Titel	Death Stranding 2: On the Beach
	19. März 2026
	PlayStation Publishing LLC
	19. März 2026
	PlayStation Publishing LLC
	19. März 2026
	PlayStation Publishing LLC
System	PlayStation 5, PC
Getestet für	PC (Steam)
Entwickler	Kojima Productions, Nixxes
Genres	Action-Adventure
Texte
Vertonung

Ich muss gestehen, dass Death Stranding nicht mein Spiel war. Womöglich hatte ich nach dem wirklich starken und durchdachten Gameplay des letzten Metal Gear Solid unter der Führung von Hideo Kojima einfach etwas anderes erwartet. Die meditative Reise über menschliche Verbindung hatte durchaus ihre Höhen, aber auch viel zu lange Talfahrten.

Meine Erwartungen für das Sequel waren also nicht sehr hoch. Da dieser Teil nun, wie nicht anders zu erwarten war, ebenfalls auf der beliebtesten Plattform der Welt erscheint, gibt es keinen besseren Zeitpunkt für mich, herauszufinden, ob Kojima seine Formel konsequent weiterentwickelt hat. Und natürlich, ob das Team von Kojima Productions das nötige Know-how besitzt, um dem Spiel eine ordentliche Optimierung auf PCs zu spendieren. Dank des Review-Musters von PlayStation gibt es nun die Antworten darauf.

Not so dead

Ähnlich wie der Vorgänger beginnt auch Death Stranding 2 mit einer Wanderung, untermalt von Kojimas persönlicher Spotify-Playlist. Das ist ein effektiver Anfang, um sowohl Ton als auch Stil der Geschichte und des Gameplays einzuführen.

Doch lange hält die Idylle nicht an. Nachdem der erste Teil genutzt wurde, um die Beziehung zwischen Sam Porter Bridges und seinem BB Lou aufzubauen und zu vertiefen, wird eben diese Verbindung zu Beginn zerrissen. Das ist einer der emotionalen Höhepunkte, von dem sich Spieler und Sam erholen müssen. Und ähnlich wie in der echten Welt geht das nicht ohne Verdrängung, Depression und den Sturz in die Arbeit.

Zusammen mit alten und neuen Freunden (von Kojima) zieht es Sam nach Mexiko und Australien. Dort muss er wieder wichtige Knotenpunkte mit dem chiralen Netzwerk verbinden. Dabei werden ihm jedoch mehrmals Steine in den Weg gelegt. Wer ist der Geldgeber dieser Mission? Wieso kann man sich von Mexiko nach Australien teleportieren? Was ist das Nirvana?

Erneut ist das Thema Verbindungen. Aber dieses Mal geht es mehr darum, welche Konsequenzen diese haben und wie sie einem mehr schaden als helfen können.

Evolution

Es handelt sich also tatsächlich um eine konsequente Entwicklung der Erzählung aus dem ersten Teil. Thematisch bleibt der Kern erhalten, aber die Sichtweise ändert sich. Sehr clever. Das führt trotz des üblichen Kojima-Nonsens zu einer runderen Geschichte mit besserem Pacing und am Ende zu einem epischen Finale, das alleine die Reise schon wert ist.

Getragen wird diese emotionale Reise von den starken Performances der Schauspieler. Allen voran Troy Baker, der als Higgs absolut jedem die Show stiehlt und mit seinem puren Charisma alle seine Szenen dominiert. Jedes Mal, wenn dieser Charakter auf dem Bildschirm erscheint, wird jede langgezogene Talfahrt sofort vergessen. Was für eine starke Performance. Auch dafür allein lohnt sich das Spiel. Obwohl die anderen Charaktere hier teils weit abfallen, sind sie dennoch interessanter als beim Vorgänger, obwohl Cliff Unger sehnlichst vermisst wird.

Leider versteht der gute Kojima-san weiterhin nicht, wie sich normale Menschen unterhalten. Anstatt normale Konversationen zu führen, ergießt sich praktisch nur schwallartige Exposition aus dem Mund der Charaktere. Je besser die Technik und somit die Optik wird, desto negativer fällt das auf. Auch die typischen Logik-Lücken sind natürlich mit von der Partie. Hier wird Logik gegen Coolness eingetauscht, aber anderes hätte man vom Schöpfer von Metal Gear Solid nicht erwartet.

Wer sich also durch die Exposition und das mal wieder sehr passive Gameplay kämpfen kann, wird dafür mit einer interessanten und verrückten Geschichte belohnt, die eine sinnvolle Entwicklung zum Original darstellt.

Alphabet

Warum bin ich länger als nötig auf der Geschichte herumgeritten? Weil sich zum Vorgänger in Sachen Gameplay nicht allzu viel getan hat. Den Großteil der Zeit wird man weiterhin damit verbringen, von A nach B zu kommen und dabei sein Gepäck zu managen.

Wer diesem System beim Vorgänger gar nichts abgewinnen konnte, der wird hier nicht glücklich werden. Diejenigen, die sich zumindest etwas mehr Abwechslung erhofft hatten, werden jedoch belohnt. Es gibt mehr und dynamischere Auseinandersetzungen mit den verschiedensten Feinden sowie abwechslungsreichere Methoden der Fortbewegung und vielfältigere Nebenmissionen. Hier also auch mehr Entwicklung statt Revolution.

Selbiges gilt für die Optik, die beim ersten Teil schon begeistern konnte. Was Kojima Productions mit der Decima-Engine aus dem Hause Guerrilla Games auf den Bildschirm zaubert, ist wahrlich brachial. Sowohl Charaktere als auch Umgebungen kommen immer näher an die Realität heran und das sorgt für wesentlich mehr Emotionen und Gänsehaut während der Zwischensequenzen und des Gameplays. Selten war eine triste Einöde so schön wie bei Death Stranding 2. Und jetzt, auf dem PC, wird noch einmal eine Schippe draufgelegt.

Ultra

Mit den gängigsten Methoden der Frame-Generation ist ein unglaublich flüssiges Spielerlebnis bei einer Auflösung von 4K möglich. Zudem gibt es Super-Ultrawide-Support. Diese technischen Details richten sich natürlich an Spieler mit einem entsprechenden Setup von starkem Rechner und gigantischem Bildschirm. Teuer, aber mehr Immersion geht nicht. Besonders mit einem entsprechenden Monitor wird klar, dass so schöne Umgebungen vielleicht noch nie auf den Bildschirm gezaubert wurden. Dabei hilft auch die Tatsache, dass man auch auf PCs nicht auf die vielen Funktionen des DualSense verzichten muss. Immersion pur.

Und halleluja: Die zweifelsohne talentierten Entwickler von Kojima Productions und Nixxes haben ein extra Preset für tragbare PCs wie Steam Deck programmiert. Was sagt uns das? Hier hat sich jemand extra die Mühe gemacht, für schwache PCs eine ordentliche Performance zu garantieren. Diesen Schritt gehen nicht mehr so viele Entwickler, vor allem nicht, wenn sie aus dem fernen Osten kommen. Viel mehr kann man von einem „einfachen“ PC-Port nicht erwarten.

Doch leider sind nicht alle tragbaren PCs gleich. Das Steam Deck muss zum Beispiel selbst bei der passenden Einstellung viel zu hart mit dem Spiel kämpfen und ohne Frame-Generation kratzt es allenfalls an den 30 FPS. So kann ich das Sequel leider nicht auf Valves Handheld empfehlen. Death Stranding 2 lebt von seiner Optik und das kann der kleine Rechner eben nicht leisten.

Entwicklung statt Revolution

Bildmaterial: Death Stranding 2: On the Beach, Sony Interactive Entertainment, Kojima Productions

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Titel	Darwin’s Paradox
	02. April 2026
	Konami
	02. April 2026
	Konami
	02. April 2026
	Konami
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC, Nintendo Switch 2
Getestet für	PC (Steam)
Entwickler	ZDT Studio
Genres	Puzzle-Plattformer
Texte
Vertonung

Die letzte State of Play im Februar dieses Jahres war schon beeindruckend. Mehrere neue Ankündigungen und das ausgerechnet von Konami. Nicht viele haben mit so einem Comeback gerechnet. Inmitten von Metal Gear Solid und neuen JRPGs hat auch ein kleiner Oktopus seine Trailer-Premiere gefeiert.

Darwin’s Paradox ist das erste Spiel von ZDT Studio. Einem Pariser Studio, das von ehemaligen Branchenveteranen gegründet wurde. Eine Aussage, die aus offensichtlichen Gründen für Aufsehen sorgt. Nun konnten wir den Puzzle-Plattformer genauer unter die Lupe nehmen und entscheiden, ob Oktopoden sich als Helden eignen.

Ebbe

Nicht viele Puzzle-Plattformer glänzen mit ihrer tiefen Erzählung und genau hier reiht sich Darwin’s Paradox eindeutig ein. Die Geschichte ist zeitgleich simpel und abstrakt, da der Held eben ein Oktopus ist und nicht ordentlich kommunizieren kann. Kurz gesagt: Aliens wollen die Erde mittels grünem Gehirnwäsche-Schleim erobern und entführen dabei den Partner unseres achtarmigen Protagonisten. Um diesen zu befreien, muss der kleine Oktopus tief in das Herz der humoristischen Invasion eintauchen und dabei alle möglichen terrestrischen und extraterrestrischen Hindernisse umgehen.

Dank der tollen Animationen der humorvollen Invasion und der Dialog-freien Erzählung trifft der ein oder andere Lacher mitten ins Schwarze, aber die Geschichte an sich wird von den vielen geskripteten Sequenzen in den Hintergrund gerückt. Von einer Verpackungsfabrik über düstere Labore bis hin zu einem Karatezentrum zum Training der außerirdischen Roboter – hier wird die wahre Geschichte erzählt.

Leider dauert das Ganze dabei keine fünf Stunden. Der ominöse Soundtrack passt zwar gut, ist aber generisch und absolut unmemorabel. So bleibt hier nur die Optik als einzige große Stärke. Das gilt sowohl für das Art-Design, das teilweise an große Studio-Produktionen erinnert, als auch für die grafische Qualität an sich, die das mal mehr und mal weniger maritime Thema mittels Unreal Engine 5 schön umsetzt.

Oktopussy

Spielerisch überzeugt das Oktopus-Abenteuer nur teilweise. Auf einer strengen 2D-Ebene kann der Oktopus zwar an jeder Oberfläche haften, was viele Möglichkeiten eröffnet, aber die kleinen Areale nutzen dieses Potenzial nicht voll aus.

Hinzu kommt eine Tarnfunktion, die auf Knopfdruck angewandt werden kann, sowie die Möglichkeit, Tinte zu verspritzen, um sich darin zu verstecken. Das passt zum Stealth-Kern des Gameplays, ist für das kurze Spiel jedoch zu wenig und nur in bestimmten Situationen einsetzbar.

Weder die Rätsel noch die Stealth-Einlagen sind besonders komplex und am Ende ist es eher die unpräzise und teils träge Steuerung, die für die meisten Neustarts und Frustrationen verantwortlich ist. Letzteres kommt dabei für ein Spiel dieser Länge viel zu häufig vor. Trial-and-Error gehört bei Plattformern zwar dazu, hilft aber hier nicht.

Lieber das Steak

Die klassischen Bosskämpfe, sofern man sie so nennen kann, sind nur kleine Fluchteinlagen, die man in so vielen anderen Puzzle-Plattformern schon viel besser gesehen hat. Generell fasst das Darwin’s Paradox ganz gut zusammen. Praktisch jedes Element hat man im übersättigten Genre schon mal genauso oder besser gesehen. Ob Limbo, Ori oder eine der vielen anderen Genre-Koryphäen, Darwin’s Paradox kommt an diese nicht einmal annähernd heran. Sehr schade.

Trotz der überschaubaren Dauer bietet das Spiel kaum Wiederspielwert. Es gibt nur 20 lustige Werbungen/Zeitungs-Ausschnitte zu finden, die sonst nichts Intrinsisches bieten und an offensichtlichen Orten versteckt sind. Ansonsten bleibt es, was Erkundung angeht, eher mau.

Technisch gibt es nicht viel zu bemängeln. Selbst ein schwacher PC wird mit dem Spiel keine Probleme haben, aber eben auf niedrigen/mittleren Grafikeinstellungen und nur in 30 FPS. Für die beste Optik und stabile 60 FPS braucht es schon einen sehr starken Rechner, was wohl kaum für die Optimierung dieses kleinen Plattformers spricht. Dennoch bin ich immer froh darüber, wenn ein neues Spiel auch auf dem Steam Deck stabil läuft, auch wenn es optisch deutliche Einbußen gibt.

Weniger saugstark

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Titel	Tales of Berseria Remastered
	27. Februar 2026
	Bandai Namco Entertainment Inc.
	27. Februar 2026
	Bandai Namco Entertainment Inc.
	27. Februar 2026
	Bandai Namco Entertainment Inc.
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC, Switch
Getestet für	PC (Steam)
Entwickler	D.A.G Inc.
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Als ich vor einigen Monaten das Remaster zu Tales of Xillia testen durfte, hätte ich nun wirklich nicht damit gerechnet, wer der nächste Kandidat für eine Neuauflage werden würde.

Anstatt des weiterhin auf der PlayStation 3 gefangenen Sequels erfreut sich Tales of Berseria aus dem Jahr 2017 einer Modernisierung. Obwohl das Spiel bereits auf PlayStation 4/5 und sogar PCs verfügbar ist, sind es natürlich die Neuerungen und vor allem die vielen Quality-of-Life-Updates, die das Remaster dennoch interessant machen.

Ob sich Tales of Berseria in die Riege gelungener Remaster von Bandai Namco Entertainment einreiht, erfahrt ihr hier. Eine große Überraschung erwartet euch allerdings nicht. Viel spannender ist jedoch die Frage, ob sich das Update für 39,99 Euro lohnt, wo das nicht allzu alte Original wesentlich günstiger und weit verbreiteter ist.

Vogue

Im Zentrum von Tales of Berseria steht die junge Dame, die das Cover schmückt: Velvet Crowe. Vom etwas fragwürdigen Namen und der noch fragwürdigeren Garderobe einmal abgesehen, handelt es sich hier nicht um eine typische JRPG-Heldin. Das Verlangen nach Rache für ihren ermordeten Bruder und ihre langjährige Freiheitsberaubung treibt sie und damit auch die gesamte Geschichte an.

Wie bei vielen anderen JRPGs, besonders bei Ablegern der Tales-of-Reihe, geht es um Spiritualität, negative Emotionen, verlorene Seelen und eine gute Portion Kitsch. Letzteres ist bei diesem Teil jedoch deutlich weniger prominent, was der eher düsteren Geschichte geschuldet ist. Damit reiht sich Tales of Berseria in die obere Riege seiner Namensvettern ein. Genre-Fans, die dieses Spiel noch nicht kennen, sollten sich dennoch schnell heimisch fühlen.

Um die wortwörtlich verfluchte Antiheldin gesellt sich ein illustrer Cast an Charakteren, der tatsächlich interessanter ist als in vielen anderen Tales-of-Spielen. Während diese anfangs noch blass erscheinen, erhält jeder eine eigene Hintergrundgeschichte, die sich im Lauf des Spiels immer weiter entfaltet. Hinzu kommt, dass die konträren Persönlichkeiten gut miteinander harmonieren, zweifellos eine der größten Stärken von Tales of Berseria.

Es mangelt

Die Geschichte ist unterhaltsam, wagt sich in düsteres Terrain und hält dadurch bis zum Ende bei Laune. Leider werden diese dunklen Themen nicht konsequent zu Ende gedacht und es endet, wie in so vielen anderen JRPGs, damit, dass eine Gruppe Jugendlicher gegen ein gottgleiches Wesen kämpft, um die Welt zu retten. Warum japanische Szenario-Schreiber auf diesem abgenutzten Finale beharren, werde ich wohl nie verstehen.

Erzählt wird die Geschichte, wie in allen anderen Teilen, in vollständig animierten Sequenzen, dieses Mal von Ufotable, mit Ingame-Engine und den bekannten Skits. Alles also beim Alten. Das ist auch der Grund, warum es an einer natürlichen, dynamischen Inszenierung mangelt. Selbst die neuesten Tales-of-Spiele hadern damit. Wieso JRPGs aus der ersten Dekade des Jahrtausends teilweise so viel besser inszenierte Zwischensequenzen hatten als moderne Rollenspiele, bleibt wohl ebenfalls ein Rätsel.

Was Tales of Berseria diesen Spielen jedoch voraushat, ist eine sehr gute englische und – wie immer – fantastische japanische Synchronisation. Die Sprecher, allen voran Christina Valenzuela als Velvet, geben wirklich alles, um die ganze Bandbreite an Emotionen beim Spieler auszulösen. Sehr stark. Punktabzüge gibt es wie immer für die Anime-typisch schwachen Dialoge, ein weiteres Feld, in dem sich japanische Szenario-Schreiber dringend weiterbilden sollten.

(Un)angetastet

Motoi Sakuraba! Eigentlich müsste ich zum Soundtrack gar nichts mehr sagen. Dieser Name steht mittlerweile leider für austauschbares Hintergrundgedudel ohne Herz, Seele oder hörbares Engagement. Ich gebe zu, das Thema von Velvet überzeugt, aber alle anderen Stücke heben sich in keiner Weise von den unzähligen schwachen OSTs dieses einst so inspirierten Komponisten ab. Schade.

Nun aber weg von den unangetasteten Arealen, hin zu den überarbeiteten Elementen des Remasters. Dank der Cel-Shading-Optik ist das Original erstaunlich gut gealtert und viel ändert die Neuauflage daran nicht. Abgesehen von einer verbesserten Auflösung, in diesem Fall 4K, bleibt alles beim Alten. Selbst das Original bot auf PlayStation 4 und PCs bereits 60 FPS. Hier lohnt sich das preislich hoch angesetzte Upgrade also kaum. Zumal man optisch immer noch sieht, dass die Wurzeln in der siebten Konsolengeneration liegen: Unansehnliche Texturen und eintönige Dungeon-Designs sind nämlich weiterhin präsent.

Als optischen Leckerbissen gibt es jedoch alle DLC-Kostüme des Originals (mit Ausnahme der lizenzierten Outfits). Bei den Quality-of-Life-Updates wird hingegen fast alles geboten, was man erwarten kann: Autosave, frühere Schnellreisen, Zielmarkierung, direktes Aufheben von Items sowie eine erhöhte Bewegungsgeschwindigkeit. Diese Verbesserungen machen das Spielerlebnis spürbar angenehmer. Hinzu kommt, wie schon beim letzten Remaster, die frühere Freischaltung des Grade-Shops, mit dem man das Spiel optimal an den eigenen Stil anpassen kann.

Offensive vs. Defensive

Das Kampfsystem ging bei Tales of Berseria bereits in eine moderne Richtung. Dank der freien Bewegung, schnellerem Blocken, Ausweichen und Kontern wirkt es deutlich dynamischer als noch bei Tales of Xillia. Mit den Aktionstasten lassen sich zahlreiche Kombinationen erstellen, die fließend ineinander übergehen. Zudem spielen sich die per Knopfdruck wechselbaren Charaktere spürbar unterschiedlich.

Im Zentrum steht das altbekannte Dilemma: Offensive vs. Defensive. Dieses wird über das Seelen-System ausbalanciert. Je mehr Seelen man durch das Besiegen von Feinden und bestimmte Aktionen erhält, desto stärker wird die Offensive und desto einfacher bricht man gegnerische Verteidigungen. Umgekehrt werden eigene Angriffe bei wenigen Seelen leichter geblockt oder umgangen. Besonders starke Angriffe und eine schlechte Verteidigung sorgen für den Verlust von Seelen, also ist Obacht geboten.

Das System funktioniert gut und macht Spaß, ist aber durch viele Elemente etwas überladen. Noch nach Stunden tauchen teils wenig hilfreiche Tutorials zu Kampfaktionen auf. Hat man sich jedoch eingearbeitet, entfaltet sich der Spielspaß deutlich, bis zu dem Punkt, an dem man so vertraut mit dem System ist, dass jeder Kampf schnell erledigt ist.

Balancieren auf Deck

Wie so oft bei komplexen Systemen wird das Balancing dabei zum Problem: Mit Velvet kann man am Ende fast alles im Alleingang besiegen. Trotzdem macht es Spaß, neue Skills über Ausrüstung zu erlernen und mit allen Charakteren zu experimentieren.

Neben dem leicht eingeschränkten Erkunden und den Kämpfen gibt es eine Handvoll weniger spannender Nebenquests sowie ein Piratenschiff, das weniger Freiheiten bietet, als man zunächst vermuten würde. Es lässt sich etwa passiv auf Reisen schicken, um nützliche Items zu erhalten.

Technisch läuft das Spiel sauber und auch das Steam Deck hatte keinerlei Probleme, die 60 FPS zu halten – immer ein Pluspunkt, besonders bei Titeln, die ich zuvor schon auf Konsolen gespielt habe.

Next one

Bildmaterial: Tales of Berseria Remastered, Bandai Namco, D.A.G Inc.

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Titel	Code Vein II
	30. Januar 2026
	Bandai Namco Entertainment Inc.
	30. Januar 2026
	Bandai Namco Entertainment Inc.
	30. Januar 2026
	Bandai Namco Entertainment Inc.
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PC (Steam)
Entwickler	Bandai Namco Studios Inc.
Genres	Soulslike
Texte
Vertonung

Nach unserem ausführlichen Test zur PS5-Version von Code Vein II haben wir ein PC-Testmuster für das Anime-Soulslike erhalten. Das erlaubt es uns, das Spiel auch auf einer stärkeren Plattform auf Herz und Nieren zu prüfen. Hat auch die PC-Version mit den teils gravierenden technischen Schwierigkeiten zu kämpfen?

Um die Spannung ein wenig vorwegzunehmen: Code Vein II läuft auf einem starken Rechner tatsächlich merklich besser als im Performance-Modus der Basis-PlayStation 5. Das sollte keine große Überraschung sein. Aber auch auf dem PC ist das Spiel kein Musterbeispiel für eine gute Optimierung.

Test lesen

Wer eine Zusammenfassung von Story und Gameplay will, den verweisen wir auf unseren vorangegangenen Test. Hier soll es hauptsächlich um die PC-Performance gehen. Es soll nur so viel gesagt sein: Code Vein II hat viele Aspekte des Vorgängers zugunsten einer weniger überzeugenden offenen Welt geopfert.

Das Kampfsystem und der außergewöhnlich gigantische Charaktereditor gehören zum Glück jedoch nicht dazu. Das ausgearbeitete Kampfsystem funktioniert sehr gut und macht nach einigen schweren Stunden der Eingewöhnung richtig Spaß. Hier gibt es viel aufzuleveln und zu optimieren. Außerdem ist es angenehm, in einem knallharten Soulslike einmal schnell übermächtig zu sein. Dennoch kann das Spiel mit seiner gehaltarmen und optisch weniger stimulierenden offenen Welt mit vielen Genre-Kollegen nicht mithalten. Sehr schade.

Auf dem PC bietet Code Vein II natürlich weitaus mehr Anpassungsmöglichkeiten als auf den Konsolen. Hier kann die Grafik nach Belieben angepasst werden.

Alles dabei

Von allen relevanten Post-Processing-Optionen über die üblichen Qualitätsregler bis hin zu den wichtigen Upscalern (FSR, DLSS, TSR) ist alles dabei, was man braucht, um das Spiel dem jeweiligen PC oder Laptop anzupassen. Dazu gibt es Ultra-Wide-Support für diejenigen, mit entsprechenden Bildschirmen und die Option die Bildrate über 60 FPS zu treiben.

Doch selbst auf den niedrigsten Grafikeinstellungen läuft Code Vein II noch nicht rund. Immer wieder bricht die Bildrate trotz wirklich heruntergeschraubter Optik ein und Mikroruckler stehen weiterhin an der Tagesordnung. Auch die Pop-ins verschwinden nicht auf einem starken Rechner. Das Problem liegt also definitiv nicht an meinem PC.

Nichtsdestotrotz performt das Spiel deutlich besser als auf PlayStation 5 und sieht bei mittelhohen Einstellungen bereits besser aus als auf der Basis-Konsole.

Nicht real

Das ist an sich zunächst keine Überraschung, aber es läuft trotzdem nicht gut. Die vielen Pop-ins, Ruckler, Einbrüche der Bildrate und Bugs machen klar, dass es sich hier nicht um ein Ressourcen-, sondern um ein Optimierungsproblem handelt. Das macht ein spielbares Erlebnis auf Steam Deck leider zu einem Ding der Unmöglichkeit.

Das fällt in letzter Zeit immer häufiger auf und ist in den meisten Fällen mit der auch hier genutzten Unreal Engine 5 assoziiert. Es scheint also noch große Defizite bei der noch recht jungen Engine zu geben. Aber der Fehler ist auch beim Entwicklerteam zu suchen, da es durchaus positive Beispiele für Spiele mit dieser Engine gibt.

Einige Monate hätten sich die Entwickler mindestens noch nehmen müssen, um zumindest die groben Schnitzer zu entfernen. Ein Soulslike MUSS bei Bosskämpfen flüssig laufen, ob mit oder ohne Anime-Brüste.

Besser auf einem mittelstarken PC

Bildmaterial: Code Vein II, Bandai Namco

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Titel	Romeo is a Dead Man
	11. Februar 2026
	Grasshopper Manufacture Inc.
	11. Februar 2026
	Grasshopper Manufacture Inc.
	11. Februar 2026
	Grasshopper Manufacture Inc.
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PC (Steam)
Entwickler	Grasshopper Manufacture Inc.
Genres	Action
Texte
Vertonung

Wann immer ich in die Welt des legendären Spieleschöpfers Suda 51 eintauche, stelle ich mir zuvor dieselbe Frage: Inwieweit war das wahnsinnige Genie in den Entwicklungsprozess involviert? War er die kreative Speerspitze, die uns Killer7 ermöglicht hat?

Oder teilt er sein Spielzeug mit anderen Promis wie bei Lollipop Chainsaw oder Shadows of the Damned? Oder hat er nur ein bis zwei Ideen beigesteuert und sich dann aus dem Staub gemacht – wie bei Hotel Barcelona?

Glücklicherweise scheint Goichi Suda trotz fremdem Director bei Romeo is a Dead Man wieder eine Hand mehr am Steuer zu haben, denn der Action-Titel trägt eindeutig die DNA von No More Heroes.

Romeos Reise durch die Raumzeit ist endlich wieder ein Titel, der dem Aufdruck „A Suda 51 Trip“ gerecht wird! Technisch und spielerisch nicht ganz ausgereift, dafür aber mit Unmengen an wahnwitzigen Ideen und purer Kreativität – das Zeug, aus dem Kultklassiker gemacht sind.

Romeo, oh Romeo

Gerade noch als Polizist auf Streife, im nächsten Moment schon Zombie-Futter – so schnell wird aus Romeo ein toter Mann. Doch dank seines brillanten Großvaters, der sich als verrückter Wissenschaftler seine Brötchen verdient, wird Romeos halbtoter Kopf im Nu in die Luft gesprengt – und was dabei entsteht, ist der Supersoldat Dead Man.

Die nächsten Minuten des Openings sind ein wilder Ritt durch die Vernichtung der Raumzeit, die Einführung eines gesamten Multiversums und die Vorstellung der kosmischen Kriminellen, die sich diesen Fakt zunutze gemacht haben. Um diesen üblen Gestalten Einhalt zu gebieten, wird Romeo schnurstracks zum Spezialagenten des FBI-Raumzeit-Korps.

Seltsamerweise spielt Romeos ganz eigene Juliet bei all dem Wahnsinn eine zentrale Rolle. Vor kurzem noch Love Interest mit Amnesie, im nächsten Moment die „Most Wanted“ der gesamten Raumzeit. Dieses Mysterium und die Zusammenführung der beiden Liebenden sind das zentrale Motiv von Romeo is a Dead Man – und das funktioniert sehr gut. Trotz fragmentiertem Einstieg und holpriger sowie zu schneller Erzählung hält dieses Motiv bis zum Ende bei Laune. Das Mysterium nach und nach zu entwirren, macht Spaß und hält so manche Überraschung bereit – besonders, da sich weder die Geschichte selbst noch die Charaktere zu ernst nehmen.

sTRIPtease

Bei der Präsentation bleibt keine Option ungenutzt. Von voll animierten und vertonten Sequenzen über handgezeichnete Comic-Passagen bis hin zu 16-Bit-Visual-Novel-Einlagen ist alles dabei. Optisch wird einem also nie langweilig – auch wenn einige Stile den anderen deutlich voraus sind und hier eher das mangelnde Budget als fehlende Kreativität spürbar wird. So entsteht ein unvergleichlicher Trip, dem es jedoch an erzählerischer Kohärenz mangelt. Alles ist nun mal ein Geben und Nehmen. Nebencharaktere, so interessant sie auch zu Beginn erscheinen, bleiben oft blass und es fehlt generell an emotionaler Tiefe.

Aber manchmal braucht man das auch gar nicht! Was hier audiovisuell auf den Bildschirm gebracht wird, macht Romeo is a Dead Man zu einem wesentlich interessanteren Spiel als jedes 08/15-Soulslike oder jeden Kriegsshooter. Das Spiel konnte mich immer wieder an die Konsole zerren – einfach, weil ich wissen wollte, welche verrückte Idee die Entwickler als Nächstes in dieses Paket gesteckt haben.

Bastard-Samen, die man einpflanzt, um Bastarde zu ernten und sie in den Kampf zu schicken? Warum nicht! Eine Anime-Krankenschwester, die die dämlichste Anamnese aller Zeiten durchführt? Klar. Eine Lady, die ihren eigenen Kopf herausreißt, um das Lagerfeuer zu beheizen? Auch nicht schlecht.

Romeo is a Dead Man überrascht, fasziniert und bringt einen zum Lachen – und davon brauchen wir wirklich mehr in dieser mittlerweile viel zu tristen Industrie.

180 % + (–80  %)

Soundtrack und Synchronisation halten dabei nur streckenweise mit. Letztere ist sowohl auf Japanisch als auch auf Englisch absolut überzeugend, mit der gewissen Note an Absurdität – nur wird sie leider nicht immer genutzt. Besonders bei der kurzen Spielzeit ist das enttäuschend. Der Soundtrack weiß genau, wann es in die heiße Phase geht und dreht während der Bosskämpfe und Story-Einlagen richtig auf. Leider bleibt er im ganzen Füllmaterial dazwischen zu sehr im Hintergrund oder verschwindet vollständig – das geht besser.

Ebendiese Kritik trifft auch das gesamte Spiel. Es ist mehr als offensichtlich, dass 180 % der Energie, Kreativität und des Budgets in die wilden Story-Sequenzen und Bosskämpfe geflossen sind. Die Areale, die es dazwischen zu durchstreifen gilt, sind weder audiovisuell, designtechnisch noch spielerisch überzeugend. Da diese Abschnitte jedoch einen großen Teil des Spiels ausmachen, hat Romeo is a Dead Man mit einigen Längen zu kämpfen. Bei so einem Titel darf man sich das eigentlich nicht leisten – vielleicht wäre ein Boss-Rush-Format das stimmigere Gesamtpaket gewesen.

Dead Man Walking

Wie bei vielen anderen Suda-51-Spielen kann das Gameplay in seinen besten Phasen mit den wilden Ideen der Story und des Artdesigns mithalten. Dazwischen jedoch verkommt das Kampfsystem zu einer simplen, oft klobigen und unpräzisen Schnetzelei.

Romeo kann verschiedene Waffen führen, die sich tatsächlich auch unterschiedlich spielen und anfühlen. Der Speer erlaubt große Reichweite bei geringerem Schaden, während der Hammer ordentlich Wucht bietet, dafür aber langsamer zu handhaben ist. Zusätzlich gibt es variierende Schusswaffen für den Fernkampf. An sich spannend – doch an der Umsetzung hapert es, denn eine richtige Synergie zwischen Nah- und Fernkampf fehlt.

Ein reaktiver Wechsel mitten im Kampf fühlt sich unnatürlich an und ohne Zielhilfe fühlen sich die Schusswaffen schwammig und unpräzise an. Auch der Nahkampf überzeugt nicht vollends: Jeder Schlag besitzt zwar Wucht und es bleibt bis zum Ende befriedigend, die Blutfontänen aus besiegten Gegnern zu beobachten, doch es mangelt an Kombinationsmöglichkeiten zwischen schwachen, schnellen und starken, langsamen Angriffen. Ein System à la Devil May Cry oder Bayonetta ist hier leider nicht zu erwarten – obwohl es stilistisch wunderbar gepasst hätte.

Durch die begrenzten Optionen und sich wiederholenden Gegner werden einige Abschnitte zu repetitiv. Erst bei den Bosskämpfen kommt die nötige Abwechslung. Dieser rote Faden zieht sich also durch das gesamte Spiel.

Das B-Wort

Neben diesen – teils durch Minispiele aufwertbaren – Elementen gibt es für jede Waffe eine visuell beeindruckende Spezialattacke und das bereits erwähnte Bastard-System. Ja, das ist wirklich der Name! Während man sich durch Gegnerhorden kämpft, hinterlassen diese kleine Samen – Bastard-Samen, um genau zu sein. Diese kann Romeo zu seiner Schwester bringen, die im Raumzeit-Schiff eine kleine Farm betreibt. Dort können die Samen identifiziert und gepflanzt werden. Nach einer gewissen Zeit kann Romeo dann voll ausgewachsene Bastarde ernten.

Bis zu vier davon können mit ihren speziellen Fähigkeiten im Kampf mitgenommen werden: Der Heilungs-Bastard beschwört eine Säule, die Gesundheit wiederherstellt, der Gift-Bastard spuckt eine tödliche Wolke auf Feinde – und so weiter. Hat man Gefallen an bestimmten Bastarden gefunden, kann man diese fusionieren und dadurch aufleveln. Das System ist simpel, aber der visuelle Part ist so unterhaltsam gestaltet, dass man es einfach lieben muss. Hinzu kommen kleine Rätselpassagen, die sich allerdings etwas zu häufig wiederholen. Viel zu erkunden gibt es insgesamt nicht.

Das Rad der Zeit

Ein letzter enttäuschender Punkt bei Romeo is a Dead Man ist der technische Aspekt. Trotz kleiner Areale mit wenigen Details, unsichtbaren Wänden und Copy-&-Paste-Gegnern tun sich selbst mittelstarke Geräte schwer, eine stabile Bildrate zu halten. Trotz überzeugender Splatter-Effekte und einiger guter Charaktermodelle weist die ganze Ruckelei – wie auch die zu langen Ladezeiten – auf die Unreal Engine 5 hin, ebenso wie die Unerfahrenheit des Teams mit ihr.

Es schmerzt mich daher, schreiben zu müssen, dass Romeo is a Dead Man zu jener kleinen Gruppe von Spielen zählt, die auf Steam Deck oder ähnlich schwachen Geräten kaum spielbar sind. Selbst auf den optisch grotesken niedrigsten grafischen Einstellungen ist kein akzeptables Spielerlebnis möglich. Das sollte bei einem visuell derart überschaubaren Titel kein Problem darstellen – schließlich laufen selbst AAA-Spiele wie God of War Ragnarök stabil mit 40 FPS. Hier liegt, zumindest auf dem PC, ein klar unoptimiertes Spiel vor. Traurig.

Ein (typischer) Suda-51-Trip

Bildmaterial: ROMEO IS A DEAD MAN, Grasshopper Manufacture

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Titel	Dragon Quest VII Reimagined
	05. Februar 2026
	Square Enix
	05. Februar 2026
	Square Enix
	05. Februar 2026
	Square Enix
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC, Nintendo Switch 1/2
Getestet für	PC (Steam)
Entwickler	Square Enix, Hexadrive Inc.
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Nach „Dragon Quest III“ und dem anschließenden „Dragon Quest I + II HD-2D“-Remake hatte ich wohl etwas anderes erwartet als ein komplett überarbeitetes 3D-Remake des siebten Teils der legendären Videospielreihe. Ich würde wirklich gern einmal bei einem Planungsmeeting über die Zukunft von Dragon Quest teilnehmen – nur um zu verstehen, welche Gedanken hinter diesen Entscheidungen stecken.

Nichtsdestotrotz gehört der Release eines neuen JRPGs gefeiert, auch wenn ich nach den oben genannten Spielen und Octopath Traveler 0 dem klassischen Genre etwas überdrüssig war. Aber siehe da: Dank der fantastischen Optik und der unzähligen Quality-of-Life-Updates hatte ich mit Dragon Quest VII Reimagined mehr Spaß als mit all den anderen Spielen. Und jetzt kann ich nur hoffen, dass weitere Remakes im Reimagined-Format folgen. Square Enix – ihr habt euch das selbst eingebrockt.

Von Steintafeln und Zeitreisen

Alles Leben findet auf der kleinen Insel Estard statt. Hier wird dem Handwerk nachgegangen, eifrig gekocht und natürlich gefischt. Während sich die Älteren in dieser gemütlichen Welt wohlfühlen, suchen die Jüngeren – getrieben von Neugier – nach Abenteuern und neuen Welten. Der klassisch stumme Dragon-Quest-Protagonist ist der Sohn eines Fischers. Zusammen mit dem Prinzen von Estard und seiner Jugendfreundin findet er eine alte Steintafel, die das Team in die Vergangenheit schickt.

Durch den erfolgreichen Kampf gegen das Böse scheint dieser unbekannte Ort hunderte Jahre später als neue Insel in der Gegenwart zu erscheinen. Ganz allein ist das Volk von Estard also nicht. Es folgen viele weitere Reisen und Abenteuer durch die Zeit, die am Ende das Schicksal der Welt bestimmen sollen.

Viel klein, wenig groß

Dragon Quest VII Reimagined besteht aus vielen kleinen, separaten Geschichten, die sich erst nach und nach zu einer kohärenten Erzählung verbinden. Diese Kurzgeschichten werden genutzt, um die einzelnen Teammitglieder besser zu charakterisieren und neue Gefährten einzuführen. Dank des humorvollen Tons, des gelungenen Pacings und der Vielfalt dieser Episoden kommt über weite Strecken keine Langeweile auf. Auch wenn die Abläufe oft ähnlich sind, sorgen die hervorragend lokalisierten Dialoge und die ausgezeichnete Vertonung für Motivation und Spielfreude.

Das gilt sowohl für die japanische als auch für die englische Sprachausgabe – letztere überzeugt besonders mit tollen Darbietungen. Schade ist allerdings, dass der Hauptcharakter sowohl faktisch als auch erzählerisch stumm bleibt. Was vor 25 Jahren noch modern war, wirkt heute – mit jedem neuen Remaster oder Remake – zunehmend wie ein Relikt. Dabei wird in dieser Reimagination so viel Wert auf ausgearbeitete Charaktere gelegt, dass die Passivität des Helden umso stärker auffällt.

Dennoch schließt man das gesamte Team ins Herz, da jeder seine skurrilen Eigenheiten hat, die in Dialogen, Stimmen und Animationen wunderbar zur Geltung kommen. Hier ist man den HD-2D-Remakes deutlich voraus.

Womit ich nicht gerechnet habe, ist die schiere Masse an Story. Selbst mit dem weggelassenen Inhalt ist Dragon Quest VII Reimagined immer noch ein unglaublich langes Spiel, welches sich in den letzten Stunden mehr zieht, als es einem lieb wäre. Hier hätte mehr Mut beim Schneide-Prozess dem Erzähltempo in den letzten Schritten gutgetan.

Diorama

Optisch setzt sich der gute Eindruck fort: Die eher klein gehaltenen Areale sehen fantastisch aus und erinnern an echte Dioramen. Jeder Ort versprüht eine warme Atmosphäre und es wurden sichtlich Zeit, Geld und Mühe in die Optik investiert – besonders in die Charaktermodelle. Diese wirken wie lebendig gewordene Actionfiguren. Die detaillierten Designs, Animationen und Texturen hauchen den Charakteren von Akira Toriyama mehr Leben ein, als man es je zuvor auf einem Bildschirm gesehen hat.

Insgesamt fühlt sich Dragon Quest VII Reimagined an, als würde man mit seinen Lieblings-Actionfiguren auf kleinen Filmsets spielen. Trotz des kindlichen Charmes werden auch schwere Themen wie Verlust, Hoffnung und Kultur aufgegriffen. Kaum jemand dürfte sich dieser Faszination entziehen.

Auch an den orchestralen Arrangements von Sugiyama gibt es nichts zu meckern. Sie sind wunderbar eingespielt und hervorragend eingesetzt – auch wenn ich mir nach vier Dragon-Quest-Spielen in kurzer Zeit etwas mehr stilistische Abwechslung wünschen würde.

Das ist kein Zufall

Gameplaytechnisch hat sich nicht nur im Vergleich zum Original viel getan – auch gegenüber den von Fans und Presse gefeierten HD-2D-Remakes zeigt sich Reimagined deutlich verändert. Der wohl wichtigste Unterschied: Randomisierte Zufallskämpfe gehören der Vergangenheit an. Nach vier gigantischen JRPGs war das auch dringend nötig. Nicht nur, dass die Monster auf der Karte sichtbar sind – trifft man schwache Gegner auf der Weltkarte mit dem Schwert, fallen diese sofort und geben ihre Belohnungen frei. Der Spielfluss fühlt sich dadurch so gut an wie nie zuvor in einem Dragon Quest.

Die Ausbeute an Erfahrungspunkten, Währung und Jobpunkten ist zwar geringer, doch der Spielfluss bleibt ununterbrochen – was der Spielerfahrung unglaublich guttut. Auch wenn ich ein großer Fan der HD-2D-Remakes bin, würde ich dieses System den Zufallsbegegnungen jederzeit vorziehen. Eine wahre Wohltat.

Die Kämpfe selbst finden weiterhin auf separaten Kampfbildschirmen statt, jedoch ist das Heldenteam nun aktiv sichtbar und glänzt mit großartigen Animationen. Dadurch fällt die frühere Kritik, dass man in den HD-2D-Spielen keine Bindung während der Kämpfe aufbauen konnte, vollständig weg.

Aufmerksamkeit

Hinzu kommt ein stark individualisierbarer Schwierigkeitsgrad. Man kann beispielsweise einstellen, wie viele Erfahrungspunkte man nach Kämpfen erhält, ob die Gruppe nach jedem Kampf geheilt wird oder wie aggressiv Monster auftreten. Normalerweise bin ich kein Fan davon, das Balancing komplett in die Hände des Spielers zu legen – aber in einem klassischen JRPG mit rundenbasierten Kämpfen ist das sinnvoll und beeinflusst den Spielspaß positiv.

Eines ist sicher: Das Entwicklerteam hat zugehört und sich viele Gedanken gemacht. Das trägt Früchte und sorgt – zusammen mit dem guten Pacing der Geschichte – für einen zügigen Spielfluss, bei dem das Herz von Dragon Quest stets erhalten bleibt. Großes Kompliment! Wie schon aus den HD-2D-Remakes bekannt, gibt es zahlreiche weitere Quality-of-Life-Updates wie Autosave und ein überarbeitetes Jobsystem.

Steuerklasse VI

Jeder Charakter beginnt mit einem Basisjob, der zu ihm passt. Der Hauptcharakter ist beispielsweise ein Fischer. Nach jedem Kampf erhält die Gruppe Berufserfahrung, mit der Jobs aufsteigen. Mit jedem der acht Level erlernt der Charakter neue Fähigkeiten oder Zauber – teilweise sehr mächtige, die den Kampf schnell zu den eigenen Gunsten wenden können.

Im Laufe der Geschichte schaltet man die Option frei, den Job zu wechseln und sogar Nebenjobs auszurüsten, sodass man das Team weiter spezialisieren kann. Hat man zwei Jobs komplett aufgelevelt, gibt es sogar Kombinationen, die dann freigeschaltet werden, wie den Kampfmagier. So macht Grinden gleich doppelt so viel Spaß. Besonders hilfreich sind dabei die einfach gehaltenen, aber fantastisch designten Menüs, die nie frustrieren.

Auch neue Rätsel in den Dungeons sorgen für Abwechslung, ebenso wie die Jagd nach Mini-Medaillen, Minispiele und eine Monsterarena. Langeweile kommt hier spielerisch nicht auf.

Technisch gibt es ebenfalls nichts zu bemängeln. Trotz fantastischer Optik und Beleuchtung läuft das Spiel auch auf schwächeren Geräten in bester optischen Qualität mit stabilen 40 FPS – was mein Steam-Deck-Herz natürlich höherschlagen lässt. Grund dafür ist, dass die Areale recht klein sind und öfter durch Ladezeiten getrennt werden. Das tut dem Erlebnis aber keinen Abbruch.

Reimagination oder Remake?

Bildmaterial: Dragon Quest VII Reimagined, Square Enix, HexaDrive

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Titel	Code Vein II
	30. Januar 2026
	Bandai Namco Entertainment Inc.
	30. Januar 2026
	Bandai Namco Entertainment Inc.
	30. Januar 2026
	Bandai Namco Entertainment Inc.
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PlayStation 5
Entwickler	Bandai Namco Studios Inc.
Genres	Soulslike
Texte
Vertonung

Als alter Videospielhase gibt es nicht mehr allzu viel, worauf ich mich freuen kann. Vergangen sind die Zeiten, als man sich auf neue AAA-Spiele, Gaming-Events und Präsentationen gefreut hat. Heutzutage fragt man sich eher, mit welchen Mitteln versucht wird, die Spielerschaft auszubeuten, oder welche übersättigten Trends in eine alte IP gezwängt werden.

Code Vein II ist eines der wenigen Spiele, auf die ich mich dieses Jahr gefreut habe. Das Anime-Soulslike aus 2019 konnte damals einen Nerv bei mir und vielen anderen treffen, vor allem dank des unbeschreiblich grandiosen Soundtracks von Go Shiina. Heute noch schwärme ich über die Qualität dieser Kompositionen vor jedem, der mir sein Ohr leiht.

Die wichtigste Frage beim Sequel für mich war: Kann der Soundtrack wieder so überzeugen und reiht sich das Gesamtpaket in diese hohe Qualität ein? Mit der Antwort habe ich leider nicht gerechnet.

Wieder und wieder

Die Welt steht am Abgrund. Die Wiederkehr bedroht die Zukunft allen Lebens auf dem Planeten. Einst von den mächtigen Wiedergängern versiegelt, sorgt sie nun erneut für einen hoffnungslosen Blick in die Zukunft. Die Antwort liegt also in der Vergangenheit.

Indem Lou MagMell, eine mysteriöse Wiedergängerin, ihr Herz mit dem Protagonisten teilt, wird dieser wiederbelebt. Die zierliche Dame besitzt die Fähigkeit, durch die Zeit zu reisen und braucht den Protagonisten, um die Vergangenheit zu ändern und die Zukunft zu retten. Denn vor 100 Jahren brach das einstige Siegel, welches die Wiederkehr im Zaum hielt.

Im Zentrum dieses Konflikts stehen außer diesen nun verbundenen Charakteren die Helden des Umsturzes, die es zu retten und zu rekrutieren gilt, sowie die Kinder der Wiederkehr, die in ihren Kokons lauern, um das Ende der Welt einzuläuten.

Die Geschichte hört und fühlt sich komplex an, was aber hauptsächlich an der Nomenklatur liegt. In den ersten Stunden von Code Vein II wird man als Spieler mit seltsam klingenden Objekten und Wesen eingedeckt. Dabei handelt es sich aber um eine klassische Zeitreise-Geschichte mit vielen interessanten Einzelschicksalen im Vordergrund und den wichtigsten Fragen: Was hat die Welt vernichtet und kann man ein bereits bestehendes Schicksal ändern?

Anime über Anime

Als Soft-Reboot des Originals macht das Sequel dabei eine ordentliche Figur. Die Geschichten der Helden in der Vergangenheit sind zum Teil spannend und sehr emotional, kommen aber mit einer Menge Kitsch und weniger zukünftigen Konsequenzen, als man erwarten würde.

Trotz Anime-typischer Cringe-Momente können die Fragen und Mysterien der Erzählung bis zum Ende gut unterhalten, auch wenn der Protagonist als stummer Ja-Sager mal wieder in den Hintergrund seiner eigenen Geschichte gedrückt wird. Hier hatte man die Chance, etwas Großes zu ändern, hat sie aber verpasst.

Das Pacing der Geschichte leidet mit dem Sequel. Anders als im Vorgänger bietet Code Vein II eine offene Spielwelt, bei der man sogar frei zwischen Quests in der Vergangenheit und Gegenwart springen kann. Spielerisch eine tolle Freiheit, erzählerisch ein Stolperstein: Kurz vor dem erzählerischen Höhepunkt eines Charakters merkt man, dass der Story-Boss zu stark ist. Also wählt man andere Quests und geht diesen nach, nur um dann das emotionale Ende nach vielen Stunden des Vergessens zu erleben.

Selbst die Entwickler scheinen dadurch irritiert worden zu sein, denn die große Expositions-Sequenz, welche die Welt und die Mission erklärt, wurde so bei mir zweimal abgespielt. Da hat wohl jemand vergessen, diese vor und nach bestimmten Quests zu deaktivieren.

Realistisch? Ja. Atmosphärisch? Eher nicht.

Auch das Welt- und Charakterdesign ist eher ein Rückschritt im Vergleich zum Vorgänger. Erneut tauscht man ein kohärentes Design und eine dichte Atmosphäre gegen eine offene Welt. Der Tag-Nacht-Rhythmus sorgt für strahlenden Sonnenschein in zerfallenen Ruinen, die von grotesken Monstern wimmeln. Realistisch? Ja. Atmosphärisch? Eher nicht.

Bis auf einige Ausnahmen hinterlassen die langhälsigen und kleinköpfigen Wiedergänger keinen bleibenden Eindruck und fügen sich dementsprechend in die blasse Spielwelt ganz gut ein.

Das gilt natürlich nicht für den Charakter-Editor. Die Entwickler haben verstanden, wieso die Spielerschaft hier Dutzende Stunden verbracht hat. Und erneut ist dieser so ausufernd, dass man nur beeindruckt sein kann. Der Fantasie stehen kaum Grenzen. Der Editor selbst kann fast schon als Minispiel gewertet werden. Es wäre wirklich beeindruckend gewesen, diese optische Kreativität mit einem größeren Impakt in der Geschichte zu sehen.

GO Shiina GO Shiina GO!

Zum Glück bleibt es beim Soundtrack ganz beim Alten. Erneut beweist Go Shiina seine viel zu selten genutzten Talente. In treibenden orchestralen Stücken werden Puls und Blutdruck in die Höhe getrieben, während der ganze Körper zum Takt mitwippt. Bombastische Arrangements wechseln sich mit blitzschnellen Klavier-Einlagen ab und krönen in emotionalen Streicher-Momenten, die allesamt im Kopf bleiben und an den Vorgänger erinnern.

Leider teilt auch Code Vein II dieselbe Schwäche in Sachen Musik. Der grandiose Soundtrack wird zu selten und manchmal unpassend genutzt. Oft streift man stumm durch die Welt, beginnt einen Kampf, sodass der Soundtrack einsetzt, nur um dann nach drei Sekunden wieder abzubrechen. Kurz darauf der nächste Kampf mit denselben ersten Sekunden des Kampfthemas – und so weiter. Das fühlt sich sehr amateurhaft an.

Während andere Entwickler versuchen, Gameplay und Musik in kreativen Synergien zu vereinen, ist man hier den einfachsten Weg gegangen. Schade. Die Synchronisation im Englischen und Japanischen bleibt auf dem typischen Anime-Niveau und passt dementsprechend ebenfalls zur Welt und den Charakteren.

Klassisch soulslike

Nun stellt sich noch die wichtige Frage, wie sich Code Vein II auf dem Höhepunkt der sogenannten Soulslike-Fatigue schlägt. Vor sechs Jahren galten noch ganz andere Regeln im Genre. Heute reicht es nicht mehr, die Basics zu kopieren und dann Feierabend zu machen. Dafür ist die Konkurrenz zu stark und das Genre zu übersättigt.

Im Kern spielt sich Code Vein II wie ein klassisches Soulslike. Es gibt normale Angriffe, die zusammen mit Ausweichen und Abwehren an der Ausdauerleiste zehren. Von besiegten Gegnern erhält man Seelen, die man sich nach dem Tod wieder holen muss, um sie nicht dauerhaft zu verlieren. Mit diesen wird der Charakter dann an Schreinen aufgelevelt. Gegner respawnen dabei und bei den Bossen zählt nur eines: Pattern Recognition.

So weit, so soulslike. Wo das Spiel überzeugt, ist in den vielen Anpassungsmöglichkeiten des Spielstils – beginnend bei der Waffenauswahl, die Kraft, Geschick und Geschwindigkeit maßgeblich verändert, über offensive und defensive Formae, die als Nah- oder Fernkampf-Option daherkommen, bis hin zu diversen Boostern und den Blutcodes, die man von seinen Kameraden erhält und fast schon als Jobsystem angesehen werden können, welches klassisch aufgelevelt werden kann.

System-Inception

Über bestimmte Angriffe erhält man zudem Ichor (einfach: Mana). Diese kann man dann nutzen, um kräftige Spezialfähigkeiten und Buffs zu wirken. Je nach Blutcode werden sie mehr oder weniger effektiv genutzt.

Und als wäre das noch nicht genug, ist man so gut wie nie allein unterwegs. Dabei kann man Seite an Seite mit den KI-gesteuerten Kollegen kämpfen oder sich diese für einen massiven Status-Boost einverleiben. Dabei bieten die vielfältigen Partner diverse Boni und Spielstile, die es auszubalancieren gilt.

Das alles ist viel Input und sorgt zu Beginn vor allem bei den unübersichtlichen Menüs für viele Fragen. Nach einigen Stunden gewöhnt man sich jedoch daran und versteht das Kampfsystem erst richtig, was dann zum Aha-Moment führt und den Spielspaß endlich aufdreht.

2026

Wer sich also durch die ersten zähen Stunden beißt, wird auf jeden Fall belohnt – ebenso wie diejenigen, die gerne mit ihrem Kampfstil experimentieren. Normale Feinde werden dadurch sehr leicht zu besiegen, während die Bosskämpfe bis zum Ende anspruchsvoll bleiben. Besonders die Story-Bosse bleiben im Gedächtnis, während die Mini-Bosse sich teilweise sogar wiederholen.

Wer nicht gewillt ist, öfters zu sterben, sollte einen großen Bogen um dieses Soulslike machen. Dank der offenen Welt ist Grinding aber auch wesentlich einfacher als noch beim Vorgänger.

Doch leider sind es nicht immer die Bosse an sich, die für eine Niederlage sorgen. Die oft starren Animationen und die Kamera machen es einem nicht leicht. Ich hätte nicht gedacht, dass ich 2026 diese Punkte noch einmal bei einem Action-Sequel ansprechen müsste, aber Code Vein II hat, was das angeht, noch große Defizite.

Der Untergang

Wer meine Reviews kennt, der sollte mit dem generellen Aufbau meiner Texte vertraut sein. Erst die Story, dann die Grafik, dann Sound, gefolgt vom Gameplay, den Extras und den technischen Eigenheiten. Warum habe ich die Optik bis zum Ende aufgehoben? Weil sie sich mit der technischen Seite von Code Vein II auf einem Niveau befindet, welches ich so schon lange nicht mehr erlebt habe.

Es gibt kaum fünf Minuten, in denen das Spiel flüssig läuft. Selbst im Action-Modus, der sich auf die Performance konzentriert, spürt man an jeder Ecke Ruckler und Stottern. Das ist sehr frustrierend.

Ebenso frustrierend sind die plötzlich in der Ferne aufploppenden Details und Gegner. Selbiges gilt für Texturen, die manchmal Sekunden brauchen, um erst geladen zu werden, oder manchmal auch gar nicht auftauchen. Hinzu kommen unzählige Clipping- und Physikfehler und fragwürdige Designentscheidungen, die dem Spiel die nötige Schwere nehmen.

Wenn ein einziger Pixel vom Hauptcharakter einen gigantischen Holztisch berührt, zersplittert das Ding komplett. Nur mal so als kleines Beispiel. Das Wort „amateurhaft“ wurde oben bereits erwähnt und auch hier passt kein anderes Wort besser. Die Animation von sich bewegenden Charakteren stimmt oft nicht und die KI macht einem besonders beim Fernkampf einen Strich durch die Rechnung, indem sie sich gern ins Blickfeld stellt.

Vakuum

Die Umgebungen der offenen Welt wirken oft leer und kalt und reagieren in kaum einer merklichen Weise auf den Charakter. Es fehlt an jeder Stelle an Atmosphäre. Dazu sind die meisten Dungeons, abgesehen von den großen Story-Dungeons, unglaublich kurz und detailarm. Hier fehlt es regelmäßig auch an Soundeffekten und die Anzahl der Beleuchtungs- und Schattenfehler ist fast schon nicht mehr messbar.

Als Gesamtbild entsteht so eine starre, leblose, offene Welt, die im starken Kontrast zu den Charakteren, der gewünschten Atmosphäre und den Themen steht. Mal ganz abgesehen von den Grafikfehlern und Bugs. Nach den Qualitäten des ersten Teils hätte ich das wirklich nicht erwartet.

Wie sich das Spiel auf anderen Plattformen als der PlayStation 5 schlägt, kann ich aktuell leider nicht sagen.

Cry in Vein II

Bildmaterial: Code Vein II, Bandai Namco

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Titel	Octopath Traveler 0
	04. Dezember 2025
	Square Enix
	04. Dezember 2025
	Square Enix
	04. Dezember 2025
	Square Enix
System	PlayStation 4/5, Xbox Series, Nintendo Switch 1/2, PC
Getestet für	PC (Steam)
Entwickler	Square Enix, DOKIDOKI GROOVE WORKS
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Am 13. Juli 2018 wurde mit der Veröffentlichung des ersten Octopath Traveler der Begriff HD-2D etabliert. Sowohl Fans als auch Presse lobten diesen mittlerweile patentierten Grafikstil in den höchsten Tönen, da er klassisch basierte Pixelkunst mit modernen Effekten harmonisch kombinierte.

Für einen Entwickler, der eine schier endlose Bibliothek an 8- bis 16-Bit-Spielen besitzt, ist das natürlich die optimale Methode, diese Spiele einem neuen Publikum zugänglich zu machen und dabei ordentlich Geld zu verdienen.

Neben einem Sequel zu Octopath Traveler profitierten besonders Marken wie Star Ocean und vor allem Dragon Quest von diesem Remake-Stil. Es sollte also nicht zu lange dauern, bis der erste Ableger für Smartphones erscheint. Mit Octopath Traveler: Champions of the Continent war es im Herbst 2020 schließlich so weit. Während das mobile Spiel in Japan von Square Enix betrieben wird, kümmert sich im Westen NetEase um diese Singleplayer-App.

Es ist aber kein Geheimnis, dass Square Enix sich mit mobilen Titeln schwertut und der Markt nicht gerade für große, epische Rollenspiele ausgelegt ist. Die Lösung? Octopath Traveler 0! Eine überarbeitete Version der App für Konsolen und PCs. Ob man merkt, dass dieses Prequel seine Wurzeln im App Store hat und ob der Vollpreis dafür gerechtfertigt ist, findet ihr im Folgenden heraus.

Ein Ring, sie zu knechten

Im kleinen Dorf Wishvale herrscht heile Welt: Hier begrüßt man sich noch freundlich auf der Straße, hilft bei der Ernte und treibt Unfug mit seinen Freunden. Alles scheint perfekt. Doch wenn ein JRPG so beginnt, lässt die Katastrophe nicht lange auf sich warten – so auch hier.

Nach dem Erscheinen eines mysteriösen Ringes bricht buchstäblich die Hölle über das kleine Dorf herein und alles, was bleibt, sind Asche und die grausamen Erinnerungen an die Hilfeschreie der Bewohner. Darunter auch die Eltern unseres Helden, der sich dem Ring annimmt und im Verlauf – titelgebend – mit sieben Kameraden in die Welt zieht, um Rache an den Verantwortlichen zu nehmen, sein Schicksal zu erfüllen und Wishvale neu aufzubauen.

Ziemlich klassisches Material für ein Oldschool-JRPG – doch noch vor der ersten Zwischensequenz gibt es einen drastischen Unterschied. Der Protagonist muss nämlich zuerst im Charaktereditor erstellt werden. Im HD-2D-Look sollte man dabei keine ausufernden Optionen erwarten, aber es reicht, um Aussehen und Stimme einen persönlichen Hauch zu verleihen.

Interessanter wird es danach, wenn es darum geht, den Job und das Leibgericht des Helden auszuwählen. Während Letzteres einen eher geringen Nutzen hat, wählt man mit dem Job die Rolle, die man im Kampf in den ersten Stunden einnehmen wird. Später können sowohl optische als auch spielerische Entscheidungen wieder geändert werden.

Ein Ring, sie alle zu finden

Der Charaktereditor erlaubt so einen individuellen Hauptcharakter. Der stumme Held rückt in der Story jedoch deutlich in den Hintergrund und trotz diverser Entscheidungen bleibt er ein passiver Ja-Sager, was ihn zu einem der uninteressantesten Charaktere von Octopath Traveler 0 macht. Die Story an sich hat mich jedoch äußerst positiv überrascht.

Da die Basis ein Mobile-Spiel war, hatte ich keine großartigen Erwartungen an die Erzählung. Was dann jedoch geliefert wurde, sind multiple Kapitel, die sich über mehrere Stunden ziehen, mit teils ausgearbeiteten Nebencharakteren, tragischen Schicksalen und bittersüßen Enden. Und jedes Mal wenn ich dachte, das war’s, wurde die Story nur noch größer.

Während in den ersten Kapiteln der Wiederaufbau von Wishvale sowie die Rachegeschichte im Vordergrund stehen, entwickelt sich daraus ein Kampf um das Schicksal der Welt. Selbst nach den Credits, die bei mir nach ca. 30 Stunden über den Bildschirm liefen, kamen noch weitere Story-Kapitel hinzu. Hut ab!

Positiv sind der erwachsene Ton der einzelnen Geschichten zu erwähnen, ebenso wie die vielen dramatischen, gut inszenierten und exzellent vertonten Zwischensequenzen. Hier wird oft effektiv auf die Tränendrüse gedrückt.

Ein Ring, sie ins dunkel zu treiben

Traurigerweise passt das Erzähltempo so gar nicht dazu. Jede Zwischensequenz ist zwei- bis dreimal so lang, wie sie eigentlich sein sollte, was es nach dutzenden Stunden schwer macht, aufmerksam am Ball zu bleiben. Jede Animation lässt sich unglaublich viel Zeit und zwischen einzelnen Dialogzeilen vergeht viel zu viel Zeit. Ein Punkt, der mir auch bei anderen HD-2D-Spielen negativ aufgefallen ist.

Hinzu kommt, dass nicht alle Sequenzen vertont sind und die Qualität der Quests selbst stark variiert. Dabei fällt auch auf, wie fragmentiert die Geschichte eigentlich ist, da die Kapitel nur selten tiefen Bezug zueinander haben und oft isoliert betrachtet werden können.

Die Kritik am ersten Octopath Traveler findet man also auch hier. Des Weiteren haben die rekrutierbaren Charaktere kleine Quests zur Vorstellung, doch verschwinden danach – ebenso wie der Hauptcharakter – im Team und haben, anders als dieser, keinen Bezug mehr zur Haupthandlung. So bleibt das eigene Team ebenfalls ein ausgesprochen uninteressanter Teil der gesamten Erzählung – sehr schade.

Ein Ring, sie ewig zu binden

Audiovisuell würde man jedoch ohne Vorkenntnisse nie auf die Idee kommen, dass es sich hier einmal um ein Spiel aus dem App Store handelte. Der HD-2D-Look besticht einmal mehr mit wunderschönen Pixel-Designs und dazu passenden 3D-Effekten. Die kleinen Gebiete und die vielen kurzen Ladezeiten deuten jedoch auf einen anderen Ursprung hin.

Im direkten Vergleich mit Octopath Traveler II oder den neuen Dragon-Quest-Remakes fällt ein grafischer Qualitätsunterschied auf. Die Gebiete bieten weniger Details, die teilweise auch weniger gut ausgearbeitet sind als in den oben genannten Spielen. Nichtsdestotrotz überzeugt das optische Gesamtpaket, bei dem die Charakter-Designs als besonders stark hervorstechen.

Musikalisch befindet sich Octopath Traveler 0 auf höchstem Niveau. Der Soundtrack besteht aus mitreißenden orchestralen und choralen Stücken, die sehr präzise eingesetzt werden und stets aufgrund ihrer Qualität in den Vordergrund rücken – darunter auch beliebte Titel aus anderen Ablegern der JRPG-Reihe.

Auch spielerisch unterscheidet sich Octopath Traveler 0 nicht drastisch von seinen Vorgängern. Neben den Zufallsbegegnungen und rundenbasierten Kämpfen erhält auch das Break-&-Boost-System ein erneutes Revival. Hier kann man Angriffe aufsparen und zum richtigen Zeitpunkt – etwa wenn man die Verteidigung des Gegners mit passenden Waffen oder Effekten gebrochen hat – bis zu viermal auf einmal einsetzen.

Mit Macht, Ruhm und Reichtum

Das macht nach wie vor Spaß und muss bei den vielen, serientypisch anspruchsvollen Bosskämpfen tatsächlich richtig genutzt werden, ebenso wie die erstmals spielbaren acht Charaktere. Diese teilen sich in eine vordere und hintere Reihe mit jeweils vier Kämpfern auf, bei denen man in einer Spalte zu jeder Zeit die Charaktere wechseln kann. Während die vordere Reihe angreifen kann, regeneriert die hintere Reihe HP und SP.

Besonders in den späteren Bosskämpfen muss man sich auf alle acht Charaktere im Team konzentrieren. Jeder von ihnen kann nämlich zwei verschiedene Waffen tragen sowie diverse Fähigkeiten und magische Angriffe einsetzen. Man benötigt ein komplexes Team, um die diversen Schwächen der Gegner ausnutzen zu können. Tut man dies nicht, wird man im späteren Verlauf des Spiels nicht weiterkommen.

Für Gelegenheitsspieler kann diese Form des Micromanagements zugegeben zu viel werden – darauf muss man also gefasst sein. Wer sich auf dieses System nicht einlassen kann, sollte eher die Finger von Octopath Traveler 0 lassen, denn erneut gibt es keine auswählbaren Schwierigkeitsgrade.

… und sieben guten Verbündeten

Doch selbst für diejenigen, die sich gut um ihr Team kümmern und sogar ein wenig grinden, bleiben die Bosse bis zum Ende ein Drahtseilakt. Das gilt leider nicht für die normalen Auseinandersetzungen. Diese werden nach kurzer Zeit bereits trivial und nehmen nur noch zu viel Zeit in Anspruch für eine eher geringe Belohnung.

Nun aber zum Punkt, der in den Trailern womöglich am prominentesten beworben wurde: dem Wiederaufbau von Wishvale. Hier wurde ich tatsächlich enttäuscht. Der Aufbau ist in den ersten Stunden wesentlich linearer, als ich es mir vorgestellt hatte. Man springt eigentlich nur von einem Auftrag zum nächsten und kann nur die wenigen Gebäude bauen, die in diesen Aufträgen angegeben werden. Ja, man kann in kleinen Gebieten die einzelnen Gebäude verteilen und entscheiden, welche Bewohner darin leben, aber wirkliche Freiheit beim Städtebau ist das nicht.

Der Ablauf ist zu simpel: Man erhält eine Quest, um eine Taverne zu bauen, baut diese und erhält danach die nächste Quest, in der man zum Beispiel eine Farm errichten soll. Man macht die Nebenquests für den dazugehörigen Charakter und erhält dann die Farm. Es folgt die nächste Quest und so weiter. Erst spät kommt ein wenig mehr Flexibilität ins System, aber das ist zu wenig und zu spät. Hier hätte ich mir eine bessere Symbiose aus Städtebau, Story und Erkundung der Spielwelt gewünscht.

Octopath Traveler 0

Die Rekrutierung der Bewohner erfolgt auf dreierlei Arten: So gibt es fixe Story-Charaktere, Charaktere aus optionalen Nebenquests und NPCs, die man auf der Straße ansprechen kann, die sich nach einem kleinen Geschenk dem Dorf anschließen.

Alle Quests, die man in Octopath Traveler 0 bestreitet, ordnen sich in ein System aus drei Teilen ein: Reichtum, Macht und Ruhm. Je nachdem, wie viele Punkte man in diesen Kategorien hat, wird es einfacher, diverse Charaktere zu überzeugen, sich anzuschließen, einem Items zu schenken oder die Preise ihrer Items zu verhandeln. Auch dieses System ist bereits aus anderen Teilen bekannt.

Technisch gibt es an Octopath Traveler 0 nichts zu bemängeln. Das Spiel läuft selbst auf dem schwächsten Gerät in stabilen 60 fps und bietet so stets ein flüssiges Spielerlebnis – ein Traum für alle Steam-Deck-Liebhaber wie mich. Als kleine Randnotiz: Leider bietet Octopath Traveler 0 keine deutsche Lokalisierung. Text und Sprache sind vornehmlich Englisch und Japanisch – für deutsche Spieler ein schwerer Schlag.

Was tun mit der Zeit, die einem bleibt?

Bildmaterial: Octopath Traveler 0, Square Enix, DokiDoki Groove Works

Der Beitrag Im Test! Octopath Traveler 0 ist ein gelungenes JRPG, das sich trotz seiner Wurzeln gut einfügt erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Tales of Xillia Remastered
	31. Oktober 2025
	Bandai Namco Entertainment
	31. Oktober 2025
	Bandai Namco Entertainment
	31. Oktober 2025
	Bandai Namco Entertainment
System	PlayStation 5, Xbox Series, Nintendo Switch, PC
Getestet für	PC (Steam)
Entwickler	DOKIDOKI GROOVEWORKS, Inc.
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Auch bei Bandai Namco Entertainment hat die Remaster-Welle Halt gefunden und immer mehr alte und weniger alte Spiele werden für die aktuellen Konsolen und viel wichtiger noch erstmals für PCs neu aufgelegt. Wo Nostalgie nicht weit ist, findet man natürlich auch immer ein JRPG. Und um eines dieser geht es heute: das damals eher gemischt aufgenommene, aber größer angelegte Tales of Xillia. Die Frage ist nun, ob ein optisches Make-over und einige Quality-of-Life-Verbesserungen reichen, um das allererste originale High-Definition-Tales-of genügend zu modernisieren.

Ein Xillia

In Rieze Maxia leben Menschen und Geister in einem fragilen Gleichgewicht zusammen. In dieser Welt schlüpft der Spieler in die Doppelrolle von Milla Maxwell, einer Göttin der Geister, und Jude Mathis, einem jungen Medizinstudenten, der in die turbulenten Machenschaften und die politischen Machinationen hineingezogen wird.

Was folgt, sind dutzende Stunden von eher typischem JRPG-Storytelling, mit ein wenig Herz und viel Humor. Also typische Tales-of-Kost. Die einen hassen es, die anderen lieben es. Nach wie vor macht die Auswahl zwischen den beiden Charakteren zu Beginn keinen nennenswerten Unterschied, da die Geschehnisse fast auf identische Weise und mit identischem Publikum ablaufen.

Dennoch würde ich für neue Spieler empfehlen, Jude zu wählen, da die Exposition dadurch ein wenig zugänglicher wird; braucht der junge Mann doch ein wenig mehr davon als Milla.

Generell überzeugt die Geschichte aber mit einem sympathischen Cast, der mal mehr, mal weniger gut ausgearbeitete Charaktere bietet. Die vielen Wendungen überraschen auch heute noch und der Humor sitzt besser als bei so manch anderem Spiel.

Dafür verantwortlich sind natürlich die bekannten Skits, die wieder mit von der Partie sind. Tales of Xillia mag nicht die stärkste Erzählung im Tales-of-Universum bieten, aber das Spiel unterhält über viele Stunden auf hohem Niveau.

Laserkorrektur

Optisch bietet das Remaster, was man von einem solchen Projekt erwartet: schönere Texturen und eine bessere Auflösung. Die Charaktermodelle profitieren davon besonders. Denn die ausgefallenen und bunten Designs stechen dadurch noch kräftiger hervor. Die eher simpel gehaltenen Umgebungen reflektieren da schon eher die Wurzeln dieses ehemaligen PlayStation-3-Spiels. Man muss also schon genau wissen, worauf man sich hier einlässt. Tales of Xillia ist weder das größte noch das schönste JRPG, aber das knallige Art-Design lädt trotzdem zur Immersion ein.

Selbiges gilt für die typischen animehaften japanischen und englischen Synchronisationen. Die siebte Konsolengeneration ist mittlerweile schon so alt, dass dieser bestimmte Stil der Vertonung bereits seinen eigenen nostalgischen Charme trägt. Das gilt natürlich für die englische Synchronisation, die sich den einzigen Schnitzer leider ausgerechnet bei ihrer Hauptdarstellerin leistet. Die japanische Synchronisation geht wie immer gut ins Ohr.

Anders der Soundtrack. Wer mich kennt, weiß, dass ich nun wirklich kein Fan von Motoi Sakuraba bin. Der Mann ist zu Recht eine Legende unter den JRPG-Komponisten, hat er doch so fantastische Werke wie Valkyrie Profile oder Eternal Sonata geschrieben. Aber in den letzten Jahren konnte der gute Mann bestenfalls überdurchschnittlichen Einheitsbrei zu den teils sehr guten Spielen seines Portfolios beisteuern.

Auch der Soundtrack von Tales of Xillia hebt ihn da nicht heraus. Ja, die vielen Stücke hören sich angenehm an und passen stets zum Setting und manchmal auch zur Situation, aber setzen keinerlei Akzente. Mal wieder bleibt nichts wirklich im Gedächtnis. Und wenn man jetzt versucht, Xillia von den anderen Sakuraba-Projekten zu differenzieren, wird es praktisch unmöglich. Bleibt nur zu hoffen, dass Bandai Namco Entertainment vernünftig wird und Go Shiina zum Stammkomponisten der nächsten Ableger befördert.

Synergie

Bei Tales of Xillia hat sich zu den Vorgängern in Sachen Gameplay jedoch so einiges getan. Das Kampfsystem ist wesentlich schneller und präziser geworden und konzentriert sich auf Synergie-Attacken, die thematisch zur Story mit der Doppelrolle sehr gut passen.

Das sogenannte Dual-Raid-Linear-Motion-System ermöglicht diese kooperativen Angriffe, die nicht nur viel Schaden verursachen, sondern auch optisch etwas hermachen. Dadurch kommt auch ein wenig mehr Timing und Strategie in die gewöhnliche Routine aus Attacke und Spezialangriff. Die KI macht dabei eine gute Figur und liefert nur selten frustrierende Momente. Quality-of-Life-Updates wie Autosave oder die Option, Kämpfe auf Knopfdruck zu wiederholen, helfen dabei ungemein.

Auch die Level-Progression, welche nicht den klassischen Weg nimmt, sorgt dafür. Auf einem Brett, welches nicht unwesentlich an das Sphärobrett von Final Fantasy X erinnert, können AP aus gewonnenen Kämpfen verteilt und Charaktere verstärkt werden. So macht Nostalgie Freude.

Leider hat sich das Remaster nicht der eher langweiligen Nebenquests angenommen. Diese sind weiterhin einfache Fetchquests, die zu ihrem Vorteil sehr leicht zu beenden sind. Als kleiner Bonus bietet das Remaster dafür die vielen DLCs, die man beim Original noch separat ersteigern musste. Davon ausgenommen natürlich Lizenzkostüme.

Technik und Grading

Zudem ist der Grade-Shop nun von Anfang an verfügbar. Hier konnte man nach erstmaligem Durchspielen diverse Parameter ändern, wie die Menge an erhaltenen Erfahrungspunkten oder Geld sowie die Kosten in diversen Shops. Eine sinnvolle Option zur persönlichen Gestaltung des eigenen Spielerlebnisses. Zugegeben, Tales of Xillia ist nicht das anspruchsvollste Spiel und am Anfang sollte man die Finger von diesem Shop lassen, da das Balancing sonst zu sehr in die einfache Richtung gedrängt wird.

Technisch bewegt sich das Remaster in merkwürdigen Gefilden. So läuft das alte Spiel auf den neuesten Plattformen in stabilen 60 fps, nur auf Nintendo Switch müssen sich die Spieler mit 30 fps zufriedengeben.

Seltsam, da das Original noch in 60 fps auf der PlayStation 3 lief. Zudem kam es bei mir auf der PC-Version zu Problemen mit der Geschwindigkeit der Animationen. Ein Fehler, der mit V-Sync und dem Experimentieren mit der Framerate zusammenhing. Nichtsdestotrotz kann man in festen 60 oder 120 fps spielen. Das bedeutet, dass auch schwächere PCs wie das Steam Deck keine Probleme mit diesem Remaster haben werden.

Auf alle, die noch kommen

Bildmaterial: Tales of Xillia Remastered, Bandai Namco, DokiDoki Groove Works

Der Beitrag Im Test! Tales of Xillia Remastered bietet jede Annehmlichkeit, die eine PS3-Neuauflage braucht erschien zuerst auf JPGAMES.DE.

Titel	Dragon Quest I & II HD-2D Remake
	30. Oktober 2025
	Square Enix
	30. Oktober 2025
	Square Enix
	30. Oktober 2025
	Square Enix
System	PlayStation 5, Nintendo Switch, Switch 2, Xbox Series, PC
Getestet für	PC (Steam)
Entwickler	Square Enix, ARTDINK
Genres	JRPG
Texte
Vertonung

Nostalgie ist schon etwas Berauschendes. Nur zu gern denken wir an vergangene Zeiten und wünschen, diese Momente erneut erleben zu können. Dieser Fakt ist den Videospielpublishern sehr wohl bekannt und sorgt für ein Remake/Remaster nach dem anderen.

Die Arbeit, welche in diese Spiele investiert wird, variiert jedoch von Projekt zu Projekt. Das System von Square Enix scheint jedoch aufzugehen. Mit dem patentierten und wirklich schönen HD-2D-Look hat man die perfekte Mischung aus Nostalgie und Moderne gefunden.

Nachdem wir letztes Jahr mit dem legendären Helden Erdrick in Dragon Quest III HD-2D Remake das Böse besiegen durften, sind nun seine Nachfahren an der Reihe. Dragon Quest I & II HD-2D Remake erzählt in zwei Spielen die Geschichte dieser Nachfahren.

Und wer sich erinnern kann, in welchem Jahr diese JRPG-Prototypen veröffentlicht wurden, der weiß, dass hier weder erzählerische noch spielerische Komplexität und Vielschichtigkeit erwartet werden kann. Was diese kleine Kollektion bietet, ist pure Nostalgie und ein unglaublich interessanter Einblick in die Genre-Geschichte – und das in einem wunderschönen HD-2D-Gewand.

Erdricks Erbe

Nach den heldenhaften Taten von Erdrick selbst hält das Böse wieder Einkehr in die Welt. Nur eine Person vermag es, dieses Übel zu verbannen: der prophezeite Nachfahre von Erdrick. In diese stummen Fußstapfen tritt der Spieler und muss klassisch auf einer überschaubaren Weltkarte von Stadt zu Dungeon und wieder zurück reisen, um die Welt zu retten.

Es gilt, viele Monster zu töten, Unterhaltungen zu führen und relevante Reliquien zu sammeln. Besonders Letzteres steht im Vordergrund. An den klassischen Wurzeln wurde bei diesem Remake also nicht gerüttelt. Es ist erfrischend, mal wieder ein so simples Abenteuer zu erleben, da viele Genre-Ableger dieser Zeit gerne ins Abstruse abrutschen.

Aber trotz charmantem Aufbau besteht die Geschichte nur aus einzelnen Fetchquests, die sich in weitere dieser Quests verzweigen. Das ist besonders im ersten Teil schmerzhaft offensichtlich. Jedes Mal, wenn man sich darüber freut, ein relevantes Item für die Story gesammelt zu haben, ist es oft nur ein Teil eines noch wichtigeren Items. Verstärkt wird dieser Effekt durch den stummen Protagonisten, der stupide von A nach B läuft und allem zustimmt.

Im zweiten Teil dieser Kollektion wird es etwas spannender, denn hier tun sich die Nachfahren dieses Helden zusammen, um erneut die Welt zu retten. Es bleibt bei der einfachen Geschichte: Gut gegen Böse. Aber dank der diesmal existierenden Heldentruppe, die größtenteils aus richtigen Charakteren besteht, kommt eine bitter nötige Dimension zum Storytelling hinzu.

Dennoch bleiben simple Quests an der Tagesordnung – und nicht nur zu Lande. Während im ersten Teil der Hauptcharakter auf das Festland angewiesen war, darf sich die Heldentruppe im Sequel auch auf einem Boot amüsieren. Als kleine Lektion über die Evolution des JRPG-Genres sind die HD-2D-Remakes von Dragon Quest I–III also optimal geeignet.

HD-too great

Die komplett überarbeitete Optik sorgt dabei für die nötige Atmosphäre. Am HD-2D-Stil werde ich mich wohl nie sattsehen können. Die wunderbar modernisierten Pixelcharaktere mit ihren charmanten Animationen werden durch die farbenfrohen 3D-Umgebungen stark aufgewertet. Erneut überzeugen dabei besonders die Lichteffekte. Wenn Sonnenstrahlen durch die Baumwipfel scheinen oder die Charaktere in dunklen Höhlen von ihren Fackeln beleuchtet werden, kann man davon nur begeistert sein.

Hinzu kommt die neue japanische und englische Sprachausgabe, die es leider nicht in alle Dialoge geschafft hat – schade. Die Synchronsprecher wurden gut gewählt und geben sich merklich Mühe, den eindimensionalen Charakteren etwas Leben einzuhauchen. Davon hätte es in der Kollektion gern mehr geben dürfen.

Am legendären Soundtrack von Koichi Sugiyama gibt es ebenfalls nichts zu meckern. Vergangen sind die Erinnerungen an katastrophal repetitive Midi-Sounds. Hier ziehen die orchestralen Arrangements alle Register. Gepaart mit den ikonischen Soundeffekten macht sich in jeder Spielsession ein warmes Gefühl in der Brustgegend breit.

Spielerisch bieten weder der erste noch der zweite Teil dieser Kollektion allzu große Überraschungen. Auf der Speisekarte steht nämlich nur eines: rundenbasierte Kämpfe mit Zufallsbegegnungen – mit dabei alle Stärken und leider auch Schwächen des Dragon Quest III HD-2D Remakes.

Das hohe Gras

Kenner des Genres wissen, dass alle paar Meter eine Zufallsbegegnung auf sie wartet. Anders als in anderen Spielen kann man hier nicht die Häufigkeit per Menüeinstellung ändern. In diesen Kämpfen sind, anders als bei späteren Genre-Ablegern, nur die Feinde zu sehen. Das soll für Immersion sorgen, distanziert aber eher von den Protagonisten. Aneinander angrenzende Feinde einer Art werden zudem als Gruppe zusammengefasst.

Das ist hilfreich, da man mit Gruppenzaubern mehreren Gegnern zugleich Schaden zufügen kann. Andererseits kann man kein präzises Ziel in dieser Gruppe wählen – das übernimmt die KI. Diese kann aber auch ganze Kampfabläufe übernehmen. Der Spieler hat hier die Freiheit zu entscheiden.

Auch eine sichtbare Reihenfolge während der Duelle, die heute bei so einem Kampfsystem nicht mehr wegzudenken ist, gibt es leider nicht. Das nimmt dem strategischen Gameplay etwas an Spaß. Magie, Fähigkeiten und Angriffe müssen richtig balanciert und auf die jeweiligen Gegner angepasst werden, sonst kommt man selbst im normalen Schwierigkeitsgrad nicht weit.

Auch bei den Waffen gibt es viele Wege zu gehen: Wählt man eine starke Waffe, die sich auf ein Ziel konzentriert, oder opfert man etwas Stärke für eine, die eine gesamte Gruppe trifft? Oder geht man noch weiter und wählt eine schwache Waffe, die jeden Feind angreift? Stupides Hämmern auf die Bestätigungs-Taste ist also nicht hilfreich.

Quality of Grind

Das sorgt jedoch auch für viele frustrierende Momente. Es reicht nur eine Runde lang etwas Pech mit gegnerischen Statusveränderungen oder kritischen Treffern zu haben und schon flackert der Game-Over-Bildschirm auf. Besonders später in den Spielen passiert das unglaublich häufig. Grinden steht also ebenfalls auf der Tagesordnung. Einigen mag dieser Umstand gefallen, doch das nicht-optionale Grinding ist nicht ohne Grund aus dem Genre verschwunden.

Glücklicherweise sind die Autosave-Punkte sehr großzügig gesetzt, sodass nie viel Progress verloren geht. Für alle anderen gibt es den einfachen Schwierigkeitsgrad, der für ein angenehm entspanntes Spielerlebnis sorgt. Dazu gibt es sogar einen Unsterblichkeitsmodus für Leute, die sich ausschließlich mit der Geschichte auseinandersetzen wollen.

Weitere Boni dieser Kollektion sind einige neue Story-Sequenzen und im zweiten Teil sogar komplett neue Gebiete, die es zu erkunden gilt. Zugegeben: Mein letzter Durchgang mit den ersten Dragon-Quest-Teilen ist so lange her, dass ich keinen nennenswerten Unterschied bemerkt habe – das macht es aber nicht minder gut. Es gibt auch neue Items, Effekte und sogar einen neuen spielbaren Charakter im zweiten Teil. Alles willkommene Updates, die den Kern der beiden Spiele in jeglicher Hinsicht bewahren.

Technisch gibt es – wie schon beim letzten Remake 2024 – nichts zu meckern. Selbst die schwächsten PCs werden mit stabilen 60 FPS keine Probleme haben und für ein flüssiges Spielerlebnis sorgen können. Auch die Ladezeiten sind angenehm kurz, was man leider nicht von den extrem langsamen Dialogen behaupten kann. Manchmal liegen zwischen zwei zusammenhängenden Dialogboxen mehr als zehn Sekunden. Da fällt es schwer, aufmerksam zu bleiben. Das Pacing hätte man also etwas eleganter gestalten können.

A very Questy Remake

Bildmaterial: Dragon Quest I & II HD-2D Remake, Square Enix, Artdink

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Titel	Hotel Barcelona
	26. September 2025
	CULT Games
	26. September 2025
	CULT Games
	26. September 2025
	CULT Games
System	PlayStation 5, Xbox Series, PC
Getestet für	PC (Steam)
Entwickler	White Owls Inc.
Genres	2,5D-Roguelite
Texte
Vertonung

Als großer Fan von Postpunk-Meister Suda51 freue ich mich auf alle Spiele, die seinen illustren Namen tragen. Selbst wenn diese Spiele an sich nicht immer überzeugen, so bieten sie genug Diskussionsstoff oder mindestens einen interessanten Einblick in die Psyche dieses einzigartigen Entwicklers.

Der zweite Name, der bei der Ankündigung für Aufsehen sorgte, war Swery. Nicht so prominent wie Suda51, aber unter Kennern hoch gehandelt. Der gute Mann ist ebenfalls für seine ungewöhnliche Herangehensweise an die Spieleentwicklung bekannt und zeichnet sich verantwortlich für den Kultklassiker Deadly Premonition. Atmosphäre beherrscht dieser Entwickler also allemal. Nur in Sachen Gameplay und Technik fehlt seinen Spielen oft der letzte oder sogar der erste Feinschliff.

Als Hotel Barcelona angekündigt wurde, überraschte der Trailer mit surrealen Grafiken, einem agil imponierenden 2,5D-Gameplay und grotesk-humorvollen Bossdesigns. Leider hat es nur einer der Punkte in das finale Produkt geschafft.

Welcome to Hotel Barcelona

Nach einem verheerenden Autounfall wacht die zurückhaltende Regierungsangestellte Justine in einem pompösen Hotelzimmer auf. Ihr Job, einen wahnsinnigen Auftragsmörder im Dienste der US-Regierung in das berüchtigte Hotel Barcelona zu transportieren, sodass die vielen Killer dort seiner verdrehten Justiz vorgestellt werden können, ist gescheitert.

Nun muss Justine diese schwere Aufgabe selbst in die Hand nehmen, da ihr Fahrgast beim Unfall das Zeitliche gesegnet hat. Dabei ist sie jedoch nicht auf sich allein gestellt. In ihrem Kopf hat sich nämlich ein weiterer Mörder breitgemacht: Dr. Carnival. Durch ihn erlangt sie besondere Kräfte, die es ihr erlauben, sich gegen die Gefahren von Hotel Barcelona zu behaupten.

Doch sowohl Justine als auch ihr blutrünstiger Kamerad im Oberstübchen verfolgen ihre eigenen Ziele. Selbiges gilt für das Hotel und seine vielen Bewohner. Die Prämisse eines Hotels, das vor Horror- und Popkultur-Referenzen aus den 80ern und 90ern strotzt, sowie die unzähligen Auftragsmörder tragen die Handschrift von Suda51. Kein Wunder, denn von ihm stammt die Idee zum Spiel.

Batterie leer

An sich ist das Aufdecken der Mysterien rund um das Hotel Barcelona und seine Bewohner interessant, verliert jedoch durch die statischen und schwachen Dialoge an Reiz und ist in der Dauer deutlich begrenzt. Generell hätte die Erzählung von mehr Tempo und Humor profitiert, um sich der Sintflut an Horror-Referenzen entgegenstellen zu können.

Trotz anziehendem Tempo in der zweiten Hälfte fehlt es einfach an der nötigen Energie, die für eine solche Prämisse notwendig ist. Hier zeigt sich, weshalb die Kombination dieser beiden eigensinnigen Entwickler vielleicht doch keine so gute Idee war.

Die Qualität der englischen Synchronisation hilft dabei leider auch nicht. Selbst wenn man die Kerbe in Richtung B-Movie einschlägt, muss eine gewisse Energie investiert werden, die hier nicht immer zu spüren ist. Einige Sprecher genießen sichtlich ihre verdrehten Rollen, was bei einem solchen Projekt das A und O ist. Andere hingegen wirken so, als wären sie nur da, um ihre Zeilen möglichst schnell abzulesen. Dank der Sprachbarriere und der gewohnt makellosen japanischen Synchronisation fällt die Entscheidung hier also nicht schwer.

Akku aufgebraucht

Auch der Soundtrack ist, mit Ausnahme zweier Szenen zum Ende hin, seltsamerweise sehr zurückhaltend. Es handelt sich hier um einen Slasher mit multiplen wahnsinnigen Mördern, teilweise im Hühnerkostüm, die in einem verhexten Hotel die Klingen kreuzen. Und trotzdem bleibt der Soundtrack für weite Strecken komplett stumm oder liefert nur generische Töne. Sehr schade.

Auch optisch weiß Hotel Barcelona nicht so recht zu überzeugen. Einige Aspekte wie die verdrehten Charakter-Artworks, die fantastischen Einleitungen der Bosskämpfe und die wenigen animierten sowie realen Sequenzen sind genau das, was man sich von solch einem Titel erhofft. Hier trifft nämlich Horror auf Surrealismus und das macht Lust auf mehr. Die Ingame-Optik kann da aber nicht mithalten.

Den Charaktermodellen und Umgebungen fehlt es an Details. Nur die Bossmonster weisen ein kreatives und nicht repetitives Gegnerdesign auf. Die Animationen wirken steif und veraltet und die sieben verschiedenen Areale des Hotels wirken sehr verwaschen. Generell liegt die grafische Qualität weit unter Genre-Standard, sowohl beim Design als auch auf der technischen Seite.

2,5D-Roguelite

Während Swery eher für ungewöhnliche Genre-Kombinationen im Horror-Gewand bekannt ist, handelt es sich bei Hotel Barcelona um ein klassisches 2,5D-Roguelite. Die einzigartigen und diffusen Kombinationen von Swery haben immer dafür gesorgt, dass seine Spiele schwer mit anderen zu vergleichen waren – doch nicht hier. In einem der übersättigtsten Genres mit teils überwältigend gut designten Koryphäen kann Swery einfach nicht mithalten.

Alle notwendigen Elemente sind vorhanden: Kombinationsangriffe von starken und schwachen Schlägen, Blocken, Parieren, Ausweichen und sogar der klassische Doppelsprung. Doch es fehlt an Finesse, Reaktivität und Präzision. Das gesamte Kampfsystem fühlt sich träge und klobig an. Jeder Schlag braucht eine Weile, Canceln geht nicht und das Ausweichen fühlt sich zu strikt an, ist von einer unpassenden Ausdauerleiste limitiert und geht auch mal in die falsche Richtung. Hinzukommt, dass einige dieser Elemente erst im Skilltree freigeschaltet werden. Das macht den Einstieg noch schwieriger.

Vergleicht man das Spiel mit Genre-Klassikern wie Dead Cells, Hollow Knight oder Rogue Legacy, fällt Hotel Barcelona gameplaytechnisch in jeglicher Hinsicht ab. Hier hätte es noch deutlich mehr Entwicklungszeit gebraucht.

Groundhog

Das Roguelite-Element wird durch die verhexte Barriere über dem Hotel-Resort erklärt. Nach jedem Tod wacht Justine wieder in ihrem Bett auf und muss sich von Neuem ins Gefecht stürzen. Ein narratives Korrelat für den Roguelite-Loop zu haben, funktioniert hier sehr gut. Besonders spannend ist die Idee, dass nach einem gescheiterten Durchlauf ein Justine-Phantom im nächsten Level mitkämpft. Dieses bewegt sich nicht KI-gesteuert, sondern wiederholt 1:1 die Bewegungen des Spielers aus dem vorangegangenen Run. Bis zu vier Phantome können so gleichzeitig aktiv sein.

Will man jedoch mit den Phantomen kämpfen, muss man sich an deren Tempo halten. Das beeinträchtigt den Spielfluss der einzelnen Durchläufe etwas. Nichtsdestotrotz ist das eine spannende Idee, die hoffentlich in Zukunft weiter ausgebaut wird.

Insgesamt kann man bis zu sechs Währungen beim Bekämpfen von Monstern und Objekten sammeln. Diese lassen sich im Skilltree, für neue Waffen/Items und sogar beim Pinball-Spielen einsetzen. Zu Beginn wirkt das sehr unübersichtlich, da die Tutorials sich nur auf das Nötigste konzentrieren.

Nicht genug

Viele Spieler werden daher zunächst überfordert sein, vor allem, weil man gezwungen ist, viele Ressourcen vor jedem Durchgang zu verwerfen. Bleibt man aber dran, erklärt sich das meiste recht schnell von selbst. Gegen Ende muss man selbst kreativ werden, um die letzten Geheimnisse rund um das Hotel zu lösen.

Leider braucht es einiges an Zeit, bis Justine ihr volles Potenzial ausschöpft und man das Gefühl bekommt, wirklich stärker zu werden. Grund dafür sind die eher marginalen Upgrades im Skilltree, die wenig abwechslungsreichen Waffen und das Glücksspiel beim Aufwerten. Zwar gibt es mehrere Waffenarten und fixe Upgrades, doch das generell langsame Gameplay sorgt für wenig Abwechslung.

Selbst die ultimativen Attacken von Dr. Carnival, die man mit dem Blut der Monster füttert, können darüber kaum hinwegtrösten – auch wenn sie optisch durchaus eindrucksvoll sind. Blut wird ebenfalls als eine Art Währung gehandelt. Je mehr Blut Justine sammelt, desto stärker wird sie im kurzfristigen Verlauf.

Tragödie

Auch technisch läuft Hotel Barcelona nicht rund. Erinnert das an Swerys Deadly Premonition 2? Teilweise ja, auch wenn es nicht ganz so schlimm ist. Aber bei einem simplen 2,5D-Spiel mit wenigen Details sollte man annehmen, dass es auf den meisten PCs problemlos läuft – das tut es aber nicht.

Selbst auf niedrigsten Einstellungen kommen ältere Systeme nicht stabil auf 30 FPS. Damit ist auch das Steam Deck gemeint, auf dem andere Spiele wie God of War Ragnarök flüssig laufen, während Hotel Barcelona gerade so spielbar ist.

Ein stärkerer PC schafft zwar 60 FPS, doch auch hier hapert es an Stabilität und Ladezeiten. Dazu kommen Bugs: Häufig fehlen Soundeffekte, Gegner bleiben hängen oder clippen durch Wände und der eingefrorene Bildschirm macht einen Neustart leider nötig. Nichts Spielzerstörendes, aber dennoch ärgerlich.

Hotel California

Bildmaterial: Hotel Barcelona, Cult Games, White Owls Inc.

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Titel	Final Fantasy Tactics: The Ivalice Chronicles
	30. September 2025
	Square Enix
	30. September 2025
	Square Enix
	30. September 2025
	Square Enix
System	PlayStation, Nintendo Switch 1/2, Xbox, PC
Getestet für	PC (Steam)
Entwickler	Square Enix
Genres	Taktik-RPG
Texte
Vertonung

Schützt euch und euer Portemonnaie, denn die Remake-/Remaster-Welle kommt. Nichts und niemand ist vor ihr sicher und öfter, als einem lieb ist, trifft es diejenigen, die es am wenigsten verdienen. Doch ab und zu reitet genau der richtige Titel auf dieser Welle.

Beim Square-Enix-Strategie-Klassiker Final Fantasy Tactics wurde es auch Zeit. Seit dem in vielen Teilen akkuraten NVIDIA-Leak vom September 2021 wusste alle Welt von der Existenz dieses Projekts, aber nicht, wann es erscheinen oder wie weit es reichen würde.

Tatsächlich befand sich Final Fantasy Tactics: The Ivalice Chronicles bei der hochkarätigen Business Division III in Entwicklung. Diese ist für ihre Arbeit an Final Fantasy XIV und XVI bekannt. Die Suche nach einem passenden Director für das Remaster war also garantiert keine lange, da Kazutoyo Maehiro Teil des Teams ist. Der gute Mann hat zusammen mit Yasumi Matsuno bereits am Original gearbeitet und war somit die beste Wahl für diesen Posten.

Final Fantasy Tactics: The Ivalice Chronicles bietet alles, was man sich von einem modernen Remaster eines absoluten Kult-Klassikers in Pixeloptik wünschen könnte. Warum so einige Fans dennoch mit etwas Wehmut auf das Spiel blicken, erfahrt ihr in den folgenden Absätzen.

Ivalice, oh Ivalice

Der König ist tot! Ein wilder Thronfolgestreit beginnt und inmitten dieses Chaos versuchen die beiden Jugendfreunde Ramza Beoulve und Delita Heiral, die als Ritterlehrlinge stolz ihre Pflicht erfüllen wollen, ihren Weg zu finden. Doch während dieses bitteren Konflikts, in dem auch die Kirche und fragliche mystische Mächte ihre Finger im Spiel haben, driften die beiden Gefährten auseinander und müssen ihr Schicksal zwischen Loyalität, Moral und Zweifel navigieren.

Jeder, der ein wenig Kenntnis von der Materie hat, weiß, dass das Ivalice-Universum vor politischer Machtkämpfe und Intrigen strotzt. Auch bei Final Fantasy Tactics: The Ivalice Chronicles steht das politische Geschehen im Vordergrund und weiß einmal mehr mit fantastischen Dialogen mitzureißen.

Sowohl die einzelnen Schicksale der Charaktere als auch ihre Verbindung zur Rahmenhandlung und die Welt von Ivalice fesseln und bezaubern von der ersten bis zur letzten Sekunde. Die vielen Wendungen überraschen immer wieder und die teils emotionalen Szenen wissen zu bewegen.

Das war 1997 schon so und daran hat sich auch heute nichts geändert. Eine gut erzählte Geschichte ist einfach zeitlos – vor allem, wenn sie, wie oben bereits erwähnt, von solch fantastischen Dialogen getragen wird.

Helfende Hand

Hier bietet das Remaster die größte Neuerung: Jede Dialogzeile ist im Englischen und Japanischen fantastisch vertont. Sowohl die Wahl der Synchronsprecher als auch deren Performance sind überragend. Genau so haben sich die Stimmen von Ramza und Co. 1997 in der eigenen Fantasie angehört.

Ein größeres Lob für eine Synchronisation kann es wohl kaum geben. Es wurden sogar neue Dialoge, besonders während der Kämpfe, hinzugefügt, um den Charakteren noch mehr Leben einzuhauchen. Allein dafür lohnt sich schon der Durchgang im Remaster-Modus.

Ganz genau: Final Fantasy Tactics: The Ivalice Chronicles bietet neben dem Remaster noch einen klassischen Modus, bei dem der Name Programm ist. Hier spielt man nämlich das PS1-Original in all seiner klassischen Pracht. Ein Traum für Puristen.

Doch selbst den größten Fanatikern kann ich die neue Version wärmstens ans Herz legen. Hier ist nämlich offensichtlich viel Liebe und Arbeit investiert worden. Besonders, wenn man sich klarmacht, dass der Quellcode des Originals schon lange verloren ist.

Neben der neuen Vertonung bietet die überarbeitete Fassung natürlich eine aufgehübschte Optik, die trotz High-Definition den Charme des Originals vollends bewahren konnte. Selbiges gilt für das vereinfachte Design und die verbesserte Führung der Menüs. Auch hier haben die Entwickler den richtigen Weg eingeschlagen, denn das Design des Originals überzeugt auch heute noch. Final Fantasy Tactics ist nicht ohne Grund ein waschechter Klassiker.

Der Name ist Programm

Doch Story, Grafik und Sound sind nicht die einzigen Gründe für diesen Status. Das taktische Gameplay mit einer Komplexität, die ihrer Zeit voraus war, macht nach wie vor richtig viel Spaß. Somit war auch hier keine große Überarbeitung nötig.

Sinnvolle Quality-of-Life-Updates wie die Option, Kämpfe vorzuspulen, inmitten von Kämpfen zu speichern und vor allem die Reihenfolge der Einheiten auf Knopfdruck zu sehen, sind nach erstmaliger Nutzung nicht mehr wegzudenken.

Um dem aktuellen Zeitgeist gerecht zu werden, gibt es für das damals ausgesprochen anspruchsvolle Spiel zudem drei neue Schwierigkeitsgrade, sodass auch Einsteiger im Taktik-RPG-Genre die Geschichte von Anfang bis Ende genießen können.

Das erlaubt auch jedem, selbst zu entscheiden, wie tief er in die Materie eindringen will. Final Fantasy Tactics: The Ivalice Chronicles bietet eine unglaubliche Masse an Makro- und Mikromanagement für Charaktere, Klassen, Strategien, Positionierung.

Um auf dem höchsten Schwierigkeitsgrad die härtesten Kämpfe zu meistern, benötigt es sehr viel Arbeit und Geduld. Doch anders als bei vielen anderen Strategiespielen haben die Entwickler hier eine gewisse Leichtigkeit in das Design gebracht, sodass auch diese Hürde mit Spaß und Motivation genommen werden kann.

Where is the leading man?

Nach all dem Lob stellt sich nun die Frage, wieso bei diesem Remaster dennoch gemeckert wird. Die Antwort liegt bei einem bereits vorangegangenen Port: Final Fantasy Tactics: The War of the Lions erschien 2007 exklusiv für die PSP und bot ebenfalls einige sinnvolle und besonders beliebte Neuerungen, wie weitere Job-Klassen, eine Multiplayer-Komponente und neue Charaktere mit dem wohl größten Sympathieträger des Ivalice-Universums.

Leider hat man sich für die PlayStation-Version als Ausgangspunkt dieses Remasters entschieden und so müssen Fans auf Ffamran Mid Bunansa, besser bekannt als Balthier, verzichten. Ein schwer zu verkraftender Kompromiss.

Zum Schluss dieses Reviews kommen wir nun zu meiner Lieblingsrubrik, dem Technikteil. Und als Remaster eines 1997 erschienenen PlayStation-1-Titels in Pixeloptik brauche ich nicht lange um den heißen Brei zu reden.

Final Fantasy Tactics: The Ivalice Chronicles läuft butterweich in 60 FPS ohne lange Ladezeiten. Hier gibt es nichts zu bemängeln. Selbst auf kleinen tragbaren Endgeräten wie dem Steam Deck läuft das Spiel einwandfrei. Das missionsbasierte Design bietet sich natürlich auch für portables Gaming an. Da geht mir richtig das Herz auf.

With sword in hand

Bildmaterial: Final Fantasy Tactics: The Ivalice Chronicles, Square Enix

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Titel	Patapon 1+2 Replay
	11. Juli 2025
	Bandai Namco Entertainment Inc.
	11. Juli 2025
	Bandai Namco Entertainment Inc.
	11. Juli 2025
	Bandai Namco Entertainment Inc.
System	Nintendo Switch, PlayStation 5, PC
Getestet für	PC (Steam)
Entwickler	SAS CO., Ltd.
Genres	Rhythmus
Texte
Vertonung

Bei der Ankündigung von Patapon 1+2 Replay haben sicher so einige Knie angefangen zu schlottern. Hauptsächlich bei den Entwicklern von Ratata Arts, die für den Kickstarter-Erfolg des spirituellen Nachfolgers von Patapon verantwortlich sind.

Viele Backer sind sicher mit dem Wunsch an die Kampagne herangetreten, dieselbe Magie von Patapon zu rekreieren. Und jetzt können sie dies durch eine Kollaboration zwischen Sony Interactive Entertainment und Bandai Namco Entertainment mit dem Original selbst bewerkstelligen.

Doch können diese beiden über 15 Jahre alten Spiele mit einem dezenten optischen Update heute noch überzeugen und sich gegen die möglicherweise modern designte Neuauflage behaupten? Oder beweist diese kleine Kollektion, dass Nostalgie manchmal eben doch blind machen kann? Hier findet ihr es heraus.

PATA-PATA-PATA-PON

Patapon ist wie kein anderes Rhythmusspiel. In seiner Art und Philosophie ist es einzigartig. Es gibt keine vorgegebenen Tasteneingaben oder epische Musikstücke mit visuell berauschender Begleitung – alles maßgebliche Elemente des Genres. Es gibt nur vier Trommeln und eine Handvoll Kombinationen, mit denen man seine großäugigen Untergebenen in die Schlacht schickt.

Also regiert man als mächtiger Gott über diese simple Spezies, die wortwörtlich Rhythmus im Blut hat. Im Heimatdorf dieser kleinen Kreaturen beginnt jeder Tag. Hier kann man sein Team, bestehend aus Nah- und Fernkämpfern, zusammenstellen, ausrüsten, verbessern und sich so auf die nächste Herausforderung vorbereiten. Wer Lust hat, kann auch die Begleitung zu einem tanzenden Baum spielen.

An sich laufen die Missionen immer auf die gleiche Weise ab. Die kleinen Patapons warten auf das erste legendäre PATA-PATA-PATA-PON und schon marschieren sie in Richtung des rechten Bildschirmrandes. Stellen sich ihnen irgendwelche Hindernisse, lebend oder nicht, auf dieser linearen Reise in den Weg, so wechselt man im Rhythmus auf PON-PON-PATA-PON und schon greifen die kleinen Wesen automatisch an. Jede Silbe gibt eine der vier Tasten an. Komplexität steht hier also nicht im Vordergrund.

PON-PON-PATA-PON

Als Spieler hat man so nur indirekt Kontrolle über die einzelnen Patapon-Krieger. Man gibt eigentlich nur den Takt vor und dieser wird dann ohne Zögern befolgt. Bleibt man tatsächlich im Takt, erreicht man den sogenannten Fiebermodus, in dem sich die Patapons schneller fortbewegen, wesentlich mehr Schaden verursachen oder sich besser verteidigen. Hier stimmen die kleinen Wesen auch zum richtigen Gesang an! Nach wie vor motivierend. Gefundene Items werden im Heimatdorf benutzt, um, wie oben beschrieben, das Team auszurüsten, zu vergrößern und generell stärker zu machen.

CHAKA-CHAKA-PATA-PON

Mehr als das bietet die Geschichte von Patapon nicht. Eine kleine Spezies kämpft mit ihrem Gott ums Überleben. Somit scheinen diese beiden Spiele ihren Genre-Kollegen in einigem nachzustehen, aber dem ist nicht ganz so.

Patapon ist weniger ein Rhythmusspiel als ein Meditationserlebnis. Das sollte man sich vor dem Kauf bewusst machen. Wer nicht bereit ist, 8.643.904 Mal PATA-PATA-PATA-PON zu hören und immer wieder dieselben Tastenkombinationen einzugeben, der wird mit der Replay-Kollektion garantiert nicht glücklich.

Wer sich aber darauf einlässt, verfällt nach kurzer Zeit schon in eine Art Trance und summt im Rhythmus mit, während die großäugigen Kreaturen alles vernichten, was ihnen im Wege steht. Ein simples Vergnügen, aber immer noch ein Vergnügen.

PATA-PON-DON-CHAKA

Die Neuauflage bietet, anders als der Name vermuten lässt, nicht viel Neues. Den beiden Spielen wurde eine hochauflösende Optik und eine stabile Bildrate von 60 FPS spendiert. Ebenso wurden kleine Quality-of-Life-Verbesserungen wie überarbeitete Menüs umgesetzt. Doch die wohl wichtigste Neuerung ist der einstellbare Schwierigkeitsgrad, der es jedem ermöglichen sollte, im Takt zu bleiben und das Ende der beiden Reisen zu erleben.

Was einen hingegen aus dem Takt treiben könnte, ist der Input-Lag oder vielmehr der Output-Lag. Zu PSP-Zeiten hat man das Spiel einfach eingelegt, eingeschaltet und jeder Tastendruck hat sich eins zu eins auf dem Bildschirm und im Sound widergespiegelt. Heutzutage, wenn man mit Bluetooth-Kopfhörern an seinem Handheld spielt, wird man jedoch eine Diskrepanz zwischen Knopfdruck und Ton feststellen, die es sehr schwer macht, im Takt zu bleiben. Das gilt auch für diverse Boxen und andere Kopfhörer, die man benutzt.

Um dem entgegenzuwirken, gibt es eine justierbare Timing-Funktion im Menü. Hier kann man sich austoben und die optimale Korrelation zwischen Tastendruck und Takt finden. Leider ist das oft frustrierender, als man sich das vorstellt, und besonders wenn man die Audio-Optionen wechselt – etwa beim Andocken einer tragbaren Konsole an den Fernseher – muss man die Einstellung neu vornehmen.

Mit der Replay-Kollektion ist leider auch der Online-Modus von Patapon 2 komplett weggefallen. Schade, aber in gewisser Weise auch nachvollziehbar. Neue Server für ein so altes Nischenspiel aufrechtzuerhalten, ist nicht besonders realistisch. Ein großes Fragezeichen steht jedoch hinter dem dritten und letzten Teil. Dieser ist weiterhin auf der PlayStation Portable gefangen und es stellt sich die Frage, warum sich die Entwickler diese optimale Chance für eine Neuauflage haben entgehen lassen.

PATA-PATA-PATA-PATA-PATA

Bildmaterial: Patapon 1+2 Replay, Bandai Namco, SAS

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Das Repertoire des japanischen Kult-Entwicklers in den letzten Jahren spricht hierbei für sich und so bleibt die Vorfreude natürlich groß. Eine Schande, dass bis heute nur der erste Teil für PCs und Konsolen neu aufgelegt wurde. Ohne große Fanfare erschien Onimusha: Warlords 2019 weltweit und sorgte bei vielen, mich eingeschlossen, für die Frage: Wo bleiben die anderen Teile?

Number 2

Diese Frage ist nun beantwortet. Um den Namen Onimusha im aktuellen Gespräch zu behalten, erscheint sehr bald schon der zweite Teil, Onimusha 2: Samurai’s Destiny, für Konsolen und PCs. Es wurde also ein bisschen länger gewartet, um den Hype für Onimusha: Way of the Sword, welches im nächsten Jahr erscheinen soll, aufrechtzuerhalten. Doch bevor wir in die Zukunft gucken, werfen wir einen Blick auf die Vergangenheit mit einer kleinen Reise in das ferne Jahr 2002.

Simple Zeitreise

Storytechnisch macht Onimusha 2: Samurai’s Destiny das Nötigste, um ein Dämonenmassaker zu rechtfertigen. Nobunaga, der Dämonenlord höchstpersönlich, ist auf dem Kreuzzug und vernichtet alles, was ihm dabei im Wege steht. Darunter auch das kleine Dorf Yagyu, in dem unser neuer Protagonist Jubei aufgewachsen ist. Voller Zorn macht sich der gute Mann auf den Weg, den Dämonenlord zu finden und Gerechtigkeit walten zu lassen.

Simpel und simpel erzählt. Das Besondere an der Geschichte von Onimusha 2: Samurai’s Destiny ist jedoch nicht die Haupthandlung an sich, sondern die vier prominenten Nebencharaktere, die Jubeis Weg ein aufs andere Mal kreuzen. Humor steht hier eindeutig im Vordergrund. Das liegt zum einen an den Charakteren selbst, aber vor allem an der typischen Lokalisierung für das frühe 21. Jahrhundert. Allen voran an der Synchronisation. Alle Zwischensequenzen sind voll vertont und hören nicht auf das Lachgetriebe zu beanspruchen.

Meistens tatsächlich nicht gewollt, reiht sich ein Lacher an den anderen, was natürlich eine suffiziente Form der Unterhaltung ist. So was ging tatsächlich nur in der frühen PlayStation-2-Ära.

Resi-Flashback

Grafisch hat man das Nötigste getan, um das alte Spiel in die Moderne zu holen. Die überarbeiteten Texturen und das hochskalierte Bild sorgen für ein scharfes Erlebnis, aber die hier noch schärferen starren Animationen und Gesichtszüge können weder das Alter noch die Lacher kaschieren. Ebenso für das Alter sprechend ist die Kameraführung, die nicht vorhanden ist. Mit fixen, teils vorgerenderten Hintergründen bewegt man sich von Bild zu Bild, was natürlich immer an die alten Resident-Evil-Teile bzw. älteren Survival-Horror-Spiele erinnert.

Ich kann mich nicht mehr daran erinnern, wann das letzte Spiel eine solche Kameraführung hatte. Aber es weckt ein wohliges Gefühl in der Magengegend. Die Parallelen zu Resident Evil hören jedoch nicht bei der Kamera auf. Mit grünen Kräutern heilt man sich und diverse Rätsel erinnern schon an Capcoms Star-Serie.

Aber anstatt Zombies mit Schusswaffen zu bekämpfen, gibt es hier eine Vielzahl von Elementar- und Fernkampfwaffen. Die Kombinationsangriffe halten sich zwar in Grenzen, aber für die frühen 2000er-Jahre war das Kampfsystem mit den vielen magischen Angriffen, den starken Kontern und den verschiedenen Waffen schon beeindruckend.

Seelen-Magnet

Maßgeblich für die Serie ist aber die linke Hand des Hauptcharakters, welche die freigelassenen Seelen der Gegner einfangen kann. Hier gibt es Heilung, MP und natürlich die Währung, mit der man die Waffen und das angelegte Equipment verbessert.

Generell ist der Schwierigkeitsgrad nicht besonders hoch angelegt. Aber das Remaster bietet für jeden etwas. Neben dem normalen Schwierigkeitsgrad gibt es noch eine einfache Option und eine höllische Option, bei der man nach nur einem Schlag das Zeitliche segnet. Zudem bietet das Remaster verschiedene Minispiele, die beim Original erst nach erstmaligem Durchspielen zugänglich waren, bereits zu Beginn.

Für mich?

An dem obskuren Geschenksystem hat sich jedoch nicht viel geändert. Oft wird man beim Erkunden oder bei Shops mit Gegenständen belohnt, die man seinen vier Nebencharakteren als Geschenk übergeben kann.

Durch diverse Aktionen und Dialoge muss man entscheiden, für wen welches Geschenk am besten ist, so dass die entsprechende Belohnung auch höher ausfällt. Das ist oft schwierig nachzuvollziehen und braucht im besten Fall eine Tabelle aus dem Internet.

Mit knapp zehn Stunden Hauptkampagne ist Onimusha 2: Samurai’s Destiny kein besonders langes Spiel, aber für Spieler, die etwas für Videospielgeschichte und Nostalgie übrighaben, lohnt sich der Blick allemal.

Samurai-Nostalgie

Bildmaterial: Onimusha 2: Samurai’s Destiny, Capcom

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Titel	Bleach: Rebirth of Souls
	21. März 2025
	Bandai Namco Entertainment Inc.
	21. März 2025
	Bandai Namco Entertainment Inc.
	21. März 2025
	Bandai Namco Entertainment Inc.
System	PlayStation 4/5, Xbox Series, PC
Getestet für	PC (Steam)
Entwickler	TAMSOFT CORPORATION
Genres	Arena-Fighter
Texte
Vertonung

Wer kennt das nicht? Nach einem partiell massiv frustrierenden und nervenaufreibenden Soulslike sehnt sich das Herz nach seichter Videospielkost. Und was könnte seichter sein als ein Anime-Prügler, basierend auf einem Shonen-Bestseller?

In meiner Laufbahn habe ich den ein oder anderen Ableger dieses Genres testen können und nur selten erheben sich diese Spiele über das Mittelmaß hinaus. Trotzdem war ich nach dem letzten Testmuster in bester Stimmung für Bleach: Rebirth of Souls!

Nicht geschadet hat dabei die Tatsache, dass ich die ersten Staffeln des Anime, beginnend mit der Substitute-Shinigami-Arc bis zum Ende der Arrancar-Arc, für das vielleicht beste Shonen-Material aller Zeiten halte. Die Ausgangssituation war also optimal. Doch was dann folgte, möchte ich gerne vor dem eigentlichen Review festhalten. Denn nach ein paar Wochen schon wird jeder vergessen haben, wie dieses Spiel auf PCs veröffentlicht wurde.

A tale as old as digital games

Pünktlich zur Veröffentlichung von Bleach: Rebirth of Souls landete das Testmuster in meinem Postfach. Die Vorfreude war, wie erwähnt, groß, unter anderem auch wegen dem präsenten Marketing im Vorfeld. Da ich mich vor meinen Reviews von der Berichterstattung anderer Kollegen und Plattformen fernhalte, konnte das Raunen der Frustration meine Ohren zu diesem Zeitpunkt noch nicht erreichen. Die Zeit zum Download der 70 GB verging wie im Fluge und endlich war es so weit.

Ich öffnete das Spiel und wurde von einem stylischen Menü begrüßt. So weit, so Bleach. Dann poppte ein Fenster auf, welches mir ein Tutorial anbot. Sehr gut, denn die meisten Anime-Prügler, so generisch sie auch sind, haben ein spezifisches Regelwerk, um sich von der Masse ein wenig abzuheben.

Also stieg ich in das Tutorial ein, das Spiel stürzte ab und beendete sich von selbst. Erst einmal kein Grund zur Beunruhigung. Als PC-Spieler weiß man, dass es besonders zu Beginn immer mal wieder ein paar Anlaufschwierigkeiten geben kann. Also startete ich das Spiel erneut und wurde erneut vom stylischen Menü begrüßt. Das Pop-up-Fenster vom Tutorial erschien nicht mehr, aber aus dem Menü ließ es sich ganz einfach anwählen. Ich drückte drauf und landete erneut auf dem Desktop.

Auf Spurensuche

Zwei Ursachen hätten den Grund dafür sein können. Vielleicht waren die grafischen Anforderungen von Bleach: Rebirth of Souls so hoch, dass mein PC Schwierigkeiten mit der Darstellung der Kämpfe hatte.

Unwahrscheinlich, da es sich hier um ein überschaubar budgetiertes Lizenz-Spiel handelt, welches in kleinen Arenen 1-vs-1-Kämpfe rendert. Die zweite Möglichkeit war, dass der Tutorial-Modus fehlerhaft programmiert wurde und nicht gestartet werden konnte.

Also auf ein Drittes. Ich startete das Spiel, wurde von dem stylischen Menü begrüßt und dieses Mal reduzierte ich die grafischen Optionen auf das absolute Minimum. Beim Anwählen des Tutorials landete ich aber wieder auf dem Desktop. Kein guter Start. Es lag also nicht an meinem PC. Zum vierten Mal startete ich das Spiel und diesmal wählte ich den Story-Modus und wieder landete ich auf dem Desktop. Immer wenn ich einen Modus anwählte, stürzte das Spiel ab.

Eine letzte Option blieb mir, bevor ich im Netz nach Lösungsvorschlägen suchte. Doch auch auf Steam Deck bot sich mir dasselbe Bild. Nach kurzen Recherchen wird klar, dass die PC-Version von Bleach: Rebirth of Souls für unzählige Spieler schlichtweg nicht funktioniert. Ein Produkt, für das viele Menschen bis zu 99,99 Euro bezahlt haben und das mutmaßlich monatelangen Qualitätstests unterzogen wurde, ist nicht spielbar. Fast unvorstellbar.

Abwarten und frustriert Tee trinken

Am nächsten Tag folgte glücklicherweise der heißersehnte Patch. Kleine Verbesserungen waren sofort spürbar. Ich gelangte bis in das Charakterauswahl-Menü. Diese waren jedoch ausgegraut und der Ton funktionierte nicht mehr. Und leider stürzte das Spiel, weiterhin bei den niedrigsten grafischen Optionen, bei jedem Ladeversuch einer Arena ab. Also heißt es wieder warten.

Dann war es endlich so weit. Am darauffolgenden Tag konnte ich endlich mit Ichigo sein Zanpakuto schwingen. Aber zunächst nur im Offline-Modus und bei grafisch deutlichen Einbußen. Mit jedem neuen Patch wurde Bleach: Rebirth of Souls ein wenig spielbarer und nun habe ich den gesamten Story-Modus durch und einige weitere Kämpfe im Offline- und Online-Modus bestritten.

Es ist sicher nicht fair, dass jemand, der sich das Spiel in zwei, sechs oder zehn Monaten kaufen will, so viele Absätze darüber lesen muss, wie viel zum Release schiefgelaufen ist, zumal das Entwicklerteam merklich daran arbeitet, es spielbar zu machen. Aber ebenso unfair ist es, den Spielern nach monatelanger Wartezeit und für den Vollpreis ein Produkt anzubieten, welches noch nicht für die Veröffentlichung bereit war. Darum habe ich meinen Einstieg hier ausführlich beschrieben, aber jetzt kommen wir zum Spiel selbst.

Von Seelen und Schwertern

Bleach zählt zu den größten Erfolgen der Shonen-Geschichte. Tite Kubo hat unzählige Charaktere, Welten und Momente geschaffen, die sich in den Anime-Zeitgeist gefressen haben. Dank der Anime-Umsetzung der letzten Staffeln, die aktuell noch läuft, ist Bleach wieder in aller Munde. Eigentlich ein optimaler Zeitpunkt für eine Videospieladaption, das gilt sowohl für Fans, die nach unzähligen Jahren ihr Wissen wieder auffrischen wollen, als auch für Neulinge, die nicht die Zeit haben, hunderte Episoden zu gucken.

Wie im Vorfeld berichtet, befasst sich das Spiel mit dem Anfang bis zum dramatischen Ende der Arrancar-Arc. Für viele stellt dieser Großteil des Manga ohnehin das Beste von Bleach dar. Im Story-Modus verfolgt man also die Spuren von Ichigo und Co. von Karakura-Town bis in die Tiefen von Hueco Mundo. Wie bei anderen Anime-Prüglern bedeutet das unzählige Kämpfe, unterbrochen von noch unzähligeren Zwischensequenzen. Und hier schon das erste, wichtige Fazit: Wer nicht mit der Geschichte von Bleach vertraut ist, sollte die Hände von diesem Modus lassen.

Auch wenn die Geschichte in ihrer Vollständigkeit erzählt wird, so fehlen unheimlich viele wichtige Charaktermomente und -interaktionen. Die dramatischen und emotional zerreißenden Momente im Anime, getragen von Tite Kubos grandiosem Soundtrack, werden hier teilweise rekreiert, aber ohne jegliche Seele und Regie. Und auch ohne Blut, was zu so einigen verwirrenden Momenten führt, weil man nicht weiß, wer, wann und wie verletzt wurde.

Standard

Trotz der sichtlichen Bemühungen der Entwickler bleibt bei einem Anime, der über 300 Episoden beinhaltet, bei einem Spiel, das wenige Stunden dauert, einfach zu viel auf der Strecke. Die Regie und Charaktere in den animierten Sequenzen sind steif. Es fehlt an Tempo, Dynamik und Emotionen, vor allem in den Gesichtern der Charaktere.

Gelungen sind hingegen die Vorgeschichten, die im Visual-Novel-Stil mit den originalen Zeichnungen von Kubo über die Bildschirme flattern. Als jemand, der bestens vertraut ist mit dem Anime, hat es mich schon ein wenig geschmerzt, meine Lieblingsmomente so kondensiert zu sehen. Aber dank des Story-Modus gucke ich mir aktuell wieder alle Folgen des Anime an.

Mitschuld daran sind die grandiosen japanischen Synchronsprecher. Diese Synchronisation hat sich mir als Jugendlichem schon ins Gehirn gebrannt und die Freude, alle wieder zu hören, war unbeschreiblich. Auch die englische Sprachausgabe wird geboten, mit der ich weniger vertraut bin.

Aber nach kurzem Reinhören wird auch hier die qualitativ hochwertige Vertonung deutlich. Das sorgt jedoch für einen scharfen Kontrast zwischen Sound und Optik. Ich höre die vertrauten Stimmen, die für wahre Gänsehaut sorgen, aber ich sehe schöne und detaillierte 3D-Modelle in steifen Sequenzen.

Hau in die Tasten!

Jedes einzelne Mal, wenn ich ein lizenziertes Spiel teste, habe ich, was den Soundtrack angeht, dieselbe Kritik. Wieso konnte nicht der originale Soundtrack des Quellmaterials verwendet werden, das mit dem Herz und der Seele eines Anime unzertrennlich verschmolzen ist?

Das würde einen monumentalen Unterschied machen, aber jedes einzelne Mal werde ich enttäuscht. Einem eher mäßig budgetierten Titel weltweite Lizenzen für den Gebrauch der Musik aus dem Anime zu bezahlen ist aber, das muss ich zugeben, auch nicht realistisch.

Aber wo Schatten ist, da gibt es auch Licht. Denn obwohl die originalen Tracks nicht verwendet werden konnten, passt der neu komponierte Soundtrack überraschend gut. Die Lieder rangieren von Techno über Rap bis hin zu den leisen Tönen. Nicht untypisch für die Stil-besessene Optik. Einige Stücke kamen mir sehr familär vor und wer ist Komponist von Bleach: Rebirth of Souls? Niemand Geringeres als Takeharu Ishimoto.

Damals bei Square Enix hat der gute Mann Atemberaubendes geschaffen mit seinen Kompositionen zu Crisis Core: Final Fantasy VII, Final Fantasy Type-0 oder The World Ends with You. Besonders an Letzteres erinnern die rhythmischen und oft vokalen Stücke dieses Kampfspiels. Ishimoto war definitiv der richtige Mann für diese praktisch unmögliche Aufgabe.

Sloppy

Technisch gibt es leider dafür so einiges zu meckern. Trotz optisch offensichtlich nicht allzu hohem Anspruch braucht man einen ordentlichen Rechner für die 60 FPS, die selbst da nicht gehalten werden können. Die etwas aufwändigeren Zwischensequenzen treiben auch stärkere PCs in die Knie und generell wirkt es so, als würde ein schwammiger Filter über dem ganzen Geschehen liegen.

Ohne Frage gibt es hier noch einiges zu patchen und hoffentlich nehmen sich die Entwickler dieser Herausforderung an, denn auch eine Woche nach Release wimmelt das Spiel von technischen Unzulänglichkeiten und weiterhin dem ein oder anderen Absturz.

Doch auch die positiven Aspekte sollten hier erwähnt werden. Die 3D-Modelle der Charaktere sehen sehr gut aus und machen während der Kampfanimationen auch eine sehr gute Figur. Das Highlight sind natürlich die vielen Spezialangriffe, die fantastisch animiert und inszeniert sind. Kein Wunder, da sie teilweise direkt aus dem Anime stammen. Die Schläge haben die Wucht, die sie brauchen, und die partiell zerstörbaren Arenen sorgen bei Kennern für die nötige Nostalgie, auch wenn es an Details und sauberen Texturen fehlt.

Dynamik, Dynamik

Gameplaytechnisch hinterlässt mich Bleach: Rebirth of Souls mit gemischten Gefühlen. Trotz einer wirklich beeindruckenden Charakterauswahl mit viel Abwechslung und Treue zur Vorlage fühlen sich die Bewegungen der Charaktere in den 3D-Arenen etwas schwerfällig an. Jeder Charakter hat eine Kombo mit dem schwachen und dem starken Angriff. Das ist einfach viel zu wenig.

Warum keine Kombinationsangriffe von beiden Optionen? Zusätzlich besitzt jeder diverse Leisten, die es zu verfolgen gilt. Eine ist für die beiden Spezialattacken, die andere für den Blitzschritt/Konter und dann gibt es noch die Reishi, also die Ausdauer, die reduziert werden muss, um die gegnerischen Konpaku, die Lebenspunkte, zu reduzieren. Zusätzlich gibt es eine Erwachen- und Sublimation-Leiste für die Evolution innerhalb der Kämpfe, zum Beispiel für die Freisetzung eines Bankai.

Wem das alles zu viel und zu schnell war, der weiß jetzt, wie ich mich beim Tutorial gefühlt habe. Jeder Angriff und jede Leiste wird in kurzen Tutorials mit oft schwerfallenden Namen vorgestellt und gilt nicht für alle Charaktere. Es braucht also eine Weile, bis man das System versteht.

Gute Abwechslung?

Im Grunde muss man die Ausdauerleiste des Gegners so lange mit einer Handvoll Angriffen bearbeiten, bis diese in den roten Bereich fällt oder auf null sinkt, dann kann man eine Kikon-Technik mit der rechten Schultertaste starten, die, je nach Charakter und Evolutionszustand, eine bestimmte Menge an Konpaku (Leben) abzieht. Meistens beginnen beide Charaktere mit neun Konpaku.

Eine Abwechslung von der Norm, aber nichts, was einen jetzt länger als gewöhnlich an die Konsole fesselt. Nach einigen Stunden verlaufen die Kämpfe sehr eintönig, da man sich an den Charakter und seine Kommandos gewöhnt hat. Viel Dynamik wird in den Kämpfen nicht geboten.

Die Abwechslung kommt dann von dem Cast an sich. Die vielen Charaktere spielen sich trotz ähnlicher Kommandoeingaben sehr unterschiedlich. Ishida Uryu ist als Quincy mit einem Bogen natürlich auf Fernkampf spezialisiert, während Abarai Renjis Bankai den halben Bildschirm füllt und massiven Schaden verursacht. Die diversen Bankai in Aktion zu erleben, ist für Fans sicher ein riesiger Pluspunkt.

Und im Story-Modus gibt es sogar einige Extras und geheime Missionen, wenn man den Kampf auf bestimmte Art für sich entscheidet. Ein nettes Detail. Zusammen mit den bekannten und destruierbaren Arenen kommt so echtes Bleach-Feeling auf, auch wenn es nicht besonders lange anhält.

Standard ²

Neben dem Story-Modus gibt es die gewohnten Offline- und Online-Kämpfe sowie einen Trainingsmodus. Also nichts Weltbewegendes. Die Online-Gefechte funktionieren gut und sorgen zu Beginn auch für den Nervenkitzel, der den simplen Story-Kämpfen fehlt. Leider muss noch ein wenig am Balancing gearbeitet werden. Es ist schön und gut, dass so viele unterschiedliche Charaktere geboten werden, aber das sorgt dafür, dass so einige auch deutlich besser sind als andere (*hust* Aizen *hust*).

Zum Schluss muss natürlich noch der Ingame-Shop erwähnt werden. Hier kann man Talismane und Seelensteine kaufen, die diverse Boni im Kampf liefern, wie stärkere, schnelle Angriffe für die ersten 60 Sekunden und dergleichen. Besitzer des Steam Deck können ebenfalls zuschlagen.

Leider reicht es aktuell nur für die niedrigsten grafischen Optionen und 30 FPS mit dem ein oder anderen Abfall in die 20er-Region, aber trotzdem macht es auf einem kleinen Bildschirm Spaß. Trotzdem ist hier ganz klar Verbesserungsbedarf seitens der Entwickler.

Nicht ganz Rebirth

Bildmaterial: Bleach: Rebirth of Souls, Bandai Namco, Tamsoft

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