arcade-Modus bietet mehr Story, als man es von einem Street Fighter gewohnt ist. Nach einer individuellen Einführung folgen immer mal wieder kleinere Geplänkel zwischen den Kämpfern. Zum Abschluss des Modus winkt dann zusätzlich ein ausgiebiges Ende. Der Arcade-Modus mausert sich hierbei zu einem zweiten Story-Modus, der zusätzlich Infos zu den Zusammenhängen und Kämpfern gibt.

Auch wenn das alles zwar recht interessant klingt, so sollte man sich, wie erwähnt, nicht zu viel erhoffen. Klar haben wir hier mehr Informationen und Story-Dichte als in einem 08/15-Fighter, jedoch hat sich die Prügel-Landschaft in den letzten Jahrzehnten um einiges verändert. Ob hier Fatal Fury: City of the Wolves besonders hervorprescht, sei einmal dahingestellt. Die Darbietung ist mit ihrem minimalistischen Stil ebenso eher weniger aufregend, in der Hinsicht. Trotz Aufwandsersparnis bei der Aufmachung befinden sich die beiden Einzelspieler-Modi wohl nicht auf dem physischen Datenträger, was man zusätzlich im Hinterkopf behalten sollte.

Was man allerdings merkt, ist, dass man sich zumindest für alte Fans genug hat einfallen lassen. Fast überall findet sich ein Wink zu alten, längst vergessenen Zeiten. Auch die umfassende Story wird mit City of the Wolves nahtlos weitergeführt, als wären eben keine 26 Jahre ins Land gezogen. Weniger erfreulich für Fans war im Vorfeld allerdings die Charakterauswahl – besonders in Hinsicht auf fragwürdige Gastcharaktere, die zwecks Promotion ihren Weg ins Spiel fanden.

Solider Basis-Roster mit ungebetenen Gästen

Während zwar bereits 17 Charaktere den soliden Basis-Roster schmücken, gab es im Vorfeld einiges Aufhebens um die letztendliche Auswahl der Kämpfer. Zwar ist mit Terry Bogard eine der größten Serienikonen vertreten, doch wissen Fans, dass es eben nicht nur Terry gab, der die Serie groß gemacht hat. Die ursprüngliche Startaufstellung bestand nämlich seit jeher aus Terry und Andy Bogard sowie Joe Higashi. Ein Spiel ohne diese drei ist quasi gleichzusetzen mit einem Street Fighter ohne Ryu oder Ken – ein Unding.

Auch wenn man mit Serienliebling Mai Shiranui ein weiteres Urgestein der Serie geliefert bekommt, ist das Fehlen der anderen zwei dennoch ein kleiner Stilbruch. SNK kündigte im Vorfeld allerdings an, die beiden Kämpfer und weitere Fan-Lieblinge nachzuliefern. Als Wermutstropfen bleiben kurze Auftritte in einigen der Story-Kampagnen. Spielerisch entschädigt wird man hingegen mit äußerst fragwürdigen Gastcharakteren.

DJ Salvatore Ganacci und Fußballprofi Cristiano Ronaldo verlaufen sich quasi ungefragt ins Spiel und besetzen somit zwei Plätze, die man gerne auf andere Weise genutzt gesehen hätte. Fairerweise muss man sagen, dass beide Kämpfer ihren eigenen einzigartigen Kampfstil mitbringen. Nach Release des Spiels hat sich Salvatore Ganacci sogar zu einem der Top-Tier-Charaktere entwickelt. Mit einem abstrusen Kampfstil und kompliziertem Kombinationspotential ist der Überraschungskämpfer schnell von seinem unliebsamen Platz an die Spitze gerückt.

Kämpfen muss gelernt sein

Fatal Fury war damals schon für einfach zu erlernende Special Moves bekannt, ähnlich wie bei der Konkurrenz waren diese meist bei allen Kämpfern ähnlich und auf simpelste Art auszuführen. Dieses Feature wird ebenso in City of the Wolves weitergeführt, jedoch packt man auch noch einen Haufen an Neuerungen obendrauf. Neben den bekannten Special Moves reihen sich nun auch verschiedene stärkere Kommandos dazu, die äußerst taktisch in das Kampfgeschehen eingebunden werden.

Die sogenannten Rev-Attacken sind in erster Linie stärkere Special Moves, die mitunter die Verteidigung des Gegners brechen können oder aber auch, sofern man diese klug kombiniert, in verheerenden Kombo-Attacken zum Sieg verhelfen können. Das Taktische daran ist, dass diese Techniken den Rev-Balken füllen. Ist dieser voll, so wird man in einen Cooldown-Modus versetzt, ohne Zugriff auf Rev-Attacken, Blocks oder Konter. Die Leiste füllt sich schnell, entleert sich aber auch wieder unter bestimmten Konditionen. Daher ist es in jedem Kampf wichtig, strategisch Offensive und Defensive in Einklang zu bringen.

Ein weiteres taktisches Element in den Kämpfen ist die S.P.G-Leiste. Ein kleiner Bereich der Lebenspunkte, den man vor dem Kampf an drei verschiedene Positionen setzen kann. Befindet sich der Kämpfer im S.P.G-Bereich, so können auch hier wieder neue Rev-Moves zum Einsatz kommen. Besonders wertvoll sind hier die Konter. Rev-Konter können einen Angriff durchbrechen und somit für einen spielerischen Vorteil nützlich sein. Ob man dieses Ass im Ärmel direkt zu Beginn oder doch lieber in einer Not-Situation am Ende einsetzen möchte, bleibt hier dem Spieler überlassen.

CPU oder doch lieber Faktor Mensch

Der CPU-Gegner in beispielsweise dem Arcade-Modus ist mit allen diesen strategischen Kampfmöglichkeiten gefüttert und scheut sich gerade auf höheren Stufen nicht, sein ganzes Repertoire auszuschöpfen. Jegliche Attacke wird geblockt, gekontert und umgehend bestraft. Ein Aspekt, der Kämpfe gegen den CPU immens anstrengend und teilweise nervenaufreibend macht. Für Anfänger ist gerade der Arcade-Modus eine wirklich harte Nuss.

Anfänger können hingegen aber neben der normalen Eingabemethode für Kommandos auch eine simple Methode wählen. Hier werden Special Moves, Rev-Kommandos und anderes auf einzelne Knöpfe gemappt, die es ermöglichen, Kommandos und sogar Kombo-Attacken per einfachem Knopfdruck auszuführen und zu kombinieren. Auch das hilft letztlich zwar nicht wirklich gegen einen störrischen CPU-Gegner, allerdings lassen sich damit Kämpfe gegen menschliche Gegner mitunter spaßiger gestalten.

Versus- und Online-Modus bieten zahlreiche Einstellungsmöglichkeiten, um dem Kampfgeschehen einen netten Twist zu geben. Ob man nun einen unendlichen S.P.G-Balken, mehr Lebensenergie oder sich schneller füllende Rev-Balken möchte, hier ist so ziemlich alles möglich, um die Kämpfe interessanter zu gestalten. Neben den Standard-Online-Modi hat man ebenfalls die Möglichkeit gegen Klon-Kopien von anderen Spielern anzutreten. Versteckt im Spiel sind zudem noch weitere Modi, die man durch verschiedene Challenges freischalten kann. Abwechslung wird in Fatal Fury: City of the Wolves recht großgeschrieben, auch wenn das Kämpfen sehr viel Training voraussetzt.

Angenehmer Stil im Comic-Look

Für das Design von Charakteren und Hintergründen hat man sich klar gegen einen eher realistischeren Look entschieden. Charaktere sind stark stilisiert und die Aufmachung von Zwischensequenzen reicht von amerikanischen Comics bis hin zu einer eher Anime-mäßigen Aufmachung. Die Charaktere sind äußerst detailreich und farbenfroh gestaltet, ein Aspekt, der ebenso für die Hintergründe der einzelnen Stages gilt. Leider beschränkt man sich bei den Stages auf lediglich eine Arena, die das typische Two-Lane-Feature aufweist; die Möglichkeit zwischen Vor- und Hintergrund hin- und herzuwechseln.

Das Outfit beziehungsweise die Farbpalette der Kämpfer kann in einem Extra-Modus frei angepasst werden, wenn einem die voreingestellten Farben nicht ausreichen. Teilweise kann man hier auch das Design leicht verändern und den Klamotten andere Aufdrucke vergeben. Ebenso gibt es die Möglichkeit eine Playlist zu erstellen, um das Menü oder auch die Arenen mit anderen Musikstücken zu versorgen. Die Auswahl an Musik reicht hier von klassischen Themen aus den alten Fatal-Fury-Teilen über Spin-offs bis hin zu weiteren SNK-Prüglern.

Wer also auch hier auf Abwechslung steht, der kann sich hier besonders austoben. Aus Nostalgie-Gründen muss ich aber auch noch die fehlenden Original-Kostüme von Terry Bogard und Mai Shiranui bemängeln. Diese sind zwar als DLC erhältlich, hätten aber meiner Meinung nach auch noch definitiv Platz im Basisspiel gehabt. Glücklicherweise findet Mais ikonischer Look aber auch in einem ihrer Specials ein wenig Anerkennung. Die neuen Designs sind zwar ebenso nicht schlecht, allerdings sieht Terry im Titelbildschirm für mich immer so aus, als hätte er einen enormen weißen Kinnbart. Ich kann das einfach nicht mehr ungesehen machen.

Mit den Wölfen heulen

Bildmaterial: Fatal Fury: City of the Wolves, SNK Corporation

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Titel	Lunar Remastered Collection
	18. April 2025
	GungHo Online Entertainment
	18. April 2025
	GungHo Online Entertainment
	18. April 2025
	GungHo Online Entertainment
System	Nintendo Switch, PlayStation 4, Xbox One, PCs
Getestet für	Nintendo Switch
Entwickler	Game Arts / Ashibi Co
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Mit Lunar Remastered Collection bekommen wir zwei Kult-JRPGs aus den 90ern serviert, die vorher nicht offiziell in Europa erschienen sind. Die Lunar-Reihe selbst hat über die Jahre schon einige Remakes und Nebenspiele nach sich gezogen und genoss damals in einschlägigen Kreisen große Beliebtheit. Besonders die Neuauflage für PlayStation konnte mit neuen Anime-Sequenzen und in Nordamerika mit englischer Sprachausgabe aufwarten – ein Novum zu dieser Zeit.

Ihre Anfänge machte die Serie auf Sega-Konsolen. Die Originale für Mega-CD, Lunar: The Silver Star und Lunar: Eternal Blue, unterschieden sich allerdings noch recht stark von den Versionen, die wir nun zu spielen bekommen. Die beiden Lunar-Hauptspiele erhielten nämlich Remakes für Sega Saturn und die erwähnten PlayStation-Versionen. Beide bieten eine komplette grafische Überarbeitung und leicht abweichende Story-Verläufe. Die Remastered Collection basiert nun auf letzteren Versionen.

Allerdings hat Lunar Remastered Collection noch ein wenig mehr zu bieten als bloß eine aufgehübschte PlayStation-Version. Japanische Sprachoption, eine überarbeitete englische Synchronisation und erstmals sogar deutsche Texte sind da nur eine Auswahl der Neuerungen, die wir uns nun zu Gemüte führen wollen. So viel vorweg, die Lunar-Reihe kann auch heute noch aktuellen RPGs in Sachen Charme und Liebe zum Detail das Wasser reichen.

Ein liebenswerter Sauhaufen

Die Geschichte von Lunar: Silver Star Story folgt dem Protagonisten Alex und seiner Freundin Luna, die neben einer besonderen Stimme auch eine mysteriöse Vergangenheit hat. Alex will in die Fußstapfen des Drachenmeisters Dyne schlüpfen und begibt sich auf ein großes Abenteuer, das ihm eine illustre Gruppe an Gefährten beschert.

Die Hauptcharaktere stechen nicht nur durch ihre Kampfkraft hervor, sondern auch durch ihre charakterlichen Eigenheiten, die nur zu oft zu äußerst unterhaltsamen Dialogen führen. Das Zusammenspiel der Hauptcharaktere lenkt von dem zunächst einfachen Plot ab, der mitunter auch sehr schnulzig daherkommen kann.

Im Laufe der Geschichte treten allerdings auch die Bösewichte ins Rampenlicht und können mit imposanten Auftritten durchaus die Motivation der Geschichte gegenüber heben. Der zweite Teil, Lunar 2: Eternal Blue, macht in dieser Hinsicht nicht viel anders. Zwar haben wir es hier mit einem komplett anderen Cast an Charakteren zu tun, jedoch sind diese nahezu Abziehbilder der beliebten Helden aus dem Vorgänger. Das ist in diesem Fall nicht mal ein negativer Punkt, denn die Synergie der Gruppe in Lunar: Silver Star Story ist für seine Zeit wirklich gut gelungen.

Die Geschichte des zweiten Teils spielt eine lange Zeit nach dem ersten Teil, allerdings in der gleichen Welt. Auch hier trifft man auf ein mysteriöses Mädchen, das in irgendeiner Weise eine Verbindung zu der Schöpfergöttin Althena zu haben scheint. Beide Spiele leiden unter einem trägen ersten Akt, was allerdings üblich für JRPGs dieser Zeitperiode ist. Die eigenwillige Erzählstruktur ist neben der Aufmachung ein herausragender Teil, der JRPGs erst in den Fokus rücken konnte, der heutzutage schon fast als selbstverständlich gilt.

Klassisches Kampfsystem ohne viel Schnörkel

Beide Spiele der Lunar Remastered Collection haben nahezu das gleiche Kampfsystem. Ein klassischer statuswertabhängiger, rundenbasierter Aufbau prägt den Kampf der Spiele. Besonders für Lunar ist allerdings die taktische Ausrichtung der Charaktere, deren Aufstellung man relativ frei bestimmen und auch in den Kämpfen je nach Situation verändern kann. Auch gibt es ein paar Optionen, Mitstreiter taktisch einzustellen und entweder aktiv oder passiver agieren zu lassen.

Hierfür gibt es dann die Option, Kämpfe quasi automatisch ablaufen zu lassen, falls man die Kommandos nicht manuell eingeben möchte. Die Remastered Collection bietet hier obendrein noch ein paar weitere Einstellungen für den automatischen Kampf, falls man diesen bevorzugt. Wählt man den manuellen Kampf, dann bekommt man übliche JRPG-Kost serviert. Buffs und Debuffs spielen neben elementaren Schwächen ebenso eine Rolle, allerdings ist das alles keine Raketenwissenschaft.

Gegenstände sind ebenso im Kampf einsetzbar und in der Remastered Collection kommt man gerade dem eher umständlichen System des ersten Lunar-Teils entgegen. Im Originalspiel musste man den Charakteren die Gegenstände zuordnen, damit sie diese benutzen können. Das Remaster nimmt hier das Item-Management von Lunar 2: Eternal Blue und fügt es ebenso im ersten Teil hinzu. Items können somit frei aus dem universellen Inventar eingesetzt werden. Das alte Management bleibt jedoch weiterhin zur Auswahl, falls man das Feeling des Originals beibehalten möchte.

Man hat sich viel zu erzählen

Die Welt in Lunar hat neben unzähligen Dungeons auch einige Städte zu bieten. Diese sind mit einer äußerst lebhaften Bevölkerung gefüllt. Die NPC-Kommunikation ist eine weitere Stärke der Lunar-Spiele, denn hier hat man sich sehr viel Mühe gegeben, Charakter, Unterhaltsames und interessante Informationen unterzubringen. Ebenso ist die Welt gefüllt mit ulkigen Interaktionen, unzähligen Büchern und sonstigen Easter Eggs, die man meist nur mit der richtigen Party-Konstellation sehen wird.

In beiden Lunar-Spielen sind zudem noch einige geheime Gegenstände versteckt, die man oftmals nur durch eine korrekt getimte Interaktion mit unterschiedlichen NPCs freischalten kann. In der Lunar Remastered Collection entschärft man aber einige später hinzugefügte Voraussetzungen hierfür und stellt auf die ursprüngliche japanische Variante zurück. Die Rede ist hier in erster Linie von den geheimen Illustrationen der weiblichen Charaktere, die damals ein heißbegehrtes Sammelobjekt waren und auch im Remaster weiterhin verfügbar sind. Auf die 70er-Jahre Pornomusik bei den Szenen muss man allerdings verzichten.

Weiterhin verfügbar ist auch die eigenwillige englische Lokalisation der Originale, die in weiten Teilen unverändert und unverblümt daherkommt. Die neu hinzugefügten weiteren Sprachoptionen nehmen sich ebenso daran ein Vorbild, was sich auch in der ziemlich guten deutschen Umsetzung bemerkbar macht. Die Texte sind 90er pur und das merkt man an jeder Stelle. Kaum ein Tabu wird ausgelassen oder die Sprache in irgendeiner Weise gedämpft. Das alles trägt zu einem unglaublichen Unterhaltungsfaktor bei, der die Spiele nur umso sympathischer macht.

Aufbereitete Pixel oder doch lieber Augenkrebs

Lunar Remastered Collection bietet neben den namensgebenden Remastered-Versionen auch die Originale für PlayStation. Entscheidet man sich für die Originalversion, bekommt man die Spiele in einer 4:3-Ratio präsentiert mit recht pixeligen Zwischensequenzen und allgemeiner Aufmachung. Den freien Raum um das Bild herum kann man mit einem Rahmen schmücken und ebenso stehen verschiedene CRT-Filter zur Verfügung, um das Bild noch schlechter wirken zu lassen. Alles für den Nostalgiefaktor, versteht sich.

Die Remastered-Versionen sind auf Breitbild hochskaliert und bieten, auch wenn immer noch pixelig, ein angenehmeres Bild und meiner Meinung nach auch die angenehmere Option, das Spiel zu genießen. Die Anime-Zwischensequenzen sehen hier sehr sauber und hochwertig aus. Der Bildausschnitt ist hier minimal kleiner als das restliche Spiel, allerdings ist das Ergebnis um Welten besser als in den Originalversionen. Im Großen und Ganzen gibt es nicht viele Gründe, die Originale zu wählen, denn die Remaster bleiben zum einen den Spielen in Design und grafischer Aufmachung treu, zum anderen hinterlassen sie keinen bleibenden Augenschaden. Leider zeigen alle Versionen mitunter Bewegungsflimmern, das mehr oder minder stören kann.

Soundtechnisch wurden die Spiele ebenso nochmal aufgearbeitet. Die größte Änderung wird man hier bei den englischen Stimmen bemerken. Die Synchronisation ist hier nämlich teilweise neu aufgenommen worden und scheint letztendlich ein Mix aus den PlayStation-Versionen und Neuaufnahmen zu sein. Die Direktive der Aufnahmen schien zumindest klar gewesen zu sein, denn auch die neuen Stimmen bringen weiterhin den alten Fremdschämfaktor mit sich, den die Originale zum Kult gemacht haben. Die erstmals auch für uns verfügbare japanische Synchronisation ist hingegen die Originalversion. Showa-Atmosphäre ist hier garantiert.

Originalgetreue Neuauflage

Bildmaterial: Lunar Remastered Collection, GungHo Online Entertainment, Game Arts

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Titel	Atelier Yumia: Die Alchemistin der Erinnerungen und das erträumte Land
	21. März 2025
	Koei Tecmo
	21. März 2025
	Koei Tecmo
	21. März 2025
	Koei Tecmo
System	PlayStation 5, PlayStation 4, Nintendo Switch, Xbox Series X/S, Xbox One, PCs
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Gust
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Die Atelier-Reihe kann bereits auf eine lange, traditionsreiche Geschichte zurückblicken. Den internationalen Durchbruch aus dem Nischen-Dasein hat man aber wohl mit Atelier Ryza erst vollziehen können. Mit einem immensen technischen Sprung, einzigartigem Spielgefühl und prallen Schenkeln konnte Entwickler Gust seinem Repertoire einen echten Gassenhauer hinzufügen. Eine Trilogie zu der erfolgreichen und sympathischen Heldin war das Resultat.

Irgendwann muss man aber auch Abschied nehmen und neue Ziele setzen. Dies versucht man nun mit dem nächsten Atelier-Ableger, Atelier Yumia: Die Alchemistin der Erinnerungen und das erträumte Land, der ebenso wieder neue Maßstäbe für die ungewöhnliche RPG-Reihe setzen soll. Für Fans des Designs der Spiele stellt sich aber eine große Frage. Kann man den durch Ryza eingeführten Schenkelwahn noch einmal übertreffen oder greift man diesmal in einen ganz anderen Ideentopf in Sachen visueller Darbietung?

Serien-Producer Junzo Hosoi sagte kürzlich in einem Interview, dass die Wirtschaftslage ein gewisses Design begünstige. Eine Rezession soll also quasi Ryzas enorme Schenkel möglich gemacht haben. Die Wirtschaftslage bleibt weiterhin schlecht und die Promotion zu Atelier Yumia fokussiert sich auffällig auf ihr Hinterteil.

An der Sache scheint also etwas dran zu sein. Design ist letztlich aber nur das Tüpfelchen auf dem i. Atelier-Spiele vermitteln eine bestimmte Erwartungshaltung, die Fans in spielerischer Hinsicht mindestens genauso wichtig ist. Zeit also, einen tieferen Blick auf Atelier Yumia: Die Alchemistin der Erinnerungen und das erträumte Land zu werfen.

Friede, Freude, Weltherrschaft

Atelier-Spiele sind mit einigen wenigen Ausnahmen nicht wirklich für ihre tiefgründige Story bekannt. Das Geschehen dreht sich meist um ein junges Mädchen, das auf irgendeine Weise mit Alchemie in Berührung kommt und von dort an ihr Leben bestreitet, mit Freunden Abenteuer erlebt und Stadtbewohner bei alltäglichen Dingen unterstützt. Atelier Yumia versucht mit dieser Tradition zu brechen und sich einen Platz bei den erwähnten Ausnahmen zu nehmen. Einen storytechnischen Epos braucht man hier zwar nicht zu erwarten, allerdings schlägt man schon einen erwachsenen Ton an.

Die Geschichte verfolgt die Protagonistin Yumia Ließfeldt, eine Besonderheit in der Welt, denn Alchemie ist aus verschiedenen Gründen verpönt. Yumia hat es also nicht einfach, als sie einer Forschungsgruppe zugeteilt wird, die einen mysteriösen Vorfall um den Untergang eines alten Reichs erkunden soll. Der Untergang und darauf folgende Ereignisse führten nämlich zu zahlreichen Toten und Geflüchteten, die sich nun zum Teil einem großen Forschungsteam angeschlossen haben. Trotz ihres Außenseiterstatus stellen sich Yumias Fähigkeiten schnell als ausgesprochen nützlich heraus, wodurch sie das Vertrauen ihrer Gruppe gewinnen kann und einem großen Abenteuer entgegenblickt.

Im Laufe der Geschichte trifft die illustre Gruppe auf zahlreiche Ruinen und Überbleibsel einer alten Zeit, aber auch auf fremde Kulturen und moralisch fragwürdige Widersacher, deren Beweggründe einen wichtigen Teil des Spannungsbogens einnehmen werden. Atelier Yumia nimmt somit einen im Vergleich düsteren Weg, die Story voranzutreiben. Ganz in den Hintergrund rücken die leichten und liebevollen Elemente zwischen den Charakteren jedoch nicht. Auch in Atelier Yumia wird viel Wert auf das Zusammenspiel der Gruppe gelegt. Lustiges Geplänkel oder rührende Bekenntnisse kommen auch hier also nicht zu kurz.

Moderne, offene Welt

Was in den späteren Atelier-Ryza-Teilen schon angedeutet wurde, findet in Atelier Yumia nun seine bisher größte Ausdehnung. Die Rede ist nicht von der Kleidung der Charaktere, sondern viel mehr dem Aufbau der Welt. In Atelier Yumia setzt man nämlich jetzt gänzlich auf eine offene Welt, die komplett frei ohne Unterbrechungen erkundet werden kann. Die komplette Karte kann sich hier durchaus sehen lassen und bietet etliches zu tun. Leider setzt man hier etwas zu stark auf die altbekannte Ubisoft-Formel und kleistert die Karte entsprechend mit unzähligen Fragezeichen zu. Eine Umsetzung mit weniger Händchenhalten hätte hier definitiv besser geschmeckt.

Nichtsdestotrotz kann der Inhalt hier absolut überzeugen. Versteckte Kisten, Sammelstellen, Herausforderungen oder auch ständig wechselnde Quests steigern den Spielspaß und Erkundungsdrang in die Höhe. Durch verschiedene Gameplay-Elemente wird zum Erkunden darüber hinaus noch weiter ermutigt. Atelier Yumia legt hier nämlich ein besonderes Augenmerk auf Vertikalität. Ausgestattet mit High Heels, die eine Art Raketenantrieb mit sich bringen, erklimmt die Protagonistin so gut wie jeden Berg und stürzt sich ohne große Sorge in alle Tiefen. Ebenso quetscht man sich durch jede Lücke oder manipuliert die Umgebung zu seinen Gunsten. Dem Mana sei Dank!

Mana spielt in Atelier Yumia eine besondere Rolle. Neben einem erheblichen Teil der Story nutzt man Mana auch im Spielgeschehen. Akrobatische Einlagen zählen ebenso dazu, daher ist der Mana-Haushalt auch beim Erkunden ein wichtiger Aspekt. Da allerdings an jeder Ecke und auch durch Regeneration über einen gewissen Zeitraum das Mana zu jeder Zeit fließt, gerät man hier zu keiner Zeit wirklich in die Bredouille. Wirkliche Grenzen setzt man also nicht. Atelier Yumias Umsetzung der offenen Welt und der freien Erkundung eignet sich also äußerst ideal für die restlichen Gameplay-Elemente und Grundpfeiler eines echten Atelier-Spiels.

Diesmal ohne Kochtopf

Kein Atelier ohne Gegenstand-Synthetisierung. Auch Atelier Yumia bricht nicht mit dieser Tradition, sondern entwickelt das System wie so oft weiter. Eins musste allerdings gehen. Der gute, alte Kochtopf hat ausgedient und muss einer Platte weichen, auf der unsere Yumia nun Gegenstände aus der Luft mithilfe des viel erwähnten Manas materialisiert. Definitiv ein Stilbruch, aber kein Abbruch in puncto Spielmechanik. Synthetisieren ist in Atelier Yumia nämlich nun auch freier und bietet noch mehr Möglichkeiten als der Vorgänger. Der Topf dient somit als Metapher, um das Sprengen der Ketten in Sachen Alchemie zu verdeutlichen. So zumindest meine Interpretation.

Das Synthetisieren teilt sich grob in zwei Bereiche. Zunächst gibt es die Schnellsynthese, die unterwegs erledigt werden kann. Hier lassen sich nützliche Gegenstände, wie Heilitems, Reparaturwerkzeug oder andere Erkundungsgegenstände anfertigen. Benötigt wird hierfür nur ein wenig Mana und Standardzutaten, die man an jeder Ecke zuhauf finden wird. Im Prinzip kann man sagen, dass diese Synthesevariante jederzeit nutzbar ist, da die Bedingungen hierfür verschwindend klein sind. Einzig die Anzahl der Gegenstände ist auf die Größe von Yumias Hosentaschen begrenzt.

Der zweite Bereich ist die komplexere Synthese, wie man sie aus den anderen Teilen bereits kennt. Hier dreht sich wie immer alles um die richtige Kombination zahlreicher Zutaten. Atelier Yumia ist hier weniger restriktiv, aber auch um einiges komplexer, wenn man wirklich tief darin versinken möchte. Auch hier gilt zwar durch den recht niedrigen Schwierigkeitsgrad die Devise Mut zur Lücke, aber austoben kann man sich hier schon.

Der große neue Punkt sind hier verschiedene Kerne eines Rezepts, die man unterschiedlich priorisieren kann. Hier betrachtet man zum Beispiel die Qualität oder die Eigenschaften des Gegenstands separat und kann somit das Beste aus der Synthese herausholen. Mühe wird in Atelier Yumia belohnt, denn wer viel Zeit mit der richtigen Konstellation verbringt, der wird schlussendlich mit unglaublich starken Gegenständen belohnt, die die knuffigen Gegner in Windeseile von der Bildfläche verschwinden lassen.

Blutrünstige Kulleraugen

Kämpfe stellen in Atelier Yumia eine weitere Zeitenwende dar. Auch wenn das alte rundenbasierte Kampfsystem schon vorher immer mehr mit dynamischen Akzenten gespickt wurde, geht man bei Yumia komplett auf den actionbasierten Kampf. Auch hier entledigt man sich jeglicher Fesseln und macht Dynamik zum A und O. Fähigkeiten werden hier wie wild aneinandergereiht und ausweichen ist nicht nur dazu da, um Schaden zu minimieren, sondern vielmehr um Angriffe zu stärken. Angriff ist die beste Verteidigung, dachte man sich hier womöglich und setzt das auch schamlos um.

Ebenso sind die altbekannten Kampfitems nicht mehr bloß Objekte, die man auf Gegner wirft. Nein, Kampfgegenstände sind quasi Sekundärwaffen, die man blitzschnell in den Kampf einbinden kann, um Schaden weiter zu akkumulieren. Auch hier setzt man auf Kombination, hier allerdings primär mit anderen Partymitgliedern, die plötzlich mit ins Kampfgeschehen einsteigen und austeilen. Gerade die ersten Kämpfe entpuppen sich als wilder Ritt, wenn man die eher entspannten Momente aus alten Ateliers gewohnt ist. Allerdings findet man grundsätzlich schnell rein.

Einige taktische Elemente mussten weichen, jedoch kommen andere hinzu. Positionierung ist ein wichtiger Teil der Kämpfe und sollte auch, wie oben erwähnt, nicht nur zum Verhindern von Angriffen genutzt werden. Risk and Reward spielt nämlich auch in den Kämpfen eine große Rolle. Auch hier sei allerdings nochmal erwähnt, dass kein Stelldichein auf dem normalen Schwierigkeitsgrad mit einem Gegner wirklich herausfordernd ist, die Möglichkeit Kämpfe schneller, effizienter und spaßiger zu gestalten besteht allerdings, egal wie schwierig die Kämpfe nun sind.

Unkonventionelle Häuslebauer

Da Atelier Yumia mit der großen, offenen Welt den Fokus aufs Erkunden legt, hat man sich mit der Möglichkeit Basen zu bauen noch etwas Interessantes einfallen lassen. An verschiedenen Punkten auf der Karte lassen sich frei Objekte platzieren, um Wege zu verkürzen oder auch etwaige Wegsperren zu umgehen. Dem Bauwahn sind hier relativ wenige Grenzen gesetzt, was mitunter zu baulichen Wundern führen kann. Objekte lassen sich so sogar stapeln, um augenscheinlich unerreichbare Orte zu erreichen.

Das Bauen neuer Gebäude kann aber auch dafür genutzt werden, den Rang einer Region zu steigern, Rezepte oder Anleitungen zu erlernen oder auch um verschiedene Quests zu erledigen. Dazu gibt es auch andere nützliche Gebäude wie Lagerhäuser oder zum Beispiel Gewächshäuser, die den Lagerplatz erhöhen können oder es erlauben Materialien zu züchten, verbessern oder duplizieren. Yumia zeigt hierbei auch ihr handwerkliches Geschick und stellt somit unzählige Dinge einfach an einer Werkbank her, die ebenso an festen Orten kurzfristig aufgebaut werden kann.

Das Bau-Feature gibt der Atelier-Serie eine nette Neuerung im Gegensatz zu den üblichen Verbesserungen des Altbekannten. Ein bisschen Atelier-Nelke-Atmosphäre in einem Mainline-Titel ist durchaus erwähnenswert, auch wenn das Feature allgemein eher ein bisschen verbuggt und chaotisch daherkommt. Witzig ist und bleibt es dennoch.

Wirtschaftliches Design?

Lange kein Wort mehr über saftige Schenkel und Hintern verloren. Das hat nun ein Ende, denn es geht um das grafische Design von Atelier Yumia: Die Alchemistin der Erinnerungen und das erträumte Land. Während Toridamono, der Designer von Atelier Ryza, womöglich schon irgendwo Tauchgänge in seinem immensen Geldspeicher durchführt, stammt Yumias Design von Benitama. Es sei schwierig Ryzas Design zu übertreffen, soll er behauptet haben, allerdings kann sich die neue Protagonistin ebenfalls sehen lassen. Auch wenn man den Fanservice diesmal subtiler durch vollkommen unbeabsichtigte Nahaufnahmen verpackt.

Entgegen dem Werbematerial gibt sich Yumia weniger lasziv oder freizügig und überzeugt mit einem eher modernen Design. Das Atelier-Team fängt die Designs recht gut im Spiel ein und setzt die eher seriöse Linie durchaus ansprechend um. Ein wenig tut es mir zwar um die oftmals sehr süßen und verschnörkelten Kostüme leid, die hier weniger zum Tragen kommen, aber groß zu meckern gibt es letztendlich nichts in Bezug auf das Design der Hauptcharaktere. NPCs hingegen sind leider weiterhin eher blass im Vergleich, bedenkt man, dass es gefühlt nur generisch Frau oder Mann mit minimalen Unterschieden gibt.

Die Hintergründe sind im Großteil wie auch schon bei Ryza recht gut und abwechslungsreich gelungen. Technisch läuft die Sache hingegen nicht so rund. Hier und da finden sich doch matschige Texturen und die Qualität der Grafik leidet teilweise durch den Open-World-Rechenaufwand. Auch gibt es noch hier und da Bugs beim doch recht schnellen Kampfsystem. In Anbetracht, dass die Testversion allerdings die 1.0-Version war, gehen wir hier einmal von ein paar Folge-Patches aus, die die Sache in den Griff kriegen sollten.

Atelier Entfesselt

Bildmaterial: Atelier Yumia: Die Alchemistin der Erinnerungen und das erträumte Land, Koei Tecmo, Gust

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Titel	Urban Myth Dissolution Center
	13. Februar 2025
	Shueisha Games
	12. Februar 2025
	Shueisha Games
	12. Februar 2025
	Shueisha Games
System	PlayStation 5, Nintendo Switch, PCs
Getestet für	Nintendo Switch
Entwickler	Hakaba Bunko
Genres	Mystery Adventure
Texte
Vertonung	–

Urban Myth Dissolution Center ist ein Adventure-Mystery-Titel vom japanischen Indie-Entwickler Hakaba Bunko, der einigen wenigen wahrscheinlich durch die kurzweilige „Makoto Wakaido’s Case Files“-Reihe bekannt ist. Mit Hilfe von Publisher Shueisha Games entstand Urban Myth Dissolution Center, das in der Basis einen ähnlichen Stil wie die Case-Files-Reihe an den Tag legt, allerdings mit mehr Umfang und hübscheren Pixelarts.

Auch Urban Myth Dissolution Center bietet episodische Mystery-Abenteuer, die verschiedene urbane Mythen, Verschwörungstheorien und Gerüchte thematisieren. Spielerisch könnte man den Titel als Visual-Novel-Adventure ähnlich einem Ace Attorney einordnen, wobei es gilt, bestimmte Fälle durch das Sammeln von Informationen aufzudecken.

Betrachtet man die vorherigen Projekte des Indie-Studios Hakaba Bunko, so merkt man bei Urban Myth Dissolution Center definitiv einen kräftigen Sprung nach vorne, was höchstwahrscheinlich an der Zusammenarbeit mit Shueisha Games liegen dürfte. Doch schauen wir uns einmal an, was das Spiel zu bieten hat.

Der Geisterblick

Urban Myth Dissolution Center beginnt mit der Studentin Azami Fukurai, die plötzlich in der Lage ist, schemenhafte Geistererscheinungen wahrzunehmen. Beunruhigt von diesem Zustand begibt sie sich zum Zentrum zur Eliminierung urbaner Legenden, in der Hoffnung, man könne ihr helfen. Kaum dort angekommen, trifft sie auch schon auf den Zentrumsleiter, der scheinbar schon ein ganz genaues Bild von dem Mädchen zu haben scheint. Ohne viel zu verraten, lässt sich Azami schließlich darauf ein, für das Zentrum zu arbeiten, welches einen ganz besonderen Nutzen in ihren ungewöhnlichen Kräften sieht.

Die Geschichte in Urban Myth Dissolution Center spielt sich grob episodisch ab. Es gibt jeweils einen Fall, der vom Zentrum genau unter die Lupe genommen wird. Allerdings gibt es auch noch eine umfassende Geschichte, die sich nach und nach erst offenbart und zu einem fulminanten Ende führt. Die einzelnen Storys sind hierbei recht interessant geschrieben, was einen durchaus zum Weiterspielen motiviert. Auch die Charaktere sind vielschichtig und warten mit einigen Überraschungen auf.

Ein großer Bestandteil der Geschichte ist ebenso die Analyse von sozialen Medien. Die Umsetzung dieser Twitter-ähnlichen Plattform ist hier wirklich sehr gut gelungen. Die Threads sind gefüllt mit abstrusen Kommentaren, exzentrischen Personen und einem Haufen Hass und Verschwörungstheorien. Die detailverliebte Darbietung des Themas und den Umfang muss man hier besonders positiv hervorheben.

Am Handy versauert

Den Part mit der Social-Media-Analyse schauen wir uns auch noch einmal gameplaytechnisch an, da dieser ebenfalls eine große Rolle spielt. Zu jedem Fall muss man sich zunächst ein Bild von der sogenannten Anomalie machen. Gibt es Gerüchte zu dem Fall, Hinweise oder weitere Informationen? Steckt vielleicht eine urbane Legende dahinter? All diesen Informationen jagt man zunächst in sozialen Medien hinterher.

Im Grunde genommen liest man sich also durch einige Threads und diskutiert die Kommentare mit Azamis Kollegin. Hierbei findet man zwar schon einige Hinweise auf den Fall, aber besonders Ausschau sollte man nach möglichen Suchbegriffen halten, die Azami mit ihrem Geisterblick erkennen kann. Hat man passende Suchbegriffe gefunden, muss man diese nur noch sinnvoll kombinieren und weiterlesen.

Ab und an erfährt man in der Analyse auch Dinge, die erst viel später von Interesse sind, daher sollte man sich ausreichend Zeit mit der Analyse nehmen, um auch Notizen abseits des aktuellen Falls zu sammeln. Ebenso lassen sich aber auch Gerüchte und Theorien unabhängig vom Spiel finden, die allerdings dennoch im Notizbuch ihren Platz finden als Trivia. Nur um hier nochmal die Liebe zum Detail hervorzuheben. Spielerisch ist das Ganze jedoch auch absolut spaßig und eine gute Abwechslung zum nächsten großen Teil des Spiels.

Bestimmung und Eliminierung

Nach der ausgiebigen Voranalyse begibt man sich zum Tatort beziehungsweise zu der betroffenen Person, die mit einer Anomalie in ihrem Leben zu kämpfen hat. Hier findet nun der nächste große Spielabschnitt statt, in dem man die Umgebung gründlich untersucht und mit den Betroffenen und Zeugen spricht. Hier geht es besonders darum, die nötigen Trigger zu finden, um bestimmte Personen zum Reden zu bringen. Auch der Geisterblick ist hier wieder unabdingbar.

Azami macht sich fast zu jedem Hinweis eine Notiz auf ihrem Block, was allmählich dann zu einer Mindmap heranwächst, die die Zusammenhänge von Personen und Geschehnissen visualisiert. Hat man genug Hinweise gesammelt, gilt es, eine Hypothese aufzustellen. Das gestaltet sich in Form eines Lückentextes, den man mit verschiedenen vorgegebenen Wörtern oder Phrasen ergänzen muss. Wer hier nicht wirklich weiterweiß, kann auch jederzeit einen Blick auf den Notizblock werfen oder sich einfach so lange durchklicken, bis das Richtige dabei herauskommt. Wirklich fatale Fehler kann man hier nicht machen.

Zu Beginn des Falls muss man mit wenigen Informationen die Anomalie bestimmen. Diese ist meist einer urbanen Legende zugeordnet und lässt sich ebenso über das Lückensystem anhand von mehreren Fragen bestimmen. Am Schluss des Falls gilt es, diese Anomalie zu eliminieren. Gameplaytechnisch geht es auch hier dann in die gleiche Richtung, was dann in der Konklusion den jeweiligen Fall auch beendet. Das Gameplay ist also auch hier eher simpel. Dennoch versprechen die Geschichten zu den Fällen und die kurzen, angenehmen Anstrengungen der Hirnsynapsen unaufgeregten Spielspaß bis zum Ende.

Pixelart vom Feinsten

Neben der gut geschriebenen Geschichte und unterhaltsamem Gameplay kann Urban Myth Dissolution Center für mich auch bei der Grafik punkten. Die pixeligen Figuren in den normalen Spielabschnitten sind zwar im Großen und Ganzen detail- und farbarm gehalten, jedoch springen die schönen Pixelarts der Charakterprofile und Szenen stark ins Auge. Auch wenn das alles kein grafisches Meisterwerk ist, versprühen diese doch sehr viel Charme und bringen Leben in die Geschichte.

Das grafische Design wird von einem atmosphärischen Soundtrack abgerundet. Das Sounddesign umfasst hier typische Synthie-Videospielmusik, die zwar in den einzelnen Abschnitten für die nötige Stimmung sorgen kann, allerdings leider oft wiederholt wird. Das Hauptthema zum Spiel, gesungen von Kanna Katata, findet sich am Ende jeder Episode wieder und dient als psychologischer Marker, dass man einen Abschnitt erledigt hat. Der Spieler wird somit zum „Pawlow’schen Hund“ und baut so eine Verbindung zum Lied auf.

Um Urban Myth Dissolution Center hat man eine große Marketingkampagne gebildet. So hatte das Spiel eine sichtbare Präsenz auf der Tokyo Game Show und bekommt neben dem Release des Soundtracks auch noch einen Manga spendiert. Der Manga umfasst eine zusätzliche Episode, die nicht im Spiel behandelt wird, und dient wohl ebenfalls als Teil der Werbetrommel, die Shueisha zumindest in Japan gerührt hat.

Eine exzellente Mystery-Adventure-Novel

Bildmaterial: Urban Myth Dissolution Center, Shueisha Games, Hakaba Bunko

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Titel	Tales of Graces f Remastered
	17. Januar 2025
	Bandai Namco
	17. Januar 2025
	Bandai Namco
	17. Januar 2025
	Bandai Namco
System	Nintendo Switch, PlayStation 4/5, Xbox One, Xbox Series X/S, PCs
Getestet für	Nintendo Switch
Entwickler	TOSE, Bandai Namco
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Sowohl der neueste Teil der Tales-of-Reihe, Tales of Arise, als auch die ursprüngliche Veröffentlichung von Tales of Graces haben schon einige Jahre auf dem Buckel. Damit es nicht zu still um Bandai Namcos größtes RPG-Franchise wird, bringt man mit Tales of Graces f Remastered einen weiteren überarbeiteten Titel aus der Vergangenheit zurück ins Rampenlicht.

2010 hat Tales of Graces bereits eine Frischzellenkur erhalten und bekam neben dem Zusatz „f“ im Titel auch eine Menge an zusätzlichen Inhalten spendiert. Ähnlich wie die damalige PlayStation-3-Version von Tales of Vesperia bot auch Tales of Graces f erweiterten Content in Sachen Story und Gameplay. Tales of Vesperia bekam vor einigen Jahren bereits die „Remaster“-Behandlung mit Tales of Vesperia: Definitive Edition. Nun bekommt Tales of Graces f ebenso einen mehr oder minder Re-Release der Version von 2010.

Mit dabei sind vor allem einige Quality-of-Life-Anpassungen, das obligatorische Hochschrauben der Auflösung und weitere kleine Zusätze. Im Test werfen wir einen Blick darauf, ob das Remaster nur ein glorifizierter Re-Release ist und ob die packende Geschichte, das dynamische Kampfsystem und die tiefgründigen Charaktere auch heute noch fesseln können.

Friendzone

Die Geschichte von Tales of Graces f folgt Asbel Lhant, einem jungen Mann aus dem ruhigen Dorf Lhant, der sich von einem sorglosen Kind zu einem mutigen Krieger entwickelt. Zu Beginn des Spiels ist Asbel ein selbstbewusster, aber unerfahrener Junge, der zusammen mit Freunden in das Abenteuer seines Lebens startet. Als tragische Ereignisse ihren Lauf nehmen, muss Asbel Verantwortung übernehmen und sein Zuhause hinter sich lassen.

Nach einem Zeitsprung in der Geschichte entfaltet sich die Erzählung vor dem Hintergrund eines eskalierenden Konflikts, bei dem Asbel und seine Gefährten gegen eine mysteriöse Bedrohung kämpfen. Der klassische Konflikt zwischen Gut und Böse entwickelt sich allerdings zu einer Geschichte über Freundschaft, Vertrauen und die Herausforderungen des Erwachsenwerdens. Besonders der Konflikt zwischen den verschworenen Kindheitsfreunden Asbel, Sophie und Richard steht im Mittelpunkt der Handlung.

Die Gruppe an Charakteren ist hier, wie so oft, äußerst divers und in großen Teilen sympathisch sowie unterhaltsam. Besonders das Zusammenspiel zwischen den Charakteren in zahlreichen Konversationen wirkt sich positiv auf den Spaß am Spiel aus. Auch in Tales of Graces f Remastered sind die serientypischen Skits mit viel Humor und abstrusen Szenarien enthalten, um die Gruppendynamik besonders in den Vordergrund zu setzen. Vormals nur als DLC erhältliche Unterhaltungen sind im Remaster von Anfang an dabei.

Dynamische Kämpfe

Das Kampfsystem von Tales of Graces f gehört zu den größten Stärken des Spiels und bietet eine dynamische, schnelle und tiefgehende Spielerfahrung. Es kombiniert klassische Elemente der Tales-of-Reihe mit modernen Akzenten, wobei der Spieler die Charaktere in Echtzeit steuert, was ein intensives Kampferlebnis ermöglicht. Ein zentrales Element des Systems sind die Artes – Spezialangriffe, die durch Tastenkombinationen ausgelöst werden. Jeder Charakter besitzt dabei einzigartige Artes, die ihm eine individuelle Spielweise verleihen.

Besonders herausragend ist das „Style Shift Linear Motion Battle System“ (SS-LMBS), das für Tales of Graces konzipiert wurde. Dieses System setzt nicht auf den Verbrauch von MP, sondern teilt dem Charakter je nach Ausrüstung und Situation eine Menge an Punkten zu, welche für jede Art von Artes-Kombination gebraucht werden können. Dies ermöglicht eine flexiblere Steuerung und macht die Kämpfe noch dynamischer. Spieler können nun blitzschnell zwischen Angriffen, Ausweichmanövern und Verteidigung wechseln, was den Kämpfen eine größere taktische Tiefe verleiht. Das SS-LMBS sorgt dafür, dass die Charaktere sich nicht nur schneller bewegen, sondern auch das Schlachtfeld aktiv kontrollieren können, was zu einem flüssigen und fesselnden Kampferlebnis führt.

Tales of Graces f hebt sich mit einem dynamischen Ausweichsystem und der Möglichkeit, durch gutes Timing längere Kombos und stärkere Techniken zu kombinieren, besonders in Sachen Kampf von seinen Vorgängern ab. Natürlich werden serientypische Elemente wie Mystic Artes oder bekannte Namen für Artes nicht außen vor gelassen. In Sachen Kampfsystem war Tales of Graces sicherlich ein Vorreiter für kommende Titel.

Eine weite Welt zum Erkunden

Neben den Kämpfen und der emotionalen Geschichte bietet Tales of Graces f eine Welt, die es zu entdecken gilt. Die abwechslungsreichen Landschaften, Wälder und Städte bieten zahlreiche Möglichkeiten zur Erkundung. Das Erkundungssystem bleibt dabei dem klassischen Tales-of-Stil treu, mit einer Mischung aus linearen und offenen Abschnitten, die zum Entdecken einladen.

Die zahlreichen Sidequests führen den Spieler immer wieder in verschiedene Ecken der Welt und bieten nicht nur wertvolle Belohnungen, sondern auch tiefere Einblicke in die Geschichte. Besonders hervorzuheben sind die Titel, die die Charaktere für ihre Erfolge erhalten können. Diese Titel gewähren nicht nur kosmetische Änderungen oder Boni, sondern beeinflussen auch die Entwicklung der Charaktere durch weitere Artes und Statusboni.

Das Remaster bringt im Bezug auf das Erkunden viele Quality-of-Life-Updates mit sich. Eine verbesserte Kartenansicht und Marker für wichtige Punkte erleichtern das Finden von Sidequests und versteckten Bereichen. Auch die verkürzten Ladezeiten sorgen dafür, dass das Spielerlebnis nicht durch lange Wartezeiten unterbrochen wird – ein positiver Unterschied zu früheren Versionen. Alle Quality-of-Life-Verbesserungen lassen sich im Menü auch problemlos wieder ausstellen, falls man es bevorzugt, nicht ständig an der Hand durch die Geschehnisse geführt zu werden.

Schönes Design und Atmosphäre

Grafisch macht man mit Tales of Graces f Remastered keine extremen Sprünge, allerdings wirkt das Spiel zumindest gut an moderne Plattformen angepasst. Das alte Design der Charaktere und Umgebungen wird dabei nicht angetastet oder verändert, man sieht lediglich die Anpassungen an der Auflösung der allgemeinen Grafik. Trotz marginaler Verbesserungen bleibt also der Anime-Stil und der Charme des Originals erhalten.

Auch die Musik von Motoi Sakuraba, einem der bekanntesten Komponisten der Tales-of-Reihe, trägt zur Atmosphäre des Spiels bei. Die Mischung aus orchestralen und rockigen Klängen unterstützt sowohl die dramatischen als auch die dynamischen Momente des Spiels perfekt. Im Remaster wurden Sound und Musik ebenso neu abgemischt, was zu einem klareren und volleren Sound führt. Die Musik bleibt dem klassischen Tales-of-Stil treu und sorgt für die notwendige Energie, die das Abenteuer begleitet.

Neuerungen im Remaster

Neben den erwähnten Punkten bezüglich DLC-Inhalten und vereinfachter Orientierung bietet das Remaster noch weitere Quality-of-Life-Features. Zwischensequenzen können hier nun zum Beispiel übersprungen werden, auch können Kämpfe quasi einfach übersprungen werden, indem man die Feindbegegnung ausschaltet. Zahlreiche Optionen für eine bessere Zugänglichkeit für Rätsel oder Ähnliches wurden ebenso hinzugefügt.

Der serientypische Grade-Shop, der besondere Boni nach dem Durchspielen bietet, ist in Tales of Graces f Remastered direkt zu Beginn zugänglich. Dies ermöglicht zum Beispiel das Freischalten von doppeltem oder 10-fachem Erfahrungsgewinn oder auch Optionen zur Verstärkung von Gegnern, was das Spielerlebnis jeweils anders beeinflussen kann. So können Kenner des Originals bereits zu Beginn in ein weiteres New Game+ einsteigen, falls gewünscht.

Zu guter Letzt sei ebenso erwähnt, dass man nun eine automatische Speicherfunktion bekommt und Kämpfe direkt wiederholt werden können, sollte man nicht zufrieden mit dem Ablauf des Kampfgeschehens sein. Ebenso kann man das Sprinten nun fest umschalten, was das Durchqueren der Landschaften schneller und durchaus angenehmer gestaltet. Hier und da kann man also festhalten, dass die kleinen Verbesserungen den Spielspaß heutzutage nochmal steigern können.

Ein besonderes „Tales of“ für neue Spieler zugänglich gemacht

Bildmaterial: Tales of Graces f Remastered, Bandai Namco, TOSE

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Titel	FANTASIAN Neo Dimension
	05. Dezember 2024
	Square Enix
	05. Dezember 2024
	Square Enix
	05. Dezember 2024
	Square Enix
System	PlayStation 5, PlayStation 4, Xbox Series X/S, Nintendo Switch, PCs
Getestet für	Nintendo Switch
Entwickler	Mistwalker
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Hironobu Sakaguchi ist allgemein als Vater der Final-Fantasy-Reihe bekannt und auch wenn er diese schon eine Weile hinter sich gelassen hat, ist die Entstehungsgeschichte zu FANTASIAN doch näher mit Final Fantasy verbunden, als man glauben mag. Nach seinem Austritt bei Square Enix gründete er mit Mistwalker ein neues Entwicklerstudio, das über die Jahre immer mal wieder interessante Spiele veröffentlichte, ohne groß in den Massenfokus zu rücken. Mit dabei waren da einige wenige Exklusivtitel für Microsofts Xbox 360, Nintendo Wii oder auch Spiele für Smartphones.

FANTASIAN selbst wurde vormals exklusiv für Apple-Geräte produziert und war demnach lange Zeit für einige Kernspieler außerhalb des Fokus oder eben nicht lohnenswert. Ein Grund mehr zur Freude, denn Square Enix ließ es sich nicht nehmen, mit FANTASIAN Neo Dimension eine Version des Spiels für alle aktuellen Konsolen herauszubringen. Eine nostalgische Verbindung, genau wie die eigentliche Idee zu dem Titel.

Während Sakaguchi primär das Leben beim Surfen oder ähnlichen Aktivitäten genießt, ist er nach wie vor eine Größe in der Videospiellandschaft. So wurde er vor einigen Jahren mit seinen damaligen Kollegen eingeladen, Final Fantasy VI durchzuspielen. Hierbei kam ihm nach eigener Aussage auch die Idee zu FANTASIAN und das merkt man tatsächlich sehr stark. Die Erinnerung an die besten Zeiten ermutigten ihn somit dazu, wieder ein umfangreiches JRPG zu erschaffen. Ein JRPG, das nun endlich auch für jedermann zugänglich gemacht wird.

Fantastische Erzählung

Wer sich seinen größten Erfolg als Vorbild nimmt, der setzt seine Ziele und somit die Erwartungen recht hoch an. FANTASIAN Neo Dimension spielt sich allerdings nicht nur wie ein klassisches Final Fantasy, sondern fühlt sich auch tatsächlich so an. Eine interessante und detaillierte Geschichte trifft auf eine Gruppe von absolut sympathischen Charakteren, die alle durch ihre eigenen Beweggründe auf ihrem Weg zusammentreffen. Die Geschichte wird hier nicht nur durch bloße Dialoge als Textbox erzählt, sondern auch in stilistischen Rückblenden mit Erzähler oder in ansprechenden Filmsequenzen.

Um fair zu sein, nimmt sich hier FANTASIAN zu Beginn viel Zeit und wächst erst in der zweiten Hälfte zu seiner ganzen Größe heran. In seiner Originalversion bestand das Spiel aus zwei Teilen, betrachtet man das Spiel mit diesem Hintergrund, erkennt man diese Teilung recht gut. Während der erste Teil des Spiels sich mehr an Gelegenheitsspieler richtet und mit zahlreichen JRPG-Tropes daherkommt, liegt der Fokus des zweiten und um einiges umfangreicheren Teils auf dem Ausbau von Story, Gameplay und allgemeinem Spielgefühl.

Ohne viel zu verraten, merkt man hier die Parallelen zu Final Fantasy VI enorm und das ist absolut nichts Schlimmes – im Gegenteil. Sakaguchis Handschrift ist klar zu erkennen und das tut FANTASIAN Neo Dimension besonders gut. Ich lehne mich sogar ein wenig aus dem Fenster und behaupte frech, dass FANTASIAN einem klassischen Final Fantasy in so gut wie nichts nachsteht und somit meiner Meinung nach durchaus im JRPG-Sektor seinen Platz an der Sonne verdient hat.

Fachmännisches Gameplay

Als JRPG liegt ein großer Anteil des Gameplays bei Kämpfen und allem, was dazugehört. FANTASIAN Neo Dimension setzt hier zwar auf altbekannte Zufallskämpfe, bringt allerdings noch einen kleinen Kniff mit hinein. Das sogenannte Dimengion-Feature schickt Zufallsbegegnungen auf die Wartebank und gibt so dem Spieler die Möglichkeit, die Kämpfe später nachzuholen.

Das schränkt zum einen den Spielfluss nicht so stark ein, zum anderen muss man sich jedoch später mit einem Pulk an Gegnern herumschlagen, die gerade im späteren Verlauf auch nicht ganz ohne sind. Hier bereichert man mit einem kleinen Feature ein altbackenes System und nimmt zusätzlich noch den Spieler in die Pflicht, Kämpfe geschickt einzuteilen und strategisch die Gebiete zu erkunden. Risk and Reward ist hier auf jeden Fall das Buzzword auf der Tagesordnung.

Die Kämpfe selbst sind klassische Rundenkämpfe. Eine Leiste zeigt die Zugreihenfolge an, die im späteren Verlauf auch strategisch manipuliert werden kann. Neben Standardattacken finden sich hier auch die üblichen Buff-/Debuff-Mechaniken und Elementarzauber wieder. Die ersten rund zehn Stunden des Spiels dienen dem langsamen Heranführen, während es später unabdingbar ist, verschiedene Zustandszauber einzusetzen oder Schwächen gezielt auszunutzen. Natürlich kann man auch seine Zeit ins Grinden investieren, allerdings sind die Kämpfe gerade gegen Bossgegner sehr gut balanciert und angenehm herausfordernd – durchaus empfehlenswert.

Wichtig für die zahlreichen Kämpfe ist auch Ausrüstung und tatsächlich haben auch Items eine besondere Wichtigkeit im Gameplay. Jeder Charakter bringt zudem Eigenheiten mit in den Kampf, die man ebenfalls bedenken sollte. Gut ist hier, dass man Party-Mitglieder zu jeder Zeit einwechseln kann, ohne einen Nachteil dadurch zu haben. Im späteren Verlauf des Spiels bekommt man zudem noch die Möglichkeit, die Charaktere weiter auszubauen, um besondere Fähigkeiten noch mehr zur Geltung zu bringen. Das Kampfsystem in FANTASIAN Neo Dimension mag zwar ein wenig angestaubt sein, allerdings wartet definitiv eine hochwertige Antiquität unter dieser kleinen Staubschicht.

Freies Erkunden

FANTASIAN Neo Dimension beginnt recht geradlinig, jedoch wird am Anfang schon gut klar, was man zu erwarten hat. Öffnet man die Karte, so zeigt diese lediglich an, wo sich Aus- oder Eingänge befinden, kein Marker, der Spieler an ein Ziel leitet, sondern einfach eine grobe Übersicht an Möglichkeiten. Dieser Zustand wird sich mit ein paar kleinen Ausnahmen auch durch das ganze Spiel ziehen. Auf unnötige, inflationäre Nutzung von Hilfsmarkern verzichtet man und lässt Spieler die Welt erkunden.

Hierbei nutzt das Spiel die starren Hintergründe und viele Kameraschwenks, um versteckte Schätze und Wege aufzudecken, wenn man sich diesen nähert. Schatztruhen werden dazu erst sichtbar auf der Karte, wenn diese entdeckt wurden. Das ist insofern hilfreich, da einige Schatztruhen besondere Schlüssel benötigen und somit ein späteres Wiederkommen verlangen.

Marker für Nebenquests gibt es zwar, aber auch diesmal eher spärlich und aufs Nötige beschränkt. Ziele der Quests bleiben nämlich nach wie vor verborgen und besonders im späteren Verlauf des Spiels bestehen auch Sidequests aus mehreren Ebenen und sind teilweise auf der ganzen Weltkarte verteilt. Erkunden hat bei FANTASIAN Neo Dimension eine hohe Priorität und sorgt zudem für den nötigen Einsatz des Spielers. Etwas, das heutzutage eher der Seltenheit angehört und trotz des alten Ursprungs wirklich erfrischend daherkommt.

Fragwürdige Umsetzung

Als vormaliges Spiel für Apple-Geräte liegt eigentlich der Griff zur Handheld-Konsole Nintendo Switch sehr nahe und daher wurde diese Version auch als Testversion gewählt. Allerdings ist FANTASIAN Neo Dimension erstaunlich Handheld-untauglich in der Hinsicht. Auf Nintendo Switch ist demnach der Handheld-Modus nicht ausführbar. Das kann ein Bug sein oder auch einfach fehlende Umsetzung, Fakt ist: Die Joy-Con müssen ab, was gerade bei solch einem Titel eher unschön ist.

Dazu kommt, dass der Touchscreen, trotz Belassen des Handy-UIs, ebenso keine Steuerung zulässt. Scheinbar hat man sich hier zu stark auf andere Konsolen berufen, anstatt einen kleinen Sonderweg für Nintendo Switch zu gehen. Sinnvoll wäre es hier definitiv gewesen. Betrachtet man dazu noch etwaiges Stocken und Framerateprobleme sowie Input-Lags, muss man es sich leider zweimal überlegen, das Spiel auf Nintendo Switch zu holen. Allgemein kommt hinzu, dass die Steuerung bei Kameraschwenks nicht dem Blickwinkel angepasst wird und man öfter den Stick erstmal wieder in Grundstellung bringen muss, um nicht einen Knoten im Gehirn zu bekommen.

Nichtsdestotrotz ist die fragwürdige Umsetzung letztlich kein Dealbreaker für FANTASIAN Neo Dimension, denn abseits davon kann das Spiel auch auf Nintendos Konsole überzeugen. Als Trostpflaster bleiben aber sicherlich die Versionen für Sony- und Microsoft-Konsolen, die sowieso nicht mit solchen Sonderfunktionen ausgestattet sind und technisch keinerlei Probleme haben sollten. Die nicht intuitive Steuerung bei Kameraschwenks wird man aber wahrscheinlich auch in anderen Versionen haben.

Fabulöse Umgebungen

Designtechnisch hat man sich für FANTASIAN etwas Besonderes ausgedacht. Die verschiedenen Gebiete wurden zunächst alle als Dioramalandschaft angefertigt und dann für das Spiel digitalisiert. Dieses Vorgehen gibt den Hintergründen einen wirklich besonderen, einzigartigen Look und verleiht der Umgebung einen gewissen plastischen Charme. Gerade Bäume erinnern sehr stark an Opas alte Eisenbahnmodelle, was eine unwirkliche, aber doch auch sehr interessante Art des Hintergrunddesigns aufzeigt. Selten kommt es aber auch hier zu Problemen bei Kameraschwenks, da teilweise Hintergründe in Bewegung gedoppelt dargestellt werden.

Die Charakterdesigns sind hier ein starker Kontrast zu den Hintergründen. In FANTASIAN Neo Dimension setzt man hier auf stilisierte, Anime-ähnliche Designs, jedoch fühlen sich diese keinesfalls fehl am Platze an, sondern passen sich gut in die liebevollen Hintergründe ein. Vereinzelte Filmsequenzen setzen zudem die Charaktere in emotionalen Momenten sehr gut in Szene. Die Kombination aus vielen verschiedenen Design-Entscheidungen ist hier die Stärke von FANTASIAN Neo Dimension.

Musikalisch darf man natürlich die Mitarbeit von Nobuo Uematsu nicht unerwähnt lassen. Auch dieser passt hier wie die Faust aufs Auge, um FANTASIAN zu einem würdigen Final-Fantasy-esken JRPG werden zu lassen. In vielen Momenten des Spiels werden Fans unweigerlich an Final Fantasy erinnert, aber was erwartet man auch anderes vom Komponisten der Reihe? Musikalisch sowie designtechnisch wird man bestens versorgt.

Feinste Rollenspielkost

Bildmaterial: FANTASIAN Neo Dimension, Square Enix, Mistwalker

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Titel	Master Detective Archives: RAIN CODE Plus
	18. Juli 2024
	Spike Chunsoft
	01. Oktober 2024
	Spike Chunsoft
	01. Oktober 2024
	Spike Chunsoft
System	PlayStation 5, Xbox Series X/S, PCs
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Too Kyo Games
Genres	Adventure
Texte
Vertonung

Master Detective Archives: RAIN CODE war letztes Jahr einer der großen Titel des noch recht jungen Entwicklerstudios Too Kyo Games, welches 2017 von namhaften Spike-Chunsoft-Mitarbeitern gegründet wurde. Unter diesen Kazutaka Kodaka, der Kopf hinter der Danganronpa-Reihe; Komponist Masafumi Takada und Character-Designer Rui Komatsuzaki, also so ziemlich der harte Kern hinter den beliebten Adventure-Visual-Novel-Spielen. RAIN CODE zeigte hier besonders die Verbindung zu der Serie, denn vieles im und am Spiel erinnert doch sehr stark an seinen spirituellen Vorgänger.

Obwohl man sich damals bewusst gegen einen Multiplattform-Release entschied, haut man nun, ein Jahr später, diesen mit Master Detective Archives: RAIN CODE Plus zügig hinterher. Das Originalspiel erschien exklusiv für Nintendo Switch und das war laut Kodaka „eine gute Entscheidung“, denn auch wenn man offensichtlich Vertrauen in das eigene Projekt hatte, so glaubte man mit der Exklusivität mit einem A- beziehungsweise AA-Titel mehr Chancen in einem gut gefüllten Markt in diesem Sektor zu haben.

Kein Grund nach dem initialen Erfolg nun dabei zu bleiben, dachte man sich. So kam es schließlich doch noch zur Multiplattform-Veröffentlichung mit der „Plus-Version“, die neben einer höheren Auflösung auch die vormals als DLC veröffentlichten Zusatzepisoden mitliefert. Unseren Test zur Originalversion findet ihr hier. Ob Master Detective Archives: RAIN CODE auch auf anderen Plattformen eine gute Figur macht, schauen wir uns aber jetzt an.

Regenmäntel und Fleischbrötchen

Ohne zu viel zu verraten, eine kurze Einleitung in die Geschichte: In RAIN CODE spielt man den Protagonisten Yuma Kokohead, der zumindest dem Anschein nach ein Detektiv zu sein scheint. Er selber weiß es auch nicht, denn er leidet, wie es sich gehört, an Amnesie. Nach einer ominösen Einladung in den abgesperrten Kanai-Distrikt, trifft er auf weitere Detektive, um das große Geheimnis um den ungewöhnlichen Distrikt, in dem es nur zu regnen scheint, zu lösen.

Auch wenn man sich sehr nah an die Danganronpa-Formel hält, fällt eine große Änderung recht schnell zu Beginn auf. Im Gegensatz zu der, für eine Visual-Novel üblichen, langwierigen Einleitung, kommt man in Master Detective Archives: RAIN CODE sehr schnell zum eigentlichen Geschehen. Kaum eine halbe Stunde im Spiel gilt es schon den ersten großen Fall zu lösen.

Somit setzt man schnell den weiteren Verlauf des Spiels fest, denn im Laufe des Spiels wird diese Vorgehensweise im Grunde bis zum Ende durchgezogen. Die weiteren Charaktere sind trotz kurzer Einleitungen nicht bloß eindimensionale Figuren, sondern sind äußerst einzigartige und durchgeknallte Charaktere, die sich auch durchaus im Laufe der Story entwickeln.

Nach ein wenig Vorgeplänkel trifft man auf eine Leiche, untersucht den Tatort, führt Verhöre oder sammelt auf andere Weise Hinweise und gerät zum Schluss in eine Situation, die Yumas ungewöhnliche Partnerin zur Tat ruft. Shinigami-chan ist aus unbekannten Gründen Yumas ständige Begleiterin und folgt ihm auf Schritt und Tritt in ihrer Geistform. Hat man genügend Beweise oder hier Lösungsschlüssel gesammelt, offenbart Shinigami-chan ihre „wirkliche“ Gestalt und begleitet unseren Protagonisten als sexy Todesgöttin durch die sogenannten mysteriösen Labyrinthe.

Worte sind Gewalt

In den mysteriösen Labyrinthen zeigt sich der zweite Hauptbestandteil des Spiels. Hier muss man schließlich die gesammelten Lösungsschlüssel nutzen, um den eigentlichen Fall zu lösen. Das Ganze geschieht aber nicht durch einfaches Auswählen von Optionen, sondern artet in diverse Kämpfe aus, die gegen Phantome der Wirklichkeit ausgetragen werden. Gekämpft wird hier mit Worten und das darf man hier gern wörtlich nehmen.

Zwei große Mechaniken machen hier den Großteil des Gameplays aus. Die Gefechte gegen die Phantome bestreitet man im „Todeskampf der Beweisführung“. Hier wird man mit Aussagen bombardiert, denen man aktiv ausweichen muss. Andere Aussagen können einfach zerstört werden, während man bestimmte Kernaussagen mithilfe des richtigen Schlüssels widerlegen muss.

Diese Mechanik ähnelt sehr den Wortduellen in Danganronpa, allerdings legt man hier den Fokus mehr auf die Action. Erfolgreiches Ausweichen und das korrekte Zerstören und Widerlegen von Aussagen fließt hier ebenso in die Endwertung ein, die wichtige Punkte liefert, um den weiteren Verlauf etwas stressfreier zu gestalten.

Hier sind also nicht nur schnelle Reaktionen, sondern auch schnelles Leseverständnis und ein wenig Glück notwendig, denn nicht immer ist es glasklar, welche Aussage man nun mit welchem Schlüssel beantworten muss. Fehler triggern allerdings auch Gespräche, die Ahnungslosen wichtige Tipps liefern können. Im Grunde kann man aber sagen, dass es hier nur selten zu Unklarheiten kommt, sofern man in den umfangreichen Adventure-Parts aufgepasst hat. Gesammelte Informationen können aber auch zwischen den Kämpfen noch einmal ausgiebig studiert werden.

Dschini im Kauderwelsch-Fass

Die zweite Gameplay-Mechanik in den mysteriösen Labyrinthen ist das „Shinigami Puzzle“. Hier muss man Buchstaben auswählen, um ein Wort in einem Lückentext herauszufinden. Die Buchstaben befinden sich hier auf einem sich drehenden Fass, welches sich etwas kniffliger gestaltet als die Action-Sequenzen der Beweisführung. Die Fälle sind oftmals so gestaltet, dass man selber erst im Laufe der Labyrinthe wirklich versteht, was im Detail passiert ist. Das in Kombination mit passenden Synonymen, die in allerlei verschiedenen Sprachen in die vorgefertigten Lücken passen müssen, hebt leider ab und an den Schwierigkeitsgrad etwas in die Höhe.

Ein Problem, das auch schon in Danganronpa teilweise prominent war, ist die Lokalisierung. In einem Spiel, das den Fokus auf Formulierungen und Sprache legt, ist es wahrlich nicht einfach eine passende Übersetzung zu liefern, die ein Rätsel im gleichen Sinne wie das Original widerspiegelt. Kompromisse müssen gemacht werden und die angesprochenen Synonyme für spezielle Wörter liegen einem dann nicht immer direkt auf der Zunge. Trial-and-Error ist schließlich in solchen Fällen die einzige Lösung für diese Puzzles, was zwar schade ist, aber auch nicht durchgehend immer der Fall ist.

Neben diesen beiden großen Gameplay-Abschnitten werden die Labyrinthe noch mit konventionellen Richtig-oder-falsch-Optionen und Exposition ausgeschmückt. Am Ende eines jeden Labyrinths wartet dann noch ein großer Showdown, der nicht unbedingt näher erklärt werden muss.

Unsägliche Quick Time Events

Master Detective Archives: RAIN CODE schafft den Sprung in die 3D-Umgebung im Grunde sehr gut. Die Adventure-Abschnitte, in denen man Lösungsschlüssel sucht und mit der Umgebung interagiert, sind eine gute Weiterentwicklung vom bloßen Auswählen im Visual-Novel-Format. Wortgefechte sind zudem mit mehr Action gefüllt, was den Druck im gesunden Maße ansteigen lässt und die Rätsel unterhaltsamer machen kann. Ein Element ist aber dann doch etwas zu viel des Guten, die Quick Time Events.

Es scheint, dass man RAIN CODE, gerade in Hinsicht auf das starre 2D-Erlebnis mit Danganronpa, besonders dynamisch und interaktiv gestalten wollte. Quick Time Events sollten hier in den Adventure-Parts eben dies liefern; und so kommt es des Öfteren aus dem Nichts dazu, dass ein Button-Input auf dem Bildschirm auftaucht, um zum Beispiel einer Person auszuweichen oder Ähnliches. Das ist zwar zu Beginn noch ganz okay und gut verkraftbar, allerdings nimmt das zum Ende stark zu und wird zum lästigen und stressigen Beiwerk.

Später führt man Quick Time Events, oder zumindest ähnlich plötzliche, zeitabhängige Eingaben, auch den mysteriösen Labyrinthen hinzu. In Verbindung mit Aussagen, die man erst einmal lesen und verstehen muss, ist das schon eine zunehmend nervige und unnötig stressige Ergänzung zum zuvor schon ausreichend fordernden Gameplay. Letztlich bleibt auch hier oftmals nur das Trial-and-Error-Prinzip, was im Blick auf die restliche Umsetzung eher enttäuschend daherkommt.

Wahnsinnige Hintergründe und geradlinige Labyrinthe

Mit Danganronpa-Character-Designer Rui Komatsuzaki an Bord wissen Kenner von Danganronpa, welche Art von Designs man erwarten kann und auch in Master Detective Archives: RAIN CODE wird in dieser Hinsicht abgeliefert. Ungewöhnliche Farbkombinationen und interessante Designs bieten allerdings nicht nur die Charaktere, sondern auch die Hintergründe können sich, besonders in den mysteriösen Labyrinthen, sehen lassen.

Hier hat es sich besonders gelohnt von bloßen 2D-Hintergründen in eine 3D-Landschaft überzugehen, denn hier kriegt man es mit besonders abstrusen Designs in Bewegung zu tun, die neben Detailverliebtheit auch sehr künstlerisch kreativ umgesetzt sind. Ein Fakt, der auch sehr gut über die doch total geradlinigen Labyrinthe hinwegsehen lassen kann, denn hier geht es durchweg nur wie an einer Schnur gezogen hindurch. Während der reale Kanai-Distrikt mit seiner regnerischen Kulisse im starken Gegensatz dazu steht, kann dieser mit zahlreichen Neonlichtern und unaufhörlichen Regenanimationen überzeugen.

Auch musikalisch werden Fans von Danganronpa unentwegt durch Masafumi Takada daran erinnert, mit welchen Entwicklern wir es zu tun haben. Für Spieler, die allerdings nicht mit Danganronpa vertraut sind, kann man den Soundtrack in Richtung Acid House kombiniert mit jazzigen Elementen einordnen, Genres, die Takada wohl gerne in seine Videospielmusik einfließen lässt. Als Musikbanause sage ich, das höre sich einfach wie Danganronpa an, womit ich wohl auch nicht so falsch liege.

Ein „Plus“ ohne große Sprünge

Bildmaterial: Master Detective Archives: RAIN CODE Plus, Spike Chunsoft, Too Kyo Games

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Titel	Umamusume: Pretty Derby – Party Dash
	30. August 2024
	Cygames
	30. August 2024
	Cygames
	30. August 2024
	Cygames
System	PlayStation 4, Nintendo Switch, PCs
Getestet für	PlayStation 4
Entwickler	Cygames, Arc System Works
Genres	Party Action
Texte
Vertonung

Umamusume: Pretty Derby – Party Dash ist ein Ableger des in bestimmten Kreisen sehr beliebten Multifranchise Uma Musume Pretty Derby, welches von Cygames ins Leben gerufen wurde.

Die ungewöhnliche, aber durchaus typisch japanische Kombination aus Rennpferden und Schulmädchen umspannt Anime, Manga und Handyspiel und findet mit Party Dash nun auch ein Zuhause auf Konsolen. Hier aber nicht mehr als Pferderennsimulation, sondern als eine Art Party-Spiel mit überschaubarem Content.

Für Umamusume: Pretty Derby – Party Dash bekommt Cygames Unterstützung von Arc System Works, die für ihre 2D-Prügler bekannt sind. Geprügelt wird in Party Dash zwar nicht, aber an putzigen 2D-Sprites fehlt es auch hier nicht. Auch wenn das Spiel eine umfangreiche Einzelspieler-Kampagne mitbringt, liegt der Fokus des Spiels eher auf Multiplayer-Spaß lokal und online.

Ob die sympathischen Pferdemädchen auch in ungewohnter Atmosphäre überzeugen können, schauen wir uns jetzt einmal genauer an. Fest steht aber schon einmal jetzt, dass für absolute Fans der Serie sicherlich neue und unterhaltsame Inhalte geliefert werden.

Ein ganz normales Schulfest

Da unsere lieben Pferdemädchen nicht nur professionelle Rennpferde sind, sondern auch Schulmädchen, liegt der Gedanke nicht fern, diese eben auch an einem Schulfest teilhaben zu lassen. Die Story von Umamusume: Pretty Derby – Party Dash dreht sich um ein solches Fest und bringt somit einige bekannte Pferdchen zusammen, die in Gruppen gegeneinander antreten. Das Fest umfasst hier vier Wettbewerbe, die mehrmals im Laufe der Geschichte bestritten werden müssen.

Neben dem obligatorischen Prolog, der quasi den oben erwähnten Abschnitt nochmal ausgiebiger erklärt, trennt sich danach die Story in vier verschiedene Gruppen auf. Als Spieler verfolgt man hier dann jeweils die Geschichte eines Teams, sammelt Fans, Scouting-Tickets und anderes und genießt die kleinen, unterhaltsamen Eskapaden der einzelnen Mädchen.

Party Dash verspricht eine gänzlich neue Geschichte, sodass Fans der Serie hier zumindest neues Futter bekommen werden. Über Umfang und Qualität lässt sich hier sicherlich streiten, doch kann man festhalten, dass die Pferdemädchen durchaus unterschiedliche Charakterzüge aufweisen und die Unterhaltungen humorvoll und unbeschwert daherkommen. Das Hauptaugenmerk soll aber letztlich auch der Spaß am Gameplay sein.

Auf die Pferde, fertig, los

Umamusume: Pretty Derby – Party Dash möchte als Party-Spiel gelten und daher gilt es einen besonders genauen Blick auf die einzelnen Minispiele zu werfen. Zunächst muss man festhalten, dass man hier tatsächlich nur vier eigenständige Spiele geboten bekommt. Diese umfassen ein Hindernisrennen, Basketball, Völkerball und ein Wettessen. Auch wenn die Spiele alle technisch recht gut umgesetzt sind, hapert es hier doch schon sehr am Umfang. Trotzdem gibt es ein paar Dinge zu erwähnen, wenn man die Details anschaut.

Prinzipiell sind die Spiele schnell erklärt. Beim Hindernislauf, zum Beispiel, beschränkt sich das Gameplay auf das Ausweichen beziehungsweise Überwinden von Hindernissen. Hier ist besonders Timing und ein Auge auf die Ausdaueranzeige gefragt. Um schließlich als Erste durchs Ziel zu gehen, muss man auch verschiedene Items oder auch Skills anwenden. Die Skills sind hier für jedes Pferdemädchen unterschiedlich und sorgen somit für die erwähnten Details, die den Unterschied machen können. Hier sei gesagt, dass dieser Unterschied im Einzelspieler-Modus selten bis gar nicht sichtbar werden wird, denn an Schwierigkeit und Herausforderung fehlt es Party Dash gehörig.

Das ändert sich leider auch bei den anderen Disziplinen nicht. Beim Basketballspiel gilt es, den Ball zu behaupten und möglichst viele Körbe zu werfen. Auch hier kommen die besonderen Skills der Uma Musume zum Tragen. Ab und an behindern aber auch besondere Hindernisse das Spielfeld. Das Äquivalent zum Völkerball sieht vor, die anderen Mädchen auszuschalten und als Letzte auf dem Feld zurückzubleiben. Zu guter Letzt gibt es dann doch noch ein wenig Variation beim Wettessen.

Nach dem Mampfen eine Runde spielen

Der letzte große Wettbewerb ist das Wettessen. Die Mädchen teilen sich hier in Zweier-Teams auf, wobei eines als Esser deklariert wird und das andere Essen einsammelt und auftischt. Beide Pferdemädchen haben hier einzelne Skills, die helfen können, das Essen schneller herunterzuschlingen oder die Gegner beim Aufsammeln zu hindern. Ebenso ist es wichtig, bestimmte Farben an Tellern zu kombinieren, um eine Kombo zu erzeugen. Diese führt dazu, dass die Esserin schneller den Tisch leer bekommt und man somit Platz schafft für mehr Essen und letztlich auch wichtige Punkte sammelt.

Das war auch nun so ziemlich alles, was das Hauptspiel, zumindest spielerisch, zu bieten hat. Die Wettbewerbe lassen sich neben der Einbindung in die Story auch einzeln spielen. Hier wohlgemerkt auch mit Freunden oder gegen Spieler online. Dort liegt dann auch der größte Spaß, zumindest für eine kurze Weile. Wirklich schade, dass man hier nicht mehr Variation hereingebracht hat. Allerdings sorgt ein versteckter Spielmodus aber dann doch noch für positive Überraschung.

Kauft man sich im Ingame-Shop eine Videospiel-Konsole, schaltet man ein weiteres Spiel frei, das komplett aus dem etablierten Rahmen herausfällt. In Golshi’s Grand Adventure 2 spielt man ein Roguelight-Pferderennen im Retro-Look. Hier läuft man auf einer Rennbahn, besiegt Gegner und weicht Hindernissen aus. Dabei sammelt man Erfahrungskristalle, Münzen und Ausrüstung ein. Levelt man auf, so bekommt man die Möglichkeit eine Waffe auszuwählen oder aufzuleveln. Die persönliche Erfahrung durch das Trial-and-Error-Prinzip und gesammelte Ausrüstung machen hier jeden Lauf besonders und heben diesen Modus wohl zum wirklichen Highlight des ganzen Spiels.

Scouting und ein Clubhouse

Umamusume: Pretty Derby – Party Dash bietet einen Clubraum, welches mit verschiedenen Einrichtungsgegenständen gefüllt werden kann. Der Hauptaspekt hier ist es, die Sammelleidenschaft zu befriedigen, auch wenn es wahrscheinlich unzählige Stunden dauern wird, bis man genügend Geld zusammengespielt hat, um wirklich alles zu kaufen. Die Daseinsberechtigung hat der Clubraum aber schon mal durch das Freischalten des Golshi-Modus definitiv inne.

Der letzte erwähnenswerte Punkt wäre dann noch das Scouten von Pferdemädchen. Um ein Team für den Online-Modus (und für einen selbst) zusammenzustellen, muss man die Talente zunächst scouten. Dies geschieht über Scouting-Tickets, die man im Laufe der Handlung erhalten kann oder durch Punkte kaufen kann. Tickets sind hier mehr als rar und kaufen wird die Taschen im Handumdrehen leeren. Das Scouting ist somit eine unangenehme Referenz zum Original-Spiel, ohne eine hier bitter nötige Gacha-Mechanik.

Will man also ein Team aus seinen liebsten Pferdchen zusammenstellen, muss man auch hier erstmal unzählige Stunden ins Hauptspiel stecken, was im Umkehrschluss die liebevoll zusammengestellten Spiele extrem schnell langweilig und nervig werden lässt. Wer damit kein Problem hat, der kann und wird viel Zeit investieren. Zeit, die letztendlich sinnvoller in den Golshi-Modus fließen sollte.

2D-Sprites vollkommen ausreichend

Party Dash präsentiert sich farbenfroh und besonders bei den 2D-Sprites auch sehr detailverliebt. Die pixeligen Chibi-Mädchen versprühen einen gewissen Charme und binden sich nahtlos in die kunterbunte Welt ein. Highend braucht man hier nicht erwarten, aber das muss es hier auch sicher nicht. Noch einen Schritt mehr retro geht man hier sogar mit dem versteckten Golshi-Modus, der auch im 8-Bit-Look mehr als überzeugend herüberkommt.

Musikalisch geht es in Richtung erheiternde Beeps und Boops ohne viel Tiefgang, aber dennoch passend für den Inhalt des Spiels. Das Uma-Musume-Pretty-Derby-Theme findet natürlich auch sein Plätzchen und dürfte hiermit Fans durchaus erfreuen. In puncto deutscher Lokalisierung zeigt das Spiel aber ein paar Schwächen. Manche Szenen im Storymodus sind unübersetzt auf Englisch gehalten und der Golshi-Modus kommt komplett ohne deutsche Texte daher. Betrachtet man den doch kleinen Umfang des Spiels, ist das schon mehr als verwunderlich.

Ein gutes Pferd springt nicht höher, als es muss

Bildmaterial: Umamusume: Pretty Derby – Party Dash, Cygames, Arc System Works

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Titel	Shin Megami Tensei V: Vengeance
	14. Juni 2024
	Atlus
	14. Juni 2024
	Sega
	14. Juni 2024
	Sega
System	PlayStation 5, PlayStation 4, Nintendo Switch, Xbox One, Xbox Series X/S, PCs
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Atlus
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Shin Megami Tensei ist wohl die einflussreichste Videospielmarke, die Atlus zu bieten hat, jedoch sind die hartgesottenen SMT-Fans eher in einer Nische zu finden. Was Shin Megami Tensei so einflussreich macht, sind vielmehr die weitaus populäreren Persona-Ableger, die spielerisch ähnlich, aber weitaus nicht so komplex daherkommen.

2021 erschien die Ursprungsversion von Shin Megami Tensei V exklusiv für Nintendo Switch und betrachtet man die oben erwähnte Nischenstellung sowie Konsolen-Exklusivität, schlug sich dieser lang erwartete Hauptteilableger mit rund einer Million verkaufter Einheiten doch recht gut. Eine der größten Schwächen von SMT V konnte man aber schon nach wenigen Monaten erkennen. Das Spiel verschwand nahezu gänzlich aus dem öffentlichen Diskurs.

Langlebigkeit ist zwar heutzutage eher die Seltenheit, aber bei Shin Megami Tensei V haperte es offensichtlich schon bei der Umsetzung einer Geschichte oder Momenten, die einem in Erinnerung bleiben könnten. Mitunter spielte hier auch die Ähnlichkeit zu Shin Megami Tensei III: Nocturne mit rein – dem dritten Hauptteil. Ein Teil, der ebenso eher aus dem üblichen Muster von Shin Megami Tensei herausfiel.

Nun sind drei Jahre vergangen und Atlus beschert Spielern eine überarbeitete Version von SMT V mit dem Zusatz Vengeance. Neben einigen Gameplay-Verbesserungen liefert man hier ebenfalls eine neue, umfangreiche Story-Route, die diesmal mehr das klassische SMT-Gefühl einfangen soll. Die Konsolen-Exklusivität wurde ebenso aufgehoben.

Dämonische Moralvorstellungen

Ein großer Bestandteil der Shin-Megami-Tensei-Spiele ist der Fokus auf Dämonen, Götter, Religionen sowie deren distinktive Vorstellungen von Moral. Gesellschaftliche Moralvorstellungen kamen jeher durch die verschiedenen Ableger von Religionen und da Shin Megami Tensei so gut wie jeden Götterpantheon der Welt in sich vereint, spielt in der Reihe auch die Moral eine große Rolle. Der moralische Kompass liegt hier komplett in der Hand des Spielers und seinen Entscheidungen.

Vorherige Teile des Franchise brachten diesen Aspekt auch in komplexer Weise im Gameplay unter. Meist stehen hier weitere menschliche Partymitglieder dem Protagonisten zur Seite, die einer bestimmten moralischen Ausrichtung zugeordnet werden können. Die Beziehung zueinander sowie die Auswahl der Dämonen konnten somit verschiedene Routen und besondere Enden freischalten.

Teile dieser Elemente fanden zwar auch ihren Weg in andere Spiele, jedoch sind diese im Kern Shin Megami Tensei zuzuordnen. Mit den Jahren nahm diese Komplexität aber leider auch hier ab. Shin Megami Tensei III: Nocturne kann man hier als den Ausreißer nennen, der nun eben auch großen Einfluss auf Teil fünf genommen haben wird. Das fängt bei der Abwesenheit oder Unwichtigkeit der Nebencharaktere an, bis hin zu Entscheidungen, die man am Ende mit einer Antwort komplett in eine andere Richtung leiten konnte.

Weg der Vergeltung

Shin Megami Tensei V: Vengeance geht mit dem neuen sogenannten „Weg der Vergeltung“ einen Schritt in Richtung des alten Modells. Den Weg der Vergeltung wählt man direkt zu Beginn in einer ominösen Traumsequenz – ein Element, das stark an die ersten Teile angelehnt ist. Was folgt, ist im Groben der gesamte Umfang des Originalteils, allerdings mit einigen herausstechenden Merkmalen.

Neben einer neuen Nebenfigur bekommen auch die bekannten Mitstreiter mehr Screentime und auch wichtigere Rollen. Die bereits erwähnten Vertreter der Moralausrichtungen sind zurück und Entscheidungen sind wichtig für das Ende der Geschichte. Die spärlich vorhandenen Nebenquests, in denen man sich für eine Seite entscheiden musste, wurden ebenfalls ausgebaut. Zwar erreicht man auch mit der neuen Route in Shin Megami Tensei V: Vengeance letztendlich nicht die volle Komplexität der alten Teile, aber die Richtung stimmt hier definitiv.

Der Weg der Vergeltung bietet zudem neue Dämonen, menschliche Mitstreiter in der aktiven Party und auch zwei neue Gebiete zum Erkunden. Die neue Bedrohung durch die sogenannten Qadistu lenkt die bekannte Geschichte dann noch zusätzlich in neue Bahnen, was das Abweichen vom Originalweg ebenso glaubhafter gestaltet. Wer jedoch trotzdem einen Blick auf den Originalverlauf werfen möchte, dem steht natürlich auch das komplette Originalspiel mit dem „Weg des Ursprungs“ zur Verfügung.

Quality of Life und andere Neuerungen

Beide Wege kommen in den Genuss von weiteren kleineren Quality-of-Life-Updates, die mit der Vengeance-Version hinzugefügt wurden. Die interessantesten Features sind hier wohl neue passive Skills für Dämonen, die sich nach der Ausrichtung anderer Dämonen in der Party richten und positive Effekte aktivieren können. Auto-Battles wurden ebenso überarbeitet, was mit einer intelligenteren Auswahl der Attacken die Zeit beim Grinden außerordentlich verkürzen kann.

Neue Dämonen und die Möglichkeit, auch aktive Dämonen mit jenen im Kompendium zu fusionieren sowie Statussteigerungen durch höhere Zuneigung zu den jeweiligen Dämonen bringen zusätzliche Möglichkeiten, die zum Experimentieren anregen. Auch kann man sich nun mit Dämonen in einer Art Entspannungszone unterhalten und dadurch Items oder auch neue Skills erhalten.

Neben zahlreichen weiteren kleineren Anpassungen hat Atlus ebenso die damaligen DLC-Quests der neuen Version beigelegt. Wir würden aber nicht von Atlus reden, wenn da nicht noch ein Haken versteckt wäre. Shin Megami Tensei V: Vengeance wartet nämlich auch noch mit DLC auf, der nicht im Basisspiel enthalten ist. Besonders der DLC, der einfach eine Menüeinstellung für die Häufigkeit von seltenen Magatama-Gegnern erhöht, für zusätzliches Geld anzubieten, hinterlässt wieder einmal einen bitteren Beigeschmack.

Musik über Design

Shin Megami Tensei V: Vengeance setzt in puncto Design zum Originalspiel wenig Maßstäbe. Die zwei zusätzlichen Gebiete sind letztlich auch nur mehr vom Bekannten und das Bekannte ist hier Wüste und umgestürzte Gebäude. Wenig von den psychedelischen Umgebungen aus Vorgängerteilen oder zumindest einmal ein wenig Abwechslung. Pluspunkt sind aber weiterhin die Dämonen- und Charakterdesigns, die qualitativ hervorstechen können. Besonders die Designs der Qadistu sind hier hervorzuheben.

Die Stärke von Shin Megami Tensei V war damals schon mehr die musikalische Untermalung, die von atonal bis geradezu dämonisch einzuordnen ist. Besonders Bosskämpfe sind mit Musikstücken unterlegt, die einen zusätzlich zum Schwitzen bringen und die Atmosphäre sehr gut herüberbringen können. Für die Vengeance-Version wurden einige Stücke überarbeitet und auch neue hinzugefügt.

Da Shin Megami Tensei V zuvor Nintendo-Switch-exklusiv war, bekommt man obendrein auf anderen Konsolen ein kleines Qualitäts- und Performance-Upgrade geboten. Auch wenn man ganz klar festhalten muss, dass die Switch-Version exzellent umgesetzt war, selbst wenn man hier und da die Schwächen bemerken konnte. Shin Megami Tensei V: Vengeance ist dazu auch wieder für Nintendo Switch erhältlich und bietet auch noch Spielstandboni, falls man sich wieder für die Version entscheiden möchte.

Ist das die Wiedergeburt der Göttin?

Bildmaterial: Shin Megami Tensei V: Vengeance, Atlus

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Titel	Final Fantasy XVI: The Rising Tide
	18. April 2024
	Square Enix
	18. April 2024
	Square Enix
	18. April 2024
	Square Enix
System	PlayStation 5
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Square Enix
Genres	Action-RPG
Texte
Vertonung

Mit The Rising Tide geht Final Fantasy XVI in die nächste Runde der DLC-Inhalte. Während Echoes of the Fallen im Grunde nur einen weiteren Dungeon lieferte und laut Naoki Yoshida als Ersatz für einen fehlenden, imposanten finalen Dungeon herhalten könnte, so setzt man mit der Rising-Tide-Erweiterung auf eine größere, mehr ans Hauptspiel angelehnte Ausrichtung.

Prinzipiell wird mit The Rising Tide eine gänzlich neue Region freigeschaltet. Diese bietet neben einer Hauptstory ebenso auch einige Nebenaufgaben und Herausforderungen. Der DLC hält sich hier strikt an die etablierten Vorgaben des Hauptspiels und versucht dieses auch auf eine gewisse Art und Weise zu bereichern. Ob dies gelingt, beruht aber letztlich gänzlich auf der subjektiven Auslegung des Spielers. Wirklich Handfestes oder augenöffnende Momente gibt es nicht wirklich.

Final Fantasy XVI: Rising Tide richtet sich, wie es auch sein sollte, an Fans des Hauptspiels und muss das Rad demnach auch nicht neu erfinden. Wer mit dem MMO-ähnlichen Aufbau von Sidequests und Hauptaufgaben also keine Probleme hatte, der wird auch hier mehr vom Bekannten bekommen. Der Umfang kann aber durchaus als zufriedenstellend bewertet werden. Besonders, wenn man gewisse Einbindungen ins Hauptspiel und weiterführende Challenges über den Kernteil des DLC hinaus bedenkt.

Zwei Liter Wasser am Tag

Square Enix bewarb The Rising Tide in erster Linie mit der Esper Leviathan. Um diesen dreht sich die Geschichte und mündet schließlich auch in die unausweichliche Anwendung dieser Fähigkeiten. Unser Protagonist Clive erhält also neue Fähigkeiten, die Leviathan entsprechen und das allgemeine Kampfsystem bereichern sollen. Leviathans Fähigkeiten erlauben dem Spieler verschiedene Fernkampfattacken und andere Wasser-basierte Elementattacken.

Ein Punkt, der in Final Fantasy XVI leider unter den Tisch fiel, sind elementare Schwächen. So hat auch Leviathans Wasserelement nahezu keine Relevanz außer eine andere grafische Darstellung. Ein weiterer purer Style-Faktor ohne große taktische Anwendung. Die neuen Fähigkeiten beeinflussen den Kampf allerdings auf eine andere Weise. Dank der Fernkampfkomponente kann man nämlich nun fast jede Mechanik umgehen und aus sicherer Entfernung Gegner nach Belieben ausschalten.

Auch bei robusteren Gegnern schmilzt die Break-Leiste in kurzer Zeit dahin und erlaubt Spielern ihren Machtfantasien freien Lauf zu lassen. Das kann ohne Frage sehr viel Spaß bereiten, hebelt aber teilweise tatsächlich die kompletten Bewegungsmuster von Gegnern aus. Besonders neue Gegnergruppen und Bosse lässt das eher blass aussehen, im Gegensatz zu der eigentlich erhofften neuen Herausforderung. Zum Abschluss der Erweiterung wartet zudem noch eine weitere neue Fähigkeit, die das sogar nochmal in den Schatten stellt.

Tombery Land

Die neue Region bietet neben hübschen Landschaften auch eine neue Gegnergruppe. Die serientypischen Tomberys sind zurück und bekamen eine zum FFXVI-Stil angepasste Stilberatung. Anstatt der üblichen süßen Killermaschinen sehen diese jetzt eher zum Fürchten aus. Ob die neuen Tomberys auch ähnlich tödlich und herausfordernd sind, kommt hier gänzlich auf den Esper-Loadout an.

Wie angesprochen kann man sich dazu entscheiden, Gegnerhorden einfach mit der neuen Leviathanfähigkeit über den Haufen zu ballern – im Grunde wird man dazu ja auch ermutigt. Die Tomberys, so wie alle anderen Gegner, verlieren allerdings somit jegliche Gefährlichkeit. Vom Weiten betrachtet scheinen die neuen Gegner aber durchaus interessante Kampfmuster zu haben, die im Hauptspiel vielleicht durchaus gefährlich hätten sein können.

Leider beschränkt sich die Gegnervielfalt lediglich auf Tomberys und bereits bekannte Gegner mit neuen Farben. Die neuen Bosse stehen für den ein oder anderen interessanten Kampf bereit, leiden allerdings schließlich unter den bereits erwähnten Fakten. Der neue Esper-Kampf gegen Leviathan hingegen ist da eine ganz andere Nummer.

Ein Tag im Wasserspaßbad

Was Echoes of the Fallen fehlte, war ein imposanter Esper-Kampf. Der Aspekt, der Final Fantasy XVI tatsächlich ausmacht und über die vielen anderen Tiefpunkte definiert. The Rising Tide liefert diesen nun, schraubt die Inszenierung aber hier einige Stufen herunter. Zwar besteht der Kampf aus etlichen Phasen und bietet verschiedene Mechaniken, aber weit gefehlt in puncto epischer Aufmachung.

Der Leviathan-Bosskampf fühlt sich in seiner Gänze eher wie ein großer Bosskampf aus Final Fantasy XIV an. Das wird besonders klar, wenn es teilweise nur noch auf Positionierung ankommt und ein DPS-Check am Vorankommen hindert. Der Kampf selber ist herausfordernd und es ist auf jeden Fall unterhaltsam, die verschiedenen Mechaniken zu lernen und den nächsten Versuch besser zu machen, allerdings fehlt es hier doch ein wenig am Final-Fantasy-XVI-Flair.

Final-Fantasy-XIV-Spieler waren schon zu Beginn eher die Zielgruppe für Naoki Yoshidas Final-Fantasy-Haupttitel, jedoch konnte Final Fantasy XVI besonders mit der epischen Inszenierung von Kämpfen auftrumpfen, um seine Schwächen zu verschleiern. The Rising Tide wirft nun auch diese letzte Verkleidung über Bord. Die Fans wird es letztlich nicht stören und im Grunde bietet die Erweiterung vom Umfang her mehr als genug, um am Ende gut anzukommen.

Ein ereignisloser Tag in Valisthea

Ein letzter, kritischer Punkt der Rising-Tide-Erweiterung ist die Story-technische Einbindung ins Hauptspiel. Der Zugang zum DLC wird einem erst kurz vor dem Endkampf gewährt. Ein Punkt in der Geschichte, wo so gut wie alles schon den Bach heruntergegangen ist. An so einem Punkt eine kleine Reise in ein idyllisches Dorf anzutreten, wirkt hier zum einen leicht fehlplatziert, zum anderen hat das auch so gut wie keinen Einfluss auf die Charaktere.

Besonders Jill, die im Hauptspiel schon mehr als stiefmütterlich behandelt wurde, spielt hier ebenso die übliche Randrolle. Betrachtet man, dass sie laut Lore aus dieser Region stammt und es auch andere Parallelen gibt, ist das Gebotene wieder einmal viel zu wenig und hinterlässt ultimativ einen bitteren Beigeschmack. Die neue Begleiterin Shula hat schließlich mehr Charakter als Jill, die eine der Hauptfiguren darstellt.

Einen guten Job macht der DLC allerdings damit, dass man Spieler ermutigt, sich eine längere Zeit über die Hauptgeschichte der Erweiterung hinaus mit Final Fantasy XVI zu befassen. Die neuen Fähigkeiten wollen weiter aufgewertet und gemeistert werden. Mit einer neuen Challenge nach Abschluss kann ich mir vorstellen, dass manche Fans sich durchaus mehr mit dem Spiel beschäftigen werden als die 3–4 Stunden, die der DLC inhaltlich bietet.

Bildmaterial: FINAL FANTASY XVI © 2023 SQUARE ENIX CO., LTD. All Rights Reserved.

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Titel	Unicorn Overlord
	08. März 2024
	Atlus
	08. März 2024
	Atlus
	08. März 2024
	Atlus
System	PlayStation 4, PlayStation 5, Xbox Series X/S, Nintendo Switch
Getestet für	Nintendo Switch
Entwickler	Vanillaware
Genres	SRPG
Texte
Vertonung

Mit Unicorn Overlord strebt Vanillaware nicht nur den Titel des absurdesten Spielnamen an, sondern versucht vor allem die Wurzeln des SRPG-Genres wieder aufleben zu lassen. SRPGs gibt es auch heute noch wie Sand am Meer, allerdings sahen einige Spiele in ihrem Ursprung etwas anders aus, als man bei den aktuellen Titeln vermuten mag. Unicorn Overlord lädt somit zu einer kleinen Zeitreise ein.

Der Begriff SRPG hat über die Welt verteilt viele Bedeutungen. So könnte man bei uns dazu Strategie-RPG sagen, über dem Teich kürzt man diese Spiele mit TRPG ab, was mit dem Zusatz „tactical“ in eine ähnliche Kerbe schlägt. Japan hingegen verstand dieses Akronym immer als „Simulation RPG“, also im Grunde den Gegensatz zu einem üblichen Rollenspiel, das aktive Tasteneingaben erfordert. In einem klassischen SRPG sind Kämpfe simuliert und das nimmt sich auch der neue Vanillaware-Titel zu Herzen.

Natürlich ist es Vanillaware, denn wer wäre sonst in der Lage mit wunderschönen Designs Videospiel-Genres aus längst vergangener Zeit zu neuem Leben zu erwecken? Das Studio füllt seinen Nischenstatus vollends aus, indem man nicht nur seit einer Weile gerne die Genres wie die Unterhose wechselt, sondern auch einem gezeichneten 2D-Look in den Designs treu bleibt. Doch zurück zum Einhorn. Ob Unicorn Overlord auch spielerisch überzeugen kann oder doch vielleicht nur Augenwischerei betreibt, wollen wir uns einmal genauer ansehen.

Klassisches Setup

Unicorn Overlord fackelt nicht lange und springt direkt in die Sache. Das große Königreich Cornia wird von einem einstigen Verbündeten angegriffen und trotz des heldenhaften Einsatzes der Königin muss sie sich der Übermacht geschlagen geben und das Königreich fällt. Eine Kettenreaktion der Ereignisse führt dazu, dass sich auch die anderen Staaten letztlich dem neuen Zenoirischen Herrscher ergeben müssen und fortan die ganze Welt unter dem Joch des erbarmungslosen Unterdrückers steht.

Der einzige Sohn und Kronprinz von Cornia, Alain, flieht und Jahre vergehen, bis er sich bereit sieht, einen Gegenschlag anzuführen. Alain gründet die Befreiungsarmee und nun gilt es jederorts Dörfer, Städte und Staaten zu befreien. Diese simple Prämisse zieht sich quasi auch durch das ganze Spiel, bis man letztendlich das Böse stürzt und die alte Ordnung wiederherstellt. Die Ideologien sind klar verteilt und leider kommt es storytechnisch wenig bis gar nicht zu Überraschungen. Das heißt nicht, dass die Atmosphäre nicht stimmt, allerdings kann man auch nicht behaupten, dass die Geschichte eine große Motivation darstellt.

Die zahlreichen Charaktere, die sich der Befreiungsarmee anschließen, sind ebenso meist weniger vielschichtig als klar definiert in ihrer Absicht und geprägt von ihrer individuellen Vergangenheit. Klar ist für sie nur, aus welchen Gründen auch immer: Alain ist der Protagonist und der Dirigent ihres Schicksals. Das macht sich besonders bei den weiblichen Mitstreitern bemerkbar, die oftmals nach kurzer Zeit schon dem stattlichen Prinzen verfallen. Der fehlenden Charakterentwicklung zum Trotz, schließen sich im Laufe der Geschichte dennoch sympathische und durchweg unterschiedliche Charaktertypen der Truppe an. Für kurzweilige Unterhaltung ist also gesorgt.

Wir leben in einer Simulation

In Unicorn Overlord dreht sich alles um das Kampfsystem beziehungsweise die Vorbereitung dafür. Die Kämpfe selbst gestalten sich ähnlich wie in einem Echtzeit-Strategie-Spiel, zu Beginn stellt man selbst zusammengestellte Truppen auf und versucht daraufhin die gegnerischen Wellen zu unterbinden und strategische Punkte einzunehmen. Treffen zwei Einheiten aufeinander, läuft der Kampf automatisch ab. Siegreich wird man allerdings nur sein, wenn die nötige Vorarbeit geleistet wurde. Stärken und Schwächen der Gegner, sowie die eigenen Skills und Einheitstypen, müssen zunächst studiert werden.

Das Spiel selbst wirft einem lediglich Basisinformationen zu, aus denen man sich dann einen Reim machen muss. Trial and Error ist in der Vorbereitung die Devise und das wird demnach auch vom Spiel ermutigt, indem man an verschiedenen Punkten unverbindliche Schaukämpfe zwischen zwei Truppen abhalten kann. Noch tiefer in die Materie geht es, wenn man sich mit den verschiedenen Skills der Einheiten beschäftigt. Hier kann man aus zahlreichen Konditionen ein Set aus Voraussetzungen für das Ausführen eines bestimmten Skills setzen.

Die Stärke und tatsächlich der Kern von Unicorn Overlord sind diese minutiösen Vorbereitungsphasen. Hier kann man definitiv viel Zeit hineinstecken und die Mühen werden durchaus belohnt, allerdings muss man letztlich auch die Muse dafür haben. Unicorn Overlord ist kein sonderlich herausforderndes Spiel und anstatt einem die vielen Möglichkeiten spielerisch näherzubringen, balanciert man das Spiel so, dass diese Dinge theoretisch gar nicht nötig sind. Das Problem hier ist, dass das Vernachlässigen der Kernkompetenzen des Spiels den Spielspaß komplett in den Keller fallen lässt und Unicorn Overlords Kämpfe im Umkehrschluss eintönig und auslaugend wirken können.

Kämpfe über Kämpfe

Da man in Unicorn Overlord auszieht, um die ganze Welt zu befreien, bietet das Spiel eben auch eine ganze Welt zum Erkunden. Hier gibt es vermeintlich auch viel zu entdecken, alle paar Schritte gibt es ein Fort oder ein Dorf, das Hilfe benötigt oder einfach dem Erdboden gleichgemacht werden muss. Diese verschiedenen Aufgaben sind sogar in einzelne Kategorien unterteilt. Die eroberten Orte bieten dann verschiedenste Händler und auch die Möglichkeit, Städte auszubauen und dedizierte Charaktere als Statthalter einzusetzen. Nebenaufgaben, Eroberungskämpfe oder normale Hauptmissionen sind schließlich aber auch nur im Namen unterschiedlich.

Im Laufe des Spiels wird man kaum noch zwischen den einzelnen Kategorien unterscheiden, denn es sind sowieso nur Kampfschauplätze nach Schema F und laufen auch, bis auf Kleinigkeiten, genau gleich ab. Hier kommt der vormals erwähnte Punkt der Eintönigkeit ins Spiel, der besonders durch die ähnlich aufgebauten Missionen nochmals hervorgehoben wird. Positiv anmerken kann man hier dennoch, dass zusätzliche Kämpfe auch mit besserer Ausrüstung und Statusleveln belohnen, vorausgesetzt man beschäftigt sich auch mit diesen Dingen. Wenn man allerdings bis ins Endgame vordringt ohne jemals die Ausrüstung zu wechseln, dann fällt es hier schwer sich zu motivieren.

Für alle, die trotzdem gerne grinden und noch mehr Kämpfe bestreiten wollen, gibt es auch noch versteckte Herausforderungen. Hier lassen sich Kämpfe uneingeschränkt wiederholen, um schwächere Einheiten auf Stand zu bringen oder etablierte Truppen noch mächtiger zu machen. Das Spiel gibt einem hier auch verschiedene Items und Skills zur Hand, damit man noch schneller auf höhere Level kommt. Ein wenig mehr Abwechslung in den Kämpfen und ein spielerischer Fokus auf die taktische Vorbereitung wären hier für mich allerdings die bessere Entscheidung gewesen.

Alain, Alain, Alain

Spielt man Unicorn Overlord mit japanischer Synchronisation, so wird man den Namen unseres Protagonisten schwer vergessen können. Besonders von den Damen wird man kaum etwas anderes hören als Alain in allen möglichen Betonungen. Ein Aspekt, dem man wohl in den verschiedenen Lokalisationen entgegenwirken wollte, denn die englischen und deutschen Texte unterscheiden sich doch sehr stark von dem Originalskript. Besonders dem Mittelalter-Thema wollte man womöglich mehr Aufmerksamkeit geben und kreierte hochtrabende Dialoge und altertümliche Wortphrasen mit Edelmannattitüden. Besonders im Deutschen wirkt das aber teilweise doch sehr steif und unnatürlich, was ebenso etwas an der eigentlichen Sympathie der Charaktere zehrt.

Alain bleibt dennoch die Hauptfigur und der Fokus. So wird stets Alain gerufen, wenn es Entscheidungen zu machen gilt, denn er ist der Prinz und zukünftige Herrscher. Tatsächlich bietet Unicorn Overlord auch einige Entscheidungen, die das Schicksal meist gegnerischer Charaktere betreffen. Oftmals wird man nämlich nach einer erfolgreichen Schlacht gefragt, ob man den Feind hinrichten oder verschonen soll. Leider sind dies aber keine wirklichen Entscheidungen, denn im Grunde geht es nur darum, ob man die betroffene Person in der Party haben oder aus dem Spiel löschen möchte. Story-Konsequenzen gibt es hier sonst gar nicht.

Wie es sich für einen Harem-Protagonisten gehört, bekommt auch Alain später die Möglichkeit einen Partner auszuwählen. Hier kommt das sogenannte Rapport-Feature zum Tragen, welches die Zuneigung zu verschiedenen Charakteren angibt. Die Zuneigung lässt sich besonders durch Truppen-Zusammenstellungen steigern – ein Wink der Entwickler, sich doch einmal damit zu beschäftigen. Ebenso gibt es sowohl die Option Geschenke an Statthalter zu geben oder gemeinsame Besuche in der Taverne abzuhalten, als auch kleine Interaktionen auf der Karte. Alles Dinge, die neben den Kämpfen eher in den Hintergrund rücken, aber dem Spiel ein wenig mehr Charme geben.

Malerisches Mittelalter

Vanillaware ist bekannt und geliebt für die wunderschönen 2D-Designs, die auf malerische Weise auch Unicorn Overlord ihren besonderen Charme verleihen. Wäre dieses Spiel nicht mit diesen Designs ausgestattet, so würde womöglich niemand davon sprechen, denn spielerisch versteckt man leider, wie erwähnt, seine Stärken. In puncto Ästhetik spielt man seine Karten allerdings wieder vollends aus. Besonders die Hintergründe wissen zu überzeugen und auch wenn man diesmal Charaktere im Gegensatz zu Dragon’s Crown moderater kleidet, können auch diese Designs sehr überzeugen.

Die kleinen Gesten, das schwere Atmen und Charaktere, die sich bewegen, als würden sie ein Tablett mit zerbrechlichem Gut vor ihrer Brust tragen, runden das Vanillaware-Gefühl ab. Unicorn Overlord zieht auch hier, wie jeder andere Vanillaware-Titel, seinen unverkennbaren Charme her. Wahrscheinlich könnte Vanillaware auch einen Walking-Simulator mit einem paralysierten Protagonisten entwickeln und es hätte die gleiche besondere Anziehung und Atmosphäre. Ein Punkt, dem sich der Entwickler wohl auch selber sehr bewusst ist.

Der versteckte Star des Spiels ist aber eigentlich das Essen in den Tavernen. Hier dampft und wobbelt es nur so, dass einem das Herz in die Hose rutscht. Wem die Physik bei den Charakteren zu wenig war, der erlebt den Heureka-Moment in der Taverne. Wieder mal etwas, das Unicorn Overlord eher stiefmütterlich behandelt. Musikalisch schafft man passend dazu einen Soundtrack, der eigentlich nicht besser beschrieben werden kann, als: passend. Nichts Herausragendes oder Störendes.

Einhorn auf Abwegen

Bildmaterial: Unicorn Overlord, Atlus, Vanillaware

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