Jahr	1990-1991
Animation	Madhouse
Publisher	nipponart
Release	11.11.2016
Genres	High-Fantasy
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Record of Lodoss War basiert auf der gleichnamigen Fantasy-Romanreihe von Mizuno Ryou und stammt aus dem Hause Madhouse. Die 13-teilige Serie wurde von 1990 bis 1991 als OVA veröffentlicht. Das Charakterdesign stammt von Nobuteru Yuuki, welcher ebenfalls für das Charakterdesign von u.a. The Vision of Escaflowne, X – The Movie und Heat Guy J verantwortlich ist.

Nachdem die Serie nach der Insolvenz von OVA Films und SPV viele Jahre nur über Restbestände zu haben war und qualitativ auch nicht mehr sehr ansprechend war, spendiert nipponart dieser nun eine Neuveröffentlichung im neuem Glanz als DVD- und Blu-ray-Komplettbox.

Über Record of Lodoss War

Die graue Hexe Karlla sät Zwietracht und Hass zwischen den Reichen und schon bald steht ein Krieg zwischen den Inselreichen Lodoss und Marmo bevor. Nur der Kämpfer Parn und seine Mitstreiter könnten dies noch verhindern. Tauche ein in die Welt von Lodoss, in der Elfen, Zwerge, Magier und Drachen ihr Unwesen treiben…

Parn möchte ein Held werden und hat seinen verschollenen Vater Thesseus, welcher als Ritter diente, als großes Vorbild. In seinem Dorf ist er nicht sonderlich beliebt und zieht den Unmut auf sich, als er zum Schutze der Tochter des Dorfoberhauptes einen Troll tötet, denn die Trolle bedrohen schon länger das Dorf. Diese sinnen nun auf Rache und das Dorf muss sich dem Angriff entgegensetzen.

Parn gelingt es mit Hilfe seines Freundes Eto, einem Faris-Priester, dem Magier Slayn und dem Zwerg Gim die Trolle entgültig zu beseitigen. Aufgrund aktueller Geschehnisse auf Lodoss wird Parn auf eine Mission geschickt, bei der er von Eto, Slayn und Gim begleitet wird. Später stoßen die Hochelfe Deedlit und der Dieb Woodchuck dazu. Auf ihrer Reise erreichen sie das Königreich Valis, welches von Fawn regiert wird.

Als Valis angegriffen wird, stellen sie sich zusammen mit Fawn und seiner Armee Beld, dem Imperator von Marmo und ein ehemaliger Gefährte von Fawn, und seinen Gefolgsleuten in einem Krieg entgegen in dem die Hexe Karlla insgeheim die Fäden zieht…

Record of Lodoss War erstreckt sich über insgesamt drei Handlungsabschnitte, in denen unterschiedliche Probleme behandelt werden, beginnend mit Beld als Hauptfeind. In jedem Abschnitt stehen auch andere Charaktere im Fokus. Es wird reichlich Fantasy-Action geboten und wird zwischendurch aufgelockert von schönen als auch humorvollen Momenten. Jedoch gibt es auch tragische Momente.

Die Idee zu Record of Lodoss War wurde als Anime gut umgesetzt. Da die Serie aus 1990 stammt, passt die Animation und der Charakterdesign insgesamt gut zur Thematik und vermittelt ein gewisses Flair. Heutzutage würde wohl übermäßiger Einsatz von CG einiges zerstören.

Fans von Fantasy-Rollenspielen werden sich womöglich bei diesem Anime angesprochen fühlen, denn die Originalvorlage ist von Dungeons and Dragons inspiriert und hat auch ein paar Videospielumsetzungen erhalten.

Zur OVA-Serie existieren noch ein Spin-off-Film sowie die OVA Legend of Crystania und eine fortsetzende TV- Serie Chronicles of the Heroic Knight mit anderen Charakteren im Fokus. Beide Titel wurden vor einigen Jahren ebenfalls bei uns veröffentlicht. Chronicles of the Heroic Knight ist aktuell mit Restbeständen über nipponart erhältlich. Eine Neuveröffentlichung der Serie wäre wünschenswert.

Für einen kurzen Bildvergleich zwischen alter und remasterte Fassung gibt es vom japanischen Originalpublisher Kadokawa ein Werbevideo:

Die deutsche Veröffentlichung

Die deutsche Synchronisation wurde vor einigen Jahren bei Circle of Arts angefertigt. Bei der Auswahl der Sprecher hat man sich gezielt für einen Teil aus der Herr-der-Ringe-Besetzung entschieden, da der Anime selbst damit verglichen wurde. Mit der allgemeinen Auswahl hat man eine gute bis akzeptable Wahl getroffen. Am besten getroffen ist dabei der Zwerg Gim, welcher von Norbert Gastell (Homer Simpson aus Die Simpsons, leider letztes Jahr verstorben) gesprochen wird.

Weniger gut getroffen ist die Hohepriesterin Neese, die sich zwar alterstechnisch passend anhört, die Stimme an sich jedoch elanarm wirkt. Da Neese jedoch nur wenige Auftritte hat, kann man darüber hinwegsehen. Timmo Niesner erledigt als Parn gute Arbeit, allerdings kann Niesners Stimme für einige Zuschauer auf Dauer nervig wirken. Beate Pfeiffer trifft Deedlits teilweise freche und eingeschnappte Art recht gut.

Ingesamt betrachtet werden Emotionen gut herübergebracht und die Handlung wird sehr gut widergegeben. Verglichen mit heutigen Synchronisationen hat man hier eine deutliche Stimmenabwechslung.

Leider hat die Synchronfassung ein Manko: Gim nennt Leilia fälschlicherweise seine Tochter.

Für einen Überblick hier eine Liste der Sprecher und ihre Rollen (in Klammern ihre Rolle in Der Herr der Ringe):

• Pan – Timmo Niesner (Frodo)
• Deedlit – Beate Pfeiffer
• Eto – Stefan Krause (Peregrin Tuk)
• Gim – Norbert Gastell (Alter Eichler)
• Slayn – Jacques Breuer (Aragorn)
• Woodchuck – Philipp Moog (Legolas)
• Leilia – Shandra Schadt
• Karlla – Martina Duncker
• Vagnard – Torsten Münchow
• Ashram – Claus-Peter Damitz
• Pirotess – Ute Bronder
• Orson – Daniel Krause
• Shiris – Michele Sterr

Bei der japanischen Originalfassung merkt man dem Anime sein Alter an. Der Ton hört sich trotz Verbesserung für die vorliegende Fassung etwas dumpf an und die Synchronisation an sich wirkt nicht zeitgemäß, was sich aber nach einer kleinen Eingewöhnung legen sollte. Da der Anime unter anderem Kriegsthematik behandelt, hat man hier viele Kampfschreie und es gibt gelegentlich „Overacting“. Insgesamt werden aber die Charaktere passend herübergebracht.

Die Untertitel sind weiß und gut leserlich. Da diese auf das 4:3-Bildformat angepasst wurden, sind sie vielleicht für den einen oder anderen etwas zu klein, überdecken aber so weniger vom Bild.

Beide Synchronfassungen sind zu empfehlen, jedoch könnte die japanische auf Grund des Alters etwas befremdlicher wirken, vor allem, wenn man überwiegend an neuere Produktionen gewöhnt ist.

Die Blu-ray-Fassung wurde auf insgesamt zwei Discs aufgeteilt, welche in einer Amaray für normalerweise DVDs untergebracht wurden. Diese verfügt über ein Wendecover ohne FSK Logo. Als Extra liegt ein fast 200 Seiten starkes Handbuch bei, welches viele Artworks, diverse Cels aus den einzelnen Episoden und mehr, sowie am Ende die Credits inklusive der deutschen Sprecher enthält. Ebenso liegt dem ganzen noch ein Sticker in Größe einer Postkarte bei.

Alles zusammen ist in einem schmalen Hardcoverschuber untergebracht. Die Bildqualität von besonders dem Frontcover der Box ist allerdings nicht sonderlich hochwertig, was vermutlich dem vorliegenden Material zu verschulden ist.

Für die Blu-ray-Fassung wurde das in Japan erstellte HD-Remaster verwendet. Damit kommen die Farben sauberer und intensiver herüber. Ebenso wird dadurch die in die Jahre gekommene Animation aufgewertet und die vielen Details kommen gut zur Geltung

Auf den Discs befinden sich nur die Episoden selbst und bieten keine weiteren Extras.

Fazit

Technische Daten & Extras

• Episoden: 1-13 (von 13)
• Laufzeit: 390 Minuten
• Bild: 1080p High Definition , Bildformat 4:3
• Ton: DTS-HD MA 5.1 (Deutsch) / PCM Stereo (Japanisch)
• Untertitel: Deutsch (weiße Schrift, schwarzer Rand)
• Bonusmaterial: –
• Extras: Handbuch (196 Seiten), Sticker
• Altersfreigabe: ab 12

— geschrieben von Lulu

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Magical Shopping Arcade Abenobashi folgt einem ähnlichen Rezept. nipponart hat die Serie aus dem Jahr 2002 nun in Deutschland auf DVD und Blu-ray neu veröffentlicht. Wir sagen euch, ob die Serie und die Veröffentlichung gelungen sind.

Über Abenobashi

„In der Shoppingmeile Abenobashi schließt ein Laden nach dem anderen. Darum soll sie abgerissen werden und einem neuen Einkaufszentrum weichen. Sasshi und seine Freundin Arumi wollen ein letztes Mal in alten Erinnerungen schwelgen und streifen durch die Straßen ihrer verlassenen Wohngegend. Plötzlich finden sich beide in einer anderen Zeit wieder und ein aberwitziges Abenteuer durch die bunte Anime- und Filmwelt beginnt.“

Das ist die Beschreibung der Serie von nipponart und sie trifft den Kern der Geschichte ziemlich gut. Die Serie führt die beiden Hauptcharaktere Sasshi und Arumi quasi in fast jeder Folge durch eine neue Welt. Erwähnenswert ist, dass die Abenobashi-Shoppingmeile in der gesamten Serie eine wichtige Rolle spielt, selbst in den vielen Fantasiewelten. Zunächst wirkt der Anime wie eine reine Komödie mit starken Parodie-Elementen. Es werden tatsächlich eine Menge Themen parodiert oder persifliert: Star Wars, Martial Arts, Urzeitwelten, Agenten-Thriller im Noire-Stil und Dating Sims – um mal einige zu nennen. Da es in jeder Folge in eine neue Welt geht, gibt es für den Zuschauer auch eine Menge Abwechslung.

In der zweiten Hälfte der Serie beginnt die Handlung aber stärker in den Vordergrund zu rücken. Es gibt immer noch Fantasiewelten, doch viel wichtiger ist, warum diese Welten überhaupt existieren und was das alles mit der Shoppingmeile zu tun hat. Diese Enthüllungen verraten wir natürlich nicht, aber sie sorgen definitiv dafür, dass auch der erste Teil der Serie nachträglich einen Zweck bekommt.

Abenobashi hat zwar nur zwei Hauptcharaktere, aber die sind so lebendig, dass man sich nie langweilt. Die Chemie zwischen Sasshi und Arumi ist sehr lebendig, die Dialoge unterhaltsam und die Beziehung wirkt sehr natürlich. Es gibt außerdem viele Nebencharaktere, die immer wieder auftreten. Auch hinter einigen von denen steckt mehr, als es zunächst den Anschein erweckt.

Vom Grundton ist Abenobashi meist sehr locker, oft ziemlich abgedreht, aber in einigen Fällen auch sehr ernst. Sobald man merkt, was hinter der Geschichte steckt, funktioniert die Handlung auch auf einer psychologischen Ebene. Lediglich über das Ende lässt sich streiten, denn es ist nicht eindeutig, was dort wirklich passiert.

Unterm Strich ist Abenobashi ein sehr unterhaltsamer Anime, besonders für diejenigen, die mit typischen Klischees gut vertraut sind. Trotz der humorvollen Natur der Geschichte wird eine wichtige Botschaft vermittelt, durch die die Geschichte im Verlauf etwas dramatischer wird, als man am Anfang denken mag.

Die deutsche Veröffentlichung

Die deutsche Vertonung kann sich sehen lassen. Die Sprecher der beiden Hauptfiguren vermitteln ein anderes Gefühl als die japanischen Sprecher. Sie klingen etwas energetischer und erwachsener, was aber nicht unpassend wirkt. Im Gegenteil sogar: Im direkten Vergleich mit der japanischen Fassung wirkt die deutsche Vertonung sogar teilweise lebendiger. Der Dialogfluss ist jedoch meist in der Originalfassung besser.

Julius Jellinek (u.a. Akira Takizawa in Eden of the East) als Sasshi und Ann Vielhaben (u.a. Son-Goku (jung) in verschiedenen Dragonball-Filmen und Zoe Orimoto in Digimon Frontier) als Arumi haben aber auf jeden Fall sehr gute Arbeit geleistet. Die Nebenfiguren sind auch gut vertont, sodass man sich Abenobashi auch wunderbar auf Deutsch anhören kann. Da sich die beiden Sprachfassungen doch etwas unterscheiden, ist es empfehlenswert, zu Beginn in beide Fassungen reinzuhören. Ein Lied, das in einer Bar gesungen wird, ist allerdings leider nicht im Deutschen vertont worden.

An den Untertiteln gibt es wenig auszusetzen. Sie richten sich stärker nach dem Original; wenn man sie mit der deutschen Synchronfassung vergleicht, stellt man einige Unterschiede fest. Die meisten wichtigen Schilder sind untertitelt.

Sprachlich sind sowohl die Vertonung als auch die Untertitel sehr gelungen. Die Dialoge klingen sehr natürlich und verwenden auch lebendige Ausdrucksweisen, sodass sie nicht zu langweilig klingen.

Bei der Blu-ray-Veröffentlichung von Abenobashi handelt es sich nicht um ein Remaster, sondern um ein Upscaling, wie es beispielsweise bei Speed Grapher der Fall war. Aus diesem Grund findet man oft Treppchenbildung bei den Umrissen der Figuren und die Optik ist entsprechend auch nicht glasklar. Kompressionsartefakte in dunklen Szenen gibt es auch gelegentlich, die fallen aber nicht stark unangenehm auf.

Bonusmaterial gibt es keines. Der Verpackung liegen allerdings ein kleines Poster und ein Sticker bei (siehe Foto). Die Verpackung selbst sieht ansprechend aus. In einem Pappschuber befindet sich ein Digipack, das mit weiteren Charaktermotiven versehen ist. Das FSK-Logo auf dem Schuber ist ablösbar.

Fazit

Magical Shopping Arcade Abenobashi ist eine Serie, die in erster Linie Spaß macht, jedoch auch einige ernste Themen anschneidet. Die Mischung aus Parodie und Drama glückt gut und Anime-Fans werden darüber schmunzeln können, wie viele typische Klischees und Settings aufs Korn genommen werden. Die deutsche Vertonung ist sehr gut gelungen.

Da es kein remastertes Bildmaterial und kein Bonusmaterial gibt, ist diese Veröffentlichung primär für diejenigen empfehlenswert, die die Serie noch nicht auf DVD besitzen.

Technische Daten & Extras

• Laufzeit: 325 Minuten
• Bild: 1080p High Definition , Bildformat 16:9
• Audio: Japanisch (PCM Stereo), Deutsch (Dolby Digital 5.1)
• Untertitel: Deutsch (weiße Schrift, schwarzer Rand)
• Bonusmaterial: –
• Extras: Poster, ein XXL-Sticker
• Altersfreigabe: ab 16

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Kleinkriminelle, Prostituierte, korrupte Polizisten, Mafiabosse – willkommen in Ergastulum. Die Protagonisten Nicolas Brown und Worick Arcangelo lassen sich nicht so richtig kategorisieren und müssten sie ebenfalls in Schubladen verstaut werden, würde womöglich Kopfgeldjäger am besten passen. Nic und Worick lassen sich dafür entlohnen, die Widerwärtigen, Gemeinen und Unangenehmen in einer ohnehin unangenehmen Stadt zu beseitigen. Kurz gesagt übernehmen die beiden die Arbeit, die sonst niemand gerne machen möchte. Bereits zu Beginn wird der erste Gauner namens Berry vorgestellt.

Berry ist das, was man umgangssprachlich als Zuhälter bezeichnen würde: unter anderem zwangsprostituiert er eine 24-jährige Frau namens Alex, die in der Nähe des Büros der beiden Kopfgeldjäger anschafft. Worick und Nic werden durch die lokale Polizei angeheuert, um sich um Barry und seine Lakaien zu kümmern. Es folgt ein Aufeinandertreffen mit Barrys Männern in den engen Gassen Ergastulums, welche in jeder Hinsicht demontiert werden. Lediglich eine Person wird verschont: Alex.

Worick und Nicolas sind absolut unterschiedlich, scheinen als Team aber hervorragend zu funktionieren. Während Worick mit blonden, langen, an Löwenmähnen erinnernden Haaren und einem frechen Mundwerk daherkommt, wirkt Nicolas eher zurückhaltend. Das liegt vermutlich nicht zuletzt an seiner Gehörlosigkeit, welche sein Können als Kopfgeldjäger (auch Handyman) jedoch in keiner Weise schmälert. Das Zusammenspiel der Protagonisten funktioniert reibungslos, denn auch Nicolas weiß sich geschickt auszudrücken und das auch ohne Worte. Interessant und in Animes eher selten zu sehen ist die Kommunikation über Gebärdensprache.

Was den Verlauf der Geschichte angeht, lässt Manglobe immer wieder Tropfen auf den heißen Stein fallen. Es sickern immer mal wieder Informationen in Form von Gesprächen über beispielsweise die vergangene Woche durch. Ob und welche der erhaschten Informationen im späteren Verlauf des Animes an Bedeutung gewinnen, steht noch aus. Auch Alex‘ Entkommen aus Barrys Griff ist interessant: Manglobe räumt dem Charakter genug Zeit ein, sich zu erklären und als Nic und Worick eigentlich schon aufgeräumt haben, versenkt Alex selbst noch einmal ein Magazin in Barrys Leichnam.

An Brutalität spart Gangsta nicht, aber so ist das Leben in Ergastulum eben. Hundemarken scheinen genauso zum Leben in Ergastulum zu gehören. Bei Hundemarkenträgern, auch Twilights genannt, handelt es sich um ehemalige und aktive Söldner, die über ihre Hundemarken in Kategorien eingeteilt werden, wobei Nicolas‘ Hundemarke mit einer „A/0“ geprägt ist. Zwar führen die ersten Episoden die Twilights ein und erzählen auch ein wenig über deren Zustände, allerdings werden vorerst mehr Fragen aufgeworfen als beantwortet. Was genau es mit den Hundemarken und den Hintergründen zu Worick, Nicolas und Ergastulum auf sich hat, dürfte im weiteren Verlauf der Animeserie endgültig aufgelöst werden.

Die deutsche Umsetzung

Das erste Volume zu Gangsta erscheint hierzulande im berühmten, blauen Blu-ray-Amaray. Neben der Disc mit den ersten drei Episoden befinden sich ein Poster im A4-Format und ein Booklet in der Verpackung. Auch ein Wendecover ist mit von der Partie. Vor allem aber das Booklet ist interessant: neben zahlreichen Informationen in Form von Kurztexten zu den Charakteren gibt es auch ein paar Seiten zum Thema Gebärdensprache, da diese aus Gründen der Gehörlosigkeit Nicolas‘ ein Thema im Anime darstellt. Die letzten beiden Seiten behandeln Keywords wie beispielsweise die Hundemarken.

Ton und Bild sind makellos und liegen in hervorragender Qualität vor, auch an den Animationen ist nichts auszusetzen. Vor allem überrascht die deutsche 5.1-Tonspur, wobei die hinteren Lautsprecher fast durchgehend still schweigen. Liebhaber des Originaltons müssen sich mit 2.0 abfinden. Die Untertitel lassen sich lediglich auf Deutsch einblenden und sind grundsätzlich gut lesbar. Einen nicht unwesentlichen, technischen Makel haben diese allerdings: während Nicolas‘ Gebärdensprache werden japanische Untertitel eingeblendet und wenn der Zuschauer auf Deutsch mitlesen möchte, müssen deutsche Untertitel zusätzlich eingeschaltet werden. Diese werden dann einfach über den japanischen Untertiteln angezeigt und sind somit schwer lesbar.

Phasenweise ist die deutsche Umsetzung gut gelungen. Wenige Szenen wirken aufgesetzt, was nicht zuletzt am Schauplatz und der in einem solchen Milieu verwendeten Sprache des Animes liegen kann. Die Untertitel geben zwar den Sinn der Dialoge wieder, sind meist leider aber unterdurchschnittlich und kürzen das Gesagte zu stark ab. Worick Arcangelo wird von Mike Carl gesprochen, welcher bereits Sprecherrollen in Pokémon-Filmen und beispielsweise die Stimme von Kizaru im Film „One Piece Z“ übernahm. Gerhard Jilka verleiht überraschend gut dem wortkargen Nicolas seine Stimme, während Tatjana Pokorny, zu hören als Fleur Delacour in den Harry-Potter-Filmen, Alex ihre Stimme leiht. Die japanische Sprachfassung ist jederzeit passend und kann überzeugen. Lediglich mit den durchschnittlichen, deutschen Untertiteln muss sich dann arrangiert werden.

Fazit

In Ergastulum läuft die Welt ein wenig anders. Nicolas und Worick geben auch jenseits der engen, dunklen Gassen der Stadt ein hervorragendes Team ab. Wer nach einem plumpen Schlägertrupp sucht, ist woanders sicher besser bedient, denn Nicolas und Worick haben Charakter. Der Zeichenstil, Animationen und die Farbwahl heben sich deutlich vom Einheitsbrei ab und bieten jedem, der sich auf einen erwachsenen Anime einlassen möchte, drei Episoden Unterhaltung in Form von Action, Humor und Spannung. Hier und dort sickern immer wieder Informationen durch, welche den Zuschauer fast förmlich dazu zwingen, in die nächste Episode einzusteigen. Das beiliegende Booklet ist ein Highlight und kann gerne beibehalten und von anderen Verlegern abgeschaut werden. Die deutsche Synchronisierung kann sich sehen lassen, lediglich die Untertitel lassen stellenweise zu wünschen übrig.

Zu erwähnen ist außerdem, dass das Produktionsstudio hinter Gangsta, Manglobe, im September 2015 leider Insolvenz anmeldete.

Allgemeine Daten

• Laufzeit: 90 Minuten
• Audio: Deutsch, Japanisch
• Untertitel: Deutsch
• Extras: Booklet, Poster, Wendecover
• Altersfreigabe: ab 16 Jahren

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nipponart hat die Serie nun als Gesamtausgabe für Blu-ray neu veröffentlicht. Was die Serie und die Veröffentlichung euch bieten kann, erfahrt ihr hier.

Über Speed Grapher

Speed Grapher spielt in einem Japan der unbestimmten Zukunft. Das Land wird von korrupten Politikern regiert, die ihrer Machtgier und ihrer Lust freien Lauf lassen. Zu diesem Zweck wurde ein geheimer Club erschaffen, dem fast alle wichtigen Personen im Land angehören. Die Angehörigen dieses Clubs tragen auf den Veranstaltungen Masken und lassen ihrer Lust freien Lauf.

Der Protagonist Saiga Tatsumi, ein ehemaliger Kriegsfotograf, kommt diesem Club auf die Schliche. Er wird Zeuge der Orgien, denen auch namhafte Politiker beiwohnen. Als plötzlich ein engelsgleiches Mädchen von der Decke hinabgleitet, das von den Clubmitgliedern als „die Göttin“ bezeichnet wird, kann Saiga sich nicht zurückhalten und schießt ein Foto. Dabei wird er entdeckt, doch ein Kuss des Mädchens verleiht ihm übernatürliche Kräfte und er kann sich retten.

Das Mädchen heißt Kagura und ist in Wirklichkeit die 15-jährige Tochter des Vorsitzenden des mächtigsten Konzerns der Nation. Sie spielt gegen ihren Willen eine ganz besondere Rolle in den Plänen des Clubs, dabei sehnt sie sich vor allen Dingen nach einem: Freiheit. Gemeinsam mit Saiga wagt sie die Flucht. Damit beginnt eine lange und wendungsreiche Verfolgungsjagd.

Regie bei Speed Grapher führte Kunihisa Sugishima, der sich zuvor beispielsweise für Yu-Gi-Oh! Duel Monsters verantwortlich zeichnete. Speed Grapher blieb sein einziger Ausreißer in die Welt der Erwachsenenunterhaltung.

Ein äußerst gelungener Ausreißer jedoch, denn wenige Anime-Serien stellen eine korrupte, verdorbene Welt so intensiv dar wie Speed Grapher. Das ist eine der großen Stärken der Serie, jedoch auf Kosten der Tatsache, dass die Antagonisten mit wenigen Ausnahmen einfach nur verrückt, korrupt oder schlichtweg „böse“ sind und keine nachvollziehbaren Motive aufweisen.

Wie bereits in der Einleitung erwähnt, sind Gewalt- und Sexszenen in Speed Grapher Alltag. Der Sex wird natürlich nie explizit gezeigt, ist auch bewusst eher verstörend als erotisch dargestellt und trägt deshalb eine Menge zum World Building bei. Auch grotesk mutierte Menschen und große Mengen an Blut sind bei Speed Grapher an der Tagesordnung.

Positiv hervorzuheben ist, dass fast jede Folge etwas Wichtiges zur Handlung beiträgt; episodische Nebenhandlungen gibt es fast keine. Die düstere Atmosphäre, die bereits zu Beginn deutlich zu spüren ist, baut sich mit der Zeit immer stärker auf. Die Serie hat einige spannende Höhepunkte, die jedoch nie ihr ganzes Potential erreichen. Das liegt vor allen Dingen daran, dass die Serie, obwohl sie recht actionreich ist, sehr sparsam animiert ist. Kaum eine Action-Szene im Film wirkt wirklich schnell oder dynamisch und generell mangelt es an Bewegung im Bild. Ob nun ein zu geringes Budget oder Zeitdruck das Problem waren: dass gerade eine Serie wie Speed Grapher diesem Missstand zum Opfer fällt, ist bedauerlich. Der Soundtrack sticht nicht hervor, ist aber gerade in emotionalen Szenen durchaus gelungen.

Im Großen und Ganzen ist Speed Grapher durchaus ein lohnenswertes und stellenweise faszinierendes Erlebnis. Die Handlung ist interessant, entwickelt sich gut und wird zufriedenstellend aufgelöst. Die Hauptfiguren sind sympathisch, recht gut ausgearbeitet und wachsen einem nach und nach ans Herz. In der obersten Liga spielt Speed Grapher leider dennoch nie mit, dafür ist die Inszenierung zu mittelmäßig.

Die deutsche Veröffentlichung

Zunächst sollte erwähnt werden, dass es in Japan keine remasterte Fassung von Speed Grapher gibt. Es handelt sich bei der Blu-ray-Fassung also nur um hochskaliertes SD-Bildmaterial. Das sieht man auch unweigerlich, denn die Hintergründe sind nicht sonderlich scharf und die Konturen der Charaktere leiden häufig unter Interlacing und Treppchenbildung, selbst auf Abspielgeräten mit entsprechenden Filtern.

Im direkten Vergleich zur DVD-Fassung von OVA Films (die heute ebenfalls durch nipponart vertrieben wird), fällt jedoch auf, dass das Bild der Blu-ray-Fassung merklich heller und die Farben kräftiger sind. Die Figuren und Hintergründe wirken leicht schärfer, kleine Details sind besser auszumachen. Diese Verbesserungen sind jedoch nicht direkt ersichtlich und verbessern das Erlebnis nur unmerklich.

Im Gegensatz zur alten DVD-Fassung hat die Blu-ray-Version jedoch auch zwei Schwächen: Es gibt keine Untertitel von Schildern und Ähnlichem mehr und in Szenen, in denen in der japanischen Fassung Englisch gesprochen wird, sind japanische Untertitel im Bild, die man nicht abschalten kann. Auch dann nicht, wenn man die deutsche Vertonung ohne Untertitel auswählt. Schaut man mit Untertiteln, überdecken sich japanische und deutsche Untertitel in besagten Szenen leider, was das Lesen erschwert. Diese Probleme gab es bei der DVD-Version nicht.

Die deutsche Vertonung ist im Kern gelungen, gehört aber definitiv nicht zu den besten deutschen Anime-Synchronisierungen. Saiga, im Japanischen von Yuuji Takeda vertont, ist im Deutschen sehr gut durch Oliver Mink besetzt worden, der seine Arbeit durchgehend gut erledigt und vom Klang seiner Stimme her auch hervorragend zu Saiga passt. Marieke Oeffinger, die Kagura Tennouzu vertont, klingt etwas weniger mädchenhaft als Kei Saitou, deren Debüt diese Rolle war, spricht ihre Rolle aber prinzipiell gut. Kei Saitou hat eine sehr hohe Stimme, weshalb ein starker klanglicher Unterschied zwischen den beiden Sprachfassungen besteht. Ich persönlich finde beide Besetzungen nicht optimal, aber von einer Fehlbesetzung kann keine Rede sein.

Die meisten erwachsenen Charaktere sind größtenteils gut vertont. Saigas Ex-Freundin Ginza, im Deutschen von Veronika A. Neugebauer vertont, passt allerdings nicht immer ganz zur Figur. Wirklich hervorstechende Sprecher gibt es kaum (höchstens in Nebenrollen). Gar nicht gelungen ist die Vertonung von Kindern und jüngeren Figuren, meistens klingen die Stimmen unpassend und die gesprochenen Zeilen künstlich. Zum Glück nehmen junge Figuren nur eine Nebenrolle in der Serie ein.

Ein weiteres Manko ist die inkonsistente Aussprache japanischer Namen. Besonders die Namen „Saiga“ und „Suitengu“ werden von Sprecher zu Sprecher anders ausgesprochen, was das Gesamtbild etwas trübt. Insgesamt ist Speed Grapher aber trotzdem eine Serie, die man auch auf Deutsch gucken kann. Die Vertonung ist weder ein Meisterwerk noch eine Katastrophe.

Als Extras befindet sich auf den Discs neben textlosen Openings und Endings ein sogenanntes „Casting-Special“ mit einer Gesamtlaufzeit von über zwei Stunden. Dieses Special folgt Kaguras Sprecherin Kei Saitou, deren Debüt Speed Grapher war. Interessant werden die Videos dadurch, dass es sich im Grunde genommen um eine kleine Dokumentation über den Arbeitsalltag einer japanischen Seiyuu handelt, die sehr deutlich zeigt, dass die eigentliche Sprecharbeit nur einen Teil der Arbeit darstellt und Seiyuus zugleich auch Models sind, in Radiosendungen mitsprechen, in die Öffentlichkeitsarbeit eingebunden sind und an zahllosen Events teilnehmen. Sehr spannende Einblicke!

Wie die meisten der anderen Re-Releases von nipponart kommt auch Speed Grapher mit einem schicken Nova-Slipcase – einem Pappschuber mit Hochglanzoptik – daher. Die Pappe ist, wie auch bei Last Exile, Ghost in the Shell und den meisten anderen nipponart-Veröffentlichungen, dünner als der stabile Schuber von Eureka Seven. Als Extras liegen drei dünne Postkarten mit Motiven aus der Serie und ein Booklet bei. Das Booklet umfasst nur wenige Seiten, die Charakterbeschreibungen enthalten und somit nur einen kleinen Mehrwert bieten.

Das Design des Schubers und des Digipacks (vgl. Foto) verdienen erneut großes Lob. Die Aufmachung macht einiges her, was besonders Sammler erfreuen dürfte.

Fazit

Speed Grapher ist eine durchaus gut inszenierte Serie, die das Setting einer verdorbenen Welt intensiver nutzt als die meisten anderen Animes. Die Serie ist kein Pflichttitel, aber wer etwas für dunkle Geschichten übrig hat, wird an Speed Grapher durchaus seine Freude haben. Die deutsche Veröffentlichung sei primär denen empfohlen, die die DVD-Version noch nicht besitzen, denn einen großen Mehrwert bietet die Blu-ray-Fassung bestenfalls durch die schöne Verpackung.

Technische Daten & Extras

• Laufzeit: 600 Minuten
• Bild: 1080i High Definition , Bildformat 16:9
• Audio: Japanisch (DTS-HD Master Audio 5.1), Deutsch (DTS-HD Master Audio 5.1)
• Untertitel: Deutsch (weiße Schrift, schwarzer Rand)
• Bonusmaterial: Openings, ausführliches Casting-Special
• Extras: drei Postkarten, Booklet
• Altersfreigabe: ab 16

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Das Animationsstudio Gonzo genießt heute kein hohes Ansehen mehr. Bis vor einigen Jahren brachte Gonzo aber einige interessante Animes hervor und leistete auch ein wenig Pionierarbeit. Blue Submarine No. 6 ist das erste Werk des Studios und zugleich einer der ersten komplett am Computer entstandenen Animes.

Die vierteilige OVA wurde zwischen 1998 und 2000 veröffentlicht. Episodisch ist aber nur die Veröffentlichung, die tatsächliche Handlung fühlt sich eher wie ein Film an und Regisseur Mahiro Maeda selbst nennt Blue Submarine No. 6 sein erstes Langfilm-Projekt.

nipponart hat den Anime nun erstmals in Deutschland auf Blu-ray veröffentlicht.

Über Blue Submarine No. 6

Wie viele Werke dieser Zeit spielt Blue Submarine No. 6 in einer postapokalyptischen Welt. Das durch den Wissenschaftler Zorndyke verursachte Abschmelzen der Pole hat bereits eine Milliarde Todesopfer gefordert und die Zukunftsperspektiven sind nicht rosig. Große Teile der Erde sind nun im Wasser versunken und das Meer wird von Chimären bevölkert – Kreaturen, die Zorndyne erschaffen hat.

Die Umweltorganisation Ao, der Zorndyne einst selbst angehörte, unternimmt derweil alles, um den Plänen des Wissenschaftlers Einhalt zu gebieten. Für eine friedliche Lösung des Konflikts scheint es jedoch längst zu spät. Zu viele Menschen sind bereits getötet worden und viele Leute in Aos eigenen Reihen sind auf persönliche Rache aus.

Die Protagonisten von Blue Submarine No. 6 sind Mayumi Kino, eine junge Pilotin von Highspeed-Submarines, und Tetsu Hayami, ein hochbegabter Submariner, der sich drei Jahre vor Beginn der Handlung von Ao trennte.

Hayami ist letztlich eindeutig der wichtigere Charakter für die Handlung und die meisten interessanten Teile der Geschichte drehen sich auch um ihn. Abgesehen von Hayami, Kino und Zorndyke spielen die anderen Figuren eher eine Nebenrolle. Dies ist bei der Gesamtlaufzeit von etwa zwei Stunden aber verständlich.

Das Setting von Blue Submarine No. 6, die überflutete, zerstörte Erde, ist einer der stärksten Punkte des Animes. Ein beträchtlicher Teil der Handlung spielt sich unter Wasser ab, wo U-Boote gegen Meeresmonster kämpfen.

Die Handlung beginnt interessant zu werden, sobald sich die Kulturen vermischen: Hayami trifft eine Mutio – eine von Zorndyke erschaffene Mensch-Tier-Chimäre, die im Meer lebt. Obwohl die Mutio von Kino und den anderen Menschen als Monster angesehen werden, rettet Hayami eines der Wesen.
Diese Aktion scheint die Spirale von Hass und Tod ins Wanken zu bringen. Der Rest der Handlung dreht sich um das komplizierte Verhältnis zwischen Menschen und Chimären, den Lebewesen und der Natur und den Menschen untereinander.

Positiv hervorzuheben ist neben Hayami auch Zorndyke als Charakter. Er ist kein klassischer Bösewicht und obwohl seine Motive letztlich schwammig bleiben, macht ihn seine bedachte, intelligente und unendlich erschöpfte Art zu einem einzigartigen Antagonisten.

Obwohl Blue Submarine No. 6 philosophische Züge aufweist, handelt es sich bei dem Anime letztlich um einen Unterhaltungsfilm – das war auch Maedas Priorität. Entsprechend setzt sich der Film ebenso sehr aus actionreichen Unterwasserschlachten zusammen wie aus persönlichen Gesprächen. Die Schlachten werden oft durch Jazz-Musik untermalt und wirken daher eher „cool“ als wirklich bedrohlich.

Der Anime verwendet eine Mischung aus klassischer 2D-Animation und 3D-Computergrafik. Zu der damaligen Zeit war das ein Experiment. Aus heutiger Sicht wirken die CG-Elemente natürlich wenig beeindruckend, denn in den letzten fünfzehn Jahren hat sich in dieser Hinsicht eine Menge getan. Diese Technologie erlaubte es Blue Submarine No. 6 aber bereits damals, einige sehr dynamische Action-Szenen zu erschaffen, die man in handgezeichneten Animes so nicht sieht.

Die deutsche Veröffentlichung

Die deutsche Veröffentlichung von Blue Submarine No. 6 verwendet die alte Synchronfassung von Aaron Films. Dieses Synchronstudio hat einen schlechten Ruf und diese Veröffentlichung zeigt, dass dieser nicht ungerechtfertigt ist.

Die Besetzung der Sprecher ist nicht unbedingt unpassend, aber die Synchronregie, die Lippensynchronität sowie die Leistungen der Sprecher selbst lassen sehr zu wünschen übrig. Die Vertonung leidet fast durchgehend unter entweder zu übertrieben oder zu wenig betonten Zeilen. Solide Sprecher sind eher die Ausnahme und leider ist mit Hayami auch eine der Hauptfiguren sehr schlecht vertont worden. Je dramatischer die Szenen werden, umso mehr versagt die deutsche Sprachfassung. Diese Vertonung kann wirklich niemandem empfohlen werden.

Erfreulicherweise trifft das nicht auf die Untertitel zu, die sind absolut in Ordnung. Die Übersetzung ist solide und – abgesehen von leichten Abweichungen – meist recht nah am japanischen Ton. Der Text liest sich flüssig und natürlich, die weißen Untertitel mit schwarzem Rand sind immer gut erkennbar. Lediglich die Vorschau-Abschnitte auf die nächste Folge sind nicht untertitelt und zwei bis drei gesprochene Zeilen (darunter eine wichtige) werden unterschlagen.

Das Bild liegt wie in der Originalfassung in einem einem 4:3-Seitenverhältnis vor und das HD-Remaster ist größtenteils gelungen. Hintergründe machen einen scharfen Eindruck und Nahaufnahmen wirken auch weitestgehend klar. Fernaufnahmen hingegen bleiben leider ziemlich verwaschen und den CG-Effekten merkt man

auch deutlich an, dass sie ursprünglich in SD vorlagen. Dennoch stellt die Blu-ray-Fassung eine deutliche Verbesserung gegenüber der existierenden SD-Version dar, auch was den Ton betrifft.

Das Hauptmenü ist schön gestaltet und mit dezenter Musik untermalt. Das Bonusmaterial besteht aus einem 17-minütigen Making-of und einem 20-minütigen Interview. Wer mehr über die Hintergründe der Produktion erfahren möchte, sollte sich die beiden Videos unbedingt ansehen, denn in ihnen verrät Mahiro Maeda eine Menge interessante Hintergrundinformationen.

Die Blu-ray befindet sich in einem robusten Digipack mit leicht ablösbarem FSK-Sticker. Die Wahl des Artworks von Range Murata auf der Vorderseite, das auch die japanische Blu-ray-Fassung ziert, ist fragwürdig und vermittelt ein völlig falsches Bild vom Anime. Ein schönes Extra ist ein kleines Booklet – leider etwas zu fest an die Innenseite des Digipacks geklebt –, das neben einem Vorwort von Mahiro Maeda Informationen über die Charaktere, die Welt und die Maschinen enthält. Eine Abbildung stellt die Beziehung der Charaktere zueinander übersichtlich dar, was dem Verständnis der Handlung zuträglich ist.

Fazit

Alles in allem handelt es sich bei Blue Submarine No. 6 um ein schönes, jedoch nicht perfektes Re-Release, das jedoch unter der schwachen deutschen Alt-Vertonung leidet. Dem Anime selbst merkt man sein Alter an, aber er bleibt durch das dichte Setting und den Verzicht von Schwarz-Weiß-Malerei interessant und ist auch heute noch durchaus sehenswert. Wir empfehlen Blue Submarine No. 6 denjenigen, die auf eine deutsche Vertonung verzichten können, sich an altersbedingt angestaubtem CGI nicht stören und Geschichten in postapokalyptischen Settings mögen.

Technische Daten & Extras

• Episoden: 1-4
• Laufzeit: 127 Minuten
• Bild: High Definition, Bildformat 4:3
• Audio: Japanisch (DTS-HDMA 5.1), Deutsch (DTS-HDMA 5.1)
• Untertitel: Deutsch (weiße Schrift, schwarzer Rand)
• Bonusmaterial: Making-of, Interview
• Extras: robustes Digipack, dünnes Booklet
• Altersfreigabe: ab 16

Bildmaterial © 1998 Satoru Ozawa – Bandai Visual – Toshiba EMI – Gonzo

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Die Mitte des letzten Jahrzehnts wird von vielen Fans als Hochzeit der Anime angesehen. Viele Serien, die heute als Klassiker gelten, entstammen der Zeit um 2005. Damals verbuchte das Animationsstudio Bones mit Fullmetal Alchemist (2003-2004) und Darker Than Black (2007) auch einige seiner größten Erfolge. Eine weitere Serie dieser Periode muss unbedingt erwähnt werden, und das ist natürlich Eureka Seven (2005-2006).

An den Erfolg im Heimatland anknüpfend, fand die 50-teilige Serie damals auch ihren Weg zu uns. Jetzt veröffentlicht nipponart Eureka Seven erneut in Deutschland, und diesmal sogar auf Blu-ray in insgesamt zwei Boxen mit jeweils 25 Folgen.

Über Eureka Seven

Eureka Seven ist ein hervorragendes Beispiel für einen Anime, der auf Evolution statt Revolution setzt. Bewährte Ideen treffen in diesem Originalwerk auf frische Konzepte, der Zuschauer findet viel Vertrautes vor, um dann in unvorhergesehenen Momenten überrascht zu werden – nicht zuletzt dadurch, dass die anfangs harmlos wirkende Geschichte auch vor schwierigen Themen nicht zurückschreckt.

Es fängt ganz klassisch an: ein bei seinem Großvater lebender Junge, Renton, trifft unerwartet ein mysteriöses Mädchen, Eureka, und ein Abenteuer beginnt. Renton ist vom ersten Augenblick von Eureka angetan, weiß jedoch nicht, wie er mit seinen Gefühlen zu ihr durchdringen kann. Während Renton selbst einige Phasen der Pubertät durchlebt und Schritt für Schritt erwachsener wird, verändert sich auch die Welt um ihn herum, und er und Eureka stehen im Mittelpunkt eines weltumspannenden Konflikts, bevor sich Renton dessen überhaupt bewusst ist.

Ein großer Teil der ersten Hälfte der Serie spielt an Bord der Gekkostate, einem Flugschiff einer Gruppe frei lebender Außenseiter, die sich durch Auftragsarbeit aller Art finanzieren, auf Lichtwellen (sogenannten Trapars) surfen und um die ganze Welt reisen. Zusammen mit den Crew-Mitgliedern lernt Renton nach und nach die Welt und ihre Bewohner kennen. Er lernt, um einige Beispiele zu nennen, die Nirvash, einen mysteriösen antiken Mech, zu steuern, erfährt vom tragischen Schicksal der als Terroristen gebrandmarkten Vodarac-Menschen und realisiert nach und nach, dass man die Welt nicht nur in Schwarz und Weiß einteilen kann.

Eureka Seven startet langsam und nimmt sich Zeit, dem Zuschauer die Charaktere näherzubringen. Das führt dazu, dass es eine Weile dauert, bis man wirklich von der Serie eingenommen ist. Der Lohn dafür ist, dass die ersten emotionalen Höhepunkte bereits richtig intensiv sind, da man die Charaktere zu diesem Zeitpunkt bereits liebgewonnen hat.

Die hohe Episodenzahl kommt Eureka Seven durchaus zugute: Auch wenn die Handlung anfangs noch langsam voranschreitet, wirkt keine Folge überflüssig. Was die Geschichte nicht voranschreiten lässt, dient den Charakteren oder dem World Building. Obwohl Eureka Seven einen klaren Kern an Hauptfiguren hat, haben auch Nebencharaktere ihre Momente und den vereinzelten, zum Teil äußerst beeindruckenden episodischen Folgen merkt man an, wie viel sie zum Gesamtwerk beitragen.

Inhaltlich ist die Serie von großem Facettenreichtum geprägt. Persönliche Themen wie Stolz, Liebe, Eifersucht, Familie, Kindsein und Erwachsenwerden sind genauso Teil von Eureka Seven wie Krieg, Gewalt, Rassismus, Ungerechtigkeit, Kontrollverlust, Mord und Tod. Die Serie schreckt nicht davor zurück, in einem Moment Szenen intimster Schönheit zu zeigen und in der nächsten Szene unverhohlene Grausamkeit darzustellen – und beides ist auf grundlegendes, menschliches Verhalten zurückzuführen.

Lob gebührt auch der wunderschönen Welt, die durch fantasievolle Landschaften und atemberaubende Panoramen zum einen optisch einiges hermacht, zum anderen aber auch interessanter und lebendiger wird, je mehr man über sie erfährt.

Ankreiden kann man Eureka Seven wenig: Es beginnt erst ab Folge 9, richtig spannend zu werden und ein Teil der serieninternen Terminologie wird verwendet, bevor diese erklärt wird, was anfangs überfordernd wirken mag. Zeitweise wirken Charaktere stur oder unsympathisch – dies sind jedoch essenzielle Bestandteile der Charakterentwicklung, die zeigen, dass Menschen eben nicht perfekt sind und gelegentlich auch von negativen Gefühlen kontrolliert werden.

Bones liefert bei Eureka Seven hervorragende Animationsqualität. Hervorzuheben sind besonders die Action-Szenen, in denen Menschen und Mechs auf ihren Boards durch die Luft fliegen und leuchtende Spuren hinter sich herziehen. Die Musik von Naoki Satou (X, Assassination Classroom) überzeugt ebenfalls, besonders einige der emotionalen Melodien. Leider wird die Musik häufig von der lauten Soundkulisse übertönt.

Die deutsche Veröffentlichung

Eureka Seven ist eine der Serie, die mit sehr viel Liebe und Aufmerksamkeit lokalisiert wurde. Nahezu alle Sprecher überzeugen durch ihre Leistungen in fast allen Momenten. Gewöhnungsbedürftig ist, dass Renton und Eureka im Deutschen merklich älter klingen als im Japanischen. Aus diesem Grund fühlt sich die Vertonung durchaus anders an, was einigen besser und anderen weniger gut gefallen wird.

Das deutsche Skript, die Synchronregie und die Untertitel (übrigens keine Dubtitles) sind beinahe makellos. Selten lesen sich Untertitel so natürlich und flüssig wie es hier der Fall ist. Diese Qualität ist sehr konsistent; hier haben sich alle Beteiligten wirklich viel Mühe gegeben. Schaut man die Serie mit Untertiteln, werden jedoch merkwürdigerweise die japanischen Episodentitel nicht übersetzt.

Bones-Produktionen haben und hatten gerade Anfang bis Mitte 2000 den Ruf, ihrer Zeit visuell weit voraus zu sein. Eureka Seven sieht also auch entsprechend gut in HD aus, das Remaster ist exzellent, Kanten wirken zumeist scharf und die Farben kräftig – beinahe, als wäre die Serie in HD produziert worden. Das 4:3-Seitenverhältnis sorgt zwar für schwarze Balken an den Rändern, jedoch ist das Bild dafür in der Höhe nicht abgeschnitten wie bei anderen remasterten Titeln, die von 4:3 auf 16:9 umgestellt wurden.

Das Bonusmaterial besteht aus einigen Audiokommentaren, Interviews mit den japanischen Synchronsprechern und textlosen Openings und Endings. Die Audiokommentare und Interviews sind unterhaltsam, ihr Informationsgehalt aber größtenteils begrenzt, weil sich einige davon eher wie Smalltalk der Sprecher anfühlen.

Eureka Seven Vol. 1 wird in einem stabilen Pappschuber ausgeliefert, der ein ausklappbares, mit Artworks verziertes Digipack mit vier Datenträgern enthält. Der Schuber selbst, das muss lobend hervorgehoben werden, ist diesmal stabiler als der dünne Schuber anderer nipponart-Veröffentlichungen wie Last Exile und Ghost in the Shell: Stand Alone Complex. Als kleines Extra liegen Postkarten mit Motiven der Serie bei, die jedoch aus dünnem Papier sind.

Alles in allem hat nipponart mit dieser Version von Eureka Seven eine absolut vorbildliche und beinahe makellose Veröffentlichung gezaubert. Die erstklassige Lokalisierung und Vertonung erstrahlen durch das exzellente Remaster in neuem Glanz und der ansprechend designte Schuber macht die Serie auch für Sammler attraktiv.

Fazit

Die ersten 25 Episoden der Serie überzeugen auf ganzer Linie und dafür muss man wahrlich kein Mecha-Enthusiast sein. Gut ausgearbeitete Charaktere, eine fantasievoll gestaltete Welt, eine wendungsreiche Handlung, rasante Action, eine schöne Liebesgeschichte, hervorragende Animationen und mitreißende, emotionale Höhepunkte – Eureka Seven bietet all dies und mehr. Die Serie ist ein Pflichttitel für jeden Anime-Fan und nun ist die beste Gelegenheit für all diejenigen, die Eureka Seven noch nicht kennen, dieses Bones-Meisterwerk nachzuholen.

Wir sprechen daher eine uneingeschränkte Empfehlung für Eureka Seven aus und warten mit Spannung auf die zweite Hälfte, die am 27. April erscheinen wird.

Technische Daten & Extras

• Episoden: 1-25
• Laufzeit: 625 Minuten
• Bildformat: 3:4
• Audio: Japanisch (PCM Stereo), Deutsch (PCM Stereo)
• Untertitel: Deutsch (weiße Schrift, schwarzer Rand)
• Extras: stabiler Sammelschuber, dünne Postkarten
• Altersfreigabe: ab 12

Bildmaterial © 2005 BONES / Project EUREKA

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Als Schauplatz für die Geschichte hinter .hack//SIGN dient das MMORPG „The World“, in welchem sich im Jahre 2007 mehr als 20 Millionen Spieler tummeln. Wie vielen aus erster Hand bekannt sein wird, wählen sich Spieler mit einem gewählten Alias ein, drehen eine Runde in Kellergewölben, mit Drachen befüllten Höhlen, mysteriösen Pyramiden oder anderen Fantasy-Schauplätzen und beenden das Spiel am Abend mit mehr Gold und Gegenständen in der Tasche sowie eventuell auch einem höheren Level.

Hier kommt Tsukasa ins Spiel: frisch aus dem Schlaf erwacht erinnert sich der Protagonist, zeitgleich ein Charakter des besagten MMORPGs „The World“, an nichts und empfindet kurze Zeit später die virtuelle Umgebung als reale Welt. Im Gegensatz zu seinen Mitspielern fühlt Tsukasa Schmerzen, nimmt sogar Temperaturen und Gerüche wahr. Der größte Unterschied stellt die Tatsache dar, dass es ihm nicht möglich ist, das Spiel zu beenden. Dass er dadurch die Aufmerksamkeit sämtlicher Obrigkeiten und Mitspieler auf sich zieht, ist fast selbstverständlich.

Spätestens ab dem Zeitpunkt, an welchem Tsukasa mit einem katzenartigen Charakter gesehen wird, steht er auf der Liste der „Roten Ritter“, einer Art freiwilligen Polizei in „The World“. Der katzenartige Charakter dürfte im Grunde genommen nicht existieren und so kommt der Verdacht auf, dass sich Tsukasa mithilfe von Cheats und Hacks Vorteile erschleichen möchte. Die erste Amtshandlung der roten Ritter ist ein Angriff auf Tsukasa, welchen es zu verhaften gilt. Während des Kampfes erscheint ein mysteriöses Monster, welches den verwirrten und in der neuen Welt kaum zurechtkommenden Tsukasa beschützt. Als das Monster den roten Ritter angreift, erleidet der echte Spieler hinter dem Charakter des roten Ritters einen epileptischen Anfall. Kurz darauf wird allen Spielern geraten, sich sowohl von Tsukasa als auch vom besagten Monster fernzuhalten.

Mit Mimiru lernen Zuschauer ziemlich früh die erste, freundlich gesinnte Figur kennen. Das junge und neugierige Mädchen versucht Tsukasas Problem zu erkennen und die Situation zu verstehen. Im Dialog mit dem eher rustikal daherkommenden Bear, einem Kriegerveteranen, wird die Entscheidung gefällt, Tsukasa beim Lösen seines Problems zu unterstützen.

Der Zuschauer verfolgt die verhältnismäßig langsam, aber beständig in Fahrt kommende Geschichte als Außenstehender. Nach dem ersten DVD-Wechsel zieht die Spannung zwar an, allerdings bleiben MMORPG-typische Actionsequenzen in Form von Kämpfen eine Rarität. Stattdessen gibt es zahlreiche Dialoge, durch welche die Handlung mitverfolgt wird. Die Geschichte selbst ist nach heutigen Maßstäben sicher nicht die Neuerfindung des Rades. Wird das Datum der Erstveröffentlichung berücksichtigt, ist Begeisterung hinsichtlich der mysteriösen Handlung einfach nachvollziehbar.

Die DVD-Version von .hack//SIGN bietet zwar kein Full-HD-Erlebnis, sieht aber auch hochskaliert gut aus. Das Charakter-Design ist originell und auch hinsichtlich der Animationen ist .hack//SIGN gut gealtert. Dass innerhalb der letzten zehn Jahre neben Erfahrung auch neue Technologien zum Portfolio der Animationsassistenten hinzugekommen sind, ist nicht von der Hand zu weisen. Noch immer absolut zeitgemäß ist die Musik: hier wurde bereits vor über zehn Jahren alles richtig gemacht. Die musikalische Untermalung passt größtenteils wie der Pfeil in den Köcher und das Schwert in die Scheide. Der Soundtrack lenkt die Erwartungshaltung des Zuschauers für jeweilige Szenen in die richtige Richtung und hilft beim Aufbau der Spannung. Auch die Bedeutsamkeit einiger Charaktere wird durch episch anmutende Musikstücke untermalt.

Die Lokalisierung

Wie eingangs erwähnt, wurde .hack//SIGN hierzulande erstmals vor acht Jahren ausgestrahlt. Im direkten Vergleich zu aktuellen Anime, vor allem aber zum hervorragenden Originalton, ist hinsichtlich Synchronisierung sicher Luft nach oben. Altersbedingt wirken einige Dialoge albern, da an Stellen, an welchen heute Anglizismen stünden, deutsche Umschreibungen verwendet werden.

Die Möglichkeit auf japanische Stimmen mit deutschen Untertiteln besteht grundsätzlich, ist allerdings nur eingeschränkt zu empfehlen. Die schwarz umrandete, am unteren Bildschirmrand eingeblendete Schrift spiegelt selten das wieder, was der Charakter wirklich zu sagen versucht. Die Untertitel bleiben, vorsichtig ausgedrückt, hinter den Erwartungen zurück. Um nicht beispiellos zu verbleiben: während Tsukasa „Es tut mir leid, aber das betrifft mich nicht“ von sich gibt, wird am unteren Rand „Das ist mir egal“ eingeblendet. Sicher ist es möglich mithilfe der Untertitel der Handlung der Geschichte zu folgen, zufriedenstellend ist dies aber nicht.

Neben den drei DVDs, im nett anzusehenden Schuber, liegt auch ein hochwertiger Aufkleber bei. Neben textfreiem Opening und Ending sind auch ein Trailer und ein Interview mit den Machern der Extras.

Fazit

Die erste Volume zu .hack//SIGN ist vor allem als Einstieg in das .hack-Franchise geeignet. Der Vielzahl an Dialogen hätte eine perfekte Synchronisation sicher nicht geschadet, die gegebene Synchronisation ist aber erträglich. Die deutschsprachigen Untertitel sind, milde ausgedrückt, ein Wermutstropfen.

Der erste Franchise-Anime kommt langsam in Fahrt, ist soweit aber atmosphärisch und hat einen hohen Wiedererkennungswert. Die Geschichte selbst ist 2015 sicher kein Neuland mehr, trotzdem ist .hack//SIGN in jeder Hinsicht selbstständig und hat als Vorläufer zu ähnlichen, aktuellen Anime sicher eine Daseinsberechtigung!

Technische Daten & Extras

• Laufzeit: ca. 330 Minuten
• Format: 16:9
• Ton: Japanisch (Dolby Digital 2.0), Deutsch (Dolby Digital 2.0)
• Untertitel: Deutsch (weiße Schrift, schwarzer Rand)
• Extras: Aufkleber, Interview mit den Machern, Trailer, Blank Ending und Opening
• Verpackung: Schuber, auf der Außenverpackung keine FSK-Angabe (stattdessen auf DVDs und dem inneren Teil des Schubers)

Das Urheberrecht für die in diesem Beitrag verwendeten Grafiken liegen bei Project .hack.

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Die Geschichte dreht sich um die beiden Jugendlichen Claus Valca und Lavie Head. Den Fußstapfen ihrer bei einer Mission verunglückten Väter folgend, lernten die beiden schon seit ihrer Kindheit, mit einem Vanship – einer Art 2-Personen-Flugzeug – zu fliegen, weshalb sie nun im Alter von 15 Jahren bereits an Rennen teilnehmen und Botengänge erledigen.

Eines Tages finden die beiden ein abgestürztes Vanship, dessen Pilot sie schwer verletzt bittet, seine gefährliche Mission zu Ende zu führen: Sie sollen ein Mädchen namens Alvis Hamilton sicher an einen bestimmten Ort bringen. Claus kann seine Augen nicht abwenden, so werden die beiden in einen weltumspannenden Konflikt zwischen zwei Nationen hineingezogen und erfahren nach und nach die Wahrheit hinter dem Tod ihrer Väter.

Die Geschichte von Last Exile ist in einer Fantasiewelt angesiedelt, in denen die meisten Menschen in sehr ärmlichen Verhältnissen leben und kein sauberes Trinkwasser zur Verfügung haben. Davon bekommt man jedoch nicht viel mit, denn der größte Teil der Handlung spielt sich in der Luft und auf einem Luftschiff ab. Das ist schade, denn so lernt man trotz der Länge der Serie die eigentliche Welt kaum kennen, und wenn, dann größtenteils nur durch Erzählungen.

Die Handlung selbst gewinnt erst nach einer Weile an Fahrt. Erst nach und nach wird das volle Ausmaß des Konflikts mit der „Gilde“, die die Welt kontrolliert, enthüllt und nach und nach werden mehr Charaktere eingeführt. Erfreulicherweise schafft es Last Exile, in 26 Folgen alle wichtigen Personen ordentlich zu beleuchten, sodass man eine Bindung zu ihnen aufbauen kann. Selbst Personen, die anfangs unsympathisch oder unnahbar erscheinen, beginnt man zu mögen, sobald man mehr über sie erfährt.

Positiv hervorzuheben sind auch die Entwicklungen, die einige Charaktere durchmachen. Sie findet sich Lavie beispielsweise in einem inneren Konflikt, weil sie weiterhin mit Claus durch die Lüfte fliegen möchte, andererseits aber Kampfhandlungen verabscheut. Ähnlichen Identitätskrisen müssen sich einige andere Charaktere stellen.

Die Welt von Last Exile enthält einige Mysterien, dessen größtes das namensgebende Exile selbst ist. So ganz wird dem Zuschauer dessen Rolle und Hintergrund bis zum Ende nicht klar, aber es hilft dennoch stark, Erkundungsdrang und Abenteuerlust aufkommen zu lassen.

Die Antagonistin bleibt leider sehr blass, ihre Motive wirken unglaubwürdig und sie ist primär dazu da, um böse zu sein. Das macht den Kampf gegen sie zwar nicht langweilig, aber an dieser Stelle hätte eine bessere Beleuchtung des Charakters nicht geschadet.

Das herausragendste Merkmal von Last Exile ist sicherlich das Setting und der Artstyle. Ganz besonders schön ist dieser Stil auf den Artworks und bei den Charakterdesigns von Renji Murata alias Range Murata. Die Geschichte ist in einer retro-futuristischen Steampunkwelt angesiedelt – etwas, das man in Animes nicht allzu oft sieht. Auch wenn nur wenig von der Welt gezeigt wird, merkt man, dass hinter dem Szenario und den Designs viele gute Gedanken stecken. Die vielen verschiedenen Luftschifftypen und Maschinen sind sehr fantasievoll gestaltet, was Fans des Settings zusätzlich befriedigen sollte.

Die Animation selbst ist ordentlich. Das Budget der Serie war sicherlich eher im oberen Bereich angesiedelt. Nicht ganz so gut gealtert ist das CGI, in dem hauptsächlich die Flugzeuge, Luftschiffe und andere Maschinen dargestellt sind. Für 2002 sind die computeranimierten Modelle durchaus ansehnlich, aber sie grenzen sich dennoch stark vom handgezeichneten Stil am. Andererseits war es Gonzo dadurch möglich, die vielen Actionszenen visuell recht mitreißend zu gestalten – handgezeichnet wären derartige Luftschlachten und Fliegerrennen im Rahmen einer TV-Serie sicherlich nicht möglich gewesen.

Auch die Musik verdient Anerkennung. Der Soundtrack von Last Exile zählt nicht zu den bekanntesten Werken der Anime-Musik, lässt sich aber definitiv im oberen Bereich anordnen, allein schon wegen seines individuellen Klangs, der der Welt eine ganz besondere Atmosphäre verleiht, und wegen der mitreißenden Stücke in diversen Actionszenen.

Die deutsche Umsetzung

Leider ist die deutsche Vertonung von Last Exile nicht sonderlich gelungen. Die Serie hat recht junge Charaktere, und gerade bei denen missfällt sowohl die deutsche Sprecherwahl als auch die Synchronregie. Besonders negativ fällt Alvin auf, deren Stimme sehr gezwungen klingt. Auch Lavie und Claus haben unter ähnlichen Problemen zu leiden. Einige der erwachsenen Charaktere sind deutlich besser vertont, aber weil die nicht im Vordergrund stehen, rettet das leider nicht mehr viel.

Die Untertitel sind grundlegend ganz ordentlich, werden jedoch auch von einigen Makeln geplagt, die das Gesamterlebnis leicht beeinträchtigen. Eine Handvoll gesprochener Zeilen sind leider gar nicht untertitelt, da wurde etwas geschlampt, auch wenn es nur selten vorkommt. Stärker ins Gewicht fällt, dass die Sprache gelegentlich unnatürlich klingt. Beispielsweise wurde der japanische Satz 元気だして (genki dashite) an einer Stelle mit „Werde wieder fröhlich“ übersetzt, was im Alltag keiner sagen würde – ein „Kopf hoch“ wäre angebrachter gewesen (und wird an anderer Stelle auch benutzt).

Ebenfalls fällt auf, dass die Untertitel oft unnötig stark von dem Abweichen, was im Japanischen gesagt wird. Einige japanische Sätze werden sehr frei interpretiert, an anderen Stellen werden sogar neue Inhalte dazugedichtet. Nicht unbedingt so, dass es völlig unpassend wirkt, aber bei Untertiteln ist das dennoch unangebracht und vermutlich besonders für diejenigen störend, die ein bisschen Japanisch verstehen.
Trotz all der Kritik ist die Serie mit den Untertiteln sehr gut anzusehen. Die Schnitzer beeinträchtigen zwar das Gesamtbild etwas, schmälern das Erlebnis letztlich aber nur in kleinem Maße.

Extras gibt es leider fast keine – lediglich die erste Disc beinhaltet ein textloses Opening und Ending sowie eine Sammlung von Bildern und Artworks.

Ein großes Lob gebührt der Verpackung und dem Design. Die Blu-ray-Fassung von Last Exile wird in einem sehr ansehnlichen Schuber aus stabiler Pappe ausgeliefert, auf dessen Rückseite die Miniaturen vieler Artworks abgebildet sind. Das ausklappbare Digipack im Inneren ist ebenfalls großzügig mit tollen Artworks verziert, selbst auf der Innenseite hinter den vier Discs. Die Box trägt nicht zu Unrecht den Titel „Last Exile Complete Box: Range Murata Edition“.

Erwähnenswert ist in dieser Hinsicht ebenfalls das beiliegende 83-seitige Booklet, das eine Menge toller Artworks, Illustrationen und viele Erklärungen über die Flugzeuge, die Charaktere und die Welt enthält. Wer mehr über die Hintergründe von Last Exile wissen will, dem sei die Lektüre des Booklets während oder nach dem Schauen dringend empfohlen. Einzig zu bemängeln ist die stellenweise winzige Schrift, weshalb das Lesen nur bei sehr guter Beleuchtung angenehm ist. Andererseits bedeutet das natürlich auch, dass das Büchlein wirklich viel Inhalt bietet – einige Fragen, die ich mir während der Serie gestellt habe, wurden hier beantwortet.

Fazit

Last Exile ist zurecht ein Klassiker. Die Geschichte ist nicht das größte Meisterwerk seiner Zeit, doch die fantasievolle Welt erzeugt Abenteuerlust und die gut ausgearbeiteten Charaktere mit ihren Freundschaften, Konflikten und Rivalitäten wachsen einem nach und nach ans Herz. Das Pacing ist leider etwas inkonsistent, aber die Mysterien der Welt und die rasanten Actionszenen sorgen dafür, dass man am Ball bleibt.

Die Lokalisierung ist leider recht schwach. Die Sprachausgabe leidet vor allen Dingen unter den Stimmen der jüngeren Charaktere, darunter die Hauptcharaktere, und auch die Untertitel leiden unter einigen Mängeln, die das Gesamterlebnis jedoch glücklicherweise nicht stark beeinträchtigen.

Wem das Setting zusagt, der sollte definitiv über einen Kauf des Animes nachdenken, denn vergleichbare Werke gibt es nur wenige und die Aufmachung der Verpackung macht diese Fassung von Last Exile zu einem schönen Sammlerstück.

Hinweis: Bei der ersten Auslieferung gab es einen Fehler auf Disc 1 der Blu-ray-Fassung, durch den das Wegschalten des Pop-Up-Menüs unmöglich wurde. Bei Kunden, die Last Exile bei Amazon bestellt haben, und nicht bei nipponart direkt, sollten dieser Fehler bereits behoben sein. Solltet eure erste Disc dennoch unerwartet fehlerhaft sein, wendet euch an endkunden@nipponart.de, die euch anschließend Ersatz zuschicken werden.

Technische Daten & Extras

• Laufzeit: ca. 650 Minuten
• Format: 16:9 / 1080p High Definition
• Ton: Japanisch (PCM 2.0), Deutsch (Dolby TrueHD 5.1)
• Untertitel: Deutsch (weiße Schrift, schwarzer Rand)
• Extras: Bildergalerie, Blank Opening + Ending, dickes, informatives Booklet
• Verpackung: Stabiler Schuber in schönem Design, ausklappbares Digipack

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Nipponart hat heute die Blu-ray-Box zur zweiten Staffel auf Deutsch veröffentlicht; damit können Fans nun die gesamte Serie in guter Bildqualität genießen. Da die Veröffentlichung der der ersten Staffel sehr ähnlich ist, werden wir nur kurz darauf eingehen und uns stärker dem Inhalt des Animes widmen.

Wie auch die erste Staffel wurde 2nd GIG im untypischen Format von zwei Folgen zu Beginn jedes Monats veröffentlicht. Vorher konnten diese in „Stand Alone“- und „Complex“-Episoden unterteilt werden, in der zweiten Staffel gibt es sogar drei Arten von Folgen:

• Individual-Folgen befassen sich mit der Haupthandlung um Hideo Kuze und die Individual Eleven
• Dividual-Folgen drehen sich um Kazundo Gouda
• Dual-Folgen stehen für sich

Wirklich episodische Folgen gibt es nur noch wenige, die Mehrheit ist zumindest ein bisschen in die Handlung integriert. Damit einher geht auch, dass die tatsächliche Haupthandlung länger und komplexer als im Vorgänger ist.

Im Zentrum der Handlung steht das Flüchtlingsproblem Japans: Das Land hat nach dem vierten Weltkrieg für den Aufbau mehrere Millionen Ausländer in das Land gelassen, die nun jedoch unter schlechten Bedingungen in abgetrennten Gebieten leben und nur wenige Rechte haben. Verschiedene Leute, darunter der spätere Flüchtlingsführer Hideo Kuze, sehen es als ihr Ziel an, diese Menschen zu befreien.

Neben Hideo Kuze spielt Kazundo Gouda, Vorsteher des japanischen Nachrichtendienstes, eine zentrale Rolle für die Handlung. Er verfolgt offenbar seine eigenen Ziele. Sektion 9 findet sich zwischen diesen beiden Parteien wieder und muss herausfinden, was Kuzes und Goudas überhaupt erreichen wollen.

Das Setting hat noch immer eine bedeutsame Rolle für die Handlung, statt der Erforschung der Cyberpunk-Elemente und der moralischen Konsequenzen steht in der zweiten Staffel aber stärker die Politik im Vordergrund. Die Manipulation der Massen durch die Medien ist ein wichtiges Thema; umso bedrohlicher wird die Situation, weil jeden Moment ein Aufstand oder ein Bürgerkrieg in Japan eskalieren könnte.

Einige Charaktere, über die man bisher noch wenig erfahren hat, werden in 2nd GIG genauer beleuchtet, darunter Aramaki, Borma und Paz. Am meisten Zeit wird aber weiterhin Motoko und Batou gewidmet. Diesmal erfährt man mehr über Motokos Vergangenheit, wenn auch auf eine sehr subtile und ebenso gelungene Weise.

Ein Lob verdient die zweite Staffel definitiv für die Darstellung des Charakters Hideo Kuze. Auch wenn er augenscheinlich ein Antagonist ist, werden seine Vergangenheit, seine Motive und sein Wirken genau beleuchtet. Stellenweise sympathisiert der Zuschauer sogar sehr mit ihm und seinem Bestreben. Sektion 9 ist nicht per se sein Gegner, sie wollen lediglich eine Katastrophe verhindern, die Japan zu ereilen droht.

Weniger nachvollziehbar dargestellt hingegen ist Gouda, dessen Ziele sich im Verlauf der Serie zwar offenbaren, der aber stets ans unsympathisch dargestellt wird. Schnell merkt der Zuschauer, dass man ihm nicht trauen kann. Was er tatsächlich vorhat, enthüllt sich allerdings erst Stück für Stück, und das macht die Angelegenheit spannender.

Dennoch spielt sich die Handlung der zweiten Staffel erheblich langsamer ab. Die meisten Folgen haben etwas mit dem Flüchtlingsproblem zu tun, die Handlung wird aber nie so mitreißend wie das Finale des Vorgängers. Das liegt vielleicht daran, dass es nur drei komplett unabhängige Folgen gibt, der Rest ist handlungsrelevant. Dadurch wird die Handlung zwar komplexer, aber auch ein wenig träger: Es passiert zwar ständig etwas, doch beeindrucken können nur die wirklich wichtigen Momente.

Das Finale ist dennoch gelungen inszeniert worden. Man muss jedoch aufmerksam sein, um den Ereignissen folgen zu können. Wer aufpasst, wird ganz am Ende mit einer besonderen Überraschung belohnt werden – eine, die durchaus emotionale Wirkung entfaltet.

Die deutsche Umsetzung

Die Qualität des Remasters, die Verpackung und das Bonusmaterial entsprechen weitestgehend denen der ersten Staffel. Die HD-Bilder wirken größtenteils klar und abgesehen davon, dass die Kantenglättung manchmal stärker hätte ausfallen können, gibt es nichts zu beanstanden. Als Bonusmaterial gibt es erneut zahlreiche Interviews, die dem Zuschauer einen tiefen Einblick in die Produktion und die Hintergründe der Serie ermöglichen; auch über die Geschichte erfährt man auf diese Weise noch ein bisschen mehr.

Wie auch die erste Staffel wird 2nd GIG in einem „Nova-Schuber“ ausgliefert, das ein Digipack mit vier Discs enthält. Auch diesmal liegt wieder ein dünnes Booklet dabei, das jedoch nicht ganz so viel Mehrwert bietet. Interessant sind aber die Hinweise auf Popkultur-Referenzen, die dem durchschnittlichen Zuschauer in der Serie sonst entgangen wären.

Die deutsche Vertonung ist erneut hervorragend, auch die Sprecher der neuen Charaktere Kuze und Gouda blühen in ihren Rollen auf. Etwas unangenehm fällt auf, dass japanische Ortsnamen und Begriffe nicht immer korrekt ausgesprochen werden. Das wäre weniger schlimm, wenn es nicht so inkonsistent wäre: Der Name „Kuze“ oder der Ort „Dejima“ werden von Sprecher zu Sprecher anders betont, was leicht negativ auffällt.

Fazit

Ghost in the Shell: S.A.C. 2nd GIG ist ein weiterer Ausflug in die cyborgisierte Zukunftswelt, der sich diesmal besonders auf die politische und gesellschaftliche Ebene konzentriert. Animation und Musik sind weiterhin fantastisch, die Handlung selbst aber langsamer als in der ersten Staffel. Deshalb kommen die Höhepunkte nicht ganz so gut zur Geltung, unterm Strich handelt es sich aber dennoch um eine gelungene Fortsetzung, die ihr Geld allemal wert ist.

Die Fortsetzung „Solid State Society“ wurde übrigens im März erstmals in Deutschland veröffentlicht. Leider konnten für diesen Film nicht die ursprünglichen Sprecher der Serie engagiert werden. Für Fans von Ghost in the Shell oder Anhänger des O-Tons wird sich ein Blick aber dennoch lohnen.

Technische Daten & Extras

• Laufzeit: ca. 650 Minuten
• Format: 16:9 / 1080p High Definition
• Ton: Japanisch (DTS-HDMA 5.1), Deutsch (DTS-HDMA 5.1)
• Untertitel: Deutsch (weiße Schrift, schwarzer Rand)
• Extras: Trailer, Blank Endings, zahlreiche Interviews, informatives Booklet
• Sonstiges: 26 Miniepisoden „Der Alltag der Tachikoma“
• Verpackung: Schuber, Digipack, ablösbarer FSK-Aufkleber (nicht jedoch auf dem Digipack)

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Wenn man über Anime-Klassiker spricht, ist Ghost in the Shell sicherlich eine der Serien, die zuerst genannt wird. Nicht grundlos, denn der ursprüngliche Film aus dem Jahr 1995 schuf eine äußerst interessante und gut ausgeführte futuristische Cyberpunk-Welt, die viele philosophische Fragen aufwirft.

Erst im Jahr 2002 folgte die 26-teilige TV-Serie Ghost in the Shell: Stand Alone Complex, von der ein Jahr lang zu Beginn jedes Monats zwei Folgen im japanischen Fernsehen ausgestrahlt wurde. Die Serie hat keine direkte Verbindung zum Film, spielt aber in der gleichen Welt, die allerdings in 26 Folgen natürlich erheblich besser ausgearbeitet wird.

Auch in Deutschland schlugen Film und Serien Wellen und wurden sogar im Fernsehen ausgestrahlt. Letzten Monat ist Stand Alone Complex von Nipponart hierzulande auf Blu-ray veröffentlicht worden – und das verdient die aufwändig produzierte Serie auch. Werfen wir einen Blick auf den Inhalt der Serie und die Aufmachung der Veröffentlichung!

Japan, 2030. Der dritte Weltkrieg ist vorbei und die Cybertisierung menschlicher Körper ist zur Normalität geworden. Viele Menschen haben ihre Gehirne durch Cyberbrains ersetzt – ihre Existenz ist also nicht mehr an ihre Körper gebunden. Diese neue Technologie eröffnet dem Cyberterrorismus jedoch jede Menge neuer Möglichkeiten.

Im Zentrum der Handlung stehen Motoko Kusanagi und die Spezialeinheit „Sektion 9“, die zu großen Teilen aus Cyborgs besteht. Die Ermittler müssen sich zahlreichen Fällen stellen, von denen der größte sich um den „Laughing Man“ dreht, einen begnadeten Hacker, der einen Weg gefunden hat, die Gehirne seiner Mitmenschen zu kontrollieren. Es liegt an Sektion 9, die wahren Motive dieses Mannes herauszufinden – falls er überhaupt wirklich existiert.

Die Serie ist aufgeteilt in sogenannte „Complex“-Folgen (4-6, 9, 11, 20-26), die den Hauptfall um den Laughing Man behandeln, und „Stand Alone“-Folgen (1-3, 7-8, 12-19), die sich mit Einzelfällen beschäftigen und dabei die Welt von Ghost in the Shell genauer erkunden. Beide Arten sind sehr wertvoll für das Gesamterlebnis: Während das Finale der Serie sicherlich der spannendste Teil ist, zeigen die Einzelepisoden, wie facettenreich der technologische Fortschritt dargestellt werden kann und können zudem bisweilen durch erstaunlich emotionale unabhängige Handlungen glänzen.

 Obwohl der Anime mittlerweile mehr als zehn Jahre alt ist, ist er optisch und musikalisch ausgezeichnet gealtert. Da die Serie mit einem erheblich größeren Budget und Zeitaufwand animiert wurde als die meisten Anime-Serien, wirken die Bewegungen sehr flüssig, wovon besonders die Action-Szenen profitieren. Das ikonische Charakterdesign kann sich heute genauso sehen lassen wie damals – auch, wenn man bisweilen bei Motokos Kleidungsstil schmunzeln mag.

Zweifelsohne zeitlos ist der einzigartige Soundtrack von Yoko Kanno, einer der begnadetsten und vielseitigsten Komponistinnen Japans. Rock, gefühlvolle Melodien, moderne Klänge, ungewöhnlicher Gesang, eine Vielzahl an Instrumenten – all das vereinigt sich in der Musik dieses Animes. Bereits das Opening, gesungen von der leider kürzlich verstorbenen Origa, demonstriert, was für eine Atmosphäre die Musik aufbauen kann.

Wer Ghost in the Shell: Stand Alone Complex noch nicht kennt und nicht so recht mit den Charakteren warm wird, sollte ein paar Folgen abwarten. Auch wenn die Charaktere nicht das Hauptaugenmerk sind, nimmt sich die Serie dennoch Zeit, einige von ihnen näher zu beleuchten. Mit der Zeit wachsen einem alle Hauptfiguren ans Herz, und für die Fragen, die offen bleiben, bietet die zweite Staffel noch genug Spielraum.

Auch wenn die Handlung lange größtenteils episodisch bleibt, sind die letzten sieben Folgen ein Paradebeispiel für ein gutes Pacing und einen spannend konstruierten Detektiv-Plot mit unerwarteten Wendungen. Inhaltlich kann die Serie also am Anfang überzeugen und am Ende begeistern.

Deutsche Veröffentlichung

Eine deutsche Version von Ghost in the Shell: Stand Alone Complex gibt es bereits lange, nun aber erstmals in HD. Die alte Vertonung wurde übernommen, und das ist positiv, denn alle Hauptfiguren sind gut bis exzellent vertont. Besonders Charaktere wie Aramaki und Batou glänzen durch perfekt passende Stimmen kombiniert mit hervorragenden Sprecherleistungen. Lediglich die Tachikomas klingen im Deutschen etwas zu aufdringlich und zudem durch die Verzerrung etwas unklarer als im Original.

Die deutschen Dialoge sind stets lebendig und mit viel Fingerspitzengefühl geschrieben. Wer die Untertitel anschaltet, die der Originalversion näher sind, wird feststellen, dass es in der Wortwahl der Textfassung erhebliche Unterschiede zur Sprachausgabe gibt. Das ist jedoch gar nicht schlimm, ganz im Gegenteil: Die Serie nutzt die deutsche Sprache wunderbar, um den Charakteren zusätzlich Persönlichkeit zu verleihen.

Auch das Bild kann sich sehen lassen: Man merkt zwar, dass man kein natives HD-Bild vor sich hat, aber die ohnehin hohe Animationsqualität des Originals wurde gelungen remastert und sieht nun auch auf einem HD-Fernseher gut aus. Bisweilen hätte die Kantenglättung noch ein wenig stärker ausfallen können und unglücklicherweise ruckelt das Bild gelegentlich recht stark bei Kameraschwenks (das mag jedoch abhängig vom Player sein, in meinem Fall eine PlayStation 3) – dies sind jedoch nur kleine Kritikpunkte bei einem sonst sehr gelungenen Remaster.

Verpackt ist das alles in einen Hochglanz-Pappschuber, der ein mit vielen Artworks verziertes Digipack enthält, in dem sich die vier Discs befinden. Die Box ist leider relativ anfällig für kleinere Knicke – es besteht also ein reelles Risiko, dass beim Postversand kleine Gebrauchsspuren entstehen.

Sehr erfreulich: Es liegt ein kleines Booklet bei, das viele spannende Informationen über die Produktion und den Inhalt von Ghost in the Shell enthält. Einsteiger in das Franchise erhalten hier einen guten Einblick in die Welt, doch die weniger bekannten Informationen könnten auch für erfahrene Zuschauer interessant sein.

Vielleicht noch interessanter für Fans der Serie sind die zahlreichen Interviews, die im Bonusmaterial enthalten sind: Neben bekannten Figuren wie Regisseur Kenji Kamiyama und Komponistin Yoko Kanno wird das Augenmerk auch auf die japanischen Sprecher und eine ganzen Reihe anderer beteiligter Personen gerichtet, die in jeweils etwa zehnminütigen Interviews beleuchtet werden.

Alles in allem handelt es sich um eine sehr gelungene Veröffentlichung. Mit etwa 75 Euro ist Ghost in the Shell: Stand Alone Complex zwar keine günstige Anschaffung, mit 26 Folgen bietet die Serie aber dennoch ein tolles Preis-Leistungsverhältnis.

Fazit

Ghost in the Shell: Stand Alone Complex ist ein exzellentes Gesamtpaket, das von allem etwas bietet: Ein spannendes und gut ausgearbeitetes Setting, sympathische und interessante Charaktere, nachdenklich stimmende und emotionale episodische Folgen, einen mitreißenden Hauptplot mit unerwarteten Wendungen, exzellente Action, aufwändige Animation und hervorragende Musik – das alles mit einer gelungenen deutschen Vertonung und erstmals hierzulande in hoher Auflösung.

Selten findet man so vieles so gut umgesetzt in einem einzelnen Werk. Anime-Fans, die diese Serie noch nicht kennen, sollten das definitiv ändern, doch auch für alte Fans der Serie könnte sich ein Blick auf die aufpolierte Fassung lohnen.

Technische Daten & Extras

• Laufzeit: ca. 650 Minuten
• Format: 16:9 / 1080p High Definition
• Ton: Japanisch (DTS-HDMA 5.1), Deutsch (DTS-HDMA 5.1)
• Untertitel: Deutsch (weiße Schrift, schwarzer Rand)
• Extras: Trailer, Blank Endings, zahlreiche Interviews, informatives Booklet
• Sonstiges: 26 Miniepisoden „Der Alltag der Tachikoma“
• Verpackung: Schuber, Digipack, ablösbarer FSK-Aufkleber

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