Mit Made in Abyss präsentierte Akihito Tsukushi 2012 einen Manga, der fünf Jahre nach der Veröffentlichung als Anime adaptiert wurde. Dieses Jahr verkündete Universum Anime, dass die Rechte an Made in Abyss gesichert wurden. Entsprechend folgte die Veröffentlichung des von Masayuki Kojima inszenierten Anime, welcher bereits im vergangenen Jahr Beifall in der US-Presse erntete. Ob die deutsche Umsetzung zu Made in Abyss uns überzeugt hat, erfahrt ihr in unserem Test!

Ein Blick auf das Cover der ersten Veröffentlichung des Fantasy-Abenteuers offenbart einen Blick auf zwei der Protagonisten: Riko und Reg. Riko lebt in der Stadt Orth, welche sich auf einer recht überschaubaren Insel im Meer befindet. Inmitten der Stadt befindet sich eine Schlucht, die ganz und gar nicht überschaubar ist. Das Abyss genannte Höhlensystem ist mehrere Kilometer tief und besteht aus unterschiedlichen Ebenen. Während Riko den Eindruck eines zielstrebigen, leicht tollpatschigen und lernresistenten jungen Mädchens macht, bleiben Regs Hintergründe vorerst im Dunklen. Wie dem auch sei, es handelt sich bei Reg um einen Cyborg, dessen Metall-Arme sich unter anderem verlängern können. Eines Tages findet Riko eine Notiz ihrer seit langer Zeit verschollenen Mutter, welche eine hochrangige Schatzsucherin war. Nur eine kurze Zeit später beschließt Riko sich dazu, den Weg in das Abyss auf sich zu nehmen und sich auf die Suche nach ihrer Mutter zu machen. Begleitet wird sie dabei von Reg.

Die Gefahren der Tiefe…

Was den Spannungsbogen der anfänglich leichten Kost nicht nur leicht antreibt, sind die mysteriösen Gefahren, die im Abyss auf Riko und Reg warten. Während Schatzsucher sich durch die unterschiedlichen Ebenen der Schlucht kämpfen, um an geheimnisvolle Relikte und wertvolle Gegenstände zu kommen, begleitet diese zeitgleich der Fluch des Abyss. Umso tiefer die Cave Raider in die Höhle eindringen, umso stärker prägen sich Symptome wie Übelkeit, Halluzinationen, Schwindelgefühle und beispielsweise der Verlust des Bewusstseins aus. Niemand weiß, wie tief das sagenumwobene Abyss tatsächlich ist. So begleiten Zuschauer Riko und Reg in der ersten Volume zu Made in Abyss auf ihrem Weg in die Tiefen der geheimnisvollen, gefährlichen und zugleich faszinierenden Schlucht.

Die ersten sieben Episoden der ersten Staffel halten sich strikt an den Manga und treiben die Geschichte weiter an. Nach einigen Episoden, in Richtung Ende der ersten Volume, deutet sich bereits an, dass es sich bei Made in Abyss vermutlich nicht um eine komödiantische Auseinandersetzung mit dem Unbekannten handelt. Made in Abyss lässt sich Zeit, wird jedoch Schrittweise düsterer. Während der situationsbedingte Humor insbesondere innerhalb der ersten Episoden nicht zu kurz kommt, nimmt die Handlung für jeden verlorenen Höhenmeter in der Schlucht an Ernsthaftigkeit zu.

Hinsichtlich der Darstellung und den Animationen kann dem Team um Regisseur Masayuki Kojima sicherlich ein Lob ausgesprochen werden. Das von den Kinema Citrus Studios animierte Abenteuer kann sich durchaus sehen lassen. Rasante Phasen und Kämpfe sind hervorragend inszeniert und bestens animiert. Vergleichen einige Fans Farbgebung und generellen Artstyle mit Ghibli-Produktionen, setzt sich Made in Abyss im Laufe des Anime durch das zugrundeliegende Setting unmissverständlich ab. Der künstlerischen Gestaltung des Anime hat sich Osamu Masuyama angenommen, welcher zuvor als Background Artist bei Studio Ghibli tätig war. Die starke Präsentation wird von einem ebenso starken Soundtrack untermalt, welchem sich Kevin Penkin angenommen hat. Im Soundtrack trifft vorwiegend orchestrale Musik auf elektronisch generierte Effekte. Zusammenfassend ist zu sagen, dass Zuschauer eine hochklassige Produktion erwartet.

Die deutsche Veröffentlichung

Die DVD-Handelsversion wird in einem Kartonschuber präsentiert, welcher neben der DVD selbst ein Booklet enthält. Die FSK-Kennzeichnungen sind, wie so oft, auf abnehmbaren Flyern aufgedruckt und können entsprechend entfernt werden. Neben Artworks enthält das Booklet Kommentare der Macher sowie kurze Beschreibungen der einzelnen Episoden. Weiterhin enthält die Box vier Postkarten unterschiedlicher Charaktere und Umgebungen. Auch die obligatorische Leseprobe zum ersten Band des Mangas ist mit von der Partie. Auf der DVD befinden sich selbstredend die ersten sieben Episoden der ersten Staffel des Anime, welche aus insgesamt 13 Episoden besteht, deren Laufzeit etwa 24 Minuten pro Episode umfassen. Neben des japanischen TV-Spots und der Original-Trailer findet sich weiterhin das Premieren-Event unter dem Bonusmaterial. Außerdem erlaubt ein Making-of den Blick hinter die Kulissen.

Die vorliegende DVD-Version bietet ein, durch die im Vergleich zur Blu-ray-Fassung geringe Auflösung, ausreichend scharfes Bild. Farbverläufe weisen leichtes Banding vor. An der Audio-Qualität sowie den deutschen Untertiteln hingegen ist nichts auszusetzen. Vorwiegend hört man die Stimmen der erfahrenen Synchronsprecher Laurine Betz (Reg) und Linda Fölster (Riko). Wie immer lohnt es sich dabei, beide Sprachfassungen auszuprobieren und zu entscheiden, welche einem besser gefällt.

Interessanter Abgrund

Allgemeine Daten:

• Laufzeit: 7 Episoden à 24 Minuten, Bonusmaterial 49 Minuten
• Audio: Deutsch 2.0 Dolby Digital, Japanisch 2.0 Dolby Digital
• Untertitel: Deutsch
• Extras: Booklet, Postkarten
• Altersfreigabe ab 12 Jahren

Der Beitrag Angeschaut! Made in Abyss Vol. 1 erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Jahr	2013
Animation	Production I.G
Publisher	Universum Film
Release	31.03.2017
Genres	SciFi Action
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Seit Mamoru Oshiis Kultfilm Ghost in the Shell im Jahr 1995 weltweite Bekanntheit erreichte, folgten zahlreiche weitere Animes im Ghost-in-the-Shell-Universum, darunter die bekannte TV-Serie Ghost in the Shell: Stand Alone Complex. Zwischen 2013 und 2014 produzierte Production I.G. insgesamt vier Filme, die die Vorgeschichte zu Stand Alone Complex erzählen und nun von Universum Anime passend zum Start des Hollywood-Films in Deutschland veröffentlicht werden.

Wir haben uns die ersten beiden Filme angesehen!

Über Ghost in the Shell – Arise

Folgendermaßen beschreibt Universum Anime die Handlung:

Border:1 „Ghost Pain“: Ein Jahr nach dem Ende des Vierten Weltkriegs explodiert 2027 eine Bombe in Newport City und tötet einen hochrangigen Waffenverkäufer, welcher in Kontakt mit der mysteriösen Organisation 501 stand. Motoko Kusanagi, eine extraordinäre Hackerin und Cyborg, wird beauftragt, die Hintergründe dieses Attentats zu untersuchen. Doch die Mission gestaltet sich als schwieriger als gedacht…

Border:2 „Ghost Whispers“: Kazuya Soga soll für seine Gräueltaten im Qhardistani-Krieg zur Rechenschaft gezogen werden – Doch er besteht auf seine Unschuld und beauftragt Batou, den versteckten Beweis zu beschaffen. Auch Motoko Kusanagi soll der Sache auf den Grund gehen und gerät dabei nicht nur mit Batou aneinander, sondern muss auch herausfinden, wer ihren Logicoma-Roboter gehackt hat – und wozu.

Die vier jeweils 60-minütigen Filme wurden 2015 auch im Rahmen der 10-teiligen TV-Serie Ghost in the Shell Arise: Alternative Architecture umgesetzt, die das Material etwas umordnet und kürzt, allerdings in den letzten beiden Episoden eine neue Geschichte hinzufügt. Ob die Serie auch in Deutschland veröffentlicht werden wird, ist aktuell unbekannt.

Die Handlung der Filme beginnt zu einem Zeitpunkt, als Motoko Kusanagi noch nicht Teil von Sektion 9 ist und behandelt in halbepisodischer Form eine Reihe von Cyberverbrechen, die alle miteinander in Verbindung stehen und Teil einer größeren Verschwörung sind.

Wer Stand Alone Complex nicht gesehen hat, kann sich Arise zwar ansehen, wird aber möglicherweise von der Terminologie, die größtenteils nicht erklärt wird, überfordert sein. Es ist definitiv von Vorteil, die Welt und die Figuren zu kennen, denn bekannte Gesichter wiederzusehen macht auch einen großen Teil des Reizes aus.

Die ersten beiden Filme behandeln größtenteils voneinander losgelöste Ereignisse. Sie zeigen auch, wie Motoko Chief Aramaki und die anderen späteren Mitglieder von Sektion 9 kennenlernt.

Die Geschichte selbst ist durchaus interessant präsentiert: Die gezeigten Cyberverbrechen sind spannend aufgezogen und werden von einer gesunden Mischung aus Erklärungen und Action begleitet. Die Höhepunkte von Stand Alone Complex werden in den ersten beiden Filmen allerdings noch nicht erreicht.

Motoko steht klar im Vordergrund der Filme und wird von allen Figuren auch am interessantesten dargestellt. Man erhält viele Informationen über ihre Beweggründe und Vergangenheit, die in Stand Alone Complex nicht behandelt wurden. Neben Motoko haben auch Figuren wie Chief Aramaki und Batou ihre Momente. Wie in den anderen Ablegern des Franchise entziehen sich die Charaktere angenehm den sonst üblichen Anime-Klischees und überzeugen durch ihre glaubwürdigen Persönlichkeiten, die weder zu schwarz noch zu weiß sind.

Während die Handlung der ersten beiden Filme insgesamt plausibel wirkt, gibt es ein paar Momente, die ein bisschen zu bequem wirken. So sind es wieder Hackerangriffe, die die ultimative Bedrohung darstellen und quasi allmächtig sind. Das passt zwar durchaus in die futuristische Welt von Ghost in the Shell, wurde aber in anderen Teilen schon häufig und auch besser aufgegriffen.

Unterm Strich sind die Filme für Fans von Ghost in the Shell definitiv empfehlenswert. Sie geben dem Zuschauer noch einmal eine Möglichkeit, in die Welt einzutauchen und vertraute Gesichter wiederzusehen. Neulinge sollten aber nach Möglichkeit zuvor die (äußerst empfehlenswerte) TV-Serie Ghost in the Shell: Stand Alone Complex sehen, denn auch wenn die Arise-Filme chronologisch früher angesiedelt sind, sind sie nicht auf neue Zuschauer ausgelegt.

Die deutsche Veröffentlichung

Es ist erfreulich, dass es Universum Anime gelungen ist, viele der deutschen Sprecher von Ghost in the Shell: Stand Alone Complex nach so vielen Jahren für Arise zu engagieren. Wieder mit von der Partie sind unter anderem Christin Marquitan als Motoko Kusanagi, Klaus-Peter Grap als Togusa und Tilo Schmitz als Batou. Die Stimmen überzeugen immer noch so sehr wie damals. Der leider im letzten Jahr verstorbene Hasso Zorn, der damals Chief Aramaki seine Stimme verlieh, wurde durch Joachim Tennstedt ersetzt, der glücklicherweise auch hervorragende Arbeit leistet.

Generell ist die deutsche Umsetzung wie auch bei Stand Alone Complex erstklassig. Alle Figuren sind gut besetzt worden und die schauspielerische Leistung der Sprecher kann jederzeit überzeugen. Die Aussprache japanischer Namen, die bei Stand Alone Complex oft inkorrekt war, funktioniert nun besser – beispielsweise wird Batous Name nun nicht mehr „Batu“ ausgesprochen. Die verwendete Terminologie ist konsistent mit der anderer deutscher Ghost-in-the-Shell-Veröffentlichungen.

Die deutsche Vertonung ist in jedem Fall sehr empfehlenswert und steht der japanischen Fassung nicht in viel nach.

Da uns für die Rezension nur ein Online-Stream zur Verfügung stand, können wir Verpackung, Menügestaltung und Untertitel leider nicht beurteilen. Der Produktbeschreibung zufolge wird die Blu-ray-Fassung der Filme auf einer Disc in einer normalen Amaray-Hülle mit Wendecover und Booklet veröffentlicht und ist für circa 25 Euro erhältlich, was ein gutes Preis-Leistungs-Verhältnis ist. Die anderen beiden Filme sollen am 26. Mai folgen.

Fazit

Der Beitrag Angeschaut! Ghost in the Shell – ARISE: border: 1+2 erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Jahr	2014-2015
Animation	Polygon Pictures
Publisher	Universum Film
Release	14.10.2016
Genres	Abenteuer
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Seit Hayao Miyazaki und Isao Takahata im Jahr 1974 die legendäre Anime-Adaption des Romans „Heidi“ schufen, wurde es für viele Folgejahre zu einem Trend, klassische Kinderbücher als Anime-Serien umzusetzen – diese von Nippon Animation animierten Serien werden heute unter dem Namen „World Masterpiece Theater“ zusammengefasst. Bis 1996 liefen durchgehend Titel dieser Art, von „Anne mit den roten Haaren“ über „Die Abenteuer von Tom Sawyer“ bis hin zu „Die schwarzen Brüder“. Einige davon wurden auch vor vielen Jahren im deutschen Fernsehen ausgestrahlt und gelten heute als Klassiker. Zwischen 2007 und 2009 wurde dieser Trend kurzzeitig wiederbelebt, fror aber schnell wieder ein.

Ronja Räubertochter lässt sich zwar nicht in den Nippon-Animation-Kanon einordnen, ist aber offensichtlich die Anime-Umsetzung eines klassischen Kinderbuchs und fühlt sich auch ein bisschen wie eine Serie von damals an. Goro Miyazaki (Die Chroniken von Erdsee, Der Mohnblumenberg), Sohn von Hayao Miyazaki, führte Regie bei der von Polygon Pictures animierten 3D-CGI-Serie und bei der Produktion leistete Studio Ghibli Assistenz.

Universum Anime hat nun begonnen, „Ronja Räubertochter“ in Deutschland zu veröffentlichen. Wir haben einen Blick auf die ersten sechs Folgen geworfen!

Über Ronja Räubertochter

Viele Fans mögen sich fragen, warum Ronja Räubertochter nicht als handgezeichnete Serie umgesetzt wurde. Die Antwort darauf lässt sich verschiedenen Interviews mit Goro Miyazaki entnehmen: Während 2D-Animation ihre Mittel schon ausgeschöpft habe, würde in 3D-Animes noch viel ungenutztes Potential stecken. Er selbst wolle neue Wege erschließen, statt sich in einem Gebiet zu bewegen, in dem er kein neues Land mehr erschließen könne.

Erfreulicherweise lassen sich die Ghibli-artigen Charakterdesigns erstaunlich gut auf 3D-Modelle übertragen. Dies zeigte bereits Ni no Kuni gut und Ronja Räubertochter ist ein weiteres Beispiel dafür. Eine Schwäche klassischer, handgezeichneter Animes ist es, dass Bewegungen häufig spärlich und noch weniger wirklich räumlich dargestellt werden. Bei Ronja Räubertochter sieht man schon im Opening-Video, wie sehr die Serie von der 3D-Technologie profitiert. Sich drehend tanzt Ronja durch den Wald und dabei sieht man sie aus verschiedenen Winkeln und Perspektiven. Eine solche Darstellung wäre in handgezeichneter Form nur mit großem Aufwand möglich gewesen. Auch in alltäglichen Szenen ist mehr Bewegung auszumachen. Auf der anderen Seite sind die 3D-Modelle deutlich weniger komplex als viele der heutigen handgezeichneten Animeserien: Die Kolorierung beschränkt sich auf einfache Farben, die Haare sehen sehr vereinfacht aus und die Schattierungen sind sehr simpel gehalten. Im Grunde genommen entspricht das dem typischen Ghibli-Stil, aber man merkt dennoch, dass an vielen Feinheiten noch gearbeitet werden könnte.

Dennoch ist die allgemeine Kritik am Stil der Serie nicht ganz berechtigt: Sie stammt größtenteils von Leuten, die klassische 2D-Animation gewohnt sind und sich mit dem Stil von Ronja Räubertochter einfach nicht anfreunden können. Dabei ist die Serie aus technischer Sicht durchaus gelungen. Natürlich sind westliche Animationsfilme von Disney, Pixar und Dreamworks wesentlich aufwendiger umgesetzt (natürlich auch mit dem vielfachen Budget), jedoch harmoniert der Stil von Ronja Räubertochter erfreulich gut mit der eingesetzten 3D-CGI-Animation.

Für die Musik ist Satoshi Takebe verantwortlich, der mit Goro Miyazaki bereits bei „Der Mohnblumenberg“ zusammenarbeitete und dort einen exzellenten Soundtrack komponierte. Auch die Musik von Ronja Räubertochter ist sehr gelungen; einige Stücke sind so schön, dass man sie sich auch nach dem Gucken noch anhören will. Für die Musik wurden viele mittelalterliche Instrumente verwendet, was für einen Klang sorgt, der sehr zum Setting passt.

Der Inhalt des Romans von Astrid Lindgren wurde in Form von 26 TV-Episoden à 25 Minuten umgesetzt. Die Anime-Adaption ist also deutlich länger als beispielsweise die schwedischen Filme. Die Zielgruppe sind eindeutig Kinder, doch eignet sich die Serie auch gut als Unterhaltung für die ganze Familie. Besonders in den ersten Folgen merkt man, dass der Humor eher auf eine jüngere Zielgruppe ausgerichtet ist, doch mit fortschreitender Geschichte werden auch viele ernstere, bewegende und herzerwärmende Themen behandelt, die Zuschauer aller Altersgruppen begeistern werden können.

Die Geschichte schreitet, wie auch damals bei den „World Masterpiece Theater“-Umsetzungen, recht gemächlich voran. Sie lässt sich, und das kann man heute von vielen Anime-Serien nicht mehr behaupten, aber auch Zeit für ihre Charaktere und ihre Themen. Die Abenteuer von Ronja im Wald, ihre Treffen mit Birk, der Streit mit ihrem Vater und andere Ereignisse werden mit entsprechender Zeit gewürdigt und emotionale Momente werden mit viel Feingefühl umgesetzt. Dafür muss man Goro Miyazaki ein großes Lob aussprechen. Bereits mit „Der Mohnblumenberg“ bewies er, dass er Talent für die Inszenierung zwischenmenschlicher Beziehungen und alltäglicher Momente hat. Das kann auch über seine Regie von „Ronja Räubertochter“ gesagt werden.

Mit den schwedischen Filmen kann man die neue Anime-Umsetzung freilich nicht vergleichen: Sie ist weniger dunkel, freundlicher und Ronja wirkt merklich jünger. Sie fühlt sich aber auch mehr wie ein klassisches Abenteuer an und besitzt eine herzerwärmende Komponente, die in den Filmen weniger intensiv zur Geltung kommt. Beide Interpretationen des Kinderbuchs von Astrid Lindgren sind sehenswert und beide setzen andere Schwerpunkte.

Als ich die Anime-Umsetzung zur japanischen TV-Ausstrahlung erstmals sah, hatte ich zunächst eher mittelmäßige Erwartungen. Im Verlauf der Serie beeindruckte mich die Inszenierung aber mehr als einmal und besonders die feinfühlige Darstellung der bewegenderen Momente ließ mich die Charaktere sehr in mein Herz schließen. Insbesondere die spannungsgeladene Beziehung zwischen Ronja und ihrem starrköpfigen Vater Mattis sorgt im Mittelteil der Serie für extrem intensive Momente, die ich in dieser Ernsthaftigkeit von der Serie gar nicht erwartet hätte.

Die deutsche Veröffentlichung

Das Erste, was beim Einlegen auffällt, ist, dass das Opening auf Deutsch eingesungen wurde, was bei Animes heute quasi gar nicht mehr passiert. Das zeigt, dass die Zielgruppe der Serie nicht die typischen Anime-Fans sind, sondern eher jüngere oder wenig Anime-affine Zuschauer. Im Japanischen wurde das Lied von Aoi Teshima gesungen, die für Goro Miyazaki unter anderem einige Lieder für „Die Chroniken von Erdsee“ und „Der Mohnblumenberg“ sang. Welche Sängerin die deutsche Fassung gesungen hat, konnten wir leider nicht in Erfahrung bringen. Das von Ronjas Mutter Lovis gesungene „Lied der Wölfe“ wurde ebenfalls (und sehr schön!) auf Deutsch eingesungen. Auch die Credits im Opening und das Titellogo wurden lokalisiert, was ebenfalls selten ist. Leider wurde das Ending-Lied „Player“ entfernt (auch in der japanischen Sprachausgabe); stattdessen wird auch dort das Opening-Lied gespielt. Ob das eine bewusste Entscheidung war oder aufgrund von Lizenzproblemen so gehandhabt wurde, wissen wir nicht.

Direkt bei der ersten Folge, die sich primär um die Räuberbande kurz vor und kurz nach Ronjas Geburt dreht, merkt man, wie viel Mühe sich Universum Anime und die Sprecher bei der Vertonung gegeben haben. Die Charaktere sind alle gut bis hervorragend vertont und bereits der hitzige Anfangsdialog zwischen Mattis und Borka sprüht vor Lebendigkeit. Die Tänze der Räuber, ihr ausgelassenes Lachen, die Erzählerstimme, Mattis (Matti Klemm) und Lovis (Katrin Zimmermann) sind alle hervorragend getroffen und inszeniert worden. Auch das Synchronskript ist sehr gelungen.

Ab Folge 2 dreht sich die Serie ganz um Ronja. Sie wurde von Sarah Kunze vertont, die gute Arbeit leistet und Ronja wie ein authentisches, junges Mädchen klingen lässt. Allerdings wirkt die deutsche Ronja auch weniger energiegeladen als ihr japanisches Pendant, was insbesondere in Szenen auffällt, in denen Ronja besonders begeistert oder energisch ist. Das Gleiche lässt sich in etwa auch über Birk (Ben Hadad) sagen. Unterm Strich sind aber beide gut besetzt worden und auch wenn es hier und da ein paar Dinge auszusetzen gibt, sind auch Ronja und Birk im Deutschen gut vertont worden, wenn auch nicht so gut wie die vielen erwachsenen Figuren in der Serie.

Die deutschen Untertitel sind wie üblich weiß mit schwarzem Rand und sind sprachlich immer einwandfrei. Es handelt sich auch nicht um Dubtitles und an ihnen ist nichts auszusetzen. Ein kleiner Makel an der Veröffentlichung ist, dass die einzelnen Folgen nicht in Kapitel unterteilt sind (zum Beispiel Opening, Anfang der Folge, Mitte der Folge, Vorschau, Ending). So kann man nicht beispielsweise zur Mitte einer Folge springen, sondern immer gleich direkt zur nächsten.

Bonusmaterial gibt es keines, auf der Disc befinden sich neben den ersten sechs Folgen lediglich die üblichen Trailer zu Filmen von Universum Anime. Gelobt werden muss auch der für Anime-Verhältnisse niedrige Preis.

Fazit

Technische Daten & Extras

• Episoden: 1-6 (von 26)
• Laufzeit: 153 Minuten
• Bild: 1080p High Definition , Bildformat 16:9
• Audio: Japanisch (DTS-HD Master Audio 2.0), Deutsch (DTS-HD Master Audio 2.0)
• Untertitel: Deutsch (weiße Schrift, schwarzer Rand)
• Bonusmaterial: –
• Extras: –
• Altersfreigabe: ab 6

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Jahr	2015
Animation	A-1 Pictures
Publisher	Universum Film
Release	05.08.2016
Genres	Mystery
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Der noitaminA-Programmblock des japanischen Senders Fuji TV ist bekannt dafür, Anime-Produktionen auszustrahlen, die sich etwas von der gewohnten Kost abgrenzen. Auch wenn das in den letzten Jahren bei vielen Serien nicht mehr der Fall war, nimmt die Zahl der nicht auf den Mainstream ausgerichteten Produktionen langsam wieder zu.

Nachdem im Sommer 2015 die Detektiv-Serie „Ranpo Kitan: Game of Laplace“ eher mäßig aufgenommen wurde, folgte im Herbst der nächste Anime für Mystery-Fans: Die 11-teilige Serie „Subeta ga F ni Naru: The Perfect Insider“ (übersetzt: „Alles wird F: The Perfect Insider“), basierend auf dem gleichnamigen Bestseller-Roman des Autors Hiroshi Mori.

Die Serie wird unter dem Titel „The Perfect Insider“ von Universum Anime nun auch aufgeteilt auf drei Volumes in Deutschland veröffentlicht, von denen das erste am 5. August erschien und die anderen beiden am 9. September beziehungsweise 12. Oktober folgen sollen. Vol. 2 wird zusätzlich ein dickes Booklet mit Interviews und Hintergrundinformationen enthalten, während Vol. 3 mit einem Sammelschuber kommt.

Über The Perfect Insider

Dr. Shiki Magata ist eine geniale Wissenschaftlerin, die bereits im Kindesalter ihren Doktortitel erhielt. Seit sie jedoch vor 15 Jahren im Alter von 14 ohne ersichtlichen Grund ihre Eltern ermordete, lebt sie abgeschottet vom Rest der Welt eingeschlossen in einem Zimmer im Magata-Forschungsinstitut auf einer Insel Japans.

Als die beiden Protagonisten, Professor Sohei Saikawa und eine seiner Studentinnen, Moe Nishinosono, das Forschungsinstitut während einer Exkursion besuchen, wird Dr. Magata plötzlich tot aufgefunden. Alles deutet auf Mord hin, doch da niemand jemals Dr. Magatas Zimmer weder betreten noch verlassen hat, scheint dies unmöglich. Um den Fall zu lösen, müssen sich die beiden zunächst einer anderen Frage stellen: Wieso ermordete Dr. Magata vor 15 Jahren ihre Eltern?

Im Kern ist The Perfect Insider eine Detektivgeschichte im geschlossenen Raum. Die Protagonisten selbst sind zwar nicht eingeschlossen, doch der Mordfall ereignete sich abgeschottet vom Rest der Welt und auf der Insel besteht kein unmittelbarer Kontakt zum Festland.

Die Serie baut nach und nach ein zunehmend komplexer werdendes Netz an Fragen auf. Die ersten Episoden enden jeweils mit einem Flashback in die Vergangenheit Dr. Magatas, zunächst jedoch ohne Antworten zu geben. Während sich Prof. Saikawa und Nishinosono der Wahrheit annähern, werden immer wieder neue Tatsachen enthüllt, die die Geschichte zu unerwarteten Wendungen führen. Der Anime eignet sich gut zum Mitdenken, doch die zentralen Wendungen dürften selbst die meisten aufmerksamen Zuschauer überraschen.

Die Charaktere sind, bis vielleicht auf Nishinosono, alle auf ihre Weise recht exzentrisch. Das Verhältnis des Zuschauers zu den Figuren ist eher distanziert, auch wenn die interessante Chemie zwischen Nishinosono und Prof. Saikawa hilft, die ansonsten ernste Natur der Serie etwas aufzulockern.

Die Serie ist sehr wortreich und verliert sich bei der Analyse der Ereignisse gerne in philosophischen Gedankengängen, die ausführlich diskutiert werden. Bisweilen wirkt die Serie etwas zu geschwätzig und prätentiös, aber es werden auch viele interessante und intelligente Themen angeschnitten. Das zentrale Thema der Serie sind unterschiedliche Ansichten von Moral. Dr. Magata, die vor Gericht für psychisch unzurechnungsfähig erklärt wurde, mag beispielsweise den Mord ihrer Eltern nicht als moralisch verwerfliche Tat angesehen haben.

Eine Besonderheit von The Perfect Insider liegt in der Präsentation. Das Animationsstudio A-1 Pictures hat die Serie sehr stilsicher gestaltet und schön animiert. Besonders auffällig sind die eindrucksvollen Fantasiepanoramen in den surrealeren Szenen der Serie und die stetig im Wind wehenden Haare der Protagonisten. Der Stil der Serie ist größtenteils dunkel und realistisch gehalten, weshalb die fantastischen Segmente umso mehr hervorstechen. Die Charakterdesigns stammen übrigens vom Mangaka Inio Asano, dessen Werke zu großen Teilen auch hierzulande erhältlich sind. Sein markanter Stil wird vor allem auf den Artworks deutlich.

Die größte Stärke der Serie ist die dichte Atmosphäre, die der Anime aufbaut. Der nüchterne Grundton der Serie kombiniert mit der Optik und dem melancholisch-mysteriösen Soundtrack von Kenji Kawai (Ghost in the Shell, Guardian of the Spirit, Fate/stay night) übt eine gewisse Sogwirkung aus, in der man sich leicht verlieren kann. Zuträglich ist auch, wie gekonnt die Serie mit Licht und Schatten spielt, um bestimmte Szenen gezielt zu betonen.

Ein Werk ohne Schwächen ist The Perfect Insider keineswegs. Im Laufe der Handlung gibt es einige potenzielle Logiklöcher und die Charaktere wirken vielleicht etwas zu intelligent, schwafelnd und abgehoben. So sind alle stets gelassen, auch als klar wird, dass sich der Mörder noch unter den im Forschungsinstitut Anwesenden befinden muss, was etwas unnatürlich wirkt.

Im Gesamtbild überzeugt die Serie aber durchaus, denn die dichte Atmosphäre, die ungewöhnliche Inszenierung, die visuelle Brillanz und die unerwarteten Wendungen machen The Perfect Insider zu einem einzigartigen Anime, der definitiv einen bleibenden Eindruck hinterlässt.

Die deutsche Veröffentlichung

Erneut muss man Universum Anime für die Lokalisierung der Serie loben. Das Label hat sich in der Vergangenheit durch zahlreiche hervorragend lokalisierte Animes einen guten Ruf erarbeitet, dem auch The Perfect Insider gerecht werden kann.

Vertont wurde die Serie erneut von der EuroSync GmbH in Berlin unter der Regie von Susanna Bonasèwicz, während Nora Bartels für die Übersetzung und Carina Krause für das Dialogbuch zuständig waren. Die deutschen Sprecher, darunter Tim Knauer als Sohei Saikawa, Lydia Morgenstern als Moe Nishinosono und Rubina Nath als Shiki Magata, wurden passend gewählt und machen durchgehend einen professionellen Eindruck. Durch die realistische Natur der Serie gehen durch die Lokalisierung nur wenige Nuancen verloren und prinzipiell ist es bei dialoglastigen Serien mit komplexen Handlungen immer angenehmer, wenn man keine Untertitel lesen muss. In einer Szene wird „Shiki Magata“ einmal fälschlicherweise als „Shika Magata“ ausgesprochen, abgesehen davon gibt es aber keine Probleme.

Wer dennoch den Originalton bevorzugt, was anhand der hervorragenden japanischen Besetzung, die den nüchternen Ton der Serie noch ein wenig besser trifft, durchaus verständlich ist, kann auf fehlerfreie und sprachlich natürliche Untertitel zurückgreifen.

Extras und Bonusmaterial gibt es bei Vol. 1 noch keines, dafür wird aber die eingangs angesprochene Ausstattung von Vol. 2 entschädigen. Da uns für die Rezension nur eine Screener-Disc zur Verfügung stand, können wir die Verpackung nicht bewerten, jedoch handelt es sich bei der Blu-ray-Version um eine Veröffentlichung im üblichen Amaray-Case.

Anzumerken ist noch, dass sich Universum Anime mit der Veröffentlichung von The Perfect Insider dem Preisniveau der Konkurrenz annähert – anders als noch bei Terror in Tokio, das in nur zwei Volumes veröffentlicht wurde. Laut Angaben des Publishers hat sich die alte Preisstrategie nicht länger bewährt, weshalb man sich unter Druck sah, sich der Marktsituation anzupassen.

Fazit

The Perfect Insider ist eine äußerst atmosphärische Mystery-Serie, die zwar durch ihre geschwätzige und philosophische Natur hin und wieder zu prätentiös wirkt, im Gegenzug aber durch geniale Wendungen, eindrucksvolle Bilder und eine einzigartige Inszenierung punkten kann. Die Lokalisierung ist wirklich sehr gelungen, weshalb auch Fans deutscher Vertonungen bedenkenlos zugreifen können.

Technische Daten & Extras

• Episoden: 1-4 (von 11)
• Laufzeit: 100 Minuten
• Bild: 1080p High Definition , Bildformat 16:9
• Audio: Japanisch (DTS-HD Master Audio 2.0), Deutsch (DTS-HD Master Audio 2.0)
• Untertitel: Deutsch (weiße Schrift, schwarzer Rand)
• Bonusmaterial: –
• Extras: –
• Altersfreigabe: ab 12

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Jahr	2015
Animation	Studio Chizu
Publisher	Universum Film
Release	29.07.2016
Genres	Coming-of-Age Action-Adventure Fantasy
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Mamoru Hosoda ist aktuell einer der beliebtesten Anime-Regisseure und produziert seit 2006 ausnahmslos Hit-Titel. Im Takt von drei Jahren erschienen „Das Mädchen, das durch die Zeit sprang“, „Summer Wars“, „Ame & Yuki – Die Wolfskinder“ und 2015 „Der Junge und das Biest“. Hosoda arbeitet bereits an seinem nächsten Film, welchen wir vermutlich um 2018 erwarten dürfen.

Während sich Summer Wars um das Thema „Familie“ im Ganzen drehte und Wolfskinder sich mit dem Muttersein und Erwachsenwerden beschäftigte, widmet sich Der Junge und das Biest dem Thema von einem väterlichen Standpunkt und driftet dabei stärker in Fantasy-Gefilde ab als Hosodas vorherige Werke.

Über den Film

Folgendermaßen beschreibt Universum Anime den Film:

„Kyuuta ist ein einsamer und elternloser Junge, der im Tokioter Stadtteil Shibuya umher streunt und in den Tag hinein lebt. Doch eines Tages betritt er versehentlich das fantastische Bakemono-Reich „Juutenga“, das von übernatürlichen Gestalten bevölkert wird. Verloren und auf der Suche nach einem Weg zurück trifft er auf den bärenartigen Schwertkämpfer Kumatetsu. Trotz seines wilden Aussehens ist dieser dem kleinen Jungen freundlich gesonnen und nimmt sich seiner an. Doch als es Kyuta eines Tages zurück in seine Heimat verschlägt und er dort das Mädchen Kaeda kennen lernt, fühlt er sich zunehmend zwischen den beiden Welten hin- und hergerissen…“

Die Geschichte grenzt sich am stärksten von Hosodas anderen Filmen durch ihr Setting ab. Obwohl sie auch in unserer Welt spielt, findet ein großer Teil des Films in der Tiermonster-Welt Juutenga statt, einem farbenfrohen Ort, an dem es von fantastischen Kreaturen nur so wimmelt. Die Architektur dieser Welt hat etwas Orientalisches an sich, die Tier-Mensch-Mischwesen erinnern zum Teil an Wolfskinder und die Avatare in der Cyberwelt von Summer Wars.

Im Kern ist Der Junge und das Biest eine Coming-of-Age-Geschichte. Der Zuschauer begleitet Kyuuta vom Kindesalter bis hin zum Erwachsenwerden und wird dabei Zeuge einer bemerkenswerten Charakterentwicklung. Der Zauber des Films liegt jedoch nicht nur in Kyuutas Entwicklung, sondern auch in der des antisozialen und unfreundlichen Kumatetsu, der durch seine Rolle als Meister selbst vieles lernt.

Bei all dem fühlt sich der Film aber deutlich wilder, furioser und verspielter an als die behut- und einfühlsam erzählte Geschichte von Wolfskinder. Es gibt Kämpfe, es gibt zahlreiche Action-Szenen und Humor, jedoch auch ebenso viele ruhige und feinfühlige Momente. Kinder werden von allen Hosoda-Filmen mit Der Junge und das Biest vermutlich am meisten anfangen können, aber der Film ist ohne Zweifel für alle Altersklassen gedacht. Umso mehr verwundert die FSK-12-Wertung, die vermutlich daher rührt, dass in einigen Szenen Blut gezeigt wird.

Mit seiner Regie hat Hosoda bereits in der Vergangenheit mehrfach Aufmerksamkeit erregt. Sein Stil sticht nicht unbedingt hervor, aber es gibt immer mal wieder Szenen, die beeindrucken. In Der Junge und das Biest ist das die Szene einer Begegnung in der Mitte des Films, als Kyuuta nach Jahren einen alten Bekannten wieder trifft; eine längere Sequenz ohne Schritte, in denen die Charaktere sich im Hintergrund befinden, während Menschenmengen unablässig vorne durchs Bild laufen. Diese Szene setzt dezente Pausen, funktioniert ohne viele Worte und nimmt sich viel Zeit, die Emotionen der Charaktere an ihren Gesichtern darzustellen. Eine herausragende Szene, die einen ohnehin schon emotionalen Moment noch ungleich intensiver macht.

Durch die starken Fantasy-Elemente muss man freilich ein bisschen Suspension of Disbelief walten lassen; einige Konzepte wie „das Schwer in deinem Herzen“ und „der Wal“ haben eher symbolischen Charakter. Sie fügen sich nicht immer ganz sauber in die Handlung ein, helfen aber ungemein dabei, die Botschaften des Films zu transportieren.

Visuell stechen Hosodas Filme nie so sehr hervor wie die Filme anderer großer Regisseure wie Hayao Miyazaki, Makoto Shinkai oder Mamoru Oshii. Die Animation ist aber dennoch erstklassig und auch die Hintergründe insbesondere in Juutenga können sich sehen lassen. In der echten Welt sehen manche Hintergründe etwas zu realistisch aus und stechen zu sehr hervor, das gilt insbesondere für die Autos. Es wird auch eine Menge hochqualitatives CGI verwendet, das die Action-Szenen zwar stark bereichert, sich aber auch leicht von den handgezeichneten Bildern abhebt. Das ist jedoch Kritik auf hohem Niveau; insgesamt sieht der Film klasse aus.

Masakatsu Takagi ist wirklich ein außergewöhnlicher Komponist. Entdeckt habe ich ihn in Wolfskinder und als ich seine Musik auch in der Ghibli-Dokumentation The Kingdom of Dreams and Madness wieder traf, freute mich das sehr. Der Soundtrack von Der Junge und das Biest hat ebenfalls die spielerische Leichtigkeit von Takagis anderen Werken, ist aber der Natur des Films wegen gelegentlich auch etwas pompöser und epischer. Der Soundtrack rührt nicht ganz so sehr wie der von Wolfskinder, enthält aber trotzdem viele schöne Melodien, die zeigen, dass Takagi die richtige Wahl für den Soundtrack war.

Die deutsche Veröffentlichung

Von Universum Anime ist man hervorragende Lokalisierungen gewohnt. Der Junge und das Biest ist hier keine Ausnahme. Ganz im Gegenteil: Die Synchronfassung wurde von der Berliner EuroSync GmbH angefertigt und die Sprecher haben sich große Mühe gegeben, japanische Namen korrekt auszusprechen. Nicht nur typisch Deutsch-Japanisch, sondern authentisch Japanisch. Das glückt zwar nicht immer ganz perfekt, hebt die Synchronfassung aber dennoch positiv von den vielen anderen Lokalisierungen ab, die offensichtlich ohne Beiwohnen eines Japanischkundigen angefertigt wurden.

Die Sprecher leisten durchgehend exzellente Arbeit. Kyuuta wird sowohl als Kind von Luisa Wietzorek und als Jugendlicher von Christian Zeiger sehr gut und passend vertont. Besonders die vielen Streitereien mit Kumatetsu fallen durch ihre Lebendigkeit positiv auf. Mit Matti Klemm ist auch dieser übrigens perfekt besetzt, die Stimme passt hervorragend zu Kumatetsus bärenhafter Gestalt. Positiv fällt auch Peter Groeger in der Rolle des Großmeisters Soushi auf, der die freundlich-exzentrische Art des Charakters wunderbar zum Ausdruck bringt.

Da es auch keine Ausfälle gibt und das deutsche Synchronskript auch keine Makel aufweist, kann man die deutsche Sprachfassung nur empfehlen. Wer dennoch die ebenfalls ausgezeichneten japanischen Stimmen bevorzugt, kann auf sehr gute deutsche Untertitel zurückgreifen.

Etwas schade ist, dass die normale Version des Films völlig ohne Extras auskommt. Wer bereit ist, etwas mehr Geld auszugeben, kann zur Deluxe Edition greifen (nur als Blu-ray verfügbar), die nicht nur viel Bonusmaterial beinhaltet, sondern auch Dinge wie ein Booklet. Da uns für die Rezension nur der Hauptfilm vorlag, können wir die Deluxe Edition nicht bewerten.

Fazit

Der Junge und das Biest ist ein absolut würdiger Nachfolger von Hosodas bisherigen Titeln. Die Geschichte ist eine rührende Parabel über das Erwachsenwerden und die Mischung aus fantasievollen Kulissen, wilden Action-Szenen und einfühlsamen Charaktermomenten macht ihn für alle Altersklassen geeignet. Die deutsche Vertonung ist erstklassig und wir sprechen eine universelle Empfehlung für den Film aus.

Wer Wert auf Extras und Bonusmaterial legt, sollte zur etwas teureren Deluxe Edition greifen.

Technische Daten & Extras

• Laufzeit Film: 119 Minuten
• Bild: HD 1080p, 16:9 – 1.85:1
• Audio: Japanisch, Deutsch
• Untertitel: Deutsch (weiße Schrift, schwarzer Rand)
• Bonusmaterial: keines (Standard-Edition) / 137 Minuten (Deluxe Edition)
• Extras: keine (Standard-Edition) / Box, Filmguide, Booklet, Postkarten (Deluxe Edition)
• Altersfreigabe: ab 12

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Jahr	1993
Animation	Studio Ghibli
Publisher	Universum Film
Release	15.07.2016
Genres	Alltagsdrama
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Es ist vollbracht! Mit Flüstern des Meeres – Ocean Waves ist die Studio Ghibli Blu-ray Collection in DACH endlich komplett – neben Japan die einzigen Länder, auf die das zutrifft! Alle 22 Filme gibt es nun hier in der markanten Scherenschnitt-Optik zu kaufen, auch die Dokumentation „The Kingdom of Dreams and Madness“ schaffte es hierher.

Die letzte Veröffentlichung, Das Flüstern des Meeres – Ocean Waves, ist gleich in zweierlei Hinsicht ein besonderer Film. Er ist einerseits der einzige fürs Fernsehen produzierte Film des Studios und andererseits auch Studio Ghiblis einzige „Nachwuchsproduktion“.

Über den Film

Ocean Waves ist ein Alltagsdrama und erzählt eine sehr gewöhnliche Geschichte. Die Protagonisten sind Oberschüler und die Handlung erstreckt sich über einen Zeitraum von insgesamt zweieinhalb Jahren. Universum Anime beschreibt die Handlung folgendermaßen:

„Die beiden Schüler Taku und Yutaka sind beste Freunde und gemeinsam drücken sie auch die Schulbank in der kleinen Stadt Kochi. Eines Tages kommt ein attraktives Mädchen namens Rikako aus der Großstadt nach Kochi, um dort die Highschool weiter zu besuchen. Bereits nach kurzer Zeit ist sie die Klassenbeste, allerdings wird sie wegen ihrer arroganten Art von den übrigen Mädchen ausgeschlossen. Yutaka findet dennoch Gefallen an ihr und verliebt sich in sie. Als jedoch das Gerücht umgeht, dass Taku und Rikako ein Paar sind, wird die Freundschaft der beiden auf eine harte Probe gestellt.“

Viel mehr gibt es auch gar nicht hinzuzufügen. Originell klingt das nicht, aber dennoch ist Ocean Waves ein sehr spezielles, in gewisserlei Hinsicht einzigartiges Werk. Animes und Fiktion im Allgemeinen neigen sehr stark dazu, ein verzerrtes Bild einer möglichen Realität zu erzeugen. Das bedeutet, dass Charaktere gewissen Idealen entsprechen. Sie werden als gut oder böse porträtiert, markante Charakterzüge werden sehr stark hervorgehoben, sie sind häufig überzeichnet.

Mit Ocean Waves wollte das Produktionsteam einen anderen Weg gehen. Sie wollten eine nüchterne Darstellung ohne starke Dramatisierung, ohne groß emotional zu manipulieren, ohne eine besondere Botschaft in der Handlung zu verpacken. Die Geschichte fühlt sich an wie eine unkommentierte Darstellung, allerdings auf die Sicht des Protagonisten konzentriert.

Das ist etwas, was man in keinem anderen Ghibli-Film findet. Das ist auch etwas, das nicht jedem gefallen muss. Tut es auch nicht – Hayao Miyazaki selbst war keinesfalls angetan von dem Film, den die Nachwuchskünstler mit Ocean Waves geschaffen hatten. Filme sollen zeigen, wie es sein soll, meinte er. „[Ocean Waves] zeigt, wie es wirklich ist.“

Dennoch ist Ocean Waves keinesfalls ein Film, der langweilt oder im Zuschauer keinerlei Gefühlsregung hervorrufen würde. Die Stadt Kochi und die anderen Orte im Film werden sehr schön dargestellt, die Handlung selbst hat eine erstaunlich nostalgische Qualität und Leichtigkeit und wirkt durch ihre Bodenständigkeit extrem authentisch.

Visuell und musikalisch ist Ocean Waves zweifelsohne unauffälliger als andere Ghibli-Werke. Die Musik ist gefällig, ohne hervorzustechen. Die Animation ist auf recht hohem Niveau, erreicht aber lange nicht die Qualität eines Ghibli-Kinofilms. Optisch fallen die kontrastreichen Schatten auf, die man in anderen Ghibli-Filmen so nicht sieht.

Die deutsche Veröffentlichung

Der Film kommt mit einer deutschen und einer japanischen Tonspur daher, von denen beide uneingeschränkt empfohlen werden können. An der deutschen Fassung ist kaum etwas auszusetzen. Lobend hervorzuheben ist, wie natürlich die Charaktere vertont wurden. Die Stimmen sind angenehm, das Skript sprachlich sehr authentisch. Es wurden erfahrene Sprecher für die Rollen ausgewählt. Der Protagonist Taku wurde beispielsweise von Nico Sablik gesprochen, der unter anderem seit dem dritten Film die Synchronstimme von Harry Potter ist.

Was im Deutschen nicht vermittelt werden konnte, ist der Kochi-Dialekt, in dem die Charaktere sprechen – ein Dialekt, den Leute aus Tokio mit alten Samuraifilmen verbinden. Im Deutschen gibt es keine Entsprechung und wahllos einen hiesigen Dialekt auszuwählen, hätte mehr geschadet als genutzt, also kann man der Lokalisierung dafür keinen Vorwurf machen.

Auch die Untertitel sind gelungen und halten sich wie üblich dichter ans japanische Skript.

Das Bonusmaterial auf der Disc umfasst die üblich Extras der Ghibli-Filme: Storyboards, Original-Trailer, Studio-Ghibli-Trailershow. Das Beste ist jedoch das etwa 50-minütige Making-of. Elf Jahre nach der Produktion des Films im Jahr 1992 trifft sich das Kernteam wieder und redet darüber.

Dabei erfährt man viele interessante Dinge, nicht nur über den Film, sondern auch das Studio selbst. Beispielsweise, dass Produzent Toshio Suzuki wollte, dass die jungen Leute vollkommen ohne Eingriffe von Hayao Miyazaki und Isao Takahata, die bisher abwechselnd bei den Filmen des Studios Regie geführt hatten, ihre Vision umsetzen durften. Oder dass Miyazakis Unzufriedenheit mit dem Film der Anlass für „Die Stimme des Herzens“ war.

Wie alle anderen Filme der Kollektion wird die Blu-ray-Fassung von Ocean Waves in einem Pappschuber in Scherenschnitt-Optik mit Digipack ausgeliefert und enthält drei Postkarten mit Motiven der anderen Filme.

Fazit

Ocean Waves ist ein Film, der dadurch besonders ist, dass Handlung und Präsentation sehr authentisch, unverzerrt und glaubwürdig wirken. Es wird nicht idealisiert, die Situationen wirken wie aus dem Leben gegriffen. Das sieht man in dieser unverfälschten Form nur sehr selten. Das und die nostalgische Leichtigkeit machen Ocean Waves zu einem sehr angenehmen Erlebnis. Durch die hervorragende deutsche Vertonung kann der Film auch problemlos auf Deutsch genossen werden.

Technische Daten & Extras

• Laufzeit Film: 75 Minuten
• Bild: HD 1080p, 16:9 – 1.85:1
• Audio: Japanisch (DTS-HD Master Audio 2.0), Deutsch (DTS-HD Master Audio 2.0)
• Untertitel: Deutsch (weiße Schrift, schwarzer Rand)
• Bonusmaterial: Making-of, Trailer, Storyboards
• Extras: Postkarten mit Scherenschnittmotiven der Ghibli-Filmcover
• Altersfreigabe: ab 0

Gewinnspiel!

In Zusammenarbeit mit Universum Anime verlosen wir einmal die Blu-ray-Fassung des Films! Um an der Verlosung teilzunehmen, nennt uns in den Kommentaren euren Lieblings-Ghibli-Film. Zeit habt ihr bis zum 27. Juli um 18:00 Uhr. Beachtet, dass ihr im Forum angemeldet sein müsst, damit wir euch im Gewinnfall kontaktieren können.

Wie üblich ist eine Auszahlung des Gewinns nicht möglich und der Rechtsweg ausgeschlossen.

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Im selben Jahr erhielt die Dokumentarfilmerin Mami Sunada die Erlaubnis, sich frei durch das Gebäude des Studio Ghibli zu bewegen und zu filmen. Am Ende des Jahres entstand eine Dokumentation im Kinoformat, die nicht nur äußerst denkwürdige Momente festhält, sondern auch hochpersönlich ist: The Kingdom of Dreams and Madness.

Universum Anime hat diese Ghibli-Dokumentation nun in Deutschland veröffentlicht. Wir hoffen, dass diese Bemühungen mit Erfolg gesegnet sind, denn bei The Kingdom of Dreams and Madness handelt es sich um ein einzigartiges Werk von bemerkenswerter Schönheit.

Auf dem Cover des Films sieht man die drei Kernfiguren des Studios: Hayao Miyazaki, Isao Takahata und Toshio Suzuki. Der Film folgt primär dem Alltag im Studio, doch gelegentlich werden auch Szenen aus der Vergangenheit gezeigt, die zeigen, wie sich die drei trafen, wie sich Miyazakis Führungsqualitäten herausbildeten und wie die ehemaligen Partner Miyazaki und Takahata ihre eigenen Wege gingen.

Was den Film so persönlich macht, ist unter anderem die Kameraführung. Sunada konnte keine ganze Filmcrew mitnehmen, um die Arbeiten im Studio zu filmen, deshalb filmte sie alles allein und mit einer kleinen Kamera.

Ein großer Teil des Films folgt Miyazaki bei der Produktion von Wie der Wind sich hebt. Man sieht ihn beim Zeichnen, wie er mit seinen Mitarbeitern redet, wie er mit sich selbst spricht, wie er den Sonnenuntergang beobachtet und wie er seinen täglichen Ritualen nachgeht.

„Mit Takahata fing alles erst an. Er hat Hayao Miyazaki entdeckt. Er hat Joe Hisaishi entdeckt. Er brachte beide zusammen. Er lehrte Suzuki an, oder war viel mehr sein Mentor. Es ist klar, dass es ohne Isao Takahata kein Studio Ghibli geben würde.“ – Yoshiaki Nishimura

Auch die anderen Mitarbeiter des Studios werden beleuchtet. Toshio Suzuki, der Produzent fast aller Ghibli-Filme seit Porco Rosso, redet gern über seine Arbeit, das Studio und die Persönlichkeiten Miyazakis und Takahatas. Man merkt, wie er maßgeblich für die persönliche Atmosphäre verantwortlich ist, die im Studio vorherrscht.

Auch Miyazakis Sohn Goro, der Regie bei Die Chroniken von Erdsee und Der Mohnblumenberg führte, ist kurz zu sehen. In einem sehr persönlichen Moment wird klar, dass er stärker mit seiner Arbeit zu kämpfen hat als sein Vater und unter großen Selbstzweifeln leidet. Hideaki Anno, langjähriger Freund von Miyazaki, und Komponist Joe Hisaishi haben ebenfalls einige Auftritte.

An Isao Takahata kam Sunada leider kaum heran, ihm sind nur zwei Szenen im Film gewidmet. Über seinen Produzenten Yoshiaki Nishimura bekommt man aber indirekt einiges über ihn mit. Gegen Ende des Films gibt es eine Szene, in der sich Takahata und Miyazaki treffen und der Zuschauer merkt, dass sie nur aufgrund ihrer gemeinsamen Vergangenheit so viel erreicht haben.

„Firmen sind darauf ausgelegt, Profit zu machen. Aber das interessiert uns nicht so sehr.“ – Hayao Miyazaki

Doch The Kingdom of Dreams and Madness ist mehr als nur eine Ansammlung von Momentaufnahmen. Es ist ein sehr anrührender Film, weil er eindeutig vermittelt, dass es auf ein „Ende“ zugeht. Dass Miyazaki, Takahata und Suzuki alt geworden sind und dass ohne sie in führenden Positionen Studio Ghibli in seiner bisherigen Form nicht weiterexistieren kann.

Mami Sunada schafft es auf einzigartige Weise, ganz ungezwungen eine große Menge an Emotionen im Zuschauer wachzurufen. In dem Jahr, das Sunada im Studio verbracht hat, sind viele denkwürdige Dinge passiert. Beispielsweise erhielt Miyazaki einen Brief von einem alten Mann, der zu Kriegszeiten in der Nähe von Miyazakis Familie gewohnt hat. Er berichtet Miyazaki von einer Erfahrung mit dessen Vater, die ihn in seiner Kindheit besonders geprägt hat. Dieser Brief bewegt etwas in Miyazaki, denn durch ihn findet er in gewisser Weise zu seinem Vater zurück.

„Wenn Ghibli Sie irgendwann nicht mehr fasziniert, kündigen Sie. Das würde ich nämlich auch machen.“ – Hayao Miyazaki

Mami Sunadas Stimme ist sehr wohlklingend und beruhigend. Sie kommentiert das Geschehen nur stellenweise, aber die Momente, in denen sie das tut, fühlen sich sehr bedeutsam an. Sehr viel zum Film trägt auch der wundervolle Soundtrack von Masakatsu Takagi (Ame & Yuki – Die Wolfskinder) bei. Seine Melodien haben eine ganz einzigartige Leichtigkeit, die im Kontext des Films zugleich auch ein wenig melancholisch wirkt. Für diese Dokumentation könnte man sich keinen besseren Komponisten vorstellen.

The Kingdom of Dreams and Madness enthält keine deutsche Tonspur. Universum Anime begründete die Entscheidung damit, dass sie es als respektlos empfunden hätten, Personen wie Miyazaki und Takahata nachzusynchronisieren oder mit einem Voice-Over zu versehen. Die Untertitel sind dafür zum Glück makellos.

Neben dem Hauptfilm befindet sich noch ein 30-minütiges Video mit dem Titel „Ushiko erkundet!“ auf der Disc, die zu Beginn der Katze des Studios folgt und später einige Szenen zeigt, die es nicht in den Hauptfilm geschafft haben. Eine davon ist ein Treffen von John Lasseter, Schlüsselfigur bei Pixar und Regisseur von Toy Story, und Miyazaki. Lasseter ist ein leidenschaftlicher Ghibli-Fan und ihn und Miyazaki verbindet eine lange Freundschaft.

Anders als die japanische Fassung des Films kommt die deutsche Veröffentlichung in einem Digipack daher. Dieses Digipack ist von der Innenseite sogar im markanten Scherenschnittstil der Ghibli-Filme für Blu-ray gestaltet.

„Die Zukunft des Studios steht schon fest. Es wird untergehen. Das sehe ich genau vor mir. Es bringt nichts, sich zu sorgen. Es passiert sowieso.“ – Hayao Miyazaki

Fazit: The Kingdom of Dreams and Madness ist Poesie in Filmform: Die persönlichen Aufnahmen, die unverstellten Eindrücke und das unabwendbare Gefühl von Vergänglichkeit, das die Dokumentation begleitet, machen den Film zu einem gleichermaßen spannenden wie rührenden Werk, das sich niemand, der auch nur ansatzweise etwas mit Studio Ghibli anfangen kann, entgehen lassen sollte.

Technische Daten & Extras

• Laufzeit Hauptfilm: ca. 118 Minuten
• Laufzeit Bonusmaterial: ca. 34 Minuten
• Bild: High Definition 1080p
• Audio: Japanisch (DTS-HDMA 5.1)
• Untertitel: Deutsch (weiße Schrift, schwarzer Rand)
• Bonusmaterial: Kurzfilm (Trailer), Ushiko erkundet!
• Altersfreigabe: ab 0

Nachfolgend einige Bilder, die die deutsche und japanische Blu-ray gegenüberstellen (das FSK-Logo ist ablösbar):

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Zum Kinostart 1999 in Japan erhielt der Film zwar gute Kritiken, konnte aber nicht viel Geld einspielen. Märkten wie Nordamerika wurde der Film bis heute vorenthalten. In Deutschland können wir uns glücklich schätzen: Nachdem vor Jahren bereits die DVD-Version bei uns erschien, hat Universum Anime nun auch die Blu-ray-Fassung bei uns veröffentlicht – eher als Dankeschön an die Fans, die die Studio Ghibli Collection gerne komplett hätten, denn bereits die DVD-Fassung hatte sich von allen Ghibli-Filmen mit Abstand am seltensten verkauft.

Aus diesem Grund kommt die Veröffentlichung auch nicht ohne Kompromisse aus: Das Bonusmaterial wurde nicht untertitelt, darunter auch ein 45-minütiger Bericht über die Entstehungshintergründe des Films. Ich hielt dies zunächst für einen Fehler und kontaktierte Universum Anime daraufhin, die mir verrieten, dass wegen der erwarteten geringen Absatzzahlen eine Untertitelung zu kostspielig gewesen wäre, man sich aber trotzdem dazu entschieden hätte, das vorliegende Bonusmaterial auf die Disc zu packen.

So schade das ist, es ist ein verständlicher Schritt und ich danke Universum Anime für die Offenheit. Der Hauptfilm liegt aber sowohl mit deutscher Sprachausgabe als auch mit Untertiteln vor.

Der Film

Verdient Meine Nachbarn die Yamadas es, so von Anime- und Ghibli-Fans übersehen zu werden? Das kann man so nicht sagen. Es handelt sich um einen tollen Film, aber es ist nicht schwer zu erkennen, dass er für viele weniger zugänglich ist als andere Ghibli-Werke.

Zunächst ist wissenswert, dass es sich bei Meine Nachbarn die Yamadas um eine Komödie in Form einer Familienkarikatur handelt, die auf dem Manga Nono-chan basiert, der später auch als 61-teiliger TV-Anime adaptiert wurde. Der Name Yamada ist in Japan ein Allerweltsname, und entsprechend stellen die Yamadas auch eine Klischee-Familie dar, bestehend aus Vater, Mutter, Oma, Sohn, Tochter und dem Hund – gut vergleichbar mit den Simpsons.

Der Film besitzt keine durchgängige Handlung, sondern setzt sich aus einzelnen Sketches zusammen, die zum Teil lose miteinander verbunden sind. In all diesen Sketches wird das Verhalten einzelner Familienmitglieder oder der ganzen Familie humorvoll und charmant aufs Korn genommen. Bei den Yamadas handelt es um Menschen mit vielen Marotten und Macken, aber trotzdem funktionieren sie als Familie. Erneut ist der Vergleich mit den Simpsons naheliegend.

Reizvoll ist der Film vor allen Dingen dadurch, dass die im Film gezeigten Alltagsszenen alle wie aus dem Leben gegriffen wirken. Sie sind selbstverständlich überzeichnet, aber fast jede Familie wird sich zumindest teilweise in den Yamadas wiederfinden.

Wo wir von Überzeichnung sprechen: Besonders unterhaltsam sind die Szenen, die in der Fantasiewelt der Figuren stattfinden, oder die durch Symbolismus dargestellt werden. So wird das Leben der Yamada-Eltern vom ersten Treffen bis zur Geburt der Kinder als Schiffsreise präsentiert – zunächst friedlich, später mit hohem Wellengang. Auch wie der Vater, eigentlich ein Weichei, nach einer Demütigung sehr lebendig davon träumt, einmal ein Superheld zu sein, ist sehr amüsant und auch ein bisschen bewegend.

Die Charakterdesigns sind recht simpel und comichaft, sie passen hervorragend zur Art des Films und untermalen die Klischees gut. Man merkt trotzdem, dass Studio Ghibli hinter dem Film steckt, denn er ist fantastisch animiert und fantasievoll präsentiert. Der gesamte Film ist im Wasserfarbenstil mit sehr warmen Farben gehalten, was sehr angenehm für die Augen ist.

Der Soundtrack besteht aus einer Mischung von Originalkompositionen und klassischen Stücken (z. B. Chopin-Musik oder Que Sera, Sera) und rangiert von seicht und locker bis hin zu überzeichnend dramatischer Musikuntermalung.

Die deutsche Umsetzung

Es ist sehr schön, dass Meine Nachbarn die Yamadas damals für die deutsche Veröffentlichung auch auf Deutsch vertont wurde. Noch schöner ist es, dass diese Vertonung auch ausgesprochen gelungen ist. Das gilt für die ganze Familie: Kinder, Eltern und Oma.

Besonders die Mutter (vertont von Kathrin Simon) sowie die Erzählstimme stechen durch tolle Sprecherleistungen hervor. Die Kinder haben angenehme und authentische Stimmen, was großes Lob verdient, denn sonst sind Kinder in Animes häufig unpassend und/oder amateurhaft vertont. Die Stimme der Oma könnte noch etwas älter klingen, aber das ist Kritik auf hohem Niveau. Unterm Strich ist die Synchronfassung von Meine Nachbarn die Yamadas ausgezeichnet.

Die Untertitel, wie gewohnt weiße Schrift mit schwarzem Rand, sind keine Dubtitles und halten sich entsprechend näher am Original. Beim Synchronskript hat man sich mehr Freiheiten genommen, die Sprache klingt dafür stets lebendig und natürlich. Kleine kulturelle Anpassungen wurden getätigt, die aber kaum auffallen. So wird „Doriyaki“, ein rundes Süßgebäckstück, an einer Stelle mit „Amerikaner“ übersetzt – bei der dazugehörigen schemenhaften Zeichnung könnte es tatsächlich genauso gut um einen Amerikaner handeln.

Das Remaster des Films selbst ist wie bei allen Ghibli-Filmen von exzellenter Qualität. Der simple Wasserfarbenstil ist ohnehin sehr gut gealtert. Für die höhere Auflösung des Bildmaterials lohnt sich die Blu-ray also auf jeden Fall und auch beide Tonspuren liegen in 5.1 vor.

Der interessanteste Teil des Bonusmaterials, nämlich das NTV-Special, eine Art 45-minütiges „Making of“, wurde, wie eingangs erwähnt, leider nicht untertitelt. Weitere Extras sind Original-Trailer und Promo-Werbespots (ebenfalls ohne Untertitel). Auch die Storyboards zum Film kann man sich als Slideshow ansehen, allerdings sind die so klein, dass man nicht viel erkennen kann. Trailer zu anderen Studio-Ghibli-Filmen sind natürlich auch wieder dabei. Unterm Strich darf man das Bonusmaterial aber nur als nettes Extra ansehen. Durch die fehlenden Untertitel stellen die Extras nur für Japanischkundige einen nennenswerten Mehrwert dar.

Wie alle Filme der Studio Ghibli Blu-ray Collection wird der Film in einem Pappschuber-Digipack im markanten Scherenschnittstil ausgeliefert, dem drei Postkarten beiliegen – diesmal mit den Covermotiven von „Meine Nachbarn die Yamadas“, „Tränen der Erinnerung – Only Yesterday“ und „Erinnerungen an Marnie“.

Fazit

Bei Meine Nachbarn die Yamadas handelt es sich um eine ausgesprochen charmante Familienkarikatur, die gekonnt dafür sorgt, dass der Zuschauer nicht nur schmunzeln, sondern sich im gezeigten Material auch selbst wiederfinden kann – einen handlungsgetriebenen Erzählstil wie in anderen Ghibli-Filmen sollte man jedoch nicht erwarten.

Die deutsche Vertonung ist hervorragend, das Remaster wie gewohnt erstklassig. Der einzige Wermutstropfen sind die fehlenden Untertitel beim Bonusmaterial, aber dennoch sprechen wir für Meine Nachbarn die Yamadas eine klare Empfehlung aus!

Technische Daten & Extras

• Laufzeit Hauptfilm: ca. 103 Minuten
• Laufzeit Bonusmaterial: ca. 70 Minuten
• Bild: High Definition 1080p
• Audio: Japanisch (DTS-HDMA 5.1), Deutsch (DTS-HDMA 5.1)
• Untertitel: Deutsch (weiße Schrift, schwarzer Rand)
• Bonusmaterial: NTV-Special, Original-Trailer, Promospots, Storyboards (jeweils ohne Untertitel)
• Extras: drei Postkarten
• Altersfreigabe: ab 6

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Pom Poko kam 1994 in die japanischen Kinos und geht einen interessanten Mittelweg: Der augenscheinlich fröhliche, familienfreundliche Film hat eine sehr ernste, unbeschönigte und politisch bedeutsame Rahmenhandlung.

Universum Anime hat Pom Poko im Februar erstmals in Deutschland auf Blu-ray veröffentlicht. Nachdem nun auch Erinnerungen an Marnie erschienen ist, fehlen also nur noch Meine Nachbarn die Yamadas und Das Flüstern des Meeres in der Blu-ray-Kollektion der Ghibli-Filme.

Der Film

Es beginnt alles damit, dass in Japan am Ende der 60er-Jahre in einem größtenteils unberührten Bergwaldgebiet etwas abseits von Tokio ein neues Wohngebiet entstehen soll. Damit verbunden ist eine großflächige Zerstörung der Waldflächen, die einen wichtigen Lebensraum zahlloser Tierarten darstellt – so auch der Marderhunde (jap. Tanuki).

Doch die Marderhunde beschließen, sich das nicht so einfach gefallen zu lassen. Sie nutzen ihre Fantasie, um die Menschen von der Zerstörung ihres Lebensraums abzuhalten – manchmal auf harmlose, manchmal auf drastische Weise.

Die Marderhunde beherrschen im Film wie in klassischen japanischen Sagen die Kunst der Verwandlung. Sie können ihr Aussehen nach Belieben verändern. Das alles erfordert natürlich Übung. Ihre Verwandlungen nutzen die Marderhunde, um die Menschen zu erschrecken, sie zu verjagen, sich unter sie zu mischen und über sie zu lernen.

Ihr Vorhaben steht allerdings in ständigem Konflikt mit ihren naturgegebenen Eigenschaften der Gelassenheit, der Faulheit, der Ausgelassenheit und der Angewohnheit, unangenehme Dinge zu vergessen. Marderhunde lieben es, zu feiern; sie lieben menschliches Essen, Schabernack und den Frühling.

Durch diese Gegensätzlichkeiten wird Pom Poko zu einem Film sehr starker Kontraste. Die Handlung des Films ist im Kern eine sehr ernste, aber die Art der Marderhunde sorgt stets dafür, dass alles auf eine sehr verspielte und heitere Weise dargestellt wird, egal, ob das nun die Angriffe auf die Menschen oder die Feiern der Marderhunde sind.

Doch gerade das birgt eine tiefe Tragik in sich, die gerade am Ende des Films sehr stark durchscheint. Pom Poko ist im Kern kein trauriger Film, aber die Nüchternheit und Endgültigkeit und das Wissen, dass die Marderhunde immer stärker von den Menschen zurückgedrängt und dezimiert werden, steht in starkem Kontrast zum Idealismus anderer Kinder- und Familienfilme.

Bemerkenswert ist die starke Anlehnung an die japanische Mythen- und Geisterwelt, für die Takahata schon immer großes Interesse zeigte. Pom Poko zeigt das von all seinen Werken am deutlichsten, denn klassische Fabelgestalten sind die beliebtesten Verwandlungen der Marderhunde. Dem Zuschauer wird quasi die gesamte klassische japanische Mythenwelt präsentiert.

Die Verwandlungsszenen sind es auch, die animationstechnisch am meisten hermachen. Besonders beeindruckend sind die Verwandlungen der Marderhunde in große Lebewesen und Objekte. Hervorzuheben ist hier beispielsweise eine Szene, in welcher die Marderhunde sich gesammelt in Scharen von Fabelwesen verwandeln und durch eine menschliche Stadt ziehen.

Die Musik des Films spiegelt die Stimmung exzellent wieder: Während es einige schöne, ruhige und tragische Stücke gibt, werden die spaßigen Szenen des Films von stark an klassischer japanischer Musik orientierten Stücken untermalt. Pom Poko ist eben ein tief in der japanischen Kultur verwurzelter Film, aber keinesfalls einer, der nur von Japanern genossen werden kann.

Die deutsche Veröffentlichung

Die deutsche Vertonung von Pom Poko ist von bemerkenswerter Qualität. Die anfängliche Skepsis, wie natürlich die Figuren eines solch japanischen Films auf Deutsch vertont werden können, verfliegt sehr schnell. Man merkt bereits an der Erzählerstimme, dass die deutsche Synchronfassung gar nicht versucht, die japanische zu kopieren, und das war eine absolut richtige Entscheidung. Dass Nuancen verloren gehen, ist unabdingbar, aber das Endprodukt wirkt dennoch sehr stimmig und vor allen Dingen natürlich.

Alle Marderhunde, ob jung oder alt, sind von passenden Sprechern besetzt worden, die größtenteils ausgezeichnete Arbeit liefern. Das gilt übrigens auch für die menschlichen Nebenfiguren, die im Film auftreten. Als größte Schwäche ist dem Film anzulasten, dass einige der im Film gesungenen oder eingespielten japanischen Lieder auf Deutsch vertont wurden, die meisten aber Japanisch geblieben sind, was für einen leicht inkonsistenten Eindruck sorgt.

Die Untertitel in weißer Schrift mit schwarzem Rand sind gelungen, die Sprache klingt natürlich und es handelt sich nicht um Dubtitles – hier gibt es also nichts zu beanstanden. Die japanischen Lieder wurden zudem auf Deutsch untertitelt.

Wie alle Ghibli-Filme wurde Pom Poko exzellent in High Definition restauriert und macht der Blu-ray-Fassung somit alle Ehre. Da Ghibli-Filme zudem für hervorragende Animationsqualität bekannt sind, ist der Film trotz seines Alters von über 20 Jahren sehr gut gealtert.

Das Bonusmaterial ist leider etwas spärlich ausgefallen, lediglich die typischen Extras „Storyboards“, „japanische Originaltrailer“ und „Studio Ghibli Trailershow“ befinden sich auf der Disc. Interviews und einen Blick hinter die Kulissen sucht man vergebens.

Wie jede andere Veröffentlichung der Studio Ghibli Collection für Blu-ray befindet sich die Disc in einem Digipack mit Pappschuber in Scherenschnittoptik. Es liegen zudem drei Postkarten mit Scherenschnittmotiven von „Pom Poko“, „Tränen der Erinnerung – Only Yesterday“ und „Das Königreich der Katzen“ bei.

Fazit

Bei Pom Poko handelt es sich um einen bemerkenswerten und durchaus unterschätzen Film, der auf selten gesehene Weise eine primär humorvolle und ausgelassene Handlung mit unerwartet nüchternen und traurigen Wahrheiten verbindet, ohne dabei zu dramatisch oder zu künstlich moralisierend zu wirken. Der Blu-ray-Fassung fehlt zwar interessantes Bonusmaterial, aber der Film macht in HD einen hervorragenden Eindruck und die deutsche Vertonung ist äußerst gelungen.

Um noch eine persönliche Beobachtung zum Schluss einzubringen: Als ich Pom Poko vor etwa fünf bis sechs Jahren zum ersten Mal sah, mochte ich den Film durchaus, empfand ihn aber nicht als herausragend. Beim erneuten Schauen sind mir nun aber sehr viele Details aufgefallen, die ich damals gar nicht gesehen hatte, und gerade das Ende des Films stimmte mich unerwartet emotional. Pom Poko ist also durchaus ein Film, der mit dem Zuschauer reift, und erwachsenen möglicherweise noch einmal eine ganz andere Perspektive bietet als jüngeren Zuschauern.

Technische Daten & Extras

• Laufzeit Hauptfilm: 119 Minuten
• Laufzeit Bonusmaterial: 133 Minuten
• Bild: High Definition (1080p/24), Bildformat 16:9
• Audio: Japanisch (DTS-HD Master Audio 2.0), Deutsch (DTS-HD Master Audio 2.0)
• Untertitel: Deutsch (weiße Schrift, schwarzer Rand)
• Bonusmaterial: Storyboards, Originaltrailer, Studio Ghibli Trailershow
• Extras: drei Postkarten
• Altersfreigabe: ab 6

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Doch kommen wir zurück zum Film, denn der verdient es, dass über ihn gesprochen wird. Erinnerungen an Marnie ist nämlich ein Ghibli-Film, der sich so recht mit keinem anderen vergleichen lässt – immerhin ist es auch der erste Kinofilm des Studios, an dem weder Hayao Miyazaki noch Isao Takahata mitwirkten.

Über den Film

Anna ist ein schwächliches Mädchen. Sie leidet unter starkem Asthma, bleibt am liebsten unbemerkt und hat in der Schule keine richtigen Freunde. Als ihr Asthma immer stärker zu werden droht, schickt ihre Pflegemutter sie zu Verwandten nach Hokkaido aufs Land, wo die frische Meeresluft Anna beim Kurieren helfen soll.

Dort angekommen, erstreckt sich eine breite Marschlandschaft vor Annas Augen. Die Familie, bei der sie lebt, ist offen und herzlich. Ihre Zeit verbringt Anna am liebsten mit dem Zeichnen. Ganz besonders fasziniert sie das verlassene Haus in der Marsch – bei Ebbe zu Fuß erreichbar, bei Flut durch einen See von Anna getrennt. Eines Abends sieht sie ein blondes Mädchen durch eines der Fenster des Anwesens. Dieser Moment ist der Anfang einer surrealen Freundschaft mit dem Mädchen Marnie, das sie wie kein anderer Mensch auf der Welt zu verstehen scheint.

Im Verlauf der Geschichte lernen sich Anna und Marnie immer besser kennen. Die beiden Mädchen erzählen sich gegenseitig von ihren Freuden, Ängsten und Problemen. Doch eines ist merkwürdig: Immer wieder wacht Anna nach Begegnungen mit Marnie an unbekannten Orten auf und weiß nicht, was zuvor geschehen ist.

Die Geschichte wird mit der Zeit surrealer, psychologischer. Realität und Traum verschwimmen und je mehr Anna über das Haus in der Marsch, über Marnie und über ihre eigene Familie erfährt, desto deutlicher wird, dass irgendetwas nicht stimmen kann.

Die Art und Weise, wie die Geschichte in Erinnerungen an Marnie erzählt wird, ist einzigartig für einen Ghibli-Film. Was anfänglich wie eine Geschichte über die Freundschaft zweier Mädchen erscheint, entwickelt sich nach und nach zu einem psychologischen Drama mit viel Tiefgang.

Die Ausführung verdient dabei großes Lob: Es wird eine sehr dichte, charakternahe, geheimnisvolle Atmosphäre aufgebaut, die am Ende mit einer äußerst zufriedenstellenden Auflösung aufwartet und die die meisten Zuschauer überraschen wird. Zugleich wird der Film aber nie so komplex und verwirrend, dass sich der Zuschauer verloren fühlt.

Hiromasa Yonebayashi schafft es auf sehr einfühlsame Weise, die Charaktere, ihre Ängste und Wünsche und ihr Miteinander darzustellen. Einige Szenen wirken recht kitschig, doch spätestens das Ende des Films lässt diese kitschigen Szenen absolut gerechtfertigt wirken.

Visuell ist Erinnerungen an Marnie atemberaubend. Im Laufe des Films werden unzählige atemberaubende Panoramen gezeigt, darunter nicht nur Naturbilder. Gerade das Haus, in dem Anna lebt, versprüht einen unvergleichlichen Charme. Die Animation ist ebenfalls auf sehr hohem Niveau. Zwar hat der Film kaum Action-Szenen, doch auch alltägliche Momente profitieren von ausdrucksstarken Bewegungen und bedachter Regie.

Dazu zählen beispielsweise die lebendigen Reaktionen der Figuren, wenn sie durchs kalte Wasser waten. Dazu zählt auch der Himmel, der nicht wie in anderen Ghibli-Filmen strahlend blau, sondern perlfarben ist, um die Stimmung der Protagonistin zu betonen. Solche Details fallen nicht direkt ins Auge, doch in ihrer Summe ist ihre Auswirkung auf das Gesamterlebnis immens. Es steckt unglaublich viel Liebe zum Detail in dem Film.

Die Musik wurde von Takatsugu Muramatsu komponiert und wirkt auf den ersten Blick weniger auffällig als beispielsweise Soundtracks von Joe Hisaishi. Atmosphärisch passt die Musik aber perfekt zum Film und ist stilistisch markant genug, um sich von anderen ruhigeren Soundtracks abzuheben. Besonders hervorzuheben sind Annas und Marnies Charakterthemen, die als Leitmotive verwendet werden und eine starke emotionale Wirkung haben. Das Ending-Lied „Fine On The Outside“ von Priscilla Ahn ist das erste englische Lied, das es in die japanische Fassung eines Ghibli-Films geschafft hat. Der Text passt sehr gut zum Thema des Films.

Die Hauptfiguren wurden ghiblitypisch von Schauspielern, nicht von klassischen Anime-Sprechern vertont. Die damals 16-jährige Sara Takatsuki feierte mit ihrer Rolle als Anna ihr Anime-Debüt. Ihre Rolle meistert sie mit Bravour; dasselbe lässt sich auch von Kasumi Arimura, damals 21 Jahre alt, als Marnie sagen. Es herrscht eine sehr angenehme und lebendige Chemie zwischen den beiden Figuren im Film, die von den Sprecherinnen sehr überzeugend vermittelt wird.

Die Handlung des Films basiert übrigens auf dem britischen Roman „When Marnie Was There“ von Joan G. Robinson aus dem Jahr 1967, spielt jedoch im Gegensatz zur Vorlage nicht in England, sondern in Japan.

Die deutsche Veröffentlichung

Wie die meisten Ghibli-Filme wurde auch Erinnerungen an Marnie recht hochwertig auf Deutsch vertont. Wie bei den letzten Veröffentlichungen gibt es aber auch Kleinigkeiten zu bemängeln.

Die deutsche Sprecherin von Anna, Laura Jenni, überzeugt nicht jederzeit. In einigen Szenen spricht sie zu stark betont, was manchmal unnatürlich wirkt. Im Großen und Ganzen leistet Jenni jedoch eine solide Arbeit. Laura Wurmer, die Marnie vertont, überzeugt durchgehend, auch in dramatischen Szenen. Der ruhige, angenehme Klang ihrer Stimme passt ausgezeichnet zu Marnie. Die erwachsenen Charaktere sind alle sehr gut vertont worden, bei den Kinder-Nebenrollen gibt es gelegentlich kleine Aussetzer, aber das sollten Anime-Fans bereits gewohnt sein.

Als Extras sind besonders das Making-of (42 Minuten) und The Art of Marnie (17 Minuten) hervorzuheben. Das Making-of begleitet unter anderem Hiromasa Yonebayashi und Sara Takatsuki nach Hokkaido, wo die beiden über die Entstehung des Films sprechen. Das Making-of gibt einen sehr interessanten Einblick in die Produktion des Films, für den Hiromasa Yonebayashi, der bei Arrietty noch viel Hilfe von Miyazaki bekam, bewusst den schwierigeren Weg wählte. The Art of Marnie erzählt die Geschichte des Films in Kurzfassung und zeigt dabei real nachmodellierte Schauplätze des Films, die noch einmal demonstrieren, wie viel Detailverliebtheit in der Produktion steckt.

Darüber hinaus gibt es mit den Storyboards zum kompletten Film, einem deutschen Trailer, japanischen Trailern, TV-Spots und einer Studio-Ghibli-Trailershow die typischen Extras.

Für diese Rezension stand uns zwar die fertige Veröffentlichung nicht zur Verfügung, doch wie alle anderen Filme der Studio Ghibli Collection kommt auch Marnie in der Blu-ray-Fassung in einem Pappschuber mit Digipack in Scherenschnittoptik, dem vier Ghibli-Postkarten beiliegen, daher.

Fazit

Erinnerungen an Marnie ist ein absolut würdiges Abschlusswerk von Studio Ghibli. Hiromasa Yonebayashi betritt mit dem Film Neuland und erschafft ein feinfühliges, psychologisches, hochpersönliches und optisch imposantes Drama, das es in dieser Form in der Animewelt noch nicht zu sehen gab. Die deutsche Veröffentlichung überzeugt, abgesehen von kleinen Schwächen bei der Vertonung, auf ganzer Linie. Wir sprechen also eine klare Empfehlung für Erinnerungen an Marnie aus.

Technische Daten & Extras

• Laufzeit Film: 103 Minuten
• Bild: HD 1080p, 16:9 – 1.77:1
• Audio: Japanisch (DTS HD 5.0), Deutsch (DTS HD 5.0)
• Untertitel: Deutsch (weiße Schrift, schwarzer Rand)
• Bonusmaterial: Making-of, The Art of Marnie, Trailer, Storyboards
• Extras: Postkarten mit Scherenschnittmotiven der Ghibli-Filmcover
• Altersfreigabe: ab 0

Trailer

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1991 kam Isao Takahatas zweiter Ghibli-Film Tränen der Erinnerung – Only Yesterday (jap. Omohide Poroporo) in die japanischen Kinos. Hayao Miyazaki selbst war bei diesem Film der Produzent, eine Rolle, die ihm schwer zu schaffen machte. Denn jeder, der Takahata kennt, weiß, dass seine Filme dafür berüchtigt sind, viel mehr Zeit und Budget zu verschlingen als ursprünglich angedacht war.

Doch als Miyazaki die Manga-Vorlage zu Only Yesterday sah, wusste er: Das ist ein Werk, das nur Takahata umsetzen kann. Denn Takahata versteht es wie kein anderer, Menschlichkeit in seinen Werken zu vermitteln. Und das ist letztlich das zentrale Thema eines Alltagsfilms. Das beidseitige Vertrauen der beiden ist aber offensichtlich: Während Miyazaki sich in Takahatas kreative Arbeit nicht einmischte, behauptete Takahata, dass Miyazaki überhaupt der Grund gewesen sei, weshalb der Film überhaupt zustande kam:

„Hätte Miyazaki den Film nicht produziert, hätte ich ihn nie machen können. Der Film hat ja keine Action, die Handlung ist auch sehr ’normal‘. Man machte sich Sorgen, ob der Film ankommt. Ein Anime über eine 27-jährige, ganz normale Frau? Der nicht besonders dramatisch und daher kaum erfolgversprechend ist? Alle dachten, so etwas könne man nicht als Anime umsetzen. Das sei vom Thema her viel zu ’normal‘. Aber wenn Miyazaki ihn produziert, muss es ja gehen, dachten sie. Und so konnte ich den Film dann machen. Dann haben sie mir Geld bewilligt. Das war natürlich ein Risiko… Ich muss aber ganz klar sagen: Ohne Miyazaki hätte ich den Film nie machen können.“

Seit Dezember ist die Blu-ray-Fassung durch Universum Anime auch in Deutschland erhältlich. Im Folgenden werfen wir einen Blick auf den Inhalt des Films, die Qualität der Blu-ray-Umsetzung und das Bonusmaterial.

Der Film

Die Handlung des Films spielt abwechselnd in den Jahren 1982 und 1966. Taeko, eine 27-jährige, unverheiratete Bürofrau aus Tokio, fährt in den Ferien hinaus aufs Land, um dort auf einem Färberdistelbetrieb zu arbeiten. Während dieser Reise erinnert sie sich an ihre Zeit in der fünften Klasse. Etwa ein Drittel des Films ist aus der Perspektive ihres Grundschüler-Ichs erzählt.

Taeko ist nicht unglücklich mit ihrem Bürojob. Sie mag ihn sogar, aber sie merkt, dass er sie nicht erfüllt. Auf dem Land trifft sie den jungen Landwirt Toshio, ein Ökobauer, der seine Arbeit mit großer Leidenschaft ausübt und Taeko bisweilen besser zu verstehen scheint als sie es selbst tut.

Immer wieder macht die Handlung einen Abstecher in die Vergangenheit. Takeo erinnert sich an die langweiligen Sommerferien in diesem Jahr, an einen Streit mit ihrer Schwester, und das erste und einzige Mal, als ihr Vater sie geschlagen hat. An das erste Liebesgeständnis, das ihr gemacht wurde. An den Tag, an dem ihr Vater eine Ananas nach Hause brachte – eine damals in Japan noch wenig verbreitete Frucht. Als Kind war sie gut im Schreiben und schlecht in Mathe; mochte Milch, aber keine Bohnensprossen.

An diese Dinge erinnert sich Taeko nach und nach, während sie in der Gegenwart eine gewisse Selbstfindungsphase durchmacht. Man merkt, dass gewisse Ereignisse aus ihrer Kindheit sie noch immer spürbar prägen. Während sie mehr und mehr über das Landleben und die Menschen um sich herum erfährt, beginnt sie auch, sich selbst besser zu verstehen.

Auffällig am Zeichenstil ist, dass die Charaktere echten Menschen nachempfunden sind. Sie wirken weniger makellos, weniger niedlich als gewöhnliche Anime-Charaktere. Die Gesichtsmuskulatur ist beim Sprechen betonter, die Mimik authentischer. Diese Art der Darstellung hat Takahata ganz bewusst für eine so alltägliche Geschichte gewählt, und es ist der erste Anime, der überhaupt diesen Weg ging – und bis heute einer der wenigen.

Diese Detailverliebtheit findet man auch in den Hintergründen. Für Only Yesterday ließ Takahata eine Rekordzahl von Farben anmischen, ein Vielfaches der Menge der Farben einer durchschnittlichen TV-Serie damals – das war natürlich noch bevor die digitale Kolorierung in der Anime-Industrie verbreitet war. Mit einem Teil des Teams besuchte Takahata einen Färberdistelbetrieb, damit die Zeichner und anderen Künstler die Pflanzen und die Umgebung so detailgetreu wie möglich reproduzieren konnten. Das merkt man dem Film spürbar an.

Wie kein zweiter Film schafft es Only Yesterday, alltägliche Situationen realistisch, mit viel Feingefühl und doch akzentuiert darzustellen. Die Mimik und Gestik der Figuren, die Position der Kamera, die Dauer der einzelnen Cuts, die Art der Situationen. Während sich die meisten Animes bemühen, phantastisch, lustig, übernatürlich oder dramatisch zu sein, konzentriert sich Only Yesterday auf das Leben einer ganz normalen Frau. Gerade deshalb bietet Taeko so viel Identifikationspotential.
Ich mochte Only Yesterday bereits, als ich ihn vor einigen Jahren das erste Mal gesehen habe. Doch heute bin ich in einer ähnlichen Situation wie sie, bin auch jemand, der seine Arbeit nicht hasst, aber auch nicht durch sie erfüllt wird; der gern den ganzen Tag mit Leib und Seele einer Tätigkeit nachgehen würde, in der er einen tieferen Sinn sieht. Aus diesem Grund eröffneten sich mir diesmal noch ganz andere Facetten. Doch egal ob Kind, Jugendlicher oder Erwachsener: einige Situationen im Film werden jedem bekannt vorkommen.

Die deutsche Veröffentlichung

Die deutsche Sprachfassung ist insgesamt recht ordentlich, erreicht allerdings nicht das Niveau der bestvertonten Ghibli-Filme. Ein Problem sind die vielen Kinder, die in den Vergangenheitsszenen vorkommen, denn viele davon klingen zum einen wenig authentisch, zum anderen wirken auch die Dialoge nicht immer natürlich. Die erwachsenen Charaktere hingegen, darunter Taeko und Toshio, sind größtenteils gut und glaubwürdig umgesetzt und vor allen Dingen passend vertont worden.

Als Untertitel stehen leider nur Dubtitles zur Verfügung. Das ist schade, denn wenn man die japanische Sprachfassung schaut, fallen einem kulturelle Anpassungen der deutschen Version auf, die in die Untertitel übernommen wurden, aber nicht zum japanischen Ton passen. Ein Beispiel: Die Kinder spielen in der Klasse ein Spiel, beziehungsweise singen ein Lied, das in der deutschen Vertonung mit „A B C, die Katze lief im Schnee“ lokalisiert wurde. Das ist mit deutscher Sprachausgabe soweit nicht unpassend, aber schaut man sich die japanische Fassung mit Untertiteln an, singen die Kinder ein eindeutig japanisches Volkslied, das weder inhaltlich noch von der Melodie zu „A B C, die Katze lief im Schnee“ passt.

Diese Kritik trifft letztlich aber nur auf einen kleinen Teil der Lokalisierung zu; die Übersetzung ist insgesamt durchaus gelungen, und auch mit Dubtitles kann man sich den Film wunderbar ansehen.

Das remasterte Bild ist, wie für Ghibli-Filme üblich, sehr aufwendig restauriert worden, weshalb das Material auch in Full-HD-Auflösung fantastisch aussieht. Dank des Aufwands, der damals in die Produktion gesteckt wurde, ist Only Yesterday – anders als die meisten anderen Animes aus dieser Zeit – auch optisch gut gealtert.

Neben den üblichen Originaltrailern, Trailern zu anderen Ghibli-Filmen und den Storyboards zum Film glänzt das Bonusmaterial besonders durch das 47-minütige Making-of, das sehr, sehr viele spannende und aufschlussreiche Hintergrundinformationen liefert. Nicht nur zur Produktion von Only Yesterday selbst, zu der es viel originales Filmmaterial gibt, sondern auch zu den älteren Werken Miyazakis und Takahatas, darunter Prä-Ghibli-Werke, zu denen man sonst nur wenig Material findet. Dem Film liegen außerdem wie üblich Postkarten mit Ghibli-Motiven bei.

Fazit

Only Yesterday ist ein äußerst persönliches Doppelportrait: das eines Mädchens aus dem Jahr 1966, und das einer jungen Frau aus dem Jahr 1982, meisterhaft umgesetzt durch die feinfühlige Regie Isao Takahatas, der es wie kein anderer versteht, das Magische am Alltagsleben bedeutungsvoll hervorzuheben. Only Yesterday ist der wohl unterschätzteste Ghibli-Film, und einer der aufmerksamsten und besten Alltagsfilme überhaupt. Mit der Blu-ray-Version liegt uns die beste Fassung vor, die wir hierzulande jemals bekommen werden. Für Only Yesterday gibt es also eine klare Kaufempfehlung von uns.

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Um eine kleine Story-Einführung zu liefern, ist es leider unabdingbar, einige Dinge aus der Serie vorwegzunehmen. Alle, die nicht mit dem Plottwist von Madoka Magica vertraut sind, sollten diesen Teil nun überspringen.

In Madoka Magica geht es zunächst um das Schulmädchen Madoka Kaname, die durch eine schicksalhafte Begegnung zu einem Magical Girl wird. Im Laufe der Serie trifft sie auf Freunde, die den gleichen Aktivitäten nachgehen wie sie. Die Rede ist davon, sogenannte Hexen zu verbannen, um das Gleichgewicht zwischen Gut und Böse aufrechtzuerhalten. Ein typischer Magical-Girl-Anime zunächst, doch zum Ende hin wartet ein Twist, der sich gewaschen hat. Die Mädchen werden selbst zu den Hexen, die sie bekämpfen sollten. Die vorher für eine Gegnerin gehaltene Homura Akemi offenbart ihre verzweifelte Reise durch die Zeit, um die Welt und ihre Freundin Madoka vor den Konsequenzen zu beschützen. Zum Ende hin scheint diese Reise ein Ende zu finden und Madoka schafft es, mit ihrem Wunsch eine neue Weltordnung zu erschaffen.

Hier endet die Serie mit einem klaren Signal gen Hoffnung. Die Welt scheint gerettet, aber der Kampf der Magical Girls muss weitergehen.

Madoka Magica: Rebellion knüpft nun nach dem Ende der Serie an. Homura findet sich in Mitakihara wieder und auch ihre ehemaligen Mitstreiterinnen sind immer noch auf der Jagd nach Dämonen. Eigentlich sollte sich niemand an die Vergangenheit erinnern, doch nach und nach wird Homura bewusst, dass etwas nicht stimmt in dieser Welt. Sie beschließt, den Dingen nachzugehen und gerät zwischen die Fronten. Was im letzten Drittel des Films passiert, zielt stark auf Spekulationen und den Verstand des Zuschauers ab, denn vieles wird nur wenig klar übermittelt. Ähnlich wie die Serie nimmt Madoka Magica: Rebellion eine scharfe 180-Grad-Wendung und wird gleichermaßen überraschen, verstören und wohl auch zum Nachdenken anregen.

Was zum Schluss bleibt, ist ein Schlussstrich, welcher die Meinungen der Fans wohl spalten wird. Im Prinzip passt es aber wunderbar in das Konzept der Serie und wirft definitiv Fragen auf.

Madoka Magica: Rebellion führt den einzigartigen Stil der Serie fort. Es passiert ständig etwas auf dem Bildschirm und ein großer Teil der Details fließt in die Hintergründe und Umgebungen. Diese sind voll mit Symbolik und Anspielungen auf verschiedene Märchen und Geschichten, wie zum Beispiel „Der Nussknacker und der Mäusekönig“, verstecken sich gerade in den sehr atmosphärischen Hintergründen und Design-Entscheidungen. Die Charaktere selbst weisen den aus der Serie bekannten Bleistift-Stil auf, der so fast schon einzigartig ist. Animationen und Effekte übertreffen teilweise die Serie, auch wenn man sich im Großen und Ganzen treu geblieben ist.

Die deutsche Synchronisation macht einen guten Job, jedoch kann man sich auch für die Originaltonspur entscheiden, die diese in puncto Feeling noch einmal übertrifft. Am Ende entscheidet der persönliche Geschmack, wie man der komplexen Story bis zum Ende folgen möchte.

Ob nun DVD oder Blu-ray, beide Versionen kommen mit Trailern sowie dem Opening und Ending ohne störende Texte daher. Der Special Edition liegen noch ein 44-seitiges Film- und Artworkbooklet und eine O-Card bei.

Madoka Magica: Rebellion führt die Geschichte um die tragischen Magical Girls gekonnt weiter und weiß mit den typischen Designs und einer starken Atmosphäre zu überzeugen. Die Story wird, ähnlich zur Serie, noch einmal gehörig einbläuen, dass nichts so ist, wie es scheint. Auch wenn das Ende ein wenig Schatten auf jenes der Serie werfen wird, so passt es sich wohl im Ganzen ganz gut in das Konzept hinein. Fans der Serie können auf jeden Fall einen Blick riskieren, Neulinge sollten sich erst einmal mit dem Anime befassen, bevor man überhaupt versucht, diesen Film genießen zu wollen.

Madoka Magica: Rebellion erschien am 8. Januar 2016 und wird von Universum Anime in Deutschland vertrieben.

Eckdaten

Label     Universum ANIME
FSK      Ab 12 Jahren freigegeben
Laufzeit      ca. 112 Min. (Blu-ray: ca. 116 Min.)
Bildformat      1,78:1 (16:9 anamorph) (Blu-ray: 1080p/24)
Tonformat      DD 5.1 (Blu-ray: DTS-HD 5.1)
Sprachen      Deutsch, Japanisch
Untertitel      Deutsch
Extras      Booklet (44 Seiten), Textless Ending, Textless Opening, Trailer Deutsch, Trailer Japanisch
Verpackung      Amaray, O-Card
Anzahl Discs      1

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Publisher Universum Anime veröffentlichte in Zusammenarbeit mit Moviepilots.de einen deutschen Trailer zum Film, welcher am 21. August auf DVD, Blu-ray und als Video on Demand auf den deutschen Markt kommen wird. Zusätzlich erscheint eine Limited Collector’s Edition, die DVD und Blu-ray sowie ein Booklet und ein Postkartenset enthält.

Verantwortlich für die Synchronisation ist das in Berlin ansässige Studio EuroSync GmbH und es konnten zum Großteil alle ehemaligen deutschen Sprecher wieder mit an Bord geholt werden. So werden zum Beispiel Tommy Morgenstern als Son-Goku, Oliver Siebeck als Vegeta und David Nathan als Piccolo zu hören sein.

Darum geht es in Dragon Ball Z: Kampf der Götter:

Mehrere Jahre sind vergangen, seitdem Son-Goku nicht nur die Erde, sondern auch das ganze Universum vor dem Bösewicht Boo rettete. Doch trotz des momentanen Friedens kehrt schon bald das Böse wieder zurück…

Nachdem unsere tapferen Z-Krieger die wohl größte Bedrohung der Erde, den Dämon Boo, vernichten konnten, wartet schon eine neue Herausforderung auf Son-Goku und seine Freunde, denn Beerus, der Gott der Zerstörung, erwacht nach einem langen Schlaf. Als er erfährt, dass ein Saiyajin-Krieger Freezer ausschaltete, macht er sich auf den Weg, diesen Kämpfer persönlich zur Rechenschaft zu ziehen und das gesamte Universum unter seine Kontrolle zu bringen.

Beim ersten Aufeinandertreffen freut sich Son-Goku über einen so starken Gegner. Doch durch die fast unendlich große Kraft Beerus‘ muss Son-Goku eine Niederlage einstecken – Wird es den Z-Kriegern erneut gelingen, das Universum und ihren Planeten zu beschützen?

via Universum Anime

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Terror in Tokio (jp.: Zankyou no Terror) ist das neuste Werk von Regisseur Shinichirou Watanabe, bekannt für Geniestreiche wie Cowboy Bebop und Samurai Champloo, das letztes Jahr im japanischen Fernsehen ausgestrahlt wurde. Nun ist die erste Hälfte der Serie dank Universum Anime auch in Deutschland verfügbar, und die zweite Hälfte wird ebenfalls nicht lange auf sich warten lassen – am 10. Juli wird sie bereits  erscheinen.

Die Serie dreht sich, wie der Name bereits andeutet, um eine Gruppe von Terroristen in Tokio, die mit mysteriösen Botschaften ihre Anschläge ankündigen. Die Handlung folgt einerseits den beiden Jugendlichen Nine und Twelve, die hinter dieser Aktion stecken, und andererseits dem Detektiv Shibazaki, der den Fall aufklären will. Schnell wird klar, dass der Schlüssel zur Lösung des Rätsels in der Vergangenheit der Terroristen liegt – doch es gestaltet sich für Shibazaki als äußerst schwierig, mehr darüber in Erfahrung zu bringen.

Die beiden Terroristen-Protagonisten haben gegensätzliche Persönlichkeiten: „Ein Lächeln, so strahlend wie die Sonne an einem heißen Sommertag, und ein Mann mit Augen wie aus Eis“, beschreibt ein Mädchen namens Lisa die beiden passend. Auch Lisa hat mit Problemen zu kämpfen:  Mobbende Mitschüler sowie Probleme mit ihrer Mutter bringen sie schließlich dazu, von zuhause Reißaus zu nehmen und sich den beiden Jungen anzuschließen. Doch eine Frage stellt sich allen: Welches Ziel verfolgen Nine und Twelve mit ihren Anschlägen?

Terror in Tokio bewegt sich fernab dessen, was heute Anime-Standard ist. Ernsthafte Geschichten in einem realistischen Setting sind ohnehin schon selten. Diese Serie hat aber zudem das Glück, von hervorragenden Künstlern und mit einem guten Budget umgesetzt worden zu sein. Um die sehr hochwertige Animation kümmerte sich das noch junge Studio MAPPA, das bereits Watanabes letztes Werk Sakamichi no Apollon -Kids on the Slope- umsetzte.

Ein ganz großes Lob gilt dem Soundtrack von Yoko Kanno. Dieser wurde, wie Kanno erklärte, schon zwei Jahre vor dem Start der Anime-Serie fertiggestellt. In diesem Fall gilt also: Die Musik entstand auf Grundlage der Konzepte, doch in Wirklichkeit richtet sich auch die Animation nach der Musik, nicht nur umgekehrt. Die Stücke selbst sind hochgradig individuell, wie es für Kannos Werke üblich ist, und wurden diesmal in Irland aufgenommen. Neben Liedern mit englischen Texten gibt es also auch irische, die teilweise sogar relevant für die Geschichte des Animes sind. Auffällig ist ohnehin die große Zahl an gesungenen Stücken, die sich erfreulicherweise alle nahtlos ins Geschehen einfügen.

Die Geschichte von Terror in Tokio ist nicht nur von der Idee her interessant, sondern auch sehr ansprechend präsentiert. Bild, Ton und Inhalt vermischen sich zu einem sehr ästhetischen Gesamtbild. So spannend die Grundidee allerdings auch ist, die Geschichte leidet unter zwei beträchtlichen Schwächen: Einerseits lenkt ein später auftauchender Charakter namens Five die Handlung in eine Richtung, die ihr absolut nicht gut tut, und andererseits bietet der Plot trotz vieler Höhepunkten und trotz des beeindruckenden Endes viele Logiklücken und die Charaktere handeln oft nicht ganz nachvollziehbar.

Das ändert jedoch nichts daran, dass Terror in Tokio ein sehr überdurchschnittlicher Anime ist, dem man zwar auf kritischer Ebene  durchaus einiges anlasten kann, der aber mindestens genauso viel wirklich richtig macht. Klar ist, dass die Serie, spätestens wenn am Ende der letzten Episode die Musik eingespielt wird, definitiv einen bleibenden Eindruck hinterlässt – etwas, das bei weitem nicht jeder Anime schafft.

Die deutsche Umsetzung

Von Universum Anime ist man schon immer gute bis hervorragende Lokalisierungen gewohnt, und Terror in Tokio stellt keine Ausnahme dar. Die Nuancen des Originaltitels, der englisch etwa als „Terror in Resonance“ übersetzt werden kann und deutlich darauf anspielt, dass die Terroranschläge als Echo auf die Gesellschaft geschehen, gehen im deutschen Titel leider verloren. Dies ist aber einer der wenigen Kritikpunkte an der ansonsten hervorragenden Umsetzung.

Ein sehr glückliches Händchen hatte Universum Anime mit der Wahl der Sprecher. So wurden mit Julius Jellinek als Nine und Dirk Petrick als Twelve Stimmen ausgewählt, die ausgezeichnet zu den Persönlichkeiten der beiden Charaktere passen. Auch die übrigen Hauptcharaktere wurden sehr gut besetzt: Lisa Mitsching (wie passend) bringt Lisas Unsicherheit ausgezeichnet zur Geltung, Thomas Schmuckert meistert als Shibazaki seine Detektivrolle überzeugend und Anja Stadlober als Five kann im Gegensatz zur japanischen Sprecherin sogar die englischen Textpassagen authentisch herüberbringen.

In jedem Fall handelt es sich hier um einen Anime, den man sich bedenkenlos auch auf Deutsch ansehen kann. Wer dennoch die Originalvertonung bevorzugt, kann zumindest auf ausgezeichnete Untertitel zurückgreifen, die durch ihre Farbgebung im für Universum Anime üblichen schwarz-weiß auch angenehm für die Augen sind. Auch die gelegentlichen englischen Dialoge sind deutsch untertitelt. Lieder werden nicht übersetzt, wichtige Schilder hingegen schon.

Qualitativ gibt es erhebliche visuelle Unterschiede zwischen DVD- und Blu-Ray-Fassung. Wer auf solche Feinheiten nicht viel Wert legt, kann bedenkenlos auch zur SD-Fassung greifen, doch jeder, der Blu-Rays abspielen kann, sollte die zusätzlichen zwei bis drei Euro investieren. Die DVD-Version ist auf einem HD-Fernseher nämlich des Öfteren von Problemen wie deutlich sichtbaren Kompressionsartefakten in dunklen Szenen oder unscharfen Konturen geplagt. Dies ist für Anime-DVDs nicht ungewöhnlich, fällt bei dieser Serie aber stärker ins Gewicht, weil sie visuell sehr viel hermacht. Über die Verpackung können wir leider nichts schreiben, denn für diese Rezension lag uns nur der Datenträger vor. Bemerkenswert ist aber in jedem Fall das ungewöhnliche, minimalistische Cover-Artwork.

Extras gibt es abgesehen vom textlosen Opening und Ending leider keine. Dafür ist allerdings der Preis mehr als fair: 28 Euro kostet die erste Hälfte der 11-teiligen Serie – ein so hervorragendes Preis-Leistungsverhältnis gibt es im Bereich neuer Serien nur bei Universum Anime.

Fazit: Terror in Tokio erzählt eine ausgesprochen spannende und für aktuelle Anime-Serien ungewöhnliche Geschichte, die zwar im späteren Verlauf von einigen inhaltlichen Schwächen geprägt ist, dafür aber durch viele Höhepunkte entschädigen kann. Mit ihrer realistischen Optik und der fantastischen musikalischen Untermalung hebt sich die Serien gelungen von anderen Animes ab.

Erfreulicherweise ist die deutsche Umsetzung beinahe makellos, und das hervorragende Preis-Leistungsverhältnis verdient großes Lob. Jeder Anime-Fan, dem die Serie interessant erscheint, sollte über einen Kauf nachdenken, um nicht nur die Serie selbst, sondern auch qualitative und preiswerte Veröffentlichungen von Universum Anime, die in letzter Zeit nur zögerlich an Serien arbeiten, zu unterstützen.

Allgemeine Daten:

• Laufzeit: 137 Minuten
• Datenträger: 1
• Episodenzahl: 6 (von insgesamt 11)
• Ton DVD: Japanisch (Dolby Digital 2.0), Deutsch (Dolby Digital 2.0)
• Ton Blu-Ray: Japanisch (DTS-HD 2.0), Deutsch (DTS-HD 2.0)
• Untertitel: Deutsch (weiße Schrift, schwarzer Rand)

Wer sich einen ersten Eindruck verschaffen will, dem empfehlen wir einen Blick auf den deutschen Trailer:

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Origin: Spirits of the Past (im Original: Giniro no Kami no Agito, also etwa: Agito mit den silbernen Haaren) ist ein Anime-Film aus dem Jahr 2006, der vom Hause Gonzo animiert wurde. Die Regie wurde von Keiichi Sugiyama geführt, dessen einziges Regiewerk dieser Film blieb. Nun veröffentlichte Universum Anime Origin erstmals auf Blu-Ray in Deutschland.

Die Geschichte vereint Elemente von Abenteuer, Steampunk, Fantasy und Science Fiction in sich und spielt in einer postapokalyptischen Welt, in der die Menschen vom Wald kontrolliert werden, der die Macht über die Wasserreserven hat. Schuld an dieser Veränderung tragen genetische Experimente in der Vergangenheit, die außer Kontrolle gerieten und die Pflanzen übermächtig werden ließen.

Der Protagonist Agito lebt in einer kleinen Stadt, die versucht, in Harmonie mit dem Wald zu leben. Auf einem seiner Abenteuer erweckt er versehentlich Toola, ein Mädchen aus der Vergangenheit, das in einer Art Kapsel in einen Tiefschlaf versetzt wurde. Während das Leben in der Stadt scheinbar friedlich zugeht, plant eine andere Nation, sich mit militärischer Gewalt gegen den Wald zu behaupten. In diesen Konflikt geraten auch Agito und Toola, die mit aller Kraft versuchen müssen, die Menschheit vor einem weiteren großen Fehler zu bewahren.

Die erste Hälfte des Films ist sehr von der mystischen Atmosphäre des Waldes und der postapokalyptischen Darstellung der Welt geprägt, in der die Menschen leben. Die Dramatik steht im Hintergrund, in diesem Teil überwiegt die Einführung und das Abenteuer.

Die zweite Hälfte hingegen wird stark von Action dominiert, die Geschichte wird dramatischer und es gibt mehrere Kampfszenen. Dieser Schnitt gelingt nicht ganz so gut, weil einige Entwicklungen recht überhastet wirken. Auch wenn die Handlung auf dem Papier rund wirken mag, gibt es in der Ausführung ein paar Schwächen. Beispielsweise nimmt der Antagonist an, dass es so problemlos möglich ist, durch Zerstörung der aktuellen Pflanzenwelt die Welt in ihren Urzustand zurückzusetzen. Dabei wäre es doch naheliegend, wenn die Pflanzen auf die gleiche Weise nachwachsen würden. Über die Kriegsnation erfährt man leider auch sehr wenig.

Der Film ist insgesamt sehr handlungsgetrieben. Die Charaktere bewegen sich daher eher in ihren Rollen und haben selbst nicht viel Persönlichkeit oder Entwicklung. Das ist im Rahmen des Films aber ausreichend. Mit 94 Minuten besitzt Origin eine angenehme Länge und wird in dieser Zeit auch niemals langweilig.

Was ohne jeden Zweifel überzeugt, sind die künstlerische Ausarbeitung des Settings und die wunderschöne Mythologie, die der Anime aufbaut. Die meisten Szenen werden von detaillierten, malerischen Hintergründen geziert und das Zusammenspiel von Mensch und Wald ist faszinierend, besonders dann, wenn die körperliche Verbindung von Menschen und Bäumen demonstriert wird. Die Hintergrundgeschichte der Welt ist schön ausgearbeitet. Die Bilder, die man besonders in der ersten Hälfte des Films vor sich sieht, laden sehr zum Träumen ein.

Nicht so überzeugend ist leider die CGI-Animation der Maschinen. Es gibt Szenen, in denen auch ordentliches CGI verwendet wird, aber die Kampfmaschinen heben sich zu sehr von der handgezeichneten Animation ab. Auch die Kampfszenen wirken nicht sonderlich mitreißend. Dem Film fehlt es nicht an Budget, aber bisweilen ist die Regie von Schwächen gezeichnet. Das Opening, das eher ein Musikvideo als alles andere ist, macht einen etwas übertriebenen Eindruck.

Musikalisch ist der Film sehr gelungen. KOKIA singt die beiden wunderschönen Lieder „Chouwa Oto: With Reflection“ und „Ai no Melody“ und auch der Soundtrack kann sich hören lassen. Ebenfalls überzeugend sind die japanischen Synchronsprecher, die in vielen Szenen durch sehr nuanciertes Sprechen sehr viel zur Stimmung beitragen.

Die deutsche Vertonung ist gut, jedoch nicht herausragend. Mit Ozan Ünal als Agito und Marie Bierstedt als Toola wurden im Anime-Bereich erfahrene, aber dennoch eher unverbrauchte Sprecher engagiert, die der Synchronfassung einen professionellen Eindruck verleihen, insgesamt aber etwas „normaler“ als ihre japanischen Pendante wirken. Zu loben ist auch das deutsche Skript, das abgesehen vom langweilig klingenden Begriff „verbessertes Wesen“ stets gut und natürlich klingt.

Im Vergleich zur DVD-Fassung bietet die Blu-Ray ein erheblich besseres Bild. Im Falle von Origin – Spirits of the Past kann man von einem rundum gelungenem Remaster sprechen – sowohl die Animation als auch die Hintergründe wirken sehr klar, weshalb ein Kauf sich auch für Fans des Films, die bereits die DVD-Fassung besitzen, lohnen kann.

Auch das Bonusmaterial kann sich sehen lassen. Auf der Disc befinden sich:

• Der Wunsch nach einem außergewöhnlichen Look (16 Minuten)
• Harmonie von Bild und Ton (8 Minuten)
• Premiere in Japan und dann – nach Asien (11 Minuten)
• Interview mit den japanischen Synchronsprechern (7 Minuten)
• Interview mit Produzent Kajita Koji und Regisseur Sugiyama (8 Minuten)
• Original japanische Kino-Trailer (4 Minuten)
• Original japanische TV-Spots
• Universum Anime Trailer-Show

Die ersten drei Videos lassen sich gut als „Making of“ zusammenfassen. In diesen Videos bekommt man zahlreiche Einblicke in die Produktion aus der Sicht vieler Mitwirkender. Auch die beiden Interviews sind durchaus sehenswert, wenn man Interesse an einem Blick hinter die Kulissen hat. Die Menge an Bonusmaterial ist auf jeden Fall vorbildlich, und dazu ist das Material noch sehr gelungen.

Allgemeine Daten:

• Laufzeit: ca. 94 Minuten
• Bildseitenformat: 16:9 – 1.77:1
• Bildauflösung: 1920 x 1080 Pixel
• Ton: Japanisch (DTS-HD 5.1), Deutsch (DTS-HD 5.1)
• Untertitel: Deutsch (weiße Schrift, schwarzer Rand)

Fazit: Origin – Spirits of the Past ist ein Film mit einem außerordentlich interessanten Konzept. Bei der Umsetzung finden sich leider in der zweiten Hälfte einige Schwächen, aber allein wegen des wunderschönen und grafisch fantastisch repräsentierten Settings lohnt es sich, den Film zumindest einmal zu sehen. Hinzu kommt, dass die Veröffentlichung in puncto Remaster, deutscher Lokalisierung und Bonusmaterial wirklich sehr gelungen ist.

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