Im Vorfeld einige Shops herauszusuchen und deren Ort mit angrenzenden Sehenswürdigkeiten zu kombinieren hat mir einiges an Zeit (und Geld) gespart. Aber zum Glück war es nicht mein erstes Rodeo und ich konnte darum einige Fallstricke vermeiden und auf vorherigem Wissen aufbauen.

Ihr möchtet auch einmal eine Reise nach Japan machen und dort euer hart verdientes Geld für Games und andere Nerd-Ware ausgeben? Ich habe für euch alle Informationen zusammengeschrieben, die ich am liebsten auch von Anfang an gewusst hätte.

Achtung Zoll! Bewahrt alle Kassenbons auf!

Achtet darauf, dass ihr alle Kassenzettel von Mitbringseln aufbewahrt. Ihr seid verpflichtet, eure Einkäufe aus Japan zu verzollen, sobald ihr wieder in Deutschland landet. Es gibt hier immer einen Freibetrag. Aktuell liegt dieser bei 430 Euro. Alles darüber muss direkt nach der Landung beim Zoll deklariert und verzollt werden. Da ihr aber auch für eine Kontrolle ausgewählt werden könnt, wenn ihr innerhalb des Freibetrags unterwegs seid, ist es wichtig, die Kassenbons griffbereit zu haben, um dies belegen zu können.

Wenn ihr euren Gesamtbetrag gegenrechnen wollt, rechnet lieber mit einem minimal schlechteren Wechselkurs. Zusätzlich solltet ihr beim Packen eurer Koffer auch darauf achten, dass alle eure Mitbringsel gut erreichbar sind. So spart ihr euch, dass beim Zoll euer Gepäck komplett durchwühlt wird.

Achtet auf „Tax-Free“

In vielen japanischen Läden könnt ihr als Tourist einkaufen und euch das Äquivalent zur Mehrwertsteuer sparen. Achtet daher auf die entsprechenden Aushänge. Oft müsst ihr dafür an eine bestimmte Kasse und ankündigen, dass ihr gerne „Tax-Free“ nutzen möchtet. Ihr müsst dann euren Reisepass vorzeigen, damit verifiziert werden kann, dass ihr nur als Tourist zu Besuch seid. Achtung: Manchmal muss ein Mindestbetrag erreicht werden, bevor ihr euch die Steuer sparen könnt.

Koffer vs. Paket

Es ist auch wichtig darüber nachzudenken, wie ihr eure Goodies transportiert. Sollten eure Einkäufe noch in euren Koffer passen, dann ist das natürlich optimal. Alternativ könnt ihr euch überlegen, einfach eure Mitbringsel per Post nach Hause zu schicken. Das lohnt sich aber primär, wenn ihr ohnehin über dem Zollfreibetrag seid.

Falls euch der Platz ausgeht, ist es die beste Möglichkeit, sich vor Ort einfach einen weiteren (kleinen) Koffer oder eine Sporttasche zu kaufen. Direktflüge über Lufthansa/ANA bieten meist die Möglichkeit, dass jede Person zwei volle Gepäckstücke (plus Handgepäck) mit sich führen darf.

Solltet ihr also im Vorfeld auch bereits wissen, dass ihr mehr (oder sperrig) einkaufen wollt, ist es eventuell clever, bereits mit mehr Koffern anzureisen. Diese können ja auch zu Beginn ineinander verpackt werden. Sollten sie unterschiedliche Größen haben.

Speichert Bilder von dem, was ihr sucht

Die Sprachbarriere ist vermutlich groß, wenn ihr nach Japan reist. Und manche Läden sind wirklich wirr und die Beschilderung ausschließlich auf Japanisch. Es hilft darum ungemein, wenn ihr bereits Fotos der Spiele oder Artikel auf dem Handy habt, nach denen ihr sucht. Oft reicht es dann, wenn ihr einem Mitarbeiter das Bild zeigt und einen dieser beiden Sätze sagt:

• Kore wa arimasuka? (Haben sie das?)
• Kore o sagashimasu. (Ich suche das.)

Wo kauft man am besten ein?

Da nun die Logistik geklärt ist, bleibt natürlich eine wichtige Frage im Raum: Wo kaufe ich am besten ein? Das variiert natürlich je nachdem, was man sucht. Ich selbst hatte mir folgendes auf die Liste meiner „Wants“ gesetzt:

• Eine Auswahl japanischer Yu-Gi-Oh!-Sammelkarten
• GunPlay Modellbaukits
• Gaming-Soundtracks
• Ausgewählte Retro-Spiele

Und für alle dieser Bereich gibt es unterschiedliche Läden, die man sich am besten im Vorfeld schon in einer Google-Maps-Liste abspeichert. Um diese geht es in der Folge.

Neuware

Es ist auch in der aktuellen Zeit nicht ungewöhnlich, dass ein Spiel ausschließlich in Asien erscheint. Japan ist auch dafür bekannt, häufig physische Versionen von Spielen zu bekommen, die bei uns lediglich als Download verfügbar sind. Wer auf der Suche nach Videospielen ist, die also noch relativ frisch sind, der wird ganz einfach in diversen Läden fündig, die Elektroware führen. Die beiden größten Ketten dafür sind BIC Camera und Yodobashi. Diese beiden sind am besten mit Media Markt und Saturn vergleichbar.

Es gibt aber auch zahlreiche kleine Läden für Videospiele. Per Google Maps werdet ihr hier vermutlich schnell fündig. Denkt daran, dass neue Titel in Japan oft etwas teurer sind als bei uns. Je nach Wechselkurs kommt ihr vermutlich dennoch billiger weg.

Solltet ihr keine Videospiele, sondern etwas wie Figuren, Modellbau-Kits, Brettspiele oder Sammelkarten suchen, dann ist das Schlüsselwort für Google Maps „Hobbystore“. Auch hier gibt es einige große Ketten. Die größte in diesem Bereich ist vermutlich Yellow Submarine. Je nach Store kann es sein, dass hier aber nur ein Teil der unterschiedlichen Hobby-Kategorien bedient wird. Anime- und Game-Liebhaber finden übrigens in großen Musikläden, wie Tower Records, eine Vielzahl an CDs zu diesen beiden Genres.

Second-Hand

Der Aspekt, in dem Japan wirklich strahlt, ist aber der Second-Hand-Markt. Wer auf Retro-Ware steht oder kein Problem mit gebrauchten Produkten hat, wird hier auf jeden Fall auf seine Kosten kommen. Bei Merchandise wie Sammelfiguren ist es vor allem spannend, dass diese oft so gut erhalten sind wie Neuware.

Dabei gibt es spezielle Second-Hand-Ketten, in denen man meist alles findet, was mit Nerd-Kultur zusammenhängt: Games, Figuren, Musik und Bücher. Dabei reicht auch die Auswahl an Videospielen je nach Laden von Games aus der 8-Bit-Zeit bis zu modernen Titeln. Gebrauchtwaren-Jäger sollten also vor allem nach den namhaften Läden Ausschau halten: Mandarake, Trader, Mulan und BookOff. Manche der Ketten haben einen klaren Fokus auf einer Produktlinie. So findet man bei Trader vor allem Anime-Merchandise.

Book Off ist dabei eine der größten Marken im Second-Hand-Bereich. Vor allem die etwas größeren Filialen mit dem Titel BookOff Plus bieten massig Fläche, um zu stöbern. Hier macht es meist allein schon Spaß, einfach so durch die engen Regalreihen zu schlendern.

Wer speziell nach Videospielen sucht, der stolpert auch immer wieder über Shops, die sich genau darauf spezialisiert haben. Früher war es wirklich einfach, über zahlreiche günstige Angebote zu stolpern. Auch für gefragtere Retro-Spiele. Mittlerweile haben die Preise in Städten wie Tokyo aber ordentlich angezogen.

In Kyoto gab es hingegen noch durchaus ein paar Läden, in denen es möglich war, günstige Spiele zu finden. Eine Google-Suche nach „Used Videogames“ liefert oft solide Ergebnisse. In Tokyo gibt es zudem Filialen der Kette Super Potato. Gerade die Filiale in Akihabara ist gut sortiert und bietet auf mehreren Stockwerken alles, was ein Retro-Fan braucht. Sogar eine kleine Arcade im obersten Geschoss.

Lasst euch auch hier nicht von der Pseudo-Elite der Gaming-Sammler reinreden. Nur weil Super Potato seit vielen Jahren kein Geheimtipp mehr ist, ist der Laden nicht unbedingt schlechter. Die Preise sind vielleicht minimal höher als bei kleineren Konkurrenz-Shops, aber dafür ist die Auswahl auch wesentlich besser.

Satellite Stores

Für manche Franchises oder Fandoms gibt es eigenständige Satellite Stores. Die bekanntesten darunter sind vermutlich die Nintendo Stores und Pokémon Center. In diesen findet ihr ein stetig rotierendes Sortiment an Figuren, Klamotten, Plüschis und Schmuck, basierend auf den unterschiedlichen Themenbereichen.

Die Artikel in diesen Läden können teilweise etwas mehr kosten, sind dafür aber oft von guter Qualität und zudem zeitlich limitiert. Wer also wirklich etwas Besonderes zu einer bestimmten Serie sucht, wird hier sicher fündig.

Bildmaterial: Matthias Regge, eigene Fotos

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„Das ist nicht mehr mein Final Fantasy!“

… ist ein Satz, den ich zur Veröffentlichung von Final Fantasy XVI mehrfach auf Social Media lesen durfte. Während die Fachpresse Traumwertungen verteilte, schien mein Twitter-Feed voll von Fans zu sein, bei denen das Gameplay des neuen Square-Enix-Titels scheinbar nicht so gut ankam. Action-Combat? Blut? Politik? So ginge es nicht. Das war nicht mehr das Final Fantasy der Serien-Veteranen.

Und so ganz konnte ich die Problematik nicht nachvollziehen. Mich selbst hatte der Titel erst nicht wirklich interessiert, da ich ohnehin mit anderen Spielen alle Hände voll zu tun hatte. Der Diskurs um den Genre-Wechsel von Final Fantasy XVI und die vermeintliche Abkehr von dem, was eigentlich einen Titel dieser Reihe ausmacht, hat mich aber hellhörig werden lassen.

Und vielleicht ist es vorweg wichtig zu sagen, dass ich durchaus glaube, dass ein neues Spiel einer renommierten Serie einem absolut nicht taugen darf. Ich selbst habe Street Fighter V nur so viel Aufmerksamkeit gegeben, wie nötig war. Erst mit der Veröffentlichung von Street Fighter 6 konnte mich Capcom wieder einfangen und begeistern. Das ist in meinen Augen auch total fair. Was mich in diesem Kontext mehr interessiert hatte: Ist Final Fantasy XVI wirklich nicht seines Franchise-Titels würdig?

„Das ist ja gar nicht rundenbasiert!“

Einen der häufigsten Takes, die ich lesen durfte, war die Problematik um das Kampfsystem von Final Fantasy XVI. Hier hat sich Square Enix etwas mehr von den früheren JRPG-Wurzeln entfernt und setzt auf Character-Action im Stil von Devil May Cry oder Bayonetta. Unverkennbar ein harter Bruch zu den Titeln, die zuvor kamen. Aber wurde hier wirklich eine Tradition gebrochen?

Ich bin aufgrund mangelnder Hardware erst sehr spät in die Spielreihe eingetaucht. Mein erstes Final Fantasy war der achte Teil als PC-Version. Und alle nachfolgenden Teile der Serie, die ich gespielt habe, hatten ein komplett anderes Kampfsystem und Gameplay-Elemente:

• Final Fantasy VIII: ATB-Kampfsystem
• Final Fantasy X: Strikt rundenbasiert
• Final Fantasy XII: Action-basiertes Auto-Attack mit programmierbaren NPCs
• Final Fantasy XIV: Tab-Targeting
• Final Fantasy XV: Open-World mit Action-Kampfsystem

Rückblickend wurde innerhalb der Zeit immer wieder mit neuen Mechaniken experimentiert. Es ist korrekt, dass der Ursprung der Spiele in rundenbasierten Kämpfen lag, welche sich später zu einem ATB-Kampfsystem entwickelt hatten. Aber speziell die letzten Veröffentlichungen spielten sich allesamt unterschiedlich. Das letzte Mal, dass ein Final-Fantasy-Titel dasselbe Kampfsystem hatte, wie sein Vorgänger, war im Jahr 2000, mit dem Erscheinen von Final Fantasy IX.

Ich – als Fan von rundenbasierten JRPGs – verstehe ich vollkommen den Wunsch, mehr Spiele mit dieser Mechanik spielen zu können. Allerdings war die Chance, dass Final Fantasy XVI zu diesem System zurückkehrt, von Anfang an sehr unwahrscheinlich. Doch Turn-Based-Fans müssen ja nicht traurig sein. Es gibt mit Dragon Quest XI, Chained Echoes oder Octopath Traveler II ja ein paar großartige Spiele, welche diese Art von Kampfsystem bieten.

Warum ist das Spiel so düster?

Da ich mir im Vorfeld nicht viele Trailer zu Final Fantasy XVI angesehen hatte, um potenziellen Spoilern zu entgehen, war auch ich von der Tonalität des Titels überrascht. Zwar hatte ich bereits zuvor von einem „Game of Thrones“-Flair gelesen, aber so richtig konnte ich mir darunter nichts vorstellen. Es wird einem allerdings schnell klar, was das bedeutet: Gewalt, Sex, Politik und tiefes World Building mit einigem an Lore.

Was mir nicht ganz klar ist, ist der Nachteil dieses Umstands. Und noch viel weniger, warum das Final Fantasy XVI weniger zu einem Final Fantasy macht als seine Vorgänger. Denn genau das, was mich an Teil 16 so fesselt, sind dieselben Aspekte, die mich auch an die vorhergehenden Spiele gebunden haben: die Welt, ihre Charaktere und die spannende Entfaltung derer Schicksale.

Wer nun sagt, dass die Materie heftiger ist als zuvor, der muss bei ein paar anderen Titeln die Augen und Ohren verschlossen haben: Mord, politische Intrigen, Fremdenhass, Klimawandel … alles Themen, vor denen sich Final Fantasy auch in der Vergangenheit nicht verschlossen hat.

Dabei bietet Final Fantasy XVI auch alle Elemente, die man von einem Titel der Reihe erwartet: Kristalle, Chocobos und die mittlerweile ikonischen Summons sind ein essenzieller Bestandteil der Welt und zentraler Punkt der Geschichte.

Was ist überhaupt „dein“ Final Fantasy?

Und damit kommen wir wieder zu der Aussage zurück, die überhaupt mein Interesse an Final Fantasy XVI geweckt hatte: „Es ist nicht mehr mein Final Fantasy.“ Ich könnte nachvollziehen, wenn man sagt, dass man keine Action-Games mag, und der Titel einem darum nicht zusagt. Etwas, das die Entwickler absolut im Hinterkopf hatten. Immerhin bietet das Spiel zahlreiche (optionale) Stützräder für Spieler, die primär die Welt und Story erleben wollen.

Was mir persönlich wirklich etwas fehlt, ist eine ausgedehnte Charakter-Anpassung. Natürlich ist es möglich, neue Gegenstände auszurüsten und Fähigkeiten zu erlernen, dies ist aber leider etwas flach. Allerdings macht auch dieser Aspekt den 16. Teil nicht weniger zu einem Final Fantasy. Die letzte offene Charakter-Entwicklung hatten wir vermutlich in Final Fantasy X.

Letztendlich fühlte ich mich zu keinem Zeitpunkt so, als würde ich hier ein Spiel erleben, welches nicht dem Label „Final Fantasy“ würdig wäre. Dieselben treibenden Aspekte, welche auch schon mein jüngeres Ich vor die Bildschirme gefesselt haben, sind hier immer noch vorhanden: Eine mitreißende Geschichte, in der Probleme der echten Welt gespiegelt werden, mit Charakteren, deren Schicksal einen wirklich interessiert, umhüllt von einem bombastischen Soundtrack.

Vielleicht ist eher „Das ist nicht das Final Fantasy, was ich am liebsten mochte“, die korrekte Aussage. Und das wird auch keines der Spiele in der Zukunft sein.

Bildmaterial: FINAL FANTASY XVI © 2023 SQUARE ENIX CO., LTD. All Rights Reserved.

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Hier wird beschrieben, dass der Titel lediglich digital verfügbar sein wird. Viele Nutzer haben bereits ihr Kaufverhältnis umgestellt und die Entwickler wollen keine Disc an Kunden geben, die dann ohnehin nur einen Download benötigt.

Der Zorn war groß. Es wurde davon gesprochen, dass die Veröffentlichung bereits jetzt einen „Direct to DVD“-Vibe versprühen würde. Und auch ich habe mir einmal Gedanken gemacht. Immerhin bin auch ich ein Gamer, der viel Freude daran hat, sich eine Handelsversion ins Regal zu stellen und seine Sammlung zu erweitern. Tatsächlich bin ich nicht nur zu dem Ergebnis gekommen, dass mich der Umstand einer rein digitalen Veröffentlichung nicht stört. Tatsächlich bin ich fast schon verwundert, warum Konsolenspiele überhaupt noch auf Disc (oder Switch-Karte) erscheinen.

Markttrend

Denn im Grunde hat Remedy hier nicht unrecht. Der Trend im Verkauf von Spielen geht klar in Richtung digital. Dass es mittlerweile auch Services wie den Xbox Game Pass gibt, macht diese Situation auch nicht besser. Im Gegenzug wurden allerdings mehr PS5-Konsolen mit Laufwerk verkauft, im Vergleich zu der Version, welche nur auf digitale Möglichkeiten setzt. Das kann natürlich darauf zurückzuführen sein, dass Spieler gerne ihre bestehende Auswahl an PS4-Discs auf der neuen Konsole spielen wollen. Aber wenn man in die Gaming-Bubble hineinhört, hat man dennoch das Gefühl, dass der Wunsch zu Handelsversionen von Videospielen nach wie vor gegeben ist.

Und wie bereits erwähnt, gehöre ich auch zu dieser Gruppierung. Denn obwohl ich einen Review-Code für The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom von Nintendo erhalten hatte, habe ich mir den Titel Tage später auch noch physisch gekauft, um ihn mir ins Regal zu stellen.

Dennoch kaufe ich wesentlich mehr Spiele mittlerweile nur noch digital. Es sind wirklich eher ausgewählte Titel, die ich tatsächlich in der Sammlung stehen haben möchte. Ein Grund dafür ist einfach, wie bequem es ist. Natürlich könnte ich mir ein Spiel auch bei Amazon bestellen und es einfach am Veröffentlichungstag aus dem Briefkasten fischen. Aber optimalerweise möchte ich ja nach wie vor meinen lokalen Händler unterstützen, wenn ich physisch kaufe. Mit dem digitalen Download kann ich zur Stunde null den Titel spielen. Oft dankt Pre-Loads sofort.

Das kann auch daran liegen, dass ich mittlerweile auch mehr am PC spiele. Hier gibt es eigentlich nur noch digitale Versionen. Das hat mir ein wenig dabei geholfen, mich davon zu lösen, wirklich jedes Spiel auf Disc kaufen zu wollen. Etwas, das mir auch dadurch verdorben wird, dass es ohnehin kaum möglich ist, eine „Definitive Version“ eines Spiels für die Sammlung zu bekommen. So viele Titel bauen auf (Day-1-)Patches und Content-Updates, die erst im Laufe der Zeit nachgereicht werden. Dies führt dazu, dass die Discs im Spieleregal fast wertlos sind, da sie meist die schlechteste (oder teilweise unspielbare) Variante des entsprechenden Videospiels darstellen.

Indie-Game

Auf der anderen Seite der Medaille sind die unterschiedlichen Anbieter, die es sich zur Aufgabe gemacht haben, Spiele mit physischen Versionen zu versorgen, die sonst lediglich eine digitalen Version bekommen haben. Oft sind diese Hardcopys dann leider auch auf diese eine Produktion limitiert. Wer seine Chance verpasst, muss sich die Spiele teuer auf dem Zweitmarkt besorgen.

Größtenteils werden hier Indie-Games verlegt. Diese Projekte sind größtenteils auch etwas kleiner im Umfang als massive AAA-Spiele und damit eher als fertiges Produkt verfügbar. Eine perfekte Voraussetzung für eine Veröffentlichung auf Disc.

Und tatsächlich glaube ich, dass dies der Trend ist, den wir über kurz oder lang erleben werden. Vielleicht werden auch „große“ Spiele früher oder später nur noch digital auf Konsolen verfügbar sein, und Alan Wake 2 ist nur der Vorreiter dieses Trends. Eventuell wird es nur noch kleine Auflagen von Disc-Veröffentlichungen dieser Spiele geben, die sich dann primär an Hardcore-Fans richten.

Glaube ich, dass der Retail-Markt von Konsolen „stirbt“? Nein. Jedenfalls nicht jetzt oder in den nächsten Jahren. Allerdings würde ich mir dennoch wünschen, dass die Hardcopy meines Spiels, welche ich im Laden kaufe, mehr wert hat. Aber dafür ist der Zug leider abgefahren.

Wir werden weder schöne Anleitungen zurückbekommen, noch wird sich die Industrie am Riemen reißen und auf den Luxus von Day-1-Patches verzichten. Aber in der Zwischenzeit freue ich mich einfach umso mehr über die schicken Veröffentlichungen von Limited Run und Co., mit denen ich mein Regal und meinen Gaming-Raum schmücken kann.

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Ein Fest für die Community, welche Street Fighter IV und seine Folge-Versionen immer in einem positiven Licht gesehen hat. Es war eine Renaissance des Genres. Massig neue Content-Creator, Events und lokale Szenen entstanden. Fighting-Games nahmen in der Welt des eSports Fahrt auf und erste Spieler bekamen Profi-Verträge von bestehenden Organisationen und Teams.

Und im Zentrum dieser goldenen Zeit stand immer Street Fighter IV. Auf jedem Turnier war es das Spiel mit den meisten Teilnehmern und dem größten Publikum vor Ort und innerhalb der Livestreams. Jeder andere Genre-Vertreter musste sich an dem Erfolg von Capcoms Titan messen.

Und als Street Fighter IV dann langsam an Momentum verlor, kündigte Capcom Street Fighter V an. Erste Reaktionen der Community waren verhalten. Das erste Bildmaterial wirkte klobig und seelenlos. Etwas, was leider ein Zeichen dafür sein sollte, was die Zukunft bringt. Denn als der Titel auf den Markt kam, wurde schnell klar, dass dies nicht das große Follow-up war, das sich Fans erhofft hatten: Street Fighter V war spielerisch schwächer als sein Vorgänger, litt aber vor allem an einem starken Mangel an Spielinhalten und Feinschliff. Zudem vermissten viele Spieler den Charme und Charakter früherer Spiele. Street Fighter V wirkte kalt, leblos und zu sehr auf „eSports“ getrimmt. Der Thron des Genre-Königs begann zu wackeln.

Hochmut kommt vor dem Fall

Doch warum kippte die Stimmung der Community so stark, wenn es um das Prestige von Street Fighter V ging? Immerhin war es doch der Nachfolger zu einem der einflussreichsten Fighting-Games seit der Veröffentlichung von Street Fighter II.

Ein wichtiger Aspekt ist der Umstand, dass Capcom keine Anstalten machte, das Genre mit diesem Spiel weiter voranzutreiben. Im Gegenteil. Street Fighter V wirkte wie ein Rückschritt: Weniger Spielmodi, weniger Charaktere und Gameplay, welches die Strategie vieler Charaktere zu homogen machte. Gepaart mit technischen Problemen und der bereits erwähnten, seelenlosen Präsentation führte dies dazu, dass der Titel nicht positiv aufgenommen wurde.

Und dieser Verdruss hatte für das Genre sowohl Vor- als auch Nachteile. Natürlich gab der Abstieg von Street Fighter in der Popularität anderen Spielen die Chance zu wachsen und mehr ins Rampenlicht zu rücken. Einer der großen Gewinner dieser Zeit war Guilty Gear. Und im Vergleich zu Capcom konnte der Entwickler dieser Reihe, Arc System Works, das Momentum in den Erfolg des aktuellen Ablegers, Guilty Gear: Strive, konvertieren.

Doch leider ist es ultimativ auch so, dass es dem gesamten Genre schlecht geht, wenn Street Fighter nicht aufblühen kann. Denn egal, ob man die Spielreihe mag oder nicht, sie ist in der Vergangenheit immer das Zentrum der Fighting-Game-Community gewesen. Dies war bereits in der Arcade-Ära so und hat sich auch im modernen Turnier-Zeitalter nicht geändert.

Nach dem durchwachsenen Launch von Street Fighter V schaffte es Capcom dann erneut ins Fettnäpfchen zu treten. Denn auch die Veröffentlichung von Marvel vs. Capcom: Infinite, dem aktuellen Teil der renommierten Capcom-Versus-Reihe, litt an den gleichen Problemen wie Street Fighter V. Schlechte Technik, fehlende Features und ein Mangel an Identität und Seele. Es schien fast so, als wären die Tage der hochkarätigen Capcom-Fighter gezählt.

Tatsächlich schienen auch bei Capcom langsam die Alarmglocken zu schrillen. 2021 fand ein Wechsel im Street-Fighter-Team statt. Der langjährige Serien-Veteran und Producer, Yoshinori Ono, übergab das Projekt an ein frisches Duo und verließ kurz darauf Capcom. Die Änderungen, die der frische Wind in Street Fighter V brachte, bescherte dem Titel eine zweite Chance. Neu hinzugefügte Charaktere waren interessant designt und boten spannende Gameplay-Loops. Komplett neue Mechaniken änderten die Art, wie der Titel gespielt wird.

Schließlich kam 2022 dann die Ankündigung, dass unter demselben Team auch ein komplett neuer Teil der Reihe in Entwicklung ist: Street Fighter 6. Ein Spiel, das den Genre-Hochmut von Capcom wieder richten müsste.

„I’ve been a failure, I’ve been a success“

Und nun ist es so weit. Street Fighter 6 steht in den Startlöchern. Und die Community ist extrem hungrig. Aktuell kann man sagen, dass Capcom hier aus allen Fehlern gelernt hat, die sie mit Street Fighter V begangen haben:

Der Titel strotzt nur so vor Charakter und Identität. Sie haben sich dazu entschlossen, zurück zu den Hip-Hop-Wurzeln von Street Fighter zu gehen, die zuletzt in Street Fighter III: Third Strike zu erleben waren. Jedes Menü, jede Animation ist liebevoll umgesetzt. Fans finden viele kleine Details und versteckte Anspielungen. Es ist klar, dass hier ein Team am Werk war, das Street Fighter atmet.

Das Gameplay setzt wieder mehr darauf, die Besonderheiten und Stärken der einzelnen Charaktere in den Vordergrund zu stellen. Dafür wurden neue Fighter mit spannenden Mechaniken eingeführt und wiederkehrenden Straßenkämpfern wurden einige neue Techniken ins Arsenal gepackt. Es gab auch viele Gelegenheiten für die Community, den Titel in diversen Beta-Tests oder Preview-Sessions auszuprobieren. Das Feedback der Spieler war hier stets positiv. Etwas, was auch durch den Wandel des Kern-Gameplays und die Einführung der neuen Drive-Mechanik verstärkt wird.

Nicht nur ein Fighting-Game

Doch der wohl wichtigste Punkt: Endlich hat man sich Gedanken gemacht, wie ein Fighting-Game in der modernen Zeit funktionieren kann. Denn die Zeiten, in denen diese Spiele einfach Münzschlucker in Spielhallen waren, sind lange vorbei. Street Fighter 6 gibt sich Mühe, nicht nur ein Fighting-Game zu sein, sondern ein Videospiel. Ein Titel, den nicht nur Genre-Fans aufpicken können und einen Mehrwert für ihr Geld bekommen.

Das beginnt mit der Einführung einer neuen – optionalen – Tastenbelegung, die Eingaben im Austausch von technischer Tiefe vereinfacht, und damit den Einstieg erleichtert, und endet mit einem ausführlichen Single-Player-Modus. Dieser erlaubt euch, einen eigenen Charakter zu erstellen, eine offene Spielwelt zu erkunden und von den Legenden der Street-Fighter-Geschichte neue Moves zu lernen. Inklusive RPG-Elementen wie Skill- und Statuspunkte.

Und als jemand, der das Fighting-Game-Genre über alles liebt, bin ich einfach sehr froh, dass Street Fighter wieder den Weg zurück zur Güte gefunden hat. Mein persönlicher Wunsch ist natürlich, dass die Community noch weiter wächst, vor allem nun, da es endlich sinnvollen Inhalt für Einzelspieler in einem Street-Fighter-Titel gibt. Aber vor allem bin ich erleichtert, dass Capcom sich seines Hochmuts bewusst geworden ist. Etwas, das sich auch ganz klar in dem Liedtext widerspiegelt, den Spieler im Character-Select-Screen zu hören bekommen: „I’ve been a failure, I’ve been a success.“ … Heute ist das Embargo zu Street Fighter 6 gefallen. Der OpenCritic-Schnitt von 92 spricht eine klare Sprache. Willkommen zurück, Street Fighter!

Bildmaterial: Street Fighter 6, Capcom

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Nicht alle Fans sind sich aber sicher, ob das bereits gezeigte Material ausreicht, um sich ein klares Bild davon zu machen, wie sich der Titel spielen wird. Die Sorge ist groß, dass viele der Elemente, die sich die Community auch schon für Breath of the Wild gewünscht hatte, erneut auf der Strecke bleiben.

So zum Beispiel die Rückkehr „echter“ Dungeons. Und auch wenn der letzte Story-Trailer einen guten Einblick darauf gewährt, was einen über den Verlauf des Abenteuers an Charakteren erwarten wird, bleiben dennoch viele Fragezeichen. Ist Nintendo sich hier etwas zu siegessicher? Ist das Vertrauen in die Zugkraft des Titels zu groß? Oder wollen sie uns einfach die besten Dinge selbst erfahren lassen?

Warum es bei Breath of the Wild anders war

Oft wird der Vergleich zur Marketingkampagne von Breath of the Wild gezogen. Bis zur Veröffentlichung des Titels war wesentlich mehr bekannt. Es wurde viel mehr zum Gameplay-Teil des Spiels geteilt als bei Tears of the Kingdom.

Das war scheinbar nicht zwingend geplant. Nintendo hätte Breath of the Wild gerne mehr im Nebel des Unbekannten gelassen. Allerdings war der Titel von hoher Wichtigkeit, um einen erfolgreichen Start der Nintendo Switch zu gewährleisten. Aus diesem Grund hat sich das Marketing-Team wohl dazu entschieden, mehr Informationen und Eindrücke zu ermöglichen, um das Interesse für das Spiel anzuheizen.

Etwas, das jetzt natürlich nicht dringend nötig ist. Auch wenn Breath of the Wild mit manchen seiner Gameplay-Entscheidungen für gespaltene Meinungen unter SpielerInnen gesorgt hat, ist es dennoch ein unglaublicher Erfolg. Sowohl finanziell als auch vonseiten der Fans und Kritiker.

Da Tears of the Kingdom ein seltener Fall ist, in dem ein echter Nachfolger zu einem Zelda-Titel erscheint, ist das Bild der Spielerschaft nun wesentlich stärker geformt als bei der Veröffentlichung von Breath of the Wild. Dieser Teil der Reihe war vieles anders angegangen als seine Vorgänger. Dies sorgte für frischen Wind. Etwas, an das man sich gewöhnen musste. Jetzt kennt man die spielerische Formel und das Grundgerüst und kann sich in etwa vorstellen, wie sich dies auf Tears of the Kingdom auswirkt. Es gibt also weniger Grund dafür, die Fans mit mehr Informationen als nötig zu versorgen.

Die Wünsche der Zelda-Fans

Doch diese Heimlichtuerei hat in den vergangenen Wochen bei einigen für einen negativen Eindruck gesorgt. Denn auch wenn Breath of the Wild viel Lob eingeheimst hatte, so gibt es dennoch zahlreiche Aspekte, die bisher ein fester Teil des Franchise waren und die man in diesem Spiel vermisst hat. Der größte Punkt ist vermutlich das Wegfallen klassischer Dungeons. Diese wurden in Breath of the Wild mehr oder weniger durch eine Vielzahl kleiner Schreine abgelöst, in denen die SpielerInnen Rätsel und Kampf-Herausforderungen meistern mussten.

Natürlich war die Hoffnung groß, dass einer der Trailer oder Präsentationen zu Tears of the Kingdom die Fangemeinde beruhigt und darauf hinweist, dass dieser Teil der Zelda-Legacy zurückkehren wird. Auch hatten viele darauf gepokert, dass die Waffen im neuesten Teil nicht mehr zerbrechen. Ein Feature, das auch in Breath of the Wild eher weniger Zuspruch gefunden hat.

Immerhin ist nun bekannt, dass Tears of the Kingdom Waffen mit limitierter Haltbarkeit zurückbringt. Unschön für alle, die sich das Niederlegen dieser Mechanik gewünscht haben, aber wenigstens muss man jetzt keine Annahmen mehr treffen.

Warum das Mysterium gut zu dem Spiel passt

Eine der größten Stärken von Breath of the Wild war das Ungewisse der Spielwelt. Hinter jeder Ecke gab es etwas zu entdecken. Das Gefühl von Abenteuer und Erkundung war etwas, das auf diesem Level noch nicht innerhalb des Open-World-Genres geboten wurde. Und viele Spiele in den vergangenen Jahren haben sich an dem Gerüst, das Breath of the Wild vorgelegt hat, orientiert.

Und wenn man jetzt davon ausgeht, dass Nintendo auch mit Tears of the Kingdom auf dieselben Stärken setzt, so ergibt es sehr viel Sinn, dass man möglichst viel des Spiels im Dunkeln halten möchte. Je weniger SpielerInnen wissen, desto mehr kann man sie überraschen.

Etwas, das sie sich nun leisten können, da das blinde Vertrauen vieler Fans aufgrund des Erfolgs von Breath of the Wild oft da ist. Dies kann man natürlich Hybris nennen, ein wenig überheblich also. Aber letztendlich ist diese Heimlichtuerei etwas, das für besonders herausragende Momente sorgen kann. Die Augenblicke, über die man in den Wochen nach dem Erscheinen mit seinen Freunden spricht. Was, wenn Dungeons zurück sind? Wie magisch ist der Moment, wenn man einen solchen betritt und man musikalische Anspielungen an vergangene Tempel und Verliese aus alten Spielen zu hören bekommt?

Wo stehe ich in Bezug zu Tears of the Kingdom?

In einem vergangenen Artikel habe ich bereits darüber gesprochen, wie ich davon ausging, dass Breath of the Wild das schlechteste Zelda aller Zeiten werden würde. Wie ich mir gewünscht hatte, dass ich es einfach hassen kann. Und es kam anders. Ich habe es geliebt. Jeden Moment des Abenteuers. Und einer der wichtigsten Aspekte, die meinen Playthrough zu dem gemacht haben, was er war, waren die Geheimnisse. Ich habe mich wieder gefühlt, als wäre ich sechs Jahre alt. Fühlte mich zurückerinnert an A Link to the Past und wie magisch jede kleine Entdeckung war.

Das bedeutet nicht, dass ich Tears of the Kingdom ein Freilos zuspreche. Der Vorlauf bis zur Veröffentlichung war eine Achterbahnfahrt. Großer Hype zur ersten Ankündigung. Leichte Ernüchterung, als es so wirkte, als wäre es fast eine Kopie des Vorgängers. Sorge um die „Verspieltheit“ der Crafting-Mechaniken. Und letztendlich Gänsehaut während des Story-Trailers.

Ich bin sehr gespannt auf das Spiel. Allerdings halte ich meine Erwartungen im Zaum. Lieber lasse ich mich wieder positiv überraschen, als dass ich davon ausgehe, auf die gleiche Weise verzaubert zu werden, wie es bei Breath of the Wild passiert ist.

Bildmaterial: The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom, Nintendo

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In der Vergangenheit haben wir oft erlebt, wie kleinere Projekte im selben Atemzug wie die Blockbuster desselben Jahres genannt wurden. Beispiele hierfür sind unter anderem Hades, Stray oder Rogue Legacy. Es gibt sogar mittlerweile Publisher wie Devolver Digital, die sich ausschließlich darauf beschränken, solche Videospiel-Perlen zu finden und auf den Markt zu bringen.

Ein beliebter, optischer Stil vieler Indie-Spiele ist ein Pixel-Look, der ein wenig wie aufgebohrtes 8- oder 16-Bit wirkt und an die guten alten Zeiten auf dem Super Nintendo, Sega Mega Drive oder NES erinnert. Oft geht das auch Hand in Hand mit dem Game-Design der Titel. Es wird von „klassischem Retro-Gameplay“ gesprochen. Und meistens sind diese Spiele wirklich großartig und lassen sich von den Meilensteinen der Vergangenheit inspirieren; damit ein Videogame sich allerdings wirklich „retro“ anfühlt, ist etwas mehr nötig.

Eine Frage des Respekts

Ich selbst bin mit dem NES aufgewachsen. Meine ersten Gaming-Erinnerungen gehören Tetris, Super Mario Bros. und DuckTales. Und ich finde durchaus, dass sich Spiele damals anders angefühlt haben. Und lange war mir nicht klar, was der Unterschied zwischen den Spielen der alten Schule und – in diesem Kontext – modernen Titeln war. Wieso fühlt sich ein The Legend of Zelda: Ocarina of Time so anders an als ein A Link to the Past?

Das erste Mal habe ich den klaren Unterschied zu einem Game im Retro-Look und einem Game mit Retro-Gameplay bemerkt, als ich Shovel Knight gespielt habe. Hier fühlte ich mich tatsächlich in meine Kindheit zurückversetzt. Der Titel machte irgendwas anders als der Rest. Und nachdem ich ein paar Stages der Plattformer-Perle hinter mich gebracht hatte, war es klar: Es respektiert mich als Spieler.

Und dieser Respekt äußert sich auf unterschiedliche Weise. Der offensichtlichste Aspekt ist, dass Shovel Knight meine Intelligenz respektiert hat. Das Spiel präsentierte mich nicht mit ausschweifenden Tutorials oder Textboxen. Es bot mir direkten Zugang zur Action und brachte mir all seine Mechaniken und Kniffe innerhalb des ersten Levels bei. Jeder Bildschirm der ersten Stage war liebevoll und mit Bedacht darauf aufgebaut, mir zu zeigen, wie ich die limitierten, aber komplett unterschiedlichen Aktionen des kleinen Schaufelritters nutzen kann, um im Spiel voranzukommen.

Diese Herangehensweise erfordert natürlich wesentlich mehr Hirnschmalz vonseiten des Level-Designers. Es wäre einfach eine Textbox aufploppen zu lassen, die mir jedes noch so kleine Detail zur Steuerung des Spiels verrät. Aber auf die Weise, wie Shovel Knight an diesen Aspekt herangeht, wird es mir als Spieler erlaubt, einen „Hurra“-Moment zu haben.

Und dies ist der nächste Punkt: Es respektiert meine Fähigkeiten. Das Spiel ist teilweise etwas knifflig, aber immer fair. Und es gibt mir die Möglichkeit eine Situation zu verstehen, zu meistern und daran zu wachsen. Der Weg wird zum Ziel. Etwas, das sich manche Spiele nicht trauen, in der Sorge, die Motivation der SpielerInnen zu verlieren.

Es ist diese Design-Entscheidung, die mich damals so für das Hobby begeistert hat, und die ich auch heute noch in Spielen suche. In den vergangenen Jahren waren die Games, die mich am meisten gefesselt haben, Titel, die genau diesen Ansatz verfolgt haben. Es waren Videospiele, in denen es mir erlaubt war, selbst zu lernen, zu verstehen und mir das Gefühl geben, dass meine Intelligenz, Zeit und Können respektiert werden.

Moderne Spiele, mit Retro-Mindset

Persönlich bin ich ein großer Fan dieser Sparte von Game-Design. Vielleicht bin ich darum auch leicht für Titel zu begeistern, die sehr viele Optionen bieten, ihre Mechaniken zu meistern. So spiele ich regelmäßig in Fighting-Game-Turnieren, um mich mit anderen zu messen, ich übe stundenlang Arcade-Games für den perfekten Lauf. Das macht für mich echtes „Retro“-Gefühl aus.

Und ein Spiel muss weder „klein“, noch Indie oder mit Pixel-Optik überzogen sein, um mir diesen speziellen Vibe zu geben. Mein liebster Titel aus 2022 ist Elden Ring. Es war das erste Soulsborne-Game, in welches ich mich wirklich investiert hatte. Und es war leicht zu sehen, warum die Spiele dieser Art von vielen so geliebt werden.

Ebenso erging es mir mit Tunic. Der Titel wurde aufgrund seines Designs schnell als eine Hommage an die Zelda-Reihe betitelt. Und auch spielerisch ist es einfach, diesen Vergleich zu ziehen. Allerdings geht es weit darüber hinaus, dass ihr einen Helden spielt, der ein Schwert schwingt und Rätsel löst.

Das Spiel gibt euch relativ wenig Informationen zu der Welt, den Items oder was ihr überhaupt tun müsst. Vieles davon müsst ihr selbst herausfinden. Zum Beispiel, indem ihr die Seiten der Spielanleitung findet, welche über die Welt verstreut sind. Ein weiteres Beispiel dafür, wie sehr ein Game SpielerInnen respektieren kann. Tunic hat damit im späteren Verlauf einen der befriedigendsten „Eureka“-Momente, die ich seit Jahren erleben durfte.

Letztendlich ist es natürlich kein Qualitätsmerkmal, ob ein Spiel dieses Retro-Design vertritt. Jede/r SpielerIn hat andere Vorlieben. Für mich persönlich ist es aber ein Aspekt, den ich bei Games sehr genieße. Das geht auch meist damit einher, dass ich es mag, wenn ich direkt loslegen kann, ohne mich erst durch ein zähes Opening, welches mit Erklärungen gefüllt ist, zu quälen. Deshalb finde ich es auch immer schade, wenn ein Titel mit „Retro-Flair“ beworben wird, aber dies dann nicht über den Look hinausgeht.

Bildmaterial: The Messenger, Devolver Digital, Sabotage Studio; Elden Ring, Bandai Namco, FromSoftware; Tunic, Finji; Shovel Knight: Treasure Trove, Yacht Club Games; Steel Assault, Tribute Games

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Erst in der modernen Zeit konnte man sich von diesem Stigma wieder etwas lösen und wir bekamen Hochkaräter wie Insomniacs Spider-Man oder den Indie-Prügler Teenage Mutant Ninja Turtles: Shredder’s Revenge.

Doch ich möchte über einen speziellen Sub-Typ dieser Gaming-Sparte sprechen: Videospiele zu Anime-Serien. Und warum ich denke, dass diese etwas mehr Design-Liebe verdient haben.

Anime-Games auf Retro-Konsolen

Natürlich ist das Konzept eines Videogames auf der Basis eines Animes nichts Neues. Auch wir haben im Westen bereits zahlreiche der früheren Spiele-Adaptionen erhalten. Bei einigen wurden zwar Name und Charakter-Designs ausgetauscht, um die Titel für das Publikum außerhalb von Japan zugänglicher zu machen, aber sie haben es über den Teich geschafft. So wurde aus dem Sega-Mega-Drive-Game des Post-Apokalypse-Klassikers Hokuto no Ken das charakterlose Last Battle.

Prinzipiell kamen Spiele zu Anime-Serien damals in einem von drei Geschmäckern: Fighting-Games, Rollenspiele oder Beat ’em ups. Bei erfolgreichen Franchises wie Sailor Moon war es auch keine Seltenheit, dass von jedem Genre mindestens ein Titel produziert wurde. So gab es in Japan für das Super Nintendo zum Beispiel den Sidescroll-Prügler desselben Namens, das Fighting-Game Sailor Moon S und das RPG Bishoujo Senshi Sailor Moon – Another Story.

Auch Dragon Ball war mit zahlreichen Versus-Fightern und Rollenspielen vertreten. Letztere nutzten oft einen Brettspiel-Ansatz und ein Kampfsystem, welches auf Karten zurückgegriffen hat. Ähnlich wie bei Sailor Moon haben es hier auch einige Veröffentlichungen in den Westen geschafft. Die Fighting-Game-Reihe Dragon Ball Z: Super Butoden hat es unter anderem in die französischen Regale geschafft und damit auch eine PAL-Version erhalten.

Meist waren diese Anime-Spiele einfache Nacherzählungen der Manga- bzw. Seriengeschichten. In manchen Fällen konnte man aber speziell dafür erfundene Storylines erleben oder sich belanglos durch eine Horde von Gegnern kloppen. Es gab aber auch ein paar echte Perlen in anderen Genres zu erleben. So erhielt der Mecha-Anime auf dem Super Nintendo ein prächtiges Shoot ’em up mit dem herrlichen Namen Super Dimension Fortress Macross: Scrambled Valkyrie.

Aufstieg der Arena-Fighter

Wenn man an moderne Anime-Games denkt, denkt man vermutlich meistens an Arena-Fighter. Ein Trend, der mit den Spielen der Reihe Dragon Ball Z: Tenkaichi Budokai begann und später mit den Spielen der Naruto-Ultimate-Ninja-Serie perfektioniert wurde. Hierbei handelt es sich um Spiele, in denen ihr die Action überwiegend über die Schulter eines Charakters erlebt und euch in einem kleinen Areal mit einem gegnerischen Kämpfer prügelt. Diese Titel sind optisch oft toll inszeniert und geben einem die Chance, die Story des Anime noch einmal zu erleben, das Spielsystem ähnelt sich allerdings sehr. Egal ob Naruto, Dragon Ball, Demon Slayer oder My Hero Academia … jedes populäre Franchise bekommt einen Arena-Fighter.

Ebenso beliebt ist es, ein Anime-Franchise einfach in einem Musou-Game zu verarbeiten. Dies bescherte uns Titel wie One Piece: Pirate Warriors oder Dynasty Warriors: Gundam. Und genau wie bei Arena-Fightern soll das nicht bedeuten, dass es sich hier um schlechte Spiele handelt. Besonders Fans der Serien haben oft viel Spaß daran, sich in der Rolle ihrer liebsten Charaktere durch Horden von Gegnern zu metzeln.

Allerdings wirkt es dadurch oft so, als würde den Entwicklern die Inspiration oder der Wille dazu fehlen, mehr aus der Welt eines Anime herauszuholen. Dass eine solche Adaption mehr sein kann als ein weiterer Musou- oder Arena-Prügler zeigte zum Beispiel Ubisoft 2007 mit dem Xbox-360-exklusiven Naruto: Rise of a Ninja. Hierbei handelte es sich um ein Action-Adventure, welches die ersten 80 Episoden des Anime abdeckt und euch unter anderem ein frei erkundbares Konohagakure präsentiert hatte.

Und glücklicherweise scheint die Industrie hier auch langsam der Meinung zu sein, dass ein Anime-Game mehr sein kann als nur ein weiteres Spiel, das einer der populären Formpressen entsprungen ist. Im Februar dieses Jahres bekamen wir One Piece Odyssey – ein perfektes Beispiel dafür, was ein Anime-Videospiel noch sein kann. Kein Fighting-Game, in dem man dieselben Story-Parts erneut erlebt, die man bereits aus der Vorlage kennt, sondern ein Rollenspiel von den Entwicklern von Dragon Quest XI. Ein erfrischender Ansatz, Spielern die Möglichkeit zu geben, Charaktere und Welt eines Anime neu erleben zu können.

Oder auch der Überraschungshit Shin-chan: Meine Sommerferien mit dem Professor, der es 2022 auch in den deutschen Nintendo eShop geschafft hat. Hier wurde nicht nur ein echtes Anime-Urgestein in ein Videospiel verpackt, es war auch das erste Mal, dass die Videospielreihe Boku no Natsuyasumi (Meine Sommerferien) einen Ableger für den Westen erhalten hat. Eine tolle Fusion von zwei nischigen Franchises, die viel positives Feedback geerntet hat.

Doch auch abseits von eher selten bedienten Genres haben Anime-Games mittlerweile gezeigt, dass sie mehr können: Dragon Ball FighterZ ist ein wahr gewordener Liebesbrief an den Shonen-Meilenstein von Akira Toriyama. Gleichzeitig handelt es sich dabei um ein exzellentes 2D-Fighting-Game, welches bis heute einen Platz in der eSport-Szene des Genres vertritt.

Und auch wenn es natürlich in der Zukunft immer noch einen Platz für Musou-Games und Arena-Fighter geben muss: Die oben genannten Beispiele sind ein Beweis dafür, dass eine Anime-Adaption in Videospiel-Form so viel mehr sein kann. Ich wünsche mir einfach etwas mehr Liebe und Leidenschaft bei der Umsetzung meiner Favoriten aus Fernost. Wenn ich also nun bitte ein Chainsaw-Man-Game im Stil von Bayonetta haben dürfte? Das fände ich dufte.

Titelbild: One Piece Odyssey, Bandai Namco, ILCA

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Nachdem ich für über zwei Jahre Speedruns in A Link to the Past gespielt habe, streame ich mittlerweile mindestens einmal pro Woche einen Randomizer für den Titel. Es ist vermutlich das einzige Singleplayer-Spiel, in das ich im Laufe meiner Gaming-Karriere diese Menge an Zeit hineingesteckt habe.

Auch sein direkter Nachfolger, The Legend of Zelda: Link’s Awakening, war ein Dauergast in meinem Game Boy. Ocarina of Time war das erste Videospiel, für dessen Veröffentlichung ich echten Hype verspürt hatte, ich konnte es kaum erwarten, bis Weihnachten 1998 da war und ich den Titel auspacken durfte. Dasselbe geschah auch mit Twilight Princess, dem Spiel, das ich mir am ersten Tag zu meiner Wii gekauft hatte.

The Legend of Zelda und ich hatten immer ein sehr gutes Verhältnis. Zwar taugten mir ein paar Spiele der Reihe weniger als andere, aber wirklich enttäuscht wurde ich nie. Und als Nintendo angekündigt hatte, dass mit Breath of the Wild ein großes Open-World-Zelda in der Mache ist, war ich natürlich auch Feuer und Flamme. Jedenfalls zuerst.

Das ist NICHT mein Zelda …

Je mehr Nintendo von The Legend of Zelda: Breath of the Wild gezeigt hatte, desto weniger hatte ich Lust auf den Titel: Man hat nicht die ikonische, grüne Tunika an? Waffen brechen nach wenigen Angriffen und müssen neu eingesammelt werden? Kochen? In meinem Zelda-Game?

Es wirkte alles auf mich, als wollte Nintendo hier The Legend of Zelda in eine Sparte packen, wo es nicht hingehört. Dem Trend der Survival-Games nachjagen, anstatt mir das zu geben, was ich mir gewünscht hatte: ein echtes Zelda-Game mit einer offenen Spielwelt.

Und auch als ich Breath of the Wild im Januar 2017 auf einem Presse-Event anspielen konnte, war ich nicht überzeugt. Ständig hatte ich das Gefühl, nach Waffen suchen zu müssen, da die Stöcke und rudimentären Schwerter, die ich gefunden hatte, immer wieder zerbrachen. Zudem sollte es keine klassischen Paläste mehr geben. Zwar war von vier Story-Dungeons die Rede, aber viel von dem, was einen in früheren Zelda-Verliesen erwartet hatte, wurde nun in eine Vielzahl kleiner Schreine ausgelagert.

Zur Veröffentlichung der Nintendo Switch im darauffolgenden März gab es natürlich nicht wirklich eine große Auswahl an Spielen. Darum griff ich dennoch zu Breath of the Wild, was der einzige große Launch-Titel für den Konsolen-Hybrid war. Ich brachte das neue Nintendo-Gerät nach Hause, schloss es an, packte Zelda in den Modulschacht und bereitete mich mental darauf vor, ein paar zornige Tweets zu schreiben.

Das ist GENAU mein Zelda!

Und so kam es auch. Von den ersten 30 Minuten Spielzeit verbrachte ich einige zornige Minuten an meinem Smartphone. Mich störte, wie nervig das Kampfsystem ist: Wie zäh dessen Dynamik durch das ständige Brechen von Waffen ist, und wie ätzend es ist, dauernd in das Menü zu gehen, um mich zu heilen. Ich sprach davon, wie es gefühlt keinen richtigen Reward für den Kampf gibt. Außer einem Haufen zerbrochener Schwerter.

Und dennoch spielte ich weiter. Und weiter. Immer mehr wurde mir klar, dass ich falsch lag. Denn ich ging mit dem Mindset in das Spiel, dass es einfach kein richtiges Zelda-Game ist. Und es stellte sich schnell heraus, dass es genau das bot, was mich als Kind an A Link to the Past so fasziniert hatte: Zum ersten Mal seit Ewigkeiten verspürte ich den Drang, die Welt zu erkunden, meine eigenen Lösungen zu finden, ohne dass mir das Spiel vorkaut, was zu tun ist. Ich hatte sehr früh erste Momente, bei denen ich Herausforderungen kreativ und durch Experimente lösen konnte.

Und ich fühlte mich wieder wie der kleine Matthias, der ein kniffliges Overworld-Rästel auf dem Super Nintendo gelöst hatte. Es war auch an dieser Stelle, als ich kleinlaut einem meiner Freunde eine Nachricht geschickt habe: „Ich wollte es hassen. Aber es ist leider gut.“

Etwas, das sich auch Tage später nicht ändern sollte. Als ich das erste Mal das Tutorial-Areal verlassen konnte und sich die Spielwelt in ihrer gesamten Größe offenbarte, ließ ich ein echtes „Oh mein Gott“ erklingen. Und es wurde mir schnell klar, dass Breath of the Wild nicht nur ein echtes The Legend of Zelda ist, sondern die Art von The Legend of Zelda, die ich immer wieder gewollt habe.

Es ist ein Spiel, von dem mein kindliches Ich besessen gewesen wäre. Und auch ich konnte es für viele Tage nicht aus der Hand legen. Solange, bis ich zum ersten Mal den Abspann sehen konnte. Und das wurde von mir extrem hinausgezögert. Denn ich wollte eines nicht: dass es vorbei ist. Breath of the Wild war für mich ein Meilenstein. Und es war so gut, dass ich mir selbst mit einer verbissenen Antihaltung eingestehen musste, was für ein Meisterwerk wir hier bekommen hatten.

Bildmaterial: The Legend of Zelda: Breath of the Wild, Nintendo

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Und auch heute bin ich für das Genre noch immer leicht zu begeistern. Dementsprechend groß war meine Vorfreude auf Octopath Traveler, als es 2018 für die Nintendo Switch erschienen ist.

Auf dem Papier schien es alles zu liefern, was ich mir von einem japanischen Rollenspiel erhoffe: gut geschriebene Charaktere, ein spannendes Kampfsystem und mitreißende Musikstücke. Dass der Titel mit seiner HD-Pixeloptik zudem ein echter Hingucker war, hat natürlich auch zu meinem – und dem allgemeinen – Hype beigetragen.

Die Prämisse des Spiels erinnerte mich ein wenig an Titel wie Suikoden 2 oder Unlimited Saga. Ihr habt eine Gruppe aus unterschiedlichen Helden, die zusammengeführt werden, um dann ein gemeinsames Abenteuer zu erleben.

Glücklicherweise wurde die Wartezeit auf Octopath Traveler auch mit einer Demo-Version verkürzt. Diese bot genug Einblick in den Titel, um mich positiv zu stimmen und glauben zu lassen, dass meine Erwartungen erfüllt werden.

Die Geschichte, die ich in der Demo erlebt hatte, war emotional und weckte mein Interesse, mehr erfahren zu wollen. Das Kampfsystem war dynamisch und ließ mich nur erahnen, wie die unterschiedlichen Charaktere und deren Fähigkeiten meine strategischen Entscheidungen beeinflussen würden. Als die Vollversion des Spiels dann Ende Oktober 2018 erschien, kam es jedoch anders, als ich erwartet hatte.

So packt man das „einsam“ in gemeinsam

Zuerst deckte sich mein Eindruck mit den Impressionen, die ich aus der Demo-Version gesammelt hatte: Die einzelnen Geschichten der unterschiedlichen Charaktere waren interessant erzählt und brachten ihre Motivationen und Eigenheiten perfekt zur Geltung. Allerdings blieb dabei ein Aspekt komplett auf der Strecke: der Rest der Party.

Denn auch wenn ihr Stück für Stück die Gruppe zusammenführt, so kommt es nicht zu gehaltvollen Interaktionen. Mitglieder der Gruppe sind in den Geschichten anderer Helden einfach nur stummes Beiwerk. In manchen Handlungssträngen ergibt es nicht einmal Sinn, dass diese vor Ort sind.

Es war dieser Umstand, der meine Bindung zu dem Spiel leider komplett gebrochen hatte. Schade. Denn das spielerische und technische Gerüst von Octopath Traveler hatte mir gut gefallen. Allerdings war es die Art und Weise, wie die Geschichten der Protagonisten zusammengeführt wurden – oder besser, wie dies nicht passiert ist – etwas, das mich so gestört hat, dass ich meine Zeit mit dem Spiel schon früh beendete.

Und dabei hatte ich mich eigentlich nie als einen Story-Spieler bezeichnet. Persönlich sind für mich Mechaniken und Gameplay meist das Wichtigste an einem Videospiel. In Rollenspielen muss ich aber eine Verbindung zur Gruppe aufbauen können. Ich möchte Zeit mit ihnen verbringen und sehen, wie sie gemeinsam die Welt retten. Das ist vielleicht auch der Grund, warum ich mit den Titeln der Persona-Reihe immer mehr anfangen kann als mit den „reinen“ Shin-Megami-Tensei-Spielen, auch wenn mir das Kern-Gamplay der klassischen SMT-Games wesentlich besser gefällt.

Die Demo macht auch nur ihren Job

Was den Frust um diesen Umstand noch etwas verstärkte, war der Fakt, dass die Möglichkeit Octopath Traveler zuvor als Demo zu testen, meine Kaufentscheidung noch verstärkte. Allerdings hatte ich im Nachhinein das Gefühl, dass hier nur ein sehr bestimmter Teil des Endprodukts beworben wurde, der leider nicht die Kontinuitätsprobleme des fertigen Spiels darstellen konnte.

Und ich möchte an dieser Stelle Square Enix nichts unterstellen. Es ist verständlich, dass die Demo des Spiels nur einen Bruchteil davon darstellen kann, was die Vollversion ausmacht. Auch halte ich es für einen sehr positiven Trend, dass viele Rollenspiele mittlerweile Demos haben, die einem anbieten, ihren Fortschritt in das fertige Spiel zu übertragen. Denn auf dem Papier ist es natürlich immer von Vorteil, ein Produkt vorher testen zu können.

Triangle Strategy war hier ein Beispiel, bei dem ich mich aufgrund der Demo gegen einen Kauf entschieden hatte. Als Fan von Disgaea und Final Fantasy Tactics war die Aussicht auf ein neues SRPG natürlich verlockend. Aber mir wurde schnell klar, dass der Titel wohl in eine Richtung geht, die mir nicht gefallen würde.

Letztendlich ist es meine Schuld, dass ich von dem Inhalt der Demo auf den Inhalt der Vollversion geschlossen hatte. Vor allem bei einem Aspekt wie der Story, welche sich natürlich über viele Stunden entfalten muss. Dennoch bleibt der Gedanke zurück, dass Octopath Traveler hier sein Kernversprechen nicht halten konnte.

Eine zweite Chance

Ich war auch nicht der Einzige, der sich an diesem Aspekt von Octopath Traveler gestört hatte. Viele lobten die Optik, die Musik und das Kampfsystem. Auch die einzelnen Geschichten der acht Helden wurden immer positiv erwähnt. Aber irgendwie kam kein harmonisches Gesamtbild zustande.

Nun hat Square Enix die Möglichkeit zu beweisen, dass sie das besser können. Octopath Traveler II scheint ersten Berichten zufolge viele der Wehwehchen des Vorgängers zu beheben – auch der Test hier auf JPGAMES unterstreicht das. Einer der größten Kritikpunkte, die ich bisher gelesen hatte, war, dass sich das Spiel zu „vertraut“ anfühlt. Daran würde ich mich persönlich nicht stören.

Nachdem ich aufgrund meiner negativen Erfahrungen mit dem ersten Teil auch den zweiten Teil schon abgeschrieben hatte, ist mein Interesse mittlerweile geweckt. Die Angst, erneut enttäuscht zu werden, ist groß, aber die Neugier steigt mit jedem Tag.

Ein Trailer zu Octopath Traveler II

Bildmaterial: Octopath Traveler II, Square Enix, Acquire

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Und obwohl Three Houses zu meinen absoluten Lieblingsspielen im Veröffentlichungsjahr gezählt hat, und ich ein großer Fan von Strategie-RPGs bin, konnte ich mich nicht dazu durchringen, mir Fire Emblem Engage zu besorgen. Und das hat im ersten Schritt nicht einmal etwas mit der Güte des Spiels zu tun. Aber der Titel hat es im Vorfeld einfach nicht geschafft, mein Interesse zu wecken. Selbst nachdem sein Vorgänger ein so stabiles Fundament gelegt hatte.

Der Grund ist einfach: Es fehlte mir ein klarer „Hook“ – etwas, das dieses Fire Emblem ausmacht und ihm Seele gibt. Leider hat es in vorhergehenden Präsentationen sogar etwas getan, was mich tatsächlich mit den Augen rollen ließ: Es klammert sich mal wieder zu sehr an sein Vermächtnis und versucht mir das als Feature zu verkaufen.

„Hey! Die kennt ihr!“

Doch was meine ich damit, wenn ich sage, dass sich Fire Emblem zu sehr an seine Vergangenheit klammert? Es ist die Art und Weise, wie Nintendo glaubt, dass ich in Ekstase gerate, wenn ich weiß, dass dieses Spiel mal wieder Charaktere aus vergangenen Teilen der Reihe zurückbringt. Und hier ist das Problem. Zum einen weiß ich durch Super Smash Bros. natürlich, wer Ike, Roy und Co. sind, aber ich habe keinerlei Bezug zu diesen Helden. Selbst Charaktere wie Lucina und Byleth, die ich aus ihren respektiven Fire-Emblem-Abenteuern kenne, lassen mich hier kalt.

Was mich interessieren würde, ist, was dieses neue Fire Emblem ausmacht. Was hebt es von den anderen ab? Was ist das „Gimmick“? Alles, was Nintendo mir sagt, ist: „Hier schau her: Ganz viele Charaktere von früher.“ Vielleicht mit der Hoffnung, dass ich für diese Figuren so viel Nostalgie verspüre wie für Mario, Link und Kirby.

Und das ist auch nicht verwunderlich. Nintendo als Firma ködert in vielen ihrer Spiele das Publikum mit Nostalgie. Manchmal mehr, manchmal weniger dreist. Allerdings zähle ich Fire Emblem persönlich immer noch zu den eher nischigeren Serien von Big N.

Zudem gibt es bereits so viele andere Produkte, welche Fire-Emblem-Fans mit massig Fanservice versorgen und alle ihre Lieblingskämpfer unter einen Schirm bringt: Neben dem erfolgreichen Mobile-Game Fire Emblem Heroes gibt es gleich zwei Teile der Musou-Game-Reihe Fire Emblem Warriors. Es gibt also keinen Grund, dass ein neuer Teil der Reihe ebenfalls mit den Schatten der Vergangenheit belegt werden muss.

Einige Kritiker sprechen auch davon, dass es eine bedeutende Schwäche von Fire Emblem Engage sei, den alten und neuen Cast sinnvoll zusammenzuführen. Es wirkt so, als würde Nintendo nicht genug Vertrauen in das Spiel haben, und es darum extra versucht, mit Nostalgie aufzuladen und so an den Kunden zu bekommen.

So macht es die Konkurrenz

Auch lösen es andere Entwickler wesentlich eleganter. Square Enix zum Beispiel weiß um die Beliebtheit jedes einzelnen Final-Fantasy-Games. Aber dennoch steht jeder neue Teil der Reihe für sich selbst und bietet einen spannenden neuen Stab an Charakteren. Gleichzeitig bieten sie Fans abseits der Main-Line-Spiele die Möglichkeit, ihre Favoriten in Titeln wie Dissidia, Theatrhythm oder dem Final Fantasy Trading Card Game zu erleben. Und selbst wenn sie in den ersten Teilen der Kingdom-Hearts-Reihe noch auf ihre Final-Fantasy-Legacy zurückgegriffen haben, wurde dieser Trend später auch begraben und der Reihe damit mehr eigene Identität verschafft.

Es gibt auch Entwickler, die sich um ihre Legacy bewusst sind, und mittlerweile dennoch die alten Helden aus dem Rampenlicht nehmen, um Platz für neue Protagonisten zu schaffen. Zwei aktuelle Beispiele sind SNK und Capcom. Beide sind gerade dabei, die Poster-Boys ihrer Fighting-Game-Franchises The King of Fighters und Street Fighter auszutauschen.

Mit der Veröffentlichung von The King of Fighters XV sind zum Beispiel Kyo und Iori in den Hintergrund gerutscht und überlassen den Newcomern Shun’ei und Isla das Rampenlicht. Street Fighter 6 setzt zum ersten Mal auf den Fighter Luke, welcher in Street Fighter V eingeführt wurde. Er ersetzt hier Ryu, welcher seit jeher als die Hauptfigur des Franchises agiert hat. Etwas, das Capcom tatsächlich bereits mit Street Fighter III versucht hatte.

Also … Nostalgie bedeutet schlecht?

Absolut nicht. Nintendo ist hier ja gleichzeitig das beste Beispiel, wie gut man Nostalgie in sinnvoller Weise als Feature verkaufen kann. Mario Kart benutzt Assets und Ideen aus der Nintendo-Welt, um großartige Pisten zu kreieren. Super Smash Bros. ist mittlerweile nicht nur ein Liebesbrief an die Geschichte des Unternehmens, sondern an die Videospielindustrie an sich.

Und es kann auch vollkommen sein, dass es genug Spieler gibt, die sich über die Repräsentation ihrer Lieblinge in Fire Emblem Engage freuen. Ich selbst hätte mich mehr gefreut, wenn das Spiel die Chance bekommen hätte, mehr für sich selbst zu stehen. Und sei es nur innerhalb der Marketing-Kampagne.

Bildmaterial: Fire Emblem Engage, Nintendo, Intelligent Systems

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Und auch wenn viele Spieler erst mit Persona 5 in die Serie eingestiegen sind, ist es nun noch leichter, Teil 3 und 4 der Reihe nachzuholen. Ab heute sind diese auf Konsolen und PCs verfügbar und für Abonnenten des Xbox Game Pass sogar ohne weitere Kosten spielbar.

Beide Spiele sind ursprünglich auf der PlayStation 2 erschienen und haben jeweils eine Neuveröffentlichung mit zusätzlichen Inhalten auf den Sony-Handhelds PlayStation Portable und Vita erhalten. Der Director’s Cut Persona 4 Golden war zumindest bereits über Steam verfügbar, jetzt steht er aber auch Konsolenspielern zur Verfügung.

Es ist also eure Gelegenheit. Die Frage, die ihr euch aber stellen solltet, wenn ihr bisher lediglich Persona 5 erlebt habt: Wollt ihr wirklich ältere Spiele der Reihe spielen?

Ein hartes Pflaster

Persona ist ein Spin-off der düsteren JRPG-Serie Shin Megami Tensei (SMT). Diese läuft unabhängig von Persona und hat zuletzt auf der Nintendo Switch ein neues Spiel erhalten. SMT teilt sich viele spielerische Gemeinsamkeiten mit Persona: Ihr könnt Dämonen rekrutieren, sie mit anderen verschmelzen und innerhalb des Kampfsystems die Element-Schwächen eurer Gegner für erweiterte Züge nutzen.

Doch warum erzähle ich das überhaupt? Shin Megami Tensei ist tatsächlich für einen Gameplay-Aspekt berüchtigt: hoher Schwierigkeitsgrad. Wenn man es mit dem üblichen Meme darstellen möchte: SMT ist das Dark Souls der Monster-Sammel-Games.

Und frühere Persona-Spiele haben diesen Aspekt seiner Gaming-Wurzeln mehr dargestellt als spätere. Dungeons bieten keine Checkpoints, es ist lediglich möglich manuell zu speichern. Wenn euer Hauptcharakter in einem Kampf KO geht, heißt es Game Over. Kombiniert damit, dass manche Gegner einen schnell mit kritischen Treffern überrumpeln können, kann das schon einmal dazu führen, dass mehrere Stunden Dungeon-Spielzeit auf einmal ausgelöscht werden.

Wer eher von der alten Schule ist, der wird davon nicht kalt erwischt. Viele alte JRPGs haben auf diese Weise funktioniert. Aber gerade Spieler, die sich an automatisches Speichern gewöhnt haben, kann diese Design-Entscheidung überraschen.

Doch auch abseits dieses Aspekts müsst ihr euch bei Persona 3 und 4 ein wenig auf Abstriche einstellen. Wie bereits erwähnt, handelt es sich hier um Spiele, die auf der PlayStation 2 erschienen sind. Und während das Design der Titel immer noch großartig ist, so könnte der Look mancher 3D-Modelle moderne Spieler eventuell abschrecken.

Die auf aktuellen Plattformen verfügbare Version von Person 3 ist Persona 3 Portable. Neben dieser Variante existiert unter anderem der PlayStation-2-Titel Persona 3 FES. Portable unterscheidet sich von FES in einigen Aspekten. Und auch wenn manche Teile des Titels verbessert wurden, fehlen ein paar Dinge, die moderne Persona-Spieler eventuell erwarten. Persona 3 Portable bietet keine Anime-Sequenzen. Die Story wird lediglich durch Dialoge vorangetrieben. Zusätzlich bietet das Spiel keine „echte“ Overworld. Ihr klickt euch stattdessen durch die Spielwelt, anstatt sie selbst zu erkunden.

Allerdings gibt es natürlich auch positive Änderungen. Persona 3 Portable erlaubt es euch, eure Partymitglieder direkt zu befehligen. Etwas, was in FES nicht möglich ist, es konnten zwar Strategien für eure Gruppe gewählt werden, aber eine präzise Auswahl an Kommandos war nicht verfügbar.

Aber lohnt es sich, zurückzugehen? Will man die älteren Teile der Reihe nun spielen? Wenn ihr Persona 5 gemocht habt, dann auf jeden Fall. Denn auch Persona 3 und 4 bieten den gleichen Gameplay-Hook, der die Reihe mittlerweile so besonders macht: die Social-Simulation neben dem JRPG. Ihr trefft in beiden Games auf interessante Charaktere, mit denen ihr eure limitierte Freizeit verbringen könnt, um eure Bindung zu stärken und damit neue Fähigkeiten freizuschalten.

Logischerweise gibt es auch einen ersten und zweiten Teil der Reihe. So wenig berauschend die Auswahl der Spiele auf der PlayStation Mini war, eines der darauf verfügbaren Spiele ist Revelations: Persona – das erste Spiel der Serie. Wer also noch weiter zurückreisen möchte und den Ursprung des Franchises erleben möchte, das ist eine einfache – legale – Möglichkeit dies zu tun. Seid aber gewarnt, dass es sich hier wirklich um alte Games handelt, die noch mehr in eine sehr spezielle Nische schlagen. Hier existiert auch noch nicht der Mix aus Social-Game und RPG.

In welcher Reihenfolge spiele ich die Games am besten?

Da die Persona-Spiele jeweils eigene Geschichten bieten, die nicht miteinander verwoben sind, ist es grundsätzlich egal, in welcher Reihenfolge ihr diese angeht. Tendenziell kann man hier danach gehen, welcher Teil euch eher mit seinem „Vibe“ trifft. Persona 3 ist eher düster, während Persona 4 etwas fröhlicher daherkommt.

Persona 3 ist Hip-Hop, Persona 4 ist Pop. Aber wer sich darum sorgt, dass man von fehlenden Quality-of-Life-Features verschreckt wird, für den bietet Persona 4 eine brauchbare Brücke. Gerade die verfügbare Version, Persona 4 Golden, ist noch einmal etwas zugänglicher als die Vanilla-Variante.

Bildmaterial: Persona 4 Golden, Atlus, P-Studio

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Aber es gab auch eine kleine Sache, die mich an Persona 5 unglaublich faszinierte, und mir bei jeder Spiele-Session ein Lächeln auf die Lippen gezaubert hat: Das Wohngebiet, in dem der Titel spielt.

Dieses Gebiet trägt im Spiel den Namen Yongen-Jaya, liegt im Südwesten von Tokyo und besteht aus einer Ansammlung dichter Gassen mit mehreren Wohngebäuden, kleineren Shops und anderen Einrichtungen. Und damit bekommt man mich leicht. Ich liebe Gassen. Der Charme und die Romantik von Yongen hat mich – gepaart mit dem jazzigen Soundtrack – jedes Mal mit einer warmen Decke von Melancholie überzogen, wenn die Tage in der Spielwelt von Persona 5 dem Abend entgegengingen.

Yongen-Jayas echter Name

Als ich 2019 Japan besucht habe, verbrachte ich etwas mehr als eine Woche in Tokyo. Dort traf ich mich mit einem Freund, der für Forschungszwecke ein Jahr in der Stadt lebte. Auch er hatte zuvor Persona 5 gespielt und erklärte mir, dass Yongen-Jaya kein fiktiver Ort ist. Im echten Leben heißt das Gebiet Sangenjaya. Als er mir anbot, dort eine kleine Persona-Sightseeing-Tour zu starten, war ich natürlich Feuer und Flamme.

Wie bereits erklärt, ist Sangenjaya ein Stadtteil von Tokyo. Er befindet sich im Südwesten, unter Shibuya, neben Meguro. Die Gebäude des Viertels sind recht alt und niedrig gebaut. Das liegt primär daran, dass dieses Viertel von den bereits erwähnten Gassen durchzogen ist, welche teilweise gerade einmal Raum für zwei nebeneinander laufende Personen bietet. In Japan ist die maximale Höhe eines Gebäudes durch die Breite der anliegenden Straßen limitiert. Deshalb sieht man die hohen Gebäude auch immer an Hauptstraßen und Autobahnen.

Durch seine Altbauten bekommt Sangenjaya teilweise fast einen heruntergekommenen Look. Allerdings versprüht das Wohngebiet dadurch einen ganz eigenen Charme. Wenn man zuvor im Hochglanz-Japan von Shinjuku oder Shibuya unterwegs war, so kann man hier den Vorhang etwas beiseite ziehen und einen Einblick in eine Welt abseits des Tourismus erhalten.

Persona-5-Fans können in Sangenjaya ein paar Orte wiederfinden, die sie auch im Spiel besucht haben. Am prominentesten natürlich das Café LeBlanc, welches als Wohnhaus des Protagonisten fungiert.

Allerdings findet ihr in Sangenjaya hier kein Café, in dem Curry und Kaffee serviert werden. Früher war hier ein Bistro, das nun aber dauerhaft geschlossen ist.

Auch der Waschsalon, in dem ihr eure, in Dungeons gefundene, Ausrüstung säubert, existiert in der echten Welt. Hier ist es spannend zu sehen, welche Orte von den Entwicklern von Sangenjaya nach Yongen-Jaya übernommen wurden. Mittlerweile ist es tatsächlich ein kleines Problem geworden, dass diese Waschschneise von Persona-Touristen häufig besucht und fotografiert wird.

Ein Querschnitt „echtes“ Tokyo

Fans von Persona 5 sollten sich Sangenjaya also auf jeden Fall einmal ansehen. Und wenn es nur dafür ist, das Gefühl des Games auch einmal im echten Leben vermittelt zu bekommen. Aber auch als „regulärer“ Japan-Tourist ist das Viertel spannend. Denn hier bekommt man einen Eindruck eines echten Wohnbezirks abseits der Hochhäuser und Läden, welche man findet, sollte man sich mehr in der Innenstadt aufhalten.

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Doch warum erzähle ich euch das überhaupt? Aktuell werden wir regelmäßig mit Farming-Games oder Titeln mit einem starken Bezug zu dem Genre beworfen. Aktuell veröffentlichte zum Beispiel Square Enix Harvestella. Und auch wenn ich mich mit jeder Ankündigung darüber hätte freuen können, dass ich mehr Genre-Futter bekomme, wurde mir lediglich eines klar: Wir brauchen keine neuen Farming-Games.

Das falsche Harvest Moon

Doch bevor ich auf dieses Statement eingehe, möchte ich kurz abschweifen. Wusstet ihr, dass Harvest Moon nicht „Harvest Moon“ ist? Es erscheinen zwar immer noch Spiele, die diesen Namen tragen, diese haben aber mit den früheren Teilen der Reihe nichts mehr zu tun. Seit 2014 tragen die Harvest-Moon-Spiele im Westen den Titel Story of Seasons. Dies ist nah am Original-Namen der Reihe, welche in Japan als Bokujō Monogatari (Farming Story) bekannt ist.

Nun könnte man sich fragen, warum dann trotz einer Reihe neuer Story-of-Seasons-Spiele auch noch immer Harvest-Moon-Titel erscheinen. Diese sind nicht länger von Marvelous entwickelt. Stattdessen werden diese Spiele von dem früheren Publisher, Natsume, veröffentlicht, welche immer noch die Rechte an dem Namen haben.

Qualitativ sind die Harvest-Moon-Ableger auch wesentlich schwächer als die Spiele der Story-of-Seasons-Reihe. Die beiden aktuellen Titel sind Pioneers of Olive Town und das Remake des Game-Boy-Advance-Spiels Friends of Mineral Town. Gerade Letzteres ist eine Empfehlung für SpielerInnen, welche die alten, simpleren Zeiten des Genres vermissen.

Alte Hunde lernen keine neuen Tricks

Was ist jetzt aber das Problem mit dem Genre? Es gibt einen ganz klaren König in Form von Stardew Valley. Ein mittlerweile sechs Jahre alter Titel, welcher von einer einzigen Person über den Zeitraum von vier Jahren entwickelt wurde. Der Mann hinter Stardew Valley ist Eric Barone. Eric liebt, genau wie ich, Harvest Moon: Back to Nature. Und für lange Zeit wünschte er sich, dass es ein Spiel gibt, das an die Qualitäten des PlayStation-Games herankommt. Darum setzte er sich daran, Stardew Valley zu entwickeln. Ein Projekt, in dem seine ganze Leidenschaft für jenes Spiel seiner Jugend steckt.

Zu seiner Veröffentlichung war Stardew Valley bereits allen anderen Spielen des Farming-Genres überlegen. Es nahm alle Aspekte, welche Back to Nature so besonders gemacht hatten und drehte die Regler dafür auf elf: In seinem Kern bietet das Spiel gemütliches Farming-Gameplay mit wichtigen, ökonomischen Entscheidungen. Doch das ist nicht alles.

Wie in Back to Nature liegt auch ein großer Fokus auf den sozialen Aspekten des Farmlebens. Ihr könnt eine Beziehung mit NPCs eingehen, diese besser kennenlernen und sogar den Bund der Ehe eingehen. Und in den vergangenen Jahren wurde Stardew Valley nur noch besser. Kostenlose Updates fügten laufend neue Inhalte hinzu. Darunter sogar die Möglichkeit, den Titel kooperativ zu spielen.

Unter dem Strich nahm Stardew Valley das System, welches Harvest Moon in den frühen 2000ern aufgebaut hatte, und perfektionierte es. All das, während sowohl Harvest Moon als auch Story of Seasons damit beschäftigt sind, auch nur aufzuholen. Die Reihe, welche früher das Genre definiert hat, ist qualitativ und innovativ so weit hinter dem, was der neue Standard ist, dass hier fast jede Relevanz verloren wurde.

Und das wirkt sich auch auf andere Spiele aus. Ich muss mich mittlerweile mit der Ankündigung eines neuen Spiels im Farming-Genre fragen: Und was macht dieses nun besser als Stardew Valley? Oftmals ist die Antwort einfach: nichts. Die Konkurrenz ist so damit beschäftigt, an den neuen Genre-König anzuschließen, dass nicht einmal daran zu denken ist, dass wir mit etwas Frischem, etwas Neuem, überrascht werden können.

Die Ausnahmen der Regel

Das heißt nicht, dass ich nicht dennoch andere Spiele in der Vergangenheit genossen habe, welche in dieselbe Kerbe wie Story of Seasons und Stardew Valley schlagen. Oft braucht es hier aber einen Twist, der den Titel von diesen abhebt, um interessant zu sein. Das Remaster von Rune Factory 4 auf der Nintendo Switch war ein Titel, den ich sehr genossen habe. Darum hatte ich mich sehr auf den fünften Teil der Reihe gefreut, dieser litt aber auf dem Nintendo-Hybrid am Switch-Syndrom und war technisch leider ungenießbar.

Ein weiteres Spiel, womit ich aktuell viel Spaß habe und spirituell in eine ähnliche Kerbe schlägt, ist Potion Permit. Hier lebt ihr als Alchemist in einer Stadt, um die Leiden seiner Bewohner zu lindern und andere Tränke herzustellen. Dafür nutzt ihr Zutaten, die ihr in der Wildnis sammelt. Das Spiel hat mich von seiner Seele sehr an Stardew Valley erinnert. Es ist dadurch, dass es auch Kampfeinlagen bietet, etwas involvierter als das Farming-Game, bietet aber ein ähnliches Maß an Liebe zum Detail.

Letztendlich ist es nicht so, dass ich mir nicht wünsche, dass dieser eine Titel erscheint, welcher Stardew Valley vom Thron stößt. Jedoch wird sich jedes Spiel dieser Art bis dahin mit dem aktuellen König messen müssen. Und dieser Thron steht auf einem hohen Berg aus Leidenschaft und Feinschliff, der für viele nicht so einfach zu erklimmen sein wird.

Bildmaterial: Harvest Moon: One World, Rising Star Games, Nintendo, Natsume

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